Lukisan, muzik, seni bina Eropah pada abad XIX - awal abad XX. Artis luar negara yang hebat Seniman terkemuka Eropah abad ke-19

Pelukis Jerman Franz Xaver Winterhalter terkenal dengan potret wanita cantik abad ke-19. Dia dilahirkan pada tahun 1805 di Jerman, tetapi selepas menerima pendidikan profesional dia berpindah ke Paris, di mana dia dilantik sebagai pelukis mahkamah di istana diraja. Seluruh siri potret keluarga masyarakat tinggi menjadikan artis itu sangat popular. Dan dia menjadi sangat popular dengan wanita sekular, kerana dia mahir menggabungkan persamaan potret dengan keupayaan untuk "membentangkan" objek kerjanya. Walau bagaimanapun, pengkritik melayannya dengan sangat, sangat keren, yang, bagaimanapun, tidak menghalangnya daripada menjadi lebih dan lebih popular dengan wanita masyarakat tinggi bukan sahaja di Perancis, tetapi di seluruh dunia. Alexander Dumas berkata ini tentang dia Wanita telah menunggu giliran mereka selama berbulan-bulan untuk masuk ke atelier Winterhalter ... mereka mendaftar, mereka mempunyai nombor siri mereka dan menunggu - satu tahun, lapan belas bulan lagi, yang ketiga - dua tahun. Yang paling bertajuk mempunyai kelebihan. Semua wanita bermimpi memiliki potret yang dilukis oleh Winterhalter di kamar kerja mereka ... Wanita dari Rusia tidak terlepas daripada nasib sedemikian.

Antara karyanya yang paling terkenal ialah potret Maharani Eugenia (ini adalah model kegemarannya).

dan Maharani Elizabeth dari Bavaria (1865).
Di sini anda perlu berhenti dan berhenti seketika...
Bagaimana segala-galanya berkaitan di dunia ini! Kehidupan Habsburgs dan Elizabeth, hubungannya dengan ibu mertuanya, nasib anaknya Rudolph dan filem Mayerling, sejarah Austria-Hungary dan peranan Ava Gardner, dan saya, seorang wanita wilayah kecil yang mengumpul potret oleh Franz dan merenung dengan teliti pada monitor komputer ...
Saya membaca dalam ensiklopedia tentang kehidupan Sissy, tentang anak-anaknya, teringat filem itu dan melihat potret dan gambar ...
Sesungguhnya lukisan adalah tingkap kepada dunia duniawi dan dunia ilmu...

Franz Xaver Winterhalter dilahirkan pada 20 April 1805 di kampung kecil Mensenschwad di Black Forest, Baden. Dia adalah anak keenam dalam keluarga Fidel Winterhalter, seorang petani dan pengeluar damar, dan isterinya Eva Meyer, yang berasal dari keluarga Menzenschwand lama. Daripada lapan adik beradik Franz, hanya empat yang terselamat.

Ayahnya, walaupun dia berasal dari petani, mempunyai kesan yang signifikan terhadap kehidupan artis.

Sepanjang hidupnya, Winterhalter berhubung rapat dengan keluarganya, terutamanya dengan abangnya Hermann (1808-1891), yang juga seorang artis.

Selepas bersekolah di biara Benedictine di Blazin pada tahun 1818, Winterhalter yang berusia tiga belas tahun meninggalkan Mentzenschwand untuk belajar melukis dan mengukir.
Dia belajar litografi dan lukisan di Freiburg di studio Karl Ludwig Schuler (1785-1852). Pada tahun 1823, ketika dia berumur lapan belas tahun, dengan sokongan industrialis Baron von Eichtal, dia pergi ke Munich.
Pada tahun 1825, beliau menerima biasiswa daripada Grand Duke of Baden dan memulakan kursus di Akademi Seni Munich di bawah bimbingan Peter Cornelius, tetapi artis muda itu tidak menyukai kaedah pengajarannya, dan Winterhalter akan berjaya mencari guru lain yang boleh mengajarnya potret sekular, dan itu adalah Joseph Stieler.
Pada masa yang sama, Winterhalter mencari nafkah sebagai ahli litograf.

Kemasukan Winterhalter ke dalam bulatan mahkamah berlaku pada tahun 1828 di Karlsruhe, apabila dia menjadi guru lukisan untuk Countess Sophia dari Baden. Peluang bertuah untuk mengisytiharkan dirinya jauh dari selatan Jerman datang kepada artis pada tahun 1832, apabila, dengan sokongan Grand Duke Leopold of Baden, dia berpeluang pergi ke Itali (1833-1834).

Di Rom, dia melukis lukisan genre romantis dalam gaya Louis-Leopold Robert dan menjadi rapat dengan pengarah Akademi Perancis Horace Vernet.

Sekembalinya ke Karlsruhe, Winterhalter melukis potret Grand Duke Leopold of Baden dan isterinya dan menjadi pelukis ducal istana.

Namun begitu, dia meninggalkan Baden dan berpindah ke Perancis,

di mana pada pameran 1836 perhatian telah tertarik dengan lukisan genrenya "Il dolce Farniente",

dan setahun kemudian, "Il Decameron" juga dihormati. Kedua-dua karya adalah lukisan akademik dalam gaya Raphael.
Di Salon 1838, dia telah dihadiahkan dengan potret Putera Wagram bersama anak perempuannya.
Lukisan-lukisan itu berjaya, dan kerjaya Franz sebagai pelukis potret terjamin.

Dalam satu tahun dia menulis kepada Louise-Marie dari Orleans, Ratu Belgium bersama anaknya.

Mungkin terima kasih kepada lukisan ini, Winterhalter dikenali oleh Mary Amalia dari Naples, Ratu Perancis, ibu kepada ratu Belgium.

Jadi Winterhalter dengan cepat menjadi bergaya di Paris. Dia dilantik sebagai pelukis mahkamah kepada Louis-Philippe, Raja Perancis, yang mempercayakannya dengan penciptaan potret individu keluarga besarnya. Winterhalter mempunyai lebih daripada tiga puluh pesanan yang perlu dipenuhi untuknya.

Kejayaan ini menjadikan artis itu terkenal sebagai ahli potret dinasti dan bangsawan: dengan mahir menggabungkan ketepatan keserupaan potret dengan sanjungan yang halus, dia menggambarkan kemegahan negara dengan cara moden yang meriah. Pesanan diikuti satu demi satu...

Walau bagaimanapun, dalam kalangan artistik, Winterhalter telah dilayan secara berbeza.
Pengkritik yang memuji penampilan sulungnya dalam pameran di Salon 1936 berpaling daripadanya sebagai seorang artis yang tidak boleh dianggap serius. Sikap ini berterusan sepanjang kerjaya Winterhalter dan membezakan karyanya dalam hierarki lukisan.

Winterhalter sendiri melihat perintah kerajaan pertamanya sebagai peringkat sementara sebelum kembali ke lukisan objek dan memulihkan kuasa akademik; dia adalah mangsa kejayaannya sendiri, dan untuk ketenangan fikirannya sendiri, dia terpaksa bekerja hampir secara eksklusif dalam genre potret. Ini adalah kawasan di mana dia bukan sahaja ahli dan berjaya, tetapi juga berjaya menjadi kaya.
Tetapi Winterhalter menerima kemasyhuran antarabangsa dan naungan royalti.

Ratu Victoria adalah antara banyak model agungnya. Winterhalter pertama kali melawat England pada tahun 1842 dan kembali ke sana beberapa kali untuk melukis potret Victoria, Putera Albert dan keluarga mereka yang semakin meningkat, mencipta untuk mereka sejumlah 120 karya. Kebanyakan lukisan berada dalam Koleksi Diraja, dibuka untuk dipamerkan di Istana Buckingham dan muzium lain.

Winterhalter juga melukis beberapa potret wakil bangsawan Inggeris, yang kebanyakannya adalah sebahagian daripada kalangan mahkamah.

Kejatuhan Louis Philippe pada tahun 1848 tidak menjejaskan reputasi artis. Winterhalter berpindah ke Switzerland dan bekerja atas pesanan di Belgium dan England.
Paris kekal sebagai kampung halaman artis: rehat dalam menerima tempahan untuk potret di Perancis membolehkannya kembali ke lukisan tematik dan beralih kepada legenda Sepanyol.

Ini adalah bagaimana lukisan Florinda (1852, Muzium Metropolitan, New York) muncul, yang merupakan perayaan yang menggembirakan kecantikan wanita.
Pada tahun yang sama, dia mencadangkan untuk berkahwin dengannya, tetapi ditolak; Winterhalter kekal sebagai bujang yang menumpukan pada kerjanya.

Selepas naik takhta Napoleon III, populariti artis meningkat dengan ketara. Sejak itu, Winterhalter menjadi pelukis potret utama keluarga diraja dan mahkamah Perancis.

Permaisuri Perancis yang cantik Eugenie menjadi model kegemarannya dan melayan artis itu dengan baik.

Pada tahun 1855, Winterhalter melukis karya agungnya "Permaisuri Eugenie dikelilingi oleh pembantu rumah kehormat", di mana dia menggambarkannya dalam suasana luar bandar, mengumpul bunga dengan pembantu rumahnya. Lukisan itu diterima dengan baik, dipamerkan untuk tontonan umum, dan sehingga hari ini masih menjadi karya tuan yang paling terkenal.

Pada tahun 1852 dia pergi ke Sepanyol untuk menulis kepada Ratu Isabella II, bekerja untuk keluarga diraja Portugis. Wakil-wakil bangsawan Rusia yang datang ke Paris juga gembira menerima potret mereka daripada tuan terkenal itu.
Sebagai artis diraja, Winterhalter sentiasa mendapat permintaan di mahkamah Britain (sejak 1841), Sepanyol, Belgium, Rusia, Mexico, Jerman dan Perancis.

Pada separuh pertama abad XIX. lukisan cemerlang dalam seni Eropah Barat. Wakil neoklasikisme ialah Jacques-Louis David (1748-1825). Lukisan "The Oath of the Horatii" (1784), yang dibuat oleh perintah negara, membawanya kemasyhuran. Selepas revolusi, David telah dipilih sebagai ahli Konvensyen, dan kemudian terlibat dalam politik revolusioner dalam bidang seni. Lukisan paling terkenal pada era revolusi, The Death of Marat (1793), adalah milik berus David. Jean Paul Marat adalah salah seorang pemimpin rampasan kuasa Jacobin. Dia dibunuh oleh Charlotte Corday. Dalam gambar itu, David menggambarkan Marat yang dibunuh. David sangat kagum dengan kematian tragis Marat sehingga dia menyelesaikan lukisan itu dalam masa tiga bulan dan ia digantung terlebih dahulu di Louvre, tempat beribu-ribu orang lalu, dan kemudian di bilik persidangan Konvensyen.

Semasa pemerintahan Napoleon, David memenuhi perintah dari mahkamah. Napoleon memilih David sebagai pelukis pertama, dengan sempurna meneka komponen propaganda bakatnya. Potret Napoleon David memuliakan maharaja sebagai wira negara baru ("Bonaparte's Crossing the Saint-Bernard Pass", "Potret Napoleon"). Kesempurnaan dibezakan oleh potret indah Madame Recamier, yang membuktikan komitmen pengarang terhadap klasikisme.

Pelajar David ialah Antoine Gros (1771-1835). Dalam lukisan "Napoleon di Jambatan Arkolsky", artis itu menangkap salah satu momen paling heroik dalam kehidupan maharaja masa depan. Jeneral Bonaparte muda secara peribadi mengetuai serangan, mengambil sepanduk yang jatuh, dan pertempuran itu dimenangi. Gro mencipta keseluruhan siri lukisan tentang maharaja, memuliakan keberanian, bangsawan dan belas kasihannya (contohnya, "Bonaparte melawat wabak di Jaffa").

Seorang penganut cita-cita klasik ialah Jean Opost Dominique Ingres (1780-1867). Sebagai seorang artis, dia banyak bekerja untuk individu persendirian, tetapi juga menjalankan perintah kerajaan. Ingres belajar dengan David dan sepanjang hidupnya kekal sebagai juara klasikisme. Dalam karya-karyanya, Ingres mencapai kemahiran tinggi dan persuasif artistik, merangkumi idea kecantikan yang sangat individu.

Artis Théodore Gericault (1791-1824) adalah seorang sarjana yang namanya dikaitkan dengan kejayaan cemerlang romantisisme pertama di Perancis. Sudah dalam kanvas awalnya (potret lelaki tentera, gambaran kuda), cita-cita antik surut, gaya individu yang mendalam berkembang. Lukisan Gericault "The Raft of Medusa" telah menjadi simbol artis kontemporari di Perancis. Orang yang melarikan diri dari kapal karam mengalami harapan dan keputusasaan. Gambar itu bukan sahaja menceritakan tentang usaha terakhir orang yang dalam kesusahan, tetapi menjadi simbol Perancis pada tahun-tahun itu, yang juga berlalu dari keputusasaan kepada harapan.

Eugene Delacroix (1798-1863) menjadi ketua romantisme Perancis dalam lukisan. Artis mencipta beberapa imej: adegan dari neraka Dante, wira karya Byron, Shakespeare dan Goethe, perjuangan orang Yunani menentang pemerintahan Turki, yang kemudiannya menggembirakan seluruh Eropah. Pada tahun 1830, peristiwa politik utama ialah Revolusi Julai, yang berakhir dengan kekalahan dan pemulihan monarki di Perancis. Delacroix pada tahun 1830 melukis lukisan "Liberty Leading the People (28 Julai 1830)". Wanita yang menaikkan sepanduk tiga warna Republik Perancis mewakili kebebasan. Liberty mengetuai pemberontak semasa mereka memanjat penghadang. Episod pertempuran jalanan menjadi gambaran epik, dan imej Kebebasan di penghadang menjadi personifikasi perjuangan. Untuk beberapa generasi Perancis, lukisan Delacroix telah menjadi monumen kepada keberanian rakyat, simbol republik.

Di Jerman, wakil romantisme ialah Caspar David Friedrich (1774-1840). Lukisan alam semula jadinya mula-mula memperkenalkan arah romantis kepada orang ramai Jerman. Tema utama dalam karyanya ialah tema kehilangan tragis manusia di dunia. Puncak gunung, keluasan laut, dan pokok pelik adalah motif yang kerap dalam landskapnya. Watak yang berterusan dalam karyanya adalah imej romantis seorang pengembara, seorang perenung alam semula jadi. Kerja Caspar David Friedrich benar-benar dihargai hanya pada abad XX.

Di Eropah pada abad XIX. kehidupan artistik sebahagian besarnya ditentukan oleh kemunculan kumpulan artis, yang pandangan mereka terhadap seni sangat dekat. Di Jerman, orang Nazarene, yang meniru pelukis Jerman dan Itali pada abad ke-18, terlibat dalam konflik dengan golongan neoklasik. dan mereka yang beralih kepada seni keagamaan dan ketakwaan Kristian. Tema utama lukisan Bieder-Meier (gaya istimewa dalam seni Jerman dan Austria) ialah kehidupan seharian seseorang, yang berkait rapat dengan rumah dan keluarganya. Minat Biedermeier bukan pada masa lalu, tetapi pada masa kini, bukan pada yang besar, tetapi pada yang kecil, menyumbang kepada pembentukan trend realistik dalam lukisan.

Pada separuh kedua abad XIX. prinsip utama dalam seni ialah realisme. Pelukis Perancis Camille Corot (1796-1875) memilih genre landskap yang tidak diiktiraf dalam kalangan akademik. Koro sangat tertarik dengan keadaan peralihan alam semula jadi, yang memungkinkan untuk melarutkan angka dan pokok dalam jerebu udara.

Sekumpulan artis yang menetap di kampung Barbizon mengabadikan nama ini dalam sejarah seni lukis. Pelukis sekolah Barbizon sedang mencari subjek yang mudah, sering beralih ke landskap dan mengembangkan cara bergambar khas, bebas dan lirik. Mereka hanya melukis alam semula jadi, tetapi mereka melakukannya dengan menyampaikan peralihan warna yang halus, menggambarkan permainan cahaya dan udara. Dalam lukisan Barbizon, pengkritik seni melihat salah satu sumber impresionisme masa depan, kerana orang Barbizon cuba menyampaikan kesan yang jelas tentang alam semula jadi.

Lukisan oleh Jean Francois Millet (1814-1875) dan Gustave Courbet (1819-1877) juga boleh dikaitkan dengan naturalisme. Kerja Millet dipengaruhi oleh orang Barbizon (bukan kebetulan bahawa pada akhir hayatnya dia begitu terbawa-bawa oleh landskap). Tema utama karyanya adalah kehidupan petani dan alam semula jadi. Dalam lukisan artis, kita melihat watak-watak yang sebelum ini dianggap tidak layak untuk berus pelukis: petani yang letih, penat bekerja keras, pengemis dan rendah diri. Millet membangunkan tema sosial dengan cara yang benar-benar baharu, yang menemui kesinambungannya di Gustave Courbet. Courbet menyatakan pemahamannya tentang peranan seni dalam perkataan berikut:

"Untuk dapat menyatakan adat istiadat, imej era sesuai dengan penilaian saya sendiri, untuk menjadi bukan sahaja seorang artis, tetapi juga seseorang, dalam satu perkataan, untuk mencipta seni hidup - ini adalah tugas saya". Kedudukan Courbet sebagai pejuang seni baru menjadikannya peserta dalam acara Komune Paris.

Naturalisme sebagai gaya lukisan tercermin dalam karya pelukis Jerman seperti Adolf von Menzel (1815-1905) dan Wilhelm Leibl (1844-1900). Seniman berminat dengan imej kehidupan seharian; buat pertama kalinya tema perindustrian dan tema buruh petani dan cara hidup mereka terdengar dalam karya mereka.

Pada separuh pertama abad XIX. dalam seni England, kecenderungan kedua-dua neoklasik dan romantisme telah dicerminkan.

William Bleick (1757-1827) bukan sahaja seorang artis, tetapi juga seorang penyair. Dia bekerja dalam teknik tempera dan cat air, menulis adegan dari Alkitab, dari karya sastera, contohnya, Shakespeare, mencipta ilustrasi untuk Dante. Dalam sejarah seni Inggeris, karya Blake terserlah. Artis itu mati dalam kemiskinan, pengiktirafan datang kepadanya hanya pada abad XX.

Pelukis landskap Inggeris telah membuka lembaran baharu dalam sejarah seni lukis. John Constable (1776-1837) melukis lakaran dalam minyak, menggambarkan tempat-tempat yang biasa baginya sejak zaman kanak-kanak. Dalam keinginannya untuk menyampaikan kesegaran kesan semula jadi, dia meninggalkan butiran yang ditulis dengan teliti. Karya Konstabel terkenal di Perancis, mempengaruhi perkembangan lukisan Perancis; semangat untuk mereka terselamat Theodore Gericault.

Landskap William Turner (1775-1851) sangat romantis. Artis suka menggambarkan ribut di laut, hujan dan ribut petir. Dia bekerja dalam kedua-dua cat air dan minyak.

Kedudukan dominan dalam lukisan di England dikekalkan oleh sekolah akademik. Karya ahli Akademi Seni Diraja, yang dipersembahkan secara tradisional, popular di kalangan orang ramai. Walau bagaimanapun, di England, persatuan artis telah diwujudkan, dipanggil "Brotherhood of the Pre-Raphaelites". Mereka tertarik dengan kerohanian agama ahli Proto-Renaissance (artis yang bekerja sebelum Raphael). Dalam karya mereka, Pra-Raphaelite menyatakan orientasi romantis terhadap era lain (oleh itu daya tarikan mereka dengan Zaman Pertengahan). Karya Pra-Raphaelite disokong oleh John Ruskin (1819-1900), seorang penulis dan pengkritik seni yang menjadi pengarang buku Modern Painters. Pra-Raphaelite beralih kepada subjek Perjanjian Baru, banyak melukis dari alam semula jadi, dan mengubah teknik lukisan tradisional: kanvas mereka dibezakan oleh nada cerah dan segar.

Antara pelukis separuh kedua abad XIX. Edouard Manet (1832-1883) menonjol kerana bakatnya yang cemerlang. Tema sejarah itu biasa baginya, tetapi tidak menarik perhatian artis, dia mula menggambarkan kehidupan Paris yang banyak pihak. Kritikan rasmi tidak menerima artis, lukisan inovatifnya dikutuk, menimbulkan protes. Inilah yang berlaku dengan lukisan paling terkenal oleh Manet "Breakfast on the Grass" dan "Olympia". Orang ramai seolah-olah mencabar imej tubuh wanita berbogel, dan yang paling penting, cara pengarang, yang cuba menyampaikan kekayaan cahaya matahari. Paris menjadi motif berterusan kerja Manet: orang ramai di bandar, kafe dan teater, jalan-jalan di ibu kota. Kerja Manet menjangkakan arah baru dalam lukisan - impresionisme, tetapi artis itu sendiri tidak menyertai pergerakan ini, walaupun dia agak mengubah gaya kreatifnya di bawah pengaruh impresionis. Pada akhir hayat Manet, dia diiktiraf secara meluas, dia dianugerahkan Order of the Legion of Honor.

Bengkel Edouard Manet, yang untuk seketika menjadi pusat kehidupan artistik, menyatukan seluruh kumpulan artis yang kagum dengan penemuan indah pemiliknya. Juri Salon menolak lukisan mereka seperti Manet. Mereka dipamerkan secara peribadi dalam apa yang dipanggil "Salon of the Outcast" (iaitu, pelukis yang dinafikan pameran oleh juri Salon rasmi). Pameran yang diadakan di premis studio fotografi pada tahun 1874, mempersembahkan, khususnya, lukisan oleh Claude Monet "Impression. Matahari terbit". Berdasarkan nama ini, salah seorang pengkritik memanggil peserta impresionis (kesan dalam bahasa Perancis). Beginilah nama arah artistik sepertiga terakhir abad ke-19 dilahirkan daripada nama samaran yang ironis. Artis seperti Claude Monet (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903), Pierre Opost Renoir (1841-1919), Alfred Smelei (1839-1899), Edgar Degas (1834-1917) secara tradisinya tergolong dalam golongan Impresionis.

Seperti Barbizonians, Impresionis melukis alam semula jadi, dan mereka juga yang pertama menggambarkan kehidupan bandar yang dinamik. Orang Barbizon melukis gambar mereka di studio, manakala Impresionis pergi ke udara terbuka, "di udara terbuka". Mereka menyedari bahawa landskap yang sama berubah di bawah keadaan pencahayaan yang berbeza dalam cuaca cerah dan mendung, pada waktu matahari terbit dan terbenam. Mereka cuba mengekalkan kesegaran kesan segera dalam lukisan itu. Mereka melukis lukisan mereka dengan cepat, meninggalkan warna campuran dan menggunakan warna terang tulen, mengaplikasikannya dalam sapuan yang berasingan.

Ini adalah bagaimana arah artistik baru dilahirkan. Kemunculannya dipengaruhi bukan sahaja oleh pencapaian artis Eropah terdahulu, tetapi juga oleh ciptaan fotografi (keperluan untuk meniru kehidupan primitif hilang), berkenalan dengan seni oriental (potongan kayu Jepun dengan keseriusannya, perspektif luar biasa, warna harmoni menjadi sumber teknik seni baru).

Impresionisme bukan hanya satu arah dalam lukisan, ia mendapati perkembangannya dalam arca, muzik dan kesusasteraan. Impresionisme menjadi revolusi dalam persepsi dunia: subjektiviti persepsi manusia ditemui dan ditunjukkan secara terbuka. Pada akhir abad XIX. dan pada abad XX. ia adalah tepat arah seni yang mewakili pelbagai, versi sering tidak dijangka persepsi artis tentang dunia yang akan membentuk seni yang benar-benar kontemporari. Golongan Impresionis menemui relativiti persepsi manusia, subjektivitinya. Tidak lama kemudian, pada pergantian abad, "relativiti" yang sama akan ditemui oleh fizik teori. Dengan cara yang unik, seni mendedahkan keupayaannya untuk menjangka dan menyatakan trend masa dan perubahan dalam kesedaran masyarakat.

Selama 12 tahun, Impresionis telah menganjurkan lapan pameran. Landskap luar bandar dan bandar, potret, pemandangan harian - dalam semua genre lukisan, mereka membuat penemuan seni yang tulen. Karya-karya Impresionis membentuk hala tuju artistik yang inovatif, para artis menyerap pencapaian terbaik antara satu sama lain.

Penemuan Impresionis adalah asas untuk generasi artis seterusnya. wakil rakyat neo-impresionisme menjadi Georges Seurat (1859-1891) dan Paul Signac (1863-1935). Neo-Impresionis mengubah gaya lukisan, dalam seni mereka lebih banyak menyatakan keintelektualan.

Pada akhir abad ke-19, empat artis Perancis: Paul Cezanne (1839-1906), Vincent Van Gogh (1853-1890), Paul Gauguin (1848-1903) dan Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), tanpa secara rasmi menyertai kumpulan, namun membentuk hala tuju baharu - pasca-impresionisme(dari Lat. "post" - "after"). Golongan Pasca-Impresionis rapat dengan golongan Impresionis. Kecewa dalam masyarakat kontemporari mereka, artis beralih kepada menggambarkan alam semula jadi, tetapi tidak lagi berusaha untuk menangkap keadaan serta-merta, seperti yang dilakukan oleh impresionis, tetapi untuk mempelajari intipati sebenar perkara yang tersembunyi di bawah penampilan mereka. Dalam pegun dan potret, Cezanne mencari bentuk geometri yang stabil. Kanvas Van Gogh menyampaikan keadaan emosi artis dengan ekspresif dan skema warna yang luar biasa. Gauguin menggambarkan kehidupan penduduk asli Tahiti yang diidealkan oleh imaginasinya, kehidupan yang tidak disentuh oleh tamadun, menyampaikan sifat eksotik dalam kombinasi warna yang hebat. Dalam poster dan litograf Toulouse-Lautrec, kehidupan bohemia Paris muncul di hadapan kita. Karya Post-Impresionis berfungsi sebagai titik permulaan untuk mencari seni abad ke-20. Fauvisme, Kubisme, Ekspresionisme berasal dari karya Impresionis.

Dalam lukisan dan grafik, simbolisme dan modenisme menampakkan diri dalam karya seluruh kumpulan artis Eropah.

Aubrey Beardsley (1872-1898) hidup hanya selama dua puluh lima tahun, tetapi karyanya mempunyai kesan yang besar terhadap pembentukan gaya Art Nouveau. Dia dikenali terutamanya sebagai ilustrator buku. Grafiknya bergaya dan canggih, dengan penyempurnaan pergerakan aneh yang fleksibel. Sastera merupakan sumber inspirasi utama bagi pelukis. Karya Beardsley merangkumi banyak idea dan prinsip kemodenan. Secara umumnya, kemodenan dicirikan oleh penambahbaikan pada tema dari era dan gaya yang berbeza, gabungan pelik maksiat dan kerohanian.

Seniman Perancis Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898) dapat mengubah plot yang mudah dan sederhana menjadi komposisi simbolik. Dia diilhamkan oleh imej kuno, menggunakannya dalam panel. Karya-karyanya digayakan kuno, tafsiran kuno oleh seorang lelaki pada akhir abad ke-19.

Pelukis Perancis Gustave Moreau (1826-1898) dikaitkan dengan simbolisme. Dia berusaha untuk memukau penonton dengan kehebatan plot, dan keindahan warna yang terang, dan skema warna ekspresif, dan emosi yang kuat.

Impresionisme. Perlambangan. Modenisme.

Pada separuh kedua abad ke-19, satu aliran muncul dalam seni Barat, yang kemudiannya dipanggil "modenisme". Impresionisme, yang muncul pada tahun 60-an, boleh dianggap sebagai trend pertamanya. Trend ini belum lagi moden sepenuhnya. Ia meninggalkan realisme dan bergerak lebih jauh dan lebih jauh daripadanya, tanpa melanggarnya sepenuhnya. Impresionisme belum lagi moden, tetapi ia bukan lagi realisme. Ia mungkin dianggap tepat sebagai permulaan modenisme, kerana ciri-ciri utamanya sudah ada di dalamnya.

Yang pertama dikaitkan dengan peralihan jelas dalam penekanan dari objek ke subjek, daripada objektiviti dan kebenaran kepada sensasi subjektif. Dalam Impresionisme, perkara utama bukanlah objek yang digambarkan, tetapi persepsinya, kesan yang ditimbulkannya dalam diri artis. Kesetiaan kepada objek memberi laluan kepada kesetiaan kepada persepsi, kesetiaan kepada kesan sekejap. Prinsip "kafir kepada subjek" kemudiannya akan menjadi salah satu prinsip asas estetika modenisme, berubah menjadi prinsip ubah bentuk sedar, herotan dan penguraian subjek, prinsip penolakan subjek, objektiviti dan kiasan. Seni semakin menjadi seni ekspresi diri artis.

Tanda kedua terdiri daripada perhatian khusus untuk eksperimen, mencari cara yang lebih ekspresif, teknik teknikal dan artistik. Dalam hal ini, pelukis Impresionis mengikuti contoh para saintis. Mereka dengan penuh semangat terlibat dalam penguraian ton, permainan pantulan warna, dan gabungan warna yang luar biasa. Mereka suka kecairan, kebolehubah, ketangkasan. Mereka tidak bertolak ansur dengan apa-apa yang beku dan statik. Proses interaksi objek dengan atmosfera, udara, cahaya, kabut, asap, dan cahaya matahari sangat menarik minat golongan Impresionis. Terima kasih kepada semua ini, mereka telah membuat kemajuan dan kemajuan yang ketara dalam bidang warna dan bentuk.

Dalam Impresionisme, keghairahan untuk bereksperimen, mencari teknik baru, mengejar kebaharuan dan keaslian belum menjadi penghujungnya. Walau bagaimanapun, banyak arus modenisme seterusnya datang tepat seperti ini, akibatnya adalah penolakan artis dari hasil akhir, dari karya seni, difahami sebagai sesuatu yang telah selesai dan siap.

Satu lagi ciri impresionisme, sebahagiannya akibat dan kesinambungan langsung daripada yang telah disebutkan, dikaitkan dengan penyimpangan daripada isu sosial. Kehidupan sebenar hadir dalam karya Impresionis, tetapi ia muncul dalam bentuk persembahan bergambar. Pandangan artis seolah-olah meluncur ke atas permukaan fenomena sosial, membetulkan terutamanya sensasi warna, tidak memikirkannya dan tidak terjun ke dalamnya. Dalam arus modenisme yang seterusnya, kecenderungan ini semakin kuat, menjadikannya asosial, dan juga antisosial.

Tokoh utama impresionisme ialah C. Monet "(1840-1926), C. Pissaro (1830-1903), O. Renoir (1841-1919).

Penjelmaan impresionisme yang paling lengkap adalah dalam karya Monet. Subjek kegemaran karyanya ialah landskap - padang, hutan, sungai, kolam yang ditumbuhi. Beliau mentakrifkan pemahamannya tentang landskap seperti berikut: "Lanskap ialah kesan segera." Dari lukisannya "Sunrise. Tera "adalah nama keseluruhan aliran (dalam bahasa Perancis" tera "-" tera "). "Haystacks" yang terkenal membawanya kemasyhuran yang paling hebat. Dia juga menunjukkan kesukaan tertentu untuk imej air. Untuk ini, dia membina sebuah bengkel bot khas, yang membolehkannya menonton selama berjam-jam tingkah laku air, pantulan objek di dalamnya. Dalam semua ini, Monet mencapai kejayaan yang mengagumkan, yang memberikan asas kepada E. Manet untuk memanggilnya "Raphael of the Water". Katedral Rouen juga agak luar biasa.

K. Pissarro lebih suka landskap bandar - imej rumah, jalan raya, jalan-jalan yang dipenuhi dengan gerabak dan bersiar-siar awam, kehidupan seharian, adegan.

O. Renoir memberi banyak perhatian kepada yang bogel, kepada potret - terutamanya wanita. Contoh menarik dalam seni potretnya ialah potret artis J. Samari. Dia juga melukis "Bathing in the Seine", "Moulin de la Galette".

Dari kira-kira pertengahan 80-an, impresionisme mula mengalami krisis, dan dua gerakan bebas terbentuk di dalamnya - neo-impresionisme dan pasca-impresionisme.

Yang pertama disampaikan oleh artis J. Seurat dan P. Signac. Bergantung pada pencapaian sains warna, mereka membawa beberapa ciri impresionisme - penguraian ton menjadi warna tulen dan semangat untuk bereksperimen - kepada kesimpulan logik mereka. Dari segi seni dan estetik, trend ini tidak menimbulkan banyak minat.

Pasca-Impresionisme "seolah-olah menjadi fenomena yang lebih produktif dan menarik. Tokoh utamanya ialah P. Cezanne (1839 - 1906), V. Van Gogh (1853 - 1890) dan P. Gauguin (1848 - 1903), antaranya P. Cezanne menonjol.

Dalam karyanya, P. Cezanne mengekalkan yang paling penting dalam impresionisme dan pada masa yang sama mencipta seni baru, mengembangkan kecenderungan untuk beralih dari subjek, dari penampilan luarannya. Pada masa yang sama, dia berjaya mengatasi sifat ilusi dan fana dari apa yang digambarkan, ciri impresionisme.

Mengorbankan persamaan luaran sesuatu objek, P. Cezanne dengan kuasa yang luar biasa menyampaikan kualiti dan sifat utamanya, materialiti, ketumpatan dan intensitinya, sejenis "thingness of a thing". Tidak seperti impresionisme, untuk mencipta karya, dia menggunakan bukan sahaja sensasi visual, tetapi semua deria. Dalam karyanya, dia dengan jelas dan kuat menyatakan prinsip peribadi. Seperti yang dicatat oleh P. Picasso, P. Cezanne menulis sendiri sepanjang hidupnya.

Antara karya P. Cezanne, seseorang boleh memilih seperti "Potret diri", "Buah-buahan", "Hidup masih dengan langsir", "The banks of the Marne", "Lady in blue". P. Cezanne mempunyai impak yang besar terhadap semua modenisme seterusnya. A. Matisse menggelarnya sebagai "guru biasa" pelbagai artis muda yang kemudiannya menjadi terkenal dan terkenal.

Selain lukisan, impresionisme telah menunjukkan dirinya dalam bentuk seni yang lain. Dalam muzik, dia dipengaruhi oleh komposer Perancis C. Debussy (1862 - 1918), dalam arca - oleh pengukir Perancis A. Rodin (1840 - 1917).

Pada tahun 80-an, arus simbolisme timbul di Perancis, yang boleh dianggap sepenuhnya modenisme. Ia menerima pengedaran terbesar dalam puisi dan sastera. Simbolisme meneruskan garis romantisme dan "seni untuk seni", dipenuhi dengan rasa kekecewaan di dunia di sekeliling kita, berusaha ke arah mencari keindahan tulen dan estetika tulen.

Dalam manifesto mereka, Symbolists mengisytiharkan diri mereka penyanyi dekaden, kemerosotan dan azab dunia borjuasi. Mereka menentang diri mereka dengan sains dan falsafah positivis, percaya bahawa akal dan logik rasional tidak dapat menembusi dunia "realiti tersembunyi", "intipati ideal" dan "Kecantikan abadi". Hanya seni yang mampu melakukan ini - terima kasih kepada imaginasi kreatif, intuisi puitis dan wawasan mistik. Simbolisme menyatakan firasat tragis tentang pergolakan sosial yang akan berlaku, menerimanya sebagai ujian pembersihan dan bayaran untuk kebebasan rohani yang sebenar.

Tokoh utama Simbolisme Perancis ialah penyair S. Mallarmé (1842 - 1898), P. Verlaine (1844 - 1896), A. Rimbaud (1854 - 1891). Yang pertama dianggap sebagai nenek moyang semasa. Yang kedua mencipta karya agung puisi. A. Rembo menjadi salah seorang penyair paling asli dan cemerlang di Perancis. Beliau sangat mempengaruhi puisi Perancis abad ke-20.

Simbolisme telah tersebar luas di banyak negara Eropah. Di England dia diwakili, pertama sekali, oleh penulis O. Wilde (1854 - 1900), pengarang novel terkenal The Picture of Dorian Grey, serta puisi The Ballad of Reading Prison. Di Austria, penyair R.M. Rilke (1875 - 1926) dekat dengan simbolisme, yang menunjukkan dirinya dengan cara yang istimewa dalam karyanya "The Book of Images" dan "The Book of Hours". Seorang lagi wakil simbolisme yang terkenal ialah penulis drama dan penyair Belgium M. Maeterlink (1862 - 1949), pengarang "Blue Bird" yang terkenal.

Abad ke-19 adalah penting dalam sejarah Barat. Pada masa inilah jenis tamadun yang sama sekali baru terbentuk - perindustrian. Ia berdasarkan kemajuan saintifik dan teknologi. Oleh itu, salah satu cita-cita utama Pencerahan - cita-cita kemajuan akal - menerima di dalamnya penjelmaan yang paling lengkap.

Kebangkitan demokrasi borjuasi menyumbang kepada pengembangan kebebasan politik. Bagi cita-cita dan nilai kemanusiaan pendidikan yang lain, pelaksanaannya menghadapi kesukaran dan halangan yang serius. Oleh itu, penilaian umum abad ke-19 tidak boleh jelas.

Di satu pihak, terdapat kejayaan dan pencapaian tamadun yang tidak pernah berlaku sebelum ini. Pada masa yang sama, tamadun perindustrian yang baru muncul mula menghimpit budaya kerohanian.

Pertama sekali, ini mempengaruhi agama, dan kemudian bidang budaya rohani yang lain: falsafah, moral dan seni. Secara umum, kita boleh mengatakan bahawa pada abad ke-19 di dunia Barat terdapat kecenderungan berbahaya untuk tidak berperikemanusiaan budaya, akibatnya pada akhir abad ini adalah sistem kolonialisme, dan pada abad ke-20 - dua perang dunia.

Seni Eropah akhir abad ke-19 - awal abad ke-20.

Pembentukan tamadun industri telah memberi impak yang besar kepada seni Eropah. Tidak pernah sebelum ini, ia berkait rapat dengan kehidupan sosial, keperluan rohani dan material manusia. Dengan pergantungan antara rakyat yang semakin meningkat, trend seni dan pencapaian budaya merebak dengan cepat ke seluruh dunia.

Melukis. Romantisisme dan realisme menampakkan diri dengan kekuatan tertentu dalam lukisan. Banyak tanda romantisme terdapat dalam karya artis Sepanyol Francisco Goya (1746-1828). Terima kasih kepada bakat dan kerja keras, anak seorang tukang yang miskin menjadi pelukis yang hebat. Karya beliau membentuk seluruh era dalam sejarah seni Eropah. Potret artistik wanita Sepanyol sangat mengagumkan. Mereka ditulis dengan cinta dan kekaguman. Kami membaca harga diri, kebanggaan dan cinta hidup pada wajah heroin, tanpa mengira asal usul sosial mereka.

Ia tidak pernah berhenti memukau keberanian Goya, pelukis istana, menggambarkan potret kumpulan keluarga diraja. Di hadapan kita bukanlah tuan atau penimbang tara nasib negara, tetapi agak biasa, malah orang biasa. Giliran Goya kepada realisme juga dibuktikan oleh lukisannya, yang didedikasikan untuk perjuangan heroik rakyat Sepanyol menentang tentera Napoleon.

Charles IV dan keluarganya. F. Goya. Di sebelah kiri (dalam bayang-bayang), artis menggambarkan dirinya

Tokoh utama dalam romantisme Eropah ialah pelukis terkenal Perancis Eugene Delacroix (1798-1863). Dalam karyanya, dia meletakkan fantasi dan imaginasi di atas segalanya. Satu peristiwa penting dalam sejarah romantisme, dan sememangnya semua seni Perancis, adalah lukisannya "Kebebasan Memimpin Rakyat" (1830). Artis mengabadikan revolusi 1830 di atas kanvas. Selepas lukisan ini, Delacroix tidak lagi beralih kepada realiti Perancis. Dia menjadi tertarik dengan tema Timur dan plot sejarah, di mana romantis yang memberontak dapat memberikan kebebasan kepada imaginasi dan imaginasinya.

Pelukis realis terhebat ialah Gustave Courbet Perancis (1819-1877) dan Jean Millet (1814-1875). Wakil-wakil aliran ini berusaha untuk mendapatkan gambaran sebenar alam semula jadi. Tumpuan adalah pada kehidupan seharian dan kerja manusia. Daripada wira sejarah dan legenda yang berciri klasikisme dan romantisme, orang biasa muncul dalam karya mereka: borjuasi, petani dan pekerja. Nama-nama lukisan bercakap untuk diri mereka sendiri: "Penghancur Batu", "Knitters", "Pengumpul Gandum".

Pegawai renjer ekuestrian Pengawal Imperial, pergi ke serangan, 1812. Theodore Gericault (1791-1824). Artis pertama arahan romantik. Lukisan itu menggambarkan percintaan era Napoleon

Courbet adalah yang pertama mengaplikasikan konsep realisme. Beliau mentakrifkan matlamat karyanya seperti berikut: "Untuk dapat menyampaikan adat, idea, imej orang zaman itu dalam penilaian saya, untuk menjadi bukan sahaja seorang artis, tetapi juga seorang warganegara, untuk mencipta seni hidup. "

Pada sepertiga terakhir abad XIX. Perancis menjadi peneraju dalam pembangunan seni Eropah. Ia adalah dalam lukisan Perancis bahawa impresionisme dilahirkan (dari tanggapan Perancis - kesan). Aliran baru telah menjadi peristiwa penting di Eropah. Pelukis impresionis berusaha untuk menyampaikan pada kanvas kesan seketika tentang perubahan yang berterusan dan halus dalam keadaan alam dan manusia.

Dalam kereta kelas ketiga, 1862. O. Daumier (1808-1879). Salah seorang artis paling asli pada zamannya. Balzac membandingkannya dengan Michelangelo. Walau bagaimanapun, Daumier menjadi terkenal dengan karikatur politiknya. "Dalam kereta kelas ketiga" ialah imej kelas pekerja yang tidak sesuai

Wanita membaca. C. Corot (1796-1875). Artis Perancis yang terkenal sangat berminat dengan permainan cahaya, adalah pendahulu Impresionis. Pada masa yang sama, karyanya mempunyai cap realisme.

Golongan Impresionis merevolusikan teknik lukisan. Mereka biasanya bekerja di luar rumah. Warna dan cahaya dalam kerja mereka memainkan peranan yang lebih besar daripada lukisan itu sendiri. Pelukis impresionis yang terkenal ialah Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas. Impresionisme mempunyai pengaruh yang besar pada ahli berus yang hebat seperti Vincent Van Gogh, Paul Cezanne, Paul Gauguin.

Kesan. Sunrise, 1882. Claude Monet (1840-1926) sering melukis objek yang sama pada masa yang berbeza dalam sehari untuk menyiasat kesan pencahayaan pada warna dan bentuk.

Bunga matahari dalam pasu. V. Van Gogh (1853-1890)

Gereja kampung. V. Van Gogh

Ia Orana Maria. P. Gauguin (1848-1903). Ketidakpuasan hati artis dengan cara hidup Eropah memaksanya meninggalkan Perancis dan tinggal di Tahiti. Tradisi seni tempatan, alam sekeliling yang pelbagai warna memberi impak yang besar kepada pembentukan gaya seninya.

Merah jambu dan hijau. E. Degas (1834-1917)

Gadis dengan Mandolin, 1910. Pablo Picasso (1881-1973). Pelukis Sepanyol yang bekerja di Perancis. Pada usia sepuluh tahun dia adalah seorang artis, dan pada usia enam belas tahun pameran pertamanya berlangsung. Dia membuka jalan untuk Kubisme, arah revolusioner dalam seni abad ke-20. Cubists meninggalkan imej ruang, perspektif udara. Mereka mengubah objek dan figura manusia menjadi gabungan pelbagai garis dan satah geometri (lurus, cekung dan melengkung). Kubis berkata bahawa mereka menulis bukan seperti yang mereka lihat, tetapi seperti yang mereka tahu

payung. O. Renoir

Seperti puisi, lukisan kali ini penuh dengan firasat yang mengganggu dan kabur. Dalam hal ini, karya artis simbolis Perancis yang berbakat Odilon Redon (1840-1916) sangat berciri. Sensasinya pada tahun 80-an. lukisan "Spider" adalah petanda buruk Perang Dunia Pertama. Labah-labah itu digambarkan dengan wajah manusia yang menakutkan. Sesungutnya bergerak, agresif. Penonton tidak meninggalkan perasaan malapetaka yang akan datang.

Seni bina. Perkembangan tamadun perindustrian telah memberi impak yang besar kepada seni bina Eropah. Kemajuan dalam sains dan teknologi telah menyemarakkan inovasi. Pada abad XIX. bangunan besar negeri dan kepentingan awam dibina dengan lebih pantas. Sejak itu, bahan baru telah digunakan dalam pembinaan, terutamanya besi dan keluli. Dengan perkembangan pengeluaran kilang, pengangkutan kereta api dan bandar-bandar besar, jenis struktur baru muncul - stesen kereta api, jambatan keluli, bank, kedai besar, bangunan pameran, teater baru, muzium, perpustakaan.

Seni bina pada abad ke-19 ia dibezakan oleh pelbagai gaya, monumentaliti, dan tujuan praktikalnya.

Fasad bangunan Opera Paris. Dibina pada 1861-1867 Menyatakan arah eklektik, diilhamkan oleh Renaissance dan Baroque

Sepanjang abad ini, gaya neoklasik adalah yang paling meluas. Bangunan Muzium British di London, dibina pada 1823-1847, memberikan gambaran visual seni bina purba (klasik). Sehingga tahun 60-an. bergaya adalah apa yang dipanggil "gaya sejarah", dinyatakan dalam tiruan romantis seni bina Zaman Pertengahan. Pada akhir abad XIX. terdapat kembali kepada Gothic dalam pembinaan gereja dan bangunan awam (neo-Gothic, iaitu Gothic baru). Contohnya, Dewan Parlimen di London. Berbeza dengan neo-Gothic, arah baru Art Nouveau (seni baru) muncul. Ia dicirikan oleh penggulungan garis halus bangunan, bilik, butiran dalaman. Pada awal abad XX. arah lain timbul - modenisme. Gaya Art Nouveau terkenal dengan kepraktisan, ketegasan dan ketelitian, ketiadaan hiasan. Gaya inilah yang mencerminkan intipati tamadun perindustrian dan paling berkait rapat dengan zaman kita.

Mengikut moodnya, seni Eropah akhir abad ke-19 - awal abad ke-20. adalah kontras. Di satu pihak, keyakinan dan kegembiraan yang melimpah. Sebaliknya, terdapat ketidakpercayaan terhadap potensi kreatif manusia. Dan dalam perkara ini tidak sepatutnya mencari percanggahan. Seni hanya mencerminkan dengan caranya sendiri apa yang berlaku di dunia nyata. Mata penyair, penulis dan seniman semakin tajam dan tajam. Mereka melihat apa yang orang lain tidak nampak dan tidak nampak.

Pembentukan tamadun industri telah memberi impak yang besar kepada seni Eropah. Tidak pernah sebelum ini, ia berkait rapat dengan kehidupan sosial, keperluan rohani dan material manusia. Dengan pergantungan antara rakyat yang semakin meningkat, trend seni dan pencapaian budaya merebak dengan cepat ke seluruh dunia.

Melukis

Romantisisme dan realisme menampakkan diri dengan kekuatan tertentu dalam lukisan. Banyak tanda romantisme terdapat dalam karya artis Sepanyol Francisco Goya (1746-1828). Terima kasih kepada bakat dan kerja keras, anak seorang tukang yang miskin menjadi pelukis yang hebat. Karya beliau membentuk seluruh era dalam sejarah seni Eropah. Potret artistik wanita Sepanyol sangat mengagumkan. Mereka ditulis dengan cinta dan kekaguman. Kami membaca harga diri, kebanggaan dan cinta hidup pada wajah heroin, tanpa mengira asal usul sosial mereka.

Ia tidak pernah berhenti memukau keberanian Goya, pelukis istana, menggambarkan potret kumpulan keluarga diraja. Di hadapan kita bukanlah tuan atau penimbang tara nasib negara, tetapi agak biasa, malah orang biasa. Giliran Goya kepada realisme juga dibuktikan oleh lukisannya, yang didedikasikan untuk perjuangan heroik rakyat Sepanyol menentang tentera Napoleon.

Tokoh utama dalam romantisme Eropah ialah pelukis terkenal Perancis Eugene Delacroix (1798-1863). Dalam karyanya, dia meletakkan fantasi dan imaginasi di atas segalanya. Satu peristiwa penting dalam sejarah romantisme, dan sememangnya semua seni Perancis, adalah lukisannya "Kebebasan Memimpin Rakyat" (1830). Artis mengabadikan revolusi 1830 di atas kanvas. Selepas lukisan ini, Delacroix tidak lagi beralih kepada realiti Perancis. Dia menjadi tertarik dengan tema Timur dan plot sejarah, di mana romantis yang memberontak dapat memberikan kebebasan kepada imaginasi dan imaginasinya.

Pelukis realis terhebat ialah Gustave Courbet Perancis (1819-1877) dan Jean Millet (1814-1875). Wakil-wakil aliran ini berusaha untuk mendapatkan gambaran sebenar alam semula jadi. Tumpuan adalah pada kehidupan seharian dan kerja manusia. Daripada wira sejarah dan legenda yang berciri klasikisme dan romantisme, orang biasa muncul dalam karya mereka: borjuasi, petani dan pekerja. Nama-nama lukisan bercakap untuk diri mereka sendiri: "Penghancur Batu", "Knitters", "Pengumpul Gandum".

Pegawai renjer ekuestrian Pengawal Imperial, pergi ke serangan, 1812. Theodore Gericault (1791-1824). Artis pertama arahan romantik. Lukisan itu menggambarkan percintaan era Napoleon

Courbet adalah yang pertama mengaplikasikan konsep realisme. Beliau mentakrifkan matlamat karyanya seperti berikut: "Untuk dapat menyampaikan adat, idea, imej orang zaman itu dalam penilaian saya, untuk menjadi bukan sahaja seorang artis, tetapi juga seorang warganegara, untuk mencipta seni hidup. "

Pada sepertiga terakhir abad XIX. Perancis menjadi peneraju dalam pembangunan seni Eropah. Ia adalah dalam lukisan Perancis bahawa impresionisme (dari tanggapan Perancis - kesan) dilahirkan. Aliran baru telah menjadi peristiwa penting di Eropah. Pelukis impresionis berusaha untuk menyampaikan pada kanvas kesan seketika tentang perubahan yang berterusan dan halus dalam keadaan alam dan manusia.

Dalam kereta kelas ketiga, 1862. O. Daumier (1808-1879). Salah seorang artis paling asli pada zamannya. Balzac membandingkannya dengan Michelangelo.
Walau bagaimanapun, Daumier menjadi terkenal dengan karikatur politiknya. "Dalam kereta kelas ketiga" ialah imej kelas pekerja yang tidak sesuai

Wanita membaca. C. Corot (1796-1875). Artis Perancis yang terkenal sangat berminat dengan permainan cahaya, adalah pendahulu Impresionis.
Pada masa yang sama, karyanya mempunyai cap realisme.

Golongan Impresionis merevolusikan teknik lukisan. Mereka biasanya bekerja di luar rumah. Warna dan cahaya dalam kerja mereka memainkan peranan yang lebih besar daripada lukisan itu sendiri. Pelukis impresionis yang terkenal ialah Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas. Impresionisme mempunyai pengaruh yang besar pada ahli berus yang hebat seperti Vincent Van Gogh, Paul Cezanne, Paul Gauguin.

Kesan. Matahari terbit, 1882.
Claude Monet (1840-1926) sering melukis objek yang sama pada masa yang berbeza dalam sehari untuk menyiasat kesan pencahayaan pada warna dan bentuk

Ia Orana Maria. P. Gauguin (1848-1903). Ketidakpuasan hati artis dengan cara hidup Eropah memaksanya meninggalkan Perancis dan tinggal di Tahiti.
Tradisi seni tempatan, alam sekeliling yang pelbagai warna memberi impak yang besar kepada pembentukan gaya seninya.

Pelukis Sepanyol yang bekerja di Perancis. Pada usia sepuluh tahun dia adalah seorang artis, dan pada usia enam belas tahun pameran pertamanya berlangsung. Dia membuka jalan untuk Kubisme, arah revolusioner dalam seni abad ke-20. Cubists meninggalkan imej ruang, perspektif udara. Mereka mengubah objek dan figura manusia menjadi gabungan pelbagai garis dan satah geometri (lurus, cekung dan melengkung). Kubis berkata bahawa mereka menulis bukan seperti yang mereka lihat, tetapi seperti yang mereka tahu

Seperti puisi, lukisan kali ini penuh dengan firasat yang mengganggu dan kabur. Dalam hal ini, karya artis simbolis Perancis yang berbakat Odilon Redon (1840-1916) sangat berciri. Sensasinya pada tahun 80-an. lukisan "Spider" adalah petanda buruk Perang Dunia Pertama. Labah-labah itu digambarkan dengan wajah manusia yang menakutkan. Sesungutnya bergerak, agresif. Penonton tidak meninggalkan perasaan malapetaka yang akan datang.

Muzik

Dalam muzik, tidak ada perubahan ketara seperti dalam bentuk seni lain. Tetapi dia juga dipengaruhi oleh tamadun perindustrian, pembebasan negara dan gerakan revolusioner yang menggegarkan Eropah sepanjang abad. Pada abad XIX. muzik melangkaui istana bangsawan dan kuil gereja. Dia menjadi lebih sekular dan lebih mudah diakses oleh penduduk umum. Perkembangan penerbitan menyumbang kepada pencetakan pesat muzik lembaran dan penyebaran karya muzik. Pada masa yang sama, alat muzik baru dicipta dan alat muzik lama ditambah baik. Piano telah menjadi penting dan biasa di rumah borjuasi Eropah.

Sehingga akhir abad ke-19. arah yang dominan dalam muzik ialah romantisme. Sosok gergasi Beethoven berdiri pada asal-usulnya. Ludwig von Beethoven (1770-1827) menghormati warisan klasik abad ke-18. Sekiranya dia membuat perubahan pada peraturan seni muzik yang ditetapkan, dia melakukannya dengan berhati-hati, cuba untuk tidak menyinggung perasaan pendahulunya. Dalam hal ini dia berbeza daripada banyak penyair romantis, yang sering menumbangkan semua orang dan segala-galanya. Beethoven adalah seorang yang jenius sehingga, walaupun pekak, dia boleh mencipta karya abadi. Simfoni Kesembilan dan Moonlight Sonatanya yang terkenal telah memperkaya khazanah seni muzik.

Pemuzik romantik mendapat inspirasi daripada motif lagu rakyat dan irama tarian. Mereka sering menyerahkan karya mereka kepada karya sastera - Shakespeare, Goethe, Schiller. Sebahagian daripada mereka menunjukkan kegemaran untuk mencipta karya orkestra raksasa, yang tidak pernah dilihat pada abad ke-18. Tetapi aspirasi ini begitu menyahut jejak kuat tamadun perindustrian! Komposer Perancis Hector Berlioz sangat terpesona dengan kehebatan reka bentuknya. Oleh itu, dia menulis karya untuk sebuah orkestra, yang terdiri daripada 465 alat muzik, termasuk 120 cello, 37 bass, 30 piano dan 30 kecapi.

Dia memiliki teknik virtuoso sehingga ada khabar angin bahawa hanya syaitan sendiri yang mengajarnya bermain biola. Di tengah-tengah persembahan muzik, pemain biola boleh memutuskan tiga tali dan terus bermain dengan ekspresi yang sama pada satu-satunya tali yang tinggal.

Pada abad XIX. banyak negara Eropah telah memberikan komposer dan pemuzik yang hebat kepada dunia. Di Austria dan Jerman, budaya kebangsaan dan dunia diperkaya oleh Franz Schubert dan Richard Wagner, di Poland - oleh Frederic Chopin, di Hungary - oleh Franz Liszt, di Itali - oleh Gioachino Rossini dan Giuseppe Verdi, di Republik Czech - Bedrich Smetana , di Norway - oleh Edvard Grieg, di Rusia - Glinka, Rimsky Korsakov, Borodin, Mussorgsky dan Tchaikovsky.

Sejak tahun 20-an. abad XIX. di Eropah, keghairahan untuk tarian baru bermula - waltz. Waltz berasal dari Austria dan Jerman pada akhir abad ke-18, berasal dari pendarat Austria - tarian petani tradisional

Seni bina

Perkembangan tamadun perindustrian telah memberi impak yang besar kepada seni bina Eropah. Kemajuan dalam sains dan teknologi telah menyemarakkan inovasi. Pada abad XIX. bangunan besar negeri dan kepentingan awam dibina dengan lebih pantas. Sejak itu, bahan baru telah digunakan dalam pembinaan, terutamanya besi dan keluli. Dengan perkembangan pengeluaran kilang, pengangkutan kereta api dan bandar-bandar besar, jenis struktur baru muncul - stesen kereta api, jambatan keluli, bank, kedai besar, bangunan pameran, teater baru, muzium, perpustakaan.

Seni bina pada abad ke-19 ia dibezakan oleh pelbagai gaya, monumentaliti, dan tujuan praktikalnya.

Fasad bangunan Opera Paris. Dibina pada 1861-1867 Menyatakan arah eklektik, diilhamkan oleh Renaissance dan Baroque

Sepanjang abad ini, gaya neoklasik adalah yang paling meluas. Bangunan Muzium British di London, dibina pada 1823-1847, memberikan gambaran visual seni bina purba (klasik). Sehingga tahun 60-an. bergaya adalah apa yang dipanggil "gaya sejarah", dinyatakan dalam tiruan romantis seni bina Zaman Pertengahan. Pada akhir abad XIX. terdapat kembali kepada Gothic dalam pembinaan gereja dan bangunan awam (neo-Gothic, iaitu Gothic baru). Contohnya, Dewan Parlimen di London. Berbeza dengan neo-Gothic, arah baru Art Nouveau (seni baru) muncul. Ia dicirikan oleh penggulungan garis halus bangunan, bilik, butiran dalaman. Pada awal abad XX. arah lain timbul - modenisme. Gaya Art Nouveau terkenal dengan kepraktisan, ketegasan dan ketelitian, ketiadaan hiasan. Gaya inilah yang mencerminkan intipati tamadun perindustrian dan paling berkait rapat dengan zaman kita.

Mengikut moodnya, seni Eropah akhir abad ke-19 - awal abad ke-20. adalah kontras. Di satu pihak, keyakinan dan kegembiraan yang melimpah. Sebaliknya, terdapat ketidakpercayaan terhadap potensi kreatif manusia. Dan dalam perkara ini tidak sepatutnya mencari percanggahan. Seni hanya mencerminkan dengan caranya sendiri apa yang berlaku di dunia nyata. Mata penyair, penulis dan seniman semakin tajam dan tajam. Mereka melihat apa yang orang lain tidak nampak dan tidak nampak.

MENARIK UNTUK TAHU

"Saya lebih suka melukis mata orang, bukan katedral ... jiwa manusia, malah jiwa pengemis yang malang ... pada pendapat saya, adalah lebih menarik," kata Vincent Van Gogh. Seniman hebat itu menjalani seluruh hidupnya dalam kemiskinan dan kesusahan, selalunya tidak mempunyai wang untuk kanvas dan cat, dan hampir bergantung kepada adik lelakinya. Orang sezaman tidak mengiktiraf apa-apa kebaikan dalam dirinya. Apabila Van Gogh meninggal dunia, hanya beberapa orang yang mengikuti keranda itu. Hanya dua atau tiga dozen orang di Eropah dapat menghargai seninya, yang ditujukan oleh artis hebat itu untuk masa depan. Tetapi tahun telah berlalu. Pada abad XX. artis itu menerima kemuliaan yang layak, walaupun terlambat. Jumlah yang besar kini dibayar untuk lukisan Van Gogh. Sebagai contoh, lukisan "Bunga Matahari" telah dijual di lelongan untuk rekod $ 39.9 juta. Tetapi pencapaian ini dibayangi oleh lukisan Irises, yang dijual dengan harga $ 53.9 juta.

Rujukan:
V.S.Koshelev, I.V. Orzhekhovsky, V.I.Sinitsa / Sejarah dunia zaman moden XIX - awal. Abad XX, 1998.

Klasikisme abad ke-18 - awal abad ke-19 (dalam sejarah seni asing ia sering dipanggil neoclassicism), yang menjadi gaya Eropah biasa, juga terbentuk terutamanya di pangkuan budaya Perancis, di bawah pengaruh terkuat idea-idea Pencerahan. Dalam seni bina, jenis baru rumah agam yang indah, bangunan awam upacara, dataran bandar terbuka (Gabrielle Jacques Ange dan Soufflot Jacques Germain) telah ditakrifkan, pencarian bentuk seni bina baru yang tidak teratur, keinginan untuk kesederhanaan yang keras dalam kerja Ledoude Claude Nicolas menjangkakan seni bina peringkat akhir klasikisme - gaya Empayar. Patologi awam dan lirik digabungkan dalam plastik (Pigalle Jean Baptiste dan Houdon Jean Antoine), landskap hiasan (Robert Hubert). Drama berani imej sejarah dan potret wujud dalam karya ketua klasikisme Perancis, pelukis Jacques Louis David. Pada abad ke-19, lukisan klasik, walaupun terdapat aktiviti master utama individu, seperti Jean Auguste Dominique Ingres, merosot menjadi seni salon erotik yang apologetik atau berlagak rasmi. Rom menjadi pusat antarabangsa klasikisme Eropah pada abad ke-18 - awal abad ke-19, di mana tradisi akademikisme didominasi terutamanya dengan gabungan ciri-ciri keluhuran bentuk dan idealisasi dingin (pelukis Jerman Anton Raphael Mengs, pengukir: Canova Antonio Itali dan Dane Torvaldsen Bertel ). Seni bina klasikisme Jerman dicirikan oleh monumentaliti keras bangunan Karl Friedrich Schinkel, untuk lukisan kontemplatif elegiac dan plastik dalam mood - potret Ogos dan Wilhelm Tischbein, arca oleh Johann Gottfried Schadov. Dalam klasikisme Inggeris, bangunan antik Robert Adam, Palladian di estet taman semangat William Chambers, lukisan J. Flaxman yang sangat ketat dan seramik J. Wedgwood dibezakan. Versi klasikisme sendiri dikembangkan dalam budaya seni Itali, Sepanyol, Belgium, negara-negara Scandinavia, Amerika Syarikat; tempat yang luar biasa dalam sejarah seni dunia diduduki oleh klasikisme Rusia pada tahun 1760-an - 1840-an.

Menjelang akhir sepertiga pertama abad ke-19, peranan utama klasikisme hampir di mana-mana pudar, ia digantikan oleh pelbagai bentuk eklektikisme seni bina. Tradisi artistik klasikisme menghidupkan semula dalam neoklasikisme pada akhir abad ke-19 - awal abad ke-20.

Jean Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) - Artis Perancis, pemimpin akademik Eropah yang diiktiraf pada abad ke-19.
Dalam kerja Ingres - mencari keharmonian tulen.
Belajar di Akademi Seni Halus Toulouse. Selepas menamatkan pengajian dari akademi, dia berpindah ke Paris, di mana pada tahun 1797 dia menjadi pelajar Jacques-Louis David. Pada 1806-1820 dia belajar dan bekerja di Rom, kemudian berpindah ke Florence, di mana dia menghabiskan empat tahun lagi. Pada tahun 1824 dia kembali ke Paris dan membuka sekolah lukisan. Pada tahun 1835 beliau kembali ke Rom sebagai pengarah Akademi Perancis. Dari 1841 hingga akhir hayatnya dia tinggal di Paris.

Akademik (fr. Academisme) - aliran dalam lukisan Eropah pada abad XVII-XIX. Lukisan akademik muncul semasa perkembangan akademi seni di Eropah. Asas gaya lukisan akademik pada awal abad ke-19 adalah klasikisme, pada separuh kedua abad ke-19 - eklektikisme.
Akademik berkembang mengikuti bentuk luar seni klasik. Pengikut mencirikan gaya ini sebagai alasan terhadap bentuk seni dunia purba kuno dan Renaissance.

Ingres. Potret keluarga Riviere. 1804-05

Romantikisme

Ia dicirikan oleh sikap negatif terhadap realiti, pesimisme, tafsiran kuasa sejarah sebagai di luar realiti harian sebenar, mistifikasi dan mitologi. Semua ini mendorong pencarian untuk penyelesaian percanggahan bukan di dunia nyata, tetapi di dunia fantasi.

Pandangan romantis merangkumi semua bidang kehidupan rohani - sains, falsafah, seni, agama. Ia dinyatakan dalam dua versi:

Pertama, di dalamnya dunia kelihatan sebagai subjektiviti kosmik yang tidak berkesudahan, tanpa wajah. Tenaga kreatif roh bertindak di sini sebagai permulaan yang mewujudkan keharmonian dunia. Versi pandangan dunia romantis ini dicirikan oleh imej panteistik dunia, keyakinan dan perasaan yang tinggi.

Yang kedua - di dalamnya, subjektiviti manusia dianggap secara individu dan peribadi, ia difahami sebagai dunia mendalam diri seseorang yang berkonflik dengan dunia luar. Sikap ini dicirikan oleh pesimisme, sikap sedih lirik terhadap dunia.

Prinsip asal romantisme ialah "dunia dwi": perbandingan dan penentangan dunia nyata dan khayalan. Cara untuk mengekspresikan dunia berganda ini adalah simbolisme.

Simbolisme romantik mewakili gabungan organik dunia ilusi dan nyata, yang menampakkan dirinya dalam rupa metafora, hiperbola, dan perbandingan puitis. Romantisisme, walaupun hubungannya rapat dengan agama, dicirikan oleh humor, ironi, mimpi. Romantikisme mengisytiharkan muzik sebagai model dan norma untuk semua bidang seni, di mana, menurut romantik, unsur kehidupan, unsur kebebasan dan kejayaan perasaan dibunyikan.

Kebangkitan romantisme didorong oleh beberapa faktor. Pertama, sosio-politik: Revolusi Perancis 1769-1793, perang Napoleon, perang untuk kemerdekaan Amerika Latin. Kedua, ekonomi: revolusi perindustrian, perkembangan kapitalisme. Ketiga, ia dibentuk di bawah pengaruh falsafah Jerman klasik. Keempat, ia berkembang berdasarkan dan dalam kerangka gaya sastera sedia ada: pencerahan, sentimentalisme.

Zaman kegemilangan romantisme jatuh pada tempoh 1795-1830. - tempoh revolusi Eropah dan gerakan pembebasan negara, dan romantisme menampakkan diri terutamanya dengan jelas dalam budaya Jerman, England, Rusia, Itali, Perancis, Sepanyol.

Kecenderungan romantis mempunyai pengaruh yang besar dalam bidang kemanusiaan, dan kecenderungan positivis dalam sains semula jadi, teknikal dan praktikal.

Jean Louis André Theodore Gericault (1791-1824).
Seorang pelajar untuk masa yang singkat K. Vernet (1808-1810), dan kemudian P. Guerin (1810-1811), yang kecewa dengan kaedahnya memindahkan alam semula jadi yang tidak mengikut prinsip sekolah Jacques-Louis David dan ketagihan kepada Rubens, tetapi kemudiannya mengiktiraf aspirasi rasionaliti Gericault.
Berkhidmat dalam musketeers diraja, Gericault menulis terutamanya adegan pertempuran, tetapi selepas mengembara ke Itali pada 1817-19. dia melukis lukisan besar dan kompleks "The Raft of the Medusa" (terletak di Louvre, Paris), yang menjadi penolakan sepenuhnya terhadap arahan David dan khutbah realisme yang fasih. Kebaharuan plot, drama komposisi yang mendalam dan kebenaran penting karya yang ditulis dengan mahir ini tidak segera dihargai, tetapi tidak lama kemudian ia mendapat pengiktirafan walaupun dari penganut gaya akademik dan membawa kemasyhuran artis sebagai inovator yang berbakat dan berani.

Ketegangan dan drama yang tragis. Pada tahun 1818 Gericault mengerjakan lukisan "The Raft of Medusa", yang menandakan permulaan romantisme Perancis. Delacroix, bergambar untuk rakannya, menyaksikan kelahiran gubahan yang memecahkan semua idea biasa tentang lukisan. Kemudian, Delacroix teringat bahawa apabila dia melihat gambar yang telah siap, dia "dengan gembira bergegas berlari seperti orang gila, dan tidak boleh berhenti sehingga pulang."
Plot gambar itu berdasarkan kejadian sebenar yang berlaku pada 2 Julai 1816 di luar pantai Senegal. Kemudian kapal frigat "Medusa" telah karam di beting Argen, 40 liga dari pantai Afrika. 140 penumpang dan anak kapal cuba melarikan diri dengan menaiki rakit. Hanya 15 daripada mereka terselamat dan pada hari kedua belas pengembaraan mereka telah dijemput oleh brig Argus. Butiran pelayaran mangsa yang terselamat mengejutkan pendapat umum moden, dan bangkai kapal itu sendiri berubah menjadi skandal dalam kerajaan Perancis kerana ketidakcekapan kapten kapal dan kekurangan percubaan untuk menyelamatkan mangsa.

Penyelesaian kiasan
Kanvas gergasi itu mengagumkan dengan kuasa ekspresifnya. Gericault berjaya mencipta imej yang jelas, menggabungkan dalam satu gambar yang mati dan yang hidup, harapan dan keputusasaan. Lukisan itu didahului oleh kerja persediaan yang besar. Gericault membuat banyak kajian tentang kematian di hospital dan mayat mereka yang dibunuh. Rakit Medusa adalah karya terakhir Gericault yang telah siap.
Pada tahun 1818, ketika Gericault sedang mengerjakan lukisan "The Raft of Medusa", yang meletakkan asas untuk romantisme Perancis, Eugene Delacroix, bergambar untuk rakannya, menyaksikan kelahiran komposisi yang memecahkan semua idea biasa tentang lukisan. Kemudian, Delacroix teringat bahawa apabila dia melihat gambar yang telah siap, dia "dengan gembira bergegas berlari seperti orang gila, dan tidak boleh berhenti sehingga pulang."

Reaksi orang ramai
Apabila Gericault mempamerkan "The Raft of Medusa" di Salon pada tahun 1819, gambar itu membangkitkan kemarahan orang ramai, kerana artis, bertentangan dengan norma akademik pada masa itu, tidak menggunakan format yang begitu besar untuk menggambarkan subjek heroik, moral atau klasik. .
Lukisan itu diperoleh pada tahun 1824 dan kini berada di bilik ke-77 di tingkat 1 Galeri Denon di Louvre.

Eugene Delacroix(1798 - 1863) - Pelukis Perancis dan artis grafik, ketua pergerakan romantis dalam lukisan Eropah.
Tetapi Louvre dan komunikasi dengan pelukis muda Theodore Gericault menjadi universiti sebenar untuk Delacroix. Di Louvre, dia terpesona dengan karya-karya tuan lama. Pada masa itu, banyak kanvas dapat dilihat di sana, ditangkap semasa Perang Napoleon dan belum dikembalikan kepada pemiliknya. Paling penting, artis yang bercita-cita tinggi itu tertarik dengan pewarna yang hebat - Rubens, Veronese dan Titian. Tetapi Theodore Gericault mempunyai pengaruh terbesar pada Delacroix.

Pada Julai 1830 Paris memberontak menentang monarki Bourbon. Delacroix bersimpati dengan pemberontak, dan ini dicerminkan dalam "Liberty Leading the People" (di negara kita karya ini juga dikenali sebagai "Liberty on the Barricades"). Dipamerkan di Salon pada tahun 1831, kanvas itu sangat disanjung oleh orang ramai. Kerajaan baru membeli lukisan itu, tetapi pada masa yang sama segera mengarahkan untuk mengeluarkannya, keadaannya kelihatan terlalu berbahaya.