Muzik Austria dan Jerman Romantik abad ke-19. Era romantisme dalam muzik dan komposer hebatnya - ahli romantik Komposer Rusia era romantisme

Dalam era romantisme, muzik mengambil tempat pertama dalam sistem seni. Ini disebabkan oleh kekhususannya, yang membolehkan anda mencerminkan sepenuhnya pengalaman emosi dengan bantuan seluruh senjata cara ekspresif.

Romantisisme dalam muzik muncul pada abad kesembilan belas dalam karya F. Schubert, E. Hoffmann, N. Paganini, K.M. Weber, G. Rossini. Tidak lama kemudian gaya ini dicerminkan dalam karya F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, G. Verdi dan komposer lain.

Romantikisme adalah sesuatu yang berasal dari Eropah pada awal abad kesembilan belas. Ia menjadi sejenis penentangan kepada klasikisme. Romantikisme membenarkan pendengar untuk menembusi dunia ajaib legenda, lagu dan cerita. Prinsip utama arah ini adalah pembangkang (impian dan kehidupan seharian, dunia ideal dan kehidupan seharian), yang dicipta oleh imaginasi kreatif komposer. Gaya ini popular dengan orang kreatif sehingga empat puluhan abad ke-19.

Romantik dalam muzik mencerminkan masalah orang moden, konfliknya dengan dunia luar dan kesepiannya. Tema-tema ini menjadi pusat kepada karya komposer. Berbakat tidak seperti orang lain, seseorang sentiasa berasa salah faham di pihak orang lain. Bakatnya menjadi punca kesunyian. Itulah sebabnya wira kegemaran komposer romantis adalah penyair, pemuzik dan artis (R. Schumann "The Love of a Poet"; Berlioz - sari kata "An Episode from the Life of an Artist" hingga "Fantastic Symphony", dll.).

Menyampaikan dunia pengalaman dalaman seseorang, romantisme dalam muzik sering kali mempunyai corak autobiografi, keikhlasan, dan lirik. Tema cinta dan semangat digunakan secara meluas. Sebagai contoh, komposer terkenal R. Schumann mendedikasikan banyak keping piano kepada Clara Wieck yang dikasihinya.

Tema alam semula jadi juga agak biasa dalam karya romantik. Selalunya, komposer menentangnya dengan keadaan fikiran seseorang, mewarnai dengan warna yang tidak harmoni.

Subjek fiksyen sains telah menjadi penemuan sebenar romantik. Mereka secara aktif mengusahakan penciptaan watak yang hebat dan penghantaran imej mereka melalui pelbagai unsur bahasa muzik (Mozart "The Magic Flute" - Queen of the Night).

Selalunya, romantisme dalam muzik juga merujuk kepada seni rakyat. Komposer dalam karya mereka menggunakan pelbagai unsur cerita rakyat (irama, intonasi, mod kuno) yang diambil daripada lagu dan balada. Ini membolehkan anda memperkayakan kandungan kepingan muzik dengan ketara.

Penggunaan imej dan tema baru menyebabkan keperluan untuk mencari bentuk yang sesuai dan Jadi dalam karya romantis intonasi pertuturan, mod semula jadi, tentangan pelbagai tonaliti, bahagian solo (suara) muncul.

Romantisme dalam muzik merangkumi idea sintesis seni. Contoh ini ialah karya program Schumann, Berlioz, Liszt dan komposer lain (simfoni "Harold di Itali", puisi "Preludes", kitaran "Tahun Pengembaraan", dll.).

Romantikisme Rusia tercermin dengan jelas dalam karya M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Borodin, C. Cui, M. Balakirev, P. Tchaikovsky dan lain-lain.

Dalam karyanya A. Dargomyzhsky menyampaikan imej psikologi pelbagai rupa ("Mermaid", percintaan). Dalam opera "Ivan Susanin" M. Glinka melukis gambar kehidupan rakyat Rusia biasa. Karya komposer "The Mighty Handful" yang terkenal dianggap sebagai kemuncak. Mereka menggunakan cara ekspresif dan intonasi ciri yang wujud dalam lagu rakyat Rusia, muzik harian, dan pertuturan sehari-hari.

Selepas itu, A. Scriabin (pendahuluan Mimpi, puisi To the Flame) dan S. Rachmaninov (lukisan etudes, opera Aleko, cantata Spring) juga beralih kepada gaya ini.

Dengan kultus akalnya. Kejadiannya disebabkan oleh pelbagai sebab. Yang paling penting daripada mereka ialah kekecewaan dengan keputusan Revolusi Perancis Besar, yang tidak memenuhi harapan yang diletakkan di atasnya.

Untuk romantik pandangan dunia dicirikan oleh konflik tajam antara realiti dan mimpi. Realiti adalah rendah dan tidak berjiwa, ia diresapi dengan semangat philistinism, philistinism dan hanya layak ditolak. Mimpi adalah sesuatu yang indah, sempurna, tetapi tidak dapat dicapai dan tidak dapat difahami oleh minda.

Romantikisme membezakan prosa kehidupan dengan kerajaan roh yang indah, "kehidupan hati." Romantik percaya bahawa perasaan membentuk lapisan jiwa yang lebih dalam daripada akal. Menurut Wagner, "Artis bertukar kepada perasaan, bukan alasan." Dan Schumann berkata: "Fikiran adalah khayalan, deria tidak pernah." Bukan kebetulan bahawa muzik diisytiharkan sebagai bentuk seni yang ideal, yang, kerana kekhususannya, paling sepenuhnya mengekspresikan pergerakan jiwa. Tepat sekali muzik dalam era romantisme mengambil tempat utama dalam sistem seni.

Jika dalam kesusasteraan dan lukisan arah romantik pada dasarnya melengkapkan perkembangannya pada pertengahan abad ke-19, maka kehidupan romantisme muzik di Eropah lebih lama. Romantikisme muzik sebagai satu aliran terbentuk pada awal abad ke-19 dan berkembang dalam hubungan rapat dengan pelbagai aliran dalam kesusasteraan, lukisan dan teater. Peringkat awal romantisme muzik diwakili oleh karya E. T. A. Hoffman, N. Paganini,; peringkat seterusnya (1830-50-ies) - kreativiti,. Tahap akhir romantisme berlanjutan hingga akhir abad ke-19.

Masalah utama muzik romantik ialah masalah personaliti, dan dalam cahaya baharu - dalam konfliknya dengan dunia luar. Wira romantik sentiasa bersendirian. Tema kesepian mungkin yang paling popular dalam semua seni romantis. Selalunya pemikiran tentang keperibadian kreatif dikaitkan dengannya: seseorang itu kesepian apabila dia adalah orang yang cemerlang dan berbakat. Artis, penyair, pemuzik adalah watak kegemaran dalam karya romantik ("The Love of a Poet" oleh Schumann, dengan sari kata - "Episod dari Kehidupan Artis", puisi simfoni Liszt "Tasso").

Minat mendalam terhadap keperibadian manusia yang wujud dalam muzik romantik dinyatakan dalam dominasi nada peribadi... Pendedahan drama peribadi sering diperoleh daripada romantik sedikit autobiografi, yang membawa keikhlasan istimewa kepada muzik. Contohnya, ramai yang dikaitkan dengan kisah cintanya terhadap Clara Wieck. Watak autobiografi operanya ditekankan dalam setiap cara yang mungkin oleh Wagner.

Perhatian kepada perasaan membawa kepada perubahan dalam genre - yang berlaku liriknya, yang didominasi oleh imej cinta.

Tema "pengakuan lirik" sering dikaitkan dengannya tema alam semula jadi... Bergaung dengan keadaan fikiran seseorang, ia biasanya diwarnai oleh rasa tidak harmoni. Perkembangan genre dan simfonisme lirik-epik berkait rapat dengan imej alam semula jadi (salah satu karya pertama ialah simfoni "besar" Schubert dalam C major).

Penemuan sebenar komposer romantik ialah tema fiksyen sains. Buat pertama kalinya, muzik belajar untuk menjelmakan imej yang hebat dan hebat dengan cara muzik semata-mata. Dalam opera abad ke-17 - ke-18, watak-watak "tidak wajar" (seperti Ratu Malam dari) bercakap dalam bahasa muzik yang "diterima secara umum", tidak menonjol dengan latar belakang orang sebenar. Komposer romantik telah belajar untuk menyampaikan dunia yang hebat sebagai sesuatu yang khusus (menggunakan warna orkestra dan harmonik yang luar biasa). Contoh yang menarik ialah "The Scene in the Wolf's Gorge" dalam "The Magic Arrow".

Ciri-ciri romantisisme muzik yang sangat diminati seni rakyat... Seperti penyair romantis yang, dengan mengorbankan cerita rakyat, memperkaya dan mengemas kini bahasa sastera, para pemuzik secara meluas beralih kepada cerita rakyat negara - lagu rakyat, balada, epik (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, dll.). Menjelmakan imej kesusasteraan negara, sejarah, alam semula jadi, mereka bergantung pada intonasi dan irama cerita rakyat negara, menghidupkan semula mod diatonik lama. Di bawah pengaruh cerita rakyat, kandungan muzik Eropah telah berubah secara dramatik.

Tema dan imej baharu menuntut pembangunan daripada golongan romantik cara baru bahasa muzik dan prinsip-prinsip membentuk, mengindividualisasikan melodi dan pengenalan intonasi pertuturan, pengembangan timbre dan palet harmonik muzik ( frets semula jadi, penjajaran berwarna-warni major dan minor, dsb.).

Oleh kerana tumpuan perhatian romantik bukan lagi kemanusiaan secara keseluruhan, tetapi individu tertentu dengan perasaan uniknya, masing-masing. dan dalam cara ekspresi, umum semakin memberi laluan kepada yang tunggal, tersendiri secara individu. Bahagian intonasi umum dalam melodi, janjang kord biasa dalam harmoni, corak tipikal dalam tekstur berkurangan - semua cara ini adalah secara individu. Dalam orkestrasi, prinsip kumpulan ensemble telah memberi laluan kepada penyatuan hampir semua suara orkestra.

Perkara yang paling penting estetika romantisme muzik adalah idea sintesis seni, yang menemui ungkapan paling jelas dalam dan dalam muzik program Berlioz, Schumann, Liszt.

Tiga peringkat utama romantisme muzik Eropah pada abad ke-19 - awal, matang dan lewat - sepadan dengan peringkat perkembangan muzik romantis Austria dan Jerman. Tetapi periodisasi ini mesti dikonkritkan dan agak diperhalusi berhubung dengan peristiwa terpenting dalam seni muzik setiap negara.
Peringkat awal romantisme muzik Jerman-Austria bermula pada 10-20-an abad ke-19, yang bertepatan dengan kemuncak perjuangan menentang pemerintahan Napoleon dan permulaan tindak balas politik gelap yang berikutnya. Permulaan peringkat ini ditandai dengan fenomena muzik seperti opera "Undine" oleh Hoffmann (1913), "Sylvanas (1810)," Abu Hasan "(1811) dan karya piano yang diprogramkan" Invitation to Dance "(1815) oleh Weber, lagu Schubert pertama yang benar-benar tersendiri - "Margarita at the Spinning Wheel" (1814) dan "Forest Tsar" (1815). Pada tahun 1920-an, romantisme awal berkembang, apabila kejeniusan Schubert awal yang telah pupus itu berkembang sepenuhnya, apabila The Magic Rifleman, Euryatus dan Oberon muncul - tiga opera paling sempurna terakhir oleh Beber, pada tahun kematiannya (1820). di kaki langit muzik, cetuskan "pemerhati" baharu - Mendelssohn - Bartholdi, yang membuat persembahan dengan persembahan konsert yang indah - A Midsummer Night's Dream.
Peringkat pertengahan jatuh terutamanya pada tahun 1930-an-1940-an; sempadannya ditentukan oleh Revolusi Julai di Perancis, yang mempunyai kesan yang besar terhadap kalangan maju Austria dan khususnya Jerman, dan revolusi 1848–1949, yang melanda dengan kuat merentasi tanah Jerman-Austria. Dalam tempoh ini, kreativiti Mendelssohn (meninggal dunia pada 1147) dan Schumann berkembang pesat di Jerman, yang aktiviti komposernya hanya untuk beberapa tahun melintasi sempadan yang ditunjukkan; Marschner menghilangkan tradisi Weber dalam operanya (opera terbaiknya, Thaps Geilsch: r, ditulis pada tahun 1833); dalam tempoh ini, Wagner beralih daripada seorang komposer yang bercita-cita tinggi kepada pencipta karya cemerlang seperti Tannhäuser (1815) dan Lohengrin (1848); bagaimanapun, pencapaian kreatif utama Wagner masih belum datang. Di Austria, pada masa ini, terdapat jeda tertentu dalam bidang genre yang serius, tetapi pencipta muzik tarian setiap hari, Joseph Liner dan Johann Strauss bapa, semakin terkenal.
Tempoh romantisme lewat, pasca revolusi, yang menjangkau beberapa dekad (dari awal 50-an dan, kira-kira hingga pertengahan 90-an), dikaitkan dengan situasi sosio-politik yang tegang (persaingan Austria, Prusia dalam penyatuan tanah Jerman , kemunculan Jerman bersatu di bawah pemerintahan Prusia ketenteraan dan pemisahan politik terakhir Austria). Pada masa ini, masalah seni muzik Jerman yang tunggal adalah akut, percanggahan antara pelbagai kumpulan kreatif dan komposer individu lebih jelas didedahkan, perjuangan arah timbul, yang kadang-kadang dicerminkan dalam polemik hangat di halaman akhbar. . Liszt, yang berpindah ke Jerman, cuba menyatukan kuasa muzik progresif negara, tetapi prinsip kreatifnya yang dikaitkan dengan idea-idea inovasi radikal berdasarkan programmaticity tidak dikongsi oleh semua pemuzik Jerman. Kedudukan istimewa diambil oleh Wagner, yang memutlakkan peranan drama muzik sebagai "seni masa depan." Pada masa yang sama, Brahms, yang berjaya dalam karyanya untuk membuktikan kepentingan berterusan banyak tradisi muzik klasik dalam gabungan mereka dengan pandangan baru yang romantis, menjadi ketua aliran anti-Senarai dan anti-Wagner di Vienna. Tahun 1876 adalah penting dalam hal ini: tayangan perdana Wagner's Ring of the Nibelung berlangsung di Bayreuth, dan Vienna berkenalan dengan simfoni pertama Brahms, yang membuka tempoh berbunga tertinggi karyanya.

Kerumitan situasi muzik-sejarah tahun-tahun ini tidak terhad kepada kehadiran pelbagai arah dengan motif mereka; - Leipzig, Weimar, Bayreuth. Vienna. Di Vienna sendiri, sebagai contoh, artis yang berbeza seperti Bruckner dan Wolf, disatukan oleh sikap bersemangat yang sama terhadap Wagner, tetapi pada masa yang sama tidak menerima prinsip drama muziknya, mencipta karya mereka.
Di Vienna, Johann Strauss the Son, ketua paling muzikal abad ini, sedang mencipta ”(Wagner). Waltznya yang indah dan kemudiannya operetta menjadikan Vienna pusat terbesar untuk muzik hiburan.
Dekad pasca-revolusioner masih ditandakan oleh beberapa fenomena luar biasa romantisme muzik, tanda-tanda krisis dalaman trend ini sudah terasa. Oleh itu, romantik dalam Brahms disintesis dengan prinsip klasikisme, dan Hugo Wolff secara beransur-ansur menyedari dirinya sebagai komposer anti-romantik. Pendek kata, prinsip romantis kehilangan makna eksklusifnya, kadangkala digabungkan dengan beberapa kecenderungan klasik yang baharu atau dihidupkan semula.
Namun begitu, walaupun selepas pertengahan 1980-an, ketika romantisme jelas mula hidup lebih lama, kilatan terang kreativiti romantik individu masih muncul di Austria dan Jerman: karya piano terakhir Brahms dan simfoni Bruckner yang kemudiannya dikibarkan dengan romantisme; komposer utama pergantian abad XIX dan XX - Mahler Austria dan Richard Strauss Jerman - dalam karya tahun 80-an dan 90-an kadang-kadang menampakkan diri mereka sebagai romantik biasa. Secara umum, komposer ini menjadi sejenis penghubung antara abad kesembilan belas "romantik" dan dua puluhan "anti-romantik".)
"Keakraban budaya muzik Austria dan Jerman, kerana tradisi budaya dan sejarah, tidak mengecualikan, tentu saja, perbezaan nasional tertentu. kreativiti muzik, dan tugas yang dihadapi pemuzik, kadang-kadang berbeza. Oleh itu, di Jerman yang mundur, mengatasi genangan borjuasi, wilayah sempit adalah tugas yang sangat mendesak, yang memerlukan, seterusnya, aktiviti pendidikan dalam bentuk yang berbeza di pihak wakil seni maju. Keadaan, komposer Jerman yang cemerlang tidak boleh membatasi dirinya hanya untuk mengarang muzik, tetapi dia terpaksa menjadi seorang tokoh muzik dan awam. Dan sememangnya, komposer romantik Jerman bersungguh-sungguh menjalankan tugas budaya dan pendidikan, menyumbang negara: Weber - sebagai konduktor opera dan pengkritik muzik, Mendelssohn - sebagai konduktor konsert dan guru terkemuka, pengasas konservatori pertama di Jerman; Schumann ialah pengkritik muzik yang inovatif dan pencipta jenis majalah muzik baharu. Kemudian, aktiviti muzik dan sosial Wagner, jarang dalam kepelbagaian mereka, berkembang sebagai konduktor teater dan simfoni, pengkritik, estetika, pembaharu opera, dan pencipta teater baharu di Bayreuth.
Di Austria, dengan pemusatan politik dan budayanya (rejimen hegemoni Vienna sebagai pusat politik dan budaya), dengan ilusi patriarki yang tertanam, kemakmuran khayalan dan dengan penguasaan sebenar reaksi yang paling kejam, aktiviti sosial yang meluas adalah mustahil1. Dalam hubungan ini, percanggahan antara penderitaan sivik karya Beethoven dan kepasifan sosial paksa komposer hebat tidak boleh tidak menarik perhatian kepada dirinya sendiri. Apa yang boleh kita katakan tentang Schubert, yang muncul sebagai artis dalam tempoh selepas Kongres Vienna pada 1814-1815! Bulatan Schubert yang terkenal adalah satu-satunya bentuk yang mungkin untuk menyatukan wakil maju cerdik pandai artistik, tetapi bulatan sedemikian di Vienna Metternich tidak boleh mempunyai resonans awam yang tulen. Dalam erti kata lain, di Austria komposer terhebat hampir secara eksklusif pencipta karya muzik: mereka tidak dapat membuktikan diri mereka dalam bidang aktiviti muzik dan sosial. Ini terpakai kepada Schubert, dan kepada Bruckner, dan kepada Johann Strauss anak lelakinya, dan kepada beberapa orang lain.
Walau bagaimanapun, dalam budaya Austria, seseorang juga harus perhatikan faktor ciri sedemikian yang secara positif mempengaruhi seni muzik, memberikannya pada masa yang sama rasa Austria, "Viennese" secara khusus. Tertumpu di Vienna, dalam kombinasi beraneka ragam yang pelik, unsur-unsur budaya Jerman, Hungary, Itali dan Slavik mencipta tanah muzik yang kaya di mana karya kreatif Schubert, Johann Strauss dan banyak komposer lain, yang berorientasikan demokrasi, berkembang. Gabungan ciri kebangsaan Jerman dengan ciri Hungary dan Slavik kemudiannya menjadi ciri Brahms yang berpindah ke Vienna.

Khusus kepada budaya muzik Austria adalah pengedaran pelbagai bentuk muzik hiburan yang sangat luas - serenade, kasasi, divertissement, yang menduduki tempat yang menonjol dalam karya klasik Viennese Haydn dan Mozart. Dalam era romantisme, kepentingan muzik setiap hari, menghiburkan bukan sahaja kekal, malah semakin dipergiatkan. Sukar untuk dibayangkan, sebagai contoh, penampilan kreatif Schubert tanpa aliran rakyat sehari-hari yang meresapi muziknya dan yang kembali ke pesta Viennese, perkelahan, percutian di taman, hingga muzik jalanan yang santai. Tetapi pada zaman Schubert, stratifikasi mula diperhatikan dalam muzik profesional Vienna. Dan jika Schubert sendiri masih menggabungkan simfoni dan sonata karyanya dengan waltz dan pendarat, yang muncul secara literal dalam ratusan1, serta perarakan, ecossis, polonais, maka rakan seangkatannya Liner dan Strauss bapa menjadikan muzik tarian sebagai asas aktiviti mereka. Kemudian, "polarisasi" ini mendapat ekspresi dalam hubungan antara kreativiti dua orang sezaman - klasik tarian dan muzik operetta Johann Strauss the son (1825-1899) dan simfoni Bruckner (1824-1896).
Apabila membandingkan muzik Austria dan Jerman pada abad ke-19 yang betul, persoalan teater muzikal pasti timbul. Di Jerman dalam era romantisme, opera, bermula dengan Hoffmann, adalah sangat penting sebagai genre yang mampu meluahkan sepenuhnya masalah semasa budaya negara. Dan bukan kebetulan bahawa drama muzik Wagnerad adalah penaklukan hebat teater Jerman. Di Austria, percubaan berulang Schubert untuk mencapai kejayaan dalam bidang teater tidak dinobatkan dengan kejayaan. rangsangan untuk kreativiti opera yang serius, tidak menyumbang kepada penciptaan karya teater "gaya besar." Tetapi persembahan rakyat dengan watak komedi berkembang pesat - penyanyi Ferdinand Raimund dengan muzik Wenzel Müller dan Joseph Drexler, dan kemudian - penyanyi domestik I. N. Nestroy (1801- 1862) Akibatnya, bukan drama muzikal, tetapi operetta Vienna yang muncul pada tahun 70-an, menentukan pencapaian teater muzik Austria pada skala Eropah.
Walaupun semua ini dan perbezaan lain dalam perkembangan muzik Austria dan Jerman, ciri-ciri persamaan dalam seni romantik kedua-dua negara adalah lebih ketara. Apakah ciri khusus yang membezakan karya Schubert, Weber dan pengganti terdekat mereka - Mendelssohn dan Schumann - daripada muzik romantik negara Eropah yang lain?
Lirik yang intim, penuh perasaan, diliputi lamunan, adalah tipikal Schubert, Weber, Mendelssohn, Schumann. Muzik mereka didominasi oleh melodi yang merdu, vokal semata-mata dalam melodi asalnya, yang biasanya dikaitkan dengan konsep "Lied" Jerman. Gaya ini adalah ciri yang sama untuk lagu dan banyak tema instrumental merdu Schubert, aria opera lirik Weber, Lagu-lagu Mendelssohn tanpa Perkataan, imej "Ebzebievs" Schumann. Melodi yang wujud dalam gaya ini, walau bagaimanapun, berbeza daripada opera cantilena Itali khas Bellini, serta daripada frasa deklamasi yang terjejas ciri romantik Perancis (Berlioz, Menerbeer).
Berbanding dengan romantisme Perancis yang progresif, dicirikan oleh keyakinan dan keberkesanan, dipenuhi dengan penderitaan sivik, heroik-revolusioner, romantisme Austria dan Jerman secara keseluruhannya kelihatan lebih kontemplatif, mementingkan diri sendiri, secara subjektif lirik. Tetapi kekuatan utamanya terletak pada pendedahan dunia dalaman seseorang, dalam psikologi yang mendalam itu, yang terutamanya didedahkan sepenuhnya dalam muzik Austria dan Jerman, menyebabkan kesan artistik yang tidak dapat dilawan daripada banyak karya muzik. Ia. bagaimanapun, ia tidak mengecualikan beberapa manifestasi terang kepahlawanan dan patriotisme dalam karya romantik Austria dan Jerman. Begitulah simfoni heroik-epik yang hebat dalam C major oleh Schubert dan beberapa lagunya (Kepada pemandu Kronos, The Group from Hell dan lain-lain), kitaran paduan suara Lyre dan Pedang oleh Weber (untuk bait-bait penyair patriotik T Kerner "Symphonic Etudes "Schumann, lagunya" Two Grenadiers ", akhirnya, halaman heroik individu dalam karya seperti" Scottish Symphony "oleh Mendelssohn (apotheosis di akhir)," Karnival "oleh Schumann (tamat, simfoni ketiganya (pertama). Tetapi rancangan heroik Beethoven, titanisme perjuangan dihidupkan semula dengan asas baru kemudian - dalam drama muzik wira-epik Wagner. Pada peringkat pertama romantisme Jerman-Austria, prinsip aktif dan aktif adalah lebih kerap. diungkapkan dalam imej yang menyedihkan, gelisah, memberontak, tetapi tidak mencerminkan, seperti dalam Beethoven, proses perjuangan yang bertujuan, kemenangan. ”Begitulah lagu-lagu Schubert" Shelter "dan" Atlant ", imej Florestani Schumann, penampilannya" Manfred ", overture" Rune Blaz "oleh Mendelssohn.

Imej alam semula jadi menduduki tempat yang sangat penting dalam karya komposer romantis Austria dan Jerman. Terutama hebat adalah peranan "empati" imej alam semula jadi dalam kitaran vokal Schubert dan dalam kitaran "The Love of a Poet" oleh Schumann. Landskap muzik dibangunkan secara meluas dalam karya simfoni Mendelssohn; ia dikaitkan terutamanya dengan unsur laut ("Scottish Symphony", overtures "Hebrides", "Sea calm and happy sailing"). Tetapi ciri khas Jerman bagi imejan landskap ialah "percintaan hutan" yang terkandung secara puitis dalam pengenalan tawaran Weber kepada The Magic Archer dan Oberon, dalam Nocturne daripada muzik Mendelssohn kepada komedi Shakespeare A Midsummer Night's Dream. Dari sini, benang menjangkau simfoni Bruckner seperti yang keempat ("Romantik") dan ketujuh, kepada landskap simfoni "Rustle of the Forest" dalam tetralogi Wagner, kepada gambar hutan dalam simfoni pertama Mahler.
Kerinduan romantis untuk ideal dalam muzik Jerman-Austria menemui ungkapan khusus, khususnya, dalam tema pengembaraan, pencarian kebahagiaan di tanah lain yang tidak diketahui. Ini paling jelas dilihat dalam karya Schubert (The Wanderer, The Beautiful Miller Woman, The Winter Path), dan kemudiannya dalam imej Wagner tentang Flying Dutchman, Wotan the Traveler, Siegfried yang mengembara. Tradisi pada tahun 80-an ini membawa kepada kitaran Mahler "Lagu-lagu Perantis Kelana".
Penekanan besar yang diberikan pada imej yang hebat juga merupakan ciri nasional romantisisme Jerman-Austria (ia mempunyai kesan langsung pada Berlioz romantis Perancis). Ini adalah, pertama, fantasi kejahatan, Demonisme, yang menemui penjelmaan paling jelas dalam Siena di Lembah Serigala daripada opera Weber The Magic Archer, dalam Vampire Marschner, cantata Malam Walpurgis Mendelssohn dan beberapa karya lain. Kedua, fiksyen adalah ringan, puitis secara halus, bergabung dengan imej alam semula jadi yang indah penuh semangat: adegan dalam opera Weber Oberon, peralihan Mendelssohn kepada A Midsummer Night's Dream, dan kemudian imej Wagner's Lohengrin, utusan Grail. Tempat perantaraan di sini adalah milik banyak imej Schumann, di mana fiksyen merangkumi permulaan yang indah dan pelik, tanpa banyak menekankan masalah kejahatan dan kebaikan.
Dalam bidang bahasa muzik, romantisme Austria dan Jerman membentuk seluruh era, sangat penting dari sudut pandangan evolusi umum cara seni ekspresif. Tanpa memikirkan keaslian gaya setiap komposer utama secara individu, mari kita perhatikan ciri dan kecenderungan yang paling biasa.

Prinsip "lagu" yang dilaksanakan secara meluas - kecenderungan umum yang tipikal dalam karya komposer romantik - juga meluas kepada muzik instrumental mereka. Ia mencapai keperibadian melodi yang hebat melalui gabungan ciri lagu sebenar dan giliran deklamasi, dengungan asas, kromatisasi, dsb. Bahasa harmonik diperkaya: formula harmonik tipikal klasik digantikan dengan harmoni yang lebih fleksibel dan pelbagai. , peranan plugaliti, darjah menengah keharmonian meningkat. Bahagian keharmonian yang berwarna-warni adalah sangat penting. Interpenetrasi major dan minor yang semakin meningkat secara beransur-ansur juga merupakan ciri. Jadi, dari Schubert, pada dasarnya, datang tradisi perbandingan major-minor dengan nama yang sama (lebih kerap major selepas minor), kerana ini telah menjadi teknik kegemaran dalam karyanya. Skop penggunaan major harmonik semakin berkembang (subdominan kecil dalam kadenza karya utama adalah ciri khasnya). Sehubungan dengan penekanan individu, pengenalpastian butiran slushy imej, terdapat juga keuntungan dalam bidang orkestrasi (maksud pewarnaan timbre tertentu, peranan instrumen solo yang semakin meningkat, perhatian kepada pukulan rentetan prestasi baru. , dan lain-lain.). Tetapi orkestra itu sendiri pada dasarnya tidak mengubah komposisi klasiknya lagi.
Romantik Jerman dan Austria adalah sebahagian besar pengasas program romantis (Berlioz boleh bergantung pada pencapaian mereka dalam Fantastic Symphony). Dan walaupun programmaticness seperti itu, nampaknya, bukanlah ciri romantisis Austria Schubert, ketepuan bahagian piano lagu-lagunya dengan momen bergambar, kehadiran unsur-unsur program tersembunyi yang hadir dalam dramaturgi karya instrumental utamanya, ditentukan. sumbangan penting komposer kepada pembangunan prinsip program dalam muzik. Romantik Jerman sudah mempunyai keinginan yang jelas untuk programmaticity baik dalam muzik piano (Jemputan Weber untuk Menari, Concertstuck, Kitaran Suite Schumann, Lagu-lagu tanpa Kata-kata oleh Mendelssohn) dan dalam muzik simfoni (penerbitan opera Weber, peralihan konsert, peralihan Mendelssohn, peralihan Manfsohn " "oleh Schumann).
Peranan romantik Austria dan Jerman dalam penciptaan prinsip gubahan baru adalah hebat. Kitaran sonata-simfoni klasik digantikan dengan miniatur instrumental; cyclization of miniatures, yang dibangunkan dengan jelas dalam bidang lirik vokal oleh Schubert, dipindahkan ke muzik instrumental (Schumann). Gubahan satu bahagian yang besar turut muncul, menggabungkan prinsip sonata dan kitaran (fantasi piano dalam C major oleh Schubert, "Concertstuck" oleh Weber, pergerakan fantasi pertama dalam C major oleh Schumann). Kitaran sonata-simfoni, seterusnya, mengalami perubahan ketara di kalangan romantik, pelbagai jenis "sonata romantik" dan "simfoni romantik" muncul. Namun begitu, penaklukan utama adalah kualiti pemikiran muzikal baharu, yang membawa kepada penciptaan miniatur kandungan penuh dan kuasa ekspresif - kepekatan khas ekspresi muzik yang menjadikan satu lagu atau satu bahagian piano menjadi tumpuan dalam. idea dan pengalaman.

Mengetuai romantisme Austria dan Jerman yang berkembang pesat pada separuh pertama abad ke-19 adalah individu bukan sahaja berbakat genius, tetapi juga maju dalam pandangan dan aspirasi mereka. Ini menentukan kepentingan berterusan kreativiti muzik mereka, kepentingannya sebagai "klasik baru", yang telah menjadi jelas pada akhir abad ini, apabila klasik muzik negara-negara bahasa Jerman diwakili, pada dasarnya, bukan sahaja oleh komposer hebat abad ke-18 dan Beethoven, tetapi juga oleh romantik yang hebat - Schubert , Schumann, Weber, Mendelssohn. Wakil-wakil romantisisme muzik yang luar biasa ini, sangat menghormati pendahulu mereka dan mengembangkan banyak pencapaian mereka, berjaya pada masa yang sama untuk membuka dunia imej muzik yang sama sekali baru dan bentuk gubahan yang sepadan. Nada peribadi yang berlaku dalam kerja mereka adalah selaras dengan mood dan pemikiran rakyat demokratik. Mereka menegaskan dalam muzik bahawa watak ekspresif, yang BV Asafiev dengan tepat dicirikan sebagai "ucapan komunikatif yang meriah, dari hati ke hati" dan yang menjadikan Schubert dan Schumann berkaitan dengan Chopin, Grieg, Tchaikovsky dan Verdi. Mengenai nilai kemanusiaan arah muzik romantis, Asafiev menulis: "Kesedaran peribadi ditunjukkan bukan dalam pengasingan yang terpencil dan bangga, tetapi dalam sejenis refleksi artistik tentang segala sesuatu yang hidup dengan orang dan apa yang selalu membimbangkan mereka dan tidak dapat dielakkan. Dalam kesederhanaan seperti itu, pemikiran dan pemikiran yang indah tentang kehidupan terdengar - kepekatan yang terbaik dalam diri seseorang."

Skryabina Svetlana Anatolyevna

MBOU DOD DSHI Uvarovo, wilayah Tambov

cikgu

abstrak

"Karya Piano Komposer Romantik"

pengenalan.

2. Romantik dalam muzik.

4. Pengaruh gaya romantik pada karya piano F. Liszt.

5. Kesimpulan.

6. Rujukan.

pengenalan.

Romantikisme, sebagai gerakan artistik, terbentuk pada akhir abad ke-18 dan awal abad ke-19, pertama dalam kesusasteraan (di Jerman, Great Britain dan negara-negara lain di Eropah dan Amerika), kemudian dalam muzik dan bentuk seni lain. Gaya romantis adalah tersendiri, hebat dan luhur.

Era romantisme memainkan peranan yang besar dalam perkembangan budaya muzik. Romantikisme merangkumi semua bidang budaya: falsafah, estetika, teater, sastera, muzik dan kemanusiaan lain. Sehubungan dengan pelbagai tradisi kebangsaan dan aspek sejarah, romantisme, berkembang di negara-negara yang berbeza, memperoleh ciri-ciri negara yang pelik: di kalangan orang Jerman - dalam mistik, di kalangan orang Inggeris - pada orang yang menentang dirinya dengan tingkah laku yang munasabah, di kalangan Perancis - dalam luar biasa. cerita. Gaya romantis dicirikan oleh daya tarikan kepada dunia dalaman seseorang, keinginan untuk emosi, ini menentukan keutamaan sastera dan muzik dalam romantisme.

Perkaitan Tema ini terletak pada hakikat bahawa Romantikisme adalah sokongan untuk banyak komposer, dan memainkan peranan besar dalam pembangunan budaya muzik, dan juga mendorong kepada pembangunan karya piano komposer romantis.

Tujuan kerja ini- untuk menentukan ciri utama romantisme dan mengkaji refleksi mereka dalam karya piano komposer romantis dengan menyelesaikan masalah berikut:

1. Pertimbangkan ciri utama romantisme;
2. Mendedahkan manifestasi romantisme dalam muzik;
3. Kaji ciri-ciri gaya romantisme dalam seni piano;
4. Terangkan karya piano F. Liszt.

Untuk menghidupkan idea mereka, komposer - romantik bertukar kepada bentuk baru: miniatur piano, balada, nocturnes, polonais, lagu dadakan, lagu lirik, kerja program memperoleh peranan penting. Terdapat penggunaan bentuk sonata-simfoni dan variasi yang lebih bebas, penciptaan bentuk satu bahagian besar baru - sonata, konsert, puisi simfoni, penggunaan kaedah pembangunan khas - leitmotif, monotematik, bacaan vokal, warna.

1. Asal-usul romantisme dan ciri-cirinya.

Sehubungan dengan revolusi borjuasi di Perancis, pandangan dan idea rakyat berubah. Peristiwa bersejarah telah meninggalkan kesannya pada jiwa setiap orang yang menyaksikan pergolakan revolusioner. Bagi artis, penulis dan pemuzik, idea kesaksamaan, persaudaraan dan kebebasan telah menjadi rapat. Maka tamatlah zaman Makrifat. Tetapi tatanan sosial baru tidak memenuhi jangkaan masyarakat itu dan kekecewaan datang dan kemunculan sistem pandangan dunia baru - Romantikisme - menjadi tidak dapat dipulihkan.

Romantikisme ialah aliran ideologi dan artistik dalam budaya rohani Eropah dan Amerika pada akhir ke-18 - separuh pertama abad ke-19, yang menggantikan klasikisme. Peralihan yang mendalam berlaku dalam kandungan seni, dalam pergerakan pemikiran estetik, dalam watak imej artistik.

Di tengah-tengah dunia romantisme adalah keperibadian manusia, berusaha untuk kebebasan dalaman yang lengkap, untuk kesempurnaan dan pembaharuan. Dia menyatakan sikapnya terhadap kehidupan, dunia di sekelilingnya melalui lirik pengalaman emosi dan perasaan. Lirik imej artistik mencerminkan giliran seni, yang membimbing perkembangannya, hubungan dengan masa lalu, pergerakan ke masa depan.

Asas romantisme ialah konsep dunia berganda (dunia mimpi dan dunia nyata). Perselisihan antara ideal dan realiti, ciri-ciri trend sebelumnya, memperoleh ketajaman dan ketegangan yang luar biasa dalam romantisme.

Tugas utama romantisme adalah untuk menggambarkan dunia dalaman, kehidupan mental. Dengan romantisme inilah psikologi sebenar mula muncul. Kekangan dan kerendahan hati telah ditolak, dan mereka digantikan oleh emosi yang kuat, sering mencapai keterlaluan. Di antara orang-orang romantis, psikologi manusia diselubungi dengan mistisisme; saat-saat yang tidak rasional, kabur, misteri berlaku di dalamnya.

Romantik beralih kepada kepercayaan rakyat yang misteri, membingungkan, malah dahsyat, dongeng. Menolak kehidupan seharian masyarakat bertamadun moden sebagai tidak berwarna dan membosankan, golongan romantik berusaha untuk segala-galanya yang luar biasa. Mereka tertarik dengan fiksyen sains, legenda rakyat dan seni rakyat secara amnya.

Wira romantisme adalah, pertama sekali, seorang superman yang individualistik. Bagi orang romantis, manusia adalah alam semesta yang kecil, mikrokosmos. Minat yang mendalam terhadap perasaan yang kuat dan terang, nafsu yang memakan semua, dalam pergerakan rahsia jiwa, di sisi "malam"nya, keinginan untuk intuitif dan tidak sedarkan diri adalah ciri penting seni romantis.

2. Romantik dalam muzik.

Pada dekad kedua abad ke-19, romantisisme muzik muncul, yang timbul di bawah pengaruh seni sastera. Ini adalah fenomena baharu dari segi sejarah, walaupun hubungan mendalam dengan "klasik" muzik telah didedahkan. Mempelajari dan melaksanakan karya komposer romantis, seseorang dapat merasakan ketinggian struktur mental dan keagungan perasaan, kontras dramatik, kesedihan mendalam, lirik yang ikhlas.

Pengasas era romantisme adalah komposer seperti Liszt, Chopin, Schumann, Grieg. Dalam tempoh kemudian, "impresionisme" muzik Debussy, Ravel, Scriabin dilahirkan.

Miniatur piano Schubert, Lagu Mendelssohn tanpa Perkataan, kitaran piano, nocturnes, prelude Schumann, balada Chopin - semua kekayaan ini telah mengubah genre dan bentuk lama, ia memasuki perbendaharaan muzik dunia dan memperoleh kepentingan dalam muzik klasik.

Tempat yang dominan diduduki oleh tema cinta, keadaan fikiran inilah yang paling komprehensif dan sepenuhnya mencerminkan semua kedalaman dan nuansa jiwa manusia. Cinta seseorang untuk rumahnya, untuk tanah airnya, untuk rakyatnya - benang yang berterusan mengalir melalui karya semua komposer - romantik.

Romantik mempunyai imej alam yang berkait rapat dan tidak dapat dipisahkan dengan tema pengakuan lirik. Seperti imej cinta, imej alam semula jadi melambangkan keadaan minda pahlawan, yang sering diwarnai oleh perasaan tidak harmoni dengan realiti.

Tema fiksyen sains sering bersaing dengan imej alam semula jadi dan ini dijana oleh keinginan untuk melarikan diri dari kurungan kehidupan sebenar. Bagi komposer sekolah romantik, imej yang hebat dan hebat memperoleh warna kebangsaan yang unik. Balada Chopin diilhamkan oleh Balada Mickiewicz, Schumann, Mendelssohn, mereka mencipta karya rancangan aneh yang hebat, melambangkan, seolah-olah, sisi iman yang rapi, berusaha untuk membalikkan idea-idea ketakutan terhadap kuasa-kuasa jahat.

Tempoh lewat kehidupan dan karya komposer klasik hebat terakhir Ludwig van Beethoven bertepatan dengan zaman kegemilangan karya komposer romantik hebat pertama Franz Schubert. Kebetulan yang ketara ini menunjukkan hubungan rapat antara seni muzik klasik dan romantis. Walaupun terdapat kesinambungan antara kedua-dua warisan ini, terdapat perbezaan penting yang tipikal dalam hubungan antara komposer klasik dan komposer romantis. Perbezaan utama ialah penekanan khusus dalam muzik romantik pada penjelmaan lirik yang melamun dan imej dan mood lirik yang menyedihkan.

Komposer romantik mula menunjukkan minat yang besar terhadap keaslian kebangsaan muzik Rusia, serta muzik orang lain. Dalam hal ini, kajian yang teliti tentang muzik rakyat - cerita rakyat muzikal - bermula. Pada masa yang sama, minat terhadap sejarah sejarah negara, legenda kuno, kisah dan tradisi meningkat, yang merupakan asas kepada kemunculan imej hebat yang menarik. Dengan menguasai tema dan imej baharu, muzik romantis memperhebat interaksinya dengan puisi romantis dan teater romantis. Ini menentukan berbunga tinggi pada abad ke-19 opera romantis - genre di mana sintesis semua jenis seni berlaku. Salah satu opera romantik yang paling terang ialah The Magic Shooter oleh komposer Jerman Karl Maria von Weber.

Seni muzik romantik telah melahirkan ramai komposer yang cemerlang, yang selalunya juga penghibur konsert yang luar biasa.

3. Ciri gaya era romantisme dalam karya piano.

Dalam gaya muzik era romantisme, cara modal dan harmonik memperoleh peranan yang sangat penting. Proses pertama ini - dinamik - adalah ketepuan kord dalam kepingan dengan perubahan dan percanggahan, yang memburukkan lagi ketidakstabilan mereka, meningkatkan ketegangan yang memerlukan penyelesaian dalam permainan selanjutnya. Ciri-ciri prestasi karya komposer romantik sedemikian menyatakan "kerinduan" tipikal untuk gaya ini, aliran perasaan yang "tidak berkesudahan" berkembang, yang terutama terkandung sepenuhnya dalam karya Chopin, Schumann, Grieg. Pelbagai warna, kecemerlangan bunyi telah diekstrak daripada mod semula jadi, dengan bantuan yang ditekankan watak rakyat atau kuno muzik itu. Apabila menggambarkan imej yang hebat, hebat atau pelik, peranan yang besar telah diberikan kepada keseluruhan nada dan skala kromatik.

Dalam melodi romantis, kecenderungan berikut berlaku: usaha untuk keluasan dan kesinambungan perkembangan frasa. Bagi kebanyakan komposer era Romantik, karya mereka mengandungi "melodi yang tidak berkesudahan" dengan liga berbilang bar yang besar. Ini amat ketara dalam karya Chopin, Tchaikovsky, tempoh awal Rachmaninov pada tahun 80-an - 90-an ("Elegy", "Melody", "Romance", "Serenade" dan karyanya yang lain).

Pengeluaran bunyi dan rasa "gaya" adalah sangat penting dalam mengenali muzik komposer romantis; jadi mereka tidak bertindih.

Bercakap tentang ciri gaya persembahan pada piano karya muzik oleh komposer romantis, Profesor Konservatori Leningrad V.Kh. Razumovskaya menulis: "Saya bergelut dengan simetri, saya cuba mengatasi meter dan menyembunyikan" jahitan sintaksis ", terima kasih kepada frasa dan nuansa sedemikian, kami mendapat kelancaran dan kemerduan bunyi dan perasaan legato ".

Ia adalah perlu untuk merasakan nafas dalam persembahan karya lirik, ia boleh dirasai melalui sentuhan: latar belakang yang penuh dengan udara, bass pernafasan, pedal yang kemas.

Liszt berkata perkara berikut tentang ciri-ciri gaya muzik F. Chopin: "Muziknya menyerupai bunga bindweed yang menggoyang-goyangkan mahkotanya pada batang yang luar biasa nipis. Corolla kecantikan luar biasa ini diperbuat daripada kain yang wangi dan halus sehingga pecah di bahagian sedikit sentuhan."Chopin ialah "puncak" seni persembahan era Romantik.

Melakukan karya muzik era romantisme, seseorang mesti ingat bahawa untuk mencapai "bunyi" yang dikehendaki - baldu dan tidak wajar, seseorang memerlukan hadiah istimewa dan kerja keras, dan rasa gaya. Seperti kata Neuhaus: "Bunyi adalah perkara yang suci, menjaga bunyi seperti emas, seperti permata, ia berasal dari suasana pra-bunyi, kelahirannya adalah sakramen, ia adalah sangat penting untuk mencari yang diperlukan" ukuran bunyi. "

Sorotan melos. Melodi dikemas kini intonasi dan gubahan. Dua sumber pembaharuan intonasi yang berbeza muncul: cerita rakyat dan intonasi pertuturan. Perkara yang menyimpang dari norma klasik, pertama sekali, menarik perhatian. Golongan klasik mempunyai bacaan (pidato), tetapi golongan romantik memilikinya lebih intim, lirik, terbuka, emosi.

5. Pengaruh gaya romantik pada karya piano F. Liszt.

"Liszt, seperti virtuoso, fenomena dari kalangan mereka

yang muncul sekali dalam beberapa abad",

Serov menulis

Dalam karya F. Liszt, karya piano membentuk bahagian terbaik dari warisan kreatifnya.

Keperibadian artistik Liszt sebagai pemain piano dan komposer digabungkan membantu membuka laluan baharu dalam seni muzik.

Dia mempercayai piano dengan semua pemikiran, impian, penderitaan dan kegembiraannya. Dan itulah sebabnya Liszt adalah orang pertama yang mencari kaedah gubahan dan cara ekspresi baharu dalam bidang muzik piano.

F. Liszt adalah seorang pemain piano yang genius dan persembahannya dapat meyakinkan dan memikat beribu-ribu pendengar. Begitu juga, dalam latihan mengarang, dia mencapai penyampaian idea muzik yang lega dan boleh difahami. Sebaliknya, sebagai seorang artis yang mencari tanpa henti yang dikurniakan naluri kreatif yang genius, dia memperbaharui keseluruhan struktur dan watak bunyi piano, menjadikannya, seperti yang dikatakan Stasov dengan tepat, "suatu perkara yang tidak diketahui dan tidak pernah didengari - keseluruhan orkestra. ."

Komposer memperkenalkan tafsiran Symphonic piano kepada persembahan dan kreativiti kontemporari. Dalam perkembangannya, dia mencapai bunyi orkestra instrumen yang kuat dan memperkayakannya dengan kemungkinan warna. Dalam salah satu suratnya, Liszt menyatakan bahawa matlamatnya adalah "... untuk membiasakan semangat pemain piano dengan kesan orkestra dan, dalam had piano yang terhad, untuk membuat pelbagai kesan bunyi instrumental dan warna yang sensitif." Liszt mencapai ini dengan memenuhi kepingan piano dengan timbre dan struktur melodi. Kepingan piano Liszt selalunya mengandungi arahan pengarang - quasi tromba (seperti trompet), quasi flauto (seperti seruling), dsb., tiruan cello (contohnya, di Lembah Oberman), tanduk Perancis (Etude Hunting), loceng ("loceng Geneva"), organ, dsb. Liszt mengembangkan sumber ekspresif piano ke hadapan, membawa kuasa, kecemerlangan dan kecemerlangan ke hadapan.

F. Liszt menemui kaedah baru teknik piano. Dia cuba menggunakan semua daftar piano: dia menggunakan bes yang berbunyi kaya dan dalam, dia memindahkan melodi ke tengah, daftar "cello", dan di daftar atas dia mendedahkan bunyi yang telus dan jernih. Apabila membandingkan daftar, komposer menggunakan petikan, dia tepu mereka dengan kompleks kord dalam susunan yang luas. Liszt menggunakan secara meluas kesan orkestra tremolo, chord trills atau martellato oktaf untuk menyampaikan momen dramatik atau dinamik yang lebih menonjol dan menarik. Dia memberi perhatian khusus kepada pengedaran bahan bunyi antara kedua-dua tangan, pemindahan dan pemindahan mereka ke daftar piano yang berbeza. Antara teknik kegemaran Liszt yang lain ialah petikan dalam oktaf, not berganda, dan teknik latihan yang mahir. Teknik-teknik ini mempengaruhi pembangunan tekstur berbilang lapisan karya "Liszt". Perkembangan mereka diberikan dalam beberapa istilah dinamik dan berwarna, seperti dalam gubahan orkestra.

Liszt, sebagai pembaharu yang hebat dalam permainan piano, mengajar pemain piano untuk "membiasakan diri untuk membuat aksen dan motif pengelompokan, untuk mengemukakan apa yang lebih penting dan subordinat yang kurang penting kepadanya, dalam satu perkataan, menetapkan orkestra sebagai norma."

Ciri-ciri gaya piano Liszt tidak terbentuk serta-merta, ia boleh dibahagikan kepada empat peringkat. Peringkat pertama (20-an - pertengahan 30-an) dikaitkan dengan kajian keupayaan piano, dengan tiruan gaya bravura virtuosos moden, pada peringkat kedua (akhir 30-an - 40-an), Liszt mengembangkan gaya individu, memperkaya tekniknya. dan bahasa muzik oleh pencapaian terkini komposer romantik (Paganini, Berlioz, Chopin). Peringkat ketiga (akhir 40-an - 60-an) - kemuncak penguasaan Liszt - dicirikan oleh justifikasi semua teknik dengan keperluan ekspresi dan kandungan, ketiadaan "kelebihan" virtuoso, peringkat keempat (70-an - 80-an) ditandai dengan carian baharu: reka bentuk monumental penolakan, carian untuk bunyi ruang, warna halus.

Tradisi piano konsert "Liszt" telah dibangunkan dalam seni A.G. Rubinstein, A. Ziloti dan terutamanya S. Rachmaninov.

Kesimpulan.

Romantisisme sebagai kaedah dan hala tuju dalam seni adalah fenomena yang kompleks dan bercanggah. Di setiap negara, dia mempunyai ekspresi kebangsaan yang jelas. Dalam kesusasteraan, muzik, lukisan dan teater, bukan mudah untuk mencari ciri yang menyatukan Chateaubriand dan Delacroix, Mickiewicz dan Chopin, Lermontov dan Kiprensky.

Sfera kreativiti komposer romantis yang paling penting termasuk: lirik, fantasi, keaslian dalam prestasi motif kebangsaan yang bercirikan (contohnya, E. Grieg). Bermula dengan Schubert dan Weber, komposer melibatkan perubahan intonasi cerita rakyat lama yang kebanyakannya petani di negara mereka ke dalam bahasa muzik Eropah yang biasa.

Kandungan baharu muzik itu juga memerlukan cara ekspresi baharu. Ini, pertama sekali, kekayaan melodi yang besar, serta kekayaan melodi persembahan bertekstur yang dibangunkan, peningkatan kerumitan dan kecemerlangan bahasa harmonik.

Bibliografi.

1. Abdullin, E.B., Nikolaeva, E.V. Teori Pendidikan Muzik: Buku Teks untuk Pelajar Institusi Pendidikan Pedagogi Tinggi / E.B. Abdullin, E.V. Nikolaev. - M .: Akademi, 2004 .-- 336 p.
2. Aliev, Yu.B. Buku panduan guru pemuzik sekolah / Yu.B. Aliev. - M .: VLADOS, 2000 .-- 336 hlm.
3. Bryantseva, V.N. Kesusasteraan muzik negara luar. Tahun kedua pengajian. - M .: Muzik, 2004.
4. Druskin, M.S. Sejarah muzik asing. Isu 4: Separuh kedua abad ke-19 / M.S. Druskin. - SPb .: KOMPOSITOR-SAINT-PETERSBURG, 2007 .-- 632 hlm.
5. Zhabinsky, K.A. Kamus Muzik Ensiklopedia / K.A. Zhabinsky. - M .: Phoenix, 2009 .-- 474 p.
6. Lebedeva, O.V. Membangunkan pendidikan muzik / O.V. Lebedev. - Kostroma: KSU, 2001 .-- 69 p.
7. Minakova, A.S. Minakov, S.A. Sejarah Muzik Dunia: Genre. Gaya. Arah / A.S. Minakova, S.A. Minakov. - M .: Eksmo, 2010 .-- 544 p.

Kholopova, V.N. Teori muzik: Melodi, irama, tekstur, tematisme / V.N. Kholopova. - M .: Lan

Pada akhir abad ke-18 - permulaan abad ke-19, arah artistik seperti romantisisme muncul. Semasa era ini, orang mengimpikan dunia yang ideal dan "melarikan diri" dalam fantasi. Penjelmaan paling jelas dan imaginatif gaya ini terdapat dalam muzik. Antara wakil romantisisme, komposer abad ke-19 seperti Karl Weber,

Robert Schumann, Franz Schubert, Franz Liszt dan Richard Wagner.

Franz Liszt

Masa depan dilahirkan dalam keluarga seorang pemain cello. Bapanya mengajarnya muzik sejak kecil. Semasa kecil, dia menyanyi dalam koir dan belajar bermain organ. Apabila Franz berumur 12 tahun, keluarganya berpindah ke Paris supaya budak lelaki itu boleh belajar muzik. Dia tidak dimasukkan ke konservatori, bagaimanapun, sejak umur 14 tahun dia telah mengarang sketsa. Abad ke-19 seperti Berlioz, Paganini mempunyai pengaruh yang besar terhadapnya.

Paganini menjadi idola sebenar Liszt, dan dia memutuskan untuk mengasah penguasaannya sendiri dalam bermain piano. Aktiviti konsert pada tahun 1839-1847 disertai dengan kejayaan yang cemerlang. Pada tahun-tahun ini Ferenc mencipta koleksi drama terkenal "Years of Wanderings". Seorang virtuoso bermain piano dan kegemaran orang ramai, dia menjadi penjelmaan sebenar era itu.

Franz Liszt mengarang muzik, menulis beberapa buku, mengajar, memimpin pelajaran terbuka. Komposer abad ke-19 dari seluruh Eropah datang kepadanya. Kita boleh mengatakan bahawa hampir sepanjang hidupnya dia terlibat dalam muzik, sejak dia bekerja selama 60 tahun. Sehingga hari ini, bakat dan kemahiran muziknya menjadi contoh teladan bagi pemain piano kontemporari.

Richard Wagner

Genius mencipta muzik yang tidak boleh membuat sesiapa pun acuh tak acuh. Dia mempunyai peminat dan lawan yang sengit. Sejak zaman kanak-kanak, Wagner terpesona dengan teater, dan pada usia 15 tahun dia merancang untuk mencipta tragedi dengan muzik. Pada usia 16 tahun, dia membawa gubahannya ke Paris.

Selama 3 tahun dia mencuba dengan sia-sia untuk mementaskan opera, tetapi tiada siapa yang mahu berurusan dengan pemuzik yang tidak dikenali. Komposer popular abad ke-19 seperti Franz Liszt dan Berlioz, yang ditemuinya di Paris, tidak membawa tuah kepadanya. Dia berada dalam kemiskinan dan tiada siapa yang mahu menyokong idea muziknya.

Setelah gagal di Perancis, komposer kembali ke Dresden, di mana dia mula bekerja sebagai konduktor di teater mahkamah. Pada tahun 1848 dia berhijrah ke Switzerland, kerana selepas menyertai pemberontakan dia diisytiharkan sebagai penjenayah. Wagner sedar tentang ketidaksempurnaan masyarakat borjuasi dan kedudukan bergantung kepada artis.

Pada tahun 1859 dia menyanyikan cinta dalam opera Tristan dan Isolde. Dalam karya "Parsifal" persaudaraan sejagat dibentangkan secara utopia. Kejahatan telah dikalahkan, dan keadilan dan kebijaksanaan menang. Semua komposer hebat abad ke-19 dipengaruhi oleh muzik Wagner dan belajar daripada karyanya.

Pada abad ke-19, sebuah sekolah mengarang dan membuat persembahan kebangsaan telah ditubuhkan di Rusia. Terdapat dua tempoh dalam muzik Rusia: romantisme awal dan klasik. Yang pertama termasuk komposer Rusia abad ke-19 seperti A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev.

Mikhail Glinka

Mikhail Glinka mengasaskan sekolah mengarang di negara kita. Semangat Rusia hadir dalam semua karyanya.Opera terkenal seperti Ruslan dan Lyudmila dan A Life for the Tsar dipenuhi dengan patriotisme. Glinka merumuskan ciri ciri dalam muzik rakyat, menggunakan lagu lama dan irama muzik rakyat. Komposer itu juga seorang inovator dalam drama muzikal. Karya beliau adalah kebangkitan budaya kebangsaan.

Komposer Rusia telah mempersembahkan kepada dunia banyak karya cemerlang, yang masih memenangi hati orang ramai hari ini. Antara komposer Rusia yang genius pada abad ke-19, nama-nama seperti M. Balakirev, A. Glazunov, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky diabadikan.

Muzik klasik dengan terang dan berahi mencerminkan dunia dalaman seseorang. Rasionalisme yang ketat digantikan dengan percintaan abad ke-19.