Jean-Christophe Maillot: ”Pahinta miehen suhteessa naiseen on ikävystyminen. “Olen kiinnostunut katsojasta, joka ymmärtää vähän tanssielokuvista Jean-Christophe Maillot

Nimi: Unelma (Juhannusyön unelma, unelma) (Jean Christophe Maillot)
Alkuperäinen nimi: Le Songe (Jean Christophe Maillot)
Julkaisuvuosi: 2009
Lajityyppi: Baletti, moderni, komedia
Julkaistu: Monaco, Ranska, Japani, Les Ballets de Monte-Carlo, Europe Images / M, NHK
Ohjaaja: Jean Christophe Maillot
Taiteilijat: Bernice Coppieters (Titania), Jeroen Verbruggen (Pak), Jerome Marchand (Oberon), Gaetan Marlotti (Weaver), Chris Roeland (Tinsmith)

Info: Monacon ruhtinaskunta, 20-vuotisjuhla balettien luomisesta, Jean-Christophe Mayon esittämä ja todella ranskalainen henki: hemmottelu, aistillisuus, eroottisuus - kaikki sielun iloksi !! (kommentti seurannan kinozal.tv - "aneta21" käyttäjän baletille)

Baletin "Juhannusyön uni, Juhannusyön unelma" ensi-ilta tapahtui Monte Carlossa (Grimaldi Forum) 27. joulukuuta 2005, perustuen W. Shakespearen komediaan "Juhannusyön unelma". 26 tanssijalle järjestetty esitys merkitsi 20 vuotta balettien luomisesta Monte Carlon ruhtinaskunnassa.
Jean-Christophe Maillot on johtanut Monte Carlo Ballet Companya vuodesta 1986. Tämä esitys on tyypillisin Jean-Christophe Maillot'n teokselle: baletti kantaa nykyistä fantasiaa yhdistettynä sarjakuvien ja runojen yksityiskohtiin. Scenografialla ja puvuilla on tärkeä rooli esityksessä korostaen upeita, tasapainottavia unelmien rajalla täysikuun kummitusvalossa. Kaksitoimisen baletin koominen toiminta etenee pimeässä, vapaassa lavassa, jossa maiseman pääelementti on jättimäinen abstrakti sävellys valkoisesta verhosta: fantastisen pilven tavoin se leijuu salaperäisesti lavan yläpuolella, muuttamalla muodonsa oudosti. ja vaalea väri. Toiminta kehittyy rinnakkain kahdella tasolla - lavalla ja sen yläpuolella, pimeässä syvyydessä, jossa vain hahmojen hahmot valaistaan, minkä seurauksena ne näyttävät kelluvan avaruudessa, joskus jopa "verhopilven sisällä" ". Monen genren esitys, joka on kudottu taitavasti miniatyyreistä, teatteriluonnoksista, ilmeikkäästä pantomiimista ja sirkusklounaatista, kertoo kiehtovasti ja vakuuttavasti maagisen tarinan, johon osallistuvat satu- ja mytologiset hahmot. Voidaan odottaa, että koreografi lainaa runsaasti John Neumeierin samannimistä balettia, jonka seurueessa Jean-Christophe työskenteli monta vuotta. Hän kuitenkin kulki omaa tietään.
Kuten Jean-Claude Mayo sanoi, "baletti tarvitsee uutta verta", siksi "Unessa" voit kuulla paitsi F. Mendelssohnin musiikin, myös argentiinalaisen Daniel Terugin elektroakustisen sävellyksen ja Bernard Mayon musiikin, koreografin veli. Tanssi tanssilla on harvinainen etuoikeus, joka myönnetään vain tietyille ballerinoille. Suurin osa hahmoista on mukana meluisassa, akrobaattisessa burleskissa, joka koostuu hauskoista vitseistä, suorasta hemmottelusta, intohimoisesta aistillisuudesta, kevyterotiikasta. Koreografi tunsi ja heijasteli balettissaan hienovaraisesti sankareiden leikkisää hauskuutta, naiivia viattomuutta ja tajuttomia pyrkimyksiä. Baletti on samalla tarkka, vakava ja mehukas. Se on vilkas, kuohuviini ja niin kekseliäs, että katsoja ei voi tylsistyä yhdellä sekunnilla.

Musiikki: Felix Mendelssohn, Daniel Teruggi, Bertrand Maillot
Ohjaajaavustaja: Nicolas Lormeau
Kapellimestari: Nicolas Brochot
Orkesteri: Monte-Carlon filharmoninen orkesteri
Koreografi: Jean Christophe Maillot
Lavastus: Ernest Pignon-Ernest
Puvut: Philippe Decoufle (Avustaja - Cirque du Soleil)
Valo: Dominique Drillot

New York, 2017
Kuvat Nina Alovert.

New Yorkin Lincoln-keskuksessa tapahtui 26. heinäkuuta koreografi Jean-Christophe Mayon esittämän Venäjän valtion akateemisen Bolshoi-teatterin baletin Tuholaisten kesyttäminen ensi-ilta. Jean-Christophe Maillot kertoo esityksen luomisprosessista, tanssijoiden valinnasta ja musiikin luomisesta, baletin parissa työskentelyn erityispiirteistä ja hänen ainutlaatuisesta lähestymistavastaan ​​taiteilijoihin kiehtovasti, tyylikkäästi ranskalaisesti ja huumorintajulla. lehdistötilaisuus ennen esityksen ensi-iltaa.

”Tunkkaajan kesyttäminen”, viimeinen kohtaus. New York, 2017

Jean-Christophe Mayo: En todellakaan halua puhua baletista, koska balettia on katsottava. Minulle tärkeintä on aina hämmästyttävä kokemus esityksen luomisesta. Ennen kuin aloitin työskentelyn Suuren teatterin kanssa, en ollut yli 25 vuoden ajan ollut lavastanut lavastuksia muiden ryhmien kanssa paitsi omani. Ja tietysti minuun teki melkoisen vaikutuksen, kuten luultavasti kaikki koreografit, jotka kohtaavat huipputason yrityksen. On kaksi syytä, miksi päätin lavastaa ”Tunkeilijan kesyttämisen” Bolshoi-teatterissa.

Jean-Christophe Maillot: En todellakaan halua puhua baletista, koska balettia on katsottava

Kun et tunne kansan kulttuuria, alat käyttää kliseitä tuomiossasi. Jotain tältä: ranskalaiset syövät camembertia ja patonkia. (Nauraa) Ehkä olen väärässä, koska en tunne Venäjää ja venäläisiä niin hyvin, mutta ...:

Ensinnäkin minusta tuntui aina, että Bolshoi-teatterin pojat ovat kaikki niin ankaria todellisia miehiä, ja kaikki tytöt ovat vain kauniita ... Joten Bolshoi-teatteri oli minulle melko ilmeinen valinta tämän esityksen lavastamiseen.

Toinen ja erittäin tärkeä syy on se, että olen työskennellyt yli 20 vuoden ajan tanssijan kanssa, jota rakastan erittäin paljon - Bernice Coppieters. Kun hän oli 22-vuotias, kerroin hänelle, että jonain päivänä järjestän hänelle "Tunkeilijan kesyttämisen", koska hän on tämä kuva. Yhdessä hänen kanssaan järjestimme 45 balettia, ja eräänä päivänä hän tuli luokseni ja sanoi: "Siinä kaikki, lopetan." Ja juuri sillä hetkellä minulle tarjottiin pystyttää lavastus Bolshoi-teatteriin. Sanoin hänelle, että tekisin sen hänen puolestaan, koska hän olisi avustajani. Joten näytän baletin hänen kanssaan. Ja tässä me olemme: Lantratov (Vladislav Lantratov, esiintyjä Petruchion roolissa, toim.), Katya, Mayo ja Coppétiers. Ja teimme koreografiaa hotellissa hyvin kauan, puhuimme, puhuimme.

Tuotannon aikana opin paljon venäläisestä baletista ja venäläisistä. En voi puhua kaikista tanssijoista, vain niistä, joiden kanssa työskentelin Suuressa teatterissa. Ne ovat täysin erilaisia. Ja työprosessi on täysin erilainen.

Kun aloitimme, asiat olivat epävakaita. Mutta minun on myönnettävä, että näyttelijä, jonka kanssa olen työskennellyt, on teatterin ylellisimmät, korkeatasoiset 25 tanssijaa. Huomasin, että venäläiset tanssijat ovat hyvin vastaanottavia. Luulin, että he olivat melko suljettuja, mutta osoittautuivat vastaanottavaisiksi, mikä on hyvin koskettavaa. He eivät koskaan näytä sinulle kärsivänsä, mutta tämä on ymmärrettävä. He antavat sinulle niin paljon! He ovat hyvin syviä persoonallisuuksia. Ajattelin ennen tätä tuotantoa, että he rakastavat konflikteja ja yrittävät nimenomaan luoda niitä, mutta olen ranskalainen enkä pidä konflikteista, vältän konflikteja. Mutta se ei osoittautunut niin, ja löysin hämmästyttäviä syviä ihmisiä ja sain upeita ystäviä.

Oli myös tärkeää, että yksi Bolshoi-teatterin tanssijoiden piirteistä on heidän kykynsä tuntea teatteria. Työskentely heidän kanssaan on jotain erityistä, he ovat hyvin anteliaita, mutta työskentelevät aivan eri tavalla, toisin, toisinaan se ei ole helppoa. Se on suunnilleen sama kuin yrittää selittää jotain henkilölle, jonka kanssa puhut eri kielillä, eikä sinulla ole tarpeeksi tarkkoja sanoja, jotka voisivat välittää sen, mitä tunnet ja haluat sanoa. Mutta mitä kauemmin tämä baletti on lavalla, sitä paremmin taiteilijat ja minä ymmärrämme toisiamme, sitä paremmin he tuntevat, mitä halusin saavuttaa tässä esityksessä.

Vuonna 2011 aloin katsoa tarkkaan Suuren teatterin taiteilijoita, kun tulin Benoan konserttiin. Sitten, kun olin lavastamassa Joutsenjärveäni, tuli hullu idea. Kolme päivää ennen esitystä päätin esitellä Swan Lake mielenkiintoisella tavalla. Ensimmäisen näytelmän esitteli ryhmäni koreografialla, toisen, mystisen, Bolshoi-teatterin taiteilijoiden oli suoritettava perinteisellä tavalla, ja kolmannen oli oltava jotain hullua. Puristit olivat täysin järkyttyneitä, mutta minä rakastin sitä. Tämä antoi minulle mahdollisuuden tarkastella kaikkia tanssijoita tarkemmin.

Jean-Christophe Maillot: Mutta mitä kauemmin tämä baletti on lavalla, sitä paremmin taiteilijat ja minä ymmärrämme toisiamme, sitä paremmin he tuntevat mitä halusin saavuttaa tässä esityksessä

Silloin tajusin, että Katerinan kanssa (Ekaterina Krysanova, näytti Katarinan roolia baletissa ”Tunkeilijan kesyttäminen”, toim.) Se olisi vaikeaa ja kovaa. Hän valitti aina jostakin, sitten valo ei ollut niin, sitten jotain muuta. Joten ajattelin, että hänen kanssaan ei ollut ollenkaan syytä kommunikoida.

Sitten kesti kaksi vuotta tutustua taiteilijoihin hieman paremmin, mutta tämänkin ajan jälkeen en tiennyt kuka tanssiisi. Koska Bolshoi-teatteri on todella suuri, tanssijoita on yli 200, enkä tunne kukaan tähän päivään asti. Vasta tammikuussa 2013 aloimme työskennellä tuotannon parissa. Työskentelimme 7 viikkoa, sitten kaksi kuukautta vapaata ja vielä 6 viikkoa työtä. Työn välillä tulin myös Bolshoihin ainakin luomaan silmäkosketusta taiteilijoiden kanssa oppiakseen tuntemaan toisensa paremmin.

Minulle baletin asettaminen tanssijoiden kanssa on kuin mennä illalliselle ihmisten kanssa. Joskus tapaat uusia ihmisiä illallisella, mutta sinun on oltava varma, ettei pöydässä ole ketään, joka voi pilata iltasi. Sinun on varmistettava, että vaikka he eivät tunne toisiaan, heillä on silti jotain yhteistä. Ja kun ihmisten välillä on jotain yhteistä, kaikki onnistuu.

Ja nyt haluan kertoa sinulle pienen tarinan siitä, kuinka Katya sai pääroolin. Kun menin jo Moskovaan näyttelemään "Tunkkaajan kiusaamista", en ollut vieläkään päättänyt mitään näytelmän päähenkilön kuvasta, ainoa varma asia oli, että hän olisi punahiuksinen ja vihreä mekko, ja että hänen kanssaan olisi vaikeaa. (Nauraa)

Jean-Christophe Maillot: Lähdettyään Bolshojaan en ole vielä päättänyt mitään näytelmän päähenkilön kuvasta, paitsi että hän on punahiuksinen ja vihreässä mekossa ja että hänen kanssaan on vaikeaa.

En ottanut Katyaa ensimmäiseen balettitanssijoiden harjoituskokoonpanoon. Bolshoi, kaikki ovat kiireisiä, ehkä tuolloin hän tanssi muita suuria rooleja, en muista. Mutta eräänä päivänä tämä pieni tyttö tuli luokseni ja sanoi haluavansa kuulustella minua. Vastasin miksi ei. Loppujen lopuksi on erittäin koskettavaa, kun tanssija tulee luoksesi. Seuraavana päivänä hän tuli koe-esiintymiseen tietämättä kaikkea mitä olin kertonut sinulle aiemmin. Ja tässä hän tulee: punapää, vihreässä paidassa, vihreillä silmäripsillä. Ajattelin, että se oli merkki seurattavaksi. Minulla voi olla oma näkemykseni, mutta rakastan taiteilijoiden "raiskaamista", kun näyttelijät "vievät minut myrskyyn". Uskon, että on mahdotonta olla koreografi, jos olet käki maailmassa, ja taiteilijat jätetään sivuun.

Uskon, että hyvää koreografiaa ei voida luoda ilman erityistä emotionaalista yhteyttä tanssijoihin. Näyttää siltä, ​​että jos taiteilija vaihdetaan, koreografia ei muutu. Mutta minulle taiteilijan korvaaminen voi johtaa siihen, että koreografia yksinkertaisesti katoaa, ei voi olla eri esityksessä. On yleisesti hyväksyttyä, että rooli avaa ihmisessä uusia puolia, joita hän ei epäillyt aiemmin. Mielestäni on mahdollista luoda sellaiset olosuhteet, joissa tanssijat tuntevat olonsa riittävän mukavaksi ja näyttävät enemmän kuin mitä kykenivät aiemmin. Mutta ihmisessä on mahdollista paljastaa vain se, mitä hän itse haluaa auttaa ilmenemään. Ja voin luoda sellaiset olosuhteet. Rakastan työskennellä iloisessa ympäristössä, vihaan kärsimystä ja en usko tarvitsevani sitä.

Luulen, että Katya elokuvassa "Tunkeilijan kiusaaminen" paljasti olevansa hellyämpi ja hauraampi tyttö kuin hän pitää itseään. Ja Vlad myös.

Usein "Tunkkaajan kiusaaminen" esitetään macho-tarinana. Emme koskaan tiedä, miten Shakespeare itse tuntui asiasta. Mutta minulle on selvää, että tämä on tarina kahdesta poikkeuksellisesta ihmisestä, jotka eivät hyväksy tavallista kumppania - heidän vieressään olevaa "keskitalonpoikaa". Mutta näytelmän pääidea on rakkaus ja mahdollisuus löytää rakkautta jokaista ihmistä kohtaan. Jokainen voi löytää parinsa, sielunkumppaninsa, jopa ruman, roistovan tai toimintahäiriön omaavan henkilön, eikä ketään voida tuomita valinnastaan. Tästä näytelmä on minulle.

Jean-Christophe Maillot: vaikeinta on puhua juonen vilpittömyydestä, tuloksen selkeydestä, tästä voidaan keskustella loputtomasti, tämä on subjektiivista, mutta uskon, että balettissamme on jotain tuoretta ja jotain tunkeutuu suoraan ihmisten sydämeen.

Rakastan työskennellä balettikoreografian parissa, mutta rakastan myös historian parissa työskentelyä. Päätökseeni järjestää Shrewin kesyttäminen vaikutti Shakespearen 450-vuotisjuhlan viettoon. Olin hyvin huolissani ennen Lontoon Tamers of the Shrew -näyttelyä. Ensinnäkin se on Shakespearen syntymäpaikka. Toiseksi koreografia koetaan eri tavoin kussakin maassa.

Vaikeinta on puhua juoni vilpittömyydestä, tuloksen selkeydestä, tästä voidaan keskustella loputtomasti, tämä on subjektiivista, mutta uskon, että balettissamme on jotain uutta ja jotain, joka tunkeutuu suoraan ihmiset. En tiedä onko vaatimaton sanoa niin, mutta se on eräänlainen välittömyys. Lontoon näyttely oli menestys ja yleisö otti sen hyvin vastaan.

Minua kiinnostaa aina enemmän katsoja, joka ymmärtää tanssista vähän. Koska salissa ei ole niin paljon ihmisiä, jotka ymmärtävät balettia - kussakin esityksessä on enintään sata, jos olet onnekas.

Nykyään voimme käyttää klassista balettikoreografiaa abstrakteissa maisemissa, mikä saa aikaan eräänlaisen koomisen, ironisen tuotannon. Musiikin voima ja tanssijat vangitsevat katsojan ja muistuttavat alitajuisesti kehon kielellä tärkeistä asioista, joista me kaikki tiedämme. Se on upea kemia, jota on vaikea selittää.

Uuden baletin parissa työskentelen aina taiteilijoiden innoittamana, koska he ilmentävät minulle kuvia, jotka haluaisin nähdä lavalla.

Päätettyni työskennellä Bolshoiin kanssa päätin käyttää tuotannossa Dmitry Shostakovichin musiikkia, koska tiesin, että se olisi henkisesti lähellä taiteilijoita. Luulen, että olen kuunnellut kaikkia nykyisiä Shostakovichin äänitteitä. Musiikki on minulle korkeinta taidetta. Minusta tuntuu, ettei mikään aiheuta enemmän tunteita kuin musiikki.

Ensimmäinen asia, jonka tein jo ennen koreografian lavastamista, oli koota esityksen musiikillinen sävellys, partituuri. Paperilla se näyttää melko oudolta, kaoottiselta. Mutta olen varma, että Shestakovichin musiikin arvo ja rikkaus on siinä, että hän on yksi niistä säveltäjistä, jotka pystyvät työskentelemään täysin eri tasoilla. Itse muusikkona tajusin, että voisin yhdistää hänen musiikkinsa niin, että se kuulosti siltä kuin se olisi kirjoitettu erityisesti tälle baletille. Tällöin käytin paljon musiikkia, jonka hän kirjoitti elokuville.

Jean-Christophe Maillot: En voi istua huoneessani keksiä koreografiaa. Minun täytyy olla salissa tanssijoiden ja musiikin kanssa, muuten en voi ajatella askelta.

En voi istua huoneessani keksiä koreografiaa. Minun täytyy olla salissa tanssijoiden ja musiikin kanssa, muuten en voi ajatella askelta. Musiikki herättää minussa tunteita ja inspiraatiota. Tuotannon parissa yritin yhdistää musiikkikappaleita peräkkäin, luonnollisesti pitäen kiinni orkesterin muodollisista kaanoneista, sävellysrakenteesta ja ylläpitää henkistä tasapainoa koko teoksessa.

Joskus minun piti unohtaa musiikin merkitys venäläisille. Tiedän, että Shostakovich on venäläinen, mutta ennen kaikkea hän on säveltäjä. Siksi ranskalainen voi kuunnella Shostakovichin musiikkia arvostamatta sen merkitystä ja merkitystä. Jossakin vaiheessa minulla oli jopa epäilyksiä. Kun käytin sinfonian musiikkia, he selittivät minulle, mitä tämä musiikki merkitsi venäläiselle kulttuurille ja että sitä ei pidä soittaa sen kanssa. Mutta sen sijaan, että puhuisin sodasta, puhuin rakkaudesta musiikissa. Kunnioitan musiikkia, en pidä provokaatioista.

Tunsin olevani varma siitä, mitä olin tekemässä. Menin kapellimestarin luokse ja annoin hänelle suunnitelmani. Hän piti sitä kolme päivää ja palautti sen minulle sanoin: "Juuri tätä haaveilin johtamisesta jonain päivänä."

Sanoin: No, sitten tehdään hyvää työtä. Ja mielestäni se toimi ja me teimme sen.

Jean-Christophe Maillot: Joskus minun piti unohtaa musiikin merkitys venäläisille. Šostakovitš on venäläinen, mutta ennen kaikkea säveltäjä. Siksi ranskalainen voi kuunnella Shostakovichin musiikkia arvostamatta sen merkitystä ja merkitystä.

Monacon ruhtinaskunnassa Venäjän kulttuurivuosi päättyi uudenvuoden pähkinänsärkijöiden sarjaan Grimaldi-foorumin näyttämöllä: Monte Carlo -baletin taiteellisen johtajan ja koreografin Jean-Christophe Mayon baletissa pääroolit olivat esittäytyvät Suuren teatterin solistit Olga Smirnova ja Artem Ovcharenko. Monte Carlosta - TATIANA KUZNETSOVA.

Uusimisbaletti

Koreografi tuotti Shrewin kesyttämisen Moskovassa Shostakovichin musiikille (onnistunut baletti otti yhdessä johtavien näyttelijöiden kanssa useita kultaisia ​​naamioita ja näytetään parin viikon kuluttua verkossa elokuvateattereissa ympäri maailmaa). Jean-Christophe Mayo kiehtoi Moskovan taiteilijoita ja toista kertaa hän kutsuu suosikkinsa Monte Carloon. Tällä kertaa Olga Smirnova ja Artem Ovcharenko tanssivat Pähkinänsärkijäryhmän toisessa näytöksessä, joka - ensimmäistä kertaa yrityksen historiassa - osui hopeanäytökseen: uudenvuodenaaton esitys lähetettiin kaikkialla Euroopassa. Tämä on onnea paitsi Monte Carlon baletille myös yleisölle. "Pähkinänsärkijäryhmä" on ainoa baletti, jota tämä suosittu yritys ei ota mukaan kiertueelle: taiteilija Alain Lagarde keksi ylivoimaisen lavastuksen, joka jäljitteli ensimmäisessä näytelmässä luonnollisen kokoista teatteritaustaa (balettiluokka, pukuhuoneet, pukuhuoneet), ja toisessa - hahmojen siirtäminen lumipeitteisestä metsästä erilaisten balettien maisemissa.

Maisema seuraa tarkasti juoni: Pähkinänsärkijäryhmä, jonka Jean-Christophe Maillot sävelsi vuoden 2013 lopussa ryhmän 20 taiteellisena johtajana toimimisen 20. vuosipäiväksi, on hauska ja nokkela tarina Monte Carlon lähihistoriasta. Baletti (katso "Kommersant", päivätty 11. tammikuuta 2014). Ensimmäisessä näytöksessä kerrotaan Fairy Drosselmeyerin tekemästä pienestä vallankumouksesta, joka esitteli balettikoululaisille koreografin Pähkinänsärkijä. Satuhahmon alla piiloutuu todellinen prinsessa Carolina, joka uskoi klassisissa perinteissä kasvatetun seurueen nuorelle Mayolle, jonka uhkapelikeksintö kohtasi akateemisten solistien melkoisen vastustuksen. Toinen osa on katsaus Mayon parhaimpiin baletteihin: Tuhkimo, La Belle (Nukkuva kauneus), Le Songe (Juhannusyön unelma), Romeo ja Julia. Unen ja yhteisen rakkauden teemat dominoivat täällä: silmälasityttö Clara, koreografien hankala tytär ensimmäisestä näytöksestä (kuuluisa tandemi Pierre Lacotte - Ghillain Tesmar tarkoitetaan balettipariskoreettien ja akateemikoiden parissa), näkee itsensä kaikkien tarinoiden sankaritar ja samalla seurueen tähti.

Näin oli kaksi vuotta sitten, mutta konseptin - ja itse esityksen - jatkamisen myötä tapahtui huomattavia muutoksia. Bolshoi-tähtien kutsu rajoitti merkittävästi Ankhara Ballesterosin puoluetta: hänen Klaransa pysyy silmälasien kanssa, joka ei ole edennyt pidemmälle kuin kiusatun Cinderellan rooli - Olga Smirnova ja hänen kaunottarensa Artem Ovcharenko toimivat tähtien inkarnaatioissa. Bolshoi-pääministeri pysyi uskollisena itselleen: moitteeton avulias, lempeä ja akateeminen, ei mitään ankaraa, ei mitään mautonta - balettitiedon ruumiillistuma; jopa omituisessa sirkusfinaalissa, jossa klassiset askeleet muutetaan temppuiksi, hänen loistavan muotoinen jete en turnauksensa näyttää herkältä ja hyvin käyttäytyvältä. Mutta Olga Smirnova, balettiperäinen naispuolinen nainen, joka on kuuluisa syvän tanssinsa vakavuudesta ja puhtaudesta, osoittautui toisin kuin hän Mayon koreografiassa. Ei, mehukas näytelmä aktiivisilla, melkein ilmeisillä ilmeillä, joka on välttämätöntä ja tarkoituksenmukaista tässä esityksessä, on hänelle edelleen vieras: ballerinan läpinäkyvillä kasvoilla elävät vain silmät. Hänen ruumiinsa pääsi kuitenkin täysin eroon akateemisesta geometriasta: ujous ja autuus, inho ja kipu, pelko ja toivo, kaipaus ja halu - kaikki hänen kolmen hahmonsa tunteiden kaikki hienovaraisuudet voidaan lukea kehon käyrissä, vapaissa käsien liike äkillisissä asennonmuutoksissa, länsimaisessa synkopoidussa liiketavassa. Moskovan solisteille Jean-Christophe Maillot muokkasi koreografian tarjoamalla heille täydellisen romanttisen adagion: Venäjän esimerkillinen pääministeri tuki siinä kansainvälisen luokan universaalia prima.

Esittäessään ulkomaisia ​​tähtiä esitykseen koreografi ei unohtanut paikallisia tarpeita - oman ryhmänsä täydentämistä. Runsas katkelma ensimmäisestä näytelmästä - osasta, jossa Tšaikovskin Serenadin musiikin taiteilijat oppivat hyväntahtoisen parodian Balanchinesta - Mayo muutti ja antoi sen Monte Carlon balettikoulun lapsille. Nuoret selviytyivät melko monimutkaisesta tekstistä ja koordinaatiosta, vaikka tytöt olivatkin teini-ikäisinä melkein leikkauksia ikäisensä yläpuolella.

Mutta kaksi ryhmän kärsimää tappiota kaksi vuotta sitten tapahtuneen ensiesityksen jälkeen osoittautuivat korjaamattomiksi. Bernice Coppieters, koreografi Mayon prima ja muusa, jäljittelemättömän plastisuuden ja kiehtovan karisman balerina, on jäänyt eläkkeelle. Marianne Barabas, joka korvasi hänet Drosselmeyer Fairyn roolissa, pitkä vaalea nainen, jolla on vahvat kauniit jalat ja ankarat kädet, jäljittelee edeltäjänsä eleitä parhaimmillaan, mutta hänellä ei ole viettelevästi pakottavaa aristokratiaa, ruumiillista kaikkivoipaisuutta eikä transsendentaalista prototyypin täydellisyys eikä ihmisen huumori. Toinen menetys on itse Pähkinänsärkijä. Kappaleen ensimmäinen esiintyjä - pieni Jeroen Verbruggen, joka vuodattaa kiihkeää energiaa - liittyi koreografeihin ja lopetti ryhmän. Rooli meni pääministeri Stefan Burgonille, sanguiinitanssijalle, joka osoittaa missä tahansa roolissa - Faustista Siegfriediin - vain nerokasta itsetyytyväisyyttä. Tämän seurauksena näytelmän päähenkilö, innostuneesta neurasteenista, jonka itsevarman inspiraation jaksot korvataan epäluuloisuuden kolikoilla, muuttui iloiseksi ja huolettomaksi pelleeksi, joka käveli muiden kanssa vahingoittamatta mielenterveyttä.

Mutta nämä häiritsevät muutokset ovat havaittavissa vain niille, jotka rakastuivat Pähkinänsärkijäryhmään esityksissä kaksi vuotta sitten. Nykyinen uudistuminen, jonka lähetys levitti kaikkialle Eurooppaan, ei selvästi pettänyt yleisöä: esitys on edelleen kirkas, nokkela ja koskettava. Ainoa asia, että aksentit siirtyivät siinä: prinsessan ja koreografin sijasta ryhmä tuli esiin. Kuitenkin täysin baletin nimen mukaisesti.

Kaikki, mitä Monte Carlon balettiteatterissa tapahtuu, näyttää meille tärkeältä ja läheiseltä - loppujen lopuksi sen on ohjannut Jean-Christophe Maillot, koreografi, johon rakastimme ensi silmäyksellä nähtyämme hänen balettinsa Daphnis ja Chloe jo vuonna 2012. . Sitten hän järjesti Huijauksen kesyttämisen Bolshoi-teatterissa, ja tällä kaudella hän näytti meille Tuhkimo (Pietarissa) ja Kauneuden (Moskovassa). Jean-Christophe on mielenkiintoinen persoonallisuus ja viehättävä henkilö. Haastattelussa Olga Rusanovan kanssa hän puhui kiinnostuksestaan ​​juonettomiin baletteihin, Marius Petipaan ja mitä tarkoittaa olla koreografi pienessä Monacossa.

Onko abstraktio elämä?

Yleisö tuntee tarinabalettini hyvin, ja tämä on todellakin tärkeä osa työni. Mutta minulla on myös suuri ilo luoda puhtaita musiikkiin liittyviä liikkeitä. Kyllä, tämä taide näyttää olevan abstrakti, mutta en usko, että on jotain täysin abstraktia, koska kaikessa, mitä ihminen tekee, on jonkinlainen tunne, tunne. Lisäksi rakastan tutkia tätä hyvin erityistä yhteyttä liikkeen ja musiikin välillä. Ja kun minun ei tarvitse tarttua juoniin, voin olla rohkeampi, jopa ottaa riskejä koreografian etsinnässä. Tämä on eräänlainen laboratorio, joka kiehtoo minua. Ja tämä on myös tärkeä osa työni, ehkä vähemmän tunnettua, mutta siinä on, jos haluat, baletin ydin, liike sinänsä.

Viimeinen balettini Abstraction / Life luotiin täysin uudelle musiikille - ranskalaisen säveltäjän Bruno Mantovanin sellokonsertti nimeltä Abstraction. Tämä on erittäin suuri pisteet - melkein 50 minuuttia, ja olen innoittamani ajatuksesta tehdä yhteistyötä säveltäjän kanssa.

Pidin tietysti työskentelemästä myös Shostakovichin musiikin parissa - tarkoitan balettia Tunkeilijan kiusaaminen, kun hänen teoksistaan ​​luin ikään kuin uuden partituurin baletille, jota ei todellisuudessa ollut. Mutta samalla tavalla, kun säveltäjä säveltää erityisesti minulle, se on aivan eri asia. Lisäksi nykyinen baletti-ilta koostuu kahdesta osasta - ensimmäisessä osassa on George Balanchinen baletti Stravinskyn viulukonserton musiikille. Haluan muistuttaa teitä Balanchinen lauseesta: "Yritän kuunnella tanssia ja nähdä musiikkia." Joten minä, seuraten Balanchinea, haluan tehdä musiikkia kuin näkyvästi. Nykymusiikkia on usein vaikea ymmärtää yksin. Ja tanssi, liike mahdollistavat ikään kuin "elvyttää" sen, tehdä siitä luonnollisemman havainnolle. tiya. Tällä hetkellä loppujen lopuksi jonkinlainen ihme ... Yleensä koreografina sävelen aina tanssin musiikilla, en voi kuvitella yhtä askelta, yhtään yksittäistä osaa ilman sitä, koska mielestäni musiikki on korkeimman asteen taide, aina tunteille osoitettu, vaikka se olisi monimutkaista, käsittämätöntä ... Ja tanssi, kehon liike voi välittää tämän tunteen, kuinka kertoa sille, ja tämä, näette, koskettaa.

Ja kauemmas. Taiteilijan on todistettava elämästään, annettava tietoa todellisesta maailmasta. Puhuin tästä Concerto-kirjoittajan Bruno Mantovanin kanssa. Hänen musiikkinsa on joskus liian monimutkaista, ankaraa, kuten kuulit. Hän sanoi: ”1900-luvulla ja vielä enemmän nykyään julmuus on kaikkialla. Maailma kasvaa, ihmisiä on yhä enemmän. Pelkoja, kysymyksiä, sekaannusta on monia ... En voi kirjoittaa pehmeää, pehmeää musiikkia, minun on heijastettava todellisuutta. "

Petipa, Diaghilev ja Instagram

Petipa on jotain poikkeuksellista, erityistä, ainutlaatuista. Sitten ei ollut muita hänen kaltaisiaan koreografeja. Luulen, että hän on ensimmäisten joukossa käsite tanssista omavaraisena kielenä, johon ei tarvitse lisätä mitään. Hänen tapauksessaan baletti itsessään riittää esityksen rakentamiseen.

Miksi puhumme edelleen Petipasta tähän päivään saakka? - Koska hän on kaiken baletin ydin. Kukaan ei olisi siellä missä hän tänään on, ellei Petipa tekisi. Hän on balettitiedon lähtökohta, alku, joka meillä on tänään. Ja koska hän astui vuosien, vuosisatojen, sukupolvien ajan, se tarkoittaa, että hän oli jotain erittäin tärkeää, ja tämä on ilmeistä.

Ja tänään, luodessamme suurta tarinabalettia, ajattelemme edelleen Joutsenjärveä, koska tämä on klassisen baletin perusta, johon jokainen koreografi nojaa. Tämä oli ensimmäinen tällainen perusta, jolle rakennettiin uusi käsite, uusi ajattelutapa, uudet ideat. Tuolloin ei ollut videota, elokuvaa, meillä oli vain tämä hyvin erityinen tanssin kyky siirtää tätä tietoa ajan, sukupolvien kautta.

No, Petipan ilmiö on myös mielenkiintoinen esimerkki kulttuurien läpäisystä. Hänen balettinsa ovat vuosien varrella osoittaneet, että tanssi on erinomainen perusta kansainväliselle viestinnälle, koska se on yhteinen kielemme. Kun tulin Bolshoi-teatteriin ja työskentelin trupin solistien kanssa, en voinut olla ajattelematta Petipaa, kuinka tämä ranskalainen kaveri tuli Marseillesta Venäjälle ja tavannut venäläisen kulttuurin, venäläiset tanssijat, yritti yhdistää molemmat kulttuurit.

Tämä on erittäin tärkeää muistaa, etenkin nykyään, koska kulttuurierot häviävät vähitellen. Sulamme yhä enemmän toisiinsa, sekoittumme. Vaikuttaa siltä, ​​että viime aikoihin asti, ellemme olleet nähneet kollegoitamme 5-6 vuotta, emme tienneet, mitä he tekivät, ja nyt - sosiaalisten verkostojen, Instagramin ansiosta - tieto kulkee jatkuvasti. Kaikki näyttää tapahtuvan kaikkialla samaan aikaan. Tämä on sekä hyvää että huonoa.

Ajattelen: mitä olisi tapahtunut Grigorovichille, jos Facebookia ja kaikkea muuta olisi, jos hän tietäisi, mitä Trisha Brown teki samanaikaisesti New Yorkissa? Olisiko hänen baleteissaan kaikki samaa? Se on epätodennäköistä, ja voimme todennäköisesti vain katua sitä.

Venäläisten tanssijoiden tapa oli alun perin täysin erilainen kuin ranskalaisten ja amerikkalaisten, mutta aika kuluu, ja ymmärrät, että se, mikä 20 vuotta sitten oli erilaista, poistaa yhä enemmän, liukenee, lähentyy. Ja näen tämän seurassani, jossa tanssivat eri kansallisuuksien edustajat.

Ajattelun, tyylin, estetiikan universaalisuus - kyllä, joillakin tavoin tämä on hienoa, mutta vähitellen menetämme identiteettimme. Me itse kopioimme tietämättään toisiaan yhä enemmän. Ja ehkä Petipa oli yksi ensimmäisistä, joka provosoi tämän prosessin. Se oli hän, joka lähti Ranskasta ja toi kulttuurinsa toiseen maahan, Venäjälle. Ja ehkä siksi hänestä tuli niin epätavallinen ...

Uskon yleensä, että jokaisen taiteilijan tehtävänä on viitata siihen, mitä on tehty ennen sinua, tuntea perintö, kohdella sitä kunnioittavasti ja utelias. Historiatiedot ovat erittäin tärkeitä, mutta samalla sinun täytyy jossain vaiheessa "unohtaa" tämä tieto siirtyäksesi eteenpäin. Minulta kysytään usein Sergei Diaghilevin Russian Seasons -ryhmästä, joka toimi Monte Carlossa, jossa teatterimme toimii. Tietysti tämä oli mielenkiintoinen ilmiö, kun yritys toi yhteen säveltäjät, taiteilijat, koreografit, antoi kaksi tai kolme balettia per ilta. Nykyään monet ihmiset tekevät tämän, mutta sitten he olivat ensimmäisiä. Minulle Diaghilevin venäläiset vuodet eivät ole yhtä tärkeitä kuin Petipa.

Bezharovsky tanssija

Vartuin teatteriperheessä. Isäni oli lavastaja ooppera- ja balettiteatterissa. Kotona, Toursissa, laulajat, tanssijat, ohjaajat kokoontuivat, voidaan sanoa, että olen syntynyt ja kasvanut teatterissa. "Ripustin" siellä tuntikausia. Siksi en pidä oopperasta - näin sitä liikaa jo varhaisesta iästä lähtien. Samalla en sanoisi, että olen kasvanut tanssimaailmassa, vaan pikemminkin taiteellisessa ympäristössä. Pitkään en voinut todella pitää itseäni tanssin asiantuntijana - vasta 32-vuotiaana.

Olin tanssija - opiskelin konservatoriossa Toursissa, sitten Cannesissa. En tiennyt paljon tanssista, kysyin itseltäni enemmän elämänkysymyksiä kuin koreografian historiaa. Muistan, kuinka Maurice Bejart vaikutti minusta lapsena, varsinkin hänen näytelmäänsä "Nijinsky, Jumalan pelle". Ja kun pihalla (enkä varttunut kotikaupungini Tourin kunnioitettavimmalla alueella) pojat kysyivät: "Millainen tanssija olet? Klassikko vai Bezharovsky? ”, Vastasin:” Bezharovsky ”. Muuten he eivät todennäköisesti olisi ymmärtäneet minua, tai ehkä he olisivat lyöneet minua. Meillä on varttunut perinteisen tanssin sijaan suosittu kulttuuri.

Sitten aloin oppia jotain tärkeää baletista, lähinnä tanssijoiden kautta: Puhun Baryshnikovista Giselleessä, Makarovasta Joutsenjärvessä. Löysin Balanchinen ja järjestimme yhdeksäntoista hänen balettiaan yhtiössämme.

Tärkeintä on tanssijoita

Löysin todella Juri Grigorovichin vuonna 2012, kun näin hänen balettinsa Ivan Julma. Minua lyötiin, valloitin. Eniten minuun vaikutti edes koreografia - sinänsä hyvin mielenkiintoinen, mutta tanssijat, heidän osallistumisensa, usko siihen, mitä he tekevät. Tämä liikutti minua. Ja tajusin jälleen, että tanssijat ovat tärkein asia baletissa. Kyllä, tietysti he tarvitsevat koreografin, mutta koreografi ilman tanssijoita ei ole kukaan. Emme saa unohtaa tätä. Jos haluat, tämä on pakkomielteeni. Minun tehtäväni on olla studiossa ihmisten kanssa - erityisten ihmisten kanssa: hauras, haavoittuva ja hyvin rehellinen, vaikka he huijaavatkin. Olen aina kiinnostunut taiteilijoista, joiden kanssa jaan musiikkia, tanssin kielestä, jonka kautta he voivat ilmaista sitä, mitä tunnemme yhdessä. Ja toivomme aina, että tämä tunteiden leviäminen välittyy lavalta yleisölle ja yhdistää meidät kaikki yhteen.

Onnellinen erillään

En tunne olevani liian yhteydessä balettimaailmaan: täällä Monacossa olen tietyssä mielessä ”eristetty”. Mutta pidän tästä paikasta, koska se näyttää minulta. Tämä maa on erityinen - hyvin pieni, yhteensä kaksi neliökilometriä, mutta kaikki tietävät siitä. Monaco on erittäin houkutteleva paikka: ei ole lakkoja, ei sosiaalisia ja taloudellisia ongelmia, ei konflikteja, ei köyhiä eikä työttömiä. Monacon prinsessa Carolina antoi minulle upean mahdollisuuden työskennellä täällä 25 vuoden ajan. En ole osa voimakkaita instituutioita, kuten Kuninkaallinen baletti, Bolshoi-teatteri, Pariisin ooppera tai kansainvälisiä yrityksiä. Olen yksinäinen, mutta voin tuoda koko maailman tänne.

Ja ollessani täällä "eristyksissä", olen onnellinen. Ja jos huomenna balettimaailma julistaa minulle boikotin - ei iso juttu, työskentelen täällä. Kumpikaan prinssi ja prinsessa eivät koskaan sano minulle: "Sinun on tehtävä tämä ja se". Minulla on hieno tilaisuus olla rehellinen, itsenäinen, vapaa. Voin tehdä mitä haluan: näyttämöesityksiä, festivaaleja.

Monacossa ei ole muuta teatteria. Ja pyrin antamaan paikalliselle yleisölle mahdollisimman paljon, enkä rajoita sitä vain Monte Carlon balettiteatterin ohjelmistoon. Jos he olisivat nähneet vain balettimme kaikki nämä vuodet, se tarkoittaisi sitä, että petän yleisöä siitä, mitä balettimaailmassa tapahtuu. Tehtäväni on tuoda tänne klassisia, moderneja yrityksiä ja muita koreografeja. Haluan, että täällä asuvilla ihmisillä on samat mahdollisuudet kuin pariisilaisilla ja moskovalaisilla. Joten minun on tehtävä kaikki kerralla: näyttämään baletteja sekä retkiä, festivaaleja ja myös Balettiakatemia. Mutta minun tehtäväni oli löytää ammattimainen johtaja, ei tehdä työtä hänen puolestaan, vaan tukea häntä.

Yleensä mitä lahjakkaampia ihmisiä ympärilläsi on, sitä mielenkiintoisempi ja helpompi sinun on tehdä työsi. Pidän älykkäistä ihmisistä - he tekevät sinusta älykkäämpiä.

Vihaan ajatusta, että ohjaajan on oltava hirviö, osoitettava voimaa, saatettava ihmiset pelkäämään itseään. Ei ole vaikeaa käyttää valtaa ihmisiin, jotka ovat käytännössä alasti edessänne joka päivä. Mutta nämä ovat hyvin haavoittuvia, epävarmoja ihmisiä. Etkä voi käyttää valtaasi väärin. Rakastan tanssijoita, tunnen myötätuntoa myös heikoille, koska heillä on erityinen työ. Pyydät taiteilijaa osoittamaan kypsyyttä 20-vuotiaana, mutta tavallisille ihmisille se tulee vasta 40-vuotiaana, ja käy ilmi, että kun tanssija saavuttaa todellisen kypsyyden, keho "lähtee".

Yrityksemme - en sano "perhe", koska taiteilijat eivät ole lapseni - he ovat samanmielisten joukko. Minulla ei ole koskaan ollut suhdetta ryhmään, jossa asui pelko, viha ja konfliktit. Se ei ole minun.

Koreografina oleminen tarkoittaa ihmisten yhdistämistä eri kouluihin, erilaisiin mentaliteetteihin, jotta he luovat esityksen, ja samalla luodessasi ei koskaan tiedetä tarkalleen, kuka osoittautuu tämän seurauksena tärkeimmäksi linkiksi. Se on aina tiimityötä.