Pemain harpsichord Perancis. Harpsichord - alat muzik - sejarah, foto, video Komposer Perancis ahli harpsichord abad ke-18

Laporan tentang sejarah sains

kemudian tema "Muzik Perancis abad ke-18"

pelajar gred 10 Fakulti Fizik dan Matematik

Lyceum No. 1525 "Vorobyovy Gory"

Kazakov Philip.

Perkara pertama yang perlu dikatakan tentang muzik Perancis abad ke-18 ialah itu
tidak seperti negara terkemuka dalam bidang muzik (seperti Jerman,
Austria, Sepanyol dan Itali), Perancis tidak boleh berbangga dengan apa-apa
dengan bilangan komposit yang terkenal, bukan oleh penghibur mahupun oleh orang kaya
pelbagai karya terkenal. Perancis yang paling terkenal
Gluck dianggap sebagai komposer pada masa itu, tetapi dia juga berasal dari Jerman.
Sebahagiannya, keadaan ini ditentukan oleh kepentingan masyarakat, yang ditentukan
gaya muzik. Pertimbangkan evolusi muzik pada abad ke-18.

Pada awal abad ini, gaya muzik yang paling popular adalah sentimental
klasikisme. Ia adalah muzik yang perlahan, tidak tergesa-gesa, tidak begitu sukar.
Mereka memainkannya dengan alat bertali. Dia biasanya mengiringi bola dan jamuan,
tetapi mereka juga suka mendengarnya dalam suasana rumah yang santai.

Kemudian, ciri dan teknik Rococo mula jatuh ke dalam muzik kecapi, seperti
seperti bunyi dan bunyi. Dia mengambil rupa yang lebih rumit, muzikal
frasa telah menjadi lebih kompleks dan menarik. Muzik menjadi lebih terpisah daripada
realiti, lebih hebat, kurang betul dan, dengan itu, lebih dekat
pendengar.

Lebih dekat dengan separuh kedua abad ke-18, ciri-ciri Rococo begitu bergabung
muzik yang dia mula memperoleh orientasi tertentu. Terlalu awal
dalam muzik, dua arah jelas dibezakan: muzik untuk menari dan
muzik untuk nyanyian. Muzik tarian diiringi oleh bola, muzik untuk
nyanyian kedengaran dalam suasana sulit. Selalunya bangsawan
mereka suka menyanyi mengikut bunyi harpsichord rumah. Pada masa yang sama muncul
genre teater baharu komedi-balet, menggabungkan dialog, tarian dan
pantomim, instrumental, kadangkala muzik vokal. Penciptanya - J.
B. Moliere dan komposer J. B. Lully. Genre itu mempunyai kesan yang ketara
perkembangan seterusnya teater muzikal Perancis.

Berikutan pemisahan genre muzik yang lebih halus, permulaannya
muzik kawad muncul. Ia adalah muzik yang keras, kuat dan bising. V
kali ini, alat perkusi (dram dan
simbal), yang menetapkan irama, dengan itu menafikan karya itu
prestasi individu. Juga, banyak seperti itu
alat, seperti paip, yang terutamanya berfungsi untuk meningkatkan keseluruhan
kelantangan muzik. Tepat kerana penampilan pemain drum dan lantang
instrumen muzik Perancis akhir abad ke-18, pada pendapat saya, menjadi
terutamanya primitif dan tidak cemerlang. Mahkota muzik kawad adalah
penampilan karya "Marseillaise", yang ditulis oleh Rouge de Lisle pada tahun 1792
tahun.

Rouget de Lisle Claude Joseph (1760-1836) jurutera tentera Perancis, penyair dan
komposer. Dia menulis lagu raya, lagu, percintaan. Pada tahun 1792 beliau menulis komposisi
"Marseillaise", yang pada masa akan datang akan menjadi lagu kebangsaan Perancis.

Couperin François (1668-1733) - komposer Perancis, harpsichordist,
organis. Dari dinasti yang setanding dengan dinasti Bach Jerman, sejak tahun
terdapat beberapa generasi pemuzik dalam keluarganya. Couperin diberi nama samaran
"The Great Couperin" sebahagiannya disebabkan oleh rasa humornya, sebahagiannya disebabkan oleh
watak. Karya beliau adalah kemuncak seni harpsichord Perancis.
Muzik Couperin dibezakan oleh kepintaran melodi, keanggunan,
kesempurnaan butiran.

Rameau Jean Philippe (1683-1764) - komposer dan muzik Perancis
ahli teori. Menggunakan pencapaian muzikal Perancis dan Itali
budaya, mengubahsuai dengan ketara gaya opera klasik, disediakan
pembaharuan opera oleh K.V. Gluck. Dia menulis tragedi lirik "Hippolytus dan
Arisia "(1733)," Castor dan Pollux "(1737), opera-ballet" Gallant India "
(1735), kepingan harpsichord dan banyak lagi. Karya teorinya -
peringkat penting dalam perkembangan doktrin keharmonian.

Gluck Christoph Willibald (1714-1787) - terkenal Franco-Jerman
komposer. Karyanya yang paling mulia dikaitkan dengan Paris
pentas opera, di mana dia menulis karya terbaiknya
perkataan Perancis. Oleh itu orang Perancis menganggapnya sebagai Perancis
komposer. Banyak opera beliau: "Artaserse", "Demofonte",
"Fedra" dan lain-lain diberikan di Milan, Turin, Venice, Cremoni.
Setelah menerima jemputan ke London, Gluck menulis dua
opera: "La Caduta de Giganti" (1746) dan "Artamene" dan gabungan opera
(pasticcio) “Piram”. Yang terakhir ini mempunyai pengaruh yang besar pada
aktiviti selanjutnya Gluck. Semua opera dengan kejayaan besar
Gluck, ditulis dalam templat Itali, terdiri daripada beberapa aria; v
mereka Gluck tidak banyak memberi perhatian kepada teks itu. Opera beliau "Pyram" dia
terdiri daripada petikan daripada opera terdahulu yang mempunyai kejayaan terbesar,
menyesuaikan dengan petikan ini teks lain bagi libretto baharu. Kegagalan ini
opera membawa Gluck kepada idea bahawa hanya muzik itu boleh menghasilkan
kesan yang betul, yang berkaitan secara langsung dengan teks.
Dia mula berpegang kepada prinsip ini dalam karya seterusnya,
secara beransur-ansur mengasimilasikan sikap yang lebih serius terhadap bacaan,
menghuraikan arioso recitative sekecil-kecilnya dan tidak dilupakan
bacaan walaupun dalam arias.

Keinginan untuk hubungan rapat antara teks dan muzik sudah ketara dalam
"Semiramis" (1748). Tetapi giliran komposer yang lebih ketara kepada opera,
sebagai drama muzikal, dilihat dalam "Orfeo", "Alceste", "Paride ed Elena"
(1761 - 64), dihantar di Vienna. Pembaharu opera Gluck ialah
dalam Iphigenie en Aulide, diberikan di Paris dengan kejayaan yang luar biasa (1774).
Terdapat juga diberikan: "Armide" (1777) dan "Iphigenie en Tauride"
(1779) -

karya terbesar Gluck Opera terakhir G. ialah “Echo et
Narcisse ". Selain opera, Gluck menulis simfoni, mazmur dan banyak lagi. Daripada semua
lebih daripada 50 opera, selingan dan balet telah ditulis oleh Gluck.

Kesimpulannya, ia harus ditekankan sekali lagi tentang muzik Perancis yang berat sebelah.
abad ke 18. Kreativiti muzik kelihatan seperti kraf atau yang mudah
hobi. Kepada kraf, kerana semua karya adalah jenis yang sama dan
serupa antara satu sama lain. Pada hobi, kerana banyak komposer
terlibat dalam muzik hanya pada masa lapangnya, mengisi dengan imej seperti itu
masa lapang. Untuk memanggil pekerjaan sedemikian sebagai ciptaan kreatif profesional
ianya dilarang. Malah komposer Perancis yang paling terkenal pada masa itu, Gluck
(yang sebenarnya, bukan komposer Perancis),
orang yang tidak baik memanggil satu karya sebagai komposer. Tersedia dalam
jenis "Orpheus dan Eurydice".

Sumber:

Ensiklopedia Besar Cyril dan Methodius,

Ensiklopedia Muzik Klasik,

Brockhaus dan Efron,

Muzik Klasik (manual),

Internet,

Ahli muzik yang cekap Natalia Bogoslavskaya.

"Marseillaise" ialah lagu revolusi Perancis.
Pada mulanya ia dipanggil "Lagu Pertempuran Tentera Rhine", kemudian "Mac
Marseilles "atau" Marseillaise ". Di bawah Republik Ketiga, ia menjadi
lagu kebangsaan Perancis (mulai 14 Julai 1975 dipersembahkan dalam lagu baru
edisi muzikal). Di Rusia, "Rabochaya
La Marseillaise "(melodi La Marseillaise, teks oleh P. L. Lavrov, diterbitkan dalam
akhbar "Vperyod" 1.7.1875).

HARMONI, alat muzik ekspresif berdasarkan penyatuan
nada dalam harmoni dan pada sambungan harmoni dalam pergerakan berurutan mereka.
Jenis konsonan utama ialah kord. Keharmonian dibina mengikut tertentu
undang-undang keharmonian dalam muzik polifonik dalam apa jua bentuk - homofoni,
polifoni. Elemen harmoni - irama dan modulasi - faktor yang paling penting
bentuk muzik. Doktrin keharmonian adalah salah satu bahagian utama teori
muzik.

dari ibu-mutiara, pada akhir abad ke-18 - dari porselin. Pada pertengahan abad ke-19, buat pertama kalinya, bahan polimer digunakan untuk prostetik. Apa? 1.seluoid 2.ebonit 3. getah. 4.polymethylmethacrylpt 5.fluoroplastik 6.silikon.

ungkapan? Berikan sekurang-kurangnya tiga contoh.
Nah, saya mempunyai 1 idea: artis Rusia abad ke-18 menulis dalam gaya Barat (barok, sentimentalisme, dll.), Tetapi melalui kanon Barat, gaya Rusia istimewa masih muncul (contohnya barok Rusia muncul), berbeza daripada yang Barat. Kemudian "rambut palsu" adalah sejenis personifikasi Barat (terutama pada masa itu rambut palsu menjadi fesyen), dan "kepala botak" adalah ciri Rusia yang "mengintip" melalui kanon "rambut palsu".
Masih perlu dua idea. Tolong saya.

dari ibu-mutiara, pada akhir abad ke-18 - dari porselin. Pada pertengahan abad ke-19, buat pertama kalinya, bahan polimer digunakan untuk prostetik. Apa?

1.seluoid

4.polymethylmethacrylpt

5.fluoroplastik

6.silikon.

Dalam setiap soalan, anda perlu memilih salah satu daripada empat nama komposer.))))

1. Namakan seorang komposer era Baroque.
a) Vivaldi;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Schumann.
2. Antara komposer berikut, yang manakah merupakan seorang abbot?
a) Bach;
b) Handel;
c) Vivaldi;
d) Mozart.
3. Namakan pengarang The Well-Tempered Clavier, St. Matthew Passion, Invention.
a) Bach;
b) Beethoven;
c) Chopin;
d) Schumann.
4. Siapakah yang menulis opera Fidelio?
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Chopin.
5. Siapakah antara komposer yang menulis opera "The Marriage of Figaro", "Don Juan",
a) Mozart;
b) Beethoven;
c) Mendelssohn;
d) Rossini.
6. Manakah antara komposer ini bukan klasik Vienna?
a) Haydn;
b) Schumann;
c) Mozart;
d) Beethoven.
7. Siapakah pengarang opera "Aida", "La Traviata", "Rigoletto"?
a) Mozart;
b) Beethoven;
c) Rossini;
d) Verdi.
8. Siapakah yang menulis 32 sonata piano?
a) Bach;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Chopin.
9. Namakan pengarang "Timpani Tremolo Simfoni", "Perpisahan", "Kanak-kanak".
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Schumann;
d) Chopin.
10. Siapakah yang dipanggil "bapa simfoni dan kuartet"?
a) Matzart;
b) Beethoven;
c) Haydn;
d) Bach.
11. Komposer manakah yang pertama menamakan karyanya sebagai puisi simfoni?
a) Guano;
b) Berlioz;
c) Beethoven;
d) Lembaran;
12. Apakah bentuk muzik berdasarkan konflik dua tema?
a) variasi;
b) rondno;
c) bentuk sonata;
d) fugue.
13. Namakan pengarang simfoni dengan korus di penghujungnya:
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Schubert;
d) Beethoven.
14. Manakah antara komposer ini yang menulis hanya untuk piano?
a) Gounod;
b) Chopin;
c) Mahler;
d) Schumann;
15. Manakah antara komposer ini yang menulis muzik untuk drama Ibsen Peer Gynt?
a) Chopin;
b) Berlioz;
c) Mahler;
d) Schumann.
16. Siapakah yang menulis kitaran vokal "The Beautiful Miller Woman" dan "The Winter Way"?
a) Schubert;
b) Schumann;
c) Mendelssohn;
d) Bizet.
17. Namakan pengarang Unfinished Symphony:
a) Beethoven;
b) Haydn;
c) Schubert;
d) Wagner.
18. Siapakah yang menulis kitaran piano "Karnival"?
a) Beethoven;
b) Mozart;
c) Haydn;
d) Lembaran.
19. Siapakah yang menulis lebih daripada 100 simfoni?
a) Beethoven;
b) Mozart;
c) Haydn;
d) Schubert.
20. Komposer-pemain biola Rusia abad ke-18:
a) Alyabyev;
b) Fomin;
c) Khandoshkin;
d) Verstovsky.

Laporan tentang sejarah sains

kemudian tema "Muzik Perancis abad ke-18"

pelajar gred 10 Fakulti Fizik dan Matematik

Lyceum No. 1525 "Vorobyovy Gory"

Kazakov Philip.

Perkara pertama yang perlu dikatakan tentang muzik Perancis pada abad ke-18 ialah, tidak seperti negara-negara terkemuka dalam bidang muzik (seperti Jerman, Austria, Sepanyol dan Itali), Perancis tidak boleh berbangga dengan sama ada sejumlah besar yang terkenal terutamanya. komposit, atau penghibur, mahupun pelbagai jenis karya terkenal. Gluck dianggap sebagai komposer Perancis yang paling terkenal pada masa itu, tetapi dia juga berasal dari Jerman. Sebahagiannya, keadaan ini ditentukan oleh kepentingan masyarakat, yang menentukan gaya muzik. Pertimbangkan evolusi muzik pada abad ke-18.

Pada awal abad ini, gaya muzik yang paling popular adalah sentimental klasikisme... Ia adalah muzik yang perlahan, tidak tergesa-gesa, tidak begitu sukar. Mereka memainkannya dengan alat bertali. Biasanya dia mengiringi bola dan jamuan, tetapi mereka juga suka mendengarnya dalam suasana rumah yang santai.

Kemudian, ciri dan teknik mula jatuh ke dalam muzik kecapi. Rococo, seperti trill dan bendera. Ia telah memperoleh rupa yang lebih rumit, frasa muzik telah menjadi lebih kompleks dan menarik. Muzik telah menjadi lebih terpisah daripada realiti, lebih hebat, kurang betul dan, dengan itu, lebih dekat dengan pendengar.

Menjelang separuh kedua abad ke-18, ciri-ciri Rococo menjadi begitu bersepadu ke dalam muzik sehingga ia mula memperoleh orientasi tertentu. Jadi, tidak lama kemudian dua arah jelas dibezakan dalam muzik: muzik untuk menari dan muzik untuk menyanyi. Bola diiringi muzik untuk menari, muzik untuk nyanyian dipersembahkan dalam suasana sulit. Selalunya, golongan bangsawan juga suka menyanyi mengikut bunyi harpsichord rumah. Pada masa yang sama, genre teater baru komedi-balet muncul, menggabungkan dialog, tarian dan pantomim, muzik instrumental dan kadang-kadang vokal. Penciptanya ialah J. B. Moliere dan komposer J. B. Lully. Genre ini mempunyai kesan yang besar terhadap perkembangan seterusnya teater muzikal Perancis.

Berikutan pembezaan genre muzik yang lebih halus, muzik perarakan mula muncul. Ia adalah muzik yang keras, kuat dan bising. Pada masa ini, instrumen perkusi (dram dan simbal) menjadi meluas, yang menetapkan irama, dengan itu menafikan kerja keperibadian persembahan. Terdapat juga banyak instrumen terpakai seperti trompet, yang terutamanya berfungsi untuk meningkatkan jumlah keseluruhan muzik. Ia disebabkan oleh kemunculan pemain perkusi dan alat muzik yang kuat, muzik Perancis pada akhir abad ke-18, pada pendapat saya, menjadi sangat primitif dan tidak menonjol. Kemuncak muzik kawad adalah penampilan Marseillaise, yang ditulis oleh Rouge de Lisle pada tahun 1792.

Rouget de Lisle Claude Joseph (1760-1836) Jurutera tentera Perancis, penyair dan komposer. Dia menulis lagu raya, lagu, percintaan. Pada tahun 1792 beliau menulis komposisi " Marseillaise", Yang pada masa hadapan akan menjadi lagu kebangsaan Perancis.

Couperin Francois (1668-1733)- Komposer Perancis, harpsichordist, organis. Dari dinasti yang setanding dengan dinasti Bach Jerman, kerana terdapat beberapa generasi pemuzik dalam keluarganya. Couperin digelar "Couperin yang hebat" sebahagiannya kerana rasa humornya, sebahagiannya kerana perwatakannya. Karya beliau adalah kemuncak seni harpsichord Perancis. Muzik Couperin dibezakan oleh kepintaran melodi, keanggunan, dan kehalusan butiran.

Rameau Jean Philippe (1683-1764)- Komposer Perancis dan ahli teori muzik. Menggunakan pencapaian budaya muzik Perancis dan Itali, dia mengubah suai gaya opera klasik dengan ketara, menyediakan pembaharuan opera oleh K.V. Gluck. Dia menulis tragedi lirik Hippolyte dan Arisia (1733), Castor dan Pollux (1737), opera-ballet Gallant India (1735), keping harpsichord, dan banyak lagi. Kerja-kerja teorinya - peringkat penting dalam pembangunan ajaran harmoni .

Gluck Christoph Willibald (1714-1787)- komposer Franco-Jerman yang terkenal. Karyanya yang paling gemilang dikaitkan dengan pentas opera Paris, yang mana dia menulis karya terbaiknya dalam perkataan Perancis. Oleh itu, orang Perancis menganggapnya sebagai komposer Perancis. Banyak opera beliau: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" dan lain-lain telah diberikan di Milan, Turin, Venice, Cremoni. Setelah menerima jemputan ke London, Gluck menulis dua opera untuk Teater Hay-Market: LaCadutade Giganti (1746) dan Artamene, dan opera Pyram (pasticcio). Yang terakhir ini mempunyai pengaruh yang besar pada aktiviti selanjutnya Gluck. Semua opera yang membawa kejayaan besar kepada Gluck ditulis mengikut templat Itali, terdiri daripada beberapa aria; di dalamnya Gluck tidak banyak memberi perhatian kepada teks itu. Dia menyusun operanya "Pyram" daripada petikan opera terdahulu yang mempunyai kejayaan terbesar, mengubah teks lain bagi libretto baharu kepada petikan ini. Kegagalan opera ini membawa Glucan kepada idea bahawa hanya muzik itu boleh menghasilkan kesan yang betul, yang berkaitan secara langsung dengan teks. Dia mula berpegang kepada prinsip ini dalam karya-karya seterusnya, secara beransur-ansur mengasimilasikan untuk dirinya sikap yang lebih serius terhadap deklamasi, mengusahakan Arioso yang membaca dengan terperinci dan tidak melupakan deklamasi walaupun dalam Arias.

Perjuangan untuk hubungan rapat antara teks dan muzik sudah ketara dalam Semiramis (1748). Tetapi giliran komposer yang lebih ketara ke arah opera sebagai drama muzikal dapat dilihat di Orfeo, Alceste, ParideedElena (1761–64), dipentaskan di Vienna. Pembaharu opera Gluck berada di Iphigenie en Aulide, diberikan di Paris dengan kejayaan yang luar biasa (1774). Terdapat juga diberikan: "Armide" (1777) dan "IphigenieenTauride" (1779) -

karya terbesar Gluck Opera terakhir G. ialah "Echo et Narcisse". Selain opera, Gluck menulis simfoni, mazmur dan banyak lagi. Semua opera, selingan dan balet telah ditulis oleh Gluck lebih 50.

Kesimpulannya, adalah perlu untuk menekankan sekali lagi monotoni muzik Perancis abad ke-18. Kreativiti muzik kelihatan seperti kraf atau hobi ringan. Atas kraf, kerana semua karya adalah jenis yang sama dan serupa antara satu sama lain. Pada hobi, kerana banyak komposer belajar muzik hanya pada masa lapang mereka, mengisi masa lapang mereka dengan imej sedemikian. Pekerjaan sedemikian tidak boleh dipanggil penciptaan kreatif profesional. Malah komposer Perancis yang paling terkenal pada masa itu, Gluck (yang, omong-omong, bukan komposer Perancis), dipanggil komposer satu karya oleh orang yang tidak menyukai. Ini merujuk kepada Orpheus dan Eurydice.

Sumber:

Ensiklopedia Besar Cyril dan Methodius,

Ensiklopedia Muzik Klasik,

Brockhaus dan Efron,

Muzik Klasik (manual),

Internet,

Ahli muzik yang cekap Natalia Bogoslavskaya.

"Marseillaise" ialah lagu revolusi Perancis. Pada mulanya ia dipanggil "Lagu Pertempuran Tentera Rhine", kemudian "March of the Marseilles" atau "Marseillaise". Di bawah Republik Ketiga, ia menjadi lagu kebangsaan Perancis (sejak 14 Julai 1975, ia telah dipersembahkan dalam edisi muzik baharu). Di Rusia, "Working Marseillaise" menjadi meluas (melodi "Marseillaise", teks oleh PL Lavrov, diterbitkan dalam akhbar "Vperyod" pada 1.7.1875).

HARMONI, cara muzik ekspresif, berdasarkan penyatuan nada dalam konsonan dan pada sambungan konsonan dalam pergerakan berurutan mereka. Jenis konsonan utama ialah kord. Harmoni dibina mengikut undang-undang harmoni tertentu dalam muzik polifonik dalam apa jua bentuk - homofoni, polifoni. Unsur-unsur harmoni - irama dan modulasi - adalah faktor terpenting dalam bentuk muzik. Doktrin harmoni adalah salah satu cabang utama teori muzik.

Dari pertengahan abad ke-17, keutamaan dalam perkembangan muzik clavier beralih dari virginalis Inggeris kepada harpsichordis Perancis. Untuk masa yang lama, hampir satu abad, sekolah ini adalah yang paling berpengaruh di Eropah Barat. Moyangnya dianggap Jacques Chambognière, dikenali sebagai penghibur organ dan harpsichord yang cemerlang, seorang guru dan komposer yang berbakat.

Konsert harpsichord di Perancis biasanya berlangsung di salun dan istana bangsawan, selepas ceramah kecil atau tarian ringan. Keadaan sedemikian tidak sesuai untuk seni yang mendalam dan serius. Dalam muzik, kehalusan anggun, kecanggihan, ringan, kecerdasan dihargai. Pada masa yang sama, drama berskala kecil - miniatur - diutamakan. "Tiada apa-apa yang panjang, membosankan, terlalu serius."- itulah undang-undang tidak bertulis, yang sepatutnya dipandu oleh komposer mahkamah Perancis. Tidak menghairankan bahawa pemain harpsichordis Perancis jarang bertukar kepada bentuk besar, kitaran variasi - mereka tertarik kepada suite terdiri daripada tarian dan miniatur program.

Suite ahli harpsichord Perancis, berbeza dengan suite Jerman, yang terdiri secara eksklusif daripada nombor tarian, dibina dengan lebih bebas. Mereka agak jarang bergantung pada urutan ketat alemand - courant - sarabanda - gigue. Gubahan mereka boleh jadi apa-apa, kadang-kadang tidak dijangka, dan kebanyakan drama mempunyai tajuk puitis yang mendedahkan niat pengarang.

Sekolah ahli harpsichord Perancis diwakili oleh nama L. Marchand, J.F. Danndrie, F. Dazhencourt, L.-K. Daken, Louis Couperin. Paling penting, komposer ini berjaya dalam imej pastoral yang elegan ("Cuckoo" dan "Swallow" oleh Daken; "Laungan burung" oleh Danndrieu).

Sekolah harpsichord Perancis mencapai kemuncaknya dalam karya dua jenius - Francois Couperin(1668-1733) dan sezamannya yang lebih muda Jean Philippe Rameau (1685–1764).

Orang sezaman memanggil François Couperin "François the Great". Tiada seorang pun ahli harpsichord mereka dapat menandinginya dalam populariti. Dia dilahirkan dalam keluarga pemuzik turun-temurun dan menghabiskan hampir seluruh hidupnya di Paris dan Versailles sebagai organis mahkamah dan guru muzik untuk anak-anak diraja. Komposer bekerja dalam banyak genre (kecuali teater). Bahagian paling berharga dari warisan kreatifnya terdiri daripada 27 suite harpsichord (kira-kira 250 keping dalam empat koleksi). Couperinlah yang menubuhkan suite jenis Perancis, yang berbeza daripada sampel Jerman, dan terdiri terutamanya daripada bahagian program. Antaranya ialah lakaran alam semula jadi ("Rama-rama", "Lebah", "Reeds"), dan adegan genre - gambar kehidupan luar bandar ("Reapers", "Pemetik Anggur", "Knitters"); tetapi terutamanya banyak potret muzik. Ini adalah potret wanita sekular dan gadis muda yang ringkas - tanpa nama ("Kekasih", "The One"), atau dikonkritkan dalam tajuk drama ("Puteri Mary", "Manon", "Sister Monica"). Selalunya Couperin tidak melukis wajah tertentu, tetapi watak manusia ("Rajin", "Rezvushka", "Anemone", "Tidak sabar"), atau cuba untuk mengekspresikan pelbagai watak kebangsaan ("Wanita Sepanyol", "Wanita Perancis"). Banyak miniatur Couperin adalah hampir dengan tarian popular pada masa itu, contohnya, courante, minuet.

Bentuk kegemaran miniatur Cooperin ialah rondo.

Seperti yang telah dinyatakan, muzik pemain harpsichord berasal dari persekitaran bangsawan dan ditujukan untuknya. Ia adalah selaras dengan semangat budaya bangsawan, oleh itu rahmat luaran dalam reka bentuk bahan tematik, banyak hiasan, yang merupakan elemen paling ciri gaya bangsawan. Kepelbagaian hiasan tidak dapat dipisahkan daripada gubahan harpsichord sehinggalah ke Beethoven awal.

Muzik harpsichord Ramo ciri, bertentangan dengan tradisi ruang genre, pukulan besar. Dia tidak cenderung untuk menulis secara halus daripada butiran. Muziknya dibezakan oleh ciri yang jelas, di dalamnya seseorang dapat merasakan tulisan tangan komposer teater kelahiran semula jadi ("Chicken", "Savages", "Cyclops").

Sebagai tambahan kepada kepingan harpsichord yang indah, Rameau menulis banyak "tragedi lirik", serta Treatise on Harmony (1722) yang terobosan, yang memberikannya reputasi sebagai ahli teori muzik utama.

Perkembangan muzik clavier Itali dikaitkan dengan nama itu Domenico Scarlatti.

Kerja-kerja program adalah karya yang mempunyai plot tertentu - "program", yang selalunya terhad kepada satu tajuk, tetapi mungkin mengandungi penjelasan terperinci.

Mungkin, penampilan hiasan dikaitkan dengan ketidaksempurnaan harpsichord, yang bunyinya pudar serta-merta, dan trill atau gruppetto sebahagiannya boleh mengimbangi kekurangan ini, memanjangkan bunyi bunyi rujukan.

Di Eropah Barat (terutama Italo-Sepanyol.) poligon. kuali. muzik lewat Zaman Pertengahan dan Renaissance (motets, madrigals, dll.) sebagai improvisasi. elemen akan dilaksanakan. teknik pengecilan arts-va telah menerima perkembangan yang hebat. Dia juga mengarang salah satu gubahan bertekstur. asas alat kuno tersebut. genre seperti prelude, richercar, toccata, fantasi. Jabatan formula pengecilan secara beransur-ansur muncul dari pelbagai manifestasi O. percuma, pertama sekali, apabila menyimpulkan melodi. binaan (dalam klausa). Kira-kira pertengahan. abad ke-15 dalam dirinya. org. tablatures muncul grafik pertama. lencana untuk menulis hiasan. K ser. abad ke-16 telah digunakan secara meluas - dalam decomp. pilihan dan sambungan - mordent, trill, gruppetto, to-rye masih antara yang utama. instr. hiasan. Nampaknya, mereka dibentuk dalam amalan instr. prestasi.

Dari tingkat 2. abad ke-16 percuma O. dibangunkan oleh hl. arr. di Itali, terutamanya dalam melodi yang berbeza. kekayaan kuali solo. muzik, serta pemain biola yang cenderung kepada kebaikan. muzik. Pada masa itu dalam pemain biola. muzik masih belum menemui penggunaan vibrato yang meluas, yang memberikan ekspresi kepada bunyi yang dilanjutkan, dan hiasan melodi yang kaya digunakan sebagai pengganti untuknya. Melismatik. adornments (ornements, agréments) menerima perkembangan khas dalam seni Perancis. kecapi dan pemain harpsichord abad ke-17 dan ke-18, yang pergantungan pada tarian adalah ciri. genre yang tertakluk kepada penggayaan yang canggih. Dalam bahasa Perancis. muzik, terdapat hubungan rapat antara instrumen. agréments dengan kuali sekular. lirik (yang dipanggil airs de cour), tepi tarian itu sendiri telah meresap. plastik. Inggeris. perawan (akhir abad ke-16), cenderung kepada tema lagu dan variasinya. pembangunan, di kawasan O. lebih tertarik kepada teknik pengecilan. Sedikit melismatik. ikon yang digunakan oleh anak dara tidak dapat dihuraikan dengan tepat. Dalam bahasa Austria-Jerman. seni clavier, yang mula berkembang secara intensif dari tengah. Abad ke-17, sehingga J.S.Bach secara inklusif, graviti ke arah Itali bertembung dengan cara yang berbeza. pengecilan dan Perancis. melismatik gaya. Perancis. pemuzik abad ke-17 dan ke-18 menjadi kebiasaan untuk mengiringi koleksi drama dengan meja hiasan. Jadual yang paling banyak (dengan 29 jenis melisma) didahului oleh koleksi harpsichord J.A. d'Angleber (1689); walaupun jadual sedemikian mendedahkan percanggahan yang tidak ketara, ia telah menjadi sejenis katalog barang kemas yang biasa digunakan. Bach's "Keyboard Book for Wilhelm Friedemann Bach" (1720), banyak dipinjam daripada d "Angleber.

Berlepas dari O. percuma ke arah hiasan terkawal dari Perancis. pemain harpsichordis telah ditugaskan kepada orc. muzik oleh J. B. Lully. Walau bagaimanapun, Perancis. peraturan barang kemas tidak begitu ketat, kerana walaupun jadual yang paling terperinci menunjukkan penyahkodan tepat mereka hanya untuk aplikasi biasa. Penyimpangan kecil dibenarkan, sepadan dengan ciri khusus muses. kain. Mereka bergantung pada seni dan cita rasa penghibur, dan dalam edisi dengan transkrip bertulis - pada gaya. pengetahuan, prinsip dan cita rasa editor. Penyimpangan seperti itu tidak dapat dielakkan dalam persembahan drama Perancis yang cemerlang. harpsichordism P. Couperin, dengan tegas menuntut pelaksanaan tepat peraturannya untuk menyahkod perhiasan. Franz. Ia juga biasa bagi pemain harpsichord untuk mengambil hiasan kecil di bawah kawalan pengarang, yang mereka tulis, khususnya, dalam variaz. mengambil.

Hingga akhirnya. abad ke-17, apabila Perancis. pemain harpsichord telah menjadi penentu rasa dalam bidang mereka, dengan hiasan seperti trill dan grace notes, bersama dengan melodi. fungsi, mereka mula melakukan harmoni baru. berfungsi, mencipta dan mempertajam disonansi pada rentak yang kuat. J.S.Bach, seperti D. Scarlatti, biasanya menulis barang kemas sumbang di bahagian utama. teks muzik (lihat, sebagai contoh, Bahagian II Konsert Itali). Ini membenarkan I.A. "keindahan harmoni", kerana komposer pada masa itu lebih suka menulis semua hiasan dengan ikon atau nota kecil, untuk menjadikannya kelihatan secara grafik. rakaman itu jelas harmoni. eufoni DOS. kord.

F. Couperin mempunyai bahasa Perancis yang halus. gaya harpsichord mencapai kemuncaknya. Dalam drama matang J.F. Rameau, keinginan untuk melampaui batas perenungan ruang, untuk menguatkan dinamik pembangunan yang berkesan, untuk diterapkan dalam muses telah didedahkan. menulis strok hiasan yang lebih luas, khususnya, dalam bentuk harmonik latar belakang. kiasan. Oleh itu kecenderungan ke arah penggunaan barang kemas yang lebih sederhana di Rameau, dan juga di Perancis kemudian. pemain harpsichord, contohnya. di J. Dufli. Namun, pada hari Khamis ke-3. abad ke 18 O. mencapai zaman kegemilangan baharu dalam karya yang dikaitkan dengan aliran sentimental. Wakil terkemuka seni ini. F. E. Bach, pengarang risalah "Pengalaman cara bermain clavier yang betul," membuat ucapan dalam muzik, di mana dia memberi banyak perhatian kepada soalan O.

Pembungaan tinggi seterusnya dari klasikisme Wina, selaras dengan estetika baharu. cita-cita, membawa kepada penggunaan O yang lebih ketat dan lebih sederhana. Namun, dia terus memainkan peranan penting dalam karya J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart dan L. Beethoven yang muda. O. percuma telah dipelihara di Eropah. muzik preim. dalam bidang variasi, virtuoso conc. cadenza dan kuali. coloratura. Yang terakhir dicerminkan dalam romantis. php. muzik tingkat 1. abad ke-19 (dalam bentuk asli terutamanya oleh F. Chopin). Pada masa yang sama, bunyi sumbang melisma memberi laluan kepada bunyi konsonan; khususnya, trill mula memulakan preim. bukan dengan tambahan, tetapi dengan utama. bunyi, selalunya dengan pembentukan off-beat. Begitu harmoni. dan irama. pelembutan O. adalah berbeza dengan peningkatan disonansi kord itu sendiri. Perkembangan harmoni yang tidak pernah berlaku sebelum ini telah menjadi ciri komposer romantis. latar belakang kiasan dalam FP. muzik dengan warna yang luas. menggunakan pedal, serta patung-patung berwarna-warni. tekstur dalam orc. markah. Di tingkat 2. abad ke-19 nilai O. telah menurun. Pada abad ke-20. peranan O. percuma meningkat lagi berkaitan dengan pengukuhan improvisasi. bermula dalam beberapa bidang renungan. kreativiti, contohnya. dalam muzik jazz. Terdapat teori dan metodologi yang besar. kesusasteraan tentang masalah O. Ia dihasilkan oleh percubaan tanpa jemu untuk menjelaskan fenomena O., "menentang" ini dalam penambahbaikan mereka. alam semula jadi. Kebanyakan perkara yang dikemukakan oleh pengarang karya sebagai peraturan yang merangkumi semua yang ketat untuk penyahsulitan, sebenarnya, ternyata hanya cadangan peribadi.