ranskalaiset cembalistit. Cembalo - soitin - historia, valokuva, video Ranskalaiset säveltäjät cembalistit 1700-luvulla

Raportti tieteen historiasta

aihe "Ranskan musiikki 1700-luvulla"

Fysiikan ja matematiikan tiedekunnan 10. luokan opiskelija

Lyseum nro 1525 "Sparrow Hills"

Kazakov Philip.

Ensimmäinen asia, joka sanotaan Ranskan musiikista 1700-luvulla, on se
toisin kuin musiikin alan johtavat maat (kuten Saksa,
Itävalta, Espanja ja Italia), Ranska ei voinut ylpeillä mistään suuremmasta
erityisen kuuluisien komposiittien määrä, ei esiintyjiä eikä rikkaita
valikoima kuuluisia teoksia. Tunnetuin ranskalainen
Gluckia pidetään tuon ajan säveltäjänä, mutta hän oli myös Saksasta.
Osittain tämän tilanteen sanelevat yhteiskunnan edut, jotka määrittelivät
musiikkityylejä. Ajattele musiikin kehitystä 1700-luvulla.

Vuosisadan alussa suosituin musiikkityyli oli sentimentaalinen
klassismi. Se oli hidasta ja kiireistä musiikkia, ei erityisen monimutkaista.
He soittivat sitä kielisoittimilla. Hän yleensä seurasi juhlia ja juhlia,
mutta he halusivat myös kuunnella häntä rennossa kodikkaassa ilmapiirissä.

Sitten rokokoon piirteet ja tekniikat alkoivat kuulua luuttumusiikkiin, kuten esim
kuin trilli ja lippu. Hän sai monimutkaisemman ilmeen, musikaalisen
Lauseista on tullut monimutkaisempia ja mielenkiintoisempia. Musiikki irtaantui enemmän
todellisuus, upeampi, vähemmän oikea ja siten lähempänä
kuuntelija.

Lähempänä 1700-luvun toista puoliskoa rokokoon piirteet sulautuivat yhteen
musiikkia, joka alkoi saada tietyn suuntauksen. Kyllä pian
musiikissa erottui selvästi kaksi suuntaa: tanssimusiikki ja
musiikkia laulamiseen. Tanssimusiikkia palloille, musiikkia varten
laulettiin luottamuksellisessa ympäristössä. Usein aristokraatteja
he rakastivat laulamista kotitekoisen cembalon ääniin. Samaan aikaan ilmestyi
uusi teatterigenre komedia-baletti, jossa yhdistyvät dialogi, tanssi ja
pantomiimi, instrumentaali, joskus laulumusiikki. Sen luojat - J.
B. Moliere ja säveltäjä J. B. Lully. Genrellä on ollut merkittävä vaikutus
ranskalaisen musiikkiteatterin myöhempi kehitys.

Musiikin tyylilajien hienovaraisemman erottelun jälkeen alku
marssimusiikki tulee näkyviin. Se oli kovaa, kovaäänistä, meluisaa musiikkia. V
Tällä hetkellä lyömäsoittimet (rummut ja
symbaalit), jotka asettavat rytmin ja riistävät siten työn
suorituskyvyn yksilöllisyys. Käytetty myös paljon
soittimia, kuten trumpettia, mikä lähinnä nosti kokonaisuutta
musiikin äänenvoimakkuus. Se johtuu rumpaleiden ulkonäöstä ja äänekkäästä
soittimet 1700-luvun lopun ranskalaista musiikkia mielestäni tuli
erityisen alkeellinen eikä erinomainen. Marssimusiikin kruunaus oli
Rouget De Lislen vuonna 1792 kirjoittaman "La Marseillaise" -teoksen ilmestyminen
vuosi.

Rouget de Lisle Claude Joseph (1760-1836) ranskalainen sotilasinsinööri, runoilija ja
säveltäjä. Hän kirjoitti hymnejä, lauluja, romansseja. Vuonna 1792 hän kirjoitti sävellyksen
"Marseillaise", josta tuli myöhemmin Ranskan hymni.

François Couperin (1668-1733) - ranskalainen säveltäjä, cembalisti,
urkuri. Dynastiasta, joka on verrattavissa saksalaiseen Bach-dynastiaan, vuodesta lähtien
hänen perheessään oli useita muusikoiden sukupolvia. Couperin sai lempinimen
"suuri Couperin" osittain hänen huumorintajunsa vuoksi, osittain johtuen
merkki. Hänen työnsä on ranskalaisen cembalotaiteen huippu.
Couperinin musiikki erottuu melodisesta kekseliäisyydestä, armollisuudesta,
yksityiskohtien hienostuneisuutta.

Rameau Jean Philippe (1683-1764) - ranskalainen säveltäjä ja musikaali
teoreetikko. Käytännössä ranskalaisen ja italialaisen musikaalin saavutuksia
kulttuurit, muuttivat merkittävästi klassisen oopperan tyyliä, valmisteltiin
K. V. Gluckin oopperauudistus. Hän kirjoitti lyyriset tragediat Hippolytus ja
Arisia (1733), Castor ja Pollux (1737), ooppera-baletti Gallant India
(1735), cembalokappaleita ja paljon muuta. Hänen teoreettinen työnsä
merkittävä vaihe harmonian opin kehityksessä.

Gluck Christoph Willibald (1714-1787) - kuuluisa ranskalais-saksalainen
säveltäjä. Hänen loistavin toimintansa liittyy pariisilaiseen
oopperalava, jolle hän kirjoitti parhaat teoksensa
ranskalaiset sanat. Siksi ranskalaiset kutsuvat sitä ranskaksi
säveltäjä. Lukuisia hänen oopperoitaan: "Artaserse", "Demofonte",
Fedra ja muut annettiin Milanossa, Torinossa, Venetsiassa ja Cremonissa.
Saatuaan kutsun Lontooseen Gluck kirjoitti kaksi
oopperat: "La Caduta de Giganti" (1746) ja "Artamene" ja oopperasekoitus
(pasticio) "Pyram". Tällä jälkimmäisellä oli suuri vaikutus
Gluckin lisätoimintaa. Kaikki oopperat, jotka ovat olleet suuri menestys
Gluck, kirjoitettiin italialaisen kaavan mukaan, koostui useista aarioista; v
Gluck ei kiinnittänyt paljon huomiota niiden tekstiin. Hänen oopperansa "Pyram" hän
koottu otteita aikaisemmista eniten menestyneistä oopperoista,
mukautumalla näihin kohtiin uuden libreton toinen teksti. Tämän epäonnistuminen
ooppera johti Gluckin ajatukseen, että vain tällainen musiikki voi tuottaa
oikea vaikutelma, joka on suoraan yhteydessä tekstiin.
Hän alkoi noudattaa tätä periaatetta seuraavissa teoksissaan,
vähitellen omaksumassa vakavampaa asennetta lausumiseen,
kehittää recitatiiviarioso pienintä yksityiskohtaa myöten ja unohtamatta sitä
lausunnot jopa aarioissa.

Halu tekstin ja musiikin läheiseen yhteyteen on jo havaittavissa
"Semiramidi" (1748). Mutta säveltäjän konkreettisempi käänne oopperaan,
kuin musiikkidraama, havaittavissa elokuvissa "Orfeo", "Alceste", "Paride ed Elena"
(1761 - 64), lavastettu Wienissä. Gluckin oopperan uudistaja on
teoksessa "Iphigenie en Aulide", joka annettiin Pariisissa suurella menestyksellä (1774).
Siellä annettiin myös: "Armide" (1777) ja "Iphigenie en Tauride"
(1779) -

Gluckin suurin teos. G.:n viimeinen ooppera oli "Echo et
Narsissi". Oopperoiden lisäksi Gluck kirjoitti sinfoniaa, psalmeja ja paljon muuta. Kaikki
yli 50 Gluckin kirjoittamaa oopperaa, välisoittoa ja balettia.

Lopuksi meidän on vielä kerran korostettava ranskalaisen musiikin yksipuolisuutta.
1700-luvulla. Musiikillinen luovuus oli kuin käsityötä tai helppoa
harrastus. Käsityössä, koska kaikki teokset olivat samantyyppisiä ja
samanlaisia ​​keskenään. Harrastuksena, koska monet säveltäjät
opiskeli musiikkia vain vapaa-ajallaan täyttäen hänet
vapaa. Kutsu tällaista ammattia ammattimaiseksi luovaksi luomiseksi
se on kielletty. Jopa sen ajan tunnetuin ranskalainen säveltäjä, Gluck
(joka muuten ei ollut varsinainen ranskalainen säveltäjä),
pahantahtoiset kutsuvat yhden teoksen säveltäjäksi. Saatavilla
mielessä "Orpheus ja Eurydike".

Lähteet:

Suuri Kyrilloksen ja Metodiuksen tietosanakirja,

Klassisen musiikin tietosanakirja,

Brockhaus ja Efron,

Klassinen musiikki (korvaus),

Internet,

Pätevä musiikkitieteilijä Natalia Bogoslavskaya.

Marseillaise on ranskalainen vallankumouksellinen laulu.
Ensin nimeltään "Reinin armeijan taistelulaulu", sitten "maaliskuu
Marseille" tai "La Marseillaise". Kolmannen tasavallan aikana,
Ranskan kansallislaulu (14. heinäkuuta 1975 lähtien se on esitetty uudessa
musiikkieditori). Venäjällä "Working
Marseillaise" (melodia "La Marseillaise", teksti P. L. Lavrov, julkaistu v.
sanomalehti "Eteenpäin" 1.7.1875).

HARMONY, ilmaisuvoimainen musiikin väline, joka perustuu yhdistämiseen
sävelet konsonansseiksi ja konsonanssien yhteydestä niiden peräkkäisessä liikkeessä.
Konsonanssin päätyyppi on sointu. Harmonia rakennetaan tiettyjen
harmonian lait kaikentyyppisessä polyfonisessa musiikissa - homofonia,
moniäänisyys. Harmonian elementit - kadenssi ja modulaatio - tärkeimmät tekijät
musiikillinen muoto. Harmoniaoppi on yksi teorian pääosista
musiikkia.

helmiäisestä, 1700-luvun lopulla - posliinista 1800-luvun puolivälissä ensimmäistä kertaa proteesissa käytettiin polymeerimateriaalia Kumpi? 1.selluoidi 2.eboniitti 3.kumi. 4.polymetyylimetakrylaatti 5.fluoroplasti 6.silikoni.

ilmaisu? Anna vähintään kolme esimerkkiä.
No, minulla on 1 idea: 1700-luvun venäläiset taiteilijat kirjoittivat länsimaisilla tyyleillä (barokki, sentimentalismi jne.), mutta länsimaisten kanonien kautta ilmeni silti erityinen venäläinen tyyli (esimerkiksi venäläinen barokki), joka poikkesi länsimaisesta . Sitten "peruukki" on eräänlainen lännen personifikaatio (varsinkin niinä päivinä peruukit tulivat muotiin), ja "kalju pää" on hyvin venäläisiä piirteitä, jotka "kurkivat ulos" "peruukin" kaanonin kautta.
Tarvita lisää kaksi ideoita. Auta minua kiitos.

helmiäisestä, 1700-luvun lopulla - posliinista 1800-luvun puolivälissä ensimmäistä kertaa proteesissa käytettiin polymeerimateriaalia Kumpi?

1.selluoidi

4. polymetyylimetakrylaatti

5. fluoroplasti

6. silikoni.

Jokaisessa kysymyksessä sinun on valittava yksi neljästä säveltäjän nimestä.))))

1. Nimeä barokin aikakauden säveltäjä.
a) Vivaldi
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Schumann.
2. Kuka luetelluista säveltäjistä oli apotti?
a) Bach;
b) Händel;
c) Vivaldi;
d) Mozart.
3. Nimeä "The Well-Tempered Clavier", "Matthew Passion" ja "Inventions" kirjoittaja.
a) Bach;
b) Beethoven;
c) Chopin;
d) Schumann.
4. Kuka kirjoitti oopperan "Fidelio"?
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Chopin.
5. Kuka säveltäjistä kirjoitti oopperat "Figaron häät", "Don Giovanni",
a) Mozart
b) Beethoven;
c) Mendelssohn;
d) Rossini.
6. Kuka näistä säveltäjistä ei ole wieniläinen klassikko?
a) Haydn;
b) Schumann;
c) Mozart;
d) Beethoven.
7. Kuka on oopperoiden "Aida", "La Traviata", "Rigoletto" kirjoittaja?
a) Mozart
b) Beethoven;
c) Rossini;
d) Verdi.
8. Kuka kirjoitti 32 pianosonaattia?
a) Bach;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Chopin.
9. Nimeä "Symphony with tremolo timpani", "Farewell", "Childrens" kirjoittaja.
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Schumann;
d) Chopin.
10. Ketä kutsutaan "sinfonioiden ja kvartettojen isäksi"?
a) Mazart
b) Beethoven;
c) Haydn;
d) Bach.
11. Kuka säveltäjistä kutsui sävellystään ensimmäisenä sinfoniseksi runoksi?
a) guano
b) Berlioz;
c) Beethoven;
d) Arkki;
12. Mikä musiikillinen muoto perustuu kahden teeman konfliktiin?
a) vaihtelut;
b) rondno;
c) sonaattimuoto;
d) fuuga.
13. Nimeä niiden sinfonioiden kirjoittaja, joiden finaalissa kuoroa käytetään:
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Schubert;
d) Beethoven.
14. Kuka näistä säveltäjistä kirjoitti vain pianolle?
a) Gounod
b) Chopin;
c) Mahler;
d) Schumann;
15. Kuka näistä säveltäjistä kirjoitti musiikin Ibsenin draamaan "Peer Gynt"?
a) Chopin
b) Berlioz;
c) Mahler;
d) Schumann.
16. kuka kirjoitti laulujaksot "The Beautiful Miller's Woman" ja "Winter Way"?
a) Schubert
b) Schumann;
c) Mendelssohn;
d) Bizet.
17. Nimeä keskeneräisen sinfonian kirjoittaja:
a) Beethoven
b) Haydn;
c) Schubert;
d) Wagner.
18. Kuka kirjoitti pianosarjan "Carnival"?
a) Beethoven
b) Mozart;
c) Haydn;
d) Lista.
19. Kuka kirjoitti yli 100 sinfoniaa?
a) Beethoven
b) Mozart;
c) Haydn;
d) Schubert.
20. 1700-luvun venäläinen säveltäjä-viulisti:
a) Alyabiev;
b) Fomin;
c) Khandoshkin;
d) Verstovsky.

Raportti tieteen historiasta

aihe "Ranskan musiikki 1700-luvulla"

Fysiikan ja matematiikan tiedekunnan 10. luokan opiskelija

Lyseum nro 1525 "Sparrow Hills"

Kazakov Philip.

Ensimmäisenä 1700-luvun Ranskan musiikista on sanottava, että toisin kuin musiikin alan johtavat maat (kuten Saksa, Itävalta, Espanja ja Italia), Ranska ei voinut ylpeillä kummallakaan suurella määrällä erityisen kuuluisia säveltäjiä tai esiintyjiä, eikä runsasta valikoimasta tunnettuja teoksia. Gluckia pidetään tuon ajan tunnetuimpana ranskalaisena säveltäjänä, mutta hän oli myös Saksasta. Osittain tämän tilanteen sanelevat yhteiskunnan edut, jotka määrittelivät musiikin tyylit. Ajattele musiikin kehitystä 1700-luvulla.

Vuosisadan alussa suosituin musiikkityyli oli sentimentaalinen klassismi. Se oli hidasta ja kiireistä musiikkia, ei erityisen monimutkaista. He soittivat sitä kielisoittimilla. Yleensä hän seurasi juhlia ja juhlia, mutta häntä kuunneltiin mielellään myös rennossa kodikkaassa ilmapiirissä.

Sitten ominaisuudet ja tekniikat alkoivat kuulua luuttumusiikkiin Rokokoo, kuten trilli ja lippu. Se on saanut monimutkaisemman ilmeen, musiikillisista lauseista on tullut monimutkaisempia ja mielenkiintoisempia. Musiikista on tullut enemmän irrallaan todellisuudesta, enemmän fantastista, vähemmän oikeaa ja siten lähempänä kuuntelijaa.

Lähempänä 1700-luvun toista puoliskoa rokokoon piirteet sulautuivat musiikkiin niin, että se alkoi saada tiettyä suuntausta. Joten pian kaksi suuntaa ilmeni selvästi musiikissa: musiikki tanssimiseen ja musiikki laulamiseen. Balleihin soitettiin tanssimusiikkia, laulumusiikki soi luottamuksellisessa ympäristössä. Usein aristokraatit halusivat myös laulaa koticembalon ääniin. Samaan aikaan ilmestyi uusi komedia-baletin teatterilaji, joka yhdistää dialogin, tanssin ja pantomiimin, instrumentaalisen, joskus laulumusiikin. Sen luojat ovat J. B. Moliere ja säveltäjä J. B. Lully. Genrellä oli merkittävä vaikutus ranskalaisen musiikkiteatterin myöhempään kehitykseen.

Musiikin tyylilajien hienovaraisemman erottelun jälkeen marssimusiikkia alkoi ilmestyä. Se oli kovaa, kovaäänistä, meluisaa musiikkia. Tänä aikana lyömäsoittimet (rummut ja symbaalit) yleistyivät, jotka asettivat rytmin ja menettivät siten esityksen yksilöllisyyden. Myös soittimia, kuten trumpettia, käytettiin paljon, mikä lähinnä lisäsi musiikin kokonaisvoimakkuutta. Rummuleiden ja kovien soittimien ilmaantumisen vuoksi 1700-luvun lopun ranskalaisesta musiikista tuli mielestäni erityisen alkeellista eikä ylivoimaista. Marssimusiikin kruunaus oli Rouger De Lislen vuonna 1792 kirjoittaman "La Marseillaise" -teoksen ilmestyminen.

Rouget De Lisle Claude Joseph (1760-1836) Ranskalainen sotilasinsinööri, runoilija ja säveltäjä. Hän kirjoitti hymnejä, lauluja, romansseja. Vuonna 1792 hän kirjoitti sävellyksen " Marseillaise”, josta tuli myöhemmin Ranskan hymni.

Francois Couperin (1668-1733)- Ranskalainen säveltäjä, cembalisti, urkuri. Saksalaiseen Bach-dynastiaan verrattavasta dynastiasta, sillä hänen perheessään oli useita muusikoiden sukupolvia. Couperin sai lempinimen "suuri Couperin" osittain hänen huumorintajunsa, osittain hänen luonteensa vuoksi. Hänen työnsä on ranskalaisen cembalotaiteen huippu. Couperinin musiikille on ominaista melodinen kekseliäisyys, siro ja yksityiskohtien täydellisyys.

Rameau Jean Philippe (1683-1764)- Ranskalainen säveltäjä ja musiikin teoreetikko. Käyttämällä ranskalaisen ja italialaisen musiikkikulttuurin saavutuksia, hän muutti merkittävästi klassisen oopperan tyyliä, valmisteli K. V. Gluckin oopperauudistuksen. Hän kirjoitti lyyriset tragediat Hippolytus ja Arisia (1733), Castor ja Pollux (1737), ooppera-baletin Gallant India (1735), cembalokappaleita ja paljon muuta. Hänen teoreettiset työnsä ovat merkittävä kehitysvaihe harmonian oppeja .

Gluck Christoph Willibald (1714-1787) kuuluisa ranskalais-saksalainen säveltäjä. Hänen loistavin toimintansa liittyy Pariisin oopperaelämään, jolle hän kirjoitti parhaat teoksensa ranskalaisilla sanoilla. Siksi ranskalaiset pitävät häntä ranskalaisena säveltäjänä. Lukuisia hänen oopperoitaan: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" ja muita esitettiin Milanossa, Torinossa, Venetsiassa ja Cremonissa. Saatuaan kutsun Lontooseen Gluck kirjoitti kaksi oopperaa Hay-Market-teatterille: "La Cadutade Giganti" (1746) ja "Artamene" sekä oopperapotpourrin (pasticcio) "Pyram". Tällä jälkimmäisellä oli suuri vaikutus Gluckin myöhempään toimintaan. Kaikki Gluckille suurta menestystä tuoneet oopperat kirjoitettiin italialaisen kaavan mukaan, koostuivat sarjasta aarioita; niissä Gluck ei kiinnittänyt paljon huomiota tekstiin. Hän sävelsi oopperansa "Pyram" edellisten eniten menestyneiden oopperoiden katkelmista mukauttaen näihin katkelmiin toisen tekstin uudesta libretosta. Tämän oopperan epäonnistuminen sai Glucanin ajatukseen, että vain sellainen musiikki voi tuottaa oikean vaikutelman, joka on suorassa yhteydessä tekstiin. Hän alkoi noudattaa tätä periaatetta myöhemmissä teoksissaan, vähitellen omaksuen vakavamman asenteen lausumiseen, työstäen arioso-resitatiivin pienintä yksityiskohtaa myöten ja unohtamatta lausumista edes aariassa.

Halu saada läheinen yhteys tekstin ja musiikin välillä on havaittavissa jo "Semiramidissa" (1748). Mutta säveltäjän konkreettisempi käänne oopperaan musiikkidraamana on havaittavissa Wienissä lavastetuissa "Orfeossa", "Alcestessa", "ParideedElenassa" (1761-64). Gluckin oopperan uudistaja on "Iphigenie en Aulide", joka esitetään Pariisissa suurella menestyksellä (1774). Siellä annettiin myös: "Armide" (1777) ja "IphigenieenTauride" (1779) -

Gluckin suurin teos Viimeinen ooppera G. oli "Echo et Narcisse". Oopperoiden lisäksi Gluck kirjoitti sinfoniaa, psalmeja ja paljon muuta. Kaikkia Gluckin kirjoittamia oopperoita, välisoittoja ja baletteja on yli 50.

Lopuksi 1700-luvun ranskalaisen musiikin yksipuolisuus on korostettava vielä kerran. Musiikillinen luovuus oli kuin käsityö tai kevyt harrastus. Käsityössä, koska kaikki teokset olivat samantyyppisiä ja samanlaisia. Harrastuksena, koska monet säveltäjät harjoittivat musiikkia vain vapaa-ajallaan ja täyttivät vapaa-aikansa sellaisilla kuvilla. Tällaista ammattia ei voida kutsua ammattimaiseksi luovaksi luomiseksi. Jopa sen ajan tunnetuin ranskalainen säveltäjä Gluck (joka muuten ei ollut aivan ranskalainen säveltäjä) kutsuu pahantahtoiset yhden teoksen säveltäjäksi. Se tarkoittaa Orpheusta ja Eurydicea.

Lähteet:

Suuri Kyrilloksen ja Metodiuksen tietosanakirja,

Klassisen musiikin tietosanakirja,

Brockhaus ja Efron,

Klassinen musiikki (korvaus),

Internet,

Pätevä musiikkitieteilijä Natalia Bogoslavskaya.

Marseillaise on ranskalainen vallankumouksellinen laulu. Aluksi sitä kutsuttiin "Reinin armeijan taistelulauluksi", sitten "Marseillen marssiksi" tai "La Marseillaiseksi". Kolmannen tasavallan aikana siitä tuli Ranskan kansallislaulu (14. heinäkuuta 1975 lähtien sitä on esitetty uudessa musiikkiversiossa). Venäjällä "Working Marseillaise" yleistyi (melodia "La Marseillaise", teksti P. L. Lavrov, julkaistu "Vpered" -lehdessä 1.7.1875).

HARMONY, ilmaisuvoimainen musiikin väline, joka perustuu sävelten yhdistämiseen konsonansseiksi ja konsonanssien yhdistämiseen niiden peräkkäisessä liikkeessä. Konsonanssin päätyyppi on sointu. Harmonia rakennetaan tiettyjen tilalakien mukaan minkä tahansa varaston polyfonisessa musiikissa - homofonia, polyfonia. Harmonian elementit - kadenssi ja modulaatio - ovat musiikillisen muodon tärkeimmät tekijät. Harmoniaoppi on yksi musiikin teorian pääosista.

1600-luvun puolivälistä lähtien ensisijaisuus klavier-musiikin kehityksessä siirtyi englantilaisilta neitsytmuusikoilta ranskalaisille cembalisteille. Tämä koulu oli pitkään, lähes vuosisadan, Länsi-Euroopan vaikutusvaltaisin. Sen esi-isä pidetään Jacques Chambonière, joka tunnetaan erinomaisena urku- ja cembaloesittäjänä, lahjakkaana opettajana ja säveltäjänä.

Ranskassa cembalomusiikin konsertit pidettiin yleensä aristokraattisissa salongeissa ja palatseissa kevyen sosiaalisen keskustelun tai tanssin jälkeen. Tällainen ympäristö ei suosinut syvällistä ja vakavaa taidetta. Musiikissa arvostettiin siroa hienostuneisuutta, hienostuneisuutta, keveyttä, nokkeluutta. Samaan aikaan suositeltiin pienimuotoisia näytelmiä - miniatyyrejä. "Ei mitään pitkää, väsyttävää, liian vakavaa"- Sellainen oli kirjoittamaton laki, jota ranskalaisten hovisäveltäjien oli määrä ohjata. Ei ole yllättävää, että ranskalaiset cembalistit kääntyivät harvoin suuriin muotoihin, variaatiosykleihin - he vetosivat kohti sviitti, joka koostuu tanssi- ja ohjelmaminiatyyreistä.

Ranskalaisten cembalistien sviitit on rakennettu vapaammin, toisin kuin saksalaiset sviitit, jotka koostuvat yksinomaan tanssinumeroista. He luottavat melko harvoin tiukkaan alemand - courant - sarabande - jigin sekvenssiin. Niiden sävellys voi olla mitä tahansa, joskus odottamatonta, ja useimmilla näytelmillä on runollinen nimi, joka paljastaa tekijän tarkoituksen.

Ranskalaisten cembalistien koulukuntaa edustavat nimet L. Marchand, J.F. Dandrier, F. Dazhankura, L.-K. Daquin, Louis Couperin. Ennen kaikkea nämä säveltäjät onnistuivat kauniisti pastoraalisissa kuvissa (Dakenin "Käki" ja "Pääskystys"; Dandrien "Bird's Cry").

Ranskalainen cembalokoulu saavutti huippunsa kahden neron työssä - Francois Couperin(1668–1733) ja hänen nuorempi aikalaisensa Jean Philippe Rameau (1685–1764).

Aikalaiset kutsuivat François Couperinia "François Suureksi". Yksikään cembalistista ei voinut kilpailla hänen kanssaan suosiossa. Hän syntyi perinnöllisten muusikoiden perheeseen ja vietti suurimman osan elämästään Pariisissa ja Versaillesissa hoviurkurina ja kuninkaallisten lasten musiikinopettajana. Säveltäjä työskenteli monissa genreissä (paitsi teatterissa). Hänen luovan perinnön arvokkain osa on 27 cembalosarjaa (noin 250 kappaletta neljässä kokoelmassa). Couperin perusti ranskalaisen sarjan, joka eroaa saksalaisista malleista ja koostuu pääasiassa ohjelmakappaleista. Niiden joukossa on luonnoksia luonnosta ("Perhoset", "Mehiläiset", "Ruokot") ja genrekohtauksia - maalauksia maaseutuelämästä ("Viittäjät", "Rypäleenpoimijat", "Neulojat"); mutta erityisesti monet musiikilliset muotokuvat. Nämä ovat muotokuvia maallisista naisista ja yksinkertaisista nuorista tytöistä - nimettömiä ("Rakastettu", "Ainoa") tai näytelmien nimissä ("Prinsessa Maria", "Manon", "Sisar Monica"). Usein Couperin ei piirrä tiettyjä kasvoja, vaan ihmishahmoa ("Ahkera", "Rezvushka", "Anemone", "Koskematon") tai jopa yrittää ilmaista erilaisia ​​​​kansallisia hahmoja ("espanjalainen nainen", "ranskalainen nainen"). . Monet Couperinin miniatyyreistä ovat lähellä sen ajan suosittuja tansseja, kuten courante, menuetti.

Cooperin miniatyyrejen suosikkimuoto oli rondo.

Kuten jo todettiin, cembalistien musiikki sai alkunsa aristokraattisesta ympäristöstä ja oli tarkoitettu siihen. Se sopusoi aristokraattisen kulttuurin hengen kanssa, tästä syystä teemamateriaalin suunnittelun ulkoinen eleganssi, koristelun runsaus, joka on aristokraattisen tyylin tyypillisin elementti. Koristeiden monimuotoisuus on erottamaton cembaloteoksista varhaiseen Beethoveniin asti.

Cembalon musiikki Ramo erikoinen, vastoin genren kamariperinteitä, suuri veto. Hän ei ole taipuvainen hienosti kirjoittamaan yksityiskohtia. Hänen musiikkinsa on merkittävä kirkkaasta ominaispiirteestään, siinä tuntuu välittömästi syntyneen teatterisäveltäjän käsiala ("Chicken", "Savages", "Cyclops").

Merkittävien cembalokappaleiden lisäksi Rameau kirjoitti monia "lyyrisiä tragedioita" sekä innovatiivisen "Treatise on Harmony" (1722), joka toi hänelle suurimman musiikkiteoreetikon maineen.

Italian klavier-musiikin kehitys liittyy nimeen Domenico Scarlatti.

Ohjelmateoksina pidetään niitä teoksia, joilla on tietty juoni - "ohjelma", joka on usein rajoitettu yhteen otsikkoon, mutta joka voi sisältää yksityiskohtaisen selityksen.

Todennäköisesti koristeiden esiintyminen liittyy cembalon epätäydellisyyteen, jonka ääni sammui välittömästi, ja trilli tai gruppetto pystyi osittain kompensoimaan tämän puutteen pidentäen vertailuäänen ääntä.

Länsi-Euroopassa. (erityisesti italia-espanja) monimaali. wok. myöhäisen keskiajan ja renessanssin musiikkia (motettit, madrigalit jne.) improvisaatioina. elementti suorittaa. art-va pienennystekniikka on saanut paljon kehitystä. Hän teki myös yhden tekstuurikoostumuksista. sellaisen muinaisen instr. genret, kuten preludi, ricercar, toccata, fantasia. Dep. Pienet sanamuodot erottuivat vähitellen sananvapauden moninaisista ilmenemismuodoista ennen kaikkea melodian lopussa. rakenteet (lausekkeissa). Noin ser. 15. v. hänessä. org. tabulatuuri ilmestyi ensimmäinen grafiikka. merkit kirjoituskoristeisiin. K ser. 16. vuosisata tuli laajalti käyttöön - decomp. muunnelmia ja yhteyksiä - mordent, trill, gruppetto, to-rye ovat edelleen tärkeimpiä. instr. korut. Ilmeisesti ne muodostettiin käytännössä instr. esitys.

2. kerroksesta. 16. vuosisata ilmainen O. kehitetty hl. arr. Italiassa, varsinkin eri melodiassa. soolowokin rikkaus. musiikissa, samoin kuin viulisti, joka vetoaa virtuoosiin. musiikkia. Tuolloin viulussa. musiikki ei ole vielä löytänyt laajaa soveltamista vibratolle, joka antaa ilmaisun laajennetuille äänille, ja melodian rikas ornamentti toimi sen korvikkeena. Melismaattinen koristeet (ornements, agréments) saivat erityistä kehitystä ranskalaisten taiteessa. Lutenistit ja cembalistit 1600- ja 1700-luvuilla, joille oli ominaista riippuvuus tanssista. tyylilajeja, joihin on tehty hienostunut tyylitelty. Ranskassa musiikki oli läheinen yhteys instr. sopimukset maallisen wokin kanssa. sanoitukset (ns. airs de cour), joka itsessään oli tanssin läpäisemä. muovi. Englanti virginalistit (1500-luvun loppu), jotka ovat taipuvaisia ​​lauluteemaa ja sen muunnelmia. kehitystä, O.:n alalla enemmän vetovoimaa kohti pienennystekniikkaa. Harvat ovat melismaattisia. neitsytlaisten käyttämiä kuvakkeita ei voida tulkita tarkasti. Itävallassa clavier art-ve, joka alkoi kehittyä intensiivisesti puolivälistä lähtien. 1600-luvulla J. S. Bachiin asti painovoimat italiaa kohti. pienennys ja ranska. melismaattinen tyylejä. Ranskalaisten luona 1600- ja 1700-luvun muusikot. näytelmäkokoelmien mukana tuli tavaksi koristepöytiä. Tilavimman pöydän (29 erilaista melismia) edelsi JA d "Anglebertin (1689) cembalokokoelma; vaikka tällaisissa taulukoissa on pieniä eroja, niistä on tullut eräänlainen yleisesti käytetty koruluettelo. Taulukko esipuheena oli Bachin "Clavier-kirja Wilhelm Friedemann Bachille" (1720), joka on paljolti lainattu d'Anglebertiltä.

Lähtö vapaasta O.:sta kohti säänneltyjä koruja ranskalaisten keskuudessa. cembalisti kirjattiin örkkiin. musiikkia J. B. Lully. Kuitenkin ranskalaiset korujen sääntely ei ole ehdottoman tiukkaa, sillä tarkinkin taulukko ilmaisee niiden tarkan tulkinnan vain tyypillisiin käyttötarkoituksiin. Pienet poikkeamat ovat sallittuja, jotka vastaavat muusojen erityispiirteitä. kankaita. Ne riippuvat puvusta ja esiintyjän mausta, ja versioissa, joissa on kirjoitettu transkriptio - tyylistä. toimittajien tuntemus, periaatteet ja maku. Samanlaiset poikkeamat ovat väistämättömiä ranskalaisen valomiehen näytelmien esittämisessä. P. Couperinin cembalisti, joka vaati sinnikkäästi korujen tulkintasääntöjensä tarkkaa täytäntöönpanoa. Franz. oli myös tavallista, että cembalistit ottivat kirjailijan hallintaansa pienenevää ornamenttia, jonka he kirjoittivat erityisesti muunnelmina. kaksoiskappaleet.

Con. 1600-luvulla, jolloin ranskalaiset cembalistista on tullut alansa suunnannäyttäjiä, kuten koristeita, kuten trilli ja grace nuotti, sekä melodinen. toiminnon, he alkoivat suorittaa uutta harmonista. toiminto, joka luo ja terävöittää dissonanssia tahdin downbeatissa. J. S. Bach, kuten D. Scarlatti, kirjoitti yleensä ristiriitaisia ​​koristeita. musiikkiteksti (katso esimerkiksi italialaisen konserton osa II). Tämä antoi I. A. Sheiban uskoa, että näin tekemällään Bach riistää hänen teoksensa. "harmonian kauneudet", koska säveltäjät tuolloin halusivat kirjoittaa kaikki koristeet ikoneilla tai pienillä nuoteilla, niin että graafisesti. levyt puhuivat selvästi harmoniaa. pääosan eufonia sointuja.

F. Couperinilla on hienostunut ranskalainen. cembalatyyli saavutti huippunsa. J. F. Rameaun kypsissä näytelmissä paljastui halu ylittää kammiollisen mietiskelyn rajoja, vahvistaa tehokasta kehitysdynamiikkaa, soveltaa musiikkiin. leveämpien koristeviivojen kirjoittaminen, erityisesti taustaharmonioiden muodossa. kuvitelmia. Tästä johtuu taipumus maltillisempaan koristeiden käyttöön Rameaussa, samoin kuin myöhemmässä ranskassa. esimerkiksi cembalistit. osoitteessa J. Dufly. Kuitenkin kolmannella neljänneksellä. 1700-luvulla O. on saavuttanut tuotannon uuden kukoistuksen, joka liittyy sentimentalistisiin trendeihin. Tämän taiteen näkyvä edustaja. musiikin suunnan teki F. E. Bach, tutkielman "Kokemus oikeasta tavasta soittaa klaveria" kirjoittaja, jossa hän kiinnitti paljon huomiota O.

Wieniläisen klassismin myöhempi kukinta uuden estetiikan mukaisesti. ihanteet johtivat O:n tiukempaan ja maltilliseen käyttöön. Siitä huolimatta hänellä oli edelleen näkyvä rooli J. Haydnin, W. A. ​​​​Mozartin ja nuoren L. Beethovenin työssä. Vapaa O. jäi Eurooppaan. musiikin ensi-ilta. variaation alalla, virtuoosi kons. kadentsat ja wok. koloratuuri. Jälkimmäinen heijastuu romanttiseen. fp. musiikki 1. kerros. 1800-luvulla (erityisesti F. Chopinin alkuperäisissä muodoissa). Samaan aikaan melismien dissonanttinen ääni väistyi konsonantille; erityisesti trilli alkoi alkuvaiheessa. ei aputoiminnon, vaan pääosan kanssa. äänen, usein epätahdin muodostuessa. Sellaista harmonista ja rytminen. pehmenevä O. vastakohtana itse sointujen lisääntyneen dissonanssin kanssa. Romanttisille säveltäjille oli ominaista ennennäkemätön harmonioiden kehitys. kuvaannollinen tausta fp:ssä. musiikkia laajalla koloristiikalla. polkemisen käyttöä sekä sointivärikkäitä figuraatioita. laskut orkissa. tulokset. 2. kerroksessa. 1800-luvulla O:n arvo laski. 1900-luvulla vapaan O:n rooli kasvoi jälleen improvisaatioiden vahvistumisen myötä. alkoi joillakin musiikin aloilla. esimerkiksi luovuus. jazzmusiikissa. On valtava metodologinen-teoreettinen. Kirjallisuutta O:n ongelmista. Se syntyy väsymättömistä yrityksistä selventää O:n ilmiöitä maksimaalisesti, "vastustaen" tätä improvisaatiossaan. luonto. Suuri osa siitä, mitä teosten tekijät esittävät tiukoina kattavina dekoodauksen sääntöinä, osoittautuukin vain osittaisiksi suosituksiksi.