Russiske folkekor. Nordrussisk folkekor

Kollektivet har ledet sin historie siden den 2. marts 1911, hvor den første koncert med bondekoret under ledelse af Mitrofan Yefimovich Pyatnitsky fandt sted på den lille scene i Den Noble Forsamling. Programmet for den første koncert omfattede 27 sange fra Voronezh, Ryazan og Smolensk-regionerne i Rusland. Sergei Rachmaninov, Fyodor Chaliapin, Ivan Bunin var chokerede over bøndernes oprindelige og inspirerede sangkunst og gav den højeste ros til bondesangerne og musikerne. Denne vurdering bidrog i høj grad til dannelsen af ​​kollektivet som en kreativ enhed på den russiske scene i disse år. Indtil 1917 var kollektivet "amatør". Efter oktoberrevolutionen blev koret støttet af den sovjetiske regering. Alle deltagere flytter til Moskva for permanent ophold. Og siden begyndelsen af ​​1920'erne har koret ført omfattende koncertaktiviteter ikke kun i Moskva, men i hele landet.

Siden begyndelsen af ​​30'erne blev kollektivet ledet som en musikalsk leder af USSR's People's Artist, vinder af statspriserne VG Zakharov, hvis forfatters sange "Og hvem kender ham", "Along the Village", "Russian Beauty" , forherligede Pyatnitsky-koret over hele landet.

I slutningen af ​​30'erne blev der oprettet orkester- og dansegrupper i koret, som blev ledet af People's Artist of the Russian Federation V.V. Khvatov og People's Artist of the USSR, vinder af statspriser, professor T.A. Ustinova. Dette gjorde det muligt at udvide de ekspressive scenemidler betydeligt, og et sådant strukturelt grundlag er bevaret til i dag, og mange statskollektiver er blevet skabt på denne måde.

Under Anden Verdenskrig udfører Pyatnitsky-koret en stor koncertaktivitet som en del af frontlinjens koncertbrigader. Og sangen "Oh, fogs" af V.G. Zakharova blev partisanbevægelsens hymne. Den 9. maj 1945 var koret en af ​​hovedgrupperne i fejringen af ​​den store sejr i Moskva. Derudover var han et af de første kollektiver, der fik til opgave at repræsentere landet i udlandet. Alle de følgende årtier gennemførte Pyatnitsky-koret en enorm turné- og koncertaktivitet. Han introducerede sin kunst til hvert hjørne af landet, besøgte mere end 40 lande rundt om i verden. Kollektivet har skabt mesterværker af verdens folkekunst.

En væsentlig side i kollektivets historie er arbejdet fra People's Artist of the USSR, vinder af statsprisen for komponisten V.S. Levashov. VS Levashovs sange "Take your greatcoat - let's go home", "My native Moscow region" - og i dag er en udsmykning af den moderne sangscene.

Der er blevet skabt spillefilm og dokumentarfilm om M.E. Pyatnitsky-koret, såsom "Singing Russia", "Russian Fantasy", "All Life in a Dance", "You, My Russia", bøgerne "State Russian Folk Choir opkaldt efter ME Pyatnitsky" ", "Erindringer om VG Zakharov", "Russiske folkedanser"; udgivet et stort antal musiksamlinger "Fra repertoiret af koret opkaldt efter ME Pyatnitsky", avis- og magasinpublikationer, udgivet en masse plader.

Nutidigt kor opkaldt efter M.E. Pyatnitsky er en kompleks kreativ organisme bestående af kor-, orkester-, balletgrupper med et kunstnerisk og administrativt apparat.

Kilde - http://www.pyatnitsky.ru/action/page/id/1194/?sub=kolektiv

Fra arafans til gulvet, kokoshniks og sangkunst. Russiske folkekorgrupper med titlen "akademisk" - som en anerkendelse af det højeste niveau af scenefærdigheder. Flere detaljer om vejen for "populister" til den store scene - Natalia Letnikova.

Kuban Kosakkor

200 års historie. Kosakkernes sange er enten en hestemarch eller en fodsortie under "Marusya, en, to, tre ..." med en tapper fløjt. 1811 er året for oprettelsen af ​​den første korgruppe i Rusland. Et levende historisk monument, der har båret den kosakiske hærs kubanhistorie og sangtraditioner gennem århundreder. Kubans spirituelle oplyser, ærkepræst Kirill Rossinsky og korlederen Grigory Grechinsky, stod ved oprindelsen. Siden midten af ​​det nittende århundrede deltog kollektivet ikke kun i gudstjenester, men gav også sekulære koncerter i ånden af ​​en hensynsløs kosak-freelancer og ifølge Yesenin "lystig længsel".

Kor opkaldt efter Mitrofan Pyatnitsky

Et kollektiv, der stolt har kaldt sig selv "bonde" i et århundrede. Og lad professionelle kunstnere optræde på scenen i dag, og ikke de sædvanlige højrøstede bønder - storrussere fra Ryazan, Voronezh og andre provinser, koret præsenterer en folkesang i fantastisk harmoni og skønhed. Hver forestilling er lige så beundringsværdig, som den var for hundrede år siden. Bondekorets første koncert fandt sted i Adelsforsamlingens sal. Publikum, inklusive Rachmaninov, Chaliapin, Bunin, gik efter forestillingen chokeret.

Nordre Folkekor

En simpel landlig lærer Antonina Kolotilova boede i Veliky Ustyug. Til håndarbejde samlede hun elskere af folkesange. En februaraften syede de linned til børnehjemmet: "Det glatte, bløde lys, der faldt fra lynlampen, skabte en særlig komfort. Og uden for vinduet rasede februars dårlige vejr, vinden fløjtede i skorstenen, tordnede med brædderne på taget, kastede snefnug ud af vinduet. Denne uoverensstemmelse mellem varmen i et hyggeligt værelse og hylen fra en snestorm fik mig til at føle mig lidt trist i min sjæl. Og pludselig lød en sang, trist, langtrukken ..." Sådan lyder den nordlige melodi - 90 år. Allerede fra scenen.

Ryazan Folk Choir opkaldt efter Evgeny Popov

Yesenins sange. I hjemlandet for hovedsangeren i det russiske land synges hans digte. Melodisk, gennemtrængende, spændende. Hvor en hvid birk ikke er et træ, eller en pige, der er frosset på Okas høje bred. Og poppelen er bestemt "sølvfarvet og let". Koret blev skabt på grundlag af det landlige folklore-ensemble i landsbyen Bolshaya Zhuravinka, som havde optrådt siden 1932. Ryazan-koret var heldige. Lederen af ​​kollektivet, Evgeny Popov, skrev selv musik til digte fra en landsmand, der følte sig fantastisk smuk. De synger disse sange – som om de fortæller om deres liv. Varm og blid.

Sibirisk folkekor

Kor, ballet, orkester, børnestudie. Det sibiriske kor er mangefacetteret og i harmoni med den frostklare vind. Koncertprogrammet "Yamshitsky Skaz" er baseret på det musikalske, sang- og koreografiske materiale fra det sibiriske territorium, samt mange naturskønne skitser af kollektivet. Sibirernes kreativitet blev set i 50 lande i verden - fra Tyskland og Belgien til Mongoliet og Korea. De synger om det, de lever. Først i Sibirien, og siden i hele landet. Hvordan kom det til med Nikolai Kudrins sang "Brød er hovedet på alt", som første gang blev opført af Det Sibiriske Kor.

Voronezh Russian Folk Choir opkaldt efter Konstantin Massalitinov

Sange i frontlinjen i de svære dage, hvor der, tilsyneladende, ikke er tid til kreativitet. Voronezh-koret dukkede op i den arbejdende landsby Anna på højden af ​​den store patriotiske krig - i 1943. Den første til at høre sangene fra det nye hold i militærenhederne. Den første store koncert - med tårer i øjnene - fandt sted i Voronezh, befriet fra tyskerne. Repertoiret omfatter lyriske sange og ting, der er kendt og elsket i Rusland. Herunder takket være den mest berømte solist fra Voronezh-koret - Maria Mordasova.

Volga Folkekor opkaldt efter Pjotr ​​Miloslavov

"Steppevinden går på scenen i Châtelet Theatre og bringer os duften af ​​originale sange og danse",- skrev den franske avis L'Umanite i 1958. Samara-byen præsenterede sangarven i Volga-regionen for franskmændene. Performer - Volga Folk Choir, oprettet ved beslutning fra RSFSR-regeringen i 1952 af Pjotr ​​Miloslavov. Uhastet og følelsesladet liv langs bredden af ​​den store Volga og på scenen. Ekaterina Shavrina begyndte sin karriere på holdet. Volga-koret fremførte sangen "Snow White Cherry" for første gang.

Omsk folkekor

Bjørn med balalaika. Det berømte kollektivs emblem er velkendt både i Rusland og i udlandet. "Kærlighed og stolthed over det sibiriske land", som holdet af kritikere døbte det på en af ​​deres udenlandsrejser. “Omsk Folkekor kan ikke kun kaldes en restaurator og vogter af en gammel folkesang. Han er selv en levende legemliggørelse af vore dages folkekunst ",- skrev det britiske The Daily Telegraph. Repertoiret er baseret på sibiriske sange indspillet af grundlæggeren af ​​gruppen Elena Kalugina for et halvt århundrede siden og levende billeder fra livet. For eksempel suiten "Winter Siberian Fun".

Ural folkekor

Forestillinger ved fronterne og på hospitaler. Uralerne gav ikke kun countryen metal, men hævede også kampgejsten med hvirvelvindsdanse og runddanse, Urallandets rigeste folkloremateriale. Under Sverdlovsk Philharmonic forenede amatørgrupper fra de nærliggende landsbyer Izmodenovo, Pokrovskoye, Katarach, Laya. "Vores genre er i live", - siger de i holdet i dag. Og at bevare dette liv betragtes som hovedopgaven. Ligesom den berømte Ural Semera. "Drobushki" og "trommestikker" har været på scenen i 70 år. Ikke en dans, men en dans. Ivrig og vovet.

Orenburg folkekor

Et dunet sjal som en del af et scenekostume. Fluffy blonder sammenflettet med folkesange og i en runddans - som en del af Orenburg-kosakkernes liv. Kollektivet blev oprettet i 1958 for at bevare den unikke kultur og ritualer, der eksisterer "på kanten af ​​det enorme Rusland, langs bredden af ​​Uralbjergene". Hver forestilling er som en forestilling. De fremfører ikke kun de sange, som folk sætter sammen. Selv dans har et litterært grundlag. "When the Cossacks Cry" er en koreografisk komposition baseret på historien om Mikhail Sholokhov fra landsbybeboernes liv. Men hver sang eller dans har sin egen historie.

Nordrussisk folkekor - Det Hvide Havs sjæl

Arkhangelsk Pomors er efterkommere af de gamle novgorodianere, der bosatte sig i denne region i oldtiden. Deres kunst er stadig bevaret i sin oprindelige tilstand. Dette er en slags kunstnerisk verden med sine egne love og begreber om skønhed. Samtidig kommer humor, entusiasme og indre temperament, der er karakteristisk for pomorerne, tydeligt til udtryk i nordens sange og danse. Nordlig sangkunst er speciel, den er kendetegnet ved stilens strenghed, kyske renhed og tilbageholdenhed, alt dette kombineres med en modig episk og viljestærk begyndelse.
Det nordlige kor kaldes med rette den russiske kulturs perle. I 85 år af dets eksistens har han aldrig ændret sin rolle. Hver forestilling er en særlig kunstnerisk verden og en levende dynamisk forestilling: store plotforestillinger, vokale og koreografiske kompositioner, billeder af folkeferier. Alle den nordlige naturs lydnuancer høres i korets sangpolyfoni: taigaens eftertænksomme dialekt, flodernes flydende kyskhed, havets ekkodybde og de hvide nætters gennemsigtige rysten.

Antonina Yakovlevna KOLOTILOVA - grundlægger og kunstnerisk leder af State Academic Northern Russian Folk Choir (1926 - 1960), People's Artist of the RSFSR, Honored Art Worker of the RSFSR, vinder af USSR's statspris

"Den, der ikke elsker sin fødesang, elsker ikke sit indfødte folk!"(A.Ya. Kolotilova)

Antonina Yakovlevna Kolotilova (Sherstkova) blev født i 1890 i landsbyen Zhilino, ikke langt fra den antikke by Veliky Ustyug.
I 1909 dimitterede Kolotilova med udmærkelser fra Veliky Ustyug kvindelige gymnasium og forlod for at undervise på en landskole i landsbyen Pelaginets, Nikolsky-distriktet, Vologda-provinsen. Det var i denne landsby, at Antonina Kolotilova begyndte at vise sin professionelle interesse for folklore. Hun iagttog altid med interesse de nordlige ritualer, lyttede til sange, lærte selv at beklage, værdsætte, mestrede bevægelsesmåden for piger og kvinder i runddans, kvadrille, buer.
Kolotilova, født og opvokset i det nordlige Rusland, elskede dybt sit fødeland, især udstrækningen af ​​oversvømmede enge på et tidspunkt med blomstrende græs.
I 1914 blev Antonina Yakovlevna gift og flyttede til Nikolsk. Der arbejder hun som lærer på en folkeskole og fortsætter med at indsamle og indspille lokale sange, fortællinger, ting. Et medfødt kunstnerisk talent hjalp den unge pige til nemt at mestre kulturen og optræden.
Efter 5 år flyttede Kolotilovs til Veliky Ustyug. Det er i denne gamle russiske nordlige by, at det nordlige kors historie begynder. Her organiserer Antonina Yakovlevna et amatørkvindeensemble, som optræder i klubber, og lidt senere på en radiostation, der åbnede i byen. Jeg må sige, at de første medlemmer af holdet for det meste var husmødre. De kom nemt til hendes lejlighed, arrangerede kollektive prøver, studerede de sange, der interesserede dem. Koncerterne med unge korpiger blev budt velkommen af ​​publikum, og radiooptrædenerne gjorde gruppen meget populær. Amatørkoret i Kolotilova talte på det tidspunkt omkring 15 personer.

"Antonina Yakovlevna fortjente fuldt ud folkets kærlighed og æren om sig selv, for hun gav al sin styrke og tanker, uudtømmelige energi og sjælens passion til folkesang og det kor, hun skabte ... kor!"(Nina Konstantinovna Meshko)

Nordkoret er født

I 1922, i Moskva, i et optagestudie, mødte Antonina Yakovlevna Mitrofan Pyatnitsky. Det var dette møde, der blev et vartegn for Kolotilova. Bekendtskab med Pyatnitsky-korets kreativitet tjente som en drivkraft for oprettelsen af ​​deres eget folkekor af nordlige sange. Den 8. marts 1926 optrådte en lille amatørgruppe for første gang i Undervisningsarbejdernes Hus. Denne dag blev fødselsdagen for det nordrussiske folkekor.
Først var koret etnografisk, men så krævede scenelivets betingelser organisatorisk og kreativ omstrukturering: en dansegruppe, harmonikaspillere dukkede op. I 1952 blev en orkestergruppe organiseret som en del af koret gennem indsatsen fra komponisten V.A. Laptev.
Holdet bestod da kun af 12 sangere. Kostumerne var mødres og bedstemødres outfits - ægte bondekjoler og bluser. De første harmonikaspillere var Tryapitsyn-brødrene Boris og Dmitry, såvel som Antonina Yakovlevnas yngre bror Valery Sherstkov. Parterne ved prøverne blev lært af den kunstneriske leders stemme. Antonina Yakovlevna viste ikke kun, hvordan man synger, men også hvordan man bevæger sig korrekt, bukker og holder sig selv på scenen.
Det nyoprettede kor blev altid hilst varmt velkommen i byens virksomheder, i uddannelsesinstitutioner, i de omkringliggende landsbyer. Status for et amatørkollektiv forhindrede ikke Kolotilova i at arbejde seriøst, omhyggeligt at behandle den nordlige sang og nøjagtigt gengive måden dens opførelse på! Hun ændrede aldrig disse krav i fremtiden. I de første år fremførte koret hovedsageligt gamle folkesange, som sangerne - tidligere bondekvinder, oprindelige indbyggere i Norden - kendte fra barndommen, besad ikke kun udøvende færdigheder, men også folkelig improvisationsstil. Ikke underligt, at det nordlige kor i mange år blev betragtet som det mest etnografisk pålidelige, konsekvente i sin kreative linje, der bevarede traditionerne fra den nordlige sang, og korsangerne har altid været kendetegnet ved evnen til at trænge ind i dybden af ​​det musikalske billede og legemliggør det i enestående skønhed.
I 1931 organiserede Kolotilova et kor i Arkhangelsk i større skala, både hvad angår antallet af deltagere og repertoirets volumen. Koncertprogrammerne inkluderer sange fra Pinezhie, Northern Pomorie, danse og hverdagsscener er varierede. Kolotilova samler selv det rigeste musikmateriale under rejser til forskellige distrikter i Arkhangelsk-regionen. Samtidig blev der indkøbt kostumer til kormedlemmerne.
I 1935, da hun rejste rundt i Pomorie, mødtes Antonina Yakovlevna med Martha Semyonovna Kryukova, en berømt historiefortæller. Kolotilova sørgede for, at Kryukova deltog i den første All-Union Radio Festival (1936). Efterfølgende rejste Martha Kryukova med Northern Choir til Moskva, hvor hun sammen med Antonina Yakovlevna arbejdede på de første fortællinger.
Foruden epos indeholdt korets programmer altid sjove, dansbare, komiske bøvlsange, der leder fra kunsten at vandre bøvler, og dvælende lyriske sange, som sangerne fremførte på en rørende sjælfuld måde.
Under krigen gav kollektivet mange koncerter. Vi bevægede os rundt i varmebiler, levede fra hånd til mund, fik ikke nok søvn og slap nu og da fra bombardementer. Vi tog til Nordflåden, til Murmansk, Arktis, til den karelo-finske front, til Ural. I 1944 rejste de til Fjernøsten i seks måneder.

Antonina Kolotilova: "Jeg elsker mit hjemlige nord, og jeg synger sange for ham!"

Kilde: Fremragende Vologda-beboere: Biografiske skitser /
Ed. Rådet "Vologda Encyclopedia" .- Vologda:
VSPU, forlaget "Rus", 2005. - 568 s. - ISBN 5-87822-271-X

I 1960 overdrog People's Artist of the RSFSR, prisvinder af statsprisen Antonina Yakovlevna Kolotilova ledelsen af ​​kollektivet til en kandidat fra Moskva State Tchaikovsky Conservatory, en erfaren lærer og korleder Nina Konstantinovna Meshko. Den nye periode i kollektivets liv er præget af vækst i faglighed og scenekultur.

Nina Konstantinovna Meshko - People's Artist of the USSR, vinder af RSFSR's statspris opkaldt efter Glinka, kunstnerisk leder af det nordlige folkekor fra 1960 til 2008, akademiker ved MAJU, professor ved afdelingen for det russiske musikakademi opkaldt efter VI Gnesins

"Folket er baseret på deres traditionelle, oprindelige kultur!"(Nina Meshko)

Nina Meshko blev født i 1917 i landsbyen Malakhovo, Rzhevsky District, Tver Region, i en familie af lærere, hvor de elskede sange. Mor, Alexandra Vasilievna, havde en vidunderlig stemme, og hendes far, Konstantin Ivanovich, ledede ikke kun skolekoret, men elskede også at synge i den lokale kirke.

Fra erindringer af N.K. Meshko: "Jeg kan ikke huske, hvor gammel jeg var, måske endda mindre end et år... Jeg var svøbt i et dunet tørklæde, og nogen holdt mig i hans arme. I køkkenet sad folk omkring et stort træbord, og alle sang. Og samtidig oplevede jeg en eller anden fuldstændig uforklarlig lyksalighed ..."

Fra erindringer af N.K. Meshko: "En eller anden form for besættelse brød bogstaveligt talt ind i mig for at genoplive sangens folkekultur. Fordi hun var den højeste! Det er sådan en færdighed! Dette bevises af optegnelserne, især de nordlige ”.

Fra erindringer af N.K. Meshko: "Folk, der har en vidunderlig beherskelse af sangkulturen, har vidunderlige, fleksible, frie stemmer, kan fremføre en sang som i Norden."

Fra erindringer af N.K. Meshko: "Sangkunsten er en krønike om hele det russiske folks liv. Det er unikt, usædvanligt rigt, da det russiske sprog er uovertruffent rigt. Og så er den levende, konstant udviklende, fornyende, genfødt af asken ... Folket hviler på deres traditionelle, oprindelige kultur”.

Tilståelse

Undskyld, tilgiv mig Herre
For hvad jeg ikke kunne
Og i hverdagens stress og jag
Jeg havde ikke tid til at betale min gæld.
Jeg havde ikke tid til at give
Nogen ser, nogen kærtegner,
Nogle lindrede ikke smerterne
Jeg fortalte ikke andre historien.
Før pårørende i sorgens time
Omvendte sig ikke
Og til tiggeren i posen mere end én gang
Hun gav ikke almisse.
Kærlige venner, ofte deres
Jeg krænker selv ufrivilligt
Og ser andres sorger,
Jeg løber væk fra lidelse.
Jeg skynder mig ivrigt til himlen
Men byrden af ​​bekymringer trækker til jorden.
Jeg vil gerne give et stykke brød -
Og jeg glemmer på bordet.
Jeg ved alt, hvad jeg skal
Men hun opfyldte ikke pagten ...
Vil du tilgive mig Herre,
For alt, for alt, for alt for dette?

N. Meshko

Irina Lyskova,
pressesekretær for Nordkoret

Repertoirets originalitet og opmærksomhed på regionens sangrigdom

Den ledende gruppe i kollektivet - kvindekoret fanger lytteren med en unik klang, skønheden i originale chants, renheden af ​​lyden af ​​kvindestemmer a-cappella. Koret fastholder sangtraditionens kontinuitet. The Northern Choir, der er kendetegnet ved sin høje sangkultur og unikke originalitet, bevarer støt traditioner og prioriteringen af ​​høj spiritualitet i opførelsen.
Det nordlige kors kostumer fortjener særlig opmærksomhed. Skabt af professionelle kostumedesignere, baseret på de bedste prøver fra museumssamlingerne i Arkhangelsk, Moskva, Skt. Petersborg, repræsenterer de et kollektivt billede af nordboernes russiske nationaldragt. Under koncerten skifter kunstnerne deres kostumer flere gange - og optræder foran publikum i festlige, hverdagslige eller stiliserede kostumer skabt specielt til koncertnumre.
Ensemblet består af tre grupper - kor, dans og orkester af russiske folkeinstrumenter. Tilbage i 1952 blev en orkestergruppe organiseret som en del af koret gennem indsatsen fra komponisten V.A. Laptev. I lyden af ​​russiske folkeinstrumenter i orkestret er der en fantastisk oprigtighed og varme. Repertoirets originalitet og opmærksomhed på regionens sangrigdom, modernitet og et højt præstationsniveau giver koret en velfortjent succes!
Beskuerens opmærksomhed er konstant nittet til scenen: sjove bøvler veksler med lyriske dvælende sange, muntre kvadriller afløses af rolige runddanse, a-cappella-sang veksler med musikalske værker.
The Northern Choir er særlig opmærksom på uddannelsen af ​​sine lyttere, sit publikum, derfor er mange af dets programmer dedikeret til børn, teenagere og studerende. Koret fortsætter aktivt sine koncertaktiviteter i Rusland og i udlandet.
I 1957 bliver kollektivet prisvinder af festivalen for ungdom og studerende i Moskva. Denne begivenhed åbnede vejen for koret i udlandet. En ny fase i kollektivets aktivitet er begyndt, for at opnå anerkendelse i udlandet skal koret være specielt.
Siden 1959 har koret rejst til Polen, Bulgarien, Frankrig, Tyskland, Italien, Kina, Indien, Afghanistan, Japan, Tunesien og USA. Ensemblet tog flere gange til Finland med koncerter, besøgte Sverige og Norge. Udarbejdede programmet "Arctic Rhapsody" sammen med folkloredansegruppen "Rimpparemmi" i Finland (Rovaniemi). Han arbejdede i 2004 og 2007 i Damaskus (Syrien), hvor Days of Russia blev afholdt i det russisk-syriske centrum. I 2005 er kollektivet inviteret af museumsforeningen i Varde by (Norge) til at fejre byens jubilæum. I efteråret 2005 deltager kollektivet i festivalen for russisk kultur og film i Nice. "De mest intime hjørner af den franske sjæl blev berørt af kunstnerne - nordboere fra Rusland, efter at have modtaget et stærkt følelsesmæssigt svar, lod publikum ikke kunstnerne gå i lang tid og klappede med tårer i øjnene. Dette er den russiske nationale folkekunsts triumf!" - sådan vurderede de franske medier korets præstationer. I 2007 blev Northern Choir officielt inviteret af det syriske kulturministerium, Roszarubezhcenters repræsentationskontor i Den Syriske Arabiske Republik og det russiske kulturcenter i Damaskus til folkefesten i Bosra.
Nordkoret er en konstant deltager i store begivenheder i Rusland, så i foråret 2004 deltog kollektivet i påskefestivalen i Moskva i 2005 sammen med den ærede kunstner i Rusland, en elev af N.K. Meshko T. Petrova og National Academic Orchestra of Folk Instruments of Russia opkaldt efter N.P. Osipova deltog i fejringen af ​​250-årsdagen for Moskvas statsuniversitet.
The Northern Choir kombinerer med succes forfatterens musik af nutidige komponister med traditionelle folkemelodier, og opnår scenesandhed og nordlig smag i kunstneres optræden. Korets repertoire omfatter sange til vers: Sergei Yesenin, Olga Fokina, Larisa Vasilyeva, Alexander Prokofiev, Viktor Bokov, Arkhangelsk digtere Dmitry Ushakov og Nikolai Zhuravlev, Oleg Dumansky.

Priser og titler på det nordlige kor

For sit 85-årige kreative liv er kollektivet blevet tildelt høje titler og priser.

1940 år
Kollektivet fik status som professionelt statskollektiv.

1944 år
1. præmie ved All-Russian Choir Show (Moskva)

1957 år
Prisvinder og stor guldmedalje fra VI World Festival of Youth and Students (Moskva).
Prisvinder og diplom af 1 grad (for anden gang) i den anden All-Union Festival for musikteatre, ensembler, kor (Moskva).

1967 år
Diplom fra All-Union Review of Professional Art Groups.

1971 år
Vinder af VI International Folklore Festival i Tunesien.

1975 år
Prisvinder og 1. grads diplom i det all-russiske show af professionelle russiske folkekor.

1976 år
Efter ordre fra kulturministeren blev han tildelt titlen - "Akademisk".

1977 år
Prisvinder og guldmedalje fra Magdeburg-festivalen for sovjetisk-tysk venskab.
Vinder af konkurrencen for kunstgrupper i Rusland.

1999 år
Pristager af IV Festival "Folklore Spring" og den 1. All-Russian Festival of National Culture.

år 2001
Vinder af den internationale folklorefestival i Saint-Ghislain (Belgien).

2002 år
Vinder af den internationale folklorefestival i Rovaniemi (Finland).
Vinder af den all-russiske Moskva-festival for nationale kulturer.

2003 år
Pristager af den russiske festival for nationale kulturer (St. Petersborg).
Pristager af kongressen og festivalen for nationale kulturer af folkene i Rusland (Nizjny Novgorod).

2007 år
Pristager af Folkekunstfestivalen i Bosra (Syrien).

2010 år
Pristager af I All-Russian festival for folkesangkunst "Evige kilder" (Moskva).

2011
Den 8. marts blev 85 års jubilæum for Nordkoret fejret med koncertprogrammet "Nordkoret for alle årstider".
The Northern Choir blev tildelt status som "Særligt værdifuldt objekt af kulturarv i Arkhangelsk-regionen."
Vinder af den internationale julefestival i Italien. Inden for konkurrencens rammer modtog kollektivet to gulddiplomer i nomineringen "Stagefolklore" og "Åndelig sang".

år 2012
Vinder af festivalen for professionelle kor "Slavisk runddans" (Ryazan).
Arrangør af II All-Russian Festival til minde om Folkets Kunstner i USSR, kunstnerisk leder af kollektivet Nina Konstantinovna Meshko.

Ledere af Nordkoret

Korleder: Natalia GeorgievnaAsadchik.

Kunstnerisk leder: Æret kunstner i Rusland, professor ved Gnessin Academy of Music Svetlana Konopyanovna Ignatieva.

Chefdirigent: Æret kunstner af Rusland Alexander Mikhailovich Kachaev.

Det kunstneriske billede af et musikstykke i koret skabes og åbenbares gennem melodien og ordet. Derfor er de vigtigste tekniske krav til korklang for det første nøjagtigheden af ​​tonehøjdeintonationen af ​​lyden af ​​hver sanger i en separat stemme og af hver stemme i den generelle korlyd; for det andet klangsammensmeltningen og den dynamiske balance mellem individuelle stemmer inden for hvert parti og alle partier i det generelle korensemble; tredje, klar udtale af ord.
Men en slank, innationalt ren, balanceret i styrke, kombineret i klang, korklang er kun en forudsætning for at skabe et kunstnerisk billede, der formidler værkets indhold. Før man begynder at lære sangen, skal lederen derfor ved at analysere værket forstå dets indhold og de midler, hvormed det afsløres af komponisten. Som et resultat af fortrolighed med den litterære tekst kan du forstå værkets tema og idé og dets karakter: enten heroisk eller lyrisk eller komisk osv. Afhængigt af sangens generelle karakter, tempo, dynamik , klangfarvning af lyden, arten af ​​bevægelsen af ​​melodien bestemmes, kunstnerisk og semantisk udvælgelse af sætninger.

Efter en sådan analyse af værket udarbejdes en optrædende plan, som alt efterfølgende vokal- og korarbejde er underlagt. Lederen bestemmer vanskelighederne med at mestre arbejdet, skitserer måder at overvinde dem på, udvikler visse øvelser og udarbejder en detaljeret øveplan.
Arbejdet med koret på en ny sang begynder normalt med en hård læring - at huske melodien, med at bygge intervaller, konsonanser, med at udarbejde den rytmiske side af stykket og diktionen.
Når du mestrer de tekniske elementer, begynder lederen at være mere opmærksom på den kunstneriske udsmykning af værket. Der kommer et tidspunkt, hvor bare toner begynder at få kunstnerisk kød.
Vi giver som eksempel den kunstneriske analyse og opførelsesplan for arbejdet med koret på sangen "Polyushko kolkhoznoe", ord og melodi af G. Savitsky, behandling af den kvindelige sammensætning af folkekoret af I. Ivanova. (Sangen er trykt i dette nummer af samlingen på side 13).

Sangens litterære tekst afslører et billede af en bred, rummelig fællesgårdsmark.

Åh, du er min pæl,
Polyushko kollektiv gård,
Du er min brede
Du er min frihed.
Rug tyk i bølger
Vinden svajer.
Årlig pol
Berømt for høsten.
Åh, du er min pæl,
Polyushko kollektiv gård,
Du er min brede.
Du er min frihed.

Digtet udmærker sig ved sin ekstraordinære lakonisme og samtidig billedets udtryksfuldhed. På trods af, at det kun består af tre kvad, og det tredje er en bogstavelig gentagelse af det første, træder billedet af "kollektivgårdens pæl" markant og stærkt frem. Hvilken stor og bred tematisk betydningsramme forfatteren lægger i ordene "kollektiv landbrugspol"! Der er en dyb undertekst i dem.I denne "pæl" - hele livet for et arbejdende menneske, et nyt, lykkeligt liv, som en "pæl" bred og fri.
Denne indre betydning, eller idé, med digtet er allerede skitseret i det første kvad, hvor det majestætiske billede af "pælen" begynder at udfolde sig gennem en dybt følelsesladet, fuld af kærlighedsappel: "Åh, du er min pæl."

Afsløres i første kvad billedet af "kollektivgårdspolen" i en lyrisk-episk karakter, så kommer i det andet kvad billedets heroiske klang, der får et stadig større dynamisk indhold. Så den energiske begyndelse af det andet kvad -

Rug tyk i bølger
Vinden svajer.

formidler den heftige bevægelse, dynamikken i udviklingen af ​​billedet af en "kollektiv gårdspol". Den er ikke længere kun "bred og bred", men også "berømt for sin høst". Det er her den videre afsløring af digtets undertekst finder sted. Det svajende hav af rug er frugten af ​​den sovjetiske mands kreative arbejde - skaberen af ​​alle jordiske goder. Derfor lyder appellen til "polen" i det tredje kvad, som er en bogstavelig gentagelse af det første, med fornyet kraft: ikke længere som meditation, men som en hymne til hans frugtbarhed, som en hymne til sovjetets skabende arbejde. mennesker.
Så billedet af "kollektivgården" i digtet afsløres i den dynamiske udvikling fra lyrisk-episk majestæt til en mægtig heroisk lyd. Indramningsteknikken giver digtet en tematisk helhed og åbner samtidig op for kreativiteten hos komponisten og forfatteren til korarrangementet.

Analyse af sangens musik " Polyushko kollektiv gård”, Det er let at bemærke, at intonation det meget præcist, på en folkesang måde, formidler karakteren af ​​et litterært billede. Melodien i sangen er bred, melodisk og skaber takket være en række forskellige metrorytmiske organiseringer en atmosfære af følelsesmæssig spænding og indre bevægelse. Hvert vers af sangen, der formidler stemningen i det tilsvarende kvad, er så at sige et vist stadie i udviklingen af ​​sangens musikalske billede.
I musikken i første vers er der en blød, kærlig appel til "den kollektive gårdspol". Men samtidig er der ikke tale om en samtale i bogstavelig forstand, men derimod en dyb tanke, hvor "kollektivegårdspolen" og en persons skæbne, hele hans liv smelter sammen til et enkelt begreb. Herfra kommer den definerende stemning i det første vers - blødhed, oprigtighed og betydning.

Tempoet er langsomt, bevægelsen af ​​melodien er jævn, den generelle tone i pianissimo (meget stille).
Alle elementer af kunstnerisk udtryk (melodi, metro-rytme, tekstur, frasering) er i konstant bevægelse, som om de afslører flere og flere nye aspekter af billedet, takket være hvilke værket bliver et frugtbart materiale til kunstnerisk udførelse.

Det første vers består ligesom de følgende vers af fire sætninger, som hver har sit eget dynamiske toppunkt. Lydene efter toppen udføres med en stigning i klangstyrke, og lydene efter toppen udføres med svækkelse. På denne måde fremhæves spidsen dynamisk og organiserer de foregående og efterfølgende lyde omkring sig. I den sang, der parses, er toppen af ​​hver sætning det første slag i den anden takt. Men sætningerne er ikke ligeværdige i deres betydning. I dette tilfælde er hovedpunktssætningen den tredje. Følelsesmæssig vækst stiger til det, melodien udvider rækkevidden, den indre bevægelse accelereres ved at reducere antallet af takter i den anden sætning, teksturen er mættet: først synger en sangerinde, i den anden sætning slutter den anden sig til hende, og i den tredje sætning lyder et polyfonisk omkvæd. I den fjerde sætning er der tværtimod allerede en svækkelse af følelsesmæssig spænding, dynamisk lyder den svagere end den tredje, dens rytmiske mønster ændres, rækkevidden forkortes, og teksturen forenkles: den firdelte er erstattet af unison.
Denne sondring mellem sætninger i form af deres kunstneriske betydning kaldes frasering. (Eksempel # 1) Hvis den generelle nuance af verset er pianissimo, kan lyden ved sætningernes spidser øges noget, nå klaveret og ved slutningen af ​​sætningen vende tilbage til den oprindelige nuance.

Den tredje sætning (vertex) lyder lidt stærkere end alle de andre (indenfor klaveret).

Udviklingen af ​​det musikalske billede i andet og tredje vers følger den dynamiske væksts vej - fra klaver til forte, teksturkomplikation, variantudvikling af stemmer, ændringer i klangfarve, melodibevægelsens karakter og ords udtale. Alle disse ændringer er baseret på princippet om injektion - en gradvis og kontinuerlig stigning, ekspansion. Til støtte for det, der er blevet sagt, skal du overveje sangens dynamiske plan og teksturændringer.

Dynamisk plan
Det første vers er pianissimo.
Det andet vers er klaveret.
Det tredje vers - fra mezzo-forte - til fortissimo.

Ændringer i dynamikken er tæt forbundet med tekstureret komplikation: det første vers synges af en sanger, det andet - af to, og det tredje vers starter hele omkvædet. Her ser vi ikke kun en stigning i antallet af forsangere, men også en stigning i antallet af stemmestemmer, samt variation i den melodiske linje i hovedrollen. (Eksempel nr. 2)

Sangen når sin kulminerende lyd i sidste vers med ordene: "Du er min brede, du er min fri". Alle elementer af kunstnerisk udtryk på dette sted når deres højeste niveau. Her er den højeste lyd af omkvædet, karakteren af ​​melodiens bevægelse (i modsætning til de foregående vers er den ikke længere kendetegnet ved en blød og rolig lyddannelse, men af ​​en fejende, lys, fængende udtale af lyd og ord, baseret på en kombination af accent og maksimal længde af lyde), tekstur når sin ultimative udvikling ( 5 stemmer, ekkoer), til sidst svæver melodien til sit højeste punkt, hvilket understreger det følelsesmæssige klimaks og slutningen af ​​hele sangen. (Eksempel nr. 3)

Så som et resultat af den kunstneriske analyse forstod instruktøren indholdet af sangen og de midler, hvormed komponisten afslører den. Men dette er ikke begrænset til det foreløbige arbejde med arbejdet.
Hver type kunst har sin egen teknik, det vil sige et sæt af visse færdigheder, der er nødvendige for at skabe et kunstnerisk billede. I korkunsten er det orden, ensemble, diktion, vokalfærdigheder - vejrtrækning, lydproduktion og resonans. Derfor er det klart, at næste fase af lederens forarbejde er at analysere arbejdet ud fra dets tekniske vanskeligheder.
Lad os overveje hovedpunkterne i arbejdet med korets struktur.
Uledsaget sang stiller særligt høje krav til udøvende med hensyn til intonation af intervaller og akkorder. Den meget udviklede melodiske linje i sangen, fyldt med brede intervaller, giver store vanskeligheder for intervalintonation. Du skal være opmærksom på de melodiske sektioner, som koret kan synge ustemt: lydene fra det andet forhold

til en sekvens af lyde af samme tonehøjde, hvilket ofte forårsager et fald i intonation og derfor kræver at "trække op" tonehøjden af ​​hver efterfølgende lyd, til intonation af halvtoner.
For at opnå en innationalt ren klang skal korlederen kende intonationsmønstrene på forskellige niveauer af dur- og mol-skalaerne i overensstemmelse med deres modale betydning.
Intonation af en dur skala.

Lyden af ​​det første trin (hovedtonen) tones støt. Lyden af ​​andet, tredje, femte, sjette og syvende trin intoneres af x.o-ønsket om at hæve. Lydene i tredje og syvende trin (det tredje af den toniske treklang og åbningstonen) tones med en særlig stærk tendens til at øges. Lyden af ​​den fjerde scene er intoneret med en tendens til at aftage.

Det skal bemærkes, at en dur skala med et sænket syvende trin ofte findes i russiske sange. I dette tilfælde er det toner med en tendens til at falde.

Eksempel nr. 5 viser karakteren af ​​intonation af forskellige grader af durskalaen. Pile, der peger opad, angiver, at lyden skal tones med et ønske om at øge, en vandret pil angiver stabil intonation, og en pil, der peger ned, angiver intonation med et ønske om at mindske

Intonation af mol-skalaen (naturlig).

Lydene fra det første, andet og fjerde trin tones med et ønske om at øge.
Lyde af tredje, sjette og syvende trin - med en tendens til at falde.
I den harmoniske og melodiske mol er lyden af ​​syvende grad toneret med en stærk tendens til at stige. I den melodiske moltonart er også lyden af ​​sjette grad tonet med et ønske om at øge.

Eksempel nr. 6 viser karakteren af ​​intonationen af ​​lydene af "B-moll" skalaen, hvori sangen "Polyushko kolkhoznoe" er skrevet.
Nøjagtig intonation er meget afhængig af det syngende åndedræt. Træg vejrtrækning med luftlækage forårsager et fald i lyden, overanstrengelse af vejrtrækning med for stærkt lufttryk, tværtimod fører til forcering og en stigning i intonation. Den træge dannelse af lyd (med indgangen) forårsager også intonationsunøjagtighed. En lav position, som forårsager træthed af strubehovedet, medfører et fald i lydens intonation, overlapningen af ​​lyden i det øvre register fører til samme resultat (i folkestemmer sker dette i stille sange). Ved utilstrækkelig brug af brystresonatorer ændres intonationen opad.
Lydens "høje position" har en særlig gavnlig effekt på intonationen, hvis essens ligger i at dirigere lyden til de øvre resonatorer og i at lindre spændingen i strubehovedet. En høj placering skal opnås i ethvert register.

Når man arbejder med denne sang, skal dette især tages i betragtning, når man øver sig med de anden alter, som synges i et meget lavt register. Vokaløvelser, at synge individuelle fraser med lukket mund eller i stavelserne "li" "le" er til stor gavn ved at øve højpositionslyd.
Innationalt ren sang i et kor afhænger således i høj grad af niveauet af alt vokalarbejde, som bør udføres i retning af at udvikle forskellige sangfærdigheder og rette op på visse mangler ved sangernes stemmer (tæthed i lyden, forcering, rysten, nasal). tone osv.). ).
Den vigtigste vokale færdighed er korrekt, understøttet vejrtrækning. "Ofte om en sanger, der ejer syngende vejrtrækning, siger de, at han synger" på en støtte " eller" understøttet lyd. " og forbruges jævnt og økonomisk. I dette tilfælde såkaldt "understøttet lyd." en stor luftøkonomi er mulig og dermed synge i et åndedrag af store musikalske konstruktioner. En ikke-understøttet lyd kræver hyppige åndedrætsskift og fører til et brud i den musikalske sætning.

For at opnå en understøttet lyd er det nødvendigt at opretholde en "indåndingsholdning", det vil sige, når sangeren synger, bør sangeren ikke tillade brystet at falde ned og indsnævre. Efter at have taget luften ind, er det nødvendigt et øjeblik at "holde" vejret og derefter fortsætte til lydproduktion. Dette øjeblik af "forsinkelse" bringer så at sige hele sangapparatet i beredskab. Du skal trække vejret let og naturligt, uden unødig stress, næsten på samme måde som i almindelig tale. Sangeren bør tage så meget luft, som han har brug for til at udføre en bestemt opgave. Mængden af ​​indåndet luft afhænger af størrelsen af ​​den musikalske sætning og det register, den lyder i, samt af lydens styrke. At synge i et højt register kræver mere luft. Indånding af for meget luft vil resultere i spændt lyd og unøjagtig intonation. Varigheden af ​​indåndingen afhænger af stykkets tempo og bør være lig med varigheden af ​​et taktslag af en takt. Til den kontinuerlige fremførelse af lange musikalske konstruktioner, eller endda hele værket, bruges den såkaldte "kædeånding". Dens essens ligger i den alternative fornyelse af åndedrættet fra korsangerne. Eksempel nr. 7 viser kordelen af ​​andet vers, som udføres med "kædeånding".

Hver sanger kan individuelt ikke synge hele dette segment uden at forny åndedrættet, men i koret, som et resultat af sangernes skiftende fornyelse af åndedrættet, lyder denne sætning udelelig. Den normale syngende vejrtrækning for en sanger tørrer ud ved omgangen med fjerde og femte takt, men det anbefales ikke at trække vejret på dette sted, selv for en sanger. Med kædeånding er det bedre at trække vejret ikke i krydset mellem to musikalske konstruktioner, men foran det eller efter et stykke tid. Du er nødt til at afbryde forbindelsen fra sang og genindtræde den umærkeligt, tage vejret kort og hovedsageligt midt i et ord eller ved en vedvarende lyd. (Eksempel nr. 7).

Det skal endnu en gang understreges vigtigheden af ​​udåndingens karakter. Den skal være økonomisk og jævn i hele dens længde. Kun en sådan udånding kan skabe en glat, elastisk sang. Det bør ikke tillades, at al luften forbruges ved udånding. Det er skadeligt at synge på en meget udtømt lufttilførsel.
I sang er vejrtrækningsprocessen tæt forbundet med tidspunktet for lydens oprindelse eller angreb. Der er tre typer angreb - hårdt, aspireret og blødt. Ved et fast angreb lukkes ledbåndene, før der tilføres luft. Så åbner luftstrålen ledbåndene med en lille indsats. Resultatet er en hård lyd.
Et åndedrætsanfald er det modsatte af et hårdt. Med den indledes fremkomsten af ​​en lyd af en lydløs udånding, hvorefter ledbåndene stille lukker sig. I dette tilfælde ser vokalen "A" ud til at få karakteren af ​​lyden "xx-a", men konsonanten "x" bør ikke høres.

Ved et blødt angreb begynder lukningen af ​​ledbåndene samtidig med lydens begyndelse.
Et fast angreb i sang er sjældent (i lydudråb, i en høj lydformation efter en pause).
Stærkt angrebne øvelser er til stor gavn, de fremkalder følelsen af ​​en "understøttet" lyd og er et middel til at bekæmpe træg lydproduktion, der forårsager en "indgang". Sådanne øvelser (eksempel nr. 8) skal synges i et langsomt tempo på vokalen "A"

Sang er baseret på et blødt angreb. Aspireret - bruges til stille og meget stille sonoritet.
Med sangere med hårde stemmer er det nyttigt at øve sig i at synge små muslinger eller dele af en musikalsk frase af et stykke under undersøgelse for vokalerne "I", "E", "Yo", "U" eller stavelserne "ЛЯ", "ЛЕ", "ЛЁ", " BJ ".
Det kunstneriske billede i vokalkunsten optræder i musik og ords enhed. Ikke kun kvaliteten af ​​at levere sangens litterære tekst til lytteren, men også hele sangprocessen afhænger af måden at udtale ord på, eller diktion. Som du ved, består et ord af en enhed af vokaler og konsonanter. En uundværlig betingelse for korrekt diktion ved sang er den længst mulige klang af vokaler og en kort, aktiv udtale af konsonanter, baseret på et tydeligt samspil mellem tunge, læber, tænder og gane med en jævn og under ingen omstændigheder rykkende udånding. Det er nyttigt at øve klarheden af ​​udtalen af ​​konsonanter på en stille lyd ved at fordoble dem. På samme tid, for at rette al opmærksomhed på konsonanterne, er det nyttigt kort, men ikke brat, at droppe hver stavelse og mentalt beregne varigheden af ​​vedvarende noter. (Eksempel nr. 9)

En særlig udtalevanskelighed præsenteres ved kombinationer af flere konsonanter (land), en konsonant i begyndelsen af ​​et ord (møde, ikke streg) og en konsonant i slutningen af ​​et ord (farve, ikke farve).
For at bevare den ultimative kontinuitet af melodiens lyd, skal konsonanterne i slutningen af ​​en stavelse forbindes med den efterfølgende stavelse.
"U — ro — zha — e — ms l og — i og — ts i."
Klar diktion er normalt sidestillet med klar udtale af konsonanter, idet man glemmer, at vokaler også spiller en stor rolle i udtalen af ​​ord og i den overordnede sammensmeltning af korlyden.
Vokaler er rene lyde uden indblanding af støj. Nogle af dem lyder lyst, åbenlyst - "A", andre tildækket - "O", "U", den tredje - "tæt" - "I". Graden af ​​spænding, eller lysstyrke, af vokaler er forskellig, den afhænger af mundens position og af vokalens plads i ordet (betonede vokaler lyder mere intense, lysere end ubetonede).

I sang, for at skabe en jævn vokallinje, neutraliseres alle vokaler på en eller anden måde, det vil sige, at den skarpe linje mellem dem slettes. Dette sker som et resultat af at opretholde nogenlunde samme mundposition for alle vokaler. Det er kendt, at den samme vokal i forskellige positioner af munden får forskellige lydkvaliteter: med en bred åben mund lyder den åben, lys, med halvåben - dækket, blødt, når man synger med adskilte læbehjørner (på en smil) - det lyder let, let, "tæt". Derfor er det ganske forståeligt, at i lyden af ​​en enkelt sætning eller et helt stykke, markeret med en bestemt stemning, skal alle vokaler lyde i den samme følelsesmæssige tone, med en fremherskende position i munden. En ensartet måde, hvorpå vokaler dannes i et kor, er af afgørende betydning, da det er grundlaget for klangsammensmeltningen af ​​stemmer. For at udvikle en samlet vokalresonans er det nyttigt at synge en sekvens af lyde af samme tonehøjde på stavelsen MI — ME — MA — MO — MU (konsonanten "M" bruges til at blødgøre angrebet. Eksempel nr. 10) . I dette tilfælde skal du sikre dig, at alle vokaler udføres med samme grad af mundåbning.

For at undgå "indgangen", når du synger vokalerne "A", "O", "U", "E", "I" efter en hvilken som helst anden eller samme vokal, især ved krydsningen af ​​to ord, er det nødvendigt at strække den første vokal så længe som muligt og øjeblikkeligt skifte til den anden og angribe lyden lidt hårdere. For eksempel: ". Pælen er berømt for sin høst."
Vi har allerede sagt ovenfor, at en understreget vokal lyder stærkere og lysere end en ubetonet vokal. Men nogle gange i folkesange falder slagets stærke beat ikke sammen med betoningen i ordet. I disse tilfælde skal vokalen, der lyder med taktens stærke slag, udføres mindre fremtrædende end den vokal, som ordene er understreget på (eksempel 11)

Her ser vi, at i ordet "Min" svarer den ubetonede vokal "O" til et relativt stærkt taktslag og vil derfor, hvis det skiller sig ud, forvrænge ordet. For at forhindre dette i at ske, skal stavelsen "MO" udføres noget mere stille end vokalen "E".
Arbejdet med vokaler i folkekoret bliver særligt vigtigt på grund af nogle musikeres fejlagtige syn på folkestemmens klang. De mener, at kun en åben, hvid lyd er karakteristisk for folkesang. Misforståelse af det vokale grundlag for folkesang fører til den forkerte orientering af denne vidunderlige genre af korkunst. Taler rigdommen af ​​den russiske folkesangs genre, fra det stille, blide omkvæd, skarpe ditties til de brede lærreder af melodiøse lyriske sange og højrøstede forårssange, ikke om dens bredeste følelsesmæssige spændvidde?! Hvordan kan du synge alle disse sange med én lyd?! Det er helt klart, at lyden af ​​et folkekor, ligesom ethvert andet kor, afhænger af sangens indhold, af dens følelsesmæssige tone.

Grundlaget for enhver kollektiv musikalsk kunst, inklusive koret, er enhed og en vis sammenhæng i handlingerne hos alle medlemmer af kollektivet. Alle elementer af korklang: struktur, diktion, styrke, klang, bevægelseshastighed osv. eksisterer kun i en kollektiv, ensembleform. Derfor gennemsyrer arbejdet med ensemblet alle stadier af korværket.
Vi har allerede talt om den ensartede måde, hvorpå vokaler og konsonanter dannes. Vi vil nu se på rytmisk og dynamisk ensemble. I "Polyushka kolkhoznom" har hver stemme sit eget uafhængige rytmiske mønster. Ved en engangsforestilling er der fare for at forstyrre det rytmiske ensemble. For at forhindre dette er det nødvendigt at indgyde sangere en følelse af melodiens pulsering. Til dette formål er det godt at bruge sang af musikuddrag med opdeling af hver kvart, halv og hel tone i ottendedele (eksempel N2 12).

Takket være denne øvelse vil koret præcist modstå komplekse varigheder og gå videre til efterfølgende lyde i tide. Normalt, på lyde af lang varighed, mister sangere deres præcise følelse af bevægelse og skifter til efterfølgende lyde sent eller før tid.
Et dynamisk ensemble i et kor er baseret på balancen i styrken af ​​den ene stemmes stemmer og på en vis sammenhæng mellem partierne med hinanden: enten lyder den øverste del, der fører hovedstemmen, højere end de andre dele, derefter lyder den midterste. eller lavere stemme kommer i forgrunden, så lyder alle dele med samme styrke ... Så i sangen "Polyushko kolkhoznoe" lyder først den øverste stemme højere, så begynder de melodiske ændringer i forskellige stemmer dynamisk at understrege, i sangens kulmination lyder alle stemmer med samme styrke.

De fleste russiske folkesange synges med forsangere. I disse tilfælde er ensemblet mellem forsanger og kor meget vigtigt, hvilket overtager hele karakteren af ​​sangopførelsen fra forsangeren. Dette bør tages i betragtning, når du øver denne sang. Grundlaget for et godt ensemble i et kor er det korrekte valg af stemmer og deres kvantitative lighed i hver del. Resultatet er et naturligt ensemble. Men nogle gange har stemmerne, der udgør akkorden, forskellige vidnesbyrdsbetingelser. I dette tilfælde opnås lydbalancen kunstigt, som et resultat af en særlig fordeling af lydstyrken mellem stemmerne: sekundærstemmen skrevet i højt register skal lyde mere stille, og hovedstemmen skrevet i lavt register skal spilles højere . Hvis alle stemmer i denne situation udføres med samme styrke, vil den sekundære stemme overdøve hovedstemmen, og ensemblet fungerer selvfølgelig ikke.
For at skabe et kunstnerisk fuldgyldigt ensemble er det nødvendigt, at hver sanger ikke kun synger sin del nøjagtigt, men også, lytter til sine naboer i partiet, smelter sammen med dem. Desuden skal han lytte til hovedstemmen og måle styrken af ​​sin stemme med den.