Moderne jazz russiske sangere. Sovjetisk politik og udviklingen af ​​jazz i Rusland

Jazz er musik fyldt med passion og opfindsomhed, musik, der ikke kender nogen grænser og grænser. Det er utroligt svært at lave sådan en liste. Denne liste blev skrevet, omskrevet og derefter omskrevet igen. Ti er et for begrænsende tal til en musikalsk genre som jazz. Men uanset mængden er denne musik i stand til at puste liv og energi, vække fra dvale. Hvad kunne være bedre end fed, utrættelig, varmende jazz!

1. Louis Armstrong

1901 - 1971

Trompetisten Louis Armstrong er æret for sin livlige stil, opfindsomhed, virtuositet, musikalske udtryksevne og dynamiske spektakel. Kendt for sin rasende stemme og en karriere, der strækker sig over fem årtier. Armstrongs indflydelse på musikken er uvurderlig. Generelt betragtes Louis Armstrong som den største jazzmusiker gennem tiderne.

Louis Armstrong med Velma Middleton & His All Stars - Saint Louis Blues

2. Duke Ellington

1899 - 1974

Duke Ellington er en pianist og komponist, der har været jazzorkesterleder i næsten 50 år. Ellington brugte sit band som et musikalsk laboratorium til sine eksperimenter, hvor han demonstrerede talenterne hos bandmedlemmerne, hvoraf mange blev hos ham i lang tid. Ellington er en utrolig begavet og produktiv musiker. I løbet af sin halvtreds år lange karriere har han skrevet tusindvis af kompositioner, herunder film- og musikpartiturer, samt mange kendte standarder som "Cotton Tail" og "It Don't Mean a Thing".

Duke Ellington og John Coltrane

3. Miles Davis

1926 - 1991

Miles Davis er en af ​​de mest indflydelsesrige musikere i det 20. århundrede. Sammen med sine bands har Davis været en central figur inden for jazzmusik siden midten af ​​1940'erne, herunder be-bop, cool jazz, hard bop, modal jazz og jazzfusion. Davis har ubønhørligt rykket grænserne for kunstneriske udtryk, og derfor bliver han ofte identificeret som en af ​​de mest innovative og respekterede kunstnere i musikhistorien.

Miles Davis Kvintet

4. Charlie Parker

1920 - 1955

Saxofonistvirtuosen Charlie Parker var en indflydelsesrig jazzsolist og en førende skikkelse i udviklingen af ​​be-bop, en jazzform præget af hurtige tempoer, virtuos teknik og improvisation. I sine komplekse melodiske linjer kombinerer Parker jazz med andre musikgenrer, herunder blues, latin og klassisk musik. Parker var en ikonisk figur i Beat-subkulturen, men han transcenderede sin generation for at blive indbegrebet af en kompromisløs, intellektuel musiker.

Charlie Parker

5. Nat King Cole

1919 - 1965

Kendt for sin silkebløde barytonstemme, bragte Nat King Cole jazzens følelsesmæssige karakter til populær amerikansk musik. Cole var en af ​​de første afroamerikanere, der var vært for et tv-program, der blev overværet af jazzkunstnere som Ella Fitzgerald og Eartha Kitt. En fænomenal pianist og fremtrædende improvisator, Cole var en af ​​de første jazzkunstnere, der blev et popikon.

Nat King Cole

6. John Coltrane

1926 - 1967

På trods af en relativt kort karriere (først akkompagneret i en alder af 29 i 1955, formelt påbegyndt en solokarriere som 33-årig i 1960 og døende i en alder af 40 i 1967), er saxofonisten John Coltrane den vigtigste og mest kontroversielle figur inden for jazz. På trods af en kort karriere havde Coltrane på grund af sin berømmelse mulighed for at optage i overflod, og mange af hans optagelser blev udgivet posthumt. Coltrane har radikalt ændret sin stil i løbet af sin karriere, men alligevel bevarer han en kultfølge af både sin tidlige, traditionelle lyd og sin mere eksperimenterende lyd. Og ingen, nærmest med et religiøst engagement, tvivler på hans betydning i musikhistorien.

John Coltrane

7 Thelonious Munk

1917 - 1982

Thelonious Monk er en musiker med en unik improvisationsstil, den næstmest genkendelige jazzkunstner efter Duke Ellington. Hans stil var præget af energiske, perkussive linjer blandet med barske, dramatiske stilheder. Under sine optrædener, mens resten af ​​musikerne spillede, rejste Thelonious sig fra keyboardet og dansede i flere minutter. Efter at have skabt de klassiske jazzkompositioner "Round Midnight", "Straight, No Chaser", endte Monk sine dage i relativ uklarhed, men hans indflydelse på moderne jazz er mærkbar den dag i dag.

Thelonious Monk - Rund midnat

8. Oscar Peterson

1925 - 2007

Oscar Peterson er en innovativ musiker, der har opført alt fra Bachs klassiske ode til en af ​​de første jazzballetter. Peterson åbnede en af ​​de første jazzskoler i Canada. Hans "Hymn to Freedom" blev hymnen for borgerrettighedsbevægelsen. Oscar Peterson var en af ​​de mest talentfulde og vigtige jazzpianister i sin generation.

Oscar Peterson - C Jam Blues

9. Billie Holiday

1915 - 1959

Billie Holiday er en af ​​jazzens vigtigste skikkelser, selvom hun aldrig skrev sin egen musik. Holiday gjorde "Embraceable You", "I'll Be Seeing You" og "I Cover the Waterfront" til berømte jazzstandarder, og hendes fremførelse af "Strange Fruit" anses for at være en af ​​de bedste i amerikansk musikhistorie. Selvom hendes liv var fuld af tragedie, demonstrerede Holidays improvisationsgeni, kombineret med hendes skrøbelige, noget raspende stemme, en hidtil uset dybde af følelser uden sidestykke af andre jazzsangerinder.

Billie Holiday

10. Svimmel Gillespie

1917 - 1993

Trompetisten Dizzy Gillespie er bebop-innovator og mester i improvisation, såvel som en pioner inden for afrocubansk og latinjazz. Gillespie har samarbejdet med forskellige sydamerikanske og caribiske musikere. Med en dyb passion behandlede han den traditionelle musik i afrikanske lande. Alt dette tillod ham at bringe hidtil usete innovationer til moderne jazzfortolkninger. Gennem sin lange karriere turnerede Gillespie ubønhørligt og betog publikum med sin baret, hornbriller, hævede kinder, lethjertethed og sin utrolige musik.

Dizzy Gillespie feat. Charlie Parker

11. Dave Brubeck

1920 – 2012

Dave Brubeck er komponist og pianist, jazzpromotor, borgerrettighedsaktivist og musikforsker. En ikonoklastisk performer, der kan genkendes fra en enkelt akkord, en rastløs komponist, der flytter grænserne for genren og bygger bro mellem musikkens fortid og fremtid. Brubeck samarbejdede med Louis Armstrong og mange andre berømte jazzmusikere og påvirkede også avantgardepianisten Cecil Taylor og saxofonisten Anthony Braxton.

Dave Brubeck

12. Benny Goodman

1909 – 1986

Benny Goodman er en jazzmusiker bedre kendt som "King of Swing". Han blev en popularizer af jazz blandt hvide unge. Hans optræden markerede begyndelsen på en æra. Goodman var en kontroversiel personlighed. Han stræbte ubønhørligt efter perfektion, og det afspejlede sig i hans tilgang til musik. Goodman var ikke bare en virtuos spiller – han var en kreativ klarinettist og innovator fra før-bebop jazz-æraen.

Benny Goodman

13. Charles Mingus

1922 – 1979

Charles Mingus er en indflydelsesrig jazzkontrabassist, komponist og jazzorkesterleder. Mingus' musik er en blanding af varm og sjælfuld hard bop, gospel, klassisk musik og free jazz. Hans ambitiøse musik og formidable temperament gav Mingus tilnavnet "jazzens vred mand". Hvis han bare var en stregspiller, ville få mennesker kendt til hans navn i dag. Han var højst sandsynligt den største kontrabassist nogensinde, en der altid holdt fingrene på pulsen af ​​jazzens voldsomme udtrykskraft.

Charles Mingus

14. Herbie Hancock

1940 –

Herbie Hancock vil altid være en af ​​de mest ærede og kontroversielle musikere inden for jazz - det samme vil hans arbejdsgiver/mentor Miles Davis. I modsætning til Davis, der støt bevægede sig fremad og aldrig så sig tilbage, zigzagger Hancock mellem næsten elektronisk og akustisk jazz og endda r "n" b. På trods af hans elektroniske eksperimenter er Hancocks kærlighed til klaveret ikke aftaget, og hans klaverstil fortsætter med at udvikle sig til stadig mere stringente og komplekse former.

Herbie Hancock

15. Wynton Marsalis

1961 –

Den mest berømte jazzmusiker siden 1980. I begyndelsen af ​​80'erne blev Wynton Marsalis en åbenbaring, da en ung og meget talentfuld musiker besluttede sig for at leve af at spille akustisk jazz frem for funk eller R"n"B. Siden 1970'erne har der været stor mangel på nye trompetister inden for jazz, men Marsalis uventede berømmelse inspirerede en ny interesse for jazzmusik.

Wynton Marsalis - Rustiques (E. Bozza)

Historien om sovjetisk (efter 1991 - russisk) jazz er ikke blottet for originalitet og adskiller sig fra periodiseringen af ​​amerikansk og europæisk jazz.

Musikhistorikere opdeler amerikansk jazz i tre perioder:

• traditionel jazz, herunder New Orleans-stil (herunder Dixieland), Chicago-stil og swing - fra slutningen af ​​det 19. århundrede. indtil 1940'erne;
• moderne(moderne jazz), inklusive stilarterne bebop, cool, progressive og hard-boys - fra begyndelsen af ​​40'erne. og indtil slutningen af ​​50'erne. XX århundrede;
• avantgarde(fri jazz, modal stil, fusion og fri improvisation) - siden begyndelsen af ​​1960'erne.

Det skal bemærkes, at ovenstående kun er midlertidige grænser for transformationen af ​​en bestemt stil eller retning, selvom de alle eksisterede sammen og fortsætter med at eksistere den dag i dag.

Med al respekt for den sovjetiske jazz og dens mestre, skal det ærligt indrømmes, at sovjetjazzen i de sovjetiske år altid var sekundær, baseret på de ideer, der oprindeligt opstod i USA. Og først efter at russisk jazz var kommet langt, i slutningen af ​​det 20. århundrede. vi kan tale om originaliteten af ​​jazz, som udføres af russiske musikere. Ved at bruge jazzens rigdom opsamlet gennem et århundrede bevæger de sig deres egen vej.

Jazzens fødsel i Rusland fandt sted et kvart århundrede senere end dens oversøiske modstykke, og den periode med arkaisk jazz, som amerikanerne gennemgik, er slet ikke til stede i den russiske jazzs historie. På det tidspunkt, hvor en musikalsk nyhed netop blev hørt i det unge Rusland, dansede Amerika til jazz med magt og hoved, og der var så mange orkestre, at det ikke var muligt at tælle deres antal. Jazzmusik fik mere og mere publikum, lande og kontinenter. Meget mere heldig europæisk offentlighed. Allerede i 1910'erne, og især under Første Verdenskrig (1914-1918), forbløffede amerikanske musikere den gamle verden med deres kunst, og pladeindustrien bidrog også til udbredelsen af ​​jazzmusikken.

1. oktober 1922 betragtes som fødselsdagen for sovjetisk jazz, da han i Great Hall of the State Institute of Theatre Arts udførte en koncert "Det første excentriske jazzband i RSFSR". Det var sådan, de skrev dette ord - jazzband. Dette orkester var organiseret af en digter, oversætter, geograf-rejsende og danser Valentin Parnakh(1891-1951). I 1921 vendte han tilbage til Rusland fra Paris, hvor han havde boet siden 1913 og var bekendt med fremragende kunstnere, forfattere og digtere. Det var i Frankrig, at denne fremragende og højtuddannede person, lidt mystisk, som elskede alt avantgarde, mødte de første jazzgæstekunstnere fra Amerika og, revet med af denne musik, besluttede at gøre russiske lyttere bekendt med musikalsk eksotisme. Det nye orkester krævede usædvanlige instrumenter, og Parnakh bragte til Moskva en banjo, sæt lyddæmpere til trompeten, tomtom med fodpedal, bækkener og støjinstrumenter. Parnakh, der ikke var musiker, havde en utilitaristisk holdning til jazzmusik. "Han blev tiltrukket af denne musik af usædvanlige, brudte rytmer og nye, som han sagde, "excentriske" danse, huskede den kendte forfatter, dramatiker, manuskriptforfatter Yevgeny Gabrilovich senere, som i nogen tid arbejdede som pianist i orkestret. af Valentin Parnakh.

Musik skulle ifølge Parnakh være et akkompagnement til plastiske bevægelser, anderledes end klassisk ballet. Allerede fra begyndelsen af ​​orkestrets eksistens argumenterede dirigenten for, at en jazzgruppe burde være et "mimic orchestra", således at det i den nuværende forstand er svært at kalde et sådant orkester fuldt ud for et jazzorkester. Mest sandsynligt var det et støjorkester. Måske af denne grund slog jazzen i Rusland oprindeligt rod i det teatralske miljø, og i tre år optrådte Parnakh-orkestret i forestillinger iscenesat af teaterdirektør Vsevolod Meyerhold. Derudover deltog orkestret nogle gange i karnevalsfejringer, optrådt i Pressehuset, hvor Moskvas intelligentsia samledes. Ved koncerten dedikeret til åbningen af ​​Kominterns 5. kongres fremførte orkestermedlemmerne fragmenter fra Darius Milhauds musik til balletten "Bull on the Roof" - en ret svær komposition at fremføre. Jazz Band of Parnakh var det første hold, der blev inviteret til Statens Akademiske Dramateater, men efter nogen tid passede den anvendte værdi af orkestret ikke lederen, og Vsevolod Meyerhold var irriteret over, at så snart orkestret begyndte at spille, publikums opmærksomhed blev nittet til musikerne, ikke til scenehandling. På trods af det faktum, at pressen bemærkede den succesrige brug af musik til at "manifestere dramatisk rytme, slå pulsen på forestillingen", mistede instruktør Meyerhold interessen for orkestret, og lederen af ​​det første jazzband i Rusland vendte tilbage til poesi efter stor og larmende succes. Valentin Parnakh var den første russiske forfatter af artikler om ny musik, og skrev endda digte om jazz. Der er ingen optagelser af Parnakh-ensemblet, da optagelse i USSR først dukkede op i 1927, da ensemblet allerede var gået i opløsning. På dette tidspunkt var der opstået meget mere professionelle kunstnere i landet end "Det første excentriske orkester i RSFSR - Valentin Parnakhs jazzband." Det var orkestre Teplitsky, Landsberg, Utesov, Tsfasman.

I slutningen af ​​1920'erne entusiaster blev fundet i USSR, musikere dukkede op, der spillede det, der var "på øret", som på en eller anden måde kom fra jazz-mekka, fra Amerika, hvor store swing-orkestre begyndte at dukke op på det tidspunkt. I 1926 i Moskva, en kandidat fra konservatoriet og en strålende virtuos pianist Alexander Tsfasman(1906-1971) organiserede "AMA Jazz" (på det kooperative musikforlag under Association of Moscow Authors). Det var det første professionelle jazzorkester i Sovjetrusland. Musikerne udførte kompositionerne af lederen selv, hans arrangementer af amerikanske skuespil og de første musikalske opusser af sovjetiske komponister, der skrev musik i en ny genre til dem. Orkestret optrådte med succes på scenerne i store restauranter i foyeren til de største biografer. Ved siden af ​​navnet på Alexander Tsfasman kan du gentagne gange gentage ordet "først". I 1928 optrådte orkestret i radioen - for første gang lød sovjetisk jazz i luften, og derefter dukkede de første optagelser af jazzmusik op ("Hallelujah" af Vincent Youmans og "Seminola" af Harry Warren). Alexander Tsfasman var forfatteren til den første jazzradioudsendelse i vores land. I 1937 blev der lavet optagelser af Tsfasmans værker: "På en lang rejse", "På kysten", "Mislykket dato" (det er nok til at huske linjerne: "Vi var begge: Jeg var på apoteket, og jeg var leder efter dig i biografen, så det betyder i morgen - samme sted, til samme tid! Tsfasmans tilpasning af den polske tango, i daglig tale kendt som "Den brændte sol", havde fortsat succes. I 1936 blev A. Tsfasmans orkester anerkendt som det bedste i jazzorkestrenes show. I det væsentlige kunne det kaldes en jazzfestival arrangeret af Moscow Club of Art Masters.

I 1939 blev Tsfasman Orchestra inviteret til at arbejde på All-Union Radio, og under den store patriotiske krig rejste orkestrets musikere til fronten. Der blev holdt koncerter i frontlinjen og på frontlinjen, i skovlysninger og i udgravninger. På det tidspunkt blev sovjetiske sange fremført: "Dark Night", "Dugout", "My Favorite". Musik hjalp kæmperne i kort tid med at flygte fra den forfærdelige militære hverdag, hjalp med at huske deres hjem, familie, deres kære. Det var hårdt at arbejde på militærhospitaler, men også her bragte musikerne glæden ved at møde ægte kunst. Men hovedarbejdet for orkestret forblev arbejde på radioen, optrædener på fabrikker, fabrikker og rekrutteringscentre.

Det vidunderlige Tsfasman-orkester, som bestod af dygtige jazzmusikere, eksisterede indtil 1946.

I 1947-1952. Tsfasman stod i spidsen for den symfoniske jazz i Hermitage Variety Theatre. I en vanskelig tid for jazzen (det var 1950'erne), under den kolde krig med USA og Vesten, da publikationer begyndte at dukke op i den sovjetiske presse, der miskrediterede og miskrediterede jazz, arbejdede lederen af ​​orkestret på koncertscenen som en jazzpianist. Derefter samlede maestroen en instrumental kvartet til studiearbejde, hvis hits var inkluderet i fonden for sovjetisk musik:

"Hyggelig aften", "Venter", "Altid med dig". Romancer og populære sange af Alexander Tsfasman, musik til forestillinger og film er kendt og elsket.

I 2000, i "Anthology of Jazz"-serien, udkom Tsfasmans album "Burnt Sun", indspillet på cd, som indeholder komponistens bedste instrumentale og vokale stykker. Om Tsfasman i bogen "Stjerner på den sovjetiske scene" (1986) skrev G. Skorokhodov. A. N. Batashev, forfatteren til en af ​​de mest autoritative publikationer - "Sovjetjazz" (1972) - talte i sin bog om Alexander Tsfasmans liv og arbejde. I 2006 blev bogen "Alexander Tsfasman: Coryphaeus of Soviet Jazz" udgivet af Doctor of Philosophy, forfatter og musikolog A. N. Golubev.

Samtidig med Tsfasmans "AMA Jazz" i Moskva opstod der i 1927 også en jazzgruppe i Leningrad. Dette var "Det første koncert jazzband" pianist Leopold Teplitsky(1890-1965). Endnu tidligere, i 1926, besøgte Teplitsky New York og Philadelphia, hvor han blev sendt af People's Commissariat for Education. Formålet med turen var at studere musik til stumfilmsillustrationer. I flere måneder absorberede musikeren alle rytmerne af ny musik for sig selv, studerede med amerikanske jazzmænd. Da han vendte tilbage til Rusland, organiserede L. Teplitsky et orkester af professionelle musikere (lærere fra konservatoriet, musikskoler), som desværre ikke mærkede jazzspecifikationerne ved den musik, de fremførte. Musikerne, der altid kun spillede fra noder, kunne ikke forestille sig, at den samme melodi hver gang kunne spilles på en ny måde, det vil sige, at der ikke kunne være tale om improvisation. Teplitskys fortjeneste kan betragtes som, at musikerne for første gang optrådte i koncertsale, og selvom lyden af ​​orkestret langt fra var et ægte jazzband, var det ikke længere den excentriske kunst af Valentin Parnakhs støjorkester. Leopold Teplitsky-orkestrets repertoire bestod af skuespil af amerikanske forfattere (dirigenten bragte uvurderlig bagage tilbage - en bunke jazzplader og en hel mappe med orkesterarrangementer Paul Whiteman). Teplitskys jazzband holdt ikke længe, ​​kun få måneder, men selv i løbet af denne korte tid introducerede musikerne lytterne til moderne amerikansk dansemusik, til smukke Broadway-melodier. Efter 1929 udviklede Leopold Teplitskys skæbne sig dramatisk: arrestation på grund af en falsk fordømmelse, NKVD-trojkaens fordømmelse i ti år i lejre, opførelsen af ​​Hvidehavet-Østersøkanalen. Efter konklusionen blev Leopold Yakovlevich tvunget til at bosætte sig i Petrozavodsk (de fik ikke lov til at komme ind i Leningrad). Den musikalske fortid er ikke glemt. Teplitsky organiserede et symfoniorkester i Karelen, underviste på konservatoriet, skrev musik og dirigerede radioudsendelser. Den internationale jazzfestival "Stars and Us" (arrangeret i 1986 i Petrozavodsk) siden 2004 er blevet opkaldt efter pioneren inden for russisk jazz Leopold Teplitsky.

Musikkritik i slutningen af ​​1920'erne kunne ikke værdsætte det nye fænomen kultur. Her er et uddrag fra dengang fra en karakteristisk anmeldelse af jazzen: ”Som middel til karikatur og parodi ... som et groft, men bidsk og pikant rytmisk og klangfarvet apparat, velegnet til dansemusik og til billige ”musikalske undermalerier” i teatralsk brug, - et jazzband har sin egen grund. Ud over disse grænser er dens kunstneriske værdi ikke stor.

Den russiske sammenslutning af proletariske musikere (RAPM) lagde også brænde på ilden, som hævdede den "proletariske linje" i musikken og afviste alt, der ikke svarede til deres ofte dogmatiske syn på kunst. I 1928 offentliggjorde avisen Pravda en artikel med titlen "Om de fedes musik" af den berømte sovjetiske forfatter Maxim Gorky. Det var en vred pamflet, der fordømte "rovdyrenes verden", "fedtets magt." Den proletariske forfatter boede på det tidspunkt i Italien, på øen Capri, og var højst sandsynligt bekendt med den såkaldte "restaurantmusik", som langt fra er ægte jazz. Nogle minutiøse jazzhistorikere hævder, at forfatteren simpelthen var "syg og træt" af de foxtrots, som Gorkys uheldige stedsøn spillede hele tiden på villaens første sal. På den ene eller den anden måde, men den proletariske forfatters udtalelse blev straks opfanget af lederne af RAPM. Og i lang tid blev jazz i vores land kaldt "de fedes musik", uden at vide, hvem der var den sande forfatter af jazzmusik, i hvilke dele af det amerikanske samfund den blev født.

På trods af den vanskelige kritiske atmosfære fortsatte jazzen med at udvikle sig i USSR. Der var mange mennesker, der behandlede jazz som en kunst. Man kan sige om dem, at de havde en "medfødt sans for jazz", som ikke kan udvikles ved øvelser: enten er den der eller ikke. Som komponisten sagde Giya Kancheli(født 1935), "det er umuligt at påtvinge denne følelse, det er nytteløst at lære det, fordi der er noget oprindeligt, naturligt her."

I Leningrad, i lejligheden til en studerende fra Landbrugsinstituttet Heinrich Terpilovsky(1908-1989) i slutningen af ​​1920'erne. der var en hjemmejazzklub, hvor amatørmusikere lyttede til jazz, diskuterede meget og passioneret om ny musik og søgte at forstå jazzens kompleksitet som et kunstnerisk fænomen. De unge musikere blev så revet med af jazzideer, at der hurtigt blev dannet et ensemble, der for første gang skabte jazzrepertoiret. Ensemblet blev kaldt "Leningrad jazz kapel", hvis musikalske ledere var Georgy Landsberg(1904-1938) og Boris Krupyshev. Landsberg tilbage i 1920'erne. boede i Tjekkoslovakiet, hvor Georges far arbejdede i handelsmissionen. Den unge mand studerede på Prags Polytekniske Institut, gik ind for sport, fremmedsprog og musik. Det var i Prag, at Landsberg hørte amerikansk jazz - "Chocolate Boys" Sam Wooding. Prag har altid været en musikalsk by: jazzorkestre, ensembler var allerede bekendt med den oversøiske nyhed. Så efter at have vendt tilbage til sit hjemland, var Georgy Landsberg allerede "bevæbnet" med mere end et dusin jazzstandarder og skrev de fleste af arrangementerne selv. Han blev hjulpet N. Minh og S. Kagan. En atmosfære af kreativ konkurrence herskede i holdet: musikerne tilbød deres egne versioner af arrangementer, hvert forslag blev varmt diskuteret. Indstuderingsprocessen interesserede til tider unge musikere endnu mere end selve forestillingerne. "Jazz Capella" fremførte ikke kun værker af udenlandske komponister, men også originale stykker af sovjetiske forfattere: "Jazz Suite" af A. Zhivotov, N. Minkhs lyrik "Jeg er alene", "Jazz Fever" af G. Terpilovsky. Selv i Leningrad-pressen om ensemblet var der godkendte anmeldelser, hvor fremragende kunstnere blev noteret, som spillede glat, rytmisk, fast og dynamisk. "Leningrad Jazz Capella" turnerede med succes i Moskva, Murmansk, Petrozavodsk, arrangerede "se-koncerter" og introducerede lyttere til "kulturel kammer-type jazz". Repertoiret blev udvalgt meget omhyggeligt under hensyntagen til koncertaktiviteter, men "akademiisme" bragte ikke kommerciel succes, publikum var ikke klar til at lytte til vanskelig musik. Administratorer af teatre og klubber mistede hurtigt interessen for ensemblet, og musikerne begyndte at flytte til andre orkestre. Georgy Landsberg arbejdede sammen med flere musikere på restauranten Astoria, hvor der i begyndelsen af ​​russisk jazz blev holdt jamsessions med udenlandske jazzmænd, der ankom til byen på krydstogtskibe.

I 1930 flyttede mange af G. Landsbergs musikere til Leonid Utesovs mere succesrige orkester, og Landsberg opløste sit orkester og arbejdede som ingeniør i nogen tid (uddannelsen modtaget på Polyteknisk Institut kom godt med). Jazz Capella som koncertgruppe blev genoplivet igen med ankomsten af ​​den talentfulde pianist og arrangør Simon Kagan, og da G. Landsberg genopstod i ensemblet i 1934, lød Capella på en ny måde. Med en genial opfindelse lavede pianisten arrangementer for Bond Leonid Andreevich Diderikhs(1907-?). Han lavede instrumentale arrangementer af sange af sovjetiske komponister, hvilket kreativt berigede hvert partitur. De originale instrumentalstykker af L. Diderikhs er også kendt - "Puma" og "Under Paris' tag". Bandets turnéer i hele Sovjetunionen, som varede ti måneder, bragte stor succes til holdet. I 1935 udløb kontraktperioden med Leningrad Radio, hvis faste orkester var Jazz Capella. Musikerne spredte sig igen til andre orkestre. I 1938 blev G. Landsberg arresteret, anklaget for spionage og skudt (rehabiliteret i 1956). Kapellet ophørte med at eksistere, men forblev i musikkens historie som en af ​​de første professionelle grupper, der bidrog til udviklingen af ​​sovjetisk jazz, og udførte værker af russiske forfattere. Georgy Landsberg var en vidunderlig lærer, der opdragede fremragende musikere, som senere arbejdede i pop- og jazzorkestre.

Jazz er kendt for at være improvisationsmusik. I Rusland i 20-30'erne. 20. århundrede der var få musikere, der mestrede spontan solo-improvisation. Indspilningerne fra disse år er hovedsageligt repræsenteret af store orkestre, hvis musikere spillede deres roller fra noder, herunder solo "improvisationer". Instrumentale stykker var en sjældenhed, akkompagnement til vokalister sejrede. For eksempel "Tea Jazz", organiseret i 1929. Leonid Utyosov(1895-1982) og trompetist-solist i orkestret i Maly Opera Theatre Yakov Skomorovsky(1889-1955), var et godt eksempel på et sådant orkester. Ja, og i sit navn indeholdt den et udskrift: teaterjazz. Det er tilstrækkeligt at huske Grigory Alexandrovs komedie "Merry Fellows", hvor hovedrollerne blev spillet af Lyubov Orlova, Leonid Utesov og hans berømte orkester. Efter 1934, da "jazz-komedien" (som instruktøren først definerede genren af ​​sin film) blev set af hele landet, blev Leonid Utyosovs popularitet som filmskuespiller utrolig. Leonid Osipovich havde optrådt i film før, men i "Merry Fellows" var den rustikke hovedperson - hyrden Kostya Potekhin - forståelig for den brede offentlighed: han sang smukke sange inspireret af komponisten I. O. Dunaevsky, jokede groft, udførte typiske Hollywood-tricks. Alt dette glædede publikum, selvom få mennesker vidste, at en sådan filmstil længe var blevet opfundet i Hollywood. Direktør Grigory Alexandrov skulle kun overføre det til sovjetisk jord.

I 1930'erne Navnet "Tea Jazz" blev ekstremt populært. Entreprenøriske kunstnere tildelte ofte deres orkestre dette navn til rent kommercielle formål, men de var langt fra de virkelig teatralske opførelser af Leonid Utyosovs orkester, som forsøgte at skabe musikalske revyer holdt sammen af ​​en enkelt scenehandling. En sådan teatralisering adskilte Utyosovs underholdningsorkester positivt fra den instrumentelle karakter af L. Teplitskys og G. Landsbergs orkestre og var mere forståelig for den sovjetiske offentlighed. For fælles arbejde tiltrak Leonid Utesov desuden berømte og talentfulde sovjetiske sangskrivere, som f.eks Isaak Dunayevsky, brødre Dmitry og Daniil Pokrassy, ​​​​Konstantin Listov, Matvey Blanter, Evgeny Zharkovsky. Sangene, der lød i orkestrets programmer, smukt arrangeret, blev ekstremt populære og populært elskede.

Leonid Utyosovs orkester havde fremragende musikere, der skulle mestre en ny musikalsk genre. Efterfølgende skabte kunstnerne fra "Te-Jazz" den nationale scene og jazz. Blandt dem var Nikolaj Minkh(1912-1982). Han var en vidunderlig pianist, der gik gennem "sine uforglemmelige universiteter", som musikeren selv huskede, side om side med Isaac Dunayevsky. Denne oplevelse hjalp derefter Minkh til at lede orkestret ved Moscow Variety Theatre og i 1960'erne. deltage i komponerende aktiviteter, skabe musikalske komedier og operetter.

Et træk ved sovjetisk jazz i 1930'erne-1940'erne. det kan anses for, at jazz dengang var "sangjazz" og snarere var forbundet med den type orkester, hvor saxofoner og trommer var uundværlige deltagere ud over hovedinstrumenterne. Det blev sagt om musikerne i sådanne orkestre, at "de spiller jazz" og ikke jazz. Sangformen, som fik stor betydning, var måske formen, den vej, der åbnede jazzmusikken for millioner af lyttere. Men alligevel var denne musik - sang, dans, heterogen og hybrid - langt fra ægte amerikansk jazz. Ja, og hun kunne ikke i en "ren form" slå rod i Rusland. Selv hævdede Leonid Osipovich Utyosov selv, at autentisk tidlig amerikansk jazz var fremmed og uforståelig musik for størstedelen af ​​den sovjetiske offentlighed. Leonid Utyosov - en mand af teater, vaudeville, en fan af syntetisk action - forbandt teatret med jazz og jazz - med teatret. Sådan opstod "Jazz on the Turn", "Music Store" - muntre programmer, hvor musik og humor blev kombineret på en fantastisk måde. Komponist I. O. Dunayevsky arrangerede nogle gange vittigt ikke kun folkelige og populære sange: for eksempel den "jazzede" "Song of the Indian Guest" fra operaen "Sadko", "Duke's Song" fra "Rigoletto", jazzfantasi "Eugene Onegin.

Den kendte jazzhistoriker A. N. Batashev skriver i sin bog "Sovjetjazz": "I midten af ​​1930'erne, i L. Utesovs koncertpraksis, blev grundlaget for genren lagt, bygget på hjemligt musikalsk og poetisk materiale, syntetiserede enkelte elementer af udenlandske teaterforestillinger, afveksling og jazz. Denne genre, som først blev kaldt "teatralsk jazz", og senere, efter krigen, blot "popmusik", udviklede sig mere og mere gennem årene og levede efter sine egne love.

En særlig side i livet for orkestret dirigeret af Utyosov er årene med den store patriotiske krig. På kortest mulig tid blev programmet "Beat the Enemy!" forberedt, hvormed musikerne optrådte i Eremitagehaven, på jernbanestationer for soldater, der rejste til fronten, i outbacken - i Ural og Sibirien, derefter forestillingerne af kunstnerne fandt sted i hæren, i frontlinjezonen. Under krigen var kunstnere både musikere og kæmpere. Mange grupper gik til fronten som en del af store koncerthold. De populære jazzorkestre af Alexander Tsfasman, Boris Karamyshev, Claudia Shulzhenko, Boris Rensky, Alexander Varlamov, Dmitry Pokrass, Isaac Dunayevsky har besøgt mange fronter. Ofte skulle musikere ved fronten arbejde med opførelsen af ​​militære befæstninger, deltage direkte i militære operationer og ... dø.

Den berømte sovjetiske komponist Vano Muradeli, der vendte tilbage fra en tur til fronten, vidnede: "Vores soldaters og chefers interesse for kultur, for kunst, især for musik, er meget stor. Deres store kærlighed nydes af optrædende grupper, der arbejder for fronten, ensembler, jazz. Nu stillede ingen af ​​de kritikere, der tidligere udtrykte tvivl om jazzmusikkens betydning, spørgsmålet "Har vi brug for jazz?" Kunstnere støttede ikke kun moralen med deres kunst, men rejste også midler til konstruktion af fly og kampvogne. Forrest var Utesov-flyet "Merry Fellows" kendt. Leonid Utesov var en fremragende mester på den sovjetiske scene, en favorit blandt mange generationer af sovjetiske lyttere, som vidste, hvordan man "smelter" sig selv med sangen. Så han kaldte sin selvbiografiske bog - "Med en sang gennem livet", udgivet i 1961. Og i 1982 skrev Yu. A. Dmitriev bogen "Leonid Utesov", som fortæller om den berømte bandleder, sanger og skuespiller.

Selvfølgelig kan man argumentere for, at datidens orkestre ikke fuldt ud kan betragtes som jazz, da musikerne ved at spille fra tonerne blev frataget muligheden for at improvisere, hvilket er et brud på jazzmusikkens vigtigste princip. Men jazzmusik kan ikke altid være improvisatorisk, fordi enhver musiker i orkestret, der forsømmer sin rolle, ikke kan improvisere. Duke Ellington Orchestra opførte for eksempel ofte stykker, hvor solopartierne var skrevet fra start til slut af forfatteren. Men ingen ville nogensinde tro, at det ikke var jazz! Og sådanne eksempler er der mange af, for det at tilhøre jazzen er også bestemt af det musikalske udøvende sprogs særegne karakter, dets innationale og rytmiske træk.

1930'erne i USSR var år med hidtil uset opsving på alle områder af det sovjetiske folks liv. I årene med de første femårsplaner var folkets begejstring stor: nye byer, fabrikker, fabrikker blev bygget, jernbaner blev anlagt. Denne socialistiske optimisme, ukendt for hele verden, krævede sin egen musikalske "dekoration", nye stemninger, nye sange. Det kunstneriske liv i USSR har altid været under nøje opmærksomhed af landets partiledelse. I 1932 blev det besluttet at likvidere RAPM og danne en enkelt union af sovjetiske komponister. Resolutionen fra Centralkomiteen for Bolsjevikkernes Kommunistiske Parti "Om omstrukturering af litterære og kunstneriske organisationer" gjorde det muligt at træffe en række organisatoriske foranstaltninger vedrørende massegenrer, herunder jazzmusik. 1930'erne i USSR spillede en vigtig rolle i udviklingen af ​​sovjetisk jazz. Musikerne gjorde forsøg på at skabe deres eget og originale repertoire, men hovedopgaven for dem på det tidspunkt var at mestre færdighederne i jazzudførelse: evnen til at bygge elementære jazzfraser, der tillader improvisation, opretholde rytmisk kontinuitet i gruppen og solospil - alt det, der udgør ægte jazz, selvom det er noteret.

I 1934 inviterede Moskva-plakater publikum til en koncert med Alexander Varlamovs jazzorkester.

Alexander Vladimirovich Varlamov blev født i 1904 i Simbirsk (nu Ulyanovsk). Varlamov-familien var berømt. Oldefar til Alexander Vladimirovich var en komponist, en klassiker fra russisk romantik ("Red Sundress", "Langs gaden fejer en snestorm", "Ved daggry vækker du hende ikke", "Et ensomt sejl bliver hvidt") . Moderen til den fremtidige leder af orkestret var en berømt operasanger, hans far var advokat. Forældre tog sig af deres søns musikalske uddannelse, især da den unge mand var meget dygtig, og ønsket om at blive en professionel musiker forlod ikke det unge talent i alle studieår: først på en musikskole, derefter på GITIS og ved det berømte Gnesinka. Allerede i sine studieår så Varlamov revyen "Chocolate Boys" af Sam Wooding, som gjorde et uudsletteligt indtryk på eleven. Varlamov, efter at have modtaget en fremragende musikalsk uddannelse, besluttede at organisere et ensemble svarende til Hot Seven-ensemblet, kendt fra grammofonplader og radioprogrammer. Louis Armstrong."Ledestjernen" for Varlamov var orkestret Duke Ellington, der beundrede den russiske musiker. Den unge komponist-dirigent udvalgte omhyggeligt musikere og repertoire til sit orkester. Fem år er gået, siden Varlamov dimitterede fra Gnesinka, og et jazzorkester i Den Røde Hærs Centralhus blev oprettet. Det var et instrumentalt orkester, der ligesom mange datidens orkestre ikke strakte sig mod teatralsk jazz. Musikkens udtryksfuldhed blev opnået gennem smukke melodier og arrangementer. Sådan blev stykkerne født: "På karnevallet", "Dixie Lee", "Aftenblade", "Livet er fuld af lykke", "Blue Moon", "Sweet Su". Varlamov oversatte nogle amerikanske jazzstandards til russisk og sang selv. Musikeren havde ikke enestående vokale evner, men nogle gange lod han sig optage på plader og fremførte sange melodisk præcist og overbevisende i indhold.

I 1937-1939. Varlamovs karriere udviklede sig ganske vellykket: musikeren ledede først septetten ("Seven"), derefter var han chefdirigent for jazzorkestret i All-Union Radio Committee, i 1940-1941 gg. - chefdirigent USSR State Jazz Orchestra. Men da krigen begyndte, blev mange musikere fra orkestret kaldt til fronten. Varlamov gav ikke op. Han organiserede blandt de musikere, der blev løsladt fra militærtjeneste og de tidligere sårede, en usædvanlig (man kan sige, mærkelig) "Melodiorkester": tre violiner, bratsch, cello, saxofon og to klaverer. Musikerne optrådte med stor succes i Eremitagen, Metropol, i militærenheder og hospitaler. Varlamov var en patriot. Musikeren donerede sine egne pengebesparelser til konstruktionen af ​​den sovjetiske komponisttank.

Hårde tider i vores lands historie har gentaget i skæbnen for millioner af talentfulde, succesrige og berømte mennesker. Komponisten-dirigenten Alexander Varlamov undslap ikke den grusomme skæbne, i 1943 Da musikerne øvede på George Gershwins berømte Rhapsody in Blues, blev lederen af ​​Melody Orchestra arresteret. Årsagen var fordømmelsen af ​​cellisten, som rapporterede, at Varlamov ofte lytter til udenlandske radioudsendelser, angiveligt venter på tyskernes ankomst osv. Myndighederne troede på denne slyngel, og Varlamov blev først sendt til skovningsstedet i det nordlige Ural. , hvor han arbejdede i de tildelte otte år. En stor afsætningsmulighed for fangerne var orkestret, samlet af musikere og sangere fra lejren, som blev lige så bagtalt som lederen af ​​denne gruppe. Dette ekstraordinære orkester bragte stor glæde til alle ni lejrpunkter. Efter at have aftjent sin periode håbede Alexander Vladimirovich at vende tilbage til Moskva. Men der var stadig et link til Kasakhstan, hvor musikeren arbejdede i små byer: han underviste i børne- og ungdomsmusik, komponerede værker til det russiske dramateater. Kun i 1956 Efter rehabilitering var Varlamov i stand til at vende tilbage til Moskva og blev straks involveret i et aktivt kreativt liv, komponerede musik til film (animeret: "Wonder Woman", "Puck! Puck!", "The Fox and the Beaver" osv. ), dramateatre, varietéorkestre, tv-produktioner, 1990 Ikke længe før Varlamovs død udkom den sidste plade med jazz og symfonisk jazzmusik af den bemærkelsesværdige komponist og dirigent.

Men lad os gå tilbage til førkrigsårene, hvor adskillige jazzorkestre dukkede op i sovjetrepublikkerne på én gang, i 1939 blev organiseret USSR State Jazz. Det var en prototype af fremtidige pop-symfoniorkestre, hvis repertoire bestod af transskriptioner af klassiske værker til stor symfonisk jazz. "Seriøst" repertoire blev skabt af lederen af ​​orkestret Victor Knushevitsky (1906-1974). Til USSR State Jazz talte hovedsageligt i radioen, skrev komponister I. O. Dunayevsky, Yu. Milyutin, M. Blanter, A. Tsfasman osv. På Leningrad-radioen i 1939 Nikolai Minkh organiserede et jazzorkester.

Andre fagforeningsrepublikker sad ikke bagud. I Baku skabte Tofig Guliyev State Jazz Orchestra i Aserbajdsjan SSR. Et lignende orkester optrådte i Armenien under ledelse af Artemy Ayvazyan. Deres republikanske orkestre optrådte i den moldaviske SSR i Ukraine. Et af de berømte allierede jazzorkestre var et hold fra det vestlige Belarus ledet af en førsteklasses trompetist, violinist, komponist Eddie Rosner.

Eddie (Adolf) Ignatievich Rosner(1910-1976) blev født i Tyskland af en polakfamilie, studerede violin på Berlins konservatorium. Han mestrede piben på egen hånd. Hans idoler var berømte Louis Armstrong, Harry James, Bunny Berigen. Efter at have modtaget en fremragende musikalsk uddannelse spillede Eddie i nogen tid i et af de europæiske orkestre og organiserede derefter sit eget band i Polen. Da Anden Verdenskrig begyndte, måtte orkestret flygte fra den nazistiske massakre, da de fleste af musikerne var jøder, og jazz i Nazityskland var forbudt som en "ikke-arisk kunst". Så musikerne fandt tilflugt i det sovjetiske Hviderusland. I de næste to år turnerede bandet med succes i Moskva, Leningrad og under krigen - på fronterne og bagved. Eddie Rosner, som blev kaldt "hvid Armstrong" i sin ungdom, var en talentfuld kunstner, der forstod at vinde publikum med sin dygtighed, charme, smil og munterhed. Rosner er musiker, ifølge mesteren på den russiske scene Yuri Saulsky,"havde en ægte jazzbase, smag." Programmets hits havde stor succes blandt lytterne: "Caravan" af Tizol - Ellington, "St. Louis Blues" af William Handy, "Serenade" af Toselli, "Tales of the Vienna Woods" af Johann Strauss, sangen af Rosner selv "Quiet Water", "Cowboy Song", "Mandolin, Guitar and Bass" af Albert Harris. I løbet af krigsårene begyndte orkestrenes repertoire oftere at bruge de allieredes skuespil: amerikanske og britiske forfattere. Der var mange grammofonplader med indspilninger af indenlandske og udenlandske instrumentalstykker. Mange orkestre spillede musikken fra den amerikanske film Sun Valley Serenade, som spillede det berømte Glenn Miller Big Band i hovedrollen.

I 1946, da jazz begyndte at blive forfulgt, da jazzmænd blev anklaget for kosmopolitisme og bandet blev opløst, besluttede Eddie Rosner at vende tilbage til Polen. Men han blev anklaget for landsforræderi og sendt til Magadan. Fra 1946 til 1953 var den virtuose trompetist Eddie Rosner i Gulag. De lokale myndigheder pålagde musikeren at danne et orkester fra fangerne. Så gik der otte lange år. Efter sin løsladelse og rehabilitering ledede Rosner igen et stort band i Moskva, men selv spillede han mindre og mindre på trompet: Skørbugen, der led under lejrårene, ramte ham. Men orkestrets popularitet var stor: Rosners sange nød konstant succes, musikerne medvirkede i den populære film "Carnival Night" i 1957. I 1960'erne musikere spillede i orkestret, som senere skulle udgøre farven og herligheden af ​​russisk jazz: multiinstrumentalist David Golosjtjekin, trompetist Konstantin Nosov, saxofonist Gennady Holstein. Store arrangementer for bandet skrev Vitaly Dolgov og Alexey Mazhukov,

som ifølge Rosner ikke arrangerede værre end amerikanerne. Maestroen var selv klar over, hvad der foregik inden for verdensjazzen, og stræbte efter at få de bedste eksempler på ægte jazz med i programmerne, hvilket Rosner gentagne gange blev bebrejdet i pressen for at negligere det sovjetiske repertoire. I 1973 vendte Eddie Rosner tilbage til sit hjemland, til Vestberlin. Men karrieren for en musiker i Tyskland udviklede sig ikke: kunstneren var ikke længere ung, han var ikke kendt af nogen, han kunne ikke finde et job i sit speciale. I nogen tid arbejdede han som entertainer i teatret, som overtjener på et hotel. I 1976 døde musikeren. Til minde om den vidunderlige trompetist, bandleder, komponist og talentfulde leder af hans programmer i 1993 i Moskva, i koncertsalen "Rusland", blev der afholdt et vidunderligt show "I selskab med Eddie Rosner". I samme 1993 blev Yu. Zeitlins bog "The Rise and Fall of the Great Trumpeter Eddie Rosner" udgivet. Om en jazzvirtuos, en rigtig showman, en mand med en kompleks eventyrlig karakter og en vanskelig skæbne, fortæller Dmitry Dragilevs dokumentarroman, udgivet i 2011, historien - "Eddie Rosner: Vi smadrer jazzen, koleraen er klar!"

Et godt jazzorkester er svært at skabe, men det er endnu sværere at opretholde det i årtier. Et sådant orkesters levetid afhænger først og fremmest af lederens originalitet - en person og en musiker, der er forelsket i musik. Oleg Lundstrem, komponisten, bandlederen, leder af verdens ældste jazzorkester, opført i Guinness Rekordbog, kan kaldes en legendarisk jazzmand.

Oleg Leonidovich Lundstrem(1916-2005) blev født i Chita, i familien til en fysiklærer Leonid Frantsevich Lundstrem, en russificeret svensker. Forældrene til den fremtidige musiker arbejdede på CER (Chinese Eastern Railway, der forbinder Chita og Vladivostok gennem Kina). I nogen tid boede familien i Harbin, hvor en stor og mangfoldig russisk diaspora samledes. Her boede både sovjetiske borgere og russiske emigranter. Familien Lundstrem har altid elsket musik: hans far spillede klaver, og hans mor sang. Børn blev også introduceret til musik, men de besluttede at give børnene en "stærk" uddannelse: begge sønner studerede på Handelsskolen. Oleg Lundstrems første eksponering for jazz kom i 1932, da en teenager købte en plade af Duke Ellingtons orkester "Dear Old South" (Kære Gamle Sydland). Oleg Leonidovich huskede senere: "Denne plade spillede rollen som en detonator. Hun ændrede bogstaveligt talt hele mit liv. Jeg opdagede et hidtil ukendt musikalsk univers.

På Harbin Polytechnic Institute, hvor den kommende patriark af sovjetjazz fik sin videregående uddannelse, var der mange ligesindede venner, der gerne ville spille deres yndlingsmusik. Så en kombination blev skabt af ni russiske studerende, der spillede til fester, dansegulve, festlige baller, nogle gange optrådte holdet på lokalradio. Musikerne lærte at "fjerne" populære jazzstykker fra plader, lavede arrangementer af sovjetiske sange, primært I. Dunaevsky, selvom Oleg Lundstrem senere huskede, at han altid ikke forstod, hvorfor George Gershwins melodier var ideelle til jazz, men sangene fra Det var sovjetiske komponister ikke. De fleste af medlemmerne af det første Lundstrem-orkester var ikke professionelle musikere, de fik en teknisk uddannelse, men de var så passionerede omkring jazz, at de bestemt besluttede kun at beskæftige sig med denne musik. Efterhånden blev holdet berømt: de arbejdede i dansesale i Shanghai, turnerede i Hong Kong, Indokina og Ceylon. Lederen af ​​orkestret - Oleg Lundstrem - begyndte at blive kaldt "Kongen af ​​Jazz i Fjernøsten."

Da den store patriotiske krig begyndte, søgte unge mennesker - sovjetiske borgere - til Den Røde Hær, men konsulen meddelte, at mens musikere var mere nødvendige i Kina. Det var en svær tid for musikerne: der var lidt arbejde, offentligheden ville ikke have det sjovt og danse, økonomien blev overhalet af inflationen. Først i 1947 fik musikerne tilladelse til at vende tilbage til USSR, men ikke til Moskva, som de ønskede, men til Kazan (Moskva-myndighederne var bange for, at "Shanghai" kunne blive rekrutterede spioner). Først var der en beslutning om at lave et jazzorkester af Tatar ASSR, men året efter, 1948, blev dekretet fra centralkomiteen for Bolsjevikkernes kommunistiske parti "Om operaen "Store venskab" af Muradeli" blev udstedt og fordømte formalisme i musikken. I dekretet blev operaen, som Stalin ikke brød sig om, kaldt "et ondskabsfuldt antikunstnerisk værk", "næret af indflydelsen fra dekadent vesteuropæisk og amerikansk musik." Og musikerne fra Lundstrem-orkestret fik tilbudt at "vente med jazz".

Men det er aldrig for sent at lære! Og Oleg Lundstrem kom ind på Kazan-konservatoriet i klassen komposition og dirigering. I løbet af deres studier formåede musikerne at optræde i Kazan, at optage på radioen, og opnå et ry som det bedste swingorkester. Særligt 12 tatariske folkesange blev værdsat, som Lundstrem glimrende arrangerede "til jazz". De lærte om Lundstrem og hans "konspiratoriske big band" i Moskva. I 1956 ankom jazzmænd til Moskva i den tidligere "kinesiske" komposition og blev Rosconcertens orkester. Gennem årene har sammensætningen af ​​orkestret ændret sig. I 1950'erne "shine": tenorsaxofonist Igor Lundstrem, trompetister Alexey Kotikov og Uskyld Gorbuntsov, Bass spiller Alexander Gravis, trommeslager Zinovy ​​​​Khazankin. solister i 1960'erne. der var unge improvisatorer: saxofonister Georgy Garanyan og Alexey Zubov, trombonist Konstantin Bakholdin, pianist Nikolaj Kapustin. Senere, i 1970'erne, blev orkestret fyldt op med saxofonister Gennady Golstein, Roman Kunsman, Stanislav Grigoriev.

Oleg Lundstrem Orkester førte et aktivt turné- og koncertliv, tvunget til at regne med et bredt publikums smag, som opfattede jazz som en underholdende sang- og dansekunst. Derfor i 1960-1970'erne. ikke kun jazzmusikere og sangere arbejdede i holdet, men også popartister. Oleg Lundstrem Orchestra har altid forberedt to programmer: et populært sang- og underholdningsprogram (for indbyggerne i oplandet) og et instrumentalt jazzprogram, som var en stor succes i Moskva, Leningrad og store byer i Unionen, hvor offentligheden var allerede bekendt med jazzkunst.

Orkestrets instrumentale program bestod af klassiske jazzstykker (fra repertoiret af Count Basie og Glenn Millers bigbands, Duke Ellington), samt værker skrevet af bandmedlemmerne og maestro Lundstrem selv. Disse var "Fantasy om Moskva", "Fantasi om temaerne for Tsfasmans sange", "Foråret kommer" - en jazzminiature baseret på en sang af Isaac Dunayevsky. I musikalske suiter og fantasier - værker af stor form - kunne musikere-solister vise deres evner. Det var rigtig instrumental jazz. Og unge jazzmænd, som så vil udgøre farven på russisk jazz, - Igor Yakushenko, Anatoly Kroll, Georgy Garanyan- komponerede deres værker opfindsomt og med stor smag. Oleg Lundstrem "opdagede" talentfulde vokalister, der fremførte popsange. Orkestret sang på forskellige tidspunkter Maya Kristalinskaya, Gyuli Chokheli, Valery Obodzinsky, Irina Otieva. Og selvom sangmaterialet var upåklageligt, var bigbandet og dets instrumentalsolister altid i søgelyset.

Oleg Lundstrems musikalske "universitet" gennem de mange årtier af orkestrets eksistens er blevet bestået af mange russiske musikere, hvis liste ville tage mere end én side, men bandet ville ikke lyde så professionelt, hvis det ikke var for værket af en af ​​de bedste arrangører - Vitaly Dolgov(1937-2007). Kritikeren G. Dolotkazin skrev om mesterens arbejde: "V. Dolgovs stil gentager ikke den traditionelle fortolkning af et stort orkester, opdelt i sektioner (trompeter, tromboner, saxofoner), mellem hvilke der er konstante dialoger og ruller opkald. V. Dolgov er kendetegnet ved princippet om gennemudvikling af materialet. I hver enkelt episode af stykket finder han et karakteristisk orkesterstof, originale klangkombinationer. V. Dolgov bruger ofte polyfoni-teknikkerne, der overlejrer lag af orkestrale klange. Alt dette giver harmoni og integritet til hans arrangementer.

I slutningen af ​​1970'erne, da et stabilt jazzpublikum udviklede sig i Rusland, begyndte der at blive afholdt festivaler, Oleg Lundstrem opgav popnumre og helligede sig helt jazzen. Maestroen komponerede selv musik til orkestret: Mirage, Interlude, Humoresque, March Foxtrot, Impromptu, Lilac Blooms, Bukhara Ornament, In the Mountains of Georgia. Det skal bemærkes, at Oleg Lundstrems Mindeorkester den dag i dag fremfører værker komponeret af den russiske jazzmester med stor succes. I 1970'erne komponister, der graviterede mod jazz, dukkede op i USSR: Arno Babajanyan, Kara Karaev, Andrey Eshpay, Murad Kazhlaev, Igor Yakushenko. Deres værker blev også opført af Lundstrem Orkester. Musikerne turnerede ofte i udlandet, optrådte på indenlandske og udenlandske jazzfestivaler: Tallinn-67, Jazz Jamboree-72 i Warszawa, Prag-78 og Prag-86, Sofia-86, Jazz in Duketown-88" i Holland, "Grenoble- 90" i Frankrig, ved Duke Ellington Memorial Festival i Washington i 1991. I løbet af de fyrre år, det har eksisteret, har Oleg Lundstrems orkester besøgt mere end tre hundrede byer i vores land og snesevis af fremmede lande. Det er glædeligt at bemærke, at den berømte gruppe ofte blev indspillet på plader: "Oleg Lundstrem's Orchestra", to albums, forenet under samme navn "Memory of Musicians" (dedikeret til Glenn Miller og Duke Ellington), "In Our Time", "I rige toner" osv.

Batashev A.N. sovjetisk jazz. Historisk essay. S. 43.

Jazzkunstnere opfandt et karakteristisk musikalsk sprog baseret på improvisation, komplekse rytmiske mønstre (swing) og unikke harmoniske mønstre.

Jazz opstod i slutningen af ​​XIX - begyndelsen af ​​XX i USA og var et unikt socialt fænomen, nemlig sammensmeltningen af ​​afrikanske og amerikanske kulturer. Den videre udvikling og stratificering af jazz til forskellige stilarter og understile skyldes, at jazzartister og komponister hele tiden fortsatte med at komplicere deres musik, lede efter nye lyde og mestre nye harmonier og rytmer.

Der er således ophobet en enorm jazzarv, hvor der kan skelnes mellem følgende hovedskoler og stilarter: New Orleans (traditionel) jazz, bebop, hard bop, swing, cool jazz, progressiv jazz, free jazz, modal jazz, fusion osv. e. I denne artikel er ti fremragende jazzartister samlet, efter at have læst dem, vil du få det mest komplette billede af æraen med frie mennesker og energisk musik.

Miles Davis (Miles Davis)

Miles Davis blev født den 26. maj 1926 i Alton (USA). Kendt som en ikonisk amerikansk trompetist, hvis musik havde en enorm indflydelse på jazz- og musikscenen i det 20. århundrede som helhed. Han eksperimenterede meget og modigt med stilarter, og måske er det derfor, Davis-skikkelsen står ved oprindelsen af ​​stilarter som cool jazz, fusion og modaljazz. Miles begyndte sin musikalske karriere som medlem af Charlie Parker Quintet, men formåede senere at finde og udvikle sin egen musikalske lyd. Miles Davis' vigtigste og mest skelsættende album er Birth of the Cool (1949), Kind of Blue (1959), Bitches Brew (1969) og In a Silent Way (1969). Hovedtræk ved Miles Davis var, at han konstant var i kreativ søgen og viste verden nye ideer, og det er grunden til, at historien om moderne jazzmusik så meget skylder hans exceptionelle talent.

Louis Armstrong (Louis Armstrong)

Louis Armstrong, manden, hvis navn kommer til de fleste menneskers sind, når de hører ordet "jazz", blev født den 4. august 1901 i New Orleans (USA). Armstrong havde et blændende talent for at spille trompet og gjorde meget for at udvikle og popularisere jazzmusik over hele verden. Derudover betog han også publikum med sin husky basvokal. Vejen, som Armstrong skulle gå fra tramp til titlen som King of Jazz, var tornet. Og det begyndte i en koloni for sorte teenagere, hvor Louis endte med en uskyldig prank – at skyde en pistol nytårsaften. Forresten stjal han en pistol fra en politimand, en klient til hans mor, som var en repræsentant for det ældste erhverv i verden. Takket være dette ikke alt for gunstige sæt omstændigheder fik Louis Armstrong sin første musikalske oplevelse i lejrens brass band. Der mestrede han kornet, tamburin og althorn. Med et ord gik Armstrong fra marcher i kolonien og derefter episodiske optrædener i klubber til en musiker i verdensklasse, hvis talent og bidrag til jazzens skatkammer næppe kan overvurderes. Indflydelsen fra hans skelsættende album Ella og Louis (1956), Porgy and Bess (1957) og American Freedom (1961) kan stadig høres i nutidige kunstnere af forskellige stilarter.

Duke Ellington (Duke Ellington)

Duke Ellinton blev født 29. april 1899 i Washington DC. Pianist, orkesterleder, arrangør og komponist, hvis musik er blevet en sand nyskabelse i jazzens verden. Hans værker blev spillet på alle radiostationer, og hans indspilninger er med rette inkluderet i "jazzens guldfond". Ellinton er blevet anerkendt over hele verden, har modtaget mange priser, har skrevet et stort antal strålende værker, som inkluderer standarden "Caravan", som gik rundt om i verden. Hans mest bemærkelsesværdige udgivelser inkluderer Ellington At Newport (1956), Ellington Uptown (1953), Far East Suite (1967) og Masterpieces By Ellington (1951).

Herbie Hancock (Herbie Hancock)

Herbie Hancock blev født den 12. april 1940 i Chicago (USA). Hancock er kendt som pianist og komponist, samt ejer af 14 Grammy-priser, som han modtog for sit arbejde inden for jazz. Hans musik er interessant, fordi den kombinerer elementer af rock, funk og soul sammen med free jazz. Også i hans kompositioner kan man finde elementer af moderne klassisk musik og bluesmotiver. Generelt vil næsten enhver sofistikeret lytter være i stand til at finde noget for sig selv i Hancocks musik. Hvis vi taler om innovative kreative løsninger, så regnes Herbie Hancock som en af ​​de første jazzartister, der kombinerede synthesizer og funk på samme måde, musikeren er på forkant med den nyeste jazzstil - post-bop. På trods af den særlige karakter af musikken i nogle stadier af Herbies arbejde, er de fleste af hans sange melodiske kompositioner, der er blevet forelsket i den brede offentlighed.

Blandt hans albums kan følgende skelnes: "Head Hunters" (1971), "Future Shock" (1983), "Maiden Voyage" (1966) og "Takin' Off" (1962).

John Coltrane (John Coltrane)

John Coltrane, en fremragende jazzinnovator og virtuos, blev født den 23. september 1926. Coltrane var en talentfuld saxofonist og komponist, bandleder og en af ​​de mest indflydelsesrige musikere i det 20. århundrede. Coltrane betragtes med rette som en betydningsfuld skikkelse i jazzens udviklingshistorie, som inspirerede og påvirkede moderne kunstnere såvel som improvisationsskolen generelt. Indtil 1955 forblev John Coltrane relativt ukendt, indtil han sluttede sig til Miles Davis-bandet. Et par år senere forlader Coltrane kvintetten og begynder at engagere sig tæt i sit eget arbejde. I disse år indspillede han albums, der udgjorde den vigtigste del af jazzarven.

Det er "Giant Steps" (1959), "Coltrane Jazz" (1960) og "A Love Supreme" (1965), som blev ikoner for jazzimprovisation.

Charlie Parker (Charlie Parker)

Charlie Parker blev født den 29. august 1920 i Kansas City (USA). Kærlighed til musik vågnede ret tidligt op i ham: han begyndte at mestre saxofon i en alder af 11. I 30'erne begyndte Parker at mestre improvisationsprincipperne og udviklede i sin teknik nogle af de teknikker, der gik forud for bebop. Senere blev han en af ​​grundlæggerne af denne stil (sammen med Dizzy Gillespie) og havde generelt en meget stærk indflydelse på jazzmusikken. Som teenager blev musikeren dog afhængig af morfin, og i fremtiden opstod problemet med heroinafhængighed mellem Parker og musikken. Desværre, selv efter behandling i klinikken og bedring, kunne Charlie Parker ikke arbejde så aktivt og skrive ny musik. I sidste ende afsporede heroin hans liv og karriere og forårsagede hans død.

Charlie Parkers mest betydningsfulde jazzalbum er Bird and Diz (1952), Birth of the Bebop: Bird on Tenor (1943) og Charlie Parker med strygere (1950).

Thelonious Monk Quartet (Thelonious Monk)

Thelonious Monk blev født 10. oktober 1917 i Rocky Mount (USA). Han er bedst kendt som jazzkomponist og pianist, såvel som en af ​​grundlæggerne af bebop. Hans originale "revne" spillestil absorberede forskellige stilarter - fra avantgarde til primitivisme. Sådanne eksperimenter gjorde, at lyden af ​​hans musik ikke var helt karakteristisk for jazz, hvilket dog ikke forhindrede mange af hans værker i at blive klassikere inden for denne musikstil. Som en meget usædvanlig person, der fra barndommen gjorde alt for ikke at være "normal", og ligesom alle andre, blev Monk kendt ikke kun for sine musikalske beslutninger, men også for sin usædvanligt komplekse karakter. Mange anekdotiske historier er forbundet med hans navn om, hvordan han kom for sent til sine egne koncerter og engang nægtede at spille på en Detroit-klub, fordi hans kone ikke dukkede op til en forestilling. Og så sad Monk i en stol med armene kors, indtil hans kone endelig blev bragt ind i hallen - i tøfler og morgenkåbe. For øjnene af sin mand blev den stakkels kvinde akut leveret med fly, hvis bare koncerten ville finde sted.

Monks mest bemærkelsesværdige album inkluderer Monk's Dream (1963), Monk (1954), Straight No Chaser (1967) og Misterioso (1959).

Billie Holiday (Billy Holiday)

Billie Holiday, berømt amerikansk jazzvokalist, blev født den 7. april 1917 i Philadelphia. Som mange jazzmusikere begyndte Holiday sin musikalske karriere i natklubber. Med tiden var hun så heldig at møde produceren Benny Goodman, som organiserede hendes første optagelser i studiet. Berømmelse kom til sangeren efter at have deltaget i store bands af sådanne jazzmestre som Count Basie og Artie Shaw (1937-1938). Lady Day (som hendes fans kaldte hende) havde en unik præstationsstil, takket være hvilken hun så ud til at genopfinde en frisk og unik lyd til de mest enkle kompositioner. Hun var især god til romantiske, langsomme sange (såsom "Don't Explain" og "Lover Man"). Billie Holidays karriere var lys og strålende, men ikke lang, for efter tredive år blev hun afhængig af druk og stoffer, hvilket påvirkede hendes helbred negativt. Englestemmen mistede sin tidligere styrke og fleksibilitet, og Holiday mistede hurtigt offentlighedens gunst.

Billie Holiday berigede jazzkunsten med så fremragende albums som "Lady Sings the Blues" (1956), "Body and Soul" (1957) og "Lady in Satin" (1958).

Bill Evans (Bill Evans)

Bill Evans, den legendariske amerikanske jazzpianist og komponist, blev født den 16. august 1929 i New Jersey, USA. Evans er en af ​​de mest indflydelsesrige jazzkunstnere i det 20. århundrede. Hans musikalske værker er så sofistikerede og usædvanlige, at få pianister er i stand til at arve og låne hans ideer. Han kunne mesterligt swinge og improvisere som ingen anden, samtidig var melodi og enkelhed langt fra fremmed for ham - hans fortolkninger af berømte ballader vandt popularitet selv blandt ikke-jazz-publikum. Evans blev uddannet som akademisk pianist, og efter at have tjent i hæren begyndte han at optræde offentligt med forskellige obskure musikere som jazzudøver. Succes kom til ham i 1958, da Evans sluttede sig til Miles Davis-sekstetten sammen med Cannonball Oderley og John Coltrane. Evans betragtes som skaberen af ​​kammerjazztrio-genren, som er kendetegnet ved et ledende improviserende klaver, samt solotrommer og kontrabas sammen med det. Hans musikstil bragte en række farver til jazzmusik - fra opfindsomme yndefulde improvisationer til lyrisk farvede toner.

Evans' bedste albums inkluderer hans soloindspilning af "Alone" (1968), lavet i man-orkester mode, "Waltz for Debby" (1961), "New Jazz Conceptions" (1956) og "Explorations" (1961).

Dizzy Gillespie (Dizzy Gillespie)

Dizzy Gillespie blev født den 21. oktober 1917 i Chirow, USA. Dizzy har mange fortjenester i historien om udviklingen af ​​jazzmusik: han er kendt som trompetist, vokalist, arrangør, komponist og leder af orkestre. Gillespie var også med til at stifte improvisationsjazz sammen med Charlie Parker. Som mange jazzmænd startede Gillespie med at spille i klubber. Derefter flyttede han til New York og kom med succes ind i det lokale orkester. Han var kendt for sin originale, hvis ikke at sige nørdede, adfærd, som med succes vendte de mennesker, der arbejdede med ham, imod ham. Fra det første orkester, hvor en meget talentfuld, men ejendommelig trompetist Dizz tog på turné i England og Frankrig, blev han nærmest smidt ud. Musikerne fra hans andet orkester reagerede heller ikke helt hjerteligt på Gillespies hån mod deres spil. Derudover forstod de færreste hans musikalske eksperimenter – nogle kaldte hans musik "kinesisk". Samarbejdet med det andet orkester endte i et slagsmål mellem Cab Calloway (hans leder) og Dizzy under en af ​​koncerterne, hvorefter Gillespie blev smidt ud af bandet med et brag. Efter skaber Gillespie sin egen gruppe, hvor han og andre musikere arbejder for at diversificere det traditionelle jazzsprog. Således blev stilen kendt som bebop født, på den stil, som Dizzy aktivt arbejdede med.

De bedste albums fra den geniale trompetist inkluderer "Sonny Side Up" (1957), "Afro" (1954), "Birk's Works" (1957), "World Statesman" (1956) og "Dizzy and Strings" (1954).

I årtier har frihedens musik, fremført af svimlende jazzvirtuoser, været en stor del af musikscenen og bare menneskelivet. Navnene på musikerne, som du kan se ovenfor, er udødeliggjort i mange generationers hukommelse, og højst sandsynligt vil det samme antal generationer inspirere og forbløffe med deres dygtighed. Måske er hemmeligheden, at opfinderne af trompeter, saxofoner, kontrabasser, klaverer og trommer vidste, at nogle ting ikke kunne gøres på disse instrumenter, men glemte at fortælle jazzmusikere om det.

Som en af ​​de mest ærede musikalske kunstformer i Amerika lagde jazzen grundlaget for en hel industri, og introducerede adskillige navne på geniale komponister, instrumentalister og vokalister til verden og affødte en bred vifte af genrer. De 15 mest indflydelsesrige jazzmusikere er ansvarlige for et globalt fænomen, der er opstået i løbet af det sidste århundrede i genrens historie.

Jazz udviklede sig i de senere år af det 19. århundrede og begyndelsen af ​​det 20. århundrede som en kombination af klassiske europæiske og amerikanske lyde med afrikanske folkemotiver. Sangene blev fremført med en synkoperet rytme, hvilket gav skub i udviklingen og senere dannelsen af ​​store orkestre til at fremføre den. Musikken har taget et stort skridt fremad fra ragtime til moderne jazz.

Den vestafrikanske musikkulturs indflydelse er tydelig i den måde, musik skrives på, og hvordan den udføres. Polyrytme, improvisation og synkopering er det, der kendetegner jazzen. I løbet af det sidste århundrede har denne stil ændret sig under indflydelse af genrens samtidige, som bragte deres egen idé til essensen af ​​improvisation. Nye retninger begyndte at dukke op - bebop, fusion, latinamerikansk jazz, free jazz, funk, acid jazz, hard bop, smooth jazz og så videre.

15 Art Tatum

Art Tatum er en jazzpianist og virtuos, der var praktisk talt blind. Han er kendt som en af ​​de største pianister gennem tiderne, der ændrede klaverets rolle i jazzensemblet. Tatum vendte sig til skridtstilen for at skabe sin egen unikke spillestil, og tilføjede swing-rytmer og fantastiske improvisationer til rytmen. Hans holdning til jazzmusik ændrede fundamentalt klaverets betydning i jazzen som musikinstrument fra dets tidligere karakteristika.

Tatum eksperimenterede med melodiens harmonier, påvirkede akkordens struktur og udvidede den. Alt dette prægede bebop-stilen, der som bekendt ville blive populær ti år senere, da de første plader i denne genre dukkede op. Kritikere bemærkede også hans upåklagelige spilleteknik - Art Tatum var i stand til at spille de sværeste passager med så lethed og hurtighed, at det så ud til, at hans fingre næsten ikke rørte de sorte og hvide tangenter.

14 Thelonious munk

Nogle af de mest komplekse og varierede lyde kan findes i repertoiret af pianisten og komponisten, en af ​​de vigtigste repræsentanter for beboppens æra og dens efterfølgende udvikling. Selve hans personlighed som excentrisk musiker bidrog til jazzens popularisering. Monk, altid klædt i jakkesæt, hat og solbriller, gav åbent udtryk for sin frie holdning til improvisationsmusik. Han accepterede ikke strenge regler og dannede sin egen tilgang til at skabe kompositioner. Nogle af hans mest geniale og berømte værker er Epistrophy, Blue Monk, Straight, No Chaser, I Mean You og Well, You Needn't.

Monks spillestil var baseret på en innovativ tilgang til improvisation. Hans værker er kendetegnet ved perkussive passager og skarpe pauser. Ganske ofte, lige under sine optrædener, sprang han op fra klaveret og dansede, mens de andre medlemmer af bandet fortsatte med at spille melodien. Thelonious Monk er fortsat en af ​​de mest indflydelsesrige jazzmusikere i genrens historie.

13 Charles Mingus

En anerkendt kontrabasvirtuos, komponist og bandleder, han var en af ​​de mest ekstraordinære musikere på jazzscenen. Han udviklede en ny musikalsk stil, der kombinerede gospel, hard bop, free jazz og klassisk musik. Samtidige kaldte Mingus "arvingen til Duke Ellington" for hans fantastiske evne til at skrive værker for små jazzensembler. I hans kompositioner demonstrerede alle medlemmer af bandet deres spillefærdigheder, som hver især ikke kun var talentfulde, men var præget af en unik spillestil.

Mingus udvalgte omhyggeligt de musikere, der udgjorde hans band. Den legendariske kontrabassist var kendt for sit temperament, og engang slog han endda trombonisten Jimmy Knepper i ansigtet og slog hans tand ud. Mingus led af en depressiv lidelse, men var ikke klar til at finde sig i, at dette på en eller anden måde påvirkede hans kreative aktivitet. På trods af denne lidelse er Charles Mingus en af ​​de mest indflydelsesrige personer i jazzhistorien.

12 Art Blakey

Art Blakey var en berømt amerikansk trommeslager og bandleder, der gjorde et sprøjt i stilen og teknikken til at spille på trommesættet. Han kombinerede swing, blues, funk og hard bop - en stil, der i dag høres i enhver moderne jazzkomposition. Sammen med Max Roach og Kenny Clarke opfandt han en ny måde at spille bebop på trommer. I over 30 år har hans band, The Jazz Messengers, givet jazz til mange jazzkunstnere: Benny Golson, Wayne Shorter, Clifford Brown, Curtis Fuller, Horace Silver, Freddie Hubbard, Keith Jarrett og flere.

Jazz Messengers skabte ikke bare fænomenal musik – de var en slags "musikalsk prøveplads" for unge talentfulde musikere, som Miles Davis-bandet. Art Blakeys stil ændrede selve lyden af ​​jazz og blev en ny musikalsk milepæl.

11 Dizzy Gillespie (Dizzy Gillespie)

Jazztrompetist, sanger, sangskriver og bandleder blev en fremtrædende figur i beboppens og moderne jazzs dage. Hans trompetstil påvirkede Miles Davis, Clifford Brown og Fats Navarro. Efter sin tid i Cuba, da han vendte tilbage til USA, var Gillespie en af ​​de musikere, der aktivt promoverede afrocubansk jazz. Ud over sin uforlignelige præstation på den karakteristisk buede trompet var Gillespie genkendelig på sine hornbriller og umuligt store kinder, mens han spillede.

Den store jazzimprovisator Dizzy Gillespie, såvel som Art Tatum, fornyede i harmoni. Kompositionerne af Salt Peanuts og Goovin' High var rytmisk helt anderledes end tidligere værker. Trofast over for bebop gennem hele sin karriere huskes Gillespie som en af ​​de mest indflydelsesrige jazztrompetister.

10 Max Roach

De 15 mest indflydelsesrige jazzmusikere i genrens historie omfatter Max Roach, en trommeslager kendt som en af ​​beboppens pionerer. Han har som få andre påvirket den moderne stil at spille på trommesættet. Roach var borgerrettighedsaktivist og samarbejdede med Oscar Brown Jr. og Coleman Hawkins på albummet We Insist! - Freedom Now ("Vi insisterer! - Frihed nu"), dedikeret til 100-året for underskrivelsen af ​​Emancipationserklæringen. Max Roach er en repræsentant for en upåklagelig spillestil, i stand til at udføre en lang solo gennem hele koncerten. Absolut ethvert publikum var henrykte over hans uovertrufne dygtighed.

9 Billie Holiday

Lady Day er millioners favorit. Billie Holiday skrev kun få sange, men da hun sang, vendte hun stemmen fra de første toner. Hendes præstation er dyb, personlig og endda intim. Hendes stil og intonation er inspireret af lyden af ​​musikinstrumenter, hun har hørt. Som næsten alle de musikere, der er beskrevet ovenfor, blev hun skaberen af ​​en ny, men allerede vokal stil, baseret på lange musikalske sætninger og tempoet i at synge dem.

Den berømte Strange Fruit er den bedste, ikke kun i Billie Holidays karriere, men i hele jazzens historie på grund af sangerens sjælfulde præstation. Hun blev posthumt tildelt prestigefyldte priser og optaget i Grammy Hall of Fame.

8 John Coltrane

Navnet på John Coltrane er forbundet med virtuos spilleteknik, fremragende talent for at komponere musik og en passion for at lære nye facetter af genren. På tærsklen til hard boppens oprindelse opnåede saxofonisten en enorm succes og blev en af ​​de mest indflydelsesrige musikere i genrens historie. Coltranes musik havde en skarp lyd, og han spillede med høj intensitet og dedikation. Han var i stand til både at spille alene og improvisere i et ensemble og skabe solopartier af utænkelig varighed. Ved at spille tenor og sopran saxofon var Coltrane også i stand til at skabe melodiske glatte jazzkompositioner.

John Coltrane er forfatteren til en slags "bebop reboot", der inkorporerer modale harmonier i den. Han forblev den vigtigste aktive figur i avantgarden, han var en meget produktiv komponist og stoppede ikke med at udgive cd'er og indspillede omkring 50 albums som bandleder gennem hele sin karriere.

7 Grev Basie

Den revolutionære pianist, organist, komponist og bandleder Count Basie ledede et af de mest succesrige bands i jazzhistorien. I løbet af 50 år har Count Basie Orchestra, inklusive utroligt populære musikere som Sweets Edison, Buck Clayton og Joe Williams, opnået et ry som et af USA's mest efterspurgte bigbands. Den ni-dobbelte Grammy Award-vinder Count Basie har indgydt en kærlighed til orkesterlyd i generationer af lyttere.

Basie skrev mange jazzstandards som April in Paris og One O'Clock Jump. Kolleger talte om ham som en taktfuld, beskeden og entusiastisk person. Havde det ikke været for Count Basie Orchestra i jazzhistorien, ville bigband-æraen have lydt anderledes og bestemt ikke så indflydelsesrig, som den blev med denne fremragende bandleder.

6 Coleman Hawkins

Tenorsaxofonen er symbolet på bebop og al jazzmusik generelt. Og for det kan vi være taknemmelige for at være Coleman Hawkins. De innovationer, Hawkins bragte, var afgørende for udviklingen af ​​bebop i midten af ​​fyrrerne. Hans bidrag til dette instruments popularitet kan have bestemt John Coltranes og Dexter Gordons fremtidige karriere.

Kompositionen Body and Soul (1939) blev benchmark for at spille tenorsaxofon for mange saxofonister. Andre instrumentalister var også påvirket af Hawkins - pianisten Thelonious Monk, trompetisten Miles Davis, trommeslageren Max Roach. Hans evne til ekstraordinære improvisationer førte til opdagelsen af ​​nye jazzsider af genren, som ikke blev berørt af hans samtidige. Dette forklarer til dels, hvorfor tenorsaxofonen er blevet en integreret del af det moderne jazzensemble.

5 Benny Goodman

De fem bedste 15 mest indflydelsesrige jazzmusikere i genrens historie åbner. Den berømte King of Swing ledede næsten det mest populære orkester i det tidlige 20. århundrede. Hans koncert i Carnegie Hall i 1938 er anerkendt som en af ​​de vigtigste livekoncerter i amerikansk musiks historie. Dette show demonstrerer fremkomsten af ​​jazz-æraen, anerkendelsen af ​​denne genre som en selvstændig kunstform.

På trods af at Benny Goodman var forsanger i et stort swingorkester, deltog han også i udviklingen af ​​bebop. Hans orkester blev et af de første, som forenede musikere af forskellige racer i sin sammensætning. Goodman var en vokal modstander af Jim Crow Act. Han afviste endda en rundrejse i de sydlige stater til støtte for racelighed. Benny Goodman var en aktiv figur og reformator ikke kun inden for jazz, men også inden for populærmusik.

4 Miles Davis

En af de centrale jazzfigurer i det 20. århundrede, Miles Davis, stod ved begyndelsen af ​​mange musikalske begivenheder og så dem udvikle sig. Han er krediteret for at være pioner inden for genrerne bebop, hard bop, cool jazz, free jazz, fusion, funk og technomusik. I sin konstante søgen efter en ny musikalsk stil havde han altid succes og var omgivet af strålende musikere, herunder John Coltrane, Cannoball Adderley, Keith Jarrett, JJ Johnson, Wayne Shorter og Chick Corea. I løbet af sin levetid blev Davis tildelt 8 Grammy Awards og blev optaget i Rock and Roll Hall of Fame. Miles Davis var en af ​​de mest aktive og indflydelsesrige jazzmusikere i forrige århundrede.

3 Charlie Parker

Når du tænker på jazz, husker du navnet. Også kendt som Bird Parker, han var en jazz altsaxofon pioner, bebop musiker og komponist. Hans hurtige spil, klare lyd og talent som improvisator havde en betydelig indflydelse på datidens musikere og vores samtid. Som komponist ændrede han standarderne for jazzmusikskrivning. Charlie Parker var musikeren, der dyrkede ideen om, at jazzmænd er kunstnere og intellektuelle, ikke kun showmen. Mange kunstnere har forsøgt at kopiere Parkers stil. Hans berømte spilleteknikker kan også spores på samme måde som mange nuværende nybegyndere musikere, der tager udgangspunkt i kompositionen Bird, der stemmer overens med alt-sakosofens kaldenavn.

2 Duke Ellington

Han var en storslået pianist, komponist og en af ​​de mest fremragende orkesterledere. Selvom han er kendt som en jazzpioner, udmærkede han sig også i andre genrer, herunder gospel, blues, klassisk og populærmusik. Det er Ellington, der er krediteret for at etablere jazz som en særskilt kunstform. Med utallige priser og priser holdt den første store jazzkomponist aldrig op med at blive bedre. Han var inspirationen til den næste generation af musikere, herunder Sonny Stitt, Oscar Peterson, Earl Hines, Joe Pass. Duke Ellington forbliver et anerkendt jazzklavergeni - instrumentalist og komponist.

1 Louis ArmstrongLouis Armstrong

Nok den mest indflydelsesrige jazzmusiker i genrens historie, aka Satchmo er en trompetist og sanger fra New Orleans. Han er kendt som skaberen af ​​jazz, der spillede en nøglerolle i dens udvikling. Denne kunstners fantastiske evner gjorde det muligt at bygge en trompet ind i et solo jazzinstrument. Han er den første musiker til at synge og popularisere scat-stilen. Det var umuligt ikke at genkende hans lave "tordnende" stemmeklang.

Armstrongs engagement i sine egne idealer påvirkede Frank Sinatras og Bing Crosbys, Miles Davis og Dizzy Gillespies arbejde. Louis Armstrong påvirkede ikke kun jazzen, men hele den musikalske kultur, og gav verden en ny genre, en unik måde at synge og spille trompet på.

Moderne russisk jazz forbindes med kvindelig vokal. Find ud af, hvem de er - berømte russiske jazzsangere, hvad de er berømte for, hvorfor offentligheden elsker dem.

Russiske jazzsangere

Anna Buturlina

Anna Buturlina er en af ​​de mest populære russiske jazzsangerinder.

Pigen synger ikke kun i sine egne soloprojekter, men arbejder også med Russian State Symphony Orchestra of Cinematography, med jazzorkestret opkaldt efter Oleg Lundstrem.

Efter at have optrådt med orkestret den 7. maj 2015 ved FN's Generalforsamling, bemærkede den berømte komponist Daniil Kramer pigen og gav hende en vurdering af "jazzy Valentina Tolkunova."

Anna er deltager i Anatoly Krolls projekt "First Ladies of Russian Jazz"

Han arbejder som underviser i vokalfærdigheder, skriver musik og indspiller albums for de yngste, synger på filmsoundtracks og giver endda stemme til film- og tegneserieheltinder.

De mest slående værker af vokalisten er stemmeskuespillet af Disney-prinsesserne Tiana ("Prinsessen og frøen") og Elsa ("Frozen") samt den russiske version af Let It Go-sangen fra den anden - " Lad det gå og glem”.

Aset Samrailova (ASET)

Aset er en usædvanlig vokalist, der skiller sig ud blandt kunstnerne på den russiske scene. Hendes numre på russisk og engelsk er altid højt værdsat af publikum og kritikere.

Pigen fremfører musik i mange genrer: soul, jazz, blues, urban romantik, pop og R&B.

Aset blev berømt efter at have deltaget i det berømte tv-show "Voice-2", såvel som takket være "Big Jazz" og "Main Stage".

Hendes stemme kan høres på lydsporene til filmene "Pilgrimsrejse til den evige stad" og "Stenhoved". Børn kan genkende hende fra hendes stemmeskuespillerroller i Disneys The Princess and the Frog, Fairies, Cars 2 og High School Musical.

Alina Rostotskaya

Alina Rostotskaya er en af ​​de lyseste repræsentanter for jazzvokal i Moskva. Efter at have modtaget Grand Prix af konkurrencen for bedste jazzvokalister i Moskva i 2009, begyndte Alinas popularitet at vokse. Et år senere synger pigen i sit eget ensemble ved den berømte Jazz in the Hermitage Garden-festival.

Vokalisten deltog i store begivenheder i mange skandinaviske og baltiske lande, samt Polen, Ukraine og Rusland, nåede finalen i showet "Big Jazz".

Hun skilte sig ud ved den lettiske festival Riga Jazz Stage og modtog en særlig pris fra den berømte lettiske komponist og pianist Raimonds Pauls.

Alina Rostotskaya er lederen blandt russiske jazzmusikere på grund af hendes flid og talent - pigen synger, fungerer som komponist, arrangør og endda en digter.

"Men du er en kvinde!" - hvad er det, og hvordan man håndterer det

Larisa Dolina

Ikke alle berømte russiske jazzsangere synger udelukkende i én genre. En af disse er popstjernen Larisa Dolina. Da hun var hjemmehørende i Baku, flyttede hun i en alder af 3 med sine forældre til Odessa, hvor hun begyndte at mestre klaveret. Så begynder hendes livslange musikalske vej. Senere dimitterede Larisa fra Moscow Musical College. Gnesins.

Dolina begyndte at optræde og arbejde separat i 1985.

Samtidig oprettede vokalisten den første forfatters program "Langspring" og rejste gennem hele USSR med solokoncerter.

I 1996 blev jubilæumsforestillingen for vokalisten "Weather in the House" afholdt, hvor hun fremførte sine yndlings- og yndlingssange og præsenterede albummet af samme navn, som blev hendes kendetegn.

Elvira Trafova

Den første vokalist af russisk jazz, der modtog titlen som hædret kunstner i Rusland, hovedcentret for opmærksomhed i St. Petersborg-kredse af denne musikalske stil - alt dette handler om Elvira Trafova.

Efter at have dimitteret fra Leningrad Institute of Theatre, Music and Cinema i 1972 sluttede sangeren sig til Jazz Music Ensemble og blev solist i det. Så begyndte hendes jazzkarriere at tage form.

Elvira Trafova er anerkendt som den russiske jazzs førstedame

I 1989 begyndte hun at arbejde ved St. Petersburg State Philharmonic of Jazz Music og har ikke forladt musikscenen den dag i dag. Elvira optræder med den hædrede kunstner i Rusland, Pyotr Kornev og hans ensemble.

Julia Kasyan

Den talentfulde jazzsangerinde Yulia Kasyan blev bemærket ved efterårsmaratonkonkurrencerne og den internationale konkurrence i Jekaterinburg - hun blev vinderen af ​​nomineringerne.

Siden det øjeblik optræder pigen regelmæssigt på filharmoniske og jazzfestivaler sammen med orkestret.

En lys, virtuos og berømt mester i sit håndværk, pianisten Nikolai Sizov er Yulia Kasyans konstante scenepartner.

Sophie Okran

Efter at have studeret på en musikskole i Kaukasus flyttede Sophie til Krasnodar, hvor hun begyndte at arbejde på Premiere Theatre.

Sangerinden var inviteret til den populære musikalske gruppe "Quarter". Efter hendes debut i musicalen "Hair" i 1999 begyndte russiske kunstnere at invitere vokalisten til at samarbejde og deltage i projekter, hvoraf den ene var Valery Meladze.

Sophie Okran bruger meget tid på at arbejde på introer til radiostationer, hvilket bidrager til den brede genkendelse af hendes stemme.

Vokalisten har også sit eget Natural Woman-program, som hun optrådte med på festivaler og spillesteder i landet.

Takket være den unikke kombination af afrikansk skarphed og russisk øm romantik i sangerindens plastiske, dybe og komplekst klingende stemme bliver hun ofte kaldt russisk.

Den talentfulde jazzvokalist Mariam Merabova blev født i Jerevan. Pigen begyndte sin musikalske vej i en alder af 5 med træning på byens vigtigste musikskole. I en tidlig alder flyttede hun til Moskva og studerede først i skolen og derefter på skolen opkaldt efter. Gnesins i klaverklassen.

Mariam Merabova på showet "Voice"

År 2000 var et vendepunkt for Mariam Merabova: vokalisten indspillede til albummet fra Miraif-jazzprojektet og deltog i skabelsen af ​​musicalen We will rock you.

Sangerinden modtog et tilbud om at undervise på School of Professional Creative Development fra Alla Pugacheva.

Marina Volkova

Marina Volkova er vokalist, lærer og komponist. Efter at have modtaget en akademisk musikalsk uddannelse opdagede sangeren jazzen.

Optræden med Eve Cornelius var "sandhedens øjeblik" for Marina Volkova

Marina forsøgte i lang tid at forstå, hvad "swing" er. Men bare at vide var ikke nok, det er sådan noget, der skal opleves. Og vokalisten mærkede det på sig selv, hvori der er en betydelig fordel af sangene af Michael Jackson og den amerikanske sangerinde Sarah Vaughan.

I 2009, i Moskva, sang pigen sammen med Eve Cornelius, en af ​​de mest berømte jazzsangere i staterne. Sangerinden selv bemærker denne præstation som et "sandhedens øjeblik", fordi Eve hjalp hende med at lægge alt på hylderne i sin fremtidige karriere.

Sangene af Sarah Vaughan hjalp Marina med at forstå, hvad swing er.

Samme år deltager Marina i First Moscow Jazz Vocalists Competition og bliver komponist og sanger i Perfect Me-projektet. Marina kombinerer projektet med skabelsen af ​​sin egen jazzkvartet Marina Volkova Jazz Band.