Ammattiteatterin synty Venäjällä -esitys. Muinaisen Venäjän teatteri ja musiikki

VENÄJÄ) on käynyt läpi erilaisen muodostumis- ja kehityspolun kuin eurooppalainen, itämainen tai amerikkalainen teatteri. Tämän polun vaiheet liittyvät Venäjän historian omaperäisyyteen - sen talouteen, sosiaalisten muodostelmien muutokseen, uskontoon, venäläisten erityiseen mentaliteettiin jne.

Teatteri rituaalisissa ja seremoniallisissa muodoissaan, kuten jokaisessa muinaisessa yhteisössä, oli laajalle levinnyt Venäjällä, se oli olemassa mysteerimuodoissa. Tässä tapauksessa emme tarkoita mysteeriä keskiaikaisen eurooppalaisen teatterin genrenä, vaan ryhmätoimintana, joka liittyy arjen ja pyhiin päämääriin, useimmiten - saada apua jumalilta ihmisyhteisön toiminnan kannalta tärkeissä tilanteissa. .

Venäläisen teatterin alkuperä ja muodostuminen

Nämä olivat maatalouden syklin vaiheita - kylvö, sadonkorjuu, luonnonkatastrofit - kuivuus, epidemiat ja eläintaudit, perhe- ja perhetapahtumat - häät, synnytys, kuolema jne. Nämä olivat esiteatterin esityksiä, jotka perustuivat muinaiseen heimo- ja maataloustaikaan, joten tämän ajanjakson teatteria tutkivat pääasiassa folkloristit ja etnografit, eivät teatterihistorioitsijat. Mutta tämä vaihe on erittäin tärkeä - kuten mikä tahansa alku, joka asettaa kehityksen vektorin.

Venäläisen teatterin alkuperä ja muodostuminen

Tällaisista rituaalisista toimista venäläisen teatterin kehityslinja syntyi kansanperinteenä ja kansanteatterina, joka on edustettuna monissa muodoissa - nukketeatteri (Petrushka, seimi jne.), koppi (raik, karhuhuvi jne.) .), kiertävät näyttelijät (guslarit, laulajat, tarinankertojat, akrobaatit jne.) jne. 1700-luvulle asti. Venäjällä teatteri kehittyi vain kansanperinteenä, muita teatterimuotoja, toisin kuin Euroopassa, täällä ei ollut. 10-11 vuosisadalle asti. Venäläinen teatteri kehittyi idän tai Afrikan perinteiselle teatterille ominaista polkua pitkin - rituaali-folklore, pyhä, rakennettu alkuperäiseen mytologiaan

Venäläisen teatterin alkuperä ja muodostuminen

• Noin 1100-luvulta. tilanne on muuttumassa ensin - vähitellen, sitten - voimakkaammin, mikä on johtanut radikaaliin muutokseen venäläisen teatterin kehityksessä ja sen muodostumisessa edelleen eurooppalaisen kulttuurin vaikutuksesta.

Ammattiteatteri

Ammattiteatterin ensimmäiset edustajat olivat ihailijat, jotka työskentelivät melkein kaikissa katuesitysten genreissä. Ensimmäiset todisteet buffooneista ovat peräisin 1000-luvulta, mikä mahdollistaa sen, että puhki oli pitkään muodostunut ilmiö, joka on tullut kaikkien silloisen yhteiskunnan kerrosten elämään. Venäläisen alkuperäisen, rituaaleista ja rituaaleista peräisin olevan puhkitaiteen muodostumiseen vaikuttivat myös kiertävien eurooppalaisten ja bysanttilaisten koomikkojen - histrionien, trubaduurien, kulkurien - "matkat".

Teatteri ja kirkko

• 1500-luvulle mennessä. Venäjällä kirkko muodostaa valtion ideologian (erityisesti papistolle uskottiin vastuu oppilaitosten perustamisesta). Ja tietenkään hän ei voinut ohittaa teatteria, joka on voimakas vaikuttamiskeino.

Koulu- ja kirkkoteatteri

Venäjän ortodoksisen kirkon "satapäisellä" katedraalilla vuonna 1551 oli ratkaiseva rooli uskonnollisen valtion yhtenäisyyden luomisessa ja se antoi papistolle vastuun teologisten oppilaitosten luomisesta. Tänä aikana ilmestyi kouludraamaa sekä koulu- ja kirkkoesityksiä, jotka lavastettiin näiden oppilaitosten (oppilaitosten, akatemioiden) teattereissa. Valtiota, kirkkoa, muinaista Olympusta, viisautta, uskoa, toivoa, rakkautta jne. edustavat hahmot nousivat lavalle siirrettynä kirjojen sivuilta.

Koulu- ja kirkkoteatteri

Kiovassa syntyessään koulukirkkoteatteri alkoi ilmestyä muissa kaupungeissa: Moskovassa, Smolenskissa, Jaroslavlissa, Tobolskissa, Polotskissa, Tverissä, Rostovissa, Tšernigovissa jne. Varttuessaan teologisen koulun seinien sisällä hän sai päätökseen kirkon rituaalien teatralisoinnin: liturgia, pyhän viikon jumalanpalvelukset, joulu, pääsiäinen ja muut rituaalit. Nousevan porvarillisen elämän olosuhteissa syntynyt kouluteatteri erotti ensimmäistä kertaa maallamme näyttelijän ja näyttämön katsojasta ja yleisöstä, johti ensimmäistä kertaa tiettyyn näyttämökuvaan sekä näytelmäkirjailijalle että näytelmäkirjailijalle. näyttelijä.

Hoviteatteri

• Oikeusteatterin muodostuminen Venäjällä liittyy tsaari Aleksei Mihailovitšin nimeen. Hänen hallituskautensa liittyy uuden ideologian muodostumiseen, joka keskittyy laajentamaan diplomaattisia suhteita Eurooppaan. Suuntautuminen eurooppalaiseen elämäntapaan johti moniin muutoksiin venäläisen hovin elämässä.

Hoviteatteri

Aleksei Mihailovitšin yritys järjestää ensimmäinen hoviteatteri juontaa juurensa vuodelle 1660: tsaarin tilausten ja ostojen "luetteloon" englantilainen kauppias Gebdon kirjoitti Aleksei Mihailovitšin kädellä tehtävän "Kutsua komediamestareita saksasta maihin Moskovan valtiolle." Tämä yritys kuitenkin epäonnistui; venäläisen hoviteatterin ensiesitys pidettiin vasta vuonna 1672. 15. toukokuuta 1672 tsaari antoi asetuksen, jossa eversti Nikolai von Stadenia (bojaari Matvejevin ystävää) kehotettiin etsimään ulkomailta ihmisiä, jotka voisivat "näyttää komediaa".

Hoviteatteri

Esityksistä on tullut yksi Moskovan sisäpihan rakastetuimmista viihteistä. Mukana oli 26 venäläistä näyttelijää. Pojat näyttelivät naisrooleja. Esterin roolissa Artaxerxes toiminta näytteli Blumentrostin poika. Sekä ulkomaalaisia ​​että venäläisiä näyttelijöitä koulutettiin erikoiskoulussa, joka avattiin 21. syyskuuta 1672 Gregoryn talon pihalla saksalaisessa siirtokunnassa. Venäläisten ja ulkomaalaisten opiskelijoiden opettaminen osoittautui vaikeaksi, ja vuoden 1675 toisella puoliskolla aloitti toimintansa kaksi teatterikoulua: Puolan hovissa - ulkomaalaisille, Meshchanskaya Slobodassa - venäläisille.

Hoviteatteri

• Ensimmäisen hoviteatterin ilmestyminen sattui Pietari I:n (1672) syntymän kanssa, joka lapsuudessa näki tämän teatterin viimeiset esitykset. Noustuaan valtaistuimelle ja aloittanut valtavan työn Venäjän eurooppalaistamiseksi Pietari I ei voinut olla kääntymättä teatteriin keinona edistää innovatiivisia poliittisia ja sosiaalisia ideoitaan.

Petrovskin teatteri

1700-luvun lopulta. Euroopassa naamiaiset tulivat muotiin, josta nuori Pietari I piti. Vuonna 1698 hän naamioituneena friisiläiseksi talonpojaksi osallistui wieniläiseen naamiaiseen. Peter päätti popularisoida uudistuksiaan ja innovaatioitaan teatteritaiteen kautta. Hän aikoi rakentaa teatterin Moskovaan, mutta ei eliittiä varten, vaan avoin kaikille. Vuosina 1698-1699 Moskovassa työskenteli nukketeatteriryhmä, jota johti Jan Splavsky ja jonka Peter määräsi vuonna 1701 kutsumaan koomikoita ulkomailta. Vuonna 1702 Johann Kunstin ryhmä saapuu Venäjälle

Julkisen (julkisen) teatterin syntyminen

Kun Elizabeth nousi valtaistuimelle vuonna 1741, eurooppalaisen teatterin käyttöönotto jatkui. Ulkomaiset ryhmät kiersivät hovissa - italialainen, saksalainen, ranskalainen, muun muassa draama, ooppera ja baletti, komedia del arte. Samaan aikaan luotiin perusta kansalliselle venäläiselle ammattiteatterille, Elisabetin liittymisen aikana tuleva "venäläisen teatterin isä" Fjodor Volkov opiskeli Moskovassa, osallistui joulunajan esityksiin ja otti vastaan ​​kokemuksen kiertueella eurooppalaisia ​​ryhmiä.

Teatterit oppilaitoksissa

1700-luvun puolivälissä. teattereita järjestetään oppilaitoksissa (1749 - Pietarin Gentry Corps, 1756 - Moskovan yliopisto), venäläisiä teatteriesityksiä järjestetään Pietarissa (järjestäjä I. Lukin), Moskovassa (järjestäjä K. Baikulov, virkailijat, joita johtaa Khalkov ja Glushkov, mestari "Ivanov ja muut", Jaroslavlissa (järjestäjät N. Serov, F. Volkov). Vuonna 1747 tapahtuu toinen tärkeä tapahtuma: ensimmäinen runollinen tragedia kirjoitettiin - Khorev A. Sumarokova.

Kansallinen julkinen teatteri

Kaikki tämä luo edellytykset kansallisen julkisen teatterin syntymiselle. Tätä varten vuonna 1752 Volkovin seurue kutsuttiin Jaroslavlista Pietariin. Lahjakkaat amatöörinäyttelijät ovat päättäneet opiskella Gentry Corpsissa - A. Popov, I. Dmitrevsky, F. ja G. Volkovykh, G. Emelyanov, P. Ivanov jne. Heidän joukossaan on neljä naista: A. Musina-Puškina, A. Mikhailova, sisarukset M. ja O. Ananiev.

FEDOR GRIGORIEVICH VOLKOV

Petrovskin teatteri

Tobolskin metropoliitta Filofei Leshchinsky asetti Pietari I:n johdolla esitysten alun Siperiassa. Vuoden 1727 alla oleva käsikirjoituskroniikka sanoo: "Philotheus oli teatteriesitysten metsästäjä, hän teki loistokkaita ja runsaita komediaa, kun hänen piti olla komedian keräilijä, sitten hän teki Vladykasta katedraalin kelloiksi kerätäkseen evankeliumia, ja teatterit olivat katedraalin ja Sergijevskin kirkkojen ja vzvozin välillä, minne ihmiset olivat menossa. Metropolitan Philotheuksen innovaatiota jatkoivat hänen seuraajansa, joista osa oli Kiovan Akatemian oppilaita.

Teatteri Anna Ioannovnan johdolla

Anna Ioannovna käytti valtavia summia erilaisiin juhliin, balleihin, naamiaisiin, suurlähettiläsvastaanottoihin, ilotulituksiin, valaistukseen ja teatterikulkueisiin. Hänen hovissaan klovnikulttuuri elpyi, jatkettiin "istumisen" perinteitä - hänellä oli jättiläisiä ja karlleja, jestereita ja jokereita. Tunnetuin teatteriloma oli narriprinssi Golitsynin "utelias" häät kalmykijokeri Buzheninovan kanssa Jäätalossa 6.2.1740.

Pysyvä julkinen teatteri

Ensimmäinen venäläinen pysyvä julkinen teatteri avattiin vuonna 1756 Pietarissa, Golovkinsky-talossa. Gentry Corpsissa koulutettujen näyttelijöiden joukkoon lisättiin joukko F. Volkovin Jaroslavlin ryhmän näyttelijöitä, mukaan lukien koominen näyttelijä Y. Shumsky. Teatteria johti Sumarokov, jonka klassistiset tragediat muodostivat ohjelmiston perustan. Ryhmän ensimmäisellä sijalla oli Volkov, joka korvasi Sumarokovin ohjaajan virassa ja piti tätä asemaa kuolemaansa saakka vuonna 1763 (tämä teatteri nimetään Aleksandrinskiksi vuonna 1832 - Nikolai I:n vaimon kunniaksi.)

Draamateatterin perustaminen

Ensimmäiset julkiset esiintymiset Moskovassa ovat peräisin vuodelta 1756, jolloin yliopiston lukion opiskelijat muodostivat johtajansa runoilija M. Kheraskovin johdolla teatteriryhmän yliopiston seinien sisään. Esityksiin kutsuttiin Moskovan korkeimman yhteiskunnan edustajat. Vuonna 1776 entisen yliopistoseuran pohjalle perustettiin draamateatteri, joka sai nimen Petrovski (alias Medox-teatteri). Venäjän Bolshoi (ooppera ja baletti) ja Maly (draama) -teatterit jäljittävät sukuluettelonsa tästä teatterista.

PIENI TEATTERI

Maly-teatterin historia

• Maly-teatteri on Venäjän vanhin teatteri. Hänen ryhmänsä perustettiin Moskovan yliopistoon vuonna 1756, heti keisarinna Elizabeth Petrovnan kuuluisan asetuksen jälkeen, joka merkitsi ammattiteatterin syntymää maassamme: "Olemme nyt käskeneet perustaa venäläisen teatterin esittämään komedioita ja tragedioita ... ”

Maly-teatterin historia

• Vuonna 1824 Bove rakensi kauppias Varginin kartanon uudelleen teatteria varten, ja keisarillisen teatterin Moskovan ryhmän dramaattinen osa sai oman rakennuksen Petrovskaja-aukiolle (nykyisin Teatralnaya) ja oman nimensä - Maly-teatteri.

VENÄJÄN BOLSHOI-TEATTERI Moskovassa

Bolshoi-teatteri illalla

Teatterin lähellä

Sentimentaalismin aikakauden teatteri

Klassismin aika Venäjällä ei kestänyt kauan - sentimentaalismin muodostuminen alkoi jo 1760-luvun puolivälissä. Esiintyy "kyynelisiä komedioita" V. Lukinsky, M. Verevkin, M. Kheraskov, koominen ooppera, filistealainen draama. Demokraattisten suuntausten voimistumista teatterissa ja draamassa edesauttoivat yhteiskunnallisten ristiriitojen kärjistyminen talonpoikaissodan aikana 1773–1775 ja kansanteatterin perinne. Joten aikalaisten todistuksen mukaan Shumsky käytti soittotekniikoita, jotka ovat lähellä ällöjä. Satiirinen komedia on kehittymässä - Aluskasvillisuus D. Fonvizina

Serf teatterit

1700-luvun loppuun mennessä. maaorjateatterit yleistyivät. Teatterin asiantuntijat - näyttelijät, koreografit, säveltäjät - kutsuttiin tänne opiskelemaan näyttelijöiden kanssa. Jotkut maaorjateatterit (Sheremetev Kuskovossa ja Ostankinossa, Jusupov Arkangelissa) ylittivät valtionteatterit tuotantonsa runsaudessa. 1800-luvun alussa. joidenkin maaorjateatterien omistajat alkavat tehdä niistä kaupallisia yrityksiä (Shakhovskoy ja muut). Orjateattereista nousi esiin monia kuuluisia venäläisiä näyttelijöitä, jotka usein vuokrattiin näyttelemään "ilmaisissa" teattereissa, mm. keisarillisella näyttämöllä (M. Schepkin, L. Nikulina-Kositskaya jne.).

Teatteri 1700-1800-luvun vaihteessa

Venäläinen teatteri 1800-luvulla

Teatterin kehitykseen liittyviä kysymyksiä aivan 1800-luvun alussa. niistä keskusteltiin kirjallisuuden, tieteiden ja taiteiden ystävien vapaan seuran kokouksissa. Radishchev I. Pninin seuraaja kirjassaan Kokemusta valistuksesta suhteessa Venäjään(1804) väitti, että teatterin tulisi edistää yhteiskunnan kehitystä. Toiseksi tänä aikana lavastettujen isänmaallisten tragedioiden merkityksellisyys, täynnä viittauksia nykytilanteeseen ( Oidipus Ateenassa ja Dmitri Donskoy Ozerov, F. Schillerin ja W. Shakespearen näytelmät) vaikutti romantiikan muodostumiseen. Tämä tarkoittaa, että uudet näyttelemisen periaatteet, halu lavahahmojen yksilöllistymiseen, tunteiden paljastaminen ja psykologia hyväksyttiin.

Teatterin jakaminen kahteen ryhmään

1800-luvun ensimmäisellä neljänneksellä. Venäjän draamateatterin ensimmäinen virallinen erottaminen erilliseen suuntaan tapahtui (ennen draamaryhmä työskenteli yhdessä oopperan ja baletin kanssa, ja samat näyttelijät esiintyivät usein eri tyylilajeissa). Vuonna 1824 entinen Medox-teatteri jaettiin kahteen ryhmään - draamaan (Maly-teatteri) ja oopperaan ja balettiin (Bolshoi-teatteri). Maly-teatteri saa erillisen rakennuksen. (Pietarissa draamaryhmä erotettiin musikaaliryhmästä vuonna 1803, mutta ennen kuin se muutti erilliseen rakennukseen Aleksandrinski-teatteriin vuonna 1836, se työskenteli edelleen Mariinski-teatterin ooppera- ja balettiryhmän kanssa.)

Alexandrinsky teatteri

Aleksandrinski-teatterille 1800-luvun jälkipuolisko. osoittautui vaikeammaksi ajanjaksoksi. Huolimatta Ostrovskin, I. Turgenevin, A. Sukhovo-Kobylinin, A. Pisemskin näytelmien yksittäisistä esityksistä keisarillisten teatterien pääosaston käskystä, ohjelmiston pääperustana oli tuolloin vaudeville ja pseudokannsdraama. Ryhmään kuului monia lahjakkaita taiteilijoita, joiden nimet ovat jääneet venäläisen teatterin historiaan: A. Martynov, P. Vasiliev, V. Asenkova, E. Guseva, Y. Linskaya, V. Samoilov, myöhemmin, 1800-luvun lopulla vuosisadalla. - P. Strepetova, V. Komissarževskaja, M. Dalsky, K. Varlamov, M. Savina, V. Strelskaja, V. Dalmatov, V. Davydov jne. Jokainen näistä loistavista näyttelijöistä esiintyi kuitenkin ikään kuin itsestään, näyttelijänä ei muodostanut näyttämöyhtyettä. Yleisesti ottaen Alexandrinsky-teatterin tila ei ollut tuolloin kovin kadehdittava: ryhmän johtajat vaihtuivat jatkuvasti, vahvaa suuntaa ei ollut, ensi-isien määrä kasvoi ja harjoitusaika väheni.

Alexandrinsky teatteri

Mariinskin oopperatalo

Mariinskin oopperatalo

• Venäjän suurin ooppera- ja balettiteatteri, yksi maamme vanhimmista musiikkiteattereista. Se on peräisin vuonna 1783 avatusta Stone (Bolshoi) -teatterista. Se on ollut nykyaikaisessa rakennuksessa (uudelleenrakennettu Sirkusteatterin tulipalon jälkeen) vuodesta 1860, samalla se sai uuden nimen - Mariinski-teatteri.

Teatteri 19-20-luvun vaihteessa

Venäläisen teatterin ilmapiirin nousun ja kukoistuksen aika oli 1800- ja 1900-luvun vaihteessa. Tämä aika oli käännekohta koko maailmanteatterille: ilmestyi uusi teatterin ammatti - ohjaaja, ja tässä suhteessa muodostui pohjimmiltaan uusi ohjaajateatterin estetiikka. Venäjällä nämä suuntaukset ovat ilmenneet erityisen selvästi. Tämä oli koko venäläisen taiteen ennennäkemättömän nousun aikaa, ja se sai myöhemmin nimen hopeakaudeksi. Ja draamateatteri - runouden, maalauksen, skenografian, baletin ohella - ilmestyi valtavasti erilaisiin esteettisiin suuntiin keskittyen itseensä maailman teatteriyhteisön huomion.

Venäläistä teatteria 1900-luvun vaihteessa

Tarkastellakseen Venäjää 1800- ja 1900-luvun vaihteessa. maailman teatterisaavutusten painopiste, se riittäisi K. Stanislavskylle upeine innovatiivisine ideoineen ja hänen yhdessä V. Nemirovich-Danchenkon (1898) kanssa luomaan Moskovan taideteatteriin. Huolimatta siitä, että Moskovan taideteatteri avattiin esityksellä Tsaari Fjodor Ioannovich A.K. Tolstoin, A. Tšehovin dramaturgiasta tuli uuden teatterin lippu, salaperäinen, ei tänään täysin julkistettu. Ei ihme, että Moskovan taideteatterin esiripun päällä on lokki, joka viittaa yhden Tšehovin parhaiden näytelmien nimeen ja on tulossa teatterin symboliksi. Mutta yksi Stanislavskyn tärkeimmistä palveluista maailmanteatterille on sellaisten lahjakkaiden opiskelijoiden kasvatus, jotka ovat omaksuneet hänen teatterijärjestelmänsä kokemuksen ja kehittäneet sitä edelleen mitä odottamattomimpiin ja paradoksaalisimpiin suuntiin (eläviä esimerkkejä ovat V. Meyerhold, M. Chekhov, E. Vakhtangov).

KONSTANTIN S. STANISLAVSKY

Pietarissa tuon ajan "avainhenkilö" oli V. Komissarzhevskaja. Tehtyään debyyttinsä Aleksandrinski-teatterin lavalla vuonna 1896 (ennen sitä hän oli näytellyt Stanislavskyn amatööriesityksissä) näyttelijä voitti melkein välittömästi yleisön kiihkeän rakkauden. Hänen omalla teatterillaan, jonka hän loi vuonna 1904, oli valtava rooli venäläisen ohjauksen loistavan galaksin muodostumisessa. Komissarzhevskaya-teatterissa vuosina 1906-1907 hän hyväksyi ensimmäistä kertaa pääkaupungin näyttämöllä ehdollisen teatterin Meyerhold periaatteet (myöhemmin hän jatkoi kokeiluja keisarillisissa teattereissa - Aleksandrinski ja Mariinsky sekä Tenishevsky-koulussa ja teatteristudiossa Borodinskaya-kadulla)

VERA FEDOROVNA KOMISSARŽEVSKAJA

Moskovan taideteatteri

Moskovassa Moskovan taideteatteri oli teatterielämän keskus. Paikalle kerääntyi loistava joukko näyttelijöitä, jotka näyttelivät esityksissä, jotka houkuttelivat valtavan määrän katsojia: O. Knipper, I. Moskvin, M. Lilina, M. Andreeva, A. Artem, V. Kachalov, M. Chekhov jne. Monet täällä muodostui suuntauksia nykyaikainen ohjaus: Stanislavskyn ja Nemirovich-Danchenkon lisäksi nämä olivat L. Sulerzhitskyn, K. Mardzhanovin, Vakhtangovin teoksia; tuotantoon tuli myös maailmankuulu G. Craig. Moskovan taideteatteri loi perustan myös nykyaikaiselle lavastuselle: M. Dobuzhinsky, N. Roerich, A. Benois, B. Kustodiev ym. olivat mukana hänen esitystyöhönsä.Moskovan taideteatteri määräsi silloin itse asiassa koko taiteen. Moskovan elämä, sis. - ja pienten teatterimuotojen kehittäminen; Suosituin Moskovan kabareeteatteri "Lepakko" on luotu Moskovan taideteatterin sketsien perusteella.

MOSKOVAN TAIDETEATTERI.

Venäläinen teatteri vuoden 1917 jälkeen

Uusi hallitus ymmärsi teatteritaiteen merkityksen: 9. marraskuuta 1917 annettiin kansankomissaarien neuvoston asetus kaikkien venäläisten teattereiden siirtämisestä Valtion koulutuskomission taideosaston toimivaltaan. Ja 26. elokuuta 1919 ilmestyi asetus teatterien kansallistamisesta, ensimmäistä kertaa Venäjän historiassa teatterista tuli täysin valtion asia (muinaisessa Kreikassa tällaista valtion politiikkaa harjoitettiin jo 5. vuosisadalla eKr.). Johtaville teattereille myönnetään akateemiset arvonimet: vuonna 1919 - Maly-teatteri, vuonna 1920 - Moskovan taideteatteri ja Aleksandrinski-teatteri (uudeksi nimetty Petrogradin valtion akateeminen draamateatteri). Uusia teattereita avataan. Moskovassa - Moskovan taideteatterin 3. studio (1920, myöhemmin Vakhtangov-teatteri); Vallankumouksen teatteri (1922, myöhemmin - Majakovski-teatteri); MGSPS:n mukaan nimetty teatteri (1922, nykyään - Mossovetin mukaan nimetty teatteri); Moskovan lastenteatteri (1921, vuodesta 1936 - Lasten keskusteatteri). Petrogradissa - Bolshoi-draamateatteri (1919); GOSET (1919, vuodesta 1920 muutti Moskovaan); Teatteri nuorille katsojille (1922).

Jevgeni Vakhtangovin mukaan nimetty teatteri

• Eug:n mukaan nimetyn teatterin historia. Vakhtangov aloitti kauan ennen syntymäänsä. Vuoden 1913 lopulla ryhmä hyvin nuoria - noin kahdeksantoista tai kaksikymmentä vuotta vanhoja - Moskovan opiskelijoita järjesti Student Draama Studion, joka päätti opiskella teatteritaidetta Stanislavsky-järjestelmän mukaisesti.

Teatteri 30-luvulla

Venäläisen teatterin uusi kausi alkoi vuonna 1932 liittovaltion bolshevikkien kommunistisen puolueen keskuskomitean asetuksella "Kirjallisten ja taiteellisten organisaatioiden uudelleenjärjestelystä". Taiteen päämenetelmä tunnustettiin sosialistisen realismin menetelmäksi. Taiteellisten kokeilujen aika on ohi, vaikka tämä ei tarkoita, että seuraavat vuodet eivät antaneet uusia saavutuksia ja menestyksiä teatteritaiteen kehityksessä. Vain sallitun taiteen "aluetta" kavennettiin, tiettyjen taiteellisten suuntausten esitykset hyväksyttiin - pääsääntöisesti realistisia. Ja lisäarviointikriteeri ilmestyi: ideologinen ja temaattinen. Joten esimerkiksi esitykset ns. "Leninians", jossa V. Leninin kuva ( Mies aseella Vakhtangov-teatterissa Leninin roolissa - B. Shchukin; Totuus Vallankumouksen teatterissa Leninin roolissa - M. Strauch ja muut). Kaikki "sosialistisen realismin perustajan" M. Gorkin näytelmiin perustuvat esitykset olivat käytännössä tuomittuja menestykseen. Tämä ei tarkoita, että jokainen ideologisesti kestävä esitys olisi ollut huono, vain taiteelliset kriteerit (ja joskus jopa yleisömenestys) esitysten valtionarvioinnissa eivät enää olleet ratkaisevia.

Teatteri 30-40-luvulla

Monille venäläisen teatterin hahmoille 1930-luvusta (ja 1940-luvun jälkipuoliskosta, jolloin ideologinen politiikka jatkui) tuli traaginen. Venäläisen teatterin kehitys jatkui kuitenkin edelleen. Uusien ohjaajien nimet ilmestyivät: A. Popov, Y. Zavadsky, R. Simonov, B. Zakhava, A. Dikiy, N. Okhlopkov, L. Vivien, N. Akimov, N. Gerchakov, M. Kedrov, M. Knebel, V .Sahnovski, B. Suškevitš, I. Bersenev, A. Brjantsev, E. Radlov ym. Nämä nimet yhdistettiin pääasiassa Moskovaan ja Leningradiin sekä maan johtavien teattereiden ohjauskouluun. Kuitenkin myös useiden ohjaajien teokset muissa Neuvostoliiton kaupungeissa saavat mainetta: N. Sobolštšikov-Samarin (Gorki), N. Sinelnikov (Harkov), I. Rostovtsev (Jaroslavl), A. Kanin (Rjazan), V. Bitjutski (Sverdlovsk), N. Pokrovski (Smolensk, Gorki, Volgograd) ja muut.

JURI ALEKSANDROVICH ZAVADSKI

RUBEN NIKOLAJVITS SIMONOV

MARIA IVANOVNA BABANOVA

IGOR ILYINSKY

• Suuren isänmaallisen sodan aikana venäläiset teatterit kääntyivät pääasiassa isänmaalliseen teemaan. Tänä aikana kirjoitetut näytelmät lavastettiin lavalla ( Maahantunkeutuminen L. Leonova, Edessä A. Korneichuk, Mies kaupungistamme ja venäläisiä ihmisiä Simonov) ja näytelmiä historiallisista ja isänmaallisista teemoista ( Pietari I A.N. Tolstoi, Kenttämarsalkka Kutuzov

ETUPRIGADI

Teatteri suuren isänmaallisen sodan aikana

• Kaudella 1941-1945 oli Venäjän ja Neuvostoliiton teatterielämälle vielä yksi seuraus: maakuntateatterien taiteellisen tason merkittävä nousu. Moskovan ja Leningradin teattereiden evakuointi ja heidän työskentely reuna-alueilla puhalsi uutta elämää paikallisiin teattereihin, edisti esittävän taiteen integraatiota ja luovien kokemusten vaihtoa.

Venäläinen teatteri 1950-1980

Suuren panoksen venäläisen teatteritaiteen muodostumiseen antoivat monet Leningradin näyttelijät: I. Gorbatšov, N. Simonov, Y. Tolubeev, N. Tšerkasov, B. Freindlikh, O. Lebzak, L. Shtykan, N. Burov ja muut (teatteri ne. Pushkin); D. Barkov, L. Djatškov, G. Žženov, A. Petrenko, A. Ravikovitš, A. Freindlikh, M. Bojarski, S. Migitsko, I. Mazurkevitš ja muut (Lensovet-teatteri); V. Jakovlev, R. Gromadsky, E. Ziganshina, V. Tykke ja muut (Lenin Komsomolin nimetty teatteri); T. Abrosimova, N. Boyarsky, I. Krasko, S. Landgraf, Y. Ovsyanko, V. Osobik ja muut (Komissarzhevskajan mukaan nimetty teatteri); E. Junger, S. Filippov, M. Svetin ja muut (Komediateatteri); L. Makariev, R. Lebedev, L. Sokolova, N. Lavrov, N. Ivanov, A. Hochinsky, A. Shuranova, O. Volkova ja muut (Nuorten katsojien teatteri); N. Akimova, N. Lavrov, T. Shestakova, S. Bekhterev, I. Ivanov, V. Osipchuk, P. Semak, I. Sklyar ja muut (MDT, alias Theater of Europe).

Moskovan draamateatterin ovilla Tagankassa, 1977

Venäjän armeijan teatteri

• VENÄJÄN ARMEIJAN TEATTERI on ensimmäinen ammattimainen draamateatteri puolustusministeriön järjestelmässä. Vuoteen 1946 asti sitä kutsuttiin Puna-armeijan teatteriksi, sitten se nimettiin uudelleen Neuvostoliiton armeijan teatteriksi (myöhemmin - Neuvostoliiton armeijan akateeminen keskusteatteri). Vuodesta 1991 - Venäjän armeijan akateeminen keskusteatteri.

Venäjän armeijan teatteri

Vuosina 1930–1931 Puna-armeijan teatteria johti Yu.A. Zavadsky. Täällä hän järjesti yhden Moskovan merkittävimmistä esityksistä tuolloin Mstislav Lihavoitu I. Prut. Teatterissa oli studio, jonka valmistuneet liittyivät seurueeseen. Vuonna 1935 teatteria johti A.D. Popov, jonka nimi liittyy Puna-armeijan teatterin kukoistukseen. Arkkitehti KS Alabyan loi projektin hyvin erikoisesta teatterirakennuksesta - viisisakaraisen tähden muotoisesta, kahdella auditoriolla (suuri sali 1800 istuimelle), tilavalla näyttämöllä, joka erottuu ennennäkemättömästä syvyydestä ja monista työpajoihin soveltuvat tilat, teatteripalvelut, harjoitustilat. Vuoteen 1940 mennessä rakennus valmistui, siihen asti teatteri esitti esityksiään Puna-armeijan talon Red Banner Hallissa, kävi pitkillä kierroksilla.

VENÄJÄN ARMEIJAN TEATTERI

Venäjän armeijan teatteri

NIKOLAY NIKOLAEVITŠ GUBENKO

VLADIMIR VYSOTSKY Hamletina

Vladimir Vysotsky omisti elämänsä tälle teatterille

Muutos poliittisessa muodostelmassa 1990-luvun alussa ja pitkät taloudelliset tuhot muuttivat radikaalisti venäläisen teatterin elämää. Ideologisen hallinnan heikkenemisen (ja sen jälkeen - ja lakkauttamisen) ensimmäiseen jaksoon liittyi euforia: nyt voi lavastella ja näyttää yleisölle mitä tahansa. Teattereiden keskittämisen poistamisen jälkeen perustettiin monia uusia kollektiiveja - studioteatterit, yritys jne. Harvat heistä selvisivät kuitenkin uusissa olosuhteissa - kävi ilmi, että ideologisen sanelun lisäksi on katsojan sanelu: yleisö vain katsoo mitä haluaa. Ja jos teatterin valtionrahoituksen olosuhteissa auditorion täyttäminen ei ole liian tärkeää, niin omavaraisuudella täystalo salissa on tärkein selviytymisen edellytys.

Teatteri tänään

Esteettisten suuntausten lukumäärän ja monipuolisuuden osalta venäläisen teatterin nykypäivä liittyy hopeakauteen. Perinteisten teatterisuuntien ohjaajat elävät rinnakkain kokeilijoiden kanssa. Tunnistettujen mestareiden ohella - P. Fomenko, V. Fokin, O. Tabakov, R. Viktyuk, M. Levitin, L. Dodin, A. Kalyagin, G. Volchek K. Ginkas, G. Yanovskaya, G. Trostyanetsky, I Raikhelgauz, K. Raikin, S. Artsibashev, S. Prokhanov, S. Vragova, A. Galibin, V. Pazi, G. Kozlov sekä vielä nuoremmat ja radikaalit avantgardistit: B. Yukhananov, A. Praudin, A. .Moguchy, V.Kramer, Klim jne.

Teatteri tänään

Neuvostoliiton jälkeisenä aikana teatteriuudistuksen ääriviivat ovat muuttuneet dramaattisesti, ne ovat siirtyneet pääosin teatteriryhmien rahoitukseen, kulttuurin yleensä ja erityisesti teattereiden valtiontuen tarpeeseen jne. Mahdollinen uudistus herättää monenlaisia ​​mielipiteitä ja kiivasta keskustelua. Tämän uudistuksen ensimmäiset askeleet olivat Venäjän hallituksen vuonna 2005 antama asetus useiden Moskovan ja Pietarin teattereiden ja opetusteatterilaitosten lisärahoituksesta. Se on kuitenkin vielä kaukana teatteriuudistuksen suunnitelman systemaattisesta kehittämisestä. Mitä siitä tulee, ei ole vielä selvää.

Lukion nro 15 10. luokan oppilas Sergiev Posad Vsevoloda Zakharova 1) Ammattiteatterin synty 2) Vanha venäläinen musiikkikulttuuri 3) Tietolähteet 1) Paljasta ammattiteatterin syntymisen piirteet Venäjällä, 2 ) Paljasta musiikillisen kulttuurin muodostumisen piirteet muinaisesta Venäjältä Venäjälle, 3) Auta opiskelijoiden henkisen kulttuurin muodostumista, kiinnostusta ja kunnioitusta maamme kulttuuria kohtaan. TSAAR ALEKSEI MIHAILOVITS Ammattimaisen venäläisen teatterin perusta luotiin 1600-luvun jälkipuoliskolla. Sen alkuperä lasketaan yleensä vuoteen 1672, jolloin hoviteatterin ensimmäinen esitys esiteltiin tsaari Aleksei Mihailovitšille - suosittujen "huvitusten" vainoajalle ja mahtavien esitysten ja viihteen suurelle rakastajalle. Valaistunut bojaari Artamon Sergeevich Matveev oli aloitteentekijä eurooppalaisen teatterin luomiselle. Näytelmäkirjailijaksi nimitettiin Moskovan luterilaisen kirkon saksalainen pastori Johann Gottfried Gregory, hyvin koulutettu mies, kirjallisesti lahjakas ja tarvittavat tiedot saksalaisten ja hollantilaisten teatterien toiminnasta. Teatteri rakennettiin kiireesti tsaarin asuinpaikkaan Moskovan lähelle, Preobraženskojeen kylään. Amfiteatterina sijaitsevan "komedian horominan" auditorio oli kooltaan huonompi kuin näyttämö, mutta se oli koristeltu runsaasti: seinät ja lattia oli verhoiltu karmiininpunaisella, punaisella ja vihreällä kankaalla; niiden "arvo ja arvo" katsojat olivat majoittuneita, osa heistä seisoi lavalla. Kuningattarelle ja prinsessoille järjestettiin erityiset laatikot - perinteen mukaan "häkit", jotka erotettiin auditoriosta ristikolla. Ensimmäinen esitys "komedia horominan" lavalla oli näytelmä "Esther tai Artaxerxes Action". Näytelmän juoni perustui raamatulliseen tarinaan Esteristä - nöyrästä kauneudesta, joka kiinnitti Persian kuninkaan Artaxerxesin huomion ja pelasti kansansa kuolemalta tulleen hänen vaimokseen. Esitys kesti kymmenen tuntia, mutta kuningas katsoi kaiken loppuun asti ja oli erittäin tyytyväinen. Kymmenen muuta näytelmää lavastettiin "komediassa horomin": "Judith", "Säälittävä komedia Aadamista ja Eevasta", "Joosef" ja muut uskonnollisista ja historiallisista aiheista. Hovinäytökset lavastettiin suuressa mittakaavassa ja ylellisyydessä, koska niiden piti heijastaa kuninkaallisen hovin loistoa ja rikkautta. Puvut tehtiin kalliista kankaista. Esityksissä hyödynnettiin laajasti musiikkia, laulua ja tanssia. Urkuja, trumpetteja ja muita soittimia soitettiin usein. Jokaisessa esityksessä oli nostokoristeet ja sivusiivet. Erilaisia ​​tehosteita sovellettiin näyttämötekniikoilla. Hoviteatterin näytelmien ensimmäiset esiintyjät olivat pääosin saksalaisen siirtokunnan näyttelijöitä ja vain miehiä. 1600-luvun lopulla "valtion huvi" korvattiin kouluteatterilla (jossain oppilaitoksessa) Puolan ja Ukrainan teattereiden runsaan kokemuksen perusteella. Sen alkuperä yhdistettiin Kiev-Mohyla-akatemian oppilaan, kouluttajan, runoilijan ja näytelmäkirjailijan Simeon Polotskyn nimeen. Erityisesti kouluteatteria varten hän kirjoitti kaksi näytelmää - "Komedia vertauksen tuhlaajapojasta" ja "Nekadnessarin kuninkaasta, kultaisesta ruumiista ja kolmesta nuoresta miehestä, joita ei poltettu luolassa". 1600-luvun hovi- ja kouluteatterit loivat pohjan teatteritaiteen kehitykselle Venäjällä ja määrittelivät pitkälti sen tulevaisuuden. Muinaisen venäläisen musiikkikulttuurin alkuperä juontaa juurensa itäslaavien pakanallisiin perinteisiin, jotka kehittyivät kauan ennen kristinuskon omaksumista. Muinaisen Venäjän musiikki-instrumentit olivat melko erilaisia. Harppua, nuuskaa, huiluja ja huilua käytettiin laajalti. Gusli, vanhin kielisoitin, joka mainittiin 1000-luvulla Tarinassa menneistä vuosista, nautti Venäjällä erityistä kunnioitusta. Pitkään on uskottu, että gusl on sukua ihmissielulle, ja niiden soitto ajaa pois kuoleman ja sairauden. Kansankertojat ja sankarit soittivat harppua: profeetallinen Boyan elokuvassa "Igorin isäntä", eeppiset sankarit Volga ja Dobrynya Nikitich Kiovassa, Sadko Novgorodissa. Kuinka Dobrynya ottaa valkoisiin käsiin Ne soivat guselychki ovat jaronchaty, Poddernet ja kullatut kielet, heprea säe soi tylsällä tavalla, Surullisesti ja koskettavalla tavalla Juhlalla kaikki ajattelevat, Mietteliäs ja kuunteli. Dobrynya aloitti pelaamisen hauskalla tavalla, aloitin pelin Erusolimista, Toisen pelin Tsar Gradista, Kolmannen pääkaupungista Kiovasta - Hän toi kaikki juhlaan huvin vuoksi. Sotilaallisissa kampanjoissa käytettiin lyömäsoittimia ja puhallinsoittimia: rummut, tamburiinit, piiput, räikkäät. He tukivat sotilaiden taisteluhenkeä taisteluiden aikana, lievittivät emotionaalista stressiä, juurruttivat luottamusta voittoon. Kristinuskon omaksuminen ei voinut täysin muuttaa ihmisten perinteistä elämäntapaa ja heidän musiikillisia mieltymyksiään. Bysantin kasteen myötä monet taiteelliset periaatteet siirtyivät Venäjän maaperälle, kaanoni ja genrejärjestelmä lainattiin. Täällä ne pohdittiin luovasti uudelleen ja työstettiin uudelleen, mikä mahdollisti myöhemmin erottuvien kansallisten perinteiden muodostumisen. Muinaisella Venäjällä kirkkomusiikki oli kuorolaulun muodossa ilman instrumentaalista säestystä. Ortodoksisessa kirkossa soittimet kiellettiin. Lisäksi instrumentaalimusiikkia pidettiin syntisenä, demonisena. Hengellinen merkitys asetettiin tähän vastakohtaan. Tuolloin uskottiin, että ortodoksisessa kirkossa kuului vain enkelimäistä laulua, joka on taivaallisen musiikin kaiku. Tällainen laulu ilmensi kauneuden ihannetta ja antoi ihmisille armon, puhdistumisen, lohdutuksen tunteen, opetti heitä rakastamaan Jumalaa ja lähimmäisiä. Ainoa poikkeus oli kellojen soittamisen taito, jota kehitettiin erilaisina yksinkertaisina soittoina, kelloina, soittoina jne. Useat eri säveliset kellot muodostivat kellotapulin, joka mahdollisti kokonaisten musiikkikappaleiden esittämisen. Kirkkolaulu oli esimerkki korkeimmasta ammattitaidosta, joka ilmeni eri muodoissa käytännöllisessä ja teoreettisessa järjestelmässä, jota kutsuttiin osmoglash-järjestelmäksi, eli lauluryhmien vuorotteluksi kahdeksan viikon jaksoissa. Noihin aikoihin kansanmusiikki siirtyi perinteisesti sukupolvelta toiselle suullisesti, "suusta suuhun". Tämän aikakauden kulttimusiikki nauhoitettiin erityisillä kylteillä, joita kutsutaan bannereiksi, joista koukut olivat yleisimpiä. Siksi muinaisia ​​musiikkikäsikirjoituksia kutsuttiin znamennyksi tai koukkuksi. 1600-luvulla Venäjän musiikkikulttuuri, erityisesti kuorokulttuuri, saavutti erittäin korkean tason. Se oli aikaa, jolloin uusia muotoja ja genrejä syntyi perinteisten musiikkitaiteen genrejen rinnalle. Sitä ennen kuoromusiikki oli yksiäänistä. Nyt hänet on korvattu polyfonialla. Ja koukut korvattiin nuottikirjoituksella, ja osalaulutyyli nousi. Niinpä he kutsuivat laulamista kanttien sävelistä ja kuorokonsertteja. Nämä konsertit olivat tärkeä siirtymävaihe kirkosta maalliseen ammattimusiikkiin. Muinaisen Venäjän musiikkikulttuuri oli vankka perusta, jolle myöhemmin kasvoi kaunis rakennus, joka loi perustan ammatillisen luovuuden kehittymiselle. Vanhan venäläisen musiikin parhaista esimerkeistä on oikeutetusti tullut venäläisen musiikkikulttuurin arvokkain perintö. http://images.yandex.ru/, http://www.google.ru/imghp?hl=ru&tab=wi, http://vkontakte.ru/id47570217#/search?c%5Bsection%5D=audio, http://www.youtube.com/, World Art Culture. Alusta alkaen 1600-luvulle. 10 cl. Perustaso: oppikirja oppilaitoksille / GI Danilova. - 7. painos, Rev. - M .: Bustard, 2009

Dia 1

Pyöreätanssista koppiin Kunnallinen oppilaitos, lukio nro 8, Severomorsk - 3, Murmanskin alue

Dia 2

Dia 3

Ennen vanhaan Venäjällä pyöreä tanssi oli suosittu kansanpeli. Hän heijasteli erilaisia ​​elämänilmiöitä. Siellä oli rakkaus-, armeija-, perhe-, työtansseja... Tunnemme kolmenlaisia ​​tansseja:

Dia 4

Pyöreätanssipeleissä kuoro- ja dramaattiset elementit sulautuivat orgaanisesti yhteen. Tällaiset pelit alkoivat yleensä "ladomalla" kappaleita ja päättyivät "kokoonpainuviin" kappaleisiin, ja kappaleet erottuivat selkeästä rytmistä. Myöhemmin heimoyhteisön rakenteen muutoksen myötä myös pyöreät tanssipelit muuttuivat. Solistit-päälaulajat (luminaarit) ja näyttelijät (näyttelijät) ilmestyivät. Näyttelijöitä oli yleensä korkeintaan kolme. Kun kuoro lauloi laulun, he esittivät sen sisällön. On olemassa mielipide, että näistä näyttelijöistä tuli ensimmäisten buffoonien esi-isät.

Dia 5

Venäläinen tanssi on olennainen osa kansanpelejä ja juhlia. Hän on aina liittynyt lauluun. Juuri tämä yhdistelmä oli yksi kansanteatterin tärkeimmistä ilmaisukeinoista. Muinaisista ajoista lähtien venäläinen kansantanssi on perustunut toisaalta kilpailevien kumppaneiden kyvykkyyteen ja toisaalta fuusioon, liikkeiden sujuvuuteen.

Dia 6

Venäläinen tanssi syntyi pakanallisista riiteistä. 1000-luvun jälkeen ammattinäyttelijöiden ilmaantuessa tanssin luonne muuttui myös. Buffoonsilla oli hyvin kehittynyt tanssitekniikka; syntyi erilaisia ​​buffoon-tanssijia. Mukana oli tanssihuippuja, jotka eivät vain tanssineet, vaan myös näyttelivät tanssin avulla pantomiimiesityksiä, jotka olivat useimmiten improvisoituja. Tanssijat-tanssijat ilmestyivät, tavallisesti he olivat äijän vaimoja. venäläinen tanssi

Dia 7

Tanssi on ottanut suuren paikan mitä erilaisimmissa teatterimuodoissa. Hän oli mukana paitsi ilonpidossa ja juhlissa myös Petrushka-nukketeatterin esityksissä, usein täyttäen tauon kouludraaman esitysten välillä. Monet venäläiset tanssiperinteet ovat säilyneet tähän päivään asti.

Dia 8

Ohjeet karhujen kanssa on mainittu lähteissä 1500-luvulta lähtien, vaikka on mahdollista, että ne ilmestyivät paljon aikaisemmin. Kunnioittava asenne tätä petoa kohtaan sai alkunsa pakanallisista ajoista. Karhu on kantaisä. Hän on terveyden, hedelmällisyyden, hyvinvoinnin symboli, hän on vahvempi kuin pahat henget.

Dia 9

Buffoonien joukossa karhua pidettiin perheen elättäjänä, sen täysjäsenenä. Tällaisia ​​taiteilijoita kutsuttiin nimellä ja isännimellä: Mikhailo Potapych tai Matryona Ivanovna. Esityksessään oppaat kuvasivat tavallisesti tavallisten ihmisten elämää, välikappaleet käsittelivät monenlaisia ​​arkipäiväisiä aiheita. Omistaja kysyi esimerkiksi: "Ja miten, Misha, pienet lapset käyvät varastamaan herneitä?" - tai: "Ja miten naiset vaeltavat leppoisasti herralliseen työhön?" - ja peto näytti kaiken. Esityksen lopussa karhu suoritti useita opittuja liikkeitä ja omistaja kommentoi niitä.

Dia 10

"Karhukomedia" 1800-luvulla koostui kolmesta pääosasta: ensin karhun tanssi "vuohen" kanssa (vuohia edusti yleensä poika, joka laittoi pussin päähänsä; keppi, jossa oli vuohen pää ja pussin läpi ylhäältä puhkaistiin sarvet; päähän kiinnitettiin puinen kieli, jonka taputtamisesta kuului kauhea ääni), sitten pedon esiintyminen seurasi oppaan vitsejä ja sitten hänen kamppailuaan "vuohi" tai omistaja. Ensimmäiset kuvaukset tällaisista komedioista ovat peräisin 1700-luvulta. Tämä käsityö oli olemassa pitkään, aina viime vuosisadan 30-luvulle asti.

Dia 11

Muinaisista ajoista lähtien monissa Euroopan maissa jouluna oli tapana asentaa kirkon keskelle seimi, jossa oli Neitsyen, vauvan, paimenen, aasin ja härän hahmoja. Vähitellen tämä tapa kasvoi eräänlaiseksi teatteriesitykseksi, joka kertoi nukkejen avulla kuuluisat evankeliumilegendat Jeesuksen Kristuksen syntymästä, tietäjien palvonnasta ja julmasta kuningas Herodeksesta. Jouluesitys levisi hyvin katolisissa maissa, erityisesti Puolassa, josta se siirtyi Ukrainaan, Valko-Venäjälle ja sitten hieman muokattuna Vilikorussiaan.

Dia 12

Kun joulutapa meni katolisen kirkon ulkopuolelle, se sai nimen syntymäkohtaus (vanha ortodoksinen ja vanha venäläinen - luola). Se oli nukketeatteri. Kuvittele laatikko, joka on jaettu kahteen kerrokseen. Laatikon yläosa päättyi kattoon, jonka avoin puoli oli yleisöä päin. Katolla on kellotorni. Sen päälle asetettiin kynttilä lasin taakse, joka paloi esityksen aikana antaen toiminnalle maagisen, salaperäisen luonteen. Seiminuket tehtiin puusta tai rievuista ja kiinnitettiin sauvaan. Nukkenäyttelijä piti sauvan alaosasta kiinni, joten nuket liikkuivat ja jopa kääntyivät. Nukkenäyttelijä itse oli piilotettu laatikon taakse. Luolan yläkerrassa pelattiin raamatullisia juonia, alakerrassa - jokapäiväisiä: jokapäiväisiä, komediaa, joskus sosiaalisia. Ja alemman kerroksen nukkesarja oli tavallinen: miehet, naiset, paholainen, mustalaiset, santarmi ja yksinkertainen mies osoittautuivat aina santarmia älykkäämmiksi ja älykkäämmiksi. Seimistä syntyi kansan keskuudessa niin suosittu Petrushka-teatteri.

Dia 13

Kaikki tanssivat, mutta eivät kuin äijä ”, sanoo venäläinen sananlasku. Todellakin, monet osasivat pelata pelejä, mutta kaikki eivät voi olla ammattilaisia. Ammattipuhujien joukossa kansan suosikki oli nukketeatterinäyttelijä ja suosituin komedia Petrushkasta. Petrushka on suosikkisankari sekä esityksen antaneille äijäille että yleisölle. Tämä on uskalias ja kusipää kaikissa tilanteissa säilyttäen huumorintajun ja optimismin. Hän petti aina rikkaita ja viranomaisia ​​ja nautti protestipuhujana yleisön tuesta.

Dia 14

Tällaisessa teatteriesityksessä kaksi hahmoa näytteli samanaikaisesti (nukkenäyttelijäkäsien lukumäärän mukaan): Petruška ja lääkäri, Petruška ja poliisi. Juonet olivat yleisimpiä: Petrushka menee naimisiin tai ostaa hevosen jne. Hän osallistui aina konfliktitilanteisiin, kun taas Petruškan kostotoimet olivat melko julmia, mutta yleisö ei koskaan tuominnut häntä tästä. Esityksen lopussa Petruškan ohitti usein "taivaallinen rangaistus". Petrushkan suosituin nukketeatteri oli 1600-luvulla.

Dia 15

1700-luvun lopusta lähtien messuilla saattoi usein nähdä kirkkaasti pukeutuneen miehen, joka kantoi koristeltua laatikkoa (paratiisia) ja huusi äänekkäästi: "Tulkaa tänne kanssani hetkeksi, rehelliset ihmiset, pojat ja tytöt ja nuoret. miehet ja naiset, ja kauppiaat ja kauppiaat, ja virkailijat ja virkailijat, ja virkailijarotat ja joutilaat juhlijat. Näytän teille kaikenlaisia ​​kuvia: sekä herroja että miehiä lammasturkissa, ja sinä kuuntelet vitsejä ja erilaisia ​​vitsejä tarkkaavaisesti, syöt omenoita, pureskelet pähkinöitä, katsot kuvia ja hoidat taskujasi. He tottelevat." Rajok

Dia 16

Raek tuli meille Euroopasta ja palaa suuriin panoraamoihin. Taidehistorioitsija D. Rovinsky kuvailee sitä kirjassaan ”Venäläiset kansankuvat” seuraavasti: ”Raek on pieni, arshin-laatikko joka suuntaan, jossa on kaksi suurennuslasia edessä. Sen sisällä kiertyy luistinradalta toiselle pitkä nauha, jossa on itse kasvatettuja kuvia eri kaupungeista, mahtavista ihmisistä ja tapahtumista. Katsojat katsovat lasiin "penniäkään kuonosta". Raeshnik siirtää kuvia ja kertoo sanonnan jokaiselle uudelle numerolle, usein hyvin monimutkaisen.

Dia 17

Raek oli erittäin suosittu ihmisten keskuudessa. Siinä voi nähdä Konstantinopolin panoraaman ja Napoleonin kuoleman, Pyhän Nikolauksen kirkon. Pietari Roomassa ja Aadam perheen, sankarien, kääpiöiden ja kummallisten kanssa. Lisäksi raeshnik ei vain näyttänyt kuvia, vaan kommentoi niissä kuvattuja tapahtumia, usein kritisoimalla viranomaisia ​​ja olemassa olevaa järjestystä, sanalla sanoen koskettaen polttavimpia ongelmia. Messualueena raki oli olemassa 1800-luvun loppuun asti.

Dia 18

Yksikään messu 1700-luvulla ei ollut täydellinen ilman osastoa. Teatterikopista tuli tuon aikakauden suosikkiesityksiä. Ne rakennettiin aivan aukiolle, ja muuten kuin koppi oli koristeltu, saattoi heti ymmärtää, oliko sen omistaja rikas vai köyhä. Yleensä ne rakennettiin laudoista, katto tehtiin kankaasta tai pellavasta.

Dia 19

Sisällä oli lava ja verho. Tavalliset katsojat istuivat esityksen aikana penkeillä ja söivät erilaisia ​​makeisia, torttuja ja jopa kaalikeittoa. Myöhemmin kopeihin ilmestyi todellinen auditorio, jossa oli parteri, laatikot ja orkesterikuoppa. Ulkopuolella kopit koristeltiin seppeleillä, kylteillä, ja kun kaasuvalaistus ilmestyi, ne koristettiin myös kaasulampuilla. Ryhmä koostui yleensä ammatti- ja kiertonäyttelijöistä. He pitivät jopa viisi esitystä päivässä. Teatteriosastolla sai nähdä arlekinaadia, taikatemppuja, sivuesityksiä. Täällä esiintyivät laulajia, tanssijoita ja yksinkertaisesti "outomalaisia" ihmisiä. Suosittu oli mies, joka joi tulista nestettä, tai "afrikkalainen ihmissyöjä", joka syö kyyhkysiä. Kannibaali oli yleensä hartsilla voideltu taiteilija ja kyyhkynen pehmustettu eläin, jossa oli pussi karpaloita. Luonnollisesti tavalliset ihmiset ovat aina odottaneet messuja teatterikopilla.

Dia 20

Siellä oli myös sirkuskoppeja, joiden näyttelijät olivat "kaiken ammatin jätkä". Y. Dmitriev lainaa kirjassaan "Sirkus Venäjällä" viestiä koomikkojen saapumisesta Hollannista, jotka "kävelevät köydellä, tanssivat, hyppäävät ilmaan, portaissa pitämättä kiinni mistään, soittavat viulua ja kävellä portaita, tanssia valtavasti hyppäämällä korkealle ja tekemässä muita upeita asioita." Pitkän olemassaolonsa aikana kopit ovat vaihtuneet, 1800-luvun loppuun mennessä ne ovat käytännössä kadonneet venäläisen teatterin historiasta.

Dia 21

1672 - tsaari Aleksei Mihailovitšin hoviryhmän esitykset alkoivat Artamon Matvejevin käskyt "tehdä komedia", "ja tätä toimintaa varten järjestää horomina" 17. lokakuuta Preobrazhenskoye kylässä ensimmäinen esitys pidettiin

Dia 22

1702 - ensimmäinen venäläinen julkinen teatteri Punaisella torilla Juhlakulkueet, ilotulitus, naamiaiset ja kokoontumiset yleistyivät

Dia 23

Tältä teatteri näytti Jaroslavlissa vuonna 1909. Vuonna 1911 hänet nimettiin Fjodor Volkovin mukaan

"Muinaisen Venäjän musiikki" Onko esitys, josta olen varma, että se on hyödyllinen visuaalinen apu maailman taidekulttuurin tai -historian oppitunnille aihetta tutkiessa "Muinaisen Venäjän taiteellinen kulttuuri" Yritin tarjota esitykselle paitsi havainnollistavaa materiaalia, myös ääniesimerkkejä jokaisesta kuvauksesta. Valitettavasti ääninäytteitä voi kuulla vain PowerPointissa.

Muinaisen Venäjän musiikki

Esitys kertoo venäläisen musiikkitaiteen alkuperästä, musiikin eri tyypeistä ja genreistä antiikista 1600-luvulle, soittimista, jotka soivat arki- ja juhlapäivinä, surussa ja ilossa. Esittely "Muinaisen Venäjän musiikki", ideani mukaan, siitä pitäisi tulla eräänlainen minitietosanakirja, joka on luotu erityisesti maailman taidekulttuurin oppituntia varten.

"Musiikki on tiiviisti suljettu pullo maagisella tuoksulla, joka säilyttää poikkeuksetta oman ja vain oman aikansa tuoksun."

Anton Gopko

Esityksessä on kolme pääosiota. Ensimmäinen on Esitellä muinaisen venäläisen musiikkitaiteen alkuperä, jonka juuret ulottuvat kaukaisiin aikoihin jo ennen muinaisen Venäjän valtion muodostumista, slaavilaisten heimojen muodostumisen aikaan.

Syntyminen ja kehitys muinaisen Venäjän musiikkia liittyy slaavien uskomuksiin, seremonioihin ja rituaaleihin, jotka on omistettu pakanajumaloille ja esivanhemmille. Näihin seremonioihin liittyi laulua, tanssia ja soittimia. Skomorokhit olivat ammattimuusikoita Venäjällä. Buffoonit olivat todellisia taiteilijoita: muusikoita, jonglöörejä, akrobaatteja, kouluttajia. Valitettavasti ortodoksinen kirkko kielsi kiusaajien toiminnan, kutsuen heidän esiintymistään pirullisiksi leikeiksi ja joutui vainon ja jopa teloituksen kohteeksi.

Toinen jakso puhuu muinaisista venäläisistä soittimista: psalteri, torvet, torvet, huilut ja muut. Musiikki-instrumenttidia sisältää myös äänitiedoston, joka esittelee tämän instrumentin äänen.

Erillinen osa omistettu kirkkomusiikille, sen päätyypeille ja genreille. Täältä löytyy myös musiikkiesimerkkejä. Erityinen kuvake diassa on liipaisin, joka "säätää" äänen. Mutta valitettavasti liipaisin käynnistyy vain, kun tarkastelet esitystä PowerPointissa.

Haluan uskoa, että työstäni, johon panen sieluni, on hyötyä.

Muutama lisäesitys auttaa sinua tutustumaan muinaiseen venäläiseen taiteeseen, jonka löydät verkkosivuiltani: