Seni muzik Jerman Renaissance. Abstrak Kebudayaan Muzik Renaissance

Kementerian Pendidikan Persekutuan Rusia

Moscow State Outdoor Pedagogical University

mereka. M.a.sholokhova.

Jabatan Pendidikan Estetik

Esei

"Muzik Renaissance"

Pelajar 5 (kiraan)

Masa Penuh - Petak Absentee

Sleepy Love Pavlovna.

Guru:

Zatsepina Maria Borisovna.

Moscow 2005.

Kebangkitan - era zaman kegemilangan budaya Eropah Barat dan Tengah semasa peralihan dari Zaman Pertengahan hingga masa baru (abad XV-XVII). Budaya kebangkitan tidak menyempitkan dan sering mencerminkan suasana massa yang luas, dalam budaya muzik membentangkan beberapa sekolah kreatif yang berpengaruh baru. Rod ideologi utama seluruh budaya tempoh ini adalah humanisme - idea yang baru, belum pernah terjadi sebelumnya bagi seseorang sebagai makhluk yang bebas dan komprehensif yang mampu mencapai kemajuan yang tidak terhad. Manusia adalah subjek utama seni dan kesusasteraan, yang kreatif dari wakil-wakil terbesar budaya Renaissance - F. Petrarki dan D. Boccacio, Leonardo da Vinci dan Michelangelo, Raphael dan Titian. Kebanyakan tokoh budaya era ini sendiri adalah orang yang berbakat. Jadi, Leonardo da Vinci bukan sahaja seorang artis yang cemerlang, tetapi juga seorang pengukir, saintis, penulis, arkitek, komposer; Michelangelo dikenali bukan sahaja sebagai pengukir, tetapi juga sebagai pelukis, penyair, pemuzik.

Pembangunan pandangan dunia dan seluruh budaya tempoh ini mengenakan cap jari berikutan sampel kuno. Dalam muzik, bersama dengan kandungan baru, bentuk baru dan genre juga sedang membangun (lagu, madrigal, ballad, opera, cantata, pidato).

Dengan semua integriti dan kemasan budaya Renaissance dalam perkara utama, ia dicirikan oleh ciri-ciri yang bertentangan yang berkaitan dengan kelemahan unsur-unsur budaya baru dengan yang lama. Tema-tema keagamaan dalam seni tempoh ini terus tidak wujud, tetapi juga untuk berkembang. Pada masa yang sama, ia begitu berubah bahawa kerja berdasarkannya dianggap sebagai adegan genre dari kehidupan orang yang mulia dan biasa.

Budaya Itali dari Renaissance berlaku tahap tertentu pembangunan: setelah muncul pada akhir abad XIV, ia sampai ke zaman kegemilangannya di tengah-tengah abad XV awal XV. Pada separuh kedua abad XVI. Terdapat reaksi feudal yang panjang kerana kemerosotan ekonomi dan politik negara. Humanisme sedang mengalami krisis. Walau bagaimanapun, penurunan dalam seni tidak dilambangkan dengan tidak segera: satu lagi dekad adalah artis dan penyair Itali, pengukir dan arkitek mencipta karya-karya kepentingan artistik tertinggi, pembangunan hubungan antara pelbagai sekolah kreatif, pertukaran pengalaman antara pemuzik, bergerak dari Negara ke negara ini bekerja di kapel yang berbeza, menjadi masa isyarat dan membolehkan kita bercakap tentang trend yang biasa dengan keseluruhan era.

Renaissance - salah satu halaman yang cemerlang dalam sejarah budaya muzik Eropah. Constellation of the Great Great of the Goskene, Ombrecht, Palestrina, O.Lomo, Jesualdo, yang membuka cakrawala baru kepada kreativiti muzik dalam cara ekspresi, kekayaan poliphony, skala bentuk; Kemas kini yang berkembang pesat dan berkualiti tinggi genre tradisional - Mott, Mass; Kelulusan corak baru, intonasi baru dalam bidang komposisi multi-bersuara, perkembangan pesat muzik instrumental, yang diterbitkan di barisan hadapan selepas kedudukan subordinat yang hampir berfikiran: lain-lain bentuk musitizing, pertumbuhan profesionalisme dalam semua bidang kreativiti muzik : Perubahan dalam pandangan mengenai peranan dan peluang seni muzik, pembentukan kriteria kecantikan baru: humanisme sebagai trend yang benar-benar nyata dalam semua bidang seni - semua ini disebabkan oleh idea-idea kita tentang Renaissance. Budaya seni Renaissance adalah permulaan peribadi dengan sokongan untuk sains. Kemahiran yang luar biasa terhadap polyphonists of the XV - XVI berabad-abad, teknik Virtuoso mereka telah bersama dengan seni tarian isi rumah yang cerah, kecanggihan genre sekular. Ekspresi yang semakin meningkat dalam kerja-kerja diperoleh oleh drama lirik. Di samping itu, keperibadian orang itu, keperibadian kreatif artis kelihatan lebih cerah (ini adalah ciri bukan sahaja untuk seni muzik), yang membolehkan kita bercakap tentang gummanization sebagai prinsip utama seni Renaissance. Pada masa yang sama, muzik gereja, yang diwakili oleh genre yang besar, sebagai jisim dan motet, terus menjadi garis "Gothic" dalam seni kelahiran semula, yang diarahkan, pertama sekali, untuk mencipta semula Canon yang sudah ada dan melalui itu untuk memuliakan ilahi.

Kerja-kerja hampir semua genre utama kedua-dua sekular dan rohani dibina berdasarkan sebarang bahan muzik yang terdahulu. Ia boleh menjadi sumber berambut tunggal dalam Mottas dan pelbagai genre sekular, pemprosesan instrumental; Ini boleh menjadi dua suara yang dipinjam dari komposisi tiga suara dan termasuk dalam produk baru yang sama atau lain-lain genre dan, akhirnya, penuh dengan tiga - atau empat glazes (MOTET, Madrigal, yang bertindak atas "model awal" kerja bentuk yang lebih besar (Massa).

Sumber utama bertindak sama dan orang yang popular, terkenal (lagu choral atau sekular) dan beberapa jenis esei hak cipta (atau undi daripadanya), yang diproses oleh komposer lain dan, dengan itu, dikurniakan dengan ciri-ciri lain bunyi, idea artistik lain .

Dalam genre Motta, contohnya, hampir tidak ada kerja yang tidak mempunyai sumber asal. Kebanyakan komposer massa abad XV - XVI juga mempunyai sumber pertama: Jadi, paletseris dari jumlah lebih daripada satu ratus kekacauan yang kita dapati hanya enam bertulis berdasarkan pinjaman berdasarkan asas. O. Lasso tidak menulis sebarang jisim (daripada 58) pada bahan penulis.

Ia boleh diperhatikan bahawa ia agak jelas ditunjukkan oleh bulatan sumber utama, yang berdasarkan kepada penulis. Dufai, I. Okhem, ya. Oberecht, Palestrina, O. Lasso dan lain-lain. Seolah-olah mereka bersaing antara satu sama lain, sekali lagi dan sekali lagi merujuk kepada satu melodi, menarik dari mereka setiap masa, impuls artistik baru untuk kerja-kerja mereka, dalam yang baru cara memahami lagu sebagai primordinasi intonasional awal untuk bentuk polifonik.

Dalam prestasi kerja, penerimaan digunakan - polyphony. Polifoni adalah polyphony di mana semua suara adalah sama. Semua suara mengulangi satu melodi, tetapi pada masa yang berlainan, seperti echo. Teknik ini dipanggil tiruan polyphony.

Dengan abad XV, yang dipanggil "huruf ketat" poliphony, peraturan (norma undi, pembentukan, dll.) Dicatatkan dalam risalah teori pada masa itu dan merupakan undang-undang yang tidak berubah untuk mewujudkan muzik gereja.

Satu lagi sambungan apabila pelaksana diucapkan pada masa yang sama melodi yang berbeza dan teks yang berbeza dipanggil polyphony yang berbeza. Secara umum, gaya "ketat" semestinya membayangkan polyphony salah satu daripada dua jenis: simulasi atau kontras. Ia adalah simulasi dan polyphony yang berbeza yang dibenarkan menyusun pelbagai suara dan mesi untuk perkhidmatan gereja.

Motet ini adalah lagu choral kecil, yang biasanya terdiri daripada mana-mana melodi yang popular, yang paling kerap di salah satu lagu gereja lama ("choral grigorian" dan sumber kanonik lain, serta muzik kelas tinggi).

Sejak awal abad ke-15, dalam budaya muzik beberapa negara Eropah, ciri-ciri yang wujud dalam zaman Renaissance muncul. Yang kelihatan di kalangan polyphonist awal Belanda Renaissance, Guillae Dufa (Dufai) dilahirkan di Flanders sekitar 1400. Kerja-kerja beliau, pada dasarnya, adalah lebih daripada setengah peringkat abad dalam sejarah sekolah Netherlands, yang telah ditubuhkan pada suku kedua abad XV.

Dufai mengetuai beberapa kapel, termasuk Pakaya di Rom, bekerja di Florence dan Bologna, dan tahun-tahun terakhir kehidupan yang dibelanjakan di Cambre asalnya. Warisan Dufai kaya dan berlimpah: ia termasuk kira-kira 80 lagu (Genre Chamber - Viros, Ballads, Rondo), kira-kira 30 motel (kedua-dua kandungan rohani dan sekular, "Song"), 9 kekacauan penuh dan bahagian masing-masing.

Melodi yang sangat baik yang mencapai haba lirikal dan ekspresi ski kecil, jarang berlaku dalam era gaya yang ketat, dia dengan rela merayu kepada melodi yang popular, mendedahkan mereka kepada pemprosesan berkilauan. Dufai memperkenalkan banyak perkara baru dalam Mass: Wider mengubah komposisi keseluruhan komposisi, secara bebas menggunakan kontras bunyi choral. Salah satu karya terbaiknya adalah jisim "orang pucat", "lelaki bersenjata", di mana yang dipinjam bernama melodi asalnya digunakan. Lagu-lagu ini dalam pelbagai versi merupakan asas yang meluas yang meluas yang meluas yang mengikat perpaduan kitaran choral yang besar. Dalam pembangunan polifonik seorang peniaga yang indah, mereka mendedahkan yang dahsyat di kedalaman mereka, keindahan yang tidak diketahui dan peluang ekspresif. Melodi Dufai harmoni menggabungkan kesegaran tart lagu-lagu Belanda dengan penyanyi Itali yang melembutkan dan Grace Perancis. Polyphony simulasi dilucutkan artifak dan jet. Kadang-kadang tenunan menjadi berlebihan, kekosongan berlaku. Ia tidak hanya memberi kesan kepada pemuda seni, yang belum menemui keseimbangan struktur yang ideal, tetapi juga ciri-ciri Master Cambrian, keinginan untuk mencapai hasil artistik dan ekspresif dengan cara yang paling rendah hati.

Kerja-kerja kontemporari yang lebih muda Dufai - Iohannes Okhemema dan Jacob Oberachta sudah dirujuk kepada apa yang dipanggil Sekolah Belanda Kedua. Kedua-dua komposer adalah tokoh terbesar masa mereka yang menentukan pembangunan Polyphony Belanda pada separuh kedua abad XV.

Johannes Okhem (1425 - 1497) Kebanyakan kehidupan bekerja di Chapel of the Raja Perancis. Dalam menghadapi okhemema di hadapan Eropah, terpesona oleh lirisme penyanyi yang lembut, penyanyi Dufai, yang naif-lemah lembut dan bijak melayari Mesa dan Motetovnya, adalah artis yang sama sekali berbeza - "rasionalis dengan mata yang tidak adil" dan pen teknikal yang canggih, Kadang-kadang mengelakkan lyrianisme dan dikacau tidak lama lagi untuk menangkap dalam muzik, beberapa corak yang sangat umum kewujudan objektif. Dia menemui penguasaan yang menakjubkan dari perkembangan garis melodi dalam ensembles polyphonic. Muziknya adalah wujud dalam beberapa ciri-ciri Gothic: Imejan, sifat ekspresi yang tidak masuk akal, dll. Dia mencipta 11 kekacauan penuh (dan beberapa bahagian mereka), termasuk topik "lelaki bersenjata", 13 motes dan 22 lagu. Ia adalah genre polifonik yang besar yang berdiri di tempat pertama. Sesetengah lagu telah mendapat populariti dalam sezaman dan berulang kali berkhidmat utama untuk rawatan polifonik dalam bentuk yang lebih besar.

Contoh kreatif okhemema sebagai tuan terbesar dan polyphonist murni sangat penting bagi sezaman dan pengikut: kepekatannya yang tidak kompromi terhadap masalah khas polifoni yang diilhamkan, jika tidak menyembah, dia menimbulkan legenda dan mengelilingi namanya kepada halo.

Antara mereka yang telah mengikat abad XV dengan yang berikut bukan sahaja secara kronologi, tetapi juga perkembangan kreatif, tempat pertama, tidak syak lagi, milik Jacob Obrech. Dia dilahirkan pada tahun 1450 di Bergen-op-Zoom. Obracht bekerja di Chapels Antwerp, Cambre, Brunet, dan lain-lain, berkhidmat di Itali.

Dalam warisan kreatif Obrecht - 25 MES, kira-kira 20 motel, 30 lagu polifonik. Daripada pendahulunya dan sezaman senior, dia mewarisi teknik polifonik yang sangat maju, walaupun virtuoso, tiruan dan teknik canonical polyphony. Dalam muzik Oracle, polyphonik sepenuhnya, kita mendengar kadang-kadang sebuah kubu khas sekurang-kurangnya emosi tersirat, keberanian kontras dalam batas yang besar dan rendah, cukup "Bumi", hampir hubungan isi rumah dalam sifat bunyi dan parti pembentukan . Pandangan dunianya terhenti menjadi Gothic. Dia bergerak ke arah Dew Goskien - wakil asli Renaissance dalam seni muzik.

Ia dicirikan oleh ciri individu, termasuk sisa dari ketiadaan Gothic, menyebabkan pembangkang, kuasa emosi, komunikasi dengan genre isi rumah.

Ketiga pertama abad XVI di Itali adalah tempoh renesssans yang tinggi, masa mengangkat kreatif dan kesempurnaan yang tidak pernah berlaku sebelum ini, yang diwujudkan dalam karya-karya hebat Leonardo Da Vinci, Raphael, Michelangelo. Lapisan awam tertentu sedang berkembang, bentuk mana persembahan teater diatur, cuti muzik. Aktiviti pelbagai akademi seni berkembang.

Sedikit kemudian, mekar yang tinggi berlaku dalam seni muzik, bukan sahaja Itali, tetapi juga Jerman, Perancis, negara-negara lain. Mencetak adalah penting untuk menyebarkan karya muzik.

Tradisi sekolah polifonik masih kuat (khususnya, terdapat nilai yang sama dari sokongan untuk sampel), tetapi sikap terhadap pilihan topik ditukar, tepu berbentuk emosi bertambah, peribadi, hak cipta sedang meningkat. Semua ciri-ciri ini muncul dalam karya komposer Itali, Zosken Dew, yang dilahirkan sekitar 1450 di Burgundy dan bekas salah satu komposer terbesar di Sekolah Belanda akhir XV - awal abad XVI. Berbakat dengan suara dan pendengaran yang sangat baik, dia berkhidmat sebagai syurga dalam koir gereja di tanah airnya dan di negara lain. Ia adalah hubungan awal dan dekat dengan seni choral yang tinggi, pembelajaran praktikal yang aktif dari khazanah artistik yang hebat dari muzik ikonik yang sebahagian besarnya menentukan arah di mana keperibadian masa depan tuan cemerlang, gaya dan kepentingan genrenya kemudiannya dibangunkan.

Pada tahun-tahun muda, Dew mempelajari seni komposisi di I. Okhemema, yang juga dia duduk berpuas hati dalam permainan di pelbagai alat muzik.

Pada masa akan datang, Zoskien Dew mencuba pasukannya dalam semua orang yang wujud pada masa genre muzik, mencipta Mazmur, Musul, Massa, Muzik pada keghairahan Tuhan, esei untuk menghormati lagu St. Mary dan sekular.

Perkara pertama yang bergegas ke dalam mata dalam komposisi Depe adalah teknik Counterpunct yang menarik, yang membolehkan penulis dianggap sebagai rakan sejawat yang sebenar-Virtuoso. Walau bagaimanapun, walaupun pemilikan penuh bahan itu, Dew menulis secara perlahan-lahan, sangat kritikal memeriksa karya-karyanya. Semasa percubaan percubaan tulisan, dia membawa banyak perubahan di dalamnya, berusaha untuk mencapai pruncisi yang sempurna, yang tidak pernah membawa kepada mangsa untuk menentang pelindung pelindung.

Menggunakan hanya bentuk polifonik, komposer dalam sesetengah kes memberikan suara atas yang luar biasa mencurahkan melodi, kerana tugasnya berbeza bukan sahaja dengan kolawing, tetapi juga melodi.

Tidak mahu melampaui ragu-ratus yang ketat, embun untuk mengurangkan kekecohan, bagaimana ia menyediakan mereka dengan menggunakan nota penentangan dalam konsonan sebelumnya sebagai pemuliharaan. Sangat bernasib baik sebagai cara untuk menguatkan ungkapan muzik menghapuskan penggunaan kekecohan.

Adalah perlu untuk makan terlalu banyak bahawa J. Delera dengan hak penuh boleh dianggap bukan sahaja seorang rakan niaga yang berbakat dan seorang pemuzik yang sensitif, tetapi juga seorang artis yang hebat yang boleh menyampaikan karya-karya yang nipis warna perasaan dan pelbagai suasana hati.

Zoskien secara teknikal dan estetika lebih kuat daripada polyphonists Itali dan Perancis abad XV. Itulah sebabnya di kawasan muzikal tulen, dia telah mempengaruhi mereka dengan ketara, bukannya mengalami pengaruh mereka. Sebelum kematiannya, Dele dipimpin oleh kapel terbaik di Rom, Florence, Paris. Sentiasa sama-sama menumpukan kepada karyanya, menyumbang kepada penyebaran dan pengiktirafan muzik. Dia kekal Belanda, "Master dari Conde." Dan tidak kira pencapaian dan penghormatan saudara yang cemerlang, sementara tuan muzik "adalah penting (yang disebut sezamannya), dia, mematuhi pemberontakan" panggilan bumi, ", sudah di lereng tahun-tahunnya kembali The Shores of Shelda dan sederhana lulus dari jalan hidupnya dengan Canon.

Di Itali, dalam era Renaissance Tinggi, yang berkembang pesat genre sekular diperhatikan. Genre Vokal berkembang di dua kawasan utama - salah seorang daripada mereka adalah dekat dengan lagu dan tarian rumah (fotol, villaners, dll.), Yang lain dikaitkan dengan tradisi polifonik (Madrigal).

Madrigal sebagai bentuk muzik dan puisi khas memberikan peluang yang luar biasa untuk manifestasi keperibadian komposer. Kandungan utama liriknya, adegan genre. Di sekolah Venetian, genre muzik yang indah telah mekar (percubaan untuk memulihkan tragedi kuno). Mendapat Borang Instrumental Kemerdekaan (bermain untuk LUTE, Viuela, Organ dan Alat Lain).

Bibliografi:

Efremova T.F. Kamus baru bahasa Rusia. Tolkovo - perkataan-formatif. - m.: Rus. Yaz .., 2000. 1: A - O - 1209 p.

Kamus ringkas pada estetika. M., Polizdat, 1964. 543 p.

Sejarah muzik popular.

Tikhonova A. I. Kebangkitan dan Baroque: Sebuah buku untuk Reading - m.: LLC "Penerbitan House" Rosman - Press ", 2003. - 109 p.

Muzik dalam tempoh abad XV-XVII.

Pada zaman pertengahan, muzik itu adalah prerogatif gereja, jadi kebanyakan karya muzik itu suci, mereka didasarkan pada lagu-lagu gereja (Choral Gregorian), yang merupakan sebahagian daripada agama dari awal Kekristianan. Pada awal abad ke-6, lagu-lagu agama, dengan penyertaan langsung Paus Gregory I, akhirnya ditanamkan. Gregorian Khoral dilakukan oleh penyanyi profesional. Selepas pembangunan muzik gereja, choral grigorian kekal sebagai asas tematik karya agama polifonik (Mess, Motetov, dan lain-lain).

Walaupun, terutamanya, muzik itu tetap agama, tetapi kelemahan kawalan gereja terhadap masyarakat membuka komposer dan penghibur dengan kebebasan yang besar dalam manifestasi bakat mereka.

Dengan penciptaan mesin percetakan, adalah mungkin untuk mencetak dan mengedarkan nota, dari sekarang dan memulakan apa yang kita panggil muzik klasik.

Dalam tempoh ini, alat muzik baru muncul. Alat yang paling popular di mana peminat permainan muzik mudah dan mudah, tanpa memerlukan kemahiran khas.

Pada masa ini, Viola muncul - pendahulu biola. Terima kasih kepada pemuda (jalur kayu di seluruh Griff), ia mudah dimainkan, dan bunyinya tenang, lembut dan terdengar baik di dewan kecil.

Alat tembaga juga popular - blok seruling, seruling dan tanduk. Muzik yang paling kompleks ditulis untuk cluster yang baru dibuat, pokok (Bahasa Inggeris Harpsichin, dibezakan dengan saiz kecil) dan organ. Pada masa yang sama, para pemuzik tidak lupa untuk meletakkan muzik yang lebih mudah, yang tidak memerlukan kemahiran berprestasi tinggi. Pada masa yang sama, terdapat perubahan dalam surat muzik: Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile datang untuk menggantikan blok bercetak kayu yang berat. Kerja-kerja muzik yang diterbitkan dengan cepat dibeli, semakin ramai orang mula menyertai muzik.

Tonton diperlukan: Peristiwa utama dalam sejarah muzik klasik di Itali.

Quatrocheto (Century XV) dicirikan terutamanya oleh kebangkitan semula seni klasik (Greek dan Latin) dalam seni visual, seni bina dan kesusasteraan. Walau bagaimanapun, disebabkan kekurangan dokumen mengenai zaman kegembiraan bahasa Yunani dan, oleh itu, model tentang kebangkitan semula dalam bidang muzik tidak boleh dikatakan. Atas sebab ini, bermula denganXiv. Muzik terus berkembang di sepanjang jalan pendaraban dan pengembangan arah rasmi poliphony. Hanya pada akhirAbad XVI, apabila kebangkitan umum secara beransur-ansur mula kehilangan halusnya halusnya, dalam muzik dengan pembentukan yang dipanggil Franco Flemish School, atau sekolah Burgundian-Flemish di Itali, terdapat kebangkitan tertentu arah klasik.

Vokal Muzik: Flemish School

Sekolah Flemish sebagai arah muzik yang berlaku di zaman Renaissance dan yang timbul di kawasan-kawasan di utara Perancis dan Belgium moden, yang dibangunkan dari kira-kira 1450 dan sehingga akhir abad XVI. Pakar mengira enam generasi penulis antara dua peringkat konsisten pembangunan kawasan ini: Burgundian-Flammal dan Franco Flemish. Wakil-wakil dari kedua-dua peringkat adalah dari Flanders, tetapi sekolah secara keseluruhannya adalah antarabangsa, kerana aktiviti pemuzik dalam kebanyakan kes mengalir di negara-negara asing dan gaya mereka dengan cepat tersebar di seluruh Eropah. Selalunya sekolah Flemish dipanggil Belanda, meringkaskan Burgundy, Flemish, Franco-Flamian dan bahasa Inggeris-Franco Flamian. Sudah dari awal abad XVI. Bahasa baru itu menyebabkan sambutan yang luas ke Perancis, Jerman, Itali, England dan Sepanyol dan menentukan kelahiran bentuk dan gaya baru di negara-negara terpilih, yang mencerminkan tradisi kebangsaan individu. Walau bagaimanapun, pada separuh kedua abad XVI. Pemuzik Flemish yang sama telah dipaksa untuk bukan sahaja dalam keadaan konfrontasi dengan wakil-wakil terbesar tradisi muzik Eropah (di Itali, sebagai contoh, dengan penulis seperti Luca Marrenzio, J. Palestrina dan K. Monteverdi), Tetapi juga untuk mengikuti rasa dan stud mereka.

Walaupun kerumitan dan kepelbagaian gaya dan dana ekspresif yang wujud di sekolah Flemish, ia masih tipikal dari fenomena biasa dan pelik, seperti penciptaan gaya berdasarkan kesetaraan yang ideal dari semua bahagian tisu tindakan (Zoshen Dew) dan Mengenai penggunaan tiruan yang ketat sebagai cara untuk memberikan struktur struktur kerja. Penggunaan kaedah yang paling rumit di luar jangkauan diletakkan dalam konsep estetik sekolah Flemish. Komposer arah ini mencipta gaya polifonik baru - yang dipanggil gaya yang ketat. Genre sekolah terkemuka - Mass, Motet, Polyphonic Chanson, Madrigal, Fottol, Villanell, Kanzonetta. Prinsip komposisi polifonik yang dibangunkan oleh komposer sekolah menjadi sejagat untuk generasi berikutnya. Sekolah Flemish termasuk beberapa pemuzik Eropah terbesar di abad XV - XVI. Ini adalah Johannes Okhem, Jocobe Opecht, Henrik Izak, Zoskien Dere, Pierre de la ru, Jean Muton, Adrien Villart, Nicolas Gommberrt, Jacob Arcabeit, Philip de Monte, Jacob de Kerle, Orlando Di Lasso, Zhiasa de Vete, Jacob Renyar Giovanni Mac.

Guy Dufai.

Ketua arah Burgundian-Flemish oleh Guillae Dufai (kira-kira 1400 - 1474, camberies), seorang lelaki menyanyi di katedral di Cambra; Pada tahun 1420 menetap di Itali dan memasuki perkhidmatan dalam keluarga Malast di Pesaro dan di Rimini; Kemudian 1428 hingga 1433 menyanyikan di Chapel Papal di Rom, kemudian di Florence dan Bologna, di mana ayah tersembunyi kerana kegembiraan; Dari 1437 hingga 1444 terdiri daripada perkhidmatan di mahkamah Louis Savoy dan, akhirnya, kembali ke Cambra. Dufai, seorang lelaki budaya yang besar, yang telah belajar dan memohon dalam amalan semua pencapaian moden seni muzik, yang dijalankan untuk sintesis pertama peralatan ketat dan kejelasan harmonik dan pemeliharaan melodi. Dalam warisan kreatifnya 9 MES penuh, 32 GOTES, Pujian, Antifons dan 37 Fragments Mass. Masanya Masanya (Missa.Sanoti.Missa.Sanoti.Antonii.Viennensis) Disusun oleh jenis varia 3-suara, di mana suara atas melodically menguasai lebih dari dua yang lebih rendah. Walau bagaimanapun, bermula dengan jisim Missa.Caput.(kira-kira 1440) dan dalam mesej berikut SE.lamuka.aY.pucatL 'homme.arme.Ave.Regina.caelorum.dan Ecce.anoilla.Domini.komposer menggunakan cantu.firmus.(LAT Pada rahmat melodi, penguasaan pemprosesan polifonik jisim Ave.Regina.caelorum. Ia adalah kerja yang terbaik.

Dalam motor suci dan Palabo-politik, Dufai pergi sepanjang jalan pendahulunya, baik berhubung dengan kepelbagaian teks dan berhubung dengan pengasingan, tetapi tidak luar biasa dalam tulisan-tulisan Mount dari Burgundy Composer, lebih suka lebih bebas Gaya dalam diskaun (amalan pergerakan kembali, apabila satu suara ia naik dan yang lain turun). Dari motos yang paling terkenal harus dipanggil Vasilissa.ergo.gaude.(DEDICATED TO CLEF Malatet), Apostolo.glorioso. (untuk mengucapkan Sant Andrea di Patras, di mana Malatest adalah seekor uskup), Ecclesiae.miliantus. (Untuk pembinaan Eugene IV pada tahun 1431 untuk penyitaan), Nuper.rosarum.flores.(Untuk mengucapkan katedral Florentine pada tahun 1486).

Chanson, dibezakan oleh banyak tempat perlindungan, biasanya ditulis untuk 3 undi; 2 Suara teratas mengetuai garis melodi, dan semakin rendah ia harmoni menyokongnya. Di sini, jelas, tulisan tentang cinta dalam bentuk ballad, rondo atau vellelin ( Adieu.m 'amour,SE.lamuka.aY.pucatResvelon.nous.Bon.jour.bon.mois.Ce.moys.de.mai,Mabelle.dame.souveraine.Mon.chver.amy.); Sesetengah cancest diterangkan dalam bahasa Itali: Dona.y.ardeni.ray.Donna.gentil,Ladolce.vista. Dan menakjubkan Chancellus. Vergine.bellapada kata-kata Francesco Petrarch.

Johannes Okhem.

Johannes Okhegem (kira-kira 1420/25 Tremond, Flanders - 1497, lawatan) lebih 40 tahun kemudian berkhidmat di gereja Raja Perancis. Menikmati rasa hormat dan pengiktirafan yang besar; Terdapat Bendahari Biara Saint-Martin dalam Tour, I.E. Beliau berkhidmat sebagai salah satu jawatan tertinggi di dalam kerajaan, menikmati banyak keistimewaan, termasuk kewangan.

Dianggap sebagai kontemporari komposer utama dan merupakan tokoh utama generasi kedua sekolah Flemish, yang mengikuti Dufai dan sebelum J. Dele (yang menulis kepada kematian yang terkenal Mengecewakan, penyesalan). OKHEM - Wakil Poliphony Strictly Style. Dia memperkayakan teknik melalui tiruan, meluluskan gaya 4-luar yang teguh dalam gaya choral a. cappella. (tanpa sokongan instrumental). Dalam warisan kreatifnya, 19 MES (hanya 10 daripadanya selesai, di selebihnya tidak ada bahagian ORDINARIA), Ordinarium. missae., Requiem., Dozen Motetov, kira-kira 20 Chanson, serta esei apa-apa nada '', yang membolehkan pelaksanaan dari kaki yang berbeza skala. Ini menunjukkan bahawa komposer membina karya-karyanya terhadap pengiraan matematik.

Zoskien depe.

Zoskien Dew (kira-kira 1440, Vermandoua di Picardia - 1521, Konde-sur-l'esco, Wallencien), dari 1459 hingga 1472. Dia menyanyi di Katedral Milan, kemudian dia datang di Duke of Malehazzo Maria Sforza, dan dari 1479 , Dalam semua kemungkinan, terdiri daripada Cardinal Askanio Sforza (dengan itu nama panggilan Zoshen d'Askanio). Dari 1486 hingga 1494, dia menyanyikan di sebuah kapel Papal, dan pada tahun 1503 dia memasuki perkhidmatan untuk Duke Erclah i d'esta di Ferrara; Kemudian menetap di Perancis dan sehingga 1515 berkhidmat di mahkamah Louis XII; Dalam tahun-tahun kebelakangan ini, beliau adalah Canonon-Prebend di ibu negara Conde. Ia dikaitkan dengan Habsburg Courtyard dan dengan Margarita Austria, yang di Belanda. Kemuliaan Zoshen Depe, yang sudah dinikmati semasa seumur hidupnya, dianggarkan pada kekerapan yang namanya ditemui dalam edisi cetak, terutama dalam dua dekad pertama abad XVI, serta dibandingkan dengan penulis Florentine Kozimo Bartoli antara dia dan Michelangelo Buonarot.

Penulis generasi ketiga Flemadsev, dia membuka jalan ke pemahaman baru tentang teks itu, menetapkan saling ketergantungan yang rapat antara perkataan dan muzik dan mengikat kerumitan yang ketat proses konstruktif dengan carian berterusan untuk ungkapan.

Sebahagian daripada 18 MES yang terkandung dalam katalognya terdiri daripada teknik tradisional. cantus.firtis (Ave.Maris.stella,De.heila.Viroine,Missa.di.dadiD 'ung.aulire.amer.Faisant.menyesal,Gaudeam,Hercules.dux.Ferrariae,Lasol.fa.semula.mi.L 'homme.arme.sextitoni.L 'homme.arme.super.voces.musikalPange.lingua.dan lain-lain).

Ekspresi yang canggih dalam kerja Goskenesis adalah wujud dalam Mottates (kira-kira 85), yang kebanyakannya merujuk kepada tempoh yang matang, ini adalah benar mengenai sosial (kira-kira 70) esei. Antara karyanya juga harus diperhatikan Chanson bebas dari hubungan dengan bentuk yang dipanggil pepejal ( bentuk.pembetulan.) (Adieu.mes.amours,Bergerette.savoyenne.En.l 'ombre.d 'un.buiss-onnet,Ma.bouche.rit,Mille.menyesal,Petite.camusette.) dan fottol dalam gaya Itali ( El.grillo.e.buon.cantore.Scaramella.va.alla.Guerra.Masuk.te.domin.speravi.). Perhatian khusus layak mendapat esei yang indah Deplozzione. - Menyesal kematian Johannes Okhemema pada teks Molynet.

Nicolas Gommbert dan Adrien Villart

Komposer XVI abad. Generasi keempat Sekolah Flemish Nicolas Gommber (kira-kira 1500, Brozzles - 1556, Tour?) Berkhidmat di gereja swasta Maharaja Charles V, yang diiringi oleh perjalanan yang panjang di Sepanyol, Itali, Jerman dan Austria. Sejak tahun 1640, mungkin hidup dalam lawatan, kerana terdapat tradisi kanonik dari Counterpoint Flemish, seorang pelajar Depe, Gommbert mencapai karya-karyanya (10 MES, kira-kira 160 motel, 8 pita, kira-kira 60 Chanson) dari teknikal dan ekspresif tertinggi Tahap, memberikan pengaruh yang kuat terhadap komposer moden dan komposer generasi berikut. Gayanya dicirikan oleh tiruan berterusan dan penyertaan hampir malas dari semua undi. Untuk kreativiti rohani Nicolas Gommberrt, gaya yang ketat dan ringkas adalah tipikal, ia jauh lebih tinggi di peringkat daripada karya sekular komposer.

Adrian Villart (kira-kira 1490, Batrozes - 1560, Venice), yang berasal dari Flanders, berada di Itali Pevichi pertama di Ferrari di halaman Duke of Alphonse I D'Est, maka di Milan di Kapell Archbishop Ippolite II d'Esthe dan , Akhirnya, Kapellaister di Katedral Chapel St Mark (dari 1527 hingga mati). Dalam 35 tahun perkhidmatan yang tidak lengkap di Venice, amalan pedagogi telah ditambah kepada aktiviti komposernya: Buat pertama kalinya di Itali, dia mula mengajar teknologi Flemish, dikelompokkan di sekitar dirinya sebagai sekolah sebenar. Dalam bidang muzik rohani, dia menulis 9 MES dan lebih daripada 850 mount, dalam komposisi yang dia menunjukkan dirinya sebagai tuan sebenar, seorang pakar mengenai semua kaedah yang diketahui: sebagai tambahan kepada lampiran kepada tradisi Flemish ( cantus.firmus., Jaminan kanon), beliau menunjukkan minat dalam muzik sekular Itali dan kepada semua majlis rekod polifonik. Dalam Mazmurnya. Salmi.spezzati.(1550) dengan penyanyi 8-suara menyerang kesan menentang dua koir. Dari pelajar Villard, K. Rore, penggantinya di Katedral St Mark, Pengarang 5 MES, 87 Motetov, Passione.secondo.S.Giovanni., 116 Madrigalls, serta J. Tsarlino, juga Katedral Kapellasister St Mark, guru dan komposer, yang dikenali terutamanya mengenai risalah tentang keharmonian, A. Gabriel.

Orlando di Lasso.

Maklumat mengenai pendidikan muzik Orlando Di Lasso atau Rolan De Lassus (1530/32, Mons, Nenno - 1594, Monaco) tidak dipelihara. Nama-nama guru-gurunya tidak diketahui, tetapi jelas bahawa dia sudah biasa dengan pemuzik utama zamannya dan dipengaruhi oleh kreativiti mereka. Anak lelaki itu dia bernyanyi di Naib Raja Sicily F. Gonzhagi. Kemudian ternyata berada di Naples (dari 1549) dan, akhirnya, sebagai kapelasuser kapel di Katedral St John di Laterano di Rom. Selepas perjalanan ke tanah air, serta di England dan Perancis, Lasso menetap di 1557 di Munich, pertama sebagai tenor di Duke of Albert V Bavarian, dan kemudian pada 1562 - 1563. sebagai cappermaster. Mengiringi Duke dalam perjalanan di Eropah, Lasso sahaja mempelajari pengalaman muzik komposer negara-negara lain, dengan menggunakan sokongan besar-besaran.

Kreativiti yang besar meliputi hampir semua genre muzik zaman, dia terdiri 700 Mase, 58 Mesa, sedikit kurang daripada 200 madrigal, 33 Villanellians, lebih daripada 90 orang Jerman Berbohong.Kira-kira 150 orang Chanson. Lasso menggunakan keistimewaan akhbar dari saat menulis koleksi pertama motet, yang diterbitkan pada tahun 1556 dalam Insime (Antwerp); Saya buku Madrigalls pada 5 undi diterbitkan di Venice A. Gardago kembali pada tahun 1555. Dalam kerja Lasso, anda boleh mencari jejak sintesis tradisi Flemish, Itali dan Jerman. Bersama-sama dengan J. P. Palestrina Lasso - seorang tokoh, menjulang ke atas generasi beliau; Dalam bidang muzik rohani, ia memperoleh kepentingan yang sangat penting, berbanding dengan Mesia, seorang Mott, yang ditulis untuk 2 -8 undi. Dalam genre ini, Lasso berjaya menunjukkan bahawa muzik itu boleh mengeluarkan intipati bahan ekspresinya dari teks, tanpa mematuhi dia. Disempurnakan dengan cara Madrigalls, dia sekali lagi, dengan semua kehalusan seninya, menyoroti nuansa yang sedikit dari nilai deskriptif dan emosi teks. Hasil dari kemahiran ini dapat dinilai dengan mengesan profil harmonik yang canggih dari karya-karya dan kontras berirama dan keaslian dan ketidakusannya melodi.

Bahasa counterpalkual dalam beberapa aspek meramalkan gaya spektatif satu satelit, yang ditubuhkan dekad yang akan datang selepas kematiannya.

Borang Seni Vokal di Itali: Madrigal

Kehidupan muzik Itali semasa abad XV dan XVI. Disokong oleh naungan yang dijalankan oleh rumah-rumah kaya yang tercerahkan: Medici di Florence, ini di Ferrari dan Sforza dan Milan. Para peniaga seni dari kelahiran terkenal ini didorong oleh cinta dan seni yang sebenar, dan kepada artis. Cinta ini ditunjukkan dalam sokongan ekonomi, memberikan perintah, asas akademi. Kehidupan seni semasa sokongan bahan telah mendidih. Dalam suasana yang baik, zaman keemasan Madrigala datang. Secara muzik, yang berkembang pesat telah menjadi prasyarat penting untuk pembangunan poliphony vokal sekular, meninggalkan akarnya dalam tradisi tempatan, iaitu, untuk kemunculan lagu berbilang suara frottole.

Fotta.

Genre vokal asal rakyat, yang memainkan peranan penting dalam muzik Itali abad XVI., Fottol, yang dipanggil Bardzaletta atau tersandung, menyanyi sejak akhir abad XV. Biasanya ia terdiri daripada 4 undi dengan pergerakan berirama dan melodi yang mudah, dengan melodi yang mudah diingati. Frottol dilakukan secara meluas di mahkamah Isabella d'esta di Mantoua, di mana M. Kara, B. Trombonchino, M. Pesanti menyumbang kepada mekarnya. Dari sini, Fott dapat masuk ke istana generik yang lain di Itali. Dengan aduan mereka sendiri tentang kecanggihan Frottola, terdapat penting dalam erti kata bahawa teks puitis mudah digabungkan dengan bentuk mudah dan irama hidup. Dari muzik profesional, Fott telah mengambil alih rekod polyphonik, membebaskannya dari mana-mana intelektualisme: bukannya simulasi tindakan dalam felttol, melodi berdasarkan irama yang tepat, secara langsung mengukur dari teks ayat, digunakan. Keutamaan diberikan kepada irama, melodi itu jelas bertujuan untuk undi teratas, yang lebih jelas dalam pemindahan untuk suara dan lute.

Madrigal dan perkembangannya

Renaissance Madrigal berkembang sekitar 1530, dia berasal dari Maestro Flemish, yang menggunakan tindakan, dipengaruhi oleh fottin Itali berdasarkan keharmonian kord dengan dominasi suara atas. Dalam era Renaissance di Madrigan, hubungan antara perkataan dan muzik menjadi lebih rapat dan mendalam: jika dalam sampel pertama K. Festa, F. Robeto, I. Arkodelta Jangan enggan mencari harmoni komposisi autonomi Muzik, T. Villart, K. De Rore, F. de Monte, Orlando Di Lasso sudah berusaha untuk menunjukkan dalam teks Madrigalakh, yang menggunakan kromatisme untuk ini, titik balas, harmoni, Timbre.

Dalam sejarahnya, Madrigall mencapai hampir semua titik estetik, tetapi kira-kira tengah abad XVII. Menyelesaikan perkembangannya. Beberapa ciri-cirinya (contohnya, sambungan rapat antara dimensi lisan dan muzik) beralih kepada bentuk lain, khususnya ke Chamber Canta.

Apogia Madrigala.: Luca Marrenzio.

Luca Marreinsio (kira-kira 1553, Cokalo, berhampiran Brescia - 1599, Rome) tinggal terutamanya di Rom, pertama adalah dalam perkhidmatan Kardinal Christophore Madruzzo (1572 - 1578), dan kemudian dari Luigi D'Este (1578 - 1585). Pada tahun 1589, mengambil bahagian dalam majlis perkahwinan Ferdinand de Medici dengan Christina di Lorena di Florence. Pada kesempatan ini, dia terdiri dua perancang: Lagara.fra.Muse.e.Pieridi. dan Ii.cOMBATTIMENTO.poetico.di.Appolo.. Pada tahun yang sama, Marrenzio kembali ke Rom dan memasuki perkhidmatan itu kepada Cardinal Montalto. Pada tahun 1595, beliau beralih kepada subordinasi Raja Poland Sigismund III, bagaimanapun, ia tidak dipelihara dengan maklumat yang boleh dipercayai mengenai penginapannya di negara ini. Pada tahun 1598, Marreinsio berada di Venice, dan setahun kemudian - di Rom (mungkin sebagai kapel papal pemuzik), di mana dia meninggal dunia. Kemuliaan Marinsio terutamanya dihubungkan dengan tulisan-tulisan Madrigalls. Penggunaan yang mahir dari rakaman yang paling kompleks di padang XVI. menyumbang untuk mencari cara baru ungkapan artistik. Marins. Dihantar oleh 419 Madrigals (yang membuat buku lagu pada 4 undi, 9 buku mengenai 5 undi, 6 buku mengenai 6 undi dan jumlah lain); Di samping itu, beliau mempunyai vila-vila yang indah (118 dalam 5 buku), yang, seperti Madrigals, dikenali secara luas di luar Itali. Kreativiti yang tidak ketara dan rohani Lukas Marenzio (77 motel yang diketahui).

Expressionism and Declamation: Jesualdo

Carlo Jazkaldo, Prince Venosa (kira-kira 1560 - 1613, Naples) dan anak saudara Charles Barromeo dari ibu, terutama terima kasih kepada dua peristiwa: pembunuhan isteri muda Mary D'Aavalos, terperangkap dengan kekasihnya Fabrizio Karaf pada tahun 1590 , dan perkahwinan kedua kepada Elonor d'Esta Nolenitsa Duke Alfonso II, pada tahun 1594 dia telah berpindah ke Ferrara, Jesualko memasuki satu-satunya kebangkitan akademi muzik, di mana TS Tasso, J. V. Guarini, D. Ludzasca dan J. De Wert. Komposer dengan imaginasi aneh dan kreativiti murni individu, Jesualdo menulis 6 Buku Madrigalls pada 5 undi (4 pertama diterbitkan di Ferrari antara 1594 dan 1596., 2 Terakhir - di Jesualdo berhampiran Naples pada tahun 1611), 2 buku dari Motes dan buku daripada responden; Beberapa 6-suara Madrigals diterbitkan pada tahun 1626 M. Ephram; Chancenets 5-suara dari Jesualdo Nenna dihidupkan dalam buku ke-8 Madrigals Ottavo.Libro.di.Madrigali. (1628). Madrigals Jesualdo dicirikan oleh orientasi ekspresionis, yang menunjukkan dirinya dalam penggantian yang berterusan dari bayang-bayang dan cahaya, dalam kromatas yang tidak dijangka, dalam peralihan tajam percakapan; Kegunaan dalam karya-karyanya diwakili oleh gaya vokal yang digariskan, yang jauh dari pengalaman K. Monteverdi kontemporinya.

Muzik Vokal Rohani: Palestrina

Giovanni Pierre Luigi Palestrina (1525 -1594, Rom) Sang di Basilika Santa Maria Maggiore di Rom. Pada tahun 1544, beliau berkhidmat sebagai seorang organis dan seorang guru menyanyi di Katedral Palestrina. Dari 1551 dia bekerja di Rom sebagai guru Kapella Pope Julia III, kemudian (1555) menjadi penyanyi Kapel Sistine, tetapi pada tahun yang sama dia terpaksa meninggalkan jawatan kerana perkahwinan. Dari 1555 hingga 1560, beliau mengetuai Kapella Basilika San John di Latero dan dari 1561 hingga 1566. Di Santa Maria Maggiore. Beliau berkhidmat beberapa tempoh di Kolej Rom dan di Cardinal Ippolit D'Esta, pada tahun 1571 dia kembali kepada kepimpinan Capella Santa Maria Maggiore, di mana dia masih mati. Pada tahun-tahun terakhir kehidupan Giovanni Pelestrin, dia terlibat dalam penerbitan tulisan-tulisannya (kes ini meneruskan anaknya), sehingga kemuliaan-Nya melampaui sempadan dan tersebar di seluruh Eropah. Warisan rohani Palestrina merangkumi 104 jisim (pengarang yang lain yang ditetapkan olehnya adalah keraguan), lebih dari 300 kaki dan banyak lagu liturgi (79 pujian, 35 orang yang menangis, Lithuania, 68 orang, Stabat.Mater.), warisan yang sangat sekular: 140 madrigal. Pada tahun 1581 dan 1594. Menerbitkan dua buku tentang madrigal rohani, yang kedua dipanggil Priego.alla.Vergine..

Palestrina Style.

Bahagian atas kreativiti Palestrina adalah massa, di mana kaedah yang paling biasa dari polyphony Flemish jarang digunakan, entah bagaimana: cantus.firmus. dan Canon; Selalunya lebih kerap, tiruan resort komposer dan paraphrase. Sempurna memiliki bahasa polifonik zaman kegemilangannya yang penuh pada abad XVI, Palestrina mencipta seni polifonik yang sangat maju, berdasarkan asas harmonik.

Surat sekolah Franco Flemish diasah untuk kesempurnaan: lebih banyak perhatian dibayar kepada kualiti dan perkadaran suara dan bunyi kompleks vokal, kesederhanaan, kebersihan dan bulge dari pengisytiharan teks dicapai. Ke arah ini, Palestrina bekerja sejak tahun 1560, ketika dia diamanahkan untuk membawa muzik rohani sejajar dengan keputusan Katedral yang dicuba (acara itu adalah legenda, ketika jisim terkenal Pope Marcello memaksa para peserta majlis yang ingin meninggalkan pelbagai kejohanan , untuk memelihara bentuk muzik rohani).

Gaya Palestrina, yang dipanggil, Antik '', adalah model untuk mengkaji tindakan, dan pada abad XIX. Dianggap oleh gerakan Zecilian sebagai, muzik rohani '' tahap kesempurnaan tertinggi.

Gaya yang diukur klasik juga wujud dalam tenggelam komposer (Madrigala), dan dalam hal ini Palestrina mengelakkan pencarian yang mendalam yang mendalam, yang mana komposer lain dari chinkvice terlambat.

Muzik Venetian: A. dan J. Gabriel

Menurut dokumen-dokumen itu, kehidupan muzik di Venice tertumpu di gereja Katedral St Mark, di mana organis bekerja dan di mana sebuah sekolah nyanyian diciptakan. Dalam muzik, Venice dalam abad XVI. adalah pusat utama yang menarik perhatian para pemuzik terkemuka; Terdapat juga penerbit muzik yang kukuh (Petrucci, Scotto, Jordano). Dari para pemuzik dalam tempoh ini di Venice bekerja Flemish A. Villart, yang mengetuai Capella kuning dari 1527 hingga 1562, dan F. Robeto. Dari pemuzik yang paling terkenal harus dipanggil Venetian Gabriel.

Andrea Gabrieli.

Maklumat mengenai peringkat pertama jalan hidup Andrea Gabriel, seorang organis dan komposer (kira-kira 1510/33 - 1585, Venice), bertentangan. Secara kebetulan, dia seorang pelajar A. Villarta. Pada tahun 1564, Gabriel diwarisi oleh kedudukan organis kedua dari Annibibal, di Katedral St Mark, dan pada tahun 1585 ia menjadi organis utama selepas K. Merulo, setelah menerima jawatan yang dia bersikap sopan untuk memberinya anak saudara lelaki daripada Giovanni, yang memenangi pertandingan itu. Gabriel menggunakan kemuliaan besar di Eropah kerana bon antarabangsanya dan menyebarkan tulisan (6 MES, lebih 130 motel, kira-kira 170 madrigal, kira-kira 70 tulisan instrumental, dll.). Di samping banyak ahli pemuzik bahasa Itali, Jerman dan Belanda datang ke Venice ke Gabriel, contohnya HD. Hasler dan G. Aikhinger; J. P. Swelink juga telah belajar daripadanya.

Andrea Gabrieli dianggap sebagai pencipta Venetian banyak sekolah choral, yang dinamakan demikian kerana penggunaan yang meluas dari Gabriel yang diproses, yang sering memperkenalkan suara dan alat (tunduk dan tembaga tembaga), dipertingkatkan dengan iringan dua organ. Banyak komposisi choral yang besar (dengan paduan suara yang dipisahkan) terkandung dalam koleksi yang diterbitkan pada tahun 1587 ( Concerti. - konsert). Ia mengandungi karya yang sama oleh anak saudaranya Giovanni. Dalam banyak gaya choral Gabriel, terdapat juga esei sekular kecil, termasuk yang terkenal Battagliaper.sonard 'iestrum.enti.a.fiato. (, Pertempuran untuk pelaksanaan pada instrumen angin ''; rawatan post-mortem yang dipelihara 1587, transkripsi Laguerre. -, perang "- K. Zhanken).

Berbanding dengan muzik instrumental vokal dalam karya Gabriel, ia kurang penting, tetapi teknik Virtuoso berfungsi sebagai salah satu prasyarat untuk pembangunan gaya komposer J. Frescobaldi. A. Gabrieli menerbitkan sebuah buku 6-suara Mess (1572), 2 buku Mount untuk 5 undi (1565) dan pada 4 undi (1576), David Mazmur untuk 6 undi (1583), 7 Buku 3 - 6-High Madrigalls , 6 menulis buku untuk alat papan kekunci dan banyak kerja vokal kandungan sekular dan rohani. Padaiban menerbitkan koleksi koir untuk tragedi Sofokla, Edip-Tsar, yang diterjemahkan oleh O. Justiniani dan dipenuhi pada kesempatan pembukaan Teater Olympico, yang dibina di bandar Vicenza oleh A. Palladio Project (1585).

Giovanni Gabrieli.

Giovanni Gabriel (kira-kira 1554/57 - 1612, Venice) - Nephew dan pelajar Andrea, selepas itu dia menjadi pada tahun 1586 oleh organis pertama di Katedral St Mark, mengekalkan kedudukan itu kepada kematian yang sangat. Sedikit yang diketahui tentang hidupnya: terdapat bukti, di masa lain yang kontroversial, yang dari 1575 hingga 1579 dia boleh berkhidmat di Monaco. Pada satu masa, Gabriel dikenali di seluruh Eropah dan, sebagai bapa saudara, mengambil pemuzik yang kemudiannya dikenali di sekolahnya (di antara mereka Shyutz). Di samping itu, bersentuhan dengan G.L. Walau bagaimanapun, Hasler tidak biasa dengan M. Pretorius, yang secara meluas mengiklankan muzik Gabriel dalam risalahnya Syntagwa.musica..

Giovanni mengikuti arahan yang dibangunkan oleh bapa saudara, tetapi ternyata menjadi inovator yang besar, terutama dalam bidang muzik instrumental. Dalam cancrests dan sonarnya (memainkan instrumental), jumlah undi bervariasi dari 6 hingga 20 (dia mula-mula menggunakan perkataan sonata): Sonata Sonata Pian E Forte yang paling terkenal (1597) adalah yang paling terkenal. Kurang kepentingan mempunyai tulisan untuk organ. Dalam writings sekular dan rohani, beliau menunjukkan teknik yang lebih tinggi berbanding dengan teknik Andrea. Dua muncul dari koleksi dalam cetakan Sacrae.Symphoniae. (1597 dan 1625). Koleksi ini mengandungi 44 dan 32 esei, masing-masing.

Muzik kebangsaan Jerman

Muzik Jerman kebangsaan mencirikan fenomena seperti yang dibohongi (lagu). Dalam kerja monodiar Minesinger, melodi rakyat watak rohani digunakan, yang boleh diubah menjadi Lutheran Choral. Ia adalah untuk sejarah berbohong, yang telah melepasi tahap pembangunan yang berbeza, merujuk kepada pembentukan dalam abad XV - XVI. Sekolah puitis Music-Poetic Masonzang (menyanyi Masters), yang muncul pada akhir abad XIV. Aktiviti Masonzinger yang berlaku di syarikat-syarikat bandar dikawal oleh upacara yang dikembangkan dengan teliti dan kompleks standard keras (termasuk dalam koleksi, yang dipanggil, Tabula "'), mewujudkan sedikit butiran mengenai komposisi teks dan melodi. Salah seorang Masonzinger yang paling terkenal, sebahagian besarnya disebabkan oleh Opera Richard Wagner, Nuremberg Masonzingers ', adalah Hans Sax (1494 - 1576), menulis lebih daripada 6,000 lagu.

Pada separuh kedua abad XV. Terdapat genre lagu Jerman Polyphonic ( Berbohong.) yang telah mencapai kejayaan yang lengkap dalam ginkvice (juga disebabkan oleh pengedaran melalui percetakan). Borang ini diilhamkan untuk banyak perkembangan polifonik Lutheran Choral. Polyphonists pertama Jerman di abad XV. Adam von Fulda dan Heinrich Finky, yang berlangsung untuk sampel Flemish, biasanya dipanggil Adam. Aktiviti-aktiviti Austria G. Hofheiner, organis Maximilian I dan Flemadza G. Izaca. Angka yang sama T. Stlzer dan terutama Swiss L. Zenfl dibezakan.

Reformasi Protestan abad XVI. Mengenal pasti kemunculan Choralov dan meletakkan asas untuk pembangunan bentuk pemuzik liturgi murni, yang tinggal di bawah pengaruh sekolah Flemish.

Pada separuh kedua abad ini, tokoh dominan adalah Orlando Di Lasso, yang berkhidmat di bawah Munich Yard: pengaruh sekolah Itali itu meningkat melalui itu, beliau mempromosikan penyebaran Madrigala, Kanzonetta, Willlells dan gaya polifonik. Dalam tempoh ini, para pemuzik seperti Leonghard Lehner dan Hans Leo Hasler adalah yang paling penting. Yang terakhir, seperti kemudian dan A. Pretorius, I. Eccard, Jacob Handel, dan lain-lain, membuat sumbangan yang ketara kepada penyebaran gaya polychoral Venetian di Jerman.

Muzik Kebangsaan Perancis

Perubahan dalam bidang muzik Perancis era itu sukar untuk dipisahkan dari profil Burgundian-Franco Flamian School. Walau bagaimanapun, adalah mustahil untuk tidak memberi perhatian kepada kebaruan Chanson Perancis, penciptaan yang dikaitkan dengan J. Bensua; Kami bercakap tentang genre baru CHANCEAL polifonik, yang dipengaruhi oleh pencapaian F. Landini di Itali dan D. Danstayblla di England. Dalam abad XVI Dalam kecemerlangan Mahkamah Perancis, Spermizi dan Clemet Zheken, wakil-wakil terbesar genre baru yang digunakan oleh Universal Fame (termasuk disebabkan oleh penyebaran biasa). Chancell telah keluar dari pertandingan, dan hanya pada akhir XVI. Ia dibekalkan oleh Waterville (dari mana dia berlaku udara.de.cour. - Gaya Prim), Bergerrette, Chansonet.

Dengan pengedaran tarian baru, repertoar kerja yang luas untuk lute, yang dibuat mengikut skema muncul udara.de.cour.; Pada masa yang sama, muzik organ (J. Titleouse dan bandar Kostele), yang menimbulkan perkembangan alat papan kekunci. Akhirnya, anda perlu menyebutkan penampilan balet yang datang ke Perancis dengan Balet.kejam.de.laRoyne.Dilaksanakan di 1581 impresario, koreografer dan komposer asal Itali dari V. Baltadzarini.

Bahasa Inggeris Muzik Kebangsaan

Polyphony yang besar berkembang dalam abad XII - XIII. Dia dinobatkan dengan kebangkitan John Dunstaybla (kira-kira 1380 - 1453, London), yang bekerja terutamanya di luar negara dan mempunyai pengaruh yang ketara terhadap wakil-wakil sekolah Franco-Flamian. Dufai dan J. Bershua. Dunstayblo berjaya menggabungkan huruf Perancis Ars.nova. (Dengan counterpoint dan irama kompleks) dengan tradisi bahasa Inggeris. Kira-kira 60 karya datang dari ciptaannya kepada kami, termasuk 2 jisim, 14 bahagian jisim, 28 angkatan dan 5 chanson (yang sangat terkenal O.Rosa.bella). Pengikutnya yang baik adalah L. Power dan R. Ferfax, pengarang muzik rohani (dalam teks Latin) dan bermain sekular ringan (ke dalam ujian bahasa Inggeris atau Perancis), serta J. Taverner. Pengarang seperti itu, seperti K. Tai, Tallis dan R. White, berjaya memisahkan bentuk muzik yang tipikal untuk liturgi British yang diperbaharui (antext, perkhidmatan perkhidmatan, dll.).

Dengan tumpuan Ratu Elizabeth saya datang ke zaman kegemilangan muzik Inggeris. Yang terakhir ini digalakkan di mahkamah wanita yang paling terkenal yang menyokong hubungan dengan sekolah-sekolah Itali moden, mengenai prinsip-prinsip yang kebanyakan Madrigalls Inggeris dicipta: Pertama ayre. (Aria, sama dengan Kanzonette dan Fottol Itali), kemudian ketch (Kachche) dan Gly ( glee. - Lagu).

William berdarah.

William berdarah (1543 - 1623, Stondon Massey, Essex) adalah seorang organis di Katedral Lincoln dan di Chapel Diraja Elizabeth I Inggeris. Pada tahun 1575, bersama-sama dengan Tallis, dia mencapai monopoli di Monopoly di England selama tempoh 21 tahun. William berd, tidak diragukan lagi, komposer bahasa Inggeris terbesar memulakan abad XVII., TROTE dalam gaya, yang paling dekat dengan tradisi Flemish daripada bahasa Itali. Pada tahun 1575, 1589 dan 1591. Berderak melancarkan 3 buku Bayar.Sackrae.(Sacred Chants). Buku pertama hanya mengandungi tulisan-tulisan Tallisa. Kemudian pada tahun 1605 dan 1607. Dua buku muncul Grupualia; Tiga jisim, mungkin berkaitan dengan tempoh 1592 - 1595, yang dicirikan oleh kain polyphonik yang kaya dan padat.

Gaya Berdy dibezakan oleh surat yang fleksibel dan diserap oleh keinginan untuk kekangan dan keringkasan. Komitmen, Gereja Katolik tidak mengganggu pemberontak untuk menyusun muzik untuk kultus Anglikan: ia miliknya Great.Perkhidmatan.(Perkhidmatan yang besar adalah salah satu karya terbaik), PendekPerkhidmatan. (Perkhidmatan kecil), sedozen anem yang mantap dan banyak lagi. Dari muzik sekular, anda boleh memanggil jilid, Mazmur, Sonnets dan Lagu '' ( Msalmes.sonet,e.Lagu.daripada.Kesedihandan.pietie 1589), tulisan-tulisan mengenai topik agama dan moral yang tidak dimaksudkan untuk kegunaan liturgi juga Lagu.daripada.Sundrie.sifat.(1589, lagu yang berbeza). Kepentingan yang besar juga merupakan warisan instrumental, termasuk fantasi, tarian, variasi, serpihan deskriptif untuk vyrhysel, beberapa tempat untuk konsort dan viola.

Muzik kebangsaan Sepanyol

Sijil muzik polifonik XIII - abad XIV. terkandung dalam Codice.de.las.Huelgas.Walau bagaimanapun, tulisan-tulisan separuh pertama abad XV. Tiada apa-apa yang diketahui. Walau bagaimanapun, pada separuh kedua abad XV, muzik telah dibangunkan dengan cepat: karya-karya rohani Wiliansikos dan romantik Juan de Essin (1468 - 1529) muncul (1468 - 1529), serta tulisan-tulisan komposer lain, Siapa yang terkenal, Palace Collection '' (, Tannero de Palacio '') dan lain-lain koleksi. Personaliti terbesar dari Ginkozento Cristobal de Morales (kira-kira 1500 - 1553), Thomas Louis de Victoria dan Francisco Gerrero (1528 - 1599) - salah seorang wakil terbaik muzik vokal rohani di Eropah XVI. Muzik untuk Antonio de Kabestov (1528 - 1566) juga sangat penting (1528 - 1566). Oryam Milan (kira-kira 1500 - selepas 1561), Louis de Narzaes (kira-kira 1500 - selepas 1555), Alonso de Madarra (kira-kira 1508 - 1580) dan banyak lagi yang menulis (kira-kira 1500).

Thomas Louis de Victoria

Thomas Louis de Victoria (kira-kira 1550, Avila - 1611, Madrid) dihantar ke Rom untuk belajar di kolej-Jermaino. Gurunya mungkin J. P. Palestrina. Pada tahun 1569, Thomas Louis de Victoria dilantik oleh organis dan Naib Dropster di Capella Santa Maria di Montserrato. Dari 1573 hingga 1578, beliau berkhidmat di Seminari Rom dan di Gereja St. Apollinaria. Pada tahun 1575 dia menerima San rohani. Pada tahun 1579 dia memasuki perkhidmatan itu untuk Empress Mary. Dari 1596 hingga 1607, Louis de Victoria adalah penantang Madrid Modaly Deskalsas Reales. Penulis tulisan rohani secara eksklusif, Thomas Louis de Victoria menulis 20 MES, 50 Motes. Komposer terbaik yang dipertimbangkan Officium.Hebdomadae.Sanotae. Untuk 4 - 8 undi (1585) dan Officium.Defunctorum. Untuk 6 undi (1605). Gaya yang serius yang serius, dia berhubung dengan ekspresi emosi yang besar, yang menjadikannya abad ke-20 yang hebat XVI abad.

Kebangkitan semula (Franz. Renaissance.) - Epoch dalam kehidupan budaya dan sejarah Eropah Barat abad XV-XVI. (Di Itali - abad XIV-XVI). Ini adalah tempoh kejadian dan perkembangan hubungan kapitalis, pendidikan negara, bahasa, budaya negara. Kebangkitan - masa penemuan geografi yang hebat, penemuan tipografi, pembangunan sains.

Era itu menerima namanya berkaitan dengannya dilahirkan semulaminat K. antichny. Seni yang telah menjadi ideal untuk tokoh-tokoh budaya pada masa itu. Komposer dan ahli teori muzik - J. Tinktoris, J. Tsarlino, dan lain-lain - mengkaji risalah muzik kuno Yunani; Dalam karya muzik Zosken Dele, yang dibandingkan dengan Michelangelo, "peningkatan kesempurnaan orang Yunani kuno"; Muncul pada akhir abad ke-16 ke-16. Opera difokuskan pada pola drama kuno.

Asas seni kebangkitan adalah humanisme(dari LAT. "Humanus" - Manusia, pencinta manusia) - pandangan yang menyatakan seseorang yang mempunyai nilai tertinggi, mempertahankan hak seseorang untuk penilaiannya sendiri tentang fenomena realiti, mengemukakan permintaan untuk pengetahuan saintifik dan pantulan yang mencukupi Dalam seni fenomena realiti. Ahli-ahli ideologi Renaissance menentang teologi Zaman Pertengahan yang ideal baru seseorang yang disemai dengan perasaan dan minat duniawi. Pada masa yang sama, ciri-ciri era sebelumnya telah diadakan dalam seni kebangkitan (yang sekular pada dasarnya, ia menggunakan imej seni abad pertengahan).

Renaissance juga merupakan masa pergerakan agama anti-recompory dan anti-pemangkin yang luas (Hussisme di Republik Czech, Luthermanisme di Jerman, Calvinisme di Perancis). Semua pergerakan agama ini digabungkan dengan konsep umum " protestan"(atau" reformasi»).

Dalam era kebangkitan semula seni (termasuk muzik), menikmati pihak berkuasa awam yang besar dan sangat meluas. Perkembangan yang tidak pernah berlaku sebelum ini sedang mengalami seni visual (L. Da Vinci, Raphael, Michelangelo, Jan Van Eyk, P. Bruegel, dan lain-lain), Senibina (F. Bruneglleski, A. Palladio), Sastera (Dante, F. Petrarka, F. Rabl , M. Hewan, W. Shakespeare), muzik.

Ciri ciri budaya muzik kebangkitan:

pembangunan Stormy. cahaya. Muzik (genre sekular yang meluas: Madrigalov, Fottol, Villanell, Perancis "Chanson", lagu-lagu berbilang bahasa Inggeris dan Jerman), dia di budaya muzik gereja lama, yang wujud selari dengan sekular;

realistik Trend dalam muzik: plot baru, imej yang sepadan dengan pandangan manusia dan, sebagai hasilnya, cara baru ekspresi muzik;

nasional melodi Sebagai permulaan kerja muzik yang terkemuka. Lagu rakyat digunakan sebagai firma cantus (utama, melodi yang berterusan dalam tempoh kerja pelbagai suara) dan dalam muzik gudang polifonik (termasuk gereja). Melodi menjadi lebih lancar, fleksibel, nyanyian, kerana Beliau adalah orang yang berpengalaman mengenai pengalaman manusia;

perkembangan yang kuat polyphonic. Muzik, termasuk. dan " gaya yang ketat"(Sebaliknya -" classic Vocal Polyphony.", Kerana berorientasikan kepada prestasi choral vokal). Gaya yang ketat menyiratkan wajib berikut peraturan yang ditetapkan (standard gaya yang ketat telah dirumuskan oleh Itali J. Tsarlino). Sarjana gaya yang ketat yang dimiliki oleh teknik counterpoint, tiruan dan Canon. Surat ketat bergantung kepada sistem fret gereja diatonik. Selaras dengan, konsonon menguasai, penggunaan kekecohan adalah terhad oleh peraturan khas. Sistem pengangkutan dan jam yang besar dan perlombongan dilipat. Asas tematik adalah choral grigorian, tetapi melodi sekular digunakan. Konsep gaya yang ketat tidak meliputi semua muzik polifonik Renaissance. Ia memberi tumpuan terutamanya kepada Palestrina Polyphenia dan O. Lasso;

pembentukan jenis pemuzik baru - profesionalmenerima pendidikan muzik khas yang komprehensif. Buat pertama kalinya, konsep "komposer" muncul;

pembentukan Sekolah Muzik Kebangsaan (Bahasa Inggeris, Belanda, Itali, Jerman, dll.);

penampilan penghibur pertama sedikit, biola, biola, clavesis, organ;lantai amatur amate;

penampilan biasa.

Genre renaissance muzik utama

Teori muzik terbesar Renaissance:

Johann Tinktoris (1446 - 1511),

Garean (1488 - 1563),

Josefffo Tsarlino (1517 - 1590).

Hantar kerja baik anda dalam pangkalan pengetahuan adalah mudah. Gunakan borang di bawah

Pelajar, pelajar siswazah, saintis muda yang menggunakan pangkalan pengetahuan dalam pengajian dan kerja mereka akan sangat berterima kasih kepada anda.

Dihantar di http://www.allbest.ru/

Pengenalan

1.2 Perancis.

1.3 Itali

1.3.2 Sekolah Venetian.

1.4 England

1.5 Jerman

1.6 Sepanyol

2. estetika muzik.

2.4 Mesetzinger dan seni mereka

Kesimpulannya

Bibliografi

Pengenalan

Renaissance, atau Renaissance (fr. Renaissance), - titik perubahan dalam sejarah budaya orang-orang Eropah. Menentukan pandangan dunia terhadap Renaissance, yang bertentangan dengan theocentrism zaman pertengahan (konsep falsafah, yang berdasarkan pemahaman Tuhan, sebagai mutlak, sempurna, yang tertinggi, sumber kehidupan dan apa-apa yang baik) dan pertapaan, menjadi humanisme ( dari LAT. Humanus - "manusia", "berperikemanusiaan"). Nilai individu orang manusia dicalonkan untuk sebelum ini, kepentingan dalam kesedaran dunia sekitar dan refleksi realistik realiti meningkat. Yang ideal seorang lelaki yang harmoni manusia sedang mencari kunikan kuno, dan seni kuno dan seni Rom yang berkhidmat sebagai model untuk kreativiti artistik. Keinginan untuk "menghidupkan semula" budaya kuno dan memberikan nama era ini, tempoh antara zaman pertengahan dan masa baru (dari tengah abad XVII hingga sekarang).

Separuh pertama abad XV dicirikan sebagai permulaan kebangkitan dalam muzik. Pada masa ini, Renaissance ideal harmoni dan kecantikan, norma-norma yang dipanggil gaya ketat terbentuk. Tidak seperti jenis seni lain, cita-cita utama dan kriteria muzik kebangkitan bukanlah cita-cita kuno, sebagai rekod muzik dari Greece kuno dan Rom kuno oleh abad XIII-XVI. belum lagi diuraikan dan dianalisis. Oleh itu, selalunya asas-asas karya muzik zaman ini adalah puitis, karya sastera zaman dahulu. Jadi, sebagai contoh, pada akhir abad XVI. Opera berfungsi menyimpulkan kanqu. Dalam muzik, seperti dalam jenis seni lain, trend ke arah imej kepelbagaian dunia semakin meningkat, dan idea kepelbagaian digabungkan dengan keinginan untuk keharmonian dan perkadaran semua elemen keseluruhan. Terdapat pemikiran semula status sosial muzik - penonton demokrasi muncul, muzik amatur digunakan secara meluas - pelaksanaan drama bukan sahaja menjadi komposer, tetapi juga esei peribadi. Oleh itu, ia adalah dalam era kelahiran semula bahawa prasyarat untuk zaman kegemilangan kreativiti muzik sekular rumah dan profesional, yang memakai sifat pengakuan kehidupan, kegembiraan kehidupan, humanisme dan imej yang cerah.

Pada masa yang sama, terdapat perubahan dalam surat muzik: Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile datang untuk menggantikan blok bercetak kayu yang berat. Kerja-kerja muzik yang diterbitkan dengan cepat dibeli, semakin ramai orang mula menyertai muzik.

Kerja-kerja muzik dalam tempoh ini dibezakan oleh bahagian besar, lagu, yang wujud dalam muzik rakyat; Beberapa lagu tertentu ditulis di orang asli, dan bukan dalam bahasa Latin.

Ciri-ciri utama muzik adalah melodiousness dan irama tertentu, yang berbeza lebih fleksibiliti, ekspresi dan bukannya di era Zaman Pertengahan. Kemunculan polyphony dijelaskan terutamanya oleh fakta bahawa pemuzik, komposer, pelaku, penyanyi itu mempunyai kebebasan muzik muzik, menyatakan jiwa mereka dalam lagu-lagu, sikap emosi, hak untuk menafsirkan, mencipta variasi mereka sesuai dengan perasaan dan keadaan dalaman.

Penting dalam era ini mempunyai peruntukan dan kelulusan LADA utama (lebih ringan, gembira, dipanggil berbanding dengan kanak-kanak kecil, sedih, sedih, sedih), terutamanya dalam abad XV-XVI.

Pembangunan khas telah menerima lagu di bawah iringan lute atau berbilang suara yang boleh dieksekusi.

Dalam era Renaissance, pembangunan muzik instrumental telah dibangunkan. Sering menggabungkan pelbagai alat dalam satu topik. Pada masa yang sama, bentuk tarian dan melodi dipelihara dan bertambah baik, yang bersatu dalam suite. Kerja-kerja instrumental pertama yang menanggung watak bebas, variasi, preludes, fantasi muncul.

Selain seni bina, arca, lukisan, seni muzik Renaissance dibezakan oleh watak sekular, dan kepada abad XIV-XVI. Merujuk pembentukan sekolah muzik negara.

1. Budaya muzik Renaissance

Budaya seni Renaissance adalah permulaan peribadi dengan sokongan untuk sains. Kemahiran yang luar biasa terhadap polyphonists abad XV-XVI, teknik Virtuoso mereka telah bersama dengan seni tarian isi rumah yang cerah, kecanggihan genre sekular. Ekspresi yang semakin meningkat dalam kerja-kerja diperoleh oleh drama lirik. Di samping itu, mereka lebih cerah daripada keperibadian penulis, keperibadian kreatif artis (ini adalah ciri bukan sahaja untuk seni muzik), yang membolehkan kita bercakap tentang kemanusiaan sebagai prinsip utama seni Renaissance. Pada masa yang sama, muzik gereja, yang diwakili oleh genre yang besar, sebagai jisim dan motet, terus menjadi garis "Gothic" dalam seni kelahiran semula, yang diarahkan, pertama sekali, untuk mencipta semula Canon yang sudah ada dan melalui itu untuk memuliakan ilahi.

Dengan abad XV, yang dipanggil "huruf ketat" poliphony, peraturan (norma undi, pembentukan, dll.) Dicatatkan dalam risalah teori pada masa itu dan merupakan undang-undang yang tidak berubah untuk mewujudkan muzik gereja. Komposer menyusun jawatan mereka menggunakan melodi yang dipinjam sebagai Thatmatisme Utama (Choral Gregorian dan sumber kanonik lain, serta muzik isi rumah orang) - yang disebut firmus cantus, sambil memberi kepentingan besar kepada teknik huruf polifonik, kompleks, kadang-kadang canggih yang canggih. Pada masa yang sama, terdapat proses pengemaskinian dan mengatasi norma yang mantap, berkaitan dengan mana genre sekular secara beransur-ansur semakin penting.

Oleh itu, kerana anda dapat melihat bahawa tempoh Renaissance adalah tempoh yang sukar dalam sejarah perkembangan seni muzik, oleh itu nampaknya munasabah untuk mempertimbangkannya dengan lebih terperinci, sambil memberi perhatian kepada individu dan negara masing-masing.

1.1 Belanda Sekolah Polyphonic

Belanda - rantau bersejarah di barat laut Eropah (wilayah mereka meliputi Northeast Perancis semasa, Belanda barat daya, Belgium, Luxembourg). Kepada abad XV Belanda mencapai tahap ekonomi dan budaya yang tinggi dan menjadi negara Eropah yang makmur dengan hubungan perdagangan yang lebih luas. Keamatan pembangunan ekonomi negara disebabkan oleh kebiasaan sains, budaya, seni di Belanda. Bersama dengan pencapaian cemerlang lukisan, muzik telah mencapai kejayaan yang luar biasa. Kreatif komposer profesional di Belanda berkembang dengan dekat dengan cerita rakyat, yang mempunyai tradisi yang lama, kaya. Di sinilah Sekolah Polyphonic Belanda terbentuk - salah satu fenomena terbesar muzik kebangkitan. Asal-usul Polyphony Belanda boleh didapati dalam sensyen Bahasa Inggeris, Perancis, Jerman dan Itali. Pada masa yang sama, Belanda merumuskan pengalaman banyak sekolah kebangsaan dan mencipta gaya polifonik vokal-choral yang asli, yang menjadi tahap penting dalam pembangunan surat yang ketat. Ia juga mencipta tiruan - pengulangan melodi dalam beberapa undi secara langsung selepas suara lain. (Kemudian, pada masa Bach, tiruan akan menjadi asas kepada asas bentuk tertinggi polyphony.) Belanda yang sama menggunakan tiruan yang sama dalam kanon 15-16 abad. Dalam seni mewujudkan kanun tersebut, Virtuosos Belanda menunjukkan banyak kepintaran dan fiksyen teknikal. Komposer yang ditulis dalam nota: "Kriki tanpa berhenti." Ini bermakna bahawa permainan boleh dilakukan dengan melangkau semua jeda. "Hidupkan malam malam" - penghibur harus meneka bahawa nota hitam boleh dibaca sebagai putih dan sebaliknya. Bermain akan terdengar baik dalam rekod biasa, dan dalam transformasi. Komposer Okhem terdiri 36-Voice Canon - pencakar langit muzik dari empat kanon berambut sembilan.

Seorang wakil yang cemerlang dan salah satu rhodeschalters dari Sekolah Belanda - Panduan Dufay (1400-1474) (Dufay) (kira-kira 1400 - 11/27/1474), Franco Flemish Composer. Ia adalah orang yang meletakkan asas tradisi polifonik di muzik Belanda (kira-kira 1400 - 1474). Guillaume Dufai dilahirkan di bandar Cambra di Flanders (wilayah di selatan Belanda) dan sudah bernyanyi dalam koir gereja dari tahun-tahun kecil. Secara selari, pemuzik masa depan mengambil pelajaran komposisi peribadi. Di zaman muda Dufai pergi ke Itali, di mana dia menulis esei pertama - ballad dan motes. Dalam 1428-1437 Beliau berkhidmat sebagai penyanyi di sebuah kapel Papal di Rom; Pada tahun yang sama, ia mengembara di Itali dan Perancis. Pada tahun 1437, komposer menerima San Spiritual. Di halaman Duke of Savoy (1437-1439), dia menyusun muzik untuk upacara dan cuti yang penuh. Dufai menikmati penghormatan yang besar untuk orang-orang yang mulia - di kalangan pengagumnya, sebagai contoh, Cheta Medici (penguasa bandar Itali Florence). Dari 1445 Kanonik dan ketua aktiviti muzik Katedral di Cambra. Sarjana rohani (3-, 4-suara, bergerak), serta sekular

(3-, 4-suara Perancis Chanson, lagu Itali, Ballads, Rondo) yang berkaitan dengan budaya polyphony dan humanistik yang popular. Seni Dufai, yang menyerap pencapaian seni muzik Eropah, mempunyai pengaruh yang besar terhadap perkembangan lanjut muzik polifonik Eropah. Terdapat juga pembaharu dari surat muzik (Dufai yang dikaitkan dengan pengenalan nota dengan kepala putih). Kerja yang dikumpulkan lengkap Dufai yang diterbitkan di Rom (6 TT., 1951-66). Dufai pertama di kalangan komposer mula menyusun jisim sebagai komposisi muzik keseluruhan. Untuk membuat muzik gereja, bakat yang luar biasa diperlukan: kemahiran dengan spesifik, bermakna untuk menyatakan konsep yang terganggu, tidak ketara. Kesukaran adalah bahawa esei seperti itu, di satu pihak, tidak meninggalkan pendengar yang tidak peduli, dan sebaliknya, tidak mengalihkan perhatian dari ibadah, membantu menumpukan perhatian kepada doa. Banyak jisim Duza diilhamkan, penuh dengan kehidupan dalaman; Mereka seolah-olah membantu Mig membuka tudung wahyu ilahi.

Selalunya, mewujudkan jisim, Dufai mengambil melodi yang terkenal, yang mana dia menambahnya sendiri. Pinjaman sedemikian adalah ciri-ciri Renaissance. Ia dianggap sangat penting bahawa jisim itu didasarkan pada melodi yang biasa, yang dapat dengan mudah diiktiraf walaupun dalam kerja polifonik. Sering menggunakan serpihan Chanting Gregorian; Kerja-kerja sekular tidak dikecualikan. Sebagai tambahan kepada muzik gereja, Dufai menyusun secara berturut-turut ke teks sekular. Di dalamnya, beliau juga menggunakan teknik polyphonic yang kompleks.

Wakil Sekolah Polyphonic Belanda pada separuh kedua abad XV. Terdapat embun yang gosqued (kira-kira 1440-1521 atau 1524), yang mempunyai pengaruh yang besar terhadap kerja-kerja komposer generasi akan datang. Pada masa mudanya, beliau berkhidmat kepada penyanyi gereja di Cambray, mengambil pelajaran muzik dari Okemem. Pada usia dua puluh tahun, pemuzik muda tiba di Itali, Sang di Milan di Dukes of Sforza dan di Chapel Papal di Rom. Di Itali, Depe, mungkin mula mengarang muzik. Pada permulaan abad XVI. Dia berpindah ke Paris. Pada masa itu, Delera sudah diketahui, dan dia dijemput untuk kedudukan seorang pemuzik mahkamah Perancis Raja Louis XII. Dari 1503, Delena sekali lagi menetap di Itali, di bandar Ferrara, dengan Mahkamah Duke

d "Este. Dew sebilangan besar, dan muziknya dengan cepat memenangi pengiktirafan dalam kalangan yang paling luas: dia disayangi dan tahu, dan orang yang mudah. \u200b\u200bKomposer yang dibuat bukan sahaja kerja gereja, tetapi juga sekular. Khususnya, dia berpaling kepada genre lagu rakyat Itali - Frottol (ia. Frottola, dari Frotta - "orang ramai"), yang mana irama tarian dan pantas yang dicirikan. Dalam muzik gereja, Dew membawa ciri-ciri kerja sekular: intonasi segar, meriah melanggar ketat lanjutan dan menyebabkan rasa kegembiraan dan kesempurnaan. Walau bagaimanapun, rasa mengukur komposer tidak pernah berubah. Teknik polifonik kedalaman tidak dibezakan oleh kecanggihan. Kerja-kerja yang mudahnya adalah mudah, tetapi mereka merasakan akal pengarang yang kuat. Ini adalah rahsia populariti ciptaannya.

Kontemporari Junior Gioma Dufai adalah Johannes (Jean) keluar (kira-kira 1425-1497) dan Yakub Obrecht. Seperti Dufai, pergi dari Flanders. Sepanjang hidupnya dia bekerja dengan tekun; Sebagai tambahan kepada penulisan muzik, melakukan tanggungjawab ketua kapel. Komposer itu mencipta lima belas kekacauan, tiga belas angkut, lebih daripada dua puluh chanson. Untuk kerja-kerja Okemem, kami dicirikan oleh keteguhan, kepekatan, penggunaan jangka panjang garis melodik lancar. Dia memberi perhatian yang besar kepada teknik polifonik, mencari semua bahagian besar-besaran yang dirasakan secara keseluruhan. Penulisan tangan kreatif komposer ditebak dalam lagu-lagunya - mereka hampir dilucutkan cahaya sekular, lebih seperti bergerak, dan kadang-kadang serpihan messe. Johannes Okhevyz menggunakan yang dihormati di tanah air dan luar negara (dia dilantik sebagai penasihat kepada raja Perancis). Jacob Orecht menyanyi di katedral pelbagai kota di Belanda, yang diselia kapel; Beberapa tahun berkhidmat di mahkamah Duke D "Este di Ferraré (Itali). Dia adalah pengarang dua puluh lima Mesz, dua puluh Mount, tiga puluh Chanson. Menggunakan pencapaian pendahulu, Obrecht membuat banyak yang baru dalam tradisi polifonik . Muziknya penuh dengan kontras, berani, walaupun komposer itu menarik kepada genre gereja tradisional.

Yang pelbagai dan kedalaman kreativiti Orlando Lasso. Melengkapkan sejarah Netherlands Music Renaissance Orlando Lasso (nama sebenar dan nama keluarga Roland de Lasso, kira-kira 1532-1594), yang dipanggil sezaman "Belgium melepaskan" dan "Prince of Music". Lasso dilahirkan di bandar Mons (Flanders). Dari perhiasan itu, dia menyanyikan di Choir Chour, memukul suara para umat yang indah. Gonzaga, Duke dari bandar Itali Mantua, secara tidak sengaja mendengar penyanyi muda itu, menjemputnya ke gereja sendiri. Selepas Mantua Lasso bekerja untuk masa yang singkat di Naples, dan kemudian berpindah ke Rom - di sana dia menerima tempat ketua gereja salah satu katedral. Menjelang dua puluh lima tahun, Lasso sudah dikenali sebagai komposer, dan tulisannya adalah permintaan untuk notoizders. Pada tahun 1555, koleksi pertama kerja yang mengandungi motges, Madrigals dan Chanson keluar. Lasso mengkaji semua yang terbaik yang dicipta oleh pendahulunya (komposer Belanda, Perancis, Jerman dan Itali), dan menggunakan pengalaman mereka dalam kerja mereka. Sebagai personaliti yang luar biasa, Lasso berusaha untuk mengatasi sifat muzik gereja yang terganggu, berikan keperibadiannya. Untuk tujuan ini, komposer kadang-kadang menggunakan motif genre-domestik (tema lagu rakyat, tarian), oleh itu, gereja anggaran dan tradisi sekular. Kerumitan teknik polifonik digabungkan dengan Lasso dengan emosi yang hebat. Dia sangat mampu untuk Madrigalls, dalam teks-teks yang keadaan mental orang yang bertindak, sebagai contoh, air mata St Peter "(1593) pada puisi penyair Itali Luigi Transillo. Komposer sering menulis untuk yang besar Bilangan undi (lima hingga tujuh), jadi karya-karyanya sukar untuk dilaksanakan. Dari 1556, Orlando Lasso tinggal di Munich (Jerman), di mana dia menuju ke Chapel. Menjelang akhir hidupnya, kewibawaannya dalam lingkaran muzik dan artistik adalah Sangat tinggi, dan kemuliaan merebak di seluruh Eropah.

Sekolah Polyphonic Belanda mempunyai pengaruh yang besar terhadap perkembangan budaya muzik di Eropah. Prinsip-prinsip polyphonies yang dibangunkan oleh komposer Belanda menjadi sejagat, dan banyak teknik artistik yang digunakan komposer dalam kerja mereka sudah berabad-abad XX.

1.2 Perancis.

Bagi Perancis, abad XV-XVI menjadi era perubahan penting: centenary perang (1337-1453) dengan England, menjelang akhir abad XV. Kesatuan Negeri telah selesai; Dalam abad XVI, negara itu terselamat perang agama antara Katolik dan Protestan. Dalam keadaan yang kuat dengan monarki mutlak, peranan perayaan mahkamah dan perayaan rakyat telah meningkat. Ini menyumbang kepada pembangunan seni, khususnya muzik, mengiringi tindakan sedemikian. Bilangan vokal dan instrumental ensembles (Chapel and Consorts), terdiri daripada sejumlah besar penghibur. Semasa perjalanan ketenteraan ke Itali, orang Perancis mengenali pencapaian budaya Itali. Mereka sangat merasakan dan menganggap idea-idea kebangkitan Itali - humanisme, keinginan untuk keharmonian dengan dunia sekitar, untuk menikmati kehidupan.

Sekiranya di Itali, Renaissance muzik dikaitkan terutamanya dengan Mesia, maka komposer Perancis, bersama dengan muzik gereja, memberi perhatian khusus kepada lagu polifonik sekular - Chanson. Kepentingan dalam dirinya di Perancis muncul pada separuh pertama abad XVI, apabila koleksi tempat-tempat muzik Zaequen Clender dikeluarkan (kira-kira 1485-1558). Ia adalah komposer ini yang dianggap sebagai pencipta genre.

Sebagai seorang kanak-kanak, Zainen menyanyi di koir gereja di kampung halaman Chatelleral (tengah Perancis). Pada masa akan datang, menurut ahli sejarah muzik, dia belajar di Master Belanda Zoshen Dew atau dari seorang komposer dari persekitarannya. Setelah menerima seorang imam San, Zainen bekerja sebagai Bupati (ketua koir) dan seorang organ; Kemudian dia dijemput ke Duke Giz. Pada tahun 1555, pemuzik menjadi penyanyi Chapel Diraja, dan dalam 1556-1557. - Royal Court Composer.

Clemen Zanecen mencipta dua ratus lapan puluh Chanson (diterbitkan antara 1530 dan 1572); Dia menulis muzik gereja - jisim, motettes, mazmur. Lagu-lagunya sering menjadi watak grafik. Sebelum pandangan pemikiran pendengar, lukisan oleh pertempuran ("Pertempuran Marignano", "Battle of Rent"), adegan memburu ("memburu"), imej alam ("menyanyi burung", "Nightingale"), adegan isi rumah ("Perbualan wanita"). Sebuah komposer yang sangat terang berjaya menyampaikan suasana kehidupan seharian Paris di Chanson "Creek Paris": Dia membuat teks penjual penjual. Jequen hampir tidak menggunakan topik yang panjang dan licin untuk suara individu dan teknik polifonik yang kompleks, memberikan keutamaan untuk menggulung panggilan, ulangi, resolusi bunyi.

Satu lagi arah muzik Perancis dikaitkan dengan pergerakan pan-Eropah reformasi. Dalam perkhidmatan gereja, Protestan Perancis (Huguenotes) menolak bahasa Latin dan polyphony. Muzik rohani memperoleh lebih terbuka, watak demokrasi. Salah satu wakil yang cerah dari tradisi muzik ini ialah Claude Gudimel (antara 1514 dan 1520-1572) - pengarang Mazmur pada teks-teks Alkitab dan Chorals Protestan.

Salah satu genre muzik utama Renaissance Perancis adalah Chanson (fr. Chanson - "Song"). Asal-usulnya - dalam seni rakyat (puisi rhymed of tales epik beralih pada muzik), dalam seni pipa dan paip zaman pertengahan. Dengan kandungan dan mood, Chanson boleh menjadi yang paling pelbagai - terdapat lagu-lagu cinta, isi rumah, humorial, satirikal, dan sebagainya. Sebagai teks, komposer mengambil puisi rakyat, puisi moden.

1.3 Itali

Dengan berlakunya Renaissance di Itali, musitisasi rumah pada pelbagai alat telah tersebar; Terdapat cawan pencinta muzik. Bentuk baru Muzik dan kehidupan awam muncul - akademi muzik dan institusi pendidikan muzik profesional jenis baru - Konservatori. Di rantau profesional, dua sekolah terkuat dibentuk: Roman dan Venetian.

Dalam abad XVI, notophet dikeluarkan untuk kali pertama, pada tahun 1501, pelawat Venetian Ottaviano Petrucci menerbitkan harmonice Musices Odhecaton - koleksi utama muzik sekular pertama. Ia adalah revolusi dalam penyebaran muzik, dan juga menyumbang kepada fakta bahawa gaya Franco-Flemish menjadi bahasa muzik yang dominan di Eropah pada abad yang akan datang, kerana oleh Petruchci Itali dalam koleksinya, terutamanya termasuk muzik Franco Flemish komposer. Seterusnya, beliau menerbitkan banyak karya dan komposer Itali, kedua-dua sekular dan rohani.

Peranan genre sekular meningkat dalam zaman Renaissance. Dalam abad XIV Dalam muzik Itali, Madrigal muncul (dari Lat. Matricale - "Song dalam bahasa ibunya"). Ia dibangunkan berdasarkan lagu-lagu rakyat (shephent). Madrigals adalah lagu-lagu untuk dua tiga undi, sering tanpa sokongan instrumental. Madrigal mencapai puncak perkembangannya dan menjadi genre muzik yang paling popular di era. Tidak seperti Madrigalls yang lebih awal dan mudah, Tryteno, Madrigals Renaissance ditulis untuk beberapa (4-6) undi, sering ada orang asing yang berkhidmat di mahkamah keluarga utara yang berpengaruh. Madrigalis berusaha untuk mewujudkan seni yang tinggi, sering menggunakan puisi yang dikitar semula dari penyair Itali yang hebat dari Abad Pertengahan yang lewat: Francesco Petrorski, Giovanni Boccaccio dan lain-lain. Kekurangan kanon struktur yang ketat adalah ciri-ciri Madrigala, prinsip asas adalah ungkapan yang bebas dari pemikiran dan perasaan.

Komposer seperti wakil Sekolah Venice dari Cyprian De Rore dan wakil Sekolah Flamian Franco Roland de Lassus (Orlando Di Lasso) - Semasa kehidupan kreatif Itali, bereksperimen dengan peningkatan kromatisme, keharmonian, irama, tekstur dan cara lain ekspresi muzik. Pengalaman mereka akan diteruskan dan dibawa ke klimaks semasa masa Manerisme Carlo Jesualdo. Semasa abad ke-15, komposer hampir merayu kepada genre ini; Kepentingannya hanya dihidupkan semula pada abad XVI. Ciri ciri abad ke-XVI Madrigala adalah sambungan dekat muzik dan puisi. Muzik fleksibel mengikuti teks, mencerminkan peristiwa yang diterangkan dalam sumber puitis. Dari masa ke masa, terdapat simbol melodi yang luar biasa, yang melambatkan mengeluh lembut, air mata, dan sebagainya. Dalam karya-karya beberapa komposer simbolisme adalah falsafah, contohnya, di Madrigan Jesualdo di Venoza "Saya mati, malang" (1611). Mayday of the Genre menyumbang kepada abad XVI-XVII. Kadang-kadang serentak dengan pelaksanaan lagu itu dimainkan oleh plotnya. Madrigal menjadi asas komedi Madrigal (komposisi choral pada teks permainan komedi), yang menyediakan penampilan opera.

1.3.1 Sekolah Polyphonic Rom

Giovanni de Palestrina (1525-1594). Kepala sekolah Rom adalah Giovanni Pieruluji da Palestrina - salah satu komposer terbesar dari Renaissance. Dia dilahirkan di bandar Itali Palestrin, dengan nama yang dia mendapat nama keluarga. Sejak zaman kanak-kanak, Palestrina menyanyikan di Choir Church, dan pada pencapaian usia matang telah dijemput ke jawatan Kapelmeister (ketua Choir) di Katedral St. Peter di Rom; Kemudian dia berkhidmat di Chapel Sistine (gereja Chapel Pope Roman).

Rom, Pusat Katolik, menarik ramai pemuzik terkemuka. Pada masa yang berlainan, The Netherlands Masters of Polyphonists membimbing Dufai dan Zoshen Dere bekerja di sini. Peralatan komposer mereka yang maju kadang-kadang campur tangan dengan teks ibadah: dia telah hilang di belakang plexus undi dan kata-kata yang canggih, sebenarnya, tidak didengar. Oleh itu, pihak berkuasa gereja merawat waspada terhadap kerja-kerja tersebut dan menganjurkan kembalinya satu satelit berdasarkan lagu-lagu Grigorian. Persoalan kebolehterimaan polyphony dalam muzik gereja dibincangkan walaupun di Katedral Katolik yang diuji Gereja Katolik (1545-1563). Dihampirkan kepada Paus Roman, Palestrina meyakinkan tokoh-tokoh gereja dalam kemungkinan membuat kerja, di mana peralatan komposer tidak akan menghalang teks teks. Dalam Bukti, dia terdiri "Mass Pope Marcello" (1555), di mana polyphony kompleks digabungkan dengan bunyi yang jelas dan ekspresif setiap perkataan. Oleh itu, muzik "menyelamatkan" muzik polyphonik profesional dari penganiayaan terhadap pihak berkuasa gereja. Pada tahun 1577, komposer telah dijemput untuk membincangkan pembaharuan secara beransur-ansur - perhimpunan lagu-lagu suci Gereja Katolik. Pada tahun 80-an Palestrina menerima San Spiritual, dan pada tahun 1584 dia memasuki masyarakat Music Masters - Persatuan Pemuzik, yang dikemukakan terus kepada Paus Roman.

Kreativiti Palestrina dipenuhi dengan globalisme yang ringan. Kerja-kerja yang dicipta oleh mereka telah melanda sezaman sebagai kemahiran dan kuantiti tertinggi (lebih dari seratus messen, tiga ratus mountet, seratus madrigal). Kerumitan muzik tidak pernah berkhidmat sebagai halangan untuk persepsi beliau. Komposer tahu bagaimana untuk mencari kelemahan keemasan antara kecanggihan komposisi dan aksesibiliti mereka untuk pendengar. Tugas kreatif utama Palestrina melihat dalam membangunkan kerja yang hebat. Setiap suara dalam lagu-lagunya sedang berkembang secara bebas, tetapi pada masa yang sama membentuk satu keseluruhan dengan yang lain, dan seringkali suara-suara itu dalam kombinasi yang menarik dari chords. Selalunya lagu suara atas kerana ia akan menjadi paraitic sepanjang yang lain, menggariskan polifoni "kubah"; Semua suara dicirikan oleh kelancaran dan pembangunan.

Seni Giovanni da Palestrina Pemuzik generasi akan datang dianggap teladan, klasik. Banyak komposer cemerlang abad XVIIXVIII yang dikaji pada tulisannya.

1.3.2 Sekolah Venetian.

Satu lagi arah muzik Renaissance dikaitkan dengan kerja-kerja komposer sekolah Venetian, pengasas yang mana Adrian Villert menjadi (kira-kira 1485-1562). Pelajarnya adalah organis dan komposer Andrea Gabriel (antara 1500 dan 1520 - selepas 1586), Cyprian de Pope Composer (1515 atau 1516-1565) dan pemuzik lain. Sekiranya Palestrina berfungsi dengan jelas oleh kejelasan dan kekangan yang ketat, Vullart dan pengikutnya mengembangkan gaya choral yang subur. Untuk mencapai bunyi volumetrik, permainan timbres, yang mereka gunakan dalam komposisi beberapa koir yang terletak di tempat yang berbeza dari kuil. Penggunaan gulungan antara paduan suara yang dibuat untuk mengisi ruang gereja dengan kesan yang tidak pernah berlaku sebelum ini. Pendekatan sedemikian mencerminkan cita-cita manusia zaman itu secara keseluruhan - dengan keseronokan, kebebasan, dan tradisi seni Venetian sebenar - dengan keinginannya untuk semua yang cerah dan luar biasa. Dalam karya Masters Venetian, bahasa muzik rumit: ia dipenuhi dengan kombinasi berani chords, harmoni yang tidak dijangka.

Tokoh terang Renaissance ialah Carlo Jesualdo Di Venosa (kira-kira 1560-1613), Putera kota Venose, adalah salah satu daripada tuan terbesar Madrigala sekular. Dia memperoleh kemasyhuran sebagai penaung, pelaku pada sedikit, komposer. Putera Jesualdo berkawan dengan penyair Itali Torquato Tasso; Surat yang paling menarik kekal, di mana kedua-dua artis membincangkan isu-isu kesusasteraan, muzik, seni visual. Banyak puisi Tasso Jesualdo di Venosa beralih ke muzik - jadi beberapa madrigal yang sangat artistik muncul. Sebagai wakil dari Renaissance yang lewat, komposer membangunkan jenis baru Madrigala, di mana perasaan berada di tempat pertama - ganas dan tidak dapat diprediksi. Oleh itu, ia dicirikan oleh jumlah volum, intonasi, sama dengan pendengaran dan juga sobs, chord tajam pada bunyi, membezakan perubahan tempo. Teknik-teknik ini memberi muzik Jesualdo ekspresif, watak yang agak mewah, dia kagum dan pada masa yang sama menarik sezaman. Warisan Jesualdo di Venoza adalah tujuh koleksi madrigal multi-menyuarakan; Antara esei rohani - "Sacred Chants". Muziknya dan hari ini tidak meninggalkan pendengar yang tidak peduli.

1.4 England

Kehidupan budaya England di zaman Renaissance berkait rapat dengan Reformasi. Pada abad XVI, Protestan merebak di negara ini. Gereja Katolik telah kehilangan kedudukan yang dominan, Gereja Anglikan, yang enggan mengakui beberapa dogma (peruntukan utama) Katolik; Kebanyakan biara menghentikan kewujudan mereka. Acara-acara ini mempengaruhi budaya Inggeris, termasuk muzik.

Seni muzik Inggeris Renaissance telah menyatakan dengan cemerlang pada separuh pertama abad XV, setelah mengemukakan identiti kreatif yang unik dari John Dunstaybla, yang membuat kesan yang paling kuat di benua itu. Kerja DUNSTALE adalah hubungan penting antara muzik Zaman Pertengahan dan Renaissance Epoch Polyphon. Peranan sejarah yang diterima secara umum untuk perkembangan polyphony di Eropah Barat juga telah ditentukan oleh tradisi polyphony yang signifikan (ditubuhkan di England Medieval), yang diwarisi dan dibangunkan Dunstaibl. Di samping itu, dalam abad XV, nama-nama banyak komposer Inggeris yang mencipta motges, bahagian-bahagian tidak ada, kadang-kadang Chansons dan balada diketahui. Sebahagian daripada mereka bekerja di benua itu, sebahagian daripadanya datang ke Kapella dari Duke of Burgundy. Kuasa Lionel mereka dimiliki oleh salah satu yang pertama di England Messe - bersama dengan Mesa Dunstybla. The sezaman adalah J. Bedingham, Hutan, J. Benet, R. Morton. Pada separuh kedua abad XV, J. Banteraster, W. Lambe, R. Davi, W. Fry. Kebanyakan mereka adalah penyanyi di kapel dan menulis banyak muzik gereja. Kedua-duanya dalam pilihan genre utama, dan dalam perkembangan yang konsisten kemahiran polifonik, mereka sebahagian besarnya ditutup dengan sekolah Belanda, yang pada gilirannya agak besar jika contoh gaya Dustybla berada dalam kemunculan mereka sendiri.

Di abad XVI, seni muzik England mencapai manifold yang signifikan. Bersama dengan bentuk tradisional muzik katolik dan motor rohani di teks-teks Latin dari pertengahan abad, mazmur berambut dalam bahasa Inggeris telah dicipta - fenomena ciri reformasi. Adalah ingin tahu bahawa John Merbek yang sama (kira-kira 1510-1585), yang mencipta uskup jisim Winchester dan Latin dalam perkhidmatan yang dikeluarkan pada tahun 1549 koleksi pertama Mazmur ke dalam teks bahasa Inggeris. Bersama-sama dengannya, pada separuh pertama abad ini, Polyphonists Inggeris bertindak, penulis bentuk utama John Taverner, John Redford, Nicolae Lyudford; Kehidupan kreatif Christopher Thaya, Thomas Tallisa, Robert White bertahan lama.

Pada masa yang sama, asas-asas humanistik era baru yang dipimpin di England abad XVI untuk berbunga pertama seni muzik sekular kedua-duanya dalam vokal dan dalam bentuk instrumental. Generasi baru komposer Inggeris yang bercakap pada suku terakhir abad XVI dan yang merampas dekad pertama XVII, mencipta sekolah Madrigalists Inggeris. Dan mereka juga menandakan permulaan kawasan baru muzik instrumental - permainan untuk vyrinel (rod of clavsin), yang diedarkan secara meluas dalam abad XVII.

Pengarang Bahasa Inggeris Madrigalls William Berd (1543 atau 1544 - 1623), Thomas Morley (1557-1603), John Wilby (1574-1638) dan yang lainnya pada awalnya bergantung pada sampel Itali moden (Madrigal, seperti yang anda tahu, berasal dari Itali), terutama untuk Marreinsio, tetapi kemudian menemui keaslian - jika tidak dalam tafsiran genre, maka dalam sifat polyphony. Tiba di peringkat seterusnya perkembangan polyphony, pada fraktur yang sangat kepada gaya baru abad XVII, Madrigal Bahasa Inggeris lebih mudah dalam tekstur berbilang-beamcisus daripada Itali, lebih banyak homophone, tidak dilarang walaupun ciri-ciri tarian irama . Tidak seperti masa Danstybla, sekolah polifonik Inggeris menjelang akhir abad XVI mewakili manfaat kepentingan negara (tradisinya dipindahkan di abad XVII dan sampai ke Peressella), tetapi dengan menggerakkan cara mereka sendiri, ia tidak lagi kesan yang ketara terhadap seni muzik di Eropah Barat.

Ia juga perlu untuk memperhatikan peranan penting muzik dalam teater Inggeris Renaissance. Peranan ini adalah spesifik dalam masa: Di England, tidak ada prasyarat untuk kemunculan opera untuk masa yang lama, dan tiada yang belum menyiapkannya. Muzik terdengar di teater yang dramatik untuk faedah sebagai fenomena kehidupan (tetapi bukan sebagai komponen dramaturgi secara dalaman), dan dalam genre "topeng" yang mengambil bahagian dalam persembahan yang subur di mahkamah kerajaan menyertai kesan yang hebat, adegan balet, vokal dan serpihan instrumental, teks puitis.

Dalam kepingan Shakespeare, sering dalam tindakan itu dipanggil lagu-lagu popular pada kata-kata tertentu atau tarian yang terkenal, seperti Galliard. Muzik menjadi latar belakang tindakan, beberapa "sederhana", membuat beberapa warna psikologi, mengapa Shakespeare tidak memerlukan lebih banyak daripada genre isi rumah.

Pada masa yang sama, jabatan-jabatan muzik dibuka di Universiti Oxford dan Cambridge.

1.5 Jerman

Oleh abad XVI. Di Jerman, sudah ada cerita rakyat yang kaya, pertama sekali vokal. Muzik berbunyi di mana-mana: pada perayaan, di dalam gereja, dalam peristiwa sekular dan di kem tentera. Perang petani dan Reformasi menyebabkan kebangkitan baru seni rakyat Song. Terdapat banyak nyanyian Luteran ekspresif yang pengarangnya tidak diketahui. Nyanyian Choral telah menjadi bentuk integral perkhidmatan penyembahan Lutheran. Protestan Choral mempengaruhi perkembangan lewat semua muzik Eropah. Tetapi pertama-tama, mengenai musikal orang Jerman sendiri, yang hari ini, pendidikan muzik dianggap tidak kurang penting daripada sains semula jadi - dan sebaliknya bagaimana untuk mengambil bahagian dalam tugas pelbagai rantaian?

Manifold bentuk muzik di Jerman XVI abad. Amazes: Ballets, opera memakai karnival. Tidak mustahil untuk tidak memanggil nama-nama seperti K. Puman, P. Hofheimer. Ini adalah komposer yang menulis muzik sekular dan gereja, pertama sekali untuk organ. Mereka bersebelahan dengan komposer Franco Flemish yang cemerlang, seorang wakil dari Sekolah Belanda O. Lasso. Beliau bekerja di banyak negara Eropah. Beliau umum dan inovatif membangunkan pencapaian pelbagai sekolah muzik Eropah Renaissance. Sarjana muzik choral yang ikonik dan sekular (lebih daripada 2000 tulisan.).

Tetapi Henry Schütz (1585-1672), seorang komposer, seorang cappermaster, seorang organis, seorang guru, dibalikkan dalam muzik Jerman. Pengasas Sekolah Komposer Kebangsaan, pendahulu terbesar I.S. Baha. Opera Jerman pertama "Daphne" (1627), Opera Ballet "Orpheus dan Eurydika" (1638) ditulis dengan Schuyz Madrigals, cantal rohani dan tulisan orator ("nafsu", konsert, bergerak, mazmur, dll.).

Pengasas Reformasi Martin Luther (1483-1546) percaya bahawa pembaharuan muzik gereja adalah perlu. Muzik, pertama, harus menyumbang kepada penyertaan paroki yang lebih aktif dalam ibadat (dalam prestasi komposisi polifonik adalah mustahil), dan kedua, untuk melahirkan empati peristiwa alkitabiah (yang menyakiti perkhidmatan di Latin). Oleh itu, keperluan berikut telah dibentangkan kepada Gereja Singing: Kesederhanaan dan kejelasan melodi, bahkan irama, bentuk nyanyian yang jelas. Atas dasar ini, Choral Protestan berasal - genre utama muzik gereja Renaissance Jerman. Pada tahun 1522, Luther menerjemahkan Perjanjian Baru di Jerman, kini menjadi mungkin untuk membuat ibadah dalam bahasa ibunya.

Dalam pemilihan nada dering untuk Choralov, Luther sendiri terlibat secara aktif, serta rakannya, seorang teori muzik Jerman Johann Walter (1490-1570). Sumber utama melodi adalah lagu-lagu rohani dan sekular rakyat - terkenal dan mudah untuk persepsi. Melodi kepada beberapa Khoralov Luther menyusun dirinya. Salah seorang daripada mereka, pandangan "Tuhan - sokongan, menjadi simbol reformasi semasa tempoh perang agama XVI.

1.6 Sepanyol

Untuk masa yang lama, muzik Sepanyol berada di bawah pengaruh Gereja, di mana respon feudal-Katolik telah dirampas. Tidak kira bagaimana Noring adalah serangan terhadap pemprosesan balas ke muzik, masih gagal untuk mengembalikan kedudukan sebelumnya. Perhubungan Bourgeois pemasangan menetapkan pesanan baru.

Di Sepanyol, tanda-tanda kebangkitan cukup jelas diwujudkan dalam abad XVI, dan prasyarat untuk ini kelihatan kelihatan lebih awal. Adalah diketahui bahawa sudah di abad XV, terdapat hubungan muzik yang lama dan kuat antara Sepanyol dan Itali, antara kapel Sepanyol dan sebahagian daripada mereka penyanyi komposer - dan kapel Papal di Rom, serta Duke of Duke of Burgundy dan Duke Sforza di Milan, belum lagi pusat muzik Eropah yang lain. Dari penghujung abad ke-15, Sepanyol, seperti yang terkenal, kerana keseluruhan keadaan sejarah (akhir orang yang mendekati, pembukaan Amerika, hubungan dinasti baru di Eropah), mendapati daya yang sangat besar di Eropah Barat, Baki sebuah negara Katolik yang konservatif pada masa yang sama dan menunjukkan agresif yang banyak dalam menangkap wilayah orang lain (yang mengalami sepenuhnya Itali kepadanya). Pemuzik Sepanyol terbesar abad XVI, seperti sebelum ini, berada di dalam perkhidmatan gereja. Mereka tidak dapat merasakan kesan Sekolah Polyphonic Belanda dengan tradisi yang berlaku. Ia telah dikatakan bahawa wakil-wakil sekolah yang cemerlang lebih daripada sekali di Sepanyol. Sebaliknya, tuan Sepanyol, untuk beberapa pengecualian, sentiasa bertemu dengan komposer Itali dan Belanda, apabila ditinggalkan dari Sepanyol dan bekerja di Rom.

Hampir semua pemuzik Sepanyol utama lebih awal atau lambat jatuh ke dalam sebuah kapel papal dan mengambil bahagian dalam kegiatannya, dengan itu masih menguasai tradisi akar gaya polyphony yang ketat dalam ungkapan ortodoksnya. Komposer Sepanyol terbesar Cristobal de Morales (1500 atau 1512-1553), dimuliakan di luar negaranya, pada tahun 1535-1545 adalah sebahagian daripada kapel Papal di Rom, selepas itu dia mengetuai metrik di Toledo, dan kemudian Katedral Chapel di Malaga.

Morales adalah seorang polyphonist yang besar, pengarang Messe, Motttes, Hymns dan lain-lain vokal, yang paling penting kerja choral. Arah kreativiti beliau didasarkan pada sintesis tradisi Sepanyol asli dan kemahiran polifonik Belanda dan orang Itali pada masa itu. Selama bertahun-tahun (1565-1594), terdapat wakil utama generasi pertama tuan Sepanyol Thomas Luis de Victoria (lebih kurang 1548-1611) (lebih kurang 1548-1611), yang tidak begitu tepat untuk sekolah Palestrinov. Komposer, penyanyi, organis, dropmester, Victoria mencipta jisim, mountet, Mazmur dan tulisan rohani yang lain dalam gaya yang ketat polyphony, Cappella, lebih dekat dengan Palestrine daripada Belanda, tetapi masih tidak bertepatan dengan Palestrinsky - tuan Sepanyol mempunyai kekangan yang kurang ketat dan lebih banyak ungkapan. Dalam kerja-kerja akhir Victoria, Victoria muncul dan keinginan untuk mengganggu tradisi Palestrinovian memihak kepada polyhoreisme, konstimen, kontras timbre dan inovasi lain yang membawa asal mereka dari sekolah Venetian.

Satu lagi komposer Sepanyol yang bekerja terutamanya dalam bidang muzik rohani juga dibawa kepada penyanyi Chapel Papal di Rom. Pada 1513-1523, A. De Ribera adalah sebahagian daripada Capella, dari 1536 terdapat penyanyi B. Escobedo, dalam 1507-1539 - X. Escribano, agak kemudian - M. Robbledo. Mereka semua menulis muzik rohani polifonik dalam gaya yang ketat. Hanya Francisco Gouserro (1528-1599) yang sentiasa hidup dan bekerja di Sepanyol. Walau bagaimanapun, rahmat-Nya, bergerak, lagu-lagu itu berjaya dan di luar negara, sering menarik perhatian para butterfester dan Viuels sebagai bahan untuk rawatan instrumental.

Dari genre vokal sekular yang paling biasa. Ia adalah Wiliansiko-genus lagu polifonik di Sepanyol, maka yang agak lebih polyphonik, maka, lebih kerap, dengan homophone, asal-usul yang berkaitan dengan kehidupan, tetapi perkembangan profesional yang lalu. Walau bagaimanapun, intipati genre ini harus dikatakan, tanpa merobeknya dari muzik instrumental. Wiliansiko XVI abad - Selalunya lagu di bawah Viuela atau di bawah Lutno, penciptaan seorang artis besar dan seorang komposer untuk instrumen yang dipilih kepada mereka.

Dan di Wiliansikos yang tidak terkira banyaknya, dan secara umum, Sepanyol dalam muzik isi rumah sangat kaya dan dicirikan oleh melodisme negara - sejenis, memelihara perbezaan mereka dari Itali, Perancis dan semua lebih banyak bahasa Jerman, melodik. Melodi Sepanyol telah membawa ciri-ciri ini sepanjang abad ini, menarik perhatian kepada tidak bersendirian, tetapi juga komposer asing sehingga masa kita. Bukan sahaja sistem intonasi adalah pelik, tetapi irama yang sangat tersendiri, hiasan asal dan cara yang lebih baik, hubungan yang sangat kuat, dengan pergerakan tarian. Dalam kerja-kerja yang disebutkan di atas Francisco de Salinas "tujuh buku muzik" (1577), banyak melodi Castilian diberikan, yang menarik perhatian seorang ahli sains saintis terutamanya dari sisi irama mereka. Serpihan melodik ringkas yang kadang-kadang meliputi hanya pelbagai dasar yang mengejutkan menarik dalam irama mereka: Syncopes yang kerap dalam pelbagai konteks, gangguan irama yang tajam, ketiadaan lengkap gerakan asas, secara umum aktiviti kekal perasaan irama, tidak ada inersia! Kualiti yang sama dilihat dari tradisi rakyat dengan genre vokal sekular, kebanyakan dari semua Wiliansiko dan lain-lain jenis lagu berhampiran Viuela.

Genre instrumental di Sepanyol secara meluas dan secara bebas diwakili oleh kerja-kerja komposer organis yang diketuai oleh Antonio De Cabestoons terbesar (1510-1566), serta seluruh Vouchelists yang cemerlang dengan jumlah karya mereka yang munasabah, sebahagiannya berkaitan dengan suara vokal Melon dari pelbagai asal (dari lagu-lagu rakyat dan menari dengan tulisan rohani). Kami akan secara khusus kembali kepada mereka dalam bab mengenai muzik instrumental era Renaissance untuk menentukan tempat mereka dalam pembangunan umum.

Oleh abad XVI, peringkat awal dalam sejarah teater muzik Sepanyol juga berasal dari hasil abad yang lalu dengan inisiatif penyair dan komposer Juan del Essin dan wujud untuk masa yang lama sebagai teater dramatik dengan penyertaan yang besar muzik di tempat tertentu tindakan.

Akhirnya, aktiviti saintifik pemuzik Sepanyol, yang telah dihargai oleh Ramis di PareH, untuk kemajuan pandangan teoritis dan Francisco Salinas untuk pertimbangan unik cerita rakyat Sepanyol untuk masa yang unik untuk masa itu. Kami juga menyebut beberapa ahli teori Sepanyol yang telah menumpukan kerja mereka mengenai isu-isu prestasi mengenai pelbagai alat. Komposer, pelaku (pada volon - Basovoy Violea da Gamba), Diego Ortis, Diego Ortis menerbitkan "Risalah pada Gloss" 1553 di Rom), di mana peraturan-peraturan itu dibuktikan dengan baik dalam ensemble (Volone dan Clavasin). Organis dan komposer Thomas De Sante Maria Diterbitkan di Valladolid Sebuah risalah "Seni Main Fantasy" (1565) - Percubaan untuk menggabungkan pengalaman penambahbaikan pada badan: Juan Bermoudo, yang mengeluarkan "pengisytiharan alat muzik" di Grenada (1555), yang diliputi Ia, sebagai tambahan kepada maklumat mengenai instrumen dan permainan mereka, beberapa soalan mengenai huruf muzik (objek, khususnya, terhadap beban yang berlebihan polifoni).

Oleh itu, seni muzik Sepanyol secara keseluruhan (bersama dengan teorinya), tidak syak lagi, terselamat dari Renaissance pada abad ke-16, menemui dan beberapa artikel dengan negara-negara lain pada peringkat ini, dan perbezaan yang signifikan yang disebabkan oleh tradisi sejarah dan kontemporari sosial Sepanyol itu sendiri.

2. estetika muzik.

2.1 Pembangunan genre dan bentuk muzik instrumental

renaissance Music Mason Mussetserger

Kami diwajibkan untuk membentuk muzik instrumental sebagai jenis seni bebas. Pada masa ini, beberapa plays instrumental, variasi, preludes, fantasi, rondo, toccat muncul. Violin, Clausius, organ secara beransur-ansur berubah menjadi alat solo. Muzik yang ditulis untuk mereka memungkinkan untuk menunjukkan bakat bukan sahaja kepada komposer, tetapi juga oleh kontraktor. Pertama sekali, kebajikan itu dinilai (keupayaan untuk menghadapi masalah teknikal), yang secara beransur-ansur menjadi untuk banyak pemuzik dengan sendirinya dan nilai artistik. Komposer abad XVII-XVIII biasanya bukan hanya menyusun muzik, tetapi juga dimainkan alat, yang terlibat dalam aktiviti pedagogi. Kebajikan artis sebahagian besarnya bergantung kepada pelanggan tertentu. Sebagai peraturan, setiap pemuzik yang serius berusaha untuk mendapatkan tempat di halaman di halaman raja atau bangsawan yang kaya (banyak wakil yang mempunyai orkestra mereka sendiri atau teater opera), atau di kuil. Selain itu, majoriti komposer dengan mudah menggabungkan pengarang gereja dengan perkhidmatan penaung sekular.

Sifat banyak kerja vokal abad XIV-XV dalam komposer Itali dan Perancis agak penting daripada vokal (dalam julat, sifat undi, nisbah dengan teks lisan atau ketiadaan perkataan yang ditandatangani). Ini sepenuhnya digunakan untuk aset Itali Ars Nova, kepada beberapa tulisan "peralihan" di Perancis (permulaan abad XV). Tiada arahan langsung untuk penggunaan alat tertentu dalam rekod nota. Rupa-rupanya, ia diberikan kepada kehendak para penghibur bergantung kepada keupayaan mereka, terutamanya kerana penulis sendiri biasanya di kalangan mereka.

Pada dasarnya, setiap kerja vokal adalah sebahagian daripada Mass, Motet, Chanson, Fottol, Madrigal (kecuali Mesz, yang bertujuan untuk Chapel Sistine, di mana instrumen tidak dibenarkan) - dalam amalan ia boleh dilakukan sama ada dengan dua kali ganda vokal Alat parti, atau sebahagian (satu atau dua suara) hanya alat atau sepenuhnya pada organ atau kumpulan instrumen. Ia pada asasnya adalah sejenis prestasi yang mantap, iaitu proses memperkenalkan alat ke dalam vokal pada asal-usul polyphony. Jadi timbul, sebagai contoh, "massa organ" - fenomena perantaraan, peralihan. Dalam tulisan-tulisan di mana suara atas menonjol dalam makna mereka (seperti yang sering di Dufai atau Benshua), penggunaan alat yang paling mungkin berkaitan dengan melodi "yang disertakan" dengan suara atau dengan bass harmonik. Tetapi dengan "penjajaran" pihak-pihak dalam pelbagai juara sekolah Belanda yang sangat maju, ia boleh dianggap (contohnya, di Chanson) apa-apa nisbah kuasa vokal dan instrumental sehingga pemenuhan keseluruhan produk alat Alat . Ia harus ditanggung dalam fikiran dan beberapa lagi ciri peribadi yang tidak direkodkan dalam rekod nota. Adalah diketahui bahawa pada badan, sebagai contoh, sudah dalam abad XV, penghibur yang berpengalaman semasa pemprosesan lagu "Warna" (dibekalkan dengan hiasan) melodi. Mungkin instrumentalist, dengan penyertaan yang berbeza dalam prestasi muzik vokal, juga, juga boleh membuat hiasan improvisasi dalam partinya, yang sangat semula jadi, jika penulis sendiri duduk untuk badan. Selepas semua ini, tidak menghairankan bahawa pada abad XVI, apabila genre instrumental telah dilipat, dan masih ada kerja polifonik dengan penetapan "Per Cantare Tentang Sonare" ("untuk menyanyi atau permainan"). Itulah akhirnya pengiktirafan lengkap mengenai amalan yang sedia ada!

Dalam muzik isi rumah, terutamanya dalam menari, jika mereka tidak pergi di bawah lagu (di Sepanyol, sambungan lagu dan tarian), alat-alat itu tetap, jadi untuk bercakap, bebas dari sampel vokal, tetapi dihubungkan dengan asas genre setiap tarian, irama, jenis pergerakan. Syncretism jenis seni ini masih berkuatkuasa.

Dari jumlah keseluruhan fenomena yang tidak hadir, dari amalan yang tidak tercermin dalam rekod muzik, dari proses yang dapat dilihat dari asimilasi vokal dan instrumental bermula dari masa ke masa, pembangunan genre instrumental sebenar bermula. Ia hanya hampir digariskan dalam abad XV, telah menjadi nyata di seluruh XVI, di jalan menuju kemerdekaan, masih ada yang kecil, dan hanya dalam beberapa bentuk (improvisasi), instrumentalisme sebenar surat muzik diperhatikan. Pada peringkat pertama jalan muzik instrumental untuk penentuan nasib sendiri, dua bidang genre trend ciri-cirinya telah ditetapkan. Salah seorang daripada mereka adalah kelebihan manfaat daripada tradisi polifonik, "akademik", dengan bentuk besar. Yang lain adalah berdasarkan kepada tradisi muzik, lagu dan tarian rumah tangga. Yang pertama terutamanya diwakili oleh komposisi untuk organ, yang kedua - pertama dari semua repertoire lute. Tidak ada muka yang tidak dapat dilalui di antara mereka. Ia hanya boleh menjadi mengenai kepuasan tradisi tertentu, tetapi pada titik hubungan yang jelas. Oleh itu, teknik polifonik tidak dikecualikan dalam karya-karya untuk lute, dan variasi pada lagu-lagu akan muncul dalam muzik organ. Dan pada itu dan pada instrumen lain, pembangunan bentuk improvisasi bermula, di mana ia adalah spesifik alat ini dengan yang paling jelas - dengan kebebasan yang hampir lengkap dari sampel vokal. Ini sederhana, nampaknya kejayaan instrumentalisme dicapai selepas penyediaan jangka panjang, yang pergi ke era Renaissance dan telah berakar dalam amalan yang paling muzik pada masa itu.

2.2 Alat muzik dari Renaissance

Di era kelahiran semula, komposisi alat muzik telah berkembang dengan ketara, varieti baru ditambah kepada rentetan dan angin yang sudah ada. Antaranya, tempat yang istimewa diduduki oleh viola - keluarga rentetan sungai, yang mempengaruhi keindahan dan bangsawan bunyi. Dalam bentuk, mereka menyerupai alat-alat keluarga biola moden (biola, alt, cello) dan dianggap sebagai pendahulunya yang terdahulu (mereka wujud dalam amalan muzik sehingga pertengahan abad XVIII). Walau bagaimanapun, perbezaan, dan penting, namun ada. Viols mempunyai sistem rentetan resonan; Sebagai peraturan, terdapat banyak daripada mereka sebagai utama (enam hingga tujuh). Turun naik rentetan resonan menjadikan bunyi viola lembut, baldu, tetapi alat itu sukar digunakan di orkestra, kerana kerana sejumlah besar rentetan, dengan cepat kecewa. Untuk masa yang lama, bunyi Viola dianggap dalam muzik dengan sampel kecanggihan. Dalam keluarga Viola, tiga jenis utama dibezakan. Viola Da Gamba adalah alat besar yang pelakon meletakkan secara menegak dan diapit dengan kakinya (perkataan Itali Gamba bermaksud "lutut"). Dua jenis lain - Viola da Braccho (daripadanya. Braccio - "lengan bawah") dan Viol D "Amur (fr. Viole D" Amour - "Viola Love") telah berorientasikan secara mendatar, dan apabila mereka ditekan terhadap permainan. Viola Ya Gamba dalam pelbagai bunyi adalah dekat dengan Cello, Viola Da Braccho - untuk biola, dan Viol D "Amur - ke Alto. Antara alat yang meneliti Renaissance, tempat utama menduduki lute (Poland. Lutnia, dari Arab. "Aloud" - "Tree"). Di Eropah, dia datang dari Timur Tengah pada akhir abad XIV, dan pada awal abad XVI, untuk alat ini, terdapat repertoar yang besar; pertama sekali ,, Dalam kes pendek yang tersendiri; bahagian atasnya rata, dan bahagian bawah mengingatkan hemisfera. Ke leher yang luas dilekatkan pada leher yang dipisahkan oleh aneh, dan kepala alat disewa hampir pada sudut yang betul . Jika anda mahu, anda boleh melihat persamaan dari mangkuk dalam rupa lute. Dua belas rentetan dikelompokkan oleh pasangan, dan bunyi dikeluarkan kedua-dua dengan jari anda dan rekod khas - Pengantara. Dalam abad XV XVI Mempunyai pelbagai jenis papan kekunci. Jenis utama alat tersebut ialah Harpsichin, keindahan, Chamblock, Vyrhzhyel - telah digunakan secara aktif dalam muzik kebangkitan, tetapi mereka yang berkembang pesat datang kemudian.

2.3 Opera Kelahiran (Kamera Florentine)

Akhir era kebangkitan ditandakan dengan peristiwa yang paling penting dalam sejarah muzik - kelahiran opera.

Di Florence, sekumpulan humanis, pemuzik, penyair di bawah naungan pemimpin mereka Grafik Jovani de Bardi (1534 - 1612) telah berkumpul. Kumpulan itu dipanggil "kamera", ahli utamanya ialah Julio Kachchini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilea (Bapa Astronoma Galileo Galilean), Giloramo Mei, Emilio de Kavalii dan Ottavio Rhinucchini pada tahun-tahun muda.

Perhimpunan yang didokumenkan pertama kumpulan itu berlaku pada tahun 1573, dan tahun-tahun yang paling aktif "Camerat Florentine" adalah 1577-1582.

Dokumen yang sama

Ciri-ciri khas budaya muzik Renaissance: penampilan bentuk lagu (Madrigal, Wiliansiko, Frottol) dan muzik instrumental, kelahiran genre baru (lagu solo, cantata, oratoria, opera). Konsep dan jenis tekstur muzik utama.

abstrak, tambah 01/18/2012


Muzik vokal, instrumental dan vokal. Genre utama dan arahan muzik muzik instrumental vokal. Populariti jenis muzik instrumental semasa era Renaissance. Penampilan penghibur virtuoso pertama.

pembentangan, tambah 04/19/2014


Ciri-ciri muzik Rusia abad XVIII. Baroque - era, apabila idea tentang muzik apa yang sepatutnya mendapati bentuknya, bentuk muzik ini tidak kehilangan kaitan dan hari ini. Wakil-wakil yang hebat dan karya muzik zaman Baroque.

abstrak, tambah 01/14/2010


lembaran Cheat, tambah 11/13/2009


Era Renaissance (Renaissance) sebagai zaman kegemilangan semua jenis seni dan peredaran angka mereka untuk tradisi antik dan bentuk. Undang-undang keharmonian yang wujud dalam budaya muzik kebangkitan. Kedudukan utama muzik rohani: jisim, bergerak, nyanyian dan mazmur.

peperiksaan, tambah 05/28/2010


Rekod muzik twire. Skop utama penyanyi profesional dan koir di Mesir era kerajaan purba. Penggunaan abjad Phoenicic di Greece kuno. Seni Choral zaman pertengahan, India dan China. Rakaman yang boleh dipersoalkan.

pembentangan, tambah 06.10.2015


Muzik itu menduduki salah satu tempat yang paling penting dalam sistem seni India kuno. Asal-usulnya kembali kepada umat dan ritus agama. Perwakilan kosmologi India purba menyentuh bola muzik vokal dan instrumental. Alat muzik India.

peperiksaan, tambah 15.02.2010


Genre muzik sebagai jenis produk yang mantap dalam perpaduan bentuk dan kandungannya. Genre utama dalam muzik moden. Intipati muzik elektronik, genre pop, muzik rock, rap. Genre baru abad XXI. Alat muzik yang paling luar biasa.

kerja kursus, menambah 12/20/2017


Asal-usul muzik batu, pusat-pusat kejadian, komponen muzik dan ideologi. Muzik rock dari 60-an, penampilan muzik tegar dan kebun roti garaj. Budaya muzik alternatif. Muzik rock 2000-an dan orang luar sepanjang masa.

abstrak, tambah 01/09/2010


Penyanyi Banner - sejarah pembangunan. Puisi muzik dan gimnografi. Muzik menulis Rusia purba. Muzik dan kreativiti Choral D. Bortnyansky. Sejarah Opera Rusia, ciri-ciri Teater Kebangsaan Rusia. Potret kreatif komposer.