Lebih mudah lebih tinggi lebih mudah lebih menyeronokkan Stanislavsky. Antarova

Tayangan perdana
Muzik kultus Roman Polanski "Dance of the Vampires" (Versi Vienna 2009).

Vampire Ball ialah pembuatan semula muzikal The Fearless Vampire Killers (1967) karya Polanski. Filem ini adalah satu kejayaan besar di box office. 30 tahun selepas keluaran gambar itu, Andrew Brownsberg, penerbit dan rakan Roman Polanski, mencadangkan pengarah itu mencipta teater muzikal berdasarkan bahan filem. Sarjana seperti komposer Jim Steinman (pengarang bersama Andrew Lloyd-Webber, pengarang banyak lagu hits, menulis untuk Bonnie Tyler, Meat Loaf dan Celine Dion) dan librettist Michael Kunze (penerjemah utama semua muzikal dunia ke dalam bahasa Jerman).

The Vampire Ball (Tanz der Vampire) ialah salah satu projek yang paling berjaya dalam sejarah teater muzikal Eropah moden, yang berhak dimasukkan dalam senarai muzikal paling terkenal di dunia. Pemandangan yang indah, pakaian yang indah, koreografi yang menakjubkan dan, sudah tentu, muzik yang kuat dan memukau - semua ini menjadikan "Dance of the Vampires" sebagai karya sebenar.
Perlu diingatkan bahawa salah satu tema utama muzikal itu ialah melodi daripada lagu hit Bonnie Tyler "Total eclipse of a heart", yang memenangi Anugerah Grammy pada tahun 1983.

Dari persembahan pertama di Teater Raimund Vienna pada tahun 1997, hingga ke hari ini, Vampire's Ball telah berjaya berarak melalui peringkat terbaik Eropah. Selama 14 tahun, Vampire Ball telah dilihat oleh berjuta-juta penonton di Austria, Jerman, Amerika Syarikat, Jepun, Hungary, Poland, Belgium dan Estonia. Pada tahun 2009, pengarang mencipta muzikal versi Vienna baharu, dengan reka bentuk pentas yang lebih cerah. Pereka produksi Hungary Kentauer menyemai persembahan dengan kepekaan gothic, manakala penyelia muzik Michael Reid menyusun semula semua bahan orkestra. Terima kasih kepada kemahiran Cornelius Balthus, pengarah bersama Roman Polanski, produksi menjadi lebih elegan, mendalam dan memperoleh banyak nuansa lucu. Koreografer projek itu ialah Denis Callohan.

Skop projek boleh dinilai berdasarkan fakta sahaja: ​​semasa persembahan, pemandangan berubah 75 kali, lebih daripada 220 kostum asal, rambut palsu dan pilihan solekan dicipta, dan pembantu pengarah mesti memberi arahan untuk pelbagai peringkat berubah 600 kali!

Kesan

Saya tidak akan menulis tentang muzik secara terperinci, pertama, semua orang telah mendengar tentangnya dua ratus hingga lima ratus kali. Kedua, dia menulis Ketiga, saya pergi ke sana 2 kali dan ini sudah berkata banyak, kerana saya tidak menonton filem atau persembahan dua kali. Melemaskan harga tiket, sangat menyesakkan! Tetapi, IMHO, jika anda pergi ke muzikal ini - maka kerana pemandangan, pakaian dan suara yang mengagumkan. Suara, tentu saja, kedengaran di mana-mana, tetapi saya ragu bahawa pemandangan dan pakaian boleh dilihat dari deretan balkoni yang jauh. Jadi, jika anda benar-benar ingin melihat dan mendapatkan pengalaman yang menyenangkan - selamat datang ke gerai dan baris pertama balkoni!
Secara umum, saya katakan dan selalu mengatakan bahawa di St. Petersburg sesuatu yang serupa dengan muzik ini belum lagi dilakukan dan, Allah melarang, suatu hari nanti mereka akan melakukannya!

2. "Saya takut cinta", iaitu. Lensoviet
di bileter.ru
Persembahan "Saya takut cinta"

Pemandangan dari kehidupan bandar.
Drama itu merujuk kita kepada contoh terbaik dramaturgi Rusia, kepada Volodinsky "Memalukan untuk tidak berpuas hati" dan "Jangan berpisah dengan orang yang anda sayangi", kepada "104 halaman tentang cinta" Radzinsky.
“Saya takut saya akan jatuh cinta, tetapi ... ia tidak akan berjaya. Dan saya tidak lagi mempunyai kekuatan untuk mengecewakan. Saya hanya mempunyai kekuatan untuk cinta bahagia, "kata salah seorang heroin drama itu. Adakah mungkin untuk mendapatkan jaminan bahawa ia tidak akan menyakitkan, tidak akan ada kekecewaan dan perpisahan? Enam pelakon memainkan pertemuan, pengakuan, penipuan dan penipuan diri berpuluh-puluh lelaki dan wanita yang berbeza. Pengalaman lalu kisah cinta yang gagal mendorong pertemuan baharu. Wira takut menjadi bergantung pada perasaan, mereka takut perangkap nasib baru. Mungkin benar - "kopi pada waktu pagi sudah menjadi hubungan" dan "perlu untuk memotong di puncak sehingga mereka melihat ke mata pada waktu pagi"? Wira persembahan dibebani dengan pengalaman cinta, anak-anak, bekas suami, isteri, perempuan simpanan yang ditinggalkan dan kekasih yang tidak dikasihi ... Kehidupan telah mengajar kita untuk berhati-hati.
Dalam cerita ini, setiap penonton akan menemui ciri-ciri masa kini dan dirinya sendiri: seseorang tanpa rasa takut akan bergegas ke arah cinta baru, dan seseorang akan memilih kesunyian rohani.

Kesan
Prestasi yang sangat kuat dan mendalam. Pada penghujung Disember. Persembahan itu mengumpulkan sejumlah besar keraguan, pengalaman dan pemikiran orang biasa. Saya terpesona dengan persembahan artis rakyat Rusia A. Aleksakhina. Terima kasih kepadanya, tenaga persembahan, ekspresi dan perasaan dihantar.
Spectacle - satu set adegan, berkembang menjadi satu cerita. Kisah cinta. Sedikit naif, kadang-kadang kejam, tetapi secara umum - penting. Sememangnya, pasti semua orang akan mendapati dirinya, fikiran dan perasaannya dalam cerita ini.
Saya tidak boleh mengatakan bahawa ia sangat menarik, tetapi 1j.40min. nampak mudah tanpa jeda! Keluar dengan rakan dengan tanggapan yang bercampur-campur, minum kopi selama setengah jam untuk "memahami". Saya pasti menyukainya, tetapi, pada pendapat saya, "dalam mood." Sekiranya ada keinginan untuk "menggali diri sendiri", untuk mengkaji perasaan anda, pasti - "ya"! Jika anda jauh dari romantik dan karut sentimental lain dan ingin melihat sisi sinis cinta - mungkin ya. Jika anda tidak berminat dengan topik sebegitu, anda pasti akan bosan dan bosan dengan persembahan ini.

3. "Dovlatov. Lima penjuru", MDT
di bileter.ru
Persembahan "Dovlatov. Lima penjuru"

Pusat Pelaksanaan Projek Kreatif "Admiralteisky" mempersembahkan tayangan perdana drama "Dovlatov. Lima Penjuru.

Gubahan berdasarkan cerita, surat, puisi.
Persembahan "Dovlatov. Five Corners" adalah percubaan untuk mencerminkan masa dan wiranya berdasarkan cerita, puisi, siaran radio, surat ...
"Five Corners" adalah nama novel yang tidak diterbitkan dan pada masa yang sama tempat penulis tinggal di Leningrad semasa pembentukan sasteranya - sebuah bandar, yang kembali menjadi impian Dovlatov yang tidak dapat dicapai dalam buangan.
Persembahan itu menggunakan surat daripada Sergei Dovlatov daripada yang terawal (tentera) hingga yang terkini (ditulis di New York), puisi, dan tiga cerita daripada siri "Koper" dan "Kami". Suara Dovlatov berbunyi dengan cara yang sama.

Persembahan berjalan tanpa jeda.

Muzik - N.Volkova. Artis - I. Kanevsky. Pereka lampu - A. Makhalova.

Kesan
Persembahan yang bagus dan menarik, terutamanya untuk peminat Dovlatov. Pada satu ketika saya membaca karya beliau "Ours" ke lubang, serta sekumpulan buku lain, jadi persembahan ini sangat menarik bagi saya! Saya terkejut bahawa salah satu bab dalam buku itu sebenarnya dibaca secara verbatim dengan hati, "dengan perasaan, dengan akal, dengan susunan." Pelakon berkarisma hebat, pilihan petikan yang hebat! Jika anda suka Dovlatov "seperti saya mencintainya", pastikan anda pergi. Bagi saya, dia dan karyanya muncul dalam cahaya baru dan menemui kehidupan kedua. Di rumah, saya juga membaca semula petikan karya kegemaran saya.
Daripada minus - sangat sukar tanpa rehat dan kerusi yang tidak selesa di dalam dewan! Selain itu, ketiadaan maya almari pakaian dan ruang menunggu yang sangat kecil, digabungkan dengan "almari pakaian" - iaitu, penyangkut yang berdiri di sepanjang dinding.

4. "I.O. atau hubungan sulit dengan berdandan", t. Buff
di bileter.ru
Persembahan "I.O., atau Romance in disguise"

Komedi mendebarkan tentang cinta. Tetapi cinta tidak wujud dengan sendirinya - ia tertulis pada masa tertentu, dalam masyarakat tertentu. Dan dengan beberapa undang-undang yang menyedihkan, cinta dan masyarakat hampir selalu menjadi antagonis.

Urusan berdandan ternyata gurauan, mendedahkan, sementara itu, banyak masalah kehidupan moden. Motif yang digunakan oleh pengarang "mencampur-adukkan" watak-watak menyerupai plot "Inspektor Jeneral" Gogol. Walau bagaimanapun, garis satira berkembang selari dengan garis lirik, yang akhirnya membawa kepada denouement yang tidak dijangka.

Persembahan datang dengan satu jeda.

Persembahan ini bertujuan untuk penonton berumur 14 tahun ke atas.

5. "Kiss me, Kate", v.Muz.Comedy
di bileter.ru
Muzikal "Kiss Me Kat"

Broadway Hit di Teater Komedi Muzikal
Seluruh Amerika menjadi gila kepadanya selama bertahun-tahun. Ia adalah salah satu lagu popular Broadway bersama dengan My Fair Lady, Cats dan The Phantom of the Opera.

Muzik Col Porter adalah melodi dan mudah diingati, ia menggabungkan lirik yang menusuk dengan jenaka dan ringan, dan beberapa melodi daripada persembahan ini telah menjadi klasik jazz moden. Seperti semua muzikal, Kiss Me Kat! mempunyai dramaturgi yang baik. Pengarang libretto asal Samuel dan Bella Spivak mengambil komedi Shakespeare "The Taming of the Shrew" sebagai asas. Aksi dalam muzikal itu berlaku pada pertengahan abad kedua puluh, di sebalik tabir teater, semasa tayangan perdana versi muzikal "The Taming of the Shrew". Dalam "Kiss Me Kat!" hubungan antara pelakon adalah jalinan pelik dengan hubungan antara watak Shakespeare. Muzikal itu mempunyai banyak unsur humor dan detektif.

Muzik dan lirik oleh Col Porter. Libretto oleh Sam dan Bella Spivak. Pementasan - A.Isakov. Koreografer - N. Reutov.

Kesan
Muzikal yang terang, berwarna-warni dan indah! Mungkin perkara terbaik yang saya lihat dalam beberapa ketika. Ringan, kelihatan betul-betul dalam satu nafas. Lakonan yang hebat dan jalan cerita yang menarik dan pelbagai rupa. Pakaian yang sangat cantik (seperti biasa dalam Komedi Muzikal). Suara yang menakjubkan daripada watak utama, gubahan melodi dan menyentuh hati! Gangster menyebabkan kekaguman dan kegembiraan sebenar, terutamanya D. Dmitriev menakluki. Jenaka yang indah dan ringan, tidak seperti Komrad Buff, jenaka menyebabkan senyuman dan mencipta mood yang positif. Banyak nombor tarian, saya sangat suka koreografinya. Muzikal yang benar-benar layak, menarik dan sangat berjaya! Suka melihatnya lagi!

Ada beberapa lagi persembahan di hadapan, tiket sudah tersedia dan saya menantikannya. Petua untuk bulan April diterima dengan "merci" yang berasingan.

Perbualan K. S. Stanislavsky
Di studio Teater Bolshoi pada tahun 1918-1922.

Dirakam oleh Artis Terhormat RSFSR. K. E. Antarova

Di bawah pengarang umum Yu. S. Kalashnikov edisi semakan kedua M., All-Russian Theatre Society, 1947

Tiga puluh perbualan oleh K. S. Stanislavsky mengenai sistem dan unsur kreativiti

MENGINGAT SEORANG GURU

Adalah mudah bagi seorang artis untuk menulis kata-kata sebenar seorang guru dari catatannya dan memberikannya kepada semua orang yang membara dengan cinta seni dan menghargai setiap pengalaman seorang yang hebat yang telah melepasi laluan seni pentas. Tetapi adalah sangat sukar untuk berani membangkitkan dalam setiap pembaca imej hidup seorang genius yang anda berkomunikasi sebagai seorang guru, yang anda lihat selama beberapa hari bekerja dengan anda dan dengan seluruh kumpulan artis, sebagai setara dengan setaraf, tidak pernah membolehkan anda merasakan jarak antara diri anda dan pelajar. , tetapi mewujudkan suasana yang memudahkan komunikasi, daya tarikan dan kesederhanaan. Tetapi masih, saya berani menggariskan di sini sekurang-kurangnya beberapa ciri imej Konstantin Sergeevich Stanislavsky, ketika dia muncul dalam kelas dengan kami, artis Teater Bolshoi Moscow, pada 1918-1922. Dia mula belajar dengan kami di apartmennya di Karetny Ryad, dan pada mulanya kelasnya tidak rasmi, percuma, dan tidak mempunyai waktu yang tepat. Tetapi Konstantin Sergeevich memberi kami semua masa lapangnya, sering mengambil masa berjam-jam dari rehatnya sendiri untuk ini. Selalunya kelas kami, bermula jam 12 tengahari, tamat pada jam 2 pagi. Kita mesti ingat betapa sukarnya masa itu, betapa sejuk dan laparnya semua orang, betapa kemusnahan yang berlaku - legasi kejam Perang Dunia Pertama, untuk menghargai sikap tidak mementingkan diri kedua-dua pihak - guru dan pelajar. Ramai artis, walaupun pada hakikatnya mereka adalah pelakon Teater Bolshoi, benar-benar telanjang dan berlari ke studio Konstantin Sergeevich dengan but felt yang mereka terima secara tidak sengaja. Konstantin Sergeevich biasanya terlupa bahawa dia perlu makan dan minum, sama seperti kami, pelajarnya, yang terbawa-bawa oleh api kefasihan dan cintanya terhadap seni, melupakan perkara ini semasa kelasnya. Jika ramai orang datang ke kelas dan tidak cukup ruang di kerusi dan sofa biliknya yang besar, maka mereka membawa permaidani, dan semua orang duduk di atasnya di atas lantai. Setiap minit yang berlalu dalam perhubungan dengan Konstantin Sergeevich adalah hari cuti, dan sepanjang hari kelihatan lebih ceria dan cerah, kerana kelas dengannya akan datang pada waktu petang. Pembantu setianya, yang pada mulanya bekerja di studio secara percuma dan tidak mengubah kerjanya hingga akhir, adalah kakaknya Zinaida Sergeyevna Sokolova dan abang Vladimir Sergeyevich Alekseev, penuh perhatian dan kasih sayang kepada kami tidak kurang daripada Konstantin Sergeyevich sendiri. Konstantin Sergeevich tidak pernah bersedia untuk perbualan yang saya rakamkan. Dia tidak mengikut kaedah kuliah; semua yang dia katakan telah segera diterjemahkan ke dalam contoh praktikal, dan kata-katanya mengalir seperti perbualan yang ringkas dan rancak dengan rakan seperjuangan yang setaraf dengannya, itulah sebabnya saya memanggil mereka perbualan. Dia tidak mempunyai rancangan yang dibuat dengan tepat bahawa hari ini dia dengan segala cara akan mengadakan perbualan seperti itu dengan kami. Dia sentiasa datang dari kehidupan yang hidup itu sendiri, dia mengajar untuk menghargai detik ini, yang sedang terbang sekarang, dan dengan kepekaan geniusnya dia memahami perasaan penontonnya, apa yang merisaukan artis sekarang, apa yang akan memikat hati mereka. . Ini tidak bermakna Konstantin Sergeevich tidak mempunyai rancangan sama sekali, ia hanya bukti betapa halusnya dia tahu cara mengemudi dirinya sendiri dan bagaimana dia berorientasikan, mengikut keadaan pada masa ini, kualiti organik rancangan yang tidak berubah itu dia meletakkan ilmunya untuk disampaikan kepada kita. Perbualannya selalu berkaitan secara halus secara luar biasa dengan latihan langsung. Seperti yang saya ingat sekarang, kami berdiri di piano dan mencuba, mengerahkan usaha kami untuk menyelesaikan penumpuan, untuk mencipta dalam diri kami lingkaran kreatif kesunyian awam, untuk menyanyikan duet Tatyana dan Olga dari Eugene Onegin. Konstantin Sergeevich dalam setiap cara yang mungkin membawa kami untuk mencari intonasi dan warna yang baharu dan meriah dalam suara kami, mencuba dalam setiap cara yang mungkin untuk menggalakkan kami dalam carian kami, tetapi kami semua beralih kepada klise opera biasa kami. Akhirnya, dia datang kepada kami dan, berdiri di sebelah kami, memulakan perbualan itu, yang telah saya tandai di bawah No. 16. Memandangkan kami tidak dapat berganjak dari klise opera, dia membiarkan kami melupakan duet kami yang tidak berjaya buat seketika. Dia mula bercakap tentang tumpuan, menjalankan beberapa latihan dengan kami mengenai tindakan yang berkaitan dengan irama pernafasan, untuk menonjolkan sifat-sifat tertentu setiap objek dalam perhatiannya dalam tugas. Dengan membandingkan objek yang berbeza, menunjukkan ketidakhadiran, kualiti objek yang dia perhatikan yang jatuh dari perhatian artis ini atau itu, dia membawa kita kepada kewaspadaan perhatian. Dia memberitahu kami semua yang saya tulis dalam perbualan ke-16, dan kembali semula ke duet. Selepas perbualannya, kami segera memahami semua yang dia ingin dengar dalam intonasi suara kami, dan sepanjang hidup saya, saya telah mengaitkan dengan idea Olga persatuan bulan - bola serantau yang besar, dan sosok guru yang perkasa sentiasa bangkit, diilhamkan, penyayang, penuh semangat dan tenaga. Konstantin Sergeevich tidak pernah berundur sebelum halangan yang timbul sebelum pelajarnya, sebelum salah faham mereka, dia sentiasa menggalakkan dan tahu bagaimana untuk mencapai keputusan, walaupun dia terpaksa mengulangi perkara yang sama kepada kami berkali-kali. Itulah sebabnya terdapat pengulangan yang kerap dalam perbualan, tetapi saya sengaja tidak mencoretnya, kerana semua orang boleh menilai dari mereka betapa sukarnya jalan itu "mengaung, berapa banyak kerja yang perlu dilakukan. Lagipun, hampir semua daripada kita sudah menjadi artis Teater Bolshoi, tetapi betapa sukarnya Konstantin Sergeevich yang membangkitkan perhatian kami dan semua elemen kreatif yang membawa kepada seni sebenar! Betapa tidak kenal lelahnya perhatiannya kepada apa yang dianggapnya sebagai bagasi rohani dan kreatif yang perlu bagi setiap artis yang ingin mengembangkan kuasa kreatifnya, dan tidak meniru seseorang! Dalam banyak perbualan yang tidak berkaitan langsung dengan etika, dia sentiasa cuba menanamkan dalam diri kami benih beberapa pemikiran tentang rakan terdekat dan membangkitkan rasa cinta kepadanya. Konstantin Sergeevich mempunyai sifat jenaka yang hebat, tetapi pada masa yang sama dia sangat mulia dan sederhana dalam pemikirannya dan dalam berurusan dengan kami sehinggakan tiada sesiapa pun dapat bermimpi untuk memberitahunya beberapa anekdot, gosip, dll. Suasana yang sangat serius dan mengujakan, kehausan untuk belajar dan mengetahui sesuatu dalam seninya bermaharajalela di kalangan kami dan semuanya datang dari sepenuh kasih sayang dan perhatian kami kepada kami guru. Tidak ada cara untuk menyampaikan segala-galanya yang diberikan oleh Konstantin Sergeevich kepada kami di kelasnya. Dia tidak berpuas hati dengan fakta bahawa dia mengenali kami sebagai ahli studio, dia masih mempunyai masa untuk datang ke Teater Bolshoi untuk menonton kami dalam persembahan. Ia perlu menulis buku berasingan tentang "Werther" - pengeluaran pertama studio kami, yang kami tunjukkan di Teater Seni. Tidak ada perkataan untuk menggambarkan tenaga yang dicurahkan ke dalam karya ini oleh Konstantin Sergeevich, kakaknya Zinaida Sergeevna, abangnya Vladimir Sergeevich dan semua pelajar. Lapar, sejuk, sering tidak makan malam selama dua hari, kami tidak tahu kami letih. Kami ketika itu sangat miskin di studio sehingga kami tidak dapat menjemput seorang jurugambar untuk merakam keseluruhan produksi Werther kami. Dan dia pergi, sebagai hadiah pertama Konstantin Sergeevich, ke opera, bahkan tidak dirakam di mana-mana. Pemandangan Konstantin Sergeyevich berkumpul di Teater Seni "dari hutan pain", saya memohon pakaian di Teater Bolshoi dari lama, tidak lagi menggunakan almari pakaian, memilihnya bersama-sama dengan Zinaida Sergeyevna, dan Konstantin Sergeyevich meluluskannya. Sebagai contoh "membakar" saya boleh memetik Vladimir Sergeevich, yang kemudiannya tinggal di luar bandar, membawa beg di belakangnya dengan segala macam perkara yang dia perlukan untuk studio dan makan hampir apa-apa selain bijirin. Kadang-kadang dia berkata: "Saya fikir jika seseorang mengatakan perkataan 'millet' kepada saya sekarang, saya akan menembak." Ketawa, lagu-lagu lucu, apabila kami sudah berpindah ke Leontievsky Lane dan bilik itu, walaupun sempit, tetapi lebih besar daripada di Karetny Ryad, kedengaran sentiasa di semua sudut. Tidak pernah ada rasa putus asa di kalangan kami, dan kami sentiasa menantikan Konstantin Sergeevich datang ke kelas kami. Sekali, bercakap tentang nilai satu minit terbang dalam kreativiti, yang sepatutnya (dihargai sebagai momen mencari lebih banyak tugas baru, dan dengan mereka intonasi suara baru dan tindakan fizikal baru, Konstantin Sergeevich bercakap tentang Othello. Dia memberikan kami dua kemungkinan untuk Othello memasuki bilik tidur Desdemona pada waktu malam, dia begitu hebat dalam satu versi dan sangat lemah lembut, naif dan menyentuh dalam versi lain, sehingga kami semua kebas dan terus duduk diam, walaupun Othello telah hilang dan kami cikgu sekali lagi berdiri di hadapan kami . Apa yang boleh kita katakan sekarang bahawa dia tidak lagi bersama kita? Baginya, seni bukan sahaja mencerminkan kehidupan di atas pentas, tetapi juga cara untuk mendidik dan menyatukan manusia. Semoga kita semua yang belajar dengan "dia" menjadi perjanjian penghormatan dan kebenaran, perjanjian penghormatan bagi setiap orang yang berusaha untuk pengetahuan dan kecemerlangan dalam karya teater kita. Saya tidak mempunyai kekuatan mahupun kefasihan untuk menyampaikan dengan kata-kata inspirasi bahawa saya menyalakan Konstantin Sergeevich pelajarnya - tiada siapa yang dapat menahan nafsunya, tetapi mereka mematuhinya bukan sebagai pihak berkuasa dan lalim, tetapi sebagai kegembiraan yang tiba-tiba mendedahkan kepada anda pemahaman baru tentang beberapa frasa, beberapa perkataan yang menerangi keseluruhan keluarga, dan anda mereka melaksanakannya secara berbeza esok.Sekiranya perbualan Konstantin Sergeevich yang saya kumpulkan membantu sesiapa pun untuk maju sekurang-kurangnya sedikit sebanyak dalam seni, tugas saya akan selesai.

K. Antarova.

PRAKATA EDISI PERTAMA

Perbualan K. S. Stanislavsky di Studio Teater Bolshoi, yang dirakam oleh K. E. Antarova dan diterbitkan oleh Persatuan Teater All-Russian, berlaku pada 1918-1922, tetapi ia berkaitan dengan isu yang sangat akut pada masa kini - isu buruh dan disiplin artistik tentang pelakon, etikanya, didikannya. Stanislavsky sentiasa memikirkan topik ini, menemui mereka dalam aktiviti teater praktikalnya dan dalam kerja teori tentang "sistem"nya, dan mereka sentiasa membimbangkannya. Kakaknya Z. S. Sokolova, yang bekerja selama bertahun-tahun bersamanya di studio yang diarahkannya, dalam suratnya kepada K. E. Antarova mengenai penerbitan notanya, berkata: "Konstantin Sergeevich sangat sedih kerana dia tidak mempunyai masa untuk menulis. buku tentang etika, terutamanya tentang pelakon. Dalam nota anda, terutamanya dalam dua belas perbualan pertama, dia banyak bercakap tentang etika, dan dalam perbualan lain, pemikiran yang bersifat etika tidak sedikit tersebar. Lebih daripada sekali abang saya memberitahu saya: "Mungkin buku tentang etika - - yang paling perlu, tetapi ... saya tidak akan mempunyai masa untuk menulis. "Bukti ini cukup untuk memahami pada dasarnya kedua-dua sifat buku yang diterbitkan dan nilainya. Tetapi , membacanya, anda melihat di dalamnya juga gambaran kebangkitan luar biasa yang dibawa oleh tahun-tahun pertama kepada revolusi Stanislavsky, apabila semua ujian hidup - kesejukan dan kelaparan tempoh selepas perang - bukan sahaja tidak mengaburkan baginya kehebatan apa yang sedang berlaku, tetapi, mengembangkan ufuk hidupnya, menyebabkan dalam dirinya ribut idea-idea baru dan rumusan baru tentang apa yang samar-samar. jubah di dalamnya sudah dan lebih awal. Keperluannya untuk membawa kreativitinya kepada orang ramai yang luas mendapati ekspresinya walaupun pada masa penciptaan Teater Seni, yang hanya keadaan luaran tidak membenarkan ia dipelihara sebagai "Teater Awam Artistik". Tanggapan perang imperialis membawanya untuk mengenali rendah diri semua budaya borjuasi. Revolusi Sosialis Oktober mendorongnya untuk membuat tuntutan yang sangat ketat terhadap teater dan semua pekerjanya. "Era heroik dalam hidup kita memerlukan pelakon lain," katanya dalam salah satu perbualan yang diterbitkan. Dan dia sedang mencari cara untuk mendidik belia teater dalam semangat kepahlawanan, perkhidmatan tanpa mementingkan diri kepada negaranya, dalam detasmen sepenuhnya daripada sebarang kepentingan peribadi yang remeh. Dia berusaha untuk menunjukkan dalam perbualannya bahawa kreativiti artistik itu sendiri boleh berkembang hanya di kalangan mereka yang dapat merasakan hubungan yang paling dalam antara kerja teater dan tugas seninya dengan pembinaan orang yang memperbaharui kehidupan mereka dan yang mengisi setiap hari mereka, "setiap penerbangan. momen di dalamnya" dengan fikiran, perasaan dan perasaan yang tinggi. Untuk bekerja tanpa jemu pada dirinya sendiri, kepada kemenangan kesedarannya dan kehendaknya atas segala-galanya yang menghalang pelakon daripada menyerah sepenuhnya kepada kerjanya, Stanislavsky memanggil dalam perbualan ini, dan suaranya bergema di dalamnya dengan semua kekuatan keyakinan yang kukuh dan bersemangat. . Meneroka jalan perkembangan dalaman Stanislavsky, bermula dari usia muda, tercermin dalam "Rekod Artistik 1877-1892", sehingga masa kematangan rohaninya, apabila dia menulis buku "My Life in Art" dan "The Work of seorang Pelakon pada Dirinya" - kita dengan jelas melihat bahawa seluruh hidupnya penuh dengan perjuangan itu dengan ketidaksempurnaan sifatnya, yang dia panggil dalam perbualannya. Sesiapa yang mempunyai idea yang lebih atau kurang jelas tentang dia tahu bahawa dia tidak pernah berpuas hati dengan apa yang telah dia capai - baik dalam kerjanya, mahupun dalam pemikiran teorinya, mahupun dalam kerjanya tentang dirinya sebagai manusia. Tetapi tidak dinafikan bahawa terdapat sebilangan besar orang yang cenderung kepada keraguan murahan yang, membaca perbualannya, akan mengatakan bahawa tuntutan yang mereka buat terhadap pelakon muda pada umumnya tidak dapat dipenuhi dan bahkan berlebihan, kerana majoriti besar pelakon, tidak termasuk yang terbesar. mereka, tidak pernah menetapkannya kepada diri mereka sendiri, dan, bagaimanapun, ini tidak menghalang mereka daripada menunjukkan bakat mereka di atas pentas, dan bagaimana mereka di luar pentas adalah urusan mereka sendiri. Stanislavsky, tentu saja, mendengar pertimbangan sedemikian lebih daripada sekali, tetapi tidak dapat menerimanya. Pimpin setiap artis dalam mana-mana bidang seni mengisi ciptaannya dengan kandungan ideologi dan psikologinya sendiri, dan kaitkan ini dengan seorang pelakon, "sudah tentu, lebih-lebih lagi daripada artis lain. Dan jika orang berbakat menunjukkan kedua-duanya di atas pentas dan Belakang adegan, sikap acuh tak acuh terhadap kehidupan rakan seperjuangan mereka dan seluruh pasukan mereka, kesombongan yang kesat, kecuaian dan kecuaian berhubung dengan tujuan mereka sendiri dan bersama, namun mencapai kejayaan yang bising, itu hanya bermakna bahawa dengan sikap menuntut terhadap diri mereka sendiri, mereka akan menyerah kalah. seni mereka lebih hebat dan akan menaikkan teater ke tahap yang belum dicapai. Stanislavsky sentiasa berkongsi idea, yang dinyatakan pada abad ke-18 oleh pelakon Jerman yang bijak Iffland, bahawa cara terbaik untuk menjadi mulia di atas pentas dalam anda peranan adalah "untuk menjadi mulia dalam realiti, dalam kehidupan anda sendiri. Contoh-contoh artis hebat kami Shchepkin, Yermolova, yang mengabdikan diri mereka kepada seni dengan semua bangsawan yang menjadi ciri mereka dalam hidup, walaupun masa mereka jauh dari masa yang sesuai untuk suasana hati dan pemikiran artistik yang tinggi, berdiri di hadapan mata Stanislavsky. Dia sentiasa percaya pada kemungkinan perkhidmatan yang tidak berbelah bahagi, heroik kepada seni, dan di era kita, yang memerlukan dan melahirkan wira dalam pelbagai bidang kehidupan, dalam era apabila teater mesti sekurang-kurangnya bersaing dengan kehidupan dan, setelah meninggalkan lingkaran ganas dari kewujudannya yang termenung, hidup dengan sepenuh kekuatannya "di bumi dan untuk bumi" - bolehkah dia, Stanislavsky, tidak menuntut daripada pelakon apa yang menarik minat sifat kepahlawanannya sendiri? Meneroka dalam perbualannya persoalan persediaan untuk kreativiti dan organisasi proses kreatif pelakon, dia sentiasa menekankan peranan besar yang dimainkan dalam hal ini oleh kesedaran manusia yang maju dan keinginan untuk mengatasi batasan sumber semula jadi seseorang. Dan jika pada masa itu, jauh sebelum "sistem"nya dilemparkan ke dalam buku: "Kerja seorang pelakon pada dirinya", banyak yang tidak dirumuskan dengan jelas dalam perbualan, maka beberapa aspek "sistem" yang dia mahu lebih diterangi sepenuhnya dalam tulisannya selanjutnya, telah didedahkan di sini dalam keseluruhan kedalaman mereka. Demikian, sebagai tambahan kepada semua yang dinyatakan di atas, adalah persoalan sifat kreativiti artistik yang tulen. Halaman-halaman yang dikhaskan kepadanya di sini dengan jelas menunjukkan bahawa pada tahun-tahun di mana perbualan itu merujuk, Stanislavsky, tanpa mengubah realisme, tetapi memperdalam pemahamannya tentangnya, telah sepenuhnya meninggalkan sebarang naturalisme, walaupun dalam rancangan yang dia panggil "naturalisme psikologi. " Keperluan untuk generalisasi artistik dalam imej mana-mana watak, dan sebarang keghairahan, sambil memerhatikan kekonkretan imej yang paling besar, ditunjukkan dalam perbualan dengan persuasif yang hebat. Setiap pendalaman apa yang digambarkan, paparan figura manusia dalam semua kerumitan sifat dan aspirasi mereka yang bertentangan, tafsiran setiap Fenomena penting sebagai sejenis perpaduan dalam kepelbagaian dan, lebih-lebih lagi, dalam pencahayaan ideologi tertentu - inilah yang Stanislavsky cuba capai di sini daripada pelakon muda. Oleh itu, dia memerlukan mereka untuk mempunyai tahap intelek yang tinggi dan kebolehan untuk menyelami secara mendalam dan halus psikologi manusia, bukan sahaja semasa menjalankan peranan, tetapi juga ketika memerhati orang dalam kehidupan. Sampel analisis psikologi yang dia berikan dalam perbualannya semasa bekerja di Studio Teater Bolshoi pada produksi opera Werther dan Eugene Onegin sangat mendedahkan dalam hal ini. Bagi kebolehpercayaan nota yang disimpan K. E. Antarova semasa perbualan itu sendiri dalam cara semi-stenografik dan diuraikan dengan segala cara pada hari yang sama, baris-baris surat yang telah dipetik dari Z. S. Sokolova bertarikh 8 November 1938 memberitahu kami tentang perkara ini. : "Saya hairan bagaimana kamu boleh menulis perbualan dan aktiviti abang kamu dengan begitu jelas. dia berkata kepada K. E. Antarova, memulangkan manuskrip notanya. - Apabila membacanya dan selepasnya, saya mempunyai keadaan sedemikian, seolah-olah, hari ini, saya mendengarnya dan menghadiri kelasnya. Saya juga teringat di mana, bila, selepas latihan apa dia bercakap apa yang anda rakamkan ... ". Sebagai kesimpulan suratnya, Z. S. Sokolova sekali lagi mengesahkan bahawa rakaman ini sebahagiannya memenuhi apa yang sangat dikehendaki oleh K. S. Stanislavsky sendiri, tetapi yang tidak diuruskannya. untuk mencapai secara peribadi.

Lyubov Gurevich

Januari 1939 jenis.

PRAKATA EDISI KEDUA

Pada tahun 1939, Persatuan Teater All-Russian menerbitkan buat pertama kalinya perbualan K. S. Stanislavsky dengan pelakon Teater Bolshoi yang dirakam oleh saya. Seperti yang telah ditunjukkan dalam edisi saraf, perbualan ini bermula sejak 1918-1922. Pergolakan dalam seluruh kehidupan rakyat menyalakan lebih kuat dan lebih cerah tenaga besar guru besar pentas Rusia. Dia mahu menggunakan tenaganya ke gedung opera, untuk menawan penyanyi dengan idea kreatifnya dan membangkitkan dalam diri mereka keinginan untuk mencari cara baharu dalam seni opera. Saya menambah edisi pertama buku itu dengan beberapa lagi perbualan oleh Konstantin Sergeevich. Sebahagian daripada mereka merujuk terus kepada tempoh kerja di opera Massenet Werther. Baki enam perbualan - mengenai unsur-unsur kreativiti - Konstantin (Sergeevich memimpin bersama kami, mencari sebab untuk mereka dalam proses latihan biasa. Perbualan ini amat berharga kerana mereka telah menyatakan pemikiran yang kemudiannya disusun dan digunakan dalam buku Stanislavsky " The karya seorang pelakon pada dirinya sendiri". Persatuan Teater All-Russian ialah organisasi pertama yang menerbitkan "Conversations of K. S. Stanislavsky" sejurus selepas kematiannya, apabila belum ada penerbitan yang menerbitkan satu buku tentang Stanislavsky. Penerbitan ini adalah monumen pertama kepada seorang yang hebat. WTO sedang melaksanakan edisi kedua Perbualan K. S. Stanislavsky pada saat dalam kehidupan teater moden apabila "sistem" Stanislavsky telah menjadi salah satu masalah utama seni teater Soviet. Terdapat perdebatan hangat tentang "sistem" dalam Persekitaran teater Adalah lebih penting untuk sekali lagi mengingatkan para pelakon dan pengarah tentang pemikiran K. S. Stanislavsky tentang kreativiti teater, yang dinyatakan olehnya semasa penubuhan teater Soviet. Tidak dinafikan, kata-kata hidup Konstantin Sergeevich, yang diucapkan olehnya dalam intonasi unik yang terang dan berwarna-warni, kehilangan banyak dalam nota saya. Tetapi, berdasarkan surat dan ulasan yang saya terima, "Perbualan" bagaimanapun membangkitkan keinginan artis untuk memahami dalam seni apa yang diperlukan oleh penyelidik hebat tentang sifat perasaan kreatif dalam manusia. Mengucapkan terima kasih peribadi saya kepada WTO untuk kedua-dua edisi "Perbualan", saya tidak boleh ketinggalan untuk mengambil perhatian perhatian dan penjagaan sensitif terhadap pelakon muda yang ditunjukkan oleh organisasi awam ini. Dengan menerbitkan semula "Perbualan K. S. Stanislavsky", WTO memberikan bantuan kepada pasukan artistik yang tinggal di luar Moscow dan tidak berpeluang menggunakan nasihat pakar teater. Tetapi bukan sahaja untuk memberikan bantuan dan perhatian kreatif ini kepada artis, saya mengucapkan terima kasih yang tulus kepada WTO. Ucapan terima kasih khas saya kepada Persatuan Teater All-Russian, pertama sekali kepada pengerusinya, Artis Rakyat USSR Alexandra Aleksandrovna Yablochkina, untuk fakta bahawa, dengan memberi peluang untuk berkenalan dengan idea-idea kreatif K. S. Stanislavsky kepada banyak orang. artis, ia menyumbang kepada pengembangan kesedaran kreatif mereka, yang dilakukan oleh salah satu daripada ajaran utama tokoh teater yang hebat, yang selalu berkata: "Perkara utama dalam kerja kami adalah pemikiran aktif yang sentiasa bergerak ke hadapan."

K. E. Antarova.

PERBUALAN DULU

PERBUALAN DUA

PERBUALAN TIGA

Saya ingin bercakap dengan anda hari ini dan bersama-sama dengan anda dan diri saya lagi dan lagi untuk mengubah fikiran saya tentang apa itu studio. Jelas sekali, sekolah teater ini, boleh dikatakan, sepadan dengan kemodenan, kerana terdapat sejumlah besar studio, pelbagai jenis, genera dan rancangan. Tetapi semakin anda hidup, semakin anda membebaskan kesedaran anda dari konvensyen dangkal, semakin jelas anda melihat kesilapan anda sendiri dan orang lain dalam kreativiti (Perbualan pada Oktober 1918 di apartmen Konstantin Sergeevich di Karetny Ryad.). Studio adalah peringkat awal di mana orang harus berkumpul yang sedar secara sedar bahawa seluruh kehidupan seseorang adalah kreativitinya sendiri, dan bahawa dia mahukan kreativiti ini untuk dirinya sendiri hanya dalam teater, bahawa di dalam teater itulah semua kehidupan. Seseorang artis mesti memahami bahawa tidak ada sebab bertindak dari luar dan mempengaruhi kreativiti, bahawa hanya ada satu dorongan kreativiti - ini adalah daya kreatif yang dibawa oleh setiap orang dalam diri mereka sendiri. Penciptaan studio membawa cahaya ke dalam kekacauan kejahilan bekas teater, di mana orang bersatu, seolah-olah, untuk kerja kreatif, tetapi sebenarnya untuk kemuliaan peribadi diri mereka sendiri, untuk kemasyhuran yang mudah, kehidupan yang mudah, dan penggunaan mereka yang dipanggil "inspirasi". Studio mesti hidup dalam organisasi tindakan yang lengkap; penghormatan penuh terhadap orang lain dan untuk satu sama lain harus memerintah di dalamnya; pembangunan perhatian penting harus menjadi asas awal bagasi rohani mereka yang ingin belajar di studio. Studio mesti mengajar artis untuk menumpukan perhatian dan mencari bantuan yang menggembirakan untuk ini, supaya dia boleh dengan mudah, ceria, terbawa-bawa, mengembangkan kekuatan dalam dirinya, dan tidak melihat ini sebagai tugas yang tidak dapat ditanggung, walaupun tidak dapat dielakkan. Nasib malang manusia lakonan moden adalah tabiat mencari alasan motivasi untuk kreativiti di luar. Nampaknya artis bahawa punca dan dorongan untuk karyanya adalah fakta luaran. Sebab-sebab kejayaannya di atas pentas adalah fakta luaran, sehingga klaque dan naungan. Sebab-sebab kegagalannya dalam kreativiti adalah musuh dan orang jahat yang tidak memberinya peluang untuk mendedahkan dirinya dan maju dalam lingkaran bakatnya. Perkara pertama yang harus diajar oleh studio artis ialah segala-galanya, semua kuasa kreatifnya ada dalam dirinya. Pandangan introspektif terhadap perbuatan dan perkara, pencarian dalam diri sendiri untuk kekuatan, sebab dan akibat kreativiti seseorang harus menjadi permulaan kepada semua permulaan pembelajaran. Lagipun, apa itu kreativiti? Setiap pelajar mesti faham bahawa tiada langsung kehidupan yang tidak mengandungi sebarang kreativiti. Naluri peribadi, nafsu peribadi di mana kehidupan artis mengalir, jika keghairahan peribadi ini mengatasi cintanya terhadap teater, semua ini menimbulkan kerentanan saraf yang menyakitkan, gamut histeria keterlaluan luaran, yang ingin dijelaskan oleh artis. dengan keunikan bakatnya dan memanggilnya "inspirasi". Tetapi segala-galanya yang datang dari sebab luaran hanya boleh menghidupkan aktiviti naluri dan tidak akan membangkitkan alam bawah sedar, di mana hidup perangai sebenar, intuisi. Seorang lelaki yang bergerak di atas pentas di bawah tekanan nalurinya, tanpa merangka pelan tindakan yang tepat untuk dirinya sendiri, adalah sama dalam motifnya terhadap haiwan - seekor anjing yang sedang memburu, yang merayap pada burung, atau seekor kucing yang merayap. pada tetikus. Perbezaan hanya akan dirasai apabila nafsu, iaitu, naluri, disucikan oleh pemikiran, iaitu, oleh kesedaran manusia, dimuliakan oleh perhatiannya yang waspada, apabila dalam setiap nafsu yang sementara, sementara, bersyarat, tidak penting dan jelek didapati. , dan bukan pada mereka perhatian akan dihentikan dan bukan perhatian ditarik kepada mereka, tetapi kepada organik itu, tidak dapat dipisahkan dari gerak hati, yang hidup di mana-mana, sentiasa dan di mana-mana, dalam semua nafsu dan akan menjadi biasa kepada setiap hati dan kesedaran manusia. Dan hanya ia akan membentuk butiran organik setiap keghairahan. Tidak ada satu dan cara yang sama dalam kreativiti untuk semua orang. Adalah mustahil untuk mengenakan peranti luaran yang sama kepada Ivan dan Marya, penyesuaian luaran mise-en-scene, tetapi adalah mungkin bagi semua Ivan dan Maryas untuk mendedahkan nilai api inspirasi mereka, kekuatan rohani mereka dan menunjukkan di mana, dalam apa yang perlu dicari dan bagaimana untuk mengembangkannya dalam diri. Melemparkan pelajar baru dari kelas ke kelas, memenatkan mereka, memberi mereka banyak disiplin sekaligus, menyumbat kepala mereka dengan sains baru yang hampir tidak melihat cahaya, pencapaian yang belum diuji dengan pengalaman yang mencukupi, sangat berbahaya bagi mereka. . Jangan berusaha untuk memulakan didikan dan pendidikan anda sebagai pelakon studio, segera berselerak ke semua arah, jangan berusaha untuk menentukan peranan anda dengan tanda-tanda luaran, tetapi berikan diri anda masa untuk beralih dari sikap kebiasaan anda untuk hidup dan bertindak di luar. Fahami semua kehidupan kreatif sebagai penggabungan kehidupan dalaman dan luaran anda menjadi satu, dan mulakan latihan dengan mudah dan ceria. Studio adalah tempat di mana seseorang perlu belajar memerhati wataknya, kekuatan dalamannya, di mana dia perlu mengembangkan tabiat berfikir bahawa saya bukan sahaja menjalani kehidupan, tetapi saya sangat menyukai seni sehingga saya mahukan kreativiti, melalui dan dari diri saya sendiri, kepada semua orang untuk mengisi hari dengan kegembiraan dan kegembiraan seni saya. Yang tak boleh ketawa, yang selalu merungut, yang selalu sedih dan biasa menangis dan susah hati, tak patut pergi studio. Studio adalah, seolah-olah, ambang kuil seni. Di sini, setiap daripada kita harus bersinar dengan tulisan dalam huruf yang berapi-api: "Belajar, mencintai seni dan bergembira di dalamnya, untuk mengatasi semua halangan." Jika anda merekrut orang yang tidak berbudaya dan tidak berkebolehan ke dalam studio hanya kerana mereka langsing dan tinggi, mempunyai suara yang bagus dan ketangkasan, maka studio itu akan mengeluarkan berpuluh-puluh lagi yang kalah, yang dengannya pasaran pelakon kini ditenggelami. Dan bukannya pekerja yang menggembirakan yang mengabdikan diri kepada seni kerana mereka menyukainya, studio kami akan melepaskan orang yang menarik yang tidak mempunyai keinginan untuk memasuki kehidupan sosial negara mereka dengan kreativiti mereka sebagai hambanya, yang ingin menjadi hanya tuan, yang tanah air mereka. harus berkhidmat dengan penempatan dan lombongnya yang berharga. Tidak ada justifikasi bagi mereka yang meletakkan di atas semua reputasi studio mereka, dan bukan hati yang hidup termasuk di dalamnya, yang mana studio wujud. Orang yang mengajar di studio mesti ingat bahawa dia bukan sahaja pengurus dan guru, dia adalah kawan, pembantu, dia adalah jalan yang menggembirakan di mana cintanya untuk seni bergabung dengan cinta kepadanya dalam orang yang datang untuk belajar. dia. Dan hanya atas dasar ini, dan bukan atas pilihan peribadi, guru harus memimpin mereka kepada perpaduan dengan diri mereka sendiri, antara satu sama lain dan dengan semua guru lain. Hanya selepas itu studio akan membentuk bulatan awal di mana muhibah antara satu sama lain memerintah dan di mana, dari masa ke masa, persembahan yang harmoni, iaitu, persembahan yang memenuhi kemodenannya, boleh dibangunkan.

PERBUALAN EMPAT

Jika boleh membayangkan manusia ideal yang permintaannya terhadap seni akan sangat tinggi sehingga memenuhi semua tuntutan pemikiran, hati, semangat seseorang yang bertindak di bumi, seni itu sendiri akan menjadi buku kehidupan. Tetapi masa pembangunan ini masih jauh. "Sekarang" kami mencari dalam seni sebagai kunci panduan kepada kehidupan, sama seperti "semalam" kami mencari di dalamnya hanya cermin mata yang menghiburkan. Apa yang harus diberikan oleh teater kepada kita dalam kehidupan moden? Pertama sekali, bukan cerminan kosong tentang dirinya, tetapi semua yang ada dalam dirinya, untuk dipaparkan dalam ketegangan heroik dalaman; dalam bentuk yang mudah, seolah-olah, sehari-hari, tetapi sebenarnya dalam imej yang jelas dan bercahaya, di mana semua nafsu dimuliakan dan hidup. Perkara yang paling mengerikan untuk teater adalah drama teater yang menunjukkan kecenderungan, pengenaan idea dan, lebih-lebih lagi, bukan pada orang yang masih hidup, tetapi pada peragawati yang dicipta di mejanya tanpa cinta, cinta yang bersemangat untuk hati manusia yang pengarangnya. mahu digambarkan dalam lakonannya. Jika nilai seluruh kehidupan seseorang di atas pentas ditentukan oleh kreativitinya, iaitu dengan penggabungan harmoni fikiran, hati dan pergerakan fizikal dengan setiap perkataan, maka nilai sesebuah drama adalah berkadar terus dengan kecintaan pengarang terhadap hati orang yang digambarkan olehnya. Sukar bagi seorang pengarang yang hebat untuk menentukan watak mana dalam dramanya yang lebih dia sukai. Segala-galanya - gemetar hidup hatinya, segala-galanya, hebat dan keji, - segala-galanya tidak terbentuk dalam imaginasi hanya apabila pemikiran itu dicipta, dan hati memerhati dengan senyap, seperti seseorang dalam kelabu, berdiri di tepi; dalam dirinya kedua-dua fikiran dan hati membakar diri, dan dalam dirinya dia merasakan semua kehebatan dan kengerian cara manusia. Dan barulah kedua-dua tinggi dan rendah, tetapi sentiasa hidup, mencurahkan dari bawah kandangnya, dan makhluk hidup ini mana-mana teater yang benar - bukan teater yang mementingkan diri sendiri, tetapi teater yang berfungsi untuk masa kini - boleh mencurahkan ke dalam tindakan luaran wira-wira drama tersebut. Apakah yang harus kita, pelajar studio, dipandu semasa memilih drama? Jika hati seorang pelajar anda penuh memahami nilai kehidupan kreatif duniawi anda, maka ia juga penuh dengan cinta pertama seseorang - cinta kepada tanah air. Dan apabila memilih drama, anda akan mencari kepenuhan imej manusia, dan bukan berat sebelah, pada orang yang telah digambarkan oleh pengarang untuk anda. Anda akan cuba menjadikan drama itu bukan tiruan yang tidak boleh diterima dari satu atau model klasik yang lain, tetapi mencerminkan kehidupan; maka anda akan dapat mencerminkannya melalui diri anda di atas pentas sebagai secebis kehidupan. Jangan biarkan sesiapa tahu nama pengarang, tetapi orang yang digambarkan olehnya dalam drama itu bukanlah sisa dari beberapa setem, tetapi orang yang masih hidup; di dalamnya anda boleh menemui keseluruhan perasaan dan daya manusia, bermula dari. kelemahan kepada kepahlawanan. Sekiranya ini bukan cita-cita stereotaip, yang kewibawaannya mesti ditundukkan, kerana ia telah "dimainkan" turun-temurun dengan cara begini dan begitu! Sentiasa mencari diri sendiri, seperti imej ini dan ini dalam drama. E_s_l_i_y t_o_t i_l_i t_a, k_a_k_i_e v_a_sh_i o_r_g_a_n_i_h_e_s_k_i_e h_u_v_s_t_v_a? Katakan anda menjumpai drama yang mencerminkan satu atau satu lagi bahagian kehidupan. Apakah yang perlu diusahakan oleh teater apabila drama baharu telah dipilih? Kita tidak boleh memikirkan kesan atau kecenderungannya; tidak seorang pun atau yang lain akan menarik penonton dan tidak akan memberikan mereka keberanian atau pemikiran heroik, atau penghormatan, atau kecantikan. Paling baik, anda akan mendapat permainan propaganda yang berjaya; tetapi ini bukan tugas teater yang serius, ia hanya saat satu atau satu lagi kemasukan teater dalam keperluan utilitarian pada masa sekarang. Hanya yang boleh kekal dalam drama, seperti sebutir perasaan dan pemikiran manusia yang tulen abadi, hanya yang tidak bergantung pada reka bentuk luaran dan akan difahami oleh semua orang, dalam semua peringkat umur, dalam semua bahasa, yang boleh menyatukan orang Turki dan Rusia, Parsi dan Perancis, di mana kecantikan tidak dapat melarikan diri di bawah mana-mana konvensyen luar, seperti, sebagai contoh, cinta murni dan berseri Tatyana - hanya ini mesti ditemui oleh teater dalam drama itu. Dan kemudian ia tidak menakutkan bahawa teater akan hilang. Dia tidak boleh tersesat, kerana dia pergi ke jalan mencari bukan untuk "dirinya", reputasi dan sikap "nya", tetapi dia mahu, seolah-olah, tanglung ajaib yang mencerminkan kehidupan - berbunyi dan menggembirakan. Dia memberi dirinya tugas untuk memudahkan persepsi kecantikan bagi orang-orang yang lebih mudah menyedarinya dalam diri mereka dan diri mereka sendiri melalui teater; mereka yang, hidup dalam hari yang sederhana, dapat merealisasikan diri mereka sebagai unit kehidupan yang kreatif dengan bantuan idea yang dilontarkan dari pentas. Bermula dalam drama adalah saat yang paling penting. Di sini nilai keseluruhan drama untuk kehidupan orang-orang yang suatu hari nanti akan datang ke teater untuk menonton persembahan mula ditentukan, di sini batu diletakkan di mana kisah dongeng ajaib cinta orang teater berbakat untuk orang, walaupun juga berbakat, tetapi membunyikan pelbagai kreativiti yang berbeza. Apakah yang boleh digunakan untuk mencipta kisah yang ajaib dan mempesonakan tentang kebenaran hidup di atas pentas? Sekiranya tidak ada syarat pertama untuk ini, tidak ada cinta, keceriaan, tenaga, rasa hormat dan perpaduan di antara mereka antara pemula drama, antara pelakon dan pengarah masa depannya, jika tidak ada perpaduan dalam idea untuk menyampaikan. semua yang tertinggi, cantik dan tulen, untuk menjadi konduktor tenaga dan kecantikan kepada semua yang memasuki teater sebagai penonton - anda tidak akan menaikkan permainan di atas templat "persembahan yang baik". Sebaik sahaja anda telah memilih jalan kreativiti, anda hanya akan mencapai hasil apabila anda semua menjadi satu keluarga. Laluan mereka yang mengikuti jerih payah teater tidak seperti laluan orang lain. Mereka yang tidak berjalan dalam keindahan pentas mungkin mempunyai beberapa jenis kehidupan berganda. Bagi mereka, mungkin ada kehidupan peribadi dalam keluarga yang tidak berkongsi kehidupan perniagaan mereka, mungkin ada seribu kes di mana keluarga boleh mengambil satu atau satu darjah penyertaan. Tetapi artis adalah orang yang baginya teater adalah hatinya. Hari ini beliau adalah perniagaan teater. Khidmat kepada tanah air adalah pentasnya. Cinta dan api kreatif yang berterusan adalah peranannya. Di sini tanah airnya, di sini adalah keghairahannya, di sini sumber kekuatan abadinya. Seseorang tidak boleh berfikir bahawa teater adalah sejenis mazhab inisiat, bahawa ia tercabut dan terputus daripada kehidupan. Semua jalan kreativiti manusia membawa kepada manifestasi kehidupan, kerana "semua jalan menuju ke Rom." Dan Rom setiap orang adalah sama: setiap orang membawa semua kreativitinya dalam dirinya, mencurahkan segala-galanya ke dalam kehidupan dari dirinya sendiri. Tidak mustahil untuk mencipta mazhab luar dari teater. Teater-teater di mana kesedaran dalaman bijirin yang hidup sama dalam setiap orang mati, melemparkan diri mereka ke dalam buffoone luar, ke dalam tingkah laku luaran: sama ada mereka mencari adegan tanpa tirai, kemudian mereka mencari asimilasi massa dalam tindakan, kemudian mereka melukis semula pemandangan secara terbalik, kemudian mereka mencari irama tindakan palsu, - dan semua orang mendapat masalah, kerana tiada musim bunga yang menggerakkan mereka - biasa dan boleh difahami oleh semua orang. Irama adalah masalah besar. Tetapi untuk mencipta keseluruhan persembahan di atasnya, anda sendiri mesti memahami di mana dan apakah maksud irama. Teater, bergantung kepada pemimpin mereka, boleh dan mesti pergi dengan cara yang berbeza. Tetapi dalaman, bukan luaran. Penyesuaian luaran akan menjadi akibat, hasil daripada laluan dalaman dan akan menghasilkan satu cara atau yang lain, bergantung pada bagaimana asas kreativiti difahami oleh pelakon dan pemimpin. Jika para pemimpin berfikir bahawa mereka telah sekali dan untuk semua memahami belenggu teater mereka, jika mereka tidak bergerak ke hadapan dalam irama kehidupan semasa dan tidak berubah dalam peranti luaran mereka, berpegang pada satu, walaupun juga bergerak selama-lamanya, tetapi pada masa yang sama teras kehidupan yang tidak berubah, maka iaitu cinta kepada seseorang - mereka tidak boleh mencipta teater - hamba tanah air mereka, teater yang mempunyai kepentingan lama, teater era yang mengambil bahagian dalam penciptaan keseluruhan. kehidupan masa mereka sendiri. Saya sering mendengar bahawa saya dicela kerana terlalu menuntut seorang artis, kerana menuntut hampir zuhud daripada orang yang telah mengabdikan dirinya kepada teater dan seni. Perkara pertama yang disalah anggap oleh mereka yang mencela saya kerana ingin melihat sebagai seorang zuhud dalam artis ialah kekurangan analisis tentang apa yang sepatutnya dimaksudkan dengan perkataan: "artis". Seorang artis, seperti mana-mana artis, mempunyai bakat. Dia sudah ditandai dengan emosi yang memuncak, telah membawa benih kreatif, walaupun dalam kedatangannya, dalam bentuk telanjang yang sama, tidak berdaya dan miskin di mana setiap orang datang ke bumi, belum ada yang meneka kekayaan batinnya. Seseorang yang mempunyai bakat sudah ditakdirkan untuk mencapai kreativiti. Api itu membakar dalam dirinya, yang akan mendorongnya sepanjang hidupnya, sehingga nafas terakhirnya, kepada emosi kreatif. Dalam kehidupan setiap orang yang terobsesi dengan bakat, kuasa kreatif inilah yang memegang seseorang dalam pelukannya dan memberitahunya: "Anda adalah milik saya." Tiada perbezaan di sini: artis drama, penyanyi, pelukis, pengukir, penyair, penulis, pemuzik. Perbezaan bersyarat tidak wujud di sini. Perbezaan datang dengan perkembangan kesedaran seseorang, kehendaknya, ketinggian prinsip moralnya, citarasanya, keluasan pemahaman zamannya, budaya umum dan tamadun masyarakat. Perbezaan antara artis dicipta dengan cara pembentukan keperibadian yang unik dan organik dalam diri seseorang. Di atasnya dan di sekelilingnya, bulatan kehidupan seharian dan sosial adalah keadaan hidup berlapis, bersyarat, sampingan, iaitu, apa yang kita dalam peranan panggil "keadaan yang dicadangkan." Tidak dinafikan, setiap orang yang membawa bakat ke bumi hidup di bawah pengaruhnya. Semua aktiviti mengikut laluan yang dicipta oleh bakat dalam diri seseorang, dan bakat sejati menuju ke arah kreativiti dengan tegas dalam semua keadaan yang "ditawarkan" oleh kehidupan. Jangan percaya sesiapa yang mengatakan bahawa kehidupan yang sukar telah membantutkan bakatnya. Bakat adalah api, dan mustahil untuk menghancurkannya, bukan kerana tidak cukup alat pemadam api, tetapi kerana bakat adalah hati seseorang, intipatinya, kekuatannya untuk hidup. Akibatnya, hanya seluruh orang yang boleh dihancurkan, tetapi bukan bakatnya. Dan di sini, seperti di mana-mana, dalam semua cabang kreativiti; bagi sesetengah orang, bakat akan menjadi beban, dan seseorang akan menjadi hambanya. Bagi orang lain, dia akan menjadi satu kejayaan, dan orang itu akan menjadi hambanya. Bagi orang lain, dia akan menjadi kegembiraan, kebahagiaan, satu-satunya bentuk kehidupan yang mungkin di bumi, dan orang yang bermegah, dalam kebijaksanaan bakatnya akan menjadi hamba yang setia kepada umatnya. Setiap artis perlu memahami dan memahami dengan tepat, dalam kejelasan lengkap: tidak ada kejayaan untuk pencipta artis dalam seni. Semua kreativiti adalah satu siri cadangan yang mengesahkan kehidupan. Sebaik sahaja unsur penafian, perintah kehendak, memasuki kreativiti, kehidupan kreatif berhenti. Anda tidak boleh mencapai tahap kreativiti, memikirkan tentang diri anda: "Saya menolak kehidupan, kesenangan, keindahan dan kegembiraannya, kerana pencapaian saya adalah" pengorbanan kepada semua seni. Cuma sebaliknya. Tidak boleh ada pengorbanan dalam seni. Segala yang ada di dalamnya memikat, semuanya menarik, semuanya menangkap. Semua kehidupan menarik. Terdapat seorang artis di dalamnya. Hatinya terbuka kepada perubahan, perlanggaran, kesenangan hidup; dan seorang artis tidak boleh wujud dalam prestasi seperti perintah monastik penolakan hidup. Pencapaian seorang artis adalah pendedahan rahsia kehidupan kreatif, petunjuk kepada orang yang tidak berbakat orang ramai akan kehebatan itu bahawa artis telah mengintip sifat sesuatu. Seniman adalah kuasa yang mencerminkan semua rahsia alam kepada orang yang kehilangan karunia untuk melihat khazanah rohani ini sendiri. Sekarang jelas kepada anda bahawa jika seorang artis mempunyai prestasi, maka ini adalah kehidupan batinnya. Prestasi artis hidup dalam keindahan dan kesucian hati, dalam api pemikirannya. Tetapi ini sama sekali bukan perintah kehendak, bukan penafian dan penolakan kehidupan dan kebahagiaan. Ini adalah wahyu kepada orang yang mempunyai kedalaman yang cemerlang, kebenaran yang hebat. Itulah yang saya beritahu anda tentang misi tinggi pencipta artis. Saya ingin kembali sekali lagi kepada persoalan bagaimana anda bersedia untuk misi yang tinggi ini, iaitu, untuk kreativiti. Bayangkan bahawa setiap daripada anda telah berumur 25 tahun sekaligus, dan kehidupan telah membawa anda ke dalam keadaan yang lebih kurang sama seperti saya pada masa ini. Anda bekerja dengan beberapa kumpulan artis mengikut "sistem" saya. Bagaimana anda akan mencapai kesedaran sedemikian dalam seorang artis, supaya dia memahami bahawa keadaan kreatifnya bukanlah topi halimunan yang anda boleh sentiasa bersedia di dalam poket anda dan keluarkan pada masa anda perlu mendapati diri anda di atas pentas dan "menjadi ” sedia untuk kreativiti. Saya telah memberitahu anda lebih daripada sekali bahawa semua yang dipilih oleh pelukis dalam hidup, semua yang dia pelajari, yang dia capai dalam kesedarannya yang semakin berkembang, semuanya hanyalah jalan menuju pembebasan "I" kreatifnya yang lebih fleksibel daripada cengkaman setiap hari. , ego "saya" . Dan "Saya" yang kecil dan ego ini, iaitu, ghairah, berniat jahat, impuls yang mudah marah, kesombongan dan temannya - dahagakan keutamaan - adakah ia senyap? Ia juga memegang orang itu dengan kuat. Perjuangan dalam diri ini, sama seperti perjuangan antara yang berguna dan berbahaya dalam perhatian dan imaginasi, mendasari pencapaian artis. Jika untuk bekerja pada peranan anda memerlukan satu siri visi, kemudian untuk bekerja pada diri sendiri - dalam perjuangan antara tinggi dan rendah dalam diri anda - artis mesti mencari filem yang lebih kompleks. Pencipta artis harus mempunyai lebih daripada satu matlamat yang jelas: untuk mengawal diri sepenuhnya, ke dalam ketenangan yang mendahului kreativiti. Tetapi dia mesti segera, pada masa yang sama, melihat matlamat kedua di hadapannya: untuk membangkitkan dalam dirinya rasa untuk hidup dalam mencari kecantikan, rasa untuk kerja jangka panjang pada peranan dan imejnya tanpa kerengsaan, dalam muhibah. terhadap orang ramai, dalam pengalaman dalaman semua kehidupan semasa sebagai keindahan terbesar. . Nilai peranan dan segala yang dibawa oleh artis ke pentas sentiasa bergantung kepada kehidupan dalaman artis itu sendiri, pada tabiat yang telah dicipta dalam dirinya untuk hidup dalam keadaan huru-hara atau harmoni. Tergesa-gesa huru-hara berterusan, melemparkan pada satu peranan, kemudian yang lain; kesibukan dalam aktiviti harian, ketidakupayaan untuk mencapai disiplin dalam diri mereka dipindahkan sebagai tabiat buruk, ke dalam dan menjadi suasana artis itu sendiri dalam karyanya. Semua ini berkaitan dengan pendidikan, atau lebih tepatnya dengan pendidikan diri seorang artis, dan setiap orang yang berbakat perlu memahami bahawa kerja pada peranan akan menjadi refleksi langsung kerja pada diri sendiri. Sama ada kelas berlangsung di ruang legar, di atas pentas atau di dalam bilik latihan, yang penting bukanlah tahap di mana kelas itu berada sekarang, iaitu sama ada bacaan, analisis peranan, raptai peringkat pertama, tapi yang penting apa yang ada dalam jiwa artis. Fikiran apa yang dia hidup semasa dia pergi ke latihan, imej apa yang menemaninya ke teater. Jika bakat berbisik kepadanya: "Anda adalah milik saya," artis itu akan dapat berdiri dalam keindahan itu, dalam keindahan itu yang akan memikat penonton dari masa ke masa. Jika, bagaimanapun, naluri keegoannya sahaja yang menjerit kepadanya: "Kamu milik kami," maka jalan kepada kreativiti tidak boleh dibuka dalam dirinya. Seni mengambil seluruh orang, semua perhatiannya. Anda tidak boleh memberinya cebisan kehidupan, tetapi anda perlu memberikan seluruh hidup anda. Seseorang mungkin berfikir bahawa di sinilah saya membentangkan ketepatan yang beberapa orang mencela saya, mengatakan bahawa saya ingin menjadi seorang pertapa daripada seorang artis. Tetapi saya telah menjelaskan kepada anda apa yang saya maksudkan dengan artis kreatif yang berbakat. Saya menambah pada definisi saya satu lagi elemen kreativiti, tidak kurang penting daripada semua yang lain: rasa. Selera artis menentukan seluruh hidupnya. Cukuplah untuk melihat seseorang, gaya berjalannya, cara berpakaian, bercakap, makan, membaca, untuk membentuk idea tentang rasa seseorang, tentang apa yang paling dia sukai. Terdapat artis yang, lebih daripada segala-galanya di dunia, menyukai ketepatan yang sempurna, bertele-tele, dan kecil yang mengelilingi mereka. Semua kehidupan berjalan pada sel yang diukur, dan Allah melarang untuk memindahkan sesuatu dalam apartmen mereka dari tempat yang ditetapkan. Seseorang boleh menjadi baik dan juga mampu dalam skala yang agak besar dalam hal ehwal di teater dan di rumah. Tetapi kebejatannya yang menyedihkan muncul di hadapannya di mana-mana. Jika najis diletakkan di atas pentas satu sentimeter lebih jauh atau lebih dekat, jika tirai pada tingkap tidak jatuh tepat di sepanjang garis yang ditunjukkan, artis atau pengarah pesanan ini dapat mematikan sepenuhnya dari seni dan terjun ke dalam kerengsaan kehidupan seharian. Rasa menentukan bukan sahaja kehidupan luaran, tetapi juga seluruh kehidupan dalaman seseorang, dorongan-dorongan di mana sama ada keperluan kecil, bersyarat, atau organik untuk emosi yang tinggi berlaku. Agar artis mencapai keadaan sedemikian apabila di luar bingkai penonton melihat pencipta dalam ekstasi - melalui sedar jatuh ke dalam kreativiti bawah sedar - untuk ini artis mesti mempunyai rasa untuk kecantikan, rasa yang mencipta hidupnya bukan sahaja dari biasa, diperlukan dalam kekuatan hari yang mudah, tetapi juga dari ketegangan heroik, tanpanya kehidupan tidak manis untuknya, dan pentas, sebagai arena kreativiti, tidak dapat diakses. Rasa membawa seseorang melalui semua halangan dalam kehidupan seharian, melalui semua tabiat borjuasi kecil yang nampaknya menjadi keperluan utama orang awam. Dan hanya kerana rasa itu mendorong seseorang artis kepada yang cantik, dia boleh mencapai semangat itu, dorongan yang meningkat itu, di mana dia berjaya merasakan dirinya dalam keadaan: "Saya adalah peranan", dan dengan berani berkata kepada penonton: "Saya pagi." Ini semua adalah kedalaman jiwa manusia yang menjadi asas kesinambungan seni hidup. Terdapat masa yang menyedihkan apabila seni hidup pergi, dan ia digantikan dengan bentuk yang kering dan mati. Tetapi ia dihidupkan semula sebaik sahaja artis muncul yang cita rasa untuk hidup dalam seni membawa cinta mereka untuk melengkapkan pengabdian tanpa pamrih kepadanya, kepada pemberian hati yang suci kepada perkhidmatan seni. Dalam sistem saya, di mana saya mengajar anda, saya berusaha untuk membawa anda dalam perjalanan penerokaan kuasa kreatif anda dalam diri anda. Saya mahu memecahkan stereotaip anda dan memberi anda permulaan kreativiti baharu, menyelamatkan artis daripada kematian. Selalunya seorang artis berfikir bahawa palet warnanya adalah jubah yang berkilauan dan berkilauan. Tetapi sebenarnya, ia hanyalah gaun persalinan lama, di mana anda boleh melihat banyak kotoran dengan cat yang tersebar ke semua arah dari setem yang usang. Saya berharap anda semua menyingkirkan semua lagu secepat mungkin dan sentiasa hidup dalam peranan anda. Sentiasa memakai baju hujan dengan perasaan dan pemikiran yang benar. Dengan melakukan ini, anda bukan sahaja akan memaksa penonton untuk memberi perhatian kepada semua yang berlaku di atas pentas, tetapi dalam semua lagu anda akan ada bunyi-bunyi pemikiran, dan saya akan memberitahu anda, bersama-sama dengan penonton: " Saya percaya."

PERBUALAN LIMA

Setiap orang yang ingin menjadi artis perlu menjawab tiga soalan: 1. Apakah yang dia maksudkan dengan perkataan "seni"? Jika di dalamnya dia hanya melihat dirinya sendiri, dalam beberapa kedudukan istimewa berbanding orang yang berjalan di dekatnya, jika dalam pemikiran tentang seni ini dia tidak berusaha untuk mendedahkan apa yang membimbangkannya di dalam, seperti jiwa yang hampir tidak sedar mengembara dalam kegelapan, tetapi mengganggu kekuatannya. kreativiti, tetapi semata-mata ingin mencapai kecemerlangan keperibadiannya; jika prasangka borjuasi kecil membangkitkan dalam dirinya keinginan untuk mengatasi halangan dengan kehendak hanya untuk membuka untuk dirinya sendiri jalan luaran kepada kehidupan sebagai seorang tokoh yang boleh dilihat dan kelihatan, pendekatan sedemikian terhadap seni adalah kematian manusia itu sendiri dan seni. Studio, merekrut kakitangan, mesti memahami dengan jelas siapa yang boleh dididik dan di atas siapa semua usaha pendidikan rohani tidak akan membawa kepada tujuan yang diinginkan, iaitu, kepada kelahiran kesedaran baru dalam artis, di mana kerja kreatifnya akan menjadi cara bekerja untuk kebaikan bersama. 2. Mengapakah seseorang yang telah memilih apa-apa jenis seni - drama, opera, balet, pentas bilik, seni cat atau pensel - memasuki cabang seni manusia dan idea apa yang dia mahu dan harus dibawa ke dalam cabang seni ini ? Jika dia tidak menyedari betapa banyak penderitaan, perjuangan dan kekecewaan yang akan dihadapinya, jika dia melihat hanya jambatan pelangi yang membawanya dengan inspirasi ke seberang bumi dan kehidupan di mana impian hidup, studio pasti mengecewakannya. Dari saat-saat pertama, pelajar mesti memahami bahawa kerja besar, kerja di bumi, demi bumi, dan bukan untuk itu, akan menjadi benang penuntunnya, nyala apinya, cahaya penuntunnya. Studio mesti mencari untuk setiap penyesuaian luarannya dan mengembangkan perhatian kepada kuasa yang hidup dalam dirinya. Tugas pertamanya ialah mengawasi kerja pekerja studio. Kerja pelajar yang tidak terkawal, yang dia sendiri gunakan untuk tugas seninya sendiri, sentiasa menjadi khayalan, sentiasa rangkaian prasangka, yang mana ia lebih sukar untuk keluar kemudian daripada memasukinya. Pelajar mesti tahu dari langkah pertama bahawa hanya kerja-hingga akhir, bukan sahaja "kerjaya" luar tetapi kerja hingga mati-akan menjadi jalan yang dia pilih untuk dirinya sendiri; buruh mesti menjadi sumber tenaga yang, dalam satu siri tugas yang paling menarik, studio mesti mengisi otak, hati dan saraf pelajar. 3. Adakah di dalam hati seseorang yang pergi ke teater sebegitu banyak kecintaan yang tidak terpadamkan kepada seni yang boleh mengatasi semua halangan yang pasti akan dihadapinya? Studio, menggunakan contoh hidup pengaruh pemimpinnya, harus menunjukkan bagaimana aliran cinta yang tidak dapat dipadamkan untuk seni dalam hati seseorang harus ditumpahkan ke dalam kerja hari itu. Dan karya kreatif ini boleh, mesti terbakar seperti api. Hanya apabila cinta manusia adalah minyak yang menyalakan api, barulah seseorang boleh berharap untuk mengatasi semua halangan yang menghalang kreativiti dan mencapai matlamat: seni tulen yang dibebaskan daripada konvensyen, yang dicipta oleh daya kreatif tulen yang dibangunkan dengan sendirinya . Hanya dengan itu seseorang boleh mencari fleksibiliti kehendak pelakon, gabungan bebas pemahaman yang mendalam tentang asas - butiran peranan - dan melalui tindakan, apabila cinta seni telah memenangi kesombongan, kebanggaan dan kebanggaan peribadi. Apabila pemahaman tentang keharmonian kehidupan pentas hidup dalam minda dan hati, barulah - dalam tindakan yang terasing daripada "Saya" - kebenaran nafsu dapat dibentangkan dalam keadaan yang dicadangkan. Studio harus memimpin, melalui latihan mengikut sistem saya, kepada penolakan "diri sendiri", kepada peralihan semua, perhatian integral kepada syarat-syarat yang dicadangkan oleh pengarang atau komposer untuk mencerminkan kebenaran nafsu di dalamnya. Ya, semua kuasa besar kehidupan akan menyelamatkan setiap studio daripada kebosanan dan kebodohan yang menetap di dalamnya. Segala-galanya kemudian binasa; maka lebih baik untuk menyuraikan studio, guru dan ahli studio, untuk memusnahkan keseluruhan mekanisme. Ini hanyalah rasuah pasukan muda, kesedaran yang diputarbelitkan selama-lamanya. Dalam seni, seseorang hanya boleh terpesona. Ia adalah, saya ulangi sentiasa, api cinta yang tidak dapat padam. Guru yang mengadu penat bukanlah guru, mereka adalah mesin yang bekerja untuk wang. Dia yang mendapat sepuluh jam belajar sehari dan tidak berjaya membakar cintanya di dalamnya, tetapi hanya kehendak dan tubuhnya, adalah seorang juruteknik yang sederhana, tetapi dia tidak akan pernah menjadi tuan, guru kader muda. Cinta itu suci kerana ia tidak pernah berkurang) apinya, walau berapa banyak hati yang dinyalakan. Sekiranya seorang guru mencurahkan kreativitinya - cinta, dia tidak perasan waktu bekerja, dan semua pelajarnya tidak menyedarinya. Jika guru itu memenuhi keperluan hidup, pelajarnya bosan, letih dan tumbuh-tumbuhan dengannya. Dan seni di dalamnya, abadi, wujud dalam setiap orang dan dalam setiap orang, hidup seperti cinta, tidak menembusi tingkap berdebu konvensyen hari itu, tetapi tetap membara di dalam hati. Setiap jam, setiap minit perpaduan guru dan pelajar seharusnya hanya kesedaran terbang, gerakan abadi; dalam rentak kehidupan. Perasaan - pemikiran - perkataan, sebagai imej rohani pemikiran, harus sentiasa menjadi manifestasi kebenaran, undang-undang keupayaan untuk menyampaikan fakta sebagaimana seseorang melihatnya. Kejujuran dan cinta adalah dua jalan yang membawa seni ke dalam irama sepanjang hidup. Studio harus menghidupkan kebenaran dalam diri seseorang dan cintanya, membesarkan dan memupuknya dengan teliti. Dan untuk membawa pemerhatian diri ke dalam laluan, studio mesti memperkenalkan pernafasan yang betul, postur badan yang betul, tumpuan dan kesedaran berjaga-jaga. Seluruh sistem saya berdasarkan ini. Di sinilah studio latihan harus bermula. Dan pelajaran pernafasan pertama harus menjadi asas untuk perkembangan perhatian introspektif di mana semua kerja dalam seni mesti dibina. Selalunya, sangat kerap saya bercerita tentang budi pekerti seorang pelakon. Mengapa saya sering memikirkan perkara ini? Kerana saya menganggap didikan pelakon itu juga merupakan salah satu elemen kreativiti. Ia diperbuat daripada apa dan apa yang harus kita maksudkan dengannya? Dalam bidang apakah ia bersentuhan dengan kreativiti, sebagai elemennya? Dengan "pendidikan" seorang pelakon, yang saya maksudkan bukan sahaja konglomerasi adab luaran, penggilap ketangkasan dan keindahan pergerakan yang boleh dibangunkan dengan latihan dan latihan, tetapi kekuatan pembangunan dua kali ganda, selari seseorang, hasil daripada dalaman. dan budaya luar, yang mencipta makhluk asli daripadanya. Mengapa saya menganggap adab sebagai detik penting dalam karya seorang artis sehinggakan saya menyebutnya sebagai salah satu elemen kreativiti? Kerana tidak seorang pun yang belum mencapai tahap kawalan diri yang tinggi dapat menyatakan semua ciri-cirinya dalam imej. Jika kawalan diri dan disiplin dalaman tidak membawa artis untuk menyelesaikan ketenangan sebelum kreativiti, kepada keharmonian di mana artis mesti melupakan dirinya sebagai seorang individu dan memberi laluan kepada lelaki peranan, dia akan melukis semua jenis yang digambarkan olehnya. dengan warna keasliannya. Dia tidak akan dapat mula bimbang secara kreatif tentang kehidupan peranan itu. Dalam setiap peranan, dia akan memindahkan peribadinya: kerengsaan, kedegilan, kebencian, ketakutan, kedegilan atau keragu-raguan, cepat marah, dll. Keharmonian yang mesti difikirkan oleh pelakon, iaitu, "Saya" kreatifnya, datang sebagai hasil daripada kerja penuh badan, kerja dan fikiran dan perasaan. Pelakon kreatif harus dapat memahami semua perkara yang paling hebat dalam eranya; mesti memahami nilai budaya dalam kehidupan rakyatnya dan mengenali dirinya sebagai unitnya. Dia mesti memahami ketinggian budaya, di mana otak negara bercita-cita, dalam peribadi orang sezamannya yang hebat.Jika artis tidak mempunyai daya tahan yang hebat, jika organisasi dalamannya tidak mewujudkan disiplin kreatif, keupayaan untuk menjauh dari peribadi, di manakah boleh mendapatkan kekuatan untuk memaparkan ketinggian kehidupan awam? Semasa saya menyediakan watak Shtokman, dalam lakonan dan peranan saya terpesona dengan cinta Shtokman dan keinginannya untuk kebenaran. Dari gerak hati, secara naluriah, saya datang kepada imej dalaman dengan semua cirinya, kebudak-budakan, rabun, yang bercakap tentang buta dalaman Shtokman terhadap maksiat manusia, kepada hubungan persahabatannya dengan anak-anak dan isterinya, kepada keceriaan dan mobiliti. Saya merasakan daya tarikan Shtokman, yang menjadikan setiap orang yang bersentuhan dengannya menjadi lebih suci dan lebih baik, mendedahkan sisi baik jiwanya di hadapannya. Dari gerak hati, saya juga datang ke imej luaran: ia secara semula jadi mengalir dari dalaman. Jiwa dan badan Shtokman dan Stanislavsky secara organik bergabung antara satu sama lain. Sebaik sahaja saya memikirkan tentang pemikiran atau kebimbangan Dr Shtokman, dan rabunnya muncul dengan sendirinya, saya melihat kecenderungan badannya ke hadapan, gaya berjalannya yang tergesa-gesa. Dengan sendirinya, jari kedua dan ketiga direntangkan ke hadapan, seolah-olah untuk mendorong perasaan, kata-kata, fikiran saya ke dalam jiwa lawan bicara ... Asas seluruh kehidupan dan kerja artis adalah ketidakupayaan untuk memisahkannya. "I" duniawi daripada "I" pelakon. Jika tidak selalu mudah bagi seorang pelakon untuk mendedahkan kepada penonton dan mencari bentuk luaran yang diperlukan untuk wataknya, maka ia sentiasa mudah untuk dia fahami, untuk menembusi kedalaman perpecahan, drama imej yang digambarkan, jika dia telah mencapai kawalan diri yang kreatif dan stabil. Semakin tinggi kawalan diri artis, semakin jelas dia akan dapat mempamerkan dorongan untuk kecantikan atau keinginan untuk jatuh, meningkat kepada ketegangan heroik atau dasar maksiat dan nafsu. Kekuatan pelakon, keupayaannya untuk bangkit kepada kepahlawanan perasaan dan pemikiran mengalir terus dari didikannya. Pendidikan, sebagai kawalan diri, sebagai prinsip kreatif dalam kehidupan seorang pelakon, berdiri pada ketinggian yang sama dengan unsur kreativiti - cinta kepada seni. Tidak kira betapa tingginya seorang artis dalam kreativiti, bukan sahaja budayanya, sebagai orang yang berpendidikan atau jahil, akan menjadi penghalang, tetapi juga keupayaannya untuk memasuki ketegangan heroik. Ia termasuk hanya mereka yang dapat mencari kawalan diri yang stabil sepenuhnya. Kawalan diri ini, sebagai elemen kreatif, datang kepada artis-artis yang nafsu peribadinya seperti iri hati, cemburu, persaingan, dahagakan keunggulan telah pun jatuh. Di tempat mereka berkembang semangat untuk seni, kegembiraan tidak mementingkan diri sendiri bahawa ada peluang untuk membawa impuls besar jiwa manusia dari pentas teater dan menunjukkan mereka, dan bukan diri anda kepada penonton. Pada masa itulah api dinyalakan dalam pelakon, yang menggabungkan dia dan auditorium menjadi satu keseluruhan. Kemudian artis itu menjadi bukan orang yang dipilih untuk seseorang, tetapi seorang anak lelaki yang diiktiraf oleh kaumnya, di mana setiap penonton mengenali bahagian terbaik dirinya, menderita atau menangis, bergembira atau ketawa, mengambil bahagian dengan sepenuh hati dalam kehidupan seorang orang yang berperanan. Apakah cara artis bekerja pada dirinya sendiri untuk mencapai kuasa ini: untuk menyatukan pentas dan auditorium menjadi satu keseluruhan? Dalam diri artis itu sendiri, budaya perasaan dan pemikirannya mesti disatukan. Kesedaran diri yang bersatu inilah yang memperkenalkan seseorang ke peringkat awal kreativiti. Bagaimanakah seseorang boleh memperoleh kesedaran bersatu ini yang datang dari cinta seni dan penguasaan diri? Adakah mungkin untuk mencapainya kerana saya berkata kepada artis: "Fikirkan seperti ini"? Adalah mustahil untuk meningkatkan kesedaran artis ke tahap yang lain dengan kehendak orang lain. Hanya artis yang berkembang secara harmoni boleh secara bebas, melalui pengalamannya sendiri, mencapai tahap kesedaran yang diperluaskan yang seterusnya dan tertinggi. Jadi apakah peranan semua orang, termasuk saya sebagai seorang guru, jika pengalaman seseorang dalam bidang ini tidak mengajar orang lain? Kami memerhati dalam semua cabang sains, teknologi, perubatan, bagaimana pengalaman sesetengah orang menjadi nilai turun-temurun berturut-turut generasi akan datang. Hanya dalam seni dan, mungkin, dalam kehidupan itu sendiri, orang tidak mahu menerima pengalaman orang tersayang yang dengan penuh kasih memberi amaran tentang khayalan dan ilusi. Saya berusaha untuk membawa anda ke dalam pemahaman yang lebih tinggi tentang kreativiti di atas pentas dan dalam kehidupan. Apa yang perlu saya lakukan untuk ini? Saya bukan sahaja harus menunjukkan kepada anda, artis, sifat perasaan kreatif dan unsur-unsurnya. Saya mesti membuang ke permukaan semua bijih yang saya perolehi dalam hidup saya, dan menunjukkan kepada anda bagaimana saya sendiri tidak mencapai keputusan dalam setiap peranan, tetapi mencari jalan yang sangat, iaitu, bagaimana saya menggali bijih saya. Dengan keseluruhan siri kelas dan latihan mengenai penumpuan, perhatian dan mewujudkan lingkaran kesunyian awam di dalamnya, saya membawa anda kepada pemahaman tentang dua baris utama dalam kreativiti: bekerja pada diri sendiri dan bekerja pada peranan. Sebelum saya mula memberi tumpuan kepada peranan tertentu, sebelum saya membuat bulatan perhatian, sebelum saya mula memasukkan ke dalamnya "keadaan yang dicadangkan" baru tertentu peranan yang diberikan kepada saya, saya sendiri mesti membebaskan diri saya daripada semua lapisan dan lapisan yang penting itu, tenaga harian, yang telah melekat pada saya hari ini, sehingga jam ini, apabila saya memulakan kerja saya. Sehingga saat ini saya hanya hidup sebagai ahli masyarakat ini atau itu, bandar ini atau itu, jalan, keluarga, dll. "Jika" saya tidak memutuskan rantai semua keadaan cadangan saya pada hari itu, "jika" saya jangan membebaskan diri saya daripada konvensyen saya supaya kesedaran bangun dalam diri saya: "Selain fakta bahawa saya adalah satu unit dari semua keadaan saya hari ini, saya juga satu unit seluruh alam semesta," maka saya tidak akan bersedia sepenuhnya untuk persepsi peranan, untuk mengenal pasti perasaan organik dan universal di dalamnya. Untuk mencurahkan kepada penonton tenaga yang tertumpu dalam peranan, adalah perlu untuk membuang semua tenaga yang dilahirkan hanya oleh keadaan hidup saya. Bilakah saya akan menyingkirkan segala-galanya dengan lebih mudah dan lebih mudah daripada keadaan bersyarat saya? Bagaimanakah saya akan memasukkan syarat cadangan baharu secepat mungkin? Dalam seni, "tahu" bermaksud dapat. Pengetahuan itu "secara umum", yang mengisi otak dengan pemerhatian dan membuat hati sejuk, tidak baik untuk pencipta artis, artis yang mengalami segala yang dirasai oleh wira peranannya.

PERBUALAN ENAM

Studio bukan tempat untuk peranan rawak. Anda tidak boleh datang ke sini dengan keinginan pada masa ini dan ini atau untuk keperluan ini dan ini, yang ditentukan oleh keadaan rawak, untuk memainkan peranan ini atau itu, kerana pada masa itu kehidupan yang bergerak menuju ke jalan buntu dan arahan pengarah mula diperlukan, dan oleh itu keinginan untuk melawat studio terhasil. . Seorang pelajar ialah seseorang yang melihat karya hidupnya dalam seninya, seseorang yang studio itu adalah keluarga. Apabila pelajar datang ke kelas, dia tidak boleh memikirkan hal ehwal peribadinya, kegagalan dan ujian hari itu; dia, sudah menghampiri studio, mesti beralih kepada pemikiran tentang kerjanya dan berusaha jauh dari mana-mana kehidupan lain. Memasuki studio, dia mesti memasukkan dirinya ke dalam lingkaran kecantikan, tinggi, pemikiran murni tentang kerjanya dan bergembira kerana ada tempat di mana dia boleh bersatu dengan orang yang berusaha untuk kecantikan seperti dirinya. Seorang pelajar adalah kesedaran seseorang yang berkembang, di mana idea cinta seni, menjadi prinsip panduan, meletakkan semua orang yang berkomunikasi dengannya bukan dalam keadaan kering - dari otak dan ketegangan, daripada pencarian falsafah - perpaduan, dan di mana pengetahuan mudah tentang keindahan dalam diri memberikan pengetahuan tentangnya pada setiap orang dan memperkenalkan rasa hormat dan muhibah bersama. Setibanya di studio, seseorang tidak seharusnya mengisi masa dengan perbualan kosong dengan rakan seperjuangan, tetapi ingat betapa berharganya masa yang berlalu dan tidak dapat dipulihkan pada masa muda itu, apabila tenaga kelihatan tidak dapat dihancurkan dan tiada penghujung kekuatan. Perhatian kepada setiap minit terbang! Perhatian kepada setiap pertemuan! Perhatian yang paling teliti terhadap keputusasaan dalam diri anda! Jika keputusasaan telah menguasai semangat seseorang hari ini, maka bukan sahaja hari ini, tetapi esok dan lusa, kajian kreatif telah gagal. Dengan semua kelakuannya semasa waktu bekerja di studio, pelajar itu sendiri mesti mengembangkan kualiti terbaik wataknya, dan di tempat pertama - ringan, keceriaan dan keceriaan. Lombong tragis, penampilan heroik, keinginan untuk mengembangkan dalam diri sendiri "gaya" luar peranan seseorang - semua ini adalah sampah teater yang sudah lapuk, yang sepatutnya dibuang dari pandangan artistik lama dahulu. Seseorang itu mesti hidup dalam diri dengan sepenuh perasaan dan fikiran dan sepanjang masa membina kesedaran baru yang bergema dengan catatan kemodenan. Ia adalah perlu untuk mengarahkan semua usaha anda ke kedalaman dan kesucian pemikiran anda, kepada kreativiti hati dalam setiap minit yang anda perlukan untuk menarik perhatian. Dan kemudian "lingkaran kesunyian awam", di mana artis mesti mencipta, akan sentiasa dicipta dengan mudah, gembira dan ringkas. Tabiat memberi perhatian kepada semua detik kehidupan di dalam dan di luar pentas akan menanamkan dalam diri pelajar pemerhatian secara sedar terhadap segala-galanya luaran dan dalaman. Dia akan memahami, secara beransur-ansur dan betul dibimbing oleh guru studio, bahawa untuk memulakan kreativiti, anda memerlukan: 1) perhatian, luaran dan dalaman, 2) muhibah, 3) kedamaian dan ketenangan yang lengkap dalam diri anda dan 4) keberanian. Jika studio dari langkah pertama tidak menghalang watak tidak masuk akal, dendam, histeria, iri hati dan permusuhan ahli studio, ia tidak akan melepaskan bukan sahaja artis yang hebat, malah tidak akan mencipta artis yang baik yang mampu menarik minat perhatian orang ramai terganggu. Semakin kuat lingkaran kesunyian awam artis, semakin tinggi perhatian dan pemikirannya tergesa-gesa, mencari yang cantik dalam dirinya dan orang-orang di sekelilingnya, semakin besar daya tarikan artis itu, semakin jauh getaran kreatifnya akan tergesa-gesa dan semakin kuat dia. kesan kepada auditorium. Studio harus mendedahkan satu demi satu rahsia kreativiti kepada pelajar dan yang pertama daripadanya: semakin berbakat dia sendiri, semakin banyak daya kreatif yang dia miliki, semakin luas jangkauan pemahaman rohani dalamannya, semakin cantik dia dapati dalam yang lain. Dan jika dia melihat banyak keindahan di sekeliling, jika perhatiannya menangkap beberapa nilai dalam setiap orang, lingkaran kreatifnya menjadi lebih kaya, lebih cerah daripada percikan tenaganya, lebih dan lebih luas keupayaannya untuk mencerminkan semua kehidupan di atas pentas. Batu penghalang yang paling berat untuk karya artis adalah kecenderungan untuk mengarahkan perhatian seseorang dengan cara yang sentiasa melihat keburukan jiran, kecacatan yang menonjol, dan bukan keindahan yang tersembunyi di dalamnya. Secara amnya, ini adalah sifat seni yang kurang berkemampuan dan kurang maju - untuk melihat di mana-mana, buruk, di mana-mana untuk melihat penganiayaan dan tipu daya, tetapi sebenarnya; sebenarnya, tidak mempunyai dalam diri sendiri kekuatan yang cukup berkembang yang indah untuk membezakan di mana-mana dan menyerapnya ke dalam diri sendiri. Oleh itu, imej mereka adalah berat sebelah dan tidak benar, kerana tidak ada orang tanpa kecantikan - anda hanya perlu merasakan dan memahaminya. Menukar perhatian dalaman anda, sukar pada mulanya, secara beransur-ansur menjadi kebiasaan. Kebiasaan - tidak serta-merta, tetapi secara beransur-ansur - menjadi ringan dan, akhirnya, cahaya menjadi cantik. Kemudian hanya yang cantik itu sendiri mula membangkitkan getaran tindak balas yang cantik dalam setiap orang, dan jalan ke pentas, sebagai cerminan kehidupan, sudah siap dalam artis. Tanpa persiapan diri yang mendalam dan sukarela, seseorang tidak boleh menjadi pelakon - pemantul nilai-nilai hati manusia. Anda sendiri mesti dapat membuka hati anda untuk semua pertemuan kehidupan, belajar untuk memberikan setiap daripada mereka perhatian kreatif anda, dan kemudian anda bersedia untuk imej wira permainan; ada jalan dalam artis, kuasa perwakilan sedia dalam suaranya, dalam gaya berjalannya, dalam tingkah lakunya, kerana perasaan yang betul sudah siap dalam dirinya, bukan sahaja pemikiran, tetapi juga hati bersedia untuk persepsi keseluruhan orang yang perlu digambarkan oleh diri sendiri. Pemikiran - perasaan - perkataan - melolong, seperti pada roller yang biasa, berguling ke perhatian kepada orang yang perlu digambarkan sekarang. Semua cinta bergerak kepada wira drama itu, dan dia menjadi tidak dapat dipisahkan daripada dirinya sendiri. Studio pada awalnya mesti menangani ketakutan dan keterujaan pelajarnya. Ia perlu dalam setiap kes individu dan dalam kajian am untuk menumpukan banyak jam untuk memerangi ini. Perlu dijelaskan bahawa semua pergolakan ini, semata-mata bertindak, datang dari kesombongan, kesombongan dan kesombongan, dari ketakutan menjadi lebih buruk daripada orang lain. Adalah perlu bagi artis untuk menunjukkan bahawa dia perlu melepaskan tenaga batinnya supaya mereka menjadi fleksibel dan mempunyai peluang untuk memikul tugas yang ditentukan oleh peranan pada masa ini. Kehausan untuk keutamaan, serta perasaan peribadi yang disebutkan di atas, mesti dihapuskan sebagai prasangka kasta. Semua orang adalah sama dalam studio. Semua adalah unit yang sama kreatif. Dan pelbagai bakat, yang memberi seseorang peluang untuk memainkan peranan pertama, yang lain yang kedua, adalah konvensyen luaran. Esok, data luaran seseorang mungkin berubah-ubah, dia mungkin jatuh sakit dan kehilangan mata, suara, atau menjadi lumpuh, dan daripada kekasih menjadi pelakon kelas kedua dalam peranan. Tetapi hanya watak dan pelbagai peranannya sahaja yang berubah. Adakah semangat dan bakatnya berubah? Jika dia telah menerima pukulannya dengan gembira, sebagai halangan yang telah ditakluki oleh cinta seninya, bakatnya mungkin berkembang lebih luas dan lebih mendalam, kerana PERBUALAN TUJUH

Penggemar surealisme dan hanya mereka yang menghargai masa lapang yang menyenangkan tidak boleh ketinggalan drama "The Crazy Life of Salvador Dali", yang akan ditayangkan di St. Petersburg pada bulan Februari. "VD" bercakap dengan pelakon utama Sergei Yankovsky mengenai pengeluaran, artis hebat dan seni kontemporari.

- Drama tentang pelukis hebat, pada pendapat saya, memerlukan pemandangan yang luar biasa ...

— Kami pada mulanya ingin membuat pengeluaran dengan penyelesaian visual yang menarik, itulah sebabnya pemandangan persembahan menarik kepada karya watak utama kami. Sesekali gambar muncul di atas pentas, tetapi ia tidak muncul sebagai ilustrasi. Watak-watak lukisan itu hidup dan mula berinteraksi dengan watak utama, mempengaruhinya.

- Dan apakah watak lukisan Dali yang muncul dalam drama itu?

- Guru pertamanya ialah Ramon Pichot, Paul Eluard, Hitler, Lenin, Vermeer's Lacemaker, Dr. Freud dan juga Gajah.

- Apa yang lebih penting untuk anda, lebih menarik dalam mengerjakan drama itu - karya Salvador Dali atau nasibnya?

“Nampaknya pada saya ia sangat saling berkaitan sehingga satu tidak dapat dipisahkan dari yang lain. Dalam proses menulis drama itu, saya tertarik dengan sesuatu yang lain: pembuatan mitos total, yang meluas ke semua bidang hidupnya. Buku-bukunya adalah campuran fiksyen dan kesusasteraan autobiografi. Selalunya, apabila dia menerangkan peristiwa yang berlaku, anda tiba-tiba menyedari bahawa ini adalah fiksyen, ini tidak pernah berlaku dan tidak mungkin. Sebagai contoh, Dali teringat bahawa ketika dia masih kecil, dia melihat gurunya, Rusia dan seorang gadis kecil dalam teater ilusi optik, yang, seperti yang dia tulis, adalah Gala. Ini, tentu saja, cantik, tetapi saya fikir pada masa itu dia tidak pernah mendengar tentang mana-mana Rusia.

— Semasa anda menulis drama itu, adakah anda tidak tergoda untuk menambah beberapa episod lagi, kononnya dari biografi Salvador Dali?

- Tidak, pertama sekali, tugasnya adalah untuk memotong semua yang tidak perlu dan tidak jatuh ke dalam surealisme di atas pentas. Percubaan untuk memindahkan surealisme dalam bentuk paling tulen ke pentas selalunya berakhir dengan penonton tidak memahami apa yang berlaku. Saya rasa penting untuk dapat bercerita dengan jelas.

— Adakah anda sendiri faham di mana kebenaran dan di mana fantasi artis?

- Peristiwa diketahui benar-benar tepat. Sebagai contoh, apabila bil dibawa kepadanya di sebuah restoran, dia, menulis cek, meletakkan autografnya, mengetahui bahawa cek ini tidak akan ditunaikan, kerana ia mengandungi tandatangan Salvador Dali sendiri, atau peristiwa yang lebih penting - contohnya. , pertemuan pertamanya dengan Gala. Fakta-fakta ini terdapat dalam buku yang berbeza, dan ia menjadi jelas apa itu. Merekalah yang menjadi asas persembahan.

Dali adalah seorang inovator dalam lukisan. Tidakkah anda ingin membawa sesuatu yang inovatif kepada bahasa teater produksi?

- Saya mahu bersembunyi di suatu tempat daripada inovasi moden. Mana-mana bahasa - teater atau sastera - pertama sekali, membayangkan perbualan seseorang dengan orang lain. Penulis bersama penonton. Perbualan ini mengandaikan bahawa seseorang akan menyampaikan beberapa maklumat kepada orang lain. Hampir semua seni kontemporari tidak berusaha untuk difahami oleh penonton biasa. Artis moden sering meletakkan keseluruhan risalah penjelasan di sebelah "karya" mereka. Membaca risalah ini, anda terkejut bahawa ia tiada kaitan dengan karya itu sendiri ... Inovasi sedemikian telah melanda semua bentuk seni, termasuk teater. Saya sebagai penonton tidak faham apa yang mereka bualkan. Oleh itu, saya tidak mempunyai matlamat untuk membuat persembahan yang inovatif, dalam erti kata moden, dan tidak akan pernah! Tugas seni adalah untuk menyampaikan pemikiran, perasaan, emosi - dan terutamanya yang positif.

- Emosi positif? Ia jarang berlaku dalam teater moden...

- Ini adalah benar. Saya suka apabila teater adalah percutian untuk penonton. Dan sekarang kita melihat percutian ini hanya dalam balet klasik, di mana muzik klasik berbunyi, di mana semuanya indah. Kenapa cuti ini tiada dalam teater drama?! Pada asasnya, semuanya diselubungi dalam beberapa jenis kegelapan. Semuanya suram, semuanya hitam atau, paling baik, kelabu. Semuanya buruk, atau lebih teruk lagi. Saya perhatikan bahawa pada pameran seni kontemporari - contohnya, dalam eksposisi yang dibentangkan di Manifesta 10 biennale atau di Erarta - tidak ada keindahan, tidak ada komponen yang dihargai sepanjang masa. Anda melihat lukisan moden - semuanya hodoh! Biarlah ia diiktiraf oleh sesetengah pengkritik sebagai cemerlang, tetapi ia masih hodoh. Penonton tidak mahu terjun ke dalam kegelapan, ke dalam segala-galanya yang hitam, menakutkan, suram dan, lebih-lebih lagi, kotor. Sekiranya seseorang itu sekurang-kurangnya sedikit dalam dirinya, maka adalah wajar baginya untuk berusaha untuk menerima emosi yang menyenangkan, caj positif dan menikmati keindahan. Stanislavsky pernah berkata, dan kami sentiasa mengulangi apa yang dia katakan: "Lebih mudah, lebih mudah, lebih tinggi, lebih menyeronokkan". Berikut adalah perkataan pertama yang sepatutnya digantung di setiap teater ... "

- Pada pendapat anda, teater itu sepatutnya menjadi hari cuti. Adakah ini bermakna persembahan itu tidak sepatutnya mempunyai garis dramatik, dan penonton tidak akan menjiwai watak-wataknya?

“Sudah tentu tidak. Dalam persembahan kami, penonton pasti akan menjiwai malah mungkin menangis di penghujungnya, terutamanya gadis-gadis. Dengan cuti yang saya maksudkan adalah menaikkan semangat manusia. Menonton filem yang menarik, bermain atau membaca buku memberi inspirasi kepada kami, kami berasa bersemangat. Apa yang tidak boleh dikatakan tentang seni moden: selepas melihat, anda ingin mencari tali, sabun dan tiang lampu. Saya sangat suka filem Franco Zeffirelli. Ambil yang paling terkenal - "Romeo dan Juliet", - semua yang berlaku di sana, kami anggap sebagai kisah agung tentang kuasa cinta yang luar biasa, dan bukan tentang bagaimana semua orang mati. Bukan tentang bagaimana Juliet menikam dirinya dengan pisau, menutup segala-galanya dengan darah, dan dia meminum racun dan menggeliat di atas lantai berhampiran kuburnya. Selepas filem ini, anda bertanya kepada diri sendiri soalan: "Adakah dalam diri saya?", "Bolehkah saya suka seperti itu?" Anda mengalami peningkatan, anda mula mencarinya dalam kehidupan seharian, untuk menghargai orang yang berada berdekatan. Ini adalah percutian sebenar!

Perbualan dengan Stanislavsky

(cakap #2)

Daripada Editor

Bahagian "Kerja seorang pelakon pada dirinya sendiri" dikhaskan untuk karya terbaik yang berkaitan dengan topik ini. Kami memutuskan untuk memulakan dengan pembentangan aktiviti K.S. Stanislavsky dengan Studio Opera Teater Bolshoi. Pertemuan guru dan pengarah teater yang hebat dengan pelajar studio berlangsung pada 1918-1920 dan dirakam oleh salah seorang pelajar terbaik K.S. - Concordia Antarova ("Dua Nyawa"). Dalam perbualan ini, nampaknya kami, etika teater K.S., yang pengetahuannya sangat penting untuk pelakon dan pengarah baru, diterangkan dengan luar biasa.

"Lebih mudah, lebih ringan, lebih tinggi, lebih menyeronokkan." Berikut ialah perkataan pertama yang sepatutnya tergantung pada setiap teater - kuil seni, jika teater begitu. Hanya cinta kepada seni, segala sesuatu yang tinggi dan indah yang hidup dalam diri setiap orang - hanya inilah yang harus dibawa oleh setiap orang yang memasuki teater ke dalamnya dan mencurahkan diri mereka seperti baldi air bersih, seribu daripadanya hari ini akan membasuh kotoran seluruh bangunan, jika semalam ia adalah tercemar nafsu dan tipu daya manusia.

Salah satu tugas awal mereka yang mencipta studio atau teater haruslah memberi perhatian kepada suasana di dalamnya. Adalah perlu untuk memastikan bahawa ketakutan dalam apa jua bentuk, dalam apa jua bentuk, menyelinap ke dalam studio dan memerintah di hati pekerja atau pelajarnya, supaya kecantikan menyatukan dan menawan mereka. Jika tidak ada idea perpaduan dalam keindahan, tidak ada teater yang benar, dan teater seperti itu tidak diperlukan. Sekiranya tidak ada pemahaman asas tentang diri sendiri dan seluruh kompleks kekuatan seseorang sebagai hamba yang menggembirakan tanah air, maka teater seperti itu juga tidak diperlukan - ia tidak akan menjadi salah satu unit kreatif di kalangan semua kuasa kreatif negara. Dari sini kita dapat memahami perkara yang penting - pemilihan kakitangan teater, sentiasa bahagian paling lemah dan paling sukar dalam kerja teater. Apabila pilihan dibuat berdasarkan naungan, dan bukan berdasarkan bakat dan watak, apabila seseorang diterima masuk ke studio atas dasar kenalan dan cadangan, ini bukan sahaja mengurangkan maruah teater, persembahan atau latihan, tetapi menanamkan kebosanan dalam diri mereka, dan kreativiti itu sendiri akan terbentuk dalam kes-kes ini, daripada pengganti dan bukan dari cinta sejati yang membakar dalam diri mereka yang datang untuk belajar.

Peraturan teater, di mana latihan dijalankan dengan beberapa pelakon sekaligus, tetapi sebahagian daripada mereka yang hadir bertindak, bekerja dengan mereka, dan selebihnya duduk, tidak mengambil bahagian dalam tugas yang sedang dianalisis, tidak bersatu secara dalaman dalam kerja kreatif, tetapi mengisi suasana dengan iri hati dan kritikan, adalah mustahil di studio, di mana semua orang adalah sama dalam kerja kreatif. Di studio, semua orang tahu bahawa hari ini atau esok, tetapi giliran mereka akan tiba, dan mereka memahami bahawa, mengikuti kerja rakan-rakan mereka, seseorang mesti hidup dalam masalah yang dianalisis dengan semua perhatian kreatif mereka. Menubuhkan kes di mana tidak ada rasa hormat terhadap seseorang - pelakon bawahan, di mana tidak ada kesopanan, mewujudkan suasana kemerosotan. Huru-hara kekasaran, yang membolehkan dirinya untuk meningkatkan gloss, tidak akan membawa kepada suasana kegembiraan dan ringan, di mana hanya budaya semangat dan pemikiran yang tinggi boleh berkembang. Hanya dalam suasana yang sederhana dan ringan, satu perkataan boleh muncul sebagai cerminan penuh keghairahan itu, keluhuran dan nilai yang harus dicerminkan oleh teater.

Waktu-waktu yang diluangkan oleh seorang pelakon di teater semasa latihan harus menjadikannya seorang yang sempurna - pencipta dalam seni, pejuang kecantikan dan cinta, yang dapat mencurahkan ke dalam hati pendengarnya seluruh makna perkataan dan bunyi. Jika, selepas latihan, telinga artis tidak berkembang dalam perasaan dan pemikiran terbaik mereka, jika wawasan mereka mempunyai skala kecil: "semasa saya berlatih, semuanya membawa saya pergi, dan ia jelas dalam hati saya", tetapi pergi dan sekali lagi jatuh ke dalam Cabotinisme dan kekasaran: "Saya seorang pelakon, saya seorang", yang bermaksud bahawa terdapat sedikit cinta sejati dan api di kalangan mereka yang mengetuai latihan.

Intinya tidak sama sekali dalam pelakon dan bukan dalam aksi, tetapi pada permulaan semua permulaan dalam kreativiti - dalam mengajar artis untuk mencari dalam dirinya sendiri pemahaman tentang nilai perkataan, untuk mengajarnya mengembangkan perhatiannya dan menarik secara introspektif. dia kepada sifat organik peranan, kepada sifat perasaan manusia, dan bukan untuk menilai dari luar tentang kesan tindakan tertentu, mempercayai bahawa seseorang boleh belajar memainkan perasaan ini atau itu. Hati hidup seorang seniman-orang yang hidup mesti diperkenalkan ke dalam rantaian tindakan dalaman dan luaran yang sentiasa berjalan selari dalam kehidupan; adalah perlu untuk membantunya, melalui keseluruhan siri penyesuaian, untuk membebaskan badan dan dunia dalamannya daripada semua pengapit, supaya dia dapat mencerminkan kehidupan permainan yang dimainkannya; adalah perlu untuk membawanya kepada kuasa perhatian sedemikian rupa sehingga keadaan bersyarat dan luaran tidak menghalangnya daripada memahami sifat organik nafsu manusia.

Ini adalah tugas studio, ini adalah cara di mana semua orang boleh dan mesti mengembangkan benih yang terletak di dalam dirinya dan mengubahnya menjadi kuasa yang bertindak seperti kecantikan. Tetapi semua orang boleh mencapai perkembangan ini jika dia suka seni. Dalam seni, seseorang hanya boleh memikat dan mencintai; tidak ada perintah di dalamnya.

Kepada
. Antarova

Perbualan dengan Stanislavsky

(cakap #5)

Setiap orang yang ingin menjadi artis perlu menjawab tiga soalan:

1. Apakah yang dia maksudkan dengan perkataan "seni"?

Jika di dalamnya dia hanya melihat dirinya sendiri, dalam beberapa kedudukan istimewa berbanding orang yang berjalan di dekatnya, jika dalam pemikiran tentang seni ini dia tidak berusaha untuk mendedahkan apa yang membimbangkannya di dalam, seperti jiwa yang hampir tidak sedar mengembara dalam kegelapan, tetapi mengganggu kekuatannya. kreativiti, tetapi semata-mata ingin mencapai kecemerlangan keperibadiannya; jika prasangka borjuasi kecil membangkitkan dalam dirinya keinginan untuk mengatasi halangan dengan kehendak hanya untuk mendedahkan jalan luaran kepada kehidupan sebagai tokoh yang boleh dilihat dan kelihatan, maka pendekatan seni sedemikian adalah kematian manusia itu sendiri dan seni.

2. Mengapakah seseorang yang telah memilih apa-apa jenis seni - drama, opera, balet, pentas bilik, seni cat atau pensel - memasuki cabang seni manusia dan idea apa yang dia mahu dan harus dibawa ke dalam cabang seni ini ?

Jika dia tidak menyedari betapa banyak penderitaan, perjuangan dan kekecewaan yang akan dihadapinya, jika dia hanya melihat jambatan pelangi, membawanya dengan inspirasi ke seberang bumi dan kehidupan, di mana impian hidup, studio mesti mengecewakannya.

Studio mesti tahu dari langkah pertama bahawa hanya buruh - sehingga akhir bukan sahaja "kerjaya" luaran, tetapi buruh sehingga mati - akan menjadi jalan yang dia pilih untuk dirinya sendiri; buruh mesti menjadi sumber tenaga yang, dalam beberapa tugas yang paling menarik, studio mesti mengisi otak, hati dan saraf pelajar.

3. Adakah terdapat kecintaan yang tidak terpadamkan kepada seni di dalam hati seseorang yang pergi ke teater yang dapat mengatasi semua halangan yang pasti akan timbul di hadapannya?

Studio, dalam contoh hidup kesan pemimpinnya, harus menunjukkan bagaimana aliran cinta yang tidak dapat dipadamkan untuk seni dalam hati seseorang harus ditumpahkan ke dalam perniagaan hari itu. Dan karya kreatif ini boleh, mesti terbakar seperti api. Hanya apabila cinta seseorang adalah minyak yang menyalakan api, barulah seseorang boleh berharap untuk mengatasi semua halangan yang menghalang kreativiti dan mencapai matlamat: dibebaskan daripada konvensyen, seni tulen, yang dicipta oleh kreatif tulen kuasa berkembang dengan sendirinya. Hanya dengan itu seseorang boleh mencari fleksibiliti kehendak pelakon, gabungan bebas pemahaman yang mendalam tentang asas - butiran peranan - dan melalui tindakan, apabila cinta seni telah memenangi kesombongan peribadi, cinta diri dan kebanggaan . Apabila pemahaman tentang keharmonian kehidupan pentas hidup dalam minda dan hati, barulah - dalam tindakan yang terasing daripada "Saya" - kebenaran nafsu dapat dibentangkan dalam keadaan yang dicadangkan.

Tetapi semoga semua kuasa besar kehidupan melindungi setiap studio daripada kebosanan dan kebodohan yang menetap di dalamnya. Segala-galanya kemudian binasa; maka lebih baik untuk menyuraikan studio, guru dan ahli studio, untuk memusnahkan keseluruhan mekanisme. Ini hanyalah rasuah pasukan muda, kesedaran yang diputarbelitkan selama-lamanya. Dalam seni, seseorang hanya boleh terpesona. Ia, saya ulangi, adalah api cinta yang tidak dapat dipadamkan. Guru yang mengadu penat bukanlah guru, mereka adalah mesin yang bekerja untuk wang. Sesiapa yang mendapat sepuluh jam kelas sehari dan gagal membakar cintanya di dalamnya, tetapi hanya kehendak dan tubuhnya, adalah seorang juruteknik yang sederhana, tetapi dia tidak akan pernah menjadi tuan, guru kader muda. Cinta itu suci kerana apinya tidak pernah meminta-minta walau sebanyak mana pun hati yang dinyalakan. Sekiranya guru mencurahkan kreativitinya - cinta, dia tidak perasan jam kerja, dan semua pelajarnya tidak menyedarinya. Jika guru itu memenuhi keperluan hidup, pelajarnya bosan, letih dan tumbuh-tumbuhan dengannya. Dan seni di dalamnya, abadi, wujud dalam setiap orang dan hidup dalam setiap orang sebagai cinta, tidak menembusi tingkap berdebu konvensyen hari itu, tetapi tetap membara di dalam hati.

Setiap jam, setiap minit perpaduan seorang guru dan pelajar seharusnya hanya menjadi kesedaran terbang, gerakan abadi dalam irama persekitaran.

Perasaan - pemikiran - perkataan, sebagai imej rohani pemikiran, harus sentiasa menjadi manifestasi kebenaran, undang-undang keupayaan untuk menyampaikan fakta sebagaimana seseorang melihatnya. Kejujuran dan cinta adalah dua jalan yang membawa seni ke dalam irama sepanjang hidup.

12 September 2013 tahun di pusat akhbar Teater Akademik Irkutsk berlaku Meja bulat berhak "Teater adalah kuasa yang melindungi seseorang daripada kekosongan moral, kesunyian sosial", yang membuka kitaran perbincangan masyarakat teater, disatukan oleh hala tuju yang sama - teater dan kemodenan.

Ini bukan kali pertama Festival Drama Kontemporari Vampilov telah mengumpulkan ahli filologi, penulis, wartawan, pengkritik sastera dan pengkritik teater untuk menjawab soalan tentang sifat dan kesan teater terhadap masyarakat, kaitan fungsi pendidikannya hari ini, misinya, hubungan dengan penonton dan penonton teater sedia ada, jangkaan, pilihannya. Pertemuan 2013 boleh dipanggil kesinambungan daripada ceramah perayaan yang sedia ada.

Elena Streltsova, pengkritik teater, calon kritikan seni:

"Kerja teater sama ada kepada kemusnahan, dan hanya pragmatisme yang sesuai di sini: hanya material, hanya wang, hanya keuntungan, oleh itu kehidupan berterusan perusahaan, yang dari dalam sebahagian besarnya memusnahkan sifat ensemble teater. Sebaliknya, yang kini direndahkan ialah sisi rohani teater. Semua perkataan dinodai hari ini: didikan, misi, yang bahkan mustahil untuk dikatakan dengan intonasi biasa - semua orang mula mengejek, menyeterika ...

Sekarang semua orang mengulangi program ideal teater yang dilihat oleh Stanislavsky. Empat perkataan: "lebih mudah, lebih mudah, lebih tinggi, lebih menyeronokkan." Dan jelas bahawa ia lebih menyeronokkan dan lebih mudah - itu sahaja, tetapi lebih mudah dan lebih tinggi - ia sukar, dilupakan, difitnah. Tidak boleh ada perdamaian di sini, mungkin sama ada-atau, tidak ada cara ketiga. Sama ada anda mengambil satu pihak, sisi sinis dan pragmatisme, atau anda mengambil tangga yang membawa ke atas. Ia jauh lebih sukar. Dan masanya sekarang, mungkin bukan untuk ini, tetapi kita mesti melawan, entah bagaimana keluar.

Pengkritik teater Vera Maksimova, hos meja bulat:

“Anehnya, saya juga ingin membincangkan frasa ini. Komuni itu sendiri, dan sekurang-kurangnya hak kecil untuk kreativiti, memberikan kebahagiaan yang begitu besar. Anda lihat, penekanan adalah pada "lebih mudah dan lebih menyeronokkan." Kemudahan, tentu saja, adalah kualiti genius yang sangat diperlukan. Tidak ada kelas berat, genius yang berpeluh. Vakhtangov adalah ringan, kata Nemirovich. Apakah persembahan itu? Tentang hidup dan mati. Lagipun, adalah satu kesilapan bahawa selama bertahun-tahun kami mengukur Vakhtangov di Turandot. "Turandot" adalah satu-satunya persembahan yang menyeronokkan, walaupun dalam "The Wedding" terdapat wabak, dan di Chekhov dia seolah-olah mengalami wabak, dan dia teragak-agak hanya satu tema utama - hubungan hidup dan mati. Dia seorang yang gemuk. Saya tidak tahu betapa dia seorang Kristian, sama ada dia percaya kepada keabadian. Persembahan suram, persembahan falsafah, genre kegemarannya adalah tragedi, dan pada masa yang sama dia benar-benar ringan dalam fantasinya, ringan dalam komposisinya, pembinaan, cahaya dalam pelakon. Dia sangat menghargai kecantikan. Apa yang umumnya tidak diingati hari ini ialah soal kecantikan, kesan kecantikan dan fungsi pendidikan kecantikan. Inilah Vakhtangov untuk anda. Jadi apakah perkara yang paling berharga dalam empat ini untuk saya - "lebih tinggi".

Juga, dalam format Meja Bulat, isu-isu lain dibangkitkan, seperti hubungan antara teater dan agama, adakah terdapat perjuangan hari ini antara teater pegun (teater repertori) dan teater baru, apa yang diajar oleh teater baru, apa yang teater baru menggerakkan seseorang, apakah pengaruhnya, apakah misi pemimpinnya.

Gambar: Anatoly Byzov