Maria Callas laulaa Ranskan vallankumouksesta. Maria Callas: elämäkerta

Kääntäjältä

Edessämme on kirja, jota ei ole koskaan julkaistu Venäjällä: Callas M. Lezioni di canta alla Juilliard School of Music di J. Ardoin (Maria Callas. Laulutunteja Juilliard School of Musicissa). Traduzione di L. Spagnol. - Milano: Longanesi & C., 1988 .-- 313 s.

Kirjan ilmestymisen olosuhteet on julkaisijan esittämä alla, voin vain lisätä, että aluksi "Singing Lessons at the Juilliard School of Music" julkaistiin englanniksi ja sitten se käännettiin italiaksi, josta tämä käännös tehtiin. . Kirjoittajan tyyli on selkeästi yksinkertainen. Siksi pyrin kääntäessäni välttämään lauseiden syntaktisessa rakenteessa muutoksia, jotka voisivat rikkoa tekstin hengen. Prologi ja kustantajan huomautus on lyhennetty.

Daria Mitrofanova
Pietari, 2002

Kustantajalta

Viisitoista vuotta teatteriuransa alkamisen jälkeen, vuonna 1965, Maria Callas jätti lavan työstääkseen omaa ääntään vapaa-ajallaan ja pohtiakseen esiintymisen ongelmia. Muutamaa vuotta myöhemmin hän halusi välittää kokemuksensa ja hyväksyi Peter Menninin, joka oli tuolloin New Yorkin Juilliard School of Musicin puheenjohtaja, tarjouksen työskennellä nuorten ammattilaulajien kanssa ja antaa heille useita oppitunteja. parantaakseen taitojaan.

Kolmestasadasta hakijasta valittiin Callasin suorittaman koe-esiintymisen tuloksena 25 henkilöä. Kurssi kesti kaksitoista viikkoa, lokakuusta 1971 toukokuuhun 1972, oppitunteja pidettiin kahdesti viikossa. Tuntien aikana opiskelijat esittivät vuorotellen katkelmia oopperoista; Maria Callasin ohjauksessa he analysoivat tutkittuja pisteitä yksityiskohtaisesti.

Laulaja ei asettanut itselleen tehtävää luoda uusia pieniä "kalloja", vaan yritti paljastaa jokaisen opiskelijan yksilölliset ominaisuudet ja arvokkuuden. Hän ei sanonut yksinkertaisesti: "Tee tämä", vaan "Tee tämä, koska..."

Tämä kirja voi olla erittäin hyödyllinen paitsi ammattilaulajille ja opiskelijoille, myös opettajille.

Eri syistä kaikkia oppitunteja ei sisällytetty kirjaan, koska kustantajat kohtasivat tiettyjä vaikeuksia valmistelussa. Oli mahdotonta vain nauhoittaa Callasin puhetta - suurin osa tunneista pidettiin esityksissä, ei selityksissä. Se, mitä hän yritti ilmaista lauluesimerkein, oli käännettävä sanoiksi. Lisäksi monet Callasin neuvoista olivat nimenomaan laulajia ja heidän erityisongelmien ratkaisemista varten. Mutta useimmissa tapauksissa yritimme silti toistaa hänen puheensa mahdollisimman tarkasti.

Kirjan parissa työskennellessä tulee kiinnittää erityistä huomiota musiikkiesimerkkeihin. Vertaamalla niitä partituuriin huomaat, että Maria Callas tekee usein joitain muutoksia säveltäjän tekstiin.

Tämän kirjan esipuheen kirjoitin Callasin minulle ja muille toimittajille antamien haastattelujen perusteella. Työskennellessäni tekstin parissa yritin jäsentää sen ikään kuin Callas olisi itse puhunut sen.

Kirjaa valmisteltaessa käytettiin oppituntien äänitallenteita, jotka oli ystävällisesti toimittanut M. Kallasen sisar J. Statopulu-Kalageropoulou.

John Arduan
Dallas, 1987

Prologi

Kuten opettajani Elvira de Hidalgo, aloin laulaa aikaisin. Mielestäni naiset aloittavat yleensä aikaisin. Muista myös, että olen kreikkalainen ja de Hidalgo on espanjalainen. Toisin sanoen olemme molemmat Välimeren kotoisin; tytöt tällä alueella kehittyvät varhain. Laulajan ura rakentuu pääasiassa murrosiässä; viisaus tulee myöhemmin. Valitettavasti emme voi esiintyä vanhemmalla iällä, kuten esimerkiksi kapellimestarit. Mitä nopeammin hallitsemme perusasiat, sitä nopeammin saamme viisautta.

De Hidalgolla oli todellinen bel canto -koulu, kenties hän oli tämän hienon menetelmän viimeinen perillinen. Minut uskottiin hänen hoitoonsa hyvin nuorena, olin vasta 13-vuotias, ja hänen täytyi opettaa minulle bel canton salaisuudet ja tavat. Tämä koulu ei ole vain "kaunista laulua". Belcanto on menetelmä, eräänlainen pakkopaita. Hän opettaa kuinka lähestyä nuottia, kuinka hyökätä siihen, miten muotoillaan legatoa, miten luodaan tunnelmaa, miten hengitetään yhtenäisen vaikutelman luomiseksi alusta loppuun. Vaikuttaa siltä, ​​että olet hengittänyt vain kerran, vaikka todellisuudessa laulat monia pieniä lauseita ja hengität toistuvasti välillä.

Belcanto on ennen kaikkea ilmeisyyttä. Pelkkä kaunis ääni ei riitä. Esimerkiksi jauhot ovat minkä tahansa kakun perusta. Mutta saadaksesi tuloksen, tarvitset muiden ainesosien lisäksi paljon taidetta. Konservatorion laulajat oppivat perusasiat. Se mitä saamme sieltä, on kaikki. Jos aloitus onnistuu, pärjäämme koko elämän. Mutta jos alku oli huono, huonojen tapojen korjaaminen muuttuu ajan myötä vaikeammaksi.

Valmistuttuasi konservatoriosta soitat musiikkia opitun avulla. Joten toistan, hyvä ääni ei riitä. Sinun on otettava tämä ääni ja jaettava se tuhanteen osaan, jotta se palvelee musiikin ja ilmaisun tarpeita. Säveltäjä kirjoitti nuotit puolestasi, mutta muusikon on luettava niissä oleva musiikki. Todellisuudessa me perustumme pelkkään vähäisyyteen. Eikö ole kirjoja, jotka pitäisi lukea rivien välistä ymmärtääkseen niiden todellisen merkityksen? Laulijoiden tulisi tehdä sama osien kanssa; meidän on lisättävä, mitä säveltäjä halusi, meidän on hankittava värejä ja ilmaisukykyä.

Kuvittele kuinka tylsää Jasha Heifetz olisi, jos hän olisi vain teknisesti täydellinen. Mutta hän on loistava viulisti, koska hän lukee nuottien välistä. Laulajalle tämä taito on sitäkin tärkeämpi, koska meillä on nuottien lisäksi käytettävissämme myös sanat. Meidän on kyettävä tekemään kaikkea, mitä instrumentalisti tekee, ja enemmän. Tämä on erittäin vakavaa ja vaikeaa työtä, eikä pelkkä lahjakkuus ja halu riitä, vaan tarvitset myös rakkautta ja kutsumuksen tekemiseen. Nämä ovat vahvimmat syyt tehdä mitään.

Työ ei ole koskaan ollut minulle liian raskasta. Nuoruudessani tunsin itseni aina hyvin yksinäiseksi; Rakastin musiikkia enemmän kuin mitään muuta. Kaikki mikä jollain tavalla liittyi musiikkiin kiehtoi minua. Ateenassa kuuntelin kaikkia de Hidalgon opiskelijoita riippumatta heidän esittämänsä ohjelmistosta: oopperoita, operetteja, aarioita mezzosopraanolle, tenorille. Tulin konservatorioon kymmeneltä aamulla ja lähdin viimeisen opiskelijan kanssa. Jopa de Hidalgo oli yllättynyt tästä. Hän kysyi minulta usein: "Mitä sinä täällä teet?" Vastasin, että aina voi oppia jotain heikoimmaltakin opiskelijalta - loppujen lopuksi hieno tanssija voi oppia jotain kabareetaiteilijalta.

Tämä ajattelutapa ja käyttäytyminen muotoutuivat minussa melko varhain, mutta ei minun, vaan pääasiassa perheeni ansiosta; varsinkin äitini, joka aina käski häntä. Hän päätti, että minusta tulisi laulaja, taiteilija. Äidit sanovat usein: "Uhrasin kaiken puolestasi, nyt sinun on tultava sellaiseksi, jota minusta ei ole tullut elämässäni." Ainakin äitini kohdalla näin oli. Hän opetti minua lapsuudesta lähtien olemaan antautumatta tunteille, elleivät ne osoittautuneet ehdottoman välttämättömiksi, vaikka luonteeltani minulla ei ollut tätä taipumusta.

Äitini ja minä menimme Ateenaan, kun olin 13-vuotias. Aluksi oletettiin, että minun pitäisi vain opiskella, enkä esiintyä ammattilavalla. Tämä ei kuitenkaan kestänyt kauan, sillä kuusi kuukautta de Hidalgon opintojeni aloittamisen jälkeen minut kutsuttiin Kansallisteatteriin. He tarvitsivat dramaattisen sopraanon, ja he palkkasivat minut vuodeksi sillä ehdolla, että en laulaisi missään muualla. De Hidalgo itse ehdotti tätä ehtoa. Teatterissa ansaitsemani rahat antoivat minulle mahdollisuuden omistautua kokonaan opiskelulleni ajattelematta muita ansioita.

Olen jo laulanut Rural Honor ja Sister Angelica konservatoriossa; noin puolitoista vuotta teatterityön alkamisen jälkeen oli "Toscan" vuoro. Nämä ovat vaikeita osia nuorelle tytölle, mutta de Hidalgo opetti minua olemaan pelkäämättä partituurin vaikeuksia. Äänen tulee pysyä kevyenä, eikä äänen tulisi olla pakotettua, taitavaa, kuten urheilijan vartalo. Nautin tämän helpon saavuttamisesta. Minua on aina kiehtonut monimutkaisten ongelmien ratkaiseminen. Pidän haasteesta. On hienoa, kun vaikea ongelma on ratkaistu, esitellä se yleisölle.

Tämä keveys, johon pyrin, ei ollut vain osa bel canton koulua, jonka de Hidalgo opetti minulle. Tämä oli osa hänen filosofiaansa, jonka mukaan ääni tulee muodostaa alueelle, jossa se ei ole liian suuri äänenvoimakkuus, mutta jolla on tunkeutuva voima. Tämä lähestymistapa mahdollistaa erittäin helposti kaikkien bel canton armon esittämisen, joka itsessään on melko kehittynyt ilmaisukeino. Laulaja oppii käsittelemään vaikeuksia samalla tavalla kuin instrumentalisti, alkaen hitaista asteikoista ja arpeggioista, asteittain lisäämällä nopeutta ja kätevyyttä. On liian myöhäistä oppia tämä lavalla. Tällainen työ kestää koko elämän. Mitä enemmän opit, sitä enemmän ymmärrät, kuinka vähän tiedät. Kohtaat loputtomasti uusia ongelmia ja uusia vaikeuksia; ja tarvitset aina rakkautta työhösi ja intohimoista halua kehittyä.

Esitykset, joihin osallistuin Kreikassa, olivat eräänlaista valmistautumista; niin sanotusti opiskeluvuosien lisäksi. Sitten tajusin mahdollisuuteni. Vasta valmistumisen jälkeen sinusta tulee muusikko, annat instrumenttisi orkesterin palvelukseen. Prima Donna on esityksen pääsoitin. Tämän opin Tulio Serafinalta. Sitä tosiasiaa, että debyyttini Italiassa, Veronassa, vuonna 1947 (urani todellinen alku) tapahtui hänen johdolla, pidän elämäni suurimmana menestyksenä.

Kuinka paljon olenkaan saanut tältä mieheltä! Hän opetti minut laittamaan ilmaisua ja merkitystä kaikkeen, mitä teemme. Ymmärsin, että minkä tahansa koristelun tulee palvella musiikin etuja: jos todella välitämme säveltäjän aikeista, emme vain henkilökohtaisesta menestyksestä, löydämme aina merkityksen trilleistä tai asteikoista, jotka voivat ilmaista iloa, ahdistusta tai kaipuuta. Yleensä Maestro Serafin avasi minulle musiikin syvyyden. Ja otin häneltä kaiken, minkä pystyin. Hän oli ensimmäinen tällainen kapellimestari, jonka tapasin, ja pelkään, että myös viimeinen. Hän osoitti minulle, että jos et tiedä mitä olet tekemässä ja miksi, musiikista voi tulla sinulle eräänlainen vankila, jatkuvan kidutuksen paikka.

Seraphin kertoi minulle yhden asian, joka on jäänyt ikuisesti mieleeni: ”Kun sinun täytyy löytää sopiva ele tai liike, riittää katsomaan partituuria; säveltäjä on jo näyttänyt sen musiikissa." Ja tämä on todellinen totuus: jos rasitat kaikkia korviasi ja keskityt henkisesti (aivojen osallistuminen on vähemmän merkittävää), löydät aina tarvitsemasi. Hän opetti minulle myös, että oopperan jokaisen jakson täytyy olla täydellinen yhdistelmä laulamista ja näyttelemistä, ja koko esitys yksinkertaisesti yhdistää nämä jaksot. Tämä voidaan saavuttaa vain, jos teet tehtäväsi hyvin. Kun astut lavalle, ei pitäisi tulla yllätyksiä.

Teatterikoulutukseni oli puhtaasti musiikillista. Tietenkin de Hidalgo opetti minulle, kuinka sopeutua vartalooni; tätä varten hän sai minut tekemään erityisiä harjoituksia, hän opetti minut putoamaan ilman lyömistä, mikä on erittäin tärkeää lavalla. Paljon myöhemmin kysyin häneltä, pelasinko luonnollisesti opiskelijana. "Kyllä", hän vastasi minulle, "epätavallisen luonnollista. Olen aina ihaillut, jopa tuolloin, käsiäsi ja luontaista liikkumisen helppoutta. Tämä oli minulle uutta. Tajusin heti, että sinulla on jotain erityistä, luontaista vain sinulle."

Muistan hyvin erään Kansallisteatterin ohjaajan ystävällisen neuvon: "Älä koskaan nosta kättäsi seuraamatta sen liikettä mielelläsi ja sydämelläsi." Ajatus ilmaistaan ​​melko oudosti, mutta se on oikea. Hän on saattanut sanoa tämän myös muille, mutta kukaan ei noudattanut tätä neuvoa täysin. Olen kuin sieni: haluan imeä muiden sanoja ja käyttää mitä tarvitsen.

Tuo ohjaaja kertoi myös minulle: "Kun laulat jonkun kanssa, yritä unohtaa harjoitukset, reagoi kuin kuulisit sanat ensimmäistä kertaa." Yritin niin kovasti onnistua tässä, että jos kollegani unohti tekstin, en voinut ehdottaa sitä. Teatterin tulee olla aitoa, siellä pitäisi aina olla paikka jollekin uudelle. Se on kuin allekirjoituksemme: on mahdotonta tilata kaksi kertaa täsmälleen samalla tavalla, mutta tämä ei estä sitä olemasta meidän. Taiteessa, musiikissa pitäisi olla samaa joustavuutta, mutta vain tietyssä määrin. Aina on jonkinlainen rajoitus. Kuten musiikissa, liikkeissä täytyy olla rytmi. Kaikki on tarkistettava. Sinun ei pitäisi mielettömästi pitää pitkiä muistiinpanoja. Kaikki tulee ajatella säveltäjän tyyliin. Mikä on tyyli? Vain hyvä maku.

Minusta on kirjoitettu vähän sen jälkeen, kun debytoin Seraphinin kanssa Italiassa. Olin jotain uutta: ääneni häiritsi yleisöä, näyttelijätyöni sai heidät ajattelemaan. Kuultuaan minua, ihmiset eivät voineet sanoa: "Voi, mikä kaunis ääni! .. Oi, mikä nuotti! .. Voi kuinka suloinen, kuinka mukavaa... mennään kotiin." Työtovereideni joukossa oli jopa niitä, jotka sanoivat: "Tunsimme niin hyvältä ilman häntä, nyt meidän on tehtävä kaksi kertaa enemmän töitä." Täytyy sanoa, että olen aiheuttanut muutoksia taiteessamme.

Luultavasti aikana, jolloin kukaan ei kiinnittänyt minuun huomiota, jouduin käyttämään esimiehen palveluita. Ehkä minun piti maksaa seuraukset siitä, että minulla ei ollut sitä. Loppujen lopuksi taiteessa on muutakin kuin kauneutta. Mutta olen hyvin itsenäinen henkilö ja haluan saada sen, mitä ansaitsen. Yleisön tulisi rakastaa minua sellaisena kuin olen; muuten ei ole mitään järkeä jatkaa uraa.

Aluksi yleisö ei pitänyt minusta, koska rikkoin oopperan huonoja perinteitä. Kun minusta tuli kuuluisa, johtajat ottivat minuun usein yhteyttä ja sanoivat: "Sellainen ja sellainen teatteri haluaa kutsua sinut." Vastasin heille: "Kiitos, mutta minuun on jo otettu yhteyttä, minun ei tarvitse turvautua apuun." Tämä aiheutti minulle monia ongelmia teatterin pilliin asti. Johtajat haluavat työskennellä tähtien kanssa, koska sen avulla he voivat sijoittaa vähemmän onnekkaat osastonsa teattereihin, jotka haluavat tähtiä. Mutta mitä tekemistä tällä kaikella on taiteen kanssa?

Sain osia esittämällä rooleja, joita kukaan ei halunnut esittää. Pyrkivän taiteilijan on usein näytettävä kaikkia rooleja, joihin hänet kutsutaan, vaikka ne eivät häntä kiinnostaisi, eikä hän tunne niitä kohtaan minkäänlaista suosiota. Tästä huolimatta lauloin aluksi neljän-viiden kuukauden välein. Kun onnistuin saamaan osan (oli se sitten Turandot tai Aida), oli ihmisiä, jotka sanoivat: "Sen yläsävelet ovat mahtavia, mutta pohjat ovat hyödyttömiä." Toiset sanoivat: "Keskirekisteri on hyvä, mutta ylääänit ovat pelottavia." Heidän välillään ei ollut sopimusta. Mutta olin aina yllättynyt, että he kaikki sanoivat: "Tietenkin hän osaa liikkua lavalla."

Se oli Seraphin, joka antoi minulle todellisen mahdollisuuden. Vuosi Veronan debyyttini jälkeen hän etsi Isoldea tuotantoon Venetsiassa ja tarjosi tämän osan minulle. En tiennyt peliä, mutta epätoivosta suostuin. Hän sopi tapaamisen kanssani, ja minä lauloin toisen näytöksen näkyvistä. Kaikki meni hyvin. Sitten tunnustin hänelle, että olin nähnyt nuotit ensimmäistä kertaa. "Mitä väliä sillä on", Seraphin sanoi, "kahdessa kuukaudessa opit kaiken." Muistan, että hän vaati, että tilaisin pukuja erityisesti Isoldelle, ja siihen aikaan minulla ei todellakaan ollut varaa siihen. "Miksi", kysyin häneltä, "onko se todella tarpeellista?" ”Tristanin ensimmäinen näytös kestää yhdeksänkymmentä minuuttia, ja vaikka kuinka kiehtoisit yleisöä äänelläsi, heillä on tarpeeksi aikaa tutkia sinut päästä varpaisiin ja tutkia pukusi yksityiskohtaisesti. Lavakuvan tulee olla sopusoinnussa musiikin kanssa."

Vuotta myöhemmin Seraphin kutsui minut Venetsiaan laulamaan Valkyriea; sitten Wagneria laulettiin italiaksi, koska yleisö ei hyväksynyt häntä saksaksi. Tuona aikana Seraphin johti myös The Puritansia; flunssaepidemia kaatoi hänen sopraanonsa. Signora Serafin, joka kuuli minun laulavan kappaleeseen "The Voice is Here...", pyysi minua laulamaan sen mieheni edessä, kun hän palaa hotelliin. Minä tein sen. Seuraavana päivänä, noin kymmenen aikaan, toisen Valkyrien jälkeen, puhelimeni soi huoneessani. Se oli Maestro Seraphin. "Tule huoneeseeni mahdollisimman pian", hän sanoi minulle. "Maestro, mutta en ole vielä pukeutunut ja kammattu, anna minulle puoli tuntia." "Ei sillä väliä, tule sellaisena kuin on."

Seraphinia ei voitu kiistää, niinä päivinä koimme todellista kunnioitusta kapellimestaria kohtaan. Puin kaapuni päälleni ja menin alakertaan hänen luokseen. Teatterin johtaja istui huoneessaan. "Laula se aaria, jonka lauloit eilen illalla", Seraphin käski minua. Lauloin. "Kuule, Maria", hän sanoi minulle, kun olen lopettanut, "ensi viikolla laulat puritania. "Mutta tämä on mahdotonta", vastasin, "minun täytyy esittää vielä muutama valkyyri; muun muassa se on hauskaa, ääneni on liian raskas." "Vakuutan teille, että voit tehdä sen", Seraphin sanoi.

No, ajattelin, että jos niin kokenut ja kokenut henkilö kuin Serafin sanoo niin, olisi typerää kieltäytyä. Vastasin: "Okei, maestro, yritän." Kun lauloin Brunhildea, onnistuin oppimaan Elviran osan. Olin vielä nuori, ja nuoret ovat riskin arvoisia. Mutta tiesin, että minulla on takanani hyvä perusta, bel canto -koulu, ja uskokaa minua: bel canto on yhtä tarpeellinen Wagnerille kuin Bellinille. Toisin sanoen olin valmis ottamaan tämän haasteen vastaan. Yllätyksiä ei ollut odotettavissa.

Kun opit uuden osan, sinun on opittava se täsmälleen säveltäjän kirjoittamana. Kapellimestari kertoo, mitä laskuja hän teki, ja jos on kadenssia, hän kertoo, mitä niiden pitäisi olla. Vastuullinen muusikko tekee niistä musiikin hengessä. Bellini on erilainen kuin Donizetti, ja Donizetti on erilainen kuin Rossini.

Kun olet oppinut nuotit, sinun tulee yrittää soittaa sanat siten, että niistä löytyy luonnollinen rytmi. En tarkoita musiikkia, se on jo kirjoitettu, vaan ääntämistä. Tämä on erityisen tärkeää resitatiivissa ja aarioiden johdannossa. Resitatiivit ovat usein hyviä sellaisenaan, mutta niitä on aina erittäin vaikea hallita, vaikea löytää oikeaa rytmiä. Ymmärsin resitatiivin merkityksen ensimmäisen "Norman" aikana, jonka valmistelin Seraphinin kanssa. Ensimmäisen harjoituksen jälkeen hän sanoi minulle: "Mene nyt kotiin, rakas Callas, ja harjoittele näitä rivejä, katsotaan, mitkä mittasuhteet, minkä rytmin löydät. Sinun on tarkkailtava mitä on kirjoitettu, mutta yritä olla mahdollisimman vapaa, yritä löytää vapaa resitatiivirytmi."

Resitatiivin esittäminen on yksi esimerkki rubaton taiteesta. Italialaisen musiikin pääominaisuus on vapaa liikkuvuus, oli se kuinka hidasta tahansa. Tätä on mahdotonta oppia yhdessä päivässä tai viikossa. En usko, että tätä voi täysin hallita ollenkaan.

Musiikin opiskeluaikana (tällä hetkellä tarvitsee vain ajatella sitä, että kaksi kertaa kaksi on neljä), sinulla on oltava hyvä tutor-ohjain, joka olisi melko ankara, muistuttaisi aina jokaisen nuotin merkitystä, eikä unohtaisi mitään. Meillä on oltava paljon rohkeutta ja kuunneltava hänen neuvojaan, sillä mitä paremmin laulamme, sitä vähemmän haluamme tulla korjatuksi. Joskus olet hyvin vihainen, etenkin itsellesi, ja ajattelet: "Olisin voinut saavuttaa tämän itse." Virheet johtuvat usein huonoista tavoista, kuten tavasta vetää sanoja tai korostaa liiaksi viimeisiä tavuja. Usein et enää kiinnitä huomiota näihin virheisiin, joten täytyy olla joku, joka tekee sen puolestamme.

Kun bileet on opittu kaikilta osin, voit ryhtyä hommiin. Menin aina kaikkiin harjoituksiin, vaikka minua ei kutsuttu, "tottuakseni musiikkiin". Tämä tulee tehdä ensimmäisestä harjoituksesta alkaen, jotta voit testata kykysi ja voimasi; Pidän myös tarpeellisena laulaa aina ääneen. Ensimmäisen vaiheen harjoituksen jälkeen voit aloittaa todellisen, vakavan työn ja täyttää bileet puuttuvilla vivahteilla. Siihen asti voidaan tehdä vain karkea luonnos. Ja vain harjoitukset yleisön edessä auttavat lisäämään sitä näkymätöntä, joka musiikissa on.

Suurin osa työstä on yhdistää liikettä ja musiikkia hahmon luomiseksi. Löydän hahmon luonteen musiikista, en libretosta, vaikka sanoitukset ovat erittäin tärkeitä. Joka tapauksessa kuvan totuus tulee musiikista. Ajan myötä kuva hahmostamme syvenee, jos tietysti olemme sellaisia ​​ihmisiä, jotka haluavat kasvaa eivätkä pysy paikallaan. Esimerkiksi minun Medeani on muuttunut paljon. Aluksi pidin hänet hyvin staattisena hahmona, barbaarina olentona, joka tietää alusta asti mitä haluaa. Ajan myötä tein hänestä inhimillisemmän, vaikkakaan en vähemmän julman. Hänen perustelunsa on oikeudenmukainen jo pelkästään siksi, että Iason on joka tapauksessa vielä pahempi kuin hän. Siksi yritin paljastaa hänen naisellisen olemuksensa, myös hänen hiustensa ja pehmeämpien liikkeiden avulla. Halusin tehdä hänestä elävämmän, houkuttelevamman.

Myös La Traviatani on muuttunut, Norma paljon vähemmässä määrin. Violetan osalta tajusin vähitellen, että hänen sairautensa ei antanut hänen liikkua paljon tai nopeasti. Huomasin myös, että mitä vähemmän hän liikkuu, varsinkin kolmannessa ja neljännessä näytöksessä, sitä enemmän musiikki voittaa. Viimeisessä näytöksessä, jotta hän ei näyttäisi liian jäätyneeltä, löysin hänelle pieniä, turhan näköisiä liikkeitä. Esimerkiksi kun hän yritti ottaa peilin tai jotain muuta yöpöydältä, hänen kätensä putosi voimattomana, eikä hän kyennyt tekemään liikettä. Viimeisessä näytöksessä hengityksen tulee lyhentyä entisestään ja äänen värityksen vielä väsyneemmäksi. Työskentelin kovasti löytääkseni oikean värin äänelle. Minulla kesti kauan tähän, ja koin tunteen kuin riippuisin hauraalla langalla, joka voi katketa ​​milloin tahansa.

Meidän on etsittävä koko ajan jotain uutta ja rohkaistava yleisöä uskomaan siihen, mitä teemme. Ooppera on kuollut ilmaisumuoto siinä mielessä, että nykyään on vaikea hyväksyä sitä, että joku vain laulaa "I love you" tai "I hate you". Voit sanoa sen tai huutaa sen ääneen – ei ole muodikasta laulaa. Meidän on kuitenkin saatava yleisö ottamaan vastaan ​​työmme, ja ainoa tapa tehdä tämä on tuoda raitista ilmaa oopperaan. Meidän on lopetettava liian pitkälle venyvä musiikki, tehtävä liikkeestämme mahdollisimman uskottavaa, luotava ilmapiiri, jossa on tilaa ymmärrykselle. Kaiken tulee olla mahdollisimman totuudenmukaista säveltäjän asettamissa rajoissa.

Mutta usein on lähdettävä kahdesta vastakkaisesta näkökulmasta: tulkista, joka palvelee säveltäjää, ja yleisöstä, joka kuuntelee. Meidän on yritettävä ymmärtää, missä säveltäjä meni pieleen ja kuinka voimme auttaa häntä tavoittamaan yleisön. Elämä on loppujen lopuksi muuttunut Verdin tai Donizettin päivistä. Ihmiset pukeutuvat eri tavalla, ajattelevat eri tavalla. Ainoa asia, joka ei ole muuttunut, ovat syvät ja vilpittömät tunteet: niitä on aina ollut, mutta elämä jatkuu ja ooppera jatkuu sen mukana. Meidän on muututtava elämän mukana, jos haluamme palvella säveltäjää. Tästä syystä olen vakuuttunut laskujen tarpeellisuudesta. Melodian toistaminen ei ole lähes koskaan välttämätöntä. Mitä nopeammin pääset asiaan, sen parempi. Älä koskaan ota riskiä kahdesti. Toki poikkeuksiakin löytyy. Somnambulissa toistin kahdesti: "Ah! Se ei mene", koska rehellisesti sanottuna tämä on upea fragmentti, ilon ja onnen ilmaus, puhdas ääntely on tässä tapauksessa perusteltua. Mutta kun toistat sitä, sinun on aina muutettava musiikkia hieman, jotta se kiinnostaisi yleisöä. Luonnollisesti tämä tulee tehdä hyvällä maulla ja säveltäjän tyyliin.

Kaiken, mitä partituurista löydät, ilmaiseminen tulee eräänlaiseksi huumeeksi. Kommunikoimalla yleisön kanssa joudut poikkeukselliseen päihteeseen, jolla tartutat kaikki ympärilläsi. Joka tapauksessa päivän tai esityksen päätteeksi sinun täytyy katsoa itseesi ja sanoa: "No, onnistuimme siinä ja siinä." Ja heti sinun täytyy unohtaa onnistumisesi ja miettiä, kuinka korjata virheesi. Ehkä olen liian ankara, mutta minulle se on parempi kuin lepääminen laakereillaan - tämä on suuren taiteen loppu. Kun olet tyytyväinen tekemiisi, ei ole parantamisen varaa.

Suurin virheeni on se, että olen pelottava pessimisti. Ajattelen usein, että en pysty tekemään jotain hyvin, ja siksi yritän tehdä vielä paremmin. Parhaiden tulosten tavoittelemisessa vastustamattomalla sitkeydellä on kuitenkin vaara: voit tuhota hyvän menettämällä hallinnan tai liioittelemalla. Oli miten oli, tarkkaavainen, tiukka ja merkityksellinen näkemys tekemästäsi on taiteilijan paras apulainen.

Mutta kuten näen, harvalla on se. Nykyään on vain vähän ihmisiä, jotka ovat todella valmiita laulamaan. En tarkoita, etteikö olisi hyviä ääniä; mutta harvoilla äänillä on tarpeeksi hyvä koulutus vaikeiden osien laulamiseen. Laulajat tarvitsevat kokemusta, jota on mahdotonta hankkia, jos aloitat laulamisen Metropolitanissa tai La Scalassa. Kokemusta kertyy pienissä teattereissa pienimmistä rooleista alkaen. Tämä ei ole työ, jonka tekemisestä nautimme. Mutta sen jälkeen, suurten teattereiden näyttämöillä, olemme valmiita suuriin taisteluihin. Työssämme ei ole sijaa amatööreille.

Ooppera on vaikein taiteen muoto. Menestyäksesi siinä ei riitä, että olet ensiluokkainen laulaja, sinun on myös oltava ensiluokkainen näyttelijä. Ei ole mitään järkeä sanoa, että on välttämätöntä löytää yhteinen kieli kollegoiden kanssa (ensinkin kapellimestari, sitten muut laulajat ja lopuksi ohjaaja), koska ooppera on suuri kokonaisuus, jossa kaikki soittavat duuria. rooli.

Suostuin suorittamaan tämän kurssin auttaakseni laulajia pääsemään alkuun oikealla jalalla. Luonnollisesti monien laulajien ongelmana on se, että he tekevät sopimuksia ennen kuin he saavat todellista koulutusta; kerran lavalla voi olla vaikeaa palata kouluun. Nöyryys on yksi laulajan korkeimmista hyveistä. Haluaisin välittää nuorille sen, mitä suuret kapellimestarit, opettajani ovat minulle opettaneet ja erityisesti mitä itse opin, eivätkä opinnot ole vielä ohi. Luulen, että minulla on jonkinlainen luonnollinen intuitio musiikin suhteen, mutta muuten otan aina vaivaa selvittääkseni säveltäjän aikomukset. Älä unohda, että olemme vain esiintyjiä säveltäjän palveluksessa ja teemme erittäin herkkää työtä. Lisäksi hienoja kohtauksia, joilla on suuria perinteitä, tulee kunnioittaa.

Työssämme sinun ei pitäisi koskaan koskea "äänipääomaan", voimme käyttää vain korkoa siitä. Jos palvelet taidetta hyvin, kaikki tulee: sinusta tulee rikas, suuri ja kuuluisa. Mutta tämä on kovaa työtä: ennen, aikana ja jälkeen.

Meillä on kuitenkin myös etuoikeuksia. Tunnen oloni erityiseksi, koska pystyin välittämään yleisölle sieluni ja sydämeni totuuden ja nähdä, että se hyväksyttiin. Mutta tein tämän suuren voiman palvellakseni yhtä suurimmista taiteista - musiikkia.

Hänen elämänsä aikana hänen nimestään tuli legendaarinen. Häntä ihailtiin, pelättiin. Kaikista neroksistaan ​​ja ristiriitaisuuksistaan ​​huolimatta hän pysyi aina naisena, joka halusi tulla rakastetuksi ja tarpeeksi.

Mitä Maria Callas, yksi 1900-luvun merkittävimmistä oopperalaulajista, on saavuttanut ja menettänyt?

Lapsena Maria oli lihava ja ruma. Mutta tämä tyttö osoitti yhtäkkiä todellista lahjakkuutta. Kahdeksanvuotiaana hän istui pianon ääreen, ja heti kävi selväksi: hän syntyi olemaan yhteydessä musiikkiin. Koska hän ei vielä oikein hallinnut nuottikirjoitusta, hän osasi jo melko menestyksekkäästi valita erilaisia ​​melodioita pianolla.

Kymmenenvuotiaana Maria lauloi ensimmäiset aariansa Bizet'n oopperasta Carmen. Tekemällä niin hän yllätti äitinsä, entisen pianistin, joka ei ollut koskaan esiintynyt. Evankeliumit alkoivat kannustaa nuorimman tyttärensä esiintymiseen kaikenlaisissa lastenkonserteissa ja matineeissa.

Vuonna 1934 10-vuotias Maria osallistui valtakunnalliseen amatöörilaulajien radiokilpailuun sijoittuen toiseksi ja saamalla lahjaksi rannekellon.

Ensimmäinen menestys

Uskoen, että Amerikassa menestyminen on vaikeaa, äiti kuljettaa 13-vuotiaan Marian Kreikkaan. Siellä Callas oppii nopeasti täysin tuntemattoman kreikan kielen ja, huijattuaan olevansa jo kuusitoista, astuu ensin kansalliseen konservatorioon ja kaksi vuotta myöhemmin - Ateenaan. Kuuluisa laulaja, upean koloratuurisopraanon Elvira de Hidalgon omistaja, joka myöhemmin korvasi äitinsä ja ensimmäiset ystävänsä, tuli hänen uudeksi opettajakseen.

Vuonna 1940 Callas debytoi Ateenan kansallisoopperan lavalla. Yksi teatterin johtavista laulajista sairastui yhtäkkiä, ja Marialle tarjottiin pääroolia Puccinin oopperassa Tosca. Lavalle astuessaan yksi työntekijöistä sanoi äänekkäästi: "Kylläkö sellainen norsu laulamaan Toscaa?" Maria reagoi välittömästi.

Kukaan ei ehtinyt tulla järkiinsä, sillä rikoksentekijän revitystä paidasta valui jo verta hänen omasta nenästään. Toisin kuin tyhmä työntekijä, yleisö oli iloinen kuultuaan kauniin esityksen. Kriitikot toistivat sen, ja he julkaisivat ylistäviä ja ylistäviä muistiinpanoja sanomalehdissään seuraavana päivänä.

Vuonna 1945 Maria päätti palata Amerikkaan, missä hänen isänsä ja ... epävarmuus odottivat häntä.

Miljonääri Veronasta

Menestys Kreikassa ei osoittautunut amerikkalaisille tuottajille melkein tyhjäksi. Kahden vuoden epäonnistumisen jälkeen hän tapaa Giovanni Zenatellon, joka tarjosi hänelle La Giocondan roolia samannimisessä oopperassa. Ja pitkään Marian elämä oli yhteydessä Italiaan.

Veronassa hän tapasi paikallisen teollisuusmiehen Giovanni Batista Meneghinin. Hän oli kaksi kertaa häntä vanhempi ja rakasti intohimoisesti oopperaa sekä hänen ja Marian kanssa. Koko kauden hän toi hänelle valtavia kukkakimppuja joka ilta. Tätä seurasi esiintyminen ja rakkauden julistukset. Giovanni myi yrityksensä kokonaan ja omistautui Callasille.

Vuonna 1949 Maria Callas teki sopimuksen Veronan miljonäärin kanssa. Batistasta tuli Marialle kaikki kaikessa - sekä uskollinen puoliso että rakastava isä, omistautunut manageri ja antelias tuottaja. Meneghini sopi myös tunnetun kapellimestari Tullio Serafinin kanssa vaimonsa koulutuksesta. Tullio löysi Callasin maailmannäyttämölle ja sitä seuraaville klassisen musiikin ystäville sukupolville. Vuonna 1950 koko maailma puhui siitä jo. Hänet kutsuvat legendaarinen Milanon Teatro alla Scala, jota seuraavat Lontoon Covent Garden ja New Yorkin Metropolitan Opera.

Ristiriitainen kuva

Suosion tultua Callas alkaa muodostaa uutta näyttämökuvaansa, josta tulee hänen tunnusmerkkinsä seuraavien kahdenkymmenen vuoden ajan.

Hän jatkaa ennennäkemättömällä ruokavaliolla, jonka seurauksena hän onnistuu laihtumaan kolmekymmentäviisi kiloa. Hänen hahmonsa koki myös muodonmuutoksia.

Callas on aina ollut ahkera ja huolellinen taiteen suhteen. Hän raivostutti, jos hän näki, että joku antoi taiteelle vähemmän kuin hän. Silloin Callas sai mainetta tappelumiehenä.

Ylläpitäjät monimutkaisivat tilanteen: he uskoivat, että Marian tulisi olla aina kunnossa. Skandaali puhkesi, kun tasavallan presidentti tuli Norman tuotantoon Roomassa. Jo ennen esityksen alkua Maria tunsi olonsa huonoksi ja tarjoutui korvaamaan hänet toisella esiintyjällä, mutta teatterin hallinto vaati esiintymistä. Ensimmäisen näytöksen laulaminen sai hänet jotenkin pahemmaksi. Maria kieltäytyi jatkamasta esitystä, jotta hän ei lopulta menettäisi ääntään. Lehtimiehet esittivät kuitenkin kaiken omalla tavallaan.

"Laittaen terveyttäni, he alkoivat puhua huonosta luonteestani väkisin ja päättäväisesti."

- Callas kertoo myöhemmin.

Ratkaiseva hetki

Rooman skandaali merkitsi suuren laulajan uran laskun alkua. Bellinin Pirate-oopperan ensi-iltaa edeltävänä päivänä Callas joutui leikkaukseen. Toipumisaika oli erittäin vaikea. Maria ei syönyt mitään ja lakkasi nukkumasta melkein kokonaan. Tilansa vakavuudesta huolimatta hän astui La Scala -vaiheeseen ja, kuten aina, oli vertaansa vailla. Yleisö alkoi tervehtiä jumalatartaan. Mutta teatterin johto ajatteli toisin.

Aivan huipentumahetkellä, kun Maria oli valmis astumaan ulos verhojen takaa, lavalle putosi palosuojattu rautaesirippu, joka suojeli häntä täysin innostuneilta katsojilta. Callasille tämä oli yksiselitteinen merkki.

"Oli kuin he sanoisivat minulle:" Pois! Näytös on ohi! "

- hän myönsi haastattelussa. Raskain sydämin hän lähtee Italiasta ja keskittää energiansa esiintymiseen Amerikassa.

Ammatillisen toiminnan kriisi osui Marialle yhtä dramaattisten tapahtumien kanssa hänen henkilökohtaisessa elämässään. Batista Meneghinistä tuli hyvä impressario, mutta ei menestynein aviomies. Hänen suhteensa Callasiin oli enemmän kuin isällinen huoli kuin miehen täysimittainen rakkaus naista kohtaan.

Kultainen kreikkalainen

Vuonna 1958 Maria kutsuttiin miehensä kanssa vuosittaiseen Castelbarcon kreivitärin isännöimään venetsialaiseen juhlaan. Muiden vieraiden joukossa oli myös kreikkalainen tankkerikuningas Aristoteles Onassis ja hänen vaimonsa Tina. Aina rakastunut kaikkeen kauniiseen ja maailmankuuluun, Ari kiinnosti oopperadiivasta.

Yrittäessään hurmata Callasin Onassis turvautui suosikkitaktiikkaansa - hän kutsui Marian ja hänen miehensä ylelliselle jahtilleen Christinalle. Callas totesi, että hän ottaisi mielellään tämän kutsun vastaan, mutta hänen piti toistaiseksi lykätä sitä kiireisen kiertueaikataulunsa vuoksi. Hän esimerkiksi esiintyy nyt Lontoon Covent Gardenissa. Oopperaa kohtaan aina halveksunut Aristoteles yllätti vaimonsa kovasti, kun hän sanoi nopeasti: "Tulemme ehdottomasti paikalle!"

Tämän kuultuaan Giovanni koki oudon pelon ja katumuksen tunteen, ikään kuin ennustettaisiin heidän avioelämänsä lopun alkamista. Aristoteleen ja Marian kreikkalaisten sukulaissielujen välillä oli liian paljon yhtäläisyyksiä. Näytti siltä, ​​että he löysivät toisensa tässä loputtomassa hektisen elämän pyörteessä.

Signor Meneghiniä eivät aavistelut pettäneet. Kuten lupasi, hän osallistui ensi-iltaan ja järjesti esityksen jälkeen upeat juhlat oopperajumalattaren kunniaksi. Satakuusikymmentä ihmistä - Yhdistyneen kuningaskunnan merkittävimmät ja vaikutusvaltaisimmat ihmiset - sai kutsun, jossa luki: "Herra ja rouva Onassisilla on kunnia kutsua sinut päivälliselle Dorchester-hotelliin 17. kesäkuuta klo 23.15." Ari lähetti myös neljällekymmenelle etevälle vieraalle itse esitykseen liput, jotka olivat tuolloin kullan arvoisia.

Juhla kesti aamuun asti. Pinnan päätyttyä Maria suostui kuitenkin Onassisin painostukseen ottamaan vastaan ​​hänen kutsunsa Välimeren risteilylle. Astuessaan "Christinan" kannelle Maria otti askeleen uuteen aikakauteen elämässään.

Muhkea jahti, joka muistuttaa enemmän kelluvaa museota kuin ajoneuvoa, lähti Monte Carlon laiturilta kolmen viikon luksuspurjehdukselle. Callas ei ollut tämän risteilyn ainoa kunniavieras.

Hänen lisäksi paikalla oli suuri Winston Churchill vaimonsa Clementine, tyttärensä Sarah, henkilökohtainen lääkäri Lord Moran ja rakas kanarialainen Toby. Kun Christina telakoitui Delphiin, tunnettu yritys teki miellyttävän kävelymatkan Apollon temppeliin. Kaikki olivat hyvällä tuulella, raikuvat kuuluisien profetioiden odotuksesta.

Mutta tällä kertaa Delphic Oracle iski kaikki hiljaa. Ja mitä hän olisi voinut ennustaa? Maailmanpolitiikan patriarkka Sir Winston Churchill odotti elämänsä loppua, Tina - avioeroa Aristotelesta, Onassis itse - poikansa kuolemaa ja epäonnistunutta avioliittoa Jacqueline Kennedyn kanssa, Maria - tähden traagista loppua. ura, Giovanni Meneghini, joka uhrasi kaiken vaimonsa puolesta, - skandaali avioero ja surulliset muistot entisestä onnellisuudesta. Lienee tarpeetonta sanoa, että Delphin oraakkeli toimi viisaasti.

Risteilyn aikana Onassis käytti kaikkea viehätysvoimaansa vietelläkseen Maryn. Ja hän luovutti ... Ja heti, koska hän ei ollut tottunut piilottamaan ajatuksiaan ja tunteitaan, hän ilmoitti miehelleen tästä:

"Kaikki on ohi meidän välillämme. Olen hulluna Ariin."

Eroksen armoilla

Suhde Aristoteles Onassisiin oli oopperajumalattaren elämän jännittävin. Hänestä tuli hänen ensimmäinen rakkautensa, yhtä vahva kuin se oli myöhässä.

Maria yritti sukeltaa kaikkiin rakkaansa elämän osa-alueisiin. Toisin kuin ensimmäinen vaimonsa, Maria saattoi mennä keittiöön ennen illallista ilman varoitusta ja seurata ruoanlaittoprosessia henkilökohtaisesti.

Tämä pakkomielle aiheutti paljon ahdistusta kokki Onassis Clement Miralissa. Hän oli erityisen kauhuissaan, kun Callas hienostuneen gourmetin ilmassa nosti jonkun herkullisen ruuan kantta ja kasti siihen palan leipää, maisteli sitä. Miralin hämmästyneeseen kysymykseen, mitä hän sanoisi pomolleen, kun hän löysi lautaselta leivänpaloja, hän vastasi välinpitämättömästi:

"Kerro hänelle, että se on hänen uuden emäntänsä vika!"

Kun tiedot Callasin ja Onassisin suhteesta vuotivat lehdistölle, puhkesi maallinen skandaali.

Onassisin vaimo Tina otti heti lapsensa - 12-vuotiaan Alexanderin ja 9-vuotiaan Christinan - ja katosi tuntemattomaan suuntaan. Nurkassa oleva, ulkoisesti Onassis pysyi rauhallisena ja vastasi toimittajien kysymyksiin:

"Olen merimies ja tällaista voi tapahtua merimiehille aika ajoin."

Syvällä sielussaan Ari oli melko huolissaan tilanteesta. Saatuaan kanaviensa kautta tietää, että Tina piileskelee isänsä, kreikkalaisen laivanomistajan Stavros Livanoksen luona, Aristoteles alkoi piirittää vaimoaan yrittäen selittää, että Callas oli hänelle vain älykäs ja omistautunut tyttöystävä, joka auttoi häntä ratkaisemaan yrityskysymyksiä. On epätodennäköistä, että Tina voisi vakuuttua ilmeisellä valheella. Ja Meneghini hermostui, kun hän tajusi, ettei Maria koskaan palaisi hänen luokseen. Hylätyt puolisot - Giovanni ja Tina - hakivat avioeroa.

Monet vaikutusvaltaiset Aristoteleen ystävät vedettiin korkean profiilin skandaaliin. Jopa Onassisin läheinen ystävä Whiston Churchill yritti osallistua rumaan välienselvittelyyn. Mutta hän vain tuhahti tyytymättömänä ja mutisi jotain, mikä ei ollut aivan selvää itselleen. Perhe- ja avioliittoasiat ovat aina merkinneet vähän maailmanpolitiikan patriarkan elämässä, mutta ikääntymisen myötä, melankolian ja masennuksen rasittamana, niille ei jäänyt enää paikkaa.

Nämä eivät olleet parhaita aikoja sekä Onassisille että Marialle. Aristoteles heitteli kahden naisen välillä, kun taas Maria yritti tottua uuteen rakastajatarrooliinsa. Heidän tunteitaan näytti olevan koeteltu.

Ja he läpäisivät tämän kokeen kunnialla. Vuonna 1960 molemmat vapautuivat.

Ilmainen uinti

Maria suhtautui tapahtuneisiin muutoksiin optimistisesti. Lopulta hän kuului itselleen ja jollekin toiselle, erittäin arvokkaalle ja rakastetukselle. Hän tunnusti:

”Elin liian kauan itseäni paljon vanhemman ihmisen kanssa, minusta alkoi jopa tuntua, että vanhenin etuajassa. Elämäni meni kuin häkissä, ja vasta kun tapasin Ariston ja hänen ystävänsä, jotka säteilevät kaikkea elämän monimuotoisuutta, minusta tuli täysin erilainen nainen."

Uudet horisontit avautuivat hänen eteensä. Ja pian Callas huomasi olevansa raskaana. Hänen elämänsä kirjassa alkoi uusi luku, jonka tunnusomaisia ​​piirteitä olivat kodin mukavuus, iloiset lasten itkut ja rakkaan miehen lempeä syleily. Ja työ - hänen suosikkiteoksensa - ei voinut muuta kuin kostaa laulajalle sellaisesta piittaamattomuudesta. Yhtäkkiä hänen unohtumaton äänensä alkoi muuttua, eikä hän voinut tehdä asialle mitään. Vuosia myöhemmin Mary sanoo:

”Ensimmäistä kertaa minulla oli komplekseja, ja aloin menettää entisen rohkeuteni. Negatiivisilla arvosteluilla on ollut kauhea vaikutus, joka on johtanut minut luovaan kriisiin. Tämä on ensimmäinen kerta, kun menetän oman ääneni hallinnan."

Callas tarvitsi enemmän kuin koskaan apua, neuvoja ja tukea. Hän kääntyy lähimmän henkilön - Aristoteleen - puoleen. Mutta näyttää siltä, ​​​​että se oli epäonnistunut ehdokas. Onassis on liian kaukana taiteen ongelmista ja rakkaansa henkisestä ahdistuksesta. Yhteinen lapsi voisi muuttaa tilanteen, mutta tässäkin Callas koki katkera pettymys. Poika, jolle hän antoi nimeksi Omero, syntyi kuolleena. Hänellä oli vain yksi tehtävä: yrittää saada takaisin entinen loistonsa ja mennä naimisiin Aristoteleen kanssa, jolloin hän sai virallisen vaimon ja kodin pitäjän aseman.

Presidentin vaimo

Kivuliaan avioeroprosessin jälkeen Aristoteles ja Maria alkoivat ilmaantua yhdessä yhteiskunnassa epäröimättä. Yksi heidän seuraavan treffinsä todistajista Monte Carlon yökerhossa muisteli:

"He eivät voi tanssia poskesta poskelle, koska neiti Callas on hieman pitempi kuin herra Onassis. Siksi, kun he tanssivat, Mary kallistaa päätään ja puristaa hieman huulillaan rakkaansa korvaa, mikä saa hänet nauramaan innostuneesti.

Nähdessään kuinka nopeasti ystävien välinen suhde kehittyy, kaikki elivät vain uusia upeita häitä. Maria ja Aristoteles eivät kuitenkaan kiirehtineet asioita. Vastatessaan italialaisen lehden häiritseviin kysymyksiin Callas oli välttelevä ja salaperäinen:

"Voin sanoa vain yhden asian - minun ja herra Onassisin välillä on erittäin hellä ja herkkä ystävyys."

Mutta kaikista odotuksista huolimatta avioliittoa ei koskaan tapahtunut - ei vuonna 1960 eikä sen jälkeen. Kolme vuotta avioeron jälkeen Onassisin elämään ilmestyy uusi nainen, jolle hän ei tarjoa vain kättä ja sydäntä, vaan myös reilun osan omaisuudestaan.

Kesällä 1963 Aristoteles kutsui Yhdysvaltain ensimmäisen naisen Jacqueline Kennedyn jahtilleen Christina. Jo ennen kuin tapasi rouva Kennedyn henkilökohtaisesti, Onassis kiinnosti hänen imagoaan, jossa yhdistyi kauneus ja korkea asema yhteiskunnassa.

Ja kun Jackie astui jahtinsa kannelle, hän tulvi hänet lahjoilla. Kun ensimmäinen nainen palaa Valkoiseen taloon, yksi hänen miehensä avustajista huomauttaa:

"Tähdet loistivat Jackien silmissä - Kreikan tähdet!"

Callas ei heti tunnistanut rouva Kennedyä uhkaksi. Maria oli varma, ettei Onassis koskaan vastustaisi Yhdysvaltain presidenttiä toisesta rakkaussuhteesta. Tilanne muuttui dramaattisesti Dallasissa tapahtuneiden traagisten laukausten jälkeen.

Johanneksen kuoleman jälkeen Aristoteles alkaa aktiivisesti huolehtia Jacquelinesta. Nyt hänen kanssaan hän alkoi tehdä yksinäisiä matkoja "Christinalla" Egeanmerellä ja Välimerellä. Callas oli huolissaan, mutta hän ei voinut muuttaa mitään. Jackie on häntä nuorempi ja vieläkin kuuluisempi. Myös Onassisin asenne on muuttunut. Jatkuvan kumppanin sijaan hän muuttui Marialle satunnaiseksi seuralaiseksi, joka vieraili hänen luonaan silloin tällöin.

Joskus nämä vierailut olivat melko jännittäviä sekä Callasille että Arille itselleen. Kerran hän myöntyi hetkelliseen nautintoon ja suostui menemään naimisiin Maryn kanssa. Valmistelut häitä varten, jotka päätettiin pelata maaliskuun alussa 1968 Lontoossa, tapahtuivat tiukimman salassapidon ilmapiirissä.

Viime hetkellä Callas kauhistui huomatessaan, ettei hänellä ollut syntymätodistusta. Kaksoiskappale oli valmis kaksi viikkoa myöhemmin, mikä tuli kohtalokkaaksi suuren laulajan elämässä. Vain muutama minuutti ennen hääseremonian alkua hän erosi sulhasen kanssa ja menetti tämän melkein ikuisesti. Saman vuoden kesäkuussa Onassis pelasi toisen häät, vain morsian ei ollut Callas, vaan Yhdysvaltain entinen ensimmäinen nainen Jacqueline Kennedy. Marian elämän traagisin vaihe alkoi.

Viimeinen verho

Hän yritti silti palata lavalle. Mutta se oli jo eri aika ja eri ääni. Nyt Maria joutui kilpailemaan entisen itsensä kanssa, eikä tulos selvästikään ollut hänen edunsa. Suoraan sanottuna hän myöntää:

”Päivä on helppo elää, mutta yö... Suljet makuuhuoneen oven ja jäät yksin. Mitä haluaisit tehdä? ulvoa kuin susi?"

Hämmästyttävää kyllä, Onassis pysyi avioliitostaan ​​huolimatta edelleen hänen elämässään vieraillessaan milloin vain halusi. Avioliitto Jacquelinen kanssa epäonnistui, joten salaiset tapaamiset kahden rakastajan välillä eivät olleet niin harvinainen tapahtuma. Mutta silti se ei ollut sitä, ei niin... Heidän rakkautensa kuoli.

Siksi Onassisin todellinen kuolema maaliskuussa 1975 ei muuttanut mitään Marian elämässä. Hän on ollut pitkään yksin... Kukaan ei tarvinnut, kukaan ei rakastanut. Ehkä tämä oli yksi pahimmista lauseista naiselle, jolle tuhannet taputivat ja miljoonat palvoivat.

Elämällä ei enää ollut merkitystä. 16. syyskuuta 1977 Maria löydettiin kuolleena asunnostaan.

Vuodet kuluvat, ja armoton aika pyyhkiytyy pois monien tämän draaman osallistujien muistista. Vain Maria Callasin jumalallinen ääni jää jäljelle. Sellaisen, joka voi tehdä ihmisistä kirkkaampia ja puhtaampia. Mutta joka ei koskaan tuonut onnea omistajalleen.

Maria Callas on hämmästyttävä nainen, jolla on ainutlaatuinen kirkas ääni, joka on kiehtonut maailman parhaiden konserttisalien katsojia jo vuosia. Vahva, kaunis, uskomattoman hienostunut, hän voitti miljoonien kuuntelijoiden sydämet, mutta hän ei voinut voittaa ainoan rakkaan ihmisen sydäntä. Kohtalo on valmistanut oopperadiivalle monia koettelemuksia ja traagisia käänteitä, ylä- ja alamäkiä, nautintoja ja pettymyksiä.

Lapsuus

Laulaja Maria Callas syntyi vuonna 1923 New Yorkissa kreikkalaisten siirtolaisten perheeseen, joka vähän ennen tyttärensä syntymää muutti Amerikkaan etsimään parempaa elämää. Ennen Marian syntymää Callas-perheellä oli jo lapsia - poika ja tytär. Pojan elämä kuitenkin katkesi niin aikaisin, että vanhemmat eivät ehtineet edes nauttia poikansa kasvattamisesta.

Tulevan maailmantähden äiti raskauden aikana meni suruun ja pyysi korkeampia voimia synnyttämään pojan - kuolleen lapsen korvaajan. Mutta tyttö syntyi - Maria. Aluksi nainen ei edes tullut lapsen kehtoon. Ja monien elinvuosien ajan Maria Callasin ja hänen äitinsä välillä oli kylmyys ja tietty irrallisuus suhteessa toisiinsa. Naisten välillä ei ole koskaan ollut hyvää suhdetta. Heitä yhdistävät vain jatkuvat väitteet ja sanattomat valitukset toisiaan kohtaan. Tämä oli elämän julma totuus.

Marian isä yritti harjoittaa apteekkitoimintaa, mutta 1900-luvun 30-luvun talouskriisi, joka koetteli Yhdysvaltoja, ei jättänyt mahdollisuuksia sateenkaaren unelman toteutumiseen. Rahasta oli jatkuvasti pulaa, mikä teki Callas-perheen skandaaleista normin. Maria kasvoi sellaisessa ilmapiirissä, ja se oli hänelle koettelemus. Lopulta pitkän pohdiskelun jälkeen Marian äiti ei kestänyt köyhää, melkein kerjäläistä olemassaoloa, hän otti heidät ja hänen sisarensa, erosi miehestään ja palasi kotimaahansa Kreikkaan. Täällä Maria Callasin elämäkerta otti jyrkän käänteen, josta kaikki alkoi. Maria oli tuolloin vain 14-vuotias.

Opiskelu konservatoriossa

Maria Callas oli lahjakas lapsi. Lapsuudesta lähtien hän osoitti lahjakkuutta musiikkiin, hänellä oli erinomainen muisti, hän muisti helposti kaikki kuulemansa kappaleet ja antoi ne välittömästi katuympäristön tuomioistuimelle. Tytön äiti ymmärsi, että hänen tyttärensä musiikin opiskelu voi olla hyvä sijoitus perheen mukavaan tulevaisuuteen. Maria Callasin musiikillinen elämäkerta aloitti lähtölaskentansa täsmälleen siitä hetkestä, kun hänen äitinsä antoi tulevan tähden Ethnikon Odeon -konservatorioon Ateenassa. Tytön ensimmäinen opettaja oli musiikkipiireissä tunnettu Maria Trivella.

Musiikki oli Maria Callasille kaikki kaikessa. Hän asui vain luokkahuoneen seinien sisällä - hän rakasti, hengitti, tunsi - koulun ulkopuolella, muuttuen elämään sopeutumattomaksi tytöksi, joka oli täynnä pelkoja ja ristiriitoja. Ulkoisesti ruma - lihava, kammottavissa lasissa - Maria piilotti sisällään koko maailman, kirkkaana, eloisaa, kaunista, eikä tiennyt lahjakkuutensa todellista hintaa.

Menestys musiikillisessa lukutaidossa oli asteittaista, kiireetöntä. Opiskelu oli kovaa työtä, mutta se tuotti suurta iloa. Minun on sanottava, että luonto on antanut Marialle pedanttisuutta. Huolellisuus ja tunnollisuus olivat hänen luonteensa hyvin ilmeisiä piirteitä.

Myöhemmin Callas muutti toiseen konservatorioon - Odeon Afioniin, laulaja Elvira de Hidalgon luokassa, minun on sanottava, erinomainen laulaja, joka auttoi Mariaa muodostamaan paitsi oman tyylinsä musiikkimateriaalin esittämisessä, myös tuomaan hänet. ääni täydellisyyteen.

Ensimmäiset onnistumiset

Maria maisti ensimmäisen menestyksensä loistavan debyyttiesityksensä jälkeen Ateenan oopperatalossa Santuzzan kanssa Mascagnin maaseudun kunniassa. Se oli vertaansa vailla oleva tunne, niin suloinen ja huumaava, mutta se ei kääntänyt tytön päätä. Callas ymmärsi, että todellisten korkeuksien saavuttaminen vaatii uuvuttavaa työtä. Ja työtä ei olisi pitänyt tehdä vain äänen parissa. Marian ulkoiset tiedot, tai pikemminkin hänen ulkonäkönsä, eivät tuolloin antaneet naisessa grammaakaan merkkejä tulevasta oopperamusiikin jumalattaresta - hän oli lihava, käsittämättömissä vaatteissa, jotka näyttivät enemmän hupparilta kuin konserttiasulta, kiiltävät hiukset ... mikä alunperin sai tuhansia miehiä hulluksi vuosien varrella ja loi liikkeen tyylin ja muodin monille naisille.

Konservatoriokoulutus päättyi 40-luvun puolivälissä, ja Maria Callasin musiikillista elämäkertaa täydennettiin kiertueilla Italiassa. Kaupungit ja konserttipaikat vaihtuivat, mutta salit olivat täynnä kaikkialla - oopperan ystävät tulivat nauttimaan tytön upeasta äänestä, niin sydämellisestä ja vilpittömästä, joka hurmasi ja lumotti jokaisen kuulijan.

Uskotaan, että hän sai laajan suosion vasta La Giocondan roolin jälkeen samannimisessä oopperassa, joka esitettiin Arena di Verona -festivaalin lavalla.

Giovanni Battista Meneghini

Pian kohtalo esitteli Maria Callasille tapaamisen tulevan aviomiehensä Giovanni Battista Meneghinin kanssa. Italialainen teollisuusmies, aikuinen mies (melkein kaksi kertaa Mariaa vanhempi), hän piti kovasti oopperasta ja oli hyvin sympaattinen Callasille.

Meneghini oli erikoinen henkilö. Hän asui äitinsä kanssa, hänellä ei ollut perhettä, mutta ei siksi, että hän oli vakuuttunut poikamies. Se on vain, että pitkään aikaan ei ollut hänelle sopivaa naista, eikä Giovanni itse etsinyt erityisesti elämänkumppania. Luonteeltaan hän oli melko laskeva, intohimoinen työhönsä, kaukana komea, ei myöskään pitkä.

Hän alkoi huolehtia Mariasta, antaa hänelle upeita kukkakimppuja, kalliita lahjoja. Tytölle, joka oli tähän asti elänyt vain musiikista, kaikki tämä oli uutta ja epätavallista, mutta erittäin miellyttävää. Tämän seurauksena oopperalaulaja hyväksyi herrasmiehen seurustelun. He iloitsivat.

Maria ei ollut sopeutunut elämään, ja Giovanni oli hänelle kaikki kaikessa tässä mielessä. Hän korvasi hänen rakkaan isänsä, kuunteli naisen emotionaalista ahdistusta ja huolia, oli hänen uskottunsa asioissa ja toimi impressaarion roolissa, turvasi elämän, rauhan ja mukavuuden.

Perhe-elämä

Heidän avioliittonsa ei perustunut tunteisiin ja intohimoihin, vaan se muistutti pikemminkin hiljaista turvasatamaa, jossa ei ole paikkaa levottomuuksille ja myrskyille.

Äskettäin lyöty perhe asettui Milanoon. Heidän kaunis kotinsa - perheen pesä - oli Maryn valvonnassa ja tiukassa valvonnassa. Kotitöiden lisäksi Callas opiskeli musiikkia, kiersi Yhdysvalloissa, Latinalaisessa ja Etelä-Amerikassa eikä koskaan edes ajatellut avioliiton uskottomuutta. Hän itse pysyi uskollisena miehelleen eikä koskaan ajatellut olla kateellinen miehelle tai epäillä häntä uskottomuudesta. Silloin Callas oli vielä se Maria, joka pystyi tekemään paljon miehen hyväksi, esimerkiksi epäröimättä jättämään uran perheen vuoksi. Sinun piti vain kysyä häneltä sitä...

50-luvun alussa onni kääntyi Maria Callasiin. Hänet kutsuttiin esiintymään Milanon La Scalaan. Se oli todella hieno ehdotus, eikä se ollut ainoa. Siellä Covent Garden Lontoossa, Chicagon oopperatalo ja Metropolitan Opera New Yorkissa avasivat ovensa laulajalle. Vuonna 1960 Maria Callasista tuli päätoiminen solisti La Scalassa, ja hänen uransa täydennettiin parhailla oopperarooleilla. Maria Callasin aarioita on lukuisia, muun muassa Lucia ja Anne Boleynin rooli Lucia di Lammermoorissa ja Donizettin Anne Boleyn; Violetta Verdin La Traviatassa, Tosca Puccinin Toscassa ja muissa.

Muutos

Vähitellen, kuuluisuuden ja kuuluisuuden tullessa, Maria Callasin ulkonäkö muuttui. Nainen teki todellisen läpimurron ja muuttui ajan kuluessa rumasta ankanpojasta todella kauniiksi joutseneksi. Hän aloitti julman ruokavalion, laihtui uskomattomiin parametreihin ja hänestä tuli hienostunut, tyylikäs ja uskomattoman hyvin hoidettu. Antiikkiset kasvonpiirteet loistivat uusilla väreillä, niihin ilmestyi valoa, joka tuli sisältä ja sytytti miljoonia sydämiä ympäri maailmaa.

Laulajan aviomies ei erehtynyt "laskelmissaan". Hän näytti ennakoivan, että Maria Callas, jonka kuva oli nyt sanoma- ja aikakauslehdissä, on timantti, joka on yksinkertaisesti leikattava ja kehystettävä kauniisti. Kiinnitä siihen vähän huomiota ja se loistaa maagisella valolla.

Maria eli nopeatempoista elämää. Iltapäivällä harjoitukset, illalla esitys. Callasilla oli talisman, jota ilman hän ei mennyt lavalle - miehensä lahjoittama kangas, jossa oli raamatullinen kuva. Menestys ja tunnustus vaativat jatkuvaa titaanista työtä. Mutta hän oli onnellinen, koska hän tiesi, ettei hän ollut yksin, hänellä oli talo, jossa he odottivat häntä.

Giovanni ymmärsi täydellisesti, että hänen vaimonsa oli huolehdittava, ja yritti jotenkin helpottaa ja helpottaa hänen elämäänsä yrittäen suojella häntä kaikilta, jopa äidin huolenaiheilta. Pariskunnalla ei ollut lapsia - Meneghini yksinkertaisesti kielsi Mariaa synnyttämästä.

Maria Callas ja Onassis

Maria Callasin ja Giovanni Battista Meneghinin avioliitto kesti 10 vuotta. Ja sitten oopperadiivan, ainoan rakkaan, elämään ilmestyi uusi mies. Vain hänen kanssaan hän koki koko tunteiden kirjon - rakkauden, hullun intohimon, nöyryytyksen ja petoksen.

Se oli kreikkalainen miljonääri, "sanomalehtien, tehtaiden ja laivojen" omistaja Aristoteles Onassis - laskelmoiva mies, joka ei tehnyt mitään ilman hyötyä itselleen. Hän teki omaisuutensa taitavasti toisen maailmansodan aikana myymällä öljyä vihollisuuksiin osallistuville maille. Kerran hän meni naimisiin (ei vain niin, tunteiden takia, vaan taloudellisesti) Tina Livanoksen, varakkaan laivanvarustajan tyttären, kanssa. Avioliitossa heillä oli kaksi lasta - poika ja tytär.

Aristoteles ei ollut komea mies, joka ajoi naiset välittömästi hulluksi. Hän oli tavallinen mies, melko lyhytkasvuinen. Tietenkin on vaikea sanoa varmasti, oliko hänellä todellisia, vilpittömiä tunteita Maria Callasia kohtaan. Tämän tietävät vain hän ja Jumala, mutta jännitys, metsästäjän vaisto hyppäsi häneen - tämä on epäilemättä. Sellaista ihailevat kaikki Maria Callas, nuori 35-vuotias kaunis nainen, hyvin hoidettu ja kauniin näköinen. Hän halusi tulla tämän pokaalin omistajaksi, niin haluttu ...

Avioero

He tapasivat Venetsiassa ballissa. Jonkin aikaa myöhemmin puolisot Maria Callas ja Giovanni Meneghini kutsuttiin ystävällisesti Onassisin huviveneelle jännittävälle risteilymatkalle. Tunnelma huviveneellä oli oopperadiivalle tuntematon: rikkaat ja kuuluisat ihmiset viettivät aikansa laiskasti baareissa ja viihdetapahtumissa; lempeä aurinko, meri-ilma ja yleensä tilanteen epätavallisuus - kaikki tämä syöksyi Maria Callasin aiemmin tuntemattomien tunteiden kuiluun. Hän tajusi, että konserttien ja jatkuvan työn ja harjoitusten lisäksi on muutakin elämää. Hän rakastui. Rakastui ja aloitti suhteen Onassisiin vaimonsa ja tämän oman miehensä edessä.

Kreikkalainen miljonääri teki parhaansa voittaakseen Marian sydämen. Hän käyttäytyi kuin hänen palvelijansa yrittäen täyttää jokaisen päähänpiston.

Giovanni Battista huomasi vaimonsa kanssa tapahtuneet muutokset ja ymmärsi kaiken. Ja pian koko yleisö tiesi, mitä oli tapahtumassa: Aristoteles Onassis ja Maria Callas, joiden valokuvat leijuivat juorujen sivuilla, eivät edes ajatelleet piiloutua uteliailta silmiltä.

Battista oli valmis antamaan vaimolleen anteeksi tämän petoksen ja aloittamaan kaiken alusta. Hän yritti tavoittaa Marian järkeä ja tervettä järkeä. Mutta nainen ei tarvinnut sitä. Hän kertoi miehelleen rakastavansa toista ja ilmoitti miehelle aikomuksestaan ​​erota.

Uusi onneton elämä

Ero miehensä kanssa ei tuonut Marialle onnea. Aluksi hänen asioissaan hahmottui taantuminen, koska hänen esiintymistensä ja konserttiensa järjestämisessä ei ollut ketään muuta. Oopperalaulaja oli kuin pieni tyttö, avuton ja kaikkien hylkäämä.

Hänen henkilökohtaisessa elämässään kaikki oli epämääräistä. Callas odotti hetkeä, jolloin rakastettu vihdoin erosi vaimostaan ​​ja menisi naimisiin tämän kanssa, mutta Aristoteles ei kiirehtinyt katkaisemaan perhesiteitä. Hän tyydytti kaikki toiveensa, miellyttäen miehen egoa ja ylpeyttä; todisti itselleen, että hän pystyy valloittamaan monien niin halutun oopperan ylpeimmän jumalattaren. Nyt ei ollut mitään kokeiltavaa. Rakastajatar alkoi vähitellen väsyttää häntä. Hän kiinnitti hänen huomionsa yhä vähemmän ja vetosi jatkuvaan työhön ja liiketoimintaan. Maria ymmärsi, että hänen rakastamallaan miehellä oli muita naisia, mutta hän ei voinut vastustaa tunteitaan.

Kun Maria oli hieman yli 40-vuotias, kohtalo antoi hänelle viimeisen mahdollisuuden tulla äidiksi. Mutta Aristoteles asetti naisen tuskallisen valinnan eteen, eikä Callas voinut kääntyä ja hylätä rakastettuaan miestään.

Työn vähentyminen ja rakkaansa pettäminen

Epäonnistumiset seurasivat diivaa paitsi hänen henkilökohtaisessa elämässään. Maria Callasin ääni alkoi kuulostaa pahemmalta ja aiheutti rakastajatarille yhä enemmän ongelmia. Nainen tajusi jossain sielunsa syvyyksissä, että korkeammat voimat rankaisivat häntä hänen epäoikeudenmukaisesta elämäntavasta ja siitä, että hän oli kerran pettänyt miehensä.

Nainen meni tapaamaan maailman parhaita asiantuntijoita, mutta kukaan ei voinut auttaa häntä. Lääkärit tekivät avuttoman eleen, puhuen näkyvien patologioiden puuttumisesta, vihjaten laulajan ongelmien psykologisesta osasta. Maria Callasin esittämät aariat eivät enää aiheuttaneet tunteiden myrskyä.

Vuonna 1960 Aristoteles erosi, mutta ei koskaan mennyt naimisiin kuuluisan rakastajatarnsa kanssa. Maria odotti häneltä avioliittoehdotusta jonkin aikaa, ja sitten hän yksinkertaisesti lakkasi toivomasta.

Elämä muutti väriään ja osui naiseen sairaimpana. Marian ura ei kehittynyt ollenkaan, hän esiintyi yhä vähemmän. Häntä alettiin vähitellen nähdä ei ooppera-diivana, vaan rikkaan Aristoteles Onassisin rakastajatarna.

Ja pian rakastettu puukotti selkään - hän meni naimisiin. Mutta ei Marysta, vaan Jacqueline Kennedystä, murhatun presidentin leskestä. Se oli erittäin kannattava avioliitto, joka avasi kunnianhimoiselle Onassisille tien poliittisen eliitin maailmaan.

Unohdus

Maria Callasin kohtalon ja musiikillisen uran maamerkki oli hänen esiintymisensä La Scalassa Paolinan osuudella Polievktassa vuonna 1960, joka osoittautui täydelliseksi epäonnistumiseksi. Ääni ei kuunnellut laulajaa, ja lumoavien äänien virran sijasta katsojaan osui valheellisuutta täynnä oleva ooppera. Ensimmäistä kertaa Maria ei voinut hallita itseään. Tämä oli lopun alkua.

Callas poistui vähitellen lavalta. Jonkin aikaa asettuaan New Yorkiin Maria opetti musiikkikoulussa. Myöhemmin hän muutti Pariisiin. Ranskassa hänellä oli kokemusta elokuvan kuvaamisesta, mutta hän ei tuonut hänelle iloa tai tyydytystä. Laulaja Maria Callasin koko elämä oli ikuisesti yhteydessä vain musiikkiin.

Hän kaipasi jatkuvasti rakkaansa. Ja sitten eräänä päivänä hän tunnusti hänelle. Nainen antoi anteeksi petturilleen. Mutta liitto ei onnistunut toista kertaa. Onassis ilmestyi Marian taloon harvoin, silloin tällöin, vain silloin, kun hän itse sitä halusi. Nainen tiesi, että tätä miestä ei voi muuttaa, mutta hän rakasti häntä juuri sellaisena kuin hän oli. Vuonna 1975 Aristoteles Onassis kuoli. Samana vuonna Ateenassa pidettiin Maria Callasin mukaan nimetty kansainvälinen ooppera- ja pianomusiikkikilpailu.

Rakkaan kuoleman jälkeen nainen eli vielä kaksi vuotta. Maria Callasin elämäkerta katkesi Pariisissa vuonna 1977. Ooppera-diiva menehtyi 53-vuotiaana. Virallinen kuolinsyy on sydänkohtaus, mutta tapahtuneesta on toinen versio: monet uskovat, että se oli murha. Oopperalaulajan tuhkat hajaantuivat Egeanmeren vesille.

Vuodesta 1977 lähtien kansainvälisestä Maria Callas -kilpailusta on tullut vuosittainen tapahtuma, ja vuodesta 1994 lähtien ainoa palkinto, Maria Callas Grand Prix, on jaettu.

Legendaarinen kreikkalaista alkuperää oleva oopperalaulaja, yksi 1900-luvun parhaista sopraanoista. Ainutlaatuinen äänidata, vaikuttava bel canto -tekniikka ja todella dramaattinen lähestymistapa esitykseen Maria Callas maailman oopperanäyttämön suurin tähti, ja hänen henkilökohtaisen elämänsä traaginen tarina herätti jatkuvasti yleisön ja lehdistön huomion. Erinomaisesta musiikillisesta ja dramaattisesta lahjakkuudestaan ​​hänet nimettiin "jumalattareksi" (La Divina) oopperataiteen ystäviltä.

Maria Callas, os Sophia Cecelia Kalos, syntyi 2. joulukuuta 1923 New Yorkissa kreikkalaisten maahanmuuttajien perheeseen. Hänen äitinsä, Kaloksen evankeliumit(Evangelia Kalos), huomattuaan tyttärensä musiikillisen lahjakkuuden, pakotti hänet laulamaan viisivuotiaana, mistä pikkutyttö ei pitänyt ollenkaan. Vuonna 1937 Marian vanhemmat erosivat, ja hän muutti äitinsä kanssa Kreikkaan. Suhteet äitiinsä vain huononivat, vuonna 1950 Maria lopetti yhteydenpidon häneen.

Maria sai musiikillisen koulutuksensa Ateenan konservatoriossa.

Hänen opettajansa Maria Trivella(Maria Trivella) muistelee: ”Hän oli täydellinen opiskelija. Fanaattinen, tinkimätön, täysin omistautunut laulamaan sydämensä ja sielunsa. Hänen edistymisensä on ollut ilmiömäistä. Hän harjoitteli viidestä kuuteen tuntia päivässä, ja kuusi kuukautta myöhemmin hän lauloi vaikeimpia aarioita."

Ensimmäinen julkinen esitys pidettiin vuonna 1938 Callas pian sen jälkeen hän sai pieniä rooleja Kreikan kansallisoopperassa. Siellä saama pieni palkka auttoi hänen perhettään tulemaan toimeen vaikeina sodan aikoina. Marian debyytti nimiroolissa tapahtui vuonna 1942 Olympia-teatterissa ja sai ylistäviä arvosteluja lehdistöstä.

Sodan jälkeen Callas meni Yhdysvaltoihin, missä hänen isänsä asui. George Callas(George Kalos). Hänet hyväksyttiin arvostettuun Metropolitan Operaan, mutta hän hylkäsi pian sopimuksen, joka tarjosi sopimattomia rooleja ja alhaista palkkaa. Vuonna 1946 Callas muutti Italiaan. Veronassa hän tapasi Giovanni Battista Meneghini(Giovanni Battista Meneghini). Varakas teollisuusmies oli häntä paljon vanhempi, mutta vuonna 1949 hän meni naimisiin hänen kanssaan. Ennen heidän avioeroaan vuonna 1959 Meneghini ohjasi uraa Callas, josta tulee hänen impressaarionsa ja tuottajansa. Italiassa laulaja onnistui tapaamaan erinomaisen kapellimestarin Tullio Seraphin(Tullio Serafin). Heidän yhteinen työnsä merkitsi hänen menestyksekkään kansainvälisen uransa alkua.

Vuonna 1949 Venetsiassa Maria Callas esiintyi hyvin monimuotoisessa roolissa: Brunhildes "Valkyriessa" Wagner ja Elvira elokuvassa "The Puritans" Bellini- ennennäkemätön tapahtuma oopperan historiassa. Tätä seurasi loistavia rooleja oopperoissa Cherubini ja Rossini... Vuonna 1950 hän antoi 100 konserttia ja asetti henkilökohtaisen ennätyksensä. Vuonna 1951 Callas debytoi oopperan legendaarisella La Scala -lavalla Verdi"Sisilialainen Vespers". Maailman pääoopperanäyttämöllä hän osallistui tuotantoihin Herbert von Karajan(Herbert von Karajan), Marguerite Wallmann(Margherita Wallmann), Luchino Visconti(Luchino Visconti) ja Franco Zeffirelli. Pitkä ja erittäin hedelmällinen yhteistyö alkoi vuonna 1952. Maria Callas Lontoon kuninkaallisen oopperan kanssa.

Vuonna 1953 Callas laihtui nopeasti, kun hän laihtui 36 kg vuodessa. Hän muutti vartaloaan tarkoituksella esiintymisen vuoksi. Monet uskovat, että äkillinen painonmuutos oli syynä varhaiseen äänen menettämiseen, mutta samalla on kiistatonta, että hän sai itseluottamusta ja hänen äänensä muuttui pehmeämmäksi ja naisellisemmaksi.

Vuonna 1956 hän palasi voitokkaasti Metropolitan Operaan rooleilla Normassa Bellini ja "apulainen" Verdi... Hän on esiintynyt parhailla oopperanäyttämöillä ja esittänyt klassikoita: osia Lucia di Lammermoorissa Donizetti, "Trubaduuri" ja "Macbeth" Verdi, "Toske" Puccini.

Vuonna 1957 Maria Callas tapasi miehen, joka käänsi hänen elämänsä - multimiljardöörin, kreikkalaisen laivanomistajan Aristoteles Onassis... Vuonna 1959 Callas jätti miehensä, Onassisin vaimo haki avioeroa. Loistavan parin korkean profiilin romanssi herätti lehdistön huomion yhdeksän vuoden ajan. Mutta vuonna 1968 Callasin unelmat uudesta avioliitosta ja onnellisesta perhe-elämästä romahtivat: Onassis meni naimisiin Yhdysvaltain presidentin lesken kanssa. Jacqueline Kennedy(Jacqueline Kennedy).

Itse asiassa hänen maineikas uransa päättyi hänen ollessaan 40-vuotiaana. Hän piti viimeisen konserttinsa Royal Opera Housessa vuonna 1965. Hänen tekniikkansa oli edelleen erinomainen, mutta hänen ainutlaatuisesta äänestään puuttui voimaa.

Vuonna 1969 Maria Callas ainoa kerta, kun hän näytteli elokuvassa, joka ei ollut oopperaroolissa. Hän näytteli antiikin kreikkalaisten myyttien sankarittaren Medean roolia italialaisen ohjaajan samannimisessä elokuvassa Pier Paolo Pasolini(Pier Paolo Pasolini).

Ero Onassisin kanssa, hänen äänensä menetys ja hänen uransa varhainen päättyminen lamautti Marian. 1900-luvun menestynein oopperalaulaja vietti elämänsä viimeiset vuodet lähes yksin ja kuoli äkillisesti vuonna 1977 53-vuotiaana sydänkohtaukseen. Hänen tahtonsa mukaan tuhkat levitettiin Egeanmerelle.

Laulaja Montserrat Caballe(Montserrat Caballé) roolista Callas maailmanoopperassa: ”Se avasi oven kaikille maailman laulajille, joiden takana ei ollut vain hienoa musiikkia, vaan myös loistava idea tulkinnasta. Hän antoi meille mahdollisuuden tehdä asioita, jotka tuntuivat käsittämättömiltä ennen häntä. En koskaan haaveillut saavuttavani hänen tasonsa. On väärin verrata meitä - olen paljon pienempi kuin hän."

Vuonna 2002 Callasin ystävä Franco Zeffirelli teki elokuvan suuren laulajan muistoksi - "Callas Forever". Callasin roolia näytteli ranskalainen Fanny Ardant.

Vuonna 2007 Callas hänelle myönnettiin postuumisti Grammy-palkinto musiikin erinomaisuudesta. Samana vuonna BBC Music Magazine valitsi hänet kaikkien aikojen parhaaksi sopraanoksi. Kolmekymmentä vuotta hänen kuolemansa jälkeen Kreikka laski liikkeeseen 10 euron erikoisrahan, jossa on kuvattu Callas. Suuri joukko erilaisia ​​taiteilijoita on omistautunut Callasille työssään: ryhmät R.E.M., Enigma, Faithless, laulajat Celine Dion ja Rufus Wainwright.

Maestro Carlo Maria Giulini(Carlo Maria Giulini) äänessä Callas: "On erittäin vaikea löytää sanoja kuvaamaan hänen ääntään. Hän oli erityinen instrumentti. Tämä tapahtuu jousien kanssa: viulu, alttoviulu, sello - kun kuulet ne ensimmäisen kerran, ne antavat oudon vaikutelman. Mutta jos kuuntelet muutaman minuutin, tule tämän äänen kaltaiseksi, ja se saa maagisia ominaisuuksia. Callasin ääni oli sellainen."

(englanniksi Maria Callas; nimi syntymätodistuksessa - Sophia Cecelia Kalos, englanniksi Sophia Cecelia Kalos, kastettu nimellä Cecilia Sophia Anna Maria Kalogeropoulos - kreikkalainen Μαρ? α Καλογεροπο? α Καλογεροπο? 1. syyskuuta, 6. syyskuuta; λο 6. 1977, Pariisi) - yhdysvaltalainen oopperalaulaja (sopraano).

Maria Callas kuuluu sellaisiin oopperan uudistajiin kuin Richard Wagner ja Arturo Toscanini. 1900-luvun toisen puoliskon kulttuuri liittyy erottamattomasti hänen nimeensä. 1950-luvun alussa, postmodernismin ilmiön kynnyksellä, kun 1800-luvun ooppera muuttui esteettiseksi anakronismiksi, Maria Callas toi oopperataiteen takaisin Olympuksen huipulle. Elvytettyään bel canton aikakauden Maria Callas ei rajoittunut Bellinin, Rossinin ja Donizettin oopperoiden virtuoosiin koloratuuriin, vaan teki äänensä pääilmaisuvälineeksi. Hänestä on tullut monipuolinen laulaja, jonka ohjelmisto vaihtelee klassisista oopperasarjoista, kuten Spontinin Vestal, Verdin uusimpiin oopperoihin, Puccinin veristooopperoihin ja Wagnerin musiikkidraamaan.

Callasin uran nousuun 1900-luvun puolivälissä liittyi LP:n esiintyminen levytyksessä ja ystävyys EMI-levy-yhtiön näkyvän hahmon Walter Leggen kanssa.

Uuden sukupolven kapellimestarien, kuten Herbert von Karajanin ja Leonard Bernsteinin sekä elokuvantekijöiden, kuten Luchino Viscontin ja Franco Zeffirellin, saapuminen oopperatalojen lavalle teki jokaisesta Maria Callasin esityksestä tapahtuman. Hän muutti oopperan todelliseksi draamateatteriksi, joka pakotti jopa "trillit ja asteikot ilmaisemaan iloa, ahdistusta tai kaipuuta".

Maria Callas syntyi New Yorkissa kreikkalaisten maahanmuuttajien perheeseen. Vuonna 1936 Marian äiti Gospel palasi Ateenaan jatkaakseen tyttärensä musiikkikoulutusta. Äiti halusi ilmentää epäonnistuneita kykyjään tyttäreensä ja alkoi viedä hänet New Yorkin kirjastoon Fifth Avenuella. Maria aloitti klassisen musiikin kuuntelun 3-vuotiaana, viisivuotiaana pianotunteja ja kahdeksanvuotiaana laulutunteja. 14-vuotiaana Maria aloitti opinnot Ateenan konservatoriossa entisen espanjalaisen laulajan Elvira de Hidalgon johdolla.

Heinäkuussa 1941 Saksan miehittämässä Ateenassa Maria Callas debytoi Ateenan oopperassa Toscana.

Vuonna 1945 Maria Callas palasi New Yorkiin. Seurasi sarja epäonnistumisia: häntä ei esitelty Toscaninille, hän kieltäytyi laulamasta Cio-Cio-Sanin osaa Metropolitan-oopperassa raskaan painonsa vuoksi, toivoi Lyric Operan elvyttämistä Chicagossa, missä hän toivoi laulaa, romahti.

Vuonna 1947 Callas debytoi Arena di Veronan lavalla Ponchiellin La Giocondassa Tullio Serafinin johdolla. Tapaaminen Seraphinin kanssa oli Callasin itsensä sanoin: "Uran todellinen alku ja elämäni suurin menestys."

Tullio Seraphin esittelee Callasin suuren oopperan maailmaan. Hän laulaa ensimmäiset osat Verdin "Aidassa" ja Bellinin "Normassa" vuoden 1948 lopulla. Alkuvuodesta 1949, viikon sisällä, laulullisesti yhteensopimattomat roolit Brunhilde Wagnerin Valkyriessa ja Elvira Bellinin Puritaaneissa loivat laulaja Maria Callasin luovan ilmiön. Hän lauloi lyyrisiä, dramaattisia ja koloratuurisia osia, mikä oli lauluihme - "neljä ääntä yhdessä kurkussa". Vuonna 1949 Callas lähti kiertueelle Etelä-Amerikkaan. Vuonna 1950 hän laulaa ensimmäistä kertaa La Scalassa ja hänestä tulee "italialaisten primadonnien kuningatar".

Vuonna 1953 EMI julkaisi ensimmäistä kertaa täydellisiä tallenteita oopperoista Maria Callasin kanssa. Samana vuonna hän laihtui 30 kiloa. Muuntunut Callas valloittaa yleisön oopperanäyttämöillä Euroopassa ja Amerikassa Donizettin oopperoissa Lucia di Lammermoor, Bellinin Norma, Cherubinin Medea, Verdin Trubaduuri ja Macbeth sekä Puccinin Tosca.

Syyskuussa 1957 Maria Callas tapasi Aristoteles Onassisin ensimmäisen kerran Venetsiassa toimittaja Elsa Maxwellin syntymäpäivän kunniaksi järjestetyssä ballissa. Keväällä 1959 Venetsiassa he tapasivat jälleen ballissa. Sen jälkeen Onassis meni Lontooseen Callas-konserttiin. Tämän konsertin jälkeen hän kutsui hänet ja hänen miehensä jahtilleen. Marraskuun lopussa 1959 Onassisin vaimo Tina haki avioeroa, ja Callas ja Onassis esiintyivät tällä hetkellä avoimesti yhteiskunnassa yhdessä. Pariskunta taisteli lähes jatkuvasti, ja vuonna 1968 Maria Callas sai sanomalehdistä tietää, että Aristoteles Onassis oli mennyt naimisiin Yhdysvaltain presidentin Jacqueline Kennedyn lesken kanssa.

1959 merkitsi käännekohtaa hänen menestyksekkäässä urassaan. Tätä helpotti äänen menetys, sarja skandaaleja, avioero, ero Metropolitan Operasta, pakkopoistuminen La Scalasta, onneton rakkaus Aristoteles Onassisiin ja lapsen menetys. Yritys palata lavalle vuonna 1964 päättyy uuteen epäonnistumiseen.

Veronassa Maria Callas tapasi paikallisen teollisuusmiehen Giovanni Batista Meneghinin. Hän oli kaksi kertaa häntä vanhempi ja hänellä oli intohimo oopperaan. Pian Giovanni tunnusti rakkautensa Marialle, myi yrityksensä kokonaan ja omistautui Callasille.

Vuonna 1949 Maria Callas ja Giovanni Meneghini menivät naimisiin. Hänestä tuli Marialle kaikki: sekä uskollinen puoliso ja rakastava isä, että omistautunut johtaja ja antelias tuottaja.

Vuonna 1969 italialainen ohjaaja Pier Paolo Pasolini kutsui Maria Callasin näyttelemään Medean roolia samannimisessä elokuvassa. Vaikka elokuva ei ollut kaupallinen menestys, se on elokuvallisesti erittäin kiinnostava, kuten kaikki muut Pasolinin teokset. Medean rooli oli Maria Callasille ainoa rooli oopperan ulkopuolella.

Elämänsä viimeiset vuodet Maria Callas asui Pariisissa, käytännössä poistumatta asunnosta, jossa hän kuoli vuonna 1977. Hänet polttohaudattiin ja haudattiin Pere Lachaisen hautausmaalle. Myöhemmin hänen tuhkat levitettiin Egeanmerelle. Italialaiset foniatrit (äänihuulisairauksiin erikoistuneet lääkärit) Franco Fussi ja Nico Paolillo ovat selvittäneet oopperadiivan Maria Callasin todennäköisimmän kuolinsyyn, kirjoittaa italialainen La Stampa (artikkelin käännös englanniksi julkaissut Parterre Box). Heidän tutkimuksensa mukaan Callas kuoli dermatomyosiittiin, harvinaiseen sidekudoksen ja sileän lihaksen sairauteen. Fussi ja Paolillo tulivat tähän johtopäätökseen tutkittuaan Callasin eri vuosina tehtyjä äänitteitä ja analysoimalla hänen äänensä asteittaista heikkenemistä. Studiotallenteiden ja live-esitysten spektrografinen analyysi osoitti, että 1960-luvun lopulla, kun hänen äänenlaatunsa tuli ilmeiseksi, Callasin äänialue oli itse asiassa muuttunut sopraanosta mezzosopraanoksi, mikä selitti hänen korkeiden nuottien äänen muutoksen. esitys.

Lisäksi hänen myöhempien konserttiensa videoiden huolellinen tutkiminen paljasti, että laulajan lihakset olivat heikentyneet merkittävästi: rintakehä ei käytännössä noussut hengitettäessä, ja hengittäessään laulaja kohotti olkapäitään ja jännitti hartialihaksiaan, eli itse asiassa hän teki yleisimmän virheen tukeessaan äänilihasta.

Maria Callasin kuoleman syytä ei tiedetä varmasti, mutta laulajan uskotaan kuolleen sydänpysähdykseen. Fussin ja Paolillon mukaan heidän työnsä tulokset osoittavat suoraan, että syntynyt sydäninfarkti oli dermatomyosiitin aiheuttama komplikaatio. On huomionarvoista, että tämän Callasin diagnoosin (dermatomyosiitti) teki juuri ennen hänen kuolemaansa hänen lääkärinsä Mario Jacovazzo (tämä tuli tunnetuksi vasta vuonna 2002).

Maria Callasin oopperaroolit
Mascagnin Santuzza - Maaseudun kunnia (1938, Ateena)
Tosca - Puccinin "Tosca" (1941, Ateenan ooppera)
La Gioconda - Ponchiellin La Gioconda (1947, Arena di Verona)
Turandot - Puccinin "Turandot" (1948,
Aida - Verdin Aida (1948, Metropolitan Opera, New York)
Norm - Bellinin normi (1948, 1956, Metropolitan Opera; 1952, Covent Garden, Lontoo; 1954, Lyric Opera, Chicago)
Brünnhilde - Wagnerin Valkyrie (1949-1950, Metropolitan Opera)
Elvira - Bellinin puritaanit (1949-1950, Metropolitan Opera)
Elena - Verdin sisilialaiset vesperit (1951, La Scala, Milano)
Kundry - Wagnerin Parsifal (La Scala)
Violetta - Verdin La Scala (La Scala)
Medea - "Medea" Cherubini (1953, "La Scala")
Julia - "Vestal" Spontini (1954, "La Scala")
Gilda - Verdin Rigoletto (1955, La Scala)
Madame Butterfly (Chio-Chio-san) - Puccinin "Madame Butterfly" ("La Scala")
Lady Macbeth - "Macbeth" Verdi
Fedora - Giordanon "Fedora"
Anne Boleyn - Donizettin "Anne Boleyn".
Lucia - Donizettin "Lucia di Lammermoor".
Amina - Bellinin "Sonnambula"
Carmen - "Carmen" Bizet

Joyce DiDonato on kuuluisa amerikkalainen oopperalaulaja, mezzosopraano. Häntä pidetään yhtenä aikamme johtavista mezzosopraanoista ja parhaana Gioacchino Rossinin teosten tulkitsijana. Joyce DiDonato (os. Joyce Flaherty) syntyi 13. helmikuuta 1969 Pryre Villagessa, Kansasissa, USA:ssa perheeseen, jolla on irlantilaiset juuret, kuudentena seitsemästä lapsesta. Hänen isänsä oli paikallisen kirkon kuoron johtaja, Joyce lauloi siinä ja haaveili tulla Broadway-tähdeksi. Vuonna 1988 hän tuli Wichita State Universityyn, jossa hän opiskeli laulua. Joycen yliopiston jälkeen DiDonato päätti jatkaa musiikillista koulutustaan ​​ja astui vuonna 1992 Philadelphian Vocal Arts -akatemiaan. Akatemian jälkeen hän osallistui useiden vuosien ajan koulutusohjelmiin "Nuori taiteilija" eri oopperayrityksissä: vuonna 1995 - "Santa Fe Operassa", jossa hän suoritti musiikillista harjoittelua ja teki oopperadebyyttinsä suurella näyttämöllä, mutta niin kaukana pienemmissä rooleissa oopperoissa "Figaron häät" W. A. ​​​​ ​​Mozart, "Salome" R. Strauss, "Kreivitär Maritza" I. Kalman; vuosina 1996-1998 - Houston Grand Operassa ja tunnustettiin parhaaksi "nousevaksi taiteilijaksi"; kesällä 1997 - San Franciscon oopperassa Merola Opera -koulutusohjelmassa. Joyce DiDonato osallistui opintojensa ja alkuharjoittelunsa aikana useisiin tunnettuihin laulukilpailuihin. Vuonna 1996 hän sijoittui toiseksi Eleanor McCollum -kilpailussa Houstonissa ja voitti Metropolitan Opera Competitionin District Audition -kilpailun. Vuonna 1997 hän voitti William Sullivan -palkinnon. Vuonna 1998 hän voitti toisen sijan Placido Domingo's Operalia -kilpailussa Hampurissa ja ensimmäisen sijan George London -kilpailussa. Seuraavina vuosina hän sai monia muita erilaisia ​​palkintoja ja palkintoja. Joyce DiDonato aloitti ammattiuransa vuonna 1998 esiintymällä useissa alueellisissa oopperayrityksissä Yhdysvalloissa, pääasiassa Houston Grand Operassa. Ja hän tuli tunnetuksi laajalle yleisölle Mark Adamon oopperan "Little Woman" esiintymisen ansiosta television maailmanensi-illassa. Kaudella 2000-2001. DiDonato teki Euroopan debyyttinsä aloittaen heti La Scalasta Angelinana Rossinin Tuhkimossa. Seuraavalla kaudella hän laajensi tuttavuuttaan eurooppalaisen yleisön kanssa esiintymällä Hollannin oopperassa Händelin Sesta Julius Caesarina, Pariisin oopperassa Rosinana Rossinin Sevillan parturissa ja Baijerin valtionoopperassa Cherubinona Mazartin Figaron häissä. ja Vivaldin konserttiohjelmissa "Glory" Ricardo Mutin ja La Scala Orchestran kanssa sekä "Kesäyön unelma" F. Mendelssohn Pariisissa. Samalla kaudella Yhdysvalloissa hän debytoi Washingtonin valtionoopperassa Dorabellan roolissa Mozartin "Tämä kaikki naiset tekevät". Joyce DiDonatosta oli tuolloin jo tullut todellinen oopperatähti, jolla on maailmankuulu, yleisön rakastettu ja lehdistön ylistetty. Jatkoura vain laajensi hänen kiertuemaantietoaan ja avasi ovet uusille oopperataloille ja festivaaleille - Covent Garden (2002), Metropolitan Opera (2005), Opera Bastille (2002), Royal Theatre Madridissa, Uusi kansallisteatteri Tokiossa, Wienin valtionooppera et al. Joyce DiDonato on kerännyt runsaan kokoelman erilaisia ​​musiikkipalkintoja ja palkintoja. Kuten kriitikot huomauttavat, tämä on ehkä yksi menestyneimmistä ja sujuvimmista urasta modernissa oopperamaailmassa. Ja edes onnettomuus, joka tapahtui Covent Gardenin lavalla 7. heinäkuuta 2009 "Sevillan parturi" -esityksen aikana, kun Joyce DiDonato liukastui lavalla ja mursi jalkansa, ei keskeyttänyt tätä esitystä, jonka hän päätti kainalosauvoilla. , eikä myöhempiä suunniteltuja esityksiä, jotka hän johti ulos pyörätuolista yleisön suureksi iloksi. Tämä "legendaarinen" tapahtuma on tallennettu DVD:lle. Joyce DiDonato aloitti kuluneen kauden 2010-2011 Salzburgin festivaaleilla ja debytoi Adalgizin roolissa Norma Belinnissa Edita Gruberovan kanssa Normana, sitten konserttiohjelmalla Edinburghin festivaaleilla. Syksyllä Berliinissä hän näytteli Rosinan roolissa "Sevillan parturi" ja Madridissa - Octavianuksen roolissa "Der Rosenkavalierissa". Vuosi päättyi useampaan palkintoon, joista ensimmäinen sai Saksan äänitysakatemian "Echo Klassik" -palkinnon, joka valitsi Joyce DiDonaton "Parhaaksi naislaulajaksi 2010". Seuraavat kaksi palkintoa kerralla englantilaiselta klassisen musiikin aikakauslehdeltä "Gramophone", joka nimesi hänet "Vuoden parhaaksi artistiksi" ja valitsi Rossinin aariat sisältävän CD-levynsä parhaaksi "Vuoden resitaaliksi". Jatkaessaan kautta Yhdysvalloissa hän esiintyi Houstonissa ja sitten konsertin Carnegie Hallissa. Metropolitan Opera toivotti hänet tervetulleeksi kahteen rooliin - sivu Isolier Rossinin "Kreivi Ori" ja säveltäjä R. Straussin "Ariadne auf Naxos". Päätti kauden Euroopassa kiertueilla Baden-Badenissa, Pariisissa, Lontoossa ja Valenciassa. Laulajan verkkosivuilla on kiireinen aikataulu hänen tulevista esiintymistään, tässä luettelossa vain vuoden 2012 ensimmäisellä puoliskolla on noin neljäkymmentä esitystä Euroopassa ja Amerikassa. Joyce DiDonato on nyt naimisissa italialaisen kapellimestari Leonardo Vordonin kanssa, jonka kanssa he asuvat Kansas Cityssä, Missourissa, Yhdysvalloissa. Joyce käyttää edelleen ensimmäisen aviomiehensä sukunimeä, jonka kanssa hän meni naimisiin heti yliopiston jälkeen.

Jo Sumi on korealainen oopperalaulaja, koloratuurasopraano. Tunnetuin oopperalaulaja on kotoisin Kaakkois-Aasiasta. Sumi Cho syntyi 22. marraskuuta 1962 Soulissa, Etelä-Koreassa. Hänen oikea nimensä on Jo Sugyeong. Hänen äitinsä oli amatöörilaulaja ja pianisti, mutta ei voinut saada ammattimaista musiikkikoulutusta Korean 1950-luvun poliittisen tilanteen vuoksi. Hän päätti antaa tyttärelleen hyvän musiikillisen koulutuksen. Sumi Cho aloitti pianotunnit 4-vuotiaana ja lauluharjoittelun 6-vuotiaana. Jo lapsena hänen täytyi viettää joskus jopa kahdeksan tuntia musiikkitunneilla. Vuonna 1976 Sumi Cho tuli Soulin taidekouluun (yksityinen akatemia) "Sang Hwa", josta hän valmistui vuonna 1980 laulun ja pianon tutkintotodistuksella. Vuosina 1981-1983 hän jatkoi musiikillista koulutustaan ​​Soulin kansallisessa yliopistossa. Yliopisto-aikoinaan Sumi Cho teki ensimmäisen ammattidebyyttinsä, esiintyi useissa Korean television isännöimissä konserteissa ja lauloi Suzannen Figaron häissä Soulin oopperassa. Vuonna 1983 Cho päätti jättää Soulin yliopiston ja muutti Italiaan opiskelemaan musiikkia vanhimpaan musiikkikouluun, National Academy of Saint Cecilia Roomaan, valmistuen arvosanoin. Hänen italialaisia ​​opettajiaan olivat Carlo Bergonzi ja Gianella Borelli. Akatemiassa opiskellessaan Choa kuultiin usein konserteissa useissa Italian kaupungeissa sekä radiossa ja televisiossa. Tänä aikana Cho päätti käyttää nimeä "Sumi" taiteilijanimekseen ollakseen ymmärrettävämpi eurooppalaiselle yleisölle. Vuonna 1985 hän valmistui akatemiasta erikoistumalla pianoon ja lauluun. Akatemian jälkeen hän otti laulutunteja Elizabeth Schwarzkopfilta ja voitti useita laulukilpailuja Soulissa, Napolissa, Barcelonassa, Pretoriassa ja mikä tärkeintä vuonna 1986, kansainvälisen kilpailun Veronassa, johon pääsivät osallistumaan vain muiden merkittävien kansainvälisten kilpailujen voittajat. niin sanotusti parhaista nuorista laulajista. Sumi Cho teki eurooppalaisen oopperan debyyttinsä vuonna 1986 Giuseppe Verdi -teatterin Rigolettossa Giuseppe Verdi -teatterissa Triestissä. Tämä esitys kiinnitti Herbert von Karajanin huomion, joka kutsui hänet näyttelemään Oscarin sivun roolia oopperassa "Un ballo in maschera" Placido Domingon kanssa, joka esitettiin Salzburgin festivaaleilla vuonna 1987. Seuraavien vuosien aikana Sumi Cho käveli tasaisesti kohti ooppera Olympusta, laajensi jatkuvasti esitystensä maantiedettä ja muutti ohjelmistoaan pienistä rooleista suuriin rooleihin. Vuonna 1988 Sumi Cho debytoi La Scalassa ja Baijerin valtionoopperassa, vuonna 1989 Wienin valtionoopperassa ja Metropolitan Operassa sekä vuonna 1990 Chicagon oopperan sanoittaja ja Covent Gardenissa. Sumi Chosta tuli yksi aikamme halutuimmista sopraanoista, ja se on pysynyt tässä asemassa tähän päivään asti. Yleisö rakastaa häntä kirkkaasta, lämpimästä, joustavasta äänestä sekä optimismista ja kevyestä huumorista lavalla ja elämässä. Hän on kevyt ja vapaa lavalla ja antaa jokaiseen esitykseensä hienovaraisia ​​itämaisia ​​kuvioita. Sumi Cho on vieraillut kaikissa maailman maissa, joissa he rakastavat oopperaa, myös useaan otteeseen Venäjällä, viimeinen vierailu oli vuonna 2008, jolloin he kiersivät useita maita duetossa Dmitri Hvorostovskin kanssa osana kiertuetta. Hänellä on kiireinen työaikataulu, joka sisältää oopperaesityksiä, konserttiohjelmia ja työskentelyä levy-yhtiöiden kanssa. Sumi Chon diskografiassa on tällä hetkellä yli 50 tallennetta, mukaan lukien kymmenen sooloalbumia ja crossover-levyjä. Hänen kaksi albumiaan tunnetaan parhaiten - vuonna 1992 hänelle myönnettiin Grammy-palkinto parhaasta oopperaäänitteestä Wagnerin oopperasta Nainen ilman varjoa Hildegard Behrensin, Jose van Damin, Julia Varadin, Placido Domingon, kapellimestari Georg Soltin kanssa sekä albumi oopperan kanssa. G. Verdin "Masquerade Ball", joka sai palkinnon saksalaiselta gramofonilta.

Salome Amvrosievna Krushelnytska on kuuluisa ukrainalainen oopperalaulaja (sopraano), opettaja. Salome Krushelnitskaya tunnustettiin elämänsä aikana erinomaiseksi laulajaksi maailmassa. Hänellä oli erinomainen voimaltaan ja kauneudeltaan laaja-alainen ääni (noin kolme oktaavia vapaalla keskirekisterillä), musiikillinen muisti (hän ​​pystyi oppimaan oopperaosat kahdessa tai kolmessa päivässä) ja kirkas dramaattinen lahjakkuus. Laulajan ohjelmisto sisälsi yli 60 osaa eri hahmoista. Hänen monien palkintojensa ja ansioidensa joukossa on erityisesti titteli "1900-luvun Wagnerin diiva". Italialainen säveltäjä Giacomo Puccini esitteli laulajalle muotokuvansa, jossa oli teksti "kaunis ja viehättävä perhonen". Salome Krushelnytska syntyi 23. syyskuuta 1872 Belyavintsyn kylässä, nykyisessä Buchatskin alueella Ternopilin alueella, papin perheeseen. Tulee jalosta ja muinaisesta ukrainalaisesta perheestä. Vuodesta 1873 lähtien perhe muutti useita kertoja, vuonna 1878 he muuttivat Ternopilin lähellä sijaitsevaan Belayan kylään, josta he eivät koskaan lähteneet. Hän aloitti laulamisen pienestä pitäen. Lapsena Salome osasi paljon kansanlauluja, jotka hän oppi suoraan talonpoikaisilta. Hän sai musiikillisen koulutuksen perusteet Ternopilin lukiossa, jossa hän suoritti kokeita ulkopuolisena opiskelijana. Täällä hänestä tuli läheinen lukion musiikkipiiri, jonka jäsen oli myös Denis Sichinsky - myöhemmin kuuluisa säveltäjä, ensimmäinen ammattimuusikko Länsi-Ukrainassa. Vuonna 1883 Ternopilin Shevchenko-konsertissa pidettiin ensimmäinen julkinen esitys venäläisen keskusteluseuran kuorossa laulaneen Salomen kanssa. Ternopilissa Salome Krushelnytska tutustui ensin teatteriin. Aika ajoin täällä esiintyi venäläisen keskusteluseuran Lviv-teatteri. Vuonna 1891 Salome tuli Lvivin konservatorioon. Konservatoriossa hänen opettajansa oli silloin kuuluisa professori Valeri Vysotsky Lvivissä, joka toi esiin koko galaksin kuuluisia ukrainalaisia ​​ja puolalaisia ​​laulajia. Konservatoriossa opiskellessaan hänen ensimmäinen sooloesitys tapahtui; 13. huhtikuuta 1892 laulaja esitti pääosan GF Händelin oratoriossa "Messias". Salome Krushelnytskan ensimmäinen oopperadebyytti tapahtui 15. huhtikuuta 1893, kun hän esitti Leonoran roolin italialaisen säveltäjän G. Donizettin näytelmässä "Suosikki" Lvivin kaupunginteatterin lavalla. Vuonna 1893 Krushelnytska valmistui Lvivin konservatoriosta. Salomen tutkintotodistukseen kirjoitettiin: "Tämän tutkintotodistuksen on vastaanottanut Panna Salome Krušelnitskaja osoituksena hänen taiteellisesta koulutuksestaan, joka on saatu esimerkillisellä ahkeruudella ja poikkeuksellisella menestyksellä erityisesti julkisessa kilpailussa 24.6.1893, josta hänet palkittiin. hopeamitalin. "Konservatoriossa opiskellessaan Salome Krushelnytska sai tarjouksen Lvivin oopperatalosta, mutta hän päätti jatkaa opintojaan. Hänen päätökseensä vaikutti kuuluisa italialainen laulaja Gemma Bellincioni, joka kierteli tuolloin Lvivissä. Syksyllä 1893 Salome lähti opiskelemaan Italiaan, jossa hänen opettajansa oli professori Fausta Crespi. Opiskeluvaiheessa Salomelle hyvä koulu oli konserteissa esiintyminen, joissa hän lauloi oopperaaarioita. 1890-luvun jälkipuoliskolla hänen voitokas esitykset alkoivat teattereiden näyttämöillä ympäri maailmaa: Italia, Espanja, Ranska, Portugali, Venäjä, Puola, Itävalta, Egypti, Argentiina, Chile oopperoissa "Aida", "Trubaduuri" D. Verdi, "Faust" C. Gounod, S. Monyushkon "Terrible Yard", D. Meyerbeerin "Afrikkalainen", G. Puccinin "Manon Lescaut" ja Cio-Cio-San, J. Bizet'n Carmen, Electra R. Strauss", Eugene Onegin "ja P. Tšaikovskin "Patakuningatar" jne. 17. helmikuuta 1904 Milanon Teatro alla Scalassa Giacomo Puccini esitteli uuden oopperansa Madame Butterfly." Säveltäjä ei ollut koskaan niin varma menestyksestään ... mutta yleisö bouhui oopperasta närkästyneenä. Tunnettu maestro tunsi itsensä musertuneeksi. Ystävät suostuttelivat Puccinin muokkaamaan työtään ja kutsumaan päärooliin Salome Krushelnitskajan. Toukokuun 29. päivänä Brescian Teatro Granden lavalla sai uusi Madame Butterfly ensi-iltansa, tällä kertaa voittoisa. Yleisö kutsui näyttelijät ja säveltäjän lavalle seitsemän kertaa. Esityksen jälkeen koskettunut ja kiitollinen Puccini lähetti Krushelnitskajalle muotokuvansa, jossa oli merkintä: "Kaunein ja viehättävin perhonen." Vuonna 1910 S. Krushelnitskaya meni naimisiin Viareggion (Italia) kaupungin pormestarin ja asianajajan Cesare Riccionin kanssa, joka oli hyvä musiikin tuntija ja oppinut aristokraatti. He vihittiin yhdessä Buenos Airesin temppeleistä. Häiden jälkeen Cesare ja Salome asettuivat Viareggioon, josta Salome osti huvilan, jonka hän antoi nimeksi "Salome" ja jatkoi kiertuettaan. Vuonna 1920 Krushelnitskaya jätti oopperalavan kuuluisuuden huipulle ja esiintyi viimeisen kerran Napolin teatterissa suosikkioopperoissaan Lorelei ja Lohengrin. Hän omisti jatkoelämänsä kamarikonserttitoiminnalle esittäen kappaleita 8 kielellä. Teki kiertueen Euroopassa ja Amerikassa. Kaikki nämä vuodet, vuoteen 1923 asti, hän tuli jatkuvasti kotimaahansa ja esiintyi Lvovissa, Ternopilissa ja muissa Galician kaupungeissa. Häntä sidoivat vahvat ystävyyssiteet useiden Länsi-Ukrainan henkilöiden kanssa. T:n muistolle omistetut konsertit. Shevchenko ja I. Ya. Frank. Vuonna 1929 S. Krušelnitskajan viimeinen kiertue järjestettiin Roomassa. Vuonna 1938 Krushelnitskajan aviomies Cesare Riccioni kuoli. Elokuussa 1939 laulaja vieraili Galiciassa, eikä toisen maailmansodan puhkeamisen vuoksi voinut palata Italiaan. Lvovin Saksan miehityksen aikana S. Krušelnitskaja oli hyvin köyhä, joten hän antoi yksityisiä laulutunteja. Sodan jälkeisenä aikana S. Krushelnytska aloitti työskentelyn Lysenko Lvivin valtionkonservatoriossa. Hänen opettajanuransa oli kuitenkin vasta alkanut ja melkein päättynyt. "Kaadereiden puhdistamisen nationalistisista elementeistä" aikana häntä syytettiin konservatorion tutkintotodistuksen puutteesta. Myöhemmin tutkintotodistus löytyi kaupungin historiallisen museon rahastoista. Neuvostoliitossa asunut ja opettava Salome Amvrosievna ei lukuisista vetoomuksista huolimatta voinut pitkään aikaan saada Neuvostoliiton kansalaisuutta, pysyen Italian alaisena. Lopulta Kruselnitskajasta tuli Neuvostoliiton kansalainen kirjoittaessaan lausunnon italialaisen huvilan ja kaiken omaisuuden siirtämisestä Neuvostoliiton valtiolle. Huvila myytiin välittömästi, jolloin omistajalle korvattiin vähäinen osa sen arvosta. Vuonna 1951 Salome Krushelnitskaya sai Ukrainan SSR:n kunniatyöntekijän arvonimen, ja lokakuussa 1952, kuukausi ennen kuolemaansa, Kruselnitskaya sai professorin arvonimen. 16. marraskuuta 1952 suuren laulajan sydän lakkasi lyömästä. Hänet haudattiin Lviviin Lychakivin hautausmaalle ystävänsä ja mentorinsa Ivan Frankon haudan viereen. Vuonna 1993 Lvivissä nimettiin S. Krushelnytskan mukaan katu, jossa hän asui elämänsä viimeiset vuodet. Laulajan asunnossa avattiin Salome Krušelnitskajan muistomuseo. Nykyään S. Krushelnytskan nimi on Lvivin oopperatalo, Lvivin musiikkilukio, Ternopilin musiikkiopisto (jossa ilmestyy sanomalehti "Salome"), 8-vuotinen koulu Belayan kylässä, kadut Kiovassa, Lvov, Ternopil, Buchach (katso Salome Krushelnytska-katu). Lvivin ooppera- ja balettiteatterin peilisaliin pystytetään pronssinen muistomerkki Salome Krushelnytskalle. Monet taiteelliset, musiikki- ja elokuvateokset on omistettu Salome Krušelnitskajan elämälle ja työlle. Vuonna 1982 ohjaaja O. Fialko kuvasi A. Dovzhenkon elokuvastudiossa historiallisen ja elämäkerrallisen elokuvan "Perhosen paluu" (perustuu V. Vrublevskajan samannimiseen romaaniin), joka on omistettu A. Dovzhenkon elämälle ja työlle. Salome Krušelnitskaja. Kuva perustuu laulajan elämän todellisiin faktoihin ja on rakennettu kuin hänen muistonsa. Salomen osat esittää Gisela Tsipola. Salomen roolia elokuvassa näytteli Elena Safonova. Lisäksi on luotu dokumenttielokuvia, erityisesti "Salome Krušelnitskaja" (ohjaaja I. Mudrak, Lvov, "Silta", 1994) "Salomen kaksi elämää" (ohjaaja A. Frolov, Kiova, "Yhteystiedot") , 1997), sykli "Nimet" (2004), dokumenttielokuva "Solo-mea" syklistä "Kohtalopeli" (ohjaaja V. Obraz, studio VIATEL, 2008). 18. maaliskuuta 2006 Lvivin kansallisen akateemisen ooppera- ja balettiteatterin lavalla nimeltä S. Krushelnytska isännöi Miroslav Skorikin baletin Perhosen paluu ensi-iltaa, joka perustui tosiasioihin Salome Krushelnytskan elämästä. Baletissa käytetään Giacomo Puccinin musiikkia. Vuonna 1995 näytelmän "Salome Krushelnitskaya" (kirjoittaja B. Melnichuk, I. Lyakhovsky) ensi-ilta tapahtui Ternopilin alueellisessa draamateatterissa (nykyinen Akateeminen teatteri). Vuodesta 1987 lähtien Salome Krushelnytska -kilpailua on järjestetty Ternopilissa. Krushelnytskan mukaan nimetty kansainvälinen kilpailu järjestetään vuosittain Lvivissä; oopperafestivaaleista on tullut perinteisiä.

Pauline Viardot, koko nimi Pauline Michelle Ferdinand García-Viardot (fr. Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot) on johtava ranskalainen laulaja, mezzosopraano, 1800-luvulla, lauluopettaja ja espanjalaista alkuperää oleva säveltäjä. Pauline Viardot syntyi 18. heinäkuuta 1821 Pariisissa. Espanjalaisen laulajan ja opettajan Manuel Garcian tytär ja oppilas, Maria Malibranin sisar. Lapsena hän opiskeli pianonsoiton taitoa Franz Lisztin johdolla ja aikoi tulla pianistiksi, mutta hänen hämmästyttävä laulutaitonsa määritti hänen ammattinsa. Hän on esiintynyt useissa teattereissa Euroopassa ja antanut monia konsertteja. Hän oli kuuluisa rooleista Fides (Meyerbeerin "Profeetta"), Orpheus (Gluckin "Orpheus ja Eurydice"), Rosina (Rossinin "Sevillan parturi"). Romanssien ja sarjakuvien oopperoiden kirjoittaja läheisen ystävänsä Ivan Turgenevin libretosta. Yhdessä miehensä kanssa, joka käänsi Turgenevin teoksia ranskaksi, hän edisti venäläisen kulttuurin saavutuksia. Hänen sukunimensä on kirjoitettu eri muodoissa. Tyttönimellään Garcia hän saavutti mainetta ja mainetta, avioliiton jälkeen hän käytti kaksoissukunimeä Garcia-Viardot jonkin aikaa ja jossain vaiheessa hän luopui tyttönimestään ja kutsui itseään "Mrs. Viardotiksi". Vuonna 1837 16-vuotias Pauline Garcia piti ensimmäisen konserttinsa Brysselissä, ja vuonna 1839 hän debytoi Desdemonana Rossinin Othellossa Lontoossa, josta tuli kauden kohokohta. Joistakin puutteista huolimatta tytön ääni yhdisti hienon tekniikan hämmästyttävään intohimoon. Vuonna 1840 Pauline meni naimisiin Louis Viardot'n kanssa, säveltäjä ja Pariisin Théatre Italienin johtaja. Koska hänen miehensä oli 21 vuotta vanhempi kuin hänen vaimonsa, hän aloitti uransa. Vuonna 1844 hän esiintyi Venäjän valtakunnan pääkaupungissa Pietarissa samalla lavalla Antonio Tamburinin ja Giovanni Batista Rubinin kanssa. Viardotilla oli paljon faneja. Erityisesti venäläinen kirjailija Ivan Sergeevich Turgenev rakastui intohimoisesti laulajaan vuonna 1843 kuultuaan hänen esityksensä Sevillan parturissa. Vuonna 1845 hän lähti Venäjältä seuratakseen Paulinea ja lopulta hänestä tuli melkein Viardot-perheen jäsen. Kirjoittaja kohteli Polinan neljää lasta omikseen ja ihaili häntä kuolemaansa asti. Hän puolestaan ​​oli hänen teoksensa kriitikko, ja hänen asemansa maailmassa ja yhteydet esittivät kirjailijan parhaassa valossa. Heidän suhteensa todellinen luonne on edelleen keskustelunaihe. Lisäksi Pauline Viardot kommunikoi muiden mahtavien ihmisten kanssa, mukaan lukien Charles Gounod ja Hector Berlioz. Laulu- ja dramaattisista kyvyistään kuuluisa Viardot inspiroi säveltäjiä, kuten Frédéric Chopinia, Hector Berliozia, Camille Saint-Saënsia ja Giacomo Meyerbeeria, oopperan Profeetta kirjoittajaa, jossa hänestä tuli Fidesz-osan ensimmäinen esiintyjä. Hän ei koskaan pitänyt itseään säveltäjänä, vaan sävelsi itse asiassa kolme musiikkikokoelmaa ja auttoi myös musiikin kirjoittamisessa erityisesti hänelle luotuihin rooleihin. Myöhemmin, poistuttuaan lavalta, hän kirjoitti oopperan nimeltä Le dernier socier. Viardot puhui sujuvasti espanjaa, ranskaa, italiaa, englantia, saksaa ja venäjää ja käytti työssään erilaisia ​​kansallisia tekniikoita. Lahjakkuutensa ansiosta hän esiintyi Euroopan parhaissa konserttisaleissa, mukaan lukien Pietarin oopperatalo (1843-1846). Viardot'n suosio oli niin suuri, että Georges Sand teki hänestä prototyypin romaanin Consuelo-päähenkilölle. Viardot lauloi mezzosopraano-osuuden Tuba Mirumissa (Mozartin Requiem) Chopinin hautajaisissa 30. lokakuuta 1849. Hän esitti pääosan Gluckin oopperassa Orpheus ja Eurydice. Vuonna 1863 Pauline Viardot-Garcia jätti lavan, lähti Ranskasta perheensä kanssa (hänen miehensä vastusti Napoleon III:n hallintoa) ja asettui Baden-Badeniin. Napoleon III:n kukistumisen jälkeen Viardot'n perhe palasi Ranskaan, missä Pauline opetti Pariisin konservatoriossa miehensä kuolemaan saakka vuonna 1883 ja piti myös musiikkisalonkia Boulevard Saint-Germainilla. Pauline Viardot'n oppilaiden ja opiskelijoiden joukossa ovat kuuluisat Desire Artaud-Padilla, Sophie Roer-Brainin, Bilodz, Hasselman, Holmsen, Schliemann, Schmeiser, Bilbo-Bachelet, Meyer, Rollant ja muut. Hänellä oli erinomainen laulukoulu monille venäläisille laulajille, mukaan lukien F.V. Litvin, E. Lavrovskaja-Tserteleva, N. Iretskaja, N. Shtemberg. 18. toukokuuta 1910 Pauline Viardot kuoli rakastavien sukulaisten ympäröimänä. Haudattu Pariisin Montmartren hautausmaalle. Venäläinen runoilija Aleksei Nikolajevitš Pleštšeev omisti hänelle runonsa "Laulaja" (Viardot Garcia): Ei! En unohda sinua, kiehtovat äänet, Rakkauden ensimmäisinä makeina kyyneleinä en unohda! Kun kuuntelin sinua, kärsimys nöyrtyi rinnassani, Ja taas olin valmis uskomaan ja rakastamaan! En unohda häntä... Joko inspiroitunut pappitar, leveällä seppeleellä peitetty, Hän ilmestyi minulle ... ja lauloi pyhän hymnin, Ja hänen katseensa paloi jumalallisella tulella ... Sitten hänessä kalpea kuva Näin Desdemonan, Kun hän kumartui kultaisen harppun yli, Hän lauloi laulun pajusta... ja valitukset keskeyttivät tuon vanhan laulun surullinen ylivuoto. Kuinka syvästi hän ymmärsi, tutki Häntä, joka tunsi ihmiset ja heidän sydämensä salaisuudet; Ja jos suuri nousisi haudasta, Hän laittaisi kruununsa hänen otsaansa. Joskus Rosina ilmestyi minulle, nuorena Ja intohimoisena, kuin kotimaansa yö... Ja hänen taikaäänään kuunnellen minä yritin sieluni siihen hedelmälliseen maahan, missä kaikki lumoaa korvaa, kaikki ilahduttaa silmiä, missä ikuinen sininen taivas loistaa, Missä satakielet viheltävät sykomoripuun oksilla Ja sypressi, varjo vapisee vesien tasaisella pinnalla! Ja rintani, täynnä pyhää nautintoa, puhdasta iloa, kohotti korkealle, ja häiritsevät epäilykset lensivät pois, ja sieluni oli tyyni ja kevyt. Ystävänä päivien tuskallisen eron jälkeen olin valmis syleilemään koko maailmaa... Oh! En unohda sinua, kiehtovat äänet, Rakkauden ensimmäisinä makeina kyyneleinä en unohda!<1846>

Maria Nikolaevna Kuznetsova on venäläinen oopperalaulaja (sopraano) ja tanssija, yksi vallankumousta edeltävän Venäjän tunnetuimmista laulajista. Mariinski-teatterin johtava solisti, osallistuja Sergei Djagilevin Venäjän vuodenaikaan. Hän työskenteli N.A. Rimski-Korsakovin, Richard Straussin, Jules Massenet'n kanssa, lauloi yhdessä Fjodor Chaliapinin ja Leonid Sobinovin kanssa. Lähdettyään Venäjältä vuoden 1917 jälkeen hän jatkoi menestyksekkäästi esiintymistä ulkomailla. Maria Nikolaevna Kuznetsova syntyi vuonna 1880 Odessassa. Maria kasvoi luovassa ja älyllisessä ilmapiirissä, hänen isänsä Nikolai Kuznetsov oli taiteilija ja hänen äitinsä tuli Mechnikov-perheestä, Marian sedät olivat Nobel-palkittu biologi Ilja Mechnikov ja sosiologi Lev Mechnikov. Pjotr ​​Iljitš Tšaikovski vieraili Kuznetsovien talossa, joka kiinnitti huomion tulevan laulajan lahjakkuuteen ja sävelsi hänelle lastenlauluja, lapsuudesta lähtien Maria haaveili näyttelijäksi tulemisesta. Hänen vanhempansa lähettivät hänet lukioon Sveitsiin, palattuaan Venäjälle, hän opiskeli balettia Pietarissa, mutta lopetti tanssimisen ja alkoi opiskella laulua italialaisen opettajan Martyn ja myöhemmin baritonin ja hänen näyttämökumppaninsa I. V. Tartakovin kanssa. Kaikki panivat merkille hänen puhtaan, kauniin lyyrisen sopraanon, näyttelijän havaittavan lahjakkuuden ja naisen kauneuden. Igor Fedorovich Stravinsky kuvaili häntä "... dramaattiseksi sopraanoksi, jota voitiin nähdä ja kuunnella samalla ruokahalulla." Maria Kuznetsova debytoi vuonna 1904 Pietarin konservatorion näyttämöllä Tatjana Tšaikovskin Jevgeni Oneginissa ja Mariinski-teatterissa vuonna 1905 Margaritana Charles Gounodin Faustissa. Mariinski-teatterin solisti, lyhyellä tauolla, Kuznetsova pysyi vuoden 1917 vallankumoukseen asti. Vuonna 1905 Pietarissa julkaistiin kaksi gramofonilevyä hänen esiintymistään sisältävällä levyllä, ja kaikkiaan hän teki luovan uransa aikana 36 levyä. Kerran, vuonna 1905, pian Kuznetsovan debyytin jälkeen Mariinsky-teatterissa, hänen esiintymisensä aikana teatterissa, opiskelijoiden ja upseerien välillä puhkesi riita, maan tilanne oli vallankumouksellinen ja teatterissa alkoi paniikki. Maria Kuznetsova keskeytti Elsan aarian R. Wagnerin "Lohengrinistä" ja lauloi rauhallisesti Venäjän hymnin "God Save the Tsar", busterit pakotettiin lopettamaan riita ja yleisö rauhoittui, esitys jatkui. Maria Kuznetsovan ensimmäinen aviomies oli Albert Albertovich Benois, kuuluisasta venäläisten arkkitehtien, taiteilijoiden ja historioitsijoiden Benois-dynastiasta. Maria tunnettiin uransa huipulla kaksoissukunimellä Kuznetsov-Benoit. Toisessa avioliitossa Maria Kuznetsova oli naimisissa valmistaja Bogdanovin kanssa, kolmannessa pankkiiri ja teollisuusmies Alfred Massenet, kuuluisan säveltäjän Jules Massenet'n veljenpoika. Koko uransa aikana Kuznetsova-Benoit on osallistunut useisiin eurooppalaisten oopperoiden ensi-iltaan, mukaan lukien Fevronian osa Kitezhin näkymättömästä kaupungista ja N. Rimski-Korsakovin Neitsyt Fevronia ja Kleopatra J. samannimisestä oopperasta. Massenet, jonka säveltäjä kirjoitti erityisesti hänelle. Ja myös Venäjän lavalla hän esitteli ensimmäistä kertaa Vogdolinan roolit R. Wagnerin "Reinin kullassa", Cio-Cio-sanin G. Puccinin "Madame Butterflyssä" ja monia muita. Hän on kiertänyt Mariinsky Opera Companyn kanssa kaupungeissa Venäjällä, Ranskassa, Isossa-Britanniassa, Saksassa, Italiassa, Yhdysvalloissa ja muissa maissa. Hänen parhaita roolejaan ovat: Antonida ("Elämä tsaarille", M. Glinka), Ljudmila ("Ruslan ja Ljudmila", M. Glinka), Olga ("Rusalka", A. Dargomyzhsky), Maša ("Dubrovsky" E. Napravnik), Oksana ("Tšerevitški", P. Tšaikovski), Tatjana ("Jevgeni Onegin", P. Tšaikovski), Kupava ("Lumineito" N. Rimski-Korsakovin), Julia ("Romeo ja Julia" C. Gounod), Carmen ("Carmen" Bizet), Manon Lescaut (Manon J. Massenet), Violetta (G. Verdin La Traviata), Elsa (R. Wagnerin Lohengrin) jne. Vuonna 1914 Kuznetsova tilapäisesti lähti Mariinski-teatterista ja yhdessä venäläisen baletin kanssa "Sergei Diaghilev esiintyi Pariisissa ja Lontoossa balerinana ja myös sponsoroi osittain heidän esityksensä. Hän tanssi Richard Straussin baletissa "Josefin legenda", baletin ovat valmistaneet aikansa tähdet - säveltäjä ja kapellimestari Richard Strauss, ohjaaja Sergei Diaghilev, koreografi Mihail Fokin, puvut ja lavasteet Lev Bakst, johtava tanssija Leonid. Myasin. Se oli tärkeä rooli ja hyvä seura, mutta alusta asti tuotannossa oli vaikeuksia: harjoituksiin ei ollut paljon aikaa, Strauss oli huonolla tuulella, koska kutsutut balerinat Ida Rubinstein ja Lydia Sokolova kieltäytyivät osallistumasta, ja Strauss ei myöskään pitänyt työskentelystä ranskalaisten muusikoiden kanssa ja riideli jatkuvasti orkesterin kanssa, ja Diaghilev oli edelleen huolissaan tanssija Vaslav Nijinskyn lähtemisestä ryhmästä. Kulissien takana olevista ongelmista huolimatta baletti debytoi onnistuneesti Lontoossa ja Pariisissa. Baletin taitonsa lisäksi Kuznetsova teki useita oopperaesityksiä, muun muassa Borodinin Prinssi Igor -tuotannossa Lontoossa. Vuoden 1918 vallankumouksen jälkeen Maria Kuznetsova lähti Venäjältä, kuten näyttelijälle kuuluu, hän teki sen dramaattisen kauniisti - mökkipojan vaatteissa hän piiloutui Ruotsiin purjehtivan laivan alakannelle. Hänestä tuli oopperalaulaja Tukholman oopperassa, sitten Kööpenhaminassa ja sitten Royal Opera Housessa, Covent Gardenissa, Lontoossa. Koko tämän ajan hän tuli jatkuvasti Pariisiin, ja vuonna 1921 hän asettui lopulta Pariisiin, josta tuli hänen toinen luova kotinsa. 1920-luvulla Kuznetsova järjesti yksityisiä konsertteja, joissa hän lauloi venäläisiä, ranskalaisia, espanjalaisia ​​ja mustalaisia ​​lauluja, romansseja ja oopperoita. Näissä konserteissa hän tanssi usein espanjalaisia ​​kansantansseja ja flamencoa. Jotkut hänen konserteistaan ​​olivat hyväntekeväisyyteen autettuja köyhiä venäläisiä siirtolaisia. Hänestä tuli pariisilaisen oopperan tähti, ja hänen salongissaan vastaanottamista pidettiin suurena kunniana. "Yhteiskunnan kukka", ministerit ja teollisuustyöntekijät tungosivat hänen edessään. Yksityisten konserttien lisäksi hän on työskennellyt usein solistina monissa oopperataloissa Euroopassa, kuten Covent Gardenissa ja Pariisin oopperassa sekä Opéra Comicissa. Vuonna 1927 Maria Kuznetsova prinssi Aleksei Tseretelin ja baritoni Mihail Karakashin kanssa järjestivät Pariisissa yksityisen yrityksen "Russian Opera", johon he kutsuivat monia Venäjältä lähteneitä venäläisiä oopperalaulajia. Venäläinen ooppera esitti Sadkon, Tarinan tsaari Saltanista, Legendan näkymättömästä kaupungista Kitezhistä ja Neitsyt Fevroniasta, Sorochinskaya Fair -messut ja muita venäläisten säveltäjien oopperoita ja baletteja ja esitettiin Lontoossa, Pariisissa, Barcelonassa, Madridissa, Milanossa ja kaukaisessa Buenos Airesissa. Venäläinen ooppera kesti vuoteen 1933, jonka jälkeen Maria Kuznetsova alkoi antaa vähemmän esityksiä. Maria Kuznetsova kuoli 25. huhtikuuta 1966 Pariisissa, Ranskassa.

Rita Streich (18. joulukuuta 1920 - 20. maaliskuuta 1987) - yksi arvostetuimmista ja äänitetyimmistä saksalaisista 1900-luvun 40-60-luvun oopperalaulajista, sopraano. Rita Streich syntyi Barnaulissa, Altain piirikunnassa, Venäjällä. Hänen isänsä Bruno Streich, Saksan armeijan korpraali, vangittiin ensimmäisen maailmansodan rintamalla ja myrkytettiin Barnaulissa, missä hän tapasi venäläisen tytön, kuuluisan laulajan Vera Alekseevan tulevan äidin. 18. joulukuuta 1920 Veralla ja Brunolla syntyi tytär Margarita Streich. Pian Neuvostoliitto salli saksalaisten sotavankien palata kotiin, ja Bruno lähti Veran ja Margaritan kanssa Saksaan. Venäläisen äitinsä ansiosta Rita Streich puhui ja lauloi hyvin venäjää, mikä oli hänen uransa kannalta erittäin hyödyllistä, samalla kun hänen "ei puhtaan" saksan kielensä vuoksi fasistisessa hallinnossa oli alussa ongelmia. Ritan laulukyvyt havaittiin varhain, ala-asteelta lähtien hän oli johtava esiintyjä koulukonserteissa, joista yhdessä suuri saksalainen oopperalaulaja Erna Berger huomasi hänet ja vei opiskelemaan Berliiniin. Myös eri aikoina hänen opettajiensa joukossa olivat kuuluisa tenori Willie Domgraf-Fasbender ja sopraano Maria Ifogun. Rita Streich teki oopperadebyyttinsä vuonna 1943 Ossigissa (Aussig, nykyinen Usti nad Labem, Tšekki) Zerbinettan roolissa Richard Straussin oopperassa Ariadne auf Naxos. Vuonna 1946 Rita debytoi Berliinin valtionoopperassa pääryhmässä Olympian roolissa Jacques Offebachin "Hoffmannin tarinoissa". Sen jälkeen hänen lavauransa alkoi nousta, joka kesti vuoteen 1974. Rita Streich pysyi Berliinin oopperassa vuoteen 1952 asti, muutti sitten Itävaltaan ja vietti lähes kaksikymmentä vuotta Wienin oopperan lavalla. Täällä hän meni naimisiin ja synnytti vuonna 1956 pojan. Rita Streichillä oli kirkas koloratuurasopraano ja hän suoritti helposti maailman oopperan vaikeimmat osat, häntä kutsuttiin "saksalaiseksi satakieliksi" tai "wienin satakieliksi". Pitkän uransa aikana Rita Streich esiintyi monissa maailman teattereissa - hänellä oli sopimukset La Scalan ja Baijerin radion kanssa Münchenissä, lauloi Covent Gardenissa, Pariisin oopperassa sekä Roomassa, Venetsiassa, New Yorkissa, Chicagossa, San Franciscossa. Japaniin, Australiaan ja Uuteen-Seelantiin, ja on esiintynyt Salzburgin, Bayreuthin ja Glyndebournen oopperafestivaaleilla. Hänen ohjelmistoonsa kuuluivat lähes kaikki merkittävät sopraanon oopperaroolit - hänet tunnettiin parhaana näyttelijänä yön kuningattaren rooleissa Mozartin Taikahuilussa, Annchenin roolissa Weberin vapaassa ampujassa ja muissa rooleissa. Hänen ohjelmistoonsa kuului muun muassa venäläisten säveltäjien teoksia, joita hän esitti venäjäksi. Häntä pidettiin myös erinomaisena operetin ohjelmiston sekä kansanlaulujen ja romanssien tulkkina. Hän on työskennellyt Euroopan parhaiden orkesterien ja kapellimestarien kanssa, äänittänyt 65 isoa gramofonilevyä. Uransa päätyttyä Rita Streich on toiminut professorina Wienin musiikkiakatemiassa vuodesta 1974, opettanut musiikkikoulussa Essenissä, antanut mestarikursseja ja johtanut Nizzan sanoitustaiteen kehittämiskeskusta. Rita Streich kuoli 20. maaliskuuta 1987 Wienissä ja on haudattu vanhalle kaupungin hautausmaalle isänsä Bruno Streichin ja äitinsä Vera Alekseevan viereen.

Angela Gheorghiu (romaniaksi Angela Gheorghiu) on romanialainen oopperalaulaja, sopraano. Yksi aikamme tunnetuimmista oopperalaulajista. Angela Gheorghiu (Burlacu) syntyi 7. syyskuuta 1965 Adjudin pikkukaupungissa Romaniassa. Varhaisesta lapsuudesta lähtien oli selvää, että hänestä tulee laulaja, hänen kohtalonsa oli musiikki. Hän opiskeli Bukarestin musiikkikoulussa ja valmistui Bukarestin kansallisesta musiikkiyliopistosta. Hänen ammattimaisen oopperadebyyttinsä tapahtui vuonna 1990 Mimin roolissa Puccinin La Bohemessa Clujissa, samana vuonna hän voitti Hans Gaborin kansainvälisen laulukilpailun Belvedere Wienissä. Sukunimi Georgiou säilyi hänen kanssaan ensimmäisestä aviomiehestään. Angela Georgiun kansainvälinen debyytti tapahtui vuonna 1992 Royal Opera Housessa, Covent Gardenissa La Bohemessa. Samana vuonna hän debytoi Metropolitan Operassa New Yorkissa ja Wienin valtionoopperassa. Vuonna 1994 Covent Gardenin kuninkaallisessa oopperatalossa hän lauloi ensimmäistä kertaa Violetan roolin La Traviatassa, sillä hetkellä tapahtui "tähden syntymä", Angela Georgiu alkoi nauttia jatkuvasta menestyksestä oopperataloissa ja konserttisaleja ympäri maailmaa: New York, Lontoo, Pariisi, Salzburg, Berliini, Tokio, Rooma, Soul, Venetsia, Ateena, Monte Carlo, Chicago, Philadelphia, São Paulo, Los Angeles, Lissabon, Valencia, Palermo, Amsterdam, Kuala Lumpur, Zürich, Wien, Salzburg, Madrid, Barcelona, ​​​​Praha, Montreal, Moskova, Taipei, San Juan, Ljubljana. Vuonna 1994 hän tapasi tenori Roberto Alagnan, jonka kanssa hän meni naimisiin vuonna 1996. Hääseremonia pidettiin Metropolitan Operassa New Yorkissa. Alanya-Georgiu-pariskunta oli pitkään silmiinpistävin luova perheliitto oopperanäyttämöllä, nyt he ovat eronneet. Hänen ensimmäinen yksinoikeussopimus levy-yhtiön kanssa solmittiin vuonna 1995 Deccan kanssa, minkä jälkeen hän julkaisi useita albumeja vuodessa, nyt hänellä on noin 50 albumia, sekä lavastettuja oopperoita että soolokonsertteja. Kaikki hänen CD-levynsä ovat saaneet hyviä arvosteluja kriitikoilta, ja ne on palkittu useilla kansainvälisillä palkinnoilla, mukaan lukien Gramophone-lehden palkinnot, saksalainen Echo-palkinto, ranskalaiset Diapason d'Or ja Choc du Monde de la Musique ja monet muut. Hänet valittiin kahdesti vuosina 2001 ja 2010 "Vuoden parhaaksi naislaulajaksi" brittiläisen "Classical BRIT Awards" -palkinnon toimesta. Angela Gheorghiun roolivalikoima on erittäin laaja, erityisesti hänen suosikkioopperansa Verdi ja Puccini. Italialainen ohjelmisto, ehkä romanian ja italian kielten suhteellisen samankaltaisuuden vuoksi, pärjää hyvin, jotkut kriitikot huomauttavat, että ranskalaiset, saksalaiset, venäläiset ja englantilaiset oopperat esitetään heikommin. Angela Gheorghiun tärkeimmät roolit: Bellini "Somnambula" - Amina Bizet "Carmen" - Michaela, Carmen Chilea "Adriana Lecouvreur" - Adriana Lecouvreur Donizetti "Lucia di Lammermoor" - Lucia Donizetti "Lucrezia Borgia" - Don Lucretiausun Good Borgia " - Margarita Gounod "Romeo ja Julia" - Juliet Massenet "Manon" - Manon Massenet "Werther" - Charlotte Mozart "Don Giovanni" - Zerlina Leoncavallo "Pagliacci" - Nedda Puccini "Pääskynen" - Magda Puccini "Bohemia" - Mimi Puccini " Gianni Schicchi - Loretta Puccini "Tosca" - Tosca Puccini "Turandot" - Liu Verdi Trubaduuri - Leonor Verdi "La Traviata" - Violetta Verdi "Louise Miller" - Luisa Verdi "Simon Boccanegra" - Maria Angela Gheorghiu jatkaa aktiivisesti esiintymistä ja on oopperan Olympuksen huipulla. Tulevaisuuden sitoumuksiin kuuluvat erilaiset konsertit Euroopassa, Amerikassa ja Aasiassa, Tosca ja Faust Royal Opera Housessa, Covent Gardenissa.

Anna Jurievna Netrebko - venäläinen oopperalaulaja, sopraano. Anna Netrebko syntyi 18. syyskuuta 1971 Krasnodarissa. Isä - Netrebko Juri Nikolaevich (1934), valmistui Leningradin kaivosinstituutista, geologinen insinööri. Asuu Krasnodarissa. Äiti - Netrebko Larisa Ivanovna (1944-2002), viestintäinsinööri. Annan vanhempi sisar Natalia (1968) asuu perheensä kanssa Tanskassa. Anna Netrebko on pyrkinyt lavalle lapsuudesta asti. Koulussa opiskellessaan hän oli Kuban Pioneer -yhtyeen solisti Krasnodarin pioneerien palatsissa. Vuonna 1988 valmistuttuaan koulusta Anna päätti mennä Leningradiin - siirtyä musiikkikouluun, operettiosastolle siirtyäkseen sitten teatteriyliopistoon. Hänen musiikilliset kykynsä eivät kuitenkaan jääneet huomaamatta koulun valintakomitealta - Anna hyväksyttiin lauluosastolle, jossa hän opiskeli Tatjana Borisovna Lebedin kanssa. Kaksi vuotta myöhemmin, valmistumatta korkeakoulusta, hän läpäisi kilpailun menestyksekkäästi ja pääsi Pietarin valtion Rimski-Korsakovin konservatorioon, jossa hän opiskeli laulua professori Tamara Dmitrievna Novitšenkon johdolla. Siihen mennessä Anna oli vakavasti kiinnostunut oopperasta, ja konservatorion lähellä sijaitsevasta Mariinsky-teatterista tuli hänen toinen kotinsa. Vieraillakseen säännöllisesti teatterissa ja nähdäkseen sen kaikki esitykset sen näyttämöllä, Anna sai siivoojan työpaikan ja kaksi vuotta konservatorion opintojen ohella pesi teatterin aulan lattioita. Vuonna 1993 V.I.:n mukaan nimetty All-venäläinen vokalistien kilpailu. M.I. Glinka. Kilpailun tuomaristoa johti Neuvostoliiton kansantaiteilija Irina Arkhipova. Konservatorion 4. vuoden opiskelijana Anna Netrebko ei vain osallistunut kilpailuun, vaan hänestä tuli myös sen voittaja saatuaan 1. palkinnon. Kilpailun voittamisen jälkeen Anna osallistui koe-esiintymiseen Mariinski-teatterissa. Teatterin taiteellinen johtaja Valeri Gergiev, joka oli läsnä koe-esiintymisessä, antoi hänelle välittömästi Barbarinan roolin tulevassa Mozartin oopperan "Figaron avioliitto" tuotannossa. Yhtäkkiä yhdessä harjoituksissa ohjaaja Juri Aleksandrov ehdotti, että Anna yrittäisi laulaa Suzannen osan, jonka Anna teki siellä ilman yhtä virhettä, ja sitten hänet hyväksyttiin päärooliin. Joten vuonna 1994 Anna Netrebko debytoi Mariinski-teatterissa. Debyyttinsä jälkeen Anna Netrebkosta tulee yksi Mariinski-teatterin johtavista solisteista. Työnsä aikana hän lauloi monissa esityksissä. Mariinskin lavan rooleissa olivat: Ljudmila (Ruslan ja Ljudmila), Ksenia (Boris Godunov), Martha (Tsaarin morsian), Luiisa (Kihlaus luostarissa), Natasha Rostova (Sota ja rauha) , Rosina (" Sevillan parturi", Amina ("Somnambula"), Lucia ("Lucia di Dammermoor"), Gilda ("Rigoletto"), Violetta Valeri ("La Traviata"), Musetta, Mimi ("La Boheme"), Antonia ("The Tales of Hoffmann"), Donna Anna, Zerlina ("Don Juan") ja muut. Vuonna 1994 Anna Netrebko aloitti kiertueen ulkomailla Mariinsky-teatterin kanssa. Laulaja on esiintynyt Suomessa (Mikkelin festivaali), Saksassa (Schleswig-Holsteinin festivaali), Israelissa, Latviassa. Ensimmäinen Anna Netrebkon kohtalokkaasta ulkomaisesta esityksestä pidettiin vuonna 1995 Yhdysvalloissa, San Franciscon oopperan näyttämöllä. Annan itsensä mukaan Placido Domingolla oli suuri rooli amerikkalaisessa debyytissä. Yhdeksän "Ruslana ja Ljudmila" -esitystä, joissa Anna lauloi Ljudmilan pääroolin, toi hänelle ensimmäisen kovaäänisen menestyksen urallaan ulkomailla. Siitä lähtien Anna Netrebko on esiintynyt maailman arvostetuimmissa oopperataloissa. Erityinen paikka Annan uralla oli vuosi 2002, jolloin hänestä tuli kuuluisasta laulajasta maailman oopperan prima. Vuoden 2002 alussa Anna Netrebko esiintyi yhdessä Mariinsky-teatterin kanssa Metropolitan-oopperassa näytelmässä Sota ja rauha. Hänen esityksensä Natasha Rostovan roolissa teki sensaation. "Audrey Hepburn äänellä" - niin kutsuttiin Anna Netrebkoksi amerikkalaisessa lehdistössä. Hän huomauttaa hänen laulu- ja dramaattisesta lahjakkuudestaan ​​yhdistettynä harvinaiseen viehätykseen. Saman vuoden kesällä Anna esittää Donna Annan roolin W.A. Mozartin oopperassa Don Giovanni Salzburgin festivaaleilla. Tähän rooliin hänet kutsui kuuluisa kapellimestari Nikolaus Arnoncourt. Annan esitys Salzburgissa teki loisteen. Näin Salzburg antoi maailmalle uuden supertähden. Salzburgin jälkeen Anna Netrebkon suosio kasvaa nopeasti esityksestä esitykseen. Nyt maailman johtavat oopperatalot yrittävät saada Annan osallistumaan esityksiin. Siitä lähtien oopperadiivan Anna Netrebkon elämä ryntää junien pyörillä, lentää lentokoneiden siivillä. Kaupungit ja maat, teatterit ja konserttisalit välähtävät. Salzburgin jälkeen – Lontoo, Washington, Pietari, New York, Wien... Heinäkuussa 2003 Baijerin oopperassa La Traviatassa Anna laulaa ensimmäistä kertaa meksikolaisen tenorin Rolando Villazonin kanssa. Tästä esityksestä syntyi tämän hetken tunnetuin ja kysytyin ooppera-dueto, tai, kuten sitä kutsutaan, "unelmapari" - unelmien duetto. Esityksiä ja konsertteja, joihin osallistuvat Anna ja Rolando, on suunniteltu monen vuoden päähän. Maat ja kaupungit vilkkuvat jälleen. New York, Wien, München, Salzburg, Lontoo, Los Angeles, Berliini, San Francisco ... Mutta tärkein, todella voittoisa menestys saavutti Anna vuonna 2005 samassa Salzburgissa, kun hän esiintyi historiallisessa tuotannossa Willie Decker , Verdin oopperassa La Traviata. Tämä menestys nosti hänet paitsi huipulle - hän nosti hänet oopperamaailman Olympukseen! Anna Netrebko esiintyy maailman johtavien kapellimestarien kanssa, mukaan lukien Valery Gergiev, James Levine, Seiji Ozawa, Nikolaus Arnoncourt, Zubin Meta, Colin Davis, Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Emmanuel Villum, Bertrand de Buyy, Marco Armiliato. Vuonna 2003 kuuluisa Deutsche Gramophone -yhtiö allekirjoitti yksinoikeussopimuksen Anna Netrebkon kanssa. Syyskuussa 2003 julkaistiin Anna Netrebkon ensimmäinen albumi "Opera Arias". Laulaja äänitti sen Wienin filharmonisen orkesterin (kapellimestari Janandrea Noseda) kanssa. Albumi sisältää suosittuja aarioita eri oopperoista - "Mermaids", "Faust", "Bohemians", "Don Giovanni", "Somnambula". Uskomaton menestys oli elokuva "The Women - the voice", jossa Anna näytteli viidessä oopperaleikkeessä, jotka on luonut Hollywood-ohjaaja Vincent Patterson, joka työskenteli aiemmin Michael Jacksonin ja Madonnan kanssa. Elokuussa 2004 laulajan toinen sooloalbumi "Semper Libera" julkaistiin Mahler Orchestran ja Claudio Abbadon kanssa. Kolmas sooloalbumi, joka äänitettiin Mariinski-teatterin orkesterin ja Valeri Gergievin kanssa, venäläinen albumi, julkaistiin vuonna 2006. Kaikki kolme albumia saavuttivat platinalevyjä Saksassa ja Itävallassa, ja "Russian Album" oli ehdolla Grammylle. Vuonna 2008 Deutsche Gramophone julkaisi Annan neljännen soololevyn, Souvenirs, joka äänitettiin Prahan sinfoniaorkesterin ja Emmanuel Willumin kanssa. Valtava menestys odotti toista CD-levyä - "Duets", jonka Anna äänitti yhdessä pysyvän kumppaninsa Rolando Villazonin kanssa. Vuoden 2009 alussa julkaistiin CD-levy vuoden 2008 wieniläisen esityksen "Capuleti ja Montague" äänitteellä, jossa Anna lauloi toisen supertähden - latvialaisen mezzosopraano Elina Garancan - kanssa. Kahta upeaa oopperalaulajaa ja kaunista naista - Anna Netrebkoa ja Elina Garanchua - on viime aikoina kutsuttu naisten unelmapariksi - naisten "unelmaduetoksi". Deutsche Gramophone ja useat muut yhtiöt ovat julkaisseet videoita useista oopperaesityksistä, joissa Anna Netrebko on mukana. Niistä - "Ruslan ja Ljudmila" (1995), "Kihlaus luostarissa" (1998), "Rakkausjuoma" (Wien, 2005), "Traviata" (Salzburg, 2005), "Puritaanit" (MET, 2007), " Manon "(Wien, 2007)," Manon "(Berliini, 2007). Vuoden 2008 alussa ohjaaja Robert Dornholm kuvasi elokuvan - oopperan La Boheme, pääosissa Anna Netrebko ja Rolando Villazon. Elokuva sai ensi-iltansa Itävallassa ja Saksassa syksyllä 2008. Monet maailman maat ovat hankkineet oikeuden esittää elokuva. Maaliskuussa 2009 Axiom Films alkaa myydä elokuvaa DVD:llä. Anna Netrebko näytteli myös cameo-roolissa Hollywood-elokuvassa Princess Diary 2 (Walt Disney Studios, ohjaaja Harry Marshall). Anna Netrebkon konserttiesitykset saivat poikkeuksellisen suosion. Tunnetuimpia ovat konsertti Carnegie Hallissa Dmitri Hvorostovskin kanssa vuonna 2007, Royal Albert Hallissa Lontoossa (Prom BBC -konsertti, 2007) sekä Anna Netrebkon, Placido Domingon ja Rolando Villazonin legendaariset yhteiskonsertit (Berliini 2006). , Wien 2008). TV-lähetykset sekä Berliinin ja Wienin konserttien tallenteet DVD:llä olivat suuri menestys. Kilpailun voittamisen jälkeen. Glinka vuonna 1993 Anna Netrebko palkittiin toistuvasti erilaisilla palkinnoilla, nimikkeillä ja palkinnoilla. Hänen saavutuksistaan: - II kansainvälisen nuorten oopperalaulajien kilpailun voittaja NA Rimski-Korsakova (Pietari, 1996) - "Baltika"-palkinnon saaja (1997) - Venäjän Casta Diva -musiikkipalkinnon saaja (1998) - Pietarin korkeimman teatteripalkinnon "Golden Soffit" saaja " (1999, 2005, 2009). Anna Netrebkon muita saavutuksia ovat arvostettu saksalainen Bambi-palkinto, itävaltalaiset Amadeus-palkinnot, Isossa-Britanniassa saadut Vuoden laulaja- ja Vuoden naismuusikko -titteet (Classical BRIT Awards), yhdeksän Echo Klassik -palkintoa Saksassa sekä kaksi Grammy-ehdokkuutta. ("Violetta"- ja "Russian Album" -levyille). Vuonna 2005 Kremlissä Venäjän presidentti Vladimir Putin luovutti Anna Netrebkolle Venäjän federaation valtionpalkinnon, joka myönnettiin "erinomaisesta panoksestaan ​​venäläiseen musiikkikulttuuriin". Vuonna 2006 Krasnodarin alueen kuvernööri A. Tkatšov myönsi Anna Netrebkolle "Kubanin työsankari" -mitalin hänen suuresta panoksestaan ​​maailman oopperataiteelle. Vuonna 2007 Time-lehti sisällytti Anna Netrebkon maailman 100 vaikutusvaltaisimman ihmisen listalle. Tämä on ensimmäinen kerta historiassa, kun oopperalaulaja on ollut Timen listalla "miehistä ja naisista, joiden voima, lahjakkuus ja moraalinen esimerkki muuttavat maailmaa". Anna Netrebko sai uransa merkittävimmän tittelin vuonna 2008, kun arvovaltainen amerikkalainen "Musical America" ​​-lehti nimesi Anna Netrebkon "Vuoden muusikoksi". Tämä palkinto ei vastaa Oscaria, vaan pikemminkin Nobel-palkintoa. Lehti nimeää joka vuosi vuodesta 1960 lähtien maailmanmusiikin päähenkilön. Koko tämän kunnian historian aikana on palkittu vain viisi oopperalaulajaa - Leontine Price, Beverly Sills, Marilyn Horn, Placido Domingo ja Carita Mattila. Anna Netrebko sijoittui kuudenneksi merkittävimpien oopperataiteilijoiden joukossa. Monet "kiiltävät" aikakauslehdet omistivat pitkiä artikkeleita Netrebkolle - mukaan lukien Vogue, Vanity Fair, Town & Country, Harper's Bazaar, Elle, W Magazine, Inquire, Playboy. Hän oli vieraana ja sankaritar sellaisissa suosituissa televisio-ohjelmissa kuin Good Morning America NBC:ssä (Night Show with Jay Lino "NBC), 60 minuuttia CBS:ssä ja German Wettenissä, dass..? Dokumenttielokuvia Annasta näytettiin tv-kanavilla vuonna Itävalta, Saksa, Venäjä. Kaksi hänen elämäkertaansa julkaistiin Saksassa. Maailmanlehdistöjen mukaan Anna Netrebko kihlautui vuoden 2007 lopulla oopperanäyttämöllä olevaan kollegaansa - uruguaylaiseen baritoniin Erwin Schrottiin. Helmikuun alussa 2008 maailma ja venäläiset tiedotusvälineet uutisoivat sensaatiosta: Anna Netrebko odottaa vauvaa Annan viimeinen esiintyminen ennen synnytykseen liittyvää taukoa pidettiin 27. kesäkuuta 2008 Wienissä, Schönnbrunnin palatsissa.Anna esiintyi konsertissa maineikkaiden kumppaneidensa kanssa. Placido Domingo ja Rolando Villazon Kaksi kuukautta ja viikkoa myöhemmin, 5. syyskuuta 2008 Wienissä Anna sai pojan, jonka onnelliset vanhemmat antoivat latinalaisamerikkalaisen nimen - Thiago Arua. Jo 14. tammikuuta 2009 Anna Netrebko palasi näyttämölle toimintaa esiintynyt Mariinski-teatterin näytelmässä "Lucia di Lammermoor". Tammikuun lopulla - helmikuun alussa Anna lauloi Lucian osan Metropolitan Operassa. Viimeinen, neljäs esitys, joka pidettiin 7. helmikuuta, lähetettiin suorana lähetyksenä "The MET Live in HD" -ohjelman alla elokuvateattereiden näytöillä Amerikassa ja Euroopassa. Lähetystä seurasi katsojia 850 elokuvateatterissa 31 maassa. Anna Netrebko sai tämän kunnian kolmatta kertaa. Aikaisemmin Metropolitan Operan esitykset - Romeo ja Julia sekä Puritanit - lähetettiin suorana elokuvateattereissa ympäri maailmaa. Vuonna 2006 Anna Netrebko sai Itävallan kansalaisuuden, mutta säilytti Venäjän. Liikkuessaan jatkuvasti ympäri maailmaa, maasta toiseen, Anna palaa kuitenkin aina mielellään omaan kotiinsa. Missä tarkalleen? Annalla on asuntoja Pietarissa, Wienissä ja New Yorkissa. Annan itsensä mukaan hän "ei ole ollenkaan pakkomielle oopperasta ja näyttämöstä". On selvää, että lapsen syntymän myötä Anna omistaa kaikki harvinaiset vapaat päivänsä ja tuntinsa pojalleen, joka seuraa Annaa jatkuvasti kaikilla hänen matkoillaan ja matkoillaan. Mutta ennen äidiksi tuloa Anna vapaa-ajallaan nautti piirtämisestä, ostoksilla ja elokuvissa käymisestä sekä populaarimusiikin kuuntelusta. Suosikkikirjailija - Akunin, suosikkielokuvanäyttelijät - Brad Pitt ja Vivien Leigh. Suosituista laulajista Anna nosti esiin Justin Timberlaken, Robbie Williamsin ja ryhmän "Greenday" ja viime aikoina - Amy Winehousen ja Duffyn. Anna Netrebko osallistuu hyväntekeväisyysohjelmiin ja tapahtumiin sekä Venäjällä että ulkomailla. Vakavimpia on SOS-KinderDorf-projekti, joka toimii 104 maassa ympäri maailmaa. Lisäksi laulaja osallistuu Anna-projektiin (Kaliningradin ja Kaliningradin alueen orpokotien avustusohjelma), auttaa kansainvälistä Roerich Heritage -säätiötä sekä Pushkinissa sijaitsevaa lasten ortopedista instituuttia. G.I. Turner. Lähde: http://annanetrebko-megastar.ru/

Lyubov Jurjevna Kazarnovskaya - Neuvostoliiton ja Venäjän oopperalaulaja, sopraano. Musiikkitieteiden tohtori, professori. Lyubov Jurievna Kazarnovskaya syntyi 18. toukokuuta 1956 Moskovassa, äiti, Kazarnovskaya Lidia Aleksandrovna - filologi, venäjän kielen ja kirjallisuuden opettaja, isä, Kazarnovsky Juri Ignatievich - kenraali varauksessa, vanhempi sisar - Bokadorova Natalya Jurievna - filologi, ranskan kielen professori kieli ja kirjallisuus. Lyuba lauloi aina, koulun jälkeen hän vaaransi hakea Gnessin-instituuttiin - musiikkiteatterin näyttelijöiden tiedekuntaan, vaikka hän valmistautui opiskelemaan vieraiden kielten tiedekunnassa. Opiskelijavuodet antoivat Lyuballe paljon näyttelijänä, mutta ratkaiseva tapaaminen oli Nadezhda Matveyevna Malysheva-Vinogradovan, upean opettajan, laulajan, Chaliapinin säestäjän, itse Stanislavskin opiskelijan, kanssa. Arvokkaiden laulutuntien lisäksi kirjallisuuskriitikon ja Pushkin-tutkijan akateemikon V. V. Vinogradovin leski Nadezhda Matveevna paljasti Lyuballe venäläisten klassikoiden voiman ja kauneuden, opetti häntä ymmärtämään musiikin ja sanojen piilotetun yhtenäisyyden. Tapaaminen Nadezhda Matvejevnan kanssa määritti lopulta nuoren laulajan kohtalon. Vuonna 1981, 21-vuotiaana, ollessaan vielä Moskovan konservatorion opiskelija, Ljubov Kazarnovskaja debytoi Tatjana (Tšaikovskin Jevgeni Onegin) roolissa Stanislavsky- ja Nemirovich-Danchenko-musiikkiteatterin lavalla. All Unionin Glinka-kilpailun voittaja (II palkinto). Siitä lähtien Lyubov Kazarnovskaya on ollut Venäjän musiikkielämän keskipiste. Vuonna 1982 hän valmistui Moskovan valtion konservatoriosta, vuonna 1985 - tutkijakoulusta apulaisprofessori Elena Ivanovna Shumilovan luokassa. 1981-1986 - Akateemisen Stanislavsky- ja Nemirovich-Danchenkon musiikkiteatterin solisti, ohjelmistossa Tšaikovskin "Jevgeni Onegin", Rimski-Korsakovin "Iolanta", "Toukokuun yö", Leoncavallon "Pagliacci", Puccinin "La Boheme". 1984 - Svetlanov lauloi Fevronian osan Venäjän akateemisen teatterin Rimski-Korsakovin "Kitezhin näkymättömän kaupungin legenda" uudessa tuotannossa. 1984 - Unescon nuorten esiintyjien kilpailun Grand Prix (Bratislava). Kilpailun voittaja Miriam Hellin (Helsinki) - III palkinto ja kunniakirja italialaisen aarian esittämisestä - henkilökohtaisesti kilpailun puheenjohtajalta ja legendaariselta ruotsalaisoopperalaulajalta Birgit Nilssonilta. 1986 - Leninin komsomol-palkinnon saaja. 1986-1989 - Valtion akateemisen teatterin johtava solisti. Kirov: Leonora (Verdin ”Kohtalon voima”), Margarita (Gounodin ”Faust”), Donna Anna ja Donna Elvira (Mozartin ”Don Giovanni”), Leonora (Verdin ”Trubadour”), Violetta (“Traviatta” ” Verdi), Tatiana (Tšaikovskin ”Jevgeni Onegin”), Liza (Tšaikovskin ”Patakuningatar”), Sopraano (Verdin ”Requiem”). Tiivis yhteistyö kapellimestarien kanssa, kuten Jansson, Temirkanov, Kolobov, Gergiev. Ensimmäinen ulkomainen voitto - Covent Garden -teatterissa (Lontoo), Tatjana Tšaikovskin oopperassa "Jevgeni Onegin" (1988) 1989. - "Maestro of the World" Herbert von Karajan kutsuu nuoren laulajan "omalle" festivaaleille - kesäfestivaalille Salzburgiin. Elokuussa 1989 - voittodebyytti Salzburgissa (Verdin Requiem, kapellimestari Ricardo Muti). Koko musiikkimaailma pani merkille ja arvosti nuoren venäläisen sopraanon esitystä. Tämä sensaatiomainen esitys merkitsi alkua huimaavalle uralle, joka johti hänet myöhemmin sellaisiin oopperataloihin kuin Covent Garden, Metropolitan Opera, Lyric Chicago, San Francisco Opera, Wiener Staatsoper, Teatro Colon, Houston Grand Opera. Hänen kumppaninsa ovat Pavarotti, Domingo, Carreras, Araiza, Nucci, Capucciilli, Cossotto, von Stade, Baltza. Syyskuu 1989 - osallistuminen maailman gaalakonserttiin Venäjän valtion akateemisen Bolshoi-teatterin lavalla Armenian maanjäristyksen uhrien tukemiseksi yhdessä Krausin, Bergonzin, Preyn, Arkhipovan kanssa. Lokakuu 1989 - osallistui Milanon oopperatalon "La Scalan" kiertueelle Moskovassa (G. Verdi "Requiem"). 1991 - Salzburg. 1992-1998 - tiivis yhteistyö Metropolitan Operan kanssa. 1994-1997 - tiivis yhteistyö Mariinsky-teatterin ja Valeri Gergievin kanssa. Vuonna 1996 Lyubov Kazarnovskaja debytoi menestyksekkäästi Teatro alla Scalassa Prokofjevin oopperassa Pelimies, ja helmikuussa 1997 hän lauloi Salomen osan Rooman Santa Cecilia -teatterissa voitolla. Hänen kanssaan työskentelevät aikamme johtavat oopperamestarit - sellaiset kapellimestarit kuten Muti, Levine, Thielemann, Barenboim, Haitink, Temirkanov, Kolobov, Gergiev, ohjaajat - Dzefirelli, Egoyan, Vikk, Taymor, Dew ... "La Kazarnovskaya", sellaisena kuin se on on nimetty italialaisessa lehdistössä, ja sen ohjelmistossa on yli viisikymmentä osaa. Häntä kutsutaan aikamme parhaaksi Salomeksi, Verdin ja Veristien oopperoiden parhaaksi esittäjäksi, puhumattakaan hänen käyntikorttinsa Eugene Oneginin Tatjanasta. Hän menestyi erityisen hyvin pääroolien esittämisessä Richard Straussin oopperoissa Salome, Tšaikovskin Eugene Onegin, Puccinin Manon Lescaut ja Tosca, Kohtalon voima ja Verdin Traviatta. 1997 - Lyubov Kazarnovskaya perustaa oman organisaationsa Venäjälle - "Lyubov Kazarnovskaya Foundation", tukemaan Venäjän oopperataidetta: kutsuu johtavia laulutaiteen mestareita Venäjälle konsertteihin ja mestarikursseihin, kuten Renata Scotto, Franco Bonisolli, Simon Estes , Jose Cura et ai. , perustaa stipendejä nuorille venäläisille laulajille. * 1998-2000 - tiivis yhteistyö Venäjän Bolshoi-teatterin kanssa. 2000 - laulaja holhoaa maailman ainoaa Lubovi Kazarnovskajan (Dubna) mukaan nimettyä lasten oopperataloa. Tämän teatterin kanssa Lyubov Kazarnovskaya suunnittelee mielenkiintoisia projekteja Venäjällä ja ulkomailla. 2000 - johtaa Kulttuurikeskuksen "Kaupunkien unioni" luovaa koordinointineuvostoa suorittaen laajaa kulttuuri- ja koulutustyötä Venäjän kaupungeissa ja alueilla. 25.12.2000 - konserttisalissa "Venäjä" tapahtui toinen ensi-ilta - loistava oopperaesitys "Rakkauden kasvot", joka lähetettiin suorana ympäri maailmaa. Johtavan oopperalaulajan ensimmäistä kertaa maailmassa esittämä kolmen tunnin musiikkitapahtuma nousi kuluvan vuosisadan viimeisen vuoden tapahtumaksi ja sai innostuneita vastauksia Venäjällä ja ulkomailla. 2002 - Lyubov Kazarnovskaya on aktiivisen yhteiskunnallisen toiminnan keskipisteessä, valittiin Venäjän federaation kuntien kulttuuri- ja humanitaarisen yhteistyön komission puheenjohtajaksi, on Venäjän musiikkikasvatusseuran hallituksen puheenjohtaja. Lyubov Kazarnovskaya sai diplomin arvostetusta Cambridgen (Englanti) keskustasta yhtenä 1900-luvun 2000 merkittävimmistä muusikoista. Lyubov Kazarnovskajan luova elämä on sarja kiihkeitä ja peruuttamattomia voittoja, löytöjä, saavutuksia, joille epiteetti "ensimmäinen" sopii monessa suhteessa: * Grand Prix Unescon laulukilpailussa. * Kazarnovskaja on ensimmäinen venäläinen sopraano, jonka Herbert von Karajan on kutsunut Salzburgiin. * Ainoa venäläinen laulaja, joka on esittänyt Mozartin osat säveltäjän kotimaassa Salzburgissa hänen 200. syntymäpäivänään. * Ensimmäinen ja toistaiseksi ainoa venäläinen laulaja, joka esitti Salomen vaikeimman osan (Richard Straussin "Salome") maailman suurimmilla oopperanäyttämöillä valtavalla menestyksellä. L. Kazarnovskajaa pidetään aikamme parhaana Salomena. * Ensimmäinen laulaja, joka äänitti (CD:lle) kaikki 103 Tšaikovskin romanssia. * Näillä levyillä ja lukuisilla konserteillaan kaikissa maailman musiikillisissa keskuksissa Lyubov Kazarnovskaya avaa venäläisten säveltäjien musiikillisen luovuuden länsimaiselle yleisölle. * Ensimmäinen kansainvälisen mittakaavan oopperalaulaja, joka teki sarjassaan ennennäkemättömän esityksen - ooppera, operetti, romanssi, chanson ... * Ensimmäinen ja ainoa laulaja, joka esitti kaksi roolia yhden illan aikana (oopperoissa "Manon Lescaut" Puccini) näytelmässä "Manonin muotokuva" Venäjän Bolshoi-teatterin lavalla. Viime aikoina Lyubov Kazarnovskaya on kansainvälisen toimintansa lisäksi antanut paljon aikaa ja energiaa musiikillisen elämän kehittämiseen Venäjän alueilla. Hän on epäilemättä silmiinpistävin ilmiö Venäjän laulu- ja musiikkielämässä, ja hänelle omistettu lehdistö on genren ja volyymin suhteen ennennäkemätön. Hänen ohjelmistoonsa kuuluu yli 50 oopperaroolia ja valtava ohjelmisto kamarimusiikkia. Hänen suosikkiroolinsa ovat Tatiana, Violetta, Salome, Tosca, Manon Lescaut, Leonora ("Kohtalon voima"), Amelia ("Masquerade Ball"). Valitessaan ohjelman soolo-iltoille Kazarnovskaja välttää hajallaan olevan valikoiman jopa voittavia, houkuttelevia asioita ja antaa etusijalle omituiset jaksot, jotka edustavat eri kirjoittajien töitä. Laulajan ainutlaatuisuus, tulkinnan kirkkaus, hienovarainen tyylitaju, yksilöllinen lähestymistapa monimutkaisimpien kuvien ruumiillistumiseen eri aikakausien teoksissa tekevät hänen esityksistään todellisia kulttuurielämän tapahtumia. Lukuisat ääni- ja videotallenteet korostavat tämän loistavan laulajan valtavia laulumahdollisuuksia, korkeaa tyyliä ja suurinta musiikillista lahjakkuutta. Hän esittelee aktiivisesti venäläisen kulttuurin todellista tasoa koko maailmalle. Amerikkalainen yritys VAI (Video Artists International) on julkaissut sarjan videonauhoja, joihin on osallistunut venäläinen diiva, mukaan lukien "Great Singers of Russia 1901-1999" (kaksi nauhaa), "Gypsy Love" (videotallenne Lyubov Kazarnovskajan konsertista Moskovan konservatorion suuressa salissa). Lyubov Kazarnovskajan diskografia sisältää tallenteita DGG:lle, Philipsille, Delosille, Naxosille, Melodialle. Tällä hetkellä Lyubov Kazarnovskaya valmistelee uusia ohjelmia soolokonsertteihin, uusia oopperarooleja (Carmen, Isolde, Lady Macbeth), suunnittelee lukuisia kiertueita ulkomaille ja ympäri Venäjää sekä kuvaa. Hän on ollut naimisissa Robert Rostsikin kanssa vuodesta 1989; vuonna 1993 syntyi hänen poikansa Andrei. Nämä muutamat lainaukset ovat vain pieni osa innostuneista vastauksista, jotka liittyvät Ljubov Kazarnovskajan esityksiin: "Hänen äänensä on syvä ja viettelevän viettelevä... Koskettavat, kauniisti toteutetut kohtaukset Tatjanan kirjeestä ja hänen viimeinen tapaamisestaan ​​Oneginin kanssa eivät jätä epäilystäkään laulajan korkeimmasta taito (Metropolitan Opera, New York Times ")" Tehokas, syvä, upeasti hallittu sopraano, ilmeikäs koko alueella... Lauluominaisuuksien valikoima ja kirkkaus ovat erityisen vaikuttavia "(Lincoln Center, resital, New York Times) " Kazarnovskajan ääni on keskittynyt, hienovaraisesti syvä keskirekisterissä ja kevyt yläreunassa... Hän on säteilevä Desdemona "(Ranska," Le Monde de la Musique ")" ... Lyuba Kazarnovskaja hurmasi yleisön aistillisuudellaan, maagisesti kuulostava sopraano kaikissa rekistereissä "(" Muenchner Merkur ")" Venäläinen diiva niin säteilevänä Salomen roolissa, - jää alkoi sulaa kaduilla, kun Lyuba Kazarnovskaja lauloi Salomen viimeisen kohtauksen ... "(" Cincinnati Enquirer ") Tietoja mation ja valokuvat viralliselta sivustolta: http://www.kazarnovskaya.com Uusi sivusto kauniista kukista. Iiristen maailma. Iiristen lisääntyminen, jättäminen, istuttaminen.

Elina Garanca on latvialainen laulaja (mezzosopraano), yksi aikamme johtavista oopperalaulajista. Elina Garanca syntyi 16.9.1976 Riiassa muusikoiden perheeseen, hänen isänsä on kuoronjohtaja ja äiti Anita Garanca on Latvian musiikkiakatemian professori, Latvian kulttuuriakatemian apulaisprofessori, laulunopettaja Latvian kansallisoopperassa. Vuonna 1996 Elina Garanca tuli Latvian musiikkiakatemiaan Riikaan, jossa hän opiskeli laulua Sergei Martynovin johdolla ja vuodesta 1998 lähtien hän jatkoi opintojaan Irina Gavrilovichin johdolla Wienissä ja sitten Virginia Zeanin johdolla Yhdysvalloissa. Yksi syvästi vaikuttaneista tapahtumista Elinaan opintojensa aikana oli Gaetano Donizettin esiintyminen Jane Seymourin roolissa Anne Boleynissa vuonna 1998 – Garanca oppi roolin kymmenessä päivässä ja löysi syvän sympatian bel canto -ohjelmistoa kohtaan. Opintojensa jälkeen Garanca teki ammattidebyyttinsä Etelä-Türingenin valtionteatterissa Meiningenissä Saksassa Octavianuksen roolissa Der Rosenkavalier -elokuvassa. Vuonna 1999 hän voitti Miriam Helin -laulukilpailun Helsingissä. Vuonna 2000 Elina Garanca voitti pääpalkinnon Latvian kansallisessa esiintyjäkilpailussa, minkä jälkeen hänet hyväksyttiin seurueeseen ja työskenteli Frankfurtin oopperassa, jossa hän lauloi toisen naisen rooleja Taikahuilussa, Hanselin Humperdinkin oopperassa Hansel ja Hanselin. Kerttu ja Rosina Sevillan parturissa". Vuonna 2001 hänestä tuli finalisti arvostetussa kansainvälisessä oopperalaulajakilpailussa Cardiffissa ja julkaisi debyyttisooloalbuminsa ooppera-aarioiden ohjelmalla. Nuori laulaja teki kansainvälisen läpimurtonsa vuonna 2003 Salzburgin festivaaleilla, kun hän lauloi Annion osan Mozartin oopperan Titus' Mercy tuotannossa Nicolaus Arnoncourtin johdolla. Tätä esitystä seurasi menestys ja lukuisia sitoumuksia. Päätoimipaikkana oli Wienin valtionooppera, jossa Garanca näytteli Charlottea Wertherissä ja Dorabellaa Everybody's So Do -elokuvassa vuosina 2003-2004. Ranskassa hän esiintyi ensin Théâtre des Champs-Elysees'ssä (Angelina Rossinin Tuhkimossa) ja sitten Pariisin oopperassa (Opera Garnier) Octavianuksena. Vuonna 2007 Elina Garanca esiintyi ensimmäistä kertaa kotikaupunkinsa Riian pääoopperalavalla Latvian kansallisoopperassa Carmenin roolissa. Samana vuonna hän debytoi Berliinin valtionoopperassa (Sextus) ja Royal Theatre "Covent Gardenissa" Lontoossa (Dorabella) ja vuonna 2008 - "Metropolitan Operassa" New Yorkissa Rosinan roolissa "Sevillan parturi" ja Baijerin ooppera Münchenissä (Adalgiza). Tällä hetkellä Elina Garancha esiintyy maailman johtavien oopperatalojen ja konserttipaikkojen näyttämöillä yhtenä kirkkaimmista musiikin tähdistä kauniin äänensä, musikaalisuuden ja vakuuttavan dramaattisen kykynsä ansiosta. Kriitikot ovat panneet merkille sen helppouden, nopeuden ja mukavuuden, jolla Garancha hallitsee ääntään, sekä menestyksen, jolla hän sovelsi modernia laulutekniikkaa 1800-luvun alun monimutkaiseen Rossini-ohjelmistoon. Elina Garancalla on vankka kokoelma ääni- ja videotallenteita, mukaan lukien Grammy-palkittu äänite Antonio Vivaldin Fabio Biondin ohjaamasta "Bayazetista", jossa Elina lauloi Andronicuksen osan. Elina Garanca on naimisissa englantilaisen kapellimestari Karel Mark Chichonin kanssa ja pariskunta odottaa esikoislapsensa lokakuun lopussa 2011.

Teatro Massimo (italiaksi Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele) on oopperatalo Palermossa, Italiassa. Teatteri on nimetty kuningas Viktor Emmanuel II:n mukaan. Italian kielestä käännettynä Massimo tarkoittaa suurinta, suurinta - teatterin arkkitehtoninen kompleksi on Italian oopperatalojen rakennusten joukossa suurin ja yksi Euroopan suurimmista. Palermossa, Etelä-Italian toiseksi suurimmassa kaupungissa, on pitkään puhuttu oopperatalon tarpeesta kaupunkiin. Vuonna 1864 Palermon pormestari Antonio Rudini julisti kansainvälisen kilpailun suuren oopperatalon rakentamishankkeesta, jonka oli tarkoitus kaunistaa kaupungin ilmettä ja kohottaa kaupungin imagoa Italian viimeaikaisen kansallisen yhtenäisyyden valossa. Vuonna 1968 kilpailun tuloksena valittiin Sisilian kuuluisa arkkitehti Giovanni Battista Filippo Basile. Uudelle teatterille määritettiin paikka, jossa San Giulianon kirkko ja luostari sijaitsivat, ne purettiin fransiskaanilunnien vastalauseista huolimatta. Legendan mukaan "Viimeinen luostarin luostarit" vaeltelee edelleen teatterisaleissa, ja ne, jotka eivät usko häneen, kompastuvat aina yhdelle portaalle ("nunnan askel") teatterin sisäänkäynnillä. Rakentaminen aloitettiin juhlallisella ensimmäisen kiven laskuseremonialla 12. tammikuuta 1875, mutta se eteni hitaasti, jatkuvan rahoituksen puutteen ja skandaalien vuoksi, vuonna 1882 se jäädytettiin kahdeksaksi vuodeksi ja sitä jatkettiin vasta vuonna 1890. Vuonna 1891 arkkitehti Giovanni Basile kuoli ennen projektin avaamista, ja hänen poikansa Ernesto Basile jatkoi työtä. 16. toukokuuta 1897, 22 vuotta rakentamisen alkamisen jälkeen, teatteri avasi ovensa oopperan ystäville, ensimmäinen ooppera, joka sen lavalla esitettiin, oli Giuseppe Verdin Falstaff Leopoldo Munonen johdolla. Giovani Basile on saanut inspiraationsa muinaisesta sisilialaisesta arkkitehtuurista, joten teatteri rakennettiin uusklassiseen ankaraan tyyliin muinaisten kreikkalaisten temppeleiden elementeillä. Teatteriin johtavaa monumentaalista portaikkoa koristavat pronssiset leijonat, jotka kantavat selässään naisten patsaita - allegorista Oopperaa ja Tragediaa. Rakennuksen kruunaa suuri puoliympyrän muotoinen kupoli. Rocco Lentini, Ettore de Maria Begler, Michele Cortejani, Luigi di Giovanni työskentelivät teatterin sisustuksessa, joka on säilynyt myöhäisrenessanssin tyyliin. Auditorioon johtaa tilava aula, itse sali on hevosenkengän muotoinen, se oli ennen 7-kerroksinen ja suunniteltu yli 3000 katsojalle, nyt viisi laatikkotasoa ja galleriaa siihen mahtuu 1381 paikkaa. Ensimmäiset kaudet olivat erittäin onnistuneita. Suuren liikemiehen ja senaattorin Ignazio Florion ansiosta, joka sponsoroi teatteria ja pyrki tekemään Palermosta oopperan pääkaupungin, kaupunki houkutteli monia vieraita, mukaan lukien kruunatut päät, jotka vierailivat säännöllisesti teatterissa. Teatterissa ovat esiintyneet johtavat kapellimestarit ja laulajat, alkaen Enrico Carusosta, Giacomo Puccinista, Renata Tebaldista ja monista muista. Vuonna 1974 Massimo-teatteri suljettiin täydellisen entisöinnin vuoksi, mutta korruptioskandaalien ja poliittisen epävakauden vuoksi entisöinti viivästyi 23 vuodella. 12. toukokuuta 1997, neljä päivää ennen satavuotisjuhlaa, teatteri avattiin uudelleen esittämällä G. Mahlerin toinen sinfonia, mutta entisöinti ei ollut vielä täysin valmis ja ensimmäinen oopperaesitys tapahtui vuonna 1998 - Verdin Aida ja tavallinen ooppera. kausi alkoi vuonna 1999.

Teatro Carlo Felice on Italian Genovan pääoopperatalo. Teatteri sijaitsee kaupungin keskustassa lähellä Ferrari Squarea ja on kaupungin symboli; teatterin edessä on Giuseppe Garibaldin ratsastusmuistomerkki. Päätös uuden oopperatalon rakentamisesta Genovaan tehtiin vuonna 1824, kun kävi selväksi, että nykyiset kaupunginteatterit eivät vastanneet kaupungin tarpeita. Uuden teatterin piti seisoa yhdessä rivissä ja kilpailla Euroopan parhaiden oopperatalojen kanssa. Julkistettiin arkkitehtuurikilpailu, jossa he valitsivat paikallisen arkkitehti Carlo Barbarinon suunnitteleman oopperatalon rakennuksen, hieman myöhemmin kuuluisa milanolainen Luigi Canonica kutsuttiin lisäksi rakentamaan näyttämö ja sali, jonka perusteella hän oli jo aiemmin tehnyt. osallistui useisiin suuriin hankkeisiin - La Scalan entisöintiin, teattereiden rakentamiseen Milanoon, Cremonaan, Bresciaan jne. Teatterille valittiin paikka, jossa sijaitsi entinen dominikaaniluostari ja San Domenicon kirkko. Tämä 1300-luvulta peräisin oleva luostarikompleksi on tunnettu arkkitehtonisesta loistostaan ​​ja arvokkaista sisustustaideteoksistaan. Jotkut väittävät, että luostari uhrattiin teatterille, mutta tämä ei ole totta. Napoleonin "Italian kuningaskunnan" aikana luostarissa sijaitsi hänen armeijansa kasarmi ja varastot. Kompleksi oli pahasti rappeutunut ja vuonna 1821 se purettiin kaupungin jälleenrakennussuunnitelman mukaan kokonaan, ja päätös teatterin rakentamisesta tehtiin vuonna 1824. Uuden rakennuksen ensimmäinen kivi muurattiin 19. maaliskuuta 1826. Avajaiset pidettiin 7. huhtikuuta 1828, vaikka rakentaminen ja koristelu ei ollut vielä täysin valmis. Ensimmäinen ooppera teatterin lavalla oli Vincenzo Belinnan "Bianca ja Fernando". Teatteri on nimetty Savoian herttua Carlo Felicesta, Genovan hallitsijasta. Viisikerroksiseen saliin mahtuu noin 2500 katsojaa. Seuraavina vuosina teatteria kunnostettiin useita kertoja, vuonna 1852 asennettiin kaasuvalaistus, vuonna 1892 - sähkövalaistus. Lähes neljänkymmenen vuoden ajan, vuodesta 1853 lähtien, Giuseppe Verdi vietti talvet Genovassa ja esitti toistuvasti oopperoitaan Teatro Carlo Felicessä. Vuonna 1892 Kristoffer Kolumbuksen Amerikan löytämisen 400-vuotisjuhlaa varten tehdyn jälleenrakennuksen jälkeen (Genova kiistää oikeuden tulla Kolumbuksen pieneksi kotimaaksi), Verdiä pyydettiin säveltämään tähän tapahtumaan sopiva ooppera ja sijoittamaan se teatteriin, mutta hän kieltäytyi korkeaan ikänsä vuoksi. Teatro Carlo Felicea kunnostettiin jatkuvasti ja se pysyi hyvässä kunnossa toiseen maailmansotaan asti. Ensimmäiset vauriot tapahtuivat vuonna 1941, kun rakennuksen katto tuhoutui liittoutuneiden joukkojen pommituksissa ja auditorion ainutlaatuinen kattomaalaus vaurioitui pahoin. Sitten elokuussa 1943 sytyttävän pommin iskun jälkeen kulissien takana olevat tilat paloivat, koristeet ja pukuhuoneet tuhoutuivat, mutta tulipalo ei vaikuttanut pääsaliin, valitettavasti tuolloin teatteri kärsi enemmän rosvoista, jotka varastivat monia arvokkaita. asioita. Lopulta syyskuussa 1944, ilmahyökkäyksen jälkeen, teatterista oli käytännössä jäljellä enää vain seinät. Kiireesti remontoitu teatteri jatkoi toimintaansa koko tämän ajan, ja siellä esiintyi jopa Maria Callas. Teatterirakennuksen peruskorjaussuunnitelmat aloitettiin vuonna 1946. Vuonna 1951 yksi projekti valittiin kilpailun perusteella, mutta se ei koskaan toteutunut. Teatteri suljettiin hätätilanteen vuoksi 1960-luvun alussa. Vuonna 1963 kuuluisa arkkitehti Carlo Scarpa uskottiin jälleenrakennusprojektin kehittämiseen, mutta hän viivästytti työtä ja projekti oli valmis vasta vuonna 1977, mutta arkkitehdin odottamattoman kuoleman vuoksi vuonna 1978 projekti keskeytettiin. Seuraava suunnitelma hyväksyttiin vuonna 1984, Aldo Rossi valittiin uuden teatterin Carlo Felicen pääarkkitehdeiksi. Kehittäjien tärkein leitmotiivi oli historian ja nykyajan yhdistelmä. Vanhan teatterin seinät ja julkisivu bareljeefeineen sekä osa sisustuselementtejä, jotka lisättiin uuteen sisustukseen, jäivät, mutta suurin osa teatterista rakennettiin uudelleen tyhjästä. 7. huhtikuuta 1987 muurattiin uuden teatterin peruskivi. Vanhan teatterin taakse lisättiin uusi kerrostalo, jossa asuinlavat, liikkuvat tasoohjaimet, harjoitushuoneet ja pukuhuoneet. Itse auditorio sijaitsee "vanhassa" teatterissa, arkkitehtien tavoitteena oli luoda vanhan teatteriaukion tunnelmaa, jolloin esitykset pidettiin kaupungin keskustassa kadulla. Siksi salin seinille tehtiin ikkunat ja parvekkeet, jotka jäljittelevät rakennusten ulkoseiniä, ja katto on täynnä "tähtitaivasta". 18. lokakuuta 1991 Carlo Felice -teatterin esirippu nousi vihdoin, kauden ensimmäinen avaustapahtuma oli Giuseppe Verdin ooppera "Trubaduuri". Teatro Carlo Felice on yksi Euroopan suurimmista oopperataloista, ja sen pääsalin kapasiteetti on 2000.

Metropolitan Opera on musiikkiteatteri Lincoln Centerissä New Yorkissa, New Yorkissa, Yhdysvalloissa. Maailman suurin oopperatalo. Sitä kutsutaan usein "Met" lyhennetyssä muodossa. Teatteri kuuluu maailman kuuluisimpiin oopperanäyttämöihin. Teatterin taiteellinen johtaja on James Levine. Toimitusjohtaja - Peter Gelb. Luotu Metropolitan Opera House Companyn varoilla. Varakkaiden yritysten, yksityishenkilöiden tukemana. Metropolitan Opera avattiin Charles Gounodin Faustin esityksellä 22. lokakuuta 1883 ruotsalaisen sopraano Christina Nilssonin naispääosassa. Teatteri on avoinna seitsemän kuukautta vuodessa: syyskuusta huhtikuuhun. Kauden aikana esitetään noin 27 oopperaa. Esityksiä pidetään päivittäin, yhteensä esityksiä on noin 220. Teatteri kiertää toukokuusta kesäkuuhun. Lisäksi teatteri antaa heinäkuussa ilmaisia ​​esityksiä New Yorkin puistoissa, mikä houkuttelee valtavan määrän katsojia. Radio- ja tv-lähetyksiä on säännöllisesti. Teatterin orkesteri ja kuoro toimivat vakituisesti ja solisteja ja kapellimestareita kutsutaan sopimusperusteisesti kaudeksi tai tiettyihin esityksiin. Oopperat esitetään perinteisesti alkuperäiskielellä. Ohjelmisto perustuu maailman klassikoihin, myös venäläisten säveltäjien omaan. Ensimmäinen Metropolitan Opera, jonka suunnitteli J. Cleveland Cady, sijaitsi Broadwaylla, 39-40 kadun välissä. Vuonna 1966 teatteri muutti uuteen Lincoln Centeriin Manhattanilla, ja siinä on yksi päälava ja kolme apulavaa. Pääauditorio on 3 800 paikkaa ja on koostaan ​​huolimatta tunnettu erinomaisesta akustiikkastaan.

Teatro dell "Opera di Roma" (Teatro dell "Opera di Roma") on ooppera- ja balettiteatteri Roomassa, Italiassa. Kutsutaan joskus Teatro Costanziksi sen luojan Domenico Costanzin (1810-1898) mukaan. Roomalainen oopperatalo rakennettiin yksityinen urakoitsija ja rahoittaja Domenico Costanzi (1810-1898), projektin arkkitehti oli milanolainen Achille Sfondrini (1836-1900) Teatteri rakennettiin kahdeksassatoista kuukaudessa ja avattiin 27. marraskuuta 1880 oopperan esityksellä Semiramis, Gioachino Rossini. Yksi teatterin ominaisuuksista oli sen läheisyys hotelliin, jonka myös Costanzi omistaa, hotellin ja teatterin välillä oli maanalainen käytävä sekä vieraita, mukaan lukien näyttelijät, jos he eivät halunneet olla. kadulla nähtynä pääsi sisään teatteriin incognito-tilassa tätä käytävää pitkin. kolme laatikkotasoa, kaksi erillistä galleriaa.Kupoli oli koristeltu Anibale Brugnolin freskoilla. Costanzin perhe hoiti teatteria itsenäisesti, ensin Domenico itse, sitten hänen poikansa Enrico ja Huolimatta siitä, että syntyi paljon taloudellisia vaikeuksia, teatteri oli yksi Italian johtavista ja isännöi monia maailmanensi-iltoja, mukaan lukien Pietro Mascagnin "Rural Honor" ja Giacomo Puccinin "Tosca". Vuonna 1907 teatterin osti "International and National Theatre Company", Emma Carell nimitettiin teatterin johtajaksi, neljätoista vuotta hänen johtoaan teatteri pysyi myös yhtenä johtavista Italiassa. Se isännöi monia maailman, eurooppalaisia ​​tai italialaisia ​​oopperoiden ja balettien ensiesityksiä, mukaan lukien Mussorgskin Boris Godunov ja Stravinskyn Tulilintu, jonka esitti Djagilevin venäläinen baletti. Marraskuussa 1926 Rooman kaupunginvaltuusto osti "Teatro Costanzin". Teatterissa tehtiin merkittävä rakenneuudistus arkkitehti Marcello Piacentinin suunnitelman mukaan: julkisivu rakennettiin uudelleen, keskussisäänkäynti siirrettiin vastakkaiselle puolelle, amfiteatteri poistettiin teatterin sisältä ja lisättiin toinen kerros, sisätilat koristeltiin uudella. stukkolistat ja koriste-elementit, huonekalut vaihdettiin ja uusi upea 6 metrin kattokruunu ripustettiin halkaisijaltaan 27 000 kristallipalalla. Teatteri sai nimen "Kuninkaallinen oopperatalo" ja avasi ovensa uudelleen 27. helmikuuta 1928 Arrigo Boiton oopperalla "Nero". Vuodesta 1946 nykypäivään teatteria on kutsuttu Rooman oopperataloksi. Vuonna 1958 rakennusta kunnostettiin ja modernisoitiin uudelleen ja se sai nykyisen ilmeensä. Sama arkkitehti Marcello Piacentini teki julkisivun, keskussisäänkäynnin ja eteisen muutoksen, aula varustettiin ilmastoinnilla ja tehtiin mittava peruskorjaus. Tällä hetkellä salin kapasiteetti on noin 1600 istumapaikkaa. Roomalaisella oopperatalolla on myös omat ooppera- ja balettiryhmät sekä klassisen tanssin koulu, baletti Roomassa on yhtä suosittu kuin ooppera. Vuodesta 1937, kesäisin, oopperatalo on esittänyt esityksensä ulkoilmassa Caracallan kylpylässä muinaisen arkkitehtonisen muistomerkin taustalla.

La Scala (italialainen Teatro alla Scala tai La Scala) on maailmankuulu oopperatalo Milanossa (Italia). Kaikki johtavat oopperatähdet viimeisen kahden ja puolen vuosisadan aikana ovat pitäneet kunniana esiintyä La Scalassa. Teatro alla Scalassa toimii samanniminen oopperaryhmä, kuoro, baletti ja sinfoniaorkesteri. Se liittyy myös Teatro alla Scala Academyyn, joka tarjoaa ammatillista koulutusta musiikin, tanssin ja näyttämön ohjauksessa. Teatterin aulassa on museo, jossa on esillä maalauksia, veistoksia, pukuja ja muita oopperan ja teatterin historiaan liittyviä asiakirjoja. Teatterin rakennus rakennettiin Itävallan keisarinna Maria Teresan käskystä arkkitehti Giuseppe Piermarinin hankkeen mukaan vuosina 1776-1778. Santa Maria della Scalan kirkon paikalla, josta itse teatterin nimi tulee. Kirkko puolestaan ​​sai nimensä vuonna 1381 suojelijalta - Veronan hallitsijoiden perheen edustajalta nimeltä Scala (Scaliger) - Beatrice della Scala (Regina della Scala). Teatteri avattiin 3. elokuuta 1778 Antonio Salierin oopperan "Tunnustettu Eurooppa" tuotannolla. 1700-luvun lopulla - 1800-luvun alussa teatterin ohjelmistoon ilmestyi italialaisten säveltäjien P. Anfossin, P. Guglielmin, D. Cimarosan, L. Cherubinin, G. Paisiellon ja S. Mayran oopperoita. G. Rossinin oopperoiden "Koketuskivi" (1812), "Aurelianus Palmyrassa" (1813), "Turkkilainen Italiassa" (1814), "Varas harakka" (1817) ja muiden ensiesitykset (yhdessä niistä debytoi Italiassa Caroline Unger), sekä J. Meyerbeer oopperat "Margaret of Anjou" (1820), "The Exile from Grenada" (1822) ja useita Saverio Mercadanten teoksia. 1830-luvulta lähtien teatterin ohjelmistossa on esiintynyt G. Donizettin, V. Bellinin, G. Verdin, G. Puccinin teoksia ja ensimmäistä kertaa Bellinin "Pirate" (1827) ja "Norma" (1831), "Lucretius Borgia" (1833) Donizetti, Oberto (1839), Nabucco (1842), Othello (1887) ja Falstaff (1893), Verdi, Madame Butterfly (1904) ja Turandot, Puccini. Toisen maailmansodan aikana teatteri tuhoutui. Kun insinööri L. Secchi oli palauttanut alkuperäisen ulkoasunsa, teatteri avattiin uudelleen vuonna 1946. Teatterirakennusta on kunnostettu useammin kuin kerran. Edellinen kunnostus kesti kolme vuotta, ja siihen käytettiin yli 61 miljoonaa euroa. Ensimmäinen musiikkikappale, joka esitettiin uudistetulla näyttämöllä 7. joulukuuta 2004, oli Antonio Salierin ooppera "Tunnustettu Eurooppa". Istumapaikkoja on 2030, mikä on paljon vähemmän kuin ennen viimeistä kunnostusta, istumapaikkoja on vähennetty paloturvallisuuden ja mukavuuden lisäämisen vuoksi. Perinteisesti uusi kausi La Scalassa alkaa talvella - 7. joulukuuta (mikä on epätavallista verrattuna muihin maailman teattereihin) Milanon suojeluspyhimyksen Pyhän Ambroseksen päivänä ja päättyy marraskuussa. Ja jokaisen esityksen tulee päättyä ennen puoltayötä, jos ooppera on hyvin pitkä, se alkaa aikaisin.

Samara Academic Opera and Ballet Theatre on musiikkiteatteri Samarassa, Venäjällä. Samaran akateeminen ooppera- ja balettiteatteri on yksi Venäjän suurimmista musiikkiteattereista. Teatterin avajaiset pidettiin 1. kesäkuuta 1931 Mussorgskin oopperalla Boris Godunov. Sen juuret olivat merkittäviä venäläisiä muusikoita - Tanejevin ja Rimski-Korsakovin oppilas, kapellimestari ja säveltäjä Anton Eichenwald, Bolshoi-teatterin kapellimestari Ariy Pazovsky, kuuluisa venäläinen kapellimestari Isidor Zak, Bolshoi-teatterin johtaja Josif Lapitsky. Sellaiset mestarit, kuten kapellimestari Savely Bergolts, Lev Ossovsky, ohjaaja Boris Ryabikin, laulajat Aleksandr Dolsky, Ukrainan SSR:n kansantaiteilija Nikolai Poludenny, Venäjän kansantaiteilija Viktor Tšernomortsev, RSFSR:n kansantaiteilija, Bolshoi-teatterin tuleva solisti Natalia Shpiller, Lorey Shpiller ja monet muut. Balettiryhmää johti Mariinski-teatterin solisti, legendaaristen Diaghilev-kausien osallistuja Pariisissa, Jevgeni Lopukhova. Hän avasi sarjan loistavia pietarilaisia ​​koreografeja, jotka eri vuosina olivat Samaran baletin kärjessä. Samara-teatterin koreografit olivat lahjakas koreografi Natalya Danilova, Agrippina Vaganovan oppilas, legendaarinen Pietarin balerina Alla Shelest, Mariinski-teatterin solisti Igor Chernyshev, Neuvostoliiton kansantaiteilija Nikita Dolgushin. Teatteri kerää repertuaaria nopeasti. 1930-luvun tuotannossa on ooppera- ja balettiklassikoita: Tšaikovskin, Glinkan, Rimski-Korsakovin, Borodinin, Dargomyzhskin, Rossinin, Verdin, Puccinin oopperoita, Tšaikovskin, Minkuksen, Adamin baletteja. Ajan vaatimusten mukaisesti teatterissa kiinnitetään suurta huomiota nykyaikaiseen ohjelmistoon. Sotaa edeltäneenä aikana esitettiin ensimmäistä kertaa maassa A. Eichenwaldin oopperat "The Steppe", Kreitnerin "Tanya", Shebalinin "Kärkijän kesyttäminen" ja muita. Sen julisteissa on kymmeniä nimikkeitä 1700-luvun klassikoista. (Cherubinin "Medea", Cimarosan "Salainen avioliitto") ja vähän esitettyjä teoksia 1800-luvun venäläisiltä säveltäjiltä. (Rimski-Korsakovin "Servilia", Tšaikovskin "Lumoaja", Rebikovin "Elka") 1900-luvun eurooppalaiseen avantgardiin. (Von Zemlinskyn "Kääpiö", Stravinskyn "Les Noces", Busonin "Arlecchino"). Erityinen sivu teatterin elämässä on yhteistyö venäläisten nykykirjailijoiden kanssa. Erinomaiset venäläiset säveltäjät Sergei Slonimsky ja Andrei Eshpai, Tikhon Khrennikov ja Andrei Petrov uskoivat teoksensa meidän näyttämölle. Slonimin oopperan Ioann the Terriblen näyn maailmanensi-ilta, jonka 1900-luvun muusikko Mstislav Rostropovich lavastaa yhteistyössä erinomaisten näyttämömestarien, ohjaaja Robert Sturuan ja taiteilija Georgy Alexi-Meskhishvilin kanssa, muodostui merkittävä tapahtuma kauas Samaran kulttuurielämän ulkopuolella. Suuren isänmaallisen sodan alkaessa kaupungin kulttuuritilanne muuttui dramaattisesti. Lokakuussa 1941 Neuvostoliiton valtion Bolshoi-teatteri evakuoitiin Kuibysheviin / Samaraan ("varapääkaupunki"). Taiteellinen aloite siirtyy Neuvostoliiton ooppera- ja balettimaailman suurimmille mestareille. Vuosille 1941-1943 Bolshoi-teatteri esitti Samarassa 14 oopperaa ja balettia. Maailmankuulut laulajat Ivan Kozlovsky, Maxim Mihailov, Mark Reisen, Valeria Barsova, Natalia Shpiller, balerina Olga Lepeshinskaya esiintyivät Samaran lavalla, Samosud, Fayer, Melik-Pashaev johti. Kesään 1943 saakka Bolshoi-teatterin kollektiivi asui ja työskenteli Kuibyshevissä. Kiitollisena paikallisten asukkaiden avusta tänä vaikeana aikana hänen taiteilijansa tulivat Volgalle useammin kuin kerran sodan jälkeen uusilla teoksillaan sekä sodan historiallisella ohjelmistolla. Vuonna 2005, suuren isänmaallisen sodan voiton 60-vuotispäivän muistoksi, Venäjän Bolshoi-teatterin kollektiivi esitteli Samaran yleisölle uuden tapaamisen taiteensa kanssa. Kiertueet ja konsertit (Šostakovitšin baletti Kirkas virta, Mussorgskin ooppera Boris Godunov, Suuri Voiton sinfonia – Šostakovitšin seitsemäs sinfonia, puhallinsoittokunta ja oopperasolistien konsertti) olivat voittoisa menestys. Kuten Venäjän Bolšoi-teatterin pääjohtaja A. Iksanov totesi: "Nämä matkat ovat Bolshoi-teatterin koko henkilökunnalle toinen tilaisuus ilmaista syvät kiitokset Samaran asukkaille siitä, että Bolshoi-teatteri löysi toisen kodin täällä vaikeimpana sodan aikana." Samaran musiikillisen elämän huippu 1900-luvulla, todella historiallinen tapahtuma, oli Dmitri Šostakovitšin esitys Samaran oopperatalon seitsemännen ("Leningrad") sinfonian lavalla. Sota-ajan traagisia tapahtumia heijastavan suuren teoksen, joka välittää neuvostosotilaiden urotyön kaiken suuruuden, säveltäjä sai valmiiksi joulukuussa 1941 evakuoinnissa Samarassa, ja Bolshoi-teatterin orkesteri esitti Samuil Samosudin johdolla 5. maaliskuuta. , 1942. Teatteri elää intensiivistä elämää. Jälleenrakennus lähenee loppuaan, julisteeseen ilmestyy uusia nimiä, laulajat ja tanssijat voittavat arvostettuja kansainvälisiä ja koko venäläisiä kilpailuja, uusia luovia voimia tulvii ryhmään. Teatterin henkilökunta voi olla ylpeä lahjakkaiden, valoisten luovien yksilöiden keskittymisestä. Venäjän kunniataiteilijat Mihail Gubsky ja Vasily Svyatkin ovat Samara-teatterin, mutta myös Venäjän Bolshoi-teatterin ja Moskovan Novaja-oopperateatterin solisteja. Anatoli Nevdakh osallistuu Bolshoi-teatterin esityksiin, Andrey Antonov esiintyy menestyksekkäästi venäläisten ja ulkomaisten teattereiden näyttämöillä. Oopperaryhmän tason todistaa myös se, että siinä on suuri määrä "tituloituja" laulajia: 5 kansantaiteilijaa, 8 kunniataiteilijaa, 10 kansainvälisten ja koko venäläisten kilpailujen voittajaa. Ryhmässä on paljon lahjakkaita nuoria, joiden kanssa vanhempi taiteilijasukupolvi jakaa mielellään taitojensa salaisuuksia. Vuodesta 2008 lähtien teatterin balettiryhmä on nostanut rimaa merkittävästi. Teatterin kollektiivia johti Venäjän kunniataiteilija Kirill Shmorgoner, joka koristi pitkään Permin teatterin balettiryhmää. K. Shmorgoner kutsui teatteriin suuren joukon opiskelijoitaan, jotka ovat valmistuneet yhdestä maan parhaista oppilaitoksista - Permin koreografisesta koulusta. Nuoret balettitanssijat Jekaterina Pervushina ja Viktor Malygin tulivat arvostetun kansainvälisen arabeskikilpailun voittajiksi, koko ryhmä Samaran tanssijoita esiintyi menestyksekkäästi Delphic Games -festivaalilla. Teatteri on isännöinyt viime vuosina useita suuren yleisöresonanssin saaneita ensiesityksiä: Rimski-Korsakovin oopperat Mozart ja Salieri, Stravinskin Mavra, Pergolesin piikatar, Tšaikovskin Jevgeni Onegin, Verdin Rigoletto, Madame Butterfly. ”Puccinin koreografinen kantaatti” Les Noces ”Stravinsky, baletti Hertel” A Vain Precaution ”. Teatteri tekee aktiivisesti yhteistyötä näissä tuotannossa Moskovan mestareiden kanssa Bolshoi-teatterista, Novaya Operasta ja muista venäläisistä teattereista. Lapsille suunnattujen musiikkisatujen näyttämiseen kiinnitetään paljon huomiota. Konserttilavalla esiintyvät myös ooppera- ja balettitanssijat. Teatterin kiertuereittejä ovat Bulgaria, Saksa, Italia, Espanja, Kiina ja Venäjän kaupungit. Teatterin intensiivinen kiertoharjoittelu antoi Samaran alueen asukkaille mahdollisuuden tutustua uusimpiin teoksiin. Festivaalit ovat valoisa sivu teatterin elämässä. Niitä ovat klassisen balettifestivaali Alla Shelest, kansainvälinen festivaali "XXI vuosisadan bassot", "Viisi iltaa Togliatissa", oopperataiteen festivaali "Samara Spring". Teatterin festivaalialoitteiden ansiosta Samaran katsojat pääsivät tutustumaan kymmenien venäläisen ja ulkomaisen ooppera- ja balettitaiteen suurimpien mestareiden taiteeseen. Teatterin luoviin suunnitelmiin kuuluvat oopperan "Prinssi Igor" esitykset, baletit "Don Quijote", "Prinsessa oleva kaunotar". 80-vuotisjuhlaan mennessä teatteri aikoo esittää Mussorgskin oopperan Boris Godunov, jolloin se palaa alkuperäiseen historiansa uuteen vaiheeseen. Kaupungin keskusaukiolla kohoaa massiivinen harmaa rakennus - taidekriitikkojen mielipiteiden mukaan "myöhäisen" pilonaadityylisen suurenmoinen monumentti "johon on lisätty brutaaleja klassikoita", "ilmevä esimerkki 30-luvun arkkitehtuurista" ”. Projektin kirjoittajat ovat Leningradin arkkitehdit N.A. Trotski ja N.D. Katselenegbogen, joka voitti kilpailun Kulttuuripalatsin perustamisesta vuonna 1935. Teatteri sijaitsi rakennuksen keskiosassa. Vasemmassa siivessä oli jonkin aikaa maakuntakirjasto, oikeassa siivessä urheilukoulu ja taidemuseo. Vuonna 2006 aloitettiin rakennuksen jälleenrakennustyöt, jotka vaativat urheilukoulun ja museon häätöä. Vuoteen 2010, teatterin juhlakauteen mennessä, jälleenrakennus valmistui. Lähde: Samaran ooppera- ja balettiteatterin virallinen verkkosivusto

Mariinski-teatteri on ooppera- ja balettiteatteri Pietarissa, Venäjällä. Vuonna 1860 avattu erinomainen venäläinen musiikkiteatteri. Sen lavalla kantaesitettiin Tšaikovskin, Mussorgskin, Rimski-Korsakovin ja monien muiden säveltäjien mestariteoksia. Mariinski-teatterissa toimivat ooppera- ja balettiryhmät sekä Mariinski-teatterin sinfoniaorkesteri. Taiteellinen johtaja ja ylikapellimestari Valeri Gergiev. Yli kahden vuosisadan historiansa aikana Mariinski-teatteri on esittänyt maailmalle monia mahtavia taiteilijoita: täällä palveli erinomainen basso, venäläisen esiintyvän oopperakoulun perustaja Osip Petrov, suuria laulajia kuten Fjodor Chaliapin, Ivan Ershov, Medea ja Nikolai Figner hioi heidän taitojaan ja saavutti maineen huiput. , Sophia Preobrazhenskaya. Balettitanssijat loistivat lavalla: Matilda Kshesinskaya, Anna Pavlova, Vaclav Nijinsky, Galina Ulanova, Rudolf Nurejev, Mihail Baryshnikov, George Balanchine aloitti uransa taiteessa. Teatteri on todistanut loistavien sisustajien, kuten Konstantin Korovinin, Alexander Golovinin, Alexander Benoisin, Simon Virsaladzen, Fjodor Fedorovskin, lahjakkuutta. Ja monet, monet muut. On pitkä perinne, että Mariinski-teatteri ylläpitää sukututkimusta, joka laskee vuosisadan vuodesta 1783, jolloin heinäkuun 12. päivänä annettiin asetus teatterikomitean hyväksymisestä "esityksiä ja musiikkia hallinnoimaan", ja 5. lokakuuta Bolshoi Kamenny -teatteri Karuselliaukio avattiin juhlallisesti. Teatteri antoi aukiolle uuden nimen - se on säilynyt tähän päivään saakka nimellä Teatralnaya. Antonio Rinaldin hankkeen mukaan rakennettu Bolshoi-teatteri hämmästytti mielikuvitusta koolla, majesteettisella arkkitehtuurilla, näyttämöllä, joka oli varustettu tuon ajan uusimmalla teatteritekniikalla. Sen avajaisissa esitettiin Giovanni Paisiellon ooppera Il Mondo della luna ("Kuun maailma"). Venäläinen ryhmä esiintyi täällä vuorotellen italialaisten ja ranskalaisten kanssa, oli dramaattisia esityksiä, myös laulu- ja instrumentaalikonsertteja. Pietari oli rakenteilla, sen ulkonäkö muuttui jatkuvasti. Vuosina 1802-1803 Thomas de Thomon, loistava arkkitehti ja piirtäjä, suoritti suuren uudelleenjärjestelyn teatterin sisäisessä layoutissa ja sisustuksessa, muutti huomattavasti sen ulkonäköä ja mittasuhteita. Uudesta, seremoniallisesta ja juhlavasta ilmeestä Bolshoi-teatterista tuli yksi Nevan pääkaupungin arkkitehtonisista maamerkeistä, Admiralty, pörssi ja Kazanin katedraali. Kuitenkin yönä 1. tammikuuta 1811 Bolshoi-teatterissa syttyi valtava tulipalo. Kahdessa päivässä teatterin runsas sisustus tuhoutui tulipalossa ja sen julkisivu vaurioitui pahoin. Thomas de Thomon, joka laati projektin rakkaan aivolapsensa palauttamiseksi, ei nähnyt sen toteutumista. 3. helmikuuta 1818 uudelleen avattu Bolshoi-teatteri avattiin uudelleen prologilla Apollo ja Pallas pohjoisessa sekä Charles Didlotin baletilla Zephyr ja Flora säveltäjä Catarino Cavosin musiikkiin. Olemme lähestymässä Bolshoi-teatterin "kulta-aikaa". Tulipalon jälkeisen aikakauden ohjelmistoon kuuluvat Mozartin "Taikahuilu", "Seraglion sieppaus", "Tituksen armo". Rossinin Tuhkimo, Semiramis, Varas Harakka ja Sevillan parturi kiehtovat Venäjän yleisöä. Toukokuussa 1824 sai ensi-iltansa Weber's Free Shooter, teos, joka merkitsi niin paljon venäläisen romanttisen oopperan syntymiselle. Aljabjevin ja Verstovskin Vaudeville-näytelmiä; Yksi rakastetuimmista ja ohjelmistooopperoista on Cavosin Ivan Susanin, joka jatkui Glinkan samaa aihetta käsittelevän oopperan ilmestymiseen asti. Venäläisen baletin maailmankuulun synty liittyy legendaariseen Charles Didlot -hahmoon. Juuri näinä vuosina Pushkinista tuli vakituinen Pietarin Bolshoi, joka kuvasi teatteria kuolemattomassa runoudessa. Vuonna 1836 arkkitehti Alberto Cavosin, säveltäjän ja bändimestarin pojan, akustiikan parantamiseksi teatterisalin kupolikatto korvattiin litteällä ja sen yläpuolella oli taidepaja, maalaussali. koristeet. Alberto Cavos poistaa katsomossa näkyvyyttä haittaavat ja akustiikkaa vääristäneet pylväät, antaa auditoriolle tutun hevosenkengän muodon, kasvattaa sen pituutta ja korkeutta ja nostaa katsojamäärän kahteentuhanteen. 27. marraskuuta 1836 Glinkan oopperan Elämä tsaarille ensiesitys aloitti uudelleen rakennetun teatterin esitykset. Sattumalta, tai ehkä ei ilman hyvää tarkoitusta, Glinkan toisen oopperan Ruslan ja Ljudmila ensi-ilta tapahtui tasan kuusi vuotta myöhemmin, 27. marraskuuta 1842. Nämä kaksi päivämäärää olisivat riittäneet, jotta Pietarin Bolshoi-teatteri pääsisi ikuisesti venäläisen kulttuurin historiaan. Mutta tietysti oli myös eurooppalaisen musiikin mestariteoksia: Mozartin, Rossinin, Bellinin, Donizettin, Verdin, Meyerbeerin, Gounodin, Aubertin, Thomin oopperoita ... Ajan myötä venäläisen oopperayhtiön esitykset siirrettiin lavalle. Aleksandrinski-teatterista ja Bolshoia vastapäätä sijaitsevasta niin sanotusta Sirkusteatterista (jossa balettiryhmän ja italialaisen oopperan esitykset jatkuivat). Kun Sirkusteatteri paloi vuonna 1859, sama arkkitehti Alberto Cavos rakensi sen tilalle uuden teatterin. Hän sai nimen Mariinsky hallitsevan keisarinna Maria Aleksandrovnan, Aleksanteri II:n vaimon, kunniaksi. Aivan ensimmäinen teatterikausi uudessa rakennuksessa avattiin 2.10.1860 Glinkan oopperalla Elämä tsaarille, jota johti venäläisen oopperan ylikapellimestari Konstantin Ljadov, tulevan kuuluisan säveltäjän Anatoli Ljadovin isä. Mariinski-teatteri on lujittanut ja kehittänyt ensimmäisen venäläisen musiikkiskenen suuria perinteitä. Kun Konstantin Ljadovin tilalle ylikapellimestariksi tuli vuonna 1863 Eduard Napravnik, alkoi teatterin historian loistavin aikakausi. Napravnikin Mariinski-teatterille antama puoli vuosisataa leimasi venäläisen musiikin historian merkittävimpien oopperoiden ensi-illan. Mainitaan vain muutamia niistä - Mussorgskin "Boris Godunov", "Pihkovalainen nainen", "Toukokuun yö", Rimski-Korsakovin "Lumineito", Borodinin "Prinssi Igor", "Orleansin piika", "Lumootti", "Patakuningatar", "Iolanta "Tšaikovski", "Demoni" Rubinsteinin, Oresteya "Taneev. 1900-luvun alussa teatterin ohjelmistoon kuuluvat Wagnerin oopperat (mm. tetralogia Der Ring des Nibelungen), Richard Straussin Elektra, Rimski-Korsakovin Legenda Kitezhin näkymättömästä kaupungista ja Mussorgskin Khovanshchina. Teatterin balettiryhmän johtaja vuonna 1869 Marius Petipa jatkoi edeltäjiensä Jules Perrotin ja Arthur Saint-Léonin perinteitä. Petipa säilytti kiihkeästi sellaisia ​​klassisia esityksiä kuin Giselle, Esmeralda, Le Corsaire, alistaen ne vain huolelliseen editointiin. Hänen ensimmäistä kertaa esittämä "La Bayadere" toi balettilavalle suuren koreografisen sävellyksen hengen, jossa "tanssista tuli kuin musiikkia". Petipan onnellinen tapaaminen Tšaikovskin kanssa, joka väitti, että "baletti on sama sinfonia", johti Prinsessan kaunotarin, aidon musiikillisen ja koreografisen runon syntymiseen. Pähkinänsärkijän koreografia syntyi Petipan ja Lev Ivanovin yhteistyössä. Tšaikovskin kuoleman jälkeen Joutsenjärvi löysi toisen elämän Mariinski-teatterin lavalla - ja jälleen Petipan ja Ivanovin yhteisessä koreografiassa. Petipa vahvisti mainetta koreografi-sinfonistina tuottamalla Glazunovin baletin Raymonda. Hänen innovatiivisia ideoitaan omaksui nuori Mihail Fokin, joka esitti Tšerepninin Armidan paviljongin, Saint-Saensin Joutsenen, Chopinin Chopinin Chopinin sekä Pariisissa Rimski-Korsakovin musiikkiin luodut baletit Scheherazade Mariinski-teatterissa." Tulilintu" ja Stravinskyn "Petrushka". Mariinski-teatteria on kunnostettu useita kertoja. Vuonna 1885, kun suurin osa esityksistä siirrettiin Mariinski-lavalle ennen Bolshoi-teatterin sulkemista, keisarillisten teattereiden pääarkkitehti Viktor Shreter lisäsi rakennuksen vasempaan siivekkeeseen kolmikerroksisen rakennuksen teatterityöpajoja varten. harjoitushuoneet, voimalaitos ja kattilahuone. Vuonna 1894 Schroeterin johdolla puiset kattopalkit korvattiin teräksellä ja teräsbetonilla, lisättiin sivusiivet ja laajennettiin katsomoa. Myös pääjulkisivua on kunnostettu, ja se on saanut monumentaalisen muodon. Vuonna 1886 Bolshoi Stone -teatterin näyttämöllä jatkuneet balettiesitykset siirrettiin Mariinski-teatteriin. Ja Bolshoi Kamennyn paikalle pystytettiin Pietarin konservatorion rakennus. Hallituksen 9. marraskuuta 1917 antamalla asetuksella Mariinski-teatteri julistettiin osavaltioksi ja siirrettiin koulutuksen kansankomissariaatin toimivaltaan. Vuonna 1920 sitä alettiin kutsua valtion akateemiseksi ooppera- ja balettiteatteriksi (GATOB), ja vuonna 1935 se nimettiin S. M. Kirovin mukaan. Viime vuosisadan klassikoiden rinnalla teatterin näyttämölle 1920-luvulla ja 1930-luvun alussa nousivat modernit oopperat - Sergei Prokofjevin Rakkaus kolmeen appelsiiniin, Alban Bergin Wozzeck, Richard Straussin Salome ja Der Rosenkavalier; syntyy baletteja, jotka vahvistavat vuosikymmeniä suosittua uutta koreografista suuntaa, niin kutsuttu rumpubaletti - Reingold Glierin "Punainen unikko", Boris Asafjevin "Pariisin liekki" ja "Bahchisarai-suihkulähde", Alexanderin "Laurencia" Crane, Sergei Prokofjevin "Romeo ja Julia" jne. Kirov-teatterin viimeinen sotaa edeltävä oopperan ensi-ilta oli Wagnerin Lohengrin, jonka toinen esitys päättyi myöhään 21.6.1941 myöhään illalla, mutta esitykset ajoittuivat kesäkuulle 24 ja 27 korvattiin Ivan Susaninilla. Suuren isänmaallisen sodan aikana teatteri evakuoitiin Permiin, jossa pidettiin useiden esitysten ensi-ilta, mukaan lukien Aram Khachaturianin baletin Gayane ensi-ilta. Palattuaan Leningradiin teatteri avasi kauden 1.9.1944 Glinkan oopperalla Ivan Susanin. 50-70 luvulla. teatteri esitti sellaisia ​​kuuluisia baletteja kuin Farid Yarullinin Shurale, Aram Hatšaturjanin Spartacus ja Boris Tištšenkon Twelve, koreografi Leonid Jakobson, Kivikukka Sergei Prokofjevin ja Arif Melikovin Legenda rakkaudesta, koreografi: Juri Grirad Sygorovitš. Dmitri Šostakovitš koreografi Igor Belsky, kun uusia baletteja lavastettiin, baletin klassikot säilytettiin huolellisesti teatterin ohjelmistossa. Oopperaohjelmistossa esiintyi Tšaikovskin, Rimski-Korsakovin, Mussorgskin, Verdin, Bizet'n ohella Prokofjevin, Dzeržinskin, Shaporinin, Khrennikovin oopperoita. Vuosina 1968-1970. Salome Gelferin hankkeen mukaan tehtiin teatterin yleinen saneeraus, jonka seurauksena rakennuksen vasen siipi "pidentyi" ja sai nykyisen ilmeensä. Tärkeä vaihe teatterin historiassa 1980-luvulla oli vuonna 1976 teatteria johtaneen Juri Temirkanovin näyttämö Tšaikovskin oopperoiden Jevgeni Onegin ja Patakuningatar esitykset. Näissä teatterin ohjelmistossa edelleen säilyneissä tuotannossa on julistautunut uusi taiteilijoiden sukupolvi. Vuonna 1988 Valeri Gergievistä tuli teatterin ylikapellimestari. 16. tammikuuta 1992 teatteri palautettiin historialliseen nimeensä - Mariinsky. Ja vuonna 2006 teatterin ryhmä ja orkesteri saivat käyttöönsä konserttisalin osoitteessa Dekabristov-katu 37, joka rakennettiin Mariinsky-teatterin taiteellisen johtajan ja johtajan Valeri Gergievin aloitteesta.