Maailman kuuluisimmat maalaukset. Tunnetuin ja maailman taidehistorian kannalta merkittävin maalaus "Viimeinen tuomio", Hieronymus Bosch

Leonardo di ser Piero da Vinci (15. huhtikuuta 1452 - 2. toukokuuta 1519) - kuuluisa italialainen taidemaalari, arkkitehti, filosofi, muusikko, kirjailija, tutkija, matemaatikko, insinööri, anatomi, keksijä ja geologi. Tunnettu maalauksistaan, joista tunnetuimmat ovat "Viimeinen ehtoollinen" ja "Mona Lisa", sekä lukuisista keksinnöistä, jotka olivat paljon aikaansa edellä, mutta jäivät vain paperille. Lisäksi Leonardo da Vinci antoi tärkeän panoksen anatomian, tähtitieteen ja tekniikan kehitykseen.

Raphael Santi (28. maaliskuuta 1483 - 6. huhtikuuta 1520) oli suuri italialainen taidemaalari ja arkkitehti, joka työskenteli renessanssin aikana ja kattoi ajanjakson 1400-luvun lopulta ja 1500-luvun alusta. Perinteisesti Rafaelia pidetään yhtenä kolmesta tämän ajanjakson suuresta mestarista Michelangelon ja Leonardo da Vincin ohella. Monet hänen teoksistaan ​​ovat Vatikaanin apostolisessa palatsissa, huoneessa nimeltä Rafaelin säkeistö. Täällä sijaitsee muun muassa hänen kuuluisin teoksensa, Ateenan koulu.

Diego Rodriguez de Silva y Velazquez (6. kesäkuuta 1599 - 6. elokuuta 1660) - espanjalainen taidemaalari, muotokuvamaalari, kuningas Filip IV:n hovimaalari, espanjalaisen maalauksen kulta-ajan suurin edustaja. Lukuisten menneisyyden historiallisia ja kulttuurisia kohtauksia kuvaavien maalausten lisäksi hän maalasi monia muotokuvia Espanjan kuninkaallisesta perheestä sekä muista kuuluisista eurooppalaisista henkilöistä. Velazquezin tunnetuimpana teoksena pidetään maalausta "Meninas" (tai "Philip IV:n perhe") vuonna 1656, joka sijaitsee Prado-museossa Madridissa.

Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidadin marttyyri Patricio Ruiz ja Picasso (25. lokakuuta 1881 - 8. huhtikuuta 1973) - maailmankuulu espanjalainen taidemaalari ja kuvanveistäjä, kubismiliikkeen perustaja Kuvataide. Häntä pidetään yhtenä suurimmista kuvataiteen kehitykseen 1900-luvulla vaikuttaneista taiteilijoista. Asiantuntijat tunnustettiin parhaaksi taiteilijaksi viimeisten 100 vuoden aikana eläneiden joukossa sekä maailman "kalleimmaksi". Picasso loi elämänsä aikana noin 20 tuhatta teosta (muiden lähteiden mukaan 80 tuhatta).

Vincent Willem Van Gogh (30. maaliskuuta 1853 - 29. heinäkuuta 1890) oli kuuluisa hollantilainen taiteilija, joka saavutti mainetta vasta kuolemansa jälkeen. Monien asiantuntijoiden mukaan Van Gogh on yksi eurooppalaisen taiteen historian suurimmista taiteilijoista sekä yksi näkyvimmistä postimpressionismin edustajista. Hän on kirjoittanut yli 2 100 taideteosta, mukaan lukien 870 maalausta, 1 000 piirustusta ja 133 luonnosta. Hänen lukuisat omakuvat, maisemat ja muotokuvat ovat eräitä maailman tunnistetuimmista ja kalleimmista taideteoksista. Vincent Van Goghin kuuluisinta työtä ehkä pidetään maalaussarjana nimeltä "Auringonkukat".

Michelangelo Buonarroti (6. maaliskuuta 1475 - 18. helmikuuta 1564) on maailmankuulu italialainen kuvanveistäjä, taiteilija, arkkitehti, runoilija ja ajattelija, joka on jättänyt lähtemättömän jäljen koko maailman kulttuuriin. Taiteilijan tunnetuin työ on kenties Sikstuksen kappelin katossa olevat freskot. Hänen veistoksistaan ​​tunnetuimmat ovat Pieta (Kristuksen valitus) ja David. Arkkitehtuurin teoksista - Pietarinkirkon kupolin suunnittelu. On mielenkiintoista, että Michelangelosta tuli ensimmäinen Länsi-Euroopan taiteen edustaja, jonka elämäkerta kirjoitettiin hänen elinaikanaan.

Neljännellä sijalla maailman kuuluisimpien taiteilijoiden joukossa on Masaccio (21. joulukuuta 1401-1428) - suuri italialainen taiteilija, jolla oli valtava vaikutus muihin taiteilijoihin. Masaccio eli hyvin lyhyen elämän, joten hänestä on vain vähän elämäkerrallisia todisteita. Hänen freskoistaan ​​on säilynyt vain neljä, jotka ovat epäilemättä Masaccion töitä. Toisten uskotaan tuhoutuneen. Masaccion tunnetuimpana teoksena pidetään kolminaisuuden freskoa Santa Maria Novellan kirkossa Firenzessä, Italiassa.

Peter Paul Rubens (28. kesäkuuta 1577 - 30. toukokuuta 1640) - flaamilainen (etelä-hollantilainen) taidemaalari, yksi barokin aikakauden suurimmista maalareista, joka tunnetaan ylellisestä tyylistään. Häntä pidettiin aikansa monipuolisimpana taiteilijana. Teoksissaan Rubens korosti ja ilmeni värin elinvoimaisuutta ja aistillisuutta. Hän maalasi lukuisia muotokuvia, maisemia ja historiallisia maalauksia mytologisilla, uskonnollisilla ja allegorisilla aiheilla. Rubensin tunnetuin teos on vuosina 1610-1614 kirjoitettu triptyykki "Laskeutuminen ristiltä", joka toi taiteilijalle maailmanlaajuisen mainetta.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (29. syyskuuta 1571 - 18. heinäkuuta 1610) - varhaisen barokin ajan suuri italialainen taiteilija, eurooppalaisen realistisen maalauksen perustaja 1600-luvulla. Caravaggio käytti teoksissaan taitavasti valon ja varjon kontrasteja keskittyen yksityiskohtiin. Hän kuvasi usein tavallisia roomalaisia, ihmisiä kaduilta ja markkinoilta pyhimysten ja madonnojen kuvissa. Esimerkkejä ovat evankelista Matteus, Bacchus, Saulin kääntymys jne. Yksi taiteilijan kuuluisimmista maalauksista on Luuttisoittaja (1595), jota Caravaggio kutsui menestyneimmäksi maalauksen katkelmaksi.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) oli kuuluisa hollantilainen taidemaalari ja taidegraafikko, jota pidetään maailman suurimpana ja tunnetuimpana taidemaalarina. Noin 600 maalauksen, 300 etsauksen ja 2 tuhannen piirustuksen kirjoittaja. Sen ominaispiirre on mestarillinen leikki valotehosteilla ja syvillä varjoilla. Rembrandtin tunnetuimpana teoksena pidetään neljän metrin maalausta "Yövartio", joka on maalattu vuonna 1642 ja joka on nyt säilytetty Amsterdamin valtionmuseossa.

Torstai 8. joulukuuta 2016 11:56 + lainauslomakkeessa

Brittiläinen sanomalehti The Times teki arvosanan 200 parasta artistia jotka elivät 1900-luvun alusta nykypäivään.

Tämän seurauksena brittiläisten lukijoiden mukaan ensimmäinen sija suuren espanjalaisen taiteilijan miehittämänä Pablo Picasso.

Toinen sija annettu post-impressionisteille Paul Cezanne, kolmas - itävaltalaisen modernin perustaja Gustav Klimt... Viimeisen rivin ottaa japanilainen nykytaiteilija Hiroshi Sujimoto.

Ranskalaiset taiteilijat ovat kymmenen parhaan joukossa Claude Monet, Henri Matisse, Marcel Duchamp ja amerikkalainen taiteilija Jackson Pollock.
Pop-taiteen legenda kiertää kymmenen parhaan joukossa Andy Warhole, abstraktin taiteen edustaja Willem de Kooning ja kuuluisa modernisti Pete Mondrian.
Ei voi olla huomaamatta joidenkin taiteilijoiden luokituksen yliarviointia ja muiden, ei vähemmän lahjakkaiden, tietämättömyyttä. Timesin toimittajat tiivistävät kyselyn tulokset: ”Mitä Martin Kippenberger tekee 20 parhaan joukossa? Miksi hänet on arvioitu korkeammalle kuin Rothko, Schiele ja Klee? Onko Munch (46.) huonompi kuin Frida Kahlo? Todennäköisesti tämä johtuu naisten halusta sijoittaa reilu sukupuoli mahdollisimman korkealle rankingissa.

Venäläisiltä taiteilijoilta ranking sisältää Basilika Kandinsky(15.), "Mustan neliön" luoja "Casimir Malevitš(17.). 95. palkittu ukrainalais-amerikkalainen taiteilija Alexander Archipenko... 135. - yksi konstruktivismin perustajista Aleksanteri Rodchenko. Listalle kuuluvat myös Mark Shagal-71 ja Vladimir Tatlin-145.

Tässä 20 XX vuosisadan parasta taiteilijaa brittiläisen taiteen ystävien mukaan

1900-luvun ja 2000-luvun alun 20 parasta taiteilijaa

1. Pablo Picasso

2. Paul Cezanne

3. Gustav Klimt

4. Claude Monet

5. Marcel Duchamp

6. Henri Matisse

7. Jackson Pollock

8. Andy Warhol

9. Willem de Kooning

10. Pete Mondrian

11. Paul Gauguin

12. Francis Bacon

13. Robert Rauschenberg

14. Georges Braque

15. Wassily Kandinsky

16. Constantin Brancusi

17. Kazimir Malevich

18. Jasper Johns

19. Frida Kahlo

20. Martin Kippenberger
………………
Kyllä, jos tällainen tutkimus toteutettaisiin maassamme, luettelo olisi täysin erilainen. Sekä luettelot parhaista kirjallisista teoksista - ne eroavat huomattavasti kussakin maassa.
Mutta toistaiseksi meillä on vain tämä luettelo, josta emme tunne monia taiteilijoita.
Siksi - tässä on lyhyt tarina kahdestakymmenestä parhaasta taiteilijasta.
Täydellinen luettelo 200 parasta taiteilijaa XX ja XXI vuosisatojen alkupuolella- postauksen lopussa.
...................
1.Picasso Pablo- Espanjalainen taiteilija, graafikko

8. Andy Warhol(Oikea nimi - Andrew Warhola, Rusyn. Andri Vargola; 1928-1987) on amerikkalainen taiteilija ja tuottaja, merkittävä henkilö poptaiteen ja nykytaiteen historiassa yleensä. "Homo universale" -ideologian perustaja.
Warhol loi useita maalauksia, joista tuli sensaatio taidemaailmassa. Vuonna 1960 hän loi suunnittelun Coca-Cola-tölkeille, mikä toi hänelle mainetta taiteilijana, jolla on poikkeuksellinen näkemys taiteesta. Ja vuosina 1960-1962 ilmestyi sarja teoksia, jotka kuvaavat Campbellin keittotölkkejä.


Warhol yksi ensimmäisistä, joka sovelsi silkkipainoa ja silkkipainatusta menetelmänä maalausten luomiseen.
Warhol loi useita maalauksia, joissa hän kuvasi modernin yhteiskunnan epäjumalia. Andyn maalaamien tähtien joukossa: toistuva Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, The Beatles, Michael Jackson, Lenin ja muut. Näistä kirkkain värein piirroksista on tullut Warholin "käyntikortti". luoda uudelleen 60-luvun Amerikan tunnelmaa.


Kriitikoiden mukaan nämä maalaukset heijastivat massakulutuskulttuurin vulgaarisuutta, länsimaisen sivilisaation mentaliteettia. Pop- ja käsitteellisten taiteilijoiden, kuten Robert Rauschenbergin, Jasper Johnsin ja Roy Lichtensteinin joukkoon kuuluva Warhol on tällä hetkellä kymmenien miljoonien dollarien arvoinen. Warholin hahmon ympärille on kokoontunut kokonainen alakulttuuri.

Vuonna 2015 maalaus myytiin Qatarin museoosastolle 300 miljoonalla dollarilla. 287 \ 237 \ 225

12 Francis Bacon- (1909-1992) - englantilainen taiteilija- ekspressionisti... Baconin maalaus on aina ilmeikäs, se on eräänlainen itku, joka välittää olemassaolon tragediaa. Hänen teostensa pääteema on ihmiskeho - vääristynyt, pitkänomainen, geometristen muotojen ympäröimä. Useita teoksia sisältyy kalleimpien maalausten luetteloon.

14. toukokuuta 2008 Francis Baconin vuoden 1976 triptyykki "Canonical 20th Centuryn maamerkki" myytiin Sotheby'sissa 86,3 miljoonalla dollarilla. Château Pétrus -viinejä omistava Mui-perhe myi sen venäläiselle miljardöörille Roman Abramovichille. Ja taidemaalari sai kalleimman sodan jälkeisen taiteilijan tittelin ja sijoittui kolmannelle sijalle maailman kalleimman taiteilijan kymmenen parhaan joukossa, vain Picasson ja Klimtin jälkeen. 180 \ 122 \ 96

13 Robert Rauschenberg(1925, Port Arthur - 2008, Captiva Island, Florida) - yhdysvaltalainen taiteilija. Abstraktin ekspressionismin ja sitten käsitteellisen taiteen ja poptaiteen edustaja töissään painottui kollaasitekniikkaan ja valmiiksi tehtyyn roskaan.
Kuten muutkin poptaiteen edustajat, hän yritti ilmaista näkemystään maailmasta epätavallisissa, järkyttävissä muodoissa. Tätä varten käytettiin kankaita, kollaaseja, installaatioita.
50-luvun alussa Rauschenberg kävi läpi kolme maalausvaihetta:
"Valkoinen maalaus" - mustat numerot ja jotkut symbolit on kuvattu valkoisella taustalla.
"Musta maalaus" - kankaalle liimattiin sanomalehtiä, ja kaikki tämä peitettiin mustalla emalilla.
"Punainen maalaus" - abstraktit kankaat punaisilla sävyillä osittain tarroilla sanomalehdistä, kynsistä, valokuvista jne.
Vuonna 1953 Rauschenberg poisti Willem de Kooningin piirustuksen ja asetti sen näytteille otsikolla "De Kooningin pyyhitty piirustus", mikä nosti esiin kysymyksen taiteen luonteesta.

50-luvun puolivälistä lähtien Rauschenberg on luonut tilaobjekteja, joita hän kutsuu "yhdistetyiksi maalauksiksi", esimerkiksi:
Odalisque (satiinityyny, täytetty kana, valokuvat ja jäljennökset)
"Sänky" - sänky, joka on roiskunut maalilla ja asetettu pystyasentoon ...


50-luvun lopulla hän hallitsi frotting-tekniikan (Max Ernstin taiteeseen tuoma hankaus) aikakauslehtien valokuvien kääntämiseksi paperille. Rauschenberg käytti sitä luodakseen graafisen syklin 34 kuvituksesta Danten "helvetille" pop-taiteen tyyliin. Vuonna 1962 hän hallitsi silkkipainotekniikan ja loi siihen useita merkittäviä teoksia. Yksi tämän sarjan maalauksista" Tie taivaaseen» ( Skyway, 1964). Siinä popkulttuuriset symbolit (esimerkiksi amerikkalaiset astronautit) elävät yhdessä Rubensin kuvien kanssa.

Rauschenberg on useiden palkintojen voittaja, mukaan lukien: Venetsian biennaalin pääpalkinto, Grammy, Yhdysvaltain kansallinen mitali, Imperial Japanese Prize ja muut.
60- ja 70-luvuilla Rauschenberg oli mukana performanssitaiteen, tapahtumien ja muiden teatteritapahtumien parissa.

1 Pablo Picasso 21587
2 Paul Cezanne 21098
3 Gustav Klimt 20823
4 Claude Monet 20684
5 Marcel Duchamp 20647
6 Henry Matisse 17096
7 Jackson Pollock 17051
8 Andy Warhol 17047
9 Willem de Kooning 17042
10 Pete Mondrian 17028
11 Paul Gauguin 17027
12 Francis Bacon 17018
13 Robert Rauschenberg 16956
14 Georges Braque 16788
15 Wassily Kandinsky 16055
16 Constantin Brancusi 14224
17 Kazimir Malevich 13609
18 Jasper Johns 12988
19 Frida Kahlo 12940
20 Martin Kippenberger 12784
21 Paul Klee
22 Egon Schiele
23 Donald Judd
24 Bruce Nauman
25 Alberto Giacometti
26 Salvador Dali
27 Auguste Rodin
28 Mark Rothko
29 Edward Hopper
30 Lucian Freud
31 Richard Serra
32 Rene Magritte
33 David Hockney
34 Philip Gaston
35 Gehry Cartier-Bresson 8779
36 Pierre Bonnard
37 Jean-Michel Basquiat
38 Max Ernst
39 Diana Arbus
40 Georgia O'Keefe
41 Cy Twombly
42 Max Beckmann
43 Barnet Newman
44 Giorgio de Chirico
45 Roy Lichtenstein 7441
46 Edvard Munch
47 Pierre August Renoir
48 miestä Rei
49 Henry Moore
50 Cindy Sherman
51 Jeff Koons
52 Tracy Emin
53 Damien Hirst
54 Yves Klein
55 Henry Russo
56 Chaim Soutine
57 Archil Gorki
58 Amadeo Modigliani
59 Umberto Boccioni
60 Jean Dubuffet
61 Eva Hesse
62 Edward Willard
63 Carl Andre
64 Juan Gris
65 Lucio Fontana
66 Franz Kline
67 David Smith
68 Joseph Beuys
69 Alexander Calder
70 Louise Bourgeois
71 Marc Chagall
72 Gerhard Richter
73 Balthus
74 Joan Miró
75 Ernst Ludwig Kirchner
76 Frank Stella
77 Georg Baselitz
78 Francis Picabia
79 Jenny Saville
80 Dan Flavin
81 Alfred Stiglitz
82 Anselm Kiefer
83 Matthew Bernie
84 Georges Gros
85 Bernd ja Hilla Becher
86 Sigmar Polke
87 Bryce Marden
88 Maurizio Catellan
89 Saul Levitt
90 Chuck Sulje 2915
91 Edward Weston
92 Joseph Cornell
93 Karel Appel
94 Bridget Riley
95 Aleksanteri Archipenko
96 Anthony Caro
97 Richard Hamilton
98 Clifford Still
99 Luc Tuymans
100 Oldenburgin luokka
101 Eduardo Luigi Paolozzi
102 Frank Auerbach
103 Dinos ja Jake Chapman
104 Marlene Dumas
105 Antoni Tapies
106 Giorgio Morandi
107 Walker Evans
108 Nan Goldin
109 Robert Frank
110 Georges Rouault
111 Arp Hans
112 elokuuta lähettäjä
113 James Rosenquist
114 Andreas Gursky
115 Eugene Atget
116 Jeff Wall
117 Ellsworth Kelly
118 Bill Brandt
119 Christo ja Jean-Claude
120 Howard Hodgkin
121 Joseph Albers
122 Piero Manzoni
123 Agnes Martin
124 Anish Kapoor
125 L. S. Lowry
126 Robert Motherwell
127 Robert Delaunay
128 Stuart Davis
129 Ed Ruscha
130 Gilbert ja George 2729
131 Stanley Spencer
132 James Ensor
133 Fernard Ledger
134 Brassai (Gyula Halas)
135 Aleksanteri Rodtšenko
136 Robert Ryman
137 Ed Reindhard
138 Hans Belmer
139 Isa Genzken
140 Kees van Dongen
141 Ouiji
142 Paula Rego
143 Thomas Hart Benton
144 Hans Hoffman
145 Vladimir Tatlin
146 Odilon Redon
147 George Segal
148 Jörg Imendorf
149 Robert Smithson
150 Peter Doig 2324
151 Ed ja Nancy Kienholz
152 Richard Prince
153 Ansel Adams
154 Naum Gabo 2256
155 Diego Rivera 2239
156 Barbara Hepworth 2237
157 Nicola de Stael 2237
158 Walter de Maria 2229
159 Felix Gonzalez-Torres 2228
160 Giacomo Balla 2225
161 Ben Nicholson 2221
162 Anthony Gormley 2218
163 Lionel Feininger 2216
164 Emil Nolde 2213
165 Mark Wallinger 2211
166 Herman Nietzsch 2209
167 Paul Signac 2209
168 Jean Cruise 2209
169 Kurt Schwitters 2209
170 Grayson Perry 2208
171 Julian Schnabel 2208
172 Raymond Duchamp-Villon 2208
173 Robert Gobert 2208
174 Dwayne Hanson 2208
175 Richard Diebenkorn 2207
176 Apex Katz 2207
177 Alighiero Boetti 2206
178 Henri Gaudier-Brzeska 2206
179 Laszlo Moholy-Nagy 2205
180 Jacques-Henri Lartigue 2205
181 Robert Morris 2205
182 Sarah Lucas 2204
183 Yiannis Kounellis 2204
184 Chris Barden 2204
185 Otto Dix 2203
186 David Bomberg 2203
187 Fishley ja Weiss 2203
188 Augustus John 2203
189 Marsden Hartley 2203
190 Takashi Murakami 2203 arviota

Lainannut
Pidin: 5 käyttäjää

"Jokainen tunteella maalattu muotokuva on pohjimmiltaan muotokuva taiteilijasta, ei hänestä, joka poseerasi hänelle." Oscar Wilde

Mitä taiteilijana oleminen vaatii? Pelkkää teoksen jäljitelmää ei voida pitää taiteena. Taide on sitä, mikä tulee sisältä. Tekijän idea, intohimo, etsinnät, toiveet ja surut, jotka ilmentyvät taiteilijan kankaalle. Koko ihmiskunnan historian aikana on kirjoitettu satoja tuhansia ja ehkä miljoonia maalauksia. Jotkut heistä ovat todellakin mestariteoksia, jotka tunnetaan kaikkialla maailmassa, jopa ihmiset, joilla ei ole mitään tekemistä taiteen kanssa, tuntevat ne. Onko mahdollista erottaa tällaisten maalausten joukosta 25 merkittävintä? Tehtävä on erittäin vaikea, mutta yritimme ...

✰ ✰ ✰

Muistin pysyvyys, Salvador Dali

Tämän kuvan ansiosta Dali tuli kuuluisaksi melko nuorena, hän oli 28-vuotias. Kuvassa on useita muita nimiä - "Pehmeä kello", "Muistin kovuus". Tämä mestariteos on herättänyt monien taidekriitikkojen huomion. Pohjimmiltaan he olivat kiinnostuneita kuvan tulkinnasta. He sanovat, että ajatus Dalin maalauksesta liittyy Einsteinin suhteellisuusteoriaan.

✰ ✰ ✰

Tanssi, Henri Matisse

Henri Matisse ei aina ollut taiteilija. Hän löysi rakkautensa maalaukseen suoritettuaan oikeustieteen tutkinnon Pariisissa. Hän opiskeli taidetta niin innokkaasti, että hänestä tuli yksi maailman suurimmista taiteilijoista. Tässä maalauksessa on hyvin vähän negatiivista taidekritiikkiä. Se heijastaa yhdistelmää pakanallisia rituaaleja, tanssia ja musiikkia. Ihmiset tanssivat transsissa. Kolme väriä - vihreä, sininen ja punainen - symboloivat maata, taivasta ja ihmisyyttä.

✰ ✰ ✰

Suudelma, Gustav Klimt

Gustav Klimtiä kritisoitiin usein siitä, että hän oli alasti maalauksissaan. The Kiss sai kriitikoiden ylistämän, koska se yhdisti kaikki taiteen muodot. Maalaus voisi olla kuva taiteilijasta itsestään ja hänen rakastaan ​​Emiliasta. Klimt maalasi tämän maalauksen bysanttilaisten mosaiikkien vaikutuksesta. Bysanttilaiset käyttivät kultaa maalauksissaan. Samoin Gustav Klimt sekoitti maalejaan kultaa luodakseen oman maalaustyylinsä.

✰ ✰ ✰

Henri Rousseaun Nukkuva mustalainen

Kukaan muu kuin Rousseau itse ei voisi kuvailla tätä kuvaa paremmin. Tässä on hänen kuvaus - "paimentolainen mustalainen, joka laulaa laulujaan mandoliinille, nukkuu väsymyksestä maassa, hänen vieressään makaa juomavesikannu. Ohessa kulkeva leijona tuli haistelemaan häntä, mutta ei koskenut häneen. Kaikki on täynnä kuunvaloa, erittäin runollinen tunnelma." On huomionarvoista, että Henri Rousseau on itseoppinut.

✰ ✰ ✰

Viimeinen tuomio, Hieronymus Bosch

Sen pitemmälle puhumatta kuva on yksinkertaisesti upea. Tämä triptyykki on Boschin suurin säilynyt maalaus. Vasemmassa siivessä on tarina Aadamista ja Eevasta. Keskeinen osa on Jeesuksen "viimeinen tuomio" - kenen pitäisi mennä taivaaseen ja kenen helvettiin. Maa, jonka näemme täällä, on tulessa. Oikealla siivellä on inhottava kuva helvetistä.

✰ ✰ ✰

Kaikki tuntevat Narkissoksen kreikkalaisesta mytologiasta - miehen, joka oli pakkomielle hänen ulkonäöstään. Dali kirjoitti oman tulkintansa Narkissuksesta.

Tarina on tällainen. Kaunis nuori mies Narcissus särki helposti monien tyttöjen sydämet. Jumalat puuttuivat asiaan ja osoittivat hänelle heijastuksensa vedessä rangaistakseen häntä. Narcissus rakastui itseensä ja lopulta kuoli, koska hän ei voinut halata itseään. Sitten jumalat katuivat tehneensä tämän hänelle ja päättivät ikuistaa hänet narsissin kukan muodossa.

Kuvan vasemmalla puolella on Narcissus katselemassa heijastustaan. Sen jälkeen hän rakastui itseensä. Oikeassa paneelissa näkyvät sen jälkeen tapahtuneet tapahtumat, mukaan lukien tuloksena syntynyt kukka - narsissi.

✰ ✰ ✰

Kuvan juoni perustuu raamatulliseen Betlehemin pikkulasten verilöylyyn. Kun tietäjät saivat tietää Kristuksen syntymästä, kuningas Herodes käski tappaa kaikki pienet mieslapset ja vauvat Betlehemissä. Kuvassa verilöyly on huipussaan, viimeiset äideiltä otetut lapset odottavat armotonta kuolemaansa. Näkyvissä ovat myös lasten ruumiit, joille kaikki on jo takana.

Rikkaan värimaailman ansiosta Rubensin maalauksesta on tullut kansainvälisesti tunnettu mestariteos.

✰ ✰ ✰

Pollockin työ eroaa hyvin paljon muiden taiteilijoiden työstä. Hän asetti kankaansa maahan, liikkui kankaan ympärillä ja käveli sen päällä tippuen maalia kankaan päälle tikkuilla, siveltimillä ja ruiskuilla. Tämän taiteellisissa piireissä ainutlaatuisen tekniikan ansiosta hän sai lempinimen "Jack the Sprayer". Tämä maalaus piti jonkin aikaa maailman kalleimman maalauksen titteliä.

✰ ✰ ✰

Tunnetaan myös nimellä Dancing at Le Moulin de la Galette. Tätä maalausta pidetään yhtenä Renoirin iloisimmista maalauksista. Kuvan ideana on näyttää yleisölle pariisilaisen elämän hauska puoli. Kun tarkastelet maalausta tarkemmin, voit nähdä, että Renoir laittoi useita ystäviään kankaalle. Koska kuva näyttää hieman sumealta, Renoirin aikalaiset arvostelivat sitä alun perin.

✰ ✰ ✰

Juoni on otettu Raamatusta. Maalaus "Viimeinen ehtoollinen" kuvaa Kristuksen viimeistä illallista ennen hänen pidättämistään. Hän vain puhui apostoleilleen ja kertoi heille, että yksi heistä kavaltaisi hänet. Kaikki apostolit ovat surullisia ja kertovat hänelle, että se ei todellakaan ole he. Juuri tämän hetken da Vinci kuvasi kauniisti elävän kuvan ansiosta. Suurella Leonardolla kesti neljä vuotta saada tämä maalaus valmiiksi.

✰ ✰ ✰

Monetin "vesi liljat" löytyvät kaikkialta. Olet luultavasti nähnyt niitä taustakuvissa, julisteissa ja taidelehtien kansissa. Tosiasia on, että Monet oli pakkomielle liljoista. Ennen kuin hän alkoi maalata niitä, hän kasvatti näitä kukkia lukemattomia määriä. Monet rakensi japanilaistyylisen sillan puutarhaansa liljalammen yli. Hän oli niin tyytyväinen tekoihinsa, että hän maalasi tämän juonen seitsemäntoista kertaa yhden vuoden aikana.

✰ ✰ ✰

Tässä kuvassa on jotain pahaenteistä ja salaperäistä, sen ympärillä on pelon aura. Vain Munchin kaltainen mestari pystyi kuvaamaan pelkoa paperille. Munch teki The Screamista neljä versiota öljy- ja pastelliväreillä. Munchin päiväkirjan merkintöjen mukaan on melko selvää, että hän itse uskoi kuolemaan ja henkiin. Maalauksessa "The Scream" hän kuvasi itseään hetkellä, jolloin eräänä päivänä ystävien kanssa kävellessä hän tunsi pelkoa ja jännitystä, jonka hän halusi maalata.

✰ ✰ ✰

Maalauksen, jota yleensä kutsutaan äitiyden symboliksi, ei pitänyt olla. Kerrotaan, että Whistlerin malli, jonka piti poseerata maalauksessa, ei tullut paikalle ja hän päätti maalata äitinsä sijaan. Voimme sanoa, että se kuvaa taiteilijan äidin surullista elämää. Tämä tunnelma johtuu tässä maalauksessa käytetyistä tummista väreistä.

✰ ✰ ✰

Picasso tapasi Dora Maarin Pariisissa. Sanotaan, että hän oli älyllisesti lähempänä Picassoa kuin kaikki hänen aiemmat rakastajattarensa. Picasso pystyi kubismin avulla välittämään liikettä työssään. Näyttää siltä, ​​että Maarin kasvot kääntyvät oikealle, Picasson kasvot kohti. Taiteilija teki naisen läsnäolon lähes todelliseksi. Ehkä hän halusi tuntea hänen olevan siellä aina.

✰ ✰ ✰

Van Gogh kirjoitti Starry Nightin ollessaan hoidon aikana, jossa hän sai maalata vain, kun hänen tilansa parani. Aiemmin samana vuonna hän katkaisi vasemman korvalehtensä. Monet pitivät taiteilijaa hulluna. Koko Van Goghin teosten kokoelmasta Starry Night tunnetaan parhaiten, ehkä tähtien ympärillä olevan epätavallisen pallomaisen valon ansiosta.

✰ ✰ ✰

Tässä maalauksessa Manet loi uudelleen Tizianin "Urbinon Venuksen". Taiteilija oli tunnettu prostituoitujen esittämisestä. Vaikka herrat vierailivat tuolloin kurtisaanien luona melko usein, he eivät uskoneet, että kukaan uskaltaisi piirtää heitä. Silloin taiteilijoiden oli parempi maalata kuvia historiallisista, myyttisistä tai raamatullisista teemoista. Manet, vastoin kritiikkiä, näytti kuitenkin yleisölle nykyaikansa.

✰ ✰ ✰

Tämä maalaus on historiallinen kangas, joka kuvaa Napoleonin Espanjan valloitusta.

Saatuaan tilauksen maalauksista, jotka kuvaavat Espanjan kansan taistelua Napoleonin kanssa, taiteilija ei maalannut sankarillisia ja säälittäviä kankaita. Hän valitsi hetken, jolloin ranskalaiset sotilaat teloittivat espanjalaiset kapinalliset. Jokainen espanjalainen kokee tämän hetken omalla tavallaan, joku on jo eronnut, mutta jollekin päätaistelu on juuri tullut. Sota, veri ja kuolema, tätä Goya itse asiassa kuvasi.

✰ ✰ ✰

Kuvatun tytön uskotaan olevan Vermeerin vanhin tytär Maria. Hänen piirteitään on monissa hänen teoksissaan, mutta niitä on vaikea verrata. Tracy Chevalier kirjoitti samannimisen kirjan. Mutta Tracyn versio tässä kuvassa esitetystä on täysin erilainen. Hän väittää ottaneensa tämän aiheen, koska Vermeeristä ja hänen maalauksistaan ​​on hyvin vähän tietoa, ja erityisesti tästä kuvasta on salaperäinen tunnelma. Myöhemmin hänen romaaninsa pohjalta tehtiin elokuva.

✰ ✰ ✰

Maalauksen tarkka nimi on "Kapteeni Frans Banning Kockin ja luutnantti Willem van Ruutenbürgin kiväärikomppanian puhe." Miliisien lisäksi Rembrandt lisäsi kokoonpanoon muutaman lisähenkilön. Ottaen huomioon, että hän osti kalliin talon tämän maalauksen aikoihin, voi hyvinkin olla totta, että hän sai valtavat rojaltit Yövartiosta.

✰ ✰ ✰

Vaikka maalauksessa on itse Velazquezin kuva, se ei ole omakuva. Kankaan päähenkilö on Infanta Margaret, kuningas Philip IV:n tytär. Tämä näyttää hetken, jolloin kuninkaan ja kuningattaren muotokuvan parissa työskentelevä Velazquez joutuu pysähtymään katsomaan Infanta Margaritaa, joka on juuri saapunut huoneeseen seuraseurueensa kanssa. Kuva näyttää lähes elävältä herättäen yleisössä uteliaisuutta.

✰ ✰ ✰

Tämä on ainoa Bruegelin maalaus, joka on maalattu öljyllä, ei temperalla. Maalauksen aitoutta epäillään edelleen, pääasiassa kahdesta syystä. Ensinnäkin hän ei maalannut öljyillä, ja toiseksi viimeaikaiset tutkimukset ovat osoittaneet, että maalauskerroksen alla on huonolaatuinen kaavamainen piirros, joka ei kuulu Bruegelille.

Maalaus kuvaa tarinaa Ikaruksesta ja hänen lankeemuksensa hetkestä. Myytin mukaan Ikaruksen höyhenet kiinnitettiin vahalla, ja kun Ikarus nousi hyvin lähelle aurinkoa, vaha suli ja hän putosi veteen. Tämä maisema inspiroi Whisten Hugh Audenia kirjoittamaan kuuluisimman runonsa samasta aiheesta.

✰ ✰ ✰

Ateenan koulu on ehkä tunnetuin italialaisen renessanssimaalari Rafaelin fresko.

Kaikki suuret matemaatikot, filosofit ja tiedemiehet ovat kokoontuneet saman katon alle tämän seinämaalauksen alle Ateenan kouluun, he jakavat teorioitaan ja oppivat toisiltaan. Kaikki sankarit elivät eri aikoina, mutta Raphael laittoi heidät kaikki samaan huoneeseen. Jotkut hahmoista ovat Aristoteles, Platon, Pythagoras ja Ptolemaios. Tarkemmin tarkasteltuna on selvää, että tässä kuvassa on omakuva Rafaelista itsestään. Jokainen taiteilija haluaisi jättää jälkensä, ainoa ero on muodossa. Vaikka ehkä hän piti itseään yhtenä näistä suurista hahmoista?

✰ ✰ ✰

Michelangelo ei koskaan pitänyt itseään taiteilijana, hän piti itseään aina enemmän kuvanveistäjänä. Mutta hän onnistui luomaan hämmästyttävän hienon freskon, jota ennen koko maailma on hämmästynyt. Tämä mestariteos on Sikstuksen kappelin katossa Vatikaanissa. Michelangelo sai tehtäväkseen maalata useita raamatullisia tarinoita, joista yksi on Aadamin luominen. Tässä kuvassa kuvanveistäjä Michelangelossa on juuri näkyvissä. Adamin ihmiskeho on renderöity uskomattoman tarkasti eloisten värien ja tarkan lihaksikkaan muodon ansiosta. Joten voidaan olla samaa mieltä kirjoittajan kanssa, hän on loppujen lopuksi enemmän kuvanveistäjä.

✰ ✰ ✰

Leonardo da Vincin Mona Lisa

Vaikka se on tutkituin maalaus, "Mona Lisa" on silti salaperäisin. Leonardo sanoi, ettei hän koskaan lopettanut työskentelyä sen parissa. Ainoastaan ​​hänen kuolemansa kerrotaan saaneen työnsä kankaalle valmiiksi. "Mona Lisa" on ensimmäinen italialainen muotokuva, jossa malli on esitetty vyötärölle asti. Mona Lisan iho näyttää hehkuvan useiden läpinäkyvien öljykerrosten käytön ansiosta. Tiedemiehenä Leonardo da Vinci käytti kaikkea tietonsa tehdäkseen La Giocondan kuvasta realistisen. Mitä tulee tarkalleen, kuka kuvassa on kuvattu, se on edelleen mysteeri.

✰ ✰ ✰

Maalaus kuvaa rakkauden jumalatarta Venusta, joka kelluu kuoren päällä länsituulen jumalan Zephyrin puhaltamassa tuulessa. Rannalla hänet kohtaa vuodenaikojen jumalatar Ora, hän on valmis pukemaan vastasyntyneen jumaluuden. Simonetta Cattaneo de Vespuccia pidetään Venuksen mallina. Simonetta Cattaneo kuoli 22-vuotiaana, ja Botticelli halusi tulla haudatuksi hänen viereensä. Hänen kanssaan onneton rakkaus sidoi hänet. Tämä maalaus on hienoin koskaan tehty taideteos.

✰ ✰ ✰

Johtopäätös

Tämä oli artikkeli TOP 25 kuuluisinta maalausta maailmassa... Kiitos huomiosta!

Lainausviesti Taidehistorian tunnetuimmat ja merkittävimmät kuvat maailmasta. | 33 maailmanmaalauksen mestariteosta.

Maalausten alla taiteilijoita, joihin he kuuluvat, on linkit postauksiin.

Miljoonat ihmiset ihailevat suurten taiteilijoiden kuolemattomia maalauksia. Klassinen ja moderni taide on yksi tärkeimmistä inspiraation, maun ja kulttuurikasvatuksen lähteistä kenelle tahansa, jopa luovalle ja vielä enemmän.
Maailmankuuluja maalauksia on varmasti yli 33. Niitä on useita satoja, eivätkä ne kaikki mahtuisi yhteen arvosteluun. Siksi olemme katselun helpottamiseksi valinneet useita maailman kulttuurin kannalta merkittävimpiä maalauksia, joita usein kopioidaan mainoksissa. Jokaisen teoksen mukana on mielenkiintoinen seikka, selitys sen taiteellisesta merkityksestä tai syntyhistoriasta.

Säilytetty Dresdenin vanhojen mestareiden galleriassa.

Kuvassa on pieni salaisuus: kaukaa katsottuna pilviltä näyttävä tausta, tarkkaan tarkasteltuna osoittautuu enkelien päiksi. Ja alla olevassa kuvassa kuvatuista kahdesta enkelistä on tullut lukuisten postikorttien ja julisteiden aihe.

Rembrandt "Yövartio" 1642
Säilytetty Amsterdamin Rijksmuseumissa.

Rembrandtin maalauksen oikea otsikko on "Kapteeni Frans Banning Kokin ja luutnantti Willem van Reitenbürgin kiväärikomppanian puhe." Taidehistorioitsijat, jotka löysivät maalauksen 1800-luvulla, näyttivät siltä, ​​että hahmot ilmestyivät tummaa taustaa vasten, ja sitä kutsuttiin "Yövartioksi". Myöhemmin selvisi, että nokikerros teki kuvan tumman, mutta toiminta tapahtuu itse asiassa päiväsaikaan. Maalaus on kuitenkin jo päässyt maailman taiteen aarteeseen nimellä "Night Watch".

Leonardo da Vinci Viimeinen ehtoollinen 1495-1498
Sijaitsee Santa Maria delle Grazien luostarissa Milanossa.

Teoksen yli 500-vuotisen olemassaolon aikana freskoa on tuhottu toistuvasti: maalauksen kautta tehtiin oviaukko, jonka jälkeen se muutettiin, luostarin ruokasalia, jossa kuva sijaitsee, käytettiin asevarasto, vankila ja pommitettiin. Kuuluisa seinämaalaus on kunnostettu vähintään viisi kertaa, ja viimeinen restaurointi kesti 21 vuotta. Nykyään vierailijoiden on varattava lippunsa ennakkoon nähdäkseen taideteoksen, ja he voivat viettää ruokasalissa vain 15 minuuttia.

Salvador Dali "Muistin pysyvyys" 1931

Tekijän itsensä mukaan maalaus on maalattu Dalin assosiaatioiden seurauksena sulatejuuston nähdessä. Palattuaan elokuvasta, jossa hän meni sinä iltana, Gala ennusti aivan oikein, ettei kukaan "Muistin pysyvyyden" nähtyään unohtaisi sitä.

Pieter Bruegel vanhin "Baabelin torni" 1563
Säilytetty Wienin Kunsthistorisches Museumissa.

Bruegelin mukaan Baabelin tornin rakentamisen epäonnistuminen ei johdu Raamatun tarinan mukaan yhtäkkiä ilmaantuneista kielimuurista, vaan rakennusprosessin aikana tehdyistä virheistä. Valtava rakenne näyttää ensi silmäyksellä varsin kiinteältä, mutta lähemmin tarkasteltuna on selvää, että kaikki kerrokset ovat epätasaisesti aseteltuja, alemmat kerrokset ovat joko keskeneräisiä tai jo murenemassa, itse rakennus kallistuu kohti kaupunkia ja koko projektin näkymät ovat erittäin surulliset.

Kazimir Malevich "Musta neliö" 1915

Taiteilijan mukaan hän maalasi kuvan useita kuukausia. Myöhemmin Malevich teki useita kopioita "Mustasta neliöstä" (joidenkin lähteiden mukaan seitsemän). Yhden version mukaan taiteilija ei pystynyt viimeistelemään maalausta ajoissa, joten hänen piti peittää työ mustalla maalilla. Myöhemmin, yleisön tunnustuksen jälkeen, Malevich kirjoitti uudet "mustat neliöt" jo tyhjille kankaille. Malevich maalasi myös maalaukset "Punainen neliö" (kaksi kappaletta) ja yksi "Valkoinen neliö".

Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin "Punaisen hevosen kylpeminen" 1912
Sijaitsee valtion Tretjakovin galleriassa Moskovassa.

Vuonna 1912 maalattu kuva osoittautui visionääriseksi. Punainen hevonen toimii Venäjän tai Venäjän kohtalona, ​​jota herkkä ja nuori ratsastaja ei voi pitää. siten taiteilija ennusti maalauksellaan symbolisesti Venäjän "punaisen" kohtalon 1900-luvulla.

Peter Paul Rubens "Leukippoksen tyttärien sieppaus" 1617-1618
Säilytetty Münchenin Alte Pinakothekissa.

Maalausta "Leukippoksen tyttärien sieppaus" pidetään rohkean intohimon ja ruumiillisen kauneuden persoonallisuutena. Nuorten vahvat, lihaksikkaat kädet tarttuvat alastomiin nuoriin naisiin ja nostavat heidät hevosilleen. Zeuksen ja Ledan pojat varastavat serkkujensa morsiamia.

Paul Gauguin "Mistä me tulimme? Keitä me olemme? Minne olemme menossa?" 1898
Museum of Fine Artsissa Bostonissa.

Gauguinin itsensä ohjeiden mukaan maalaus tulee lukea oikealta vasemmalle - kolme päähahmoryhmää havainnollistavat otsikossa esitettyjä kysymyksiä. Kolme naista lapsen kanssa edustaa elämän alkua; keskimmäinen ryhmä symboloi kypsyyden päivittäistä olemassaoloa; viimeisessä ryhmässä taiteilijan näkemyksen mukaan "kuolemaa lähestyvä vanha nainen näyttää olevan sovinto ja antautunut ajatuksiinsa", hänen jaloissaan "outo valkoinen lintu ... edustaa sanojen hyödyttömyyttä".

Eugene Delacroix "Vapaus johtaa ihmisiä" 1830
Säilytetty Pariisin Louvressa

Delacroix loi maalauksen, joka perustuu heinäkuun 1830 vallankumoukseen Ranskassa. Kirjeessä veljelleen 12. lokakuuta 1830 Delacroix kirjoittaa: "Jos en taistellut isänmaan puolesta, niin ainakin kirjoitan hänen puolestaan." Kansaa johtavan naisen alaston rintakehä symboloi tuon ajan ranskalaisten omistautumista, joka "paljain rinnoin" meni vihollisen luo.

Claude Monet ”Vaikutus. Nouseva aurinko "1872
Säilytetty Marmottan-museossa Pariisissa.

Teoksen nimestä "Impression, soleil levant" toimittaja L. Leroyn kevyellä kädellä tuli taiteellisen suunnan nimi "impressionismi". Maalaus on maalattu elämästä vanhassa Le Havren esikaupungissa Ranskassa.

Jan Vermeer "Tyttö helmikorvakorulla" 1665
Säilytetty Mauritshuis-galleriassa Haagissa.

Yhtä hollantilaisen taiteilijan Jan Vermeerin kuuluisimmista maalauksista kutsutaan usein pohjoiseksi tai hollantilaiseksi Mona Lisaksi. Maalauksesta tiedetään hyvin vähän: sitä ei ole päivätty, kuvatun tytön nimeä ei tiedetä. Vuonna 2003 Tracy Chevalierin samannimiseen romaaniin perustuva elokuva "Tyttö helmikorvakorulla" kuvattiin, jossa kankaan luomisen historia rekonstruoitiin hypoteettisesti Vermeerin elämäkerran ja perhe-elämän yhteydessä. .

Ivan Aivazovsky "Yhdeksäs aalto" 1850
Säilytetty Pietarissa Venäjän valtionmuseossa.

Ivan Aivazovsky on kansainvälisesti tunnettu venäläinen merimaalari, joka on omistanut elämänsä meren maalaamiseen. Hän loi noin kuusi tuhatta teosta, joista jokainen sai tunnustusta taiteilijan elinaikana. Maalaus "Yhdeksäs aalto" sisältyy kirjaan "100 Great Pictures".

Andrei Rublev "Kolminaisuus" 1425-1427

Andrei Rublevin 1400-luvulla maalaama Pyhän Kolminaisuuden ikoni on yksi tunnetuimmista venäläisistä ikoneista. Kuvake on pystysuora taulu. Tsaarit (Ivan Kauhea, Boris Godunov, Mihail Fjodorovitš) "peittivät" ikonin kullalla, hopealla ja jalokivillä. Nykyään palkkaa säilytetään Sergiev Posadin osavaltion museo-suojelualueella.

Mikhail Vrubel "Istuva demoni" 1890
Säilytetty Tretjakovin galleriassa Moskovassa.

Kuvan juoni on saanut inspiraationsa Lermontovin runosta "Demoni". Demoni on kuva ihmishengen voimasta, sisäisestä taistelusta, epäilystä. Kädet traagisesti ristissä, Demoni istuu valtavat surulliset silmät suunnattuna kaukaisuuteen, ennennäkemättömien kukkien ympäröimänä.

William Blake "Suuri arkkitehti" 1794
British Museumissa Lontoossa.

Maalauksen nimi "Päivän muinainen" on kirjaimellisesti käännetty englannista "ajan muinaiseksi". Tätä lausetta käytettiin Jumalan nimenä. Kuvan päähenkilö on luomishetken Jumala, joka ei luo järjestystä, vaan rajoittaa vapautta ja ilmaisee mielikuvituksen rajoja.

Edouard Manet "Baari Folies Bergèressä" 1882
Courtauld Institute of Artissa Lontoossa.

Folies Bergère on varietee- ja kabaree Pariisissa. Manet vieraili usein Folies Bergèressä ja päätyi maalaamaan tämän maalauksen - viimeisen ennen kuolemaansa vuonna 1883. Baarin takana juovan, syövän, juttelevan ja tupakoivan väkijoukon keskellä seisoo omiin ajatuksiinsa uppoutunut baarimikko katsomassa akrobaattia trapetsilla, joka näkyy kuvan vasemmassa yläkulmassa.

Titian "Maallinen rakkaus ja taivaallinen rakkaus" 1515-1516
Säilytetty Borghese-galleriassa Roomassa.

On huomionarvoista, että maalauksen modernia nimeä ei taiteilija itse antanut, vaan sitä alettiin käyttää vasta kaksi vuosisataa myöhemmin. Siihen asti maalauksella oli useita otsikoita: "Kauneus koristeltu ja koristamaton" (1613), "Kolme tyyppiä rakkautta" (1650), "Jumalliset ja maalliset naiset" (1700) ja lopuksi "Maallinen rakkaus ja taivaallinen rakkaus" "(1792 ja 1833).

Mihail Nesterov "Näky nuorille Bartolomeukselle" 1889-1890
Säilytetty Valtion Tretjakovin galleriassa Moskovassa.

Ensimmäinen ja merkittävin teos Radonežin Sergiukselle omistetusta syklistä. Taiteilija oli elämänsä loppuun asti vakuuttunut siitä, että "Visio nuorille Bartolomeukselle" oli hänen paras työnsä. Vanhuudessaan taiteilija halusi toistaa: "En elä. "Nuori Bartolomeus" elää. Jos nyt kolmenkymmenen, viidenkymmenen vuoden kuluttua kuolemastani hän vielä sanoo jotain ihmisille, se tarkoittaa, että hän on elossa, se tarkoittaa, että minäkin olen elossa."

Pieter Bruegel vanhin "Vertaus sokeista" 1568
Säilytetty Napolin Capodimonte-museossa.

Maalauksen muut nimet ovat "Sokea", "Sokeiden parabola", "Sokea johtaa sokeita". Uskotaan, että kuvan juoni perustuu raamatulliseen vertaukseen sokeista: "Jos sokea johtaa sokeaa, niin he molemmat putoavat reikään."

Viktor Vasnetsov "Alyonushka" 1881
Säilytetty valtion Tretjakovin galleriassa.

Tarina "Sisar Alyonushkasta ja veli Ivanushkasta" otetaan perustana. Aluksi Vasnetsovin maalausta kutsuttiin "Fool Alyonushka". Orpoja kutsuttiin tuolloin "tyhmiksi". "Alyonushka", taiteilija itse myöhemmin sanoi, "näytti elävän päässäni pitkään, mutta todellisuudessa näin hänet Akhtyrkassa, kun tapasin yhden yksinkertaisen tukkaisen tytön, joka iski mielikuvitukseeni. Hänen silmissään oli niin paljon melankoliaa, yksinäisyyttä ja puhtaasti venäläistä surua ... Jonkinlainen erityinen venäläinen henki puhalsi hänestä."

Vincent van Gogh "Tähtinen yö" 1889
Modernin taiteen museossa New Yorkissa.

Toisin kuin useimmat taiteilijan maalaukset, Tähtiyö on kirjoitettu muistista. Van Gogh oli tuolloin Saint-Remyn sairaalassa hulluuden kohtausten piinaamana.

Karl Bryullov "Pompejin viimeinen päivä" 1830-1833
Säilytetty Venäjän valtionmuseossa Pietarissa.

Maalaus kuvaa kuuluisaa Vesuviuksen purkausta vuonna 79 jKr. NS. ja Napolin lähellä sijaitsevan Pompejin kaupungin tuhoutuminen. Maalauksen vasemmassa kulmassa oleva taiteilijan kuva on tekijän omakuva.

Pablo Picasso "Girl on the Ball" 1905
Säilytetty Pushkin-museossa Moskovassa

Maalaus päätyi Venäjälle teollisuusmies Ivan Abramovitš Morozovin ansiosta, joka osti sen vuonna 1913 16 000 frangilla. Vuonna 1918 I.A.Morozovin henkilökohtainen kokoelma kansallistettiin. Tällä hetkellä maalaus on Valtion taidemuseon A.S.:n kokoelmassa. Pushkin.

Leonardo da Vinci "Madonna Litta" 1491

Säilytetty Eremitaašissa Pietarissa.

Maalauksen alkuperäinen nimi on "Madonna ja lapsi". Maalauksen nykyaikainen nimi tulee sen omistajan nimestä - kreivi Litta, Milanon perhetaidegallerian omistaja. Oletuksena on, että vauvan hahmoa ei maalannut Leonardo da Vinci, vaan se kuuluu erään hänen oppilaansa siveltimeen. Tämän todistaa kirjailijan tavalle epätavallinen vauva-ase.

Jean Ingres "Turkkilaiset kylpylät" 1862
Säilytetty Pariisin Louvressa.

Ingres maalasi tämän kuvan ollessaan jo yli 80-vuotias. Tällä kuvalla taiteilija tiivistää eräänlaisen tiivistelmän uimareiden kuvista, joiden teema on ollut hänen työssään pitkään. Aluksi kangas oli neliön muotoinen, mutta vuosi sen valmistumisen jälkeen taiteilija muutti sen pyöreäksi kuvaksi - tondoksi.

Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky "Aamu mäntymetsässä" 1889
Säilytetty Tretjakovin galleriassa Moskovassa

"Aamu mäntymetsässä" - venäläisten taiteilijoiden Ivan Shishkinin ja Konstantin Savitskyn maalaus. Savitsky maalasi karhuja, mutta keräilijä Pavel Tretjakov, kun hän hankki maalauksen, pyyhki allekirjoituksensa, joten nyt vain Shishkin on merkitty maalauksen tekijäksi.

Mikhail Vrubel "Jotsenprinsessa" 1900
Säilytetty valtion Tretjakovin galleriassa

Kuva on kirjoitettu N. A. Rimski-Korsakovin "Tsaari Saltanin tarina" -oopperan sankarittaren näyttämökuvan perusteella, joka perustuu A. Pushkinin samannimiseen sadun tarinaan. Vrubel loi vuoden 1900 oopperan ensiesitykset, luonnokset maisemista ja puvuista, ja hänen vaimonsa lauloi Joutsenprinsessan osan.

Giuseppe Arcimboldo "Keisari Rudolf II:n muotokuva Vertumnuksena" 1590
Sijaitsee Skoklosterin linnassa Tukholmassa.

Yksi harvoista säilyneistä taiteilijan teoksista, joka teki muotokuvia hedelmistä, vihanneksista, kukista, äyriäisistä, kaloista, helmistä, soittimista ja muista soittimista, kirjoista ja niin edelleen. "Vertumnus" on muotokuva keisarista, jota esitettiin muinaisena roomalaisena vuodenaikojen, kasvillisuuden ja muutoksen jumalana. Maalauksessa Rudolph koostuu kokonaan hedelmistä, kukista ja vihanneksista.

Edgar Degas "Blue Dancers" 1897
Sijaitsee taidemuseossa. A.S. Pushkin Moskovassa.

Sandro Botticelli "Venuksen syntymä" 1486
Säilytetty Firenzessä Uffizi-galleriassa

Maalaus havainnollistaa myyttiä Afroditen syntymästä. Alaston jumalatar kelluu rantaan avoimessa kuoressa tuulen ohjaamana. Kuvan vasemmalla puolella Zephyr (länsituuli), vaimonsa Chloridan käsivarsissa, puhaltaa kuoreen luoden kukkien täyttämän tuulen. Rannalla jumalattaren kohtaa yksi armoista. "Venuksen syntymä" on säilynyt hyvin sen ansiosta, että Botticelli levitti maalaukseen suojakerroksen munankeltuaista.

100 upeaa maalausta (osa 1)

Suuret kankaat ovat aina ajan peili, riippumatta siitä, minkä monimutkaisen allegorisen muodon taiteilija niille laittaa. Jokainen kuva ei ole katsojalle selvä ensisilmäyksellä, osa niistä vaatii tarkkaa huomiota, ymmärrystä, koulutusta ja tietoa.

Haluamme verkkosivuillamme paitsi kertoa maailman maalauksen tunnetuimmista teoksista, myös tarjota jokaiselle mahdollisuuden tilata laadukas jäljennös suosikkimestariteoksensa luonnolliselle kankaalle.

Jan van Eyck(1390-1441) pidetään 1400-luvun suurimpana hollantilaisena maalarina, joka loi pohjan alttarimaalauksen realistiselle perinteelle. Alunperin pienestä hollantilaisesta Maas-joen kylästä kotoisin, vuonna 1422, kun hän oli jo arvostettu mestari, hän astui Baijerin kreivi Johanneksen palvelukseen ja osallistui vuoteen 1424 saakka kreivin palatsin sisustamiseen Haagissa. Vuonna 1425 Van Eyck muutti Lilleen, missä hänestä tuli Burgundin herttua Filip III Hyvän hovimaalari. Taiteilijaa suuresti arvostaneen herttuan hovissa hän ei vain maalannut kuvia, vaan suoritti myös monia diplomaattisia tehtäviä, lähteen toistuvasti Espanjaan ja Portugaliin.

Vuonna 1431 Van Eyck muutti Bruggeen, jossa hän asui päiviensä loppuun asti tehden töitä sekä hovimaalarina että kaupungin taiteilijana. Eniten säilyneitä teoksia on mestari kirjoittanut hänen ollessaan Burgundin herttuan palveluksessa.

Yksi Van Eyckin tunnetuimmista teoksista, Arnolfini Portrait, on Lontoon National Galleryn kokoelmassa. Kahden rikkaan nuoren hääseremoniaa kuvaavassa maalauksessa taiteilija löysi tilaa useille symboleille - esimerkiksi koiralle vastaparin jaloissa, uskollisuuden symbolille. Sävellyksen takana seinällä roikkuvassa pyöreässä peilissä heijastuu kaksi - ilmeisesti häiden todistajia. Yhdessä niistä taiteilija kuvasi itsensä, kuten peilin yläpuolella oleva kirjoitus sanoo. Taiteilija esitti tuoreen avioparin täyspitkän. Taidemaalari kuvaa rakastavasti vastaparia ympäröiviä asioita. Nämä esineet kertovat paljon omistajiensa elämäntyylistä korostaen heidän porvarillisia hyveitään - säästäväisyyttä, vaatimattomuutta, järjestyksen rakkautta.

Yllä kuvatun kuvan sisältö on vain yleisin versio, mutta joillekin tutkijoille houkuttelee toinen: Tämä on taiteilijan omakuva. Vuonna 1934 kuuluisa itävaltalainen taidekriitikko Erwin Panofsky ehdotti, että maalaus ei kuvaa häitä, vaan kihlausta. Lisäksi todettiin, että Giovanni Arnolfinilla ja hänen vaimollaan ei ollut, ja kuvassa oleva nainen selvästi odottaa perheenlisäystä ja Marguerite van Eyck (taiteilijan sisar) synnytti pojan 30. kesäkuuta , 1434.

Joten kuka on kuvan sankari? Vai onko se todella perhekohtaus, ei mukautettu muotokuva? Toistaiseksi kysymys on auki...

Van Eyck esittelee katsojan ihmisten yksityiselämään ja näyttää arjen kauneuden. Tällä hän avasi kuvataiteen uusia, realistisia mahdollisuuksia, jotka toteutuivat täysin vasta 1600-luvulla, jolloin Hollannissa syntyi monia vastaavia maalauksia.

Tämä taiteilijan suurin luomus, kuten hänen "keväänsä", yli kolmensadan vuoden ajan, oli syvässä unohduksissa hiljaisessa Villa Castellossa Firenzen läheisyydessä. Kuva huomattiin vasta viime vuosisadan puolivälissä, kun esirafaeliittimaalarit Milles ja Rossetti löysivät Botticellin uudelleen yhdeksi Italian harvinaisimmista kyvyistä 1400-luvulla.

Venuksen syntymä on kirjoitettu Lorenzo di Pierfrancesco Medicille, Lorenzo Suuren serkkulle ja Botticellin tärkeimmälle suojelijalle. Firenzeä, jossa taiteilija vietti suurimman osan elämästään, hallitsi voimakas Medici-perhe. Kuvan juoni liittyy Lorenzo Medicin hovin kulttuuriin, joka on täynnä uusplatonismin filosofiaa. Tämä on Polizianon säkeistöjen ja Lorenzo the Magnificentin sonettien aikaa, turnausten ja karnevaalikulkueiden aika oli Botticellin kukoistusaika.

Syntymässä Sandro Botticelli esitti Aphrodite Urania - taivaallisen Venuksen, Uranuksen tyttären, kuvan, joka syntyi merestä ilman äitiä. Kuva ei kuvaa niinkään itse syntymää, kuin sitä seurannetta hetkeä, jolloin Venus saavuttaa ilman nerojen hengityksen ohjaamana luvatun rannan. Alaston hahmon kauneuden kruunaa nymfi Ora, joka on luonnon ruumiillistuma, hän on valmis peittämään sen viitalla. Ora on yksi kolmesta vuoresta, vuodenaikojen nymfi. Tämä vuori, päätellen sen vaatteiden peittävistä kukista, holhoaa vuodenaikaa, jolloin Venuksen voima saavuttaa huippunsa. Ehkä tämä maalaus on saanut inspiraationsa yhdestä Homeroksen hymnistä, joka kuvaa kuinka Zephyr, länsituulen jumala, toi Venuksen Kyproksen saarelle, jonne vuoret veivät hänet.

Lorenzo Medici -piirin mukaan rakkauden jumalatar Venus on myös ihmiskunnan jumalatar. Hän opettaa ihmisille järkeä, rohkeutta, hän on harmonian äiti, joka on syntynyt aineen ja hengen, luonnon ja idean, rakkauden ja sielun liitosta.

Maailman kuuluisin maalaus, Leonardo da Vincin "Mona Lisa", on Louvressa.

Mona Lisa luotiin vuosina 1503-1506 ja valmistui vuonna 1510. Vielä on epäselvää, kuka tarkalleen poseerasi suurelle mestarille. Taiteilija sai maalauksen tilauksen firenzeläiseltä silkkikauppiaalta Francesco del Giocondolta, ja useimmat historioitsijat ja taidehistorioitsijat uskovat, että muotokuvassa on Giocondon vaimo Lisa Gherardini, joka tilasi muotokuvan heidän toisen poikansa syntymän kunniaksi. , joka syntyi joulukuussa 1502. Siitä huolimatta 500 vuoden ajan on kiistelty siitä, kuka todella on kuvattu tässä kuuluisassa maalauksessa.

Sana "Mona" on todennäköisesti lyhennetty muoto sanoista "monna" tai "mia donna", eli "milady" tai "madam". Ranskaksi sitä kutsutaan nimellä "La Joconde" ja italiaksi - "La Gioconda" (hyvää), mutta tämä on vain sanaleikkiä, yhteensopivuus kuvan prototyyppinä toimineen nimen kanssa.

Muotokuva on erinomainen esimerkki Leonardin suosikkitekniikasta, niin sanotusta sfumatosta - "savuisesta chiaroscurosta", lempeästä puolivalosta pehmeällä sävyvalikoimalla, jotka näyttävät hieman sumeilta ja sulautuvat sulavasti toisiinsa. Samalla Leonardo merkitsee suun ja silmän kulmat niin tarkasti ja suloisesti, että kuva saa todella upean laadun.

Jotkut tutkijat väittävät, että maalaus on omakuva Leonardosta itsestään, joka antoi ulkonäköönsä naisellisia tai jopa hermafrodiittisia piirteitä. Ja todellakin, jos poistat karvat Mona Lisan kuvasta, saat oudot seksittömät kasvot. Tämän hypoteesin vahvistivat riippumattomien tutkijoiden tekemä työ - Lillian Schwartz Bell Labs -laboratoriosta ja Digby Questy Maudsley-klinikalta Lontoosta, jotka vahvistivat hypoteesin, että Leonardo voisi esittää itsensä Mona Lisan kuvassa. Tutkijat ovat vertailleet erityisten tietokoneohjelmien avulla "Mona Lisa" ja omakuvaa Leonardosta, joka on tehty hänen ollessaan jo kunnioitettavassa iässä. Tulos on hämmästyttävä. Mona Lisa osoittautui melkein peilikuvaksi suuren mestarin kasvoista. Melkein kaikki kasvonpiirteet sopivat yhteen täydellisesti, mukaan lukien nenän kärki, huulet ja silmät.

Vuonna 1911 museossa puuseppänä työskennellyt italialainen Vincenzo Perugia varasti Mona Lisan Louvresta. Hän yksinkertaisesti otti maalauksen ulos galleriasta ja piilotti sen vaatteiden alle. Kuuluisa maalaus löydettiin vasta vuonna 1913, kun sieppaaja yritti myydä sen tietylle keräilijälle. Sitä ennen Leonardon mestariteosta pidettiin kaksoispohjaisessa matkalaukussa. Hyökkääjä selitti tekonsa sanomalla, että hän halusi palauttaa Italiaan maalauksen, jonka Napoleon Bonaparte oli ottanut laittomasti pois.

Robert Cummingin teoksesta The Great Artists:
"Laajalti "Dresdenin Venuksena" tunnettu maalaus oli äärimmäisen omaperäinen, vertaansa vailla klassisessa antiikin taiteessa. Teos osoittaa taiteilijan kiinnostuksen uuteen kauneusihanteeseen, jossa runollinen tunnelma ylittää rationaalisen sisällön.
Tästä makuuasennosta on tullut yksi eurooppalaisen maalauksen suosituimmista kuvista. Giorgione kuvaa hahmoa, joka nukkuu puun alla silmät ummessa, uppoutuneena unisiin ja tietämättä, että häntä tarkkaillaan. Lähes kaikki tämän teeman myöhemmät muunnelmat kuvaavat häntä hereillä. Erityisesti Manet "Olympiassaan" kuvasi "Venusta" tarjoamassa seksipalveluita.
Venuksen pehmeät sävyt ja pyöristetyt muodot puhuvat Leonardo da Vincin vaikutuksesta, se arvataan myös verhojen taitteiden ratkaisussa. "Venus of Dresden" kirjoitettiin yhdessä vuosikymmenessä "Mona Lisassa" - ja molemmat aiheuttivat välittömästi monia kopioita ja jäljitelmiä.
Taitavasti renderöity chiaroscuro ja loistavien verhojen häikäisy osoittavat Giorgionen öljymaalaustekniikan hallintaa.
Vartalon sileät ääriviivat lisäävät syvän unen tunnetta ja kutsuvat ikään kuin hyväilemään vartaloasi yhdellä silmäyksellä.
Kuvan eroottinen luonne viittaa siihen, että maalaus on tilattu yksityiseen makuuhuoneeseen.
Röntgenkuvat ja 1800-luvun entisöijien muistiinpanot osoittavat, että Giorgione kuvasi alun perin (tai aikoi kuvata) Cupidon hahmon kankaan oikealla puolella.
Huhujen mukaan Giorgione ei päässyt viimeistelemään maalausta elämänsä aikana, ja uskotaan, että tilaus maiseman viimeistelystä annettiin Titianille. "kerroksinen" maisema ja siniset kukkulat horisontissa ovat ominaisia ​​Tizianin varhaiselle tyylille. Kilpailijan ennenaikainen kuolema vaikutti Titianin tähden nousuun."

I. Bosch osoittautui erittäin vaikeaksi taiteilijaksi, vieläkään ei ole vakiintunutta näkemystä hänen maalaustensa juonteiden ja yksittäisten kuvien tulkinnasta.
Keskiajan taiteilijoille (ja myös heidän katsojilleen) kaikilla esineillä ja ilmiöillä oli symbolinen merkitys, jokainen esine sai oman symbolisen tulkinnan Raamatun teksteistä. Joten esimerkiksi lähteen lauseesta: "Jumalan sana on vahva kuin leijona", leijonaa pidettiin kristillisen uskon kaikkivaltiuden symbolina, koska leijonahahmot koristavat monien romaanisten katedraalien portaaleja. Ranskassa ja Italiassa 1200-1300-luvun kuvanveistäjät asettivat leijonat kirkon saarnatuolien juurelle ... Boschin töistä on ehkä meidän aikanamme vaikea havaita suoraan, että taiteilija käytti perinteisten (kaikkien tuntemien) keskiaikaisten symbolien lisäksi myös muuta symboliikkaa - vähemmän tutkittua ja vaikeasti tulkittavaa.
Boschin taiteellinen kieli ei koskaan sopinut täysin keskiaikaisiin symbolisiin tulkintoihin. Taiteilija käytti usein tiettyjä symboleja päinvastaisessa merkityksessä kuin yleisesti hyväksytty ja keksi myös uusia symboleja. Ehkä siksi häntä kutsuttiin "synkäksi tieteiskirjailijaksi", "painajaisten kunniaprofessoriksi", mutta nykyaikaiset surrealistit pitivät Boschin henkisenä isänä ja edelläkävijänä. Esimerkiksi yksi näistä kohtauksista. Rakastunut pariskunta jäi eläkkeelle läpinäkyvässä kuplassa. Hieman korkeammalla nuori mies halaa valtavaa pöllöä, kuplan oikealla puolella keskellä uima-allasta, vedessä, toinen mies seisoo päänsä päällä, jalat erillään, joiden väliin linnut ovat rakentaneet pesän. Ei kaukana hänestä nuori mies, joka nojautuu ulos vaaleanpunaisesta ontosta omenasta rakkaansa kanssa, ruokkii hirviömäisen rypäletertun ihmisille, jotka seisovat kaulaansa asti vedessä. Tämä on "Maallisten ilojen puutarha" - yksi Hieronymus Boschin kuuluisimmista maalauksista.
Hänen vuonna 1503 luomansa Hieronymus Boschin triptyykki "Maallisten ilojen puutarha" tai "Ilojen puutarha" (jota kutsutaan usein "Bosch-teokseksi"), ja siinä hänen alkuperäinen näkemyksensä maailmasta ilmeni täysin. Maalauksen nimi annettiin jo modernissa kirjallisuudessa, ja 1500-luvun toisella puoliskolla, kun se joutui kuningas Filip II:n omistukseen, sitä kutsuttiin "Maailman monimuotoisuudeksi", 1600-luvulla sitä kutsuttiin nimeltään "Turhamaisuus ja kunnia".
Tämän triptyykin vasemmalla puolella on kuvattu paratiisi, oikealla helvetti, ja niiden väliin asetettiin kuva maallisesta olemassaolosta. "Ilojen puutarhan" vasen puoli kuvaa kohtausta "Eevan luomisesta", ja itse Paradise kimaltelee ja hohtaa kirkkain, kimaltelevin värein. Taustalla upea Paratiisin maisema. täynnä erilaisia ​​eläimiä ja kasveja, mestari näyttää heräävän Aadamin Juuri herännyt Aadam nousee maasta ja katsoo hämmästyneenä Eevaa, jota Jumala näyttää hänelle. Kuuluisa taidekriitikko Ch. De Tolnay huomauttaa, että Adamin yllättynyt katse ensimmäiseen naiseen on jo askel synnin tiellä. Ja Aadamin kylkiluusta otettu Eeva ei ole vain nainen, vaan myös viettelyn väline. Rauhan ja synnittömän miehen ja synnin siemeniä kantavan naisen välinen ristiriita toistuu heitä ympäröivässä luonnossa. Salaperäisellä oranssilla kivellä kasvanut kitukasvuinen palmu on vinosti vastapäätä kukkivaa palmua. Useat tapahtumat heittävät synkän varjon eläinten rauhalliseen elämään: leijona nielee peuran, villisika jahtaa salaperäistä petoa. Ja kaiken tämän yläpuolella kohoaa Elämän Lähde - kasvin ja marmorikiven yhdistelmä, kelluva goottilainen rakennelma pienen saaren tummansinisille kiville. Aivan sen huipulla on vielä tuskin havaittava puolikuu, mutta jo sen sisältä, kuin mato, kurkistaa ulos pöllö - onnettomuuden sanansaattaja.
Triptyykin keskiosa - itse "Maallisten ilojen puutarha" - kuvaa suurenmoista maisemaa, joka on peitetty alastomilla miesten ja naisten hahmoilla. Luonnonvastaiset eläimet, linnut, kalat, perhoset, levät, valtavat kukat ja hedelmät sekoittuvat ihmishahmoihin . kolme kuvaa: etualalla näytetään "eri ilot", toinen on kiireinen lukuisten ratsasmiesten kavalkadin kanssa, joka ratsastaa eri eläimillä, kolmas (kauimpana) kruunaa sininen taivas, jossa ihmiset lentävät siivekkäiden kalojen päällä ja avustuksella Näyttäisi siltä, ​​että tällaisen maiseman taustalla ei mikään voi olla siveämpää kuin ihmisparien rakkausleikit. Mutta kuten psykoanalyysi (psykiatri R. Khaikin jopa ehdotti psykopatologisen analyysin suorittamista I. Boschin työstä), tuon ajan unelmakirjat paljastavat näiden maallisten nautintojen todellisen merkityksen: kirsikat, mansikat, mansikat ja viinirypäleet, joita ihmiset syövät sellaisella ilolla, symboloivat syntistä seksuaalisuutta, riistetty jumalallisen rakkauden valo; omenavene, jossa rakastajat jäävät eläkkeelle, muoto muistuttaa naisen rintaa; linnuista tulee himon ja irstailun personifikaatio, kaloista - levoton himon symboli, kuori on naisellinen periaate.
Kuvan alaosassa nuori mies syleili valtavaa mansikkaa. Tämän kuvan merkitys tulee meille selväksi, jos muistamme, että mansikka toimi puhtauden ja neitsyyden symbolina länsieurooppalaisessa taiteessa. Kohtaus, jossa viinirypäleterttu uima-altaassa on ehtoollinen, ja jättiläinen pelikaani, joka poimii kirsikka (aistillisuuden symboli) pitkästä nokastaan, kiusoi sillä fantastisen kukan silmussa istuvia ihmisiä. Pelikaani itse symboloi rakkautta lähimmäiseen. Taiteilija antaa kristillisen taiteen symboleille usein konkreettisen aistillisen soundin ja siirtää ne aineelliselle ja ruumiilliselle tasolle.
Hieronymus Bosch luo hämmästyttävän maailman lyhytaikaisista haluista ja aistillisista nautinnoista: aloe puree paljaaseen lihaan, koralli tarttuu lujasti kehoon, kuori napsahtaa kiinni ja muuttaa rakkausparin vangiksi. Aviorikoksen tornissa, joka kohoaa Himojärvestä ja jonka keltaoranssit seinät kimaltelevat kuin kristalli, petetty aviomiehet nukkuvat sarvien keskellä. Teräksenvärinen lasipallo, jossa rakastajat nauttivat hyväilyistä, jonka päällä on puolikuun kruunu ja vaaleanpunaiset marmorisarvet. Pallo ja lasikello, jotka suojaavat kolmea syntistä, kuvaavat hollantilaista sananlaskua. "Onnellisuus ja lasi - kuinka lyhytikäisiä ne ovatkaan!" Ne ovat myös symboleja synnin harhaoppisesta luonteesta ja sen maailmalle tuomista vaaroista.
Triptyykin oikea siipi - Helvetti - on tumma, synkkä, hälyttävä, erillisillä valon välähdyksellä, joka lävistää yön pimeyden, ja syntisten kanssa, joita kidutetaan jättimäisillä soittimilla. Helvetin keskustassa on valtava Saatanan hahmo, tämä on hänen sukulaisensa "opas" helvettiin - tärkein "tarinankertoja", jolla on kuolemanvaaleat kasvot ja ironinen hymy ohuilla huulillaan. Sen jalat ovat onttoja puunrunkoja, ja niitä tukee kaksi laivaa. Saatanan ruumis on avattu munankuori, hatun reunassa demonit ja noidat joko kävelevät tai tanssivat syntisten sielujen kanssa... Tai he johdattavat luonnottomaan syntiin syyllistyneitä valtavan säkkipillin (miehisyyden symboli) ympärille. yksi syntinen ristiinnaulittiin lävistämällä hänet harpun kieleillä; hänen vieressään punavartaloinen demoni johtaa helvetin orkesterin tapaamista toisen syntisen pakaraan kirjoitettujen nuottien yli. Demoni istuu syöttötuolissa ja rankaisee ahmattia ja ahmattimia. Hän työnsi jalkansa olutkannuihin, ja hänen linnun päähän laitetaan keilahattu. Ja hän rankaisee syntisiä ahmimalla heidät.
Helvetin ovi edustaa lankeemuksen kolmatta vaihetta, jolloin maa itse muuttui helvetiksi. Aiemmin syntiä palvelleista esineistä on nyt tullut rangaistuksen välineitä. Näillä syyllisen omantunnon kimeeroilla on kaikki unen seksuaalisten symbolien erityismerkitys. Jänis (kuvassa se ylittää kokonsa ihmisen) oli kristinuskossa sielun kuolemattomuuden symboli. Boschissa hän soittaa torvea ja laskee syntisen pään helvetin tuleen. Jättiläiset korvat ennustavat epäonnea. Valtava avain, jonka munkki on kiinnittänyt varteen, paljastaa viimeksi mainitun halun mennä avioliittoon, mikä on kielletty papiston jäseniltä. Hirviön sisällä on taverna, jonka päällä leijuu banneri - kaikki samat säkkipillit. Jonkin matkan päässä mies istuu melankolisessa tilassa ja kumartuu kaaokseen. Jos näemme hänessä itse Hieronymus Boschin piirteet, koko kuva voi ilmestyä katsojan eteen eri valossa: taiteilija itse keksi tämän painajaisen, kaikki nämä tuskat ja piinat ovat sitoutuneet hänen sielussaan. Jotkut taidehistorioitsijat vaativat tätä, esimerkiksi jo mainittu C. de Tolnay. Bosch oli kuitenkin syvästi uskonnollinen henkilö, eikä hän voinut edes ajatella sijoittuvansa helvettiin. Todennäköisesti taiteilija tulisi etsiä niiden kuvien joukosta, jotka kantavat valoa ja hyvää hänen maalauksissaan, ei turhaan kuulunut Jumalanäidin veljeskuntaan.
Aikalaisillemme The Garden of Pleasure -elokuvan hahmojen toiminta on suurelta osin käsittämätöntä, mutta Boschin aikalaisten kannalta (kuten edellä mainittiin) ne olivat täynnä syvää symbolista merkitystä. Hänen maalauksensa (mukaan lukien Maallisten ilojen puutarha) pelottavat katsojaa usein luonnottomalla yhteensopivuudella yhden ihmisen ja eläimen, elävän ja kuolleen hahmossa, ja samalla ne voivat huvittaa. Hänen hahmonsa ovat samanlaisia ​​kuin painajaismaiset kuvat Apokalypsista ja samalla - karnevaalin iloisia paholaisia. Kaikilla "maallisten ilojen puutarhan" merkityksen monilla tulkinnoilla ei kuitenkaan yksikään niistä voi
peittää kokonaan kuvan kaikki kuvat.

Tämä alttaritaulu on viimeinen Rafaelin tärkeimmistä teoksista, jotka on omistettu hänen suosikkiteemalleen. Jo luovuuden alkuvaiheessa hän kääntyi Madonnan ja lapsen kuvan puoleen ja löysi joka kerta uuden lähestymistavan. Rafaelin nerouden hallitseva luonne ilmeni halussa jumaluuteen, maallisen, inhimillisen muuttamiseen ikuiseksi, jumalalliseksi.
Näyttää siltä, ​​että esirippu on juuri avautunut ja uskovien silmille avautui taivaallinen näky - Neitsyt Maria kävelee pilvellä Jeesus-vauva sylissään. Madonna pitää Jeesusta luottavaisesti luokseen äidillisesti, välittävästi ja huolellisesti. Rafaelin nero näytti vangineen jumalallisen vauvan taikaympyrään, jonka muodostavat Madonnan vasen käsi, hänen virtaava hunnu ja Jeesuksen oikea käsi. Hänen katseensa, joka on suunnattu katsojan läpi, on täynnä ahdistunutta ennakointia poikansa traagisesta kohtalosta. Madonnan kasvot ovat muinaisen kauneusihanteen ruumiillistuma yhdistettynä kristillisen ihanteen henkisyyteen.
Paavi Sixtus II, marttyyri vuonna 258 jKr ja pyhitetty, pyytää Marialta esirukousta kaikkien puolesta, jotka rukoilevat häntä alttarin edessä. Pyhän Barbaran asento, hänen kasvonsa ja alas laskenut katse ilmaisevat nöyryyttä ja kunnioitusta. Kuvan syvyyksissä, taustalla, tuskin erottuvana kultaisessa sumussa, enkelien kasvot arvaavat hämärästi, mikä lisää yleistä ylevää tunnelmaa. Kahden etualalla olevan enkelin katseet ja eleet ovat suunnattu Madonnan suuntaan. Näiden siivekkäiden poikien läsnäolo, jotka muistuttavat enemmän mytologisia amoreja, antaa kankaalle erityistä lämpöä ja inhimillisyyttä.
Rafael tilasi Sikstuksen Madonnan vuonna 1512 alttaritauluksi Pyhän Sixtuksen luostarin kappeliin Piacenzassa. Paavi Julius II, joka oli tuolloin vielä kardinaali, keräsi varoja kappelin rakentamiseen, jossa säilytettiin Pyhän Sixtuksen ja Pyhän Barbaran pyhäinjäännöksiä.
Venäjällä, varsinkin 1800-luvun ensimmäisellä puoliskolla, Rafaelin "Siktuksen Madonna" oli erittäin arvostettu, hänelle on omistettu erilaisten kirjailijoiden ja kriitikkojen, kuten V. A. Zhukovsky, V. G. Belinsky, N. P. Ogarev, innostuneet rivit. Belinsky kirjoitti Dresdenistä V. P. Botkinille ja jakoi hänen kanssaan vaikutelmiaan Sikstuksen Madonnasta: ”Mikä jalo, mikä siveltimen armo! Et voi saada tarpeeksesi siitä! Muistin tahattomasti Pushkinin: sama jalo, sama ilmaisun armo, samalla ääriviivan ankaruudella! Ei turhaan, että Pushkin rakasti Rafaelia niin paljon: hän on luonteeltaan hänen sukulaisensa." Kahden suuren venäläisen kirjailijan, L. N. Tolstoin ja F. M. Dostojevskin, toimistoissa oli Sikstuksen Madonnan jäljennöksiä. FM Dostojevskin vaimo kirjoitti päiväkirjaansa: "Fjodor Mihailovitš, ennen kaikkea maalauksessa, laittoi Rafaelin teokset ja tunnusti" Sikstuksen Madonnan "korkeimmaksi työkseen.
Carlo Maratti ilmaisi yllätyksensä Rafaelin edessä seuraavasti: "Jos he näyttäisivät minulle kuvan Rafaelista, enkä tietäisi hänestä mitään, jos he kertoisivat minulle, että tämä oli enkelin luomus, uskoisin sen" .
Goethen suuri mieli ei vain arvostanut Rafaelia, vaan löysi hänen arviolleen myös osuvan ilmaisun: "Hän teki aina sitä, minkä muut vain haaveilivat luoda."
Tämä on totta, koska Rafael ilmensi teoksissaan paitsi ihanteen halua, myös kuolevaisten saatavilla olevan ihanteen.

N. Ioninan kirjasta "100 upeaa kuvaa":

Augsburg, jossa koko espanjalainen hovi ja monet saksalaiset ruhtinaat kokoontuivat tuolloin. Augsburgissa Titian maalasi valtavan ratsastusmuotokuvan Kaarle V:stä aamuna ennen taistelua, jossa hallitsija voitti yhden loistavimmista voitoistaan. Tämä muotokuva yllätti Tizianin aikalaisia ​​odottamattomuudellaan: oli outoa nähdä keisari - ohut nojatuolidiplomaatti ja melankolinen - ritarin ja sankarin muodossa keihäs kädessään, kohotettu visiiri, laukkaamassa yksin peltojen välissä. . Mutta tämä oli monarkin tahto.
Mühlbergin taistelussa tämä katolisuuden fanaatikko vaikutti jonkinlaisesta hurmiosta: hän ei johtanut taistelua kaukaa, istuen paareilla linnoitusten suojeluksessa. Hän ryntäsi joukkojensa edellä hyökkäämään ja jopa ylitti vaarallisen Elben kaakelman vetäen everstinsä mukanaan. Titian ikuistaa tämän ikimuistoisen päivän ja keisarin ainoan sankariteon. Muotokuva ei kuvaa synkkää, hiljaista ja sairasta Kaarle V:tä, kuten hänestä sanotaan aikalaistensa tarinoissa. Tämä ei ole Karl, jota sama Titian esitti muotokuvassa, joka on nyt Münchenin Pinakothekin museossa. Tämä ei ole säälittävä raunio, ei ovela ovela mies, ei surullinen "universumin herra", ei hullun Johnin ja ylellisen Philipin poika ... Tämä on "viimeisen ritarin" - Maximilianin - pojanpoika, ja siksi Titian kuvasi muotokuvassa erillisen salaman, ei koko psykologista hahmoa.
Se oli silmiinpistävä ja rohkein Titianin teoksista. Kevätaamun punertavassa sumussa, yksin laajalla tasangolla, joka ulottuu Elben kukkuloille, keisari, ketjutettuna vasaralla ja kullatulla teräksellä, kohotettu tukos kalpeat ja päättäväiset kasvonsa päällä, laukkaa ulos metsästä. keihäs eteenpäin. Kuinka vaikuttavalta ja majesteettiselta ratsastaja näyttää! Mutta kuinka hirveän yksin hän on tällä alalla. Ja minne hän ryntäsi kauniisti hyppäävällä hevosella. Kansakuntien komentaja, joka rankaisee kapinallisia tulella ja miekalla, vapauttaa joukkojen armadan vihollisten kimppuun, henkilö, jonka laiskakin ele voisi kohottaa tai tuhota - hänet on kuvattu muotokuvassa väsyneenä ja yksinäisenä.
Katsoja katsoo hänen ominaisia, tahtoisia kasvojaan jyrkästi esiin työntyvällä leualla ja näkee yhtäkkiä selvästi keisarin katseessa hajamielisen surun, jonkinlaisen sisäisen väsymyksen, joka välittyy hänen koko vartaloon ja näyttää jopa mitattuna. hevosen juokseminen. Hänen ulkonäkönsä antaa vaikutelman pahasta hengestä, ja tämä näky yllättää ja pelottaa. Jopa muotokuvan värit sisältävät jotain pahaenteistä ja sotaisaa. Kaarle V:n edessä näkyy jotain kauheaa, "aavemaista": yksin pellolla, yksin maailmassa, yksin särkyneen sielun kanssa. Näin Titian ymmärsi ja kuvasi keisarin. Ehkä hän itse ei ollut vielä tietoinen suuresta väsymyksestään, ja taiteilija näytti hänelle oman sielunsa - ilman koristelua.
Tässä muotokuvassa Titian ei antanut intohimonsa, juhlallisuutensa avautua, vaan kahlitsi itsensä asiakkaan vaatimusten rajoihin ja kohteli tehtävää itselleen harvinaisen kylmällä. Ehkä siksi jotkut tutkijat havaitsevat luonnottomuuksia muotokuvassa ja keisarin asennossa, kuten vanhojen aseiden arsenaalissa olevissa mallinukkeissa. Mutta Titianin psykologinen tunkeutuminen saavutti korkeimman rajansa tässä muotokuvassa. Taiteellisten tekniikoiden varmuuden kannalta tämä muotokuva on silmiinpistävä, aikakauden luonteen ja hengen ilmaisussa - siihen ei voi verrata mitään. Näyttää siltä, ​​että Clea itse - Historian museo - johti taiteilijan kättä noina aikoina.

Perseus - kreikkalaisessa mytologiassa Danaen poika, joka kantoi Jupiterista, kun hän muutti itsensä kultaisen sateen virraksi. Hänen sankariteoihinsa kuuluivat meduusan, yhden käärmekarvaisen Gorgonin, mestaus ja kauniin Andromedan pelastaminen merihirviöltä. viimeinen teema on usein kohdattu ei-syntyperäinen perinne. Perseus esitetään joko klassisen antiikin tyypillisenä sankarina tai panssariin pukeutuneena soturina. Hänellä on pyöreä miekka - lahja Mercurylta - ja kiiltävä kilpi, jonka hänelle antoi Minerva, hänen suojelijansa.
Ovidius kirjassa Metamorphoses kertoo, kuinka Andromeda, Etiopian kuninkaan tytär, kahlittiin kallioon rannalla uhriksi merihirviölle. Taivaalla lentävä Perseus rakastui häneen ensi silmäyksellä. Hän ryntäsi alas juuri ajoissa, tappoi hirviön ja vapautti Andromedan. Maalaus "Perseus ja Andromeda" Rubens loi aikana, jolloin hänen työnsä oli erityisen tunteellinen ja iloinen. Maalauksen täydellisyyden ja korkean suorituskyvyn vuoksi tämä teos on yksi taiteilijan mestariteoksia. Ja tässä Rubensille jää tärkein asia, jota varten ihminen syntyi: taistelu, voitto ja rakkaus.

Rubensia ei kiinnostanut Perseuksen urotyö, ei taistelu ja vastarinta, vaan riemu jo saavutetusta voitosta, kun rannalta kuului iloisia huutoja ja kaikki ylistivät mahtavaa sankaria. Tässä kuvassa Perseus toimii voittajana, voittajan kruunaa siivekäs jumalatar Victoria (Glory) palmunoksalla ja laakeriseppeleellä käsissään. Perseuksen apoteoosista tulee elämän voitto, joka on jo pilvetön, kaunis ja iloinen. Ja Rubens ratkaisee tämän taiteellisen tehtävän niin täydellisesti, niin jännittävällä voimalla, jota hän ei ole koskaan ennen tavannut. Jokaisen rivin, kunkin muodon kireä sisäinen dynamiikka, niiden kasvava rytmi saavuttavat tässä poikkeuksellisen ilmeikkäät. Vastustamaton voima, joka tunkeutuu sisään, kuin pyörre, jostain ulkopuolelta, antaa koko sävellykselle ja pyörteille, kuin pyörteessä, yhden suunnan.

S. M. Sandomirsky

Robert Wallace kirjassa Leonardon maailma, M., 1997, kirjoittaa: ”Kahdesta ongelmasta, joita Viimeisen ehtoollisen kirjoittajat kohtasivat vuosisatojen ajan, Leonardo ratkaisi Juudaksen erottamisen ongelman helpoimmin. Hän asetti Juudaksen samalle puolelle pöytää kaikkien muiden kanssa, mutta psykologisesti erotti hänet muista yksinäisyydellä, joka on paljon musertavampaa kuin pelkkä fyysinen ero. Synkkä ja keskittynyt Juudas luopui Kristuksesta. Siinä on eräänlainen ikivanha syyllisyyden ja yksinäisyyden leima."
Juudas istuu kaikkien kanssa, kuin apostoli apostolien joukossa. Kristus on yksinäinen, siksi hän on surullinen, mutta joka on vähiten yksinäinen, on Juudas. Siksi hänen luottavainen voimansa. Eikä hän ole syyllinen, koska kuvan keskustelu ei koske pettämistä, vaan ihmisten sielujen pelastamista, joista vähiten huolissaan.
Ajattele apostoleja, vaikka sanotun jälkeen he eivät enää päätä mistään.

12 11 10 9 8 7 Kristus 1 2 3 4 5 6
Bartholomew John Thomas Philip Matthew
Peter Jacob Simeon
Juudas

1. Thomas ovella vaalealla taustalla. Oikea käsi puristettuna, etusormi ylös: "Jumala ei salli sellaista rikosta."
2. Jaakob katsoo kauhistuneena uuden liiton verta, joka purskahtaa hänen ranteestaan. Kädet ja käsivarret leveästi ojennettuina pidättelevät Kristuksen sanoja ja yrittävät suojella hänen takanaan olevia.
3. Philip painaa sormensa rintaansa vasten ja huutaa naamaansa: "Usko minua, se on minulta mahdotonta."
4. Molemmat kädet ottavat vastaan ​​Kristuksen sanat ja kysyy silmäyksellä kuudelta: "Onko mahdollista, mitä hän sanoo."
5. Simeon ottaa Kristuksen sanat oikealla kämmenellään ja kysyy 6..
6. Matteus, molemmat kämmenet on suunnattu Kristukseen, - hän palauttaa sanansa takaisin: "Se on mahdotonta!"
7. John. Sormet ovat ristissä ja makaavat pöydällä osoittaen kärsimystä, heikkoutta. Käänsi jyrkästi vasemmalle, silmät kiinni. Pää lepää voimattomasti olkapäällä.
8. Pietari. Vasen käsi ottaa vastaan ​​Kristuksen sanat ja rauhoittaa seitsemännen. Veitsi oikeassa kädessään - hän on valmis tappamaan petturin.
9. Juudas: tasaisesti alhainen voima, omavanhurskaus, päättäväisyys, energia.
10. Kohotetut kämmenet rinnan tasolla: "Kuka on petturi?" Hänen katseensa suuntautui veitseen.
11. Oikea käsi olkapäällä 10.: hän on samaa mieltä hänen kanssaan. Hän hyväksyy Kristuksen sanat.
12. Bartholomew nousi päättäväisesti seisomaan ja on valmis toimimaan.
Kaiken kaikkiaan apostolien oikeistolainen ryhmä ei suvaitse pettämistä; vasen - sallii tällaisen mahdollisuuden ja on päättänyt rankaista petturia.
Kuinka voimakkaasti Johannes kääntyi vasemmalle vapauttaen ikkunan kokonaan - Kristuksen totuuden valo, ja Tuomas, joka oli ikkunassa Kristuksen tasolla, mutta ei toivo itseensä, vaan Jumalaan; kuinka toinen apostoli heitettiin oikealle, kuinka muut opetuslapset hämmentyivät, hämmentyivät, pikkumeteliä, pettävät Leonardo da Vincin ajatuksen, että uhrauksen ja pelastuksen ideat, Kristuksen uuden liiton käskyt apostoleja - näitä heikkoja ihmisiä - ei toteuteta ja hänen uhrinsa on turha. Tämä on syy Kristuksen masentuneisuuteen. Lisäksi taiteilija itse osoittaa kunnioitusta maallisen Jumalan korkealle pyrkimykselle ja uhraukselle.