Suomalaiset taiteilijat ja heidän maalauksensa. Suomalaisia \u200b\u200btaiteilijoita

Monien vuosien ajan uskottiin, että Aleksanteri III: n veljenpoikien muotokuva, jonka Albert Edelfelt maalasi, hävisi tai tuhoutui. Kuva: Erkka Mikkonen / Yle

Suomalainen taidekriitikko löysi vahingossa Albert Edelfeltin kadonneen teoksen Venäjän aluemuseon kokoelmista. Tutkija haluaa tuoda maalauksen näyttelyyn Suomessa.

Kuuluisan suomalaisen maalari Albert Edelfeltin (1854-1905) kankaat, joita pidettiin kadonneina monien vuosien ajan, löydettiin Venäjältä Rybinsk-museosta. Suomalainen taidekriitikko Sani Kontula-Webb löysi vuonna 1881 maalatun maalauksen Internet-hakukoneella.

- Näin teoksen sattumalta, mutta tunnistin sen, koska olin aiemmin tutkinut tätä aihetta perusteellisesti.

Pietarin taidemuseon valmistunut Kontula-Webb näki luonnokset tästä teoksesta Ateneumin taidemuseossa Helsingissä. Luonnoksilla oli mahdollista selvittää muotokuvassa kuvattujen lasten henkilöllisyys: nämä ovat Venäjän tsaari Aleksanteri III: n veljenpoikia. Yhdessä luonnoksessa Edelfelt ilmoitti heidän nimensä.

Kuvan pitkäkarvaiset pojat ovat pukeutuneet mekkoihin 1800-luvun lopun muodin mukaan. Rybinsk-museossa uskottiin, että tytöt kuvataan siinä. Museon työntekijät olivat tyytyväisiä maalauksen uuteen tietoon.

"Ajattelimme heidän olevan tyttöjä, mutta kävi ilmi, että suuriruhtinas Vladimir Borisin ja Kirillin pojat oli kuvattu", sanoo apulaisjohtaja Sergei Ovsyannikov.

Kuva kertoo Edelfeltin yhteyksistä kuninkaalliseen perheeseen

Teos pääsi Rybinsk-museon kokoelmaan vallankumouksen jälkeen. Maalauksen kääntöpuolella olevan allekirjoituksen mukaan se oli aikaisemmin Vladimirin palatsissa Pietarissa.

Erityistä merkitystä löytölle antaa se, että kuva osoittaa suomalaisen taiteilijan läheiset yhteydet Nevan kaupunkiin ja kuninkaalliseen perheeseen.

"Luultavasti tämä erityinen muotokuva oli ratkaiseva Edelfeltin uran loistavan kehityksen kannalta kuninkaallisessa tuomioistuimessa", Kontula-Webb sanoo.

Myöhemmin Edelfelt maalasi muotokuvan Aleksanteri III: n, Mihailin ja Xenian lapsista sekä useita muotokuvia Venäjän viimeisimmästä tsaarista Nikolai II: sta.

Suomalaisten taiteilijoiden yhteyksiä Venäjään on vielä vähän tutkittu

Kerralla Edelfelt oli suosittu Venäjällä. Hänen töitään pidetään sekä Pietarin Eremitaasin että Moskovan Pushkin-museon kokoelmissa.

Nykyään Edelfelt, kuten muutkin suomalaisen maalauksen kultakauden taiteilijat, on käytännössä tuntematon venäläiselle yleisölle. Suomalaisissa taiteen opinnoissa ei myöskään kiinnitetä erityistä huomiota suomalaisten taiteilijoiden yhteyksiin Venäjään.

Kontula-Webb valmistelee parhaillaan väitöskirjaa Pietarin taidemuseon ja Suomen taiteellisen elämän yhteyksistä.

”Toivon, että tämän löytön ansiosta Edelfelt löytyy jälleen Venäjältä ja Suomi muistaa suomalaisten taiteilijoiden tärkeät siteet Venäjään.

Kontula-Webb kysyi Rybinsk-museon henkilökunnalta mahdollisuudesta viedä kadonneena pidetty maalaus näyttelyyn. Apulaisjohtaja Sergei Ovsyannikov suhtautui ajatukseen myönteisesti.

- Jos Suomi haluaa saada kuvan näyttelyyn, teemme kaikkemme, jotta projekti menestyisi.

Silti Ovsyannikovin mukaan potentiaaliseen Suomeen suuntautuvaan maalaukseen on tehtävä palautusta.

Taideakatemian upea rakennus koristaa Nevan pensaikkoa Vasilievsky-saaren 3. ja 4. rivin välissä. Se on klassisen arkkitehtuurin hienoimpia monumentteja.

Projektin kirjoittajat ovat A. F. Kokorinov ja J. B. Delamot. Keisarillinen kolmen jalomman taiteen akatemia ("Kolmen paataiteen akatemia") - maalaus, veistos ja arkkitehtuuri - perustettiin vuonna 1757 kuningatar Elizabetin aikana. Toiminnansa kahden ja puolen vuosisadan aikana Akatemia on kouluttanut useita taiteellisten mestareiden sukupolvia: maalareita, kuvanveistäjiä, arkkitehteja. Heidän joukossa on hienoja taiteilijoita, joiden töitä esitellään Pietarin, Moskovan ja monien Euroopan pääkaupunkien museoissa.

Arkkitehdit ja kuvanveistäjät - akatemian valmistuneet rakensivat ja sisustivat monia kaupunkeja Venäjällä ja ulkomailla. He rakensivat paljon Pietarissa. Heidän teoksensa ovat myös Suomessa, koska Taideakatemia on useiden vuosien ajan ollut aktiivisen viestinnän paikka venäläisen ja suomalaisen taiteen välillä. Parhaat suomalaiset taiteilijat on palkittu ”Kuvataideakatemian” tittelillä. Heidän joukossaan oli V. Runeberg, KG Nyustrom. Mutta ensimmäinen, tietenkin, pitäisi nimetä, AZdelfelt.

Albert Edelfelt (Albert Gustaf Aristides Edelfelt, 1854-1905)

Historiallisen maalauksen, muotokuvan, genregenterin suurin mestari. Ensimmäinen suomalainen taiteilija, joka tunnetaan ulkomailla. Albert "syntyi lähellä Porvoota arkkitehdin perheessä. Hän opiskeli kahden vuoden ajan Helsingin yliopistossa ennen kuin päätti omistautua maalaamiseen. Hän sai taidekoulutuksensa Antwerpenin taiteiden akatemiassa ja sitten Pariisissa Kuvataidekoulussa. Edelfelt loi vuosina 1877–80. useita maalauksia historiallisista aiheista, mutta sitten taiteilija kääntyy luonnon genreaiheisiin, joissa hänen rakkautensa kotimaalleen ja kiinnostus tavallisten ihmisten elämään ilmenevät selvästi. Nämä ovat maalauksia: "Merellä", "Poikia veden äärellä", "Naiset Ruokolahdesta" ”,” Pesulapuvut ”,“ Kalastajat kaukoisilta saarilta ”.

Vuonna 1881 A. Edelfelt asui ja työskenteli pitkään Pietarissa, oli yhteydessä venäläisiin taiteilijoihin. Vuonna 1881 nuori suomalainen taiteilija esitteli teoksensa Pietarin taidemuseon tuomioistuimelle. Hän oli suuri menestys: hänet valittiin Pietarin taidemuseon jäseneksi. Hänelle järjestettiin henkilökohtainen näyttely Tsarskoe Selossa. Yhden maalauksen osti keisarillinen perhe. Kirjailija sai uusia tilauksia kuninkaalliselta perheeltä, mikä toi hänelle maineen.

Tsarskoje Selossa oleskelunsa aikana taiteilija esiteltiin Tsarevich Alexanderille ja hän teki tilauksestaan \u200b\u200buseita teoksia Gatchina-palatsiin, erityisesti kopion maalauksesta "Merellä", jota muiden teostensa joukossa pidetään Eremitaasissa. Aleksanteri III osti myös Edelfeltin arkipäivän luonnokset: "Hyvät ystävät" ja "Taimitarhassa". Näissä maalauksissa oli toistoja, jotka ovat ulkomaisissa museoissa.

Edelfeltin ansio oli useiden yhteisnäyttelyiden järjestäminen Venäjällä, joiden ansiosta venäläinen yleisö tutustui monien suomalaisten taiteilijoiden töihin.

Edelfeltin päätoiminta on muotokuvamaalaus. Hän työskenteli paljon etenkin kuninkaallisen tuomioistuimen tilauksista luomalla virallisia muotokuvia. Mutta hänen muotokuvateoksensa parhaat ovat: "Taiteilijan äidin muotokuva" (1883), "Louis Pasteur" (1885), "Larin Parasken muotokuva" (1893), "Aino Akten muotokuva" (1901).

Viralliset esitykset ja pitkäaikaiset ystävälliset kontaktit.

Ensimmäinen suomalainen taiteilija, joka näytti 1800-luvun lopulla keisarillisessa taiteiden akatemiassa, oli maalari Albert Edelfelt. Länsi-Eurooppaan vuonna 1881 tehdyn matkan jälkeen nuori suomalainen taiteilija esitteli teoksensa Pietarin taidemuseon tuomioistuimelle. Hän oli suuri menestys - hänelle myönnettiin akateemikon nimike. Hänelle järjestettiin henkilökohtainen näyttely Tsarskoe Selossa. Yhden maalauksen osti keisarillinen perhe.

Kirjailija sai uusia tilauksia kuninkaalliselta perheeltä, mikä toi hänelle maineen. Taiteilijan läheisyys keisarilliseen perheeseen auttoi suomalaisen maalauksen suosiota Venäjällä. A. Edelfeltin suosion ja auktoriteetin ansiosta Venäjällä Suomen taide heijastui yhteisissä suomalais-venäläisissä taidenäyttelyissä Pietarissa ja Moskovassa, alkaen Nižni Novgorod -näyttelystä vuonna 1882.

Suomalaiset taiteilijat Hermitagessa

Hermitage-näyttelyssä on seitsemän AEdelfeltin maalausta ja useita piirustuksia. Edellä mainitun maalauksen "Merellä", joka ensimmäisessä versiossa on Göteborgin museossa, lisäksi on syytä huomata jokapäiväinen kuvasäteily "Ystävät" (1881), joka toistetaan Geteborgissa ja Helsingissä. Lähellä häntä luonteeltaan ja maalaus "Taimitarhassa" (1885), jonka Aleksanteri III osti myös Gatchina-palatsille. Yksi Edelfeltin demokraattisimmista teoksista on The Washerwomen (1898, Hermitage), joka tapasi Pietarin kriitikot.

Muotokuvalajin, jossa AEdelfelt oli erityisen vahva, edustaa Hermitage-näyttelyssä Moskovan taideteatterin näyttelijä M. V. Dyakovskaya-Gay-Rothin vaimon muotokuva. Hermitage-kokoelma sisältää myös esimerkkejä suomalaisen taiteilijan maisemataidoista. Näitä ovat maalaus "Näkymä Porvoosta" (1898) ja etsaus "Mänty lumessa". On syytä mainita, että AEdelfeltin teoksia säilytetään myös Kiovan museossa - maalauksessa "Kalastajat kaukoisilta saarilta" ja Moskovan museossa. A.S.Pushkin: "Varvara Myatlevan muotokuva".

Lisäksi Eremitaasissa on Juho Risasen, Eero Nelimarkan ja Henry Ericksonin maalauksia.

Suomalaiset taiteilijat Pietarin taidemuseossa

Arkkitehti K. G. Nyström (1856-1917) antoi suuren panoksen Suomen pääkaupungin arkkitehtoniseen ilmeeseen. Riittää, kun mainitaan Säätytalon, valtionarkiston ylelliset rakennukset, jotka koristavat Senaatintorion ympäristöä. Voit muistaa Katajanokan entisen tullin ja varaston, joka oli Kauppa-torin ensimmäinen katettu markkinat. Mutta harvat tietävät, että arkkitehti KG.Nyustrem työskenteli myös Pietarissa. Hänen suunnitelmansa mukaan lääketieteellisen instituutin kirurgisen klinikan rakennus rakennettiin Petrogradskajan puolelle.

Nystrom oli Taideakatemian professori ja sai arkkitehtuurin akateemikon arvon.

Taiteilija J. Rissanenia kutsutaan yhdeksi erottuvimmista, vahvoimmista ja syvimmin kansallisista kyvyistä viime vuosisadan suomalaisessa maalauksessa. Hän maalasi muotokuvia, genremaalauksia kansanelämästä. Opiskeltuaan Helsingin piirustuskoulussa hänet lähetettiin opiskelemaan Pietarin taidemuseoon, missä hän suoritti kurssin I. E. Repinin johdolla vuosina 1897–98. Opiskelu Pietarissa, yhteydenpito venäläisten taiteilijoiden kanssa ja koko Pietarin luovan elämän ilmapiiri, intohimoinen intohimo nosti taiteilijan työn uuteen korkeuteen. Sen jälkeen hän työskenteli hedelmällisesti useita vuosia Suomessa ja ulkomailla. On syytä kertoa tarkemmin hänen tutkimuksistaan \u200b\u200bja elämästään Pietarissa.

Rissanen Juho (Julio Rissanen, 1873-1950)

Juho Rissanen syntyi Kuopion läheisyydessä maatilan työntekijän perheessä. Lapsena hänellä oli vaikea aika ajoin joutua jopa kerjäämään, kun humalassa oleva isänsä kuoli (jäätyi kuolemaan). Vuonna 1896 Juho Rissanen aloitti Suomen Taideyhdistyksen keskeisessä taideteollisessa piirustuskoulussa Helsingissä, sitten Turussa.

Rudolf Koivu kävi lapsena Pietarin seurakunnan kirkon koulussa, jossa hän hallitsi suomen ja venäjän kirjeet. Lapsuudesta lähtien hän rakasti piirtämistä ja herätti opettajien huomion Pietarissa. Hänet lähetettiin opiskelemaan, mutta hänen täytyi ansaita elantonsa. Ja vasta vuonna 1907 R. Koiv onnistui jatkamaan maalauksen opiskelua suomalaisen taiteen ystävien seurapiirin piirustuskoulussa.

Siellä hän oli Huto Simbergin opiskelija, kuuluisan "haavoittuneen enkelin" kirjoittaja. H. Simberg peri opettajalta Gallen-Kallelalta uskomuksen fantasiaan ja luonnon mystiseen voimaan. Rudolf Koivu opiskeli sitten Pariisissa vuonna 1914 ja vuonna 1924 Italiassa. Palattuaan Suomeen, hän liittyi taiteilijapiirin "marraskuun ryhmään", mutta pysyi uskollisena realistiselle tavalla ja maalasi maisemansa hillittyyn, rauhalliseen impressionismi-tyyliin. Paljon merkittävämpi kuin taiteilija-maalari, Koivu oli piirtäjä ja kuvittaja.

Näyttäen epätavallisen vilkkaan ja elävän mielikuvituksen, hän kuvasi kymmeniä satukertomuksia, mukaan lukien suomalainen Topelius "Lukeminen lapsille", saksa - "Tarinat veljistä Grimmistä", arabialaiset tarinat "Tuhat ja yksi yö Scheherazista" jne. Koivu kuvasi mielellään joululehtiä, suomalaisia \u200b\u200bkalentereita ja muita julkaisuja kehittämällä itseään, saaden selvästi vaikutusta ensisijaisesti venäläisiltä kuvittajilta, harvinaisen tehokkaan, kirkkaasti sisustetun tyylin. Hänen huumorintaju ilmenee satukuvien ja piirustusten lisäksi myös hänen nykyaikaistensa suosimissa sarjakuvissa. Hänen maalauksiensa ja piirustustensa kokoelma (kokoelma) tuli valitettavasti kuolemansa jälkeen vuonna 1947.

Shulman Karl Allan (Carl Allan Schulman, 1863–1937)

Arkkitehti, mies, jolla on kirkkaat kyvyt ja kohtalo. Karl Allan sai arkkitehtuurikoulutuksensa Suomessa, mutta vielä opintonsa aikana hänet innostettiin nuorten suomalaisten modernistien innovatiivisista ideoista: E. Saarinen, G. Giselius, A. Lindren. Hänet houkuttelivat nykyaikaisuuden ideat. Koska nuori arkkitehti K.A. ei saanut tilauksia kotona Shulman työskentelee ulkomailla: Argentiinassa, Saksassa, Hollannissa ja Ruotsissa.

Palattuaan kotimaahansa hänelle annettiin mahdollisuus rakentaa Khallila-lomakeskus Karjalan kantamaan. Tämän rakentamisen menestys kiinnitti häntä Pietarissa. Vuonna 1901 se oli vastapäätä Vladimirin Jumalanäidin kuvakkeen kirkkoa. Kilpailuun osallistui 88 arkkitehtia. Tämän seurauksena talon omistaja, paroni von Besser, uskoi rakentamisen Schulmanille. Kuudenkerroksinen jugend-talo koristi neliötä ainutlaatuisella maulla. Alemmat kerrokset ovat auki suurilla näyttöikkunoiden aukkoilla.

Yläkerroissa on epätavallinen galleria, jonka keskellä on sankarin kypärän kaltainen torni. Rakennuksen kivitiedot ovat suomalaista ruukukiviä. Ne antavat tyypillisen jugendtyylisen koristekuvion, joka kuvaa kasveja ja eläimiä. Sisäänkäynnin yläpuolella - omistajan vaakuna - paroni von Besser. 1900-luvun alussa tässä talossa sijaitsi keisarillisen kanceliarian vastaanottohuone sekä naisten työhuone. Nyt Vladimirskayan taloa rakennetaan parhaillaan. Se tulee olemaan osa Vladimirsky Passage -ostoskeskusta.

Vladimirskaya-talo on ainoa rakennus Pietarissa, jonka on perustanut pohjoisessa pääkaupungissa myöhemmin laajalle levinnyt Pohjoisen jugend-koulun perustaja.

Sitten sitä edustivat ja kehittivät Pietarin arkkitehdit: FLidval, N. V. Vasiliev, A. F. Bubyr. K. Shulman työskenteli vuosia maakunnan arkkitehtina Viipurissa, missä hän loi 10 monikerroksista rakennusta pohjoiseen jugendtyyliin. Lisäksi K. A. Shulman oli merkittävä arkkitehtiliiton edustaja, toiminut ammattimuusikkona-kapellimestarina. Hänen johdollaan kuororyhmät esiintyivät menestyksekkäästi Pietarissa, Suomessa ja ulkomailla.

Gripenberg Odert Sebastian (Odert Sebastian Gripenberg, 1850–1939)

Gripenberg Odert Sebastian, arkkitehti; Syntynyt Kurkiyokissa. Varakkaiden ja jalojen vanhempien poika Odert opiskeli katetkoulussa Haminassa ja sitten Pietarin sotilasinsinöörin akatemiassa. Siellä hän sai sotilaallisen rakennuskoulutuksen, mutta vetäytyi armeijasta vuonna 1875. Hän päätti tulla ammattiarkkitehdiksi. Tänä aikana Pietarin arkkitehtuuriin syntyi uusia rakennusmenetelmiä. Eklektiikka - aikaisempien aikakausien tekniikoiden käyttö: renessanssi, gootti, barokki - yhdistettiin uusien koristeellisten yksityiskohtien etsimiseen monikerroksisten rakennusten julkisivujen käsittelemiseksi. Tällaisia \u200b\u200bovat A. K. Serebryakovin, P. Y. Suzorin, A. E. Belogrudin kuuluisat rakennukset.

Vuonna 1878 Gripenberg puolusti arkkitehtuurintutkintoaan Ecole Polytechnique -tapahtumassa, jonka jälkeen hän opiskeli Wienissä. Vuosina 1879-87. hän työskenteli arkkitehtina Helsingissä. Hänen ensimmäiset teoksensa heijastavat renessanssin himoa ja hänen opettajansa Shes-3: n selkeää vaikutusta. Tulevaisuudessa halutaan voimakas rakennusvolyymin voimakas jakautuminen ja jakautuminen. Nämä ovat sellaisia \u200b\u200bteoksia kuin Suomalaisten kirjailijoiden yhdistyksen rakennus, Ensimmäinen yrityskeskus, sitten vanha rakennus "Helsingin Sanomat", Turun säästöpankin rakennus.

Vuonna 1887 hänet nimitettiin julkisen (siviili) rakennustoimiston pääarkkitehdiksi, josta hän siirtyi vuonna 1904 senaattiin kauppa- ja teollisuuskamarin johtajaksi.

Gripenberg oli Suomalaisen Teatteritalon osakeyhtiön hallituksen päällikkö ja Kansallisteatterirakennuksen perustamisen toimitusjohtaja sekä Pohyola-vakuutusyhtiön hallituksen puheenjohtaja. OS Gripenberg oli suomalaisen arkkitehtikerhon ensimmäinen puheenjohtaja vuosina 1892–1901 sekä yksi suomenkielisen tekniikkayhdistyksen perustajista.

Akseli Gallen-Kallela

Sammon puolustus (1896)

Kuvia Kalevalasta. " Sampo-puolustus«.

sampo (Fin. sampo) - karjalais-suomalaisessa mytologiassa, ainutlaatuinen maaginen esine, jolla on maaginen voima ja joka on onnen, vaurauden ja runsauden lähde. Eepossa "Kalevala" sen luoja Elias Lönnrot esitteli Sammon myllynä.

Hugo simberg

Halla (1895)

halla - Tämä on halla, jos ymmärrän oikein, esimerkiksi kesällä yöllä tai aikaisin aamulla

Tässä mielessä kuva välittää kuvan hyvin.

Helene schjerfbeck

Toipilas (1888)

toipilas — toipumassa

Hugo simberg

Kuoleman puutarha — Kuoleman puutarha

Maalauksesta on useita versioita, tässä kuvassa on fresko Tampereen katedraalista.

Suomalaisen tytön suositteli tätä maalausta minulle, kun huomasin, että se oli jotenkin synkkä jopa synkkillekin suomalaisille, hän vastasi minulle lämpimästi: "Kuolemat hoitavat kukka-ihmisiä keskellä autiomaa ja kun heidät pakotetaan leikkaamaan he tekevät sen hellästi, ikään kuin anteeksi anteeksi."

Hugo simberg

Haavoittunut enkeli -Haavoittunut enkeli
(1903)

Kuvan juoni aukeaa tunnistettavan historiallisen taustan suhteen: tämä on Eleintarkha-puisto (kirjaimellisesti "eläintarha") ja Töölön lahti Helsingissä. 1900-luvun alussa puisto oli suosittu virkistyspaikka sinisten kaulusten ammattilaisten edustajille, ja siellä sijaitsivat myös hyväntekeväisyysjärjestöt. Tie, jota hahmot liikkuvat, on säilynyt tähän päivään asti: kulkue kulkee sitä pitkin silloin sokeiden tyttöjen kouluun ja vammaisten suojaan.

Maalaus kuvaa kahta poikaa, jotka kantavat kantolaukulla ihmisen ihmisen enkelin, jolla on silmä ja verenvuoto. Yksi pojista tuijottaa kiihkeästi ja synkkäästi suoraan katsojaan. Hänen katseensa ilmaisee joko myötätuntoa haavoittuneeseen enkeliin tai halveksuntaa. Taustamaisema on tarkoituksellisesti ankara ja niukka, mutta antaa vaikutelman rauhallisuudesta. Ei-triviaalinen juoni avaa tilaa monenlaisille tulkinnoille. Poikien karkeat vaatteet ja kengät, heidän paheksuttavat vakavat kasvonsa ovat vastakohtana vaaleaan pukeutuneeseen enkelin hamaan hahmoon, joka viittaa elämän ja kuoleman vastakkainasetteluun, veri enkelin siipiin ja sokealle silmälle on merkki olemassaolon haavoittuvuudesta ja lyhytaikaisuudesta, mutta enkeli pitää kädessään lumikukkakimppu on uudestisyntymisen ja toipumisen symboli. Elämä täällä näyttää olevan lähellä kuolemaa. Yksi pojista kääntyi yleisön puoleen repimällä kuvan hermeettisen tilan, mikä teki selväksi, että elämän ja kuoleman aiheet liittyvät suoraan heihin. Simberg itse kieltäytyi tulkitsemasta haavoittunutta enkeliä, jättäen katsojan tekemään omat johtopäätöksensä.

Maalauksella on ollut valtava vaikutus suomalaiseen kulttuuriin. Viittauksia siihen löytyy monista korkean ja suositun taiteen teoksista. Suomalaisen metallibändin Nightwish kappaleen "Amaranth" video soitetaan "haavoittuneen enkelin" virityksellä.

Albert edelfelt

Pariisin Luxemburggin puistossa — Pariisin Luxemburgin puutarhassa.

Akseli Gallen-Kallela

Akka ja kissa — Vanha nainen ja kissa

Gallen-Kallela, kaikki maalaukset ovat yleensä mestariteoksia, tämä on todella maailmanluokan taiteilija.

Tämä kuva on maalattu korostavasti naturalistisella tavalla, mutta kaikesta koristamattomuudestaan \u200b\u200bhuolimatta se on täynnä myötätuntoa ja rakkautta yksinkertaisimmille ja köyhimmille ihmisille.

Maalauksen osti Turun taidemuseo vuonna 1895 ja on edelleen olemassa.

Sana akka Minulla on aina vaikeuksia kääntää - sekä "baba" että "isoäiti".

Täällä näytän vähän makua ja lisään uuden kuvan. Helene schjerfbeck - venäjäksi luimme hänen nimensä Helena Schjerfbeck.

Ja tässä on valonsäte ja lämpö.

Vuoden 1882 maalaus, Tanssiaiskengät — Tanssikengät.

Tämä on luultavasti kaikkien aikojen surullinen suomalainen elokuva. Ainakin mielestäni.

Albert edelfelt

Lapsen ruumissaatto — Hautajaiset lapsen (kirjaimellisesti lapsen hautajaiset)

Tämä on ensimmäinen suomalainen taiteen genre-koostumus, joka on maalattu ulkona. Hänestä tuli, kuten se oli, osa taiteilijan näkemästä ja vangitsemasta tosielämästä. Kuva kertoo ihmisen surusta. Edelfelt kuvasi yksinkertaisen perheen, jolla oli pieni arkku veneessä. Ankara maisema vastaa niiden ihmisten mielialaa, jotka näkevät lapsensa viimeisellä matkalla. Surullisissa kasvoissaan hillityt liikkeet - juhlallinen suru, jota kaikuvat järven valkoinen liikuton pinta, kirkas kylmä taivas, kaukana matalat rannat.

Lapsen hautajaiset saivat hänelle akatemian tittelin, ja pala ostettiin yksityiskokoelmaan Moskovassa. Samaan aikaan Tsarskoe Selossa järjestettiin henkilökohtainen näyttely, ja Edelfelt esiteltiin Aleksanteri III: lle ja Maria Feodorovnalle, jotka myös olivat kiinnostuneita maalaamisesta.

Taiteilijan läheisyys tuomioistuimelle auttoi suomalaisen maalauksen suosiota Venäjällä. Voimme sanoa, että Edelfelt oli yksi niistä, jotka löysivät Suomen taiteen Venäjälle.

Vuonna 1907 maalaus palasi Suomeen ja on nyt Ateneumin museossa, Helsingissä.

Lisäksi sallin teidän huomata, että tämä kuva kertoo erittäin tarkasti suomalaisten suhtautumisen kuolemaan (joka on valitettavasti osa elämää, viimeinen osa sitä). Se on erittäin tiukka ja hillitty, eroa on myös venäläisiin. Mutta tämä vakavuus ja hillitys ei puhu heidän tunteettomuudestaan, on vain, että suomalaiset kantavat kaiken syvällisesti itsessään. Syvempi kuin me venäläiset. Mutta suru tästä ei lakkaa olemasta surua heille.

Pekka Halonen

Tienraivaajia Karjalassa — Tienrakentajat Karjalassa.

Kirjaimellisesti se olisi "tien raivaamista Karjalassa".

raivata - hyvä verbi: tyhjennä tie
En tiedä onko hänellä jotain yhteistä sanan kanssa raivo — raivo, vimma

Mutta tätä kuvaa tarkasteltaessa voidaan olettaa, että kyllä.

Kuvassa on toinen piirre suomalaisista - historiallisesti heidän täytyi elää erittäin epäsuotuisassa luontoympäristössä, toisin sanoen joskus on vain kovaa taistella heidän olemassaolostaan, joten luultavasti tämä on pysyvyys, jota he osoittavat työssä ja vastoinkäymiset. Ainakin niin oli aiemmin.

Hugo simberg

Toinen Hugo Simbergin maalaus on “ Unelma«.

Simberg on oikeutetusti sijoitettu Symbolistien joukkoon, hänen maalauksensa ovat erittäin avoimia tulkinnalle ja tulkinnalle.

Ja samaan aikaan hänen maalauksissaan on aina jotain hyvin kansallista.

Akseli Gallen-Kallela

Poika ja varis — Poika ja varis.

(1884) Henkilökohtaisesti vain melko aikuiset oppivat sen varis (varis), ei vaimo / nainen varis (korppi). Itse asiassa tällainen sekaannus tapahtuu onneksi vain venäjän kielellä. Esimerkiksi ukrainaksi korva on "krooki" ja korva, joten se on "varis". Englanniksi korvan sana on "korva", ja korvaa kutsutaan "varikseksi".

Maalaus on nyt Athenaeumissa.

Akseli Gallen-Kallela.

Lemminkäisen äiti — Lemminkäisen äiti.
(1897)

Maalaus on Athenaeumissa, Helsingissä.

Maalaus kuvaa Kalevalan kohtausta, jossa Lemminkäinen tapettiin ja hajotettiin ja ruumiinosat heitettiin tummaan Tuonelan jokeen. Sankarin äiti keräsi haravan avulla poikansa ruumiit ja ompeli ne yhdeksi kappaleeksi. Kuvassa hän odottaa mehiläistä - niin hän etsii -, joka tuo maagisen hunajan vanhemmalta jumalalta Ukolta, jonka on herätettävä ylös Lemminkäinen.

Pysyvä näyttely Athenaeum-museosta vie rakennuksen kolmannen kerroksen (pieniä temaattisia näyttelyitä järjestetään myös sinne), ja toisessa kerroksessa pidetään väliaikaisia \u200b\u200bnäyttelyitä (pohjapiirros). Tässä viestissä kerromme sinulle mielenkiintoisimmista ja tunnetuimmista maalauksista ja veistoksista Athenaeumin kokoelmassa sekä niiden kirjoittajista: kuuluisasta suomalaiset maalarit ja kuvanveistäjät. Lisätietoja Athenaeum-museon historiasta ja museorakennuksen arkkitehtuurista voidaan lukea. Se tarjoaa myös hyödyllistä tietoa lippujen hinnat, aukioloajat ja Athenaeum-museon vierailumenettely. Huomio: museossa ei aina ole mahdollista nähdä kaikkia kuuluisia teoksia samanaikaisesti.

Suomalaiset kuvanveistäjät

Aloitamme kävelymatkan Athenaeum-museon läpi heti sisäänkäynnistä.

Aulassa meitä kohtaa marmoriryhmä " Apollo ja Marsyas"(1874), kuuluisan suomalaisen kuvanveistäjän teos Walter Runeberg (Walter magnus runeberg) (1838-1920), Johan Runebergin ja keisari Aleksanteri II: n monumenttien kirjoittaja Helsingissä. Kuvanveistäjän isä, runoilija Johan Runeberg, kirjallisuuden kansallisromanttisen trendin edustaja, esitteli kreikkalaisen ja roomalaisen sivilisaation ihanteet, mukaan lukien rohkeuden ja omistautumisen arvon, suomalaiseen kulttuuriin. Hänen poikansa ilmaisi edelleen näitä ihanteita, mutta veistoksella. Vuonna 1858-62. Walter Runeberg opiskeli Kööpenhaminassa Taideakatemiassa tanskalaisen kuvanveistäjän Hermann Wilhelm Biessenin johdolla, kuuluisan Thorvaldsenin opiskelijan, kansainvälisesti tunnustetun uusklassisen kuvanveiston päällikön. Vuosina 1862-1876. Runeberg työskenteli Roomassa jatkaen samalla klassisen perinnön tutkimista.

Tässä veistosryhmässä Runeberg kuvasi valonjumalaa Apollon, voittaen taiteellaan satyr Marsyas, personoimalla pimeyden ja maanläheisyyden. Apollon hahmo on tehty muinaisten ihanteiden hengessä, kun taas barokki-villi paimen Marsyas vastustaa tätä kuvaa selvästi. Sävellyksen oli tarkoitus alun perin sisustaa Helsingin uutta ylioppilastaloa, ja sen oli naisyhdistyksen toimeksianto, mutta silloin naiset päättivät ilmeisesti, että Runebergin veistoksessa oli paljon alastomuutta. Tavalla tai toisella, seurauksena teos esitettiin lahjana Suomen Taideyhdistykselle - ja niin se osoittautui olevan Ateneumin museon kokoelmassa.

Kolmannen kerroksen Ateneumin päänäyttelyhalleiden sisäänkäynnissä voit nähdä mielenkiintoisempia teoksia suomalaiset kuvanveistäjät... Erityisen houkuttelevia ovat marmori- ja pronssiveistokset, siro figuriinit ja maljakot Ville Wallgrena (Ville vallgren) (1855–1940). Ville Wallgren oli yksi ensimmäisistä suomalaisista kuvanveistäjistä, jotka saatuaan peruskoulutuksen Suomessa päättivät jatkaa opiskeluaan ei Kööpenhaminassa, vaan Pariisissa. Hänen valintaansa vaikutti kuuluisa maalari Albert Edelfelt, joka on myös Porvoon kotoisin. Edelfelt auttoi impulsiivista maanmiehetään muissa elämä- ja ammatillisissa asioissa: esimerkiksi Vallgren sai hänen apuaan käskyn kuuluisan Havis Amandan suihkulähteen (1908) teloittamiseksi Esplanade-bulevardilla.

Ville Wallgren, joka on asunut Ranskassa melkein 40 vuotta, tunnetaan parhaiten aistillisista naishahmoistaan jugendtyyliin... Työn varhaisessa vaiheessa hän kuitenkin kuvasi usein nuoria miehiä ja noudatti klassisempaa tyyliä (esimerkkejä ovat runollinen marmoriveistos " Kaiku"(1887) ja" Poika leikkii rapu"(1884), jossa Wallgren yhdistää ihmisen hahmot ja luonnon).

1800-luvun lopulla Ville Vallgren sai maailmanlaajuista mainetta merkittäväksi koristehahmojen, kuten maljakoiden, hautausurnien ja kyynelkoteloiden päälliköksi, koristeltu surullisten tyttöjen-suruttajien figuureilla. Mutta yhtä vakuuttavalla bon vivant -tapauksella Wallgren kuvasi myös elämän ilot, mukaan lukien flirttailevat ja viettelevät naiset, kuten Havis Amanda. Edellä mainitun veistoksen "Rapu leikkivät pojat" (1884) lisäksi Athenaeumin museon kolmannessa kerroksessa voit nähdä pronssiteokset Ville Wallgreniltä: "Teardrop" (1894), "Kevät (renessanssi)" (1895), "Kaksi nuorta" (1893) ja maljakko (noin 1894). Nämä hienot teokset, joissa on täydellisesti työstettyjä yksityiskohtia, ovat kooltaan pieniä, mutta tekevät siitä voimakkaan tunnevaikutelman ja muistetaan kauneudestaan.

Ville Wallgren on edennyt pitkälle kohti kuvanveistäjän uraa, mutta löytäneensä suunnan ja ammattilaisten tuen saatuaan hänestä tuli historian arvostetuimpia ja kansainvälisesti tunnustettuja taiteilijoita. suomalainen taide... Hän oli esimerkiksi ainoa suomalainen, joka sai Grand Prix -mitalin työstään Pariisin maailmannäyttelyssä (tämä tapahtui vuonna 1900). Wallgren herätti kollegoiden ja kriitikkojen huomion ensimmäisen kerran vuoden 1889 maailmanmessuilla, joissa hänen Kristuksen helpotuksensa esiteltiin. Suomalainen kuvanveistäjä sai jälleen kerran puhumaan Symbolist Pariisin salonkeista Rose + Croix vuosina 1892 ja 1893. Wallgrenin vaimo oli ruotsalainen taiteilija ja kuvanveistäjä Antoinette Roström ( Antoinette råström) (1858-1911).

Suomalaisen taiteen kulta-aika: Albert Edelfelt, Axeli Gallen-Kallela, Eero Jarnefelt, Pekka Halonen

Yhdessä kolmannen kerroksen suurimmista salista athenaeum-museo esittelee klassisia maalauksia, mukaan lukien Ville Vallgrenin ystävän teoksen - Albert Edelfelt (Albert edelfelt) (1854-1905), joka on maailman tunnetuin suomalainen taiteilija.

Sauvakuva houkuttelee yleisön huomion välttämättä " Kuningatar Blanca”(1877) - yksi suosituimmista ja rakastetuimmista maalauksista Suomessa, todellinen himmi äitiydelle. Tämän maalauksen painetut jäljennökset ja kirjonta löytyvät tuhansista kodeista ympäri maata. Edelfeltin inspiraation lähde oli Zacharias Topeliuksen tarina "Yhdeksän hopeaseppää" ( De nio hopeapenningarna), jossa Ruotsin ja Norjan keskiaikainen kuningatar Blanca of Namur viihdyttää poikansa prinssi Hakon Magnussonia, Tanskan Margaret I: n tulevaa aviomiestä, kappaleilla. Tämän oikeudenmukaisesti järjestetyn avioliiton tulos kuningatar Blanca, tuli Ruotsin, Norjan ja Tanskan liittoon - Kalmar Union (1397-1453). Pretty Blanca laulaa kaikista tulevista tapahtumista pienelle pojalleen.

Tämän kankaan luomisen aikakaudella historiallista maalausta pidettiin jaloimpana taiteen muotona ja sitä vaativat suomalaisen yhteiskunnan koulutetut kerrokset, koska tuolloin kansallinen identiteetti oli vasta alkamassa muodostua. Albert Edelfelt oli vasta 22-vuotias, kun hän päätti luoda maalauksen keskiaikaisesta Skandinavian historiasta, ja kuningatar Blancasta tuli hänen ensimmäinen vakava teoksensa. Taiteilija pyrki vastaamaan kansalaistensa odotuksiin ja ruumiillistamaan historiallisen kohtauksen mahdollisimman ilmeisesti ja todenmukaisesti (maalauksen kirjoittamishetkellä Edelfelt asui ahtaalla ullakolla Pariisissa ja opiskeli hänen opettajansa Jean-Léon Jeromen vaatimuksella kyseisen ajan pukuja, lukee kirjoja keskiaikaisesta arkkitehtuurista ja huonekaluista, vieraili keskiajalla Clunyn museo). Katso taito, jolla kuningatarpuvun loistava silkki, karhunnahka lattialla ja monet muut yksityiskohdat maalataan (taiteilija vuokrasi karhunnahan tarkoituksella tavaratalosta). Mutta kuvan tärkein asia, ainakin modernille katsojalle (ja Edelfeltille itselleen, joka rakasti äitiään enemmän kuin ketään muuta maailmassa), on sen lämmin emotionaalinen sisältö: äidin kasvot ja lapsen eleet, jotka ilmaisevat rakkautta, iloa ja läheisyyttä.

Kaunis 18-vuotias pariisilainen nainen toimi mallina kuningatar Blancalle, ja kaunis italialainen poika poseeraa prinssille. Maalaus "Queen Blanca" Esiteltiin yleisölle ensimmäisen kerran vuonna 1877 Pariisin salonissa, se oli suuri menestys ja toistettiin ranskalaisissa taidejulkaisuissa. Sitten se näytettiin Suomessa, minkä jälkeen kangas myytiin Aurora Karamzinalle. Myöhemmin maalaus päätyi taiteilijan Hjalmar Linder -kokoelmaan, joka esitti sen athenaeum-museo vuonna 1920.

Toinen esimerkki varhaisesta luovuudesta Albert Edelfelt Athenaeum-museossa on surullinen maalaus " Hautajaiset lapsen"(" Arkun kuljettaminen ") (1879). Olemme jo sanoneet, että nuoruudessaan Edelfelt halusi tulla historialliseksi maalaritaideksi; tätä varten hän valmistautui opiskellessaan Antwerpenissä ja sitten Pariisissa. Mutta 1870-luvun loppuun mennessä hänen ihanteensa olivat muuttuneet, hän ystävystyi ranskalaisen taiteilijan Bastien-Lepage kanssa ja tuli pleneraalamaalauksen saarnaajaksi. Seuraava työ Edelfelt ovat jo realistinen heijastus kotimaansa talonpojan elämästä ja elämästä. Mutta lapsen hautajaiset eivät kuvasta pelkästään arkielämän näkymää: se välittää yhden ihmisen perustavanlaatuisista tunneista - surun.

Tuona vuonna Edelfelt vieraili äitinsä vuokraamassa dachassa Haikko-kartanolla lähellä Porvoota (myöhemmin taiteilija tuli näihin kauniisiin paikkoihin joka kesä). Maalaus oli maalattu kokonaan ulkona, jota varten iso kangas oli kiinnitettävä rannikkokivekkeisiin, jotta se ei lepattu tuulessa. "En usko, että maalaaminen ulkona oli niin vaikeaa", Edelfelt kertoi yhdelle ystävästään. Edelfelt hahmotteli Porvoon saariston asukkaiden haalistuvia kasvoja, meni merelle kalastajien kanssa useammin kuin kerran ja jopa laittoi erityisen sahatun kalastusveneen työpajaansa yksityiskohtien tarkan toiston varmistamiseksi. Edelfelt-maalaus « Lapsen hautajaiset "esiteltiin Pariisin salonissa 1880 ja sai 3. asteen mitalin (ensimmäistä kertaa suomalainen taiteilija sai tällaisen kunnian). Ranskan kriitikot huomauttivat kuvan erilaisista ansioista, mukaan lukien sen, että siinä ei ole liiallista sentimentaalisuutta, mutta se kuvastaa ihmisarvoa, jolla hahmot hyväksyvät väistämättömän.

Kuva on täynnä täysin erilaista, aurinkoista ja huoletonta tunnelmaa Albert Edelfelt « Luxemburgin puutarha"(1887). Kun Edelfelt kirjoitti tämän kankaan, hän oli jo hyvin kuuluisa hahmo Pariisin taidemaailmassa. Hän kiehtoi Pariisin puistoista, joissa oli lukuisia lapsia ja lastenhoitajia, jotka nauttivat hyvästä säästä, ja hän päätti vangita tämän kauneuden. Siihen mennessä maalari oli jo asunut Pariisissa yli kymmenen vuotta, ja on jopa outoa, että tämä maalaus on hänen ainoa suuri teoksensa, joka kuvaa pariisilaista. Tämä johtuu todennäköisesti taiteilijoiden kovasta kilpailusta: tässä ympäristössä oli helpompaa erottua työskentelemällä "eksoottisempien" suomalaisten aiheiden parissa. Maalaus "Luxemburg Gardens" on myös epätavallinen siinä mielessä, että siinä Edelfelt käytti monia impresionismin tekniikoita. Samalla, toisin kuin impressionistit, hän työskenteli tämän kankaan yli vuoden ajan sekä ulkona että työpajassa. Työ hidastui usein triviaaleista syistä: huonosta säästä tai myöhäisistä malleista. Itsekriittinen Edelfelt muutti kangasta toistuvasti tekemällä muutoksia viimeiseen hetkeen, jolloin oli aika viedä työ näyttelyyn.

Maalaus esitettiin ensimmäistä kertaa näyttelyssä Galerie petit toukokuussa 1887. Itse Edelfelt ei ollut kovin tyytyväinen tulokseen: ranskalaisten impressionistien maalauksissa esiintyneiden värillisten räjähdysten taustalla hänen kankaansa näyttivät hänelle tuntuvansa aneemiselta, ”nestemäiseltä”. Kriitikot ja yleisö ottivat teoksen kuitenkin hyvin vastaan. Myöhemmin tästä kuvasta tuli eräänlainen symboli suomalaisen taiteen - ja erityisesti Edelfeltin - läheisistä siteistä Pariisiin, joka tuolloin oli taiteellisen maailmankaikkeuden keskuksessa.

Kuva " Naiset Ruokolahden kirkossa"(1887) Albert Edelfeltkirjoitti kesäkeskuksessaan Haikossa - siellä hän loi melkein kaikki teoksensa kansanelämästä. Vaikka maalaus kuvastaa vaikutelmia matkalta Itä-Suomeen, tiedetään, että maalauksen mallit olivat Haikon naisia \u200b\u200b(valokuvat heistä hänen studiossa Edelfeltille poseeraavat). Kuten muutkin suuret sävellykset, tätä ei luotu yön yli, huolelliset alustavat luonnokset tehtiin aina. Siitä huolimatta taiteilijan päätavoite on aina ollut spontaanin, elävän "tilannekuvan" saavuttaminen.

Albert Edelfeltin teosten yhteydessä Ateneumissa voit nähdä toisen taiteen, joka edustaa suomalaisen taiteen kulta-aikaa, Eero Jarnefelt (Eero järnefelt) (1863-1937). Suoritettuaan opintonsa Suomessa, Jarnefelt meni Pietarimissä hän opiskeli Taideakatemiahänen setänsä Mikhail Klodtin kanssa tuli läheiseksi Repinille ja Korovinille, ja meni sitten jatkamaan opiskeluaan Pariisiin. Huolimatta vieraista vaikutteista, kansallisen identiteetin etsimisestä, halusta korostaa alkuperäiskulttuurin erityisluonnetta ( lisää luovuudesta Eero Jarnefeltlukea ).

Jarnefelt tunnetaan parhaiten muotokuvanmaalajana ja Kolin alueen ja Tuusulanjärven läheisyyden mahtavien maisemien kirjailijana, missä hänen huvilastudio Suviranta sijaitsi (talon vieressä oli Ainola, jossa säveltäjä Sibelius asui vaimonsa, Jarnefeltin sisaren kanssa).

Mutta Eero Jarnefeltin tärkein ja kuuluisin työ on epäilemättä maalaus "Kiilan alla" ("Metsän polttaminen") (1893) (muut nimen nimet - " Selkä taivutus rahaa varten», « Pakkotyö"). Kankaan juoni liittyy muinaiseen viljelymenetelmään, joka koostuu puun polttamisesta peltomaan saamiseksi (ns. Viilto ja poltta maatalous). Maalaus on luotu kesällä 1893 maatilalla Rannan Puurula Lapinlahden kaupungissa, Pohjois-Savon alueella. Sinä vuonna pakkas pilasi sadon toisen kerran. Jarnefelt työskenteli vauraan perheen tilalla ja tarkkaili maattomien työntekijöiden ankaria elin- ja työskentelyolosuhteita, joille maksettiin työstään vain, jos sato oli hyvä. Samanaikaisesti Järnefelt piirsi luonnoksia palavasta metsämaisemasta, tutki tulen ja savun käyttäytymistä ja elokuvasi myös kyläläisiä, joista lopulta tuli hänen maalauksiensa päähenkilöt.

Vain yksi kuvan hahmo tarkastelee suoraan katsojaa: tämä on tyttö, joka keskeytti tilapäisesti työtään ja katsoi meitä nuhteella. Hänen vatsa oli turvonnut nälästä, kasvonsa ja vaatteensa mustattiin noella, ja pään ympärille Jarnefelt teki halo-tyyppistä savua. Taiteilija maalasi tämän kuvan 14-vuotiaalta tytöltä nimeltä Johanna Kokkonen ( Johanna kokkonen), maatilan palvelijoita. Etualan mies on Heikki Puurunen ( heikki Puurunen), viljelijän veli, taustalla tilan omistaja.

Kun katsot kuvaa, voit kirjaimellisesti tuntea tulipalon kuumuuden, kuulla liekin hiljaisen melun ja oksien rapistumisen. Kuvalla on useita tulkintoja, mutta sen päätarkoituksena pidetään sorrettujen ihmisten ankaraa kritiikkiä. Kuvan tytöstä on tullut yleinen kuva kaikista köyhistä ja nälkäisistä lapsista, kaikista heikommassa asemassa olevista ihmisistä Suomessa. Kangas esiteltiin yleisölle ensimmäisen kerran vuonna 1897.

Koko iso sali athenaeum-museo omistettu toisen suomalaisen kuvataiteen kulta-ajan kuuluisan edustajan työlle - Axeli Gallen-Kallela (Akseli Gallen-Kallela) (1865 - 1931). Kuten muutkin ajan suuret suomalaiset taiteilijat, hän opiskeli. Gallen-Kallela sai erityisen huomion Pariisin yleisöltä vuoden 1900 maailmanmessujen aikana, kun hän teki useita freskoja Suomen paviljongille suomalaisen eepos Kalevalan perusteella.

Aikana koulutus Pariisissa Gallen-Kallela luonnosteli usein kaduilla ja kahviloissa havaitsemiaan kohtauksia. Esimerkki tämän ajanjakson luovuudesta on maalaus "Alaston" ("ilman naamaria") (Démasquée ) (1888) - melkein ainoa eroottinen maalaus Gallen-Kallelan teoksessa. Tiedetään, että sen on luonut 23-vuotias taiteilija, jonka toimeksiantaja on suomalainen keräilijä ja filantropi Fridtjof Antell. Hän halusi laajentaa seksuaalisesti eksplisiittisten maalauksien kokoelmaansa. Kuitenkin kun Antell näki kankaan, hän kieltäytyi ottamasta sitä, ilmeisesti pitäen kuvaa liian turmeltuneena jopa hänen maunsa puolesta.

Maalaus kuvaa alaston pariisilaista naista (ilmeisesti prostituoitua), joka istuu taiteilijan studiossa sohvalla, joka on peitetty perinteisellä suomalaisella matolla. Kuva antaa kuvan boheemisesta elämäntyyliä, mutta viittaa samalla siihen, että hänen ilonsa ovat täynnä kuolemaa ja pudotusta. Taiteilija kuvaa viattomuutta symboloivaa liljaa, joka on vastakohtana painokkaasti aistilliselle mallille ja kitaralle, joiden muoto lisää edelleen eroottista sensaatiota. Nainen näyttää olevan viettelevä ja pelottava. Krusifiksi, Buddha-patsas ja vanha suomalainen matto ruyu, joka on kuvattu savukykyisen naislihan vieressä, vihje pyhän rikoksesta. Kallo virnistettiin pöydälle taustalla - yleinen elementti Vanitas-genren maalauksissa, muistuttaen katsojaa maallisten nautintojen hauraudesta ja kuoleman väistämättömyydestä. Kangas Démasquée esiteltiin ensimmäisen kerran vuonna 2006 athenaeum-museo vuonna 1893.

Monet myöhemmät teokset Gallena-Kallela omistettu "Kalevala"... Kuvaileessaan suomalaisen eeposen sankaria, kuten Väinämöinen ja Lemminkäinen, taiteilija käyttää erityistyyliä, kovaa ja ilmeikästä, täynnä jäljittelemättömiä kirkkaita värejä ja tyyliteltyjä koristeita. Tästä syklistä on syytä huomata uskomaton kuva “ Lemminkäisen äiti"(1897). Vaikka kuva on esimerkki eeposta, siinä on globaalimpi, universaalisempi ääni ja sitä voidaan pitää eräänlaisena pohjoisessa Pieta-alueella. Tämä äidin rakkauden lävistyslaulu on yksi Gallen-Kallelan upeimmista Kalevala».

Lemminkäisen äiti - iloinen kaveri, taitava metsästäjä ja viettelijä - löytää poikansa mustalla Kuoleman joella (Tuonela-joella), jossa hän yritti ampua pyhää joutsenta. Joutsen on kuvattu taustalla pimeässä vedessä, kallot ja luut ovat hajallaan kallioisella rannalla ja kuoleman kukat itävät. "Kalevalassa" kerrotaan, kuinka äiti kammasi vettä pitkällä haravalla, harasi kaikki palat ja taitti poikansa niistä uudelleen. Loitsujen ja voiteiden avulla hän elvyttää Lemminkäistä. Maalaus kuvaa ylösnousemusta edeltävää hetkeä. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä kaikki on poissa, mutta auringonsäteet tunkeutuvat kuolleiden valtakuntaan antaen toivoa, ja mehiläinen kantaa henkeä antavan jumalallisen balsamin sankarin ylösnousemusta varten. Tummat, vaimennetut värit parantavat tämän alamaailman hiljaisuuden tunnetta ja kivien voimakas verenpunainen sammal, Lemminkäisen kasvien tappava vaaleus ja iho ovat kontrastina mehiläisen jumalallisen kultaisen värin ja taivaasta kaatuneiden säteiden kanssa.

Tätä kuvaa varten hänen oma äitinsä piti taiteilijalle. Hän onnistui luomaan erittäin realistisen kuvan vilkkaalla, kireällä ilmeellä (tämä on todellinen tunne: Gallen-Kallela puhui äidilleen nimenomaan jostakin surullisesta, mikä sai hänet itkemään). Samaan aikaan maalaus eroaa tyylityksestä, jonka avulla voit luoda erityisen myyttisen ilmapiirin, tunteen, että tapahtumat tapahtuvat "toisella puolella" todellisuutta. Tunnelmallisen vaikutuksen parantamiseksi Gallen-Kallela käytti öljyvärien sijaan temperaa. Yksinkertaistetut muodot, terävät muodon ääriviivat ja suuret väritasot auttavat luomaan voimakkaan koostumuksen. Maalauksen synkkän tunnelman välittämiseksi paremmin taiteilija järjesti Ruoveden studiotaloonsa täysin mustan huoneen, jonka ainoa valaistuslähde oli kattoikkuna. Lisäksi hän kuvaa itse alastonsa lattialla ja käytti näitä valokuvia maalaamalla Lemminkäisen kuvaa.

Aivan erilaisessa, idyllisessä ja melkein kevyessä tyylissä Gallen-Kallelan triptyykki “ Legenda Ainosta"(1891). Sävellys on omistettu "Kalevalan" tarinalle nuoresta tytöstä Ainosta ja vanhasta viisasta Väinämöisestä. Aino oli määrä vanhempiensa päätöksellä solmia avioliitto Väinämöisen kanssa, mutta hän pakeni hänestä mieluummin hukuttaa itsensä. Triptyykin vasemmalla puolella on vanhan miehen ja tytön ensimmäinen tapaaminen perinteiseen karjalaiseen pukeutumiseen metsässä, ja oikealla näemme surullisen Ainon. Valmistautuessaan heittämään veteen, hän itkee rannalla kuunnellessaan vedessä leikkivien merenneitojen kutsuja. Viimein keskuspaneeli kuvaa tarinan päättymistä: Väinämöinen menee veneellä merelle ja kalastaa. Saatuaan pienen kalan, hän ei tunnista tyttöä, joka hukkui syytöstään ja heittää kalat takaisin veteen. Mutta tällä hetkellä kala muuttuu Ainoksi - merenneito, joka nauraa vanhalle miehelle, joka jäi hänestä huomiotta, ja katoaa sitten aaltoihin ikuisesti.

1890-luvun alkupuolella Gallen-Kallela oli naturalismin kannattaja, ja hän tarvitsi ehdottomasti aitoja malleja kaikille kuvan figuureille ja esineille. Joten Väinämöisen kuvasta pitkällä kauniilla partaallaan, yhden Karjalan kylän asukas poseeris taiteilijalle. Lisäksi taiteilija kuivatti ahvenat saadakseen mahdollisimman tarkan kuvan kaloista, joita vanha mies pelkää. Jopa Ainon kädessä kimalteleva hopeinen rannekoru oli olemassa todellisuudessa: Gallen-Kallela antoi nämä korut nuorelle vaimonsa Marylle. Hän selvästikin toimi mallina Ainolle. Taiteilija luonnoi triptykin maisemat hänen häämatkallaan Karjalassa.

Sävellys on puinen kehys, jossa on koristeita ja lainauksia Kalevalasta, kirjoittanut Gallen-Kallela itse. Tästä triptyykistä tuli liikkeen lähtökohta kansallisromantismi Suomessa - Art Nouveaun suomenkielinen versio. Taiteilija teki ensimmäisen version tästä maalauksesta Pariisissa vuosina 1888-89. (nyt se kuuluu Suomen Pankkiin). Kun maalausta esiteltiin ensimmäisen kerran Helsingissä, se sai tervehdyksen innostuneena ja senaatti päätti tilata uuden version julkisilla kustannuksilla. Tämä ajatus näyttää varsin luonnolliselta Fennoman-liikkeen seurauksena, joka idealisoi ja romantiisoi suomalaista kansakuntaa. Lisäksi taidetta nähtiin voimakkaana keinona ilmaista suomalaisia \u200b\u200bkansallisia ihanteita. Samanaikaisesti taiteilijoiden retkikunta Karjalaan alkoi etsiä "todellista suomalaista tyyliä". Karjalaa pidettiin ainoana koskemattomana maana, jolla "Kalevalan" jäljet \u200b\u200bsäilyivät, ja Gallen-Kallela itse piti tätä eeposta kertomuksena kansallisen suuruuden menneistä ajoista, kuvana kadonneesta paratiisista.

Gallen-Kallelan maalaus Kullervon kirous"(1899) kertoo" Kalevalan "toisesta sankarista. Kullervo oli erityisen vahva nuori mies, orpo, joka annettiin orjuuteen ja lähetettiin erämaahan laiduttamaan lehmiä. Paha emäntä, seppä Ilmarisen vaimo, antoi hänelle leipää matkalle, johon piilotettiin kivi. Yrittäessään leikata leipä Kullervo rikkoi veitsen, joka oli hänen isänsä ainoa muisto. Vihaisena hän kokoaa uuden suden-, karhun- ja ilveslauman, joka repii emäntä erilleen. Kullervo pakenee orjuudesta ja palaa kotiin saatuaan tietää, että hänen sukulaisensa ovat elossa. Kullervon väärät seikat eivät kuitenkaan lopu tähän. Loputon kostopiraali tuhoaa paitsi uuden perheen, myös itsensä. Ensinnäkin hän tapaa ja viettelee tytön, joka osoittautuu siskokseen, ja tämän syntisen suhteen takia sisko tekee itsemurhan. Pian kaikki hänen sukulaiset kuolevat myös. Sitten Kullervo tappaa itsensä heittämällä itsensä miekalla.

Gallen-Kallelan maalaus kuvaa jakson, jolloin Kullervo toimii edelleen paimenena (hänen parvensa on näkyvissä taustalla, ja leivän kanssa leivottu kivi on kuvattu edessä). Nuori mies ravistaa nyrkkiään ja vannoo kostaakseen vihollisiaan. Taiteilija kuvaa vihaista sankaria varhaisen syksyn aurinkoisen maiseman taustalla, mutta pilvet kerääntyvät jo taustalle, ja punaisena kaatunut pihlaja tuhka toimii varoituksena, tulevaisuuden verenvuodatuksen ennusteena. Tässä kuvassa tragedia yhdistetään Karjalan luonnon kauneuteen, ja sankarin kostajaa voidaan tietyssä mielessä pitää suomalaisen taisteluhengen ja kasvavan kansallisen identiteetin symbolina. Toisaalta meillä on edessämme muotokuva vihasta ja pettymyksestä, miehen voimattomuudesta, jonka vieraat kasvattivat perheensä tuhoamiseksi väkivallan ja koson ilmapiirissä, ja tämä jätti traagisen jäljennöksen hänen kohtalostaan.

Lisätietoja luovuudesta Gallena-Kallela lukea.

Viimeistelemme tämän osan tarinalla suomalaisen kansallisromantiikan edustajan, suomalaisen kultakauden kuuluisan taiteilijan - Pekka Halosen - työstä. Pekka Halonen (Pekka Halonen) (1865-1933) sai mainetta 1890-luvulla todistaen olevansa ylittämätön mestari talvimaisemat... Yksi tämän genren mestariteoksista on maalaus “ Nuoria mäntyjä lumen alla"(1899), pidetään esimerkkinä suomalainen japanilaisuus ja Art Nouveau maalauksessa. Taimia peittävä pehmeä pörröinen lumi, joka leikkii erilaisilla valkoisilla sävyillä, luo rauhallisen ilmapiirin metsä sadusta. Sumuinen ilma on kylläinen kylmästä talvisummasta, ja rehevät lumipeitteet korostavat nuorten mäntyjen herkkää kauneutta. Puut olivat yleensä yksi luovuuden suosikkimotiiveista. Pekki Halonen... Koko elämänsä ajan hän innostuneesti kuvasi puita eri vuodenaikoina, ja hän rakasti erityisen keväällä, mutta silti ennen kaikkea hän kuuluisaksi isäntänä talvimaisemat - harvat maalarit uskalsivat luoda kylmässä. Pekka Halonen ei pelännyt talvea ja työskenteli ulkona millään säällä koko elämänsä ajan. Ulkoilmatyön kannattaja, hän halveksi taiteilijoita, jotka "katsovat maailmaa ikkunan läpi". Halosen teoksissa oksat halkeilevat pakkasesta, puut putoavat lumikippien painon alla, aurinko heikentää sinertäviä varjoja maahan ja metsäasukkaat jättävät jalanjäljet \u200b\u200bpehmeälle valkoiselle matolle.

Talvimaisemista tuli eräänlainen Suomen kansallinen symboli, ja Pekka Halonen maalasi kymmenkunta kangasta teemasta Suomen luonto ja kansanelämä Suomen paviljongille vuoden 1900 maailmanmessuilla Pariisissa. Tämä sykli sisältää esimerkiksi maalauksen “ Jääaukossa"(" Pesu jäällä ") (1900). Halosen kiinnostus "pohjoisen eksoottisuuden" kuvaamiseen herätti, kun hän opiskeli Paul Gauguinin kanssa Pariisissa vuonna 1894.

Tyypillisesti taiteilijoita suomalaisen maalauksen kulta-aika tuli kaupunkien keskiluokasta. Toinen asia on Pekka Halonen, joka tuli valistuneiden talonpoikien ja käsityöläisten perheestä. Hän syntyi Lapinlahdessa (Itä-Suomi) ja kiinnostui melko varhain taiteesta - ja ei vain maalaamisesta, vaan myös musiikista (taiteilijan äiti oli lahjakas kantele esiintyjä; hän myös kasvatti pojalleen kunnioittavan asenteen ja rakkauden luontoon, ja myöhemmin tämä rakkaus muuttui melkein uskontoksi ). Nuori mies alkoi opiskella maalausta vähän myöhemmin kuin ikätovereitaan, mutta neljän vuoden opiskelun jälkeen Suomen Taideyhdistyksen piirustuskoulussa ja sen erinomaisen valmistumisen jälkeen Halonen pystyi saamaan stipendin, joka antoi hänelle mahdollisuuden mennä opiskelemaan tuolloin taiteellisessa Mekassa. Aluksi hän opiskeli Julian Akatemiassa, ja sitten vuonna 1894 aloitti yksityistunteja Paul Gauguin yhdessä ystävänsä Väino Bloomsteadin kanssa. Tänä aikana Halonen tutustui symboliikkaan, syntetismiin ja jopa teosofiaan. Tutustuminen viimeisimpiin taiteellisiin suuntauksiin ei kuitenkaan johtanut häntä luopumaan realistisesta tavasta, eikä hän lainannut Gauguinin kirkkaita paletteja, mutta Gauguinin vaikutelmassa Halonenista tuli syvä japanilaisen taiteen tuntija ja alkoi kerätä kopioita japanilaisista vedoksista.

Esimerkiksi kaareva mänty, japanilaisen taiteen suosittu aihe, esiintyy usein hänen teoksissaan. Lisäksi Halonen kiinnittää monissa maalauksissaan erityistä huomiota yksityiskohtiin, oksien koristekuvioihin tai erityiseen lumiominaisuuteen. Talvimaisemat eivät ole Japanin taiteessa harvinaisia. Haloselle on ominaista myös mieluummin "kakemono" -tyyppisten pystysuorien kapeiden kankaiden, epäsymmetristen koostumusten, lähikuvien ja epätavallisten kulmien suosiminen. Toisin kuin monet muut maisemamaalarit, hän ei maalannut tyypillisiä panoraamanäkymiä ylhäältä; hänen maisemansa maalataan syvälle metsään, lähellä luontoa, jossa puut ympäröivät kirjaimellisesti katsojaa kutsuen hänet heidän hiljaiseen maailmaan. Gauguin inspiroi Halosen löytämistä omaa tyyliään luonnon kuvaamisessa ja rohkaisi häntä etsimään aiheitaan kansallisissa juurissa. Kuten Gauguin, Halonen yritti löytää taiteensa avulla jotain primääristä, ensisijaista, mutta vain jos ranskalainen etsisi ideaaliaan Tyynenmeren saarilta, suomalainen taiteilija yritti elvyttää suomalaisten "kadonneen paratiisin" neitsytmetsissä, Kalevalassa kuvattuissa pyhissä erämaissa. ...

Pekka Halosen työ on aina eronnut rauhan ja harmonian etsinnältä. Taiteilija uskoi, että "taiteen ei pitäisi ärsyttää hermoja kuten hiekkapaperi - sen pitäisi luoda maailman tunne." Jopa kuvaamaan talonpoikaistyötä, Halonen haki rauhallisia, tasapainoisia sävellyksiä. Joten teoksessa " Pioneerit Karjalassa» (« Tienrakennus Karjalassa”) (1900), hän esitteli suomalaiset talonpojat itsenäisinä, älykkäinä työntekijöinä, joiden ei tarvitse tehdä kohtuutonta työtä työn saamiseksi. Lisäksi taiteilija korosti pyrkivänsä luomaan yleisen koristeellisen vaikutelman. Tämä oli hänen vastauksensa aikalaisille, jotka arvostelivat maalauksen epärealistista "rauhallista sunnuntai-ilmapiiriä" ja olivat yllättyneitä työntekijöiden liian siististä vaatteista, pienestä määrästä lastut maassa ja veneen omituisesta ulkonäöstä keskellä metsää. Mutta taiteilijalla oli täysin erilainen ajatus. Pekka Halonen ei halunnut luoda kuvaa kovasta uuvuttavasta työstä, vaan välittää talonpoikaistyön rauhallisesti mitattua rytmiä.

Halosen toimintaan vaikuttivat suuresti myös matkat Italiaan (1896–97 ja 1904), mukaan lukien varhaisen renessanssin mestariteokset, joita hän näki Firenzessä. Myöhemmin Pekka Halonen vaimonsa ja lastensa kanssa (parilla oli yhteensä kahdeksan lasta) muutti Tuusula-järvelle, jonka hiljainen viehättävä ympäristö toimi tyhjentämättömänä inspiraation lähteenä ja hedelmällisestä työstä pois Helsingistä, "kaiken proosaisen ja ruman lähteen". Täällä hiihtäen järvellä taiteilija etsi paikan tulevalle kodilleen ja vuonna 1899 pari osti tontin rannalla, missä muutamaa vuotta myöhemmin Pekka Halosen studiotalo kasvoi - huvila, jonka hän nimitti Halosenniemessä (Halosenniemessä) (1902). Tämän viihtyisän, kansallisromanttisessa hengessä sijaitsevan puisen asunnon on suunnitellut taiteilija itse. Nykyään talossa on Pekka Halosen museo.

Suomalaiset symbolistit

Yksi mielenkiintoisimmista osista Athenaeum-museon kokoelmassa on Hugo Simbergin ja muiden suomalaisten symbolistien jäljittelemätön työ.

Athenaeum-museon erillisessä salissa kuuluisa maalaus “ Haavoittunut enkeli"(1903) suomalainen taiteilija Hugo Simberg... Tämä melankolinen kangas kuvaa omituista kulkua: kaksi synkkää poikaa kuljettaa kantajalla valkoisella verhottua enkeli-tyttöä, jolla on silmä ja haavoitettu siipi. Maalauksen taustalla on varhaisen kevään paljaat maisemat. Enkelin kädessä on joukko lumikukkia, kevään ensimmäisiä kukkia, parantamisen ja uuden elämän symboleja . Prosessia johtaa mustapäällysteinen poika, joka muistuttaa yrittäjää (todennäköisesti kuoleman symboli). Toisen pojan katse kääntyy meihin, tunkeutuen suoraan katsojan sieluun ja muistuttaen, että elämän ja kuoleman temat ovat merkityksellisiä jokaiselle meistä. Kaatunut enkeli, karkottaminen paratiisista, pohdinnat kuolemasta - kaikki nämä aiheet tekivät erityisesti huolta taiteilijoista- symbolistit... Taiteilija itse kieltäytyi tarjoamasta mitään valmiita tulkintoja kuvasta, jättäen katsojan tekemään omat johtopäätöksensä.

Hugo Simberg työskenteli tämän maalauksen parissa pitkään: ensimmäiset luonnokset löytyvät hänen albumeistaan \u200b\u200bvuodesta 1898. Jotkut luonnokset ja valokuvat heijastavat koostumuksen yksittäisiä osia. Joskus enkeli ajaa kottikärryssä, joskus kantajat eivät ole poikia, vaan pieniä paholaisia, kun taas keskimmäinen hahmo on aina enkelin hahmo ja tausta on todellinen maisema. Maalaustyö keskeytyi, kun Simberg sairastui vakavasti: taiteilijaa syksystä 1902 kevääseen 1903 hoidettiin Diakonissalaitoksen sairaalassa Helsingissä ( Helsingin Diakonissalaitos) Kallion alueella. Hänellä oli vakava hermostosairaus, jota pahensi syfilis (josta taiteilija myöhemmin kuoli).

Tiedetään, että Simberg valokuvasi mallejaan (lapsiaan) työpajassa ja Eleintarch-puistossa, joka sijaitsee edellä mainitun sairaalan vieressä. Kuvassa esitetty polku on edelleen olemassa - se kulkee Töölönlahden lahden rannikkoa pitkin. Simbergin aikoina Eleintarh-puisto oli työväenluokan suosittu virkistyskohde. Lisäksi se oli kotona monille hyväntekeväisyysjärjestöille, mukaan lukien sokeille tarkoitettu naisten koulu ja vammaisten suoja. Simberg tarkkaili toistuvasti puiston asukkaita, kun hän käveli siellä keväällä 1903 alkaessaan vakavasta sairaudesta. Ilmeisesti näiden pitkien kävelyretkien aikana kuvan idea muotoutui kokonaan. Maalauksen "Haavoittunut enkeli" (paratiisista karkottamisen, sairaan ihmisen sielun, ihmisen avuttomuuden, murtuneen unen) symbolisten filosofisten tulkintojen lisäksi jotkut näkevät siinä taiteilijan tuskallisen tilan ja jopa erityisten fyysisten oireiden henkilöistymisen (joidenkin raporttien mukaan Simberg kärsi myös aivokalvontulehduksesta).

Simbergin maalaus « Haavoittunut enkeli”Oli suuri menestys heti valmistumisen jälkeen. Esittely tapahtui Suomen Taideyhdistyksen syksynäyttelyssä vuonna 1903. Alun perin kangas esitettiin ilman otsikkoa (tarkemmin sanottuna otsikon sijasta oli viiva), mikä vihjasi minkään tulkinnan mahdottomuuteen. Tästä syvästi yksilöllisestä ja tunteellisesta työstään taiteilija sai valtion palkinnon vuonna 1904. "Haavoittuneen enkelin" toisen version teki Simberg koristaessaan freskoilla Tampereen tuomiokirkon sisätiloja, joissa hän työskenteli Magnus Enckelin kanssa.

Suomessa vuonna 2006 tehdyn tutkimuksen mukaan ” Haavoittunut enkeli"Tunnustettiin Athenaeumin kokoelman suosituimmaksi teokseksi, Suomen rakastetuimmaksi" kansallismaalaukseksi ", maan taiteelliseksi symboliksi.

Hugo Simberg (Hugo simberg) (1873-1917) syntyi Haminan kaupungissa, asui ja opiskeli sitten ja sitten siellä, missä hän osallistui Suomen Taideyhdistyksen kouluun. Hän vietti kesän usein Niemenlauttassa (Säkkijärvi) sijaitsevassa perhekeskuksessa Suomenlahden rannalla. Simberg matkusti paljon Euroopassa, vieraili Lontoossa ja Pariisissa, vieraili Italiassa, Kaukasuksella. Tärkeä vaihe taiteilijakehityksessä kausi siihen ajanjaksoon, jolloin stereotyyppisen akateemisen koulutuksen pettynyt Simberg aloitti yksityistunteja Axeli Gallen-Kallelasta Ruoveden erämaassa, missä Gallen-Kallela rakensi työpajansa. Gallen-Kallela arvosti opiskelijan lahjakkuutta ja ennusti hänelle suurta tulevaisuutta taidemaailmassa vertaamalla Simbergin töitä totuudenmukaisiin ja intohimoisiin saarnoihin, jotka kaikkien tulisi kuulla. Simberg vieraili Ruovedellä kolme kertaa vuosina 1895–1897. Täällä taiteellisen vapauden ilmapiirissä hän löysi nopeasti oman kielensä. Esimerkiksi Ruovesi-vierailunsa ensimmäisen syksyn aikana hän kirjoitti kuuluisan teoksen “ halla"(1895), muistuttaa jonkin verran Munchin" Huutaa ". Tällöin sääilmiö, maanviljelijöiden pelko ympäri maailmaa, sai näkyvän suoritusmuodon, kasvot ja muodon: tämä on kuolemaan johtava hahmo, jolla on suuret korvat, joka istuu nipun päällä ja myrkyttää kaiken ympäröivän tappavalla hengityksellään. Toisin kuin useita vuosia aikaisemmin valmistunut Munchin Scream, Simbergin Frost ei aiheuta täydellistä kauhua ja epätoivoa, vaan omituista uhan- ja säälitystä samanaikaisesti.

Tärkeä hetki Simbergin elämässä oli vuoden 1898 syksynäyttely, jonka jälkeen hänet hyväksyttiin Suomalaisten taiteilijoiden liittoon. Simberg matkusti laajasti ympäri Eurooppaa, opetti, osallistui näyttelyihin. Taiteilijan kykyjen todellinen mittakaava arvioitiin kuitenkin vasta hänen kuolemansa jälkeen. Keskittyminen aavemaiseen ja yliluonnolliseen eivät kaikki tuon ajan kriitikot ja katsojat ymmärtäneet.

Hugo Simberg oli yksi suurimmista suomalaiset symbolistit... Häntä ei houkutellut banaalisissa arjen tilanteissa - päinvastoin, hän kuvasi jotain, joka avasi oven toiseen todellisuuteen, kosketti katsojan mieltä ja sielua. Hän ymmärsi taiteen ”mahdollisuutena siirtää ihminen keskellä talvea kauniille kesäaamulle ja tuntea, kuinka luonto herää ja sinä olet sopusoinnussa sen kanssa. Tätä etsin teoksesta. Sen pitäisi puhua meille jostain ja puhua ääneen, jotta meidät viedään toiseen maailmaan. "

Simberg piti erityisen ihastuttavana kuvitella asioita, jotka näkyvät vain mielikuvituksessa: enkeleitä, paholaisia, peikkoja ja kuolemankuvia. Jopa nämäkin kuvat hän antoi kuitenkin pehmeyden ja inhimillisyyden. Simbergin kuolema on usein hyväntahtoinen ja täynnä myötätuntoa, hän suorittaa tehtävänsä ilman innostusta. Täältä hän tuli kolmella valkoisella kukkalla noutamaan vanhaa naista. Kuolemalla ei kuitenkaan ole kiirettä, hänellä on varaa kuunnella poikaa soittavan viulua. Ainoastaan \u200b\u200bkellon seinällä merkitsee ajan kulumista (“ Kuolema kuuntelee", 1897).

Töissä " Kuoleman puutarha"(1896), joka on luotu ensimmäisen opintomatkan aikana Pariisiin, Simberg, kuten hän itse sanoi, kuvasi paikkaa, johon ihmisen sielu putoaa heti kuoleman jälkeen, ennen kuin menee taivaaseen. Kolme mustissa kaapuissa olevaa luurankoa hoitavat hellästi kasvien sieluja rakkaudella, koska munkit yleensä luostarin puutarhaan. Tämä työ oli taiteilijalle erittäin tärkeä. Melkein kymmenen vuotta myöhemmin Simberg toisti sen suuren freskon muodossa Tampereen katedraalissa. Tämän työn outo viehätys on söpöissä arkipäivän yksityiskohdissa (kastelukannu, koukusta roikkuva pyyhe), rauhallisessa ilmapiirissä ja lempeässä kuolemassa itse kuolemasta, joka ei ole tuhovoima, vaan hoidon ruumiillistuma. On mielenkiintoista, että Hans Christian Andersenin sadussa "Äidin tarina" löydämme myös samanlaisen kuvan: tarinankertoja kuvaa valtavan Kuoleman kasvihuonekaasun - kasvihuoneen, jossa ihmisen sielu "kiinnittyy" jokaiseen kukkaan tai puuhun. Kuolema kutsuu itseään Jumalan puutarhuriksi: "Otan hänen kukat ja puut ja siirrän ne Edenin suureen puutarhaan tuntemattomassa maassa."

Ensimmäinen kuoleman kuva ilmestyi Simbergin teoksessa " Kuolema ja talonpoika"(1895). Lyhyt musta viitta ja lyhyet housut antavat Kuolemalle lempeän ja laskevan ilmeen. Tämän työn suoritti Simberg Ruovedellä opiskellessaan Axeli Gallen-Kallelan kanssa. Sinä keväänä opettajan nuorin tytär kuoli keväällä kurkkumätäkokeeseen, ja Kuolemaa ja talonpoikaa voidaan pitää sympatian ilmauksena miehelle, joka on menettänyt lapsen.

Paholaisten tapaan Hugo Simbergin enkelit ovat humanisoituja ja siksi haavoittuvia. He yrittävät ohjata ihmisiä hyvän tiellä, mutta todellisuus ei ole kaukana ihanteellisesta. Job " Nukkua"(1900) herättää kysymyksiä katsojalle. Miksi nainen itkee, kun enkeli tanssii miehensä kanssa? Ehkä aviomies jättää vaimonsa toiseen maailmaan? Toinen tämän teoksen otsikko oli "parannus", joten sitä voidaan tulkita eri tavoin.

Enkelien kuvat ilmestyivät ensimmäisen kerran Simbergin teoksessa syksyllä 1895 (teos “ Hurskaus"). Tässä ilkikurisessa työssä rukoileva enkeli-tyttö ei huomaa, että naapurimaiden enkelin mielessä on jotain täysin erilaista. Tosiaankin, tämän toisen enkelin siivet ovat kaukana niin valkoisista. Aistillisuuden ja henkisyyden välinen kamppailu on ilmeinen.

Niemenlautta-alueen rantakatu, jossa Simberg melkein aina vietti kesän perhetilalla, oli suosittu tapaamispaikka nuorille kesäiltoina. Harmonikan äänet houkuttelivat nuoria miehiä ja naisia \u200b\u200btänne tanssimaan veneellä jopa kaukaa. Simberg teki toistuvasti luonnoksia tanssijoista. Mutta työssä ” Tanssi rannalla"(1899) tytöt eivät tanssi kaverien kanssa, vaan Kuoleman hahmojen kanssa, jotka tapasivat niin usein Simbergissa. Ehkä tällä kertaa Kuolema ei tullut kauhistuttavasta sadosta, vaan haluaa vain osallistua yleiseen hauskanpitoon? Vain haitar ei soita jostain syystä.

Kuten näet Hugo Simberg - äärimmäisen omaperäinen taiteilija, jonka teoksessa ei ole minkäänlaista ironiaa, mutta joka samalla on täynnä mystiikkaa ja keskittyy taiteelle ominaisiin hyvän ja pahan, elämän ja kuoleman aiheisiin symbolistit... Simbergin teoksissa syvät filosofiset kysymykset liittyvät toisiinsa lempeällä huumorilla ja syvällä empatialla. "Huono paholainen", "nöyrä kuolema", leipomokuningas - kaikki nämä hahmot tulivat hänen työhönsä unista ja satuista. Ei kullattuja kehyksiä ja kiiltäviä kankaita: “Vain rakkaus tekee taideteoksista todellisia. Jos synnytyskiput tulevat ilman rakkautta, lapsi syntyy onnettomana. "

Hugo Simbergin teosten lisäksi Athenaeum-museossa esitellään teoksia suomalainen symbolistitaiteilija Magnus Enckel (Magnus enckell) (1870–1925) sekä Simberg, joka työskenteli freskoilla Tampereen katedraalille (1907). Enckel syntyi pappien perheeseen Haminan kaupungissa, opiskeli maalausta ja siirtyi vuonna 1891 Pariisiin, missä hän jatkoi koulutustaan \u200b\u200bAcadémie Julianissa. Siellä hän kiinnostui rosicrucian J. Peladanin symboliikasta ja mystisistä ideoista. Magnus Enckel otti jälkimmäisestä käyttöön androgyynisen kauneusideaalin, jota hän alkoi käyttää teoksissaan. Enkeliä kiehtoi ajatus kadonneesta paratiisista, ihmisen kadonneesta puhtaudesta, ja vielä hyvin nuoret pojat androgeenisella kauneudellaan edustavat taiteilijalle ihmisen puhtainta muotoa. Ei pidä myöskään unohtaa, että Enckel oli homoseksuaali ja maalasi usein alasti poikia ja miehiä, jotka olivat avoimesti eroottisia, aistillisia. Vuosina 1894-95. taiteilija matkusti Italiaan ja XX vuosisadan alussa klassisesta italialaisesta taiteestaan \u200b\u200bsamoin kuin postimpressionismiin, hänen palettinsa muuttui paljon värikkäämmäksi ja vaaleammaksi. Vuonna 1909 hän perusti ryhmän yhdessä koloristien Werner Tomen ja Alfred Finchin kanssa Septem.

Magnus Enckelin varhaista työtä puolestaan \u200b\u200bleimaa heikko alue, väriskeettisyys. Tuolloin taiteilijan paletti rajoittui harmaan, mustan ja okran sävyihin. Esimerkki on kuva “ Herääminen"(1894), kirjoittanut Enckel taiteilija V: n toisen vierailun aikana. Kankaalle on ominaista väri minimalismi, yksinkertaistettu koostumus ja korostettu piirustusviiva - kaikkea tätä käytetään korostamaan kuvan merkitystä. Siirtymäkauden ikäinen nuori mies heräsi ja istui alasti sängyllä, päänsä kumartui vakavalla ilmeellä kasvonsa ajatellessaan kadottua. Hänen ruumiinsa kiertynyt sijainti ei ole vain tavanomainen ele nousta sängystä; tämä symboliikkataiteilijoiden joukossa usein esiintyvä aihe on monimutkaisempi. Puberteetti ja seksuaalinen herääminen / viattomuuden menetys - nämä aiheet houkuttelivat monia Enckelin aikakavereita (vrt. Esimerkiksi Munchin häiritsevä maalaus "Kypsyminen" (1894/95)). Mustavalkoinen paletti korostaa melankolista tunnelmaa tapaamisesta sorron kanssa.

toinen suomalainen symbolistitaiteilija, vaikkakaan ei tunnetuin, on Väinö Bloomstedt (Blomstedt) (Väinö Blomstedt) (1871 - 1947). Bloomstedt oli taiteilija ja tekstiilisuunnittelija, ja erityisesti japanilainen taide vaikutti siihen. Hän opiskeli ensin Suomessa ja sitten yhdessä Pekka Halosen kanssa. Kuten jo tiedämme, saapuessaan Pariisiin nämä suomalaiset taiteilijat tapasivat Gauguinin, joka oli palannut äskettäin Tahitilta, ja alkoi ottaa oppia häneltä. Impulsiivinen Bloomstedt joutui heti Gauguinin ja hänen väriä hengittävien maalauksiensa vaikutelmaan. Kadonneen paratiisin etsiminen Gauguinin teoksesta oli hyvin lähellä Bloomstedtia. Vain jos Gauguin etsi tätä paratiisia eksoottisissa maissa, Väinö Bloomstedt pyrki, kuten monet tuon ajan suomalaiset taiteilijat, etsimään kotimaansa, Kalevalan neitsytmaan, alkuperää. Bloomstedtin maalauksien sankarit ovat usein kuvitteellisia tai mytologisia hahmoja.

Tavattuaan Gauguinin, Bloomstedt hylkäsi 18990-luvun puolivälissä realistisen maalauksen ja kääntyi symboliikka ja kirkas monivärinen synteettinen paletti. Symbolian ideologian mukaan visuaaliseen havainnointiin perustuva realistinen taide on liian rajallista eikä salli tarttua ihmisen tärkeimpiin asioihin, hänen emotionaaliseen ja henkiseen olemukseensa, itse elämän salaisuuteen. Arjen todellisuuden takana on toinen maailma, ja symbolistien tavoitteena on ilmaista tämä maailma taiteen kautta. Sen sijaan, että yrittäisi luoda kolmiulotteista todellisuuden harhaa, symbolistiset taiteilijat turvautuivat tyylitykseen, yksinkertaistamiseen, koristeellisuuteen ja yrittivät löytää jotain puhdasta ja runollista. Tästä syystä heidän mielenkiintonsa varhaisesta italialaisesta renessanssista, tempera- ja freskotekniikoiden käytöstä. Yksi silmiinpistävistä esimerkeistä symbolismi suomalaisten taiteilijoiden teoksissa on kuva Väinö Bloomstedt « Francesca"(1897), syöttäen katsojan unen ja unohduksen maailmaan, staattiseen ja täynnä maagista ilmapiiriä, jossa on unikon päihteet.

Tämän kuvan inspiraatio oli Danten jumalallinen komedia, jossa runoilija tapaa Francesca da Riminin helvetissä, ja hän kertoo tarinan traagisesta rakkaudestaan \u200b\u200bPaoloon. Madonnaa muistuttava tytön kuva, "renessanssimaisema", jossa on tummat sypressit ja maalauksen läpikuultava väripinta (kangas loistaa selvästi maalien läpi) viittaa vanhoihin freskoihin italialaisissa kirkoissa. Erityisen toteutustekniikan ansiosta kuva muistuttaa osittain kulutettua kuvakudosta. Maalauksen on maalannut Bloomstedt matkan aikana Italiaan. Se näkee myös esirafaeliittien taiteen vaikutuksen.

Naiset taiteessa: suomalaiset taiteilijat

Athenaeum-museo on huomattava myös siitä, että merkittävä osa hänen kokoelmastaan \u200b\u200bkoostuu teoksista naistaiteilijat, mukaan lukien maailmankuulut, kuten suomalainen taiteilija Helena Schjerfbeck... Vuonna 2012 Athenaeum-museossa järjestettiin laaja näyttely Helena Schjerfbeckin teoksista, joiden oli tarkoitus olla samanaikaisesti hänen syntymänsä 150. vuosipäivän kanssa. Athenaeum-museossa on maailman suurin ja täydellisin kokoelma Helena Schjerfbeckin teoksia (212 maalausta, piirroksia, luonnoskirjat).

Helena Schjerfbeck (Helena schjerfbeck) (1862-1946) syntyi Helsingissä, aloitti varhain maalauksen opiskelua ja saavutti jo nuoruudessaan huomattavan taiton. Helenan elämää leimasi vaikea lonkkavamma pudottuaan rappuset alas lapsena. Tämän vuoksi tyttö sai kotiopetuksen - hän ei käynyt tavallisessa koulussa, mutta hänellä oli paljon aikaa piirtää, ja hänet hyväksyttiin taidekouluun epätavallisen varhaisessa iässä. (Valitettavasti lonkkavamma oli surullinen hänen koko elämänsä ajan.) Opiskeltuaan Suomessa, mukaan lukien Adolf von Beckerin yksityisessä akatemiassa, Schjerfbeck sai stipendin ja lähti, missä hän opiskeli Colarossi-akatemiassa. Vuosina 1881 ja 1883-84. hän työskenteli myös taiteilija siirtomaissa Bretagnessa (maalaus " Poika ruokki pikku sisarta”(1881), joka on kirjoitettu tällä Ranskan alueella, pidetään nyt jopa suomalaisen modernismin alussa). Bretagnessa hän tapasi tuntemattoman englantilaisen taiteilijan ja meni naimisiin hänen kanssaan, mutta vuonna 1885 sulhanen katkoi kihlauksen (hänen perheensä uskoi Helenan lonkkaongelmien liittyvän tuberkuloosiin, josta hänen isänsä kuoli). Helena Schjerfbeck ei koskaan mennyt naimisiin.

1890-luvulla Schjerfbeck opetti taideyhdistyksen koulussa, josta hän itse valmistui. Vuonna 1902 hän lopetti terveysongelmien vuoksi opetuksen ja muutti äitinsä kanssa syrjäiseen Hyvinkään maakuntaan. Tarvitessaan hiljaisuutta, taiteilija johti virkistävää elämää, mutta jatkoi osallistumistaan \u200b\u200bnäyttelyihin. Schjerfbeckin "löytö" yleisölle tapahtui vuonna 1917: taiteilijan ensimmäinen yksityisnäyttely pidettiin Helsingin ust Stenman -taiteen salonissa, mikä oli suuri menestys katsojien ja kriitikkojen kanssa ja häiritsi hänen eristäytynyttä olemassaoloaan. Seuraava suuri näyttely pidettiin Tukholmassa vuonna 1937 arvioiden keräämiseksi, jota seurasi sarja samanlaisia \u200b\u200bnäyttelyitä koko Ruotsissa. Äitinsä kuollessa vuonna 1935 Helena muutti asumaan Tammisaareen ja vietti viimeiset vuodet Ruotsissa, Saltsjobadenin sanatilassa. Suomessa asenne Schjerfbeckin teoksiin oli pitkään kiistanalainen (hänen lahjakkuutensa tunnustettiin vasta 1900-luvun jälkipuoliskolla), kun taas Ruotsissa hänen taiteensa hyväksyttiin melko varhain innolla. Mutta todella laaja kansainvälinen tunnustus tuli Schjerfbeckille vuonna 2007, kun hänen työstään pidettiin laaja-alaisia \u200b\u200bnäyttelyitä Pariisissa, Hampurissa ja Haagissa.

Kaikista Helena Schjerfbeckin maalauksista maailman kuuluisimpia ovat lukuisat itsekriittiset omakuvia, joiden avulla voidaan jäljittää sekä hänen tyylinsä kehitys että muutokset itse taiteilijassa, joka kiinnitti häntä armottomasti ikääntyvään kasvonsa. Yhteensä Schjerfbeck kirjoitti noin 40 omakuvaa, ensimmäinen 16-vuotiaana ja viimeinen 83-vuotiaana. Heistä kuusi on Athenaeumin kokoelmassa.

Mutta luultavasti tunnetuin maalaus Helena Schjerfbeck on kangas " Toipuu " (1888), jota kutsutaan usein helmeksi athenaeum-museo... Yleisön arvostama, tämä 26-vuotiaan taiteilijan maalaus sai pronssimitalin Pariisissa pidetyssä maailmannäyttelyssä vuonna 1889 (missä tämä kangas oli näytteillä nimellä "Ensimmäiset vihreät" ( Première verdure) - tätä Schjerfbeck itse alunperin kutsui kuvaksi). Sairaiden lasten teema oli yleinen 1800-luvun taiteessa, mutta Schjerfbeck ei kuvaa vain sairasta, vaan toipuvia lapsia. Hän maalasi tämän kuvan viehättävässä rannikkokaupungissa St Ivesissä, Cornwallissa, Lounais-Englannissa, missä taiteilija meni itävaltalaisen ystävänsä neuvoille vuosina 1887–1888 ja sitten vuosille 1889–1890.

Tätä työtä kutsutaan usein viimeiseksi esimerkiksi naturalistisesta valomaalauksesta Schjerfbeckin teoksessa (hän \u200b\u200bsiirtyi myöhemmin tyyliteltyyn modernismiin ja melkein abstraktiin ekspressionismiin askeettisen paletin avulla). Täällä taiteilija työskentelee mestarillisesti valolla, vetämällä katsojan katseen toipuvan tytön kasvoihin, joilla on karvaiset hiukset ja kuumeisesti ruusuiset posket. Hänellä on kädessään hauras kukkiva oksa - kevään ja uuden elämän symboli. Lapsen huulilla leikkii hymy, mikä ilmaisee toipumisen toivoa. Tämä jännittävä kuva vangitsee katsojan, saa hänet tuntemaan empatiaa. Tietyssä mielessä kuvaa voidaan kutsua taiteilijan omakuvaksi, joka silloin yritti vain toipua kihlojensa tauosta. On myös mahdollista, että tässä kuvassa Schjerfbeck kuvasi itseään lapsena, kertoen meille kuinka hän tunsi itsensä, usein sängyssä ja iloitsemalla kevään ensimmäisistä merkkeistä.

Huomaa, että Helena Schjerfbeckin kuuluisimmat teokset ovat tällä hetkellä "kiertueella" Ruotsissa. Yksi näyttely järjestetään Tukholmassa ja se kestää helmikuun 2013 loppuun, toinen Göteborgissa (elokuuhun 2013).

Yksi vielä suomalainen taiteilija, jonka työhön voit tutustua Athenaeum-museossa, on Ongelma Shernschanz (Sternschantz)(Beda stjernschantz) (1867 - 1910). Muuten, museossa on tarkoitus vuonna 2014 suunnitella taiteilijan teosten laaja näyttely. Bede Shernschanz oli tärkeä sukupolven jäsen suomalaiset symbolistitaiteilijat vuosisadan vaihteessa. Hän syntyi aristokraattiseen perheeseen Porvoon kaupungissa. Vuonna 1886 hänen isänsä kuoli, ja perheellä oli taloudellisia vaikeuksia. Toisin kuin muut naistaiteilijat, Schernschanzin piti työskennellä saadakseen toimeentulonsa. Vuonna 1891, samanaikaisesti toisen kuuluisan suomalaisen taiteilijan Ellen Tesleffin kanssa, hän saapui Pariisiin, ja tytöt ilmoittautuivat yhdessä Colarossi-akatemiaan. Beden mentori oli Magnus Enkell, jonka alaisuudessa hän otti vastaan \u200b\u200bsymbolismin ideat. Tämän liikkeen edustajat olivat vakuuttuneita siitä, että taiteen ei pitäisi orjuuttaa kopioimaan luontoa, vaan sen tulisi olla puhdistettu kauneuden, hienovaraisten tunteiden ja kokemusten ilmaisemisen vuoksi. Rahan puutteen vuoksi Schernschanz asui Pariisissa vain yhden vuoden. Palattuaan Suomeen hän ei löytänyt paikkaa itselleen ja meni vuonna 1895 Viron saarelle Vormsille, missä oli vanha ruotsalainen asutus, joka säilytti sen kielen, tavat ja vaatteet. Siellä taiteilija maalasi kuvan ” Ääni soittaa meille kaikkialla"(1895). Maalauksen nimi on lainaus tuolloin kuuluisista Suomen kappaleista ( Suomen laulu), sanat, joihin runoilija Emil Quanten kirjoitti. Kuten näette, paitsi Karjala oli paikka, jossa suomalaiset taiteilijat menivät etsimään koskematonta luontoa ja ihmisiä.

Tässä runollisessa kankaassa taiteilija kuvaa ryhmää ruotsalaisia \u200b\u200blapsia, jotka onnistuivat säilyttämään kansalliset perinteensä ja kielensä vieraassa ympäristössä. Tämän vuoksi jotkut kriitikot näkivät kuvassa isänmaallisen merkityksen, varsinkin kun yhden tyttöjen soittamalla kantele-instrumentilla on tärkeä paikka sävellyksessä. Toinen tyttö laulaa, ja nämä äänet täyttävät askeettisen maiseman tuulimyllyillä. Täysin staattisten, jäätyneiden asentojen ja ympäröivän maiseman tyhjyyden takia katsoja myös alkaa kuunnella kankaalla soivaa musiikkia. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä jopa tuuli on rauhoittunut, lehdet tai tuulimyllyt eivät liiku, ikään kuin olemme lumottuessa valtakunnassa, paikassa, joka on pudonnut ajan myötä. Jos jatkamme kuvan symbolistisesta tulkinnasta, niin hurskas ja keskittynyt lasten kasvot tämän mystisen maiseman taustalla ovat tapa välittää viattomuuden tila. Lisäksi, kuten monissa muissakin Symbolistien teoksissa, erityinen rooli annetaan musiikille, taiteiden eteerisimmälle ja jaloimmalle.

Vuosina 1897-98. Saatuaan Suomen hallitukselta apua Bede Shernschanz matkusti ympäri Italiaa, mutta hänen luova toimintaan tämän ajanjakson jälkeen hävisi. Vaikka taiteilijan perintö on vähäistä, se on herättänyt tutkijoiden mielenkiintoa, ja tulevaisuudessa odotetaan useita konferensseja ja julkaisuja saadakseen lisätietoja hänen teoksensa merkityksestä vuosisadan vaihteen kansainvälisessä ympäristössä.

Toinen mielenkiintoinen suomalainen taiteilija samana ajanjaksona on Elin Danielson-Gambodia (Elin Danielson-Gambogi) (1861-1919). Elin Danielson-Gambodia kuului ensimmäiseen suomen sukupolveen naistaiteilijatjotka ovat saaneet ammatillisen koulutuksen. Hän työskenteli pääosin realistisen muotokuvan tyylilajeissa, ja sekä elämä että työ erottivat kollegoistaan \u200b\u200bvapautumisen ja boheemisen elämäntavan mukaan. Hän kritisoi naisten asemaa yhteiskunnassa, käytti housuja ja tupakoi, johti antikonformistista elämää ja oli vuorovaikutuksessa monien taiteilijoiden kanssa, mukaan lukien norjalainen kuvanveistäjä Gustav Vigeland (vuonna 1895 heillä oli suhde). Monet kriitikot pitivät hänen maalauksiaan naisten arjesta jokapäiväisissä tilanteissa mautonta ja säädyttävää.

« OmakuvaElin Danielson-Gambodia (1900) maalattiin aikaan, jolloin taiteilija alkoi saada tunnustusta Euroopassa. Taiteilija on kuvattu hänen studiossaan, jossa harja ja paletti ovat kädessä, ja valo virtaa ikkunan edessä olevan verhon läpi muodostaen halo pään ympärille. Kankaan suuri muoto, taiteilijan poseeraus ja katse - kaikki tämä ilmaisee itsenäistä ja itsevarmaa luonnetta. Tästä maalauksesta Danielson-Gambodia sai hopeamitalin Firenzessä vuonna 1900.

Elin Danielson-Gambodia syntyi kylässä lähellä Porin kaupunkia. Heidän perhetila meni konkurssiin vuonna 1871, ja hänen isänsä teki itsemurhan vuotta myöhemmin. Siitä huolimatta äiti onnistui löytämään varoja niin, että 15-vuotiaana Elin muutti maahan ja opiskeli maalausta. Tyttö kasvoi vapaassa ilmapiirissä, tiukkojen sosiaalisten tabujen ulkopuolella. Vuonna 1883 Danielson-Gambodia lähti, missä hän jatkoi koulutustaan \u200b\u200bColarossi-akatemiassa, ja kesällä hän opiskeli maalausta Bretagnessa. Sitten taiteilija palasi Suomeen, missä hän keskusteli muiden maalareiden kanssa ja opetti taidekouluissa. Vuonna 1895 hän sai stipendin ja meni Firenzeen. Vuotta myöhemmin hän muutti Antignanon kylään ja meni naimisiin italialaisen taiteilijan Rafaellon kanssa Gambodiasta. Pari on osallistunut lukuisiin näyttelyihin kaikkialla Euroopassa; heidän töitään esiteltiin vuoden 1900 maailmanmessuilla Pariisissa ja vuoden 1899 Venetsian biennaalilla. Mutta 1900-luvun alussa alkoivat aviomiehen perheongelmat ja taloudelliset vaikeudet, pettäminen ja sairaus. Elin Danielson-Gambodia kuoli keuhkokuumeeseen ja hänet haudattiin Livornoon.

Lopuksi keskuudessa suomalaiset naistaiteilijat on mahdotonta olla nimeämättä Ellen Tesleff (Ellen Thesleff) (1869 - 1954). Harvalla suomalaisella kirjailijalla on ollut tällainen varhainen tunnustus. Nuori Tesleff osallistui jo vuonna 1891 Suomen Taideyhdistyksen näyttelyyn upealla teoksellaan " Kaiku» ( Kaiku) (1891), saanut paljon kiitosta kriitikkoilta. Tuolloin hän oli juuri valmistunut Gunnar Berndtsonin yksityisestä akatemiasta ( GunnarBerndtson) ja oli menossa ensimmäiselle matkalle, jossa tyttö tuli Colarossi-akatemiaan ystävänsä Beda Shernschanzin kanssa. Pariisissa hän tutustui symboliikkaan, mutta alusta alkaen hän valitsi taiteen oman, itsenäisen polun. Tänä aikana hän alkoi luoda askeettisissa väreissä olevia maalauksia.

Tärkein inspiraation lähde Ellena Tesleffille oli italialainen taide. Hän meni jo vuonna 1894 varhaisen renessanssin syntymäpaikkaan Firenzeen. Täällä taiteilija näki monia upeita uskonnollisen maalauksen teoksia, mukaan lukien Botticellin teokset, joiden töitä hän ihaili vielä ollessaan Louvressa. Tesleff kopioi myös luostareisia freskoja. Henkisen italialaisen maalauksen vaikutus lisäsi hänen halua runollista, ylevää taidetta, ja myöhempinä vuosina hänen väritekniikkansa värjäytyi maksimoituna. Hänen töidensä tyypillisiä aiheita ovat tiukat, tummat maisemat ja ihmishahmot, aavemainen ja melankolinen.

Esimerkki tämän ajanjakson töistä on vaatimaton koko “ Omakuva”(1894-95) Ellen Tesleff, piirretty yksinkertaisella lyijykynällä. Tämä Firenzessä luotu omakuva on kahden vuoden valmistelutyön tulos. Pimeydestä nouseva sielukas kasvot kertovat meille paljon taiteilijasta ja hänen ihanteistaan \u200b\u200btuolloin. Symbolifilosofian mukaisesti hän kysyi olemisen peruskysymyksiä ja tutki ihmisen tunteita. Tässä omakuvassa voit nähdä Leonardo da Vinci -taiteen modernin ruumiillistumisen hänen kysymyksillään ja elämän mysteereillä. Samaan aikaan kuva on hyvin henkilökohtainen: se kuvastaa Tesleffin surua rakastetun isänsä kuolemasta, joka tapahtui kaksi vuotta aiemmin.

Tesleff kasvoi musikaalisessa perheessä ja oli lapsuudestaan \u200b\u200brakastunut laulamaan ja soittamaan sisartensa kanssa. Yksi hänen työnsä yleisimmistä motiiveista oli kaiku tai huutaus - musiikin primitiivisin muoto. Hän kuvasi myös usein viulunsoittoa - yhtä ylellisimmistä ja monimutkaisimmista soittimista. Esimerkiksi malli maalaukselle “ Viulunsoittaminen"(" Viulisti ") (1896), esittäjän taiteilijan sisar Tira Elizabeth, joka poseeraa hänelle usein 1890-luvulla.

Koostumus ylläpidetään lämpimin läpikuultavilla, helmi-opaaleilla. Viulisti kääntyi pois katsojasta keskittyen peliin. Musiikin teema, jota pidettiin hengellisimmänä, jumalallisempana taiteena, oli yksi yleisimmistä symbolismissa, mutta taiteilijat kuvaavat harvoin naismuusikoita.

Kuten hänen ystävänsä Magnus Enckel, Ellen Tesleff piti työnsä varhaisessa vaiheessa väriaskeettisuutta. Mutta sitten hänen tyylinsä muuttui. Kandinskyn ja hänen Münchenin ympyränsä vaikutuksesta taiteilijasta tuli ensimmäinen fauvisti Suomessa, ja vuonna 1912 hänet kutsuttiin osallistumaan suomalaisen yhdistyksen näyttelyyn. Septem, joka puolusti kirkkaita puhtaita värejä.

Hänen osallistumisensa ei kuitenkaan ylittänyt näyttelyä: Tesleff ei liittynyt mihinkään ryhmään pitäen yksinäisyyttä vahvan persoonallisuuden normaalina. Muutettuaan vanhasta harmaanruskeasta alueesta, kypsemmässä iässä Tesleff alkoi luoda värikkäitä ja monikerroksisia värifantasioita. Hän vieraili toistuvasti Toscanassa siskonsa ja äitinsä kanssa, missä hän maalasi aurinkoisia italialaisia \u200b\u200bmaisemia.

Tesleff ei koskaan mennyt naimisiin, mutta hän tapahtui luovana ihmisenä. Taiteilija eli pitkän elämänsä ja sai tunnustusta.

Ulkomainen taide Athenaeumissa

Athenaeum-museon ulkomaisen taiteen kokoelmassa on yli 650 maalausta, veistoksia ja piirroksia, jotka ovat luoneet kuuluisat mestarit kuten Cezanne, Vag Gogh, Chagall, Modigliani, Munch, Repin, Rodin, Zorn.

Ulkomaisesta kokoelmasta athenaeum-museo kohokohta maalaus Van Gogh "Street Auvers-sur-Oise" (1890). Vincent van Gogh maalasi tämän kuvan vähän ennen kuolemaansa pienessä Auvers-sur-Oisen kaupungissa ( Auvers-sur-Oise), joka sijaitsee Seinen sivujoen laaksossa, noin 30 km luoteeseen. Mielenterveyden sairauksista kärsivä Van Gogh meni Auvers-sur-Oiseen veljensä Theon neuvoksi tohtori Paul Gachetille hoitoon. Tämän lääkärin klinikka sijaitsi Auvers-sur-Oise - mies, joka ei ole välinpitämätöntä taiteen suhteen, joka on tuttu monille ranskalaisille taiteilijoille ja josta tuli myös Van Goghin ystävä.

Auvers-sur-Oisen kaupungista tuli lopulta taiteilijan kuolemapaikka, joka tunsi olevansa taakka veljelleen ja hänen perheelleen. Van Gogh ampui itsensä ja kuoli sitten verenhukkaan. Taiteilija asui elämänsä viimeiset 70 päivää Auvers-sur-Oisessa ja valmisti tällä lyhyellä ajanjaksolla 74 maalausta, joista yksi on nyt Helsingin päätaiteen museossa. Ehkä maalaus jäi keskeneräiseksi (joissain paikoissa pohjamaali on näkyvissä). Taivaan kirkkautta tasoittavat maan rauhallisemmat vihreät sävyt ja kaakeloitujen kattojen punaiset sävyt. Vaikuttaa siltä, \u200b\u200bettä koko kohtaus on henkisessä liikkeessä, levottoman energian lävitse.

On erittäin mielenkiintoinen tarina siitä, kuinka maalaus "Street in Auvers-sur-Oise" pääsi athenaeum-museo... Jonkin aikaa Van Goghin kuoleman jälkeen, se kuului taiteilijan veljelle Theolle ja sitten hänen leskelle, jolta Julien Leclerc osti kankaan ( Julien Leclercq) on ranskalainen runoilija ja taidekriitikko. Tiedetään, että Leclerc hankki vuonna 1900 Theon leskestä ainakin 11 Van Goghin teosta. Vuotta myöhemmin hän järjesti Van Goghin ensimmäisen retrospektiivisen näyttelyn, mutta kuoli pian odottamatta. Leclercin vaimo oli pianisti Fanny Flodine ( häpyFlodin), suomalaisen taiteilijan ja kuvanveistäjän Hilda Flodinin ( Hilda). Vuonna 1903 Fanny myi Van Goghin maalauksen mainitun keräilijän Fridtjof Antellin edustajille 2 500 markalla (noin 9 500 euroa nykyaikaisella rahalla). Tästä kankaasta on tullut vanhan kirkon Vag Gogin ensimmäinen maalaus

Suomalainen taiteilija Berndt Lindholm (1841-1914).

Berndt Adolf Lindholm Berndt Adolf Lindholm (Loviisa 20. elokuuta 1841 - 15. toukokuuta 1914 Göteborgissa, Ruotsissa) oli suomalainen maalari, pidetään myös yhtenä ensimmäisistä suomalaisista impressionisteista. Lindholmoli myös ensimmäinen skandinaavinen taiteilija, joka opiskeli Pariisissa. Phän sai ensimmäiset piirustustunnit Porvoossa taiteilijalta Johan Knutsonilta, minkä jälkeen hän siirtyi Turun Taideyhdistyksen Suomen piirustuskouluun. Vuosina 1856-1861. hän on Ekmanin opiskelija.1863-1865 Lindholm jatkoi opintojaan ulkomailla Düsseldorfin taiteen akatemiassa.Hän lähti Saksasta ja yhdessä ( Hjalmar Munsterhelm) Magnus Hjalmar Munsterhjelm (1840-1905) (Tulos 19. lokakuuta 1840 - 2. huhtikuuta 1905)palasi kotimaahansa Karlsruhelle (1865-1866), missä hän aloitti yksityistuntejaHans Fredrik Gude (1825-1903), ja sitten hän vieraili kahdesti Pariisissa vuosina 1873-1874, missä Leon Bonna oli hänen opettajansa. Ranskassaläheisessä yhteydessä Barbizon-miehen, Charles-Francois Daubigny kanssa.Hän arvosti myös Théodore Rousseaun työtä ja ihaili Jean-Baptiste Camille Corotin työtä.Ensimmäinen yksityisnäyttely pidettiin Helsingissä syksyllä 1870, missä Lindholmia kiitettiin. Taideakatemia myönsi vuonna 1873 akateemikon tittelin maalauksesta "Metsä Savolasin maakunnassa" jne., vuonna 1876 hänelle myönnettiin Philadelphian maailmanmessun mitali; vuonna 1877 hän sai Suomen valtion palkinnon.asui lähinnä ulkomailla. Vuonna 1876 hän muutti Göteborgiin ja työskenteli museon kuraattorina (1878–1900). Hän opetti myös Göteborgin piirustus- ja maalauskoulussa, sitten valittiin Kuvataideakatemian presidentiksi ja Ruotsin kuninkaallisen akatemian jäseneksi.Onko hän oli monipuolisempi kuin hänen taiteilijaystävänsä ja kilpailijansa Magnus Hjalmar Munsterhelmjoka pysyi uskollisena romanttiseen maisemaan koko elämänsä ajan.Alun perin Lindholm maalasi myös tyypillisiä romanttisia maisemia, ja sitten hän siirtyi vähitellen lähelle realismia ranskalaisen pleenomaalauksen vaikutelmassa. Uransa loppupuolella hän siirtyi vain rannikko- ja merimaisemaan, ja tiedetään myös Lindholm osallistui Zacharias Topelius - (Zacharias Topelius, 1818-1898) - yhden kirjan suomalaisen kirjallisuuden edustajien kuvaan. Runoilija, kirjailija, tarinankertoja, historioitsija ja publicisti - hän on ansainnut rakkauden ja tunnustuksen sekä kotona että kaukana sen rajojen. Topelius kirjoitti ruotsiksi, vaikka hän sujuvasti suomea. Topeliuksen teokset on käännetty yli kaksikymmentä kieltä. Hänellä oli epätavallisen monipuolinen kyky ja hämmästyttävä työkyky, hänen koko teoksensa kokoelma on kolmekymmentä neljä osaa. (Z. Topelius. Matka Suomessa. Painos: F. Tilgman, 1875. Kääntänyt ruotsista F. Heuren. Sisältää monia kaiverruksia A. von Beckerin, A. Edelfeltin, R. V. Eckmannin, V. Holmbergin alkuperäismaalauksista, K. E. Janson, O. Kleine, I. Knutson, B. Lindholm, G. Munstergelm ja B. Reingold). Imatran vesiputoukselle on omistettu Lindholmin piirroksia, joiden lukumäärä on 10. Suomessa taiteilijan teoksia hänen Ranskassa oleskelunsa aikana ei arvostettu täysin, melkein kaikki niistä ovat yksityiskokoelmissa.

Kallioranta . Edelleen... ">

Kivet, joita aurinko valaisee.

Mäntymetsän reuna.

Metsämaisema, jolla on puutavara.

Joki virtaa läpi kivinen alue

Korjaa kaura.

Rannikko

Talvimaisema kuutamossa

Näkymä rannalta.

Veneitä laiturilla

Hameet.

Maisema koivut

Merimaisema.

Merimaisema.

Näkymä kiville.

Kaipuu

Auringonvalo metsä.

Näkymä Laatokasta.

Kalastajat aamulla sumua

Alukset horisontissa.

Montmart, Pariisi.

Porvoon saarelta

Lehmät laitumella