Maikling paglalarawan ng impressionion. Pagpipinta sa impressionism: mga tampok, kasaysayan

Ang impresionismo ay isang kalakaran sa pagpipinta na nagmula sa Pransya noong ika-19 hanggang ika-20 siglo, na isang masining na pagtatangka upang makuha ang isang sandali ng buhay sa lahat ng pagkakaiba-iba at kadaliang kumilos. Ang mga kuwadro na gawa ng Impressionist ay tulad ng isang de-kalidad na hugasan na litrato, na binubuhay muli ang pagpapatuloy ng nakitang kwento sa pantasya. Sa artikulong ito, titingnan natin ang 10 sa pinakatanyag na impresyonista sa buong mundo. Sa kasamaang palad, mayroong higit sa sampu, dalawampung o kahit isang daang may talento na mga artista, kaya't ituon natin ang mga pangalan na kailangan mong malaman.

Upang hindi masaktan ang alinman sa mga artista o kanilang mga humahanga, ang listahan ay ibinibigay sa pagkakasunud-sunod ng alpabetikong Ruso.

1. Alfred Sisley

Ang pinturang Pranses na ito na nagmula sa Ingles ay itinuturing na pinakatanyag na pintor ng tanawin ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Sa kanyang koleksyon mayroong higit sa 900 mga kuwadro na gawa, kung saan ang pinakatanyag ay "Rural Alley", "Frost in Louveciennes", "Bridge at Argenteuil", "Early Snow in Louveciennes", "Lawns in Spring", at marami pang iba.

2. Van Gogh

Kilala sa buong mundo para sa malungkot na kwento tungkol sa kanyang tainga (sa pamamagitan ng paraan, pinutol niya hindi lahat ng kanyang tainga, ngunit ang lobe lamang), si Wang Gong ay naging tanyag lamang pagkamatay niya. At para sa kanyang buhay nakapagbenta siya ng isang solong pagpipinta, 4 na buwan bago siya mamatay. Sinabi nila na siya ay kapwa isang negosyante at pari, ngunit madalas na napunta sa mga ospital sa psychiatric dahil sa depression, kaya't ang lahat ng paghihimagsik ng pagkakaroon niya ay nagresulta sa maalamat na mga gawa.

3. Camille Pissarro

Si Pissarro ay ipinanganak sa isla ng St. Thomas, sa isang pamilya ng mga burgis na Hudyo, at isa sa ilang mga Impresyonista na ang mga magulang ay hinimok ang kanyang pag-iibigan at di nagtagal ay nagpadala sa Paris upang mag-aral. Higit sa lahat, nagustuhan ng artista ang kalikasan, siya ang naglalarawan nito sa lahat ng mga kulay, o mas tumpak, si Pissarro ay may isang espesyal na talento para sa pagpili ng lambot ng mga kulay, pagkakatugma, pagkatapos kung saan ang hangin ay tila lumitaw sa mga kuwadro na gawa.

4. Claude Monet

Mula pagkabata, nagpasya ang bata na siya ay magiging artista, sa kabila ng pagbabawal ng pamilya. Lumipat sa Paris nang mag-isa, si Claude Monet ay lumubog sa kulay-abo na pang-araw-araw na buhay ng isang mahirap na buhay: dalawang taon sa sandatahang lakas sa Algeria, paglilitis sa mga nagpautang dahil sa kahirapan, karamdaman. Gayunpaman, tila hindi nahihirapan ang mga paghihirap, bagkus ay pinasigla ang artista na lumikha ng mga malinaw na kuwadro na gawa bilang "Impresyon, pagsikat ng araw", "Parlyamento ng gusali sa London", "Bridge to Europe", "Autumn in Argenteuil", "On the baybayin Trouville ”, at marami pang iba.

5. Konstantin Korovin

Napakasarap malaman na sa mga Pranses, ang mga magulang ng impresionismo, maaari ng buong kapurihan na mailagay ang ating kababayan, si Konstantin Korovin. Ang isang madamdamin na pag-ibig para sa kalikasan ay nakatulong sa kanya upang madaling maibigay ang isang hindi maiisip na kasiglahan sa isang static na larawan, salamat sa kumbinasyon ng mga angkop na kulay, ang lapad ng mga stroke, ang pagpipilian ng tema. Imposibleng dumaan sa kanyang mga kuwadro na "The Pier in Gurzuf", "Fish, Alak at Prutas", "Autumn Landscape", "Moonlit Night. Winter ”at isang serye ng kanyang mga gawa na nakatuon sa Paris.

6. Paul Gauguin

Hanggang sa edad na 26, si Paul Gauguin ay hindi naisip ang tungkol sa pagpipinta. Siya ay isang negosyante at nagkaroon ng isang malaking pamilya. Gayunpaman, nang una kong makita ang mga kuwadro na gawa ni Camille Pissarro, napagpasyahan kong tiyak na magpapinta siya. Sa paglipas ng panahon, ang istilo ng artista ay nagbago, ngunit ang pinakatanyag na impressionistic painting ay "Hardin sa Niyebe", "Sa Cliff", "Sa Beach sa Dieppe", "Nude", "Palms in Martinique" at iba pa.

7. Paul Cezanne

Si Cezanne, hindi katulad ng karamihan sa kanyang mga kasamahan, ay sumikat sa kanyang buhay. Nagawa niyang ayusin ang kanyang sariling eksibisyon at kumita ng malaki ang kita mula rito. Maraming nalalaman ang mga tao tungkol sa kanyang mga kuwadro na gawa - siya, tulad ng walang iba, natutunan na pagsamahin ang paglalaro ng ilaw at anino, gumawa ng isang malakas na diin sa tama at hindi regular na mga geometric na hugis, ang kalubhaan ng paksa ng kanyang mga kuwadro na gawa ay naaayon sa pag-ibig .

8. Pierre Auguste Renoir

Hanggang sa edad na 20, nagtrabaho si Renoir bilang isang tagadekorasyon ng fan para sa kanyang nakatatandang kapatid, at pagkatapos lamang lumipat sa Paris, kung saan nakilala niya sina Monet, Basil at Sisley. Ang kakilala na ito ay tumulong sa kanya sa hinaharap na gawin ang daan ng impressionism at maging sikat dito. Kilala si Renoir bilang may-akda ng isang sentimental na larawan, kasama sa kanyang pinakahusay na akda ay ang "On the Terrace", "Walk", "Portrait of the Actress Jeanne Samary", "Lodge", "Alfred Sisley and His Wife", "On ang Swing "," Frog Room "at marami pang iba.

9. Edgar Degas

Kung hindi mo pa naririnig ang anuman tungkol sa Blue Dancers, Ballet Rehearsals, Ballet School at Absinthe, magmadali upang malaman ang tungkol sa gawain ni Edgar Degas. Ang pagpili ng mga orihinal na kulay, natatanging mga tema para sa mga kuwadro na gawa, isang pakiramdam ng paggalaw ng larawan - lahat ng ito at higit na ginawang Degas isa sa mga pinakatanyag na artista sa buong mundo.

10. Edouard Manet

Huwag lituhin si Manet kay Monet - ito ang dalawang magkakaibang tao na nagtrabaho nang sabay at sa parehong masining na direksyon. Si Manet ay palaging naaakit ng mga eksena ng isang pang-araw-araw na kalikasan, hindi pangkaraniwang mga hitsura at uri, na parang hindi sinasadyang "nahuli" sandali, na kasunod na nakunan ng mga siglo. Kabilang sa mga bantog na kuwadro na gawa ni Manet: "Olympia", "Breakfast on the Grass", "Bar at the Folies Bergere", "The Flutist", "Nana" at iba pa.

Kung mayroon kang pinakamaliit na pagkakataon na makita ang mga kuwadro na gawa ng mga panginoon na ito na live, mahuhulog ka sa pagmamahal sa impresyonismo magpakailanman!

Ngayon, ang impressionismismo ay napansin bilang isang klasikong, ngunit sa panahon ng pagbuo nito ito ay isang tunay na rebolusyonaryong tagumpay sa sining. Ang mga makabagong ideya at ideya ng kalakaran na ito ay ganap na nagbago ng masining na pang-unawa sa sining noong ika-19 at ika-20 siglo. At ang modernong impresyonismo sa pagpipinta ay nagmamana ng mga prinsipyo na naging kanonikal at nagpatuloy sa mga paghahanap ng aesthetic sa paglipat ng mga sensasyon, emosyon at ilaw.

Mga Pangangailangan

Mayroong maraming mga kadahilanan para sa paglitaw ng impressionism, ito ay isang buong kumplikadong mga preconditions na humantong sa isang tunay na rebolusyon sa sining. Noong ika-19 na siglo, isang krisis ang namumuo sa pagpipinta ng Pransya, nauugnay ito sa katotohanang ang "opisyal" na pagpuna ay hindi nais na mapansin at hayaan ang iba't ibang mga umuusbong na bagong porma sa mga gallery. Samakatuwid, ang pagpipinta sa impressionism ay naging isang uri ng protesta laban sa pagkawalang-kilos at konserbatismo ng pangkalahatang tinatanggap na mga pamantayan. Gayundin, ang mga pinagmulan ng kilusang ito ay dapat hanapin sa mga uso na likas sa Renaissance at nauugnay sa mga pagtatangka upang maiparating ang realidad ng pamumuhay. Ang mga artista ng paaralan ng Venetian ay itinuturing na unang mga ninuno ng impresionismo, pagkatapos ay tinahak ng mga Espanyol ang landas na ito: El Greco, Goya, Velazquez, na direktang naiimpluwensyahan sina Manet at Renoir. Ang pag-unlad na panteknolohiya ay may papel din sa pag-unlad ng paaralang ito. Kaya, ang paglitaw ng potograpiya ay nagbigay ng isang bagong ideya sa sining tungkol sa pagkuha ng panandaliang emosyon at sensasyon. Ito ang instant na impression na ang mga artist ng direksyon na isinasaalang-alang namin ay sinusubukan na "maunawaan". Gayundin, ang pagpapaunlad ng plein air school, na inilatag ng mga kinatawan ng paaralan ng Barbizon, ay naka-impluwensya rin sa kalakaran na ito.

Kasaysayan ng impressionism

Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, isang kritikal na sitwasyon ang bubuo sa sining ng Pransya. Ang mga kinatawan ng klasikal na paaralan ay hindi tumatanggap ng mga makabagong ideya ng mga batang artista at hindi inaamin ang mga ito sa Salon - ang tanging eksibisyon na magbubukas sa daan sa mga customer. Ang eskandalo ay sumabog nang ipakita ng batang si Edouard Manet ang kanyang gawa na "Almusal sa Damo". Ang pagpipinta ay nagpukaw ng galit ng mga kritiko at publiko, at ipinagbawal ng artist na ipakita ito. Samakatuwid, nakikilahok si Manet sa tinaguriang "Salon of the Outcast" kasama ang iba pang mga pintor na hindi pinapayagan na lumahok sa eksibisyon. Ang gawain ay nakatanggap ng isang malaking tugon, at isang bilog ng mga batang artista ang nagsimulang mabuo sa paligid ng Manet. Nagtipon sila sa mga cafe, tinalakay ang mga problema ng kontemporaryong sining, nakipagtalo tungkol sa mga bagong form. Lumilitaw ang isang lipunan ng mga pintor, na tatawaging Impressionist pagkatapos ng isa sa mga gawa ni Claude Monet. Kasama sa pamayanan na ito ang Pissarro, Renoir, Cezanne, Monet, Basil, Degas. Ang unang eksibisyon ng mga artist ng direksyon na ito ay naganap noong 1874 sa Paris at natapos, tulad ng lahat ng mga kasunod, sa kabiguan. Sa totoo lang, ang impressionism sa musika at pagpipinta ay sumasaklaw sa isang panahon na 12 taon lamang, mula sa unang eksibisyon hanggang sa huli, na ginanap noong 1886. Sa paglaon, ang direksyon ay nagsisimulang maghiwalay sa mga bagong kalakaran, ang ilan sa mga artista ay namamatay. Ngunit ang panahong ito ay gumawa ng isang tunay na rebolusyon sa isip ng mga tagalikha at ng publiko.

Mga prinsipyong ideolohikal

Hindi tulad ng maraming iba pang mga direksyon, ang pagpipinta sa impressionism ay hindi naiugnay sa malalim na pananaw ng pilosopiko. Ang ideolohiya ng paaralang ito ay isang pansamantalang karanasan, isang impression. Ang mga artista ay hindi nagtakda ng kanilang mga sarili ng mga gawaing panlipunan, pinagsikapan nilang iparating ang kabuuan at kagalakan ng pagiging sa pang-araw-araw na buhay. Samakatuwid, ang sistemang genre ng impresyonismo sa pangkalahatan ay napaka tradisyunal: mga landscape, larawan, buhay pa rin. Ang direksyon na ito ay hindi isang pagsasama-sama ng mga tao batay sa mga pilosopiko na pananaw, ngunit isang pamayanan ng magkatulad na pag-iisip, na ang bawat isa ay namumuno ng kanyang sariling pakikipagsapalaran sa pag-aaral ng anyo ng pagiging. Ang impresyonismo ay tiyak na nakasalalay sa pagiging natatangi ng pagtingin sa mga ordinaryong bagay, nakatuon ito sa indibidwal na karanasan.

Kagamitan

Napakadali na makilala ang pagpipinta sa impressionism para sa ilan sa mga tampok na tampok. Una sa lahat, nararapat tandaan na ang mga artista ng trend na ito ay masigasig na mahilig sa kulay. Halos tuluyan nilang talikuran ang itim at kayumanggi pabor sa isang mayaman, buhay na palette, na madalas na pinagaan. Ang pamamaraan ng impressionist ay nakikilala sa pamamagitan ng maikling stroke. Nagsusumikap sila para sa pangkalahatang impression, hindi ang masusing pagguhit ng mga detalye. Ang mga canvases ay pabago-bago, hindi natuloy, na tumutugma sa pang-unawa ng tao. Nagsusumikap ang mga pintor na mag-ayos ng mga kulay sa canvas sa isang paraan upang makakuha ng coloristic intensity o affinity sa larawan; hindi nila pinaghahalo ang mga kulay sa palette. Ang mga artista ay madalas na nagtrabaho sa bukas na hangin, at ito ay nasasalamin sa pamamaraan, kung saan walang oras upang matuyo ang mga nakaraang layer. Ang mga pintura ay inilapat magkatabi o isa sa tuktok ng iba pa, gamit ang isang pantakip na materyal na ginawang posible upang lumikha ng epekto ng "panloob na glow".

Ang pangunahing mga kinatawan sa pagpipinta ng Pransya

Ang tinubuang bayan ng trend na ito ay France, dito na unang lumitaw ang impressionismo sa pagpipinta. Ang mga artista ng paaralang ito ay nanirahan sa Paris noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Ipinakita nila ang kanilang gawain sa 8 eksibisyon ng Impressionist, at ang mga canvases na ito ay naging klasiko ng direksyon. Ito ang French Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Morisot at iba pa na mga progenitor ng kasalukuyang isinasaalang-alang namin. Ang pinakatanyag na impresionista, siyempre, ay si Claude Monet, na ang mga gawa ay ganap na sumasalamin sa lahat ng mga tampok ng trend na ito. Gayundin, ang kasalukuyang ay wastong nauugnay sa pangalan ni Auguste Renoir, na isinasaalang-alang ang kanyang pangunahing gawaing pansining upang ihatid ang dula ng araw; bukod dito, siya ay isang master ng sentimental portraiture. Kasama rin sa impresyonismo ang mga natatanging artista tulad nina Van Gogh, Edgar Degas, Paul Gauguin.

Impresyonismo sa ibang mga bansa

Unti-unti, kumakalat ang direksyon sa maraming mga bansa, ang karanasan sa Pransya ay matagumpay na nakuha sa iba pang mga pambansang kultura, kahit na sa mga ito kailangan nating pag-usapan ang higit pa tungkol sa mga indibidwal na gawa at diskarte kaysa sa pare-pareho ng pagpapatupad ng mga ideya. Ang pagpipinta ng Aleman sa Impressionism ay pangunahing kinakatawan ng mga pangalan ng Lesser Uri, Max Lieberman, Lovis Corinto. Sa USA, ang mga ideya ay ipinatupad ni J. Whistler, sa Espanya - ni H. Sorolla, sa Inglatera - ni J. Sargent, sa Sweden - ni A. Zorn.

Impresyonismo sa Russia

Ang sining ng Rusya noong ika-19 na siglo ay naiimpluwensyahan ng kulturang Pranses, kaya't hindi maiwasan ng mga artista ng Russia na madala ng bagong kalakaran. Ang impressionism ng Rusya sa pagpipinta ay pinaka-tuloy at mabunga na kinakatawan sa gawain ni Konstantin Korovin, pati na rin sa mga gawa ni Igor Grabar, Isaac Levitan, Valentin Serov. Ang mga kakaibang katangian ng paaralang Ruso ay binubuo ng pagkadulas ng mga gawa.

Ano ang impresyonismo sa pagpipinta? Pinagsikapan ng mga nagtatag na artista na makuha ang mga pansamantalang impression ng pakikipag-ugnay sa kalikasan, at sinubukan din ng mga tagalikha ng Russia na iparating ang mas malalim, pilosopiko na kahulugan ng gawain.

Impresyonismo ngayon

Sa kabila ng katotohanang halos 150 taon na ang lumipas mula nang lumitaw ang direksyon, ang modernong impressionismo sa pagpipinta ay hindi nawala ang kaugnayan nito ngayon. Dahil sa pagiging emosyonal at kadalian ng pang-unawa, ang mga kuwadro na gawa sa ganitong istilo ay napakapopular at maging ang tagumpay sa komersyo. Samakatuwid, maraming mga artista sa buong mundo ang nagtatrabaho sa direksyon na ito. Samakatuwid, ang impressionism ng Russia sa pagpipinta ay ipinakita sa bagong museo ng Moscow na may parehong pangalan. Ang mga eksibisyon ng mga napapanahong may-akda, tulad ng V. Koshlyakov, N. Bondarenko, B. Gladchenko at iba pa, ay regular na gaganapin doon.

Mga obra maestra

Ang mga mahilig sa modernong sining ay madalas na tumawag sa Impresyonismo sa pagpipinta ng kanilang pinakamamahal na direksyon. Ang mga kuwadro na gawa ng mga artista ng paaralang ito ay ibinebenta sa mga auction sa hindi kapani-paniwala na mga presyo, at ang mga koleksyon sa mga museo ay masisiyahan ang pansin ng publiko. Ang pangunahing mga obra ng impressionismo ay itinuturing na mga kuwadro na gawa ni C. Monet "Water Lily" at "Rising Sun", O. Renoir "Ball at the Moulin de la Galette", C. Pissarro "Boulevard Montmartre sa gabi" at "Pont Boaldier sa Rouen sa isang maulan na araw ", E Degas" Absinthe ", kahit na ang listahan ay halos walang katapusan.

"Isang bagong mundo ang ipinanganak nang isulat ito ng mga impressionista"

Henri Kahnweiler

XIX siglo. France Ang isang walang uliran bagay na nangyari sa pagpipinta. Isang pangkat ng mga batang artista ang nagpasyang kalugin ang 500 taon ng tradisyon. Sa halip na isang malinaw na pagguhit, gumamit sila ng isang malawak, "madulas" na brushstroke.

At tuluyan nilang inabandona ang karaniwang mga imahe, na naglalarawan sa bawat isa sa isang hilera. At mga kababaihan ng madaling kabutihan, at mga ginoo na may kaduda-dudang reputasyon.

Ang publiko ay hindi handa para sa pagpipinta na Impressionist. Pinagtawanan at pinagalitan sila. At ang pinakamahalaga, walang binili mula sa kanila.

Ngunit ang paglaban ay nasira. At ang ilang mga Impresyonista ay nabuhay upang makita ang kanilang tagumpay. Totoo, lampas na sila sa 40. Tulad ni Claude Monet o Auguste Renoir. Ang iba ay natanggap lamang ang pagkilala sa pagtatapos ng kanilang buhay, tulad ni Camille Pissarro. May isang taong hindi nabuhay ayon sa kanya, tulad ni Alfred Sisley.

Anong rebolusyonaryo ang nagawa ng bawat isa sa kanila? Bakit hindi sila tinanggap ng publiko nang matagal? Narito ang 7 sa pinakatanyag na French Impressionist na alam ng mundo.

1. Edouard Manet (1832-1883)

Si Manet ay mas matanda kaysa sa karamihan sa mga Impressionist. Siya ang kanilang pangunahing inspirasyon.

Mismo si Manet ay hindi nagpanggap na pinuno ng mga rebolusyonaryo. Siya ay isang socialite. Pinangarap ko ang mga opisyal na parangal.

Ngunit naghintay siya ng pagkilala nang napakatagal. Nais ng madla na makita ang mga dyosa na Greek o buhay pa rin sa pinakamasama, upang magmukhang maganda sa silid kainan. Nais ni Manet na isulat ang modernong buhay. Halimbawa, mga courtesans.

Ang resulta ay Almusal sa Grass. Ang dalawang dandies ay nagpapahinga sa piling ng mga kababaihan ng madaling kabutihan. Ang isa sa kanila, na parang walang nangyari, umupo sa tabi ng mga bihis na lalaki.

Ihambing ang kanyang Almusal sa Grass kasama ang Mga Romano ni Tom Couture sa Pagtanggi. Ang pagpipinta ni Couture ay gumawa ng isang splash. Agad na sumikat ang artista.

Ang "Almusal sa Damo" ay inakusahan ng kabastusan. Ang mga buntis na kababaihan ay walang pasubali na hindi inirerekumenda na tumingin sa kanya.

Sa pagpipinta ni Couture, nakikita natin ang lahat ng mga katangian ng akademismo (tradisyonal na pagpipinta noong ika-16 hanggang ika-19 na siglo). Mga haligi at estatwa. Ang mga tao ng Apollo hitsura. Tradisyunal na mga kulay na naka-mute. Ang paraan ng mga pustura at kilos. Isang balangkas mula sa malayong buhay ng isang ganap na magkakaibang mga tao.

Iba't ibang format ang "Almusal sa Damo" ni Manet. Bago siya, walang gumanap nang ganoong kadali ang paglarawan ng mga courtesy. Susunod sa kagalang-galang na mga mamamayan. Bagaman maraming mga kalalakihan sa oras na iyon ang gumugol ng kanilang oras sa paglilibang. Ito ang totoong buhay ng totoong mga tao.

Minsan ay inilarawan niya ang isang kagalang-galang na ginang. Pangit. Hindi niya siya ma-flatter gamit ang isang brush. Nabigo ang ginang. Iniwan siya ng luhaan.

Kaya't nagpatuloy siya sa pag-eksperimento. Halimbawa, may kulay. Hindi niya sinubukan na ilarawan ang tinaguriang natural na lasa. Kung nakakita siya ng kulay abong-kayumanggi tubig na asul na asul, pagkatapos ay inilarawan niya ito bilang maliwanag na asul.

Ito, syempre, inis sa madla. "Pagkatapos ng lahat, kahit na ang Dagat Mediteraneo ay hindi maaaring magyabang ng isang asul na tubig ng Manet," sila ay pumutok.

Ngunit ang katotohanan ay nananatili. Radetong binago ni Manet ang layunin ng pagpipinta. Ang pagpipinta ay naging sagisag ng sariling katangian ng artist, na nagsusulat ayon sa gusto niya. Nakalimutan ang mga pattern at tradisyon.

Ang Innovation ay hindi pinatawad sa kanya ng mahabang panahon. Naghihintay lamang ang pagkilala sa pagtatapos ng kanyang buhay. Ngunit hindi na niya ito kailangan. Masakit siyang napapawi mula sa isang hindi magagamot na sakit.

2. Claude Monet (1840-1926)

Si Claude Monet ay maaaring tawaging isang impressionist sa aklat. Dahil siya ay matapat sa direksyon na ito sa lahat ng kanyang mahabang buhay.

Hindi niya pininturahan ang mga bagay at tao, ngunit isang solong kulay na istraktura ng silaw at mga spot. Paghiwalayin ang mga stroke. Nanginginig na hangin.

Si Monet ay nagsulat hindi lamang tungkol sa kalikasan. Nagtagumpay din siya sa mga tanawin ng lunsod. Isa sa pinakatanyag -.

Ang larawang ito ay maraming larawan. Halimbawa, ang paggalaw ay nakunan gamit ang isang malabo na imahe.

Mangyaring tandaan: ang malalayong mga puno at pigura ay tila nasa isang ulapot.

Bago sa amin ay isang nakapirming sandali ng umuukit na buhay ng Paris. Walang staging. Walang nagpipose. Ang mga tao ay itinatanghal bilang isang koleksyon ng mga stroke. Ang walang kabuluhang at epekto ng freeze-frame na ito ang pangunahing tampok ng impressionism.

Sa kalagitnaan ng 80s, ang mga artista ay nabigo sa Impressionism. Aesthetics ay, syempre, mabuti. Ngunit ang kalokohan ay nalungkot ang marami.

Si Monet lamang ang nagpatuloy na nagpumilit, nagpapalaki ng impressionism. Bumuo ito sa isang serye ng mga kuwadro na gawa.

Dikit-dikit niyang pininturahan ang parehong tanawin. Sa iba't ibang oras ng araw. Sa iba't ibang oras ng taon. Upang maipakita kung paano mababago ng temperatura at ilaw ang parehong hitsura na hindi makikilala.

Ganito lumitaw ang hindi mabilang na mga haystack.

Mga kuwadro na gawa ni Claude Monet sa Museum of Fine Arts sa Boston. Kaliwa: Haystacks sa paglubog ng araw sa Giverny, 1891 Kanan: Haystack (epekto ng niyebe), 1891

Mangyaring tandaan na ang mga anino sa mga kuwadro na ito ay may kulay. At hindi kulay-abo o itim, tulad ng nakagawian bago ang mga Impressionist. Ito ay isa pang imbensyon nila.

Nagawang magustuhan ni Monet ang tagumpay at kagalingang materyal. Pagkatapos ng 40, nakalimutan na niya ang tungkol sa kahirapan. Nakakuha ng bahay at isang magandang hardin. At nagtrabaho siya para sa kanyang kasiyahan sa maraming taon pa.

Basahin ang tungkol sa pinaka-iconic na pagpipinta ng master sa artikulo

3. Auguste Renoir (1841-1919)

Ang impresyonismo ay ang pinaka positibong pagpipinta. At ang pinakapositibo sa mga Impressionist ay si Renoir.

Hindi ka makakahanap ng drama sa kanyang mga kuwadro na gawa. Ni hindi siya gumamit ng itim na pintura. Ang saya lang ng pagiging. Kahit na ang pinaka-karaniwang lugar sa Renoir ay mukhang maganda.

Hindi tulad ng Monet, ang Renoir ay madalas na nagpinta ng mga tao. Hindi gaanong mahalaga sa kanya ang mga tanawin. Sa mga kuwadro na gawa, ang kanyang mga kaibigan at kakilala ay nagpapahinga at tinatangkilik ang buhay.

Hindi mo mahahanap sa Renoir at profundity. Tuwang-tuwa siyang sumali sa mga Impressionist, na mga botohan ay tumanggi na magplano.

Tulad ng sinabi niya mismo, sa wakas ay may pagkakataon siyang magpinta ng mga bulaklak at tawagin itong simpleng "Bulaklak". At huwag gumawa ng anumang mga kwento tungkol sa kanila.

Pinakamaganda sa lahat, naramdaman ni Renoir ang kanyang sarili sa piling ng mga kababaihan. Pinakiusapan niya ang kanyang mga maid na kumanta at magbiro. Ang mas bobo at walang muwang ng kanta ay mas mabuti para sa kanya. At pinagod siya ng lalaking daldal. Hindi nakakagulat na kilala si Renoir sa kanyang mga hubad na pinta.

Ang modelo sa pagpipinta na "Nude in the Sunlight" ay lilitaw na lumitaw laban sa isang makulay na background na abstract. Dahil para sa Renoir, walang pangalawa. Ang lugar ng mata o background ng modelo ay katumbas.

Si Renoir ay nabuhay ng mahabang buhay. At hindi ko inilapag ang brush at palette. Kahit na ang kanyang mga kamay ay ganap na nabalot ng rayuma, itinali niya ang brush sa kanyang kamay gamit ang isang lubid. At gumuhit.

Tulad ni Monet, nakatanggap siya ng pagkilala pagkaraan ng 40 taon. At nakita ko ang aking mga kuwadro na gawa sa Louvre, sa tabi ng mga gawa ng mga tanyag na panginoon.

Basahin ang tungkol sa isa sa mga pinaka kaakit-akit na larawan ng Renoir sa artikulo

4. Edgar Degas (1834-1917)

Si Degas ay hindi isang klasikong impresyonista. Hindi niya nais na magtrabaho sa bukas na hangin. Hindi ka makakahanap ng isang sinadyang magaan na paleta sa kanya.

Sa kabaligtaran, mahal niya ang isang malinaw na linya. Marami siyang kulay itim. At eksklusibo siyang nagtrabaho sa studio.

Gayunpaman siya ay laging nasa ranggo kasabay ng iba pang magagaling na Impressionist. Dahil siya ay isang impressionista ng kilos.

Hindi inaasahang mga anggulo. Asymmetry sa pag-aayos ng mga bagay. Mga character na kinagulat. Ito ang pangunahing mga katangian ng kanyang mga kuwadro na gawa.

Pinahinto niya ang mga sandali ng buhay, hindi pinapayagan ang mga tauhan na magkaroon ng kamalayan. Tingnan lamang ang kanyang Opera Orchestra.

Sa harapan ay ang likod ng isang upuan. Nakatalikod sa atin ang musikero. At sa likuran ang mga ballerinas sa entablado ay hindi umaangkop sa "frame". Ang kanilang mga ulo ay walang awa na "putulin" sa gilid ng larawan.

Ang kanyang mga paboritong mananayaw ay hindi palaging inilalarawan sa magagandang pose. Minsan nag-uunat lang sila.

Ngunit tulad ng isang improvisation ay haka-haka. Siyempre, maingat na naisip ni Degas ang tungkol sa komposisyon. Ito ay isang epekto lamang sa freeze frame, hindi isang tunay na frame ng freeze.

Gustung-gusto ni Edgar Degas na magpinta ng mga kababaihan. Ngunit ang mga katangian ng sakit o katawan ay hindi pinapayagan siyang makipag-pisikal sa kanila. Hindi pa siya kasal. Wala pang nakakita sa kanya kasama ang isang ginang.

Ang kawalan ng totoong mga plano sa kanyang personal na buhay ay nagdagdag ng isang banayad at matinding erotismo sa kanyang mga imahe.

Mangyaring tandaan na ang ballerina lamang mismo ang iginuhit sa pagpipinta na "The Star of the Ballet". Ang kanyang mga kasamahan sa likod ng mga eksena ay halos hindi makilala. Siguro ilang paa.

Hindi ito nangangahulugan na hindi nakumpleto ni Degas ang larawan. Ito ang pamamaraan. Itago lamang ang pinakamahalaga sa pagtuon. Ang natitira ay dapat gawin na nawawala, nababasa.

Basahin ang tungkol sa iba pang mga kuwadro na gawa ng master sa artikulo

5. Berthe Morisot (1841-1895)

Si Berthe Morisot ay bihirang mailagay sa unang hilera ng mga dakilang impressionista. Sigurado akong hindi ito nararapat. Dito mo lamang makikita ang lahat ng mga pangunahing tampok at diskarte ng impressionism. At kung gusto mo ang istilong ito, magugustuhan mo ang kanyang gawain nang buong puso.

Mabilis at mabilis na gumana si Morisot, inililipat ang kanyang impression sa canvas. Ang mga numero ay tila tungkol sa matunaw sa kalawakan.

Tulad ni Degas, madalas niyang iwan ang ilang mga detalye. At kahit na mga bahagi ng katawan ng modelo. Hindi namin makilala ang mga kamay ng batang babae sa pagpipinta na "Tag-init".

Ang landas ni Morisot sa pagpapahayag ng sarili ay mahirap. Hindi lamang iyon siya ay nakikibahagi sa "sloppy" na pagpipinta. Babae pa rin siya. Sa mga araw na iyon, ang isang ginang ay dapat managinip ng kasal. Pagkatapos nito, ang anumang libangan ay nakalimutan.

Samakatuwid, si Bertha ay tumanggi sa pag-aasawa nang mahabang panahon. Hanggang sa natagpuan ko ang isang lalaki na magalang sa kanyang trabaho. Si Eugene Manet ay kapatid ng artist na si Édouard Manet. Masunurin siyang nagdala ng isang kuda at mga pintura para sa kanyang asawa.

Ngunit pa rin ito ay noong ika-19 na siglo. Hindi, si Morisot ay hindi nagsusuot ng pantalon. Ngunit hindi niya kayang bayaran ang kumpletong kalayaan sa paggalaw.

Hindi siya makapunta sa parke upang magtrabaho mag-isa, walang kasama ng isang malapit. Hindi ako nakaupo ng mag-isa sa isang cafe. Samakatuwid, ang kanyang mga kuwadro na gawa ay ang mga tao mula sa bilog ng pamilya. Asawa, anak na babae, kamag-anak, mga yaya.

Hindi naghintay si Morisot para sa pagkilala. Namatay siya sa edad na 54 mula sa pneumonia, na hindi nabili ang halos isang solong ng kanyang trabaho sa kanyang buhay. Sa kanyang sertipiko ng kamatayan, mayroong isang dash sa linya ng negosyo. Hindi inisip na ang isang babae ay matawag na artista. Kahit na siya talaga.

Basahin ang tungkol sa mga kuwadro na gawa ng master sa artikulo

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Camille Pissarro. Walang hidwaan, walang husay. Marami ang nag-isip sa kanya bilang isang guro. Kahit na ang pinakahinahon na mga kasamahan ay hindi nagsasalita ng masama tungkol kay Pissarro.

Siya ay isang matibay na tagasunod ng Impressionism. Sa matinding pangangailangan, kasama ang isang asawa at limang anak, nagsipag pa rin siya sa kanyang paboritong istilo. At hindi siya lumipat sa pagpipinta ng salon upang maging mas tanyag. Hindi alam kung saan nakuha ang lakas na maniwala sa sarili hanggang sa huli.

Upang hindi mamatay sa gutom, pininturahan ni Pissarro ang mga tagahanga, na kusang-loob niyang binili. At ang tunay na pagkilala ay dumating sa kanya makalipas ang 60 taon! Pagkatapos ay sa wakas ay nakalimutan niya ang tungkol sa pangangailangan.

Makapal at siksik ang hangin sa mga pinta ni Pissarro. Isang pambihirang pagsasama ng kulay at dami.

Ang artist ay hindi natatakot upang ipinta ang pinaka-nababago natural na phenomena na lilitaw para sa isang sandali at mawala. Unang niyebe, mayelo na araw, mahaba ang mga anino.

Ang pinakatanyag niyang akda ay ang tanawin ng Paris. Na may malawak na boulevards, isang mataong karamihan ng tao motley. Sa gabi, sa araw, sa iba't ibang panahon. Sa ilang mga paraan mayroon silang katulad sa isang serye ng mga kuwadro na gawa ni Claude Monet.

IMPRESSIONISM(Pransya impressionnisme, mula sa impression - impression) - isang direksyon sa sining noong huling bahagi ng 1860s - unang bahagi ng 1880s, ang pangunahing layunin na ihatid ang panandalian, nababago na mga impression. Ang impresyonismo ay batay sa pinakabagong mga pagtuklas ng optika at teorya ng kulay; sa ito siya ay katinig sa diwa ng pang-agham na pagtatasa ng katangian ng huling bahagi ng ika-19 na siglo. Ang impresyonismo ay higit na malinaw na nagpakita ng pagpipinta, kung saan binigyan ng espesyal na pansin ang paglipat ng kulay at ilaw.

Ang impresyonismo ay lumitaw sa Pransya noong huling bahagi ng 1860s. Ang mga nangungunang kinatawan nito ay sina Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley at Jean Frederic Bazille. Ipinakita ni Edouard Manet at Edgar Degas ang kanilang mga kuwadro na gawa sa kanila, kahit na ang istilo ng kanilang mga gawa ay hindi matatawag na impressionistic. Ang salitang "impressionism" ay nagmula sa pangalan ng pagpipinta ni Monet Impresyon Sumisikat na araw(1872, Paris, Marmottan Museum), ipinakita sa eksibisyon noong 1874. Ang pangalan ay nagpapahiwatig na ang artist ay nagpapahiwatig lamang ng kanyang panandaliang impression ng tanawin. Ngayon ang terminong "impressionismismo" ay naiintindihan nang mas malawak kaysa sa pang-subject na paningin ng artist: bilang isang masusing pag-aaral ng kalikasan, pangunahin sa mga tuntunin ng kulay at ilaw. Ang konseptong ito ay mahalagang kabaligtaran ng tradisyunal na pag-unawa, na nagsimula pa noong Renaissance, bilang pangunahing gawain ng pagpipinta bilang paghahatid ng hugis ng mga bagay. Ang layunin ng mga Impressionist ay upang ilarawan ang instant, na parang "random" na mga sitwasyon at paggalaw. Pinadali ito ng kawalaan ng simetrya, pagkakawatak-watak ng mga komposisyon, paggamit ng mga kumplikadong anggulo at hiwa ng mga numero. Ang larawan ay nagiging isang hiwalay na frame, isang fragment ng gumagalaw na mundo.

Ang mga tanawin at tanawin mula sa buhay sa lunsod - marahil ang pinaka-katangian na mga genre ng pagpipinta na impresyonista - ay ipininta "sa bukas na hangin," iyon ay, direkta mula sa kalikasan, at hindi batay sa mga sketch at paghahanda ng mga sketch. Ang mga Impressionist ay tumingin ng mabuti sa kalikasan, napansin ang mga kulay at shade na karaniwang hindi nakikita, tulad ng asul sa mga anino. Ang kanilang masining na pamamaraan ay binubuo ng pagkabulok ng mga kumplikadong tono sa kanilang nasasakupang dalisay na kulay ng spectrum. Ang mga may kulay na anino at purong ilaw na nakamamanghang pagpipinta ay nakabukas. Ang mga Impressionist ay naglapat ng mga pintura sa magkakahiwalay na mga stroke, kung minsan ay gumagamit ng mga contrasting tone sa isang lugar ng pagpipinta, iba-iba ang laki ng mga stroke. Minsan halimbawa Ang pangunahing tampok ng mga kuwadro na gawa ng mga Impressionist ay ang epekto ng isang matingkad na shimmer ng mga kulay.

Sina Camille Pissarro, Alfred Sisley at Claude Monet ay ginusto ang mga landscape at tanawin ng lunsod sa kanilang gawain. Si Auguste Renoir ay nagpinta ng mga tao sa dibdib ng kalikasan o sa loob. Ang kanyang trabaho ay perpektong naglalarawan ng pagkahilig na katangian ng impresyonismo upang lumabo ang mga linya sa pagitan ng mga genre. Ang mga larawan tulad ng Bola sa Moulin de la Galette (Paris, Musée d'Orsay) o Rowers agahan (1881, Washington, Phillips Gallery), ay mga makukulay na alaala ng mga kagalakan sa buhay, lunsod o kanayunan.

Ang mga katulad na paghahanap para sa paghahatid ng light-air medium, ang agnas ng mga kumplikadong tono sa mga purong kulay ng solar spectrum, ay naganap hindi lamang sa Pransya. Kasama sa mga Impressionist sina James Whistler (England at USA), Max Lieberman, Lovis Corinto (Alemanya), Joaquin Sorolla (Espanya), K.A. Korovin, I.E. Grabar (Russia).

Ang impresyonismo sa iskultura ay nagpapahiwatig ng isang buhay na libreng pagmomodelo ng mga likidong malambot na form, na lumilikha ng isang kumplikadong pag-play ng ilaw sa ibabaw ng materyal at isang pakiramdam ng pagiging hindi kumpleto. Ang mga poses ay tumpak na nakuha ang sandali ng paggalaw, pag-unlad; ang mga pigura ay tila kinukunan ng isang nakatagong kamera, tulad ng, halimbawa, sa ilang mga akda nina E. Degas at O. Roden (France), Medardo Rosso (Italya), P.P Trubetskoy (Russia).

Sa simula ng ika-20 siglo. sa pagpipinta, ang mga bagong hilig ay nakabalangkas, na ipinahayag sa pagtanggi ng pagiging totoo at ang apela sa abstraction; naging sanhi sila upang talikuran ang impressionism. Gayunpaman, ang Impresyonismo ay nag-iwan ng isang mayamang pamana: pangunahin ang isang interes sa mga isyu sa kulay, pati na rin ang isang halimbawa ng isang matapang na pahinga sa tradisyon.

Impresyonismo(Pransya impressionnisme, mula sa impression - impression) - isang kalakaran sa sining ng huling ikatlong bahagi ng XIX - maagang XX siglo, na nagmula sa Pransya at pagkatapos ay kumalat sa buong mundo, na ang mga kinatawan ay naghahangad na likas na makuha ang totoong mundo sa kanyang kadaliang kumilos. at pagkakaiba-iba, ihatid ang kanilang mga panandaliang impression ...

1. Paglaya mula sa mga tradisyon ng pagiging totoo (walang mitolohiko, biblikal at makasaysayang mga larawan, modernong buhay lamang).

2. Pagmamasid at pag-aaral ng nakapaligid na katotohanan. Hindi kung ano ang nakikita niya, ngunit kung paano niya nakikita mula sa pananaw ng pinaghihinalaang "visual esensya ng mga bagay"

3. Pang-araw-araw na buhay ng isang modernong lungsod. Sikolohiya ng mamamayan. Ang dynamics ng buhay. Ang bilis, ang ritmo ng buhay.

4. "Ang epekto ng isang pinalawig na instant"

5. Maghanap ng mga bagong form. Maliit na laki ng mga gawa (sketch, cropping). Hindi tipikal, ngunit kaswal.

6. Ang serye ng mga kuwadro na gawa (Monet's "Haystacks")

7. Ang pagiging bago ng sistemang nakalarawan. Buksan ang purong kulay. Ang lunas, ang pinakamayamang koleksyon ng mga reflexes, kaba.

8. Paghahalo ng mga genre.

Edouard Manet - nagpapabago Mula sa mapurol na mga siksik na tono hanggang sa magaan na pagpipinta. Pagkakasira ng mga komposisyon.

"Olympia" - umaasa kay Titian, Giorgione, Goya. Posed ni Victoria Muran. Ang Venus ay inilalarawan bilang isang modernong cocotte. Sa paanan ng isang itim na pusa. Ang isang itim na babae ay nagtatanghal ng isang palumpon. Ang background ay isang madilim, mainit na tono ng katawan ng isang babae tulad ng isang perlas sa mga asul na sheet. Nilabag ang dami. Walang black-and-white na pagmomodelo.

"Almusal sa damuhan" - isang modelo at dalawang artista + tanawin + buhay pa rin. Ang mga black frock coat ay bumubuo ng isang kaibahan sa hubad na katawan.

"Flutist" - ang impression ng musika.

"Folies Bergère Bar" -ang batang babae ay ang barmaid. Ang kilabot ng spied moment. Kalungkutan ng nakakabagabag na lungsod. Ang ilusyon ng kaligayahan. Inilagay ko ito sa buong canvas (hindi ma-access sa aking mga saloobin, ngunit magagamit sa mga kliyente ng bar). Ang isang buong bulwagan ng mga bisita ay isang imahe ng mundo.

Claude Monet -inabandona ang tradisyonal na pagkakasunud-sunod (mga subtleties, glazing, atbp.) - ala prima

"Impresyon. Sumisikat na araw "-fieria ng dilaw, orange, berde. Ang bangka ay isang visual accent. Mahirap, hindi natapos na tanawin, walang mga contour. Pagkakaiba-iba ng light-air environment. Ang mga sinag ng ilaw ay nagbabago ng paningin.

"Almusal sa Grass" -gilid ng kagubatan, karanasan sa piknik , madilim na berde na saklaw na sinagitan ng kayumanggi at itim. Ang mga dahon ay basa-basa. Ang mga damit at mantel ng babae ay naiilawan, puno ng hangin, ilaw sa pamamagitan ng mga dahon.

"Boulevard des Capucines sa Paris" -pinaghiwalay Pinutol ang dalawang tao na nakatingin sa boulevard mula sa balkonahe. Ang dami ng tao ay ang buhay ng lungsod. Kalahati sa ilaw mula sa papalubog na araw at kalahati sa lilim ng gusali. Walang visual center, instant na impression.

"Mga bato sa Belle-Ile»- isang mobile na masa ng tubig ang nangingibabaw (makapal na mga stroke). Masiglang inilapat ang mga iridescent shade. Ang mga bato ay makikita sa tubig at tubig sa mga bato. Pakiramdam ang lakas ng mga elemento, kumukulong berde-asul na tubig. Komposisyon na may isang mataas na abot-tanaw.

"Gare Saint-Lazare" -ang loob ng istasyon ay ipinapakita, ngunit ang lokomotibo at ang singaw, na kung saan saan man, ay mas interesado (pang-akit sa fog, lilac haze).

Pierre Auguste Renoir - isang artista ng kagalakan, kilala lalo na bilang isang master ng sekular na larawan, hindi wala ng sentimentalidad.

"Swing" - natatagusan ng mga maiinit na kulay, ipinakita ang kabataan, ang batang babae ay nasa ilalim ng impression.

"Bola sa Moulin de la Gallette" -genre ng eksena. Araw Mga kabataan, mag-aaral, saleswomen, atbp. Sa mga mesa sa ilalim ng mga puno ng akasya, isang dance floor. Umaapaw ang ilaw (sunbeams sa likod).

"Portrait of Jeanne Samary" -kababaihan bulaklak. Kaakit-akit, pambabae, kaaya-aya, nakakaantig, direktang artista. Malalim na mga mata, magaan na maaraw na ngiti.

"Portrait of Madame Charpentier na may mga anak" - isang matikas na panlipunan sa isang itim na damit na may isang tren at dalawang batang babae na may asul. Mga tapiserya, mesa, aso, parket - lahat ay nagsasalita ng yaman ng pamilya.

Edgar Degas - Hindi nagsulat sa bukas na hangin, ang kulto ng linya at pagguhit. Mga Komposisyon pahilis (mula sa ibaba hanggang sa itaas)); Hugis ng S, mga hugis na spiral + isang bintana mula sa kung aling ilaw + ilaw mula sa mga spotlight. Langis, pagkatapos kama.

"Ballet girls", "Dancers" - sinasalakay ang buhay ng mga ballerinas. Ang mga stroke ay nagkokonekta sa pagguhit at pagpipinta. Patuloy na ritmo ng pag-eehersisyo.

"Mga Blue dancer" - walang sariling katangian - isang solong korona ng mga katawan. Sa isang sulok ay may ilaw pa rin mula sa mga rampa, at sa kabilang dako ang anino ng mga kurtina. Ang sandali ay mga artista at ordinaryong tao pa rin. Malinaw na mga silweta, mga asul na damit na asul na mais. Pagkakahati - ang mga tauhan ay hindi tumitingin sa manonood.

"Apsent" -lalaki at babae ay nakaupo sa isang cafe. Saklaw ng abo. Ang isang lalaking may tubo ay tumingin sa isang direksyon, at ang isang lasing na babae na may hiwalay na tingin ay isang masakit na kalungkutan.

Camille Pissarro -nasisiyahan sa mga landscape, kabilang ang mga tao, cart. Motibo ng kalsada sa paglalakad. Mahal na tagsibol at taglagas.

"Pasok sa nayon ng Voisin"- malabo, malambot na tanawin, mga puno sa tabi ng kalsada - i-frame ang pasukan, halo ang kanilang mga sanga, natutunaw sa kalangitan. Mabagal ang paglalakad ng kabayo, mahinahon. Ang mga bahay ay hindi lamang mga bagay sa arkitektura, ngunit mga tirahan para sa mga tao (mainit na pugad).

"Opera Passage sa Paris" (serye) - kulay-abo na maulap na araw. Ang mga bubong ay bahagyang may pulbos na niyebe, basa ang simento, ang mga gusali ay nalulunod sa isang kumot ng niyebe, ang mga dumadaan na may mga payong ay nagiging mga anino. Ang kulay ng mahalumigmig na hangin ay bumabalot. Lilac-blue, mga tono ng oliba. Maliit na hampas.

Alfred Sisley - Hinahangad na mapansin ang kagandahan ng kalikasan, mahabang tula katahimikan, likas sa kanayunan ng kanayunan.

"Frost sa Louveciennes" -umaga, sariwang estado, mga bagay na naliligo sa ilaw (pagsasanib). Walang mga anino (banayad na mga nuances), kulay-dilaw-kahel na kulay. Isang tahimik na sulok, hindi isang mabilis na lungsod. Pakiramdam ng kadalisayan, hina, pag-ibig para sa lugar na ito

Impresyonismo sa Russia. bubuo sa ibang oras at sa isang mas mabilis na tulin kaysa sa France

V. A. Serov -walang malasakit sa pang-akademikong pagguhit ay nais na ipakita ang kagandahan ng kalikasan sa kulay.

"Girl with peach"- isang larawan ni Vera Mamontova. Ang lahat ay natural at nakakarelaks, ang bawat detalye ay konektado sa bawat isa. Ang ganda ng mukha ng isang batang babae, tula ng isang imahe ng buhay, makinang na makulay na pagpipinta. Ang kagandahan at pagiging bago ng etude, dalawang pagkahilig, dalawang puwersang pinagsama, na bumubuo ng isang solong anyo ng pang-larawan na paningin. Ang lahat ay tila napaka-simple at natural, ngunit kung gaano kalalim at integridad ang pagiging simple !! Sa sukdulang pagpapahayag V. Ipinarating ni Serov ang ilaw na bumubuhos sa isang silvery stream mula sa bintana at pinupunan ang silid. Ang batang babae ay nakaupo sa mesa at hindi abala sa anumang bagay, na parang talagang naupo siya sandali, mekanikal na kinuha ang isang peach at hinawakan ito, tingnan at simple ang pagtingin sa iyo. Ngunit ang kapayapaan na ito ay panandalian lamang, at sa pamamagitan nito makikita ang pagkahilig para sa masiglang kilusan.

"Mga Bata" - ipinapakita ang espirituwal na mundo ng mga bata (anak na lalaki). Ang matanda ay tumitingin sa paglubog ng araw, at ang nakababata ay nakaharap sa manonood. Iba't ibang pananaw sa buhay.

"Mika Morozov" - nakaupo sa isang upuan, ngunit gumulong papunta sa manonood. Naipadala ang emosyon ng mga bata.

"Chorus girl" - etude Nagpinta siya ng makatas na mga stroke ng brush, malawak na stroke sa mga dahon, stroke na patayo, minsan pahalang at naiiba sa pagkakayari ⇒ dinamismo, hangin at ilaw. Isang kumbinasyon ng kalikasan at isang batang babae, kasariwaan, kusang-loob.

"Paris. Boulevard Capuchinok "-motley kaleidoscope ng mga kulay. Artipisyal na ilaw - aliwan, pandekorasyon, theatricality.

I.E. Grabar -masigasig, emosyonal na simula.

« Pebrero Azure " - Nakita ko ang isang puno ng birch mula sa antas ng lupa at laking gulat ko. Ang mga huni ng bahaghari ay pinag-isa ng azure ng kalangitan. Ang birch ay monumental (sa buong canvas).

"Marso snow" - nagdadala ang batang babae ng mga balde sa isang pamatok, ang anino ng isang puno sa natunaw na niyebe.

Ang impresyonismo ay nagbukas ng isang bagong sining - mahalaga, tulad ng nakikita ng artist, mga bagong porma at paraan ng pagtatanghal. Mayroon silang sandali, mayroon kaming isang extension sa oras; mayroon kaming mas kaunting dynamics, mas romantismo.

Mane Almusal sa damuhan Mane Olympia

Manet "Bar Folies Bergères" Manet Flutist "

Monet "Impresyon. Monet's Rising Sun "Almusal sa Damo" - "Boulevard des Capucines sa Paris"

Monet's "Rocks at Belle-Ile»Monet "Gare Saint-Lazare

Monet "Boulevard des Capucines sa ParisRenoir"Swing"

Renoir "Ball at the Moulin de la Gallette" Renoir "Portrait of Jeanne Samary"

Renoir "Portrait of Madame Charpentier na may mga anak"

Degas "Mga Blue dancer" Degas "Apsent"

Pissarro -"Opera Passage sa Paris" (serye) Pissarro "Pasok sa nayon ng Voisin»

Sisley "Frost in Louveciennes" Serov "Girl with Peaches"

Serov "Mga Anak" Serov "Mika Morozov"

Korovin "Chorus Girl" Korovin "Paris. Boulevard Capuchinok "

Grabar "Pebrero Azure" Grabar "March Snow"