Ulkomaiden musiikkikirjallisuus musiikkikouluille. T

(arviot: 3 , keskimääräinen: 3,67 pois 5)

Otsikko: Ulkomaiden musiikkikirjallisuus

Tietoja kirjasta "Ulkomaiden musiikillinen kirjallisuus" I. A. Prokhorov

I. Prokhorovan kokoama oppikirja "Ulkomaiden musiikkikirjallisuus" on tarkoitettu itsenäiseen tutkimukseen. Tämä selittää materiaalin esityksen tiiviyden ja saavutettavuuden.

Kirja "Ulkomaiden musiikkikirjallisuus" tutustuttaa opiskelijat lyhyisiin elämäkertoihin ja kuuluisien säveltäjien parhaisiin teoksiin. Lapset voivat oppia sellaisten nerojen elämästä ja työstä kuin I.S. Bach, J.Haydn, V.A. Mozart, L. Beethoven, F. Schubert ja F. Chopin. I. Prokhorova ei kuvaillut liian yksityiskohtaisesti lahjakkaiden säveltäjien tarinoita, oppikirjasta löydät elämän tärkeimmät päivämäärät, alkuperän, nimet ja otsikot, toiminta -alan, ammatinvalintaan vaikuttaneet olosuhteet. Kirja kertoo muusikoiden elämän ja työn päävaiheista, heidän yhteiskunnallis-poliittisista näkemyksistään.

Julkaisu "Ulkomaiden musiikkikirjallisuus" on tarkoitettu musiikkikoulujen opiskelijoille, mutta jokainen, joka ei ole välinpitämätön klassisille teoksille, löytää tästä kirjasta jotain mielenkiintoista. I. Prokhorovan tekstiä rikastettiin joidenkin musiikillisten ja musiikin ulkopuolisten käsitteiden selityksillä, mikä tekee siitä vähemmän akateemisen. Muusikkojen elämää kuvaava osa esitetään tuon ajan Euroopan maiden historiallisen ja kulttuurisen elämän yhteydessä. Tämä antaa opiskelijoille mahdollisuuden saada syvempi ja laajempi käsitys olosuhteista, joissa legendaariset säveltäjät asuivat ja työskentelivät.

Koska kirja "Ulkomaiden musiikkikirjallisuus" on tarkoitettu kotikäyttöön, kaikki siinä olevat sinfoniset teokset tarjotaan neljän käden järjestelyssä. On syytä huomata, että tarina Bachin työstä, jota ohjelman mukaan tutkitaan vuoden lopussa, julkaistaan ​​alussa. Kirjoittaja otti tällaisen askeleen esityksen kronologian säilyttämiseksi.

Kirjan kirjoittaja on vakuuttunut siitä, että oppikirjan säännöllinen käyttö herättää opiskelijoiden maun itsenäiseen tutustumiseen suosittuun ja tieteelliseen musiikkikirjallisuuteen. Lisäksi lapset voivat kehittää ja vahvistaa näkökykyään sekä tottua esiintymään neljässä kädessä.
Kun opit kuuluisia kappaleita itse, voit suorittaa niitä oppitunneilla muiden lasten läsnä ollessa, mikä tekee ryhmäoppitunnista aktiivisempia ja parantaa merkittävästi klassisen musiikin käsitystä.

Kirjoja käsittelevältä verkkosivustoltamme lifeinbooks.net voit ladata ilmaiseksi ilman rekisteröitymistä tai lukea I. A. Prokhorovin online -kirjan "Ulkomaiden musiikkikirjallisuus" epub-, fb2-, txt-, rtf-, pdf -muodossa iPadille, iPhonelle, Androidille ja Kindlelle. Kirja antaa sinulle paljon miellyttäviä hetkiä ja todellista nautintoa lukemisesta. Voit ostaa täyden version kumppaniltamme. Täältä löydät myös viimeisimmät uutiset kirjallisesta maailmasta, selvitä suosikkikirjailijoiden elämäkerta. Aloittelijoille on erillinen osio, jossa on hyödyllisiä vinkkejä ja temppuja, mielenkiintoisia artikkeleita, joiden ansiosta voit itse kokeilla kirjallista taitoa.

HANKINTALAISILTA
Tämä kirja on oppikirja musiikkikirjallisuudesta historialliselta ajalta, joka alkaa 1800 -luvun viimeisiltä vuosikymmeniltä. Tällainen oppikirja ilmestyy ensimmäistä kertaa: viides numero päättyy, kuten tiedätte, K. Debussyn ja M. Ravelin teoksiin.
Kirja sisältää eri kansallisten musiikkikoulujen ominaisuudet, jotka määrittivät sen yleisen rakenteen. Ensimmäisessä osassa kuvataan yleiset prosessit, jotka on toteutettu omalla tavallaan eri maiden musiikkitaiteessa ja eri henkilöiden säveltäjien työssä. Jokainen seuraava osa koostuu yleiskatsauksesta tietyn maan musiikkikulttuurista sekä monografisesta osasta, joka on omistettu tämän koulun merkittävimpien säveltäjien teoksille. Ainoastaan ​​I. Stravinskyn työlle omistettu osa eroaa rakenteeltaan: se ei sisällä johdantoarvostelua. Ja tämä on ymmärrettävää: loppujen lopuksi Stravinsky, joka oli viettänyt suurimman osan elämästään Venäjän ulkopuolella erityisten olosuhteiden vuoksi, pysyi venäläisenä mestarina eikä kuulunut mihinkään ulkomaisiin kouluihin. Hänen luovien periaatteidensa ratkaiseva vaikutus lähes kaikkiin vuosisatamme johtaviin muusikoihin ei salli Stravinskyn poistamista yleiskuvasta musiikkitaiteen kehityksestä 1900 -luvulla. Tämän monografisen luvun sisällyttäminen ulkomaisen musiikkikirjallisuuden oppikirjaan johtuu myös koulun opetussuunnitelman erityispiirteistä: 1900 -luvun ulkomaisen musiikin opiskeluun mennessä opiskelijat eivät tunne lainkaan persoonallisuutta tai I. Stravinskyn musiikki. He kääntyvät tälle musiikkitaiteen sivulle vasta neljännen vuoden lopussa, jolloin tarkastellaan vain säveltäjän työn ensimmäistä venäläistä ajanjaksoa.

Oppikirjan laatijoiden ja kirjoittajien huomio keskittyy sekä tarkasteltavan ajanjakson yleisten musiikillisten ja historiallisten prosessien esittämiseen että vuosisatamme klassikoiksi nousseiden merkittävimpien teosten analysointiin. Kun otetaan huomioon 1900 -luvun musiikkitaiteen tapahtumien poikkeuksellinen monimutkaisuus, niiden epäjohdonmukaisuus, risteykset ja nopea muutos, tarkasteluluvuilla oli tässä kirjassa paljon suurempi paikka kuin aiemmissa numeroissa. Siitä huolimatta aineiston metodologisten periaatteiden mukaisesti kokoajat pyrkivät pitämään huomion keskipisteenä musiikkiteosten analyysin, joka tässä tapauksessa on suunniteltu paljastamaan luovien menetelmien, ajattelutapojen, erilaisten tyylillisten ratkaisujen ja vuosisadan mestarien lukuisia sävellystekniikoita.

Ottaen huomioon, että kirja tarjoaa laajan panoraaman musiikkitaiteesta, analyysi on monissa tapauksissa hyvin monimutkainen (mikä riippuu suurelta osin itse materiaalista), koostajat pitävät mahdollisena osoittaa tämä oppikirja oppilaille, jotka eivät vain esitä mutta myös musiikkikoulujen teoreettiset osastot. Kirjan sisältö mahdollistaa valikoivan lähestymistavan siihen opetusprosessissa; lukujen tutkimuksen syvyyden ja yksityiskohtaisuuden määräävät opettajat itse, riippuen oppilaiden valmiustasosta, koulutusprosessin materiaalivälineistä muistiinpanoilla ja musiikkitallenteilla sekä tämän osan opetussuunnitelman osoittamien tuntien määrästä kurssista.
Suuri joukko kirjoittajia on työskennellyt tämän kirjan parissa. Näin ollen - materiaalin eri esittämistapojen väistämättömyys; Samaan aikaan kokoajat pyrkivät säilyttämään yhtenäiset metodologiset periaatteet juuri siinä lähestymistavassa.

SISÄLTÖ
Kääntäjiltä
Ulkomaisen musiikkitaiteen kehittämistavat XX vuosisadalla.
Itävallan musiikkikulttuuri
GUSTAV MALER
Laulu luovuus. "Vaeltavan oppipoikan laulut"
Sinfoninen luovuus. Ensimmäinen sinfonia
ARNOLD SCHENBERG
Elämä ja luova polku
"Varsovan selviytynyt"
ALBAN BERG
Elämä ja luova polku
Musiikillinen draama "Wozzeck"
Konsertto viululle ja orkesterille
ANTON WEBERN.
Elämä ja luova polku
Musiikkikulttuuri Saksassa
RICHARD STRAUSS
Elämä ja luova polku
Sinfoninen luovuus. Sinfoniset runot "Don Juan" ja "Till Ulenspiegel"
PAUL HINDEMIT
Elämä ja luova polku
Sinfoninen luovuus. Sinfonia "Taiteilija Mathis".
CARL ORF
Elämä ja luova polku
Karl Orffin työn päälajit ja niiden piirteet.
Ooppera "Taitava tyttö"
"Carmina Burana"
IGOR STRAVINSKY
Elämä ja luova polku
"Psalmien sinfonia"
Ooppera "Oidipus kuningas"
Ranskan musiikkikulttuuri.
ARTHUR ONEGGER
Elämä ja luova polku
Teatterinen ja oratorinen luovuus. Oratorio "Jeanne d" Arc vaakalaudalla "
Sinfoninen luovuus. Kolmas sinfonia ("liturginen")
DARIUS MILLO
Elämä ja luova polku
Laulu ja instrumentaali, luovuus. "Palolinna"
FRANCIS PULENCK
Elämä ja luova polku
Ooppera "Ihmisen ääni"
Espanjan musiikkikulttuuri
MANUEL DE FALLA
Elämä ja luova polku
Baletti "Rakasta lumousta"
Ooppera "Lyhyt elämä"

Musiikkikirjasto Olemme iloisia, että olet löytänyt ja ladannut sinua kiinnostavat materiaalit musiikkikirjastostamme. Kirjastoa päivitetään jatkuvasti uusilla teoksilla ja materiaaleilla, ja seuraavalla kerralla löydät varmasti jotain uutta ja mielenkiintoista sinulle. Projektikirjasto valmistuu opetussuunnitelman sekä opettamiseen ja opiskelijoiden näköalojen laajentamiseen suositeltujen materiaalien perusteella. Sekä opiskelijat että opettajat löytävät täältä hyödyllistä tietoa. kirjasto sisältää myös metodologista kirjallisuutta. Lemmikkimme Säveltäjät ja esiintyjät Nykytaiteilijat Täältä löydät myös elämäkertoja merkittävistä taiteilijoista, säveltäjistä, kuuluisista muusikoista sekä heidän teoksistaan. Teoksen osiossa julkaisemme tallenteita esityksistä, jotka auttavat sinua oppimaan, kuulet miltä tämä työ kuulostaa, aksentteja ja työn vivahteita. Odotamme sinua osoitteessa classON.ru. V.N. Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 - 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 - 1791 Franz Schubert 1797 - 1828 www.classON.ru Joseph Haydn 1732 - 1809 Ludwig van Beethoven 1770 - 1827 Frederic Chopin 1810 - 1949 Lastenopetus venäläisen taiteen alalla hänestä tulee yhä runsaammaksi noin X vuosisadalta eaa. Kuvataide kehittyy - ja taiteilijat kuvaavat muusikoita, jotka seuraavat uskonnollisia seremonioita, sotilaskampanjoita, metsästystä, juhlallisia kulkueita ja tansseja laulaen ja soittamalla soittimia. Tällaisia ​​kuvia on säilynyt erityisesti kaivausten aikana löydettyjen temppeleiden ja keraamisten maljakoiden seinillä. Kirjoittaminen ilmestyy - ja käsikirjoitusten tekijät esittävät niihin runollisia kappaleiden ja virsien tekstejä ja antavat mielenkiintoista tietoa musiikillisesta elämästä. Ajan myötä kirjailijat kiinnittävät paljon huomiota filosofisiin keskusteluihin musiikista, sen tärkeästä sosiaalisesta, myös kasvatuksellisesta roolista, sekä kielen elementtien teoreettiseen tutkimukseen. Suurin osa tällaisista tiedoista on säilynyt musiikista joissakin muinaisen maailman maissa, esimerkiksi muinaisessa Kiinassa, muinaisessa Intiassa, muinaisessa Egyptissä, erityisesti niin sanotuissa muinaisissa maissa - muinaisessa Kreikassa ja muinaisessa Roomassa, joissa Euroopan kulttuuri asetettiin 2. Johdanto Musiikkia muinaisista ajoista JS Bachiin Rakkaat kaverit! Sinulla oli jo musiikkikirjallisuuden oppitunteja viime vuonna. He puhuivat musiikkikielen pääelementeistä, joistakin musiikkimuodoista ja -lajeista, musiikin ilmeikkäistä ja kuvallisista mahdollisuuksista, orkesterista. Samaan aikaan keskustelu käytiin vapaasti eri aikakausista - nyt antiikista, nyt nykyajasta ja sitten paluusta kaivoihin, jotka ovat vähemmän tai kauempana meistä. Ja nyt on aika tutustua musiikkikirjallisuuteen kronologisesti peräkkäisessä - historiallisessa - järjestyksessä1. Tietoja musiikista muinaisessa Kreikassa Millä tavoin tieto muinaisen maailman musiikista tuli meille? Vakuuttava todiste antiikin suuresta kulttuuri- ja historiallisesta roolista on se, että muinaisessa Kreikassa syntyi julkinen urheilu VIII vuosisadalla eKr. Olympialaiset. Ja kaksi vuosisataa myöhemmin siellä järjestettiin musiikkikilpailuja - Pythian Games, jota voidaan pitää nykyaikaisten kilpailujen kaukaisina esi -isinä. Pythian -pelit pidettiin temppelissä, joka rakennettiin taiteen suojeluspyhimyksen, auringon ja valon jumalan Apollon kunniaksi. Myyttien mukaan hän, voitettuaan hirvittävän käärme Pythonin, perusti nämä pelit itse. Tiedetään, että kun Argosin Saccadus voitti heidät, he soittivat aulosilla, puhallinsoittimella lähellä oboa, ohjelmakappale Apollon taistelusta Pythonin kanssa. Antiikin kreikkalaisella musiikilla oli ominainen yhteys runouteen, tanssiin , ja teatteri. Sankarilliset eeppiset runot "Iliad" ja "Odyssey", jotka kuuluivat legendaariselle runoilijalle Homerille, olivat naraspevia. Laulajat olivat yleensä, kuten mytologinen Orpheus, sekä runollisen tekstin että musiikin kirjoittajia, ja he itse seurasivat lyyrää. Juhlassa esitettiin kuorotanssikappaleita pantomiimieleillä. Muinaisen Kreikan tragedioissa ja komedioissa kuorolla oli suuri rooli: hän kommentoi toimintaa ja ilmaisi asenteensa. Kaivaessaan arkeologiset tutkijat löysivät yksinkertaisimmat soittimet (esimerkiksi puhallinsoittimet - eläinten luut, joissa on porattuja reikiä) ja päätti, että ne tehtiin noin neljäkymmentä tuhatta vuotta sitten. Näin ollen musiikkitaide oli jo silloin olemassa. Fonografin jälkeen, ensimmäinen laite äänen mekaaniseen tallentamiseen ja toistamiseen, keksittiin vuonna 1877. Tällaisten heimojen edustajilta he äänittivät fonografin avulla näytteitä laulu- ja instrumentaalimusiikista. Mutta tällaiset tallenteet antavat tietysti vain karkean käsityksen siitä, millaista musiikki oli muinaisina aikoina. Sana "kronologia" (se tarkoittaa "historiallisten tapahtumien järjestystä ajassa") tulee kahdesta kreikkalaisesta sanasta - "chronos" ("aika") ja "logos" ("opetus"). 1 Latinalainen sana "antiguus" tarkoittaa "muinaista". Siitä johdettu määritelmä "antiikki" viittaa antiikin Kreikan ja antiikin Rooman historiaan ja kulttuuriin. 2 2 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla sankareiden tekoihin. Nykyaikaisilla musiikkitieteilijöillä on jonkin verran tietoa muinaisen maailman musiikista, mutta he kadehtivat kuitenkin muiden taiteiden historioitsijoita. Monista muinaisen arkkitehtuurin upeista muistomerkeistä, muinaisista kuvataiteista, etenkin veistoksista, on säilynyt monia käsikirjoituksia, jotka sisältävät suurten muinaisten näytelmäkirjailijoiden tragedioita ja komedioita. Mutta samana aikakautena ja vielä paljon myöhemmin syntyneet musiikkiteokset ovat meille olennaisesti tuntemattomia. Miksi se tapahtui? Tosiasia on, että osoittautui erittäin vaikeaksi keksiä riittävän tarkka ja kätevä noottijärjestelmä (notaatio), jonka kukin teistä hallitsi juuri oppiessaan musiikkia. Sen ratkaiseminen kesti monta vuosisataa. Totta, muinaiset kreikkalaiset keksivät kirjainmerkinnät. He nimittivät musiikkitilojen asteet tietyillä aakkosten kirjaimilla. Mutta rytmisiä merkkejä (viivoista) ei aina lisätty. Vasta 1800 -luvun puolivälissä jKr tutkijat lopulta selvittivät tämän merkinnän salaisuudet. Kuitenkin, jos he pystyivät tulkitsemaan tarkasti äänien suhteen äänenkorkeudessa muinaisen kreikkalaisen musiikin käsikirjoituksissa, niin kestosuhde on vain likimääräinen. Itse asiassa tällaisia ​​käsikirjoituksia on löydetty hyvin vähän, ja ne sisältävät tallenteita vain muutamasta monofonisesta teoksesta (esimerkiksi virsistä) ja useimmiten niiden otteista. riittävä selkeys. Siksi muusikot ovat jo pitkään käyttäneet apukuvakkeita. Nämä kuvakkeet asetettiin laulujen sanojen yläpuolelle ja merkitsivät joko yksittäisiä ääniä tai pieniä ryhmiä. Ne eivät ilmoittaneet äänten tarkkaa suhdetta, joko sävelkorkeudessa tai kestossa. Mutta tyylillään he muistuttivat esiintyjiä melodialiikkeen suunnasta, joka tiesi sen ulkoa ja välitti sen sukupolvelta toiselle. Länsi- ja Keski -Euroopan maissa, joiden musiikista keskustellaan tulevaisuudessa tässä oppikirjassa, tällaisia ​​merkkejä kutsuttiin nimiksi. Nevmaa käytettiin muinaisen katolisen liturgisen laulun - gregoriaanisen laulun - tallennuksessa. Tämä yleinen nimi on johdettu paavi Gregorius I3: n nimestä. Legendan mukaan hän kokosi 6. vuosisadan lopussa näiden monofonisten laulujen pääkokoelman. Suunniteltu suoritettavaksi vain jumalanpalvelusten aikana vain miehille ja pojille - yksin ja yhdessä kuorossa, ne on kirjoitettu latinalaisin rukoustekstein. Gregoriaanisen laulun varhaisia ​​häiriöitä ei voida tulkita. Mutta 11. vuosisadalla italialainen munkki Guido d'Arezzo ("Arezzosta") keksi uuden merkintätavan. Hän opetti laulavapoikia luostarissa ja halusi helpottaa hengellisten laulujen muistamista. Tämä rivi vastasi yhden äänen ja vahvisti näin äänityksen likimääräisen korkeustason. Näin syntyi esi -isästä nykyaikainen musiikkihenkilöstö - eräänlainen tiukasti vuorattu kangas, jonka avulla voitiin ilmaista tarkasti äänien korkeussuhde sävyissä ja puolisävyissä. Ja samalla nuotista tuli visuaalisempi - piirustus, joka kuvaa melodian liikettä, sen mutkia. Hallitsijoita vastaavat äänet, Guido merkitsi latinalaisilla kirjaimilla suunnitelmiaan ja alkoi muuttua ja muuttui lopulta avaimiksi kutsutuiksi merkeiksi. "Istuen alas" hallitsijoiden päälle ja heidän välilleen, ne muuttuivat ajan myötä erillisiksi nuotteiksi, joiden päät olivat aluksi neliöiden muotoisia. Kysymykset ja tehtävät 1. Milloin tutkijoiden mukaan vanhimmat soittimet valmistettiin? Mitä tämä tarkoittaa? 2. Mikä on äänite, milloin se keksittiin ja miten tutkijat alkoivat käyttää sitä? 3. Minkä antiikin maailman maiden musiikista on säilytetty eniten tietoa? Määritä kartalla - minkä meren ympärillä kolme tällaista maata sijaitsi. 4. Milloin ja mistä antiikin musiikkikilpailut - Pythian Games - alkoivat? 5. Mihin taiteisiin musiikki liittyi läheisesti muinaisessa Kreikassa? 6. Mitä merkintöjä muinaiset kreikkalaiset keksivät? Missä se on epätarkkaa? Arvon "paavi" kantaa pappi, joka johtaa katolista kirkkoa kansainvälisenä henkisenä järjestönä. Katolisuus on yksi kristillisistä uskonnoista ortodoksisuuden ja protestantismin ohella. 4 Muinaiset roomalaiset puhuivat latinaa. Rooman valtakunnan kaatumisen jälkeen vuonna 476 latina lakkasi vähitellen puhumasta. Häneltä tuli niin sanotut romantiikan kielet- italia, ranska, espanja, portugali. 3 Kuinka kätevä merkintä luotiin keskiajalla (tämän historiallisen ajanjakson alkua pidetään 6. vuosisadalla jKr.), Kirjainmerkintä oli melkein unohdettu. Siihen ei sisältynyt 3 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Huhut uudesta merkinnätavasta - aivan kuten jonkinlainen ihme - saavuttivat paavi Johannes XIX. Hän kutsui Guidon ja lauloi tuntemattoman melodian keksitusta tallenteesta. Myöhemmin rinnakkaisten viivojen määrää muutettiin monta kertaa, se tapahtui - jopa kasvoi kahdeksantoista. Vain 1600-luvun loppuun mennessä nykyinen viiden rivin henkilöstö "voitti". Käytettiin myös monia erilaisia ​​avaimia. Vasta 1800 -luvulla diskantti- ja bassoavaimet yleistyivät. Guido d "Aryozzon keksimisen jälkeen he ratkaisivat pitkään toista vaikeaa ongelmaa - kuinka parantaa merkintätapaa niin, että se ilmaisi äänien tarkan suhteen paitsi sävelkorkeuden myös keston aikana. Jonkin ajan kuluttua he ajattelivat Tämän merkinnän käyttäminen eri muodoissa. sitä, jota käytämme edelleen. 1600 -luvun alun jälkeen sitä parannettiin vain yksityiskohdissa. jota on etsitty niin kauan, nyt näyttää olevan yksinkertaisin asia: koko nuotti kestää aina kaksi puolikkaat - toiset pääpiirteittäin, puolet - kaksi neljäsosaa, neljäsosa - kaksi kahdeksasosaa jne. niin, että palkki alkoi erottaa toisistaan ​​1500 -luvulla ja aika -allekirjoitus nuotin alussa oli pakollinen e 1700 -luvulta. Kuitenkin silloin oli jo olemassa paitsi musiikin käsikirjoituksia, myös painettua musiikkia. Sillä musiikin painaminen alkoi pian painamisen keksimisen jälkeen - 1500 -luvun loppua kohti. Muinaisessa maailmassa ja pitkään keskiajalla musiikki oli yleensä monofonista. Oli vain muutamia yksinkertaisia ​​poikkeuksia. Esimerkiksi laulaja esitti kappaleen ja kopioi sen (eli soitti sen samanaikaisesti) soittamalla instrumenttia. Samaan aikaan ääni ja instrumentti voivat joskus hajaantua hieman, poiketa toisistaan ​​ja pian yhtyä uudelleen. Niinpä monofonisessa äänivirrassa ilmestyi ja katosi kahden äänen äänen "saaret". Mutta aikakautemme ensimmäisen ja toisen vuosituhannen vaihteessa moniääninen rakenne alkoi kehittyä johdonmukaisesti ja myöhemmin tuli hallitsevaksi musiikkitaiteessa. Tämä monimutkainen ja pitkä muodostus keskittyi pääasiassa katolisen kirkkomusiikin alaan. Tapaus alkoi keksinnöllä (kenen toimesta - sitä ei tiedetä) seuraavalla menetelmällä. Yksi laulaja (tai useat laulajat) lauloi päääänen - gregoriaanisen laulun hitaasti virtaavan melodian. Ja toinen ääni liikkui tiukasti yhdensuuntaisesti - täsmälleen samassa rytmissä, vain koko ajan oktaavin tai neljännen tai viidennen etäisyydellä. Nyt se kuulostaa korvillemme erittäin huonolta, "tyhjältä". Mutta tuhat vuotta sitten tällainen laulu, joka kuulosti kovalla äänellä kirkon, katedraalin kaarien alla hämmästyneenä ja iloisena, avasi uusia ilmaisumahdollisuuksia musiikille. Jonkin ajan kuluttua kirkon muusikot alkoivat etsiä joustavampia ja monipuolisempia menetelmiä toisen äänen johtamiseksi. Ja sitten he alkoivat yhä taitavasti yhdistää kolme, neljä ääntä, myöhemmin joskus jopa enemmän ääniä. Kysymykset ja tehtävät 1. Miksi kirjainmerkintä oli käytännössä hankala? 2. Mikä sai keskiaikaiset neumat laulajille? 3. Mikä on gregoriaaninen laulu ja miksi sitä kutsutaan? 4. Selitä Guido d'Aryozzon keksinnön ydin 5. Mikä oli seuraava ongelma, joka ratkaistiin Guidon keksimisen jälkeen? 6. Mistä lähtien merkinnät eivät ole muuttuneet merkittävästi? Vuosisadan kirkkomuusikko Perotin. taide - Pariisin Notre Damen koulu (Our Lady of School.) Perotinin laulut kuulostivat huomattavan kauniissa rakennuksessa. romaani ”Notre Damen katedraali”. Kuinka moniäänisyys alkoi kehittyä musiikissa Näin moniäänisyys alkoi kehittyä. Kreikan kielestä käännettynä tämä sana tarkoittaa "moniäänisyyttä". Mutta moniäänisyys on vain sellainen polyfonia, jossa kaksi tai useampia samanlaisia ​​ääniä kuullaan samanaikaisesti, ja lisäksi jokaisella niistä on oma itsenäinen melodinen linjansa. onko yksi ääni johtanut päämelodiaa, kun taas toiset ovat sen alaisia ​​(mukana, mukana), se on homofoniaa - toinen. yhä tarkemmin. Tämä mahdollisti perehtymisen musiikkikulttuurin lisäksi myös menneiden aikojen musiikkiin. Ei ole sattumaa, että merkintämenestykset osuivat samaan aikaan polyfonian kehityksen alun kanssa, joka on tärkeä vaihe musiikkitaiteen historiassa. 4 www.classON.ru Lastenopetuksesta venäläisen taiteen alalla on tullut merkittävä musiikkilaji. Yhteinen messu 5 sisältää kuusi laulua, jotka perustuvat latinalaisiin rukousteksteihin. Nämä ovat "Kiriyo eleison" ("Herra, armahda"), "Gloria" ("Kirkkaus"), "Creed" ("Uskon"), "Sanctus" ("Pyhä"), "Benedictus" ("Siunattu") ) ja "Agnus Dei" ("Jumalan karitsa"). Alun perin gregoriaaninen laulu lauloi monofonisesti massoissa. Mutta noin 1500 -luvulla messu oli muuttunut monimutkaisten moniäänisten osien sykliksi. 6. Samalla jäljitelmiä alettiin käyttää erittäin taitavasti. Latinaksi käännettynä "imitatio" tarkoittaa "jäljitelmä". Musiikissa voit joskus jäljitellä musiikin ulkopuolisia ääniä, esimerkiksi satakielen trillejä, käkyn laulamista, meren aaltojen ääntä. Sitten sitä kutsutaan onomatopoeiaksi tai äänen kuvantamiseksi. Ja jäljitelmä musiikissa on sellainen tekniikka, kun yhdellä äänellä päättyvän melodian jälkeen toinen ääni tarkasti (tai ei aivan tarkasti) toistaa sen toisesta äänestä. Sitten muut äänet voivat tulla sisään samalla tavalla. Homofonisessa musiikissa jäljitelmiä voi esiintyä lyhyesti. Ja moniäänisessä musiikissa tämä on yksi tärkeimmistä kehitysmenetelmistä. Se auttaa tekemään melodisesta liikkeestä lähes jatkuvan: tauot ja kadenssit samanaikaisesti kaikissa äänissä esiintyvät moniäänisessä musiikissa vain harvinaisten poikkeusten muodossa7. Yhdistämällä jäljitelmiä muihin polyfonisiin tekniikoihin, säveltäjät tekivät massastaan ​​suuria kuoroteoksia, joissa neljä tai viisi ääntä kietoutuvat monimutkaiseen äänikankaaseen. Siinä gregoriaanisen laulun melodia on jo vaikea havaita ja yhtä vaikea kuulla rukouksen sanoja. Jopa massat ilmestyivät, joissa tärkeimpien maallisten kappaleiden melodioita käytettiin pääasiallisina. Tämä tilanne huolestutti korkeimpia katolisia kirkollisia viranomaisia. 1500 -luvun puolivälissä se aikoi kieltää moniäänisen laulun kirkon jumalanpalvelusten aikana. Mutta tällaista kieltoa ei tapahtunut merkittävän italialaisen säveltäjän Palestrinan ansiosta, joka vietti melkein koko elämänsä Roomassa ja oli lähellä paavin hovia (hänen koko nimensä on Giovanni Pierluigi da Palestrina, eli "Palestrinasta" - pieni kaupunki lähellä Roomaa). Palestrina joukkoineen (ja hän kirjoitti niitä yli sata) onnistui muodostamaan polyfonian. Koska säestyksellä on sointuharmoninen perusta, musiikillisen esityksen homofonista varastoa kutsutaan myös homofoniseksi-harmoniseksi. Kysymykset ja tehtävät 1. Mistä lähtien musiikillisia käsikirjoituksia on tulkittu yhä tarkemmin? 2. Mikä tärkeä uusi vaihe musiikkitaiteen historiassa osui notaation menestykseen? 3. Milloin, millä musiikilla ja minkälaisten melodioiden perusteella moniäänisyys alkoi muodostua johdonmukaisesti? 4. Mikä oli rinnakkainen kahden äänen? Laulakaa pari rinnakkaista kvartsiä, viidesosaa ja oktaavia yhdessä. 5. Mitä eroa on polyfonialla ja homofonialla? Kuinka moniäänisyys kehittyi edelleen Vaikka moniäänisyys alkoi kehittyä kirkon laulussa, monofonia hallitsi edelleen maallista musiikkia. Esimerkiksi monet monofonisten kappaleiden tallenteet on purettu, jotka XII-XIV vuosisatojen aikana sävelsivät ja esittivät keskiaikaiset runoilijat-laulajat. Etelä -Ranskassa, Provencessa, heitä kutsuttiin trubaduureiksi, Pohjois -Ranskassa - troverereiksi, Saksassa - minnesingereiksi. Monet heistä olivat kuuluisia ritareita, ja he lauloivat usein lauluissaan "kauniin naisen" kauneutta ja hyveellisyyttä, jota he palvoivat. Näiden runoilijoiden laulujen melodiat olivat usein lähellä kansanmusiikkia, myös tanssia, ja rytmi alistettiin runollisen tekstin rytmille. Myöhemmin, XIV-XVI vuosisatojen aikana, "saksalaiset runoilijat ja laulajat käsityöläisistä, jotka kutsuivat itseään laulajiksi (" mestarilaulajiksi "), yhdistyivät työpajoiksi. lisättiin pyhiin lauluihin gregoriaaniseen lauluun, maallisten laulujen vaikutus tuli havaittavaksi (esimerkiksi trubaduurien ja trouvereiden laulut) .Samaan aikaan 13. vuosisadan loppuun mennessä Ranskassa ilmestyi puhtaasti maallisia moniäänisiä teoksia kaikkien äänien osat perustuivat laululuonteisiin melodioihin, ja tekstit eivät koostu latinaksi vaan ranskaksi. katolisessa kirkkomusiikissa on ajan mittaan edelleen kirkon juhliin omistettuja erityisiä messuja. teos, jossa on useita erillisiä osia (tai näytelmiä), joita yhdistää yhteinen käsite.7 Cadenza (kadenssi) - melodinen ja harmoninen vaihtuvuus, joka täydentää koko musiikkikappaleen tai sen osan. 5 6 5 www.classON.ru venäläisen taiteen alan koulutus osoittaakseen, että moniääniset sävellykset, vaikka ne ovatkin erittäin taitavia, voivat kuulostaa 4 läpinäkyvältä ja liturgiset tekstit voidaan kuulla selvästi. Palestrinan musiikki on yksi niin sanotun karkean tyylin vanhan kuoromonifonian huippuista. Hän vie meidät valaistuneen ylevän mietiskelyn maailmaan - ikään kuin säteilee tasaista, rauhoittavaa säteilyä. runoilijoita, muusikoita, tutkijoita ja taiteen ystäviä. Heidät vei ajatus luoda uudenlainen ilmeikäs soololaulu säestyksellä ja yhdistää se teatteritoimintaan. Näin syntyivät ensimmäiset oopperat, joiden juonet on otettu muinaisesta mytologiasta. Ensimmäinen on Daphne, jonka ovat säveltäneet Jacopo Peri (yhdessä Ya. Korean kanssa) ja runoilija O. Rinuccini. Se esitettiin vuonna 1597 Firenzessä (koko teos ei ole säilynyt). Muinaiskreikkalaisessa mytologiassa Daphne on jokijumalan Ladonin tytär ja maan jumalatar Gaia. Pakenemaan Apollon takaa -ajoa, hän rukoili apua jumalilta ja muutettiin laakeriksi (kreikkaksi "daphne" - "laakeri") - Apollon pyhäksi puuksi. Koska Apollonia pidettiin taiteen suojelusjumalana, Pythian Gamesin voittajat alkoivat kruunata Pythian Gamesin voittajat laakeriseppeleellä, jonka perustajana pidettiin Apolloa. Laakeriseppeleestä ja erillisestä laakerinoksasta on tullut voiton, kunnian ja palkintojen symboleja. Kaksi muuta oopperaa, jotka on sävelletty vuonna 1600 (toinen J. Peri, toinen J. Caccini), ovat molemmat nimeltään Eurydice, koska molemmat käyttävät samaa runollista tekstiä, joka perustuu legendaarisen laulajan Orpheuksen antiikin kreikkalaiseen myyttiin. Ensimmäiset italialaiset oopperat esitettiin aatelisten palatseissa ja taloissa. Orkesteri koostui muutamista vanhoista soittimista. Sitä johti muusikko, joka soitti cembaloa (italialainen nimi cembalolle). Alkusoittoa ei vielä ollut, ja trumpettifanfaarit ilmoittivat esityksen alun. Ja lauluosissa voitti resitointi, jossa musiikillinen kehitys alistettiin runolliselle tekstille. Pian musiikki alkoi kuitenkin saada itsenäisemmän ja tärkeämmän merkityksen oopperoissa. Tämä johtuu suurelta osin ensimmäisestä erinomaisesta oopperasäveltäjästä - Claudio Monteverdistä. Hänen ensimmäinen oopperansa Orpheus esitettiin Mantovassa vuonna 1607. Hänen sankarinsa on jälleen sama legendaarinen laulaja, joka taiteellaan taivutti Hadesia, kuolleiden alamaailman jumalaa, ja vapautti Eurydicen, Orpheuksen rakastetun vaimon. Mutta Hadesin tila - ennen kuin lähti valtakunnastaan ​​koskaan katsomaan Eurydicea - Orpheus rikkoi ja menetti hänet jälleen, ikuisesti. Monteverdin musiikki on antanut tälle surulliselle tarinalle ennennäkemättömän lyyrisen ja dramaattisen ilmeen. Monteverdin Orpheuksen lauluosista, kuoroista ja orkesterijaksoista tuli luonteeltaan paljon monipuolisempia. Tässä teoksessa alkoi muodostua melodinen arios -tyyli - italialaisen oopperamusiikin tärkein ominaispiirre. Firenzen esimerkin mukaisesti oopperat alkoivat säveltää ja esittää Mantovan lisäksi myös sellaisissa Italian kaupungeissa kuin Rooma, Venetsia, Napoli. Kiinnostus uuteen lajityyppiin alkoi nousta muissa Euroopan maissa, ja niiden kysymykset ja tehtävät 1. Ketkä ovat trubaduureja, troverereita, minnesingereitä ja master -laulajia? 2. Onko vanhan kirkon moniäänisyyden ja maallisten laulumelodioiden välillä yhteyttä? 3. Mitkä ovat tavallisen massan pääosat? 4. Anna esimerkkejä onomatopoiasta musiikissa. 5. Mikä on jäljitelmä musiikissa? 6. Mitä Palestrina saavutti joukossaan? Oopperan syntymä. Oratorio ja kantaatti Juuri ennen 1600 -luvun alkua - historiallisen ajanjakson ensimmäistä vuosisataa, jota kutsutaan New Ageksi - musiikkitaiteessa tapahtui erittäin tärkeä tapahtuma: ooppera syntyi Italiassa. Musiikkia on soitettu eri teatteriesityksissä pitkään. Niissä instrumentaali- ja kuoronumeroiden ohella voitaisiin esittää yksittäisiä laulusooloja, esimerkiksi kappaleita. Ja oopperassa laulajista ja laulajista tuli näyttelijöitä ja näyttelijöitä. Heidän laulunsa orkesterin säestyksellä yhdistettynä näyttämötoimintaan alkoi välittää esityksen pääsisältöä. Sitä täydentävät maisemat, puvut ja usein myös tanssit - baletti. Oopperassa musiikki on johtanut eri taiteiden läheiseen yhteistyöhön. Tämä avasi hänelle uusia suuria taiteellisia mahdollisuuksia. Oopperalaulajat ja laulajat alkoivat ennennäkemättömällä voimalla välittää ihmisten henkilökohtaisia ​​emotionaalisia kokemuksia - sekä iloisia että surullisia. Samaan aikaan tärkein ilmaisukeino oopperassa oli sooloäänen ja orkesterin säestyksen homofoninen yhdistelmä. Ja jos Länsi -Euroopan ammattimusiikki kehittyi 1600 -luvulle asti pääasiassa kirkossa ja suurin genre oli massa, niin musiikkiteatterista tuli pääkeskus ja suurin genre oli ooppera. 1500 -luvun lopulla ympyrä 6 kokoontui Italian Firenzen kaupunkiin www.classON.ru Hallitsijat hyväksyivät tavan kutsua italialaisia ​​muusikoita tuomioistuinpalvelukseensa venäläisen taiteen alalla lapsille. Tämä vaikutti siihen, että italialaisesta musiikista tuli Euroopan vaikutusvaltaisin pitkään aikaan. Ranskassa ilmestyi 1600 -luvulla oma kansallisooppera, joka oli erilainen kuin italialainen. Sen perustaja on italialainen Jean-Baptiste L yule. Siitä huolimatta hän tunsi oikein ranskalaisen kulttuurin erityispiirteet ja loi erikoisen ranskalaisen oopperatyylin. Lullyn oopperoissa suuri paikka otettiin toisaalta resitoinneilla ja pienillä recitatiivisilla aarioilla ja toisaalta balettitansseilla, juhlallisilla marsseilla ja monumentaalikuoroilla. Yhdessä mytologisten juonien, upeiden pukujen, maagisten ihmeiden kuvaamisen kanssa teatterikoneiden avulla, kaikki tämä vastasi tuomioistuimen elämän loistoa ja loistoa Ranskan kuninkaan Ludvig XIV: n aikana. Saksan ensimmäisen oopperan Daphne (1627) loi Bachia edeltäneen aikakauden suurin saksalainen säveltäjä Heinrich Schütz. Mutta hänen musiikkinsa ei ole säilynyt. Ja maassa ei ollut edellytyksiä oopperalajin kehittämiselle: ne todella muotoutuivat vasta 1800 -luvun alussa. Ja Schützin teoksessa tärkein paikka oli ilmeikkäät laulu- ja instrumentaaliset sävellykset hengellisistä teksteistä. Vuonna 1689 ensimmäinen englantilainen ooppera "Dido ja Aeneas" esitettiin Lontoossa merkittävän lahjakkaan säveltäjän Henry Purcellin toimesta. Tämän oopperan musiikki kiehtoo sydämellisillä sanoituksilla, runollisella fantasialla ja värikkäillä kansankuvilla. Kuitenkin Purcellin kuoleman jälkeen lähes kahden vuosisadan ajan englantilaisten säveltäjien joukossa ei ollut erinomaisia ​​musiikin luojat. XVI-XVII vuosisadan vaihteessa samanaikaisesti oopperan kanssa ja myös Italiassa sekä r ja d ja l ja s o r sekä r ja minä ja kissa. Oopperasta on kyse siitä, että solistit, kuoro ja orkesteri osallistuvat myös heidän esitykseensä, ja siitä, että he myös kuulostavat aarioita, resitaatteja, lauluyhtyeitä, kuoroja ja orkesterijaksoja. Mutta oopperassa opimme tapahtumien (juonen) kehityksestä paitsi siitä, mitä solistit laulavat, vaan myös siitä, mitä he tekevät ja mitä lavalla yleensä tapahtuu. Ja oratoriossa ja kantaatissa ei ole näyttämötoimintaa. Ne esitetään konserttisalissa ilman pukuja ja koristeita. Mutta oratorion ja kantaatin välillä on myös ero, vaikka se ei aina ole yksiselitteistä. Yleensä oratorio on suurempi pala, jossa on kehittyneempi uskonnollinen juoni. Se on usein eeppistä-dramaattista. Tältä osin oratorioon sisältyy usein laulaja-tarinankertojan kertova resitoiva osa. Erityinen henkinen oratorio on "intohimo" tai "passiivinen" (käännetty latinaksi - "kärsimys"). Passio kertoo ristillä ristiinnaulitun Jeesuksen Kristuksen kärsimyksestä ja kuolemasta. 7 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla Kantatat jaetaan sanallisen tekstin sisällöstä riippuen hengelliseen ja maalliseen. Italiassa syntyi 1600 -luvulla ja 1700 -luvun alussa monia pieniä kamarikantaatteja. Ne koostuivat vuorotellen kahdesta tai kolmesta lausunnosta, joissa oli kaksi tai kolme aaria. Myöhemmin kantaatit, joilla oli pääosin juhlallinen luonne, yleistyivät. Hengelliset kantaatit ja erilaiset rakentamisen "intohimot" kehitettiin eniten Saksassa. aarioita, ja on kiehtovaa käyttää virtuoosia kulkuliikkeitä. Corellin ja Vivaldin perinnössä loistava paikka kuuluu trio -sonaatin genreen. Useimmissa trio -sonaateissa kahta pääosaa soittavat viulut, ja kolmas osa, säestysosa, on cembalo tai urut, ja sello tai fagotti kaksinkertaistaa bassoäänen. Trio -sonaattia seurasi viulu- tai muu soittosonaatti cembalon mukana. ja myös Concerto Grosso - konsertti orkesterille (ensimmäinen - merkkijono). Monille näiden genreiden teoksille on ominaista vanhan sonaatin muoto. Tämä on yleensä neliosainen sykli, jossa on hidas-nopea-hidas-nopea vauhti. Hieman myöhemmin, jo 1700 -luvulla, Vivaldi alkoi säveltää viulunsoittoja ja joitakin muita instrumentteja orkesterin säestyksellä. Siellä perustettiin kolmiosainen sykli: "nopea-hidas-nopea". Kysymykset ja tehtävät 1. Missä ja milloin ooppera syntyi? Selitä, miten ooppera eroaa teatteriesityksestä musiikin kanssa. 2. Mikä on tärkein ilmaisukeino oopperamusiikissa? 3. Mikä on Claudio Monteverdin ensimmäisen oopperan nimi ja mitkä ominaisuudet ilmenivät hänen musiikissaan? 4. Kerro meille vanhojen ranskalaisten oopperoiden erityispiirteistä. 5. Mikä on ensimmäinen Saksassa kirjoitettu ooppera ja ensimmäinen ooppera Englannissa? 6. Mikä on tärkein ero oratorion, kantaatin ja oopperan välillä? 7. Mitä ovat intohimot (passiiviset)? Urut aloittivat pitkän historiansa muinaisessa Egyptissä. 1600 -luvulla siitä oli tullut hyvin monimutkainen väline, jolla oli laajat taiteelliset mahdollisuudet. Pieniä urkuja löytyi silloin jopa yksityistaloista. Niitä käytettiin harjoituksiin, he soittivat muunnelmia kansanlaulujen ja tanssien melodioista. Ja kirkoissa ja katedraaleissa kuulostivat, kuten nytkin, suuret urut, joissa oli kuohuviiniä putkistoja, puukappaleilla koristeltuja kaiverruksia. Nykyään urkuja löytyy myös monista konserttisaleista. Nykyaikaisissa uruissa on useita tuhansia putkia ja jopa seitsemän näppäimistöä (käsikirjaa), jotka sijaitsevat toistensa yläpuolella - kuten portaat. Putkia on niin paljon, koska ne on jaettu ryhmiin - rekistereihin. Rekisterit kytketään päälle ja pois päältä erityisvipuilla, jotta saadaan erilainen väri (aika). Urut on myös varustettu polkimella. Tämä on koko jalka -näppäimistö, jossa on monia suuria näppäimiä. Painamalla niitä jaloillaan urkuri voi poimia ja ylläpitää bassoääniä pitkään (tällaisia ​​jatkuvia ääniä kutsutaan myös pedaaliksi tai urkupisteeksi). Mitä tulee sävelkorkeuteen, kevyimmän pianissimon ja jylisevän fortissimon vertailuun, jos mahdollista, uruilla ei ole vertaista soittimien kesken. 1700 -luvulla urkutaide saavutti erityisen suuren kukinnan Saksassa. Kuten muissakin maissa, saksalaiset kirkon urut olivat sekä säveltäjiä että esiintyjiä. He eivät vain seuranneet hengellisiä lauluja, vaan esiintyivät myös yksin. Heidän joukossaan oli monia lahjakkaita virtuooseja ja improvisaattoreita, jotka houkuttelivat soitollaan koko joukon ihmisiä. Yksi merkittävimmistä heistä on Dietrich Buxtehude. Nuori Johann Sebastian Bach tuli kuuntelemaan hänen näytelmäänsä jalkaisin toisesta kaupungista. Buxtehuden monipuolisessa ja laajassa teoksessa ovat esillä aikamme tärkeimmät urkumusiikin tyypit. Toisaalta nämä ovat alkusoittoja, fantasioita ja 1600 -luvun instrumentaalimusiikkia, sen tyylilajeja ja muotoja, ja pitkään soittimia käytettiin usein monistamaan ääniosia lauluteoksissa tai tanssien mukana. Instrumentaaliset sovitukset laulusävellyksiin olivat myös yleisiä. Instrumentaalisen musiikin itsenäinen kehitys kiihtyi vasta 1600 -luvulla. Samaan aikaan laulun polyfoniassa kehittyneet taiteelliset tekniikat kehittyivät siinä edelleen. Niitä rikastettiin kappaleeseen ja tanssiin perustuvan homofonisen varaston elementeillä. Samaan aikaan oopperamusiikin ilmeikkäät saavutukset alkoivat vaikuttaa instrumentaalisiin sävellyksiin. Viululla ja loistavilla virtuoosikyvyillä on erittäin melodinen ääni. Ja juuri oopperan kotimaassa Italiassa viulumusiikki alkoi kehittyä erityisen menestyksekkäästi. 1600 -luvun lopulla Arcangelo Corellin luovuus kukoisti ja Antonio Vivaldin luova toiminta alkoi. Nämä merkittävät italialaiset säveltäjät ovat tuottaneet monia instrumentaaliteoksia viulun osallistuessa ja johtavassa roolissa. Heissä viulu voi laulaa yhtä ilmeikkäästi kuin ihmisen ääni oopperahuoneessa 8 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen toccata -alueella. Niissä moniääniset jaksot vuorottelevat vapaasti improvisaation kanssa - passage ja chordal. Toisaalta nämä ovat tiukemmin rakennettuja kappaleita, jotka johtivat fuugaan - monimutkaisimpaan polyfonian jäljitelmän muotoon. Buxtehude teki myös monia sovituksia protestanttisesta koraalista koraaliesittelyjen muodossa. Toisin kuin gregoriaaninen laulu, tämä on hengellisten laulujen yleinen nimi, ei latinaksi vaan saksaksi. Ne ilmestyivät 1500 -luvulla, kun uudenlainen kristillinen oppi - protestantismi - erottui katolisuudesta. Protestanttisen laulun melodinen perusta oli saksalaiset kansanlaulut. 1600 -luvulla protestanttinen laulu esitettiin kaikkien seurakunnan jäsenten kuorossa urkujen tuella. Tällaisille kuorojärjestelyille tyypillinen on neliosainen sointurakenne, jossa on melodia ylääänessä. Myöhemmin tällaista varastoa alettiin kutsua kuorovarastoksi, vaikka se löytyisikin instrumentaaliteoksesta. Organistit soittivat myös kielisoittimia ja sävelsivät niitä. Näiden instrumenttien teosten yleinen nimi on selkeämpi musiikki8. Ensimmäiset tiedot kielisistä kosketinsoittimista ovat peräisin XIV-XV vuosisadalta. 1600 -luvulla cembalosta oli tullut yleisin näistä. Joten sitä kutsutaan Ranskassa, Italiassa sitä kutsutaan Chembaloksi, Saksassa - Kilflugel, Englannissa - cembaloksi. Pienempien soittimien nimi Ranskassa on epinet, Italiassa - Englannin spinetsille - neitsyt. Cembalo on pianon esi -isä, joka alkoi tulla käyttöön 1700 -luvun puolivälissä. Kun painat cembalon näppäimiä, höyhenet tai nahkaiset kielet asettuvat tangon päälle ikään kuin nyppivät jouset. Se osoittautuu äkillisiksi, kuuloisiksi ja samalla hieman kahisevaksi. Cembalossa äänenvoimakkuus ei riipu näppäinten lyönnin voimakkuudesta. Siksi sitä ei voida käyttää crescendoon ja diminuendoon, toisin kuin piano, mikä on mahdollista joustavamman näppäinliitännän ja vasaran avulla. Cembalossa voi olla kaksi tai kolme näppäimistöä ja laite, jonka avulla voit muuttaa äänen väriä. Toisen pienen kosketinsoittimen, klavikordin, ääni on heikompi kuin cembalon ääni. Mutta toisaalta melodisempi soitto on mahdollista klavikordilla, koska sen jousia ei kynitty, vaan metallilevyjä painetaan niihin. Yksi varhaisen cembalomusiikin päälajeista on sarja, joka koostuu useista osista, jotka ovat muodoltaan täydellisiä ja jotka on kirjoitettu yhdellä avaimella. Jokainen osa käyttää yleensä tanssiliikkeitä. Vanhan sviitin perusta koostuu neljästä tanssista, joilla on erilainen, ei aina tarkasti määritelty kansallinen alkuperä. Tämä on rauhallinen allemande (ehkä alun perin Saksasta), liikkuvampi soittoääni (alun perin Ranskasta), hidas sarabanda (alun perin Espanjasta) ja nopea gigue (alun perin Irlannista tai Englannista). 1600 -luvun lopulta lähtien sviittejä alettiin täydentää Pariisin cembalistien esimerkin mukaisesti ranskalaisilla tansseilla, kuten menuetti, gavotte, burré ja paspier. Ne lisättiin päätanssien väliin muodostaen välivaiheita ("intg" latinaksi tarkoittaa "välillä"). Vanha ranskalainen cembalomusiikki erottuu armosta, armosta, pienistä melodisista koristeista, kuten mordentesista ja trilleistä. Ranskan klavessiinityyli kukoisti François Couperinin (1668 - 1733), lempinimeltään Suuri, teoksessa. Hän loi noin kaksi ja puoli sata näytelmää ja yhdisti ne kaksikymmentäseitsemään sviittiin. Näytelmät eri ohjelmien nimillä alkoivat vähitellen hallita niitä. Useimmiten nämä ovat kuin pieniä cembalon muotokuvia naisista - hyvin suunnattuja ääniluonnoksia joistakin luonteenpiirteistä, ulkonäöstä, käytöksestä. Tällaisia ​​ovat esimerkiksi näytelmät "Synkkä", "Koskettava", "Ketterä", "Hajamielinen", "Ilkivaltainen". Hänen suuri nykyaikainen Johann Sebastian Bach osoitti suurta kiinnostusta ranskalaista cembalomusiikkia, mukaan lukien François Couperinin näytelmiä. Kysymykset ja tehtävät 1. Milloin instrumentaaligenreiden itsenäinen kehitys kiihtyi? 2. Mikä on suosikki soittimesi Arcangelo Corelli ja Antonio Vivaldi? 3. Kerro meille urun rakenteesta. 4. Missä maassa urkutaide on saavuttanut erityisen korkean kukinnan? Mikä on protestanttinen koraali? 5. Kerro meille cembalon rakenteesta. Mitä tanssiliikkeitä käytetään vanhan cembalon sviitin pääosissa? Niinpä oppikirjan johdanto -osassa esiteltiin lyhyesti joitakin tärkeitä tapahtumia musiikkimaailmassa muinaisista ajoista lähtien. Se oli historiallinen "retki", joka auttoi tutustumaan 1800- ja 1800 -luvuilla työskennelleiden suurten Länsi -Euroopan muusikoiden perintöön. Jonkin aikaa clavieria kutsuttiin kaikkien kosketinsoittimien musiikiksi, mukaan lukien näppäimistö -puhallinsoitin - urut. 8 9 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla Johann Rodin elämänpolku, perhe, lapsuus. Johann Sebastian Bach syntyi vuonna 1685 Thüringenissä - yhdellä Keski -Saksan alueista, pienessä Eisenachin kaupungissa metsien ympäröimänä. Thüringenissä tuolloin tuntui edelleen kolmekymmentävuotisen sodan (1618–1648) vakavista seurauksista, joissa kaksi suurta eurooppalaista valtioryhmää törmäsi. Tämä tuhoisa sota sattui selviytymään Johann Sebastianin esi -isistä, jotka liittyivät läheisesti saksalaiseen käsityö- ja talonpoikaisympäristöön. Hänen iso-isoisänsä, nimeltään Veit, oli leipuri, mutta hän rakasti musiikkia niin paljon, ettei hän koskaan eronnut sitruunasta, mandoliinin kaltaisesta soittimesta, edes soitellen ajaessaan myllylle jauhojen jauhaessa. Ja hänen jälkeläistensä keskuudessa, jotka asettuivat Thüringeniin ja sen lähialueille, oli niin paljon muusikoita, että kaikkia, jotka harjoittivat tätä ammattia, kutsuttiin siellä "Bachiksi". Nämä olivat kirkon urkureita, viulisteja, huiluja, trumpetisteja, joista osa osoitti sävellyslahjakkuutta. He palvelivat kaupunkikuntia ja pienten ruhtinaskuntien ja herttuakuntien hallitsijoiden tuomioistuimissa, joihin Saksa oli hajanainen. Sebastian Bach 1685-1750 Tämän suuren, yli kolmesataa vuotta vanhan saksalaisen säveltäjän musiikin kohtalo on hämmästyttävä. Hän sai elinaikanaan tunnustusta pääasiassa urkurina ja soittimien tuntijana, ja kuoleman jälkeen hänet melkein unohdettiin useiksi vuosikymmeniksi. Mutta sitten vähitellen he alkoivat näyttää löytävänsä uudelleen hänen teoksensa ja ihailevat häntä arvokkaana taiteellisenaartena, joka on ylivoimainen taidoiltaan, ehtymätön sisällön syvyydessä ja inhimillisyydessä. "Älä ole virta! "Meren pitäisi olla hänen nimensä." Tämä on toinen musiikillinen nero, Beethoven, Bachista. Bach onnistui julkaisemaan vain hyvin pienen osan teoksistaan ​​itse. Nyt niitä on julkaistu yli tuhat (paljon enemmän on kadonnut). Ensimmäinen täydellinen kokoelma Bachin teoksia alkoi julkaista Saksassa sata vuotta hänen kuolemansa jälkeen, ja se kesti neljäkymmentäkuusi suurta osaa. Ja on mahdotonta edes karkeasti laskea, kuinka paljon painetaan ja kuinka monta yksittäistä painosta Bachin musiikista painetaan edelleen eri maissa. Niin suuri on sen jatkuva kysyntä. Sillä on laaja ja kunnioitettava paikka paitsi maailman konserttiohjelmistossa myös koulutuksellisessa. Johann Sebastian Bach on edelleen kirjaimellisesti kaikkien musiikin parissa työskentelevien opettaja. Hän on vakava ja tiukka opettaja, vaatii keskittymiskykyä hallitakseen moniäänisten teosten esittämisen taidon. Mutta ne, jotka eivät pelkää vaikeuksia ja ovat tarkkaavaisia ​​hänen vaatimuksiinsa, tuntevat viisautta ja sydämellistä ystävällisyyttä hänen vakavuutensa takana, jota hän opettaa kauniilla kuolemattomilla luomuksillaan. Talo Eisenachissa, jossa JS Bach syntyi 9 "Bach" käännettynä saksasta tarkoittaa "virtaa". 10 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla Johann Sebastianin isä oli viulisti, kaupunki- ja hovimuusikko Eisenachissa. Hän alkoi opettaa musiikkia nuorimmalle pojalleen ja lähetti hänet kirkon kouluun. Poika lauloi koulukuorossa kauniilla korkealla äänellä. Kun hän oli kymmenen vuotta vanha, hänen vanhempansa kuolivat. Vanhempi veli, kirkon urkuri naapurikaupungissa Ohrdrufissa, huolehti orvosta. Hän lähetti nuoremman veljensä paikalliseen lyseumiin ja opetti hänelle urutunteja itse. Myöhemmin Johann Sebastianista tuli myös cembalisti, viulisti ja viulisti. Ja lapsuudesta lähtien hän hallitsi musiikkikoostumuksen itsenäisesti kirjoittamalla uudelleen eri kirjoittajien teoksia. Hänen täytyi kirjoittaa yksi musiikkikirja, joka kiinnosti häntä erityisesti, kuutamoisina iltoina salaa vanhemmalta veljeltään. Mutta kun pitkä vaikea työ oli saatu päätökseen, hän huomasi tämän, suuttui Johann Sebastianille hänen luvattomasta toiminnastaan ​​ja otti häikäilemättä käsikirjoituksen häneltä. Itsenäisen elämän alku. Luneburg. Viidentoistavuotiaana Johann Sebastian otti ratkaisevan askeleen - hän muutti kaukaiseen Pohjois -Saksan kaupunkiin Luneburgiin, missä hän tuli luostarikirkon kouluun laulutieteilijänä. Koulun kirjastossa hän pääsi tutustumaan suureen määrään saksalaisten muusikoiden teosten käsikirjoituksia. Luneburgissa ja Hampurissa, joissa hän käveli maantiellä, voitiin kuunnella lahjakkaiden urkujen soittoa. On mahdollista, että Hampurissa Johann Sebastian vieraili oopperatalossa - tuolloin ainoa Saksassa, joka ei esittänyt esityksiä italiaksi vaan saksaksi. Hän valmistui menestyksekkäästi koulusta kolme vuotta myöhemmin ja alkoi etsiä työtä lähempänä kotimaataan. Weimar. Palveltuaan lyhyen ajan viulistina ja urkurina kolmessa kaupungissa Bach vuonna 1708, ollessaan jo naimisissa, asettui yhdeksän vuoden ajan Weimariin (Thüringen). Siellä hän oli urkuri herttuan hovissa ja sitten varakapellimestari (kappelin johtajan avustaja - laulajien ja instrumentalistien ryhmä). Teini -ikäisenä Bach aloitti Ohrdrufissa säveltämisen, erityisesti sovittamalla protestanttisen koraalin urulle, hänen suosikkilaitteelleen. Ja Weimarissa ilmestyi useita hänen upeita kypsiä urkuteoksiaan, kuten Toccata ja Fuga d -molli, Passacaglia 10 c -molli, kuoron alkusoitot. Tuolloin Bachista oli tullut vertaansa vailla oleva urkujen ja cembalojen esittäjä ja improvisoija. Tämän vahvisti vakuuttavasti seuraava tapaus. Kerran Bach meni Saksin pääkaupunkiin Dresdeniin, missä he päättivät järjestää kilpailun hänen ja kuuluisan ranskalaisen urkurin ja cembalisti Louis Marchandin välillä. Mutta jälkimmäinen, kuultuaan etukäteen, kuinka Bach improvisoi cembaloa hämmästyttävän luovalla kekseliäisyydellä, kiirehti salaa lähtemään Dresdenistä. Kilpailua ei järjestetty. Weimarin hovissa oli tilaisuus tutustua italialaisten ja ranskalaisten säveltäjien teoksiin. Bach kohteli saavutuksiaan suurella mielenkiinnolla ja taiteellisella aloitteella. Esimerkiksi hän teki useita ilmaisia ​​transkriptioita cembalolle ja uruille Antonio Vivaldin viulukonsertoille. Näin syntyivät musiikkitaiteen historian ensimmäiset clavier -konsertit. Kolmen vuoden ajan Weimarissa Bachin piti säveltää uusi hengellinen kantaatti joka neljäs sunnuntai. Kaikkiaan tällä tavalla syntyi yli kolmekymmentä teosta. Kuitenkin, kun iäkäs hovimestari kuoli, jonka tehtävät tosiasiallisesti hoiti Bach, avoin paikka ei annettu hänelle, vaan vainajan keskinkertaiselle pojalle. Raivoissaan tästä epäoikeudenmukaisuudesta Bach jätti eroilmoituksensa. "Epäkunnioittavan vaatimuksen" vuoksi hänet asetettiin kotiarestiin. Mutta hän osoitti rohkeaa, ylpeää sinnikkyyttä ja vaati itseään. Ja kuukautta myöhemmin herttuan piti vastahakoisesti antaa "armoton käsky" vapauttaa vastenmielinen muusikko. Köthen. Vuoden 1717 lopussa Bach ja hänen perheensä muuttivat Kötheniin. Hovin kapteenipaikan tarjosi hänelle Anhalt Köthenskyn prinssi Leopold, pienen Thüringenin osavaltion hallitsija. Hän oli hyvä muusikko - hän lauloi, soitti cembaloa ja viola da gamba 11. Prinssi tarjosi uudelle kapellimestarilleen hyvää taloudellista tukea ja kohteli häntä suurella kunnioituksella. Bachin tehtäviin, jotka veivät hänelle suhteellisen vähän aikaa, kuului kahdeksantoista laulajan ja instrumentalistin kuoron johtaminen, prinssi ja hänen kansansa. Köthenissä syntyi monia Bachin teoksia eri soittimille. Clavier -musiikkia esitetään hyvin monipuolisesti. Toisaalta nämä ovat kappaleita aloittelijoille - Passacaglia on espanjalaista alkuperää oleva hidas kolmivaiheinen tanssi. Sen perusteella syntyi instrumentaalikappaleita muunnelmien muodossa, ja melodia toistettiin monta kertaa bassoon. 10 11 Viola da gamba on ikivanha instrumentti, joka näyttää sellolta. 11 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla pieniä alkusoittoja, kaksi- ja kolmiosaisia ​​keksintöjä. Ne kirjoitti Bach koulutukseen vanhimman poikansa Wilhelm Friedemannin kanssa. Toisaalta tämä on ensimmäinen monumentaaliteoksen kahdesta osasta - "Hyvin temperoitu Clavier", joka sisältää yhteensä 48 alkusoittoa ja fuukaa sekä suuren kokoonpanon konserttisuunnitelmasta - "Kromaattinen fantasia ja fuuga". Köthenin aikakauteen kuuluu myös kahden clavier -sviittikokoelman luominen, jotka tunnetaan nimellä "ranskalainen" ja "englantilainen". Prinssi Leopold vei Bachin matkalle naapurivaltioihin. Kun Johann Sebastian palasi tällaiselta matkalta vuonna 1720, hänet valtasi suuri suru - hänen vaimonsa Maria Barbara oli juuri kuollut ja jättänyt neljä lasta (kolme muuta kuoli varhain). Puolitoista vuotta myöhemmin Bach meni naimisiin uudelleen. Hänen toisella vaimollaan, Anna Magdalenalla, oli hyvä ääni ja hän oli hyvin musikaali. Hänen kanssaan opiskellen Bach sävelsi kaksi selkeää "Muistikirjaa" näytelmistään ja osittain muiden kirjoittajien näytelmistä. Anna Magdalena oli ystävällinen ja huolehtiva elämänkumppani Johann Sebastianille. Hän synnytti hänelle 13 lasta, joista kuusi selviytyi aikuisuuteen. Leipzig. Vuonna 1723 Bach muutti Leipzigiin, joka on suuri Saksin kaupallinen ja kulttuurinen keskus, Thüringenin naapurissa. Hänellä oli hyvät suhteet prinssi Leopoldiin. Mutta Köthenissä musiikkitoiminnan mahdollisuudet olivat rajalliset - ei ollut suuria urkuja eikä kuoroa. Lisäksi Bachin vanhemmat pojat kasvoivat, joille hän halusi antaa hyvän koulutuksen. Leipzigissä Bach siirtyi kantoriksi - poikakuoron johtajaksi ja laulukoulun opettajaksi; Pyhän Tuomasin kirkossa (Tomaskirche). Hänen täytyi hyväksyä useita kiusallisia ehtoja, esimerkiksi "olla poistumatta kaupungista ilman porvarimestarin lupaa". Bachin kantorilla oli monia muita tehtäviä. Hänen täytyi jakaa osiin pieni koulukuoro ja hyvin pieni orkesteri (tai pikemminkin yhtye), jotta musiikki kuulisi jumalanpalveluksissa kahdessa kirkossa sekä häissä, hautajaisissa ja eri festivaaleilla. Eikä kaikilla poikakuoroilla ollut hyviä musiikkikykyjä. Koulutalo oli likainen, laiminlyöty, oppilaat olivat huonosti ruokittuja ja huonosti pukeutuneita. Kaikkeen tähän Bach, jota pidettiin samanaikaisesti Leipzigin "musiikkijohtajana", kiinnitti useammin kuin kerran kirkon viranomaisten ja kaupunginhallituksen (tuomarin) huomion. Mutta vastineeksi hän sai vain vähän aineellista apua, mutta paljon pieniä virkamiesten kiusauksia ja nuhteita. Opiskelijoidensa kanssa hän opiskeli paitsi laulua myös soittamista, ja lisäksi hän palkkasi heille latinalaisen opettajan omalla kustannuksellaan. Pyhän Thomasin kirkko ja koulu (vasemmalla) Leipzigissä. (Vanhasta kaiverruksesta). Vaikeista elämänoloista huolimatta Bach oli innostunut luovuudesta. Palvelun kolmen ensimmäisen vuoden aikana hän sävelsi ja oppi uuden hengellisen kantaatin kuoron kanssa lähes joka viikko. Yhteensä noin kaksisataa Bachin tämän genren teosta on säilynyt. Ja tunnetaan myös useita kymmeniä hänen maallisia kantaattejaan. Ne olivat pääsääntöisesti tervetulleita ja onnitteluja osoitettu useille jaloille henkilöille. Mutta heidän joukossaan on sellainen poikkeus kuin Leipzigissä kirjoitettu sarjakuva "Coffee Cantata", joka on samanlainen kuin koomisen oopperan kohtaus. Se kertoo, kuinka nuori, vilkas Lizhen rakastaa uutta kahvimuotoa, vastoin hänen isänsä, vanhan murisevan Shlendrianin tahtoa ja varoituksia. Leipzigissä Bach loi merkittävimmät monumentaaliset laulu- ja instrumentaaliteoksensa - "Passion for John", "Passion for St. Matthew" 12 ja messu h -molli, jotka ovat sisällöltään lähellä niitä, sekä suuren määrän erilaisia ​​instrumentaaliteoksia teoksia, mukaan lukien toinen osa "Hyvin temperoitu Clavier", kokoelma Johannesta ja Matteusta (sekä Markus ja Luukas) - Jeesuksen Kristuksen opetusten seuraajia, jotka ovat koonneet evankeliumit - tarinoita hänen maallisesta elämästään, kärsimyksistään (" intohimot ") ja kuolema. Kreikasta käännetty ”evankeliumi” tarkoittaa ”hyvää uutista”. 12 12 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla "Fuugan taide". Hän matkusti Dresdeniin, Hampuriin, Berliiniin ja muihin Saksan kaupunkeihin, soitti siellä urkuja, testasi uusia soittimia. Bach johti yli kymmenen vuoden ajan Leipzigin musiikkikollegiaa, joka koostuu yliopisto -opiskelijoista ja musiikin ystävistä - instrumentalisteista ja laulajista. Bachin johdolla he antoivat julkisia konsertteja maallisista teoksista. Kun hän kommunikoi muusikoiden kanssa, hän oli vieras kaikelle ylimielisyydelle, ja hän sanoi harvinaisesta taidostaan: "Minun oli työskenneltävä kovasti, kuka on yhtä ahkera, saavuttaa saman." Paljon huolia, mutta myös paljon iloa toi Bachille hänen suuri perheensä. Hänen piirissään hän voisi järjestää kokonaisia ​​kotikonsertteja. Hänen neljästä pojastaan ​​tuli kuuluisia säveltäjiä. Nämä ovat Wilhelm Friedemann ja Karl Philip Emanuel (Maria Barbaran lapset), Johann Christoph Friedrich ja Johann Christian (Anna Magdalenan lapset). Vuosien mittaan Bachin terveys heikkeni. Hänen näkökykynsä heikkeni jyrkästi. Vuoden 1750 alussa hänelle tehtiin kaksi epäonnistunutta silmäleikkausta, hän sokeutui ja kuoli 28. heinäkuuta. Johann Sebastian Bach eli vaikeaa ja ahkeraa elämää loistavan luovan inspiraation valaisemana. Hän ei jättänyt merkittävää omaisuutta, ja Anna Magdalena kuoli kymmenen vuotta myöhemmin köyhien hoitokodissa. Ja Bachin nuorin tytär Regina Susanna, joka eli 1800 -luvulle asti, pelastui köyhyydestä yksityisillä lahjoituksilla, joissa Beethoven otti suuren osan. Luovuus Bachin musiikki liittyy kotimaansa kulttuuriin. Hänellä ei ollut koskaan mahdollisuutta hän lähti Saksasta. Bach kirjoitti messun b -molli ja monia muita teoksia hengellisistä teksteistä, ei vain kirkon muusikon velvollisuuksien tai tavanomaisten tapojen mukaan, vaan myös vilpittömän uskonnollisen tunteen lämmittämänä. Ne ovat täynnä myötätuntoa inhimillisiä suruja kohtaan, jotka ovat täynnä ymmärrystä Ajan myötä he ovat menneet paljon pidemmälle kuin temppelit eivätkä lakkaa vaikuttamasta syvästi eri kansallisuuksien ja uskontojen kuuntelijoihin. ne luovat koko musiikkikuvien maailman. Bachin vertaansa vailla oleva moniääninen taito on rikastettu homofonisilla-harmonisilla välineillä. Hänen lauluteemansa ovat orgaanisesti täynnä instrumentaalisia kehitysmenetelmiä, ja instrumentaaliset teemat ovat usein niin emotionaalisesti kylläisiä, ikään kuin jotain tärkeää lauletaan ja lausutaan ilman sanoja. Toccata ja fuuga d -molli urkuille13 Tämä erittäin suosittu teos alkaa häiritsevällä mutta rohkealla tahdon huudolla. Se kuulostaa kolme kertaa, laskeutuen oktaavista toiseen, ja johtaa uhkaavaan sointuääniin alemmassa rekisterissä. Toccatan alussa hahmotellaan tumman varjostettu, suurenmoinen äänitila. 1 Adagio -kysymykset ja -tehtävät 1. Miksi Bachin musiikin kohtalo on niin epätavallinen? 2. Kerro meille Bachin kotimaasta, esi -isistä ja lapsuudesta. 3. Milloin ja mistä Bachin itsenäinen elämä alkoi? 4. Miten Bachin toiminta Weimarissa eteni ja miten se päättyi? 5. Kerro meille Bachin elämästä Köthenissä ja hänen vuosien teoksistaan. 6. Mitä soittimia Bach soitti ja mikä oli hänen suosikki soittimensa? 7. Miksi Bach päätti muuttaa Leipzigiin ja mitä vaikeuksia hänellä oli siellä? 8. Kerro meille Bachin toiminnasta säveltäjänä ja Bachin esiintyjänä Leipzigissä. Nimeä hänen luomansa teokset. Toccata (italiaksi "toccata" - "koskettaa", "puhaltaa" verbistä "toccare" "koskettaa", "koskettaa") on virtuoosikappale kosketinsoittimille. 13 13 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla Kuullaan edelleen voimakkaita "pyörteitä" virtuoosikohtia ja laajaa sointuaaltoa. Ne erotetaan useita kertoja taukoilla ja pysähdyksillä laajennetuilla sointuilla. Tämä nopea ja hidas liike rinnakkain muistuttaa valppaista taukoista väkivaltaisten elementtien kanssa taistelujen välillä. Ja vapaasti, improvisoitavasti rakennetun toccatan jälkeen kuuluu fuuga. Se keskittyy yhden teeman jäljittelevään kehitykseen, jossa vapaaehtoinen periaate näyttää hillitsevän alkuainevoimia: 2 Allegro moderato Laajalti levinnyt fuuga kehittyy koodiksi - viimeiseksi, viimeiseksi osaksi. Täällä taas puhkeaa toccatan improvisaatioelementti. Mutta lopulta hänet rauhoittavat jännittävät pakottavat huomautukset. Ja koko työn viimeiset tangot koetaan horjumattoman inhimillisen tahdon ankaraksi ja arvokkaaksi voitoksi. Koraalin alkusoitot muodostavat erityisen ryhmän Bachin urkujen teoksia. Niistä joukko suhteellisen pieniä lyyrisiä näytelmiä erottuu syvästä ilmeikkyydestään. Niissä koraalin melodian soundia rikastavat vapaasti kehitetyt säestykset. Näin kuvataan esimerkiksi yksi Bachin mestariteoksista, kuoron alkusoitto f -molli. Clavier Music Inventions Bach kokosi useita kokoelmia yksinkertaisista kappaleista niistä, jotka hän sävelsi opettaessaan vanhin poikansa Wilhelm Friedemannin. Yhdessä näistä kokoelmista hän sijoitti viisitoista kaksiosaista moniäänistä kappaletta 15 avaimeen ja kutsui niitä "keksinnöiksi". Latinaksi käännettynä sana "keksintö" tarkoittaa "keksintöä", "keksintöä". Bachin kaksiosaiset keksinnöt, jotka ovat käytettävissä aloittelevien muusikoiden esittämiseen, ovat todella merkittäviä moniäänisen kekseliäisyytensä ja samalla taiteellisen ilmeikkyytensä vuoksi. Joten ensimmäinen kaksiosainen keksintö C-duuri syntyy lyhyestä, sujuvasta ja kiireettömästä teemasta, joka on rauhallinen ja harkitseva. Ylempi ääni laulaa sen ja jäljittelee heti _toistoja toisessa oktaavissa - alempi: 14 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla joustavat pallot rullaavat. Toiston aikana (jäljitelmä) ylempi ääni jatkaa melodista liikettä. Tämä luo vastakohdan bassoteemalle. Lisäksi tämä vastakkainasettelu-jolla on sama melodinen kuvio-joskus kuulostaa, kun teema ilmestyy uudelleen yhdellä tai toisella äänellä (palkit 2-3, 7-8, 8-9). Tällaisissa tapauksissa oppositiota kutsutaan pidätetyksi (toisin kuin rajoittamattomia, jotka muodostetaan uudestaan ​​aina, kun teema toteutetaan). Kuten muissakin moniäänisissä teoksissa, myös tässä keksinnössä on osioita, joissa teema täydellisessä muodossaan ei kuulosta, vaan käytetään vain sen yksittäisiä käännöksiä. Tällaiset osiot on sijoitettu aiheen osien väliin ja niitä kutsutaan väliosiksi. Keksinnön yleisen koskemattomuuden C -duuri antaa yksi teema, joka on ominaista moniääniselle musiikille. Kappaleen keskellä poistutaan pääavaimesta ja se palaa loppua kohti. Tätä keksintöä kuunneltaessa voidaan kuvitella, että kaksi oppilasta toistaa ahkerasti oppitunnin ja yrittää kertoa toisilleen paremmin ja enemmän ilmaisua. Tässä kappaleessa, joka on rakenteeltaan samanlainen kuin C -duuri -keksintö, erityisellä tekniikalla on tärkeä rooli. Aiheen ensimmäisen johdannon jälkeen Ylemmässä äänessä alempi ääni jäljittelee paitsi sitä myös sen jatkoa (vastustusta). Joten jonkin aikaa on jatkuva kanoninen ja mitatointi ja likanon. Samanaikaisesti kahden osan keksintöjen kanssa Bach sävelsi viisitoista kolmiosaista moniäänistä kappaletta samoissa avaimissa. Hän nimitti heidät! "Sinfoniat" (käännetty kreikasta - "konsonanssi"). Vanhoina aikoina moniäänisiä instrumentaaliteoksia kutsuttiin usein niin. Mutta myöhemmin hyväksyttiin kutsua näitä näytelmiä kolmiosaisiksi keksinnöiksi. He käyttävät monimutkaisempia polyfonisen kehityksen tekniikoita. Kaikkein silmiinpistävin esimerkki on kolmiosainen keksintö f-molli (yhdeksäs). Se alkaa kahden vastakkaisen teeman samanaikaisella esittämisellä. Yksi niistä, bassoäänellä kuuluvan perusta, on mitattu jännittynyt laskeutuminen kromaattisia puolisävyjä pitkin. Tällaiset liikkeet ovat yleisiä vanhojen oopperoiden traagisissa aarioissa. Se on kuin pahan kohtalon, kohtalon synkkä ääni. Surulliset motiivit-huokaukset tunkeutuvat toiseen teemaan keskellä, altoääni: Nämä kaksi teemaa ovat tulevaisuudessa tiiviisti sidoksissa kolmanteen teemaan ja vieläkin sydämellisempää anomista. Näytelmän loppuun asti pahan kohtalon ääni on anteeksiantamaton. Mutta ihmisten surun äänet eivät lakkaa. Heissä välkkyy sammumaton ihmisen toivon kipinä. Ja se vilkkuu hetken F -duurin viimeisessä soinnussa. Bachin ”sinfonia” b-molli cembalo Bachin talossa Eisenachissa 15. Erottuu myös lyyrisestä näkemyksestä. Keksintöjen ja "sinfonioiden" käsikirjoituksen esipuheessa Bach huomautti, että niiden pitäisi auttaa kehittämään "melodista soittotapaa". Cembalolla tämä oli vaikea toteuttaa. Siksi Bach halusi käyttää kotona, myös luokkahuoneessa oppilaidensa kanssa, toista näppäimistöä - klavikordia. Sen heikko ääni ei sovellu konserttiesitykseen. Mutta kuten jo mainittiin, toisin kuin cembalo, klavikordin kielet eivät kynitty, vaan ne kiinnitetään varovasti metallilevyillä. Tämä lisää äänen melodisuutta ja mahdollistaa dynaamisia sävyjä. Siten Bach ennakoi melodisen ja johdonmukaisen äänen johtajuuden mahdollisuuksia pianolla - soittimella, joka oli vielä aikansa epätäydellinen. Ja tämän suuren muusikon toiveen tulisi muistaa kaikkien nykyaikaisten pianistien. Couranta on ranskalaista alkuperää oleva kolmiosainen tanssi. Mutta ranskalaisille cembalokelloille oli tyypillistä tietty rytminen hienostuneisuus ja käytös. Courant Bachin sviitissä c -molli muistuttaa tämän tanssilajin italialaista lajiketta - vilkkaampaa ja ketterämpää. Tätä helpottaa kahden äänen joustava yhdistelmä, jotka näyttävät provosoivan toisiaan: "Ranskasviitti" c -molli Kolme Bachin Clavier -sviittikokoelmaa on eri nimisiä. Hän itse kutsui kuuden kolmannen kokoelman sviittiä ”partitasiksi” (sviitin nimi ”partita” löytyy paitsi hänen teoksistaan14). Ja kahta muuta kokoelmaa - kuusi kappaletta kussakin - alettiin kutsua "ranskalaisiksi sviiteiksi" ja "englantilaisiksi sviiteiksi" Bachin kuoleman jälkeen epäselvistä syistä. Toinen ranskalaisista sviiteistä on kirjoitettu c -molli -avaimessa. Vanhoissa sviiteissä vakiintuneen perinteen mukaan se sisältää neljä pääosaa - Allemando, Couranta, Sarabanda ja Gigue sekä kaksi muuta väliosaa - Aria ja Minuet, jotka on lisätty Sarabandan ja Gigueen väliin. Allemand on tanssi, joka muotoutui 1500 -luvulla useissa Euroopan maissa - Englannissa, Alankomaissa, Saksassa, Ranskassa ja Italiassa. Esimerkiksi vanha saksalainen allemand oli hieman raskas ryhmätanssi. Mutta tultuaan clavier -sviitteihin 1700 -luvulla allemand melkein menetti tanssin piirteensä. "Esivanhemmiltaan" hän säilytti vain rauhallisen, asteittaisen askeleen, jonka koko oli neljä tai kaksi neljäsosaa. Lopulta siitä tuli löyhästi rakennettu alkusoitto. Se näyttää murheelliselta lyyriseltä alkusoitolta ja Allemandilta Bachin sviitistä c -molli. Kolme ääntä johtaa useimmiten linjansa tähän. Mutta joskus neljäs ääni yhdistää heihin. Samaan aikaan melodisin ääni on ylin: Sarabande on kolmiosainen espanjalainen tanssi. Kerran hän oli nopea, temperamenttinen ja myöhemmin hidas, juhlallinen, usein lähellä surua. Bachin sviitin Sarabande säilytetään alusta loppuun kolmiosaisessa varastossa. Keski- ja alaäänien liike on tiukkaa ja keskittynyttä koko ajan (neljäsosaa ja kahdeksasosaa). Ja ylemmän äänen liike on paljon vapaampaa ja liikkuvampaa, erittäin ilmeikäs. Kuudestoistaosa vallitsee täällä, usein on liikkeitä laajalla aikavälillä (viides, kuudes, seitsemäs). Näin muodostuu kaksi vastakkaista kerrosta musiikillisesta esityksestä, syntyy lyyrisesti voimakas ääni15: “Jaettu osiin” - sana ”partita” on käännetty italialaisesta kielestä (verbistä ”partire” - “jakaa”). Sarabandissa johtava ylempi ääni ei ole niin paljon kontrastia muiden kanssa, vaan täydentää niitä. 14 15 16 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla Preludi ja fuuga c-molli hyvin temperoidun Clavier-preludin ja -fuugan ensimmäisestä osasta, C-duuri, alkusoitto ja fuuga c-molli, alkusoitto ja fuuga C -duuri, alkusoitto ja fuuga c -molli - ja niin edelleen kaikkien kahdentoista oktaavin sisältämän puolisävelan kohdalla. Tuloksena on yhteensä 24 kaksiosaista sykliä "Preludi ja fuuga" kaikissa isoissa ja pienissä avaimissa. Näin molemmat kappaleet on rakennettu (yhteensä 48 alkusoittoa ja fuusiota) Bachin hyvin karkaistusta Clavierista. Tämä suurenmoinen teos tunnustetaan yhdeksi musiikkitaiteen maailman suurimmista. Näiden kahden kappaleen alkusoitot ja fuugat sisältyvät kaikkien ammattipianistien opetus- ja konserttiohjelmistoon. Bachin aikana tasapainoinen temperamentti vahvistui vähitellen vihdoin näppäimistöinstrumenttien virityksessä - oktaavin jakaminen kahdentoista yhtäläiseksi puolisävyksi. Aiemmin räätälöintijärjestelmä oli monimutkaisempi. Hänen kanssaan näppäimissä, joissa oli enemmän kuin kolme tai neljä merkkiä, jotkut välit ja soinnut kuulostivat epäsäännöllisiltä. Siksi säveltäjät välttivät käyttämästä tällaisia ​​tonaalisuuksia. Bach todisti ensimmäisenä The Well-Tempered Clavierissa loistavasti, että yhtäläisellä temperamentilla kaikkia 24 näppäintä voidaan käyttää yhtä menestyksekkäästi. Tämä avasi uusia näköaloja säveltäjille ja lisäsi esimerkiksi kykyä tehdä modulaatioita (siirtymiä) avaimesta toiseen. Teoksessa Hyvin karkaistu Clavier Bach vahvisti kahden osan jakson ”Prelude ja Fuga” tyypin. Alkusoitto on rakennettu vapaasti. Siinä homofoninen-harmoninen asenne ja improvisointi voivat olla merkittävässä roolissa. Tämä luo kontrastin fuugalle tiukasti moniäänisenä kappaleena. Samaan aikaan jakson "Preludi ja fuuga" osia yhdistää paitsi yhteinen tonaalisuus. Niiden välillä kussakin tapauksessa hienovaraiset sisäiset yhteydet ilmenevät omalla tavallaan. Nämä yhteiset tyypilliset piirteet voidaan jäljittää Prelude ja fuuga c-molli hyvin temperoidun Clavierin ensimmäisestä osasta. Prelude koostuu kahdesta pääosasta. Suurempi ensimmäinen on täysin täynnä nopeaa, tasaista kuusitoistaosien liikettä molemmissa käsissä. Se on täynnä ilmeikkäitä melodisia ja harmonisia elementtejä sisältäpäin. Näyttää siltä, ​​että pankkien ahtaana levoton virta virtaa: Gigue on nopea, pirteä tanssi, joka on peräisin Irlannista ja Englannista16. Ennen vanhaan englantilaiset merimiehet rakastivat tanssia. Sviiteissä gigue on yleensä viimeinen, viimeinen osa. Jigue C -molli, Bach käyttää usein kanonisen jäljittelyn tekniikkaa kahden äänen välillä (kuten keksinnössä F -duuri). Tämän näytelmän esitys on läpikuultava "pomppiva" pisteviiva rytmillä: Verrattuna Allemandin ja Courannan väliseen kontrastiin, kontrasti Sarabandan ja Gigan välillä on terävämpi. Mutta sitä pehmentää kaksi lisäosaa, jotka on asetettu niiden väliin. Osa, nimeltään "Aria", ei muistuta pikemminkin soololaulua oopperassa, vaan rauhallista, yksinkertaista kappaletta. Seuraava Minuet on ranskalainen tanssi, joka yhdistää liikkuvuuden ja armon. Joten tässä sviitissä, jossa on yksi yleinen tonaalisuus, kaikkia osia verrataan eri tavoin kuviollisessa suhteessa. Lietteen mitat ovat pääasiassa kolmivaiheisia. 1700 -luvulla se on pääasiassa 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla Keskiääni, selkeä, helpotus, hyvin muistettava teema, jossa on joustava tanssirytmi: 11 Moderato Energinen sitkeys yhdistyy teemassa armoon voimakkaan tahdonvoiman avulla, näppärää ilkivaltaa voi nähdä. Tämä tarjoaa mahdollisuuksia monipuoliselle ja dynaamiselle kehitykselle. Kehityksen alussa teema kuulostaa kevyeltä - ainoa kerta, kun se esitetään duurissa (E -duuri). Teeman kolmen pääkapellin toistossa pääavaimessa (c -molli) toinen, basso, saa niin voimakkaan ulottuvuuden, että se muistuttaa luonnonvoimien raivoamisesta alkusoitossa. Ja vielä yksi viimeinen fuusateeman johtaminen päättyy valaistuneeseen ennen duuria sointuun. Tämä samankaltaisuus alkusoiton ja fuusan välillä paljastaa syklin vastakohtien sisäisen emotionaalisen suhteen. Kun virta on kerännyt voimakasta energiaa, tämä virta ensimmäisen jakson lopussa näyttää ylivuotoiselta ja seuraavan osan alussa tulee entistä kiihkeämmäksi ja uhkaa pyyhkiä pois kaiken tielleen. Tämä alkusoiton huipentuma on merkitty nopeuden muutoksella nopeimpaan (Pesto) ja moniäänisen tekniikan - kaksiosaisen kaanonin - käyttöön. Mutta raivoava elementti pysähtyy yhtäkkiä pakottavilla iskuilla ja merkittävillä lauseilla. Täällä tapahtuu toinen tempon muutos - hitaimpaan (Adagio). Ja kolmannen temppomuutoksen jälkeen kohtuullisen nopeaan A11eggoon alkusoiton viimeisissä palkeissa bassoäänen urospiste hidastaa vähitellen oikean käden kuudennentoista nuotin liikettä. Se leviää pehmeästi ja jäätyy C -duurin sointuun. Rauha ja rauhoittuminen alkavat. Tämän esittelyn ilmaisen, improvisoivan valmistumisen jälkeen huomio siirtyy erilaiseen, vastakkaiseen suunnitelmaan. Kolmeosainen fuuga alkaa. Tämä sana latinaksi ja italiaksi tarkoittaa "juokse", "lento", "nopea virtaus". Musiikissa fuuga on monimutkainen moniääninen teos, jossa äänet näyttävät kaikuvan ja saavuttavan toisiaan. Useimmat fugat perustuvat yhteen teemaan. Fuugat, joissa on kaksi, vielä harvemmin kolme ja neljä teemaa, kohtaavat harvemmin. Ja äänien lukumäärän mukaan fuugoja on kaksi, kolme, neljä ja viisi. Yksi tumma fuuga alkaa teeman esittämisestä pääavaimessa yhdellä äänellä. Teemaa jäljitellään sitten vuorotellen muiden äänien kanssa. Näin muodostuu fuuga ensimmäinen osa - näyttely. Toisessa osassa - kehitys - teema näkyy vain muissa näppäimissä. Ja kolmannessa ja viimeisessä osassa - toistossa9 - se suoritetaan jälleen pääavaimella, mutta sitä ei enää esitetä yhdellä äänellä. Esitystä ei ehdottomasti toisteta täällä. Pysyviä vastakohtia ja välipaloja käytetään laajalti fuugoissa. Bachin c -molli -fuuga, josta puhumme, alkaa ja ilmestyy fuugassa - moniäänisen musiikin korkeimmassa muodossa - saavutti täyden kypsyytensä ja kirkkaimman kukinnan Bachin teoksessa. Kuuluisa venäläinen 1800-luvun säveltäjä ja pianisti Anton Grigorievich Rubinstein kirjoitti kirjassaan Musiikki ja sen edustajat ihaillen hyvin temperoitua Clavieria, että sieltä voi löytää ”uskonnollisten, sankarillisten, melankolisten, majesteettisten, surullisten, humorististen fuugoja”. , pastoraalinen, dramaattinen luonne; vain yhdessä asiassa ne ovat kaikki samanlaisia ​​- kauneudessaan ... ”Johann Sebastian Bachin aikalaisia ​​olivat suuri saksalainen säveltäjä Georg Friedrich Händel (1685-1759), merkittävä polyfonian mestari, virtuoosi urut. Hänen kohtalonsa oli erilainen. Hän vietti suurimman osan elämästään Saksan ulkopuolella ja muutti maasta toiseen (hän ​​asui useita vuosikymmeniä Englannissa). 18 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla Handel on kirjoittanut monia oopperoita, oratorioita ja erilaisia ​​instrumentaaliteoksia. Tietoja klassisen tyylin muodostumisesta musiikkikysymyksissä ja -tehtävissä 1. Mitä yhteistä Bachin hengellisillä ja maallisilla teoilla on? 2. Kerro meille Toccata ja fuuga uruille d -molli. 3. Laula tuttuja Bachin keksintöjen teemoja. Mikä on vastakohta, kun sitä kutsutaan säilytetyksi? 4. Mikä on välivaihe moniäänisessä kappaleessa? Mitä jäljitelmää kutsutaan kanoniseksi tai kaanoniksi? 5. Nimeä ja kuvaile "ranskalaisen sviitin" pääosat c -molli. 6. Miten Bachin hyvin karkaistu Clavier rakennetaan? 7. Mikä on tärkein ero alkusoiton ja fuusan välillä? Näytä tämä Preludilla ja fuugalla c-molli The Well-Tempered Clavierin ensimmäisestä osasta. Onko niiden välillä myös yhtäläisyyksiä? Musiikkiteatteri 1700 -luku, erityisesti sen puoliväli ja toinen puoli, oli suurten muutosten aikaa kaikilla eurooppalaisen musiikkitaiteen aloilla. Tämän vuosisadan alkaessa italialaisessa oopperassa syntyi vähitellen kaksi genriä-opera-seria (vakava) ja opera-buffa (sarjakuva). Opera-seriassa hallitsivat edelleen mytologiset ja historialliset juonet, joissa esiintyi niin sanottuja "korkeita" sankareita-mytologisia jumalia, muinaisten valtioiden kuninkaita, legendaarisia komentajia. Ja Opera Buffassa juonista on tullut pääasiassa nykyaikaisia. Sankareita täällä olivat tavalliset ihmiset, jotka toimivat energisesti ja uskollisesti. Giovanni Battista Pergolesi The Maid-Lady, joka ilmestyi yleisölle 1733 Napolissa, oli ensimmäinen erinomainen esimerkki buffa-oopperasta. Sankaritar - Serpinan yritteliäs palvelija - menee taitavasti naimisiin röyhkeän isäntänsä Uberton kanssa ja hänestä tulee rakastajatar. Kuten monet varhaiset italialaiset buffa-oopperat, The Maid-Lady esitettiin alun perin välivaiheena Pergolesin Ylpeiden vankien ooppera-sarjan näytösten välillä (muistakaa, että latinalainen sana interlude tarkoittaa välivaihetta). Pian "The Maid-Lady" saavutti suuren suosion monissa maissa itsenäisenä teoksena. Ranskassa koominen ooppera syntyi 1700 -luvun jälkipuoliskolla. Se syntyi hauskista, nokkelista komediaesityksistä, joissa musiikkia esitettiin teattereissa Pariisin messuilla. Ja muuttua koomiseksi oopperaksi, jossa hahmojen pääominaisuudet olivat laulunumerot, italialaisen ooppera-buffan esimerkki auttoi ranskalaisia ​​messukomedioita. Italialaisten "buffonien" oopperajoukon esitykset Pariisissa olivat välttämättömiä tähän, kun "The Maid-Lady" Pergolesi lumosi Ranskan pääkaupungin kirjaimellisesti. Toisin kuin italialainen ooppera-buffa, ranskalaisissa koomikoissa oudot numerot eivät vuorottele resitatiivien, vaan puhuttujen dialogien kanssa. Myös zing -spiel on rakennettu - saksalainen ja itävaltalainen sarjakuvaooppera, joka ilmestyi toisessa suuressa teoksessa Laulu- ja instrumentaaliteokset "Passion for John", "Passion for St. Matthew", messu b -molli Hengelliset kantaatit (noin 200 selviytyneet) ja maalliset kantatat (säilynyt yli 20) kaksi viulua Teokset jousitetuille instrumenteille 3 sonaattia ja 3 partitaa sooloviululle 6 sonaattia viululle ja cembalolle 6 sviittiä ("sonaatit") soolosellolle Urkuteokset 70 kuoropreludia Preludit ja fuusat Toccata ja fuga d -molli Passacaglia c -molli Piano Kokoelma "Pienet alkusoitot ja fuugat" 15 kaksiosaista keksintöä ja 15 kolmiosaista keksintöä ("sinfoniat") 48 "Hyvin temperoidun clavierin" 6 alkusoittoa ja fuukaa kikh "ja 6" englantilaista "sviittiä 6 sviittiä (partitas)" italialainen konsertti "cembalolle" Kromaattinen fantasia ja fuuga "" Fuugan taide "19 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla keskellä 1700 -luku 17. Kaiken sarjakuvaoopperan musiikilliselle kielelle on ominaista läheinen yhteys kansanlaulu- ja tanssimelodioihin. 1700-luvun jälkipuoliskolla suuri saksalainen säveltäjä Christoph Willibald Gluck (1714-1787) uudisti radikaalisti vakavia oopperalajeja. Hän kirjoitti ensimmäisen uudistusmielisen oopperansa Orpheus ja Eurydice (1762) juonesta legendaarisesta antiikin kreikkalaisesta laulajasta, jota on käytetty toistuvasti oopperoissa varhaisimmista (tästä keskusteltiin johdannossa). Gluck otti vaikean tien uudistusmuodossaan oopperassa. Hänellä oli mahdollisuus vierailla Englannissa monissa Euroopan maissa - Saksassa, Itävallassa, Tanskassa sekä slaavilaisten asuttamassa Tšekissä. Ennen vakiintumistaan ​​Wieniin Gluck lavasi 17 oopperasarjaaan Milanon, Venetsian, Napolin, Lontoon, Kööpenhaminan, Prahan ja muiden kaupunkien teattereiden lavalle. Tämän genren oopperat esitettiin tuomioistuinten teattereissa monissa Euroopan maissa. Poikkeus oli Ranska. Siellä he jatkoivat 1700 -luvun puolivälissä vakavien oopperan säveltämistä ja näyttämistä vain perinteiseen ranskalaiseen tyyliin. Mutta Gluck tutki huolellisesti kuuluisien ranskalaisten säveltäjien Jean-Baptiste Lullyn ja Jean-Philippe Rameaun oopperapartituureja. Lisäksi Gluck kirjoitti ja ohjasi menestyksekkäästi kahdeksan teosta ranskalaisen sarjakuvaoopperan Wienissä. Hän tunsi epäilemättä hyvin italialaiset buffa -oopperat, saksalaiset ja itävaltalaiset laulupiirit. Kaikki tämä tieto mahdollisti Gluckin päivittää ratkaisevasti vakavien oopperoiden jo vanhentuneita sävellysperiaatteita. Gluck aloitti reformistisissa oopperoissaan, jotka esitettiin ensin Wienissä ja sitten Pariisissa, ja välitti sankareiden emotionaalisia kokemuksia paljon suuremmalla totuudella ja dramaattisella jännityksellä ja tehokkuudella. Hän kieltäytyi kasaamasta virtuoosikohtia aarioihin ja tehosti lausumisen ilmaisukykyä. Hänen oopperoistaan ​​tuli määrätietoisempia musiikillisen ja näyttämöllisen kehityksen kannalta, harmonisempia koostumukseltaan. Niinpä musiikkikielellä ja uusien koomisten ja uudistettujen vakavien oopperojen rakentamisessa tunnistettiin uuden klassisen tyylin tärkeitä erityispiirteitä - kehityksen aktiivinen tehokkuus, ilmaisukeinojen yksinkertaisuus ja selkeys, sävellyksen harmonia, yleinen jalo ja musiikin ylellinen luonne. Tämä tyyli muotoutui vähitellen eurooppalaisessa musiikissa koko 1700-luvun, kypsyi 1770-1780 ja hallitsi 1800-luvun toisen vuosikymmenen puoliväliin saakka. On pidettävä mielessä, että "klassisen" määritelmällä voi olla toinen, laajempi merkitys. "Klassikoita" (tai "klassikoita") kutsutaan myös musiikki- ja muiksi taideteoksiksi, jotka on tunnustettu esimerkillisiksi, täydellisiksi ja vertaansa vailla - riippumatta niiden luomisajasta. Tässä mielessä 1500 -luvun italialaisen säveltäjän Palestrinan massoja, Prokofjevin oopperoita ja 1900 -luvun venäläisten säveltäjien Šostakovitšin sinfonioita voidaan kutsua klassisiksi tai klassikoiksi. Instrumentaalinen musiikki Samalla laajalla kansainvälisellä tasolla kuin Gluckin oopperauudistus, instrumentaalimusiikki kehittyi voimakkaasti 1700 -luvulla. Se toteutettiin monien Euroopan maiden säveltäjien sovintoratkaisulla. Tukeen laulua ja tanssia, kehittäen musiikkikielen klassista selkeyttä ja dynaamisuutta, he muodostivat vähitellen uusia tyylisyklejä syklisistä instrumentaaliteoksista - kuten klassista sinfoniaa, klassista sonaattia, klassista jousikvartettoa. Heissä sonaattimuodolla oli suuri merkitys. Siksi instrumentaalisia jaksoja kutsutaan sonaateiksi tai sonata-sinfonisiksi. Sonaattimuoto. Tiedät jo, että moniäänisen musiikin korkein muoto on fuuga. Sonaattimuoto on homofonisen harmonisen musiikin korkein muoto, jossa polyfonisia tekniikoita voidaan käyttää vain joskus. Rakenteeltaan nämä kaksi muotoa muistuttavat toisiaan. Kuten fuusassa, sonaattimuodossa on kolme pääosaa: esittely, tarkennus ja toisto. Mutta niiden välillä on myös merkittäviä eroja. Suurin ero sonaattimuodon ja fuusan välillä näkyy heti esityksessä 18. Valtaosa fuugista on rakennettu kokonaan yhteen aiheeseen, joka esityksessä pidetään vuorotellen kussakin. Tämä saksalainen sana tulee sanasta "singen" ("laulaa ") ja" Spiel "(" pelata ") ... 18 Latinalaista alkuperää oleva sana tarkoittaa "esittely", "show". 20 www.classON.ru Lasten koulutus taiteen alalla Venäjällä ääni. Ja sonaattimuodon esittelyssä esiintyy pääsääntöisesti kaksi pääteemaa, jotka ovat luonteeltaan enemmän tai vähemmän erilaisia. Ensin pääosan teema kuulostaa, myöhemmin sivun teema. "Toissijaisen" määritelmää ei missään tapauksessa saa ymmärtää "toissijaiseksi". Sonaattimuodossa itse asiassa sivuosan teema on yhtä tärkeä kuin pääosan teema. Sanaa "toissijainen" käytetään tässä, koska toisin kuin ensimmäinen, esityksessä se ei välttämättä kuulu pääavaimessa, vaan toisessa, toisin sanoen toissijaisessa avaimessa. Jos klassisessa musiikissa näyttelyn pääosa on pääosa, toissijainen osa esitetään hallitsevan avaimessa (esimerkiksi jos pääosan avain on C -duuri, toissijaisen osan avain on G suuri). Jos näyttelyn pääosa on vähäinen, toissijainen osa esitetään rinnakkaissuurina (esimerkiksi jos pääosan avain on c -molli, niin toissijaisen osan avain on es -duuri). Pää- ja toissijaisten erien väliin sijoitetaan joko pieni nippu tai linkittäjä. Tässä voi esiintyä itsenäinen, melodinen helpotusteema, mutta pääosan teeman intonaatioita käytetään useammin. Linkkiosalla on siirtyminen sivuosaan, se mukautuu sivuosan avaimeksi. Tonaalinen vakaus on siten heikentynyt. Huhu alkaa odottaa jonkin uuden "musiikkitapahtuman" alkamista. Se osoittautuu sivupuolueen teeman syntymiseksi. Joskus esittelyä voi edustaa esittely. Ja sivupelin jälkeen kuuluu joko pieni johtopäätös tai kokonainen lopullinen peli, usein itsenäinen teema. Näin näyttely päättyy, mikä vahvistaa sivuosan tonaalisuutta. Säveltäjän johdolla koko näyttely voidaan toistaa. Kehitys on sonaattimuodon toinen osa. Siinä näyttelystä tutut teemat ilmestyvät uusissa versioissa, vuorottelevat ja vertaavat eri tavoin. Tällainen vuorovaikutus ei useinkaan liity kokonaisiin aiheisiin, vaan niistä eristettyihin motiiveihin ja lauseisiin. Toisin sanoen kehityksen teemat on ikään kuin jaettu erillisiin elementteihin, jotka paljastavat niihin sisältyvän energian. Samaan aikaan tonaalisuus vaihtuu usein (pääääntä kosketetaan täällä harvoin ja lyhyesti). Eri tonaalisuuksissa esiintyvät teemat ja niiden elementit valaistaan ​​uudella tavalla uusista näkökulmista. Kun kehitys kehityksessä saavuttaa huipussaan merkittävän jännitteen, sen suunta muuttaa suuntaa. Tämän jakson lopussa valmistellaan paluu pääavaimeen, ja käänne toistetaan. Reprise on sonaattilomakkeen kolmas osa. Se alkaa pääosan palauttamisesta pääavaimeen. Yhdistävä osapuoli ei johda uuteen avaimeen. Päinvastoin, se vahvistaa tärkeintä tonaalisuutta, jossa sekä toissijainen että viimeinen osa toistetaan nyt. Joten toisto, sävyvakaudellaan, tasapainottaa kehityksen epävakaan luonteen ja antaa kokonaisuudelle klassisen harmonian. Toistoa voidaan joskus täydentää lopullisella rakenteella - coda (tulee latinalaisesta sanasta, joka tarkoittaa "häntä"). Joten kun fuuga kuulostaa, huomiomme keskittyy kuuntelemiseen, pohtimiseen ja tuntemiseen yhdeksi musiikkideaksi, joka on yhden teeman ilmentymä. Kun teosta soitetaan sonaattimuodossa, korvaamme seuraa kahden pääteeman (ja toisiaan täydentävän) vertailua ja vuorovaikutusta - ikään kuin seuraisi eri musiikkitapahtumien kehitystä, musiikillista toimintaa. Tämä on tärkein ero näiden kahden musiikkimuodon taiteellisten mahdollisuuksien välillä. Klassinen sonaatti (sonaatti-sinfoninen) sykli. Noin 1700 -luvun viimeisellä kolmanneksella klassinen sonaattisykli sai lopulta muodon musiikissa. Aiemmin instrumentaaliteoksia hallitsi sviitin muoto, jossa hitaat ja nopeat osat vuorottelevat, ja sen lähellä olevan vanhan sonaatin muoto. Nyt klassisessa sonaattisyklissä osien määrä on määritetty tarkasti (yleensä kolme tai neljä), mutta niiden sisältö on monimutkaisempaa. Ensimmäinen osa on pääsääntöisesti kirjoitettu sonaattimuodossa, josta keskusteltiin edellisessä kappaleessa. Hän kävelee nopeaa tai kohtalaista vauhtia. Useimmiten se on A11eggo. Siksi tällaista osaa kutsutaan yleensä sonata allegroksi. Musiikissa on usein energinen, tehokas luonne, usein jännittynyt, dramaattinen. Toinen osa on aina ristiriidassa ensimmäisen tempon ja yleisen luonteen kanssa. Usein se on hidasta, lyyrisintä ja melodista. Mutta se voi olla erilainen, esimerkiksi samanlainen kuin rauhallinen kerronta tai tanssimainen. Kolmiosaisessa jaksossa, viimeinen, kolmas osa, finaali on jälleen nopea, yleensä kiihkeämpi, mutta vähemmän sisäisesti jännittynyt kehitykseen verrattuna ensimmäisen kanssa. Klassisten sonaattisyklien (etenkin sinfonioiden) finaalit maalaavat usein kuvia väkijoukosta ja niiden aiheet ovat lähellä kansanlauluja ja tansseja. Tässä tapauksessa käytetään usein rondomuotoa (ranskalaisesta "ronde" - "ympyrä"). Kuten tiedätte, ensimmäinen osa (pidättäydytään) toistetaan useita kertoja vuorotellen uusien osioiden (jaksojen) kanssa. 21 www.classON.ru Lasten taideopetus Venäjällä ensimmäinen ooppera? 3. Mihin aikaan klassinen tyyli kypsyi ja mihin aikaan se hallitsi musiikkia? Selitä ero klassisen määritelmän kahden merkityksen välillä. 4. Mitä samankaltaisuuksia fuugan ja sonaattimuodon välillä on yleisessä rakenteessa? Mikä on tärkein ero niiden välillä? 5. Mitkä ovat sonaattilomakkeen pää- ja lisäosat? Piirrä siitä kaavio. 6. Miten sonaattimuodon pää- ja toissijaiset osat liittyvät toisiinsa esityksessään ja toistossaan? 7. Mikä on tyypillistä kehitykselle sonaattimuodossa? 8. Kuvaile klassisen sonaattisyklin osat. 9. Nimeä klassisten sonaattisyklien päätyypit esiintyjien kokoonpanon mukaan. Kaikki tämä erottaa myös monet neljän osan jaksojen finaalista. Mutta niihin äärimmäisten osien (ensimmäinen ja neljäs) väliin sijoitetaan kaksi keskiosaa. Yksi - hidas - on yleensä sinfonian toinen ja kvartetin kolmas. 1700 -luvun klassisten sinfonioiden kolmas osa on Minuet, joka sijoittuu neljänneksen toiseksi. Mainitsimme siis sanat "sonaatti", "kvartetti", "sinfonia". Ero näiden jaksojen välillä riippuu esiintyjien kokoonpanosta. Sinfonialle kuuluu erityinen paikka - kappale orkesterille, joka on tarkoitus soittaa suuressa huoneessa lukuisten kuuntelijoiden edessä. Tässä mielessä sinfonia on lähellä konserttia - kolmiosainen teos sooloinstrumentille orkesterin kanssa. Yleisimmät kamarisinstrumenttisyklit ovat sonaatti (yhdelle tai kahdelle instrumentille), trio (kolmelle instrumentille), kvartetti (neljälle soittimelle), kvintetti (viidelle instrumentille) 19. Sonaattimuoto ja sonaattisymfoninen sykli, kuten koko klassinen musiikkityyli, muodostettiin 1700-luvulla, jota kutsutaan "valaistumisen aikakaudeksi" (tai "valaistumisen aikakaudeksi") sekä "ikäksi" syystä ". Tällä vuosisadalla, erityisesti sen toisella puoliskolla, niin kutsutun "kolmannen kiinteistön" edustajia ylennettiin monissa Euroopan maissa. Nämä olivat ihmisiä, joilla ei ollut aatelisia tai pappeja. He saivat menestyksensä omasta työstään ja aloitteellisuudestaan. He julistivat "luonnollisen ihmisen" ihanteen, jonka luonto itse antoi luovaa energiaa, kirkasta mieltä ja syviä tunteita. Tämä optimistinen demokraattinen idea heijastui omalla tavallaan musiikista ja muista taiteen ja kirjallisuuden muodoista. Esimerkiksi ihmismielen ja väsymättömien käsien voitto valaistumisen alussa kirkastui englantilaisen kirjailijan Daniel Defoen kuuluisalla romaanilla Robinson Crusoen elämä ja hämmästyttävät seikkailut, joka julkaistiin vuonna 1719. Jozef Haydn 1732-1809 Musiikin klassinen tyyli saavutti kypsyytensä ja suuren kukinnan Joseph Haydnin, Wolfgang Amadeus Mozartin ja Ludwig van Beethovenin teoksissa. Heidän elämänsä ja työnsä viettivät pitkään Itävallan pääkaupungissa Wienissä. Siksi Haydnia, Mozartia ja Beethovenia kutsutaan Wienin klassikoiksi. Itävalta oli monikansallinen valtakunta. Siinä asui unkarilaisia ​​ja erilaisia ​​slaavilaisia ​​kansoja, mukaan lukien tšekit, serbit, kroaatit, yhdessä itävaltalaisten kanssa, joiden äidinkieli on saksa. Heidän laulu ja kysymykset ja tehtävät 1. Mitkä ovat 1600 -luvun sarjakuvaooppeiden kansalliset lajikkeet? Mitä eroa on italialaisen oopperan buffan rakentamisen ja ranskalaisen sarjakuvaoopperan rakentamisen välillä? 2. Mihin maihin ja kaupunkeihin suuren oopperauudistajan Christoph Willibald Gluckin toiminta liittyi? Minkä juonen hän kirjoitti? Muiden kamarimusiikkisoitinjaksojen nimi - sekstetti (6), septetti (7), oktetti (8), nonet (9), desimetri (10). "Kamarimusiikin" määritelmä tulee italialaisesta sanasta "kamera" - "huone". 1800 -luvulle asti sävellyksiä useille instrumenteille esitettiin usein kotona, eli ne ymmärrettiin "huoneemusiikiksi". 19 22 www.classON.ru Lasten opetusta venäläisen taiteen tanssimelodioiden parissa saatiin kuulla sekä kylissä että kaupungeissa. Wienissä kansanmusiikki kuului kaikkialla - keskustassa ja laitamilla, katujen risteyksessä, julkisissa puutarhoissa ja puistoissa, ravintoloissa ja pubeissa, rikkaissa ja köyhissä yksityistaloissa. Wien oli myös merkittävä ammattimaisen musiikkikulttuurin keskus, joka keskittyi keisarilliseen hoviin, aateliston kappeliin 1 ja aristokraattisiin salonkeihin, katedraaleihin ja kirkkoihin. Itävallan pääkaupungissa italialaista ooppera-seriaa on viljelty pitkään, täällä, kuten jo mainittiin, Gluck aloitti oopperauudistuksen. Musiikki seurasi runsaasti oikeusjuhlia. Mutta myös wieniläiset osallistuivat mielellään iloiseen musiikkiesitykseen, josta singspilsit syntyivät, ja he rakastivat tanssia erittäin paljon. Wienin kolmesta suuresta musiikkiklassikosta Haydn on vanhin. Hän oli 24 -vuotias Mozartin syntyessä ja 38 -vuotias Beethovenin syntyessä. Haydn eli pitkän elämän. Hän selviytyi varhain kuolleesta Mozartista lähes kahdella vuosikymmenellä ja oli vielä elossa, kun Beethoven oli jo luonut suurimman osan kypsistä teoksistaan. Yksityiselle ruhtinas teatterille hän kirjoitti yli kaksi tusinaa oopperaa tyylilajissa seria, buffa sekä useita "nukke" -oopperaa nukkejen esittämiin esityksiin. Mutta hänen tärkeimpien luovien kiinnostuksen kohteidensa ja saavutustensa alue on sinfoninen ja kamarinen2 -instrumentaalimusiikki. Yhteensä nämä ovat yli 800 sävellystä3. Niistä yli 100 sinfoniaa, yli 80 jousikvartettoa ja yli 60 klavierisonaattia ovat erityisen merkittäviä. Kypsissä näytteissään suuren itävaltalaisen säveltäjän optimistiset näkymät paljastettiin suurimmalla täydellisyydellä, kirkkaudella ja omaperäisyydellä. Vain joskus tämä kirkas näkymä laukaisee synkkemmän tunnelman. Heidät voittaa aina Haydnin ehtymätön rakkaus elämään, tarkka havainto, iloinen huumori, yksinkertainen, terveellinen ja samalla runollinen käsitys ympäröivästä todellisuudesta. Elämän polku Varhaislapsuus. Rorau ja Hainburg. Franz Joseph Haydn syntyi vuonna 1732 Roraun kylässä Itä -Itävallassa, lähellä Unkarin rajaa ja lähellä Wieniä. Haydnin isä oli taitava valmentaja, hänen äitinsä toimi kokkina kreivin, Roraun omistajan, kartanolla. Hänen vanhin poikansa Joseph, jota perheessä kutsuttiin hellästi Sepperliksi, hänen vanhempansa opettivat varhain olemaan ahkera, siisti ja siisti. Haydnin isä ei tiennyt nuotteja ollenkaan, mutta hän rakasti laulamista ja soitti harpulla, varsinkin kun hän oli laulussa. vieraat kokoontuivat pieneen taloon. Sepperl lauloi kirkkaalla, hopeisella äänellä ja paljasti upean korvan musiikille. Ja kun poika oli vain viisi vuotta vanha, hänet lähetettiin naapurikaupunkiin Hainburgiin kaukaisen sukulaisen luo, joka johti kirkon koulua ja kuoroa. Hainburgissa Sepperl oppi lukemaan, kirjoittamaan, laskemaan, laulamaan kuorossa ja alkoi hallita myös klavikordin ja viulun soiton taitoja. Mutta elämä ei ollut hänelle helppoa vieraassa perheessä. Vuosia myöhemmin hän muisteli, että hän sai sitten "enemmän malleja kuin ruokaa". Heti kun Sepperl saapui Hainburgiin, häntä käskettiin oppimaan timpanien voittaminen voidakseen osallistua samaan kirkon kulkueeseen musiikin kanssa. Poika otti seulan, veti sen päälle kangaspalan ja alkoi harjoitella ahkerasti. Hän selviytyi tehtävästään onnistuneesti. Ainoastaan ​​kulkuetta järjestettäessä heidän täytyi ripustaa soitin hyvin lyhyen ihmisen selkään. Ja hän oli ryppyinen, mikä sai yleisön nauramaan. Wienin Pyhän Tapanin katedraalin kappelissa. Wienin katedraalin kapellimestari ja hovisäveltäjä Georg Reuter kiinnitti Hainburgiin matkalla, kun hän kiinnitti huomiota erinomaiseen musiikilliseen kykyyn. Haydn oli vilpittömästi uskonnollinen henkilö. Hän on kirjoittanut useita messuja ja muita hengellisiä tekstejä koskevia laulu- ja instrumentaaliteoksia. 23 www.classON.ru Lasten taidekasvatus Venäjällä Sepperl. Niinpä vuonna 1740 kahdeksanvuotias Haydn löysi itsensä Itävallan pääkaupungista, missä hänet hyväksyttiin kuoroksi Pyhän Tapanin katedraalin (pää) katedraalin kappeliin. teen sen itse. Vaikea alku itsenäiselle elämälle. Kun nuoren miehen ääni alkoi katketa ​​kahdeksantoista vuoden ikäisenä - se kävi tilapäisesti käheäksi ja menetti joustavuutensa, hänet heitettiin töykeästi ja armottomasti ulos kappelista. Kun hän olisi löytänyt itsensä ilman suojaa ja keinoja, hän olisi voinut kuolla nälkään ja kylmään, ellei hän olisi jo jonkin aikaa suojautunut tutulta laulajalta, joka asui vaimonsa ja lapsensa kanssa pienessä huoneessa katon alla. Haydn alkoi ottaa vastaan ​​mitä tahansa musiikkityötä, joka ilmestyi: hän kirjoitti nuotit uudelleen, antoi penniäkään laulutunteja, soitti clavieria, osallistui viulistina Streetin instrumentaaliyhtyeissä, jotka esittivät yöllä serenadeja kenen tahansa kaupunkilaisen kunniaksi. Lopulta hän pystyi vuokraamaan pienen huoneen Wienin keskustan talon kuudennessa ja viimeisessä kerroksessa. Tuuli puhalsi huoneen läpi, ei ollut liesiä, ja talvella vesi jäätyi usein. Haydn eli tällaisessa ahdingossa kymmenen vuotta. Mutta hän ei lannistunut ja harjoitti innokkaasti suosikkitaiteitaan. "Kun istuin vanhan, madon syömän clavierini luona", hän muisteli vanhuudessa, "en kadehtinut kenenkään kuninkaan onnea." Haydn auttoi voittamaan arjen vaikeudet hänen vilkas, iloinen luonteensa. Kerran esimerkiksi yöllä hän sijoitti muusikkotoverinsa eristäytyneisiin kulmiin yhdelle Wienin kaduille, ja hänen signaalinsa mukaan kaikki alkoivat soittaa mitä haluavat. Tuloksena oli "kissakonsertti", joka aiheutti kohua ympäröivien asukkaiden keskuudessa. Kaksi muusikosta vietiin poliisille, mutta skandaalin "serenadin" yllyttäjää ei luovutettu. Haydn tapasi suositun sarjakuvanäyttelijän ja työskenteli hänen kanssaan laman demonin laulamispelin säveltämiseksi ja ansaitsi pienen summan rahaa., Palveli häntä jalkaväenä. Vähitellen Haydn alkoi saada mainetta Wienissä sekä opettajana että säveltäjänä. Hän tapasi kuuluisia ihmisiä; muusikot ja musiikin ystävät. Näkyvän virkamiehen talossa hän alkoi osallistua kamariyhtyeiden esitykseen ja loi ensimmäiset jousikvartetot konsertteihin maalaistalollaan. Haydn kirjoitti ensimmäisen sinfoniansa vuonna 1759, kun hän sai käytettävissään pienen orkesterin, josta tuli kreivi Morcinin kappelin pää. Kreivi piti vain yksittäisiä muusikoita. Haydn, joka meni naimisiin Wienin kampaajan tyttären kanssa, joutui pitämään tämän salassa. Mutta tämä jatkui vasta vuoteen 1760, jolloin Wienissä, suuressa kauniissa kaupungissa, jossa oli upeita rakennuksia ja arkkitehtonisia kokonaisuuksia, poika valtasi uusien elävien vaikutelmien aallon. Monikansallinen kansanmusiikki soi ympärillä. Katedraalissa ja keisarillisessa hovissa, jossa myös kappeli esiintyi, esitettiin juhlallisia laulu- ja instrumentaaliteoksia. Mutta olemassaolon olosuhteet osoittautuivat jälleen vaikeiksi. Luokissa, harjoituksissa ja esityksissä kuorolaiset pojat olivat hyvin väsyneitä. Heitä ruokittiin niukasti, he olivat jatkuvasti puoliksi nälkään. Heitä rangaistiin ankarasti kepeistään. Pikku Haydn jatkoi ahkerasti laulun taiteen opiskelua, soittamista clavieria ja viulua, ja hän todella halusi säveltää musiikkia. Reuter jätti tämän kuitenkin huomiotta. Liian kiireinen omien asioidensa kanssa, hän antoi hänelle vain kaksi sävellysoppituntia kaikkien yhdeksän vuoden aikana Haydnin kappelissa olon aikana. Mutta Joseph jatkoi itsepäisesti tavoitteitaan, ahkerasti. Useita vuosia myöhemmin hän kirjoitti uuden laululaulun nimeltä "The New Lame Devil". 20 24 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla, kreivin aineelliset asiat järkyttyivät ja hän hylkäsi kappelinsa. Haydnin avioliitto oli epäonnistunut. Hänen valitsemansa erottui vaikeasta, riitaisesta luonteesta. Hän ei ollut lainkaan kiinnostunut aviomiehensä sävellysasioista - siinä määrin kuin hän teki papillotteja ja patetteja pastaa varten hänen teostensa käsikirjoituksista. Muutamaa vuotta myöhemmin Haydn alkoi asua erillään vaimostaan. Heillä ei ollut lapsia. Esterhazyn ruhtinaiden kappelissa. Vuonna 1761 varakas unkarilainen; Prinssi Pal Antal Esterhazy kutsui Haydnin Eisen Stadtiin varapuheenjohtajaksi. Siitä hetkestä lähtien Haydnin palvelu Esterhazy -perheen kanssa alkoi, ja se kesti kolme vuosikymmentä. Viisi vuotta myöhemmin hänestä tuli Kapellmeister vanhan muusikon kuoleman jälkeen. Pala Antalan perillinen, joka kuoli vuonna 1762, hänen veljensä Myklos 1, lempinimeltään Magnificent, erottui sitoutumisesta ylellisyyteen ja kalliiseen viihteeseen. Muutamaa vuotta myöhemmin hän muutti asuinpaikkansa Eisenstadtista uuteen 126 huoneen maalaistaloon, ympäröi sen valtava puisto, rakensi oopperatalon, jossa oli 400 istumapaikkaa ja nukketeatterin, ja lisäsi merkittävästi kappelin muusikoiden määrää . Työskentely siinä antoi Haydnille hyvää aineellista tukea ja lisäksi mahdollisuuden säveltää paljon ja testata itsensä heti käytännössä ohjaamalla uusien teostensa orkesteriesitystä. Esterhaseissa (kuten uutta ruhtinaskunnan asuinpaikkaa kutsuttiin) järjestettiin usein ruuhkaisia ​​vastaanottoja, joihin usein osallistui korkeita ulkomaisia ​​vieraita. Tämän ansiosta Haydnin työ tuli vähitellen tunnetuksi Itävallan ulkopuolella. Mutta tässä kaikessa oli, kuten sanotaan, ja kolikon toinen puoli. Palvelukseen tullessaan Haydn allekirjoitti sopimuksen, jonka mukaan hänestä tuli eräänlainen musiikkipalvelija. Joka päivä, ennen ja jälkeen illallisen, hänen täytyi ilmestyä palatsin eteen jauhemaisena peruukina ja valkoisina sukkaina kuuntelemaan prinssin käskyjä. Sopimus velvoitti Haydnin kirjoittamaan pikaisesti "mitä tahansa musiikkia, jonka hänen herransa haluaa, olemaan näyttämättä kenellekään uusia sävellyksiä, ja etenkin sallimatta kenenkään kirjoittaa niitä pois, vaan pitämään ne yksinomaan herruutensa vuoksi eikä säveltämään mitään kenellekään ilman hänen tietämyksensä ja armollinen lupa "... Lisäksi Haydnin oli noudatettava kappelin järjestystä ja muusikoiden käyttäytymistä, annettava oppitunteja laulajille ja vastattava instrumenttien ja nuottien turvallisuudesta. Hän ei asunut palatsissa, vaan naapurikylässä, pienessä talossa. Eisenstadtista ruhtinaskunta muutti talvella Wieniin. Ja Esterhazasta Haydn pääsi pääkaupunkiin vain satunnaisesti prinssin kanssa tai erityisellä luvalla. Monien Eisenstadtissa ja Esterhaseissa vietettyjen vuosien aikana Haydn muuttui aloittelevasta muusikosta suureksi säveltäjäksi, jonka työ saavutti korkean taiteellisen täydellisyyden ja sai tunnustusta paitsi Itävallassa myös kaukana sen rajoista. Niinpä hän kirjoitti kuusi "Pariisin sinfoniaa" (nro 82-87) tilauksesta Ranskan pääkaupungista, jossa ne esitettiin menestyksekkäästi vuonna 1786. Haydnin tapaamiset Wolfgang Amadeus Mozartin kanssa Wienissä ovat peräisin 1780 -luvulta. Ystävällinen lähentyminen vaikutti myönteisesti molempien suurten muusikoiden työhön. Ajan myötä Haydn tuli tietoisemmaksi riippuvaisesta asemastaan. Kirjeissään ystäville Wienin Esterhazysta, jotka on kirjoitettu vuoden 1790 ensimmäisellä puoliskolla, on tällaisia ​​lauseita: ”Nyt - istun erämaassani - hylätty - kuin köyhä orpo - melkein ilman ihmisiä - surullinen ... Esterhazyn viimeiset ruhtinaat omistivat valtavia kartanoita, heillä oli paljon palvelijoita ja he johtivat palatseissaan samanlaista elämää kuin kuninkaallinen. Erityinen 25 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla päiviä En tiennyt, olenko kapellimestari vai kapellimestari ... On surullista olla orja koko ajan ... ”Uusi käänne kohtalossa . Matkustaa Englantiin. Miklos Esterhazy kuoli syksyllä 1790. Hän oli valaistunut musiikin ystävä, soitti jousisoittimia eikä voinut muuta kuin arvostaa omalla tavallaan sellaista "musiikillista palvelijaa" kuin Haydn. Prinssi jätti hänelle suuren eläkkeen. Miklosin perillinen Antal, välittämättä musiikista, hylkäsi kappelin. Mutta koska hän halusi kuuluisan säveltäjän olevan edelleen hänen hovinsoitonjohtajana, hän jopa lisäsi rahallisia maksujaan Haydnille, joka näin vapautui virallisista velvollisuuksista ja saattoi luopua kokonaan itsestään. Haydn muutti Wieniin tarkoituksenaan säveltää musiikkia ja kieltäytyi aluksi tarjouksista vierailla muissa maissa. Mutta sitten hän suostui tarjoukseen tehdä pitkä matka Englantiin ja saapui alkuvuodesta 1791 Lontooseen. Niinpä jo lähestyessään kuusikymmentä syntymäpäiväänsä Haydn näki ensin meren omin silmin ja löysi ensimmäistä kertaa toisessa tilassa. Toisin kuin Itävalta, joka oli edelleen feodaalisesti aristokraattinen järjestyksessään, Englanti oli pitkään ollut porvarillinen maa, ja Lontoon sosiaalinen, myös musiikillinen elämä oli hyvin erilaista kuin Wienissä. Lontoossa, valtavassa kaupungissa, jossa on monia teollisia ja kaupallisia yrityksiä, konsertteja ei järjestetty valikoiduille ihmisille, jotka on kutsuttu aateliston palatseihin ja salonkeihin, vaan järjestetään julkisissa salissa, joihin kaikki tulivat maksua vastaan. Haydnin nimi Englannissa ympäröi jo kirkkauden aura. Sekä kuuluisat muusikot että arvohenkilöt kohtelivat häntä paitsi tasa -arvoisena myös erityisellä kunnioituksella. Hänen uudet teoksensa, joissa hän toimi kapellimestarina, otettiin innokkaasti vastaan ​​ja maksettiin anteliaasti. Haydn johti suurta orkesteria, jossa oli 40-50 ihmistä, eli kaksi kertaa Esterhazy-kappelin kokoista. Oxfordin yliopisto myönsi hänelle musiikin kunniatohtorin. Haydn palasi Wieniin puolentoista vuoden kuluttua. Matkalla hän vieraili Saksan Bonnissa. Siellä hän tapasi ensimmäisen kerran nuoren Ludwig van Beethovenin, joka muutti pian Wieniin tarkoituksenaan opiskella Haydnin kanssa. Mutta Beethoven ei ottanut oppia häneltä pitkään. Kaksi musiikillista neroa, jotka olivat iältään ja luonteeltaan liian erilaisia, eivät löytäneet todellista keskinäistä ymmärrystä. Kuitenkin Beethoven omisti kolme pianosonaattiaan (nro 1-3) Haydnille julkaisun aikana. Haydnin toinen matka Englantiin alkoi vuonna 1794 ja kesti jopa hieman yli puolitoista vuotta. Menestys oli jälleen voittoisa. Luotujen teosten lukumäärästä; Näiden matkojen aikana ja niiden yhteydessä kaksitoista niin sanottua "Lontoon sinfoniaa" olivat erityisen merkittäviä. Elämän ja työn viimeiset vuodet. Esterhazyn seuraava prinssi Miklos II oli kiinnostuneempi musiikista kuin edeltäjänsä. Siksi Haydn alkoi joskus tulla Wienistä Eisenstadtiin ja kirjoitti useita messuja prinssin määräyksestä. Säveltäjän tärkeimmät teokset viime vuosina - kaksi monumentaalista oratoriaa "Maailman luominen" ja "Vuodenajat" - esitettiin Wienissä erittäin menestyksekkäästi (toinen vuonna 1799 ja toinen vuonna 1801). Muinaisen kaaoksen kuvaaminen, josta maailma sitten nousee, maan luominen, elämän syntyminen maan päällä ja ihmisen luominen - tällainen on ensimmäisen oratorion sisältö. Toisen oratorion neljä osaa ("Kevät", "Kesä", "Syksy", "Talvi") koostuvat osuvista musiikillisista luonnoksista maaseudun luonnosta ja talonpoikaiselämästä. 26 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla Vuoden 1803 jälkeen Haydn ei kirjoittanut mitään muuta. Hän eli hiljaa elämänsä kunnian ja kunnian ympäröimänä. Haydn kuoli keväällä 1809, Napoleonin sotien huipulla, kun ranskalaiset saapuivat Wieniin. selloja ja kontrabassoja. Puupuhaltimien ryhmä koostuu huiluista, oboista, klarineteista ja fagotteista 21. Haydnin vaskipuhallinsoittimien ryhmä muodostuu ranskalaisista sarvista ja trumpeteista, ja lyömäsoittimista hän käytti vain timpania ja vain viimeiseen, kahdestoista Lontoon sinfoniaan, hän lisäsi kolmion , symbaalit ja rumpu. Kysymykset ja tehtävät 1. Keitä kolmea suurta säveltäjää kutsutaan wieniläisiksi musiikkiklassikoiksi? Mikä selittää tämän määritelmän? 2. Kerro meille Wienin musiikkielämästä 1700 -luvulla. 3. Mitkä ovat tärkeimmät musiikkilajit Haydnin työssä? 4. Missä ja miten Haydnin lapsuus ja nuoriso olivat? 5. Miten Haydn aloitti itsenäisen polkunsa? 6 .. Miten Haydnin elämä ja työ sujuivat hänen palveluksensa aikana Esterhazyn ruhtinaiden kappelissa? 7. Kerro meille Haydnin matkoista Englantiin ja hänen viimeisistä elinvuosistaan. Sinfoninen luovuus Kun Haydn kirjoitti ensimmäisen sinfoniansa vuonna 1759, monia tämän genren teoksia oli jo olemassa ja niitä luotiin edelleen. Ne ovat peräisin Italiasta, Saksasta, Itävallasta ja muista Euroopan maista. Esimerkiksi 1700 -luvun puolivälissä sinfoniat, jotka sävellettiin ja esitettiin Saksan Mannheimin kaupungissa, jolla oli tuolloin paras orkesteri, saavuttivat maailmanlaajuisen maineen. Niin kutsutun "Mannheimin koulun" säveltäjien joukossa oli paljon tšekkejä. Yksi sinfonian esi-isistä on kolmiosainen italialainen ooppera-alkusoitto (osien suhteessa tempoon: "nopea-hidas-nopea".). Varhaisissa ("esiklassisissa") sinfonioissa polku tulevaan klassiseen sinfoniaan oli vielä tasoitettu, ja sen tunnusomaisia ​​piirteitä olivat kuviollisen sisällön merkitys ja muodon täydellisyys. Tällä tiellä Haydn aloitti kypsien sinfonioidensa säveltämisen 1780 -luvulla. Ja samaan aikaan ilmestyi vielä hyvin nuoren Mozartin kypsiä sinfonioita, jotka etenivät hämmästyttävän nopeasti taiteellisten taitojen korkeuksiin. Haydn loi Lontoon sinfoniansa, joka kruunasi hänen saavutuksensa tässä lajissa, Mozartin ennenaikaisen kuoleman jälkeen, joka järkytti häntä syvästi. Haydnin kypsät sinfoniat muodostivat seuraavan tyypillisen neliosaisen jakson kokoonpanon: sonaattiallegro, hidas liike, menuetti ja finaali (yleensä rondon tai sonaattiallegron muodossa). Samaan aikaan neljän soittoryhmän orkesterin klassinen kokoonpano määritettiin sen pääpiirteistä. Johtava ryhmä on merkkijono. Se sisältää viuluja, alttoviuluja; Haydn ei aina käyttänyt klarinetteja. Jopa hänen "Lontoon sinfonioissaan" ne kuulostavat vain viidessä (kahdestatoista). 21 27 www.classON.ru Lasten taidekasvatus Venäjällä Tämä sinfonia tunnetaan nimellä "armeija". Joillakin muilla Haydnin sinfonioilla on myös nimiä. Useimmissa tapauksissa säveltäjä ei anna niitä ja merkitsee vain yhden yksityiskohdan, usein kuvallisen, esimerkiksi koputuksen jäljitelmän "Chicken" -symfonian hitaassa osassa tai "tikin" "kellon" hitaassa osassa sinfonia. Erityinen tarina liittyy F-terävässä molli-sinfoniaan, jonka nimi oli Farewell. Siinä on lisäksi viides osa (tarkemmin sanottuna Adagio -tyyppiset koodit). Esityksen aikana orkesterin jäsenet sammuttavat kynttilät konsoleilleen yksitellen, ottavat soittimensa ja lähtevät. Jäljellä on vain kaksi viulistia, jotka hiljaa ja surullisesti lopettavat viimeisten baarien soittamisen ja myös lähtevät. Tähän on seuraava selitys. Kuin prinssi Miklos I pidätti eräänä kesänä hänen kappelinsa muusikot Esterhazassa tavallista pidempään. Ja he halusivat saada loman mahdollisimman pian nähdäkseen perheensä, jotka asuivat Eisenstadtissa. Ja Farewell Symphonyn epätavallinen toinen finaali toimi vihjeenä näistä olosuhteista. Sinfonioiden lisäksi Haydnilla on monia muita orkesteriteoksia, mukaan lukien yli sata erillistä menuettia. Ja yhtäkkiä kaikki muuttuu iloisesti: sonaatti allegron esittely alkaa. Hitaan tempon sijasta - nopea (Allegro con spirito - "Nopea, inspiraatiolla"), raskaan bassoäänen sijasta - samoista G- ja A -tason äänistä korkeassa rekisterissä, mobiilin ensimmäinen motiivi, tarttuvasti iloinen, tanssiteema pääosassa syntyy. Kaikki tämän teeman motiivit, jotka esitetään pääavaimessa, alkavat ensimmäisen äänen toistolla - ikään kuin pirteällä polulla: Symphony E -flat -duuri Tämä on yhdestoista Haydnin kahdestatoista "Lontoon sinfoniasta". Sen pääavain on es -duuri. Se tunnetaan nimellä Timpani vibra -sinfonia 22. Sinfonia koostuu neljästä osasta. Ensimmäinen osa alkaa hitaalla johdannolla. Timpanin tremolo ("beat"), joka on viritetty toniciin, kuulostaa hiljaa. Se on kuin kaukainen ukkonen. Sitten itse johdannon teema avautuu sileiksi leveiksi "reunuksiksi". Aluksi sitä soitetaan oktaaviyhdistelmällä sellolla, kontrabassolla ja fagotilla. Näyttää siltä, ​​että jotkut salaperäiset varjot kelluvat hiljaa sisään, joskus pysähtyen. Joten he epäröivät ja jäädyttävät: johdannon viimeisissä palkeissa G- ja A -flat -äänten äänet vuorottelevat useita kertoja pakottaen korvan odottamaan - mitä tapahtuu seuraavaksi? Teeman kaksinkertaista esitystä kielisoittimilla piano-soittimilla täydentää väkivaltainen tanssin hauskan jylinä, joka kuulostaa vahvasti koko orkesterissa. Tämä jyrinä juoksee nopeasti ohi, ja mysteerin sävy näkyy jälleen yhdistävässä osapuolessa. Tonaalinen vakaus on heikentynyt. Modulaatio tapahtuu B-litteässä duurissa (hallitseva E-litteässä duurissa)-sivuosan avain. Yhdistävässä osassa ei ole uutta teemaa, mutta Timpani -teeman alkuperäinen motiivi kuuluu - puolipallot, joiden iho on venytetty niiden päälle, jotka lyödään kahdella sauvalla. Jokainen pallonpuolisko voi tuottaa vain yhden äänenkorkeuden ääntä. Klassisissa sinfonioissa käytetään yleensä kahta pallonpuoliskoa, jotka on viritetty toniciksi ja hallitsevaksi. 22 28 www.classON.ru Lastenopetus pääosan venäläisen taiteen alalla ja kaukainen muistutus johdannon aiheesta: Näyttely päättyy sivuosan tonaalisuuden vahvistamiseen (B-duuri). Näyttely toistetaan ja sitä kehitetään edelleen. Se on täynnä moniäänistä jäljittelevää ja tonaalisesti harmonista motiivien kehitystä, joka on eristetty pääosan teemasta. Sivuerän teema näkyy kehityksen lopussa. Se suoritetaan kokonaan D-duuri-avaimella, kaukana pääosasta, eli se näyttää ikään kuin uudessa, epätavallisessa valaistuksessa. Ja eräänä päivänä (yleisen fermatatauon jälkeen) salaperäisen intron intonaatiot ilmestyvät bassoon. Kehitys kuulostaa pääasiassa pianolta ja pianissimolta, ja vain satunnaisesti - forte ja fortissimo, joissa on yksittäisiä sforzandon aksentteja. Tämä lisää vaikutelmaa mysteeristä. Kehityksen pääosan teeman motiivit muistuttavat joskus fantastista tanssia. Voidaan kuvitella, että tämä on joidenkin salaperäisten valojen tanssi, joka vilkkuu joskus kirkkaasti. E-l-duurin avaimessa toistetaan paitsi pääosa, myös sivuosa, ja yhdistävä osa ohitetaan. Koodissa näkyy jokin mysteeri. Se alkaa, kuten intro, Adagion tempolla, timpanin hiljaisella tremololla ja yhteenkuuluvuudella. Mutta pian, ensimmäisen osan lopussa, nopea vauhti, äänekäs sointi ja iloinen tanssi "tallaavat" palaavat. Sinfonian toinen osa - Andante - on muunnelma kahdesta teemasta - kappale c -molli ja kappale ja marssi C -duuri. Näiden niin sanottujen kaksoismuunnelmien rakenne on seuraava: ensimmäinen ja toinen teema esitetään ja sitten seuraavat: ensimmäisen teeman ensimmäinen muunnelma, toisen teeman ensimmäinen muunnelma, ensimmäisen teeman toinen muunnelma, toinen toisen teeman ja koodin muunnelma toisen teeman materiaalin perusteella. Tähän päivään asti tutkijat kiistelevät ensimmäisen aiheen kansallisuudesta. Kroatian muusikot uskovat, että tämä on kroatialainen kansanlaulu ominaisuuksiltaan, kun taas unkarilaiset muusikot uskovat, että se on unkarilainen laulu. Myös serbit, bulgarialaiset ja puolalaiset löytävät sieltä kansalliset piirteensä. Tätä kiistaa ei voida ratkaista varmuudella, koska tällaisen sivun teeman tallenteet ovat jälleen iloinen tanssi. Mutta pääjuhlaan verrattuna hän ei ole niin energinen, vaan siro, naisellinen. Melodiaa soittavat viulut oboen kanssa. Tyypillinen valssiesitys tuo tämän teeman lähemmäksi Landderia - itävaltalainen ja eteläsaksalainen tanssi, yksi valssin esi -isistä: 29 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla vanhan melodian ja sen sanojen suhteen löytyi. Ilmeisesti useiden slaavilaisten ja unkarilaisten sävelmien piirteet sulautuivat siihen; tämä on erityisesti eräänlainen liike suurennetulle toiselle (E -flat - fadies): toisen teeman muunnelmat jatkavat sankarillista marssia, jota koristavat virtuoositukset - huilun armo. Ja suurella koodilla tapahtuu odottamattomia käänteitä "musiikkitapahtumien" kehittämisessä. Aluksi marssiteema muuttuu lempeäksi, läpinäkyväksi. Sitten siitä eristetty motiivi pisteytetyllä rytmillä kehittyy voimakkaasti. Tämä johtaa avaimen äkilliseen ilmestymiseen E-flat-duurissa, minkä jälkeen marssiteeman lopullinen esitys kuulostaa kirkkaalta ja juhlallisesti C-duurilta. Sinfonian kolmas osa - Menuetti - yhdistää alun perin korkean yhteiskunnan tanssin seremoniallisen kulutuspinnan ja oudot laajat harppaukset ja tahdistukset melodiassa: Melodia ja toinen, marssiva pääteema. Toisin kuin ensimmäinen, sillä on samaan aikaan jonkinlainen affiniteetti sen kanssa - neljäs tahti, melodian nouseva ja sitten laskeva suunta ja lisääntynyt IV -aste (fadiez): Tätä oikukasta teemaa korostaa tasainen, rauhallinen liike Trio - Minuetin keskimmäinen osa, joka sijaitsee ensimmäisen osion ja sen tarkan toiston välillä Ensimmäinen niistä saattaa tuntua äkillisesti kovalta esitykseltä toisesta marssi -teemasta, jossa puhallinsoittimet lisätään jousiryhmään. Kerronnan sävy säilyy ensimmäisen teeman ensimmäisessä muunnelmassa. Mutta surulliset ja varovaiset äänet liittyvät sen ääneen. Toisen teeman ensimmäisessä muunnelmassa sooloviulu värittää melodian omituisilla kuvioilla. Ensimmäisen teeman toisessa muunnelmassa kerronta saa yhtäkkiä myrskyisen ja levottoman luonteen (kaikkia välineitä käytetään, myös timpanit). Toiseksi, Menuetti (tai pikemminkin sen äärimmäisen hienovaraisesti oudot osiot yhdellä merkillä) on ristiriidassa kansan jokapäiväisten teemojen kanssa, toisaalta sinfonian ensimmäinen ja toinen osa ja toisaalta sen viimeinen, neljäs osa - finaali. Tässä, kuten klassisessa sonaattiallegrossa pitäisi olla, näyttelyssä esitetään pääosa E -duuri -pääavaimesta, toissijainen osa B -duurin hallitsevasta avaimesta ja toisinnossa molemmat kuulostavat E -litteältä suuri. Kuitenkin sivuosassa orkesteriteosten keskiosa esitettiin yleensä pitkään kolmella soittimella. Tästä nimi "trio" tulee. 23 30 www.classON.ru Venäläisen lasten taiteen alalla ilmestyy täysin uusi aihe. Se perustuu pääjuhlan aiheeseen. johdettu ranskalaisesta sanasta "ronde", joka tarkoittaa "ympyrää" tai "pyöreää tanssia". Kysymykset ja tehtävät 1. Milloin Haydn ja Mozart tulivat säveltämään kypsät sinfoniansa? 2. Mistä osista Haydn -sinfonia yleensä koostuu? Mitkä ovat Haydnin orkesterin soittoryhmät? 3. Mitä nimiä tiedät Haydnin sinfonioista? 4. Miksi Haydnin sinfoniaa Es -duuri kutsutaan ”Härän tremololla”? Mistä osiosta se alkaa? 5. Kuvaile sonaattimuodon pääteemat tämän sinfonian ensimmäisessä osassa. 6. Missä muodossa ja mistä teemoista sinfonian toinen osa on kirjoitettu? 7. Kuvaile kolmannen osan pääaiheet ja kohdat. 8. Mikä on finaalin pää- ja sivupelien teemojen välisen korrelaation erityispiirre? Mikä on yhteys musiikin luonteen välillä sinfonian ensimmäisessä osassa ja sen finaalissa? Näin ollen käy ilmi, että koko loppu perustuu yhteen teemaan. Säveltäjä - ikään kuin monimutkaisessa pelissä - joko jatkaa teemaa kokonaan tai yhdistää taitavasti sen muunnelmat ja yksittäiset elementit. Ja hän on itse monimutkainen. Loppujen lopuksi siinä näkyy ensin harmoninen perusta - kahden ranskalaisen sarven "kultainen kulku" - tyypillinen signaali metsästyssarvista. Ja vasta sitten tanssimelodia, joka on lähellä kroatialaisia ​​kansanlauluja, asetetaan päälle tämän perusteella. Se alkaa "tallaamalla" yhdellä äänellä, ja myöhemmin tämä motiivi toistetaan monta kertaa, jäljitellään ja siirtyy äänestä toiseen. Tämä muistuttaa ensimmäisen osan pääteeman alkuperäistä teemaa ja sitä, miten sitä kehitetään siellä. Lisäksi säveltäjä osoitti finaalissa samaa tempoa - Allegro con spirito. Joten finaalissa iloisen kansantanssin elementti hallitsee lopulta. Mutta sillä on tässä erityisluonne - se muistuttaa monimutkaista pyöreää tanssia, ryhmätanssia, jossa tanssi yhdistetään lauluun ja leikkisään toimintaan. Tämän vahvistaa se, että näyttelyssä pääosa toistetaan pääavaimessa kaksi kertaa - lyhyen siirtymäjakson jälkeen ja toissijaisen osan jälkeen. Eli se näyttää uudistuneen, liikkuen ympyrässä. Ja tämä tuo rondomuoton piirteet sonaattimuotoon. Sama sana "rondo", kuten jo mainittiin, Clavierin luovuus Kun Haydn loi clavier -teoksensa, piano korvasi vähitellen cembalon ja klavikordin musiikillisesta käytännöstä. Haydn kirjoitti varhaiset teoksensa näille vanhoille kosketinsoittimille, ja myöhemmissä painoksissa hän alkoi merkitä "cembalolle tai pianolle" ja lopulta joskus vain "pianolle". Hänen clavier -teoksistaan ​​merkittävin paikka kuuluu sooloon. Aiemmin uskottiin, että Haydnilla oli vain 52. Mutta sitten, tutkijoiden etsintöjen ansiosta, tämä luku kasvoi 62: een. Tunnetuimpia näistä ovat sonaatit D -duuri ja e -molli. Sonaatti D -duuri Tämän sonaatin ensimmäisen osan aloittavan pääosan teema on ilosta ja iloisuudesta roiskuva tanssi poikamaisesti ilkikurisilla oktaavin harppauksilla, armon muistiinpanoilla, mordenteilla ja äänien toistoilla. Tällaista musiikkia voidaan kuvitella soittavan myös operabuffassa: Aiemmissa painoksissa nämä sonaatit on painettu "nro 37" ja "nro 34" ja myöhemmissä painoksissa "nro 50" ja "nro 53". 24 31 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla Mutta sivupuolueen teeman kehitykseen tunkeutuvat pääjuhlan ilkikuriset hyppyjä ja sitten - hankala kohta Liikkuvan osapuolen liike. Se jännittyy, lakaisee ja rauhoittuu äkkiä nopeasti - ikään kuin hetkellisellä päätöksellä. Tämän jälkeen näyttely päättyy huolimattomasti tanssivaan lopetusosaan. Kehityksessä on jälleen vilkas vilinä. Tässä oktaavin harppaukset pääosan teemasta vasemmalle kädelle siirtyessään tehdään vielä ilkikurisemmiksi, ja kulkuliike saavuttaa vieläkin suuremman jännityksen ja laajemman ulottuvuuden kuin näyttelyn sivuosan teeman kehittämisessä. Toisinnossa pääavaimen (D -duuri) toissijaisen ja viimeisen osan kuulostaminen vahvistaa lujasti iloisen tunnelman hallitsevuuden. Vahvimman kontrastin tuo sonaattiin lyhyt toinen osa, joka on hidas ja hillitty. Se on kirjoitettu saman nimen d -molli -avaimeen. Musiikissa voidaan kuulla sarabandan raskas kulutuspinta - ikivanha tanssi, joka usein sai surun kulkueen luonteen. Ja ilmeikkäissä melodisissa huutomuksissa, joissa on kolmosia ja pisteviivaisia ​​rytmisiä hahmoja, on samankaltaisuutta Unkarin mustalaisten surullisten sävelmien kanssa: Kuusitoista -luvun iloiset, mutkikkaat kohdat täyttävät yhdistävän osan. Ja sivuosan teema (A -duurin avaimessa) on myös tanssi, vain hillitty, siro: 32 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla Sonaatti e -molli 1780 -luvun alussa Haydn sai kutsun tehdä konserttimatka Lontooseen ensimmäistä kertaa ... Hän valmistautui siihen ahkerasti, mutta ei pystynyt sitten toteuttamaan sitä Esterhazyn kappelissa olevien virallisten tehtäviensä vuoksi. On mahdollista, että haaveet kaukaisesta "ulkomaisesta" matkasta ja niihin liittyvät kokemukset heijastuivat tuolloin syntyneeseen e -molli -sonaattiin. Tämä on ainoa harvoista pienistä Haydn -sonaateista, joissa ensimmäisessä osassa voimakas lyyrinen luonne yhdistetään erittäin nopeaan tempoon. Juuri tämän liikkeen pääosan teema, josta sonaatti alkaa: Mutta Haydnin optimistisessa taiteessa synkkä kuolemakuva on aina valloittamassa kirkkaita elämäntapoja. Ja tämän sonaatin toinen osa d -molli, joka ei pääty tonikkaan, vaan hallitsevaan sointuun, kulkee heti kiihkeän D -duurin finaalin 25. Loppu on rakennettu rondon muodossa, jossa pääteema - refräänti (D -duurin pääavaimessa) - toistetaan kolme kertaa, ja sen toistojen välillä on vaihtuvia osioita - jaksoja: ensimmäinen jakso d -molli ja toinen G -duuri. Täällä vasta ensimmäisessä, d -molli -jaksossa, surulliset muistot lipsuvat läpi - keskiosan kaiku. Toinen jakso, G -duuri, on jo huolimattoman iloinen ja johtaa koomiseen "roll calliin" oikealla ja vasemmalla kädellä samalla nuotilla. Ja viimeisen lennon pääteema (rondo refrain) on yksi Haydnin teoksen iloisimmista: Teeman alkulauseet koostuvat kahdesta elementistä. Basso, vasemmassa kädessä, piano liikkuu pientä tonic -triadia pitkin, kuten kutsut kiirehtiä jonnekin kaukaisuuteen. Ja juuri oikeassa kädessä vapisee, ikään kuin epäilisi, epäröivät motiivit-vastaukset. Teeman yleinen liike on pehmeä, aaltoileva, heiluva. Lisäksi ensimmäisen osan koko - 6/8 - on tyypillistä barcarole -tyylilajille - ”kappaleita vedessä” 26. Liitososassa modulaatio tapahtuu rinnakkain e -molli G -duuri - toissijaisen ja viimeisen osan avain. Yhdistävät ja viimeiset osat, jotka ovat täynnä kuudennentoista luvun liikkuvia kohtia, kehystävät sivuosan - kirkas, unenomainen, Tämä on osoitettu italialaisilla sanoilla "attacca subito il Finale", joka tarkoittaa "aloittaa finaali heti". Alun perin venetsialaisten gondolieerien kappaleita kutsuttiin barcarolesiksi. Genren nimi tulee italialaisesta sanasta "barca" - "vene". 25 26 33 www.classON.ru Lasten taidealan koulutus Venäjällä näyttää nousevan ylöspäin: luonto, signaalien äänellä, ikään kuin kutsuisi paluumatkalla, sydän näytti värisevän iloisesta ahdistuksesta! Ja tässä, sointujen siirtymisen jälkeen, nousee kolmannen osan (finaali) pääteema. Tämä on kieltää rondomuotoa, jossa finaali on kirjoitettu. Se näyttää inspiroidulta ohimenevältä laululta, joka auttaa "täyspurjehduksen" kuljettamisessa kotimaahan: Joten rondomuoton kaava finaalissa on seuraava: pidättyä (e -molli), ensimmäinen jakso (E -duuri), pidättäydy (E -molli), toinen jakso (E -duuri), pidättäydy (e -molli). Molemmat jaksot liittyvät pidättäytymiseen ja melodiseen suhteeseen keskenään. Kun yhdistävä, sivu- ja viimeinen osa kuulostaa, mielikuvitus piirtää houkuttelevia kuvia - kuinka vapaasti puhaltaa vastatuuli, kuinka nopeasti liike liikkuu iloisesti eteenpäin. Lisäksi pää-, liitos- ja viimeisten osien materiaaliin perustuvassa kehityksessä vallitsee poikkeamat pienissä avaimissa. Pääosassa, toisin sanoen ei pääosassa, vaan pienessä avaimessa, toisto ja lopullinen osa, joka on laajentunut, kuulostavat toistossa. Siitä huolimatta suru ja hengelliset epäilyt voitetaan lopulta pyrkimällä tuntemattomaan etäisyyteen. Tämä on ensimmäisen osan viimeisten palkkien tarkoitus, jossa pääosan teeman kutsuva alku toistetaan merkittävällä tavalla. Sonaatin toinen osa, hidas, G -duuri, on eräänlainen instrumentaalinen aaria, joka on täynnä kevyttä mietiskelevää tunnelmaa. Hänen vaalea värityksensä on täynnä kaikuja lintujen sirinästä, purojen kohinaa: Kysymyksiä ja tehtäviä 1. Nimeä Haydnin clavier -musiikin päälaji. Kuinka monta sonaattia tunnetaan? 2. Kuvaile D -duurin sonaatin ensimmäisen osan pääosat. Onko tässä osassa yhteys pää- ja sivuosien välillä? 3. Mitä kontrastia toinen osa lisää D -duurin sonaatin musiikkiin? Mikä on sen suhde loppuun? 4. Kerro meille e -molli -sonaatin ensimmäisen osan pääosan teeman rakenteen ja luonteen erityispiirteistä. Kypsytä ja kuvaile tämän osan muita aiheita ja osioita. 5. Mikä on e -mollisonaatin toisen osan luonne? 6. Kerro e -mollisonaatin finaalin muodosta ja sen pääteeman luonteesta. Suuria teoksia Yli 100 sinfoniaa (104) Konserttisarja eri instrumenteille ja orkesterille Yli 80 kvartettia (kahdelle viululle, alttoviululle ja sellolle) (83) 62 klavierisonaattia Maailman luominen ja vuodenajat Oratoriat 24 oopperaa Skotlannin ja irlannin järjestelyt laulut Kuitenkin suloinen kuin rauhallinen lepo on jossain kaukana, 34: n rinnassa www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla, kirjoitettu moniin genreihin - hänen sinfoniansa, instrumentaalikonsertit, erilaiset kamariyhtyeet, pianosonaatit, orkesteri . Mozartin poikkeuksellisen varhainen ja nopeasti kehittyvä ilmiömäinen lahjakkuus luotiin hänen nimensä ympärille; legendaarisen "musiikillisen ihmeen" halo. Kirkas ominaisuus; AS Pushkin antoi hänet inspiroiduksi taiteilijaksi näytelmässä ("Pieni tragedia") "Mozart ja Salieri". N. A. Rimsky Korsakovin samanniminen ooppera on kirjoitettu sen perusteella. I. Tšaikovski 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 Elämäpolku Perhe. Varhaislapsuus. Tammikuussa 1756 syntyneen Wolfgang Amadeus Mozartin syntymäpaikka on Itävallan kaupunki Salzburg. Se on viehättävästi venytetty nopean Salzach -joen mäkisillä rannoilla, joka on laskenut vuoteensa Alppien itäisille juurelle. Salzburg oli pienen ruhtinaskunnan pääkaupunki, jonka hallitsija asetettiin arkkipiispaksi. Wolfgang Amadeuksen isä Leopold Mozart oli hänen kappelissaan. Hän oli vakava ja korkeasti koulutettu muusikko - tuottelias säveltäjä, viulisti, urkuri, opettaja. Hänen julkaisemansa "Viulunsoiton koulu" jaettiin useissa maissa, myös Venäjällä. Leopoldin ja hänen vaimonsa Anna Marian seitsemästä lapsesta vain kaksi selvisi hengissä - nuorin poika Wolfgang Amadeus ja tytär Maria Anna (Nannerl), joka oli vanhempi! veli neljä ja puoli vuotta. Kun hänen isänsä alkoi opettaa Nannerlia soittamaan cembaloa, jolla oli erinomaiset kyvyt, hän alkoi pian opiskella kolmivuotiaan Wolfgangin kanssa huomaten hänet hienovaraisella korvalla ja hämmästyttävällä musiikillisella muistilla. yritti säveltää musiikkia, ja hänen ensimmäiset elossa olevat cembalon kappaleensa nauhoitti hänen isänsä, kun kirjoittaja oli vain viisi vuotta vanha. On tarina siitä, kuinka nelivuotias Wolfgang yritti säveltää clavier-konserton. Yhdessä kynän kanssa hän upotti mustesäiliön sormilleen ja laittoi tahroja nuottipaperille. Ei silloin, kun isäni katsoi tätä lapsellista tallennetta blotien kautta, hän löysi siinä epäilemättä musiikillisen merkityksen. Yksi suurimmista musiikin neroista, itävaltalainen säveltäjä Wolfgang Amadeus Mozart eli vain 35 vuotta. Näistä hän sävelsi musiikkia kolmekymmentä vuotta ja jätti yli 600 teosta perinnöksi ja antoi korvaamattoman panoksen maailman taiteen kultarahastoon. Uskollisin, korkein arvio Mozartin luovasta lahjasta hänen elämänsä aikana antoi hänen vanhin aikalaisensa Joseph Haydn. "... Poikasi", hän sanoi kerran Wolfgang Amadeuksen isälle, "on suurin säveltäjä, jonka tunnen henkilökohtaisesti ja nimeltä; hänellä on maku ja sitä paitsi suurin osa sävellyksestä. " Wieniläisiksi klassikoiksi kutsutun Haydnin ja Mozartin musiikkiin liittyy optimistinen, aktiivinen ja aktiivinen maailmankuva, yksinkertaisuuden ja luonnollisuuden yhdistelmä tunteiden ilmaisemisessa runollisen ylevyytensä ja syvyytensä kanssa. Samaan aikaan heidän taiteellisten etujensa välillä on merkittävä ero. Haydn on lähempänä folk-arjen ja lyyrisen eepoksen kuvia ja Mozartia-oikeastaan ​​lyyrisiä ja lyyrisiä-dramaattisia kuvia. Mozartin taide kiehtoo erityisesti herkkyydellä ihmisen emotionaalisiin kokemuksiin sekä tarkkuuteen ja elävyyteen eri ihmishahmojen ruumiillistuksessa. Tämä teki hänestä upean oopperasäveltäjän. Hänen oopperoillaan ja ennen kaikkea Le Nozze di Figarolla, Don Juanilla ja Taikahuilulla on ollut muuttumaton menestys kolmannella vuosisadalla, ja ne on sijoitettu kaikkien musiikkiteatterien lavalle. Yksi maailman arvostetuimmista paikoista maailman konserttiohjelmistossa on Mozartin teoksia, ja versio siitä, että Salieri myrkytti Mozartin kateudesta, on vain legenda. Tšaikovski orkestroi neljä Mozartin pianoteosta ja sävelsi niistä Mozartianan sviitin. 27 28 35 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla esittää viulukonsertin ... soittaa nenäliinalla peitettyä näppäimistöä sekä jos se olisi hänen silmiensä edessä, niin hän kaukaa kaikki äänet, jotka yksitellen tai sointuina soitetaan clavierilla tai millä tahansa muulla soittimella tai joita esineet - kello, lasi, kello - julkaisevat. Lopulta hän improvisoi paitsi cembalolla, myös urkuilla niin kauan kuin kuuntelijat haluavat, ja kaikkein vaikeimmissakin avaimissa, jotka hänelle nimetään ... ”Ensimmäiset konserttimatkat . Leopold Mozart päätti alkaa tehdä konserttimatkoja suuriin musiikkikeskuksiin lahjakkaiden lastensa kanssa. Ensimmäinen matka - Saksan Münchenin kaupunkiin - tapahtui alkuvuodesta 1762, jolloin Wolfgang oli tuskin kuusi vuotta vanha. Kuusi kuukautta myöhemmin Mozartin perhe meni Wieniin. Siellä Wolfgang ja Nannerl esiintyivät keisarillisessa hovissa, menestyivät räikeästi ja he saivat lahjoja. Kesällä 1763 Mozartit veivät pitkän matkan Pariisiin ja Lontooseen. Mutta ensin he vierailivat useissa Saksan kaupungeissa ja paluumatkalla - jälleen Pariisissa sekä Amsterdamissa, Haagissa, Genevessä ja useissa muissa kaupungeissa. Pienen Mozartin, erityisesti Wolfgangin, esitykset aiheuttivat yllätystä ja ihailua kaikkialla, jopa upeimmissa kuninkaallisissa pihoissa. Noiden aikojen tapojen mukaan Wolfgang esiintyi jaloyleisön edessä puvussa, joka oli brodeerattu zblotilla ja jauhemaisella peruukilla, mutta samalla käyttäytyi puhtaasti lapsellisen spontaanisti, ja hän saattoi esimerkiksi hypätä polvilleen keisarinnaa kohti . 4-5 tuntia peräkkäin kestäneet konsertit olivat hyvin väsyttäviä nuorille muusikoille, ja yleisölle niistä tuli eräänlainen viihde. Tässä yksi ilmoituksista sanoi: ”... Tyttö kahdestoista vuotena ja poika seitsemäntenä vuonna soittavat konsertin cembalolla. .. Lisäksi poika 36 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla Konserttikiertue kesti yli kolme vuotta ja toi Wolfgangille monia erilaisia ​​vaikutelmia. Hän kuuli suuren määrän instrumentaali- ja lauluteoksia, tapasi erinomaisia ​​muusikoita (Lontoossa - Johann Sebastian Bachin nuorin pojan Johann Christianin kanssa). Esitysten välissä Wolfgang opiskeli innokkaasti sävellystä. Pariisissa julkaistiin neljä hänen viulun ja cembalon sonaatteja, jotka osoittavat, että nämä ovat seitsemänvuotiaan pojan teoksia. Hän kirjoitti ensimmäiset sinfoniansa Lontoossa. Palaa Salzburgiin ja pysy Wienissä. Ensimmäinen ooppera. Vuoden 1766 lopussa koko perhe palasi Salzburgiin. Wolfgang alkoi systemaattisesti opiskella sävellystekniikkaa isänsä ohjauksessa. Mozartit viettivät Wienissä koko vuoden 1768. Teatterin kanssa tehdyn sopimuksen mukaan kaksitoista-vuotias Wolfgang kirjoitti italialaisten mallien mukaan ooppera-buffan "Imaginary Simpleton" kolmessa kuukaudessa. Harjoitukset alkoivat, mutta esitystä lykättiin ja sitten peruttiin kokonaan (luultavasti kateellisten juonien vuoksi). Se tapahtui vasta seuraavana vuonna Salzburgissa. Wienissä Wolfgang sävelsi paljon muuta musiikkia, mukaan lukien viisi sinfoniaa, ja johti menestyksekkäästi juhlallisen messunsa uuden kirkon vihkimisessä. Matkustaa Italiaan. Vuoden 1769 lopusta vuoden 1773 alkuun Wolfgang Amadeus teki isänsä kanssa kolme pitkää matkaa Italian halki. Tässä "musiikin maassa" nuori Mozart esiintyi suurella menestyksellä yli kymmenessä kaupungissa, mukaan lukien Rooma, Napoli, Milano, Firenze. Hän johti sinfoniansa, soitti cembaloa, viulua ja urkuja, improvisoituja sonaatteja ja fuugoja esiasetetuista teemoista, aaria esiasetetuista teksteistä, soitti erinomaisesti vaikeita teoksia silmistä ja toisti ne muissa avaimissa. Hän vieraili kahdesti Bolognassa, jossa hän opetti jonkin aikaa kuuluisalta opettajalta - teoreetikolta ja säveltäjältä Padre Martinilta. Neljäntoista-vuotias Mozart valittiin Bolognan filharmonian akatemian jäseneksi erityispoikkeuksena, kun hän oli loistavasti läpäissyt vaikean kokeen (kirjoittanut moniäänisen sävellyksen monimutkaisia ​​moniäänisiä tekniikoita käyttäen). Peruskirjan mukaan siihen pääsivät vain muusikot, jotka olivat täyttäneet kaksikymmentä vuotta ja joilla oli aiempaa kokemusta tässä hyvämaineisessa laitoksessa. Roomassa vierailtuaan Sikstuksen kappelissa Vatikaanissa (paavin asuinpaikka) 29 Mozart kuuli kerran suuren moniäänisen pyhän teoksen kahdelle kuorolle 1600 -luvun italialaisen säveltäjän Gregorio Allegrin toimesta. Tätä teosta pidettiin paavin omaisuutena, eikä sitä saa kopioida tai jakaa uudelleen. Mutta Mozart kirjoitti muistiin koko monimutkaisen kuoropisteen, ja paavin kuoro vahvisti äänityksen tarkkuuden. Italia - suuri maa paitsi musiikin, myös kuvataiteen ja arkkitehtuurin suhteen - antoi Mozartille runsaasti taiteellisia vaikutelmia. Häntä kiehtoi erityisesti oopperatalojen vierailu. Nuori mies hallitsi niin hyvin italialaisen oopperatyylin, että hän kirjoitti lyhyessä ajassa kolme oopperaa, jotka sitten lavastettiin suurella menestyksellä Milanossa. Nämä ovat kaksi ooppera -sarjaa - "Mithridates, Pontuksen kuningas" ja "Lucius Sulla" - sekä pastoraalinen ooppera, joka perustuu mytologiseen juoni "Ascanio in Alba" 30. Matkat Wieniin, Müncheniin, Mannheimiin, Pariisiin. Loistavista luomis- ja konserttimenestyksistään huolimatta Wolfgang Amadeus ei onnistunut saamaan palvelua minkään Italian osavaltion hallitsijan tuomioistuimessa. Minun piti palata Salzburgiin. Täällä kuolleen arkkipiispan sijasta hallitsi uusi, epätoivoisempi ja töykeä hallitsija. Hänen palveluksessaan olevan isän ja pojan Mozartin oli vaikeampi saada lomaa uusille matkoille. Ja oopperatalo, jonka Mozart halusi säveltää, ei ollut saatavilla Salzburgissa, ja muut musiikkitoiminnan mahdollisuudet olivat rajalliset. Kahden muusikon matka Wieniin oli mahdollista vain sen ansiosta, että Salzburgin arkkipiispa halusi itse vierailla Itävallan pääkaupungissa. Hän antoi vastahakoisesti luvan Mozartille matkustaa; München, jossa nuoren säveltäjän uusi ooppera-harrastaja lavastettiin. Ja seuraavalle matkalle vain Wolfgang Amadeus onnistui saamaan luvan suurella vaivalla. Hänen isänsä oli pakko jäädä Salzburgiin, ja hänen äitinsä meni seuraamaan poikaansa. Ensimmäinen pitkä pysähdys tapahtui Saksan Mannheimin kaupungissa. Täällä yksi sinfoniaorkesterin johtajista, tuolloin kuuluisa, esiklassisen Mannheimin säveltäjäkoulun edustaja, otti hänen talossaan lämpimästi vastaan ​​Wolfgang Amadeuksen ja Anna Marian. Mannheimissa Mozart on säveltänyt italialaisia ​​taiteilijoita, mukaan lukien Michelangelo. 30 Pontic -valtakunta on muinainen valtio Mustallamerellä, pääasiassa nykyisellä Turkin rannikolla ("Pontus Euxine" eli "vieraanvarainen meri", antiikin kreikkalainen nimi Mustalle merelle). Lucius Sulla on antiikin Kreikan armeijan ja poliittinen johtaja. Pastoraali (italialaisesta sanasta "pastore" - "paimen") on teos, jonka juoni idealisoi elämää luonnon helmassa. Sikstuksen kappeli - paavin kotikirkko Vatikaanissa; se rakennettiin 1500 -luvulla paavi Sixtus IV: n aikana. Kappelin seinät ja katto on maalattu suuren 29 37 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla, useita teoksia, ennen kaikkea instrumentaalisia, jo kypsyvä musiikkityyli. Mutta Wolfgang Amadeukselle ei ollut täälläkään pysyvää avointa työpaikkaa. Keväällä 1778 Mozart ja hänen äitinsä saapuivat Pariisiin. Toiveet saada todellinen tunnustus siellä ja nousta merkittäväksi asemaan eivät kuitenkaan toteutuneet. Ranskan pääkaupungissa ihmelapsi, tämä näennäisesti elävä lelu, on jo unohdettu, eivätkä he tunnistaneet nuoren muusikon kukoistavaa lahjakkuutta. Mozartilla ei ollut onnea konserttien järjestämisessä tai oopperatilauksen saamisessa. Hän eli kurjilla ansioilla oppitunneilla, teatterille hän pystyi kirjoittamaan vain musiikkia pienelle baletille "Trinkets". Hänen kynänsä alta tuli uusia upeita teoksia, mutta ne eivät silloin herättäneet vakavaa huomiota. Ja kesällä Wolfgang Amadeus kärsi raskaasta surusta: hänen äitinsä sairastui ja kuoli. Ensi vuoden alussa Mozart palasi Salzburgiin. Ooppera "Idomeneo". Erota arkkipiispan kanssa ja siirry Wieniin. Tulevien vuosien tärkeimmät tapahtumat olivat Mozartille oopperan Idomeneo, Kreetan kuningas Münchenissä luominen ja lavastus sekä sen suuri menestys. Täällä Italian ooppera-serian parhaat ominaisuudet yhdistetään Gluckin oopperauudistuksen periaatteisiin. Tämä avasi tien Mozartin eloisan alkuperäisten oopperamestariteosten syntymiselle. ... Se oli 1781. Mozart on 25 -vuotias. Hän on kirjoittanut kolme ja puoli sataa teosta, täynnä uusia luovia ideoita. Ja Salzburgin arkkipiispa, hän on vain musiikillinen palvelija, jota ylimielinen ja ahdistava omistaja sortaa ja nöyryyttää yhä enemmän pakottaen hänet istumaan pöydän ääressä huoneessa "kokkien yläpuolella, mutta lakien alla". ilman lupaa lähteä jonnekin tai esiintyä missä tahansa ... Kaikki tämä tuli Mozartille sietämättömäksi, ja hän jätti erokirjeen. Arkkipiispa kieltäytyi kahdesti kirouksilla ja loukkauksilla, ja hänen seurueensa potki muusikon töykeästi ulos ovesta. Mutta hän, kokenut henkisen shokin, pysyi lujana päätöksessään. Mozartista tuli ensimmäinen suuri säveltäjä, joka rikkoi ylpeänä taloudellisen turvallisen mutta riippuvaisen hovimuusikon aseman. Wien: viime vuosikymmen. Mozart asettui Wieniin. Vain satunnaisesti hän lähti Itävallan pääkaupungista lyhyeksi ajaksi, esimerkiksi oopperan Don Juan ensimmäisen tuotannon yhteydessä Prahassa tai kahden konserttikiertueen aikana Saksassa. Vuonna 1782 hän meni naimisiin Constance Weberin kanssa, joka erottui iloisesta asenteestaan ​​ja musikaalisuudestaan. Lapset syntyivät peräkkäin (mutta kuudesta neljästä neljä kuoli vauvana). Mozartin tulot konserttiesityksistä Clavier -musiikkinsa esittäjänä, teosten julkaisemisesta ja oopperoiden esityksistä olivat epäsäännöllisiä. Lisäksi Mozart, koska hän oli ystävällinen, herkkäuskoinen ja epäkäytännöllinen henkilö, ei tiennyt hallita järkevästi raha -asioita. Nimitys vuoden 1787 lopussa niukasti palkattuun hovin kamarimuusikon tehtävään, joka oli ohjeistettu säveltämään vain tanssimusiikkia, ei pelastanut usein tuntuvaa rahan tarvetta. Kaiken tämän vuoksi Mozart loi kymmenen Wienin vuoden aikana yli kaksi ja puoli sataa uutta teosta. Heidän joukossaan hänen kirkkaimmat taiteelliset saavutuksensa monissa genreissä loistivat. Mozartin Wienissä solmiman avioliittovuoden aikana hänen kuohuviiniä laulava kappale "The sieppaus Seragliosta" lavastettiin suurella menestyksellä; huumori 31. Ja ooppera buffa "Figaron avioliitto", alkuperäinen; "hauskan draaman" genre "Don Juan" ja ooppera "The Magic Flute", jotka syntyivät Wienin viime vuosina, ovat musiikkiteatterin saavuttamia korkeimpia korkeuksia! hänen tarinansa. Kolme hänen parhaista sinfonioistaan, jotka osoittautuivat viimeisiksi, mukaan lukien g -molli (nro 40), Mozart kirjoitti kesällä 1788. Samalla vuosikymmenellä ilmestyi myös monia muita säveltäjän instrumentaaliteoksia - neliosainen orkesteri "Little Night Serenade", useita pianokonsertteja, sonaatteja ja erilaisia ​​kamariyhtyeitä. Mozart omisti kuusi jousikvartettoaan Haydnille, jonka kanssa hän kehitti lämpimiä ystävyyssuhteita. Näiden vuosien aikana Mozart opiskeli suurella mielenkiinnolla Bachin ja Händelin teoksia. Mozartin viimeisin teos on Requiem, messu kuolleelle kuorolle, solisteille ja orkesterille32. Heinäkuussa 1791 hänet tilasi säveltäjälle mies, joka ei halunnut antaa nimeään. Se vaikutti salaperäiseltä ja saattoi synnyttää synkeitä ennakkoluuloja. Vain muutamaa vuotta myöhemmin kävi selväksi, että tilaus tuli wieniläiseltä kreiviltä, ​​joka halusi ostaa jonkun toisen teoksen ja luovuttaa sen omakseen. Vakavasti sairas Mozart ei kyennyt suorittamaan Requiemia kokonaan. Yksi säveltäjän opiskelijoista teki sen luonnosten perusteella. On tarina, että suuren muusikon kuoleman aattona, joka seurasi yöllä 5. joulukuuta 1791, ystävät lauloivat hänen kanssaan osia vielä kesken olevasta teoksesta. Requiemin surullisen suunnittelun mukaisesti Mozartin musiikin inspiroima lyyrinen ja dramaattinen ilmeikkyys on saanut erityisen ylevän ja vakavan. Varojen puutteen vuoksi Mozart haudattiin yhteiseen hautaan 31 32 Seraglion - naispuolisen puolison - varakkaiden itämaisten aatelisten koteihin. Latinalainen sana "requiem" tarkoittaa "lepoa". 38 www.classON.ru Lasten taidekasvatus Venäjällä on heikkoa, eikä hänen hautauspaikastaan ​​ole tarkkaa tietoa. sillä kreivitär Suzanne pukeutui mekkoonsa. Vaimonsa häpeän vuoksi Almaviva joutuu enää häiritsemään Figaroa ja Suzannea juhlimaan häitä, jotka onnellisesti ja onnellisesti päättävät "hullun päivän", joka on täynnä kaikenlaisia ​​odottamattomia tapahtumia. Ooppera alkaa alkusoitolla, josta on tullut erittäin suosittu ja jota esitetään usein sinfoniakonsertoissa 34. Toisin kuin monet muut alkusoitot, tässä alkusoitossa ei käytetä itse oopperan teemoja. Täällä välittyy elävästi myöhemmän toiminnan yleinen tunnelma, sen kiehtova nopeus ja hurmaava iloisuus. Alkusoitto on kirjoitettu sonaattimuodossa, mutta tarkentamatta, mikä korvataan lyhyellä linkillä näyttelyn ja esityksen välillä. Samaan aikaan viisi teemaa erottuvat selvästi ja korvaavat nopeasti toisensa. Ensimmäinen ja toinen niistä muodostavat pääpuolueen, kolmas ja neljäs - sivupuolue, viides - viimeinen osapuoli. He ovat kaikki energisiä, mutta samalla jokaisella on oma erityispiirteensä. Pääosan ensimmäinen teema, jota jouset ja fagotit soittavat yhteen, liikkuu nopeasti ja ilkeästi ketterästi: Kysymyksiä ja tehtäviä 1. Mikä tekee Mozartin musiikista Haydnin musiikkiin liittyvää? Mitä eroa näiden kahden wieniläisen klassikon taiteellisten etujen välillä on? 2. Kerro meille Wolfgang Amadeus Mozartin perheestä ja varhaislapsuudesta. 3. Missä maissa ja kaupungeissa Mozart esiintyi nuorena poikana? Miten nämä esitykset menivät? 4. Minkä ikäisenä Mozart kirjoitti ensimmäisen oopperabuffansa? Mikä sen nimi oli ja mihin se asennettiin? 5. Kerro meille nuorten Mozartin matkoista Italiaan. 6. Missä kaupungeissa Mozart vieraili myöhemmin? Oliko hänen matkansa Pariisiin onnistunut? 7. Kerro meille Mozartin tauosta Salzburgin arkkipiispan kanssa. 8. Kuvaile Mozartin elämän ja työn viimeistä vuosikymmentä. Mitkä ovat hänen tärkeimmät teoksensa tänä aikana. Ooppera "Figaron avioliitto" Mozartin oopperan "Figaron avioliitto" ensi -ilta tapahtui Wienissä vuonna 1786. Kaksi ensimmäistä esitystä johti säveltäjä itse cembalolla. Menestys oli valtava, mutta toimenpide toistettiin lisäajaksi. Tämän oopperan libretton (sanateksti) neljässä näytöksessä kirjoitti italiaksi Lorenzo da Ponte ranskalaisen kirjailijan Beaumarchaisin komedian "Hullu päivä tai Figaron avioliitto" perusteella. Vuonna 1875 PI Tšaikovski käänsi tämän libreton venäjäksi, ja hänen käännöksessään ooppera esitetään maassamme. Mozart kutsui Le Nozze di Figaroa buffo -oopperaksi. Mutta se ei ole vain viihdyttävä komedia, jossa on hauskoja tilanteita. Musiikki kuvaa päähenkilöitä monipuolisina elävinä ihmishahmoina. Ja Beaumarchaisin näytelmän pääidea oli lähellä Mozartia. Sillä se johtuu siitä, että kreivi Almaviva Figaron palvelija ja hänen morsiamensa, piika Suzanne, osoittautuvat fiksummiksi ja ihmisarvoisemmiksi kuin heidän tittelinsa herra, jonka juonittelut ne taitavasti paljastavat. Kreivi itse piti Suzannesta, ja hän yrittää lykätä hänen häitään. Mutta Figaro ja Suzanne voittavat kekseliäästi kaikki esteet, jotka houkuttelevat puolelleen kreivin vaimon ja nuoren sivun Cherubino 33. Lopulta he järjestävät asiat niin, että illalla puutarhassa kreivi saa toisen fanfarin lakaisulla: Sivun jälkeen - jalo alkuperää oleva poika tai nuori mies, joka on jaloa henkilöä palveleva. Pääjuhlan yhdistävä teema, täytetty juhla eroaa pääasiassa, Muistutamme, että sana "alkusoitto" on johdettu ranskalaisesta verbistä "ouvrir", joka tarkoittaa "avata", "aloittaa". 33 34 39 www.classON.ru bold Lastenopetus venäläisen taiteen alalla skaalamaisilla katkelmilla, sivuosan ensimmäinen teema ilmestyy, jonka melodian soittavat viulut. Teemassa on rytmisesti oikukas, hieman oikukas, mutta pysyvä luonne: laulunumerot. Joten ensimmäinen soolonumero Figaron juhlissa (hänet on uskottu baritonille) - pieni aaria (cavatina) - kuulostaa heti sen jälkeen, kun Suzanne ilmoitti sulhaselleen, että kreivi alkoi vainota häntä seurustelulla. Tältä osin Figaro humisee pilkallisesti melodiaa menuetin liikkeessä - galantia korkean yhteiskunnan tanssia (cavatinan kolmiosaisen kostotoimen äärimmäiset osat): Toissijaisen osan toinen teema muistuttaa ratkaisevia huutoja: Ja teema Viimeinen osa on tasapainoisin, ikäänkuin ratkaisee kaiken: Toistossa, toissijaisessa ja finaalissa pelit toistetaan jo perusvolyymissa. Niiden mukana on coda, joka korostaa edelleen alkusoiton iloista ja vilkasta luonnetta. Tässä Mozartin oopperassa lauluyhtyeillä on suuri paikka, lähinnä duetteja (kahdelle hahmolle) ja tercettejä (kolmelle hahmolle). Heidät erottaa resitointi ja cembalo. Ja toinen, kolmas ja viimeinen, neljäs, näytökset päättyvät finaaleihin - suuriin yhtyeisiin, joissa on kuusi tai yksitoista hahmoa. Suolatoimet sisältyvät dynaamiseen kehitykseen eri tavoin, ja cavatinan keskellä hillitty liike korvataan nopealla, tyylikkäällä kolmen lyönnin melodialla-energisellä kaksitahdilla. Täällä Figaro ilmaisee jo päättäväisesti aikomuksensa kaikin keinoin estää mestarinsa salakavalat "suunnitelmat: 40 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla Figaron juhlien tunnetuin numero on hänen aarionsa" Karvainen, kihara tukka " , rakastunut poika. " Se on osoitettu nuorelle sivulle Cherubino. Hän kuuli vahingossa, kuinka kreivi yritti julistaa rakkauttaan Suzannelle, ja tällainen ei -toivottu todistaja määrättiin menemään asepalvelukseen. Aariassaan Figaro iloisesti ja nokkelasti pilkkaa tilannetta piirtämällä kuvia kovasta sotilaselämästä nuorelle miehelle, jota tuomioistuimen elämä hemmottelee. Tämä heijastuu musiikissa taitava yhdistelmä pirteää tanssia ja "sotaisia" fanfaariliikkeitä. Tämä on kolme kertaa kuulostava refrääni rondon muodossa: Toinen on pieni aaria lauluhahmosta "Hot blood excites the heart". Tämä on hillitty tunnustus hellistä tunteista, ja se on arkaasti osoitettu kreivitärille itselleen: Suzanne (sopraano) on monissa yhtyeissä luonteeltaan energinen, taitava ja kekseliäs, ei tässä huonompi kuin Figaro. Samaan aikaan hänen kuvansa on hienovaraisesti runoutunut neljännen näytöksen kevyessä unenomaisessa aariassa. Siinä Suzanne vetoaa henkisesti lempeästi Figaroon: Mitä tulee Cherubinoon itseään (hänen osansa esittää matala naisääni - mezzosopraano), hän on kuvattu kahdessa aariassa innokkaana nuorena miehenä, joka ei vieläkään pysty ymmärtämään omaansa tunteet, valmiina rakastumaan kaikkiin. Yksi niistä on sekä iloinen että vapiseva aaria "Kerroakseni, en voi selittää". Melodinen olemus yhdistyy hänessä rytmiin, ikään kuin ajoittain sykkivään jännityksestä: 41 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Kysymyksiä ja tehtäviä 1. Milloin ja missä Mozartin Le Nozze di Figaro -oopperan ensi -ilta tapahtui? 2. Minkä komedian libretto on kirjoitettu? 3. Mikä on tämän teoksen pääidea? 4. Miten oopperan alkusoitto on järjestetty? 5. Kerro meille Figaron osan kahden soolonumeron erityispiirteistä. 6. Mikä äänestys Cherubinon puolueelle on annettu? Laula hänen aarioidensa melodiat. 7. Miten Suzanne luonnehditaan yhtyeissä ja miten - neljännen näytelmän aariassa? Neljäs muunnelma (vasemman käden heittäminen oikealle) on päinvastoin rohkeampi lakaistaan. Viides muunnelma, jossa Andante grazioson alkuperäinen kiireetön tempo korvataan hyvin hitaalla - Adagio, on melodinen instrumentaalinen aaria, väritetty värityksellä. Ja sitten tempon vaihtaminen nopeaksi (Allegro) vastaa viimeisen, kuudennen muunnelman iloista tanssihahmoa. Sonaatin toinen osa on Menuetti. Kuten tavallista, se on rakennettu kolmiosaiseen toistomuotoon, jossa toistetaan tarkasti ensimmäisen osan musiikkia. Niiden välissä on keskiosa (Trio) 35. Kaikissa Minuetin osissa maskuliinisesti ratkaisevia ja valloittavia intonaatioita rinnastetaan naisellisiin intonaatioihin, jotka ovat lempeitä ja sileitä, samanlaisia ​​kuin ilmeikkäät lyyriset huutomerkinnät. Sonaatti A-duuri Clavier Mozartin tunnetulle A-duurisonaatille, jota kutsutaan yleisesti "Turkin marssin sonaatiksi", on epätavallisen rakennettu sykli. Ensimmäinen osa ei ole sonata allegro, vaan kuusi muunnelmaa kevyestä ja rauhallisesta, viattomasti siro teemasta. Se näyttää laululta, joka voitaisiin huminaa hyvällä, rauhallisella tuulella Wienin musiikki -elämässä. Sen pehmeästi heiluva rytmi muistuttaa sisilialaisen liikettä - vanha italialainen tanssi- tai tanssilaulu: Säveltäjä kutsui sonaatin (finaali) kolmannen osan "A11a Turca" - "Turkin suvussa". Myöhemmin tälle finaalille annettiin nimi "Turkin marssi". Turkin kansan- ja ammattimusiikin intonaatiorakenteella ei ole mitään yhteistä, mikä on eurooppalaiselle korvalle epätavallista. Mutta 1700 -luvulla eurooppalaisessa, pääasiassa teatterimusiikissa, marssille syntyi muoti, jota kutsutaan perinteisesti "turkkilaiseksi". He käyttävät "Janissary" -orkesterin sävyä, jossa puhallus- ja lyömäsoittimet olivat hallitsevia - suuret ja virvelit, symbaalit, kolmio. Janisikareita kutsuttiin Turkin armeijan jalkaväen yksiköiden sotilaiksi. Eurooppalaiset pitivät marssiensa musiikkia villinä, meluisana, "barbaarisena". Variaatioiden välillä ei ole teräviä vastakohtia, mutta niillä kaikilla on erilainen luonne. Ensimmäisessä muunnelmassa vallitsee tyylikäs hassu melodinen liike, toisessa tyylikäs leikkisyys yhdistetään humoristiseen sävyyn (vasemmanpuoleisen osan "ilkikuriset" armon muistiinpanot ovat huomionarvoisia). Kolmas muunnelma - ainoa, joka ei ole kirjoitettu A -duurissa, vaan a -molli - on täynnä hieman surullisia melodisia hahmoja, jotka liikkuvat tasaisesti, ikään kuin hellästi ujoasti: Trion lopussa on merkintä “Minuetto da capo”. Italia - "päästä", "alusta". 35 "Da capo" käännetty 42: stä www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Finaali on kirjoitettu epätavallisessa muodossa. Se voidaan määritellä kolmiosaiseksi kuorolla (A-duuri). Toistuva kuoro antaa finaalille rondo -luonteen. Ensimmäinen osa - kevyesti "pyörivällä" motiivilla (a -molli) - ja keskimmäinen liike - melodisella passage -liikkeellä (F -terävä molli) - yhdistää luonnollisesti tyylikkään tanssin selkeään marssivaiheeseen: Pitkään uskoi, että Mozart sävelsi A -duurin sonaatin kesällä 1778 Pariisissa. Mutta sitten he löysivät tietoa, että tämä tapahtui muutama vuosi myöhemmin, Wienissä. Tällainen tieto on sitäkin uskottavampaa, koska siellä esitettiin vuonna 1782 Mozartin laulusarja "The sieppaus Seragliosta". Siinä toiminta tapahtuu Turkissa, ja alkusoiton musiikissa sekä kahdessa marssivassa kuorossa on havaittavissa "Janissary" -musiikin jäljitelmä. Lisäksi se on meluisa; Taonta "Janissary" -koodin A -duuri, Mozart lisäsi senaatit finaaliin vasta vuonna 1784, kun teos julkaistiin. On myös huomionarvoista, että sonaatissa, kuten The Separation sieppauksessa, suuri rooli kuuluu laulu- ja marssilajeihin. Kaikessa tässä ilmeni instrumentaalimusiikin yhteys Mozartille hyvin ominaiseen teatterimusiikkiin. Kysymykset ja tehtävät 1. Mikä on Mozartin A -duurin sonaatin syklin erityisyys? Kerro meille teoksen luonteesta ja kuudesta muunnelmasta tämän teoksen ensimmäisessä osassa. 2. Mitä tanssilajia käytetään sonaatin toisessa osassa? 3. Selitä, miksi A -duurin sonaatin finaalia kutsutaan Turkin marssiksi. Mikä on sen rakentamisen erikoisuus? Laula hänen pääteemansa. 4. Mikä Mozartin musiikki- ja teatteriteos vastaa hänen "Turkin marssinsa" musiikkia? Sinfonia g -molli Kirjoitettu Wienissä 1788, sinfonia g -molli! (Nro 40) on yksi suuren säveltäjän inspiroiduimmista teoksista. Sinfonian ensimmäinen osa on sonata allegro erittäin nopealla tahdilla. Se alkaa pääosan teemalla, joka kiehtoo heti luottamuksellisena, vilpittömänä lyyrisenä tunnustuksena. Sitä laulavat viulut muiden kielisoittimien pehmeästi heiluvan säestyksen mukana. Sen melodia tunnistaa saman levottoman rytmin kuin Cherubinon ensimmäisen Fiaron avioliiton aarian alussa (ks. Esimerkki 37). Mutta nyt se on "aikuisempia", vakavampia ja rohkeampia sanoituksia: Kuoro (A -duuri) kuulostaa kolme kertaa, se on kuin eräänlainen "janissary noisy chorus", vasemman käden osassa voit kuulla jäljitelmän rumpurulla: Tässä suhteessa "turkkilainen marssi", jota kutsutaan joskus "Rondoksi turkkilaiseen tyyliin" ("Rondo alla Turca"). 36 43 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla Pieni kehitys). Mutta siinä ei ole kontrasteja, kaikki noudattavat yleistä kevyttä tunnelmaa, joka on alusta alkaen määritelty pääosassa, joka kuuluu jousisoittimilla: Luonteen maskuliinisuus paranee yhdistävässä osassa, johon pääosa kehittyy. Modulaatio tapahtuu rinnakkain G -molli B -duuri - sivuosan avain. Sen teema on kevyempi, siro ja naisellinen pääteemaan verrattuna. Se on värjätty kromaattisilla intonaatioilla sekä kielten ja puupuhallinsoitinten vaihtelulla: Seitsemännessä mittauksessa tässä näkyy helposti "lepatteleva" kahden kolmenkymmenen sekunnin nuotti. Tulevaisuudessa se joko tunkeutuu kaikkien teemojen melodisiin linjoihin tai kietoutuu niiden ympärille ja esiintyy eri soittimien eri rekistereissä. Nämä ovat ikään kuin rauhanomaisten äänien kaikuja. Vain toisinaan hieman häiriintyneinä he kuuluvat nyt lähellä, nyt kaukaa. Vakiintuneen perinteen mukaan sinfonian kolmas osa on Minuet. Mutta siinä vain keskiosa on selvästi perinteinen - Trio. Tasaisen liikkeen, äänien melodisuuden ja G-duurin tonaalisuuden ansiosta Trio aloittaa tämän Menuetin G-molli, äärimmäiset osat, mikä on kaiken kaikkiaan epätavallista lyyrisen ja dramaattisen jännityksen kannalta. Näyttää siltä, ​​että Andanten ruumiillistaman hiljaisen luonnon mietiskelyn jälkeen minun oli nyt palattava sinfonian ensimmäisessä osassa vallitsevien henkisten ahdistusten ja huolen maailmaan. Tämä vastaa sinfonian pääavaimen - G -molli - paluuta: Viimeisessä osassa tapahtuu uusi energiapurske. Tässä johtava rooli kuuluu pääjuhlien teeman ensimmäisen - kolmen äänen - motiivin toistuvalle ja jatkuvalle kehittämiselle. Täysin outon kehityksen alkaessa pilvet näyttävät kerääntyvän hälyttävästi. Kevyestä B-litteästä duurista tehdään jyrkkä käänne F-terävän molli synkkään, kaukaiseen avaimeen. Pääerän teema kehittyy dramaattisesti kehityksessä. Se käy läpi useita tonaalisuuksia, hajoaa erillisiksi lauseiksi ja motiiveiksi, ja niitä jäljitellään usein orkesterin eri äänillä. Tämän teeman ensimmäinen motiivi sykkii erittäin voimakkaasti. Mutta lopulta sen syke heikkenee, hillitsee vapinaa ja toisto alkaa. Kuitenkin kehityksen saavuttaman suuren dramaattisen voimakkuuden vaikutus näkyy tämän ensimmäisen osan tässä osassa. Tässä liitososan pituus kasvaa merkittävästi, mikä johtaa sivu- ja viimeisten osien esittämiseen ei enää duurissa, vaan G -molli -pääavaimessa, mikä tekee niiden äänestä dramaattisemman. Sinfonian toinen osa on Andante Es -duuri. Se on ristiriidassa lyyrisen dramaattisen ensimmäisen osan kanssa pehmeällä ja hellällä rauhallisuudellaan. Andante -muoto on myös sonaatti (g -molli on sinfonian pääavain ja neljäs osa - finaali etenee erittäin nopeasti. Finaali on kirjoitettu sonaattimuodossa. Pääosan teema johtaa tässä osassa sinfonian kirkkaimmat Mozartin instrumentaaliteemat. Mutta jos ensimmäisen osan teema kuulostaa lempeältä ja värisevältä lyyriseltä tunnustukselta, finaalin teema on intohimoinen lyyrinen-dramaattinen vetovoima, täynnä rohkeutta, ja päätämme 44 www.classON.ru-kehityksestä. 3. Mikä on musiikin luonne sinfonian toisessa ja kolmannessa erässä? 4. Mikä on sinfonian finaalin pääteema? Miten sen luonne eroaa ensimmäisen osan pääosan teeman luonteesta? 5. Miten finaalin pääpelin teema on rakennettu? Mihin kehitys kehityksessä perustuu? Pääteokset Tämä tulinen vetovoima syntyy melodian nopeasta noususta sointujen äänien mukaan, energiset melodiset hahmot, jotka kiertävät yhden äänen ympärillä, näyttävät vastaavan sen impulsseihin. Kuten sinfonian ensimmäisessä osassa, myös finaalin toissijaisen osan siro teema kuulostaa näyttelyssä erityisen kirkkaalta, kun se esitetään B-duuri: 19 oopperaa Requiem Noin 50 sinfoniaa 27 konserttoa klavierille ja orkesterille 5 konserttoa viulu ja orkesteri Konsertit orkesterin säestyksellä huilulle, klarinetille, fagotille, ranskalaiselle sarvelle, huilulle ja harpulle Jousikvartetot (yli 20) ja kvintetit Sonaatit clavierille, viululle ja clavierille Variaatioita, fantasiaa, rondoa, menuetteja klaverille Viimeinen osa perustuu pääosan teeman toiseen elementtiin. Finaalin kehityksessä pääpelin teeman ensimmäinen, kiehtova osa kehittyy erityisen voimakkaasti. Suuri dramaattinen jännitys saavutetaan keskittymällä harmonisiin ja moniäänisiin kehittämismenetelmiin - johtamiseen monissa tonaalisuuksissa ja jäljitelmiin. Toisinnossa surun varjostama hieman toissijaisen osan esitys g -molli -pääavaimessa. Ja pääosan teeman toinen elementti (myönteiset, energiset hahmot), kuten näyttelyssä, kuulostaa toiston viimeisen osan pohjalta. Tämän finaali tämän nerokkaan Matsartin luomuksessa muodostaa elävän lyyrisen ja dramaattisen huipun koko sonata-sinfonisen syklin aikana, ennenkuulumatonta kuvankehityksen tarkoituksenmukaisuudessa. Ludwig van Beethoven 1770-1827 Suuri saksalainen säveltäjä Ludwig van Beethoven on nuorin kolmesta loistavasta muusikosta, joita kutsutaan Wienin klassikoiksi. Beethoven sattui elämään ja luomaan jo 1600- ja 1800 -luvun vaihteessa, valtavien yhteiskunnallisten muutosten ja mullistusten aikakaudella. Hänen nuoruutensa osui aikaan, kysymyksiin ja tehtäviin 1. Milloin ja missä Mozart loi sinfonian g -molli nro 40? 45 www.classON.ru Lastenopetus venäläisen taiteen alalla