चैंबर वाद्य शैली लघु खेल। वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट

कलाकारों के एक छोटे समूह द्वारा एक छोटे से कमरे में प्रदर्शन के लिए डिज़ाइन किया गया।

"चैम्बर संगीत" शब्द का पहली बार सामना 1555 में एन। वी.एन.-चेन-ती-सं। XVI-XVII सदियों में, "का-मेर-नोय" न-ज़ी-वा-ली-सेक्युलर संगीत-कू (17 वीं शताब्दी से, इन-सेंट-आरयू-मेन-टेल से भी- nuyu), घर-मैश-उन स्थितियों में और दो पर ध्वनि-चाव-श्यू; 17 वीं -18 वीं शताब्दी में, यूरो-पी के अधिकांश देशों में, अदालत म्यू-ज़ी-कान-ते नो-सी-ली नाम "का-मेर-म्यू-ज़ी-कान-" टॉव ”(रूस में, यह XVIII में सार-सेंट-इन-वा-लो का नाम है - एक्स-एक्सएक्स शताब्दियों में, एक मानद के रूप में एव-सेंट-राइ और जर्मनी में; इन-स्ट्रू-मेन-टा-लिस्ट्स के नाम इसलिए रखे-नहीं-एल्स-नो-नो)। 18 वीं सदी में, चून संगीत zvu-cha-la in ve-li-kosvetsky sa-lo-nakh, 19 वीं सदी की शुरुआत से zn-to-kov और lu-bi-te-lei के एक संकीर्ण दायरे में राय-वा-वहाँ पब-व्यक्तिगत कक्ष-संगीत कार्यक्रम थे, 19 वीं शताब्दी के मध्य तक वे यूरोपीय संगीतमय जीवन का एक हिस्सा बन गए थे। रास-समर्थक-स्ट-आरए-नो-पब्लिक-प्राइवेट-कॉन्सर्ट्स के-मेर-एन-यू-पोल-नो-ते-ला-मील के साथ कॉल करना शुरू किया पेशेवर म्यू-ज़ी-कैन-टूव, कॉन्सर्ट में प्रदर्शन, जिसमें नो-नो-नो चैम्बर संगीत का उपयोग होता है। Us-to-chi-ty-py ka-mer-no-go-a samb-la: du-et, trio, quar-tete, quin-tete, se-stet, sep-tete, ok-tete, लेकिन -नो, डी-ची-मेथ। In-cal-ny en-sambl, ko-to-ro-go की संरचना में, यह करीब- zi-tel में प्रवेश करती है, लेकिन 10 से 20 तक आधा-नी-ते-लेई, दाएं-vi के रूप में है -लो, ना-ज़ी-व-सया का-मेर-निम चोर; in-st-ru-ment-tal-ny-sambl, volume-e-di-nyayu-shih 12 से अधिक is-pol-no-te-lei, - ka-mer-nym or-ke-st रम (ग्रान-नी-ट्सी के बीच-ज़-डू-का-मेर-एनआईएम और छोटे सिम्फ-फ़ोनिक या के-स्ट-रम-न-ओप-डी-लेन-एन)।

चैम्बर संगीत का सबसे विकसित इन-स्ट-रू-मेंट-टेल-नैया रूप एक चक्रीय सह-ना-ता है (17 वीं -18 वीं शताब्दी में - एक तिकड़ी-सह-ना-ता, साल्ट-नै-सह-टा बिना सह-प्रो-डब्ल्यू-डी-निया के साथ या सह-प्रो-डब्ल्यू-डी-नो बास-कॉन-टी-नू के साथ; क्लासिक छवियां -सी - ए। को-रिले-ली, I.S.Ba-ha) पर। 18 वीं शताब्दी के दूसरे भाग में जे। हेडन, के। डाइट-टर्स-डॉर-एफ, एल। बोक-के-री-नी, वी.ए.मो-त्सर-ता सेफ़-mi-ro-va - क्लासिक सह-ना-टाइ (सोल-नोय और ए-साम्ब-ले-वॉय), तीनों, क्वार्ट-टै-टा, क्विन-टी-टा (एक-कोई-नहीं-नहीं ti-pi-za-qi-she-half-ni-tel-s-sta-vov) के साथ, us-ta-no-saw-las-op-de-len-naya कनेक्शन हा-रक-ते-रम-लो-ज़े-निया का-ज़-डोय पार्टी और संभवतः-एनओ-एमआई उदाहरण-सेंट-रू-मेन-टा, को-रो-गो के लिए वह प्री-न-ज़न-चे-ना (पहले-जाने-जाने-का-लॉस-उपयोग-एक-पूर्णता और एक ही सह-ची-नो-निया अलग है तो-सौ-वा-मी इंस्ट-स्ट-आरयू-मेन-टूव)। 19 वीं शताब्दी के 1-हाफ में इतनी ची-निया-ली एल-वैन के इन-सेंट-रू-में-टेल-नो-ए-साम्ब-ला (धनुष-को-इन-गो क्वार-ते-ता) के लिए। बेथ-हो-वेन, एफ। शु-बर्ट, एफ। मेन-डेल-बेटा, आर शु-मैन और कई अन्य कॉम-ज़ी-टू-रे। 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, चैम्बर संगीत के उदाहरण आई। ब्राह्म, ई। ग्रिग, एस। फ्रैंक, बी स्मे-ता-ना, ए द्वारा बनाए गए थे। डावर-जैक्स, XX सदी में - के। डी-बस-सी, एम। रा-वेल, पी। हिन-डे-मिट, एल। जनसेक-, बी बार-टॉक, आदि।

रूस में, कमेर्नेओ मुई-ज़ी-त्सी-रो-वा-रस-प्रो-स्ट्रैप-नी-एल 1770 के दशक से है; पहला-इन-स्ट-रू-मेन-टैल-एन-ए-सांब-ली ना-पाई-सल डीएस बॉर्ट-न्यान-आकाश। A.A.Alyab-e-va, M.I.Glin-ki और dos-tig-la vy-so-cha-she द्वारा चैम्बर संगीत का और विकास पी.एच. चैकोव-गो और ए.पी. बो-रो-दी-ना के रचनात्मक कार्यों में -आर्थिक स्तर। Ud-la-li ka-mer-no-mu a-samb-lyu S. I. Ta-ne-ev, A. K. Gla-zun-nov, S. V. Rakh का बड़ा ध्यान -मन-नी-नोव, एन। हां। मायस-कोव-आकाश, डी। डी। शोस-टा-कोविच, एस। एस। प्रो-कोफ-ईव। ऐतिहासिक विकास की प्रक्रिया में, चैम्बर संगीत की शैली में काफी बदलाव आया है, जो सिम-फ़ोनी-चे-स्किम के करीब हो रहा है बेयर-हो-वे-न, च्ये-कोव-स्को-गो, क्वार-ते-टूव पर क्वार-ते-टूव का वर्जिन-टू-ओज़-नो-कॉन्सर्ट-एनआईएम (सिम-फ़ो-नी-ज़ेशन और क्विन-ते-टूव - शू-मान-ना और ब्रह्म-सा में, वायलिन और पियानो के लिए सह-ना-ताक में एक कॉन्सर्ट-नो-स्टि की विशेषताएं: नं 9 "क्रे-त्से-रो- हाउल "बेट-हो-वी-ना, सो-ना-ते फ्रान-का, नंबर 3 ब्रम्हा, नंबर 3 ग्रि-हा)।

दूसरी ओर, XX सदी में, व्यापक-आरओ-कुछ दौड़-समर्थक-देश-न-न-प्राप्त-ची-झूठ सिम-फोन और संगीत-बड़े-शो के लिए th-th-l-th-st-va in-st-ru-men-tov, जो अलग-अलग तरह का हो गया, लेकिन शैली-मील ka-mer-zh-DV: ka-mer-naya sim -फोनी (उदाहरण के लिए, 14 वाँ सह-फोनिया शो-ता-को-वि-चा), "म्यू-ज़ी-के लिए ..." (मु-ज़ी-के लिए स्ट्रिंग्स, बीट- और चे-ले-स्टो बार-टू-का), कॉन्सर्ट-टी-लेकिन, आदि। चैम्बर संगीत की एक विशेष शैली इन-सेंट-रू-मेंट-टैल-एन-निया-टाइ-रे है ( XIX-XX शताब्दियों में, वे शायद ही कभी-ए-दी-न-सया-सया) नहीं हैं। उनमें से हैं: पियानो "गाने बिना शब्दों के" मेन-डेल-सो-ना, पीज़-सी शु-मा-ना, वाल-सी, नोक-ट्यूर-एनएस, प्री-लु-दी और एटू-डाई एफ। शो-पी-ना, एक छोटे रूप के का-आयामी पियानो संयोजन ए। एन। स्काइ-बिन, राख-मा-नी-नो-वा, एन के। मेट-नो-आरए, पियानो के टुकड़े ची-कोव-स्को-गो, प्रो-कोफ-ए-वा, घरेलू और विदेशी के विभिन्न उदाहरण-आरयू-पुरुषों के लिए कई टुकड़े कॉम-इन-ज़ी-टू-खाई।

18 वीं शताब्दी के अंत और विशेष रूप से 19 वीं शताब्दी में, ज़ा-न्य-ला और आवाज़-काल-नाया चैम्बर संगीत (गीतों और आरओ-मैन की शैलियों) के लिए एक प्रमुख स्थान रहा है। Kom-po-zi-to-ry-ro-man-ti-ki ने cal-noi mini-nia-ty-ry की शैली पेश की, साथ ही पे-सेन-नी-साइकल्स (“Pre-) लाल फंसे-नी-ची-हा "और" विंटर तरीका "एफ एफ शू-बेर-ता, आर लव-मैन, और अन्य लोगों द्वारा" लव-इन-इन "। 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, मैं ब्राह्मणों ने चैम्बर संगीत के लिए, एक्स-वोल-का-मेरी आवाज-कला के रचनात्मक कार्यों में बहुत ध्यान दिया। -नई शैलियों के लिए nya- चाहे उड़ाने वाली इन-लो-ज़ेनी। रूस में गीत-नी और रो-मैन-सा-पो-लू-ची-ली की शैली का शि-रो-कुछ विकास, एम.आई की कलात्मक ऊंचाइयां। । ग्लिन-का, पी। आई। चै-कोव-आकाश, ए। पी। बो-रो-दीन, एम। पी। मु-सोर्ग-आकाश, एन। ए। रिम-आकाश-कोर-सा-कोव, एस। वी। रोक-मन-नी-नोव, एस.एस. प्रो-कोफ-एव, डी। डी। शोस-ता-कोविच, जी। वी। स्वीर-दोव।

17 वीं शताब्दी की शुरुआत तक वियना यूरोप के सबसे बड़े संगीत केंद्रों में से एक बन गया। इतालवी, चेक, पोलिश, जर्मन और फिर रूसी संस्कृतियों के साथ संबंधों ने ऑस्ट्रियाई संगीत और प्रदर्शन कला कला को एक विशेष स्वाद दिया। 17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में वियना शास्त्रीय स्कूल का उद्भव सामान्य रूप से यूरोपीय कला में सबसे अग्रणी प्रवृत्ति बन गया। लोक परंपराओं को उनके विकास के लिए पर्याप्त गुंजाइश मिली है। संगीत का क्षेत्र संगीत और नृत्य के साथ एक नाट्य प्रदर्शन है, जुलूस - कार्निवल, गलियों में सेनेड, सिनेमाघरों में शानदार कोर्ट प्रदर्शन, सिनेमाघरों में। "स्कूल ओपेरा" काफी लोकप्रियता हासिल कर रहे हैं, मठ और कैथेड्रल रहस्य और धार्मिक ओपेरा के मंचन में प्रतिस्पर्धा करते हैं। समाज के विभिन्न हिस्सों में संगीत का इतना व्यापक, व्यापक वितरण किसी अन्य देश में ऐसा विकास नहीं हुआ है।

कड़े उपकरणों में से वायलिन और वायोला सबसे लोकप्रिय थे। ऑस्ट्रिया में पेशेवर संगीत शिक्षा के शुरुआती केंद्र विश्वविद्यालय, अदालत और चर्च चैपल थे। यूरोप के सबसे अच्छे चैपल में से एक वियना में हैब्सबर्ग कोर्ट चैपल (इतालवी संगीतकार एंटोनियो सालियरी इस चैपल के नेताओं में से एक हैं)। अन्य शहरों में भी चैपल दिखाई दिए। लियोपोल्ड और वोल्फगैंग अमेडस मोजार्ट के नाम साल्जबर्ग चैपल के साथ जुड़े हुए हैं।

17 वीं शताब्दी के ऑस्ट्रियाई वाद्य संगीत में मुख्य शैलियां वाद्य सूट, कंसर्टो ग्रोसो, तीनों सोनाटा की शैली हैं।

जोहान हेनरिक श्मलेज़र (1623 - 1680) - ऑस्ट्रियाई वायलिन वादक और संगीतकार। उनका नाम एक नए प्रकार के वायलिन वादक के रूप में जुड़ा हुआ है - एकल पुण्योसो। वह ऑस्ट्रिया में तीनों सोनाटा की इतालवी परंपरा को विकसित करने वाले पहले लोगों में से एक थे। शमेलर का सबसे महत्वपूर्ण काम छह सोनाटा का संग्रह है, जहां वह दोहरे नोटों और जटिल पॉलीफोनिक तकनीकों का उपयोग करता है।

हेनरिक बीबर (1644 - 1704) - ऑस्ट्रियाई वायलिन वादक और संगीतकार, छात्र और श्मलेज़र के अनुयायी। 17 वीं शताब्दी की वायलिन कला का सबसे बड़ा स्वामी। कई कार्यों में, सबसे मूल्यवान 15 वायलिन सोनाटा (कार्यक्रम वाले सहित) का एक चक्र है, जिसमें स्कोर्डुरा, डबल नोट्स और अन्य तकनीकों की पुण्योसो वायलिन तकनीक का उपयोग किया जाता है। बीब ने ओनोमेटोपोइक प्रभावों को श्रद्धांजलि अर्पित की जो एक नाइटिंगेल, कोयल, मुर्गा, बटेर, साथ ही एक मेंढक, चिकन और बिल्ली के रोने की गायन की नकल करता है। सोलो वायलिन के लिए पेसाकागेलिया 17 वीं शताब्दी से वायलिन तकनीक का एक विश्वकोश है।

कार्ल डिटर्सडॉर्फ (1739 - 1799)- 18 वीं शताब्दी के उत्कृष्ट ऑस्ट्रियाई वायलिन वादकों और संगीतकारों में से एक। उनकी प्रदर्शन कला का स्तर असामान्य रूप से अधिक था। उन्होंने चौदह वायलिन संगीत कार्यक्रम, दो वायलिन और सेलो के लिए बारह डायवर्टिसेमेंट, कई सिम्फनी, चैम्बर और ओपेरा संगीत तैयार किए। जे। हेडन के साथ, वह एकल वायलिन के साथ शास्त्रीय चौकड़ी शैली के निर्माता बने।

वियना की संगीत संस्कृति ने जे। हेडन और डब्ल्यूए मोजार्ट के कार्यों में शास्त्रीय शैली के उद्भव के लिए आवश्यक शर्तें तैयार कीं।

जोसेफ हेडन (1732 - 1809) - उन रचनाकारों में से एक जिनके काम में वायलिन नए तरीके से बजता था। वायलिन हेडन के पसंदीदा उपकरणों में से एक है। हेडन ने कई प्रकार की शैलियों और रूपों में संगीत लिखा, लेकिन हेडन का मुख्य महत्व वाद्य संगीत (सिम्फोनिक और चैंबर) के विकास में निहित है। वह नौ वायलिन कंसर्ट (चार जीवित), बारह वायलिन सोनाटा, वायलिन और वाइला के लिए छह युगल, अस्सी से अधिक तार चौकियां, तिकड़ी, डायवर्टिसमेंट और अन्य निर्माण कार्यों सहित बड़ी संख्या में काम करता है। उनकी सिम्फनी में, मुख्य भूमिका पहले वायलिन द्वारा निभाई जाती है, जिन्हें लगभग सभी विषयगत सामग्री सौंपी जाती है।

उनके शुरुआती सोनटास, चौकड़ी और संगीत कार्यक्रम वीरतापूर्ण शैली और तकनीक के उदाहरण हैं। रोकोको तत्व सबसे स्पष्ट रूप से हेडन के मिनुएट्स में प्रकट होते हैं, जैसा कि मोजार्ट में नोट किया जा सकता है।

Quartets।हेडन ने चौकड़ी संगीत की शैली में उसी तरह की भूमिका निभाई जैसे कि सिम्फोनिक संगीत में, यानी वह इस शैली के संस्थापकों में से एक थे। हेडन ने अपने पूरे करियर में चौके लिखे, लेकिन उनमें से सर्वश्रेष्ठ 80 और 90 के दशक के हैं।

हेडन की चौकड़ी होम म्यूजिक मेकिंग से बढ़ी, जिसमें चौकड़ी बजाना बेहद आम था। हालांकि, संगीत सामग्री की गहराई और चमक के साथ-साथ रूप की पूर्णता के लिए धन्यवाद, हेडन की चौकड़ी घर के संगीत जीवन की संकीर्ण सीमाओं से परे चली गई है, और संगीत कार्यक्रम में एक आवश्यक भूमिका निभाते हैं।

अब उनके पास तथाकथित "वीर" शैली के बाहरी अलंकरण नहीं हैं, सैलून संगीत का सजावटी वैभव। लोक-नृत्य और लोक-गीत की धुनों की सादगी उनके साथ संयुक्त रूप से आवाज़ों के रूप-रंग और आकृति को परिष्कृत करने की उल्लेखनीय महारत के साथ संयुक्त है। कई चौकड़ी के स्पार्कलिंग मज़ा, उत्साह और लोक हास्य ने रूढ़िवादी आलोचकों से भी एक नकारात्मक रवैया उकसाया, जो हेडन की चौकड़ी में देखा गया था "गरिमा का अपमान

संगीत "," स्व-भोग "। लेकिन न केवल हंसमुख उत्साह ही हेडन के चैम्बर संगीत की विशेषता है। उनकी चौकड़ी में, मनोदशाओं और भावनाओं का क्रम अलग-अलग होता है - हल्के गीतों से लेकर शोकाकुल, यहां तक \u200b\u200bकि दुखद भावनाओं तक।

चौकड़ी में, हैडन का नवाचार कभी-कभी सिम्फनी की तुलना में भी अधिक साहसी होता है। ऊपरी आवाज़ के रूप में पहले वायलिन के प्रमुख महत्व के बावजूद, सभी चार वाद्ययंत्र पहनावा की समग्र बनावट में एक स्वतंत्र भूमिका निभाते हैं। कई कार्यों में, विषयों के माध्यमिक कार्यान्वयन और उनके विकास के दौरान, सभी चार उपकरणों को पेश किया जाता है, जो एक सक्रिय भूमिका निभाते हैं। यह चौकड़ी बनावट को एक होमोफोनिक-हार्मोनिक आधार पर एक विशिष्ट पॉलीफोनिकता देता है, पूरे संगीत कपड़े को मोबाइल बनाता है। अपने चौकड़ी में, हेडन स्वेच्छा से विशेष रूप से पॉलीफोनिक रूपों का उपयोग करता है। उदाहरण के लिए, क्वार्टरेट्स का फ़ाइनल कभी-कभी फ़्यूज़ होता है। यह व्यापक रूप से माना जाता है कि बीथोवेन सबसे पहले अपने अंतिम विरोधों में चौकड़ी शैली में ठगना शुरू करने वाले थे। लेकिन, जाहिर है, हेडन ने बीथोवेन से पहले ऐसा किया था!

उनके कुछ चतुर्थांशों में, मध्य भागों को फिर से व्यवस्थित किया जाता है, अर्थात, मिनेट दूसरा (और तीसरा भाग नहीं है, जैसा कि प्रथागत था), और धीमा भाग तीसरे स्थान पर है, समापन से पहले। मध्य भागों की यह पुनरावृत्ति चक्रीय रूप में अंतर्निहित विपरीत के सिद्धांत से जुड़े चक्र और डिजाइन के विचारों के अंतिम भागों की प्रकृति के कारण है। सिम्फनी की शैली में, बीथोवेन के नौवें सिम्फनी में पहली बार दो मध्य आंदोलनों का पुनर्व्यवस्थापन किया गया था।

इसके अलावा, "रूसी" चौकड़ी में (इन चौकड़ी को रूसी ग्रैंड ड्यूक पॉल, फिर सिंहासन के उत्तराधिकारी को समर्पित किया गया था) के बजाय 1781 में हेडन ने शूजो और स्केलेरेंडो का परिचय दिया, जो उनमें से कुछ चक्र का दूसरा हिस्सा है। आम तौर पर स्वीकार किए जाते हैं कि बेथोवेन ने सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र में पहली बार मीनू के बजाय शिर्ज़ो को पेश किया, यह केवल सिम्फनी और सोनटास के संबंध में सच है, लेकिन चौकड़ी के लिए नहीं।

हेडन के कई चौकड़ी, तिकड़ी और अन्य पहनावा वाद्य यंत्र चैम्बर संगीत के क्षेत्र में शास्त्रीय विरासत के एक महत्वपूर्ण, महत्वपूर्ण और कलात्मक रूप से मूल्यवान भाग का प्रतिनिधित्व करते हैं।

हेडन के काम में, शास्त्रीय वायलिन सोनाटा और वायलिन कंसर्ट का गठन होता है।

हेडन पेशेवर और लोक परंपराओं को संश्लेषित करने में कामयाब रहे, अपने संगीत में लोक स्वर और लय का परिचय दिया।

विनीज़ शास्त्रीय स्कूल के सबसे बड़े प्रतिनिधियों में से एक होने के नाते, हेडन ने अपने संगीत में व्यापक रूप से इस्तेमाल किया और विभिन्न राष्ट्रीय तत्वों के संयोजन में ऑस्ट्रियाई संगीत लोककथाओं को अपनी संपूर्णता और विविधता में बदल दिया: दक्षिण जर्मन, हंगेरियन, स्लाविक। स्लाव मूल के लोक विषयों में, हेडन ने क्रोएशियाई लोक विषयों का व्यापक उपयोग किया। अक्सर उन्होंने वास्तविक लोक धुनों की ओर रुख किया, लेकिन अधिक बार उन्होंने लोक गीतों और नृत्यों की भावना में अपनी धुनें बनाईं।

ऑस्ट्रियाई लोकगीत हेडन के काम में इतनी गहराई से अंतर्निहित हो गए हैं कि यह उनका "दूसरा स्वभाव" बन गया है। स्वयं द्वारा रचित कई धुनें

हेडन लोकप्रिय हो गया और उन लोगों द्वारा भी गाया गया, जो अपने निर्माता का नाम नहीं जानते थे।

हेडन के वाद्य संगीत (एकल, कक्ष और सिम्फोनिक) में, सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र को एक पूर्ण और परिपूर्ण शास्त्रीय अवतार मिला है। काम के सभी चार भागों, एक एकल कलात्मक अवधारणा में एकजुट होकर, जीवन के विभिन्न पहलुओं को व्यक्त करते हैं। आमतौर पर पहला आंदोलन (सोनाटा एलेग्रो) सबसे नाटकीय, आवेगी है; दूसरा भाग (धीमा) अक्सर गेय अनुभवों, शांत चिंतन का क्षेत्र है; तीसरा आंदोलन (मिनेट) नृत्य के माहौल में लाता है और 17 वीं -18 वीं शताब्दी के नृत्य सूट के साथ सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र को जोड़ता है; चौथे भाग (अंतिम) में शैली और रोजमर्रा की जिंदगी शामिल है और विशेष रूप से लोक गीत और नृत्य संगीत के करीब है। हेडन के संगीत में समग्र (कुछ अपवादों के साथ) एक शैली और रोजमर्रा का चरित्र है, न केवल चक्र के तीसरे और चौथे भाग का संगीत, बल्कि पहले दो भी, नृत्य और गीत के साथ अनुमित है। लेकिन एक ही समय में, प्रत्येक भाग का अपना मुख्य अग्रणी नाटकीय कार्य होता है और क्रमिक विकास में भाग लेता है, पूरे काम के विचार का खुलासा करता है।

डब्ल्यू। ए। मोजार्ट (1756 - 1791) प्रसिद्ध संगीतकार, वायलिन वादक और संगीतकार लियोपोल्ड मोजार्ट के परिवार में पैदा हुआ था। मोजार्ट की संगीत क्षमता बहुत कम उम्र में ही प्रकट हो गई थी, जब वह लगभग तीन साल का था। उनके पिता लियोपोल्ड प्रमुख यूरोपीय संगीत शिक्षकों में से एक थे। उनकी पुस्तक द एक्सपीरियंस ऑफ ए सॉलिड वायलिन स्कूल 1756 में प्रकाशित हुई, मोजार्ट के जन्म का वर्ष, कई संस्करणों से गुजरा और कई भाषाओं में उनका अनुवाद हुआ, जिसमें रूसी भी शामिल थी। वोल्फगैंग के पिता ने हार्पसीकोर्ड, वायलिन और अंग खेलने की मूल बातें सिखाईं।

4 साल की उम्र में वायलिन पर मोजार्ट के खेलने की पहली जानकारी है। पहला वायलिन काम करता है - वायलिन और क्लैवियर के लिए 16 सोनाटा। उन्होंने वायलिन के लिए 6-7 संगीत कार्यक्रम बनाए, वायलिन और वायोला के लिए एक कॉन्सर्ट सिम्फनी, दो वायलिन के लिए एक कॉन्सर्टोन, दो कॉन्सर्ट रोंडो, एडागियो और एंडेंटे, 35 वायलिन सोनाटा, वायलिन के लिए दो युगल और वायोला, दो वायलिन, ट्रायोस, क्वार्टेट, डायवर्टिसमेंट्स के लिए एक युगल। और अन्य कक्ष काम करता है।

Es-Dur कॉन्सर्ट की प्रामाणिकता अभी भी संदेह में है। अंतिम एकल वायलिन संगीत कार्यक्रम डी-डूर संगीत कार्यक्रम था, जिसे 7 नंबर के रूप में जाना जाता है। उन्होंने इसे अपनी बहन के जन्मदिन के लिए बनाया और पहली बार इसे प्रदर्शित किया। यह एक वायलिन वादक के रूप में मोजार्ट की अंतिम सार्वजनिक प्रस्तुतियों में से एक थी। कॉन्सर्ट का इतिहास असामान्य है। लगभग 130 वर्षों तक, यह कार्य अज्ञात रहा। 1835 में, बेओ के लिए एक ऑटोग्राफ की गई कॉपी बनाई गई थी। मूल गायब हो गया, और केवल बर्लिन लाइब्रेरी में एक और प्रतिलिपि मिली। दोनों प्रतियां लगभग समान थीं, संगीत कार्यक्रम प्रकाशित किया गया था और पहली बार 1907 में कई कलाकारों द्वारा प्रस्तुत किया गया था।

मोजार्ट के काम की एक विशिष्ट विशेषता गहरी भावुकता के साथ सख्त, स्पष्ट रूपों का एक अद्भुत संयोजन है। उनके काम की विशिष्टता इस तथ्य में निहित है कि उन्होंने न केवल अपने युग में मौजूद सभी रूपों और शैलियों में लिखा था, लेकिन उनमें से प्रत्येक में उन्होंने स्थायी महत्व के काम छोड़ दिए। मोज़ार्ट का संगीत विभिन्न राष्ट्रीय संस्कृतियों (विशेष रूप से इतालवी) के साथ कई कनेक्शनों का खुलासा करता है, हालांकि, यह राष्ट्रीय विनीज़ मिट्टी से संबंधित है और महान संगीतकार के रचनात्मक व्यक्तित्व की मुहर लगाता है।

मोजार्ट सबसे महान मेलोडिस्ट में से एक है। इसकी धुन ऑस्ट्रियाई और जर्मन लोक गीतों की विशेषताओं को जोड़ती है, जो इटली के कैंटीलेना की मधुरता के साथ है। इस तथ्य के बावजूद कि उनके काम कविता और सूक्ष्म अनुग्रह द्वारा प्रतिष्ठित हैं, वे अक्सर एक साहसी प्रकृति की धुनों को शामिल करते हैं, महान नाटकीय पथ और विपरीत तत्वों के साथ।

डब्ल्यूए मोजार्ट के वायलिन कार्य के महत्व को कम करके आंका नहीं जा सकता है। इसने न केवल विनीज़ स्कूल, बल्कि अन्य देशों के रचनाकारों को भी प्रभावित किया। उनकी रचनाएं वायलिन की व्याख्या के उदाहरण के रूप में काम करती हैं, इसकी अभिव्यंजक क्षमताओं के उपयोग का एक उदाहरण है। मोजार्ट से वायलिन कंसर्ट के सिम्फनीज़ेशन की लाइन आती है, कॉन्सर्ट इंस्ट्रूमेंट के रूप में वायलिन का कलात्मक उपयोग।

18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के वाद्य संगीत के क्षेत्र में, मोजार्ट, जिन्होंने पुरानी पीढ़ी के न केवल मैनहेम और विनीज़ स्वामी के सर्वोत्तम उपलब्धियों का उपयोग किया और उन्हें अभिव्यक्त किया, बल्कि हेडन के रचनात्मक अनुभव भी उच्चतम शिखर पर पहुंच गए। दोनों महान संगीतकार अलग-अलग पीढ़ियों के थे, और यह स्वाभाविक है कि मोजार्ट ने अपने कौशल को बनाने की प्रक्रिया में, हेडन के कामों से अध्ययन किया, जिसे उन्होंने बहुत महत्व दिया। लेकिन मोजार्ट का रचनात्मक विकास हेडन के विकास की तुलना में बहुत अधिक तेजी से हुआ, जिसके सबसे अच्छे काम (लंदन सिम्फनीज, अंतिम चौकड़ी, oratorios) मोजार्ट की मृत्यु के बाद लिखे गए थे। फिर भी, मोजार्ट के आखिरी तीन सिम्फनी (1788), और उनके पहले के सिम्फनी और चैम्बर के कुछ काम, हैडन की पिछली रचनाओं की तुलना में यूरोपीय वाद्यवाद के ऐतिहासिक रूप से अधिक परिपक्व चरण का प्रतिनिधित्व करते हैं।

लुडविग वैन बीथोवेन (1770 - 1827) प्रबुद्धता के समय के चैंबर-इंस्ट्रूमेंटल पहनावा के शैलीगत विकास में अगला सबसे महत्वपूर्ण चरण लुडविग वैन बीथोवेन के काम के साथ जुड़ा हुआ है। 1787 में, वियना में, उन्होंने मोजार्ट का दौरा किया और उन्हें अपनी कला की प्रशंसा की। वियना के अपने अंतिम कदम के बाद, बीथोवेन ने आई। हेडन के साथ एक संगीतकार के रूप में सुधार किया। वियना, प्राग, बर्लिन, ड्रेसडेन और बुडा में युवा बीथोवेन का कॉन्सर्ट प्रदर्शन एक बड़ी सफलता थी। बीथोवेन एक कलाकार और संगीतकार के रूप में व्यापक पहचान हासिल कर रहे हैं। 18 वीं शताब्दी की शुरुआत तक वे पियानो और विभिन्न चैम्बर वाद्य यंत्रों के लिए कई रचनाओं के लेखक थे।

वियना शास्त्रीय स्कूल के प्रतिनिधि। संगीतकार ने अपने समय में मौजूद सभी शैलियों में लिखा, जिसमें ओपेरा, बैले, नाटकीय प्रदर्शन के लिए संगीत, कोरल कार्य शामिल थे। लेकिन उनकी विरासत में सबसे महत्वपूर्ण वाद्ययंत्र हैं: पियानो, वायलिन और सेलो सोनटास, पियानो के लिए संगीत कार्यक्रम, वायलिन, चौकड़ी, ओवरहाइंड, सिम्फनी

एल। बीथोवेन, हेडन और मोजार्ट के बाद, शास्त्रीय संगीत के रूपों को विकसित किया, मुख्य और माध्यमिक भागों की व्याख्या में उन्होंने विपरीत के सिद्धांत की अभिव्यक्ति के विपरीत सिद्धांत को सामने रखा। बीथोवेन के पास वायलिन और वायोला का स्वामित्व है। शुरुआती कार्यों में से एक - "द मैरिज ऑफ फिगारो" विषय पर वायलिन भिन्नताएं, वायोला और पियानो के लिए रात। एल। बीथोवेन द्वारा वायलिन और ऑर्केस्ट्रा के लिए कॉन्सर्ट, विश्व संगीत संस्कृति में वायलिन कॉन्सर्ट का शिखर है। झुके हुए तारों के लिए, बीथोवेन ने वायलिन, सेलो और पियानो और ऑर्केस्ट्रा के लिए एक ट्रिपल कंसर्ट बनाया, वायलिन के लिए दो रोमांस, दस वायलिन सोनटास (5 वें - "स्प्रिंग", 9 वें - "क्रेटज़र"), सेलो और पियानो के लिए पांच सोनटास, वायलनचेलो, वायलनचेलो और पियानो के लिए तिकड़ी का एक संग्रह, सोलो और कार्टर्ट (हैन्डल और मोजार्ट द्वारा थीम पर) सोलह चौकियां। कोई भी एल। बीथोवेन के सिम्फ़ोनिक संगीत को याद नहीं कर सकता है: नौ सिम्फनी, सिम्फ़ोनिक ओवरराइड "कोरिओलेनस" और "एग्मोंट", जो ऑर्केस्ट्रल संगीत के प्रदर्शनों में मजबूती से प्रवेश कर चुके हैं।

वाद्य और, सबसे ऊपर, लुडविग वैन बीथोवेन के सिम्फोनिक कार्य में एक स्पष्ट प्रोग्रामेटिक चरित्र है। बीथोवेन के कार्यों की मुख्य सामग्री जो डिजाइन में वीर हैं, उन्हें शब्दों में व्यक्त किया जा सकता है: "संघर्ष के माध्यम से जीत के लिए।" जीवन के अंतर्विरोधों के बीच द्वंद्वात्मक संघर्ष बीथोवेन में एक उज्ज्वल कलात्मकता पाता है

अवतार, विशेष रूप से सोनाटा रूप के कामों में - सिम्फनी, ओवेरियन, सोनाटा, चौकड़ी, आदि। लुडविग वैन बीथोवेन ने विरोधाभासी विषयों के विरोध और विकास के साथ-साथ व्यक्तिगत विषयों के भीतर विरोधाभासी तत्वों के आधार पर बड़े पैमाने पर सोनाटा के सिद्धांत को विकसित किया। विनीज़ क्लासिकल स्कूल में बीथोवेन के तत्काल पूर्ववर्तियों के कामों की तुलना में - डब्लूए.मोज़र्ट और जे। हेडन - बीथोवेन के सिम्फनी और सोनटास अपने बड़े पैमाने पर निर्माण के लिए बाहर खड़े हैं, मुख्य राजनैतिक सामग्री गहन विस्तारित विकास से गुजरती है, फार्म के वर्गों के बीच संबंध, विरोधाभासों के बीच विरोधाभासों के बीच संबंध। , थीम। बीथोवेन हेडन द्वारा अनुमोदित ऑर्केस्ट्रल रचना से आगे बढ़े, और केवल इसे थोड़ा विस्तारित किया, लेकिन साथ ही उन्होंने ऑर्केस्ट्रल ध्वनि, उज्ज्वल विरोधाभासों की जबरदस्त शक्ति हासिल की। लुडविग वैन बीथोवेन ने पुराने मीनू को बदल दिया, जो सिम्फनी और सोनटास का एक हिस्सा था, एक विद्वान में, इस "मज़ाक" को एक व्यापक अभिव्यंजक सीमा - शक्तिशाली स्पार्कलिंग मज़ा से (चिंता और चिंता की अभिव्यक्ति में) 5 वीं सिम्फनी में। एक विशेष भूमिका सिम्फनी और फाइनल (फाइनल) के लिए अतिदेय, सिम्फनी और सोनटास में सौंपी गई है; वे विजयी भावनाओं को व्यक्त करने के लिए हैं।

बीथोवेन का काम विश्व कला के इतिहास की चोटियों में से एक है। उनका सारा जीवन और काम संगीतकार के व्यक्तित्व की बात करता है, जिन्होंने एक प्रतिभाशाली संगीत प्रतिभा को एक विद्रोही, विद्रोही स्वभाव के साथ जोड़ा, एक दृढ़ इच्छाशक्ति और आंतरिक एकाग्रता को अपार करने की क्षमता के साथ संपन्न हुआ। सार्वजनिक कर्तव्य की चेतना पर आधारित उच्च विचारधारा, एक नागरिक संगीतकार के रूप में बीथोवेन की पहचान थी। फ्रांसीसी क्रांति के समकालीन, बीथोवेन ने अपने काम में इस युग के महान लोकप्रिय आंदोलनों, इसके सबसे प्रगतिशील विचारों को प्रतिबिंबित किया। क्रांतिकारी युग ने बीथोवेन के संगीत की सामग्री और अभिनव दिशा को निर्धारित किया। बीथोवेन की मुख्य कलात्मक छवियों में से एक में क्रांतिकारी वीरता को प्रतिबिंबित किया गया था - एक संघर्षशील, पीड़ित और अंततः विजयी वीर व्यक्तित्व।

एक सच्चे नवप्रवर्तक, एक नायाब सेनानी, उन्होंने आश्चर्यजनक रूप से सरल, स्पष्ट संगीत में बोल्ड वैचारिक अवधारणाओं को अपनाया, जो श्रोताओं के व्यापक हलकों की समझ के लिए सुलभ थे। युगों और पीढ़ियों में परिवर्तन होता है, और बीथोवेन का अमर संगीत आज भी लोगों के दिलों को उत्साहित और प्रसन्न करता है।

MBU DO "सिम्फ़रोपोल डिस्ट्रिक्ट चिल्ड्रेंस आर्ट स्कूल"

कोल्चुगिनो शाखा

रिपोर्ट good

के विषय पर: "शास्त्रीय संगीतकारों की रचनाओं में चैम्बर वाद्य संगीत की शैली "

द्वारा पूर्ण: संगतकार

फिरोजवा नतालिया अलेक्जेंड्रोवना

2015

शास्त्रीय संगीतकारों की रचनाओं में चैम्बर वाद्य संगीत की शैली

चैंबर वाद्य संगीत हमेशा एक सूक्ष्म मामला रहा है, अपने आधुनिक युग की सभी घटनाओं के लिए उत्तरदायी और उत्तरदायी: क्रांतियों (सामाजिक और सांस्कृतिक), वैश्विक सामाजिक-राजनीतिक घटनाओं, वैज्ञानिक और तकनीकी प्रगति, कला के विभिन्न क्षेत्रों में नए रुझानों और प्रवृत्तियों का उदय। XXI सदी कोई अपवाद नहीं थी। इस स्तर पर, आधुनिक कक्ष वाद्य संगीत में मुख्य प्रवृत्तियों में से एक है संश्लेषण, शब्द की व्यापक अर्थ में: कलाओं का संश्लेषण, विभिन्न शैलियों का संश्लेषण और संगीत की दिशा - यानी, संवाद और संगीत के लचीलेपन के अर्थ में संश्लेषण।

अंतरिक्ष।

एक संगीत शैली के रूप में अपनी विशिष्टता के कारण, सबसे पहले, श्रोता और संगीतकार की आंतरिक दुनिया में, यह इस शैली का क्षेत्र था, जो अतीत और नए दोनों की दार्शनिक और सौंदर्य संबंधी अवधारणाओं की लगभग पूरी विस्तृत श्रृंखला को समायोजित करने में सक्षम था, और हाल के समय ने इसे और गहरा बनाने के लिए संभव बनाया। मनोविज्ञान के साथ संगीत कला का कनेक्शन, इसकी सभी जटिलता, विविधता और, कुछ मामलों में, अस्पष्टता, अपने श्रोता, पारखी, कलाकार को खोजने के लिए

चैम्बर संगीत की उत्पत्ति मध्य युग में हुई। में "चैंबर म्यूजिक" शब्द स्वीकृत हैxvi- XVII सदियों, और पहली बार यह शब्द 1635 में इतालवी संगीतकार जो अरिगोनी के संग्रह में दिखाई दिया। चर्च और चैम्बर संगीत के बीच का अंतर 16 वीं शताब्दी के मध्य में मुखर शैलियों में रेखांकित किया गया था। चैम्बर संगीत के सबसे पहले ज्ञात उदाहरण "L" anticamusicaridottaallamoderna "निकोलो विसेन्टिनो (1555), वेनिस में। जी। अरिगोनी ने मुखर" कंसर्टिडैकेमरा "प्रकाशित किया। 17 वीं सदी की शुरुआत में, 18 वीं सदी में, कैंटाटा (कैंट्टाडाकेमर) और युगल गीत। 17 वीं शताब्दी में, "चैम्बर संगीत" का नाम वाद्य संगीत के लिए बढ़ाया गया था। स्वाभाविक रूप से, चर्च और चैम्बर वाद्य संगीत शैली में भिन्न नहीं थे: उनके बीच शैलीगत अंतर केवल 18 वीं शताब्दी में स्पष्ट रूप से उभरा था। I Kvants ने 1752 में लिखा था - चैम्बर संगीत। चर्च शैली की तुलना में "अधिक एनीमेशन और विचार की स्वतंत्रता की मांग करता है।" उच्चतम वाद्य रूप चक्रीय सोनाटा (सोनाटाडामेरा) था, जो डांस सूट के आधार पर बनाया गया था। 17 वीं शताब्दी में सबसे व्यापक इसकी किस्मों के साथ तीनों सोनाटा थे - चर्च और कक्ष सोनाटा, कुछ हद तक कम। - सोलो सोनाटा (बेसकॉप्टुओ के साथ बेहिचक या साथ में) तीनों सोनाटा और सोलोस के शास्त्रीय उदाहरण (के साथ) बैसोकॉप्टो) सोनतास को ए। कोरेली ने बनाया था। XVII-XVIII सदियों के मोड़ पर। संगीत कार्यक्रम शैली उत्पन्न हुई, सबसे पहले चर्च और चैम्बर किस्मों में भी विभाजित हुई। ए। कोरेली में, उदाहरण के लिए, यह विभाजन बहुत स्पष्ट है - उनके द्वारा बनाई गई 12 संगीत कार्यक्रम (ऑप 7) में से 6 चर्च शैली में, और 6 कक्ष शैली में लिखे गए हैं। वे अपने स्वयं के पुत्रदास दचीसा और डकमेरा की सामग्री के समान हैं। XVIII सदी के मध्य तक। चर्च और चैम्बर शैलियों में विभाजन धीरे-धीरे अपना अर्थ खो रहा है, लेकिन चैम्बर और कॉन्सर्ट संगीत (आर्केस्ट्रा और कोरल) के बीच का अंतर अधिक से अधिक स्पष्ट हो जाता है।

XVIII सदी के मध्य में। जे। हेडन, के। डिटर्सडॉर्फ, एल। बोचेरिनी, डब्लू। ए। मोजार्ट के कार्यों में शास्त्रीय वाद्य यंत्रों के शास्त्रीय प्रकार का गठन किया गया था - सोनाटा, तिकड़ी, चौकड़ी, आदि।

समृद्ध अभिव्यंजक संभावनाओं को ध्यान में रखते हुए, वाद्य कलाकारों की टुकड़ी (विशेष रूप से धनुष चौकड़ी) ने लगभग सभी संगीतकारों का ध्यान आकर्षित किया और सिम्फोनिक शैली का एक प्रकार का "चैम्बर शाखा" बन गया। इसलिए, पहनावा 17 वीं -20 वीं शताब्दी की संगीत कला की सभी मुख्य दिशाओं को दर्शाता है। - शास्त्रीयता से (जे। हेडन, एल। बोचेरिनि, डब्ल्यू। ए। मोजार्ट, एल। वैन बीथोवेन) और रोमांटिकतावाद (एफ। शुबर्ट, एफ। मेंडेलसोहन, आर। शुमान, आदि) के लिए अल्ट्रामोडर्न एब्स्ट्रैक्शनिस्ट ट्रेंड्स। 19 वीं शताब्दी के दूसरे भाग में। XX चैम्बर में इंस्ट्रूमेंटल चैंबर म्यूज़िक के उत्कृष्ट उदाहरण I. Brahms, A. Dvokák, B. Smetana, E. Grieg, S. Frank द्वारा बनाए गए थे। - के। डेबूसि, एम। रवेल, एम। रेगर, पी। हिंदमिथ, एल। जनसेक, बी। बार्टोक, बी। ब्रेटन और अन्य।

रूसी संगीतकारों ने चैम्बर वाद्य संगीत में बहुत बड़ा योगदान दिया। रूस में, 70 के दशक में चैम्बर संगीत का प्रसार शुरू हुआ। XIX सदी। पहला वाद्य पहनावा D.S.Bortnyansky द्वारा लिखा गया था। चैंबर संगीत को एए अलेब्येव, एम.आई. ग्लिंका द्वारा आगे विकसित किया गया और कला के उच्चतम स्तर पर पहुंच गया। पी। आई। त्चिकोवस्की और ए। पी। बोरोडिन के कार्यों में स्तर: उनके चैम्बर कार्यों को एक स्पष्ट राष्ट्रीय सामग्री, मनोवैज्ञानिकता की विशेषता है। ए.के. ग्लेज़ुनोव और एस.वी. रचमेनिनोव के चेंबर के कलाकारों पर बहुत ध्यान दिया गया था, और एस.आई.टेनिव के लिए यह मुख्य प्रकार की रचनात्मकता बन गई। सोवियत संगीतकारों की चैंबर वाद्य विरासत असाधारण रूप से समृद्ध और विविधतापूर्ण है: इसकी मुख्य पंक्तियाँ हैं गीत-नाट्य (एन। हां। मायस्कॉवस्की), दुखद (डी। डी। शोस्ताकोविच), गीत-महाकाव्य (एस। एस। प्रोफ़ायोफ़िएव), ए। आई। खाचरतन। और लोक शैली।

यह याद रखने योग्य है कि आधुनिक कक्ष वाद्य संगीत अपने गठन की तीन अवधियों से गुजरा है:

1450 से 1650 तक की पहली अवधि, जिसमें अन्य परिवारों के वायला और वाद्ययंत्र बजाने की तकनीक के विकास की विशेषता है, मुक्त शैली की निरंतर प्रबलता के साथ विशुद्ध रूप से वाद्य संगीत का क्रमिक पृथक्करण। इस अवधि के बचे हुए कामों में, विशेष रूप से एक आवाज के बिना वाद्य रचनाओं के लिए लिखे गए हैं, ओरोवेलो गिबन्स (1610) की कल्पनाएं और कैनोज़ हैं, गियोवन्नी गेब्रियल (1615) द्वारा सोनाटा;

1650 से 1750 तक की दूसरी अवधि तीनों पुत्रों की शैली के प्रसार द्वारा चिह्नित की गई थी (आमतौर पर वे दो वायलिनों के लिए और एक क्लियोयर के साथ एक सेलो जो एक हार्मोनिक आधार प्रदान करते थे) और अन्य कलाकारों की टुकड़ी, दोनों वाद्य और स्वर के साथ, जो जरूरी तथाकथित डिजिटल बास के साथ थे। (chords) कीबोर्ड इंस्ट्रूमेंट। तिकड़ी के स्वामी इस अवधि के सोनाटा हैं - आर्कनेलोकोरेली, हेनरी पुरसेल, जी। हेन्डेल;

1750 से वर्तमान तक तीसरी अवधि, दो वायलिन, वायोला और सेलो से मिलकर, स्ट्रिंग चौकड़ी पर हावी थी।

आज, एक नियम के रूप में, चैंबर-इंस्ट्रूमेंटल संगीत चेंबर एनसेंबल द्वारा निम्नलिखित संयोजन में किया जाता है:

सोलो इंस्ट्रूमेंट (तार या हवा) और पियानो;

पियानो युगल (दो पियानो या पियानो चार हाथ);

स्ट्रिंग तिकड़ी (वायलिन, वायोला और सेलो); पियानो तिकड़ी (वायलिन, सेलो और पियानो);

स्ट्रिंग चौकड़ी (दो वायलिन, वायोला और सेलो);

पियानो चौकड़ी (वायलिन, वायोला, सेलो और पियानो);

स्ट्रिंग पंचक (स्ट्रिंग चौकड़ी प्लस viola और या सेलो);

पियानो पंचक (पियानो प्लस स्ट्रिंग चौकड़ी) और अन्य।

पूरे XVIII सदी के दौरान। तेजी से विकास हुआवाद्य प्रदर्शन संस्कृति... सदी की पहली छमाही में चैम्बर वाद्य संगीत का विकास आमंत्रित विदेशी संगीतकारों के प्रदर्शन से जुड़ा था जिन्होंने रूसी अभिजात वर्ग को सिखाया था। इस प्रकार, साधनवाद अभिजात वर्ग के वातावरण में फैल गया। 80 के दशक में - 90 के दशक में। रूसी चैंबर वाद्य संगीत के पहले उदाहरण सामने आए: रूसी संगीतकारों ने एकल सोनाटा, रूपांतरों और कक्ष कलाकारों की टुकड़ी की शैलियों को विकसित किया। यह वाद्य क्षेत्र में है कि संगीत की बौद्धिक सामग्री प्रकट होती है .. पीटर I के युग में, रूस में वाद्य संगीत फिर से शुरू होता है, लेकिन पहले से ही मजबूत पश्चिमी प्रभाव के तहत।

चेंबर वाद्य संगीत की आधुनिक शैली आखिरकार विनीज़ क्लासिक्स - जे। हेडन, डब्ल्यू। ए। मोजार्ट, एल। वैन बीथोवेन के कार्यों में बनाई गई थी। यह एक सोनाटा, तिकड़ी, चौकड़ी, पंचक, पहनावा है, जिसमें एक बड़ा स्थान स्ट्रिंग वाद्ययंत्रों को दिया गया है।

चैंबर वाद्य संगीत ने संगीत रचनात्मकता की अन्य किस्मों की शैलीगत विशेषताओं को अवशोषित किया। पहले से ही एल वैन बीथोवेन ने कई तरह से अपने क्वार्टर को सिम्फनीाइज़ किया, उन्हें रूप और सामग्री दोनों के क्षेत्र में अधिक महत्वाकांक्षी बना दिया। और वायलिन और पियानो के लिए उनकी प्रसिद्ध "क्रेटज़र सोनाटा" अपनी भावनात्मक तीव्रता, संगीत छवियों की स्मारकीयता में वास्तव में सिम्फोनिक काम है। रोमांटिक रचनाकारों एफ। शुबर्ट, एफ। मेंडेलसोहन, आर। शुमन, आई। ब्राह्म की रचनाओं में गीतात्मक सिद्धांत (विशेषकर लघुचित्रों की शैली में) एफ। मेंडेलसोहन के बिना "गीतों के बिना" शब्द थे।

रूसी संगीतकारों के काम में, कक्ष वाद्य संगीत की शैलियों की व्याख्या बहुत ही अजीब और गहरे राष्ट्रीय तरीके से की गई थी। रूसी लोक उप आवाज के तत्वpolyphonyसंगठित रूप से और स्वाभाविक रूप से ए.पी. बोरोडिन और ए.के. ग्लेज़ुनोव की चौकड़ी में तब्दील हो गए थे, पी.आई. त्चिकोवस्की की तिकड़ी और चौकड़ी में। P.I. Tchaikovsky ने वाद्य यंत्रों के लिए अपेक्षाकृत कम संख्या में रचनाएँ बनाईं: थ्री स्ट्रिंग चौकड़ी (एक को जल्दी गिनना नहीं, एक कंजर्वेटरी में अध्ययन के वर्षों के दौरान लिखी गई और एक सीरियल नंबर नहीं मिला), जिसे लेखक ने एक पांच साल (1871-1875) के दौरान बनाया था। , पियानो तिकड़ी और स्ट्रिंग sextet। दूसरी चौकड़ी, जो, लेखक के पसंदीदा कामों में से एक थी, लोक शैली और व्यक्तिगत गीतात्मक सिद्धांतों को भी जोड़ती है।

रूस में 1900-1917 की अवधि में, वाद्य संगीत ने रूसी संगीतकारों का ध्यान आकर्षित किया। हम कह सकते हैं कि इससे पहले उन्होंने कभी भी अपने काम में इतनी महत्वपूर्ण जगह नहीं ली। ए। ग्लेज़ुनोव, एस। तान्येव, एस। राचमानिनोव, ए। स्क्रिपबिन, ए। लयाडोव, ए। आर्सेन्स्की, एस। ल्यपुनोव, एन मेड्टनेर, शुरुआत में। एस। प्रोकोफ़िएव अपनी सामग्री, शैलीगत और शैली की विविधता के साथ विस्मित करने वाले विशाल वाद्य यंत्रों का निर्माण करते हैं। सबसे पहले, यह कॉन्सर्ट शैली के विकास पर ध्यान दिया जाना चाहिए, जो कुछ रचनाकारों के बीच भी आना शुरू कर दिया, सिम्फनी (एस। रचमेनिनोव, एस। प्रोकोफीव) द्वारा सिम्फनी (पियानो कॉन्सर्टोस) को निचोड़ना। इस समय कई वायलिन संगीत कार्यक्रम नहीं थे।

कालानुक्रमिक सूची AS आर्ंस्की (1901) द्वारा एक संगीत कार्यक्रम के साथ खुलती है, इस काम में पीआई तचकोवस्की की परंपराएं जारी हैं; इसके बाद ए। के। ग्लेज़ुनोव (1904) और एस। एम। ल्यपुनोव (1915) ने संगीत कार्यक्रम प्रस्तुत किया। एम। ए। बालाकिरेव और ए। के। ग्लेज़ुनोव का प्रभाव बाद के कार्यों में परिलक्षित हुआ।

क्रोनोलॉजिकल रूप से, इस अवधि के रूसी वायलिन के विकास को वायलिन और ऑर्केस्ट्रा (1915-1917) के लिए एस। प्रोकोफिव्स फर्स्ट कॉन्सर्ट द्वारा पूरा किया गया है। कॉन्सर्ट प्लान का एक प्रमुख काम - सूट फॉर वायलिन और ऑर्केस्ट्रा (1909) - S.I.Taneev द्वारा लिखा गया था। उपर्युक्त रचनाओं की इतनी कम संख्या के साथ, वास्तविक कृतियाँ हैं - ए ग्लेज़ुनोव द्वारा कांसर्टो, एस। प्रोकोफ़िएव द्वारा पहला कंसर्टो, जो विश्व वायलिन क्लासिक्स के स्वर्ण कोष में शामिल हैं। 20 वीं शताब्दी के पहले दशक रूसी सोनाटा के उत्तराधिकारी थे, हालांकि, मुख्य रूप से पियानो के लिए।

वायलिन और पियानो के लिए बहुत सारे सोनटास भी लिखे गए थे, हालांकि उनमें से ए स्क्रिपियन या एस। प्रोकोफीव द्वारा पियानो सोनटास जैसी उत्कृष्ट घटनाएं नहीं थीं। इस अवधि के वायलिन सोनाटा के भारी बहुमत में एक अभिनव चरित्र नहीं है, जो निष्क्रिय रूप से रूसी क्लासिक्स की परंपराओं को जारी रखता है, एक एपिगोन-अकादमिक अर्थों में इसके अलावा। सी। ए। कुई (1911) द्वारा ऐसा सोनाटा है, जिसके कारण उस समय कोई प्रतिक्रिया नहीं हुई थी; इस तरह के "बेलीवाइट्स" के सोनटास हैं - VI मालिशेव्स्की, एए विंकलर, जिसमें कुछ आकर्षक पृष्ठ "अकादमिक" भलाई और शैलीगत चिकनाई की समग्र तस्वीर का उल्लंघन नहीं करते हैं।

ये व्यंजनापूर्ण हैं, लेकिन बहुत मौलिक रचनाएं नहीं हैं, जिसमें राष्ट्रीयता और शैली के संदर्भ में तटस्थ विषय हैं, हालांकि रूसी अंतरंगता भी सामने आती है। एएफ गेडिक की वायलिन सोनाटा "बाक" शुरुआत से बेलीविट्स के काम से अलग-अलग रूप से भिन्न है। एल। वी। निकोलेव की मधुर सुहावनी सोनाटा ने वायलिन वादकों (जो सोवियत संघ में जीवित थे) के बीच तुलनात्मक रूप से बहुत लोकप्रियता हासिल की।

इस शैली के वायलिन कार्यों के बीच, जी.वी. काटोइरे, एक नाजुक और परिष्कृत कलाकार द्वारा दो सोनाटा को अलग किया जाना चाहिए। जी। कातोइरे की रचनाओं की जड़ें पी। त्चिकोवस्की, एस। तान्येव, ए। ग्लेज़ुनोव के संगीत में हैं, जो कि प्रभाववादी और ए स्क्रिपियन के शैलीगत तत्वों के साथ एक सनकी संयोजन है। वायलिन और पियानो, ऑप के लिए ग्रैंड सोनाटा। 15 जी। कैटोइरे, उत्तेजित कविता मैं भाग के साथ, "बारकॉर्ले" और इंप्रेशनिस्ट फिनाले (शानदार "अप्स") द्वारा छांटे गए, को उस युग के रूसी हिंसक सोनाटा की शैली के विकास में चोटियों में से एक के रूप में मूल्यांकन किया जाना चाहिए।

एमएफ गेंसिन द्वारा सोनाटा में एक उदास विषयवादी स्वर है, जिसमें यहूदी लोक गीतों के स्वर अति सुंदर क्रोमैटाइज्ड हारमोनियों के एक फ्रेम में सेट किए गए हैं। सबसे अच्छा रूसी वायलिन सोनाटा में से एक - सोनाटा ऑप। एन.के. मेडनर द्वारा 21 एच-मोल (1909-1910)। छोटे रूप काफी विकसित हो रहे हैं, लेकिन उनमें, शैली और शैलीगत विविधता के संदर्भ में, वायलिन साहित्य पियानो साहित्य से काफी हीन है। इसमें प्रमुख स्थान पर गीत और शैली के नाटकों का कब्जा है - रोमांस, एलिगेंस, "प्रतिबिंब", "सपने", मज़ाकुरस और वॉल्टेज़, कभी-कभी अंतरंग गीत और सैलून के स्पर्श के साथ।

लयात्मक और शैली की दृष्टि से, रोमांस की धुनों की ओर झुकाव के साथ, ए। अर्सेंस्की "प्रेस्डेलियर" के नाटक, वायलिन और पियानो के लिए 6 रेखाचित्र, ए। टी। ग्रीचिनोव "लुलाबी", "प्रतिबिंब", "पछतावा" - ऑप। ९, १ull ९ ५, एफ। अकिमेंको "लोलाबी", १ ९ ०२, जे। विटोला "टू पीस", "रोमांस", एस। बरमोटिन "प्रील्यूड", "लिटिल पोम", "लोलाबाई", "स्कर्ज़ांडो", "एक्लोगा", "माजुरका", "एलेगी", "ईस्टर्न पिक्चर", "लिटिल वाल्ट्ज"। छोटे रूपों में सबसे कलात्मक रूप से महत्वपूर्ण वायलिन के टुकड़े ए.के. ग्लज़ुनोव के हैं, ये "मेडिटेशन" और "मज़ूर-ओबेरेक" हैं, लेखक द्वारा स्वयं और वायलिन और ऑर्केस्ट्रा के लिए व्यवस्थित किया गया है। "मेडिटेशन" वायलिन वादकों द्वारा संगीत समारोहों में किए गए एक प्रदर्शनों की सूची बन गया।

कई वायलिन के टुकड़े एन.के. मेड्टनर द्वारा लिखे गए थे: 3 रात्रिचर (ऑप। 16, 1907), 2 कैनज़ोन (ऑप। 43, 1924)।

20 वीं शताब्दी के शुरुआती प्रमुख रूसी रचनाकारों में से अधिकांश ने चेंबर के कलाकारों की टुकड़ी को श्रद्धांजलि दी और कुछ के लिए, चैम्बर संगीत रचनात्मकता का मुख्य रूप बन गया (S.I.Taneev)। इसी समय, यह इंगित करना आवश्यक है कि यह वाद्य यंत्र के क्षेत्र में था कि 19 वीं शताब्दी के रूसी क्लासिक्स की परंपराएं विशेष रूप से लगातार बनी हुई थीं और, शायद, अकादमिकता की प्रवृत्तियां विशेष बल के साथ खुद को प्रकट करती थीं।

ए। ग्लेज़ुनोव के अपवाद के साथ, बिलीव सर्कल के रचनाकारों के सभी काम बेहद अकादमिक थे। संगीत का यह क्षेत्र नए रुझानों द्वारा कब्जा नहीं किया गया। I.F. Stravinsky (1914) द्वारा स्ट्रिंग चौकड़ी के लिए तीन टुकड़े लगभग एक अपवाद थे। चैंबर के सदृश शैलियों ने बेलीव सर्कल के कई संगीतकारों को आकर्षित किया। इस अवधि के चैम्बर साहित्य ने पी। त्चिकोवस्की के मजबूत प्रभावों को दिखाया। वे 2 चौकड़ी और 2 पियानो तिकड़ी में A. S. Arensky पर बहुत ध्यान देने योग्य हैं। द फर्स्ट पियानो ट्रायो (1894) विशेष रूप से लोकप्रिय था, जो अपने रोमांटिक मेलो और एलिगियाक मूड के साथ मनोरम था।

अब तक, सबसे व्यापक कामों में से एक, जो व्यापक रूप से अभ्यास करने में उपयोग किया जाता है, एस। वी। रचमेनिनोव द्वारा "एलिगियाक ट्रियो" नंबर 2 (डी-मोल) बना हुआ है, पी। आई। त्चैक्निकस्की (1893) की स्मृति को समर्पित है। राचमानिनोव ने इसे बहुत ही दिया। Tchaikovsky पियानो तिकड़ी के करीब। अपने वैचारिक और कलात्मक महत्व में आधुनिक कक्ष वाद्य संगीत, सिम्फोनिक संगीत के साथ काफी सराहनीय बन गया है; सिम्फनी, हालांकि, अक्सर चैम्बर शैलियों के करीब होती है, जैसे, उदाहरण के लिए, डी। डी। शोस्ताकोविच द्वारा 14 वीं और 15 वीं सिम्फनी।

चैंबर वाद्य संगीत कलाकारों के एक छोटे कलाकारों के लिए है। यह सिम्फनी शैली में कई लोगों की आकांक्षाओं की सामान्यीकरण अभिव्यक्ति के विपरीत, एक व्यक्ति के रूप में आंतरिक दुनिया पर ध्यान देने की विशेषता है। सिम्फनी की स्मारकीय प्रकृति, वाद्य संगीत के सशक्त रूप से प्रभावी गुण, सिद्धांत रूप में, चैम्बर संगीत के लिए atypical हैं। बल्कि, इसके विपरीत, यह व्यक्तिगत पार्टियों की महान स्वतंत्रता और पहनावा के प्रत्येक सदस्य की रचनात्मक गतिविधि के साथ अर्थपूर्ण अर्थ की अर्थव्यवस्था द्वारा प्रतिष्ठित है। प्रारंभ में, चैंबर संगीत का उद्देश्य श्रोताओं के एक संकीर्ण दायरे के लिए था और अक्सर घर पर प्रदर्शन किया जाता था, बाद में छोटे विशेष कॉन्सर्ट हॉल में।

चैंबर संगीत इंस्ट्रूमेंटेशन के प्रमुख कार्य, गुण का एक निश्चित अनुपात निर्धारित करता है, जिसके कारण कभी-कभी शैलियों के इंट्रास्टाइल उन्नयन मुख्य मात्रात्मक मापदंडों के संबंध में केवल एक ऑर्डरिंग अभिविन्यास प्राप्त करते हैं।

अपने वैचारिक और कलात्मक महत्व में समकालीन चैम्बर वाद्य संगीत, सिम्फोनिक संगीत के लिए काफी तुलनीय बन गया है; सिम्फनी अक्सर चैम्बर शैलियों के करीब होती है, जो एम। खलितोवा के कार्यों में स्पष्ट रूप से दिखाई देती है।

पूर्वी यूरोपीय संगीत में, और आज क्रीमियन तातार संगीत को इसके लिए जिम्मेदार ठहराया जा सकता है, साथ ही साथ राष्ट्रीय रचना स्कूलों के गठन के संबंध में, एक राष्ट्रीय आधार पर चैम्बर शैलियों का अनुकूलन पिछली सदी के मध्य से वर्तमान तक अधिक सक्रिय रूप से प्रकट हुआ है। इसलिए, चेंबर संगीत की पारंपरिक शैलियों को यहां लंबे समय तक संरक्षित किया जाता है, और, परिणामस्वरूप, शास्त्रीय कक्ष में रुचि, पहनावा, उदाहरण के लिए, एम। खलिटोवा की रचनाओं में: कंसर्ट "अशोक-नाम", तुरही और ऑर्केस्ट्रा के लिए संगीत कार्यक्रम "डेमेरडज़ी के पैर में", "एपिटाफ के लिए"। सेलो और ऑर्केस्ट्रा ”और अन्य।

कैसियो एसए -46 डिजिटल सिंथेसाइज़र, अपने छोटे आकार और केवल 32 चाबियों के बावजूद, केवल एक खिलौना नहीं है, बल्कि शुरुआती के लिए एक पूर्ण संगीत वाद्ययंत्र है। सबसे पहले, इसमें एक ठोस 8-नोट पॉलीफोनी है और सभी 100 बिल्ट-इन वॉयस और 50 स्टाइल्स की शानदार आवाज़ है। और दूसरी बात, इस मॉडल का मिनी कीबोर्ड बच्चों की उंगलियों के लिए एकदम सही है।

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नोट 16 एल के लिए नोटबुक। RHYTHM JAZZ / A4 (205 * 280 मिमी), एक रंग ब्लॉक, ऑफसेट 65 ग्राम, पूर्ण रंग। कवर, ऑफसेट पेपर 120 ग्राम। बन्धन - लंबी तरफ स्टेपल /

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कैसियो एसए -47 डिजिटल सिंथेसाइज़र, अपने छोटे आकार और केवल 32 कुंजी के बावजूद, केवल एक खिलौना नहीं है, बल्कि शुरुआती के लिए एक पूर्ण संगीत वाद्ययंत्र है। सबसे पहले, इसमें एक ठोस 8-नोट पॉलीफोनी है और सभी 100 बिल्ट-इन वॉयस और 50 स्टाइल्स की शानदार आवाज़ है। और दूसरी बात, इस मॉडल का मिनी कीबोर्ड बच्चों की उंगलियों के लिए एकदम सही है।

आपकी पसंदीदा ध्वनि का एक स्पर्श: पियानो / अंग स्विच बटन आपको त्वरित ध्वनि चयन देता है। स्विच करने के लिए, बस बटन दबाएं।

100 टन का एक व्यापक प्रदर्शन उत्कृष्ट गुणवत्ता प्रदान करता है।

हर स्वाद के लिए धुन: 100 सीखने की धुन आपको विभिन्न शैलियों में महारत हासिल करती है।

स्पष्ट और उपयोगकर्ता के अनुकूल: एलसीडी डिस्प्ले सभी उपकरण कार्यों के लिए त्वरित पहुँच प्रदान करता है।

सही लय चुनें। ड्रम पैड डिजिटल ड्रमिंग की दुनिया का एक बेहतरीन परिचय हैं। एक ड्रम या पर्क्यूशन के लिए पांच बटन, ताल बजाना आसान बनाते हैं और आपको एक टैप से एकल करने की अनुमति देते हैं।

दाएं हाथ को मास्टर करने के लिए राग बंद करने की क्षमता एक प्रभावी तरीका है। सीखने के लिए 10 रचनाएँ प्रस्तुत की जाती हैं।

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44-कुंजी कैसियो एसए -76 डिजिटल सिंथेसाइज़र सभी शुरुआती लोगों को एक अद्वितीय संगीत अनुभव प्रदान करता है। 100 टन, 50 शैलियों, सीखने के लिए अंतर्निहित गाने, ऐसे सिंथेसाइज़र के लिए गंभीर 8-नोट पॉलीफोनी के साथ नवीनतम साउंड प्रोसेसर, साथ ही एक एलसीडी डिस्प्ले जो पहले चरणों से 2-लाइन नोटेशन को समझने में मदद करता है - यह सब साधन को एक उत्कृष्ट सहायक बनाता है संगीत के शौकीन।

आपकी पसंदीदा ध्वनि का एक स्पर्श: पियानो / अंग स्विच बटन आपको त्वरित ध्वनि चयन देता है। स्विच करने के लिए, बस बटन दबाएं।

100 टन का एक व्यापक प्रदर्शन उत्कृष्ट गुणवत्ता प्रदान करता है।

हर स्वाद के लिए धुन: 100 सीखने की धुन आपको विभिन्न शैलियों में महारत हासिल करती है।

स्पष्ट और उपयोगकर्ता के अनुकूल: एलसीडी डिस्प्ले सभी उपकरण कार्यों के लिए त्वरित पहुँच प्रदान करता है।

सही लय चुनें। ड्रम पैड डिजिटल ड्रमिंग की दुनिया का एक बेहतरीन परिचय हैं। एक ड्रम या पर्क्यूशन के लिए पांच बटन, ताल बजाना आसान बनाते हैं और आपको एक टैप से एकल करने की अनुमति देते हैं।

दाएं हाथ को मास्टर करने के लिए राग बंद करने की क्षमता एक प्रभावी तरीका है। सीखने के लिए 10 रचनाएँ प्रस्तुत की जाती हैं।

वक्ताओं: 2 x 0.8 डब्ल्यू

पावर एडॉप्टर शामिल नहीं है।

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एर्नी बॉल हाइब्रिड स्लिंकी सेट सुपर स्लिंकी और रेग्युलर स्लिंकी स्ट्रिंग्स का सही संयोजन है। इन तारों का उपयोग विद्युत-ध्वनिक गिटार पर भी किया जा सकता है। एर्नी बॉल स्ट्रिंग्स को उनकी ताकत, विश्वसनीयता और स्थायित्व सुनिश्चित करने के लिए उच्चतम गुणवत्ता मानकों और विनिर्माण प्रक्रिया प्रौद्योगिकी के लिए निर्मित किया जाता है।

एर्नी बॉल हाइब्रिड स्लिंकी एक स्टील हेक्स कोर है जिसमें निकेल प्लेटेड स्टील रैपिंग है। तार विशेष रूप से कठोर उच्च कार्बन स्टील से बने होते हैं, जो एक अच्छी तरह से संतुलित ध्वनि प्रजनन प्रदान करता है और आपके उपकरण की क्षमताओं को पूरी तरह से हटा देता है।

कोर: स्टील

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एर्नी बॉल रीइनफोर्सड प्लेन (आरपीएस) श्रृंखला स्लिंकी स्ट्रिंग्स का एक प्रबलित संस्करण है। पहले तीन तारों में एक विशेष कांस्य घुमावदार होता है, जो गेंदों के बन्धन के घुमाव को सुरक्षित करता है - यह उन्हें अनइंडिंग से बचाता है, जो दुर्भाग्य से, काफी सामान्य है। अंतिम तीन तार निकल घाव श्रृंखला से तार के गुणों के समान हैं। हाइब्रिड स्लिंकी आरपीएस निकल घावों को विशेष रूप से विकसित सामग्रियों से बनाया गया है, जिससे उन्हें टूटने का प्रतिरोध करने के लिए पर्याप्त मजबूत बनाया जाता है, जो बदले में उनके स्थायित्व की गारंटी देता है। और यह सब एर्नी बॉल स्ट्रिंग्स के हस्ताक्षर उज्ज्वल और समृद्ध ध्वनि की बाधा के लिए नहीं है, जो दुनिया भर के संगीतकारों को अपनी अनूठी रचनात्मक जगह बनाने में मदद करते हैं।

स्ट्रिंग गेज: 9-11-16-26-36-46
घुमावदार: निकल चढ़ाया हुआ स्टील
कोर: स्टील

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देशी इंस्ट्रूमेंट कोमल ऑडियो 6 में वह सब कुछ है जो आपको रिकॉर्ड करना, बजाना और संगीत प्रस्तुत करना है। अपेक्षाकृत छोटे, मजबूत धातु के मामले में, चार एनालॉग I / O, डिजिटल I / O हैं। दो माइक्रोफोन इनपुट

शायद हर कोई संगीत के प्रति उदासीन नहीं है। यह मानवता को अविभाज्य रूप से साथ देता है, यह निर्धारित करना असंभव है कि जब कोई व्यक्ति इसे देखना सीखे। सबसे अधिक संभावना है, यह तब हुआ जब हमारे पूर्वज, अपनी भावनाओं को व्यक्त करने की कोशिश कर रहे थे, फर्श मारा। फिर, आदमी और संगीत का अटूट संबंध है, आज इसकी शैलियों, शैलियों और दिशाओं में से कई हैं। यह लोकगीत, आध्यात्मिक और अंत में, शास्त्रीय वाद्य - सिम्फोनिक और चैम्बर संगीत है। लगभग हर कोई जानता है कि यह दिशा क्या है, चैम्बर संगीत कैसे मौजूद है, लेकिन इसके अंतर और विशेषताएं क्या हैं - कुछ। आइए लेख में बाद में इसका पता लगाने की कोशिश करें।

चैम्बर संगीत का इतिहास

चैम्बर संगीत का इतिहास मध्य युग का है। 16 वीं शताब्दी में, चर्च गिरिजाघरों से आगे बढ़ना शुरू हुआ। कुछ लेखकों ने उन कार्यों को लिखना शुरू कर दिया जो चर्च की दीवारों के बाहर प्रदर्शनकारियों के एक छोटे से चक्र के लिए किए गए थे। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि पहले ये केवल मुखर भाग थे, और कक्ष वाद्य संगीत बहुत बाद में दिखाई दिए। लेकिन पहले बातें पहले।

चैंबर संगीत मंत्रमुग्ध कर रहा है। यह नाम इतालवी शब्द कैमरा ("कमरा") से आया है, शायद सभी को याद है। चर्च और नाट्य संगीत के विपरीत, चैंबर संगीत का मूल रूप से श्रोताओं के एक संकीर्ण समूह के लिए एक छोटे समूह द्वारा घर के अंदर प्रदर्शन किया जाना था। एक नियम के रूप में, प्रदर्शन घर पर हुआ, और बाद में छोटे कॉन्सर्ट हॉल में। 18 वीं -19 वीं शताब्दी में चैंबर वाद्य संगीत लोकप्रियता में अपने चरम पर पहुंच गया, जब अमीर घरों के सभी रहने वाले कमरों में समान संगीत कार्यक्रम आयोजित किए गए थे। बाद में, कुलीनों ने भी संगीतकारों के पूर्णकालिक पदों की शुरुआत की।

चैंबर संगीत छवियों

प्रारंभ में, चैंबर संगीत का उद्देश्य उन लोगों के एक छोटे से सर्कल के सामने प्रदर्शन करना था जो इसके पारखी और विशेषज्ञ थे। और जिस कमरे में संगीत कार्यक्रम हुआ, उसके आकार ने कलाकारों और श्रोताओं को एक-दूसरे से निकटता से संपर्क करने की अनुमति दी। इस सबने अपनेपन का एक अनूठा माहौल बनाया। शायद इसीलिए इस तरह की कला में गीतात्मक भावनाओं और मानवीय अनुभवों की विभिन्न बारीकियों को खोजने की उच्च क्षमता है।

चैम्बर संगीत की शैलियों को लैकोनिक की मदद से संचरण के लिए यथासंभव सटीक रूप से डिज़ाइन किया गया है, लेकिन साथ ही साथ अच्छी तरह से सत्यापित साधन भी। इसके विपरीत, जहां उपकरण के समूहों द्वारा भागों का प्रदर्शन किया जाता है, ऐसी रचनाओं में प्रत्येक उपकरण के लिए इसका अपना भाग लिखा जाता है, और ये सभी व्यावहारिक रूप से एक दूसरे के बराबर होते हैं।

चैम्बर वाद्य के प्रकार पहनावा

इतिहास के विकास के साथ, चैम्बर संगीत भी विकसित हुआ। इस तरह की दिशा में कलाकारों के संबंध में कुछ ख़ासियत होनी चाहिए, इसके लिए प्रमाण की आवश्यकता नहीं है। आधुनिक वाद्य यंत्र हैं:

• युगल (दो कलाकार);
• तीनों (तीन सदस्य);
• चतुर्थांश (चार);
• पंचक (पाँच);
• sextets (छह);
• सेप्टेट्स (सात);
• अष्टक (आठ)
• nonets (नौ);
• डेसीमेट (दस)।

इसी समय, वाद्य रचना बहुत विविध हो सकती है। इसमें दोनों तार और केवल तार शामिल हो सकते हैं या केवल हवाओं को एक समूह में शामिल किया जा सकता है। और मिश्रित कक्ष पहनावा हो सकता है - पियानो विशेष रूप से अक्सर उनमें शामिल होता है। सामान्य तौर पर, उनकी रचना केवल एक चीज तक सीमित होती है - संगीतकार की कल्पना, और यह सबसे अधिक बार असीमित होती है। इसके अलावा, कक्ष आर्केस्ट्रा भी हैं - 25 से अधिक संगीतकारों के समूह नहीं।

वाद्य चैम्बर संगीत शैलियों

चैम्बर संगीत की समकालीन शैलियों W.A. मोजार्ट, एल। बेथोवेन, आई। हेडन जैसे महान संगीतकारों के काम से प्रभावित थे। यह ऐसे स्वामी थे जिन्होंने ऐसी रचनाएँ बनाईं जो सामग्री की शुद्धता और भावनात्मक गहराई के संदर्भ में नायाब थीं। सोनतस, युगल, तिकड़ी, चौकड़ी और पंचक को एक बार 19 वीं सदी के सबसे प्रसिद्ध प्रेमकथाओं के लिए श्रद्धांजलि दी गई: एफ। मेंडेलसोहन, आर। शुमान, एफ। शुबर्ट, एफ। चोपिन। इसके अलावा, वाद्ययंत्र लघुचित्र (निशाचर, इंटरमेजो) की शैली ने उस समय काफी लोकप्रियता हासिल की।

चैम्बर कॉन्सर्ट, सुइट्स, फ्यूजेस, कैंटैटस भी हैं। यहां तक \u200b\u200bकि 18 वीं शताब्दी में, चैम्बर संगीत शैलियों बहुत विविध थे। इसके अलावा, उन्होंने अन्य प्रवृत्तियों और शैलियों की शैलीगत विशेषताओं को अवशोषित किया। उदाहरण के लिए, एल। बेथोवेन के चैंबर म्यूजिक के रूप में इस तरह की घटना की सीमाओं को धक्का देने का प्रयास इतना स्पष्ट रूप से पता लगाया जाता है कि क्रेटज़र सोनाटा जैसे उनके काम, उनकी स्मारकीयता और भावनात्मक तीव्रता में सहानुभूतिपूर्ण रचनाओं से किसी भी तरह से हीन नहीं हैं।

मुखर चैम्बर संगीत शैलियों

19 वीं शताब्दी में, मुखर चैम्बर संगीत को अपार लोकप्रियता मिली। कला गीत और रोमांस की जो नई विधाएँ उभर कर सामने आईं, उन्हें आर.सुमन्न, एफ। शुबर्ट, आई। ब्राह्मस आदि ने श्रद्धांजलि दी। रूसी संगीतकारों ने चैम्बर संगीत कार्यों के विश्व संग्रह में एक अमूल्य योगदान दिया है। MI Glinka, PI Tchaikovsky, MP Mussorgsky, MA Rimsky-Korsakov के शानदार रोमांस आज भी किसी को भी उदासीन नहीं छोड़ते हैं। छोटे टुकड़ों के अलावा, चेंबर ओपेरा की एक शैली भी है। इसका मतलब है कि कलाकारों की एक छोटी संख्या की उपस्थिति और उत्पादन के लिए एक बड़े कमरे की आवश्यकता नहीं है।

चैंबर संगीत आज

बेशक, आज व्यावहारिक रूप से कोई घर नहीं हैं, जहां पिछली शताब्दियों में, चैंबर एनसेंबल लोगों के सीमित घेरे से घिरा हुआ है। हालांकि, मौजूदा रूढ़ियों के विपरीत, यह दिशा बहुत लोकप्रिय है। दुनिया भर के अंग और चैम्बर संगीत के हॉल शास्त्रीय संगीतकारों और समकालीन लेखकों के दोनों कार्यों के लाखों प्रशंसकों को इकट्ठा करते हैं। त्योहारों को नियमित रूप से आयोजित किया जाता है जहां प्रसिद्ध और उभरते कलाकार अपनी कला को साझा करते हैं।