Japanilaista nykytaidetta. Kaksinkertainen näkökulma: Japanilainen nykytaide

Eremitaasi isännöi mielenkiintoinen näyttely - Japanin nykytaiteen "MONO-NO AVARE. The Charm of Things".

En voi sanoa olevani nykytaiteen ystävä. Pidän paremmin, kun on jotain pohdittavaa (kiireinen grafiikka tai koriste- ja taidetaide, etnos on minun kaikkeni). Puhtaan konseptin kauneuden ihailu ei ole aina hauskaa minulle. (Malevich, anteeksi! En pidä mustasta neliöstä!)

Mutta tänään pääsin tähän näyttelyyn!

Arvokkaat, jos olet Pietarissa, olet kiinnostunut taiteesta etkä ole vielä käynyt siellä, niin näyttely on avoinna 9.2. asti! Mene, sillä se on mielenkiintoista!

Käsitteet eivät vakuuta minua paljon, kuten jo kirjoitin edellä. Jotenkin ajattelin, että vuoden ajan nykyaikaisissa näyttelyissä enimmillään yksi tai kaksi esinettä tuntuu minusta huvittavalta. Ja monet asiat eivät kosketa minua niin paljon, että olisin pahoillani tuhlaamastani ajasta. Mutta tämä on missä tahansa genrissä, missä tahansa taiteessa, lahjakkuuden ja keskinkertaisuuden suhde, on hyvä, jos se on yksi kymmenestä! Mutta pidin tästä näyttelystä.

Japanilaiset luomukset oli sijoitettu General Staff Buildingin näyttelysaleihin. Ensimmäinen vierailijat kohtaava installaatio on uskomaton labyrintti, joka on kaadettu suolalla lattialle. Harmaa lattia, valkoinen suola, uskomattoman siististi merkitty tila, yhdeksi kentäksi kudottu. Suuri näyttelysali ja valkoinen ornamentti levittäytyi lattialle kuin hämmästyttävä pätkä. Ja ymmärrät kuinka väliaikaista tämä taide on. Näyttely sulkeutuu, sokkelo lakaistaan ​​pois luudalla. Katsoin elokuvan "Little Buddha". Ja siellä alussa buddhalainen munkki asetteli monimutkaisen koristeen värillisestä hiekasta. Ja elokuvan lopussa munkki teki terävän liikkeen siveltimellään ja titaanisella työllä tuulessa hajallaan. Se oli, sitten hop, ja ei. Ja se sanoo: arvosta kauneutta tässä ja nyt, kaikki on ohikiitävää. Joten tämä suolalabyrintti, hän aloittaa vuoropuhelun kanssasi, sinä alat vastata kysymyksiin, joita hän sinulle esittää. Artisti - Motoi Yamamoto.

Kyllä kyllä! Tämä on niin suuri labyrintti, tunsitko mittakaavan?

Toinen kiehtova esine on valtava polyeteenistä ja mustasta hartsista valmistettu kupoli Yasuaki Onishi. Tila on epätavallisen päätetty. Mustalla ohuimmilla epätasaisilla hartsilangoilla roikkuu hieman sekoittaen kupoli ... tai vuori, jossa on monimutkainen kohokuvio. Kun menet sisään, näet kirjavan pistekuvion - kohdat, joihin hartsi tarttuu. Se on hassua, ikään kuin musta sade olisi hiljaa tulossa ja sinä olet katoksen alla.

Miten keksit tämän tekniikan? Hassua, vai mitä? Mutta livenä se näyttää "elävämmältä", kupoli heiluu hieman ohikulkijoiden luomasta tuulesta. Ja sinulla on tunne vuorovaikutuksestasi kohteen kanssa. Voit mennä sisään "luolaan", nähdä sisältä, kuinka se on!

Mutta jotta en saisi vaikutelmaa, että kaikki oli vain mustavalkoista, laitan tänne vielä pari kuvaa yhteen liitetyistä vanteista tehdystä koostumuksesta. Niin värikkäät hauskat muovikiharat! Ja voit myös kävellä tämän huoneen läpi, vanteiden sisällä tai katsoa kaikkea ulkopuolelta.

Pidin näistä esineistä eniten. Tietenkin käsitteellinen nykytaide muuttuu pian erilaiseksi, sopusoinnussa uuden ajan kanssa. Se ei palaa vanhaan, eikä pysy samana kuin nyt. Se muuttuu. Mutta ymmärtääkseen mitä oli, mihin virta ryntäsi ja mitä ja mistä se tuli, täytyy tietää, mitä nyt tapahtuu. Ja älä pelkää sitä, konsepti ei ole minua varten, mutta yritä nähdä se ja arvostaa sitä. Lahjakkuuksia on vähän, kuten aina, mutta niitä on. Ja jos näyttelyt löytävät vastauksen, kaikki ei ole menetetty !!!

Japanilaisen nykytaiteen näyttely "Double Perspective" järjestetään.

1. Japanilaisessa nykytaiteessa on monia epätavallisia asioita. Esimerkiksi nämä Izumi Katon maalaukset on tehty käsin, ilman sivellintä.

2. Ensi silmäyksellä saattaa tuntua, että nämä ovat tavallisia hehkulamppuja. Mutta tämä syvällinen teos on omistettu 38. leveydelle, joka erottaa Pohjois- ja Etelä-Korean.

3. Tietysti jokaisessa työssä on jokin syvä merkitys, joka ei ole pinnalla, mutta vaikka et löydä sitä, voit vain ihailla esimerkiksi tämän taitavasti tehdyn ruusun kauneutta.

4. Nämä ovat Kenji Yanoben teoksia siitä, kuinka ihminen voi selviytyä maailman lopusta

6. Tämä on hänen tunnetuin teoksensa "Auringon lapsi", joka on luotu Fukushiman ydinvoimalan onnettomuuden jälkeen.

8. Makoto Aida "Bonsai Ai-chan"

9. Tämä on myös japanilaista nykytaidetta

10. mielenkiintoinen projekti "Lenin etsitään Moskovan asunnoista". Yosinori Niva etsi säilyneitä esineitä, jotka liittyvät Leninin persoonaan moskovilaisten taloista. Outointa on, että tätä ei tehnyt venäläinen, vaan japanilainen.

14. Muuten tähän työhön käytettiin täytettyjä oikeita rottia.

15.näissä kuvissa näkyy ihmisten pelot

Eremitaaši on avannut 16. marraskuuta 2013 lähtien näyttelyn "Mono no avare. Asian viehätys. Japanilaista nykytaidetta". Esikuntarakennuksen itäsiiven rakennuksessa sijaitsevassa näyttelyssä, jonka Valtion Eremitaaši on valmistellut Japanin Venäjän suurlähetystön tuella, esitellään installaatioita, veistoksia, videotaidetta, japanilaisten taiteilijoiden viime aikoina luomia valokuvia. vuotta ja suunniteltu täyttämään uusi sivu vuosisatoja vanhassa Nousevan auringon maan taidehistoriassa ... Heidän kotimaassaan tunnetut nimensä ovat vielä käytännössä tuntemattomia venäläiselle ja eurooppalaiselle yleisölle: Kaneuji Teppi, Kengo Kito, Kuwakubo Ryota, Masaya Chiba, Motoi Yamamoto, Onishi Yasuaki, Rieko Shiga, Suda Yoshihiro, Shinishiro Kano, Hiroaki Morita ja muut Hiraki Sawa...

Termi "mono no avare", joka on ollut olemassa 1000-luvulta lähtien, voidaan kääntää "asian lumoukseksi" tai "iloksi asiasta", ja se liittyy buddhalaiseen käsitykseen olemisen lyhytaikaisuudesta ja turhuudesta. Ihmistä ympäröivät aineelliset ja henkiset esineet kätkevät itsessään ainutlaatuisen, vain hänelle ominaisen ohikiitävän viehätyksen (avare). Ihmisellä ja ennen kaikkea taiteilijalla on oltava reagoiva sydän löytääkseen ja tunteakseen tämän viehätyksen, vastatakseen siihen sisäisesti. Nykytaiteilijalla on hienovarainen materiaalitaju, jossa merkityksen sisäinen yksinkertaisuus loistaa. Rajoittuessaan tarkoituksella tiettyihin teemoihin ja motiiveihin he käyttävät muinaisia ​​japanilaisia ​​taiteellisia tekniikoita uudella tasolla.

Japanissa, kuten Venäjällä, nykytaide on ulkopuolelta, lännestä tuotu ilmiö, joka ei aina ole selkeä ja hylkäämistä aiheuttava. Molemmat kulttuurit pitivät angloamerikkalaista termiä nykytaide uudenlaisen kulttuurilainauksen symbolina. Japanissa 1970-luvulla, kuten Venäjällä 1990-luvulla, taiteilijat tunsivat olevansa ulkopuolisia. He menivät töihin länteen, mutta vielä 1970-luvun Japanissa sanat "nykytaide" kuulostivat positiiviselta, mikä antoi nuoremman sukupolven unohtaa "sodanjälkeisen taiteen" määritelmän, joka liittyy tragediaan ja taantumaan.

Nykytaiteen todellinen kukinta länsimaisessa mielessä tuli vasta 1980-luvun lopulla, jolloin gallerioita avattiin Ginzan lisäksi myös muualla Tokiossa. Vuonna 1989 ensimmäinen nykytaiteen museo perustettiin Hiroshimaan, ja Tokion museoiden avaaminen seurasi pian 1990-luvulla. Siitä lähtien nykytaiteen ilmiö on asteittain tunnustettu kansallisella tasolla ja sen tulo kulttuuriseen arkielämään. Seuraava askel oli kansallisten biennaalien ja triennaalien pitäminen.

Mediateknologian täydellisen herruuden aikakaudella japanilaiset taiteilijat keskittävät huomionsa alkuperäisiin materiaaleihin, kosketukseensa, niiden kuuntelemiseen. Näyttely kiinnostaa suuresti installaatioita, mukaan lukien Ryota Kuwakubon (s. 1971) teos, rakenteeltaan yksinkertainen, mutta toiminnaltaan monimutkainen, jossa pääroolissa on varjo. Taiteilija hahmottelee esineitä ja luo hämmästyttävän liikkuvan kaleidoskoopin. Kaneuji Teppi (s. 1978) esittelee odottamattomia malleja jokapäiväisistä kodin materiaaleista. Hänen keräämänsä esineet, joilla on eri värit ja käyttötarkoitukset, on taitettu omituisiin muotoihin, joista tulee joko modernistisia veistoksia tai lumipeitteisiä maisemia japanilaisista silkkimaalauksista.

"Materiaalivalinnat" videoteoksissa ja genressä "löydetty esine" ovat Hiroaki Moritan (s. 1973) tekemät ja maalauksessa Shinishiro Kanon (s. 1982) ja Masaya Chiban (s. 1980). Taiteilijoiden kokoamien hyvin proosallisten "materiaalivalintojen" potentiaali juontaa juurensa kaiken ja kaiken henkistykseen, joka on perinteinen buddhalaisuus ajatuksena, että jokaisessa olennossa ja jokaisessa esineessä - ihmisestä pieneen ruohonkorkaan - Buddhan luonto on asetettu. Huomiota kiinnitetään myös asioiden sisäiseen olemukseen, joka koetaan kauneudeksi ja viehätysvoimaksi.

Kengo Quiton (s. 1977) vanteista koostuva installaatio on samaan aikaan kuin veistos ja suuri maalaus, jossa on irrallisia tasoja, perusvärejä ja perspektiiviä. Siinä oleva tila muuttuu tasoksi silmiemme edessä, mikä mahdollistaa loputtomasti kaikkia näitä taiteen merkkejä ja symboleja, jotka ovat menettäneet yhteyden todellisuuteen.

He toimivat hieman eri tavalla Yasuaki Onishin (s. 1979) ja Motoi Yamamoton (s. 1966) tilan kanssa installaatioissaan. Yoshihiro Suda (s. 1969) ikäänkuin yhdistäisi kaikki nämä erilaiset lähestymistavat vangitsevaan yksinkertaisuuteen ja käynnistää minimaalisen tunkeutumisen näyttelytilaan ja sijoittaa siihen huomaamattomasti aidolta näyttäviä puukasveja.

Näyttely "Mono no avare. Asioiden viehätys. Japanin nykytaide" on valmistellut nykytaiteen laitoksen osana Eremitaaši 20/21 -projektia. Valtion Eremitaasin pääjohtaja Mihail B. Piotrovsky sanoo: "Projektin tavoitteena on kerätä, esitellä ja tutkia XX-XXI vuosisatojen taidetta. Eremitaaši 20/21 on suunnattu niille, jotka haluavat pysyä mukana ajat - amatöörit ja ammattilaiset, hienostuneet asiantuntijat ja nuorimmat katsojat."

Näyttelyn kuraattorit ovat Valtion Eremitaasin nykytaiteen osaston johtaja, filosofian tohtori Dmitri Jurjevitš Ozerkov ja nykytaiteen laitoksen apulaisjohtaja Jekaterina Vladimirovna Lopatkina. Näyttelyn tieteellinen konsultti on Eremitaasin itämaisen osaston tutkija Anna Vasilievna Saveljeva. Näyttelyä varten on tehty kuvitettu esite, tekstin kirjoittaja on D.Yu. Ozerkov.

Japanilaisella taiteella on tärkeä paikka Eremitaasin kokoelmassa ja se sisältää noin 10 000 teosta: museossa on 1 500 arkkia värillisiä puupiirroksia, mukaan lukien kuuluisien japanilaisten kaiverrusmestarien teoksia 1700-luvun puolivälistä ja 1900-luvulta; posliini- ja keramiikkakokoelma (yli 2000 näyttelyä); 1500-2000-luvun lakat; näytteitä kankaista ja puvuista. Eremitaasin japanilaisen taiteen kokoelman arvokkain osa on netsuke-kokoelma, 1600-1800-luvun pienoisveistos, jossa on yli 1000 teosta.

Japanin nykytaiteen näyttämö näyttää olevan täysin globalisoitunut. Taiteilijat liikennöivät Tokion ja New Yorkin välillä, lähes kaikki ovat saaneet eurooppalaisen tai amerikkalaisen koulutuksen, heidän työstään puhutaan kansainvälisellä taideenglannin kielellä. Tämä kuva on kuitenkin kaukana täydellisestä.

Kansalliset muodot ja trendit ovat osoittautumassa yhdeksi halutuimmista hyödykkeistä, joita Japanilla on tarjota globaaleille taiteellisten ideoiden ja teosten markkinoille.

Lentokoneen toiminta. Kuinka Superflat Current yhdistää amerikkalaisen nörttikulttuurin ja perinteisen japanilaisen maalauksen

Jos länsimaisessa maailmassa lähes kaikille (paitsi ehkä kiihkeimmille postmodernismin teoreetiikoille) raja korkea- ja massakulttuurin välillä on edelleen ajankohtainen, vaikkakin ongelmallinen, niin Japanissa nämä maailmat ovat täysin sekaisin.

Esimerkki tästä on Takashi Murakami, joka yhdistää menestyksekkäästi maailman parhaiden gallerioiden näyttelyt streaming-tuotantoon.

Murakami-näyttelyn "There Will Be A Tender Rain" kiertueen äänittäminen

Murakamin suhde populaarikulttuuriin - ja Japanille tämä on ensisijaisesti mangan ja animen (otaku) ystävien kulttuuri - on kuitenkin monimutkaisempi. Filosofi Hiroki Azuma kritisoi otakun ymmärtämistä autenttisena japanilaisena ilmiönä. Otakut katsovat olevansa suoraan yhteydessä 1600-1800-luvun Edo-kauden perinteisiin - eristyneisyyden ja modernisoinnin hylkäämisen aikakauteen. Azuma väittää, että mangaan, animaatioon, graafisiin romaaneihin ja tietokonepeleihin sidottu otaku-liike olisi voinut syntyä vain sodanjälkeisen Amerikan miehityksen yhteydessä amerikkalaisen kulttuurin maahantuonnin seurauksena. Murakamin ja hänen seuraajiensa taide keksii otakun uudelleen pop-taidetekniikoilla ja kumoaa nationalistisen myytin perinteen aitoudesta. Se edustaa "japanisoidun amerikkalaisen kulttuurin uudelleenamerikanisaatiota".

Taidehistorian näkökulmasta superflat on lähimpänä varhaista japanilaista ukiyo-e-maalausta. Tämän perinteen tunnetuin teos on Katsushika Hokusain (1823–1831) kaiverrus "Suuri aalto Kanagawan ulkopuolella".

Länsimaiselle modernismille japanilaisen maalauksen löytäminen oli läpimurto. Sen avulla pystyimme näkemään kuvan lentokoneena, ja se ei pyri voittamaan tätä ominaisuutta, vaan työskentelemään sen kanssa.

Suorituskyvyn pioneerit. Mitä 1950-luvun japanilainen taide tarkoittaa nykyään?

Dokumentaatio Akira Kanayaman ja Kazuo Shiragin luomisprosessista

Superflat muotoutui vasta 2000-luvulla. Mutta maailmantaiteen kannalta merkittävät taidetapahtumat alkoivat Japanissa paljon aikaisemmin - ja jopa aikaisemmin kuin lännessä.

Performatiivinen käänne taiteessa tapahtui viime vuosisadan 60- ja 70-lukujen vaihteessa. Japanissa esitys ilmestyi 50-luvulla.

Gutai-konserni on ensimmäistä kertaa siirtänyt painopisteensä itsenäisten esineiden luomisesta valmistusprosessiin. Tästä on yksi askel taide-esineen hylkäämiseen ohimenevän tapahtuman hyväksi.

Vaikka yksittäisiä gutailaisia ​​taiteilijoita (joita oli 59 kahdenkymmenen vuoden aikana) oli aktiivisesti kansainvälisessä kontekstissa, japanilaisen sodanjälkeisen taiteen ymmärtäminen kollektiivisena toimintana alkoi lännessä aivan äskettäin. Buumi tuli vuonna 2013: useita näyttelyitä pienissä gallerioissa New Yorkissa ja Los Angelesissa, "Tokyo 1955-1970: A New Avant-garde" MOMAssa ja laajamittainen historiallinen retrospektiivi "Gutai: Splendid Playground" Guggenheim-museossa. Moskovan japanilaisen taiteen tuonti näyttää olevan lähes välitön tämän suuntauksen jatko.

On hämmästyttävää, kuinka nykyaikaisilta nämä retrospektiiviset näyttelyt näyttävät. Esimerkiksi Guggenheim-museon näyttelyn keskeinen kohde on Sadamasa Motonagin työ (vesi) -rekonstruktio, jossa museon rotundin tasot yhdistetään polyeteeniputkilla, joissa on värillistä vettä. Ne muistuttavat kankaalta revittyjä siveltimenvetoja ja ovat esimerkki Gutain keskeisestä keskittymisestä "konkreettisuuteen" (kuten ryhmän nimi on käännetty japanista), taiteilijan työskentelyyn liittyvien esineiden materiaalisuuteen.

Monet gutai osallistujat saivat klassiseen nihongan maalaukseen liittyvää koulutusta, monet ovat elämäkerrallisesti sidoksissa zen-buddhalaisuuden uskonnolliseen kontekstiin, sen ominaiseen japanilaiseen kalligrafiaan. He kaikki löysivät uuden, menettelyllisen tai osallistavan lähestymistavan muinaisiin perinteisiin. Kazuo Shiraga videoi kuinka hän piirsi jaloillaan Rauschenbergiä ennakoivia yksivärisiä värejä ja jopa loi kuvia julkisesti.

Minoru Yoshida muutti kukista japanilaisista printeistä psykedeelisiä esineitä – esimerkkinä tästä on Biseksuaalinen kukka, yksi maailman ensimmäisistä kineettisistä (liikkuvista) veistoksista.

Guggenheim-museon näyttelyn kuraattorit puhuvat näiden teosten poliittisesta merkityksestä:

"Gutait osoittivat vapaan yksilön toiminnan tärkeyden, katsojien odotusten tuhoamisen ja jopa tyhmyyden keinona vastustaa sosiaalista passiivisuutta ja konformismia, jotka vuosikymmenten aikana mahdollistivat militaristisen hallituksen saada kriittisen vaikutusmassan, hyökätä Kiinaan ja sitten liittyä toiseen maailmansotaan."

Hyvä ja viisas. Miksi taiteilijat lähtivät Japanista Amerikkaan 1960-luvulla?

Gutai oli poikkeus säännöstä sodanjälkeisessä Japanissa. Eturyhmät pysyivät marginaaleina, taidemaailma oli tiukasti hierarkkinen. Päätie tunnustukseen oli osallistuminen tunnustettujen klassikkotaiteilijoiden yhdistysten järjestämiin kilpailuihin. Siksi monet halusivat lähteä länteen ja integroitua englanninkieliseen taidejärjestelmään.

Se oli erityisen vaikeaa naisille. Progressiivisessa Gutaissakaan heidän osuutensa ei noussut viidesosaan. Mitä voimme sanoa perinteisistä laitoksista, joihin pääsyyn tarvittiin erityiskoulutusta. 60-luvulla tytöt olivat jo hankkineet siihen oikeuden, mutta taiteen opettaminen (ellei kyse ollut koristeesta, joka kuului taitoon ryosai kenbo- hyvä vaimo ja viisas äiti) oli sosiaalisesti masentunut.

Yoko Ono. Leikkaa pala

Tarina viiden voimakkaan japanilaisen taiteilijan muuttamisesta Tokiosta Yhdysvaltoihin oli Midori Yoshimoton tutkimuksen "Into Performance: Japanese Women Artists in New York" aiheena. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi ja Shigeko Kubota uransa alussa päättivät lähteä New Yorkiin ja työskentelivät siellä muun muassa modernisoimalla japanilaisen taiteen perinteitä. Vain Yoko Ono varttui Yhdysvalloissa, mutta hän kieltäytyi myös tietoisesti palaamasta Japaniin, koska hän oli pettynyt Tokion taiteelliseen hierarkiaan lyhyen oleskelun aikana vuosina 1962-1964.

Onosta tuli tunnetuin näistä viidestä - ei vain John Lennonin vaimona, vaan myös naisvartalon objektivisoitumiselle omistettujen proto-feminististen esitysten kirjoittajana. Cut Piece Onon, jossa yleisö saattoi leikata palasia taiteilijan vaatteista, ja Marina Abramovitšin "performanssiisoäidin" "Rhythm 0" välillä on ilmeisiä yhtäläisyyksiä.

Lyhyillä jaloilla. Tadashi Suzukin kirjoittajan näyttelijäkoulutuksen läpäiseminen

Onon ja Gutain tapauksessa heidän työskentelyn menetelmistä ja teemoista, tekijöistä erillään, tuli kansainvälisesti merkittäviä. On olemassa muitakin vientimuotoja - kun taiteilijan teokset koetaan kiinnostuneena kansainvälisellä areenalla, mutta itse menetelmän lainaamista ei tapahdu sen spesifisyyden vuoksi. Silmiinpistävin tapaus on Tadashi Suzukin näyttelijäkoulutusjärjestelmä.

Suzuki-teatteria rakastetaan jopa Venäjällä - ja tämä ei ole yllättävää. Hän oli kanssamme viimeksi vuonna 2016 Euripideksen teksteihin perustuvan näytelmän "Troijalaiset" kanssa, ja 2000-luvulla hän tuli useaan otteeseen Shakespearen ja Tšehovin tuotantojen kanssa. Suzuki siirsi näytelmien toiminnan nykyiseen japanilaiseen kontekstiin ja tarjosi ei-ilmeisiä tulkintoja teksteistä: hän löysi antisemitismin Ivanovosta ja vertasi sitä japanilaisten halveksivaan asenteeseen kiinalaisia ​​kohtaan, siirsi kuningas Learin toiminnan japanilaiselle. mielisairaala.

Suzuki rakensi järjestelmänsä venäläistä teatterikoulua vastaan. 1800-luvun lopulla, niin sanotun Meiji-kauden aikana, modernisoituva keisarillinen Japani koki oppositioliikkeiden nousun. Tuloksena oli aiemmin erittäin suljetun kulttuurin massiivista länsimaalaistumista. Tuotujen muotojen joukossa oli Stanislavsky-järjestelmä, joka on edelleen Japanissa (ja Venäjällä) yksi tärkeimmistä ohjausmenetelmistä.

Suzukin harjoitukset

60-luvulla, kun Suzuki aloitti uransa, levisi yhä enemmän väite, että japanilaiset näyttelijät eivät ruumiillisten piirteidensä vuoksi tottuneet länsimaisten tekstien rooleihin, jotka täyttivät silloisen ohjelmiston. Nuori ohjaaja onnistui tarjoamaan vakuuttavimman vaihtoehdon.

Suzuki-harjoitusjärjestelmä, jota kutsutaan jalkojen kielioppiksi, sisältää kymmeniä tapoja istua ja vielä enemmän seisoa ja kävellä.

Hänen näyttelijänsä pelaavat yleensä paljain jaloin ja vaikuttavat painopisteen alenemisen vuoksi mahdollisimman tiukasti maahan painavilta. Suzuki opettaa heitä ja ulkomaisia ​​osallistujia esityksissään Togan kylässä, vanhoissa japanilaisissa taloissa, jotka ovat täynnä nykyaikaisia ​​laitteita. Hänen ryhmänsä antaa vain noin 70 esitystä vuodessa, ja lopun ajan he elävät, lähes koskaan poistumatta kylästä ja heillä ei ole aikaa henkilökohtaisiin asioihin - vain työtä.

Toga-keskus on peräisin 1970-luvulta, ja sen suunnitteli maailmankuulu arkkitehti Arata Isozaka johtajan pyynnöstä. Suzukin järjestelmä saattaa vaikuttaa patriarkaalliselta ja konservatiiviselta, mutta hän itse puhuu Togasta modernin hajauttamisen termein. Suzuki ymmärsi jo 2000-luvun puolivälissä, kuinka tärkeää on viedä taidetta pääkaupungista alueille ja järjestää tuotantopisteitä paikallisesti. Ohjaajan mukaan Japanin teatterikartta on monella tapaa samanlainen kuin venäläinen - taide on keskittynyt Tokioon ja useisiin pienempiin keskuksiin. Venäläiselle teatterille olisi hyötyä myös pikkukaupungeissa säännöllisesti kiertävästä seurasta, jonka kotipaikka on muualla kuin pääkaupungissa.

Kukkapolut. Minkä resurssin moderni teatteri on löytänyt no- ja kabuki-järjestelmistä?

Suzuki-menetelmä kasvaa kahdesta muinaisesta japanilaisesta perinteestä - mutta myös kabukista. Kyse ei ole vain siitä, että tämäntyyppistä teatteria luonnehditaan usein kävelytaiteeksi, vaan myös selvemmissä yksityiskohdissa. Suzuki noudattaa usein miesten sääntöä kaikissa rooleissa, käyttää tyypillisiä tilaratkaisuja, esimerkiksi kabuki-kuvion hanamichia ("kukkien polku") - alustaa, joka kulkee lavalta katsomon sisälle. Hän hyödyntää myös varsin tunnistettavia symboleja, kuten kukkia ja kääröjä.

Globalisoituneessa maailmassa ei tietenkään ole kysymys japanilaisten etuoikeudesta käyttää kansallisia muotojaan.

Aikamme yhden merkittävimmistä ohjaajista, amerikkalaisen Robert Wilsonin teatteri rakennettiin butin lainoilla.

Hän ei käytä vain naamioita ja meikkiä, jotka muistuttavat yleisöä Japanista, vaan myös lainaa toimintatapoja, jotka perustuvat liikkeen maksimaaliseen hidastumiseen ja eleen omavaraiseen ilmaisukykyyn. Yhdistämällä perinteiset ja rituaaliset muodot huippuluokan valomusiikkiin ja minimalistiseen musiikkiin (yksi Wilsonin kuuluisimmista teoksista on Philip Glassin Einstein on the Beach -oopperan tuotanto), Wilson tuottaa olennaisesti synteesin alkuperästä ja merkityksellisyydestä, johon suuri osa nykytaiteesta pyrkii. .

Robert Wilson. "Einstein rannalla"

Yksi modernin tanssin pilareista - butoh, kirjaimellisesti käännettynä - pimeyden tanssi, kasvoi nohista ja kabukista. Koreografien Kazuo Onon ja Tatsumi Hijikatan vuonna 1959 keksimä butoh, joka myös piirsi matalasta painopisteestä ja keskittyi jalkoihin, oli traumaattisen sotilaallisen kokemuksen ajattelun siirtoa keholliseen ulottuvuuteen.

"He osoittivat sairasta, rappeutuvaa, jopa hirviömäistä, hirviömäistä ruumista.<…>Liikkeet ovat nyt hitaita, sitten tarkoituksella teräviä, räjähtäviä. Tätä varten käytetään erityistä tekniikkaa, kun liike suoritetaan ikään kuin ilman päälihasten osallistumista luurangon luuvipujen vuoksi ", - tanssihistorioitsija Irina Sirotkina kirjoittaa Butohin kehon vapautumisen historiaan, kumppanit se poikkeaa baletin normatiivisuudesta. Hän vertaa Butohia 1900-luvun alun tanssijoiden ja koreografien – Isadora Duncanin, Martha Grahamin, Mary Wigmanin – käytäntöihin ja puhuu vaikutuksista myöhempään "postmoderniin" tanssiin.

Fragmentti Butoh-perinteen modernin seuraajan Katsura Kanin tanssista

Nykyään butoh alkuperäisessä muodossaan ei ole enää avantgardistinen käytäntö, vaan historiallinen rekonstruktio.

Onon, Hijikatan ja heidän seuraajiensa kehittämä liikkeen sanasto on kuitenkin edelleen merkittävä resurssi nykykoreografeille. Lännessä sitä käyttävät Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky ja jopa The Weekendin "Belong To The World" -videossa. Japanissa Butoh-perinteen jatkaja on esimerkiksi Saburo Tesigawara, joka saapuu Venäjälle lokakuussa. Vaikka hän itse kiistää yhtäläisyyksiä pimeyden tanssin kanssa, kriitikot löytävät varsin tunnistettavia merkkejä: luuttoman ruumiin, haurauden ja hiljaisen askeleen. Totta, ne on jo asetettu postmodernin koreografian kontekstiin - sen korkealla tempolla, lenkkeilyllä, työskennellä jälkiteollisen noise-musiikin kanssa.

Saburo Tesigawara. Metamorfoosi

Paikallisesti globaali. Miksi japanilainen nykytaide muistuttaa edelleen länsimaista taidetta?

Tesigawaran ja monien hänen kollegoidensa teokset sopivat orgaanisesti parhaiden länsimaisten nykytanssifestivaalien ohjelmiin. Jos luet läpi japanilaisen teatterin suurimman vuotuisen Festival/Tokyon esityksen ja esityksen kuvaukset, on vaikea huomata perustavanlaatuisia eroja eurooppalaisista trendeistä.

Paikkakohtaisuudesta tulee yksi keskeisistä teemoista – japanilaiset taiteilijat tutkivat Tokion tiloja, aina pilvenpiirtäjien muotoisista kapitalismin hyytymistä otaku-keskittymän marginaalisiin alueisiin.

Toinen aihe on sukupolvien välisen väärinkäsityksen käsittely, teatteri eri-ikäisten ihmisten elävän kohtaamisen ja organisoidun kommunikoinnin paikkana. Toshiki Okadan ja Akira Tanayaman hänelle omistetut projektit on tuotu usean vuoden ajan peräkkäin Wieniin yhdelle Euroopan tärkeimmistä performanssitaidefestivaaleista. Dokumentaarisen materiaalin ja henkilökohtaisten tarinoiden siirtämisessä lavalle 2000-luvun lopulla ei ollut mitään uutta, mutta Wienin festivaalin kuraattori esitteli nämä projektit yleisölle mahdollisuutena elävään, pistekontaktiin toiseen kulttuuriin.

Toinen päälinja on traumaattisten kokemusten kehittäminen. Japanilaisille se ei liity Gulagiin tai holokaustiin, vaan Hiroshiman ja Nagasakin pommituksiin. Teatteri viittaa häneen jatkuvasti, mutta voimakkain lausunto atomiräjähdyksistä kaiken modernin japanilaisen kulttuurin syntyhetkenä kuuluu edelleen Takashi Murakamille.

"Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture" on hänen vuonna 2005 New Yorkissa toteuttamansa kuratoidun projektinsa nimi. "Little Boy" - venäjäksi "vauva" - on yhden Japaniin vuonna 1945 pudotetun pommin nimi. Murakami on kerännyt satoja mangasarjakuvia johtavilta kuvittajilta, erottuvia vintage-leluja ja muistoesineitä, jotka ovat saaneet inspiraationsa kuuluisista animeista Godzillasta Hello Kittyyn. Se on työntänyt söpöjen - kawaii -pitoisuuden museotilaan äärimmilleen. Samanaikaisesti hän lanseerasi valikoiman animaatioita, joissa keskeisinä kuvina olivat kuvat räjähdyksistä, paljaasta maasta, tuhoutuneista kaupungeista.

Tämä vastustus oli ensimmäinen laajamittainen lausunto japanilaisen kulttuurin infantilisaatiosta keinona selviytyä PTSD:stä.

Nyt tämä johtopäätös näyttää jo selvältä. Inuhiko Yomotan akateeminen kawaii-tutkimus perustuu siihen.

Myös myöhemmin traumaattisia laukaisimia esiintyy. Tärkeimmistä - 11. maaliskuuta 2011 tapahtuneet maanjäristys ja tsunami, jotka johtivat suuronnettomuuteen Fukushiman ydinvoimalassa. Festivaalilla / Tokio-2018 koko kuuden esityksen ohjelma oli omistettu luonnon- ja teknologisen katastrofin seurausten ymmärtämiselle; niistä tuli myös yhden Solyankassa esitellyn teoksen teema. Tämä esimerkki osoittaa selvästi, että länsimaisen ja japanilaisen taiteen kriittisten menetelmien arsenaali ei ole pohjimmiltaan erilainen. Haruyuki Ishii luo kolmesta televisiosta koostuvan installaation, joka silmukkasi nopeatempoisesti editoitua ja silmukkamateriaalia maanjäristystä käsittelevistä televisio-ohjelmista.

"Teos koostuu 111 videosta, joita taiteilija katsoi päivittäin uutisissa, kunnes kaikki näkemänsä koettiin fiktioksi", kuraattorit selittävät. Uusi Japani tarjoaa vahvan esimerkin siitä, kuinka taide ei vastusta myyttipohjaisia ​​tulkintoja, mutta samalla kriittinen katse paljastaa, että sama tulkinta voi olla relevanttia mistä tahansa taiteesta riippumatta. Kuraattorit puhuvat kontemplaatiosta japanilaisen perinteen perustana Lao Tzun lainausten pohjalta. Samalla, ikään kuin suluista jättäen pois, että lähes kaikki nykytaide keskittyy "tarkkailijaefektiin" (tämä on näyttelyn nimi) - joko tuttujen ilmiöiden uusien havaintokontekstien luomisena tai poseerauksena. kysymys riittävän havainnoinnin mahdollisuudesta sellaisenaan.

Imagined Communities on toinen videotaiteilija Haruyuki Ishiin teos

Peli

Ei kuitenkaan pidä ajatella, että 2010-luvun Japani on progressiivisuuden keskittymä.

Vanhan hyvän perinteisyyden tottumuksia ja rakkautta orientalistiseen eksotiikkaan ei ole vielä hävitetty. "Theater of Virgins" on venäläisessä konservatiivisessa lehdessä "PTZh" olevan melko ihailevan artikkelin nimi japanilaisesta teatterista "Takarazuka". "Takarazuka" ilmestyi 1800-luvun lopulla yritysprojektina houkutellakseen turisteja samannimiseen syrjäiseen kaupunkiin, josta tuli vahingossa yksityisen rautatien pääteasema. Teatterissa pelaavat vain naimattomat tytöt, joiden piti rautatien omistajan suunnitelman mukaan houkutella miespuolisia katsojia kaupunkiin. Nykyään Takarazuka toimii toimialana - omalla tv-kanavallaan, kiireisellä konserttiohjelmalla ja jopa paikallisella huvipuistolla. Mutta vain naimattomilla tytöillä on edelleen oikeus olla seurueessa - toivotaan, että he eivät ainakaan tarkista neitsyyttä.

Takarazuka kuitenkin kalpenee Kiotossa sijaitsevaan Toji Deluxe -klubiin, jota japanilaiset kutsuvat myös teatteriksi. Ne näyttävät täysin villiin, päätellen kuvaus New Yorker-kolumnisti Ian Buruma, striptease show: Useat alastontytöt lavalla tekevät sukuelinten esittelystä julkisen rituaalin.

Kuten monet taiteelliset käytännöt, tämäkin esitys perustuu muinaisiin legendoihin (kynttilän ja suurennuslasin avulla yleisön miehet saivat vuorotellen tutkia "äitijumalattar Amaterasun salaisuuksia"), ja tekijää itseään muistutettiin mm. perinne nro.

Jätämme länsimaisten analogien etsimisen Takarazukille ja Tojille lukijalle - niitä ei ole vaikea löytää. Huomattakoon vain, että juuri tällaisten sorron käytäntöjen torjuntaan on suunnattu merkittävä osa nykytaiteesta - sekä länsimaisesta että japanilaisesta superflatista butoh-tanssiin.

Japanilaiset löysivät esineisiin kätketyn kauneuden 800-1100-luvuilla Heianin aikakaudella (794-1185) ja jopa nimesivät sen erityisellä käsitteellä "mono no avare" (japanilainen 物 の 哀 れ (も の の あ わ).れ)), mikä tarkoittaa "asioiden surullista viehätystä". "Asioiden viehätys" on yksi varhaisimmista kauneuden määritelmistä japanilaisessa kirjallisuudessa, se liittyy šintolaiseen uskomukseen, että jokaisella esineellä on oma jumalansa - kami - ja oma ainutlaatuinen viehätyksensä. Avare on asioiden sisäinen olemus, se, joka aiheuttaa iloa, jännitystä.

- Wasi tai wagami.
Manuaalinen paperinvalmistus. Keskiaikaiset japanilaiset arvostivat washia paitsi sen käytännöllisistä ominaisuuksista, myös sen kauneudesta. Hän oli kuuluisa hienovaraisuudestaan, melkein läpinäkyvyystään, mikä ei kuitenkaan riistänyt häneltä vahvuuttaan. Washi valmistetaan kozo-puun (mulperipuun) ja joidenkin muiden puiden kuoresta.
Washi-paperia on säilytetty vuosisatojen ajan, mistä ovat osoituksena vanhan japanilaisen kalligrafian albumit ja niteet, maalaukset, näytöt, kaiverrukset, jotka ovat säilyneet vuosisatojen ajan nykypäivään.
Wasyan paperi on kuitumainen, jos katsot mikroskoopin läpi, näet rakoja, joiden läpi ilma ja auringonvalo tunkeutuvat. Tätä laatua käytetään näyttöjen ja perinteisten japanilaisten lyhtyjen valmistuksessa.
Washi-matkamuistot ovat erittäin suosittuja eurooppalaisten keskuudessa. Tästä paperista valmistetaan monia pieniä ja hyödyllisiä esineitä: lompakot, kirjekuoret, tuulettimet. Ne ovat riittävän vahvoja ja kevyitä samanaikaisesti.

- Gohei.
Paperiliuskoista tehty maskotti. Gohei on shintopapin rituaalisauva, johon on kiinnitetty paperisiksak-nauhat. Samat paperinauhat ripustetaan shintolaispyhäkön sisäänkäynnille. Paperin rooli shintolaisuudessa on perinteisesti ollut erittäin suuri ja paperituotteilla on aina ollut esoteerinen merkitys. Ja uskomus, että jokainen asia, jokainen ilmiö, jopa sanat, sisältää kamin - jumaluuden - selittää sellaisen taideteollisuuden syntymisen kuin gohei. Shintolaisuus on jollain tapaa hyvin samanlainen kuin pakanallisuus. Shintolaisille kami asettuu erityisen mielellään kaikkeen epätavalliseen. Esimerkiksi paperilla. Ja vielä enemmän monimutkaiseksi siksakiksi kierretyssä goheissa, joka roikkuu nykyään shintolaisten pyhäkköjen sisäänkäynnin edessä ja osoittaa jumaluuden läsnäolon temppelissä. Gohein taittamiseen on 20 vaihtoehtoa, ja erityisen epätavalliset houkuttelevat kamia. Suurimmaksi osaksi gohei on valkoinen, mutta siellä on myös kultaisia, hopeisia ja monia muita sävyjä. 800-luvulta lähtien Japanissa on ollut tapana vahvistaa goheita sumopainijoiden vyössä ennen taistelun alkua.

- Anesama.
Tämä on paperinukkejen valmistusta. 1800-luvulla samurai-vaimot tekivät paperista nukkeja, joita lapset leikkivät ja pukivat heidät erilaisiin vaatteisiin. Aikana, jolloin leluja ei ollut, anesama oli lasten ainoa keskustelukumppani, joka "näytti" äidin, vanhemman siskon, lapsen ja ystävän roolia.
Nukke on rullattu japanilaisesta washi-paperista, hiukset on tehty rypistetystä paperista, värjätty musteella ja peitetty liimalla, joka antaa sille kiiltoa. Erottuva piirre on suloinen pieni nenä pitkänomaisilla kasvoilla. Nykyään tämä yksinkertainen lelu, joka vaatii vain taitavia käsiä, on muodoltaan perinteinen ja sitä valmistetaan edelleen samalla tavalla kuin ennenkin.

- Origami.
Muinainen paperihahmojen taittamisen taito (japanilainen 折 り 紙, kirjaimellisesti: "taitettu paperi"). Origami-taiteen juuret ovat muinaisessa Kiinassa, jossa paperi keksittiin. Alun perin origamia käytettiin uskonnollisiin tarkoituksiin. Pitkään tämä taidemuoto oli vain ylempien luokkien edustajien saatavilla, missä hyvän muodon merkki oli paperin taittotekniikan hallinta. Vasta toisen maailmansodan jälkeen origami meni idän ulkopuolelle ja päätyi Amerikkaan ja Eurooppaan, missä se löysi heti faninsa. Klassinen origami taitetaan neliönmuotoisesta paperiarkista.
On olemassa tietty joukko tavanomaisia ​​merkkejä, jotka ovat välttämättömiä monimutkaisimmankin tuotteen taittokaavion hahmottamiseksi. Suurin osa tavanomaisista merkeistä otettiin käyttöön 1900-luvun puolivälissä kuuluisa japanilainen mestari Akira Yoshizawa.
Klassinen origami määrää yhden neliön, tasavärisen paperiarkin käytön ilman liimaa tai saksia. Nykytaiteen muodot joskus poikkeavat tästä kaanonista.

- Kirigami.
Kirigami on taidetta leikata useita muotoja saksilla useita kertoja taitetusta paperiarkista. Origami-tyyppi, joka mahdollistaa saksien ja paperin leikkaamisen mallin valmistuksessa. Tämä on tärkein ero kirigamin ja muiden paperin taittotekniikoiden välillä, jota korostetaan nimessä: 切 る (kiru) - leikata, 紙 (gami) - paperi. Lapsuudessa me kaikki rakastimme lumihiutaleiden leikkaamista - kirigamin muunnelmaa, voit leikata tällä tekniikalla paitsi lumihiutaleita, myös erilaisia ​​​​figuureja, kukkia, seppeleitä ja muita söpöjä paperista valmistettuja asioita. Näitä tuotteita voidaan käyttää stensiileinä tulosteisiin, koristeluun albumeihin, postikortteihin, valokuvakehyksiin, muotisuunnitteluun, sisustussuunnitteluun ja muihin erilaisiin koristeluihin.

- Ikebana.
Ikebana, (Jap 生 け 花 tai い け ば な) käännettynä japanista - ike "- elämä", bana "- kukat tai" kukat, jotka elävät." Japanilainen kukka-asetelma on yksi japanilaisten kauneimmista perinteistä. Ikebanaa valmistettaessa käytetään kukkien ohella leikattuja oksia, lehtiä ja versoja.Perusperiaatteena on hieno yksinkertaisuus, jonka saavuttamiseksi pyritään korostamaan kasvien luonnollista kauneutta. Ikebana on uuden luonnollisen muodon luominen, jossa yhdistyvät harmonisesti kukan kauneus ja sävellyksen luovan mestarin sielun kauneus.
Nykyään Japanissa on 4 suurinta ikebanakoulua: Ikenobo, Koryu, Ohara ja Sogetsu. Niiden lisäksi yhteen näistä kouluista kiinnittyy noin tuhat erilaista suuntaa ja trendiä.

- Oribana.
1600-luvun puolivälissä kaksi koulukuntaa Ohara (Ikebanan päämuoto - Oribana) ja Koryu (päämuoto - Sseca) lähti Ikenobosta. Muuten, Ohara-koulussa opiskellaan edelleen vain Oribanaa. Kuten japanilaiset sanovat, on erittäin tärkeää, että origami ei muutu origomiksi. Gomi tarkoittaa japaniksi roskaa. Loppujen lopuksi, miten se tapahtuu, taitettu paperi, ja mitä sitten tehdä sen kanssa? Oribana tarjoaa paljon ideoita kimppuihin sisustukseen. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Väärä.
Eräänlainen taideteos, joka syntyy kukkakaupoista. Kukkakauppamme ilmestyi kahdeksan vuotta sitten, vaikka se on ollut olemassa Japanissa yli kuusisataa vuotta. Kerran keskiajalla samurait ymmärsivät soturin tien. Ja virhe oli osa tätä polkua, sama kuin hieroglyfien kirjoittaminen ja miekan käyttäminen. Virheen tarkoitus oli se, että täydellisen läsnäolon tilassa hetkessä (satori) mestari loi kuvan kuivatuista kukista (puristetut kukat). Sitten tämä kuva voisi toimia avaimena, oppaana niille, jotka olivat valmiita astumaan hiljaisuuteen ja kokemaan juuri tuon satorin.
Taiteen olemus "on väärin" on se, että keräämällä ja kuivaamalla kukkia, yrttejä, lehtiä, kuorta puristimen alla ja liimaamalla ne pohjaan, tekijä luo kasvien avulla todella "maalauksen" teoksen. Toisin sanoen hän on väärässä - tämä on maalaamista kasveilla.
Kukkakauppiaiden taiteellinen luovuus perustuu kuivatun kasvimateriaalin muodon, värin ja tekstuurin säilyttämiseen. Japanilaiset ovat kehittäneet tekniikan suojellakseen "erehtyneet" maalaukset palamiselta ja tummumiselta. Sen olemus on, että lasin ja maalauksen välistä pumpataan ilmaa ja syntyy tyhjiö, joka estää kasveja rappeutumasta.
Houkuttelee paitsi tämän taiteen ei-perinteinen luonne, myös mahdollisuus näyttää mielikuvitusta, makua ja tietoa kasvien ominaisuuksista. Kukkakaupat tekevät koristeita, maisemia, asetelmia, muotokuvia ja aihemaalauksia.

- Bonsai.
Bonsai ilmiönä ilmestyi Kiinassa yli tuhat vuotta sitten, mutta tämä kulttuuri saavutti huippunsa vasta Japanissa. (bonsai - japanilainen 盆栽 lit. "kasvi ruukkuun") - taito kasvattaa tarkka kopio oikeasta puusta pienoiskoossa. Buddhalaiset munkit kasvattivat näitä kasveja useita vuosisatoja eKr., ja niistä tuli myöhemmin yksi paikallisen aateliston toiminnoista.
Bonsai koristeli japanilaisia ​​koteja ja puutarhoja. Tokugawan aikakaudella puistosuunnittelu sai uuden sysäyksen: atsaleoiden ja vaahteroiden kasvattamisesta tuli varakkaiden harrastus. Myös kääpiökasvien kasvatus (hachi-no-ki - "ruukkupuu") kehittyi, mutta tuon ajan bonsait olivat erittäin suuria.
Nykyään bonsaihin käytetään tavallisia puita, joista tulee pieniä jatkuvan karsinnan ja monien muiden menetelmien ansiosta. Samanaikaisesti kulhon tilavuuden rajoittaman juurijärjestelmän ja bonsain maaosan suhde vastaa aikuisen puun mittasuhteita luonnossa.

- Mizuhiki.
Makramen analogi. Tämä on muinaista japanilaista taidetta, jossa sidotaan erilaisia ​​solmuja erikoisnauhoista ja luodaan niistä kuvioita. Tällaisilla taideteoksilla oli erittäin laaja käyttöalue - lahjakorteista ja kirjeistä kampauksiin ja käsilaukkuihin. Tällä hetkellä mizuhiki on erittäin laajalti käytetty lahjateollisuudessa - jokaiseen elämäntapahtumaan lahja on tarkoitus kääriä ja sitoa hyvin erityisellä tavalla. Mizuhikin taiteessa on paljon solmuja ja sävellyksiä, eivätkä kaikki japanilaiset tiedä niitä kaikkia ulkoa. Tietenkin on yleisimmät ja yksinkertaisimmat solmut, joita käytetään useimmiten: onnitellessa lapsen syntymästä, häistä tai muistomerkistä, syntymäpäivä- tai yliopistoon pääsystä.

- Kumihimo.
Kumihimo on japanilainen punos. Lankoja kudottaessa saadaan nauhoja ja pitsejä. Nämä nauhat on kudottu erikoiskoneilla - Marudai ja Takadai. Marudai-kutomakoneita käytetään pyöreiden nauhojen kutomiseen, kun taas Takadai-kutomakoneita käytetään litteiden nauhojen kutomiseen. Kumihimo käännettynä japanista tarkoittaa "kudontaköydet" (kumi - kudonta, taittaminen yhteen, himo - köysi, pitsi). Huolimatta siitä, että historioitsijat itsepintaisesti väittävät, että tällaista kudontaa löytyy skandinaavisten ja Andien asukkaiden keskuudesta, japanilainen kumihimo-taide on todellakin yksi vanhimmista kudontatyypeistä. Ensimmäinen maininta siitä on vuodelta 550, jolloin buddhalaisuus levisi kaikkialle Japaniin ja erityiset seremoniat vaativat erityisiä koristeita. Myöhemmin kumihimo-nauhoja alettiin käyttää naisten kimonon obi-vyön kiinnittäjänä, köyteenä koko samuraiden asearsenaalin "pakkaamiseen" (samurai käytti kumihimoa koristeellisiin ja toiminnallisiin tarkoituksiin panssariensa ja hevoshaarniskansa sitomiseen), sekä raskaiden esineiden niputtamiseksi.
Erilaiset modernit kumihimo-kuviot kudotaan helposti kotitekoisilla pahvikutomakoneilla.

- Komono.
Mitä jää jäljelle kimonosta sen jälkeen, kun se on käyttänyt käyttöikänsä? Luuletko, että he heittävät sen pois? Ei mitään tällaista! Japanilaiset eivät koskaan tee niin. Kimono on kallis asia. Se on niin helppo heittää pois, on käsittämätöntä ja mahdotonta ... Kimonon muun tyyppisen uudelleenkäytön ohella käsityöläiset valmistivat pieniä matkamuistoja pienistä romuista. Nämä ovat pieniä leluja lapsille, nukkeja, rintakoruja, seppeleitä, naisten koruja ja muita tuotteita, vanhoja kimonoja käytetään pienten söpöjen pienten esineiden valmistukseen, joita kutsutaan yhteisesti "komonoksi". Pieniä asioita, jotka elävät omaa elämäänsä jatkaen kimonon polkua. Tätä sana komono tarkoittaa.

- Kanzashi.
Hiusneulojen koristelu (useimmiten koristeltu kukilla (perhoset jne.) kankaasta (pääasiassa silkistä). Japanilainen kanzashi (kanzashi) on pitkä hiusneula perinteiseen japanilaiseen naisten hiustyyliin. Ne tehtiin puusta, lakasta, hopea, kilpikonnankuori käytetty perinteisissä kiinalaisissa ja japanilaisissa kampauksissa Noin 400 vuotta sitten naisten hiustyyli muuttui Japanissa: naiset lopettivat hiusten kampaamisen perinteisessä muodossa - taregami (pitkät suorat hiukset) ja alkoivat muotoilla niitä monimutkaisiin ja outoihin muotoihin - nihongami. käytti erilaisia ​​esineitä - hiusneuloja, tikkuja, kammat.Silloin jopa yksinkertainen kampakampa kushi muuttuu tyylikkääksi lisävarusteeksi, joka on poikkeuksellisen kaunis, josta tulee todellinen taideteos.Japanilaisten naisten perinteinen puku ei sallinut rannekoristeita ja kaulakoruja, joten hiusten koristelu oli tärkein kauneus ja itseilmaisun kenttä - sekä osoitti lompakon makua ja paksuutta bka omistaja. Printeistä näet - jos katsot tarkasti - kuinka japanilaiset naiset ripustivat helposti jopa kaksikymmentä kallista kanzashia kampauksiinsa.
Tällä hetkellä kanzashin käytön perinne on elpymässä nuorten japanilaisten naisten keskuudessa, jotka haluavat lisätä hiustyyliinsä hienostuneisuutta ja eleganssia. Modernit hiusneulat voidaan koristella vain yhdellä tai kahdella hienolla käsintehdyllä kukalla.

- Kinusaiga.
Uskomatonta käsityötä Japanista. Kinusaiga (絹 彩画) on batikin ja tilkkutyön risteys. Pääideana on, että vanhoista silkkikimonoista kootaan uusia maalauksia – todellisia taideteoksia.
Ensin taiteilija tekee luonnoksen paperille. Sitten tämä piirros siirretään puulaudalle. Kuvion ääriviiva leikataan urilla tai uriilla ja sitten vanhasta silkkikimonosta leikataan väriä ja sävyä vastaavat pienet täplät, joiden reunat täyttävät urat. Tällaista kuvaa katsoessa tulee tunne, että katsot valokuvaa tai vaikka vain katselet maisemaa ikkunan ulkopuolella, ne ovat niin realistisia.

- Temari.
Nämä ovat perinteisiä japanilaisia ​​geometrisesti brodeerattuja palloja, jotka on tehty yksinkertaisimmilla ompeleilla ja jotka ovat aikoinaan toimineet lasten leluina, ja nyt niistä on tullut taideteollisuus, jolla on monia faneja Japanin lisäksi kaikkialla maailmassa. Uskotaan, että kauan sitten samuraiden vaimot valmistivat nämä tuotteet viihdettä varten. Heti alussa niitä käytettiin todella pallon pelaamiseen, mutta askel askeleelta ne alkoivat hankkia taiteellisia elementtejä, jotka muuttuivat myöhemmin koristeellisiksi koristeiksi. Näiden pallojen herkkä kauneus tunnetaan kaikkialla Japanissa. Ja nykyään värikkäät, huolellisesti valmistetut tuotteet ovat yksi japanilaisen kansankäsityön tyypeistä.

- Yubinuki.
Japanilaiset sormustimet asetetaan käsin ompeleessa tai kirjottaessa työkäden keskisormen keskisormeen, sormenpäiden avulla neulalle annetaan haluttu suunta ja keskisormen sormus työntää neulan sisään työ. Aluksi japanilaiset yubinuki-sormustimet valmistettiin yksinkertaisesti - noin 1 cm leveä tiheä kangas- tai nahkanauha useissa kerroksissa kiedottiin tiukasti sormen ympärille ja kiinnitettiin yhteen useilla yksinkertaisilla koristeompeleilla. Koska hameet olivat välttämätön esine jokaisessa kodissa, niitä alettiin koristella geometrisilla silkkilangoilla varustetuilla brodeerauksilla. Värikkäitä ja monimutkaisia ​​kuvioita syntyi ompeleiden yhteen kutomisesta. Yubinuki yksinkertaisesta kodin esineestä on myös muuttunut "ihailemaan" esineeksi, jokapäiväisen elämän koristeeksi.
Yubinukia käytetään edelleen ompelussa ja kirjonnassa, mutta niitä voi löytää myös yksinkertaisesti käytettäessä käsissä millä tahansa sormella, kuten koristesormuksia. Yubinuki-tyylisellä kirjontalla koristellaan erilaisia ​​renkaan muotoisia esineitä - lautasliinasormuksia, rannekoruja, temaripidikkeita, kirjailtuja hameita, ja samaan tyyliin löytyy myös kirjailtuja pincase. Hamekuviot voivat olla loistava inspiraation lähde temarin obi-kirjontaan.

- Suibokuga tai sumie.
Japanilainen mustemaalaus. Japanilaiset taiteilijat omaksuivat tämän kiinalaisen maalaustyylin 1300-luvulla ja 1400-luvun lopulla. siitä tuli japanilaisen maalauksen valtavirta. Suibokuga on yksivärinen. Sille on ominaista mustan musteen (sumi), kiinteän hiilen tai noen muodon käyttö, kiinalainen muste, joka jauhetaan musteeseen, laimennetaan vedellä ja harjataan paperille tai silkille. Monochrome tarjoaa taiteilijalle loputtoman valikoiman sävyvaihtoehtoja, jotka kiinalaiset ovat pitkään tunnustaneet musteen "väreiksi". Suibokuga sallii joskus oikeiden värien käytön, mutta rajoittaa sen hienovaraisiin, läpinäkyviin vedoihin, jotka pysyvät aina alisteisina musteviivalle. Mustemaalauksella on kalligrafian taiteen kanssa yhteisiä olennaisia ​​piirteitä kuten tiukasti kontrolloitu ilmaisu ja tekninen muodon hallinta. Mustemaalauksen laatu alenee, kuten kalligrafiassa, musteella piirretyn viivan eheyteen ja repeytymisen kestävyyteen, joka ikään kuin pitää taideteoksen itsellään, aivan kuten luut pitävät kudoksia päällä.

- Etagami.
Piirretyt postikortit (e - kuva, tunnisteet - kirje). Postikorttien tekeminen omin käsin on Japanissa yleensä erittäin suosittu harrastus, ja ennen lomaa sen suosio kasvaa entisestään. Japanilaiset rakastavat lähettää postikortteja ystävilleen, ja he rakastavat myös vastaanottaa niitä. Tämä on eräänlainen pikakirje erikoisaihioilla, se voidaan lähettää postitse ilman kirjekuorta. Etegamissa ei ole erityisiä sääntöjä tai tekniikoita, sen voi tehdä kuka tahansa ilman erityistä koulutusta. Etagami auttaa ilmaisemaan tarkasti tunnelmaa, vaikutelmia, tämä on käsintehty postikortti, joka koostuu kuvasta ja lyhyestä kirjeestä välittäen lähettäjän tunteita, kuten lämpöä, intohimoa, huolenpitoa, rakkautta jne. He lähettävät nämä kortit lomille ja juuri niin, ja ne kuvaavat vuodenaikoja, tekoja, vihanneksia ja hedelmiä, ihmisiä ja eläimiä. Mitä yksinkertaisempi tämä kuva on piirretty, sitä mielenkiintoisemmalta se näyttää.

- Furoshiki.
Japanilainen pakkaustekniikka tai kankaan taittamisen taito. Furoshiki tuli japanilaisten elämään pitkään. Kamakura-Muromachi-kausilta (1185 - 1573) on säilynyt muinaisia ​​kääröjä, joissa on kuvia naisista, jotka kantavat päässään kankaisiin pakattuja vaatteita. Tämä mielenkiintoinen tekniikka juontaa juurensa Japanista vuosille 710 - 794 jKr. Sana "furoshiki" tarkoittaa kirjaimellisesti "kylpymattoa" ja on neliön muotoinen kangaspala, jota käytettiin kaikenmuotoisten ja -kokoisten esineiden käärimiseen ja kantamiseen.
Ennen vanhaan japanilaisissa kylpylöissä (furo) oli tapana kävellä kevyissä puuvillakimonoissa, jotka kävijät toivat mukanaan kotoa. Kylpylä toi mukanaan myös erityisen maton (shiki), jolla hän seisoi riisuutuessaan. Vaihdettuaan "kylpy"-kimonoon vierailija kääri vaatteensa matolle ja kylvyn jälkeen hän kääri märän kimonon maton sisään tuodakseen sen kotiin. Kylpymatosta on siis tullut monikäyttöinen laukku.
Furoshiki on erittäin helppokäyttöinen: kangas ottaa käärittävän esineen muodon ja kahvat helpottavat kuorman siirtämistä. Lisäksi lahja, joka ei ole kääritty kovaan paperiin, vaan pehmeään, monikerroksiseen kankaaseen, saa erityisen ilmeisyyden. Furoshikin taittamiseen on monia järjestelmiä kaikkiin tilaisuuksiin, arkeen tai lomaan.

- Amigurumi.
Japanilaista pienten pehmeiden eläinten ja humanoidiolennon neulomista tai virkkaamista. Amigurumit (japaniksi 編 ​​み 包 み, kirjaimellisesti: "neulottu-kääritty") ovat useimmiten söpöjä eläimiä (kuten karhuja, puput, kissat, koirat jne.), pieniä miehiä, mutta ne voivat olla myös elottomia esineitä, joilla on ihmisen ominaisuuksia. . Esimerkiksi kuppikakkuja, hattuja, käsilaukkuja ja muita. Amigurumi on neulottu tai neulottu tai virkattu. Viime aikoina virkatut amigurumit ovat tulleet suositummiksi ja yleisemmiksi.
neulotaan langasta yksinkertaisella neulontamenetelmällä - spiraalissa ja toisin kuin eurooppalaisessa neulontamenetelmässä, ympyröitä ei yleensä yhdistetä. Ne on myös virkattu pienempään kokoon suhteessa langan paksuuteen, jotta saadaan aikaan erittäin tiivis kangas ilman aukkoja pehmustetta varten. Amigurumit valmistetaan usein osista ja sitten yhdistetään, lukuun ottamatta joitakin amigurumia, joilla ei ole raajoja, vaan vain pää ja vartalo, jotka muodostavat yhden kokonaisuuden. Raajat täytetään joskus muoviosilla elopainon saamiseksi, kun taas muu keho on täytetty kuitutäyteaineella.
Amigurumi-estetiikka leviää niiden suloisuudella ("kawaii").