संगीत का सबसे छोटा इतिहास। हेनले डैरन द्वारा सबसे पूर्ण और सबसे छोटा संदर्भ

देर से रोमांटिक

देर से रोमांटिक

इस अवधि के कई रचनाकारों ने 20 वीं शताब्दी में संगीत लिखना जारी रखा। हालांकि, हम यहां उनके बारे में बात करते हैं, न कि अगले अध्याय में, इस कारण से कि उनके संगीत में रूमानियत की भावना प्रबल थी।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि उनमें से कुछ ने घनिष्ठ संबंधों को बनाए रखा और यहां तक \u200b\u200bकि उपग्रहों "शुरुआती रोमैंटिक्स" और "राष्ट्रवादियों" में वर्णित संगीतकारों के साथ भी दोस्ती की।

इसके अलावा, यह ध्यान में रखा जाना चाहिए कि विभिन्न यूरोपीय देशों में इस अवधि के दौरान इतने महान संगीतकार थे कि किसी भी सिद्धांत के अनुसार उनमें से कोई भी विभाजन पूरी तरह से सशर्त होगा। यदि शास्त्रीय काल पर अलग-अलग साहित्य और बारोक अवधि में लगभग एक ही समय सीमा का उल्लेख किया गया है, तो रोमांटिक अवधि को हर जगह अलग-अलग तरीके से परिभाषित किया गया है। ऐसा लगता है कि रोमांटिक अवधि के अंत और 20 वीं शताब्दी की शुरुआत के बीच की रेखा संगीत में बहुत धुंधली है।

19 वीं शताब्दी में इटली के प्रमुख संगीतकार निस्संदेह थे ग्यूसेप वर्डी। मोटी मूंछों और भौंहों के साथ चमकती आँखों से हमें देखने वाला यह शख्स अन्य ऑपेरा संगीतकारों के ऊपर पूरा सिर टिकाए खड़ा था।

वर्डी की सभी रचनाएँ वस्तुतः उज्ज्वल, आकर्षक धुनों के साथ बहती हैं। कुल मिलाकर, उन्होंने छब्बीस ओपेरा लिखे, जिनमें से अधिकांश आज नियमित रूप से किए जाते हैं। इनमें ऑपेरा कला के सबसे प्रसिद्ध और सबसे उत्कृष्ट काम हैं।

संगीतकार के जीवनकाल के दौरान वर्डी के संगीत को बहुत महत्व दिया गया था। प्रीमियर पर हैडिस दर्शकों ने इतना लंबा ओवेशन दिया कि कलाकारों को बत्तीस बार झुकना पड़ा।

वेर्डी एक अमीर आदमी था, लेकिन पैसा संगीतकार की पत्नियों और दो बच्चों को शुरुआती मौत से नहीं बचा सकता था, इसलिए उसके जीवन में दुखद क्षण थे। उन्होंने मिलान में अपने नेतृत्व में निर्मित, पुराने संगीतकारों के अनाथालय में अपना भाग्य स्थापित किया। वेर्डी ने खुद को आश्रय की रचना माना, न कि संगीत को, उनकी सबसे बड़ी उपलब्धि माना।

इस तथ्य के बावजूद कि वर्डी का नाम मुख्य रूप से ओपेरा के साथ जुड़ा हुआ है, उनका कहना है, यह उल्लेख करना असंभव नहीं है Requiem, जिसे कोरल संगीत के बेहतरीन उदाहरणों में से एक माना जाता है। यह नाटक से भरा है, और ओपेरा की कुछ विशेषताएं इसमें फिसलती हैं।

हमारा अगला संगीतकार किसी भी तरह से सबसे आकर्षक व्यक्ति नहीं है। वास्तव में, यह उन सभी में से सबसे अधिक निंदनीय और विवादास्पद है, जिनका उल्लेख हमारी पुस्तक में किया गया है। यदि हमें केवल व्यक्तिगत विशेषताओं के आधार पर एक सूची बनानी थी, तो रिचर्ड वैगनर उसे कभी नहीं मारेंगे। हालांकि, हम विशेष रूप से संगीत मानदंड द्वारा निर्देशित हैं, और शास्त्रीय संगीत का इतिहास इस आदमी के बिना अकल्पनीय है।

वैगनर की प्रतिभा निर्विवाद है। उनकी कलम के तहत रोमांटिकतावाद की पूरी अवधि के लिए सबसे महत्वपूर्ण और प्रभावशाली संगीत रचनाओं में से कुछ सामने आए - विशेष रूप से ओपेरा। उसी समय, उन्हें एक विरोधी-विरोधी, नस्लवादी, लाल टेप, आखिरी धोखेबाज और यहां तक \u200b\u200bकि एक चोर के रूप में वर्णित किया गया है जो अपनी ज़रूरत की हर चीज़ लेने में संकोच नहीं करता है, और पश्चाताप के बिना असभ्य है। वैगनर में आत्मसम्मान की अतिरंजित भावना थी, और उनका मानना \u200b\u200bथा कि उनकी प्रतिभा ने उन्हें अन्य सभी लोगों से ऊपर उठाया।

वैगनर को उनके ओपेरा के लिए याद किया जाता है। यह संगीतकार जर्मन ओपेरा को एक नए स्तर पर ले गया, और यद्यपि वह वर्डी के रूप में उसी समय पैदा हुआ था, उसका संगीत उस अवधि की इतालवी रचनाओं से बहुत अलग था।

वैगनर के नवाचारों में से एक यह था कि प्रत्येक मुख्य चरित्र का अपना संगीत विषय था, जिसे हर बार दोहराया जाता था, जैसे ही वह मंच पर एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाने लगे।

आज यह स्वयं स्पष्ट प्रतीत होता है, लेकिन उस समय इस विचार ने एक वास्तविक क्रांति की।

वैगनर की सबसे बड़ी उपलब्धि चक्र था निबेलुंग की अंगूठी, चार ओपेरा शामिल हैं: राइन गोल्ड, वाल्कीरी, सिगफ्राइड तथा देवताओं की मृत्यु। वे आम तौर पर एक पंक्ति में चार रातें खेली जाती हैं, और कुल मिलाकर वे लगभग पंद्रह घंटे चलती हैं। अकेले ये ओपेरा उनके संगीतकार को गौरवान्वित करने के लिए पर्याप्त थे। एक व्यक्ति के रूप में वैगनर की सभी अस्पष्टता के बावजूद, यह माना जाना चाहिए कि वह एक उत्कृष्ट संगीतकार थे।

वैगनर के ओपेरा की एक विशिष्ट विशेषता को उनकी अवधि कहा जा सकता है। उनका आखिरी ओपेरा Parsifal चार घंटे से अधिक समय तक रहता है।

कंडक्टर डेविड रैंडोल्फ ने एक बार उसके बारे में कहा था:

"यह उन लोगों की श्रेणी का एक ओपेरा है जो छह से शुरू होता है, और जब तीन घंटे बाद आप अपनी कलाई घड़ी को देखते हैं, तो यह पता चलता है कि यह 6:20 दिखाता है।"

एक जिंदगी एंटोन ब्रुकनर एक संगीतकार के रूप में एक सबक है कि कैसे न दें और अपने आप पर जोर दें। उन्होंने दिन में बारह घंटे अभ्यास किया, काम करने के लिए अपना सारा समय समर्पित किया (वे एक जीवकारक थे) और अपने दम पर संगीत में बहुत कुछ सीखा, जो काफी परिपक्व उम्र में पत्राचार द्वारा लेखन कौशल में महारत हासिल कर चुके थे - सैंतीस साल।

आज, ब्रुकनर की सहानुभूति सबसे अधिक बार याद की जाती है, जिसमें से उन्होंने कुल नौ टुकड़े लिखे। कई बार उन्हें एक संगीतकार के रूप में उनकी सॉल्वेंसी के बारे में संदेह द्वारा जब्त किया गया था, लेकिन उन्होंने अभी भी मान्यता प्राप्त की, हालांकि अपने जीवन के अंत में। उसे अंजाम देने के बाद सिम्फनी नंबर 1 आलोचकों ने अंततः संगीतकार की प्रशंसा की, जो उस समय तक पहले से ही चौंतास वर्ष का था।

जोहान्स ब्रह्म उन रचनाकारों में से नहीं, जो पैदा हुए थे, इसलिए बोलने के लिए, हाथ में चांदी की छड़ी के साथ। उनके जन्म के समय तक, परिवार ने अपनी पूर्व धनराशि खो दी थी और वे मुश्किल से समाप्त हो रहे थे। एक किशोर के रूप में, उन्होंने अपने गृहनगर हैम्बर्ग में वेश्यालयों में खेलकर जीवन यापन किया। जब तक ब्रह्मा वयस्क हो गए, तब तक उन्हें कोई संदेह नहीं था, जीवन के सबसे आकर्षक पहलुओं से दूर हो गए।

ब्रह्म के संगीत का प्रचार उनके दोस्त रॉबर्ट शुमान ने किया था। शूमान की मृत्यु के बाद, ब्राह्म क्लारा शुमान के करीब हो गया और अंततः उसे भी उससे प्यार हो गया। वे किस तरह के संबंध से जुड़े हैं, यह बिल्कुल ज्ञात नहीं है, हालांकि उसके लिए भावना ने संभवतः अन्य महिलाओं के साथ उनके संबंधों में कुछ भूमिका निभाई - उसने उनमें से किसी को भी अपना दिल नहीं दिया।

एक व्यक्ति के रूप में, ब्राह्म काफी अनर्गल और चिड़चिड़े थे, लेकिन उनके दोस्तों ने दावा किया कि उनमें सज्जनता थी, हालांकि उन्होंने हमेशा इसे दूसरों के लिए प्रदर्शित नहीं किया। एक दिन, एक पार्टी से घर लौटते हुए, उन्होंने कहा:

"अगर मैंने वहां किसी को नाराज नहीं किया है, तो मैं उनकी माफी मांगता हूं।"

ब्रहम सबसे फैशनेबल और सुरुचिपूर्ण ढंग से तैयार किए गए संगीतकार के लिए प्रतियोगिता नहीं जीत सकते थे। वह नए कपड़े खरीदना बहुत पसंद करता था और अक्सर पैच के साथ एक ही बैगी पतलून पहनता था, जो उसके लिए लगभग हमेशा छोटा होता था। एक प्रदर्शन के दौरान, उनकी पतलून लगभग गिर गई। एक अन्य अवसर पर, उन्हें एक बेल्ट के बजाय अपने टाई और कमर को खुद से हटाना पड़ा।

ब्राह्म की संगीत शैली हेडन, मोजार्ट और बीथोवेन से बहुत प्रभावित थी, और कुछ संगीत इतिहासकारों का यह भी दावा है कि उन्होंने क्लासिकवाद की भावना में लिखा था, उस समय तक फैशन से बाहर हो चुके थे। साथ ही, वह कई नए विचारों के मालिक भी हैं। विशेष रूप से, वह संगीत के छोटे टुकड़ों को विकसित करने और उन्हें पूरे काम में दोहराने में सक्षम था - जो संगीतकार "दोहराए जाने वाले मकसद" कहते हैं।

ओपेरा ब्राह्म ने नहीं लिखा, लेकिन उन्होंने शास्त्रीय संगीत के लगभग सभी अन्य शैलियों में खुद को आजमाया। इसलिए, उन्हें हमारी पुस्तक में उल्लिखित सबसे महान संगीतकारों में से एक कहा जा सकता है, जो शास्त्रीय संगीत का एक वास्तविक विशालकाय है। उन्होंने खुद अपने काम के बारे में इस तरह से बात की:

"यह लिखना मुश्किल नहीं है, लेकिन टेबल के नीचे अतिरिक्त नोट फेंकना आश्चर्यजनक रूप से मुश्किल है।"

मैक्स ब्रुच ब्राह्म के ठीक पांच साल बाद पैदा हुआ था, और बाद में निश्चित रूप से उसकी देखरेख करेगा, अगर एक काम के लिए नहीं, वायलिन कॉन्सर्ट नंबर 1।

खुद ब्रूच ने इस तथ्य को स्वीकार किया, कई रचनाकारों के लिए विनम्रता असामान्य के साथ बहस करते हुए:

"अब से पचास साल बाद, ब्राह्म को अब तक के सबसे महान संगीतकारों में से एक कहा जाएगा, और मुझे जी माइनर में वायलिन कॉन्सर्टो लिखने के लिए याद किया जाएगा।"

और वह सही था। सच है, ब्रजाह को खुद कुछ याद है! उन्होंने कई अन्य कृतियों की रचना की - कुल मिलाकर लगभग दो सौ - विशेष रूप से गाना बजानेवालों और ओपेरा के लिए, जो इन दिनों शायद ही कभी मंचित होते हैं। उनका संगीत मधुर है, लेकिन वे इसके विकास के लिए विशेष रूप से कुछ भी नया नहीं लाए। उनकी पृष्ठभूमि के खिलाफ, उस समय के कई अन्य संगीतकार वास्तविक नवप्रवर्तक लगते हैं।

1880 में, ब्रुच को लिवरपूल रॉयल फिलहारमोनिक सोसाइटी का कंडक्टर नियुक्त किया गया था, लेकिन तीन साल बाद वह बर्लिन लौट आया। ऑर्केस्ट्रा के संगीतकार उससे खुश नहीं थे।

हमारी पुस्तक के पन्नों पर, हम पहले से ही कई संगीत प्रसाधनों से मिल चुके हैं, और केमिली सेंट-सेन्स उनके बीच अंतिम स्थान नहीं है। दो साल की उम्र में, संत - सायन पहले से ही पियानो पर धुनों का चयन कर रहे थे, और उन्होंने उसी समय संगीत पढ़ना और लिखना सीखा। तीन साल की उम्र में, उन्होंने अपनी खुद की रचना के टुकड़े बजाए। दस साल की उम्र में उन्होंने मोजार्ट और बीथोवेन को खूबसूरती से गाया। उसी समय, वह एंटोमोलॉजी (तितलियों और कीड़ों), और फिर अन्य विज्ञानों में, भूविज्ञान, खगोल विज्ञान और दर्शन सहित गंभीर रूप से दिलचस्पी रखने लगा। ऐसा लगता था कि इतने प्रतिभाशाली बच्चे को केवल एक चीज तक सीमित नहीं किया जा सकता है।

पेरिस कंजर्वेटरी में अपनी पढ़ाई पूरी करने के बाद, संत - साेंस ने एक जीव के रूप में कई वर्षों तक काम किया। उम्र के साथ, उन्होंने फ्रांस के संगीत जीवन को प्रभावित करना शुरू कर दिया, और यह उनके लिए धन्यवाद था कि जे.एस.बच, मोजार्ट, हैंडेल और ग्लक जैसे संगीतकारों के संगीत को अधिक बार प्रदर्शन किया जाने लगा।

सेंट - सैन्स की सबसे प्रसिद्ध रचना - जानवरों के कार्निवल, जिसे संगीतकार ने अपने जीवनकाल के दौरान प्रदर्शन करने से मना किया था। उन्हें इस बात की चिंता थी कि इस टुकड़े को सुनने पर संगीत समीक्षकों को यह बहुत ही डरावना लगेगा। सब के बाद, यह अजीब है जब मंच पर ऑर्केस्ट्रा एक शेर को दर्शाता है, एक मुर्गा, कछुए, एक हाथी, एक कंगारू, मछली, पक्षियों, एक गधे और एक हंस के साथ एक मछलीघर के साथ मुर्गियाँ।

उनकी कुछ अन्य रचनाएं संत - सायन्स ने लिखीं, जिनमें वाद्ययंत्रों के आम संयोजन भी शामिल नहीं हैं "अंग" सिम्फनी नंबर 3, फिल्म "बेबे" में देखा गया।

सेंट - सेंस के संगीत ने सहित अन्य फ्रांसीसी संगीतकारों के काम को प्रभावित किया गेब्रियल फोर। इस युवक को संत मैग्डलीन के पेरिस चर्च में आयोजक का पद विरासत में मिला था, जिस पर पहले सेंट - सेन्स का कब्जा था।

और यद्यपि Foret की प्रतिभा की तुलना उनके शिक्षक की प्रतिभा से नहीं की जा सकती, लेकिन वे एक उत्कृष्ट पियानोवादक थे।

Faure एक धनी व्यक्ति नहीं थे और इसलिए उन्होंने कड़ी मेहनत की, अंग को चलाने, गाना बजानेवालों का नेतृत्व किया और सबक दिया। वह अपने खाली समय में लिखने में लगे हुए थे, जो बहुत कम था, लेकिन इसके बावजूद, वह अपने कामों में दो सौ से अधिक प्रकाशित करने में कामयाब रहे। उनमें से कुछ बहुत लंबे समय के लिए रचे गए थे: उदाहरण के लिए, काम पर Requiem बीस से अधिक वर्षों तक चला।

1905 में फ़ॉरे पेरिस कंज़र्वेटरी के निदेशक बने, यानी वह आदमी जिस पर उस समय के फ्रांसीसी संगीत का विकास काफी हद तक निर्भर था। पंद्रह साल के बाद, फरे सेवानिवृत्त हुए। अपने जीवन के अंत में उन्हें सुनने की हानि हुई।

आज फ़ॉरेस्ट का फ्रांस के बाहर सम्मान किया जाता है, हालांकि वहां उन्हें सबसे अधिक महत्व दिया जाता है।

अंग्रेजी संगीत के प्रशंसकों के लिए, इस तरह के एक आंकड़े की उपस्थिति एडवर्ड एल्गर, एक वास्तविक चमत्कार की तरह लग रहा होगा। कई संगीत इतिहासकारों ने हेनरी पुरसेल के बाद पहले महत्वपूर्ण अंग्रेजी संगीतकार के रूप में उनका उल्लेख किया, जिन्होंने बारोक अवधि के दौरान लिखा था, हालांकि हमने पहले आर्थर सुलिवन का उल्लेख किया था।

एल्गर इंग्लैंड के बहुत शौकीन थे, विशेष रूप से उनके मूल वॉस्टरशायर, जहां उन्होंने मोलवर्न हिल्स के क्षेत्रों में प्रेरणा पाने के लिए अपने जीवन का अधिकांश समय बिताया।

एक बच्चे के रूप में, वह हर जगह संगीत से घिरा हुआ था: उनके पिता के पास एक स्थानीय संगीत की दुकान थी और उन्होंने एल्गर को विभिन्न संगीत वाद्ययंत्र बजाना सिखाया था। बारह साल की उम्र में, लड़का पहले से ही चर्च सेवाओं में जीव की जगह ले रहा था।

एक वकील के कार्यालय में काम करने के बाद, एल्गर ने वित्तीय दृष्टिकोण से खुद को बहुत कम विश्वसनीय व्यवसाय के लिए समर्पित करने का फैसला किया। कुछ समय के लिए उन्होंने अंशकालिक काम किया, वायलिन और पियानो सबक दिया, स्थानीय ऑर्केस्ट्रा में खेल रहे थे और यहां तक \u200b\u200bकि थोड़ा सा भी संचालन किया।

धीरे-धीरे, एक संगीतकार के रूप में एल्गर की प्रसिद्धि बढ़ती गई, हालांकि उन्हें अपने मूल काउंटी के बाहर अपना रास्ता बनाने के लिए संघर्ष करना पड़ा। उन्होंने उसे प्रसिद्धि दिलाई मूल विषय पर विविधताएं, जिसे अब बेहतर रूप में जाना जाता है पहेली भिन्नता।

अब एल्गर का संगीत बहुत अंग्रेजी के रूप में माना जाता है और सबसे बड़े राष्ट्रीय कार्यक्रमों के दौरान लगता है। इसकी पहली आवाज़ में सेलो के लिए कॉन्सर्ट अंग्रेजी ग्रामीण इलाकों को तुरंत प्रस्तुत किया जाता है। निमरॉड का बदलाव अक्सर आधिकारिक समारोहों में खेला जाता है, और Solemn और औपचारिक मार्च नंबर 1, जाना जाता है आशा और गौरव की भूमि पूरे यूके में गद्य पर प्रस्तुति दी।

एल्गर एक पारिवारिक व्यक्ति था और एक शांत, व्यवस्थित जीवन से प्यार करता था। फिर भी, उन्होंने इतिहास पर अपनी छाप छोड़ी। एक मोटी, झाड़ी मूंछ वाले इस संगीतकार को तुरंत बीस पाउंड के नोट पर देखा जा सकता है। जाहिर है, बैंकनोट डिजाइनरों ने सोचा कि चेहरे के बालों को नकली करना बहुत मुश्किल होगा।

इटली में, Giuseppe Verdi के ऑपरेटिव आर्ट में उत्तराधिकारी बने जियाकोमो प्यूकिनी, इस कला के रूप में मान्यता प्राप्त दुनिया के स्वामी में से एक माना जाता है।

प्यूकिनी परिवार लंबे समय से चर्च संगीत से जुड़ा हुआ है, लेकिन जब जियाकोमो ने पहली बार ओपेरा सुना ऐदा वर्डी, उन्होंने महसूस किया कि यह उनकी कॉलिंग थी।

मिलन के अध्ययन के बाद, प्यूकिनी एक ओपेरा की रचना करता है मैनन लेसकाउट, जिसने उन्हें 1893 में अपनी पहली महान सफलता दिलाई। उसके बाद, एक सफल उत्पादन ने दूसरे का अनुसरण किया: बोहेमिया 1896 में, तड़प 1900 में और मैडम तितली 1904 में।

कुल मिलाकर, पक्कीनी ने बारह ओपेरा बनाए, जिनमें से अंतिम था Turandot। इस काम को पूरा किए बिना उनकी मृत्यु हो गई, और एक अन्य संगीतकार ने काम पूरा किया। ओपेरा के प्रीमियर पर, कंडक्टर आर्टुरो टोस्कानिनी ने ऑर्केस्ट्रा को ठीक उसी जगह रोक दिया, जहां पक्कीनी ने रोका था। उन्होंने दर्शकों की ओर रुख किया और कहा:

पुक्विनी की मृत्यु के साथ, इतालवी ऑपरेटिव कला का विषम दिन समाप्त हो गया। इतालवी ओपेरा संगीतकारों का अब हमारी पुस्तक में उल्लेख नहीं किया जाएगा। लेकिन कौन जानता है कि भविष्य हमारे लिए क्या मायने रखता है?

ज़िन्दगी में गुस्ताव महलर एक संगीतकार की तुलना में कंडक्टर के रूप में बेहतर जाना जाता था। उन्होंने सर्दियों में आयोजित किया, और गर्मियों में, एक नियम के रूप में, लेखन में लगे रहना पसंद किया।

ऐसा कहा जाता है कि एक बच्चे के रूप में, महलर ने अपनी दादी के घर की अटारी में एक पियानो पाया। चार साल बाद, दस साल की उम्र में, उन्होंने अपना पहला प्रदर्शन पहले ही दे दिया था।

महलर ने वियना कंज़र्वेटरी में अध्ययन किया, जहां उन्होंने संगीत रचना शुरू की। 1897 में वह वियना स्टेट ओपेरा के निदेशक बने और अगले दस वर्षों में इस क्षेत्र में काफी प्रसिद्धि प्राप्त की।

उन्होंने खुद तीन ओपेरा लिखने शुरू किए, लेकिन उन्हें कभी खत्म नहीं किया। आजकल, उन्हें मुख्य रूप से सिम्फनी के संगीतकार के रूप में जाना जाता है। इस शैली में वह असली "हिट" में से एक का मालिक है - सिम्फनी नंबर 8, जो एक हजार से अधिक संगीतकारों और गायकों द्वारा किया जाता है।

माहलर की मृत्यु के बाद, उनका संगीत फैशन से पचास वर्षों के लिए चला गया, लेकिन 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में इसे लोकप्रियता हासिल हुई, खासकर यूके और यूएसए में।

रिचर्ड स्ट्रॉस जर्मनी में पैदा हुआ था और यह विनीज़ स्ट्रॉस वंश से संबंधित नहीं था। इस तथ्य के बावजूद कि यह संगीतकार 20 वीं शताब्दी के लगभग पूरे पहले आधे हिस्से में रहता था, उसे अभी भी जर्मन संगीत रोमांटिकतावाद का प्रतिनिधि माना जाता है।

रिचर्ड स्ट्रॉस की विश्वव्यापी लोकप्रियता इस तथ्य से कुछ हद तक प्रभावित हुई कि उन्होंने 1939 के बाद जर्मनी में रहने का फैसला किया, और द्वितीय विश्व युद्ध के बाद उन पर नाजियों के साथ सहयोग करने का भी आरोप लगाया गया।

स्ट्रास एक उत्कृष्ट कंडक्टर था, जिसकी बदौलत वह पूरी तरह से समझ गया था कि एक वाद्ययंत्र में एक या दूसरे वाद्य यंत्र को कैसे बजना चाहिए। उन्होंने अक्सर इस ज्ञान को व्यवहार में लागू किया। उन्होंने अन्य संगीतकारों को भी कई सलाह दी, जैसे:

"ट्रोम्बोन को कभी न देखें, आप केवल उन्हें प्रोत्साहित कर रहे हैं।"

“प्रदर्शन करते समय पसीना मत करो; केवल श्रोताओं को गर्म होना चाहिए। "

आज, स्ट्रॉस को मुख्य रूप से उनकी रचना के संबंध में याद किया जाता है इस प्रकार जरथुस्त्र बोला, जिसका परिचय स्टैनली कुब्रिक ने अपनी 2001 की फिल्म ए स्पेस ओडिसी में किया। लेकिन उन्होंने कुछ बेहतरीन जर्मन ओपेरा भी लिखे, उनमें से - नाइट ऑफ़ द रोज़, सैलोम तथा नक्सोस पर एराडने। अपनी मृत्यु से एक साल पहले, उन्होंने भी बहुत सुंदर रचना की चार आखिरी गाने आवाज और ऑर्केस्ट्रा के लिए। सामान्य तौर पर, ये स्ट्रॉस के बहुत अंतिम गीत नहीं थे, लेकिन वे उसकी रचनात्मक गतिविधि का एक प्रकार का समापन बन गए।

अब तक, इस पुस्तक में उल्लिखित रचनाकारों में, स्कैंडिनेविया का केवल एक प्रतिनिधि था - एड्वर्ड ग्रिग। लेकिन अब हम फिर से इस कठोर और ठंडी भूमि में पहुंच गए हैं - इस बार फिनलैंड में, जहां हम पैदा हुए थे जान सिबेलियस, महान संगीत प्रतिभा।

सिबेलियस के संगीत ने अपनी मातृभूमि के मिथकों और किंवदंतियों को अवशोषित किया। उनका सबसे बड़ा काम फ़िनलैंड, फिन्स की राष्ट्रीय भावना का अवतार माना जाता है, जैसे कि एल्गर के कामों को ग्रेट ब्रिटेन में एक राष्ट्रीय खजाने के रूप में मान्यता दी जाती है। इसके अलावा, सिबलियस, महलर की तरह, सिम्फनी का सच्चा स्वामी था।

संगीतकार के अन्य व्यसनों के रूप में, अपने दैनिक जीवन में वह अत्यधिक शराब पीने और धूम्रपान करने का आदी था, इसलिए चालीस वर्ष की आयु में वह गले के कैंसर से ग्रस्त हो गया। उनके पास भी अक्सर पर्याप्त पैसा नहीं था, और राज्य ने उन्हें पेंशन प्रदान की ताकि वह अपनी वित्तीय भलाई के बारे में चिंता किए बिना संगीत लिखना जारी रख सकें। लेकिन अपनी मृत्यु से बीस साल पहले, सिबेलियस ने कुछ भी लिखना बंद कर दिया था। उन्होंने अपना शेष जीवन सापेक्ष एकांत में गुजारा। उन्होंने उन लोगों के बारे में विशेष रूप से कठोरता से बात की जिन्हें उनके संगीत की समीक्षा के लिए पैसे मिले थे:

"आलोचकों का कहना है कि कोई बात नहीं। अब तक, किसी भी आलोचक को एक मूर्ति नहीं दी गई है। "

रोमांटिक अवधि के रचनाकारों की हमारी सूची में अंतिम भी 20 वीं शताब्दी के मध्य तक लगभग जीवित रहा, हालांकि उन्होंने 1900 के दशक में अपने अधिकांश प्रसिद्ध कार्यों को लिखा था। और फिर भी उन्हें रोमांटिक लोगों के बीच स्थान दिया गया है, और यह हमें लगता है कि यह पूरे समूह का सबसे रोमांटिक संगीतकार है।

सर्गेई वसीलीविच रहमानिनोव एक महान परिवार में पैदा हुआ था, जो उस समय तक बहुत पैसा खर्च कर चुका था। संगीत में उनकी रुचि बचपन में ही प्रकट हो गई थी, और उनके माता-पिता ने उन्हें सेंट पीटर्सबर्ग, और फिर मास्को में अध्ययन करने के लिए भेजा।

Rachmaninov एक आश्चर्यजनक प्रतिभाशाली पियानोवादक थे, और उन्होंने एक अद्भुत संगीतकार भी बनाया।

अपना पियानो कॉन्सर्ट नंबर 1 उन्नीस में उन्होंने लिखा था। उन्हें अपने पहले ओपेरा के लिए समय मिला, Aleko।

लेकिन यह महान संगीतकार, एक नियम के रूप में, विशेष रूप से जीवन से प्रसन्न नहीं था। कई तस्वीरों में, हम एक गुस्से में डूबते हुए आदमी को देखते हैं। एक और रूसी संगीतकार, इगोर स्ट्रविंस्की ने एक बार टिप्पणी की थी:

“राचमानिनॉफ का अमर सार उसका भौकाल था। वह साढ़े छह फुट का था ... वह एक भयावह आदमी था। "

जब युवा रचमिनिनोव त्चिकोवस्की के लिए खेले, तो वह इतने खुश हुए कि उन्होंने अपने स्कोर की शीट पर चार प्लसस के साथ ए लगा दिया - मॉस्को कंजर्वेटरी के इतिहास में सर्वोच्च अंक। जल्द ही पूरे शहर ने युवा प्रतिभा के बारे में बात करना शुरू कर दिया।

फिर भी, भाग्य लंबे समय तक संगीतकार के प्रतिकूल रहा।

आलोचक उनके बारे में बहुत कठोर थे सिम्फनी नंबर 1, जिसका प्रीमियर असफलता में समाप्त हुआ। इससे रचमिनिनोव को भारी भावनात्मक संकट मिला, उन्होंने अपने बल पर विश्वास खो दिया और आम तौर पर कुछ भी रचना नहीं कर सके।

अंत में, केवल एक अनुभवी मनोचिकित्सक निकोलाई डाहल की मदद ने उन्हें संकट से बाहर निकलने की अनुमति दी। 1901 तक, राचमानिनॉफ ने एक पियानो कंसर्ट पूरा किया था, जिसमें उन्होंने कई वर्षों तक कड़ी मेहनत की थी, और जिसे उन्होंने डॉ। डाहल को समर्पित किया था। इस बार दर्शकों ने उत्साह के साथ संगीतकार के काम का अभिवादन किया। जबसे पियानो और ऑर्केस्ट्रा नंबर 2 के लिए कॉन्सर्ट दुनिया भर के विभिन्न संगीत समूहों द्वारा किया जाने वाला पसंदीदा शास्त्रीय टुकड़ा बन गया।

रचमनिनोव ने यूरोप और अमरीका का दौरा शुरू किया। रूस लौटकर, उन्होंने आचरण किया और रचना की।

1917 की क्रांति के बाद, राचमानिनोव और उनका परिवार स्कैंडेनेविया में संगीत कार्यक्रमों के लिए गए। वह कभी घर नहीं लौटा। इसके बजाय, वह स्विटज़रलैंड चला गया, जहाँ उसने ल्यूसर्न झील के किनारे एक घर खरीदा। वह हमेशा जलाशयों से प्यार करता था और अब, जब वह एक अमीर आदमी बन गया, तो वह किनारे पर आराम कर सकता था और उद्घाटन परिदृश्य की प्रशंसा कर सकता था।

Rachmaninoff एक उत्कृष्ट कंडक्टर थे और हमेशा इस क्षेत्र में उत्कृष्टता प्राप्त करने के इच्छुक लोगों को निम्नलिखित सलाह देते थे:

“एक अच्छा कंडक्टर एक अच्छा चालबाज़ होना चाहिए। दोनों को समान गुणों की आवश्यकता है: एकाग्रता, निरंतर गहन ध्यान और मन की उपस्थिति। कंडक्टर को केवल संगीत को थोड़ा जानने की जरूरत है ... "

1935 में, Rachmaninoff ने संयुक्त राज्य में बसने का फैसला किया। वह पहले न्यूयॉर्क में रहते थे, और फिर लॉस एंजिल्स चले गए। वहां उन्होंने अपने लिए एक नया घर बनाना शुरू किया, जो पूरी तरह से मास्को में उनके द्वारा छोड़े गए समान था।

टर्चिन, वी.एस.

रोमांस के तीन सब्स्क्राइब जैसे ही आप हमारी पुस्तक के माध्यम से स्क्रॉल करते हैं, आप देखेंगे कि यह इसके सभी अध्यायों में सबसे बड़ा है, जिसमें बत्तीस से कम संगीतकारों का उल्लेख नहीं है। उनमें से कई अलग-अलग देशों में एक साथ रहते और काम करते थे। इसलिए, हमने इस अध्याय को तीन खंडों में विभाजित किया है: “प्रारंभिक