ศิลปินชาวฟินแลนด์และภาพวาดของพวกเขา ศิลปินชาวฟินแลนด์

หลายปีที่ผ่านมามีความเชื่อกันว่าภาพเหมือนของหลานชายของอเล็กซานเดอร์ที่ 3 ที่วาดโดยอัลเบิร์ต เอเดลเฟลต์ สูญหายหรือถูกทำลาย ภาพถ่าย: “Erkka Mikkonen / Yle .”

นักวิจารณ์ศิลปะชาวฟินแลนด์บังเอิญค้นพบงานที่หายไปของ Albert Edelfelt ในคอลเล็กชันของพิพิธภัณฑ์ประจำภูมิภาคของรัสเซีย ผู้วิจัยต้องการนำภาพวาดไปจัดแสดงที่ประเทศฟินแลนด์

ผืนผ้าใบของจิตรกรชาวฟินแลนด์ชื่อดัง Albert Edelfelt (1854-1905) ซึ่งถือว่าหายไปหลายปีถูกพบในรัสเซียในพิพิธภัณฑ์ Rybinsk นักวิจารณ์ศิลปะชาวฟินแลนด์ Sani Kontula-Webb พบภาพวาดที่วาดในปี 1881 โดยใช้เครื่องมือค้นหาทางอินเทอร์เน็ต

- ฉันเห็นงานโดยบังเอิญ แต่ฉันระบุได้เพราะก่อนหน้านี้ฉันศึกษาหัวข้อนี้อย่างละเอียดถี่ถ้วน

Kontula-Webb จบการศึกษาจากสถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เห็นภาพสเก็ตช์ของงานนี้ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะ Ateneum ในเฮลซิงกิ ด้วยความช่วยเหลือของภาพร่างจึงเป็นไปได้ที่จะสร้างเอกลักษณ์ของเด็ก ๆ ที่ปรากฎในภาพเหมือน: เหล่านี้เป็นหลานชายของซาร์อเล็กซานเดอร์ที่สามของรัสเซีย หนึ่งในภาพสเก็ตช์ Edelfelt ระบุชื่อของพวกเขา

หนุ่มผมยาวในภาพแต่งตัวตามแฟชั่นปลายศตวรรษที่ 19 ในพิพิธภัณฑ์ Rybinsk เชื่อกันว่ามีเด็กผู้หญิงอยู่บนนั้น เจ้าหน้าที่พิพิธภัณฑ์รู้สึกยินดีกับข้อมูลใหม่เกี่ยวกับภาพวาด

“เราคิดว่าพวกเขาเป็นผู้หญิง แต่กลับกลายเป็นว่าลูกชายของแกรนด์ดุ๊ก วลาดิมีร์ บอริส และคิริลล์ ปรากฎตัว” รองผู้อำนวยการเซอร์เกย์ โอฟเซียนิคอฟ กล่าว

ภาพเล่าถึงการติดต่อของเอเดลเฟลต์กับราชวงศ์

งานนี้รวมอยู่ในคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ Rybinsk หลังการปฏิวัติ ตามลายเซ็นที่ด้านหลังของภาพวาด ก่อนหน้านี้เคยอยู่ในวังวลาดิมีร์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ความสำคัญเพิ่มเติมในการค้นหานั้นมาจากข้อเท็จจริงที่ว่ารูปภาพบ่งบอกถึงการติดต่ออย่างใกล้ชิดของศิลปินชาวฟินแลนด์กับเมืองในเนวาและราชวงศ์

“บางที ภาพบุคคลนี้มีความชัดเจนจากมุมมองของการพัฒนาอันยอดเยี่ยมในอาชีพการงานของเอเดลเฟลต์ในราชสำนัก” คอนทูลา-เวบบ์กล่าว

ต่อจากนั้น Edelfelt วาดภาพเหมือนของลูก ๆ ของ Alexander III, Mikhail และ Xenia รวมถึงภาพวาดของซาร์นิโคลัสที่ 2 แห่งรัสเซียคนสุดท้าย

ความสัมพันธ์ของศิลปินฟินแลนด์กับรัสเซียยังไม่ค่อยมีการค้นคว้า

ครั้งหนึ่ง Edelfelt ได้รับความนิยมในรัสเซีย ผลงานของเขาถูกเก็บไว้ในคอลเล็กชั่นของทั้งอาศรมเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและพิพิธภัณฑ์มอสโกพุชกิน

วันนี้ Edelfelt เช่นเดียวกับศิลปินคนอื่น ๆ ในยุคทองของภาพวาดฟินแลนด์ไม่เป็นที่รู้จักสำหรับผู้ชมชาวรัสเซีย นอกจากนี้ ในการศึกษาศิลปะของฟินแลนด์ ความสนใจไม่ได้มุ่งความสนใจไปที่การเชื่อมโยงระหว่างศิลปินชาวฟินแลนด์กับรัสเซียโดยเฉพาะ

Kontula-Webb กำลังเตรียมวิทยานิพนธ์เกี่ยวกับการเชื่อมโยงระหว่างสถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กกับชีวิตศิลปะของฟินแลนด์

- ฉันหวังว่าด้วยการค้นพบนี้ Edelfelt จะถูกพบอีกครั้งในรัสเซีย และในฟินแลนด์ พวกเขาจะจดจำความสัมพันธ์ที่สำคัญของศิลปินชาวฟินแลนด์กับรัสเซีย

Kontula-Webb ถามเจ้าหน้าที่ของพิพิธภัณฑ์ Rybinsk เกี่ยวกับความเป็นไปได้ในการนำภาพวาดที่ถือว่าสูญหายไปจัดแสดงในฟินแลนด์ รองผู้อำนวยการ Sergei Ovsyannikov รู้สึกเป็นบวกเกี่ยวกับแนวคิดนี้

- หากฟินแลนด์อยากได้ภาพนิทรรศการ เราจะทำทุกอย่างเพื่อให้โครงการประสบความสำเร็จ

อย่างไรก็ตาม ตาม Ovsyannikov สำหรับการเดินทางที่มีศักยภาพไปยังฟินแลนด์ ภาพวาดนั้นจำเป็นต้องได้รับการฟื้นฟู

อาคารอันงดงามตระหง่านของ Academy of Arts ประดับประดาเขื่อนของ Neva ระหว่างบรรทัดที่ 3 และ 4 ของเกาะ Vasilievsky เป็นอนุสาวรีย์สถาปัตยกรรมคลาสสิกที่ดีที่สุดแห่งหนึ่ง

ผู้เขียนโครงการคือ A.F. Kokorinov และ J.B. Delamot อิมพีเรียล "Academy of the Three Noble Arts" ("Kolmen paataiteen akatemia") - ภาพวาด ประติมากรรม และสถาปัตยกรรม - ก่อตั้งขึ้นในปี 1757 ในยุคของควีนอลิซาเบธ กว่าสองศตวรรษครึ่งของการดำเนินกิจกรรม สถาบันการศึกษาได้ฝึกอบรมปรมาจารย์ด้านวิจิตรศิลป์มาหลายชั่วอายุคน ไม่ว่าจะเป็นจิตรกร ประติมากร สถาปนิก ในหมู่พวกเขามีศิลปินที่ยอดเยี่ยมซึ่งมีผลงานนำเสนอในพิพิธภัณฑ์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กมอสโกและเมืองหลวงของยุโรปหลายแห่ง

สถาปนิกและประติมากร - ผู้สำเร็จการศึกษาจาก Academy สร้างและตกแต่งหลายเมืองในรัสเซียและต่างประเทศ ส่วนใหญ่ถูกสร้างขึ้นโดยพวกเขาในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ผลงานของพวกเขาอยู่ในฟินแลนด์เช่นกันเพราะเป็นเวลาหลายปีที่ Academy of Arts เป็นสถานที่สำหรับการสื่อสารระหว่างศิลปะรัสเซียและฟินแลนด์ ศิลปินชาวฟินแลนด์ที่ดีที่สุดได้รับรางวัล "นักวิชาการด้านวิจิตรศิลป์" ในหมู่พวกเขาคือ V. Runeberg, KG Nyustrem แต่ชื่อแรกควรตั้งชื่อว่า AZdelfelt

อัลเบิร์ต เอเดลเฟลต์ (Albert Gustaf Aristides Edelfelt, 1854-1905)

ปรมาจารย์ด้านจิตรกรรมประวัติศาสตร์ ภาพเหมือน ประเภทที่ใหญ่ที่สุด ศิลปินชาวฟินแลนด์คนแรกที่เป็นที่รู้จักในต่างประเทศ Albert "เกิดใกล้ Porvoo ในครอบครัวสถาปนิก เขาเรียนที่มหาวิทยาลัยเฮลซิงกิเป็นเวลาสองปีก่อนที่จะตัดสินใจอุทิศตัวเองให้กับการวาดภาพ เขาได้รับการศึกษาด้านศิลปะที่ Academy of Fine Arts ใน Antwerp และในปารีสที่ โรงเรียนวิจิตรศิลป์ ในปี พ.ศ. 2420-2523 Edelfelt ได้สร้างภาพเขียนเกี่ยวกับวิชาประวัติศาสตร์จำนวนหนึ่ง แต่แล้ว ศิลปินก็หันไปหาหัวข้อประเภทจากธรรมชาติซึ่งเขารักแผ่นดินเกิดและสนใจชีวิตคนธรรมดาอย่างชัดเจน ประจักษ์ นี่คือภาพวาด: "At the Sea", "Boys by the Water", "Women from Ruokolahti "," Washerwomen "," Fishermen from Distant Islands "

ในปี 1881 A. Edelfelt อาศัยและทำงานในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเป็นเวลานานสื่อสารกับศิลปินชาวรัสเซีย ในปี 1881 ศิลปินหนุ่มชาวฟินแลนด์ได้นำเสนอผลงานของเขาต่อศาลของสถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เขาประสบความสำเร็จอย่างมาก: เขาได้รับเลือกเป็นสมาชิกของสถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก มีการจัดนิทรรศการส่วนตัวสำหรับเขาใน Tsarskoye Selo หนึ่งในภาพวาดถูกซื้อโดยราชวงศ์ ผู้เขียนได้รับคำสั่งใหม่จากราชวงศ์ซึ่งทำให้เขามีชื่อเสียง

ในระหว่างที่เขาอยู่ใน Tsarskoye Selo ศิลปินได้รับการแนะนำให้รู้จักกับ Tsarevich Alexander และทำผลงานหลายชิ้นตามคำสั่งของเขาสำหรับพระราชวัง Gatchina โดยเฉพาะสำเนาภาพวาด At Sea ซึ่งในผลงานอื่น ๆ ของเขาถูกเก็บไว้ใน อาศรม ภาพสเก็ตช์ประจำวันของ Edelfelt: "เพื่อนที่ดี" และ "ในเรือนเพาะชำ" - Alexander III ก็ถูกซื้อเช่นกัน ภาพวาดเหล่านี้มีการทำซ้ำซึ่งอยู่ในพิพิธภัณฑ์ต่างประเทศ

ข้อดีของ Edelfelt คือการจัดนิทรรศการร่วมกันหลายครั้งในรัสเซีย ต้องขอบคุณประชาชนชาวรัสเซียที่คุ้นเคยกับผลงานของศิลปินชาวฟินแลนด์หลายคน

กิจกรรมหลักของ Edelfelt คือการวาดภาพเหมือน เขาทำงานอย่างหนักตามคำสั่งของราชสำนักโดยเฉพาะอย่างยิ่งการสร้างภาพเหมือนอย่างเป็นทางการ แต่สิ่งที่ดีที่สุดในการวาดภาพเหมือนของเขาคือ: "ภาพเหมือนของแม่ของศิลปิน" (1883), "Louis Pasteur" (1885), "Portrait of Larin Paraske" (1893), "Portrait of Aino Akte" (1901)

การนำเสนออย่างเป็นทางการและการติดต่อที่เป็นมิตรในระยะยาว

ศิลปินชาวฟินแลนด์คนแรกที่จัดแสดงที่ Imperial Academy of Arts เมื่อปลายศตวรรษที่สิบเก้าคือ Albert Edelfelt จิตรกร หลังจากการเดินทางไปยุโรปตะวันตกในปี 2424 ศิลปินหนุ่มชาวฟินแลนด์ได้นำเสนอผลงานของเขาต่อศาลของสถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เขาประสบความสำเร็จอย่างมาก - เขาได้รับตำแหน่งนักวิชาการ มีการจัดนิทรรศการส่วนตัวสำหรับเขาใน Tsarskoe Selo หนึ่งในภาพวาดถูกซื้อโดยราชวงศ์

ผู้เขียนได้รับคำสั่งใหม่จากราชวงศ์ซึ่งทำให้เขามีชื่อเสียง ความใกล้ชิดของศิลปินกับราชวงศ์ช่วยให้ภาพวาดฟินแลนด์เป็นที่นิยมในรัสเซีย ด้วยความนิยมและอำนาจของ A. Edelfelt ในรัสเซีย ศิลปะของฟินแลนด์จึงสะท้อนให้เห็นในนิทรรศการศิลปะร่วมกันระหว่างฟินแลนด์และรัสเซียในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโก โดยเริ่มด้วยนิทรรศการ Nizhny Novgorod ในปี 1882

ศิลปินชาวฟินแลนด์ในอาศรม

The Hermitage จัดแสดงภาพเขียนเจ็ดภาพโดย AEdelfelt และภาพวาดอีกจำนวนหนึ่ง นอกเหนือจากภาพวาด "At the Sea" ที่กล่าวถึงข้างต้น ซึ่งในเวอร์ชันแรกอยู่ในพิพิธภัณฑ์โกเธนเบิร์ก ควรสังเกตองค์ประกอบภาพในชีวิตประจำวัน "Kind Friends" (1881) ซึ่งทำซ้ำในเกเทบอร์กและเฮลซิงกิ ใกล้เคียงกับเธอในตัวละครและภาพวาด "ในเรือนเพาะชำ" (1885) ซึ่งซื้อโดย Alexander III สำหรับพระราชวัง Gatchina ผลงานที่เป็นประชาธิปไตยมากที่สุดชิ้นหนึ่งของเอเดลเฟลต์คือ The Washerwomen (1898, Hermitage) ซึ่งได้รับความเห็นชอบจากนักวิจารณ์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ประเภทของภาพเหมือนซึ่ง AEdelfelt มีความแข็งแกร่งเป็นพิเศษนำเสนอในอาศรมโดยภาพเหมือนของภรรยาของนักแสดงมอสโกอาร์ตเธียเตอร์ M.V. Dyakovskaya-Gay-Rot คอลเลกชัน Hermitage ยังมีตัวอย่างทักษะด้านภูมิทัศน์ของศิลปินชาวฟินแลนด์อีกด้วย นี่คือภาพวาด "วิวของปอร์วู" (1898) และการแกะสลัก "ต้นสนในหิมะ" ควรกล่าวว่างานของ AEdelfelt นั้นถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์เคียฟเช่นกัน - ภาพวาด "ชาวประมงจากเกาะห่างไกล" และในพิพิธภัณฑ์มอสโก AS Pushkin: "ภาพเหมือนของ Varvara Myatleva"

นอกจากนี้ Hermitage ยังมีภาพวาดโดย Juho Risanen, Eero Nelimark และ Henry Erickson

ศิลปินชาวฟินแลนด์ที่ St. Petersburg Academy of Arts

สถาปนิก K.G. Nyström (1856-1917) มีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อรูปลักษณ์ทางสถาปัตยกรรมของเมืองหลวงของฟินแลนด์ พอเพียงที่จะกล่าวถึงอาคารหรูหราของ House of Estates หอจดหมายเหตุแห่งรัฐ ที่ประดับประดาอยู่รอบ ๆ จัตุรัส Senate คุณสามารถจดจำอดีตศุลกากรและคลังสินค้าใน Katajanokka ซึ่งเป็นตลาดในร่มแห่งแรกที่ Kauppa-tori แต่มีเพียงไม่กี่คนที่รู้ว่าสถาปนิก KG.Nyustrem ยังทำงานในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กด้วย ตามการออกแบบของเขา อาคารคลินิกศัลยกรรมของสถาบันการแพทย์ตั้งอยู่ฝั่ง Petrogradskaya

Nystrom เป็นศาสตราจารย์ที่ Academy of Arts และได้รับตำแหน่งนักวิชาการด้านสถาปัตยกรรม

ศิลปิน J. Rissanen ได้รับการขนานนามว่าเป็นหนึ่งในพรสวรรค์ระดับชาติที่โดดเด่น แข็งแกร่ง และล้ำลึกที่สุดในการวาดภาพฟินแลนด์ในศตวรรษที่ผ่านมา เขาวาดภาพเหมือน ภาพวาดประเภทจากชีวิตพื้นบ้าน หลังจากเรียนที่โรงเรียนสอนการวาดภาพในเฮลซิงกิ เขาถูกส่งตัวไปเรียนที่สถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งเขาเรียนหลักสูตรภายใต้การแนะนำของ I.E. Repin ในปี 1897-98 การเรียนที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก การสื่อสารกับศิลปินชาวรัสเซีย และบรรยากาศของชีวิตสร้างสรรค์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เต็มไปด้วยความกระตือรือร้น ยกระดับงานของศิลปินให้สูงขึ้นไปอีก หลังจากนั้นเขาทำงานอย่างมีประสิทธิผลเป็นเวลาหลายปีทั้งในฟินแลนด์และต่างประเทศ ควรเล่ารายละเอียดเพิ่มเติมเกี่ยวกับการศึกษาและชีวิตของเขาในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ริสซาเนน จูโฮ (Julio Rissanen, 1873-1950)

Juho Rissanen เกิดในบริเวณใกล้เคียง Kuopio ในครอบครัวของคนงานในฟาร์ม เมื่อตอนเป็นเด็ก เขามีช่วงเวลาที่ยากลำบาก บางครั้งเขาก็ต้องขอทานเมื่อพ่อที่เมามายเสียชีวิต (ตัวแข็งตาย) ในปี ค.ศ. 1896 Juho Rissanen ได้เข้าเรียนในโรงเรียนอุตสาหกรรมศิลปะกลางแห่งการวาดภาพของ Finnish Art Society ในเฮลซิงกิ จากนั้นไปที่ Turku

เมื่อตอนเป็นเด็ก Rudolf Koivu เข้าเรียนที่โรงเรียนโบสถ์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งเขาเชี่ยวชาญด้านอักษรฟินแลนด์และรัสเซีย ตั้งแต่วัยเด็กเขาชอบวาดรูปและดึงดูดความสนใจของอาจารย์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เขาถูกส่งไปเรียน แต่เขาต้องหาเลี้ยงชีพ และในปี พ.ศ. 2450 R. Koivu ก็สามารถเรียนการวาดภาพต่อที่โรงเรียนการวาดภาพของสังคมคนรักศิลปะของฟินแลนด์ได้

ที่นั่นเขาเป็นนักเรียนของ Huto Simberg ผู้แต่ง "Wounded Angel" ที่มีชื่อเสียง H. Simberg สืบทอดมาจากอาจารย์ Gallen-Kallela ความเชื่อในจินตนาการและพลังลึกลับของธรรมชาติ จากนั้น Rudolf Koivu ได้ศึกษาที่ปารีสในปี 1914 และในปี 1924 ที่อิตาลี เมื่อกลับมาที่ฟินแลนด์ เขาเข้าร่วม "กลุ่มพฤศจิกายน" ของกลุ่มศิลปิน แต่ยังคงยึดมั่นในรูปลักษณ์ที่เหมือนจริงและวาดภาพภูมิทัศน์ของเขาในรูปแบบอิมเพรสชันนิสม์ที่สงบและจำกัด มีความสำคัญมากกว่าศิลปิน-จิตรกร Koivu เป็นนักเขียนแบบและนักวาดภาพประกอบ

เขาแสดงจินตนาการที่มีชีวิตชีวาและสดใสอย่างผิดปกติ เขาแสดงหนังสือเทพนิยายหลายสิบเล่ม รวมถึงหนังสือ "Reading to Children" ของฟินแลนด์ ภาษาเยอรมัน - "Tales of the Brothers Grimm" นิทานอาหรับเรื่อง "หนึ่งพันหนึ่งคืนของเชเฮราซ" เป็นต้น Koivu สนุกกับการวาดภาพประกอบหนังสือพิมพ์คริสต์มาส ปฏิทินฟินแลนด์ และสื่อสิ่งพิมพ์อื่นๆ พัฒนาตนเอง โดยได้รับอิทธิพลจากนักวาดภาพประกอบชาวรัสเซียเป็นหลัก ซึ่งเป็นรูปแบบที่มีประสิทธิภาพและตกแต่งอย่างสดใสหายาก อารมณ์ขันของเขาแสดงออกมานอกเหนือไปจากภาพและภาพวาดในเทพนิยาย เช่นเดียวกับในการ์ตูนที่ได้รับความนิยมจากคนรุ่นเดียวกัน น่าเสียดายที่คอลเลกชัน (คอลเลกชัน) ของภาพวาดและภาพวาดของเขาออกมาหลังจากที่เขาเสียชีวิตในปี 2490

คาร์ล อัลลัน ชูลมัน (1863-1937)

สถาปนิก ชายผู้มีพรสวรรค์และโชคชะตาที่สดใส Karl Allan ได้รับการศึกษาด้านสถาปัตยกรรมในประเทศฟินแลนด์ ในขณะที่ยังอยู่ระหว่างการศึกษา เขารู้สึกตื้นตันกับความคิดสร้างสรรค์ของนักคิดสมัยใหม่ชาวฟินแลนด์: E. Saarinen, G. Giselius, A. Lindren เขาถูกดึงดูดโดยความคิดของความทันสมัย เมื่อไม่ได้รับคำสั่งจากที่บ้าน สถาปนิกหนุ่ม K.A. Shulman ทำงานในต่างประเทศ: ในอาร์เจนตินา เยอรมนี ฮอลแลนด์ สวีเดน

เมื่อเขากลับมายังบ้านเกิดของเขา เขาได้รับโอกาสในการสร้างรีสอร์ท Khallila บนคอคอดคาเรเลียน ความสำเร็จของการก่อสร้างนี้ดึงดูดความสนใจของเขาในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในปีพ.ศ. 2444 ตรงข้ามกับโบสถ์ไอคอนของพระมารดาแห่งวลาดิเมียร์ สถาปนิก 88 คนเข้าร่วมการแข่งขัน เป็นผลให้เจ้าของบ้าน Baron von Besser มอบหมายให้ Schulman ก่อสร้าง อาคารสไตล์อาร์ตนูโวสูงหกชั้นประดับประดาจัตุรัสด้วยรสชาติที่เป็นเอกลักษณ์ ชั้นล่างเปิดโล่งพร้อมช่องหน้าต่างแสดงผลขนาดใหญ่

และชั้นบนมีห้องจัดแสดงที่ไม่ธรรมดา เหนือศูนย์กลางซึ่งมีป้อมปืนคล้ายกับหมวกของวีรบุรุษ รายละเอียดหินของอาคารทำจากหินกระถางของฟินแลนด์ พวกเขาให้รูปแบบศิลปะอาร์ตนูโวทั่วไปที่แสดงถึงพืชและสัตว์ เหนือทางเข้า - เสื้อคลุมแขนของเจ้าของ - Baron von Besser ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 บ้านหลังนี้เป็นที่ตั้งของห้องรับแขกของทำเนียบรัฐบาล เช่นเดียวกับสภาแรงงานสตรี ตอนนี้บ้านบน Vladimirskaya กำลังถูกสร้างขึ้นใหม่ จะเป็นส่วนหนึ่งของศูนย์การค้า Vladimirsky Passage

บ้านบน Vladimirskaya เป็นอาคารหลังเดียวในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กโดยหนึ่งในผู้ก่อตั้งโรงเรียน Northern Art Nouveau ของฟินแลนด์ซึ่งต่อมาแพร่หลายในเมืองหลวงทางตอนเหนือ

จากนั้นสถาปนิกของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กก็เป็นตัวแทนและพัฒนาโดย FLidval, N.V. Vasiliev, A.F. Bubyr สำหรับ K. Shulman เขาทำงานเป็นเวลาหลายปีในฐานะสถาปนิกประจำจังหวัดใน Vyborg ซึ่งเขาสร้างอาคารหลายชั้น 10 หลังในสไตล์นอร์เทิร์นอาร์ตนูโว นอกจากนี้ K.A. Shulman ยังเป็นบุคคลสำคัญในสหภาพสถาปนิกแห่งฟินแลนด์ ซึ่งทำหน้าที่เป็นผู้ควบคุมวงดนตรีมืออาชีพ กลุ่มนักร้องประสานเสียงภายใต้การนำของเขาประสบความสำเร็จในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ฟินแลนด์ และต่างประเทศ

โอเดิร์ต เซบาสเตียน กริเพนเบิร์ก (ค.ศ. 1850-1939)

Gripenberg Odert Sebastian สถาปนิก; เกิดที่เมืองคุคิโยกิ ลูกชายของพ่อแม่ผู้มั่งคั่งและสูงศักดิ์ Odert เรียนที่โรงเรียนนายร้อยใน Hamina และต่อที่ St. Petersburg Military Engineering Academy ที่นั่นเขาได้รับการฝึกอบรมการก่อสร้างทางทหาร แต่เกษียณจากกองทัพในปี 2418 เขาตัดสินใจที่จะเป็นสถาปนิกมืออาชีพ ในช่วงเวลานี้วิธีการสร้างใหม่เกิดขึ้นในสถาปัตยกรรมเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก การผสมผสาน - การใช้เทคนิคจากยุคก่อน: ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา, โกธิก, บาร็อค - รวมกับการค้นหารายละเอียดการตกแต่งใหม่สำหรับการประมวลผลด้านหน้าของอาคารหลายชั้น นั่นคืออาคารที่มีชื่อเสียงของ A.K. Serebryakov, P.Yu. Suzor, A.E. Belogrud

ในปี ค.ศ. 1878 กริเพนเบิร์กปกป้องประกาศนียบัตรด้านสถาปัตยกรรมที่ Ecole Polytechnique หลังจากนั้นเขาไปศึกษาที่เวียนนา ในปี พ.ศ. 2422-2530 เขาทำงานเป็นสถาปนิกในเฮลซิงกิ ผลงานชิ้นแรกของเขาสะท้อนถึงความกระหายในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและอิทธิพลที่ชัดเจนของอาจารย์เศส-ทรี ในอนาคตความปรารถนาที่จะมีการสลายตัวที่รุนแรงและการแบ่งปริมาตรของอาคารเป็นที่ประจักษ์ งานเหล่านี้เป็นงานเช่นการสร้างสมาคมนักเขียนชาวฟินแลนด์ ศูนย์ธุรกิจแห่งแรก จากนั้นอาคารเก่า "Helsingin Sanomat" ซึ่งเป็นอาคารของธนาคารออมสินตุรกุ

ในปีพ.ศ. 2430 เขาได้รับการแต่งตั้งเป็นหัวหน้าสถาปนิกของสำนักงานโยธา (โยธา) ก่อสร้าง ซึ่งในปี พ.ศ. 2447 เขาย้ายไปอยู่ที่วุฒิสภาในฐานะผู้อำนวยการหอการค้าและอุตสาหกรรม

กริพเพนเบิร์กเป็นหัวหน้าคณะกรรมการของ Finnish Theatre House Joint Stock Company และกรรมการบริหารในการสร้างอาคารโรงละครแห่งชาติ ตลอดจนประธานคณะกรรมการบริษัทประกันภัย Pohjola OS Gripenberg เป็นประธานคนแรกของสโมสรสถาปนิกชาวฟินแลนด์ในปี พ.ศ. 2435-2444 และเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งสมาคมช่างเทคนิคที่พูดภาษาฟินแลนด์

Akseli Gallen-Kallela

แซมมอน พูลัสตัส (1896)

ภาพประกอบสำหรับ Kalevala " ซัมโป ดีเฟนส์«.

ซัมโป(ครีบ. ซัมโป) - ในเทพปกรณัมคาเรเลียน-ฟินแลนด์ วัตถุเวทมนตร์ที่ไม่เหมือนใครซึ่งมีพลังวิเศษและเป็นแหล่งของความสุข ความเจริญ และความอุดมสมบูรณ์ ในมหากาพย์ "Kalevala" ผู้สร้าง Elias Lönnrot นำเสนอ Sampo เป็นโรงสี

Hugo simberg

ฮัลลา (1895)

ฮัลลา- นี่คือ น้ำแข็งถ้าฉันเข้าใจถูกต้อง เช่น ในฤดูร้อนตอนกลางคืนหรือตอนเช้า

ในแง่นี้ภาพถ่ายทอดภาพได้ดี

Helene schjerfbeck

ทอยปิลาส (1888)

toipilas — ฟื้นตัว

Hugo simberg

กุเลมัน ปูตารหะ —สวนมรณะ

ภาพวาดนี้มีหลายรูปแบบ ในภาพนี้ เป็นภาพเฟรสโกจากโบสถ์ในเมืองตัมเปเร

เด็กหญิงชาวฟินแลนด์แนะนำให้ฉันวาดภาพนี้ เมื่อฉันสังเกตว่ามันมืดมนแม้แต่กับฟินน์ที่มืดมน เธอตอบฉันอย่างอบอุ่น: "คนตายดูแลดอกไม้ - คนกลางทะเลทรายและเมื่อพวกเขาถูกบังคับให้ ตัดพวกเขาทำอย่างนุ่มนวลราวกับขอการให้อภัย ... "

Hugo simberg

ฮาโวตทูนุต เอ็นเคลี่ -นางฟ้าที่ได้รับบาดเจ็บ
(1903)

โครงเรื่องของภาพมีภูมิหลังทางประวัติศาสตร์ที่เป็นที่รู้จัก: อุทยาน Eleintarha (ตัวอักษร "สวนสัตว์") และอ่าวTöölöในเฮลซิงกิ ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 สวนสาธารณะเป็นสถานที่พักผ่อนหย่อนใจยอดนิยมสำหรับตัวแทนของอาชีพคอปกสีน้ำเงิน และสถาบันการกุศลก็ตั้งอยู่ที่นั่นด้วย ถนนที่ตัวละครเคลื่อนตัวได้ดำเนินมาจนถึงทุกวันนี้ ขบวนพาเหรดไปตามทางนั้นไปยังโรงเรียนสำหรับเด็กผู้หญิงตาบอดในสมัยนั้นและที่พักพิงสำหรับผู้ทุพพลภาพ

ภาพวาดแสดงให้เห็นเด็กชายสองคนแบกเปลหามนางฟ้าที่มีผ้าปิดตาและปีกที่มีเลือดออก เด็กชายคนหนึ่งจ้องไปที่ผู้ชมอย่างตั้งใจและมืดมนโดยตรง สายตาของเขาแสดงความเห็นอกเห็นใจต่อนางฟ้าที่ได้รับบาดเจ็บหรือการดูถูกเหยียดหยาม ทิวทัศน์เบื้องหลังนั้นรุนแรงและตระหนี่โดยเจตนา แต่ให้ความรู้สึกสงบ โครงเรื่องที่ไม่สำคัญเปิดพื้นที่สำหรับการตีความที่หลากหลาย เสื้อผ้าและรองเท้าที่หยาบของเด็กชาย ใบหน้าที่ขมวดคิ้วจริงจังของพวกเขานั้นตัดกับร่างที่เปราะบางของนางฟ้า สวมชุดสีสว่าง ซึ่งบ่งบอกถึงความขัดแย้งของชีวิตและความตาย เลือดบนปีกของนางฟ้าและผ้าปิดตาเป็นสัญญาณของ ความอ่อนแอและความชั่วคราวของการดำรงอยู่ แต่ทูตสวรรค์ถือช่อเกล็ดหิมะเป็นสัญลักษณ์ของการเกิดใหม่และการฟื้นตัว ชีวิตที่นี่ดูเหมือนจะใกล้ตาย เด็กชายคนหนึ่งหันไปหาผู้ชม ฉีกพื้นที่ลึกลับของภาพออกเป็นชิ้นๆ ทำให้เห็นชัดเจนว่าประเด็นของชีวิตและความตายเกี่ยวข้องโดยตรงกับพวกเขา ซิมเบิร์กเองปฏิเสธที่จะตีความเรื่อง The Wounded Angel โดยปล่อยให้ผู้ชมหาข้อสรุปของตัวเอง

ภาพวาดมีผลกระทบอย่างมากต่อวัฒนธรรมฟินแลนด์ การอ้างอิงถึงมีอยู่ในงานศิลปะชั้นสูงและเป็นที่นิยมมากมาย วิดีโอสำหรับเพลง "Amaranth" โดยวงดนตรีโลหะฟินแลนด์ Nightwish เล่นเพลง "Wounded Angel"

อัลเบิร์ต เอเดลเฟลต์

Pariisin ลักเซมเบิร์กin puistossa — ในสวนลักเซมเบิร์กแห่งปารีส.

Akseli Gallen-Kallela

อักกะจาคิสะ — หญิงชราและแมว

โดยทั่วไปแล้ว Gallen-Kallela ภาพวาดทั้งหมดเป็นผลงานชิ้นเอก นี่คือศิลปินระดับโลกอย่างแท้จริง

ภาพนี้วาดในลักษณะที่เป็นธรรมชาติอย่างเด่นชัด อย่างไรก็ตาม แม้จะไม่มีการประดับประดาก็ตาม ก็ยังเต็มไปด้วยความเห็นอกเห็นใจและความรักต่อผู้คนที่เรียบง่ายและยากจนที่สุด

ภาพวาดนี้ถูกซื้อโดยพิพิธภัณฑ์ศิลปะ Turku ในปี 1895 และยังคงอยู่ที่นั่น

คำ อัคคะฉันมักจะมีปัญหาในการแปล - ทั้ง "บาบา" และ "คุณย่า"

ที่นี่ฉันจะแสดงรสชาติเล็กน้อยและเพิ่มรูปภาพอื่น Helene schjerfbeck- ในภาษารัสเซีย เราอ่านชื่อเธอว่า Helena Schjerfbeck

และนี่คือแสงแห่งความอบอุ่น

จิตรกรรม พ.ศ. 2425 Tanssiaiskengät —รองเท้าเต้นรำ.

นี่อาจเป็นภาพยนตร์ฟินแลนด์ที่เศร้าที่สุดที่เคยมีมา อย่างน้อยในความคิดของฉัน

อัลเบิร์ต เอเดลเฟลต์

แลปเซ่น รุมมิสอัทโท — งานศพเด็ก(ตามตัวอักษรขบวนงานศพของเด็ก)

เป็นองค์ประกอบประเภทวิจิตรศิลป์ฟินแลนด์แห่งแรกที่ทาสีกลางแจ้ง มันกลายเป็นชิ้นส่วนของชีวิตจริงที่ศิลปินมองเห็นและจับได้ รูปภาพบอกเกี่ยวกับความเศร้าโศกของมนุษย์ Edelfelt พรรณนาถึงครอบครัวที่เรียบง่ายซึ่งถือโลงศพขนาดเล็กบนเรือ ภูมิทัศน์ที่โหดร้ายสอดคล้องกับอารมณ์ของผู้คนที่เห็นลูกของพวกเขาในการเดินทางครั้งสุดท้าย ในใบหน้าที่โศกเศร้าของพวกเขา การเคลื่อนไหวที่ยับยั้งไว้ - ความโศกเศร้าอย่างเคร่งขรึมสะท้อนโดยพื้นผิวสีขาวที่นิ่งเงียบของทะเลสาบ ท้องฟ้าที่หนาวเย็นสดใส ชายฝั่งต่ำที่อยู่ห่างไกล

งานศพของเด็กทำให้เขาได้รับตำแหน่งนักวิชาการและชิ้นส่วนนี้ถูกซื้อเพื่อเป็นของสะสมส่วนตัวในมอสโก ในเวลาเดียวกัน มีการจัดแสดงนิทรรศการส่วนตัวใน Tsarskoe Selo และ Edelfelt ถูกนำเสนอต่อ Alexander III และ Maria Fedorovna ผู้ชื่นชอบการวาดภาพเช่นกัน

ความใกล้ชิดของศิลปินกับศาลช่วยให้ภาพวาดฟินแลนด์เป็นที่นิยมในรัสเซีย เราสามารถพูดได้ว่า Edelfelt เป็นหนึ่งในผู้ค้นพบศิลปะของฟินแลนด์สำหรับรัสเซีย

ในปี พ.ศ. 2450 ภาพวาดดังกล่าวได้กลับไปยังฟินแลนด์และปัจจุบันอยู่ในพิพิธภัณฑ์ Ateneum ในเฮลซิงกิ

ในนามของฉันเอง ฉันจะให้คุณสังเกตว่าภาพนี้สื่อถึงทัศนคติของฟินน์ต่อความตายได้อย่างแม่นยำมาก (ซึ่งอนิจจาเป็นส่วนหนึ่ง ส่วนสุดท้าย ของชีวิตใด ๆ ก็ตาม) มันเข้มงวดมากและถูก จำกัด ที่นี่เช่นกันมีความแตกต่างจากรัสเซีย แต่ความเข้มงวดและความยับยั้งชั่งใจนี้ไม่ได้หมายความว่าพวกเขาจะไร้อารมณ์ เพียงแต่ว่าฟินน์นำพามันทั้งหมดไว้ในตัวพวกเขาเองอย่างลึกซึ้ง ลึกกว่าพวกเราชาวรัสเซีย แต่ความเศร้าโศกจากสิ่งนี้ไม่ได้หยุดเป็นความเศร้าโศกสำหรับพวกเขา

เป๊กก้า ฮาโลเน่

Tienraivaajia Karjalassa — คนสร้างถนนในคาเรเลีย

แท้จริงแล้ว มันจะเป็น "เครื่องล้างถนนในคาเรเลีย"

ไรวาตา- กริยาที่ดี: เคลียร์ทาง
ไม่รู้ว่าเขามีอะไรเหมือนกันกับคำว่า raivo — โกรธ, คลั่งไคล้

แต่ดูรูปนี้แล้วสรุปได้ว่าใช่

มีคุณลักษณะอื่นของฟินน์ในภาพ - ในอดีตพวกเขาต้องอาศัยอยู่ในสภาพแวดล้อมทางธรรมชาติที่ไม่เอื้ออำนวยอย่างยิ่งนั่นคือบางครั้งการต่อสู้อย่างดุเดือดเพื่อดำรงอยู่ของพวกเขาดังนั้นอาจเป็นความเพียรที่พวกเขาแสดงให้เห็นในการทำงานและความทุกข์ยาก . อย่างน้อยก็เป็นเช่นนั้นมาก่อน

Hugo simberg

อีกภาพวาดโดย Hugo Simberg คือ “ ฝัน«.

Simberg ได้รับการจัดอันดับอย่างถูกต้องในหมู่ Symbolists ภาพวาดของเขาเปิดกว้างอย่างมากสำหรับการตีความและการตีความ

และในขณะเดียวกัน ภาพวาดของเขาก็ยังมีสิ่งของชาติอยู่เสมอ

Akseli Gallen-Kallela

ปอยกาจาวาริ — เด็กชายและอีกา

(1884) โดยส่วนตัวแล้ว มีแต่ผู้ใหญ่เท่านั้นที่เรียนรู้ว่า อีกา (วาริส) ค่อนข้างพูดไม่ใช่เมีย/เมีย อีกา (คอร์ปปี้). ตามความเป็นจริงแล้วความสับสนดังกล่าวเกิดขึ้นได้เฉพาะในภาษารัสเซียเท่านั้น ตัวอย่างเช่นในภาษายูเครน นกกาคือ "คด" และอีกา ดังนั้นมันจะเป็น "อีกา" ในภาษาอังกฤษ คำว่า raven คือ "raven" และอีกาเรียกว่า "crow"

ตอนนี้ภาพเขียนอยู่ใน Athenaeum

อัคเซลี กัลเลน-คัลเลลา.

Lemminkäisen äiti — แม่ของเลมมินเกเนน
(1897)

ภาพวาดอยู่ใน Athenaeum, Helsinki

ภาพวาดอธิบายฉากจาก Kalevala ซึ่ง Lemminkäinen ถูกฆ่าตายและแยกส่วน และส่วนต่างๆ ของร่างกายถูกโยนลงไปในแม่น้ำ Tuonela อันมืดมิด แม่ของฮีโร่ที่มีคราดรวบรวมส่วนต่างๆ ของร่างกายลูกชายของเธอ และเย็บให้เป็นชิ้นเดียว ในภาพ เธอกำลังรอผึ้งตัวหนึ่ง ดังนั้นเธอจึงเงยหน้าขึ้นมอง ซึ่งจะนำน้ำผึ้งวิเศษจากเทพผู้อาวุโส Ukko ผู้ซึ่งต้องชุบชีวิต Lemminkäinen ขึ้นใหม่

นิทรรศการถาวรของพิพิธภัณฑ์ Athenaeumตั้งอยู่บนชั้นสามของอาคาร (มีการจัดแสดงนิทรรศการเฉพาะเรื่องขนาดเล็กที่นั่นด้วย) และนิทรรศการชั่วคราวจะจัดขึ้นที่ชั้นสอง (แบบแปลนชั้น) ในโพสต์นี้ เราจะบอกคุณเกี่ยวกับภาพวาดและประติมากรรมที่น่าสนใจและมีชื่อเสียงที่สุดในคอลเล็กชัน Athenaeum รวมถึงผู้แต่ง: ที่มีชื่อเสียง จิตรกรและประติมากรชาวฟินแลนด์. เรียนรู้เพิ่มเติมเกี่ยวกับประวัติของพิพิธภัณฑ์ Athenaeum และสถาปัตยกรรมของอาคารพิพิธภัณฑ์สามารถอ่านได้ นอกจากนี้ยังให้ข้อมูลที่เป็นประโยชน์เกี่ยวกับ ราคาตั๋ว เวลาเปิดทำการและขั้นตอนการเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์ Athenaeum ข้อควรสนใจ: เป็นไปไม่ได้ที่จะได้เห็นผลงานที่มีชื่อเสียงทั้งหมดในพิพิธภัณฑ์พร้อมกันเสมอไป

ประติมากรชาวฟินแลนด์

เรามาเริ่มเดินชมพิพิธภัณฑ์ Athenaeum จากทางเข้ากันเลยดีกว่า

ในล็อบบี้เราพบกับกลุ่มหินอ่อน " อพอลโลและมาร์เซียส"(2417) โดยประติมากรชาวฟินแลนด์ที่มีชื่อเสียง Walter Runeberg (วอลเตอร์ แม็กนัส รูนเบิร์ก) (1838-1920) ผู้เขียนอนุสาวรีย์ Johan Runeberg และ Emperor Alexander II ในเฮลซิงกิ พ่อของประติมากร กวี Johan Runeberg ซึ่งเป็นตัวแทนของกระแสวรรณกรรมแนวโรแมนติกระดับชาติ ได้แนะนำอุดมคติของอารยธรรมกรีกและโรมันในวัฒนธรรมฟินแลนด์ รวมถึงคุณค่าของความกล้าหาญและความจงรักภักดี ลูกชายของเขายังคงแสดงอุดมคติเหล่านี้ต่อไป แต่คราวนี้ด้วยการแกะสลัก ในปี พ.ศ. 2401-2562 Walter Runeberg ศึกษาในโคเปนเฮเกนที่ Academy of Arts ภายใต้การแนะนำของประติมากรชาวเดนมาร์ก Hermann Wilhelm Biessen นักเรียนของ Thorvaldsen ที่มีชื่อเสียงซึ่งเป็นปรมาจารย์ด้านประติมากรรมนีโอคลาสสิกที่เป็นที่ยอมรับในระดับสากล ในปี พ.ศ. 2405-2419 Runeberg ทำงานในกรุงโรมในขณะที่ศึกษามรดกคลาสสิกต่อไป

ในกลุ่มประติมากรรมนี้ Runeberg พรรณนาถึงเทพเจ้าแห่งแสงสว่าง Apollo ผู้ซึ่งเอาชนะ Marsyas เทพารักษ์ด้วยศิลปะของเขาซึ่งเป็นตัวเป็นตนความมืดและดิน ร่างของอพอลโลสร้างขึ้นด้วยจิตวิญญาณแห่งอุดมคติในสมัยโบราณ ในขณะที่มาร์เซียสผู้เลี้ยงแกะป่าบาโรกต่อต้านภาพนี้อย่างชัดเจน เดิมการจัดองค์ประกอบดังกล่าวมีจุดประสงค์เพื่อตกแต่งหอพักนักศึกษาแห่งใหม่ในเฮลซิงกิ และได้รับมอบหมายจากสังคมสตรี แต่แล้ว เห็นได้ชัดว่าผู้หญิงตัดสินใจว่ารูปปั้นของ Runeberg มีภาพเปลือยจำนวนมาก ไม่ทางใดก็ทางหนึ่งในที่สุดงานก็ถูกนำเสนอเป็นของขวัญให้กับสมาคมศิลปะแห่งฟินแลนด์ - และกลายเป็นว่าอยู่ในคอลเล็กชั่นพิพิธภัณฑ์ Ateneum

ที่ทางเข้าโถงนิทรรศการหลักของ Ateneum บนชั้นสาม คุณจะเห็นผลงานที่น่าสนใจอีกมากมาย ประติมากรชาวฟินแลนด์... ที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือประติมากรรมหินอ่อนและทองสัมฤทธิ์ รูปแกะสลักและแจกันอันวิจิตรงดงาม Ville Wallgrena (Ville vallgren) (1855–1940).วิลล์ วอลล์เกรนเป็นหนึ่งในประติมากรชาวฟินแลนด์คนแรกที่หลังจากได้รับการศึกษาขั้นพื้นฐานในฟินแลนด์แล้วจึงตัดสินใจเรียนต่อไม่ใช่ในโคเปนเฮเกน แต่ในปารีส การเลือกของเขาได้รับอิทธิพลจากจิตรกรชื่อดัง Albert Edelfelt ซึ่งเป็นชาว Porvoo ด้วย Edelfelt ช่วยเพื่อนร่วมชาติที่หุนหันพลันแล่นในชีวิตอื่นและเรื่องงานอาชีพ: ตัวอย่างเช่น ด้วยความช่วยเหลือของเขาที่ Vallgren ได้รับคำสั่งให้ดำเนินการน้ำพุ Havis Amanda ที่มีชื่อเสียง (1908) บนถนน Esplanade Boulevard

วิลล์ วอลล์เกรนที่อาศัยอยู่ที่ฝรั่งเศสมาเกือบ 40 ปี เป็นที่รู้จักจากหุ่นที่เย้ายวนของเขา ในสไตล์อาร์ตนูโว... อย่างไรก็ตาม ในช่วงเริ่มต้นของงาน เขามักจะวาดภาพชายหนุ่มและยึดมั่นในสไตล์คลาสสิกมากขึ้น (ตัวอย่างคืองานประติมากรรมหินอ่อนเชิงกวี " ก้อง"(1887) และ" เด็กชายกำลังเล่นกับปู"(1884) ซึ่ง Wallgren เชื่อมโยงตัวละครมนุษย์กับโลกธรรมชาติ)

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 Ville Vallgren ได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลกในฐานะปรมาจารย์ด้านประติมากรรมประดับตกแต่งที่โดดเด่น เช่นเดียวกับแจกัน โกศฝัง และกล่องหยดน้ำตา ซึ่งตกแต่งด้วยรูปปั้นเด็กผู้หญิงที่ไว้ทุกข์ แต่วอลเกรนยังมีความน่าดึงดูดใจไม่น้อยไปกว่ากัน ยังแสดงให้เห็นถึงความสุขของชีวิต รวมถึงผู้หญิงที่เจ้าชู้และเย้ายวน เช่น ฮาวิส อแมนด้า นอกจากรูปปั้นดังกล่าวแล้ว "Boy Playing with a Crab" (พ.ศ. 2427) ที่ชั้น 3 ของพิพิธภัณฑ์ Athenaeum ยังสามารถมองเห็นได้ งานบรอนซ์โดย Ville Wallgren: "Teardrop" (1894), "Spring (Renaissance)" (1895), "Two young people" (1893) และแจกัน (c. 1894) ผลงานอันวิจิตรงดงามเหล่านี้พร้อมรายละเอียดการตัดเย็บที่สมบูรณ์แบบเหล่านี้มีขนาดเล็ก แต่สร้างความประทับใจทางอารมณ์และเป็นที่จดจำในความงาม

Ville Wallgren เดินทางมาไกลสู่อาชีพประติมากร แต่เมื่อเขาได้ค้นพบแนวทางของตัวเองและขอความช่วยเหลือจากผู้เชี่ยวชาญ เขาก็กลายเป็นหนึ่งในศิลปินที่ได้รับการยอมรับและยอมรับในระดับสากลมากที่สุดในประวัติศาสตร์ ศิลปะฟินแลนด์... ตัวอย่างเช่น เขาเป็นฟินน์เพียงคนเดียวที่ได้รับเหรียญ "กรังปรีซ์" สำหรับงานของเขาที่งานนิทรรศการระดับโลกในปารีส (สิ่งนี้เกิดขึ้นในปี 1900) Wallgren ได้รับความสนใจจากเพื่อนร่วมงานและนักวิจารณ์ในช่วงงาน World's Fair ปี 1889 ซึ่งจัดแสดงการบรรเทาทุกข์ของพระคริสต์ อีกครั้งหนึ่งที่ประติมากรชาวฟินแลนด์ได้พูดถึงตัวเองในระหว่างร้านเสริมสวย Symbolist Paris โรส + ครัวซ์ในปี พ.ศ. 2435 และ พ.ศ. 2436 ภรรยาของ Wallgren เป็นศิลปินและประติมากรชาวสวีเดน Antoinette Roström ( Antoinette råström) (1858-1911).

ยุคทองของศิลปะฟินแลนด์: Albert Edelfelt, Akseli Gallen-Kallela, Eero Jarnefelt, Pekka Halonen

ในห้องโถงที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งบนชั้นสาม พิพิธภัณฑ์ Athenaeumนำเสนอภาพวาดสุดคลาสสิก รวมถึงผลงานของเพื่อนของ Ville Vallgren - อัลเบิร์ต เอเดลเฟลต์ (อัลเบิร์ต เอเดลเฟลต์) (1854-1905) ซึ่งเป็นที่รู้จักมากที่สุดในโลก ศิลปินชาวฟินแลนด์.

ความสนใจของผู้ชมจำเป็นต้องดึงดูดด้วยภาพเทพนิยาย " ราชินีบลังกา”(1877) - หนึ่งในภาพวาดที่ได้รับความนิยมและเป็นที่รักมากที่สุดในฟินแลนด์ซึ่งเป็นเพลงสวดของการเป็นแม่อย่างแท้จริง ภาพพิมพ์ซ้ำและงานปักของภาพวาดนี้มีอยู่ในบ้านหลายพันหลังทั่วประเทศ ที่มาของแรงบันดาลใจสำหรับ Edelfelt คือเรื่องราวของ Zacharias Topelius "The Nine Silversmiths" ( De nio silverpenningarna) ซึ่งราชินีในยุคกลางของสวีเดนและนอร์เวย์ Blanca of Namur ให้ความบันเทิงกับลูกชายของเธอ Prince Hakon Magnusson คู่สมรสในอนาคตของ Margaret I แห่งเดนมาร์กพร้อมเพลง ผลของการแต่งงานครั้งนี้จัดขึ้นอย่างยุติธรรม ราชินีบลังกากลายเป็นสหภาพของสวีเดน นอร์เวย์ และเดนมาร์ก - Kalmar Union (1397-1453) Pretty Blanca ร้องเพลงเกี่ยวกับเหตุการณ์ในอนาคตทั้งหมดเหล่านี้ให้ลูกชายตัวน้อยของเธอฟัง

ในยุคของการสร้างผืนผ้าใบนี้ ภาพวาดประวัติศาสตร์ถือเป็นรูปแบบศิลปะอันสูงส่งที่สุด และเป็นที่ต้องการของชนชั้นการศึกษาของสังคมฟินแลนด์ เนื่องจากเอกลักษณ์ประจำชาติในขณะนั้นเพิ่งเริ่มก่อตัวขึ้น Albert Edelfelt อายุเพียง 22 ปีเมื่อเขาตัดสินใจที่จะสร้างภาพวาดเกี่ยวกับประวัติศาสตร์สแกนดิเนเวียยุคกลาง และ "Queen Blanca" กลายเป็นงานที่จริงจังครั้งแรกของเขา ศิลปินพยายามที่จะตอบสนองความคาดหวังของประชาชนของเขาและรวบรวมฉากประวัติศาสตร์ให้เต็มตาและสมจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ (ในขณะที่เขียนภาพวาด Edelfelt อาศัยอยู่ในห้องใต้หลังคาที่คับแคบในปารีสและตามคำยืนยันของอาจารย์ Jean-Léon เจอโรมศึกษาเครื่องแต่งกายของยุคนั้น อ่านหนังสือเกี่ยวกับสถาปัตยกรรมและเฟอร์นิเจอร์ยุคกลาง และเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์คลูนีในยุคกลาง) ดูทักษะการใช้ไหมเป็นประกายของชุดราชินี หนังหมีบนพื้น และรายละเอียดอื่นๆ อีกมากมายถูกทาสี (ศิลปินเช่าหนังหมีโดยตั้งใจในห้างสรรพสินค้า) แต่สิ่งสำคัญในภาพ อย่างน้อยสำหรับผู้ชมยุคใหม่ (และสำหรับตัวเอเดลเฟลต์เอง ผู้รักแม่มากกว่าใครๆ ในโลก) ยังคงเป็นเนื้อหาทางอารมณ์ที่อบอุ่น: ใบหน้าของแม่และท่าทางของเด็กที่แสดงความรัก ความสุขและความใกล้ชิด

หญิงชาวปารีสอายุ 18 ปีแสนสวยคนหนึ่งเป็นนางแบบให้กับพระราชินีบลังกา และเด็กชายชาวอิตาลีแสนสวยถ่ายรูปให้เจ้าชาย จิตรกรรม "ราชินีบลังกา"ถูกนำเสนอต่อสาธารณชนครั้งแรกในปี พ.ศ. 2420 ที่ Paris Salon ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมากและได้รับการตีพิมพ์ซ้ำในงานศิลปะของฝรั่งเศส จากนั้นก็นำไปแสดงในฟินแลนด์หลังจากนั้นผ้าใบก็ขายให้กับ Aurora Karamzina ต่อจากนั้นภาพวาดก็จบลงที่คอลเล็กชั่นของมหาเศรษฐี Hjalmar Linder ผู้บริจาค พิพิธภัณฑ์ Athenaeumในปี 1920

อีกตัวอย่างหนึ่งของความคิดสร้างสรรค์ในยุคแรก อัลเบิร์ต เอเดลเฟลต์ในพิพิธภัณฑ์ Athenaeum มีภาพวาดที่น่าเศร้า " งานศพเด็ก"(" การขนส่งโลงศพ ") (1879) เราได้กล่าวไปแล้วว่าในวัยหนุ่มของเขา Edelfelt ตั้งใจจะเป็นจิตรกรประวัติศาสตร์ สำหรับสิ่งนี้เขาเตรียมตัวเองในขณะที่เรียนที่ Antwerp และในปารีส แต่ในช่วงปลายยุค 1870 อุดมคติของเขาเปลี่ยนไป เขากลายเป็นเพื่อนกับ Bastien-Lepage ศิลปินชาวฝรั่งเศส และกลายเป็นนักเทศน์ด้านจิตรกรรมบนอากาศ งานต่อไป Edelfeltได้สะท้อนชีวิตชาวนาและชีวิตของแผ่นดินเกิดตามความเป็นจริงแล้ว แต่งานศพของเด็กไม่ได้เป็นเพียงภาพสะท้อนจากชีวิตประจำวันเท่านั้น แต่ยังสื่อถึงอารมณ์ความรู้สึกพื้นฐานประการหนึ่งของมนุษย์ นั่นคือ ความเศร้าโศก

ในปีนั้น Edelfelt ได้ไปเยี่ยมกระท่อมที่แม่ของเขาเช่าในที่ดิน Haikko ใกล้ Porvoo เป็นครั้งแรก (ต่อมาศิลปินมาที่สถานที่ที่สวยงามเหล่านี้ทุกฤดูร้อน) ภาพวาดถูกทาสีอย่างสมบูรณ์ในที่โล่งซึ่งต้องติดผ้าใบขนาดใหญ่เข้ากับโขดหินชายฝั่งเพื่อไม่ให้กระพือปีกในสายลม “ฉันไม่คิดว่ามันยากนักที่จะทาสีกลางแจ้ง” Edelfelt บอกเพื่อนคนหนึ่งของเขา Edelfelt วาดภาพใบหน้าที่ผุกร่อนของผู้อยู่อาศัยในหมู่เกาะ Porvoo ออกทะเลกับชาวประมงมากกว่าหนึ่งครั้ง และแม้กระทั่งตั้งเรือประมงที่เลื่อยขึ้นเป็นพิเศษในโรงปฏิบัติงานของเขาเพื่อสร้างรายละเอียดที่แม่นยำ ภาพวาดเอเดลเฟลต์ « งานศพของเด็ก "ถูกจัดแสดงที่ Paris Salon ปี 1880 และได้รับรางวัลเหรียญที่ 3 (เป็นครั้งแรก ศิลปินฟินแลนด์ได้รับเกียรติดังกล่าว) นักวิจารณ์ชาวฝรั่งเศสตั้งข้อสังเกตถึงข้อดีต่างๆ ของภาพ รวมถึงข้อเท็จจริงที่ว่ามันไร้ซึ่งอารมณ์ที่มากเกินไป แต่สะท้อนถึงศักดิ์ศรีที่ตัวละครยอมรับสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้

ภาพที่เต็มไปด้วยอารมณ์ที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงกับแสงแดดและไร้กังวล อัลเบิร์ต เอเดลเฟลต์ « สวนลักเซมเบิร์ก"(1887). เมื่อ Edelfelt เขียนผ้าใบนี้ เขาเป็นบุคคลที่มีชื่อเสียงมากในโลกศิลปะปารีส ด้วยความหลงใหลในสวนสาธารณะในกรุงปารีสที่มีเด็กๆ และพี่เลี้ยงจำนวนมากเพลิดเพลินกับสภาพอากาศที่ดี เขาจึงตัดสินใจถ่ายภาพความงามนี้ เมื่อถึงเวลานั้น จิตรกรอาศัยอยู่ที่ปารีสมานานกว่าสิบปีแล้ว และเป็นเรื่องแปลกที่ภาพวาดนี้เป็นงานสำคัญเพียงงานเดียวของเขาที่พรรณนาถึงชีวิตชาวปารีส อาจเป็นเพราะการแข่งขันที่ดุเดือดในหมู่ศิลปิน: ในสภาพแวดล้อมเช่นนี้ การทำงานในวิชาฟินแลนด์ที่ "แปลกใหม่" จะทำให้มีความโดดเด่นได้ง่ายขึ้น ภาพวาด "สวนลักเซมเบิร์ก" ก็ผิดปกติเช่นกันโดยที่ Edelfelt ใช้เทคนิคการสร้างความประทับใจมากมาย ในเวลาเดียวกัน ซึ่งแตกต่างจากอิมเพรสชันนิสต์ เขาทำงานบนผืนผ้าใบนี้มานานกว่าหนึ่งปี ทั้งในที่กลางแจ้งและในเวิร์กช็อป การทำงานมักจะช้าลงด้วยเหตุผลเล็กน้อย เช่น สภาพอากาศเลวร้ายหรือรุ่นที่ล่าช้า Edelfelt ที่วิจารณ์ตัวเองซ้ำแล้วซ้ำเล่าได้ทำผ้าใบซ้ำแล้วซ้ำอีก ทำการเปลี่ยนแปลงจนวินาทีสุดท้ายเมื่อถึงเวลาต้องนำงานไปจัดแสดงในนิทรรศการ

ภาพวาดถูกแสดงครั้งแรกในนิทรรศการใน Galerie petitในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2430 Edelfelt เองไม่พอใจกับผลลัพธ์มากนัก: เทียบกับพื้นหลังของการระเบิดสีในภาพวาดของอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศสผ้าใบของเขาดูราวกับว่าเขาเป็นโรคโลหิตจาง "ของเหลว" อย่างไรก็ตาม งานนี้ได้รับการตอบรับอย่างดีจากนักวิจารณ์และสาธารณชน ต่อจากนั้น ภาพวาดนี้กลายเป็นสัญลักษณ์ของความสัมพันธ์อันแนบแน่นของศิลปะฟินแลนด์ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Edelfelt กับปารีส ซึ่งในเวลานั้นเป็นศูนย์กลางของจักรวาลศิลปะ

ภาพ " ผู้หญิงที่โบสถ์ในรัวโกลาติ"(2430) อัลเบิร์ต เอเดลเฟลต์เขียนในเวิร์คช็อปช่วงฤดูร้อนที่ Haikko - เขาสร้างงานเกือบทั้งหมดในหัวข้อชีวิตพื้นบ้าน แม้ว่าภาพวาดจะสะท้อนความประทับใจในการเดินทางไปฟินแลนด์ตะวันออก แต่ก็ทราบกันดีอยู่แล้วว่านางแบบสำหรับภาพวาดนั้นเป็นผู้หญิงจากไฮโก เช่นเดียวกับองค์ประกอบหลักอื่นๆ เพลงนี้ไม่ได้สร้างขึ้นในชั่วข้ามคืน มีการร่างภาพเบื้องต้นอย่างระมัดระวังเสมอ อย่างไรก็ตาม เป้าหมายหลักของศิลปินคือการบรรลุผล "สแนปชอต" ที่สดใสและเป็นธรรมชาติ

นอกจากผลงานของ Albert Edelfelt ใน Ateneum แล้ว คุณยังสามารถชมภาพวาดของตัวแทนยุคทองของศิลปะฟินแลนด์ได้อีกด้วย Eero Jarnefelt (Eero järnefelt) (พ.ศ. 2406-2480) หลังจากสำเร็จการศึกษาในฟินแลนด์แล้ว Jarnefelt ไปที่ เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่เขาศึกษาใน สถาบันศิลปะกับลุงของเขา Mikhail Klodt ได้ใกล้ชิดกับ Repin และ Korovin จากนั้นก็ไปศึกษาต่อที่ปารีส แม้จะมีอิทธิพลจากต่างประเทศ แต่งานของ Jarnefelt สะท้อนให้เห็นถึงการค้นหาเอกลักษณ์ประจำชาติความปรารถนาที่จะเน้นย้ำถึงลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมพื้นเมือง ( เพิ่มเติมเกี่ยวกับความคิดสร้างสรรค์ Eero Jarnefeltอ่าน ).

Jarnefelt เป็นที่รู้จักกันเป็นอย่างดีในฐานะจิตรกรวาดภาพเหมือนและเป็นผู้แต่งภูมิทัศน์อันงดงามตระการตาของพื้นที่ Koli และบริเวณใกล้เคียงกับทะเลสาบ Tuusulanjärvi ที่ซึ่งสตูดิโอ Suviranta วิลลาของเขาตั้งอยู่ (ถัดจากบ้าน Ainola ซึ่งนักประพันธ์เพลง Sibelius อาศัยอยู่กับภรรยาของเขา Järnefelt's น้องสาว).

แต่งานที่สำคัญและโด่งดังที่สุดของ Eero Jarnefelt ก็คือภาพวาดอย่างไม่ต้องสงสัย "ใต้แอก" ("เผาป่า")(1893) (รูปแบบอื่นของชื่อ - " ดัดหลังเพื่อเงิน», « แรงงานบังคับ") พล็อตของผืนผ้าใบเชื่อมโยงกับวิธีการทำนาแบบโบราณซึ่งประกอบด้วยการเผาไม้เพื่อให้ได้ที่ดินทำกิน (เรียกว่าเกษตรกรรมแบบเฉือนแล้วเผา) ภาพวาดถูกสร้างขึ้นในฤดูร้อนปี พ.ศ. 2436 ในฟาร์ม รันนัน ปุรุฬะในเมืองลาปินลาห์ตี แคว้นซาโวเหนือ ในปีนั้น น้ำค้างแข็งทำลายการเก็บเกี่ยวเป็นครั้งที่สอง Jarnefelt ทำงานในฟาร์มของครอบครัวที่ร่ำรวยและสังเกตสภาพความเป็นอยู่และการทำงานที่เลวร้ายของคนงานไร้ที่ดินซึ่งได้รับค่าจ้างสำหรับงานของพวกเขาก็ต่อเมื่อการเก็บเกี่ยวดีเท่านั้น ในเวลาเดียวกัน Järnefelt ได้วาดภาพภูมิทัศน์ของป่าที่กำลังลุกไหม้ ศึกษาพฤติกรรมของไฟและควัน และถ่ายทำภาพชาวบ้านด้วย ซึ่งท้ายที่สุดก็กลายมาเป็นตัวเอกของภาพเขียนของเขา

มีตัวละครเพียงตัวเดียวในภาพเท่านั้นที่มองผู้ชมโดยตรง: นี่คือเด็กผู้หญิงที่ขัดขวางงานของเธอชั่วคราวและมองมาที่เราด้วยการแสดงออกถึงการตำหนิ ท้องของเธอบวมด้วยความหิว ใบหน้าและเสื้อผ้าของเธอถูกเขม่าดำ และรอบศีรษะของเธอ Jarnefelt ก็มีควันคล้ายรัศมี ศิลปินวาดภาพนี้จากเด็กหญิงอายุ 14 ปีชื่อ Johanna Kokkonen ( Johanna kokkonen) คนรับใช้ในฟาร์ม ผู้ชายที่อยู่เบื้องหน้าคือ Heikki Puurunen ( เฮกกิ ปูรูเนน) น้องชายชาวนา โดยมีเจ้าของฟาร์มอยู่เบื้องหลัง

ดูภาพแล้วรู้สึกได้ถึงความร้อนของไฟ ได้ยินเสียงอู้อี้ของเปลวไฟและเสียงแตกของกิ่งก้าน ภาพมีการตีความหลายอย่าง แต่ความหมายหลักของภาพถูกมองว่าเป็นการวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงต่อผู้ถูกกดขี่ เด็กผู้หญิงในภาพได้กลายเป็นภาพโดยรวมของเด็กยากจนและหิวโหย ทุกคนด้อยโอกาสในฟินแลนด์ ผ้าใบถูกนำเสนอต่อสาธารณชนครั้งแรกในปี พ.ศ. 2440

ห้องโถงใหญ่ทั้งห้องใน พิพิธภัณฑ์ Athenaeumอุทิศให้กับผลงานของตัวแทนที่มีชื่อเสียงอีกคนหนึ่งของยุคทองของวิจิตรศิลป์ฟินแลนด์ - Axeli Gallen-Kallela (Akseli Gallen-Kallela) (1865-1931). เขาเรียนที่เช่นเดียวกับศิลปินชาวฟินแลนด์รายใหญ่ๆ ในยุคนั้น Gallen-Kallela ได้รับความสนใจเป็นพิเศษจากสาธารณชนชาวปารีสในช่วงงาน World's Fair ปี 1900 เมื่อเขาสร้างภาพเฟรสโกจำนวนหนึ่งสำหรับศาลาฟินแลนด์ตามมหากาพย์ Kalevala ของฟินแลนด์

ในระหว่าง อบรมที่ปารีส Gallen-Kallela มักร่างภาพฉากที่เขาสังเกตเห็นตามท้องถนนและในร้านกาแฟ ตัวอย่างของความคิดสร้างสรรค์ในยุคนี้คือภาพวาด "นู้ด" ("ไร้หน้ากาก") (Démasquee ) (1888) - เกือบจะเป็นภาพวาดอีโรติกเพียงงานเดียวในผลงานของ Gallen-Kallela เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่ามันถูกสร้างขึ้นโดยศิลปินวัย 23 ปี ซึ่งได้รับมอบหมายจากนักสะสมชาวฟินแลนด์และผู้มีพระคุณ Fridtjof Antell ผู้ซึ่งต้องการเพิ่มภาพวาดที่โจ่งแจ้งทางเพศลงในคอลเล็กชันของเขา อย่างไรก็ตาม เมื่อ Antell เห็นผ้าใบ เขาปฏิเสธที่จะรับมัน เห็นได้ชัดว่าภาพนั้นลามกอนาจารเกินไป แม้แต่กับรสนิยมของเขาเอง

ภาพวาดแสดงภาพผู้หญิงชาวปารีสเปลือย (เห็นได้ชัดว่าเป็นโสเภณี) นั่งอยู่ในสตูดิโอของศิลปินบนโซฟาที่ปูด้วยพรมฟินแลนด์แบบดั้งเดิม ภาพให้แนวคิดเกี่ยวกับไลฟ์สไตล์โบฮีเมียน แต่ในขณะเดียวกันก็บ่งบอกว่าความสุขของเขาเต็มไปด้วยความตายการล่มสลาย ศิลปินวาดภาพดอกลิลลี่ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความไร้เดียงสา ซึ่งตรงกันข้ามกับนางแบบที่เย้ายวนอย่างเด่นชัดและกีตาร์ ซึ่งมีรูปร่างที่ช่วยเพิ่มความรู้สึกเร้าอารมณ์ ผู้หญิงคนนั้นดูเย้ายวนและน่ากลัวในเวลาเดียวกัน ไม้กางเขน พระพุทธรูป และพรมเก่าของฟินแลนด์ รูยูปรากฏถัดจากเนื้อผู้หญิงใจแคบ บอกเป็นนัยถึงความเสื่อมทรามของนักบุญ กะโหลกยิ้มอยู่บนโต๊ะด้านหลัง ซึ่งเป็นองค์ประกอบที่พบบ่อยในภาพวาดประเภทวานิทัส เตือนให้ผู้ชมนึกถึงความเปราะบางของความสุขทางโลกและความตายที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ผ้าใบ Démasqueeถูกจัดแสดงครั้งแรกใน พิพิธภัณฑ์ Athenaeumในปี พ.ศ. 2436

หลายงานในภายหลัง Gallena-Kallelaอุทิศให้กับ “กาเลวาลา”... เมื่อวาดภาพวีรบุรุษของมหากาพย์ฟินแลนด์เช่น Väinämöinen และ Lemminkäinen ศิลปินใช้รูปแบบพิเศษ แข็งแกร่ง และแสดงออก เต็มไปด้วยสีสันสดใสเลียนแบบไม่ได้และเครื่องประดับที่มีสไตล์ จากรอบนี้น่าไปชมภาพอัศจรรย์” แม่ของเล็มมินไคเนน"(2440) แม้ว่ารูปภาพจะเป็นภาพประกอบของมหากาพย์ แต่ก็มีเสียงที่เป็นสากลและเป็นสากลมากกว่าและถือได้ว่าเป็น Pieta ทางเหนือ เพลงรักของแม่ที่ไพเราะจับใจนี้เป็นหนึ่งในเพลงที่ไพเราะที่สุดของกาลเลน-คัลเลลา กาเลวาลา».

แม่ของเล็มมินไคเนน- หนุ่มร่าเริง นักล่าที่ฉลาด และเจ้าเล่ห์ผู้หญิง - พบลูกชายของเขาที่แม่น้ำสีดำแห่งความตาย (แม่น้ำทูโอเนลา) ซึ่งเขาพยายามจะยิงหงส์ศักดิ์สิทธิ์ มีภาพหงส์ในน้ำที่มืดเป็นฉากหลัง กะโหลกและกระดูกกระจัดกระจายอยู่บนชายฝั่งที่เป็นหินและดอกไม้แห่งความตาย ใน "กาลวาลา" มีเรื่องเล่ากันว่าแม่หวีน้ำด้วยคราดยาว คราดเอาชิ้นส่วนทั้งหมดแล้วพับให้ลูกชายของเธอออกใหม่ ด้วยความช่วยเหลือของคาถาและขี้ผึ้ง เธอชุบชีวิตLemminkäinen ภาพวาดแสดงให้เห็นช่วงเวลาที่ก่อนการฟื้นคืนพระชนม์ ดูเหมือนว่าทุกสิ่งจะหายไป แต่แสงแดดส่องเข้าไปในอาณาจักรแห่งความตาย ให้ความหวัง และผึ้งก็นำยาหม่องศักดิ์สิทธิ์ที่ให้ชีวิตเพื่อการฟื้นคืนชีพของฮีโร่ สีเข้มและปิดเสียงช่วยเพิ่มความรู้สึกสงบของนรกในขณะที่มอสสีแดงเลือดเข้มข้นบนก้อนหิน ความขาวซีดของต้นไม้และผิวหนังของLemminkäinenตัดกับสีทองอันศักดิ์สิทธิ์ของผึ้งและรังสีที่ไหลลงมาจากสวรรค์ .

สำหรับภาพนี้ แม่ของเขาเองได้โพสท่าให้กับศิลปิน เขาสามารถสร้างภาพที่เหมือนจริงมากด้วยท่าทางที่มีชีวิตชีวาและเคร่งเครียด (นี่เป็นอารมณ์ที่แท้จริง: Gallen-Kallela พูดกับแม่ของเขาโดยเฉพาะเกี่ยวกับบางสิ่งที่น่าเศร้าซึ่งทำให้เธอร้องไห้) ในขณะเดียวกัน ภาพวาดก็มีสไตล์ที่แตกต่างออกไป ซึ่งช่วยให้คุณสร้างบรรยากาศในตำนานที่พิเศษได้ ความรู้สึกว่าเหตุการณ์กำลังเกิดขึ้น "อีกด้านหนึ่ง" ของความเป็นจริง เพื่อเพิ่มผลกระทบทางอารมณ์ Gallen-Kallela ใช้อุบาทว์แทนสีน้ำมัน รูปร่างที่เรียบง่าย โครงร่างที่คมชัด และระนาบสีขนาดใหญ่ช่วยสร้างองค์ประกอบที่ทรงพลัง เพื่อถ่ายทอดอารมณ์ที่มืดมนของภาพวาดได้ดียิ่งขึ้น ศิลปินได้จัดห้องสีดำสนิทในบ้านสตูดิโอของเขาใน Ruovesi ซึ่งเป็นแหล่งกำเนิดแสงเพียงแหล่งเดียวที่มีสกายไลท์ นอกจากนี้ เขายังถ่ายภาพตัวเองเปลือยอยู่บนพื้น และใช้ภาพเหล่านี้เมื่อวาดภาพเลมมินกอยเนน

อันมีค่าของ Gallen-Kallela “ ตำนานไอโนะ"(พ.ศ. 2434) องค์ประกอบนี้อุทิศให้กับเรื่องราวจาก "Kalevala" เกี่ยวกับเด็กสาว Aino และนักปราชญ์Väinämöinen Aino โดยการตัดสินใจของพ่อแม่ของเธอ จะแต่งงานกับ Väinämöinen แต่เธอหนีจากเขา เลือกที่จะจมน้ำตาย ด้านซ้ายของภาพอันมีค่าแสดงให้เห็นการพบกันครั้งแรกของชายชราและหญิงสาวในชุดคาเรเลียนในป่า และทางด้านขวา เราจะเห็นไอโนะผู้โศกเศร้า เตรียมจะโยนตัวเองลงไปในน้ำ เธอร้องไห้บนฝั่ง ฟังเสียงเรียกของสาวทะเลที่เล่นอยู่ในน้ำ สุดท้าย แผงกลางบรรยายตอนจบของเรื่อง: Väinämöinen ออกไปบนเรือที่ทะเลและไปตกปลา เมื่อจับปลาตัวเล็กได้หนึ่งตัว เขาจำเด็กผู้หญิงที่จมน้ำตายไม่ได้แล้วจึงโยนปลากลับลงไปในน้ำ แต่ในเวลานี้ปลากลายเป็นไอโนะ นางเงือกที่หัวเราะเยาะชายชราที่คิดถึงเธอ แล้วหายตัวไปในเกลียวคลื่นตลอดกาล

ต้นปี 1890 กาลเลิน-คัลเลลาเป็นผู้สนับสนุนลัทธิธรรมชาตินิยม และเขาต้องการแบบจำลองที่แท้จริงสำหรับตัวเลขและวัตถุทั้งหมดในภาพ ดังนั้นสำหรับภาพลักษณ์ของVäinämöinenที่มีเครายาวสวยงามของเขา ผู้อยู่อาศัยในหมู่บ้าน Karelian แห่งหนึ่งได้ถ่ายภาพให้กับศิลปิน นอกจากนี้ศิลปินทำให้คอนแห้งเพื่อให้ได้ภาพปลาที่ถูกต้องที่สุดที่ชายชรากลัว แม้แต่สร้อยข้อมือเงินที่ส่องประกายบนมือของ Aino ก็ยังมีอยู่จริง: Gallen-Kallela มอบเครื่องประดับนี้ให้กับ Mary ภรรยาสาวของเขา เห็นได้ชัดว่าเธอทำหน้าที่เป็นนางแบบให้กับไอโนะ ภูมิทัศน์สำหรับอันมีค่าถูกร่างโดยศิลปินในช่วงฮันนีมูนของเขาใน Karelia

องค์ประกอบถูกล้อมรอบด้วยกรอบไม้พร้อมเครื่องประดับและคำพูดจาก Kalevala ซึ่งเขียนโดย Gallen-Kallela เอง อันมีค่านี้กลายเป็นจุดเริ่มต้นของการเคลื่อนไหว ความโรแมนติกของชาติในฟินแลนด์- Art Nouveau เวอร์ชันฟินแลนด์ ศิลปินสร้างภาพวาดรุ่นแรกในปารีสในปี พ.ศ. 2431-32 (ปัจจุบันเป็นของธนาคารแห่งฟินแลนด์) เมื่อนำเสนอภาพวาดครั้งแรกในเฮลซิงกิ ก็ได้รับการต้อนรับด้วยความกระตือรือร้นอย่างมาก และวุฒิสภาจึงตัดสินใจสั่งซื้อเวอร์ชันใหม่โดยเสียค่าใช้จ่ายสาธารณะ แนวคิดนี้ดูค่อนข้างเป็นธรรมชาติหลังจากขบวนการเฟนโนมัน ซึ่งทำให้ประเทศฟินแลนด์มีอุดมคติและโรแมนติก นอกจากนี้ ศิลปะยังถูกมองว่าเป็นวิธีที่มีประสิทธิภาพในการแสดงอุดมคติของชาติฟินแลนด์ ในเวลาเดียวกัน การเดินทางของศิลปินเริ่มที่ Karelia เพื่อค้นหา "สไตล์ฟินแลนด์ที่แท้จริง" Karelia ถูกมองว่าเป็นดินแดนที่ไม่มีใครแตะต้องเพียงแห่งเดียวที่มีการอนุรักษ์ร่องรอยของ Kalevala และ Gallen-Kallela เองก็มองว่ามหากาพย์นี้เป็นเรื่องราวเกี่ยวกับช่วงเวลาที่ผ่านมาของความยิ่งใหญ่ของชาติในฐานะภาพของสรวงสวรรค์ที่สาบสูญ

ภาพวาดโดย Gallen-Kallela « คำสาปแห่งคุลเลอร์โว"(พ.ศ. 2442) เล่าถึงวีรบุรุษอีกคนของ" กาเลวาลา " Kullervo เป็นเยาวชนที่มีพลังพิเศษ เป็นเด็กกำพร้าที่ตกเป็นทาส และถูกส่งตัวไปกินหญ้าในถิ่นทุรกันดาร ปฏิคมชั่วร้ายภรรยาของช่างตีเหล็ก Ilmarinen มอบขนมปังให้เขาสำหรับการเดินทางซึ่งมีก้อนหินซ่อนอยู่ หลังจากพยายามหั่นขนมปัง Kullervo ก็หักมีดซึ่งเป็นความทรงจำเดียวของพ่อของเขา ด้วยความโมโห เขารวบรวมฝูงหมาป่า หมี และแมวป่าชนิดหนึ่ง ซึ่งฉีกนายหญิงออกจากกัน คุลเลอร์โวหนีการเป็นทาสและกลับบ้านหลังจากรู้ว่าญาติของเขายังมีชีวิตอยู่ อย่างไรก็ตาม โศกนาฏกรรมของ Kullervo ไม่ได้จบเพียงแค่นั้น การแก้แค้นที่ไม่มีที่สิ้นสุดไม่เพียงทำลายครอบครัวที่เพิ่งค้นพบเท่านั้น แต่ยังทำลายตัวเขาเองด้วย อย่างแรก เขาพบและเกลี้ยกล่อมผู้หญิงคนหนึ่งที่กลายเป็นน้องสาวของเขา และด้วยความสัมพันธ์ที่ผิดบาป พี่สาวจึงฆ่าตัวตาย ในไม่ช้าญาติของเขาก็ตายด้วย จากนั้น Kullervo ก็ฆ่าตัวตายด้วยการขว้างดาบ

ภาพวาดของ Gallen-Kallela บรรยายถึงตอนที่ Kullervo ยังคงทำหน้าที่เป็นคนเลี้ยงแกะ (ฝูงสัตว์ของเขามองเห็นได้ในพื้นหลัง และขนมปังที่มีหินอบอยู่ด้านหน้า) ชายหนุ่มเขย่ากำปั้นและสาบานว่าจะแก้แค้นศัตรูของเขา ศิลปินวาดภาพวีรบุรุษผู้โกรธเกรี้ยวบนฉากหลังของภูมิทัศน์ที่มีแดดจ้าของต้นฤดูใบไม้ร่วง แต่มีเมฆรวมตัวกันเป็นฉากหลัง และเถ้าภูเขาที่ราดด้วยสีแดงเป็นเครื่องเตือนใจ ซึ่งเป็นคำทำนายของการนองเลือดในอนาคต ในภาพนี้ โศกนาฏกรรมผสมผสานกับความงามของธรรมชาติของชาวคาเรเลียน และในแง่หนึ่งวีรบุรุษผู้ล้างแค้นสามารถถือได้ว่าเป็นสัญลักษณ์ของจิตวิญญาณการต่อสู้ของฟินแลนด์และเอกลักษณ์ประจำชาติที่กำลังเติบโต ในทางกลับกัน เรามีภาพของความโกรธและความผิดหวัง ความไร้อำนาจของบุคคลที่ถูกเลี้ยงดูมาโดยคนแปลกหน้าที่ทำลายครอบครัวของเขา ในบรรยากาศของความรุนแรงและการแก้แค้น และสิ่งนี้ทิ้งรอยประทับอันน่าเศร้าไว้บนชะตากรรมของเขา

เพิ่มเติมเกี่ยวกับความคิดสร้างสรรค์ Gallena-Kallelaอ่าน.

เราจะสรุปส่วนนี้ด้วยเรื่องราวเกี่ยวกับผลงานของตัวแทนที่โดดเด่นอีกคนหนึ่งของงานจิตรกรรมแนวโรแมนติกของชาติฟินแลนด์ ศิลปินชื่อดังแห่งยุคทองของฟินแลนด์ - Pekka Halonen เป๊กก้า ฮาโลเน่ (เป๊กก้า ฮาโลเน่) (พ.ศ. 2408-2476) ได้รับชื่อเสียงในยุค 1890 แสดงตนว่าเป็นปรมาจารย์ที่ไม่มีใครเทียบได้ ทิวทัศน์ฤดูหนาว... หนึ่งในผลงานชิ้นเอกของประเภทนี้คือภาพวาด " ต้นสนหนุ่มใต้หิมะ"(พ.ศ. 2442) ถือเป็นตัวอย่าง ลัทธิญี่ปุ่นฟินแลนด์และอาร์ตนูโวในการวาดภาพ หิมะปุยนุ่มปกคลุมต้นกล้าเล่นในเฉดสีขาวที่แตกต่างกันสร้างบรรยากาศที่เงียบสงบของเทพนิยายในป่า อากาศที่มีหมอกปกคลุมไปด้วยหมอกที่หนาวเย็นในฤดูหนาว และเตียงหิมะอันเขียวชอุ่มเน้นความงามที่บอบบางของต้นสนอ่อน โดยทั่วไปแล้ว ต้นไม้เป็นลวดลายที่สร้างสรรค์อย่างหนึ่งที่โปรดปราน เป๊กกี้ ฮาโลเน่... ตลอดชีวิตของเขา เขาวาดภาพต้นไม้อย่างกระตือรือร้นในช่วงเวลาต่างๆ ของปี และเขาชอบฤดูใบไม้ผลิเป็นพิเศษ แต่ที่สำคัญที่สุดคือเขามีชื่อเสียงในฐานะอาจารย์ ทิวทัศน์ฤดูหนาว- จิตรกรไม่กี่คนกล้าที่จะสร้างในที่เย็น Pekka Halonen ไม่กลัวฤดูหนาวและทำงานกลางแจ้งในทุกสภาพอากาศตลอดชีวิตของเขา ผู้สนับสนุนการทำงานในที่โล่ง เขาดูถูกศิลปินที่ "มองโลกผ่านหน้าต่าง" ในภาพวาดของฮาโลเนน กิ่งก้านแตกออกจากน้ำค้างแข็ง ต้นไม้ทรุดตัวลงภายใต้น้ำหนักของหมวกหิมะ แสงแดดส่องเงาสีน้ำเงินบนพื้น และชาวป่าทิ้งรอยเท้าไว้บนพรมนุ่มสีขาว

ภูมิทัศน์ฤดูหนาวกลายเป็นสัญลักษณ์ประจำชาติของฟินแลนด์ และ Pekka Halonen ได้วาดภาพบนผืนผ้าใบจำนวน 12 ภาพในธีมธรรมชาติของฟินแลนด์และชีวิตพื้นบ้านสำหรับศาลาฟินแลนด์ที่งาน 1900 World Exhibition ในปารีส วัฏจักรนี้รวมถึงตัวอย่างเช่นภาพวาด " ที่หลุม"(" ล้างน้ำแข็ง ") (1900) ความสนใจของฮาโลเน่ในการวาดภาพ "ลัทธินอกรีตเหนือ" ตื่นขึ้นเมื่อเขาศึกษากับพอล โกแกงในปารีสในปี พ.ศ. 2437

โดยทั่วไปแล้วศิลปิน ยุคทองของจิตรกรรมฟินแลนด์มาจากชนชั้นกลางในเมือง อีกสิ่งหนึ่งคือ Pekka Halonen ซึ่งมาจากครอบครัวชาวนาและช่างฝีมือผู้รู้แจ้ง เขาเกิดที่ Lapinlahti (ฟินแลนด์ตะวันออก) และค่อนข้างเร็วเริ่มสนใจศิลปะ - และไม่เพียง แต่ภาพวาดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีด้วย (แม่ของศิลปินเป็นนักแสดงที่มีพรสวรรค์เธอยังปลูกฝังทัศนคติที่เคารพและรักธรรมชาติให้กับลูกชายของเธอและ ภายหลังความรักนี้กลายเป็นศาสนาเกือบ ) ชายหนุ่มเริ่มเรียนจิตรกรรมช้ากว่าเพื่อนของเขาเล็กน้อย แต่หลังจากสี่ปีที่โรงเรียนจิตรกรรมของ Art Society of Finland และสำเร็จการศึกษาที่ยอดเยี่ยม Halonen สามารถรับทุนการศึกษาที่อนุญาตให้เขาไปเรียนที่ เมกกะศิลปะในสมัยนั้น ตอนแรกเขาเรียนที่ Julian Academy จากนั้นในปี 1894 ก็เริ่มเรียนบทเรียนส่วนตัวจาก Paul Gauguinร่วมกับเพื่อนของเขา Väino Bloomstead ในช่วงเวลานี้ ฮาโลเนนเริ่มคุ้นเคยกับสัญลักษณ์ การสังเคราะห์ และแม้แต่ทฤษฎี อย่างไรก็ตามการทำความคุ้นเคยกับเทรนด์ศิลปะล่าสุดไม่ได้ทำให้เขาละทิ้งลักษณะที่สมจริงและเขาไม่ได้ยืมจานสีสดใสของ Gauguin แต่ภายใต้อิทธิพลของ Gauguin ฮาโลเน็นกลายเป็นนักเลงศิลปะญี่ปุ่นอย่างลึกซึ้งและเริ่มรวบรวมสำเนาของญี่ปุ่น พิมพ์

ตัวอย่างเช่น ต้นสนโค้งซึ่งเป็นลวดลายที่นิยมในศิลปะญี่ปุ่น มักมีจุดเด่นอยู่ในผลงานของเขา นอกจากนี้ ในภาพวาดของ Halenn หลายชิ้น เขาให้ความสนใจเป็นพิเศษกับรายละเอียด รูปแบบการตกแต่งของกิ่งก้านหรือลวดลายพิเศษของหิมะ และธีมของภูมิทัศน์ฤดูหนาวเองก็ไม่ใช่เรื่องแปลกในศิลปะญี่ปุ่น ฮาโลเนนยังโดดเด่นด้วยความชอบสำหรับผืนผ้าใบแคบแนวตั้งประเภท "คาเคโมโนะ" องค์ประกอบที่ไม่สมมาตร ภาพระยะใกล้ และมุมที่ไม่ปกติ ไม่เหมือนกับจิตรกรภูมิทัศน์คนอื่น ๆ เขาไม่ได้วาดทิวทัศน์แบบพาโนรามาจากด้านบน ภูมิทัศน์ของเขาถูกทาสีลึกเข้าไปในป่าใกล้กับธรรมชาติซึ่งมีต้นไม้ล้อมรอบผู้ชมอย่างแท้จริงเชิญชวนเขาเข้าสู่โลกอันเงียบสงบของพวกเขา Gauguin เป็นแรงบันดาลใจให้ Halonen ค้นพบสไตล์ของตัวเองในการวาดภาพธรรมชาติและสนับสนุนให้เขามองหาธีมของเขาในรากเหง้าของชาติ เช่นเดียวกับ Gauguin ฮาโลเน่นพยายามค้นหาด้วยความช่วยเหลือจากงานศิลปะของเขาซึ่งเป็นสิ่งแรกเริ่ม แต่ถ้าชาวฝรั่งเศสกำลังมองหาอุดมคติของเขาในหมู่เกาะแปซิฟิก ศิลปินชาวฟินแลนด์พยายามรื้อฟื้น "สวรรค์ที่สาบสูญ" ของชาวฟินแลนด์ใน ป่าดงดิบ ป่าศักดิ์สิทธิ์ที่พรรณนาไว้ใน “กาเลวาลา” ...

งานของ Pekka Halonen โดดเด่นด้วยการค้นหาความสงบและความสามัคคี ศิลปินเชื่อว่า "ศิลปะไม่ควรกวนประสาทเหมือนกระดาษทราย - ควรสร้างความรู้สึกของโลก" แม้จะวาดภาพแรงงานชาวนา ฮาโลเนนก็แสวงหาความสงบและองค์ประกอบที่สมดุล ดังนั้นในการทำงาน " ผู้บุกเบิกใน Karelia» (« การก่อสร้างถนนใน Karelia”) (1900) เขานำเสนอชาวฟินแลนด์ในฐานะคนงานที่เป็นอิสระและชาญฉลาดซึ่งไม่จำเป็นต้องใช้ความพยายามมากเกินไปในการทำงานให้เสร็จ นอกจากนี้ ศิลปินเน้นย้ำว่าเขาพยายามสร้างความประทับใจในการตกแต่งโดยรวม นี่คือคำตอบของเขาต่อผู้ร่วมสมัยที่วิพากษ์วิจารณ์ "อารมณ์วันอาทิตย์อันเงียบสงบ" ที่ไม่สมจริงของภาพวาดและรู้สึกประหลาดใจกับเสื้อผ้าที่สะอาดเกินไปของคนงาน ขี้เลื่อยจำนวนเล็กน้อยบนพื้นดิน และลักษณะแปลก ๆ ของเรือที่อยู่ตรงกลางของ ป่า. แต่ศิลปินมีความคิดที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง Pekka Halonen ไม่ต้องการสร้างภาพการทำงานที่เหน็ดเหนื่อย แต่เพื่อถ่ายทอดจังหวะที่สงบนิ่งของแรงงานชาวนา

ฮาโลเนนยังได้รับอิทธิพลอย่างมากจากการเดินทางไปอิตาลี (พ.ศ. 2439-2540 และ พ.ศ. 2447) รวมถึงผลงานชิ้นเอกยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นที่เขาเห็นในฟลอเรนซ์ ต่อจากนั้น Pekka Halonen กับภรรยาและลูก ๆ ของเขา (ทั้งคู่มีลูกทั้งหมดแปดคน) ย้ายไปที่ทะเลสาบ Tuusula สภาพแวดล้อมที่งดงามเงียบสงบซึ่งทำหน้าที่เป็นแหล่งแรงบันดาลใจที่ไม่รู้จักเหนื่อยและการทำงานที่ประสบความสำเร็จจากเฮลซิงกิ "แหล่งที่มาของทุกสิ่งที่น่าเบื่อหน่ายและ น่าเกลียด." ที่นี่ในขณะที่เล่นสกีในทะเลสาบศิลปินมองหาสถานที่สำหรับบ้านในอนาคตของเขาและในปี 1899 ทั้งคู่ซื้อที่ดินบนชายฝั่งซึ่งไม่กี่ปีต่อมาบ้านสตูดิโอของ Pekka Halonen เติบโตขึ้น - บ้านพักตากอากาศที่เขาตั้งชื่อ Halosenniemi (Halosenniemi) (1902). บ้านไม้อันอบอุ่นสบายในจิตวิญญาณโรแมนติกของชาติแห่งนี้ได้รับการออกแบบโดยตัวศิลปินเอง ปัจจุบันบ้านนี้เป็นที่ตั้งของพิพิธภัณฑ์ Pekka Halonen

นักสัญลักษณ์ชาวฟินแลนด์

หนึ่งในส่วนที่น่าสนใจที่สุดในคอลเล็กชันของพิพิธภัณฑ์ Ateneum คือผลงานที่เลียนแบบไม่ได้ของ Hugo Simberg และนักสัญลักษณ์ชาวฟินแลนด์คนอื่นๆ

ในห้องโถงแยกของพิพิธภัณฑ์ Athenaeum ภาพวาดที่มีชื่อเสียง “ นางฟ้าที่ได้รับบาดเจ็บ"(1903) ศิลปินชาวฟินแลนด์ Hugo Simberg... ผืนผ้าใบที่เศร้าโศกนี้แสดงให้เห็นขบวนพาเหรดแปลก ๆ เด็กชายบูดบึ้งสองคนกำลังแบกเปลหามนางฟ้าสาวชุดขาวที่มีผ้าปิดตาและปีกที่ได้รับบาดเจ็บ พื้นหลังของภาพวาดเป็นภูมิทัศน์ที่เปลือยเปล่าของต้นฤดูใบไม้ผลิ ในมือของนางฟ้ามีเกล็ดหิมะ ดอกไม้แรกของฤดูใบไม้ผลิ สัญลักษณ์แห่งการรักษาและชีวิตใหม่ . ขบวนนำโดยเด็กชายชุดดำที่มีลักษณะคล้ายสัปเหร่อ (อาจเป็นสัญลักษณ์ของความตาย) รูปลักษณ์ของเด็กชายอีกคนหนึ่งหันมาหาเราโดยเจาะลึกเข้าไปในจิตวิญญาณของผู้ชมโดยตรงและเตือนว่าธีมของชีวิตและความตายมีความเกี่ยวข้องกับเราแต่ละคน เทวดาตกสวรรค์, การขับไล่จากสวรรค์, การไตร่ตรองเกี่ยวกับความตาย - หัวข้อทั้งหมดนี้ทำให้ศิลปินกังวลเป็นพิเศษ- สัญลักษณ์... ศิลปินเองปฏิเสธที่จะเสนอการตีความภาพสำเร็จรูปใด ๆ ปล่อยให้ผู้ชมได้ข้อสรุปของตัวเอง

Hugo Simberg ทำงานกับภาพวาดนี้มาเป็นเวลานาน: พบภาพสเก็ตช์แรกในอัลบั้มของเขาตั้งแต่ปี 1898 ภาพร่างและภาพถ่ายบางภาพสะท้อนถึงแต่ละส่วนขององค์ประกอบภาพ บางครั้งทูตสวรรค์ถูกขับด้วยรถสาลี่ บางครั้งผู้ถือไม่ใช่เด็กผู้ชาย แต่เป็นปีศาจตัวน้อย ในขณะเดียวกัน บุคคลตรงกลางคือร่างของทูตสวรรค์เสมอ และพื้นหลังเป็นภูมิทัศน์ที่แท้จริง กระบวนการทำงานเกี่ยวกับภาพวาดถูกขัดจังหวะเมื่อ Simberg ป่วยหนัก: ศิลปินตั้งแต่ฤดูใบไม้ร่วงปี 1902 ถึงฤดูใบไม้ผลิปี 1903 ได้รับการรักษาที่โรงพยาบาลของ Deaconess Institute ในเฮลซิงกิ ( เฮลซิงกิน ไดอาโคนิสซาไลโตส) ในเขตคัลลิโอ เขามีอาการป่วยทางประสาทอย่างรุนแรงซึ่งกำเริบโดยซิฟิลิส (ซึ่งศิลปินเสียชีวิตในภายหลัง)

เป็นที่ทราบกันว่า Simberg ถ่ายภาพนางแบบของเขา (เด็กๆ) ในเวิร์กช็อปและในสวนสาธารณะ Eleintarh ซึ่งอยู่ติดกับโรงพยาบาลดังกล่าว เส้นทางที่ปรากฎในภาพวาดยังคงมีอยู่ในปัจจุบัน - มันวิ่งไปตามชายฝั่งของอ่าวTöölönlahti ในช่วงเวลาของ Simberg Eleintarh Park เป็นพื้นที่พักผ่อนหย่อนใจยอดนิยมสำหรับชนชั้นแรงงาน นอกจากนี้ยังเป็นที่ตั้งขององค์กรการกุศลมากมาย รวมทั้งโรงเรียนสตรีคนตาบอดและที่พักพิงสำหรับผู้พิการ Simberg สังเกตชาวสวนซ้ำหลายครั้งเมื่อเขาเดินไปที่นั่นในฤดูใบไม้ผลิปี 1903 ออกจากการเจ็บป่วยที่รุนแรง เห็นได้ชัดว่าระหว่างการเดินทอดน่องอันยาวนานเหล่านี้ ความคิดในการวาดภาพกลายเป็นรูปเป็นร่างขึ้นอย่างสมบูรณ์ นอกเหนือจากการตีความทางปรัชญาของภาพวาด "Wounded Angel" (สัญลักษณ์ของการขับไล่จากสวรรค์, วิญญาณมนุษย์ที่ป่วย, ความไร้อำนาจของมนุษย์, ความฝันที่แตกสลาย) บางคนมองว่าเป็นตัวตนของสถานะที่เจ็บปวดของศิลปินและแม้กระทั่งอาการทางกายภาพที่เฉพาะเจาะจง ( ตามรายงานบางฉบับ Simberg ยังได้รับความทุกข์ทรมานจากเยื่อหุ้มสมองอักเสบ)

ภาพวาดของซิมเบิร์ก « นางฟ้าที่ได้รับบาดเจ็บ”ประสบความสำเร็จอย่างมากในทันทีหลังจากสร้างเสร็จ การนำเสนอเกิดขึ้นที่นิทรรศการฤดูใบไม้ร่วงของ Art Society of Finland ในปี 1903 ในขั้นต้น ผืนผ้าใบถูกจัดแสดงโดยไม่มีชื่อ (แม่นยำกว่านั้น มีเส้นประแทนที่จะเป็นชื่อ) ซึ่งบอกเป็นนัยถึงความเป็นไปไม่ได้ของการตีความอย่างใดอย่างหนึ่ง สำหรับงานส่วนตัวและอารมณ์ที่ลึกซึ้งนี้ ศิลปินได้รับรางวัล State Prize ในปี 1904 เวอร์ชันที่สองของ "The Wounded Angel" ดำเนินการโดย Simberg ขณะที่ตกแต่งภายในของ Tampere Cathedral ด้วยจิตรกรรมฝาผนัง ซึ่งเขาทำงานร่วมกับ Magnus Enckel

จากการสำรวจในปี 2549 ในประเทศฟินแลนด์ “ นางฟ้าที่ได้รับบาดเจ็บ"ได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานที่โด่งดังที่สุดในคอลเล็กชั่น Athenaeum ซึ่งเป็นภาพวาดประจำชาติอันเป็นที่รักของฟินแลนด์ ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ทางศิลปะของประเทศ

Hugo Simberg (Hugo simberg) (พ.ศ. 2416-2460) เกิดที่เมืองฮามินา จากนั้นอาศัยและศึกษา จากนั้นในที่ซึ่งเขาเข้าเรียนในโรงเรียนของสมาคมศิลปะแห่งฟินแลนด์ เขามักใช้เวลาช่วงฤดูร้อนที่ที่ดินของครอบครัวใน Niemenlautta (Säkkijärvi) บนชายฝั่งอ่าวฟินแลนด์ ซิมเบิร์กเดินทางบ่อยในยุโรป ไปเยือนลอนดอนและปารีส ไปเยือนอิตาลี คอเคซัส ขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาของเขาในฐานะศิลปินเกิดขึ้นในช่วงเวลาที่ Simberg ซึ่งไม่แยแสกับการศึกษาเชิงวิชาการทั่วไป เริ่มเรียนบทเรียนส่วนตัวจาก Axeli Gallen-Kallela ในถิ่นทุรกันดารใน Ruovesi ที่ Gallen-Kallela สร้างโรงปฏิบัติงานของเขา Gallen-Kallela ให้ความสำคัญกับความสามารถของนักเรียนเป็นอย่างมาก และทำนายอนาคตอันยิ่งใหญ่ในโลกศิลปะให้กับเขา โดยเปรียบเทียบงานของ Simberg กับคำเทศนาที่จริงใจและกระตือรือร้นที่ทุกคนควรได้ยิน Simberg ไปเยี่ยม Ruovesi สามครั้งระหว่างปี 1895 และ 1897 ที่นี่ในบรรยากาศของเสรีภาพทางศิลปะ เขาค้นพบภาษาของตัวเองอย่างรวดเร็ว ตัวอย่างเช่นในฤดูใบไม้ร่วงแรกของการเข้าพักใน Ruovesi เขาเขียนงานที่มีชื่อเสียง “ หนาวจัด"(2438) ค่อนข้างชวนให้นึกถึง" The Scream "โดย Munch ในกรณีนี้ ปรากฏการณ์สภาพอากาศ ความกลัวของชาวนาทั่วโลก ได้รับรูปลักษณ์ ใบหน้า และรูปร่างที่มองเห็นได้: นี่คือร่างสีซีดมรณะที่มีหูขนาดใหญ่ นั่งบนฟ่อนฟางและเป็นพิษต่อทุกสิ่งรอบตัวด้วยลมหายใจที่อันตรายถึงตาย . Frost ของ Simberg นั้นไม่เหมือนกับ Scream ของ Munch ที่เล่นเสร็จเมื่อสองสามปีก่อน ไม่ได้ปลุกความสยองขวัญและความสิ้นหวังให้สมบูรณ์ แต่เป็นความรู้สึกแปลก ๆ ของการคุกคามและความสงสารในเวลาเดียวกัน

ช่วงเวลาสำคัญในชีวิตของ Simberg คือนิทรรศการฤดูใบไม้ร่วงปี 2441 หลังจากนั้นเขาได้รับการยอมรับในสหภาพศิลปินฟินแลนด์ Simberg เดินทางไปทั่วยุโรปสอนและเข้าร่วมนิทรรศการ อย่างไรก็ตามความสามารถที่แท้จริงของศิลปินได้รับการชื่นชมหลังจากการตายของเขาเท่านั้น ความเข้มข้นในเรื่องที่น่าขนลุกและเหนือธรรมชาติไม่พบความเข้าใจในหมู่นักวิจารณ์และผู้ชมในเวลานั้น

Hugo Simbergเป็นหนึ่งในที่ใหญ่ที่สุด นักสัญลักษณ์ชาวฟินแลนด์... เขาไม่ได้ถูกดึงดูดโดยสถานการณ์ในชีวิตประจำวันซ้ำซาก - ตรงกันข้ามเขาพรรณนาถึงสิ่งที่เปิดประตูสู่ความเป็นจริงอื่นสัมผัสจิตใจและจิตวิญญาณของผู้ชม เขาเข้าใจศิลปะว่า “เป็นโอกาสในการถ่ายทอดบุคคลในกลางฤดูหนาวไปสู่เช้าฤดูร้อนที่สวยงาม และรู้สึกว่าธรรมชาติตื่นขึ้นและตัวคุณเองก็สอดคล้องกับมัน นี่คือสิ่งที่ฉันกำลังมองหาในงานศิลปะ มันควรจะพูดกับเราเกี่ยวกับบางสิ่งและพูดเสียงดังเพื่อที่เราจะถูกพาไปยังอีกโลกหนึ่ง "

ซิมเบิร์กชอบวาดภาพสิ่งที่มองเห็นได้ในจินตนาการเป็นพิเศษ เช่น เทวดา ปีศาจ โทรลล์ และภาพแห่งความตาย อย่างไรก็ตาม แม้แต่ภาพเหล่านี้ เขายังให้ความนุ่มนวลและเป็นมนุษย์ ความตายในซิมเบิร์กมักมีเมตตาและเห็นอกเห็นใจ ทำหน้าที่ของเขาให้สำเร็จโดยไม่กระตือรือร้น เธอจึงนำดอกไม้สีขาวสามดอกไปรับหญิงชรา อย่างไรก็ตาม เดธไม่รีบร้อน เธอสามารถฟังเด็กชายที่เล่นไวโอลินได้ มีเพียงนาฬิกาบนผนังเท่านั้นที่บ่งบอกถึงกาลเวลา (“ ความตายกำลังฟังอยู่", พ.ศ. 2440)

ในการทำงาน " สวนมรณะ"(พ.ศ. 2439) ซึ่งสร้างขึ้นระหว่างการเดินทางไปศึกษาดูงานครั้งแรกที่ปารีส Simberg ตามที่เขาพูดเองนั้นบรรยายถึงสถานที่ที่วิญญาณมนุษย์ตกลงทันทีหลังความตายก่อนที่จะไปสวรรค์ โครงกระดูกสามตัวในชุดคลุมสีดำดูแลวิญญาณพืชอย่างอ่อนโยนด้วยความรักเช่นนี้ พระสงฆ์มักจะไปที่สวนของอาราม งานนี้มีความสำคัญอย่างยิ่งสำหรับศิลปิน เกือบสิบปีต่อมา Simberg ได้ทำซ้ำในรูปแบบของปูนเปียกขนาดใหญ่ในอาสนวิหารตัมเปเร เสน่ห์แปลกๆ ของงานนี้อยู่ในรายละเอียดที่น่ารักในทุกๆ วัน (กระป๋องรดน้ำ ผ้าเช็ดตัวห้อยจากตะขอ) บรรยากาศที่สงบสุข และภาพลักษณ์ของความตายที่อ่อนโยน ซึ่งไม่ใช่พลังแห่งการทำลายล้าง แต่เป็นศูนย์รวมของการดูแลเอาใจใส่ ที่น่าสนใจ เรายังพบภาพที่คล้ายกันในเทพนิยายของ Hans Christian Andersen เรื่อง "The Story of a Mother": ผู้เล่าเรื่องบรรยายถึงเรือนกระจกแห่งความตายขนาดมหึมา - เรือนกระจกที่วิญญาณมนุษย์ "ติดอยู่" กับดอกไม้หรือต้นไม้ทุกต้น ความตายเรียกตัวเองว่าคนสวนของพระเจ้า: "ฉันนำดอกไม้และต้นไม้ของเขาไปปลูกในสวนเอเดนอันยิ่งใหญ่ในดินแดนที่ไม่รู้จัก"

อันดับแรก ภาพแห่งความตายปรากฏในผลงานของ Simberg " ความตายและชาวนา"(2438) เสื้อคลุมตัวสั้นสีดำและกางเกงขาสั้นทำให้เดธมีลุคที่สุภาพและอ่อนน้อมถ่อมตน งานนี้ดำเนินการโดย Simberg ในเมือง Ruovesi ขณะเรียนกับ Axeli Gallen-Kallela ฤดูใบไม้ผลินั้น ลูกสาวคนเล็กของครูเสียชีวิตด้วยโรคคอตีบในฤดูใบไม้ผลินั้น และความตายกับชาวนาถือได้ว่าเป็นการแสดงความเห็นอกเห็นใจชายที่สูญเสียลูกไป

เช่นเดียวกับปีศาจ ทูตสวรรค์ของ Hugo Simberg มีมนุษยธรรมและเปราะบาง พวกเขาพยายามชี้นำผู้คนบนถนนแห่งความดี แต่ความเป็นจริงนั้นห่างไกลจากอุดมคติ ทำงาน " ฝัน"(1900) ตั้งคำถามจากผู้ชม ทำไมผู้หญิงถึงร้องไห้ในขณะที่นางฟ้ากำลังเต้นรำกับสามีของเธอ? บางทีสามีทิ้งภรรยาไปต่างโลก? อีกชื่อหนึ่งสำหรับงานนี้คือ "การกลับใจ" จึงสามารถตีความได้หลายวิธี

รูปภาพของเทวดาปรากฏตัวครั้งแรกในงานของ Simberg ในฤดูใบไม้ร่วงปี 2438 (ผลงาน " ความกตัญญู") ในเรื่องซุกซนนี้ นางฟ้าสาวผู้สวดภาวนาไม่ได้สังเกตว่านางฟ้าข้างเคียงมีบางอย่างที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงในความคิดของเขา อันที่จริงปีกของทูตสวรรค์องค์ที่สองนี้อยู่ไกลจากสีขาวมาก การต่อสู้ระหว่างราคะและจิตวิญญาณนั้นชัดเจน

ทางเดินเล่นใน Niemenlautta ซึ่ง Simberg มักใช้เวลาช่วงฤดูร้อนที่ที่ดินของครอบครัว เป็นสถานที่นัดพบยอดนิยมสำหรับคนหนุ่มสาวในช่วงเย็นของฤดูร้อน ดึงดูดใจด้วยเสียงหีบเพลง ชายหนุ่มและหญิงสาวจึงมาที่นี่เพื่อเต้นรำทางเรือ แม้จะอยู่ไกลๆ ซิมเบิร์กวาดภาพร่างของนักเต้นซ้ำแล้วซ้ำเล่า แต่ในการทำงาน” เต้นริมน้ำ"(พ.ศ. 2442) เด็กผู้หญิงไม่เต้นรำกับพวกผู้ชาย แต่กับร่างแห่งความตาย มักพบกันที่ Simberg บางทีความตายครั้งนี้ไม่ได้มาเพื่อการเก็บเกี่ยวที่เลวร้าย แต่เพียงแค่ต้องการมีส่วนร่วมในความสนุกทั่วไป? แต่ด้วยเหตุผลบางอย่าง หีบเพลงไม่เล่น

อย่างที่เห็น Hugo Simberg- ศิลปินที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวซึ่งงานไม่ขาดการประชดประชัน แต่ในขณะเดียวกันก็เต็มไปด้วยเวทย์มนต์และมุ่งเน้นไปที่หัวข้อความดีและความชั่วชีวิตและความตายลักษณะของศิลปะ สัญลักษณ์... ในงานของ Simberg คำถามเชิงปรัชญาเชิงลึกเกี่ยวพันกับอารมณ์ขันที่อ่อนโยนและการเอาใจใส่อย่างลึกซึ้ง "มารผู้น่าสงสาร", "ความตายที่อ่อนโยน", ราชาแห่งบราวนี่ - ตัวละครเหล่านี้มาจากความฝันและเทพนิยายทั้งหมดมาสู่งานของเขา ไม่มีกรอบปิดทองและผืนผ้าใบที่แวววาว: “ความรักเท่านั้นที่ทำให้งานศิลปะเป็นจริง หากความเจ็บปวดจากการคลอดบุตรเกิดขึ้นโดยปราศจากความรัก ลูกก็จะเกิดมาไม่มีความสุข”

นอกจากผลงานของ Hugo Simberg แล้ว พิพิธภัณฑ์ Athenaeum ยังจัดแสดงผลงานอีกด้วย จิตรกรสัญลักษณ์ชาวฟินแลนด์ Magnus Enckel (แมกนัส เอนเคลล์) (พ.ศ. 2413-2468) เช่นเดียวกับซิมเบิร์กซึ่งทำงานจิตรกรรมฝาผนังให้กับวิหารตัมเปเร (พ.ศ. 2450) Enckel เกิดในครอบครัวของนักบวชในเมือง Hamina ศึกษาการวาดภาพและในปี 1891 ไปปารีสที่ซึ่งเขาศึกษาต่อที่Académie Julian ที่นั่นเขาสนใจสัญลักษณ์และความคิดลึกลับของ Rosicrucian J. Peladan Magnus Enckel นำอุดมคติของความงามแบบกะเทยมาจากยุคหลังซึ่งเขาเริ่มใช้ในผลงานของเขา Enckel รู้สึกทึ่งกับแนวคิดเรื่องสวรรค์ที่สาบสูญ ความบริสุทธิ์ของมนุษย์ที่สูญหายไป และยังคงเป็นเด็กหนุ่มที่มีความงามแบบกะเทยซึ่งเป็นตัวแทนของศิลปินในรูปแบบที่บริสุทธิ์ที่สุดของมนุษย์ ไม่ควรลืมด้วยว่า Enckel เป็นพวกรักร่วมเพศและมักจะวาดเด็กผู้ชายและผู้ชายเปลือยกายให้แสดงออกอย่างเปิดเผยและเย้ายวน ในปี พ.ศ. 2437-2538 ศิลปินเดินทางไปอิตาลีและในตอนต้นของศตวรรษที่ XX ภายใต้อิทธิพลของศิลปะอิตาลีคลาสสิกรวมถึงโพสต์อิมเพรสชั่นนิสม์จานสีของเขามีสีสันและสว่างมากขึ้น ในปี ค.ศ. 1909 เขาได้ก่อตั้งกลุ่มนี้ร่วมกับนักระบายสี Werner Tome และ Alfred Finch Septem.

งานแรก ๆ ของ Magnus Enckel นั้นถูกทำเครื่องหมายด้วยสีที่สงบลง การบำเพ็ญตบะ ในเวลานั้นจานสีของศิลปินถูก จำกัด เฉพาะเฉดสีเทาดำและเหลือง ตัวอย่างคือภาพวาด “ ตื่นขึ้น"(2437) เขียนโดย Enckel ระหว่างการมาเยือนครั้งที่สองของศิลปิน V. ผืนผ้าใบโดดเด่นด้วยความเรียบง่ายของสี องค์ประกอบที่เรียบง่าย และเส้นเน้นของภาพวาด - ทั้งหมดนี้ใช้เพื่อเน้นความสำคัญของภาพ ชายหนุ่มที่เข้าสู่ช่วงเปลี่ยนผ่าน ตื่นขึ้นมาและนั่งเปลือยกายอยู่บนเตียง ศีรษะของเขาก้มลงด้วยสีหน้าจริงจัง ครุ่นคิด ตำแหน่งที่บิดเบี้ยวของร่างกายของเขาไม่ได้เป็นเพียงท่าทางปกติของการลุกจากเตียงเท่านั้น บรรทัดฐานนี้ ซึ่งมักพบในศิลปิน Symbolist นั้นซับซ้อนกว่า วัยแรกรุ่นและการตื่นตัวทางเพศ / การสูญเสียความไร้เดียงสา - ธีมเหล่านี้ดึงดูดคนรุ่นเดียวกันของ Enckel หลายคน (เช่น ภาพวาด "Maturation" ที่น่ารำคาญของ Munch (1894/95)) จานสีขาวดำเน้นอารมณ์เศร้าของการพบปะกับโลกที่กดขี่

อื่น จิตรกรสัญลักษณ์ชาวฟินแลนด์แม้จะไม่ได้ดังที่สุดแต่คือ Väinö Bloomstedt (บลูมสเต็ดท์) (Väinö Blomstedt) (พ.ศ. 2414-2490) Bloomstedt เป็นศิลปินและนักออกแบบสิ่งทอและได้รับอิทธิพลส่วนหนึ่งจากศิลปะญี่ปุ่น เขาเรียนที่ฟินแลนด์ก่อนแล้วจึงร่วมกับ Pekka Halonen c. อย่างที่เราทราบกันดีอยู่แล้ว ระหว่างที่พวกเขามาถึงปารีส ศิลปินชาวฟินแลนด์เหล่านี้ได้พบกับโกแกง ซึ่งเพิ่งกลับมาจากตาฮิติ และเริ่มเรียนรู้บทเรียนจากเขา Bloomstedt หุนหันพลันแล่นตกอยู่ภายใต้อิทธิพลของ Gauguin และภาพวาดสีต่างๆ ของเขาในทันที การค้นหาสวรรค์ที่หายไปในผลงานของ Gauguin นั้นใกล้เคียงกับ Bloomstedt มาก เฉพาะในกรณีที่ Gauguin กำลังมองหาสวรรค์แห่งนี้ในประเทศที่แปลกใหม่ Väinö Bloomstedt ก็เหมือนกับศิลปินชาวฟินแลนด์หลายคนในสมัยนั้นที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อค้นหาต้นกำเนิดของบ้านเกิดของเขาซึ่งเป็นดินแดนบริสุทธิ์ของ Kalevala วีรบุรุษแห่งภาพวาดของ Bloomstedt มักเป็นตัวละครในจินตนาการหรือในตำนาน

หลังจากพบโกแกงแล้ว Bloomstedt ในช่วงกลางปีพ.ศ. 2433 ได้ละทิ้งภาพวาดเสมือนจริงและหันไป สัญลักษณ์และสีสันสดใส สังเคราะห์จานสี ตามอุดมการณ์ของสัญลักษณ์ศิลปะที่สมจริงตามการสังเกตด้วยสายตานั้น จำกัด เกินไปและไม่อนุญาตให้เข้าใจสิ่งที่สำคัญที่สุดในตัวบุคคลสาระสำคัญทางอารมณ์และจิตวิญญาณของเขาความลับของชีวิตเอง เบื้องหลังความเป็นจริงในชีวิตประจำวันคืออีกโลกหนึ่ง และเป้าหมายของ Symbolists คือการแสดงโลกนี้ผ่านงานศิลปะ แทนที่จะพยายามสร้างภาพลวงตาสามมิติของความเป็นจริง ศิลปิน Symbolist กลับใช้สไตล์ การทำให้เข้าใจง่าย และการตกแต่ง พยายามค้นหาบางสิ่งที่บริสุทธิ์และเป็นบทกวี ดังนั้นพวกเขาจึงสนใจในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีตอนต้น การใช้อุบาทว์และเทคนิคปูนเปียก หนึ่งในตัวอย่างที่โดดเด่น สัญลักษณ์ในผลงานของศิลปินชาวฟินแลนด์เป็นภาพ Väinö Bloomstedt « ฟรานเชสก้า"(พ.ศ. 2440) นำผู้ชมเข้าสู่โลกแห่งการหลับใหลและการลืมเลือน บรรยากาศที่สงบนิ่งและเต็มไปด้วยมนต์ขลังด้วยกลิ่นดอกป๊อปปี้ที่ทำให้มึนเมา

แรงบันดาลใจสำหรับภาพนี้คือ Divine Comedy ของ Dante ซึ่งกวีได้พบกับ Francesca da Rimini ในนรก และเธอเล่าให้เขาฟังถึงเรื่องราวความรักอันน่าเศร้าของเธอที่มีต่อเปาโล ภาพของหญิงสาวที่ชวนให้นึกถึงมาดอนน่า ภูมิทัศน์ "ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา" ที่มีต้นไซเปรสสีเข้มและพื้นผิวสีโปร่งแสงของภาพวาด (ผ้าใบส่องผ่านสีได้อย่างชัดเจน) แสดงให้เห็นภาพเฟรสโกเก่าในโบสถ์ในอิตาลี นอกจากนี้ เนื่องจากเทคนิคพิเศษในการดำเนินการ รูปภาพบางส่วนจึงดูเหมือนผ้าที่สวมอยู่ ภาพวาดนี้วาดโดย Bloomstedt ระหว่างการเดินทางไปอิตาลี นอกจากนี้ยังเห็นอิทธิพลของศิลปะยุคพรีราฟาเอล

ผู้หญิงในงานศิลปะ: ศิลปินชาวฟินแลนด์

พิพิธภัณฑ์ Athenaeumยังเป็นที่น่าสังเกตสำหรับความจริงที่ว่าส่วนสำคัญของคอลเลกชันของเขาประกอบด้วยผลงาน ศิลปินหญิงรวมทั้งที่มีชื่อเสียงระดับโลกเช่น ศิลปินชาวฟินแลนด์ Helena Schjerfbeck... ในปี 2012 พิพิธภัณฑ์ Athenaeum ได้จัดนิทรรศการผลงานมากมายโดย Helena Schjerfbeck ซึ่งตรงกับวันครบรอบ 150 ปีของการเกิดของเธอ พิพิธภัณฑ์ Ateneum เป็นที่เก็บสะสมผลงานของ Helena Schjerfbeck ที่ใหญ่และสมบูรณ์ที่สุดในโลก (212 ภาพวาด ภาพวาด หนังสือสเก็ตช์)

Helena Schjerfbeck (Helena schjerfbeck) (พ.ศ. 2405-2489) เกิดที่เฮลซิงกิเริ่มเรียนการวาดภาพตั้งแต่เนิ่นๆและในวัยหนุ่มของเธอก็ประสบความสำเร็จอย่างเห็นได้ชัด ชีวิตของเฮเลนาได้รับบาดเจ็บที่สะโพกอย่างรุนแรงจากการตกบันไดเมื่อตอนเป็นเด็ก ด้วยเหตุนี้เด็กผู้หญิงจึงได้รับการศึกษาที่บ้าน - เธอไม่ได้ไปโรงเรียนปกติ แต่เธอมีเวลามากมายในการวาดรูปและเธอก็ได้รับการยอมรับในโรงเรียนศิลปะตั้งแต่อายุยังน้อยผิดปกติ (แต่น่าเสียดายที่อาการบาดเจ็บที่สะโพกทำให้นึกถึงความอ่อนแอไปตลอดชีวิต) หลังจากเรียนที่ฟินแลนด์ รวมทั้งที่โรงเรียนเอกชนของ Adolf von Becker Schjerfbeck ได้รับทุนการศึกษาและเดินทางไปเรียนที่ Colarossi Academy ในปี พ.ศ. 2424 และ พ.ศ. 2426-2527 เธอยังทำงานในอาณานิคมของศิลปินในบริตตานี (จิตรกรรม " เด็กชายกำลังป้อนอาหารน้องสาว” (1881) ซึ่งเขียนขึ้นในภูมิภาคนี้ของฝรั่งเศสถือเป็นจุดเริ่มต้นของความทันสมัยของฟินแลนด์ด้วยซ้ำ ในบริตตานี เธอได้พบกับศิลปินชาวอังกฤษที่ไม่รู้จักและแต่งงานกับเขา แต่ในปี พ.ศ. 2428 เจ้าบ่าวก็เลิกหมั้น (ครอบครัวของเขาเชื่อว่าปัญหาสะโพกของเฮเลนาเกี่ยวข้องกับวัณโรคซึ่งพ่อของเธอเสียชีวิต) Helena Schjerfbeck ไม่เคยแต่งงาน

ในยุค 1890 Schjerfbeck สอนที่ School of the Art Society ซึ่งเธอเองเคยสำเร็จการศึกษา ในปี 1902 เธอออกจากการสอนและย้ายไปอยู่กับแม่ของเธอไปยังจังหวัด Hyvinkää ที่ห่างไกลออกไป ต้องการความเงียบ ศิลปินมีชีวิตที่สันโดษ แต่ยังคงมีส่วนร่วมในการจัดนิทรรศการ "การค้นพบ" ของ Schjerfbeck ต่อสาธารณชนเกิดขึ้นในปี 1917: นิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกของศิลปินเกิดขึ้นในร้านศิลปะ ust Stenman ในเฮลซิงกิซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมากกับผู้ชมและนักวิจารณ์และรบกวนการดำรงอยู่อันเงียบสงบของเธอ นิทรรศการสำคัญครั้งต่อไปจัดขึ้นที่กรุงสตอกโฮล์มในปี 2480 เพื่อแสดงความคิดเห็น ตามด้วยนิทรรศการที่คล้ายกันทั่วประเทศสวีเดน ในปี ค.ศ. 1935 เมื่อแม่ของเธอเสียชีวิต เฮเลนาย้ายไปอาศัยอยู่ที่ทัมมิซารี และใช้ชีวิตในสวีเดนในช่วงหลายปีสุดท้ายในโรงพยาบาลในซอลต์โจบาเดน ในฟินแลนด์ทัศนคติต่องานของ Schjerfbeck เป็นที่ถกเถียงกันอยู่เป็นเวลานาน (ความสามารถของเธอได้รับการยอมรับในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เท่านั้น) ในขณะที่ในสวีเดนงานศิลปะของเธอได้รับการยอมรับค่อนข้างเร็วด้วยความกระตือรือร้น แต่ Schjerfbeck ได้รับการยอมรับในระดับนานาชาติอย่างแพร่หลายในปี 2550 เมื่อนิทรรศการย้อนหลังขนาดใหญ่ของเธอจัดขึ้นที่ปารีส ฮัมบูร์ก และกรุงเฮก

ในบรรดาภาพวาดทั้งหมดของ Helena Schjerfbeck ภาพที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกคือภาพเหมือนตนเองที่วิจารณ์ตนเองจำนวนมาก ซึ่งช่วยให้สามารถติดตามทั้งวิวัฒนาการของสไตล์ของเธอและการเปลี่ยนแปลงของตัวศิลปินเอง ซึ่งแก้ไขใบหน้าที่แก่ชราของเธออย่างไร้ความปราณี โดยรวมแล้ว Schjerfbeck เขียนภาพเหมือนตนเองประมาณ 40 ภาพ ภาพแรกเมื่ออายุ 16 ปี ภาพสุดท้ายที่ 83 ภาพ หกคนอยู่ในกลุ่ม Athenaeum

แต่น่าจะเป็นภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุด Helena Schjerfbeckคือผืนผ้าใบ" พักฟื้น "(พ.ศ. 2431) มักเรียกกันว่าไข่มุก พิพิธภัณฑ์ Athenaeum... ได้รับความนิยมอย่างสูงจากสาธารณชน ภาพวาดนี้โดยศิลปินวัย 26 ปี ได้รับรางวัลเหรียญทองแดงจากงานนิทรรศการระดับโลกในกรุงปารีส เมื่อปี พ.ศ. 2432 (ซึ่งผ้าใบนี้จัดแสดงภายใต้ชื่อ "The First Greens" ( Première verdure) - นี่คือสิ่งที่ Schjerfbeck เรียกตัวเองในตอนแรกว่าภาพนี้) หัวข้อเรื่องเด็กป่วยเป็นเรื่องปกติในงานศิลปะสมัยศตวรรษที่ 19 แต่ Schjerfbeck ไม่ได้เป็นเพียงภาพผู้ป่วยเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเด็กที่กำลังฟื้นตัวอีกด้วย เธอวาดภาพนี้ในเมืองชายฝั่งอันงดงามของ St Ives ในคอร์นวอลล์ ทางตะวันตกเฉียงใต้ของอังกฤษ ที่ซึ่งศิลปินทำตามคำแนะนำของเพื่อนชาวออสเตรียของเธอในปี 1887-1888 และในปี 1889-1890

งานนี้มักถูกเรียกว่าตัวอย่างสุดท้ายของการวาดภาพด้วยแสงธรรมชาติในผลงานของ Schjerfbeck (ภายหลังเธอได้ก้าวไปสู่ความทันสมัยที่เก๋ไก๋และการแสดงออกที่เกือบจะเป็นนามธรรมด้วยจานสีนักพรต) ที่นี่ศิลปินทำงานโดยใช้แสงอย่างเชี่ยวชาญ โดยดึงสายตาของผู้ชมมาที่ใบหน้าของหญิงสาวที่ฟื้นตัวแล้วซึ่งมีผมกระเซิงและแก้มสีดอกกุหลาบอย่างมีไข้ ถือแก้วที่มีกิ่งไม้ผลิบานที่เปราะบางอยู่ในมือ ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของฤดูใบไม้ผลิและชีวิตใหม่ รอยยิ้มที่ริมฝีปากของเด็กแสดงความหวังในการฟื้นตัว ภาพที่น่าตื่นเต้นนี้ดึงดูดผู้ชม ทำให้เขารู้สึกเห็นใจ เรียกได้ว่าเป็นภาพเหมือนตนเองของศิลปินซึ่งในขณะนั้นกำลังพยายามฟื้นตัวจากการหมั้นหมายของเธอ อาจเป็นไปได้ว่าในภาพนี้ Schjerfbeck แสดงภาพตัวเองตอนเป็นเด็ก โดยบอกเราว่าเธอรู้สึกอย่างไร มักจะล้มป่วยและชื่นชมยินดีเมื่อสัญญาณแรกของฤดูใบไม้ผลิ

โปรดทราบว่าผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Helena Schjerfbeck กำลัง "ออกทัวร์" ในสวีเดน นิทรรศการหนึ่งจัดขึ้นที่สตอกโฮล์มและจะมีขึ้นจนถึงสิ้นเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2556 และอีกแห่งหนึ่งในโกเธนเบิร์ก (จนถึงเดือนสิงหาคม พ.ศ. 2556)

อีกหนึ่ง ศิลปินชาวฟินแลนด์คุณจะได้รู้จักกับงานของใครในพิพิธภัณฑ์ Athenaeum คือ ปัญหา Shernschanz (Sternschantz)(Beda stjernschantz) (1867-1910). อย่างไรก็ตามนิทรรศการขนาดใหญ่ของผลงานของศิลปินมีกำหนดสำหรับปี 2014 ในพิพิธภัณฑ์ Bede Shernchanz เป็นสมาชิกคนสำคัญของรุ่น ศิลปินสัญลักษณ์ของฟินแลนด์ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 เธอเกิดในตระกูลขุนนางในเมืองพอร์วู ในปี พ.ศ. 2429 พ่อของเธอเสียชีวิต และครอบครัวประสบปัญหาทางการเงิน Schernschanz ต่างจากศิลปินหญิงคนอื่นๆ ที่ต้องทำงานเพื่อประกอบอาชีพ ในปี พ.ศ. 2434 ในเวลาเดียวกันกับเอลเลน เทสเลฟฟ์ ศิลปินชื่อดังชาวฟินแลนด์อีกคนหนึ่ง เธอมาถึงปารีส และเด็กหญิงทั้งสองได้ลงทะเบียนเรียนที่ Accademia Colarossi ด้วยกัน ที่ปรึกษาของ Bede คือ Magnus Enkell ซึ่งเธอได้รับอิทธิพลจากแนวคิดเรื่องสัญลักษณ์ ตัวแทนของขบวนการนี้เชื่อว่าศิลปะไม่ควรลอกเลียนแบบธรรมชาติอย่างฟุ่มเฟือย แต่ควรได้รับการชำระให้บริสุทธิ์เพื่อความงาม การแสดงออกถึงความรู้สึกและประสบการณ์ที่ละเอียดอ่อน เนื่องจากขาดเงิน เชินชานซ์จึงอาศัยอยู่ในปารีสเพียงปีเดียว เมื่อกลับมาที่ฟินแลนด์ เธอไม่พบที่สำหรับตัวเอง และในปี 1895 ได้ไปที่เกาะ Vormsi ของเอสโตเนีย ที่ซึ่งมีการตั้งถิ่นฐานในสวีเดนเก่าแก่ที่รักษาภาษา ขนบธรรมเนียม และเสื้อผ้าของประเทศไว้ ที่นั่นศิลปินวาดภาพ “ ทุกที่ที่มีเสียงเรียกเรา"(2438) ชื่อของภาพวาดเป็นคำพูดจากเพลงที่มีชื่อเสียงของฟินแลนด์ ( ซูโอเมน เลาลู) คำที่กวี Emil Quanten เขียน อย่างที่คุณเห็น ไม่เพียงแต่ Karelia เป็นสถานที่ที่ศิลปินชาวฟินแลนด์ได้ไปค้นหาธรรมชาติและผู้คนที่บริสุทธิ์

บนผืนผ้าใบบทกวีนี้ ศิลปินวาดภาพกลุ่มเด็กสวีเดนที่สามารถรักษาขนบธรรมเนียมและภาษาประจำชาติของพวกเขาในสภาพแวดล้อมที่ต่างด้าว ด้วยเหตุนี้ นักวิจารณ์บางคนจึงเห็นความหมายของความรักชาติในภาพ โดยเฉพาะอย่างยิ่งตั้งแต่เครื่องดนตรี Kantele ที่เล่นโดยเด็กผู้หญิงคนหนึ่ง ครองสถานที่สำคัญในการจัดองค์ประกอบ เด็กผู้หญิงอีกคนร้องเพลง และเสียงเหล่านี้เติมเต็มภูมิทัศน์ที่เคร่งครัดด้วยกังหันลม เนื่องจากท่าทางที่นิ่งและเยือกแข็งอย่างสมบูรณ์และความว่างเปล่าของภูมิทัศน์โดยรอบ ผู้ชมก็เริ่มฟังเพลงที่ดังบนผืนผ้าใบเหมือนเดิม ดูเหมือนว่าแม้ลมจะสงบลงแล้ว ใบไม้หรือกังหันลมก็ไม่ขยับ ราวกับว่าเราอยู่ในอาณาจักรที่หลงเสน่ห์ สถานที่ที่ล่วงไปจากกาลเวลา หากเราดำเนินการต่อจากการตีความสัญลักษณ์ของภาพ ใบหน้าของเด็กที่เคร่งศาสนาและเน้นไปที่พื้นหลังของภูมิทัศน์ลึกลับนี้ก็เป็นวิธีถ่ายทอดสถานะของความไร้เดียงสา นอกจากนี้ เช่นเดียวกับงานอื่น ๆ ของ Symbolists บทบาทพิเศษได้รับมอบหมายให้ทำงานด้านดนตรีซึ่งเป็นศิลปะที่ไร้ตัวตนและสูงส่งที่สุด

ในปี พ.ศ. 2440-2541 Bede Shernschanz ซึ่งได้รับทุนสนับสนุนจากรัฐบาลฟินแลนด์ ได้เดินทางไปอิตาลี แต่กิจกรรมสร้างสรรค์ของเธอหลังจากช่วงเวลานี้หายไป แม้ว่ามรดกของศิลปินจะมีเพียงเล็กน้อย แต่ก็ดึงดูดความสนใจของนักวิจัย และคาดว่าการประชุมและสิ่งพิมพ์จำนวนมากในอนาคตจะได้เรียนรู้เพิ่มเติมเกี่ยวกับความสำคัญของงานของเธอในบริบทระหว่างประเทศในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ

อีกหนึ่งศิลปินชาวฟินแลนด์ที่น่าสนใจในยุคเดียวกันคือ เอลิน แดเนียลสัน-แกมโบเดีย (Elin Danielson-Gambogi) (1861-1919). เอลิน แดเนียลสัน-แกมโบเดียเป็นของฟินแลนด์รุ่นแรก ศิลปินหญิงที่ได้รับการศึกษาวิชาชีพ เธอทำงานเป็นหลักในประเภทของภาพเหมือนจริง และทั้งในชีวิตและในการทำงานแตกต่างจากเพื่อนร่วมงานของเธอในการปลดปล่อยและไลฟ์สไตล์โบฮีเมียน เธอวิพากษ์วิจารณ์ตำแหน่งของสตรีในสังคม สวมกางเกงขายาวและสูบบุหรี่ ดำเนินชีวิตที่ต่อต้านการฝักใฝ่ฝ่ายใดและมีปฏิสัมพันธ์กับศิลปินมากมาย รวมถึงกุสตาฟ วิเกลันด์ ประติมากรชาวนอร์เวย์ (พวกเขามีชู้กันในปี 2438) ภาพวาดผู้หญิงของเธอในสถานการณ์ประจำวันนั้นถือว่าหยาบคายและไม่เหมาะสมโดยนักวิจารณ์หลายคน

« ภาพเหมือน Elin Danielson-Gambodia (1900) ถูกวาดในเวลาที่ศิลปินเริ่มเป็นที่รู้จักในยุโรป ศิลปินวาดภาพในสตูดิโอของเธอ พร้อมแปรงและจานสีอยู่ในมือ และมีแสงลอดผ่านม่านหน้าหน้าต่าง ทำให้เกิดรัศมีรอบศีรษะของเธอ ผืนผ้าใบขนาดใหญ่ ท่าทางและการจ้องมองของศิลปิน ทั้งหมดนี้แสดงถึงธรรมชาติที่เป็นอิสระและมั่นใจในตนเอง สำหรับภาพวาดนี้ Danielson-Gambodia ได้รับรางวัลเหรียญเงินในเมืองฟลอเรนซ์ในปี 1900

Elin Danielson-Gambodia เกิดในหมู่บ้านใกล้เมือง Pori ฟาร์มของครอบครัวของพวกเขาล้มละลายในปี 2414 และพ่อของเธอฆ่าตัวตายในอีกหนึ่งปีต่อมา อย่างไรก็ตามเรื่องนี้แม่ก็สามารถหาทุนได้เพื่อที่เมื่ออายุได้ 15 ปีเอลินก็ย้ายไปและเริ่มเรียนการวาดภาพ เด็กหญิงเติบโตขึ้นมาในบรรยากาศเสรี นอกเหนือข้อห้ามทางสังคมที่เข้มงวด ในปี พ.ศ. 2426 แดเนียลสัน-แกมโบเดียออกเดินทางเพื่อศึกษาต่อที่ Academy of Colarossi และในฤดูร้อนเธอเรียนการวาดภาพในบริตตานี จากนั้นศิลปินก็กลับไปฟินแลนด์ซึ่งเธอได้สื่อสารกับจิตรกรคนอื่นและสอนในโรงเรียนศิลปะและในปี 1895 เธอได้รับทุนการศึกษาและไปฟลอเรนซ์ หนึ่งปีต่อมา เธอย้ายไปที่หมู่บ้าน Antignano และแต่งงานกับศิลปินชาวอิตาลี Rafaello of Gambodia ทั้งคู่ได้เข้าร่วมในนิทรรศการมากมายทั่วยุโรป งานของพวกเขาถูกจัดแสดงในงาน 1900 World's Fair ในกรุงปารีสและงาน Venice Biennale ในปี 1899 แต่ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 ปัญหาครอบครัวและปัญหาทางการเงินเริ่มต้นขึ้น การทรยศและความเจ็บป่วยของสามีของเธอ Elin Danielson-Gambodia เสียชีวิตด้วยโรคปอดบวมและถูกฝังใน Livorno

ในที่สุดท่ามกลาง ศิลปินหญิงชาวฟินแลนด์เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่เอ่ยชื่อ Ellen Tesleff (Ellen thesleff) (1869-1954). นักเขียนชาวฟินแลนด์เพียงไม่กี่คนที่ได้รับการยอมรับตั้งแต่เนิ่นๆ แล้วในปี 1891 หนุ่ม Tesleff ได้เข้าร่วมในนิทรรศการของ Art Society of Finland ด้วยผลงานที่ยอดเยี่ยมของเธอ " ก้อง» ( ไคคุ) (พ.ศ. 2434) ได้รับการยกย่องอย่างสูงจากนักวิจารณ์ ในเวลานั้นเธอเพิ่งจบการศึกษาจากโรงเรียนเอกชนของ Gunnar Berndtson ( กุนนาร์Berndtson) และกำลังเดินทางไปครั้งแรกที่ซึ่งหญิงสาวได้เข้าเรียนที่ Colarossi Academy กับ Beda Shernschanz เพื่อนของเธอ ในปารีส เธอคุ้นเคยกับสัญลักษณ์ แต่ตั้งแต่แรกเริ่ม เธอเลือกเส้นทางศิลปะของตนเองที่เป็นอิสระ ในช่วงเวลานี้เธอเริ่มสร้างภาพวาดด้วยสีนักพรต

แรงบันดาลใจที่สำคัญที่สุดสำหรับ Ellena Tesleff คือศิลปะอิตาลี ในปี พ.ศ. 2437 เธอได้ไปที่บ้านเกิดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาต้นที่เมืองฟลอเรนซ์ ที่นี่ ศิลปินเห็นผลงานจิตรกรรมทางศาสนาที่สวยงามมากมาย รวมถึงผลงานของบอตติเชลลี ซึ่งผลงานที่เธอชื่นชมในขณะที่ยังอยู่ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ เทสเลฟฟ์ก็ลอกแบบเฟรสโกของวัดเช่นกัน อิทธิพลของภาพวาดทางจิตวิญญาณของอิตาลีทำให้เธอมีความปรารถนาอย่างแรงกล้าในงานศิลปะที่วิจิตรตระการตา และในปีต่อๆ มา การบำเพ็ญตบะสีในงานของเธอได้รับการแสดงออกอย่างสูงสุด แรงจูงใจทั่วไปในผลงานของเธอคือภูมิทัศน์ที่เคร่งครัดซึ่งสร้างด้วยสีเข้มและร่างมนุษย์ ทั้งน่ากลัวและเศร้าโศก

ตัวอย่างผลงานในยุคนี้คือขนาดพอประมาณ” ภาพเหมือน"(2437-38) Ellen Tesleff วาดด้วยดินสออย่างง่าย ภาพเหมือนตนเองนี้สร้างขึ้นในเมืองฟลอเรนซ์ เป็นผลจากการทำงานเตรียมการสองปี ใบหน้าที่เต็มไปด้วยอารมณ์ที่โผล่ออกมาจากความมืดบอกเรามากมายเกี่ยวกับศิลปินและอุดมคติของเธอในขณะนั้น ตามปรัชญาของสัญลักษณ์ เธอถามคำถามพื้นฐานของการเป็นและศึกษาความรู้สึกของมนุษย์ ในการถ่ายภาพตนเองนี้ คุณจะเห็นรูปแบบที่ทันสมัยของงานศิลปะของ Leonardo da Vinci พร้อมคำถามและความลึกลับของชีวิตของเขา ในขณะเดียวกัน ภาพก็ดูเป็นส่วนตัวมาก สะท้อนถึงความเศร้าโศกของเทสเลฟฟ์ต่อการตายของพ่ออันเป็นที่รักของเธอ ซึ่งเกิดขึ้นเมื่อสองปีก่อน

Tesleff เติบโตขึ้นมาในครอบครัวนักดนตรีและตั้งแต่วัยเด็กชอบร้องเพลงและเล่นดนตรีกับพี่สาวน้องสาวของเธอ แรงจูงใจที่พบบ่อยที่สุดอย่างหนึ่งในงานของเธอคือเสียงสะท้อนหรือเสียงกรีดร้อง ซึ่งเป็นรูปแบบดนตรีดั้งเดิมที่สุด เธอมักจะพรรณนาถึงการเล่นไวโอลิน ซึ่งเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่ประเสริฐและซับซ้อนที่สุด ตัวอย่างเช่น แบบจำลองสำหรับภาพวาด “ เล่นไวโอลิน"(" The Violinist ") (1896) แสดงโดย Tira Elizaveta น้องสาวของศิลปินซึ่งมักจะโพสท่าให้เธอในช่วงทศวรรษที่ 1890

ส่วนประกอบยังคงอยู่ในโทนสีโปร่งแสงอบอุ่นของมาเธอร์ออฟเพิร์ลและโอปอล นักไวโอลินเบือนหน้าหนีจากผู้ชมโดยมุ่งไปที่เกม แก่นของดนตรีที่ได้รับการยกย่องว่าเป็นศิลปะที่ศักดิ์สิทธิ์และศักดิ์สิทธิ์ที่สุด เป็นหนึ่งในสัญลักษณ์ที่ธรรมดาที่สุด แต่ศิลปินมักไม่ค่อยบรรยายถึงนักดนตรีหญิง

เช่นเดียวกับเพื่อนของเธอ Magnus Enckel ในช่วงแรกของการทำงาน Ellen Tesleff ชอบบำเพ็ญตบะสี แต่แล้วสไตล์ของเธอก็เปลี่ยนไป ภายใต้อิทธิพลของ Kandinsky และวงมิวนิกของเขา ศิลปินกลายเป็น Fauvist คนแรกในฟินแลนด์ และในปี 1912 เธอได้รับเชิญให้เข้าร่วมในนิทรรศการของสมาคมฟินแลนด์ Septemที่ยืนหยัดเพื่อสีสดใสสะอาดตา

อย่างไรก็ตาม การมีส่วนร่วมของเธอไม่ได้ไปไกลกว่านิทรรศการ: Tesleff ไม่ได้เข้าร่วมกลุ่มใด ๆ เนื่องจากความเหงาเป็นสภาวะปกติของบุคลิกภาพที่แข็งแกร่ง เมื่ออายุมากขึ้น Tesleff ได้เริ่มสร้างจินตนาการที่มีสีสันและมีสีสันหลายชั้น เมื่อย้ายออกจากกลุ่มสีเทา-น้ำตาลแบบเก่า เธอไปเยี่ยมทัสคานีกับพี่สาวและแม่ของเธอซ้ำแล้วซ้ำเล่า ซึ่งเธอได้วาดภาพภูมิทัศน์อิตาลีที่มีแดดจ้า

Tesleff ไม่เคยแต่งงาน แต่เธอเกิดขึ้นในฐานะคนที่มีความคิดสร้างสรรค์ ศิลปินมีชีวิตยืนยาวและได้รับการยอมรับ

ศิลปะต่างประเทศใน Ateneum

คอลเล็กชันศิลปะต่างประเทศของพิพิธภัณฑ์ Athenaeum นำเสนอภาพวาด ประติมากรรม และภาพวาดกว่า 650 ชิ้น ที่สร้างขึ้นโดยปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียง เช่น Cezanne, Vag Gogh, Chagall, Modigliani, Munch, Repin, Rodin, Zorn

จากคอลเลกชั่นต่างประเทศ พิพิธภัณฑ์ Athenaeumไฮไลท์ ภาพวาดโดยแวนโก๊ะ "ถนนใน Auvers-sur-Oise"(1890). Vincent van Gogh วาดภาพนี้ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิตในเมืองเล็ก ๆ ของ Auvers-sur-Oise ( Auvers-sur-Oise) ตั้งอยู่ในหุบเขาของแม่น้ำสาขาเซน ประมาณ 30 กม. ทางตะวันตกเฉียงเหนือของ. ฟานก็อกฮ์ซึ่งป่วยด้วยอาการป่วยทางจิต เดินทางไปที่ Auvers-sur-Oise ตามคำแนะนำของธีโอน้องชายของเขาเพื่อรับการรักษาโดย Dr. Paul Gachet คลินิกของแพทย์คนนี้ตั้งอยู่ที่ Auvers-sur-Oise ชายผู้ไม่แยแสศิลปะ ซึ่งคุ้นเคยกับศิลปินชาวฝรั่งเศสหลายคนและกลายมาเป็นเพื่อนของ Van Gogh ด้วย

ในที่สุดเมือง Auvers-sur-Oise ก็กลายเป็นสถานที่แห่งความตายของศิลปินซึ่งรู้สึกเหมือนเป็นภาระต่อพี่ชายและครอบครัวของเขา แวนโก๊ะยิงตัวเองแล้วเสียชีวิตจากการสูญเสียเลือด ศิลปินอาศัยอยู่ใน Auvers-sur-Oise ในช่วง 70 วันสุดท้ายของชีวิต โดยวาดภาพได้ 74 ภาพในช่วงเวลาสั้นๆ นี้ โดยหนึ่งในนั้นอยู่ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะหลักในเฮลซิงกิ บางทีภาพวาดก็ยังไม่เสร็จ (ในบางแห่งจะมองเห็นสีรองพื้นได้) ความสว่างของท้องฟ้าถูกกำหนดโดยโทนสีเขียวที่สงบกว่าของโลกและโทนสีแดงของหลังคากระเบื้อง หนึ่งได้รับความรู้สึกว่าทั้งฉากอยู่ในการเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณ เต็มไปด้วยพลังงานกระสับกระส่าย

มีเรื่องราวที่น่าสนใจมากเกี่ยวกับการที่ภาพวาด "Street in Auvers-sur-Oise" เข้ามาเกี่ยวข้อง พิพิธภัณฑ์ Athenaeum... ไม่นานหลังจากการเสียชีวิตของ Van Gogh มันเป็นของพี่ชายของศิลปิน Theo และภรรยาม่ายของเขาซึ่ง Julien Leclerc ซื้อภาพวาด ( Julien leclercq) เป็นกวีและนักวิจารณ์ศิลปะชาวฝรั่งเศส เป็นที่ทราบกันว่าในปี 1900 Leclerc ได้รับผลงานอย่างน้อย 11 ชิ้นโดย Van Gogh จากภรรยาม่ายของ Theo หนึ่งปีต่อมา เขาจัดนิทรรศการย้อนหลังครั้งแรกของแวนโก๊ะ แต่ในไม่ช้าก็เสียชีวิตอย่างกะทันหัน ภรรยาของ Leclerc เป็นนักเปียโน Fanny Flodine ( แฟนนี่ฟลอดิน) น้องสาวของศิลปินและประติมากรชาวฟินแลนด์ Hilda Flodin ( ฮิลดา ฟลอดิน). ในปี 1903 แฟนนีขายภาพวาดของแวนโก๊ะให้กับตัวแทนของนักสะสม Fridtjof Antell ดังกล่าวในราคา 2,500 เครื่องหมาย (ประมาณ 9,500 ยูโรในเงินสมัยใหม่) ผืนผ้าใบนี้ได้กลายเป็น ภาพวาดแรกโดย Vag Gog แห่งโบสถ์เก่า

ศิลปินชาวฟินแลนด์ Berndt Lindholm (1841-1914)

Berndt Adolph Lindholm Berndt Adolf Lindholm (Loviisa 20 สิงหาคม 2384 - 15 พฤษภาคม 2457 ในโกเธนเบิร์กสวีเดน) เป็นจิตรกรชาวฟินแลนด์ ถือว่าเป็นหนึ่งในผู้ประพันธ์อิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฟินแลนด์คนแรก ลินโฮล์มยังเป็นศิลปินชาวสแกนดิเนเวียคนแรกที่ศึกษาในปารีสอีกด้วย NSเขาได้รับบทเรียนการวาดภาพครั้งแรกใน Porvoo จากศิลปิน Johan Knutson จากนั้นจึงย้ายไปเรียนที่ Finnish Drawing School of the Arts Society ใน Turku ในปี พ.ศ. 2399-2404 เขาเป็นนักเรียนของ Ekman2406-2408 Lindholm ศึกษาต่อในต่างประเทศที่ Düsseldorf Academy of Artsเขาออกจากเยอรมนีและร่วมกับ ( จาลมาร์ มันสเตอร์เฮล์ม) แม็กนัส ฮาลมาร์ มุนสเตอร์เยล์ม (1840-1905)(ทูลอส 19 ตุลาคม พ.ศ. 2383 - 2 เมษายน พ.ศ. 2448)กลับไปบ้านเกิดของเขาในคาร์ลสรูห์ (2408-2409) ซึ่งเขาเริ่มเรียนบทเรียนส่วนตัวจากฮานส์ เฟรดริก กูด (1825-1903),จากนั้นเขาก็ไปเยือนปารีสสองครั้งในปี พ.ศ. 2416-2417 โดยที่ลีออนบอนน่าเป็นครูของเขา ในประเทศฝรั่งเศสสื่อสารอย่างใกล้ชิดกับชายชาวบาร์บิซอน Charles-Francois Daubignyนอกจากนี้ เขายังชื่นชมงานของธีโอดอร์ รุสโซ และชื่นชมผลงานของฌอง-แบปติสต์ คามิลล์ โคโรต์ด้วยนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกจัดขึ้นที่เฮลซิงกิในฤดูใบไม้ร่วงปี 2413 ซึ่งลินโฮล์มได้รับการยกย่องอย่างสูง ในปี 1873 Academy of Arts ได้รับรางวัลตำแหน่งนักวิชาการสำหรับภาพวาด "Forest in the Province of Savolas" และอื่น ๆในปีพ.ศ. 2419 เขาได้รับเหรียญรางวัล World's Fair ในเมืองฟิลาเดลเฟีย ในปี พ.ศ. 2420 เขาได้รับรางวัลประเทศฟินแลนด์ส่วนใหญ่อาศัยอยู่ต่างประเทศ ในปี 1876 เขาย้ายไปโกเธนเบิร์กและทำงานเป็นภัณฑารักษ์พิพิธภัณฑ์ (ค.ศ. 1878-1900) นอกจากนี้ เขายังสอนอยู่ที่โรงเรียนการวาดภาพและจิตรกรรมแห่งโกเธนเบิร์ก จากนั้นจึงได้รับเลือกให้เป็นประธานสถาบันวิจิตรศิลป์และเป็นสมาชิกของราชบัณฑิตยสถานแห่งสวีเดน.เขา มีความหลากหลายมากกว่าเพื่อนศิลปินและคู่แข่งของเขา Magnus Hjalmar มันสเตอร์เฮล์มที่ยังคงยึดมั่นในความโรแมนติกมาตลอดชีวิตในขั้นต้น ลินด์โฮล์มยังได้วาดภาพภูมิทัศน์ที่โรแมนติกทั่วไป จากนั้นภายใต้อิทธิพลของภาพวาดบนอากาศของฝรั่งเศส เขาก็ค่อยๆ เข้าใกล้ความเป็นจริงมากขึ้น ในช่วงสุดท้ายของอาชีพการงาน เขาเปลี่ยนมาใช้งานเฉพาะชายฝั่งทะเลและท้องทะเลเท่านั้น ลินโฮล์ม เข้าร่วมในภาพประกอบของหนังสือโดย Zacharias Topelius - (Zacharias Topelius, 1818-1898) - หนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของวรรณคดีฟินแลนด์ กวี นักประพันธ์ นักเล่าเรื่อง นักประวัติศาสตร์ และนักประชาสัมพันธ์ เขาได้รับความรักและการยอมรับ ทั้งที่บ้านและไกลเกินขอบเขต โทพีเลียสเขียนเป็นภาษาสวีเดน แม้ว่าเขาจะพูดภาษาฟินแลนด์ได้คล่องเช่นกัน ผลงานของโทเปลิอุสได้รับการแปลเป็นภาษาต่างๆ มากกว่ายี่สิบภาษา เขามีความสามารถหลากหลายด้านและมีความสามารถที่น่าทึ่งในการทำงาน ผลงานของเขาทั้งหมดมีทั้งหมด 34 เล่ม (Z. Topelius. Travel in Finland. Edition by F. Tilgman, 1875. แปลจากภาษาสวีเดน F. Heuren. มีภาพแกะสลักมากมายจากภาพเขียนต้นฉบับโดย A. von Becker, A. Edelfelt, R. V. Eckmann, V. Holmberg, KE Janson , O. Kleine, I. Knutson, B. Lindholm, G. Munstergelm และ B. Reingold) ภาพประกอบของ Lindholm จำนวน 10 ชิ้นอุทิศให้กับน้ำตก Imatra ในฟินแลนด์ผลงานของศิลปินระหว่างที่เขาอยู่ที่ฝรั่งเศสไม่ได้รับการชื่นชมอย่างเต็มที่เกือบทั้งหมดอยู่ในคอลเล็กชั่นส่วนตัว

หาดหิน . ไกลออกไป... ">

หินที่ส่องแสงจากดวงอาทิตย์

สุดขอบป่าสน.

ภูมิทัศน์ป่าไม้ที่มีร่างของคนตัดไม้

แม่น้ำที่ไหลผ่าน พื้นที่หิน

เก็บเกี่ยวข้าวโอ๊ต

ชายฝั่งทะเล

ทิวทัศน์ฤดูหนาวใต้แสงจันทร์

มองจากฝั่ง.

เรือที่ท่าเรือ

กระโปรง.

ภูมิทัศน์ที่มีต้นเบิร์ช

ซีสเคป

ซีสเคป

มุมมองของโขดหิน

โหยหา

แสงแดดในป่า.

ทิวทัศน์ของลาโดก้า

ชาวประมงในสายหมอกยามเช้า

เรืออยู่บนขอบฟ้า

มงต์มาร์ต, ปารีส.

จากเกาะ Porvoo

วัวในทุ่งหญ้า