Lukisan awal Belanda(jarang lukisan belanda lama) - salah satu peringkat Renaissance Utara, era dalam bahasa Belanda dan, khususnya, lukisan Flemish, meliputi kira-kira satu abad dalam sejarah seni Eropah, bermula dari suku kedua abad ke-15. Seni Gothic lewat digantikan pada masa ini oleh Renaissance awal. Jika Gothic lewat, yang muncul di Perancis, mencipta bahasa universal dalam bentuk artistik, yang mana banyak tuan lukisan Belanda juga menyumbang, maka dalam tempoh yang diterangkan di wilayah Belanda, sekolah lukisan bebas yang jelas dikenali telah dibentuk, yang dicirikan. dengan cara penulisan yang realistik, yang mendapati ekspresinya terutamanya dalam genre potret.

YouTube kolej

• 1 / 5

  Sejak abad XIV, perubahan yang bersifat budaya dan sosiologi telah berlaku di wilayah ini: penaung seni sekular telah menggantikan gereja sebagai pelanggan utama karya seni. Belanda, sebagai pusat seni, mula menolak seni Gothic lewat di mahkamah Perancis.

  Belanda juga dihubungkan dengan Perancis oleh dinasti Burgundian umum, jadi seniman Flemish, Walloon dan Belanda dengan mudah mendapat kerja di Perancis di mahkamah Anjou, Orleans, Berry dan raja Perancis sendiri. Sarjana Gothic antarabangsa yang cemerlang, adik-beradik Limburg dari Geldern pada dasarnya adalah artis Perancis. Dengan pengecualian yang jarang berlaku pada orang Melchior Bruderlam, di tanah airnya, di Belanda, hanya pelukis yang berpangkat lebih rendah yang tinggal.

  Pada asal-usul lukisan Belanda awal, difahami dalam erti kata yang sempit, adalah Jan van Eyck, yang pada tahun 1432 menyelesaikan kerja pada karya utamanya - Altarpiece Ghent. Masih sezaman menganggap karya Jan van Eyck dan artis Flemish lain sebagai "seni baru", sesuatu yang benar-benar baru. Secara kronologi, lukisan Belanda Lama berkembang pada masa yang hampir sama dengan Renaissance Itali.

  Dengan kemunculan potret, tema sekular dan individu menjadi buat pertama kalinya motif utama lukisan. Lukisan genre dan masih hidup membuat kejayaan mereka dalam seni hanya semasa zaman Baroque Belanda pada abad ke-17. Watak borjuasi lukisan awal Belanda bercakap tentang permulaan Zaman Baru. Semakin ramai pelanggan, di samping golongan bangsawan dan pendeta, adalah golongan bangsawan dan pedagang yang kaya. Orang dalam lukisan itu tidak lagi ideal. Orang sebenar dengan segala kelemahan manusia muncul di hadapan penonton. Kedutan, beg di bawah mata - semuanya secara semula jadi digambarkan dalam gambar tanpa hiasan. Orang-orang kudus tidak lagi tinggal secara eksklusif di kuil; mereka memasuki rumah penduduk bandar.

  Artis

  Salah satu wakil terawal pandangan artistik baharu, bersama-sama dengan Jan van Eyck, dianggap sebagai tuan Flemal, yang kini dikenali sebagai Robert Kampen. Kerja utamanya ialah altar (atau triptych) Annunciation (juga dipanggil altar keluarga Merode; sekitar 1425), kini di Muzium Cloisters di New York.

  Untuk masa yang lama, hakikat kewujudan saudara Hubert dalam Jan van Eyck telah dipersoalkan. Kajian baru-baru ini menunjukkan bahawa Hubert van Eyck, yang disebut dalam beberapa sumber sahaja, hanyalah seorang artis biasa di sekolah Ghent, yang tidak mempunyai pertalian persaudaraan atau hubungan lain dengan Jan van Eyck.

  Rogier van der Weyden dianggap sebagai pelajar Kampen, yang mungkin mengambil bahagian dalam kerja pada triptych Merode. Sebaliknya, dia mempengaruhi Dirk Bouts dan Hans Memling. Orang sezaman Memling ialah Hugo van der Goes, yang pertama kali disebut pada tahun 1465.

  Artis paling misteri pada masa ini, Hieronymus Bosch, menonjol dari siri ini, yang karyanya belum mendapat tafsiran yang jelas.

  Di samping pakar-pakar hebat ini, perlu diberi perhatian tentang artis Belanda awal seperti Petrus Christus, Jan Provost, Colin de Coter, Albert Bouts, Goswin van der Weyden dan Quentin Massys.

  Fenomena yang menarik ialah karya artis dari Leiden: Cornelis Engelbrechtsen dan pelajarnya Artgen van Leiden dan Lucas van Leiden.

  Sehingga kini, hanya sebahagian kecil daripada karya seniman awal Belanda yang terselamat. Lukisan dan lukisan yang tidak terkira banyaknya menjadi mangsa ikonoklasme semasa reformasi dan peperangan. Di samping itu, banyak kerja telah rosak teruk dan memerlukan pemulihan yang mahal. Sesetengah karya telah terselamat hanya dalam bentuk salinan, manakala kebanyakannya telah hilang selama-lamanya.

  Hasil kerja orang Belanda dan Flemish awal dipersembahkan di muzium seni terbesar di dunia. Tetapi beberapa mezbah dan lukisan masih berada di tempat lama mereka - di gereja, katedral dan istana, seperti, contohnya, Altarpiece Ghent di Katedral Saint Bavo di Ghent. Walau bagaimanapun, kini mungkin untuk melihatnya hanya melalui kaca perisai tebal.

  Pengaruh

  Itali

  Di tanah air Renaissance, Itali, Jan van Eyck sangat dihormati. Beberapa tahun selepas kematian artis, Bartolomeo Fazio yang humanis menamakan van Eyck "Putera di kalangan pelukis abad ini".

  Walaupun sarjana Itali menggunakan cara matematik dan geometri yang kompleks, khususnya, sistem perspektif, Flemings dapat memaparkan "realiti" dengan betul tanpa banyak, seolah-olah, kesukaran. Aksi dalam lukisan itu tidak lagi berlaku seperti dalam Gothic pada masa yang sama di atas pentas yang sama. Premis digambarkan mengikut undang-undang perspektif, dan landskap bukan lagi latar belakang skematik. Latar belakang yang luas dan terperinci menarik pandangan anda ke infiniti. Pakaian, perabot dan perabot dipaparkan dengan ketepatan fotografi.

  Sepanyol

  Bukti pertama penyebaran teknik lukisan utara di Sepanyol ditemui di Kerajaan Aragon, yang termasuk Valencia, Catalonia dan Kepulauan Balearic. Raja Alphonse V menghantar pelukis istananya Louis Dalmau ke Flanders pada tahun 1431. Pada tahun 1439, pelukis Bruges Luis Alimbrot ( Luís Alimbrot, Lodewijk Allyncbrood). Jan van Eyck mungkin melawat Valencia seawal 1427 sebagai sebahagian daripada delegasi Burgundia.

  Valencia, pada masa itu salah satu pusat paling penting di Mediterranean, menarik artis dari seluruh Eropah. Selain sekolah seni tradisional "gaya antarabangsa", terdapat bengkel yang berfungsi dalam kedua-dua gaya Flemish dan Itali. Di sini arah seni yang dipanggil "Spanish-Flemish" dikembangkan, wakil utamanya ialah Bartolomé Bermejo,.

  Raja-raja Castilian memiliki beberapa karya terkenal oleh Rogier van der Weyden, Hans Memling dan Jan van Eyck. Di samping itu, artis pelawat Juan de Flandes ("Jan dari Flanders", nama keluarga tidak diketahui) menjadi potret mahkamah Ratu Isabella, yang meletakkan asas sekolah realistik potret mahkamah Sepanyol.

  Portugal

  Sebuah sekolah lukisan bebas muncul di Portugal pada separuh kedua abad ke-15 di bengkel Lisbon pelukis mahkamah Nuno Gonçalves. Karya artis ini berada dalam pengasingan sepenuhnya: dia, nampaknya, tidak mempunyai pendahulu mahupun pengikut. Pengaruh Flemish dirasai terutamanya dalam polyptych beliau "Saint Vincent" Jan van Eyck und seine Zeit. Flämische Meister und der Süden 1430-1530. Ausstellungskatalog Brügge, Stuttgart 2002. Darmstadt 2002.

• Bodo Brinkmann: Die flämische Buchmalerei am Ende des Burgunderreichs. Der Meister des Dresdner Gebetbuchs und die Miniaturisten seiner Zeit. Turnhout 1997. ISBN 2-503-50565-1
• Birgit Franke, Barbara Welzel (Hg.): Die Kunst der burgundischen Niederlande. Eine Einführung. Berlin 1997. ISBN 3-496-01170-X
• Max Jakob Friedländer: Altniederländische Malerei. 14 Bde. Berlin 1924-1937.
• Erwin Panofsky: Die altniederländische Malerei. Ihr Ursprung und Wesen.Übersetzt dan jam. von Jochen Sander dan Stephan Kemperdick. Köln 2001. ISBN 3-7701-3857-0 (Asal: Lukisan awal Belanda. 2 Bde. Cambridge (Mas.) 1953)
• Otto Pächt: Van Eyck, die Begründer der altniederländischen Malerei. München 1989. ISBN 3-7913-1389-4
• Otto Pächt: Altniederländische Malerei. Von Rogier van der Weyden bis Gerard David. Hrsg. von Monika Rosenauer. München 1994. ISBN 3-7913-1389-4
• Jochen Sander, Stephan Kemperdick: Der Meister von Flémalle und Rogier van der Weyden: Die Geburt der neuzeitlichen Malerei: Eine Ausstellung des Städel Museums, Frankfurt am Main und der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin, Ostfildern: Hatje Cantz Verlag, 2008
• Norbert Wolf: Trecento und Altniederländische Malerei. Kunst-Epochen, Bd. 5 (Reclams Universal Bibliothek 18172).

06.05.2014

Kehidupan Frans Hals begitu jelas dan penuh peristiwa seperti lukisannya. Sehingga kini, dunia mengetahui cerita tentang pergaduhan mabuk Hals, yang kini dan kemudiannya diaturkannya selepas cuti besar. Seorang artis dengan perwatakan yang ceria dan ganas tidak dapat dihormati di negara yang agamanya adalah Calvinisme. Frans Hals dilahirkan di Antwerp pada awal tahun 1582. Bagaimanapun, keluarganya meninggalkan Antwerp. Pada tahun 1591, Khals tiba di Haarlem. Adik lelaki Frans dilahirkan di sini ...

10.12.2012

Jan Steen adalah salah seorang wakil paling terkenal dari sekolah lukisan Belanda pada pertengahan abad ke-17. Dalam karya artis ini anda tidak akan menemui sama ada lukisan monumental atau anggun, atau potret jelas orang hebat atau imej keagamaan. Malah, Jan Steen adalah pakar dalam adegan harian yang penuh dengan jenaka yang menyeronokkan dan berkilauan pada zamannya. Lukisannya menggambarkan kanak-kanak, pemabuk, orang biasa, gulen dan banyak lagi. Jan dilahirkan di wilayah selatan Holland, bandar Leiden sekitar tahun 1626 ...

07.12.2012

Karya artis terkenal Belanda Hieronymus Bosch masih dianggap samar-samar oleh pengkritik dan hanya pencinta seni. Apa yang digambarkan pada kanvas Bosch: syaitan dunia bawah tanah atau hanya orang yang dicacatkan oleh dosa? Siapa sebenarnya Hieronymus Bosch: psikopat yang terobsesi, ahli mazhab, pelihat, atau hanya seorang artis yang hebat, surealis purba seperti Salvador Dali, yang menarik idea dari alam bawah sadar? Mungkin jalan hidupnya...

24.11.2012

Artis terkenal Belanda Pieter Bruegel Sr. mencipta gaya penulisan berwarna-warni sendiri, yang berbeza dengan ketara daripada pelukis Renaissance yang lain. Lukisan beliau adalah imej epik satira rakyat, imej alam semula jadi dan kehidupan kampung. Sesetengah karya terpesona dengan komposisi mereka - anda mahu melihatnya dan melihatnya, berhujah tentang perkara yang ingin disampaikan oleh artis kepada penonton. Keistimewaan penulisan dan visi dunia Bruegel mengingatkan karya surrealist awal Hieronymus Bosch ...

26.11.2011

Han van Meegeren (nama penuh - Henrikus Antonius van Meegeren) dilahirkan pada 3 Mei 1889 dalam keluarga seorang guru sekolah yang sederhana. Budak lelaki itu menghabiskan masa lapangnya di bengkel guru kesayangannya, yang namanya Corteling. Ayah tidak menyukainya, tetapi Cortelinglah yang dapat mengembangkan dalam diri budak itu rasa dan kebolehan untuk meniru cara penulisan zaman dahulu. Van Meegeren mendapat pendidikan yang baik. Dia memasuki Institut Teknologi Delft, di mana dia mengambil kursus dalam seni bina, pada usia 18 tahun. Pada masa yang sama, dia dilatih dalam ...

13.10.2011

Artis Belanda terkenal Johannes Jan Vermeer, yang dikenali oleh kami sebagai Vermeer Delft, dianggap sebagai salah satu wakil paling cemerlang zaman keemasan seni Belanda. Beliau adalah seorang ahli potret genre dan apa yang dipanggil lukisan harian. Artis masa depan dilahirkan pada Oktober 1632 di bandar Delft. Yang merupakan anak kedua dalam keluarga dan anak lelaki tunggal. Bapanya berniaga dalam seni dan tenunan sutera. Ibu bapanya berkawan dengan artis Leonart Breimer, yang ...

18.04.2010

Frasa yang sudah digodam bahawa semua jenius agak gila, hanya sempurna menimpa nasib artis pasca-impresionis yang hebat dan cemerlang Vincent Van Gogh. Setelah hidup hanya 37 tahun, dia meninggalkan warisan yang kaya - kira-kira 1000 lukisan dan jumlah lukisan yang sama. Angka ini lebih mengagumkan apabila anda mengetahui bahawa Van Gogh menumpukan kurang daripada 10 tahun hidupnya untuk melukis. 1853 Pada 30 Mac, di kampung Groth-Zundert, yang terletak di selatan Belanda, anak lelaki Vincent dilahirkan. Setahun sebelum itu, dalam keluarga imam, di mana dia dilahirkan ...

Belanda. kurun ke 17. Negara sedang mengalami zaman kegemilangan yang tidak pernah berlaku sebelum ini. Apa yang dipanggil "Zaman Keemasan". Pada akhir abad ke-16, beberapa wilayah di negara itu mencapai kemerdekaan daripada Sepanyol.

Sekarang Prostane Belanda pergi dengan cara mereka sendiri. Dan Flanders Katolik (Belgium masa kini), di bawah sayap Sepanyol, adalah miliknya sendiri.

Di Belanda yang merdeka, hampir tiada siapa yang memerlukan lukisan keagamaan. Gereja Protestan tidak menyetujui kemewahan hiasan. Tetapi keadaan ini "bermain ke tangan" lukisan sekular.

Secara harfiah setiap penduduk negara baru bangun untuk menyukai bentuk seni ini. Belanda ingin melihat kehidupan mereka sendiri dalam lukisan itu. Dan para artis dengan rela hati pergi menemui mereka.

Tidak pernah sebelum ini mereka menggambarkan realiti sekeliling begitu banyak. Orang biasa, bilik biasa dan sarapan warga kota yang paling biasa.

Realisme berkembang. Sehingga abad ke-20, ia akan menjadi pesaing yang layak untuk akademik dengan bidadari dan dewi Yunani.

Artis ini dipanggil Belanda "kecil". kenapa? Lukisan itu bersaiz kecil, kerana ia dicipta untuk rumah kecil. Jadi, hampir semua lukisan Jan Vermeer tingginya tidak melebihi setengah meter.

Tetapi saya lebih suka versi lain. Di Belanda pada abad ke-17, seorang tuan besar, orang Belanda "besar", tinggal dan bekerja. Dan semua yang lain adalah "kecil" berbanding dengannya.

Kami bercakap, sudah tentu, tentang Rembrandt. Mari kita mulakan dengan dia.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Potret diri pada usia 63 tahun. 1669 Galeri Nasional London

Rembrandt mempunyai peluang untuk mengalami pelbagai emosi yang paling luas semasa hidupnya. Itulah sebabnya terdapat begitu banyak keseronokan dan keberanian dalam karya awalnya. Dan terdapat begitu banyak perasaan yang sukar di kemudian hari.

Di sini dia masih muda dan riang dalam lukisan The Prodigal Son in a Tavern. Berlutut adalah isteri tercinta Saskia. Dia seorang artis popular. Perintah mengalir seperti sungai.



Rembrandt. Anak yang hilang di kedai minuman. 1635 Galeri Old Masters, Dresden

Tetapi semua ini akan hilang dalam masa 10 tahun. Saskia akan mati kerana makan. Populariti akan larut seperti asap. Sebuah rumah besar dengan koleksi unik akan dibawa pergi untuk hutang.

Tetapi Rembrandt yang sama akan muncul, yang akan kekal selama berabad-abad. Perasaan kosong sebagai pahlawan. Fikiran terdalam mereka.

2. Frans Hals (1583-1666)



Frans Hals. Potret diri. 1650 Muzium Seni Metropolitan, New York

Frans Hals ialah salah seorang pelukis potret terhebat sepanjang zaman. Oleh itu, saya juga akan meletakkan dia dalam kalangan "besar" Belanda.

Di Belanda pada masa itu adalah kebiasaan untuk memesan potret kumpulan. Ini adalah berapa banyak karya serupa muncul, menggambarkan orang bekerja bersama: penembak dari persatuan yang sama, doktor dari bandar yang sama, menguruskan rumah jagaan.

Dalam genre ini, Hals paling menonjol. Lagipun, kebanyakan potret ini kelihatan seperti dek kad. Orang dengan mimik muka yang sama duduk di meja dan hanya melihat. Dengan Hals, ia berbeza.

Lihatlah potret kumpulannya St. George”.



Frans Hals. Anak panah persatuan st. George. 1627 Muzium Frans Hals, Haarlem, Belanda

Di sini anda tidak akan menemui satu pengulangan dalam postur atau ekspresi muka. Lebih-lebih lagi, tiada kekacauan di sini. Terdapat banyak watak, tetapi tiada siapa yang kelihatan berlebihan. Terima kasih kepada penempatan angka yang mengejutkan.

Dan dalam satu potret, Khals lebih unggul daripada ramai artis. Coraknya semula jadi. Orang dari masyarakat tinggi dalam lukisannya tidak mempunyai kehebatan yang direka-reka, dan model dari kelas bawahan tidak kelihatan dihina.

Dan juga wataknya sangat emosional: mereka tersenyum, ketawa, isyarat. Sebagai contoh, ini adalah "Gypsy" dengan pandangan yang licik.



Frans Hals. Gipsi. 1625-1630

Hals, seperti Rembrandt, menamatkan hidupnya dalam kemiskinan. Atas sebab yang sama. Realismenya bertentangan dengan citarasa pelanggan. Siapa yang ingin menghiasi penampilan mereka. Khals tidak menyanjung langsung, dan dengan itu menandatangani ayatnya sendiri - "Oblivion".

3. Gerard Terborch (1617-1681)



Gerard Terborch. Potret diri. 1668 Galeri Diraja Mauritshuis, The Hague, Belanda

Terborch adalah ahli genre genre. Orang kaya dan tidak begitu burgher bercakap santai, wanita membaca surat, dan germo menonton pacaran. Dua atau tiga rajah yang jaraknya rapat.

Tuan inilah yang mengembangkan kanun genre harian. Yang kemudiannya akan dipinjam oleh Jan Vermeer, Peter de Hooch dan ramai lagi orang Belanda "kecil".



Gerard Terborch. Segelas air limau. 1660-an. Pertapaan Negeri, St. Petersburg

A Glass of Lemonade ialah salah satu karya Terborch yang terkenal. Ia menunjukkan satu lagi maruah artis. Imej fabrik pakaian yang sangat realistik.

Terborch juga mempunyai karya yang luar biasa. Yang bercakap tentang keinginannya untuk melampaui kehendak pelanggan.

Pengisarnya menunjukkan kehidupan orang termiskin di Belanda. Kami terbiasa melihat halaman yang selesa dan bilik yang bersih dalam lukisan orang Belanda "kecil". Tetapi Terborch berani menunjukkan Belanda yang tidak sedap dipandang.



Gerard Terborch. Pengisar. 1653-1655 Muzium negeri di Berlin

Seperti yang anda boleh bayangkan, kerja-kerja sedemikian tidak ada permintaan. Dan ia adalah kejadian yang jarang berlaku walaupun dengan Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)



Jan Vermeer. Bengkel artis. 1666-1667 Muzium Kunsthistorisches, Vienna

Bagaimana rupa Jan Vermeer tidak diketahui secara pasti. Ia hanya jelas bahawa dalam lukisan "The Artist's Workshop" dia menggambarkan dirinya sendiri. Kebenaran dari belakang.

Oleh itu, adalah mengejutkan bahawa fakta baru dari kehidupan tuan baru-baru ini diketahui. Ia dikaitkan dengan karya agungnya "Delft Street".



Jan Vermeer. Jalan Delft. 1657 Rijksmuseum di Amsterdam

Ternyata zaman kanak-kanak Vermeer berlalu di jalan ini. Rumah yang digambarkan adalah milik ibu saudaranya. Dia membesarkan lima anaknya di dalamnya. Mungkin dia sedang duduk di ambang pintu dengan menjahit, dan dua anaknya bermain di kaki lima. Vermeer sendiri tinggal di rumah bertentangan.

Tetapi lebih kerap dia menggambarkan bahagian dalam rumah-rumah ini dan penduduknya. Nampaknya plot lukisan itu sangat mudah. Berikut adalah seorang wanita cantik, penduduk kota yang kaya, memeriksa kerja timbangannya.



Jan Vermeer. Wanita dengan berat. 1662-1663 Galeri Seni Negara, Washington

Bagaimanakah Vermeer menonjol di kalangan beribu-ribu orang Belanda "kecil" yang lain?

Dia adalah penguasa cahaya yang sempurna. Dalam lukisan "Wanita dengan Berat", cahaya lembut menyelubungi muka, kain dan dinding heroin. Memberi gambaran kerohanian yang tidak diketahui.

Dan juga komposisi lukisan Vermeer disahkan dengan teliti. Anda tidak akan menemui satu perincian yang berlebihan. Ia cukup untuk mengeluarkan salah satu daripada mereka, gambar itu "hancur", dan keajaiban akan hilang.

Semua ini tidak mudah untuk Vermeer. Kualiti yang luar biasa itu memerlukan kerja yang teliti. Hanya 2-3 lukisan setahun. Akibatnya, ketidakupayaan untuk menyara keluarga. Vermeer juga bekerja sebagai peniaga seni, menjual karya artis lain.

5. Peter de Hooch (1629-1684)



Peter de Hooch. Potret diri. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Hoha sering dibandingkan dengan Vermeer. Mereka bekerja pada masa yang sama, malah ada tempoh di bandar yang sama. Dan dalam satu genre - setiap hari. Di Hoch, kami juga melihat satu atau dua figura di halaman atau bilik Belanda yang selesa.

Pintu dan tingkap yang terbuka menjadikan ruang lukisannya berlapis-lapis dan menghiburkan. Dan angka-angka itu tertulis di ruang ini dengan sangat harmoni. Sebagai contoh, dalam lukisannya "Seorang pembantu rumah dengan seorang gadis di halaman."



Peter de Hooch. Seorang pembantu rumah dengan seorang gadis di halaman rumah. 1658 Galeri Nasional London

Sehingga abad ke-20, Hoh sangat dihargai. Tetapi beberapa karya pesaingnya Vermeer, tidak ramai yang perasan.

Tetapi pada abad ke-20, semuanya berubah. Kemuliaan Hoh pudar. Walau bagaimanapun, sukar untuk tidak mengiktiraf pencapaiannya dalam lukisan. Sebilangan kecil orang boleh menggabungkan persekitaran dan manusia dengan cekap.



Peter de Hooch. Pemain kad di dalam bilik yang cerah. 1658 Koleksi Seni Diraja, London

Ambil perhatian bahawa dalam rumah sederhana, kanvas "Pemain Kad" menggantung gambar dalam bingkai yang mahal.

Ini sekali lagi menunjukkan betapa popularnya lukisan di kalangan rakyat Belanda biasa. Gambar menghiasi setiap rumah: rumah burgher kaya, dan penduduk kota yang sederhana, dan juga seorang petani.



6. Jan Steen (1626-1679)



Jan Steen. Potret diri dengan kecapi. 1670-an Muzium Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen mungkin orang Belanda "kecil" yang paling kelakar. Tetapi cintakan akhlak. Dia sering menggambarkan kedai minuman atau rumah miskin di mana maksiat berleluasa.

Watak utamanya adalah orang yang suka bersuka ria dan wanita yang mudah berbudi. Dia mahu menghiburkan penonton, tetapi secara senyap-senyap memberi amaran kepadanya terhadap kehidupan yang kejam.



Jan Steen. Bercelaru. 1663 Muzium Kunsthistorisches, Vienna

Sten juga mempunyai kerja yang lebih senyap. Seperti, sebagai contoh, "Tandas Pagi". Tetapi di sini juga, artis mengejutkan penonton dengan butiran yang terlalu terang. Terdapat kesan elastik dalam stoking, dan bukan periuk ruang kosong. Dan entah bagaimana anjing itu berbaring tepat di atas bantal.



Jan Steen. Tandas pagi. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

Tetapi di sebalik semua kesembronoan, skema warna Sten sangat profesional. Dalam hal ini dia mengatasi banyak "orang Belanda kecil". Lihat bagaimana stoking merah sesuai dengan jaket biru dan permaidani kuning air terang.

7. Jacobs van Ruisdael (1629-1682)



Potret Ruisdael. Litograf daripada buku abad ke-19.

Seniman Belanda memberi sumbangan besar kepada karya tuan yang memulakan aktiviti mereka pada abad ke-17 dan tidak berhenti sehingga kini. Walau bagaimanapun, mereka memberi kesan bukan sahaja kepada rakan sekerja mereka, tetapi juga kepada profesional sastera (Valentin Proust, Donna Tartt) dan fotografi (Ellen Coy, Bill Gekas dan lain-lain).

Permulaan pembangunan

Pada tahun 1648, Belanda memperoleh kemerdekaan, tetapi untuk pembentukan negara baru, Belanda terpaksa menanggung tindakan balas dendam di pihak Sepanyol, yang membunuh kira-kira 10 ribu orang di kota Antwerp Flemish pada masa itu. Akibat pembunuhan beramai-ramai itu, penduduk Flanders berhijrah dari wilayah yang dikuasai oleh kerajaan Sepanyol.

Berdasarkan ini, adalah logik untuk mengakui bahawa dorongan untuk artis Belanda bebas datang dengan tepat dari kreativiti Flemish.

Sejak abad ke-17, kedua-dua cabang negeri dan seni telah berlaku, yang membawa kepada pembentukan dua sekolah seni, yang dibezakan oleh kewarganegaraan. Mereka mempunyai asal yang sama, tetapi dalam watak mereka agak berbeza. Walaupun Flanders kekal di bawah sayap Katolik, Holland mengalami zaman kegemilangan yang baru, bermula pada abad ke-17.

budaya Belanda

Pada abad ke-17, negeri baru itu baru sahaja memulakan laluan pembangunannya, memutuskan sepenuhnya hubungan dengan seni era lalu.

Perjuangan dengan Sepanyol beransur-ansur reda. Sentimen nasional mula dikesan dalam kalangan popular dengan keluar daripada agama Katolik yang sebelum ini dikenakan oleh pihak berkuasa.

Pemerintahan Protestan mempunyai pandangan yang bercanggah tentang hiasan, yang membawa kepada pengurangan karya mengenai topik agama, dan kemudiannya hanya bermain ke tangan seni sekular.

Tidak pernah sebelum ini begitu kerap menggambarkan realiti sekeliling sebenar dalam gambar. Dalam karya mereka, artis Belanda ingin menunjukkan kehidupan seharian yang biasa tanpa hiasan, citarasa halus dan bangsawan.

Letupan artistik sekular menimbulkan pelbagai arah seperti landskap, potret, genre dan kehidupan yang masih hidup (kewujudannya tidak diketahui walaupun oleh pusat paling maju di Itali dan Perancis).

Visi realisme artis Belanda sendiri, yang dinyatakan dalam potret, landskap, karya dalaman dan lukisan masih hidup, telah menjana minat daripada semua lapisan masyarakat dalam kemahiran ini.

Oleh itu, seni Belanda abad ke-17 digelar "Zaman Keemasan Lukisan Belanda", memastikan statusnya sebagai era paling cemerlang dalam lukisan Belanda.

Adalah penting untuk mengetahui: terdapat salah faham bahawa sekolah Belanda hanya menggambarkan kewujudan manusia biasa-biasa saja, tetapi tuan-tuan pada masa itu dengan beraninya memusnahkan rangka kerja dengan bantuan karya-karya hebat mereka (contohnya, "Lanskap dengan John the Baptist" oleh Bloomart).

Pelukis Belanda abad ke-17. Rembrandt

Rembrandt Harmenszoon van Rijn dianggap sebagai salah satu tokoh seni terbesar di Belanda. Selain menjadi seorang artis, dia juga terlibat dalam ukiran dan dianggap sebagai pakar chiaroscuro.

Warisannya kaya dengan kepelbagaian individu: potret, adegan genre, masih hidup, landskap, serta lukisan mengenai subjek sejarah, agama dan mitologi.

Keupayaannya untuk menguasai chiaroscuro memungkinkan untuk meningkatkan ekspresi emosi dan kerohanian seseorang.

Bekerja pada potret, dia bekerja pada ekspresi muka.

Sehubungan dengan peristiwa tragis yang menyayat hati, karya-karyanya yang kemudiannya dipenuhi dengan cahaya malap yang mendedahkan pengalaman mendalam orang, akibatnya karya-karya cemerlang itu tidak menarik minat sesiapa pun.

Pada masa itu, kecantikan luaran sedang popular tanpa percubaan untuk menyelami diri mereka secara mendalam, serta naturalisme, berpisah dari realisme yang jujur.

Lukisan "The Return of the Prodigal Son" dapat dilihat dengan matanya sendiri oleh setiap pencinta seni halus Rusia, kerana karya ini berada di Hermitage di St. Petersburg.



Frans Hals

Frans Hals ialah pelukis Belanda yang hebat dan pelukis potret terkenal yang membantu memperkenalkan genre penulisan percuma ke dalam seni Rusia.

Karya yang membawanya kemasyhuran ialah sebuah lukisan yang dipanggil "The Banquet of Officers of the Rifle Company of St. George", yang dilukis pada tahun 1616.



Potretnya pada masa itu terlalu semula jadi, yang selain daripada zaman sekarang. Oleh kerana artis itu tetap salah faham, dia, seperti Rembrandt yang hebat, menamatkan hidupnya dalam kemiskinan. The Gypsy Woman (1625-1630) adalah salah satu karyanya yang paling terkenal.



Jan Steen

Jan Steen ialah salah seorang artis Belanda yang paling jenaka dan kelakar pada pandangan pertama. Sambil mengejek maksiat sosial, dia suka menggunakan kemahiran menyindir masyarakat. Dia, sambil menghiburkan penonton dengan imej yang tidak berbahaya dan lucu tentang orang yang suka bersuka ria dan wanita yang mudah berbudi, sebenarnya memberi amaran terhadap gaya hidup sedemikian.



Artis juga mempunyai lukisan yang lebih senyap, sebagai contoh, karya "Tandas Pagi", yang pada pandangan pertama seolah-olah menjadi tindakan yang sama sekali tidak bersalah. Tetapi jika anda melihat dengan teliti pada butiran, anda boleh agak terkejut dengan pendedahan mereka: ini adalah kesan stoking yang sebelum ini memerah kaki, dan periuk yang diisi dengan sesuatu yang tidak senonoh pada waktu malam, serta seekor anjing yang membenarkan dirinya menjadi betul. di atas bantal perempuan simpanan.



Dalam karya terbaiknya sendiri, artis itu mendahului rakan-rakannya dalam gabungan palet warna yang sangat mahir dan penguasaan bayang-bayang.

Artis Belanda yang lain

Dalam artikel ini, hanya tiga orang pintar daripada berdozen disenaraikan, layak berada setanding dengan mereka dalam senarai yang sama:




Jadi, dalam artikel ini, anda bertemu dengan artis Belanda abad ke-17 dan karya mereka.

Catatan. Senarai itu termasuk, sebagai tambahan kepada artis Belanda, juga pelukis Flanders.

Seni Belanda abad ke-15
Manifestasi pertama seni Renaissance di Belanda bermula pada awal abad ke-15. Lukisan pertama, yang sudah boleh dikira antara monumen Renaissance awal, telah dicipta oleh saudara Hubert dan Jan van Eyck. Kedua-dua mereka - Hubert (meninggal dunia 1426) dan Jan (kira-kira 1390-1441) - memainkan peranan penting dalam pembentukan Renaissance Belanda. Hampir tiada apa yang diketahui tentang Hubert. Jan, nampaknya, seorang yang sangat berpendidikan, dia belajar geometri, kimia, kartografi, menjalankan beberapa tugas diplomatik Duke of Burgundy Philip the Good, dalam perkhidmatannya, antara lain, perjalanannya ke Portugal berlaku. Langkah-langkah pertama Renaissance di Belanda boleh dinilai oleh lukisan saudara-saudara, yang dilaksanakan pada 20-an abad ke-15, dan antaranya seperti "Wanita Pembawa Myrrh di Makam" (mungkin sebahagian daripada polyptych; Rotterdam , Muzium Boumans-van Beiningen), " Madonna dalam Gereja "(Berlin)," Saint Jerome "(Detroit, Institut Seni).

Van Eyck bersaudara menduduki tempat yang luar biasa dalam seni kontemporari mereka. Tetapi mereka tidak bersendirian. Pada masa yang sama, pelukis lain bekerja dengan mereka, secara gaya dan dalam hubungan yang bermasalah dengan mereka. Di antara mereka, tempat pertama sudah pasti milik tuan Flemalian yang dipanggil. Terdapat banyak percubaan bijak untuk menentukan nama dan asal usulnya. Daripada jumlah ini, versi yang paling meyakinkan ialah artis ini mendapat nama Robert Campin dan biografi yang agak maju. Sebelum ini dipanggil Master of the Altar (atau "Annunciation") Merode. Terdapat juga sudut pandangan yang tidak meyakinkan yang mengaitkan karya yang dikaitkan dengannya kepada Rogier van der Weyden yang muda.

Adalah diketahui tentang Kampen bahawa dia dilahirkan pada tahun 1378 atau 1379 di Valenciennes, menerima gelaran tuan pada tahun 1406 di Tournai, tinggal di sana, melakukan banyak karya hiasan selain lukisan, adalah guru beberapa pelukis (termasuk Rogier van der Weyden, yang akan dibincangkan di bawah - dari 1426, dan Jacques Daré - dari 1427) dan meninggal dunia pada 1444. Seni Kampen mengekalkan ciri-ciri hariannya dalam skema "panteistik" umum dan dengan itu ternyata sangat dekat dengan generasi pelukis Belanda yang akan datang. Karya awal Rogier van der Weyden dan Jacques Daré, seorang pengarang yang sangat bergantung pada Kampen (contohnya, Adoration of the Magi and Meeting of Mary and Elizabeth, 1434-1435; Berlin), jelas menunjukkan minat dalam seni tuan ini, di mana sudah tentu kecenderungan masa ditunjukkan.

Rogier van der Weyden dilahirkan pada tahun 1399 atau 1400, dilatih oleh Kampen (iaitu, di Tournai), pada tahun 1432 dia menerima gelaran tuan, pada tahun 1435 dia berpindah ke Brussels, di mana dia adalah pelukis rasmi bandar: di 1449-1450 dia mengembara ke Itali dan meninggal dunia pada 1464. Beberapa artis terbesar Renaissance Belanda belajar dengannya (contohnya, Memling), dan dia terkenal bukan sahaja di tanah airnya, tetapi juga di Itali (saintis terkenal). dan ahli falsafah Nikolai Kuzansky memanggilnya artis terhebat; kemudian karyanya dicatat oleh Durer). Karya Rogier van der Weyden berfungsi sebagai asas berkhasiat untuk pelbagai jenis pelukis generasi akan datang. Cukuplah untuk mengatakan bahawa bengkelnya - bengkel pertama yang dianjurkan secara meluas di Belanda - mempunyai pengaruh yang kuat terhadap penyebaran gaya seorang tuan, yang tidak pernah berlaku sebelum abad ke-15, akhirnya mengurangkan gaya ini kepada jumlah teknik stensil dan malah memainkan peranan brek pada lukisan pada akhir abad ini. Namun, seni pada pertengahan abad ke-15 tidak boleh dikurangkan kepada tradisi Rogirovka, walaupun ia berkait rapat dengannya. Laluan lain terkandung terutamanya dalam karya Dirik Bouts dan Albert Ouvater. Mereka, seperti Rogir, agak asing dengan kekaguman panteistik untuk kehidupan, dan imej mereka tentang seseorang semakin kehilangan hubungannya dengan persoalan alam semesta - soalan falsafah, teologi dan artistik, memperoleh kekonkretan dan kepastian psikologi yang lebih besar. Tetapi Rogier van der Weyden, pakar bunyi dramatik yang dipertingkatkan, seorang artis yang berusaha untuk imej individu dan pada masa yang sama, sangat berminat dalam bidang sifat rohani manusia. Pencapaian Bouts dan Ouvater terletak pada bidang mempertingkatkan keaslian imej harian. Di antara masalah formal, mereka lebih berminat dalam isu yang berkaitan dengan penyelesaian tidak terlalu ekspresif seperti tugas bergambar (bukan ketajaman lukisan dan ekspresi warna, tetapi organisasi spatial gambar dan keaslian, keaslian cahaya- persekitaran udara).

Potret Wanita Muda, 1445, Galeri Seni, Berlin


Saint Ivo, 1450, Galeri Negara, London


Saint Luke, melukis imej Madonna, 1450, Muzium Groningen, Bruges

Tetapi sebelum meneruskan untuk mempertimbangkan karya kedua pelukis ini, seseorang harus memikirkan fenomena skala yang lebih kecil, yang menunjukkan bahawa penemuan seni abad pertengahan, pada masa yang sama merupakan kesinambungan tradisi van Eyck-Kampen dan kemurtadan. daripada mereka, sangat dibenarkan dalam kedua-dua sifat ini. Pelukis yang lebih konservatif Petrus Christus jelas menunjukkan ketakselesaan sejarah kemurtadan ini, walaupun untuk artis yang tidak cenderung kepada penemuan radikal. Sejak 1444, Christus menjadi warganegara Bruges (dia meninggal di sana pada 1472/1473) - iaitu, dia melihat karya terbaik van Eyck dan dibentuk di bawah pengaruh tradisinya. Tanpa menggunakan kata mutiara Rogier van der Weyden yang tajam, Christus mencapai pencirian yang lebih individu dan berbeza daripada van Eyck. Walau bagaimanapun, potretnya (E. Grimston - 1446, London, Galeri Nasional; seorang sami Cartesian - 1446, New York, Muzium Metropolitan) pada masa yang sama membuktikan penurunan tertentu dalam imejan dalam karyanya. Dalam seni, keinginan untuk konkrit, individu, khusus semakin ditunjukkan. Mungkin yang paling jelas kecenderungan ini ditunjukkan dalam karya Bouts. Lebih muda daripada Rogier van der Weyden (lahir antara 1400 dan 1410), dia jauh dari drama dan analitikisme tuan ini. Namun Pertarungan awal banyak datang dari Rogier. Mezbah dengan Descent from the Cross (Granada, Katedral) dan beberapa lukisan lain, seperti The Entombment (London, Galeri Nasional), membuktikan kajian mendalam tentang karya artis ini. Tetapi keasliannya sudah ketara di sini - Bouts menyediakan wataknya dengan lebih banyak ruang, dia tidak begitu berminat dengan persekitaran emosi seperti dalam aksi, proses itu sendiri, wataknya lebih aktif. Begitu juga dalam potret. Dalam potret lelaki yang sangat baik (1462; London, Galeri Nasional), dibesarkan dengan penuh doa - walaupun tanpa sebarang kemuliaan - mata, bentuk mulut yang istimewa dan tangan yang dilipat kemas mempunyai warna individu yang tidak diketahui oleh van Eyck. Walaupun dalam butirannya, anda boleh merasakan sentuhan peribadi ini. Kilauan yang agak membosankan, tetapi tidak bersalah terletak pada semua karya tuan. Dia paling ketara dalam gubahan berbilang angka. Dan terutamanya dalam karyanya yang paling terkenal - mezbah gereja Louvain St Peter (antara 1464 dan 1467). Jika penonton sentiasa menganggap karya van Eyck sebagai keajaiban kreativiti, penciptaan, maka perasaan lain timbul sebelum karya Bouts. Karya gubahan Bouts lebih bercakap tentang dia sebagai pengarah. Mengingat kejayaan kaedah "pengarah" sedemikian (iaitu, kaedah di mana tugas artis adalah untuk mengatur, seolah-olah, watak-watak ciri yang diambil dari alam semula jadi, untuk mengatur adegan) pada abad-abad berikutnya, seseorang harus memberi perhatian kepada fenomena ini dalam karya Dirk Bouts.

Peringkat seterusnya seni Belanda menangkap tiga hingga empat dekad terakhir abad ke-15 - masa yang amat sukar bagi kehidupan negara dan budayanya. Tempoh ini dibuka dengan karya Jos van Wassenhove (atau Jos van Gent; antara 1435-1440 - selepas 1476), seorang artis yang memainkan peranan penting dalam pembentukan lukisan baru, tetapi meninggalkan pada 1472 untuk Itali, menyesuaikan diri di sana dan secara organik. menyertai seni Itali. Mezbahnya dengan "Penyaliban" (Ghent, Gereja St. Bavo) memberi kesaksian kepada tarikan terhadap naratif, tetapi pada masa yang sama tentang keinginan untuk menafikan kisah dispassion dingin. Yang terakhir dia ingin capai dengan bantuan rahmat dan hiasan. Altarnya adalah karya sekular dengan skema warna terang yang dibina pada rona warni yang halus.
Tempoh ini diteruskan dengan kerja seorang sarjana bakat luar biasa - Hugo van der Goes. Beliau dilahirkan sekitar tahun 1435, menjadi tukang di Ghent pada tahun 1467 dan meninggal dunia pada tahun 1482. Karya terawal Huss termasuk beberapa imej Madonna dan Kanak-kanak, berbeza dalam aspek lirik imej (Philadelphia, Muzium Seni, dan Brussels, Muzium), dan lukisan "Saint Anne, Mary with Child and Donor" (Brussels , Muzium). Membangunkan penemuan Rogier van der Weyden, Huss melihat dalam komposisi tidak begitu banyak cara organisasi harmoni yang digambarkan sebagai cara untuk menumpukan perhatian dan mendedahkan kandungan emosi adegan itu. Seseorang itu indah untuk Gus hanya dengan kekuatan perasaan peribadinya. Pada masa yang sama, Gus tertarik dengan perasaan tragis. Walau bagaimanapun, imej Saint Genevieve (di belakang Lamentation) membuktikan fakta bahawa dalam pencariannya untuk emosi telanjang, Hugo van der Goes mula memberi perhatian kepada kepentingan etikanya. Di altar Portinari, Gus cuba menyatakan kepercayaannya terhadap keupayaan rohani seseorang. Tetapi seninya menjadi gementar dan tegang. Teknik artistik Gus adalah pelbagai - terutamanya apabila dia perlu mencipta semula dunia mental seseorang. Kadang-kadang, seperti dalam penghantaran reaksi para gembala, dia menyandingkan perasaan rapat dalam urutan tertentu. Kadang-kadang, seperti dalam imej Mary, artis menggariskan ciri-ciri umum pengalaman, mengikut mana penonton menarik perasaan secara keseluruhan. Kadang-kadang - dalam imej malaikat bermata sipit atau Margarita - dia menggunakan teknik untuk menguraikan imej menggunakan teknik gubahan atau berirama. Kadang-kadang ekspresi psikologi yang sangat sukar difahami mengubahnya menjadi cara pencirian - ini adalah bagaimana pantulan senyuman bermain pada wajah kering dan tidak berwarna Maria Baroncelli. Dan jeda memainkan peranan yang besar - dalam keputusan spatial dan dalam tindakan. Mereka memungkinkan untuk mengembangkan mental, menyelesaikan perasaan yang telah digariskan oleh artis dalam imej. Watak imej Hugo van der Goes sentiasa bergantung pada peranan yang harus mereka mainkan secara keseluruhan. Gembala ketiga benar-benar semula jadi, Joseph sepenuhnya psikologi, malaikat di sebelah kanannya hampir nyata, dan imej Margarita dan Magdalena adalah kompleks, sintetik dan dibina di atas gradasi psikologi yang sangat halus.

Hugo van der Goes sentiasa ingin menyatakan, untuk menjelmakan dalam imejnya kelembutan rohani seseorang, kemesraan batinnya. Tetapi pada dasarnya, potret terkini artis membuktikan krisis yang semakin meningkat dalam karya Gus, kerana struktur rohaninya dijana bukan oleh kesedaran tentang ciri-ciri keperibadian individu tetapi oleh kehilangan tragis perpaduan manusia dan dunia untuk artis. Dalam karya terakhir - "The Death of Mary" (Bruges, Muzium) - krisis ini mengakibatkan keruntuhan semua aspirasi kreatif artis. Keputusasaan para rasul tiada harapan. Gerak isyarat mereka tidak bermakna. Kristus yang mengalir dalam sinaran dengan penderitaannya seolah-olah membenarkan penderitaan mereka, dan telapak tangannya yang tertusuk berpaling kepada penonton, dan sosok yang tidak terbatas saiznya melanggar struktur berskala besar dan rasa realiti. Tidak mungkin juga untuk memahami ukuran realiti pengalaman para rasul, kerana perasaan itu sama untuk mereka semua. Dan ia tidak begitu banyak daripada artis. Tetapi pembawanya bagaimanapun secara fizikal dan psikologi meyakinkan. Imej sedemikian akan dihidupkan semula kemudian, apabila, pada akhir abad ke-15, tradisi 100 tahun dalam budaya Belanda berakhir (dengan Bosch). Zigzag aneh membentuk asas komposisi gambar dan mengaturnya: rasul yang duduk, hanya tidak bergerak, melihat penonton, condong dari kiri ke kanan, meregangkan Mary - dari kanan ke kiri, Kristus, mengalir - dari kiri ke betul. Dan zigzag yang sama dalam skema warna: sosok orang yang duduk disambungkan dengan Mary dalam warna, yang berbaring di atas kain biru kusam, dalam jubah juga biru, tetapi dari biru muktamad, kemudian - biru tanpa tubuh, tidak material. Kristus. Dan di sekeliling warna jubah para rasul: kuning, hijau, biru - sejuk yang tidak terhingga, jelas, tidak semulajadi. Perasaan dalam "Assumption" adalah telanjang. Ia tidak meninggalkan ruang untuk harapan atau kemanusiaan. Pada akhir hayatnya, Hugo van der Goes pergi ke sebuah biara, tahun-tahun terakhirnya dibayangi oleh penyakit mental. Nampaknya, dalam fakta-fakta biografi ini seseorang dapat melihat refleksi percanggahan tragis yang menentukan seni tuan. Kerja Hus dikenali dan dihargai, dan ia menarik perhatian walaupun di luar Belanda. Jean Clouet the Elder (Master of Moulins) berada di bawah pengaruh seninya yang paling kuat, Domenico Ghirlandaio mengetahui dan mempelajari altar Portinari. Namun, orang sezamannya tidak memahaminya. Seni Belanda telah terus condong ke arah jalan yang berbeza, dan kesan individu pengaruh karya Huss hanya menekankan kekuatan dan kelaziman kecenderungan lain ini. Mereka menunjukkan diri mereka sepenuhnya dan konsisten dalam karya Hans Memling.


Kesombongan duniawi, triptika, panel tengah,



Neraka, panel kiri Triptych Earthly Vanity,
1485, Muzium Seni Halus, Strastburg

Hans Memling, yang nampaknya dilahirkan di Seligenstadt, berhampiran Frankfurt am Main, pada 1433 (meninggal dunia 1494), artis itu menerima latihan yang sangat baik dari Rogier dan, setelah berpindah ke Bruges, memenangi kemasyhuran terluas di sana. Kerja-kerja yang agak awal mendedahkan arah pencariannya. Permulaan cahaya dan keagungan menerima daripadanya makna yang lebih sekular dan duniawi, dan segala sesuatu yang duniawi - ketinggian ideal tertentu. Contohnya ialah altar dengan Madonna, orang-orang kudus dan penderma (London, Galeri Nasional). Memling berusaha untuk mengekalkan penampilan harian wira sebenar dan membawa wira ideal lebih dekat dengan mereka. Prinsip agung tidak lagi menjadi ekspresi kuasa dunia umum tertentu yang difahami secara panteistik dan berubah menjadi harta rohani semulajadi manusia. Prinsip kreativiti Memling lebih jelas kelihatan dalam apa yang dipanggil Floreins-Altar (1479; Bruges, Muzium Memling), pentas utama dan sayap kanan yang, pada dasarnya, salinan percuma bahagian-bahagian yang sepadan dari Munich Rogier mezbah. Dia mengecilkan saiz altar secara drastik, memotong bahagian atas dan sisi gubahan Rogier, mengurangkan bilangan angka dan, seolah-olah, membawa aksi itu lebih dekat kepada penonton. Acara itu kehilangan skop megahnya. Imej-imej para peserta kehilangan keterwakilan mereka dan memperoleh ciri-ciri tertentu, komposisi adalah warna harmoni yang lembut, dan warna, sambil mengekalkan kesucian dan ketelusannya, kehilangan sepenuhnya suara Rogirov yang sejuk dan tajam. Dia kelihatan menggeletar dengan warna terang dan jelas. Lebih ciri lagi ialah "Pengumuman" (sekitar 1482; New York, koleksi Lehman), yang menggunakan skema Rogier; imej Mary diberi ciri idealisasi lembut, malaikat digenreasikan dengan ketara, dan barang dalaman dicat dengan cinta van Eyck. Pada masa yang sama, motif Renaissance Itali - kalungan, putti, dll - semakin menembusi karya Memling, dan struktur komposisi menjadi lebih terukur dan jelas (triptych dengan "Madonna and Child, Angel and Donor", Vienna). Artis cuba memadamkan garis antara permulaan yang konkrit dan biasa dengan permulaan yang ideal dan harmoni.

Seni Memling menarik perhatian tuan-tuan wilayah utara kepadanya. Tetapi mereka juga berminat dengan ciri-ciri lain - yang dikaitkan dengan pengaruh Hus. Wilayah utara, termasuk Belanda, ketinggalan di belakang wilayah selatan pada masa itu dari segi ekonomi dan rohani. Lukisan awal Belanda biasanya tidak melangkaui templat akhir zaman pertengahan dan wilayah, dan tahap kerajinannya tidak pernah meningkat kepada kesenian artis Flemish. Hanya sejak suku terakhir abad ke-15, keadaan telah berubah berkat seni Gertgen yang mensintesis Jans. Dia tinggal di Harlem, bersama sami-sami Johannite (yang mana dia berhutang nama samarannya - Sint Jans dalam terjemahan bermaksud St. John) dan meninggal dunia muda - berumur dua puluh lapan tahun (lahir di Leiden (?) Sekitar 1460/65, meninggal dunia di Harlem pada 1490-1495). Gertgen samar-samar merasakan keresahan yang membimbangkan Gus. Tetapi, tanpa bangkit kepada pandangan tragisnya, dia menemui daya tarikan lembut perasaan manusia yang sederhana. Dia rapat dengan Gus kerana minatnya terhadap dunia batin dan rohani manusia. Antara karya utama Hertgen ialah altar, yang ditulis untuk Harlem Johannites. Dari sebelah kanan, selempang dua belah yang kini digergaji telah dipelihara. Bahagian dalamannya membentangkan adegan berkabung yang besar berbilang angka. Gertgen mencapai kedua-dua matlamat yang ditetapkan mengikut masa: menyampaikan kemesraan, perasaan kemanusiaan dan mencipta cerita yang meyakinkan seperti kehidupan. Yang terakhir ini amat ketara pada bahagian luar selempang, yang menggambarkan pembakaran mayat Yohanes Pembaptis oleh Julian yang Murtad. Para peserta dalam aksi itu dikurniakan ciri yang keterlaluan, dan aksi itu dibahagikan kepada beberapa adegan bebas, yang setiap satunya disajikan dengan pemerhatian yang meriah. Sepanjang perjalanan, tuan mencipta, mungkin, salah satu potret kumpulan pertama dalam seni Eropah zaman moden: dibina berdasarkan prinsip gabungan ciri potret yang mudah, ia menjangkakan kerja abad ke-16. Untuk memahami kerja Gertgen, "Keluarga Kristus"nya (Amsterdam, Rijksmuseum) memberi banyak, dibentangkan di pedalaman gereja, ditafsirkan sebagai persekitaran ruang yang sebenar. Angka latar depan kekal ketara, tidak menunjukkan perasaan, mengekalkan penampilan harian mereka dengan maruah yang tenang. Artis mencipta imej yang mungkin merupakan watak paling burgher dalam seni Belanda. Pada masa yang sama, adalah penting bahawa Hertgen memahami kelembutan, kecomelan dan kenaifan tertentu bukan sebagai tanda ciri luaran, tetapi sebagai sifat tertentu dari dunia mental seseorang. Dan gabungan rasa hidup burgher dengan emosi yang mendalam ini merupakan ciri penting karya Gertgen. Bukan kebetulan bahawa dia tidak memberikan pergerakan rohani pahlawannya watak universal yang dimuliakan. Dia jenis sengaja menghalang wiranya daripada menjadi luar biasa. Disebabkan ini, mereka nampaknya tidak individu. Mereka mempunyai kelembutan dan tidak mempunyai perasaan lain atau pemikiran luar, kejelasan dan kemurnian pengalaman mereka menjadikan mereka jauh dari kehidupan seharian. Walau bagaimanapun, idealiti imej yang terhasil tidak pernah kelihatan abstrak atau buatan. Salah satu karya terbaik artis, "Christmas" (London, National Gallery), ialah lukisan kecil, penuh dengan perasaan gelisah dan terkejut, dengan ciri-ciri ini.
Gertgen meninggal lebih awal, tetapi prinsip seninya tidak kekal dalam kekaburan. Walau bagaimanapun, Sarjana Braunschweig Diptych (Saint Bavon, Braunschweig, Muzium; Krismas, Amsterdam, Rijksmuseum) dan beberapa sarjana tanpa nama lain tidak begitu membangunkan prinsip Hertgen kerana memberikan mereka watak standard yang meluas. Mungkin yang paling penting di antara mereka ialah Master Virgo inter virgines (dinamakan sempena lukisan Rijksmuseum Amsterdam yang menggambarkan Mary di antara dara suci), yang tidak begitu tertarik kepada justifikasi psikologi emosi tetapi kepada ketajaman ekspresinya dalam bentuk kecil, figura yang agak setiap hari dan kadang-kadang hampir dengan sengaja hodoh ( Entombment, St. Louis Museum; Lamentation, Liverpool; Annunciation, Rotterdam). Tetapi juga. karyanya lebih menjadi bukti kepada keletihan tradisi lama daripada ekspresi perkembangannya.

Penurunan mendadak dalam tahap artistik juga ketara dalam seni wilayah selatan, yang tuannya semakin cenderung terbawa-bawa oleh butiran harian yang tidak penting. Lebih menarik daripada yang lain ialah Master naratif legenda Saint Ursula yang tinggi, yang bekerja di Bruges pada 80-90an abad ke-15 (“The Legend of Saint Ursula”; Bruges, Monastery of the Black Sisters), pengarang yang tidak dikenali tidak kekurangan potret kemahiran pasangan Baroncelli (Florence, Uffizi), dan juga Master Bruges yang sangat tradisional bagi legenda Saint Lucia (Altar Saint Lucia, 1480, Bruges, Gereja Saint James, dan juga polyptych, Tallinn, Muzium). Pembentukan seni yang kosong dan kecil pada akhir abad ke-15 adalah antitesis yang tidak dapat dielakkan kepada pencarian Hus dan Hertgen. Manusia telah kehilangan sokongan utama pandangan dunianya - kepercayaan kepada struktur alam semesta yang harmoni dan menguntungkan. Tetapi jika akibat yang meluas daripada ini hanyalah pemiskinan konsep sebelumnya, maka pandangan yang lebih dekat mendedahkan ciri-ciri yang mengancam dan misteri di dunia. Untuk menjawab soalan-soalan yang tidak dapat diselesaikan pada masa itu, alegori akhir zaman pertengahan, demonologi, dan ramalan suram Kitab Suci juga terlibat. Dalam konteks pertumbuhan percanggahan sosial yang teruk dan konflik yang teruk, seni Bosch timbul.

Hieronymus van Aken, yang digelar Bosch, dilahirkan di Hertogenbosch (meninggal dunia di sana pada 1516), iaitu jauh dari pusat seni utama Belanda. Karya-karya awalnya tidak luput dari kesan primitif. Tetapi mereka secara anehnya menggabungkan perasaan akut dan mengganggu kehidupan alam semula jadi dengan keanehan sejuk dalam gambaran orang. Bosch bertindak balas kepada trend seni kontemporari - dengan keinginannya untuk yang sebenar, dengan pembuktian imej seseorang, dan kemudian - penurunan dalam peranan dan kepentingannya. Dia mengambil trend ini ke had tertentu. Dalam seni Bosch, satira atau, lebih baik dikatakan, imej sarkastik umat manusia timbul. Ini adalah "Operasi untuk membuang batu kebodohan" (Madrid, Prado). Operasi itu dilakukan oleh seorang sami - dan di sini terdapat senyuman jahat kepada paderi. Tetapi orang yang mereka berikan perhatian memandang penonton, pandangan ini menjadikan kita sebahagian daripada tindakan itu. Dalam karya Bosch, sindiran semakin berkembang, dia mempersembahkan orang sebagai penumpang di atas kapal orang bodoh (gambar dan lukisan untuknya di Louvre). Dia beralih kepada humor rakyat - dan ia mengambil naungan yang suram dan pahit di bawah tangannya.
Bosch datang untuk menegaskan sifat kehidupan yang suram, tidak rasional dan asas. Dia bukan sahaja menyatakan persepsinya tentang dunia, rasa hidupnya, tetapi memberikannya penilaian moral dan etika. Haystack adalah salah satu karya Bosch yang paling penting. Dalam mezbah ini, rasa realiti telanjang digabungkan dengan alegorikal. Timbunan jerami membayangkan pepatah lama Flemish: "Dunia adalah timbunan jerami: dan setiap orang mengambil daripadanya apa yang boleh direbut"; orang dalam pandangan penuh mencium dan bermain muzik antara malaikat dan beberapa makhluk syaitan; makhluk yang hebat menarik kereta, dan paus, maharaja, dan orang biasa dengan gembira dan rendah hati mengikutinya: ada yang berlari ke hadapan, tergesa-gesa di antara roda dan binasa, hancur. Landskap di kejauhan tidaklah hebat mahupun menakjubkan. Dan di atas segalanya - di atas awan - Kristus kecil mengangkat tangannya. Walau bagaimanapun, adalah salah untuk berfikir bahawa Bosch tertarik kepada kaedah asimilasi alegori. Sebaliknya, dia berusaha untuk memastikan bahawa ideanya terkandung dalam intipati penyelesaian artistik, supaya ia muncul di hadapan penonton bukan sebagai pepatah atau perumpamaan yang disulitkan, tetapi sebagai cara hidup tanpa syarat yang menggeneralisasikan. Dengan kecanggihan fantasi zaman pertengahan yang tidak dikenali, Bosch mendiami lukisannya dengan makhluk yang menggabungkan bentuk haiwan yang berbeza, atau bentuk haiwan dengan objek dunia yang tidak bernyawa, meletakkan mereka dalam hubungan yang luar biasa secara sengaja. Langit menjadi merah, burung yang dilengkapi dengan layar terbang di udara, makhluk yang dahsyat merayap di muka bumi. Ikan dengan kaki kuda membuka mulut mereka, dan bersama mereka adalah tikus yang membawa di belakang mereka menghidupkan semula kayu hanyut, dari mana orang menetas. Croup kuda bertukar menjadi jag gergasi, dan kepala berekor merayap di suatu tempat di atas kaki kosongnya yang nipis. Segala-galanya menjalar dan segala-galanya dikurniakan bentuk yang tajam dan mencakar. Dan segala-galanya dijangkiti tenaga: setiap makhluk - kecil, penipu, tabah - diliputi dalam pergerakan yang marah dan tergesa-gesa. Bosch meminjamkan daya pujukan yang paling hebat kepada adegan fantasi ini. Dia meninggalkan imej tindakan yang terbentang di latar depan dan menyebarkannya ke seluruh dunia. Dia memberikan kepada ekstravaganza dramatik berbilang angkanya warna yang menakutkan dalam kesejagatannya. Kadang-kadang dia memperkenalkan peribahasa berperingkat ke dalam gambar - tetapi tidak ada jenaka yang tersisa di dalamnya. Dan di tengah dia meletakkan patung kecil St. Anthony yang tidak berdaya. Contohnya, seperti mezbah dengan "Temptation of St. Anthony" pada panel tengah dari Muzium Lisbon. Tetapi Bosch serta-merta memaparkan rasa realiti yang tajam dan telanjang yang belum pernah berlaku sebelum ini (terutamanya dalam adegan di pintu luar mezbah yang disebutkan). Dalam karya matang Bosch, dunia tidak terhad, tetapi ruangnya berbeza - kurang terburu-buru. Udara kelihatan lebih telus dan lembap. Beginilah cara Yohanes di Patmos ditulis. Di bahagian belakang gambar ini, di mana adegan kesyahidan Kristus digambarkan dalam bulatan, landskap yang menakjubkan dibentangkan: telus, bersih, dengan hamparan sungai yang luas, langit tinggi dan lain-lain - tragis dan tegang ("The Crucifixion"). Tetapi semakin gigih Bosch memikirkan tentang orang. Dia cuba mencari ekspresi kehidupan mereka yang mencukupi. Dia menggunakan bentuk mezbah yang besar dan mencipta tontonan hebat yang aneh dan fantastis tentang kehidupan manusia yang berdosa - "The Garden of Delights."

Karya-karya artis baru-baru ini secara pelik menggabungkan fantasi dan realiti karya terdahulu, tetapi mereka juga mempunyai rasa perdamaian yang menyedihkan. Gumpalan makhluk jahat yang bertaburan, sebelum ini berjaya merebak ke seluruh bidang gambar. Terpisah, kecil, mereka masih bersembunyi di bawah pokok, muncul dari aliran sungai yang tenang atau berjalan di sepanjang bukit berumput yang terbiar. Tetapi mereka berkurangan dalam saiz, kehilangan aktiviti. Mereka tidak lagi menyerang seseorang. Dan dia (masih Saint Anthony) duduk di antara mereka - membaca, berfikir ("Saint Anthony", Prado). Bosch tidak mempedulikan kedudukan seseorang di dunia. Saint Anthony dalam karya-karyanya sebelum ini adalah tidak berdaya, menyedihkan, tetapi tidak bersendirian - sebenarnya, dia telah kehilangan bahagian kemerdekaan yang akan membolehkan dia berasa kesunyian. Kini landskap dikaitkan dengan hanya satu orang, dan dalam karya Bosch, tema kesunyian seseorang di dunia timbul. Seni abad ke-15 berakhir dengan Bosch. Kerja Bosch melengkapkan peringkat cerapan tulen ini, kemudian carian sengit dan kekecewaan yang tragis.
Tetapi trend yang terkandung dalam seninya bukanlah satu-satunya. Kecenderungan lain tidak kurang gejalanya, berkaitan dengan kerja tuan dalam skala yang lebih kecil - Gerard David. Dia meninggal dunia lewat - pada 1523 (lahir sekitar 1460). Tetapi, seperti Bosch, ia ditutup pada abad ke-15. Sudah pun karya awalnya ("The Annunciation"; Detroit) bersifat prosaik-sebenar; karya dari penghujung tahun 1480-an (dua lukisan mengenai subjek percubaan Cambyses; Bruges, Muzium) mendedahkan hubungan rapat dengan Bouts; lebih baik daripada gubahan lain yang bersifat lirik dengan persekitaran landskap aktif yang maju ("Rehat dalam Penerbangan ke Mesir"; Washington, Galeri Negara). Tetapi yang paling jelas, kemustahilan bagi tuan untuk melampaui had abad ini dapat dilihat dalam triptychnya dengan "The Baptism of Christ" (awal abad ke-16; Bruges, Muzium). Kedekatan dan kekecilan lukisan itu nampaknya bercanggah langsung dengan skala besar lukisan itu. Realiti dalam penglihatannya tiada kehidupan, kebiri. Di sebalik keamatan warna tidak ada ketegangan rohani, mahupun rasa berharganya alam semesta. Enamel cara bergambar adalah sejuk, serba lengkap dan tidak mempunyai tujuan emosi.

Abad ke-15 di Belanda adalah pada masa seni yang hebat. Menjelang akhir abad ini, ia telah meletihkan dirinya sendiri. Keadaan sejarah baru, peralihan masyarakat ke peringkat pembangunan yang lain menyebabkan peringkat baru dalam evolusi seni. Ia berasal pada awal abad ke-16. Tetapi di Belanda, dengan asli, ciri seni mereka, gabungan prinsip sekular dengan kriteria agama dalam menilai fenomena kehidupan, yang merupakan ciri seni mereka, dan ketidakupayaan untuk melihat seseorang dalam kehebatan dirinya sendiri, di luar. mengenai persoalan permulaan rohani kepada dunia atau kepada Tuhan, di Belanda satu era baru pasti akan datang hanya selepas krisis yang paling kuat dan paling teruk dari keseluruhan persepsi dunia sebelumnya. Jika di Itali Renaissance Tinggi adalah akibat logik dari seni Quattrocento, di Belanda tidak ada hubungan sedemikian. Peralihan ke era baru ternyata sangat menyakitkan, kerana dalam banyak cara ia memerlukan penolakan terhadap seni sebelumnya. Di Itali, rehat dengan tradisi zaman pertengahan berlaku seawal abad ke-14, dan seni Renaissance Itali mengekalkan integriti perkembangannya sepanjang Renaissance. Di Belanda, keadaannya berbeza. Penggunaan warisan zaman pertengahan pada abad ke-15 menyukarkan untuk menerapkan tradisi yang telah ditetapkan pada abad ke-16. Bagi pelukis Belanda, garis antara abad ke-15 dan ke-16 dikaitkan dengan pecahan radikal pandangan dunia.