क्लासिक शैली क्या है। शास्त्रीय संगीत

शब्दावली के संदर्भ में "शास्त्रीय संगीत" की अवधारणा एक बहुत ही अस्पष्ट अवधारणा है। पारंपरिक अर्थों में शास्त्रीय संगीत को वह संगीत कहा जाता है जो समय की कसौटी पर खरा उतरा है और अपनी स्थापना के बाद कई वर्षों तक लोकप्रिय रहा।

ऐतिहासिक शब्दों में, "शास्त्रीय संगीत" की अवधारणा में शास्त्रीयता की संगीत परंपरा शामिल है, अधिक सटीक होने के लिए, 18वीं और 19वीं शताब्दी की। एक अन्य पत्रिका, जिस पर हम ध्यान केंद्रित करेंगे, शास्त्रीय संगीत की अवधि, जब यह पैदा हुआ था, और वर्तमान समय, जब यह अभी भी मौजूद है, को सीमित करता है।

शास्त्रीय संगीत के इतिहास में विकास के अलग-अलग कालखंड हैं।

पुनर्जागरण काल

1400-1600 में फैले शास्त्रीय संगीत के इतिहास में सबसे लंबी अवधि। मैं और कला का तेजी से विकास, जिसने विश्व संगीत परंपरा में शेक्सपियर के संगीत कार्य सहित थॉमस लुइस डी विक्टोरिया, जियोवानी दा फिलिस्तीन, टॉमस टैलिस जैसे संगीतकारों के कार्यों को छोड़ दिया।

बरोक

पुनर्जागरण के बाद बैरोक युग (1600-1750), अधिक जटिल संगीत रूपों, नई शैलियों के उद्भव, विभिन्न शैलियों और पॉलीफोनी की विशेषता थी। यह बारोक युग में था कि ओपेरा और स्टील का विकास हुआ, जिसे आज तक सुना और विरासत में मिला है: जोहान सेबेस्टियन बाख, एंटोनियो विवाल्डी, जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडेल।

क्लासिसिज़म

शास्त्रीय संगीत के विकास में शास्त्रीयता का युग 1750-1830 की अवधि तक सीमित है, जिसके साथ वियना स्कूल - मोजार्ट, हेडन, बीथोवेन - के नाम हमेशा सहसंबद्ध होते हैं।

फ्रांज जोसेफ हेडनी

क्लासिकवाद के युग के भीतर, 1750 में जोहान सेबेस्टियन बाख की मृत्यु और 1770 के दशक में मोजार्ट के परिपक्व काम के बीच एक संक्रमणकालीन अवधि प्रतिष्ठित है। इस अवधि का अपना फ्रांसीसी नाम है - "गैलेंट"

सामान्य तौर पर, क्लासिकवाद के संगीत में सामंजस्य और संतुलन, रूपों की विहितता, एक सोनाटा रूप का उदय और सिम्फनी का विकास, ऑर्केस्ट्रा का विस्तार और कार्यों की एक महान भावुकता की विशेषता है।

प्राकृतवाद

रूमानियत के युग में, शास्त्रीय संगीत के रूपों, शैलियों और विचारों को सक्रिय रूप से विकसित किया गया था। इस अवधि के कार्यों में भावनात्मक अभिव्यक्ति और नाटक की विशेषता है। यह इस समय था कि कई गीत शैलियों को विकसित किया गया था, विशेष रूप से, गाथागीत। संगीत विशेष रूप से लोकप्रिय था, उदाहरण के लिए, चोपिन और लिस्ट्ट द्वारा काम करता है।

फ्रांज लिस्ट्तो

रूमानियत के संगीत के रचनाकारों में, सबसे पहले, बीथोवेन को प्रतिष्ठित किया जाता है, जिन्हें चेरुबिनी के साथ-साथ रोमांटिकतावाद का पूर्ववर्ती माना जाता है। बाद में, उनके द्वारा निर्धारित संगीत परंपराएं शुबर्ट, वैगनर, त्चिकोवस्की को विरासत में मिलीं ...

XX सदी का शास्त्रीय संगीत

२०वीं शताब्दी में, शास्त्रीय संगीत को प्रयोग के लिए एक प्रवृत्ति की विशेषता है, जो स्वयं संगीतकार की इच्छा और कल्पना के अलावा कुछ भी सीमित नहीं है। एटोनलिज़्म (या एटोनैलिटी, यानी, tonality के तर्क की अस्वीकृति) और aleatorics (एक रचना में तत्वों का एक यादृच्छिक अनुक्रम) जैसी अवधारणाएं पैदा होती हैं।

20 वीं शताब्दी के संगीतकारों में, रचमानिनोव, ब्रिटन, ग्लास, स्ट्राविंस्की, बर्नस्टीन के कार्यों को शास्त्रीय संगीत के रूप में वर्गीकृत किया गया है।

समकालीन शास्त्रीय संगीत अक्सर उत्तर-शास्त्रीय संगीत के साथ भ्रमित होता है। वास्तव में, २०वीं शताब्दी की संगीत शैलियों के बीच की सीमाएँ इतनी धुंधली हैं कि कभी-कभी किसी विशेष कार्य को किसी विशेष शैली के लिए श्रेय देना बहुत कठिन होता है।

शास्त्रीय संगीत... इस मुहावरे को हर कोई अपने तरीके से समझता है। कुछ के लिए, शास्त्रीय संगीत बाख के कैनटाट्स और भाषण हैं, जबकि अन्य के लिए यह मोजार्ट की हवादार, हल्की धुन है। कोई तुरंत चोपिन के आग लगाने वाले पोल्का को याद करता है, किसी को स्ट्रॉस के हंसमुख वाल्ट्ज, और किसी को शोस्ताकोविच की उन्मत्त सिम्फनी। तो शास्त्रीय संगीत क्या है? कौन सही है?

"क्लासिक" शब्द लैटिन शब्द "क्लासिकस" से आया है, जिसका अर्थ है अनुकरणीय। यदि आप संगीत विश्वकोश की ओर मुड़ते हैं, तो शास्त्रीय संगीत की कई परिभाषाएँ हैं:

• संगीत का एक टुकड़ा जो एक निश्चित ऐतिहासिक काल में लिखा गया था;
• अतीत के उत्कृष्ट संगीतकारों द्वारा लिखित और समय की कसौटी पर खरी उतरी संगीतमय अनुकरणीय रचनाएँ;
• संगीत का एक टुकड़ा जो सभी अनुपातों के अनुपालन में कुछ नियमों और सिद्धांतों के अनुसार लिखा गया था, और एक कलाकारों की टुकड़ी, एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा या एकल कलाकारों द्वारा प्रदर्शन करने का इरादा था।

शास्त्रीय संगीत को शैलियों में विभाजित किया जा सकता है: सोनाटा, सिम्फनी, निशाचर, एट्यूड, फ्यूग्स, फंतासी, बैले, ओपेरा और पवित्र संगीत। शास्त्रीय संगीत के प्रदर्शन के लिए, कीबोर्ड, तार, आध्यात्मिक और ताल जैसे वाद्ययंत्रों का उपयोग किया जाता है, अर्थात् पियानो, वायलिन, सेलो, ओबो, बांसुरी, टिमपनी, तुरही, ड्रम, झांझ और अंग। और वैसे, यह वह अंग है जो शास्त्रीय संगीत का पूर्वज है, क्योंकि इसकी उत्पत्ति सोलहवीं शताब्दी से होती है, अर्थात पुनर्जागरण से, और इसका उत्तराधिकार बैरोक युग है, अर्थात सत्रहवीं शताब्दी। चूँकि यह उस समय था कि ओपेरा और सोनाटा जैसी संगीत विधाएँ दिखाई दीं, जो आज भी प्रासंगिक हैं। जोहान सेबेस्टियन बाख - संगीत के इतिहास में सबसे महान प्रतिभा, बारोक युग के दौरान काम किया। आखिरकार, यह सबसे प्रतिभाशाली व्यक्ति था जिसने संगीत कार्यों के निर्माण के लिए असीम नई संभावनाएं खोलीं। उस युग के संगीत की विशेषता जटिलता, विस्तृत रूप, धूमधाम और भावनात्मक परिपूर्णता थी। उस समय, हैंडेल के भाषण, बाख के फ्यूग्यू और विवाल्डी के वायलिन संगीत कार्यक्रम "द फोर सीजन्स" का जन्म हुआ था।

युगों ने एक दूसरे को बदल दिया, समय बदल गया और लोग उनके साथ बदल गए - संगीत अलग हो गया। दिखावटीपन और वैभव का स्थान प्रकाश, सुंदर, सुरूचिपूर्ण और हवादार संगीत ने ले लिया। और शायद सभी ने पहले ही अनुमान लगा लिया है कि ये मोजार्ट की कृतियाँ हैं - एक शानदार और अनुपयोगी संगीतकार। उनकी धुनों के पर्यायवाची शब्द सद्भाव और सुंदरता हैं। उन्होंने क्लासिकवाद के युग में एक तेज धूमकेतु की तरह उड़ान भरी, इसे हमेशा के लिए एक उज्ज्वल प्रकाश के रूप में छोड़ दिया।

निष्कर्ष रूप में हम कह सकते हैं कि शास्त्रीय संगीत शाश्वत है। यह सामंजस्यपूर्ण और सुंदर संगीत है, जिसकी मुख्य विशेषता संचरित भावनाओं की गहराई, विभिन्न प्रकार की संगीत तकनीकों के साथ उत्साह का संयोजन है।

संगीत कला के सबसे प्राचीन रूपों में से एक है, जिसने समय के साथ न केवल अपनी प्रासंगिकता खो दी है, बल्कि मांग और लोकप्रिय भी हो गई है। बेशक, इसकी एक बड़ी राशि है शैलियों, प्रकार,निर्देश और स्कूल।

इस कला में सबसे बड़े आंदोलनों में से एक शास्त्रीय संगीत है। इसकी एक महान विविधता है, जो कई सौ वर्षों में बनी है।

संकल्पना

इससे पहले कि आप शास्त्रीय संगीत की शैलियों के बारे में बात करना शुरू करें, आपको यह समझने की जरूरत है कि वास्तव में इस शब्द का क्या अर्थ है।

कड़ाई से बोलते हुए, इसका स्पष्ट रूप से परिभाषित अर्थ या परिभाषा नहीं है, इसलिए इसका उपयोग एक ढीले रूप में किया जाता है और संदर्भ के आधार पर इसके अलग-अलग अर्थ हो सकते हैं।

अक्सर इसे "अकादमिक" के समानार्थी रूप से प्रयोग किया जाता है। यह एक तरह का कैनन है जिससे किसी भी संगीत की शुरुआत होनी चाहिए।

शास्त्रीय संगीत की शैलियां: इतिहास और आधुनिकता

इसकी उपस्थिति यूरोपीय क्लासिकवाद के युग से जुड़ी है। यह तब था जब कला में इस प्रवृत्ति का गठन हुआ था। यह प्राचीन लेखकों और नाटककारों के कार्यों पर आधारित था।

इसलिए, क्लासिकवाद के प्रमुख सिद्धांत दिखाई दिए, जिन्हें संतुलन, तर्क, स्पष्टता, सामंजस्य और कार्य की पूर्णता, शैली भेदभाव के रूप में तैयार किया जा सकता है। संगीत के लिए, वे सभी केवल ओपेरा, ऑरेटोरियो और कैंटटा जैसी शैलियों में ही महसूस किए जा सकते थे।

धीरे-धीरे, शास्त्रीय संगीत की संगीत दिशाएँ विकसित हुईं, अधिक से अधिक जटिल, समृद्ध और प्राथमिक सिद्धांतों से विचलित हो गईं।

इस शैली में काम करने वाले सबसे प्रमुख संगीतकारों में जे.एस.बाख, ए। विवाल्डी, जी। रॉसिनी, जी। वर्डी, डब्ल्यू। ए। मोजार्ट और एल। वैन बीथोवेन हैं। इन महान रचनाकारों के नाम पूरी दुनिया में जाने जाते हैं। अधिकांश लोग "शास्त्रीय संगीत" की अवधारणा को इन सांस्कृतिक हस्तियों के कार्यों से जोड़ते हैं।

आज इस कला रूप को प्रभावशाली नहीं कहा जा सकता। लेकिन शास्त्रीय संगीत अभी भी लोकप्रिय है और पारखी लोगों के संकीर्ण दायरे में काफी मांग में है। समकालीन संगीतकारों में, जिन्हें अपने शिल्प के प्रतिभाशाली और मान्यता प्राप्त उस्तादों में सुरक्षित रूप से स्थान दिया जा सकता है, किसी को लुडोविको इनाउडी, फिलिप ग्लास, हंस ज़िमर, ली रु मा, आदि को बाहर करना चाहिए।

शास्त्रीय संगीत शैलियों: सूची

विकास के सदियों पुराने इतिहास में, बड़ी संख्या में विभिन्न शैलियों और उप-शैलियों का गठन किया गया है। उनमें से कई आज लोकप्रिय नहीं हैं, लेकिन कुछ आज भी कायम हैं।

आइए एक नजर डालते हैं कि शास्त्रीय संगीत में कौन सी विधाएं हैं:

• ओपेरा।
• आपरेटा।
• कैंटटा।
• ओरटोरियो।
• सिम्फनी।
• सोनाटा।
• सुइट।
• ओवरचर, आदि।

बेशक, और भी बहुत कुछ हैं। यहां केवल मुख्य सूचीबद्ध हैं। इस लेख के ढांचे के भीतर उनमें से प्रत्येक की विशेषताओं और विशिष्ट विशेषताओं के बारे में बात करने की आवश्यकता नहीं है, लेकिन यह अभी भी कुछ और अधिक विस्तार से विचार करने योग्य है।

शैलियों की विशेषताएं

विचार करने वाली पहली बात ओपेरा है। आखिरकार, यह क्लासिक्स के पहले और सबसे अधिक मांग वाले तत्वों में से एक है। ओपेरा एक संगीत और नाटकीय काम है जो एक पाठ घटक, मंच पर कार्रवाई और संगीत संगत से बनता है। यह नाट्य प्रदर्शन से भिन्न होता है, जहाँ संगीत एक सहायक साधन के रूप में कार्य करता है, इसमें राग एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है, जिससे संपूर्ण कार्य बनता है।

सुइट शास्त्रीय संगीत के प्रमुख तत्वों में से एक है। विवरण के अनुसार, शैली की अपनी चक्रीय प्रकृति की एक विशिष्ट विशेषता है। दूसरे शब्दों में, इसमें कई अलग-अलग भाग होते हैं, जिसमें संगीत की ध्वनि बहुत भिन्न हो सकती है और एक दूसरे के विपरीत भी हो सकती है।

संगीत की शास्त्रीय शैली का एक उदाहरण सोनाटा भी है, जो एक कक्ष ऑर्केस्ट्रा के लिए संगीत का एक टुकड़ा है। कैनन के अनुसार, इसमें लगभग हमेशा एक पियानो होता है। एक नियम के रूप में, यह एकल प्रदर्शन या युगल के लिए बना है, लेकिन निश्चित रूप से, अपवाद हैं।

प्रसिद्ध कार्यों के उदाहरण

शास्त्रीय संगीत के लंबे अस्तित्व में, बड़ी संख्या में रचनाएँ सामने आई हैं जो पूरी दुनिया में जानी जाती हैं।

आप मोजार्ट और उनके प्रसिद्ध ओपेरा "द मैरिज ऑफ फिगारो", "डॉन जियोवानी" और "द मैजिक फ्लूट" को याद कर सकते हैं, जो आज भी दिलचस्प और प्रासंगिक लगते हैं। साथ ही, सभी ने बीथोवेन की 9 सिम्फनी सुनी हैं।

बाख के अंग कार्य या वर्डी के ओपेरा कम प्रसिद्ध नहीं हैं। उनकी प्रतिभा और प्रतिभा पर किसी को शक नहीं होगा। इन रचनाकारों को अपनी तरह का सबसे अच्छा माना जाता है।

हालांकि, समकालीन संगीतकारों में भी कई कलाकार हैं, और उनमें से कुछ के कार्यों को पहले से ही उत्कृष्ट कृतियों के रूप में माना जाता है। उदाहरण के लिए, उत्कृष्ट समकालीन संगीतकार हैंस ज़िमर अक्सर विश्व स्तरीय फिल्मों के साथ काम करते हैं, उनके लिए साउंडट्रैक तैयार करते हैं। उन्होंने द लायन किंग, स्पिरिट: स्टैलियन, इंसेप्शन, इंटरस्टेलर, डनकर्क और कई अन्य फिल्मों के लिए संगीत पर काम किया है।

शास्त्रीय संगीत में विधाएँ क्या हैं, इसका वर्णन ऊपर किया गया था, और अब कुछ मनोरंजक तथ्य।

इतालवी वैज्ञानिकों द्वारा 2015 में किए गए एक अध्ययन ने साबित कर दिया कि मोजार्ट की रचनाओं को सुनने से मस्तिष्क अधिक सक्रिय हो जाता है। इसकी गतिविधि पर विपरीत प्रभाव कुछ द्वारा उत्पन्न होता है बीथोवेन के काम।मस्तिष्क की गतिविधि को बढ़ाने की प्रक्रिया को "मोजार्ट प्रभाव" कहा गया है।

एक अन्य प्रयोग दक्षिण अफ्रीका में किया गया, जिसका उद्देश्य पौधों पर शास्त्रीय संगीत के प्रभाव की पहचान करना था। जैसा कि निकला, विवाल्डी की धुनों को सुनने से, वे थोड़े तेज हो गए, और उनके स्वास्थ्य में भी थोड़ा सुधार हुआ। हालांकि, वैज्ञानिकों का तर्क है कि संगीत वाद्ययंत्रों से निकलने वाले स्पंदनों के लिए लाभकारी प्रभाव प्राप्त किया गया था, और धुनों और ध्वनियों का स्वयं कोई प्रभाव नहीं पड़ता है।

कई शास्त्रीय संगीतकार दीवाने थे। उदाहरण के लिए, ई. सती केवल सफेद भोजन और व्यंजन खाते थे, और आत्मरक्षा के लिए वे हमेशा अपने साथ एक हथौड़ा रखते थे। ए ब्रुकनर चीजों के बारे में कट्टर थे और लगातार सब कुछ गिनते थे; ऐसे मामले हैं जब उन्होंने ताबूतों से शुबर्ट और बीथोवेन की खोपड़ी निकाली। मोजार्ट के व्यवहार में भी बहुत गंभीर विचलन थे: वह एक बिल्ली की तरह व्यवहार करना पसंद करता था, यहां तक ​​​​कि रिहर्सल के दौरान भी।

आखिरकार

शास्त्रीय संगीत की सभी विधाएँ आज भी मौजूद हैं और विकसित हो रही हैं। आधुनिक संगीतकारों में, व्यावहारिक रूप से कोई उत्साही रूढ़िवादी नहीं बचा है जो स्पष्ट रूप से इस कला रूप के सिद्धांतों का पालन करते हैं। उनमें से लगभग सभी अपने स्वयं के कुछ को शैली में लाने का प्रयास करते हैं, इसे बेहतर बनाते हैं, इसे अपनी आवश्यकताओं और आधुनिक वास्तविकताओं के अनुकूल बनाते हैं।

बेशक, ज्यादातर लोग क्लासिक्स की तुलना में अन्य संगीत निर्देशन पसंद करते हैं। इसलिए, वास्तव में, आज यह एक प्रकार का कुलीन कला रूप है जो अपेक्षाकृत कम संख्या में लोगों के बीच मांग में है।

"शास्त्रीय संगीत" और "म्यूजिकल क्लासिक्स" दो बिल्कुल समकक्ष सूत्रीकरण हैं, जो शब्दावली के ढांचे से मुक्त हैं, जो संगीत संस्कृति की एक विशाल परत, इसके ऐतिहासिक महत्व और आगे के विकास की संभावनाओं को दर्शाते हैं। अक्सर "शास्त्रीय संगीत" शब्द को "अकादमिक संगीत" वाक्यांश द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है।

उपस्थिति का इतिहास

शब्दावली के बावजूद, शास्त्रीय संगीत का एक बहुत ही निश्चित ऐतिहासिक मूल है, जो शास्त्रीयता के युग के देर से ज्ञान की अवधि से जुड़ा है। उस समय की कविताएँ और नाटक प्राचीन लेखकों की रचनाओं पर आधारित थे और इस पद्धति ने संगीत संस्कृति को भी प्रभावित किया। ट्रिनिटी - समय, क्रिया और स्थान, ओपेरा की शैली और साहित्यिक स्रोतों से जुड़े अन्य संगीत निर्देशों में देखे गए थे। Oratorios और cantatas ने क्लासिकवाद की मुहर लगाई, जो 17-19 शताब्दियों का एक प्रकार का मानक था। ओपेरा के प्रदर्शन में पुरातनता के आधार पर लिबरेटोस का वर्चस्व था।

बनने

शास्त्रीय संगीत की लगभग सभी विधाएँ किसी न किसी तरह शास्त्रीयता के युग से जुड़ी हुई हैं। संगीतकार ग्लक संगीत में सबसे प्रमुख अनुयायियों में से एक थे, वह अपने कार्यों में उस समय के सभी सिद्धांतों का पालन करने में कामयाब रहे। अतीत का युग एक स्पष्ट संतुलित तर्क, एक स्पष्ट योजना, सामंजस्य और, जो विशेष रूप से महत्वपूर्ण है, शास्त्रीय संगीत की पूर्णता से प्रतिष्ठित था। उसी समय, शैलियों के बीच एक अंतर था, जब पॉलीफोनी को धीरे-धीरे लेकिन लगातार खारिज कर दिया गया था, और शैली की लगभग गणितीय रूप से सत्यापित परिभाषा ने इसकी जगह ले ली। समय के साथ, शास्त्रीय संगीत की शैलियों ने उच्च स्तर की शिक्षा प्राप्त कर ली है।

ओपेरा में, एकल भागों ने साथ की आवाज़ों पर ध्यान देना शुरू कर दिया, जबकि पहले प्रदर्शन में भाग लेने वाले सभी समान थे। प्रभुत्व के सिद्धांत ने ध्वनि को समृद्ध किया, लिब्रेटो ने पूरी तरह से अलग रूप ले लिया, और प्रदर्शन नाटकीय और ऑपरेटिव बन गया। वाद्य यंत्रों को भी रूपांतरित किया गया, एकल वाद्ययंत्र आगे बढ़े, साथ वाले को पृष्ठभूमि में रखा गया।

दिशा और शैली

देर से क्लासिकवाद की अवधि में, नए संगीत "नमूने" बनाए गए थे। 18वीं शताब्दी के अंत में शास्त्रीय संगीत की शैलियों का व्यापक प्रसार हुआ। आर्केस्ट्रा, पहनावा, एकल-मुखर और विशेष रूप से सिम्फोनिक समूहों ने संगीत में नए सिद्धांतों का पालन किया, जबकि कामचलाऊ व्यवस्था को कम किया गया।

शास्त्रीय संगीत की कौन सी विधाएँ विशिष्ट हैं? सूची इस प्रकार है:

• विविधताएं;
• सिम्फनी;
• ओपेरा;
• वाद्य संगीत कार्यक्रम;
• कैंटटास;
• वक्ता;
• प्रस्तावना और फ्यूग्यू;
• सोनाटास;
• सुइट;
• टोकाटा;
• कपोल कल्पित;
• अंग संगीत;
• निशाचर;
• मुखर सिम्फनी;
• पीतल संगीत;
• प्रस्ताव;
• संगीत जनता;
• स्तोत्र;
• लालित्य;
• रेखाचित्र;
• एक संगीत रूप के रूप में गाना बजानेवालों।

विकास

18 वीं शताब्दी के मध्य तक, आर्केस्ट्रा संयोग से इकट्ठे हुए थे, और उनकी रचना ने संगीतकार के काम को निर्धारित किया। संगीत के लेखक को विशिष्ट उपकरणों के लिए अपने काम का निर्माण करना था, अक्सर यह तार और कम संख्या में वायु यंत्र थे। बाद में, ऑर्केस्ट्रा एक स्थायी आधार पर दिखाई दिया, बल्कि एकीकृत, सिम्फनी और वाद्य संगीत की शैली के विकास में योगदान दिया। इन आर्केस्ट्रा का पहले से ही एक नाम था, लगातार सुधार किया गया और तत्काल क्षेत्र में दौरा किया गया।

19वीं शताब्दी की शुरुआत में, संगीत शैलियों की सूची में कई नई दिशाएँ जोड़ी गईं। ये शहनाई और ऑर्केस्ट्रा, अंग और ऑर्केस्ट्रा और अन्य संयोजनों के लिए संगीत कार्यक्रम थे। तथाकथित सिम्फनीटा भी दिखाई दिया, पूरे ऑर्केस्ट्रा की भागीदारी के साथ एक छोटा। फिर यह एक फैशनेबल requiem बन गया।

क्लासिकवाद के युग के संगीतकार, जोहान सेबेस्टियन बाख ने अपने बेटों, क्रिस्टोफ ग्लक, इतालवी और मैनहेम ओपेरा के प्रतिनिधियों के साथ विनीज़ शास्त्रीय स्कूल का गठन किया, जिसमें हेडन, मोजार्ट और बीथोवेन भी शामिल थे। इन आचार्यों की कृतियों में सिम्फनी, सोनाटा, वाद्य कृतियों के शास्त्रीय रूप दिखाई दिए। बाद में, चैम्बर पहनावा, एक पियानो तिकड़ी, विभिन्न स्ट्रिंग चौकड़ी और पंचक उत्पन्न हुए।

क्लासिकिज़्म के युग के अंत का संगीत आसानी से अगली अवधि में, रोमांटिकतावाद के समय में चला गया। कई संगीतकारों ने स्वतंत्र रूप से लिखना शुरू किया, उनका काम अब और फिर अतीत के अकादमिक सिद्धांतों से परे चला गया। धीरे-धीरे, स्वामी की नवीन आकांक्षाओं को "अनुकरणीय" के रूप में मान्यता दी गई।

समय की जांच

शास्त्रीय संगीत की शैलियों का विकास जारी रहा, और अंत में, उनके निर्धारण के लिए, मूल्यांकन मानदंड दिखाई दिए, जिसके अनुसार किसी कार्य की कलात्मकता की डिग्री, भविष्य के लिए उसका मूल्य प्रकट हुआ। संगीत जो समय की कसौटी पर खरा उतरा है वह हमेशा लगभग सभी आर्केस्ट्रा के संगीत कार्यक्रम का हिस्सा रहा है। दिमित्री शोस्ताकोविच के कार्यों के साथ भी ऐसा ही था।

१९वीं शताब्दी में, शास्त्रीय संगीत की शैलियों के बीच तथाकथित हल्के संगीत की कुछ श्रेणियों को वर्गीकृत करने का प्रयास किया गया था। यह आपरेटा के बारे में था, जिसे "अर्ध-शास्त्रीय" कहा जाने के लिए जल्दबाजी की गई थी। हालांकि, यह शैली जल्द ही पूरी तरह से स्वतंत्र हो गई, और कृत्रिम आत्मसात की आवश्यकता नहीं थी।