"Ang musika ay mas mataas kaysa sa anumang karunungan at pilosopiya ..."

Beethoven at symphony

Ang salitang "symphony" ay kadalasang ginagamit pagdating sa mga gawa ni Ludwig van Beethoven. Inilaan ng kompositor ang isang makabuluhang bahagi ng kanyang buhay sa pagperpekto sa genre ng symphony. Ano ang anyo ng komposisyong ito, na siyang pinakamahalagang bahagi ng pamana ni Beethoven at matagumpay na umuunlad ngayon?

Pinagmulan

Ang symphony ay isang pangunahing piraso ng musika na isinulat para sa isang orkestra. Kaya, ang konsepto ng "symphony" ay hindi tumutukoy sa anumang partikular na genre ng musika. Maraming mga symphony ang mga tonal na gawa sa apat na paggalaw, na ang sonata ay itinuturing na unang anyo. Karaniwang inuri sila bilang mga klasikal na symphony. Gayunpaman, kahit na ang mga gawa ng ilang sikat na masters ng klasikal na panahon - tulad nina Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart at Ludwig van Beethoven - ay hindi akma sa modelong ito.

Ang salitang "symphony" ay nagmula sa Griyego, na nangangahulugang "tunog nang sama-sama." Si Isidore mula sa Seville ang unang gumamit ng Latin na anyo ng salitang ito para sa isang double-headed drum, at noong XII-XIV siglo sa France ang salitang ito ay nangangahulugang "organ". Sa kahulugan ng "sound together", lumilitaw din ito sa mga pamagat ng ilang mga gawa ng mga kompositor noong ika-16 at ika-17 siglo, kasama sina Giovanni Gabriele at Heinrich Schutz.

Noong ika-17 siglo, para sa karamihan ng panahon ng Baroque, ang mga terminong "symphony" at "synphony" ay inilapat sa maraming iba't ibang komposisyon, kabilang ang mga instrumental na piyesa na ginagamit sa mga opera, sonata, at concerto - kadalasan bilang bahagi ng isang mas malaking akda. Sa operatic synphony, o Italian overture, noong ika-18 siglo, nabuo ang isang karaniwang istraktura ng tatlong magkakaibang bahagi: mabilis, mabagal at mabilis na sayaw. Ang form na ito ay itinuturing na agarang hinalinhan ng orchestral symphony. Para sa karamihan ng ika-18 siglo, ang mga terminong overture, symphony, at synphony ay itinuturing na maaaring palitan.

Ang isa pang mahalagang hinalinhan ng symphony ay ang ripieno concerto, isang medyo hindi gaanong pinag-aralan na anyo na nakapagpapaalaala sa isang concerto para sa mga string at basso continuo, ngunit walang mga solong instrumento. Ang pinakauna at pinakauna sa mga konsiyerto ni Ripieno ay ang mga gawa ni Giuseppe Torelli. Nagsulat din si Antonio Vivaldi ng mga ganitong uri. Marahil ang pinakasikat na Ripieno concert ay ang Brandenburg Concerto ni Johann Sebastian Bach.

Symphony noong ika-18 siglo

Ang mga naunang symphony ay isinulat sa tatlong bahagi na may sumusunod na paghahalili ng tempo: mabilis - mabagal - mabilis. Naiiba din ang mga symphony sa mga pagtatanghal ng Italyano dahil nilayon ang mga ito para sa independiyenteng pagtatanghal ng konsiyerto, at hindi para sa pagtatanghal sa entablado ng opera, bagama't ang mga akdang orihinal na isinulat bilang mga overture ay minsang ginagamit bilang mga symphony at vice versa. Karamihan sa mga unang symphony ay isinulat sa major.

Ang mga symphony na nilikha noong ika-18 siglo para sa konsiyerto, opera o mga pagtatanghal sa simbahan ay ginanap na may kasamang mga komposisyon ng iba pang mga genre o nakahanay sa isang hanay ng mga suite o overture. Nangibabaw ang vocal music, kung saan ginampanan ng mga symphony ang papel na preludes, interludes at postludes (nagtatapos na mga bahagi).
Noong panahong iyon, ang karamihan sa mga symphony ay maikli, mula sampu hanggang dalawampung minuto ang haba.

Ang mga symphony na "Italian", na kadalasang ginagamit bilang mga overture at intermission sa mga paggawa ng opera, ay tradisyonal na may tatlong bahagi na anyo: isang mabilis na paggalaw (allegro), isang mabagal na paggalaw at isa pang mabilis na paggalaw. Ang lahat ng mga unang symphony ni Mozart ay isinulat ayon sa pamamaraang ito. Ang unang bahagi ng tatlong-bahagi na anyo ay unti-unting pinalitan ng apat na bahagi na anyo, na nangibabaw sa katapusan ng ika-18 siglo at sa halos lahat ng ika-19 na siglo. Ang symphonic form na ito, na nilikha ng mga German composers, ay naiugnay sa "klasikal" na istilo ni Haydn at kalaunan ay Mozart. Ang isang karagdagang bahagi ng "sayaw" ay lumitaw, at ang unang bahagi ay kinilala bilang "ang una sa mga katumbas".

Ang karaniwang apat na bahagi na anyo ay binubuo ng:
1) ang mabilis na bahagi sa binary o - sa susunod na panahon - sonata form;
2) ang mabagal na bahagi;
3) isang minuet o trio sa isang three-component form;
4) isang mabilis na paggalaw sa anyo ng isang sonata, rondo o sonata-rondo.

Ang mga pagkakaiba-iba ng istrukturang ito ay itinuturing na karaniwan, tulad ng pagbabago ng pagkakasunud-sunod ng dalawang gitnang seksyon o pagdaragdag ng mabagal na pagpapakilala sa unang mabilis na seksyon. Ang unang symphony na alam nating may kasamang minuet bilang ang ikatlong kilusan ay isang akda sa D major, na isinulat noong 1740 ni Georg Matthias Mann, at ang unang kompositor na patuloy na nagdagdag ng minuet bilang bahagi ng isang four-movement form ay si Jan Stamitz.

Ang mga unang symphony ay binubuo pangunahin ng mga kompositor ng Viennese at Mannheim. Ang mga unang kinatawan ng paaralang Viennese ay sina Georg Christoph Wagenzeil, Wenzel Raymond Birk at Georg Mathias Monn, at Jan Stamitz na nagtrabaho sa Mannheim. Totoo, hindi ito nangangahulugan na ang mga symphony ay ginawa lamang sa dalawang lungsod na ito: sila ay binubuo sa buong Europa.

Ang pinakasikat na mga symphonist noong huling bahagi ng ika-18 siglo ay sina Joseph Haydn, na sumulat ng 108 symphony sa loob ng 36 na taon, at Wolfgang Amadeus Mozart, na lumikha ng 56 symphony sa loob ng 24 na taon.

Symphony noong ika-19 na siglo

Sa paglitaw ng mga permanenteng propesyonal na orkestra noong 1790-1820, ang symphony ay nagsimulang sumakop sa isang lalong kilalang lugar sa buhay ng konsiyerto. Ang unang academic concert ni Beethoven na "Christ on the Mount of Olives" ay naging mas tanyag kaysa sa kanyang unang dalawang symphony at sa kanyang piano concerto.

Malaking pinalawak ni Beethoven ang mga nakaraang ideya tungkol sa genre ng symphony. Ang kanyang Ikatlong ("Kabayanihan") Symphony ay kapansin-pansin para sa sukat at emosyonal na nilalaman nito, na higit sa lahat ng komposisyon ng symphonic genre na nilikha noon, at sa Ninth Symphony, ang kompositor ay gumawa ng isang hindi pa nagagawang hakbang, kabilang ang bahagi para sa soloista at koro sa huling kilusan, na naging isang choral symphony ang gawaing ito.

Ginamit ni Hector Berlioz ang parehong prinsipyo sa pagsulat ng kanyang "dramatic symphony" na "Romeo and Juliet". Pinalitan nina Beethoven at Franz Schubert ang tradisyonal na minuet ng mas masiglang scherzo. Sa Pastoral Symphony, si Beethoven ay nagpasok ng isang fragment ng "bagyo" bago ang pagtatapos na bahagi, habang si Berlioz ay gumamit ng isang martsa at isang waltz sa kanyang programa na Fantastic Symphony, at isinulat din ito sa lima, hindi apat, gaya ng nakaugalian, mga bahagi.

Pinalawak nina Robert Schumann at Felix Mendelssohn, mga nangungunang German composers, ang harmonic na bokabularyo ng romantikong musika sa kanilang mga symphony. Ang ilang mga kompositor - halimbawa, ang Pranses na si Hector Berlioz at ang Hungarian na si Franz Liszt - ay nagsulat ng mahusay na tinukoy na mga programmatic symphony. Ang mga gawa ni Johannes Brahms, na kinuha ang mga gawa ni Schumann at Mendelssohn bilang panimulang punto, ay nakikilala sa pamamagitan ng isang partikular na higpit ng istruktura. Ang iba pang mga kilalang symphonist ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay sina Anton Bruckner, Antonin Dvořák at Pyotr Ilyich Tchaikovsky.

Symphony noong ikadalawampu siglo

Sa simula ng ikadalawampu siglo, nagsulat si Gustav Mahler ng ilang malalaking symphony. Ang ikawalo sa kanila ay tinawag na "Symphony of a Thousand": iyan ay kung gaano karaming mga musikero ang kinakailangang gumanap nito.

Noong ikadalawampu siglo, nagkaroon ng karagdagang pangkakanyahan at semantiko na pag-unlad ng komposisyon, na tinatawag na symphony. Ang ilang kompositor, kabilang sina Sergei Rachmaninoff at Karl Nielsen, ay nagpatuloy sa pag-compose ng tradisyonal na apat na bahagi na symphony, habang ang iba ay malawakang nag-eksperimento sa anyo: halimbawa, ang Seventh Symphony ni Jan Sibelius ay binubuo lamang ng isang kilusan.

Gayunpaman, nagpatuloy ang ilang partikular na uso: ang mga symphony ay orkestra pa rin, at ang mga symphony na may mga bahaging tinig o may mga solong bahagi para sa mga indibidwal na instrumento ay ang pagbubukod, hindi ang panuntunan. Kung ang isang akda ay tinatawag na isang symphony, kung gayon ito ay nagpapahiwatig ng isang medyo mataas na antas ng pagiging kumplikado nito at ang kabigatan ng mga intensyon ng may-akda. Ang terminong "symphonietta" ay lumitaw din: ito ang pangalan para sa mga gawa na medyo mas magaan kaysa sa tradisyonal na symphony. Ang pinakasikat ay ang symphonietta ni Leos Janacek.

Noong ikadalawampu siglo, ang bilang ng mga komposisyon ng musikal ay tumaas din, sa anyo ng mga tipikal na symphony, na binigyan ng mga may-akda ng ibang pagtatalaga. Halimbawa, madalas na itinuturing ng mga musicologist ang Konsiyerto para sa Orchestra ni Béla Bartok at ang “Awit ng Lupa” ni Gustav Mahler bilang mga symphony.

Ang iba pang mga kompositor, sa kabilang banda, ay lalong nagre-refer sa mga gawa na halos hindi maiugnay sa genre na ito bilang mga symphony. Ito ay maaaring magpahiwatig ng pagnanais ng mga may-akda na bigyang-diin ang kanilang mga masining na intensyon, na hindi direktang nauugnay sa anumang symphonic na tradisyon.

Sa poster: Beethoven sa trabaho (pintura ni William Fassbender (1873-1938))

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga mag-aaral, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Nai-post sa http://www.allbest.ru/

Nilalaman

• 4. Musical Analysis-Schemeakomga bahagi ng Symphony No. 7
• 6. Katangian ng interpretasyon
• Bibliograpiya

1. Ang lugar ng genre ng symphony sa mga gawa ng L.V. Beethoven

Ang kontribusyon ni L.V. Ang kultura ng mundo ni Beethoven ay tinutukoy, una sa lahat, sa pamamagitan ng kanyang mga symphonic na gawa. Siya ang pinakadakilang symphonist, at ito ay sa symphonic music na ang kanyang pananaw sa mundo at mga pangunahing artistikong prinsipyo ay pinaka ganap na nakapaloob. Ang landas ni L. Beethoven bilang isang symphonist ay umabot ng halos isang-kapat ng isang siglo (1800 - 1824), ngunit ang kanyang impluwensya ay kumalat sa buong ika-19 at maging sa maraming aspeto hanggang sa ika-20 siglo. Noong ika-19 na siglo, ang bawat kompositor-symphonist ay kailangang magpasya para sa kanyang sarili ang tanong kung ipagpapatuloy niya ang isa sa mga linya ng symphony ni Beethoven o susubukan na lumikha ng isang bagay na sa panimula ay naiiba. Sa isang paraan o iba pa, ngunit kung wala si L. Beethoven, ang symphonic music ng ika-19 na siglo ay magiging ganap na naiiba. Ang mga symphony ni Beethoven ay bumangon sa lupa na inihanda ng buong pag-unlad ng ika-18 siglo na instrumental na musika, lalo na ng mga kagyat na nauna nito - I. Haydn at V.A. Mozart. Ang sonata-symphonic cycle na sa wakas ay nagkaroon ng hugis sa kanilang trabaho, ang matatalinong slender constructions nito ay naging matatag na pundasyon para sa napakalaking arkitektura ng L.V. Beethoven.

Ngunit ang mga symphony ni Beethoven ay maaaring maging kung ano ang mga ito bilang resulta lamang ng interaksyon ng maraming phenomena at ang kanilang malalim na paglalahat. Ang Opera ay may mahalagang papel sa pagbuo ng symphony. Ang dramaturgy ng Opera ay may malaking epekto sa proseso ng pagsasadula ng symphony - ito ay malinaw na nasa gawa ni W. Mozart. L.V. Ang symphony ni Beethoven ay lumago sa isang tunay na dramatikong instrumental na genre. Sa pagsunod sa landas na inilatag nina I. Haydn at W. Mozart, lumikha si L. Beethoven ng mga kahanga-hangang trahedya at drama sa mga symphonic instrumental form. Bilang isang artista ng ibang makasaysayang panahon, sinasalakay niya ang mga lugar ng espirituwal na interes na maingat na lumampas sa kanyang mga nauna at hindi direktang makakaapekto sa kanila.

symphony beethoven genre kompositor

Ang linya sa pagitan ng symphonic art ng L. Beethoven at ng symphony ng ika-18 siglo ay pangunahing iginuhit ng tema, ideolohikal na nilalaman, at likas na katangian ng mga musikal na imahe. Ang symphony ni Beethoven, na tinutugunan sa napakalaking masa ng tao, ay nangangailangan ng mga monumental na anyo "kaayon ng bilang, hininga, pangitain ng libu-libo" ("Musical Literature of Foreign Countries" issue 3, Music. Moscow, 1989, p. 9). Sa katunayan, malawak at malayang itinutulak ni L. Beethoven ang mga hangganan ng kanyang mga symphony.

Ang mataas na kamalayan ng responsibilidad ng artist, ang katapangan ng kanyang mga ideya at malikhaing konsepto ay maaaring ipaliwanag ang katotohanan na si L.V. Hanggang sa edad na tatlumpu, hindi nangahas si Beethoven na magsulat ng mga symphony. Ang parehong mga dahilan, tila, ay sanhi ng nakakalibang, pagiging ganap ng dekorasyon, ang pag-igting kung saan isinulat niya ang bawat paksa. Ang anumang symphonic na gawa ni L. Beethoven ay bunga ng isang mahaba, minsan maraming taon ng trabaho.

L.V. 9 na symphony ni Beethoven (10 ang nanatili sa mga sketch). Kung ikukumpara sa Haydn's 104 o Mozart's 41, ito ay hindi gaanong, ngunit bawat isa sa kanila ay isang kaganapan. Ang mga kondisyon kung saan sila ay binubuo at gumanap ay sa panimula ay naiiba mula sa kung ano ito sa ilalim ng I. Haydn at W. Mozart. Para kay L. Beethoven, ang isang symphony ay, una, isang purong pampublikong genre, na ginanap pangunahin sa malalaking bulwagan ng isang orkestra na medyo kagalang-galang noong panahong iyon; at pangalawa, ang genre ay ideologically very significant. Samakatuwid, ang mga symphony ni Beethoven, bilang panuntunan, ay mas malaki kaysa sa Mozart (maliban sa ika-1 at ika-8) at sa panimula ay indibidwal sa konsepto. Ang bawat symphony ay nagbibigay ang tanging bagaysolusyon- parehong matalinhaga at dramatiko.

Totoo, sa pagkakasunud-sunod ng mga symphony ni Beethoven, ang ilang mga pattern ay natagpuan na matagal nang napansin ng mga musikero. Kaya, ang mga kakaibang symphony ay mas explosive, heroic o dramatic (maliban sa 1st), at maging ang mga symphony ay mas "peaceful", genre-araw-araw (higit sa lahat - 4th, 6th at 8th). Ito ay maaaring ipaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na si L.V. Si Beethoven ay madalas na nag-isip ng mga symphony sa mga pares at kahit na isinulat ang mga ito nang sabay-sabay o kaagad ng isa-isa (5 at 6 sa premiere kahit na "nagpalit" ng mga numero; 7 at 8 ay sumunod sa isang hilera).

Ang premiere ng First Symphony, na ginanap sa Vienna noong Abril 2, 1800, ay isang kaganapan hindi lamang sa buhay ng kompositor, kundi pati na rin sa buhay musikal ng Austrian capital. Ang komposisyon ng orkestra ay kapansin-pansin: ayon sa isang tagasuri ng pahayagan ng Leipzig, "ang mga instrumento ng hangin ay ginamit nang labis, kaya't ito ay naging mas hangin na musika kaysa sa tunog ng isang buong symphony orchestra" ("Musical Literature of Foreign Countries" , isyu 3, Musika, Moscow, 1989). L.V. Ipinakilala ni Beethoven ang dalawang clarinet sa marka, na hindi pa naging laganap noong panahong iyon. (Bihirang gamitin ni W.A.Mozart ang mga ito; unang ginawa ni I. Haydn ang mga clarinet na katumbas ng mga miyembro ng orkestra sa mga huling symphony sa London).

Matatagpuan din ang mga makabagong tampok sa Second Symphony (D major), bagaman ito, tulad ng Una, ay nagpapatuloy sa mga tradisyon nina I. Haydn at W. Mozart. Sa loob nito, ang pananabik para sa kabayanihan, monumentalidad ay malinaw na ipinahayag, sa unang pagkakataon ang bahagi ng sayaw ay nawala: ang minuet ay pinalitan ng scherzo.

Nang dumaan sa labirint ng mga espirituwal na pakikipagsapalaran, natagpuan ni L. Beethoven ang kanyang heroic at epic na tema sa Third Symphony. Sa kauna-unahang pagkakataon sa sining, na may ganoong lalim ng generalization, ang madamdaming drama ng panahon, ang pagkabigla at sakuna nito, ay na-refracted. Ipinapakita ay ang tao mismo, na nanalo ng karapatan sa kalayaan, pag-ibig, kagalakan. Simula sa Third Symphony, ang kabayanihan na tema ay nagbigay inspirasyon kay Beethoven na lumikha ng pinakanamumukod-tanging symphonic na mga gawa - ang mga overture na "Egmont", "Leonora No. 3". Sa pagtatapos ng kanyang buhay, ang temang ito ay muling binuhay na may hindi matamo na artistikong pagiging perpekto at saklaw sa Ninth Symphony. Ngunit sa bawat oras na ang turn ng sentral na temang ito para sa L. Beethoven ay iba.

Ang tula ng tagsibol at kabataan, ang kagalakan ng buhay, ang walang hanggang kilusan nito - ito ang kumplikado ng mga mala-tula na larawan ng Ika-apat na Symphony sa B major. Ang Sixth (Pastoral) Symphony ay nakatuon sa tema ng kalikasan.

Kung ang Third Symphony sa diwa nito ay lumalapit sa epiko ng sinaunang sining, kung gayon ang Fifth Symphony kasama ang laconicism nito, ang dinamismo ng drama ay itinuturing bilang isang mabilis na umuunlad na drama. Kasabay nito, si L.V. Beethoven sa symphonic music at iba pang mga layer.

Sa "inconceivably excellent", ayon kay M.I. Glinka, ang Seventh Symphony sa A-dur, ang mga pangyayari sa buhay ay lumilitaw sa mga pangkalahatang larawan ng sayaw. Ang dynamics ng buhay, ang mahimalang kagandahan nito ay nakatago sa likod ng maliwanag na kislap ng mga alternating rhythmic figure, sa likod ng hindi inaasahang pagliko ng mga galaw ng sayaw. Kahit na ang pinakamalalim na kalungkutan ng sikat na Allegretto ay hindi kayang pawiin ang kumikinang na sayaw, upang i-moderate ang nagniningas na ugali ng mga bahaging nakapalibot sa Allegretto.

Sa tabi ng makapangyarihang mga fresco ng Seventh, mayroong isang maselan at magandang chamber painting ng Eighth Symphony sa F major. Ang Ninth Symphony ay nagbubuod ng L.V. Beethoven sa symphonic genre at higit sa lahat sa sagisag ng kabayanihan ideya, mga imahe ng pakikibaka at tagumpay - isang pakikipagsapalaran na nagsimula dalawampung taon na mas maaga sa Heroic Symphony. Sa Ikasiyam, nahanap niya ang pinaka-monumental, epiko at sa parehong oras na makabagong solusyon, pinalawak ang mga pilosopiko na posibilidad ng musika at nagbubukas ng mga bagong landas para sa mga symphonist ng ika-19 na siglo. Ang pagpapakilala ng salita (ang pangwakas ng Ninth Symphony na may pangwakas na koro sa mga salita ng ode na "To Joy" ni Schiller, D minor) ay nagpapadali sa pagdama ng pinaka-kumplikadong ideya ng kompositor para sa pinakamalawak na bilog ng mga tagapakinig. Kung wala ang apotheosis na nilikha sa loob nito, nang walang pagluwalhati ng tunay na buong bansa na kagalakan at kapangyarihan, na maririnig sa walang patid na mga ritmo ng Ikapito, L.V. Malamang na hindi makabuo si Beethoven ng landmark na "Hug, millions!"

2. Ang kasaysayan ng paglikha ng symphony No. 7 at ang lugar nito sa gawain ng kompositor

Ang kasaysayan ng paglikha ng Seventh Symphony ay hindi kilala para sa tiyak, ngunit ang ilang mga mapagkukunan ay nakaligtas sa anyo ng mga liham mula kay L. Beethoven mismo, pati na rin ang mga liham mula sa kanyang mga kaibigan at estudyante.

Tag-init 1811 at 1812 L.V. Si Beethoven, sa payo ng mga doktor, ay gumugol sa Teplice - isang Czech spa na sikat sa pagpapagaling ng mga hot spring. Nadagdagan ang kanyang pagkabingi, binitiwan niya ang kanyang sarili sa kanyang kakila-kilabot na sakit at hindi itinago sa mga nakapaligid sa kanya, kahit na hindi siya nawalan ng pag-asa na mapabuti ang kanyang pandinig. Ang kompositor ay nakaramdam ng labis na kalungkutan; pagtatangka upang makahanap ng isang tapat, mapagmahal na asawa - lahat ay natapos sa kumpletong pagkabigo. Gayunpaman, sa loob ng maraming taon ay nagkaroon siya ng malalim na madamdamin na pakiramdam, na nakuha sa isang misteryosong liham na may petsang Hulyo 6-7 (tulad ng itinatag, 1812), na natagpuan sa isang lihim na kahon sa araw pagkatapos ng pagkamatay ng kompositor. Para kanino ito? Bakit hindi sa addressee, ngunit kay L. Beethoven? Tinawag ng mga mananaliksik ang maraming kababaihan na "imortal na minamahal". At ang kaibig-ibig na Kondesa Juliet Guicciardi, kung kanino inialay ang Moonlight Sonata, at sina Countess Teresa at Josephine Brunswick, at ang mang-aawit na si Amalia Sebald, ang manunulat na si Rachel Levin. Ngunit ang bugtong, tila, ay hindi malulutas ...

Sa Teplice, nakilala ng kompositor ang pinakadakila sa kanyang mga kontemporaryo - I. Goethe, kung saan ang mga teksto ay nagsulat siya ng maraming mga kanta, at noong 1810 Odu - ang musika para sa trahedya na "Egmont". Ngunit hindi siya nagdala ng L.V. Ang Beethoven ay walang iba kundi ang pagkabigo. Sa Teplice, sa ilalim ng pagkukunwari ng medikal na paggamot sa tubig, maraming mga pinuno ng Alemanya ang nagtipon para sa isang lihim na kongreso upang magkaisa ang kanilang mga pwersa sa pakikibaka laban kay Napoleon, na sumakop sa mga pamunuan ng Aleman. Kabilang sa mga ito ay ang Duke ng Weimar, na sinamahan ng kanyang ministro, privy councilor I. Goethe. L.V. Isinulat ni Beethoven: "Goethe likes the court air more than a poet should." Ang kuwento (ang pagiging tunay nito ay hindi pa napatunayan) ng romantikong manunulat na si Bettina von Arnim at ang pagpipinta ng artist na si Remling, na naglalarawan sa paglalakad nina L. Beethoven at I. Goethe: ang makata, tumabi at nagtanggal ng kanyang sumbrero, yumuko nang may paggalang. sa mga prinsipe, at si L. Beethoven, na ikinakapit ang kanyang mga kamay sa kanyang likuran at matapang na itinataas ang kanyang ulo, siya ay determinadong lumakad sa kanilang pulutong.

Ang gawain sa Seventh Symphony ay nagsimula, marahil noong 1811, at natapos, gaya ng sinasabi ng inskripsiyon sa manuskrito, noong Mayo 5 ng sumunod na taon. Ito ay nakatuon kay Count M. Fries, isang Viennese pilantropo, kung saan ang bahay ni Beethoven ay madalas gumanap bilang isang pianista. Ang premiere ay naganap noong 8 Disyembre 1813 sa ilalim ng direksyon ng may-akda sa isang charity concert na pabor sa mga sundalong may kapansanan sa bulwagan ng Unibersidad ng Vienna. Ang pinakamahusay na mga musikero ay nakibahagi sa pagtatanghal, ngunit ang pangunahing bahagi ng konsiyerto ay hindi nangangahulugang ito "ganap na bagong Beethoven symphony", gaya ng inihayag ng programa. Ito ang huling numero - "Wellington's Victory, or the Battle of Vittoria," isang maingay na eksena sa labanan. Ang sanaysay na ito ay isang napakalaking tagumpay at nagdala ng hindi kapani-paniwalang halaga ng koleksyon ng net - 4 na libong guilder. At ang Seventh Symphony ay hindi napansin. Tinawag ito ng isa sa mga kritiko na "isang kasamang dula" sa "The Battle of Vittoria."

Nakapagtataka na ang medyo maliit na symphony na ito, na ngayon ay minamahal ng publiko, tila transparent, malinaw at magaan, ay maaaring magdulot ng hindi pagkakaunawaan ng mga musikero. At pagkatapos ay naniniwala ang namumukod-tanging guro ng piano na si Friedrich Wieck, ang ama ni Clara Schumann, na isang lasenggo lamang ang makakasulat ng gayong musika; Si Dionysus Weber, ang founding director ng Prague Conservatory, ay inihayag na ang may-akda nito ay hinog na para sa isang madhouse. Siya ay echoed sa pamamagitan ng Pranses: Castile-Blaz tinatawag na ang finale "musical extravagance", at Fetis - "ang produkto ng isang matayog at may sakit na isip." Ngunit para sa M.I. Glinka siya ay "hindi maintindihan na maganda", at ang pinakamahusay na mananaliksik ng gawain ni L. Beethoven na si R. Rolland ay sumulat tungkol sa kanya: "Ang Symphony in A major ay ang tunay na katapatan, kalayaan, kapangyarihan. - ang saya ng umaapaw na ilog na sumabog sa mga pampang nito at binabaha ang lahat." Ang mismong kompositor ay lubos na pinahahalagahan ito: "Sa aking pinakamahusay na mga gawa, maipagmamalaki kong ituro ang symphony sa A major." (Sipi mula sa aklat ni R. Rolland na "The Life of Beethoven", p. 24).

Kaya, 1812. L.V. Nakipaglaban si Beethoven sa patuloy na pagtaas ng pagkabingi at pagbabago ng kapalaran. Sa likod ng mga kalunos-lunos na araw ng testamento ng Heiligenstadt, ang magiting na pakikibaka ng Fifth Symphony. Sinasabi na sa panahon ng isa sa mga pagtatanghal ng Fifth, ang mga French grenadiers na nasa bulwagan sa finale ng symphony ay tumayo at sumaludo - siya ay napuno ng diwa ng musika ng Great French Revolution. Ngunit hindi ba ito ang parehong intonasyon, hindi ang parehong ritmo, ang tunog sa Ikapito? Naglalaman ito ng kamangha-manghang synthesis ng dalawang nangungunang makasagisag na globo ng L.V. Beethoven - matagumpay na heroic at dance-genre, kaya ganap na nakapaloob sa Pastoral. Sa Ikalimang may pakikibaka at tagumpay; narito ang paninindigan ng lakas, ang lakas ng mga nanalo. At ang pag-iisip ay hindi sinasadya na lumitaw na ang Ikapito ay isang napakalaking at kinakailangang yugto sa daan patungo sa pangwakas ng Ikasiyam.

3. Pagtukoy sa anyo ng akda sa kabuuan, pagsusuri sa mga bahagi ng simponya

Ang Seventh Symphony sa A major ay nabibilang sa pinaka masayahin at makapangyarihang mga likha ng henyong musikero. Tanging ang pangalawang kilusan (Allegretto) lamang ang nagdudulot ng dampi ng kalungkutan at sa gayon ay higit na binibigyang-diin ang pangkalahatang masayang tono ng buong gawain. Ang bawat isa sa apat na bahagi ay natatakpan ng isang solong ritmikong agos na nakakaakit sa tagapakinig ng lakas ng paggalaw. Sa unang bahagi, nangingibabaw ang isang huwad na bakal na ritmo - sa ikalawang bahagi - ang ritmo ng sinusukat na prusisyon -, ang ikatlong bahagi ay batay sa pagpapatuloy ng ritmikong paggalaw sa mabilis na tulin, sa pangwakas ay nanaig ang dalawang masiglang ritmikong pigura - I Ang gayong ritmikong pagkakapareho ng bawat bahagi ay nagbigay-daan kay Richard Wagner (sa kanyang akda na "The Work of Art of the Future") na tawagin ang symphony na ito na "ang apotheosis ng sayaw." Totoo, ang nilalaman ng Symphony ay hindi limitado sa sayaw, ngunit ito ay mula sa sayaw na ito ay lumago sa isang symphonic na konsepto ng napakalaking elemental na kapangyarihan. Ang namumukod-tanging German conductor at pianist na si Hans Bülow ay tinawag itong "gawa ng isang titan na bumabagsak sa kalangitan." At ang resultang ito ay nakakamit sa pamamagitan ng medyo katamtaman at kakaunting orkestra na paraan: ang symphony ay isinulat para sa klasikal na pares na komposisyon ng orkestra; ang marka ay naglalaman lamang ng dalawang French horns, walang mga trombone (ginamit ni L.V. Beethoven sa Fifth at Sixth Symphony).

4. Musical analysis-diagram ng 1st movement ng Symphony No. 7

Ang unang paggalaw ng Seventh Symphony ay pinangungunahan ng isang mabagal, malakihang pagpapakilala (Poco sostenuto), na lumalampas sa laki ng pagpapakilala sa unang paggalaw ng Second Symphony at kahit na tumatagal sa karakter ng isang malayang kilusan. Ang panimula na ito ay naglalaman ng dalawang tema: magaan at marangal, na namumukod-tangi sa simula pa lang sa bahaging oboe mula sa biglaang strike forte ng buong orkestra at malawak na binuo sa string group; mala-martsa ang tema, tumutunog sa woodwind group. Unti-unti, sa isang tunog na "mi", isang tuldok-tuldok na ritmo ang nag-kristal, na naghahanda sa nangingibabaw na ritmo ng unang paggalaw (Vivace). Ito ay kung paano isinasagawa ang paglipat mula sa pagpapakilala sa sonata allegro. Sa unang apat na sukat ng Vivace (bago lumabas ang tema), patuloy na tumutunog ang woodwind sa parehong ritmo.

Pinagbabatayan din nito ang lahat ng tatlong tema ng eksposisyon: ang pangunahin, nag-uugnay at pangalawang partido. Ang pangunahing partido ng Vivace ay sikat na sikat. (Sa isang pagkakataon, siniraan si Beethoven para sa "karaniwang" karakter ng musikang ito, na di-umano'y hindi angkop para sa mataas na genre.)

Dito nabuo ni Beethoven ang uri ng pangunahing bahagi na likas sa I. Haydn's London symphony, kasama ang kanilang ritmo ng sayaw. Ang lasa ng katutubong-genre ay pinalala ng instrumento: ang timbre ng plauta at oboe sa unang pagganap ng tema ay nagpapakilala ng mga tampok ng pastorality.

Ngunit ang pangunahing bahagi na ito ay naiiba sa kabayanihan na muling pagkakatawang-tao ni Haydnov kapag ito ay paulit-ulit ng buong orkestra na may partisipasyon ng mga trumpeta at French horn laban sa background ng matunog na timpani beat. Ang idyll ng isang "malaya" na tao sa isang libreng lupa ay tumatagal sa mga rebolusyonaryong kulay ni Beethoven.

Ang pagsasama-sama ng aktibidad, ang masayang pagtaas na likas sa mga larawan ng Seventh Symphony, ang leitrhythm ng sonata allegro ay pinagsasama ang pangunahing, pagkonekta at pangalawang bahagi, ay tumatagos sa buong paglalahad, pag-unlad at muling pagbabalik.

Ang gilid na bahagi, na bubuo ng mga tampok na katutubong sayaw ng pangunahing tema, ay malinaw na tonal. Nagmo-modulate ito mula cis-moll hanggang as-moll at sa wakas, sa kasukdulan, kasama ang matagumpay na pagtaas ng melody, dumating ito sa nangingibabaw na susi ng E-dur. Ang mga harmonic shift na ito sa loob ng gilid na bahagi ay bumubuo ng mga maliliwanag na contrast sa exposition, na nagpapakita ng pagkakaiba-iba ng mga kulay at dynamics nito.

Sa pagtatapos ng eksibisyon, ang pangunahing Vivace motif ay kumukuha ng isang fanfare structure. Ang linyang ito ay ipinagpapatuloy ng pag-unlad. Ang melodic na intonations ay pinasimple, parang sukat at triad na mga galaw ang nangingibabaw - ang may bantas na ritmo ang nagiging pangunahing paraan ng pagpapahayag. Sa huling bahagi, kung saan muling lumitaw ang tema, ang hindi inaasahang pagbabago ng tonal, ang pagkakatugma ng pinaliit na ikapitong chord ay nagpapatalas sa paggalaw, na nagbibigay sa pag-unlad ng isang mas matinding karakter. Sa pag-unlad, mayroong isang matalim na paglipat sa isang bagong key sa C major, at pagkatapos ng dalawang bar ng isang pangkalahatang pag-pause, ang paggalaw ay nagpapatuloy sa parehong tuldok na ritmo. Lumalaki ang tensyon salamat sa pagpapalakas ng dinamika, pagdaragdag ng mga tool at imitasyon ng paksa.

Ang engrandeng coda ay kapansin-pansin: sa dulo ng reprise, dalawang bar ng pangkalahatang paghinto ang susunod (tulad ng sa dulo ng exposition); Ang sunud-sunod na pagganap ng pangunahing motibo ng pangunahing bahagi sa iba't ibang mga rehistro at timbre ay bumubuo ng isang serye ng mga ikatlong magkakatugma na pagkakatugma (As-major - C-major; F-major - A-major), na nagtatapos sa kurso ng mga French horns at nagbibigay ng pagtaas sa mga kaakit-akit-landscape na asosasyon (echo, kagubatan na tawag ng mga sungay ). Ang mga cellos at pianissimo double basses ay may chromatic ostinata figure. Ang sonority ay unti-unting tumataas, ang dynamics ay lumalaki, umabot sa fortissimo, at ang unang kilusan ay nagtatapos sa isang taimtim na masayang paninindigan ng pangunahing tema.

Dapat bigyan ng pansin ang kawalan ng mabagal na bahagi sa symphony na ito. Ang ikalawang bahagi - Allegretto - sa halip na ang karaniwang Andante o Adagio. Naka-frame ito ng parehong A minor quarter-text chord. Ang piraso na ito ay batay sa isang tema na nakapagpapaalaala sa isang malungkot na prusisyon ng libing. Ang temang ito ay bubuo sa isang variational na paraan na may unti-unting pagtaas sa dynamics. Nagsisimula ang mga kuwerdas nito nang walang mga biyolin. Sa unang pagkakaiba-iba ito ay pinagtibay ng pangalawang biyolin, at sa susunod na pagkakaiba-iba - ng mga unang biyolin. Sabay-sabay, sa unang pagkakaiba-iba sa mga bahagi ng violas at cellos, isang bagong tema ang tumutunog sa anyo ng isang counterpoint na boses. Ang pangalawang temang ito ay napaka melodiously nagpapahayag na ito sa huli ay dumating sa unahan, nakikipagkumpitensya sa kahalagahan sa unang tema.

Ang bagong materyal ay ipinakilala sa magkakaibang gitnang seksyon ng Allegretto: laban sa background ng malambot na triplet na saliw ng mga unang violin, ang woodwinds ay tumutugtog ng magaan, banayad na melody - tulad ng isang sinag ng pag-asa sa gitna ng isang malungkot na kalooban. Ang pangunahing tema ay nagbabalik, ngunit sa isang bagong variation guise. Ang naantala na mga pagkakaiba-iba ay nagpapatuloy dito. Ang isa sa mga pagkakaiba-iba ay ang polyphonic na pagganap ng pangunahing tema (fugato). Ang magaan na harana ay paulit-ulit, at ang ikalawang bahagi ay nagtatapos sa pangunahing tema, sa pagtatanghal kung saan ang mga string at woodwind instrument ay kahalili. Kaya, ang napakasikat na Allegretto na ito ay isang kumbinasyon ng mga variation na may double three-part form (na may dalawang beses sa gitna).

Ang pangatlong paggalaw ng Presto symphony ay isang tipikal na Beethoven scherzo. Sa isang ipoipo na paggalaw na may pare-parehong ritmikong pagpintig, isang scherzo ang mabilis na nagwawalis. Ang mga matalim na dynamic na contrast, staccato, trills, isang biglaang pagbabago ng tonal mula sa F major patungo sa A major ay nagbibigay ito ng espesyal na katalinuhan at nagbibigay ng isang katangian ng mahusay na vital energy. Ang gitnang seksyon ng scherzo (Assai meno presto) ay nagbibigay ng isang kaibahan: ang solemne na musika, na umaabot sa matinding lakas at sinasabayan ng trumpeta fanfare, ay gumagamit ng himig ng isang Lower Austrian peasant song. Ang gitnang ito ay paulit-ulit nang dalawang beses, na bumubuo (tulad ng sa pangalawang paggalaw ng symphony) isang dobleng tatlong bahagi na anyo.

Ang finale ng symphony (Allegro con brio), na isinulat sa anyong sonata, ay isang kusang katutubong pagdiriwang. Ang lahat ng panghuling musika ay batay sa mga ritmo ng sayaw. Ang tema ng pangunahing bahagi ay malapit sa Slavic dance melodies (tulad ng alam mo, si L.V. Beethoven sa kanyang trabaho ay paulit-ulit na bumaling sa mga awiting katutubong Ruso). Ang tuldok na ritmo ng gilid na bahagi ay nagbibigay ito ng pagkalastiko. Ang aktibo, mapusok na paggalaw ng paglalahad, pag-unlad at muling pagbabalik, ang patuloy na pagtaas ng pagbomba ng enerhiya ay nag-iiwan ng impresyon ng isang mass dance na nagmamadaling sumulong nang hindi mapaglabanan, masaya at masayang tinatapos ang Symphony.

5. Mga tampok ng form na may kaugnayan sa nilalaman

Sa kanyang instrumental music L.V. Ginagamit ni Beethoven ang makasaysayang itinatag na prinsipyo ng pag-aayos ng isang paikot na gawain, batay sa magkakaibang paghahalili ng mga bahagi ng cycle, at ang sonata na istraktura ng unang paggalaw. Ang partikular na kahalagahan ay ang una, kadalasang sonata na paggalaw ng silid ni Beethoven at mga symphonic cyclic na komposisyon.

Ang sonata form ay nakaakit ng L.V. Ang marami ni Beethoven, tanging ang kanyang mga likas na katangian. Ang paglalahad ng mga musikal na imahe ng iba't ibang kalikasan at nilalaman ay nagbigay ng walang limitasyong mga pagkakataon, sinasalungat ang mga ito, itinutulak ang mga ito nang sama-sama sa isang matinding pakikibaka at, pagsunod sa panloob na dinamika, inilalantad ang proseso ng pakikipag-ugnayan, interpenetration at sa huli ay lumipat sa isang bagong kalidad. Ang mas malalim na kaibahan ng mga imahe, mas dramatic ang tunggalian, mas kumplikado ang proseso ng pag-unlad mismo. Ang pag-unlad ng L.V. Si Beethoven ang naging pangunahing puwersang nagtutulak sa pagbabago ng sonata form na minana niya noong ika-18 siglo. Kaya, ang anyo ng sonata ay nagiging batayan para sa napakaraming bilang ng mga chamber at orchestral na gawa ni L.V. Beethoven.

6. Katangian ng interpretasyon

Isang mahirap na gawain ang kinakaharap ng tagapalabas (konduktor) kapag binibigyang kahulugan ang Symphony 7. Karaniwan, mayroong isang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng mga interpretasyon ng pagganap ng symphony na ito. Ito ay tungkol sa pagpili ng tempo at paglipat mula sa isang bahagi patungo sa isa pa. Ang bawat tagapalabas-konduktor ay sumusunod sa kanyang mga personal na damdamin at, siyempre, kaalaman sa musika tungkol sa panahon ng tagalikha-komposer at ang ideya ng paglikha ng isang gawa. Naturally, ang bawat konduktor ay may kanya-kanyang paraan ng pagbabasa ng marka at pagtingin dito bilang isang musikal na imahe. Ang gawaing ito ay magpapakita ng paghahambing ng mga pagtatanghal at interpretasyon ng Symphony 7 ng naturang mga konduktor gaya ng V. Fedoseev, F. Weingarner at D. Jurowski.

Ang pagpapakilala sa unang kilusan ng Symphony 7 ay ipinahiwatig ng Poco sostenuto, hindi Adagio, at ni Andante. Ito ay lalong mahalaga na huwag i-play ito masyadong mabagal. Si F. Weingartner ay sumusunod sa panuntunang ito sa kanyang pagganap, at tulad ng nabanggit ni V. Fedoseev. D. Yurovsky ay sumusunod sa ibang punto ng view, na gumaganap ng pagpapakilala sa isang kalmado, ngunit medyo nababaluktot na tempo.

P. 16, bar 1-16. (L. Beethoven, Seventh Symphony, score, Muzgiz, 1961.) Ayon kay F. Weingartner, ang episode na ito ay parang walang laman at walang kabuluhan kapag gumanap nang walang pakialam. Sa anumang kaso, ang isa na hindi nakakakita ng anumang bagay dito, maliban sa madalas na pag-uulit ng parehong tunog, ay hindi malalaman kung ano ang gagawin dito, at maaaring hindi mapansin ang pinakamahalaga. Ang katotohanan ay ang huling dalawang bar bago ang Vivace kasama ang off-bar ay naghahanda na ng tipikal na ritmo para sa ibinigay na bahagi, habang sa unang dalawang bar ng episode na ito ay maririnig mo pa rin ang mga dayandang ng vibrating na background ng intro. Ang susunod na dalawang bar, na kumakatawan sa sandali ng pinakadakilang kalmado, ay naglalaman sa parehong oras ng pinakamalaking pag-igting. Kung pinapanatili mo ang unang dalawang bar sa isang hindi matitinag na tempo, pagkatapos ay sa susunod na dalawang bar maaari mong taasan ang boltahe sa pamamagitan ng paggamit ng isang napaka-moderate na pagbabawas ng bilis. Mula sa dulo ng sukat 4 ng naka-quote na segment, kung saan ang bago ay nag-aanunsyo mismo sa pamamagitan ng pagbabago ng timbre (ngayon ay nagsisimula ang mga instrumento ng hangin, at ang mga string ay nagpapatuloy), ang tempo ay dapat na unti-unting pinabilis, na sinusundan sa pagganap ng lahat ng tatlo. konduktor, na ang mga pangalan ay ipinahiwatig nang mas maaga sa gawaing kurso.

Kapag nagpapakilala ng anim na panig na sukat, ayon sa interpretasyon ni F. Weingartner, dapat munang itumbas ng isa ang nauna at magpatuloy sa pagpapabilis hanggang sa ikalimang bar sa intro ng pangunahing bahagi, naabot ang tempo ng Vivace. Ang Vivace tempo na ipinahiwatig ng metronom ay hindi dapat masyadong mabilis; kung hindi, ang bahagi ay nawawala ang likas na kalinawan at kadakilaan. Tandaan na ang sequence mismo ay isang napakasiglang formula ng sukatan.

Page 18 bar 5. Hindi inirerekomenda ng mga gumaganap na panatilihing masyadong mahaba ang fermata; pagkatapos nito, kinakailangan na agad na sumugod, na ginagawa ang fortissimo na tunog nang walang tigil na puwersa.

Pahina 26. Nakaugalian na na huwag ulitin ang paglalahad, bagama't nagsagawa ng reprise si L. Beethoven sa iskor.

Pahina 29, mga bar 3 at 4. Ang parehong mga instrumentong gawa sa kahoy at mga sungay ng Pranses ay dapat na doblehin dito - ganito ang interpretasyon ni F. Weingartner. Ang pangalawang French horn ay nilalaro sa buong episode na ito, iyon ay, simula sa double line, ang lower B flat. Karamihan sa mga konduktor, sa partikular na V. Fedoseev at D. Yurovsky, ay inirerekumenda din na gumamit ng pagdodoble, kung maaari.

Pahina 35 bar 4 hanggang pahina 33 huling bar F. Iminungkahi ni Weingartner na isama ang malakas na build-up lalo na nakakumbinsi sa sumusunod na paraan: laban sa background ng patuloy na crescendo ng wind instruments, iminumungkahi na tumugtog ang mga kuwerdas upang ang bawat parirala ay magsimula sa ilang pagpapahina ng sonority, at ang culmination ng ang kasunod na crescendo ay bumabagsak sa matagal na mga tala. Siyempre, ang mga dagdag na crescendos na ito sa mahahabang nota ay dapat ipamahagi upang ang mga ito ay tumunog sa pinakamahina sa unang pagkakataon at ang pinakamalakas sa pangatlo.

Page 36, bar 4. Pagkatapos ng engrandeng escalation sa nakaraang climax, isa pang piu forte ang idinagdag dito, na humahantong sa fortissimo ng nagbabalik na pangunahing tema. Samakatuwid, tila kinakailangan na medyo babaan ang sonority, na pinagtutuunan ni V. Fedoseev sa kanyang pagganap. Ang pinakaangkop na sandali para dito ay tila ang ikalawang kalahati ng sukat 4 mula sa dulo, p. 35. Matapos laruin nang may pinakamalakas na puwersa ang mga maikling parirala ng kahoy at mga kuwerdas mula sa bar 4, pahina 35, ipinakilala niya ang poco meno mosso.

Pagkatapos ng fermat, ayon kay F. Weingartner, ang paghinto ay hindi katanggap-tanggap tulad ng sa pahina 9, bar 18. Si Yurovsky ay nakatiis sa pangalawang fermat na medyo mas maikli kaysa sa una.

Pahina 39, bar 9, hanggang pahina 40, bar 8. Sa interpretasyon ng episode na ito, ang mga gumaganap (konduktor) ay nagbibigay ng kalayaan sa kanilang sarili: una sa lahat, ibinibigay nila ang una sa mga sinipi na bar na poco diminuendo at nagrereseta ng pianissimo sa lahat ng instrumento kapag lumitaw ang D minor. Tinutukoy din nila ang buong yugto mula sa ikalawang fermata, iyon ay, 8 bar, simula sa intro ng timpani sa pahina 40, bar 9, hanggang pahina 41, bar 4, tranquillo at gamitin ito upang unti-unting bumalik sa pangunahing tempo kung saan fortissimo ay ipinahiwatig.

Pahina 48, bar 10 et seq. Dito, sa isa sa mga pinaka-kahanga-hangang sandali, na matatagpuan sa lahat ng siyam na symphony, ang bilis ay hindi dapat bumilis, mula noon ang impresyon ng isang ordinaryong kahabaan ay malilikha. Sa kabaligtaran, ang pangunahing tempo ay dapat mapanatili hanggang sa katapusan ng bahagi. Ang epekto ng episode na ito ay hindi mapapantayan kung ang mga double basses (o hindi bababa sa ilan sa mga ito na may C string) ay tinutugtog mula dito hanggang sa bar 8, pahina 50, isang octave na mas mababa, at pagkatapos ay ibabalik sa orihinal. (Ginawa ito ni F. Weingartner at V. Fedoseev.) Kung posible na i-double ang mga instrumentong woodwind, dapat itong gawin sa piano sa huling sukat, p. 50. Dapat silang lumahok sa crescendo, dalhin ito sa fortissimo at samahan ang mga string hanggang sa dulo.

Pahina 53. Ang itinakdang tempo ay nangangahulugan na ang bahaging ito ay hindi mauunawaan sa kahulugan ng karaniwang Adagio o Andante. Ang metronomical na pagtatalaga, na nagbibigay para sa paggalaw halos sa likas na katangian ng isang mabilis na martsa, ay hindi angkop sa hitsura ng bahaging ito. Ang mga konduktor ay tumatagal ng humigit-kumulang.

Pahina 55, bar 9, hanggang pahina 57 bar 2. Si Richard Wagner, na gumaganap ng symphony na ito sa Mannheim, ay pinalakas ang tema ng woodwind at mga sungay na may mga trumpeta upang mas bigyang-diin ito. Itinuring ito ni Weingartner na mali. "Ang mga trumpeta na may konsentradong mahigpit," ossified "mula sa nangingibabaw tungo sa tonic, taimtim na sinusuportahan ng timpani, ay napaka katangian na hindi sila dapat isakripisyo" (F. Weingartner "Mga Tip para sa Mga Konduktor." Musika, Moscow, 1965, p. 163). Ngunit kahit na si R. Wagner, gaya ng iminumungkahi ni F. Weingartner, ay may 4 na trumpeter, gayunpaman, ang mahimalang epekto ng mga tubo ni L. Beethoven ay nasira kung ang parehong mga instrumento ay sabay na itinalaga ng dalawang gawain. Ang magkakatulad na kulay ng tunog ay kinansela ang isa't isa. Sa katotohanan, walang panganib na ang himig ay magiging hindi sapat na matapang kung ang mga sungay ng Pranses ay dinoble at ang mga gumaganap ng ikalawang bahagi, kung saan ito ay lumilitaw na kasabay ng una, upang tumugtog ng mas mababang oktaba. Kung madodoble mo ang woodwind, mas magiging maganda ang resulta. Sa mga sukat 1 at 2, pahina 56, ang unang plauta ay nakakakuha ng pinakamataas na oktaba. Ang pangalawang trumpeta ay tumatagal ng mas mababang "re" sa buong sipi na sinipi. Ang pangalawang French na sungay ay dapat na nasa sukat na 8, p. 55, ay kunin din ang mas mababang "F".

Pahina 66, bar 7-10. Kahit na walang paraan upang doblehin ang mga kahoy, mainam para sa pangalawang plauta na tumugtog kasabay ng una, dahil ang boses na ito ay madaling maging masyadong mahina. Sa huling bar ng sinipi na episode, hanggang bar 8 ng pahina 67, lahat ng woodwind ay maaaring doblehin. Gayunpaman, hindi inirerekomenda ni F. Weingartner ang pagdoble ng mga French horn.

Pahina 69, bar 7-10. Ang pambihirang solemne na katangian ng 4 na bar ng pianissimo na ito ay nagbibigay-katwiran sa napakakaunting pagbagal ng tempo, pagkatapos nito ang pangunahing tempo ay bumalik sa fortissimo. V. Fedoseev at D. Yurovsky ay sumunod sa interpretasyong ito.

Pahina 72, bar 15-18, at pahina 73, bar 11-14. Napakahalaga na ang mga plauta at clarinet ay tumugtog ng 4 na sukat ng pianissimo na ito. Sa madaling salita, na may kapansin-pansing dynamic na paglihis mula sa mga nakaraang hakbang. Ngunit kadalasan ang scherzo na ito ay hinihimok ng ganoon, ang mga mahihirap na manlalaro ng tanso ay kapos sa paghinga, at sila ay natutuwa kung kahit papaano ay maaalis nila ang kanilang partido, na, gayunpaman, ay madalas na hindi nagtagumpay. Ang Pianissimo ay hindi pinapansin, tulad ng iba pa. Sa kabila ng inireseta ng Presto na tempo, ang tempo ay hindi dapat kunin nang mas mabilis kaysa sa kinakailangan para sa malinaw at tamang pagganap. Ang metronomic na pagtatalaga ay nangangailangan, marahil, ng masyadong mabilis na bilis. Mas tamang magbilang

Ang Assai meno presto ay ipinahiwatig. Ang tamang tempo, ayon kay F. Weingartner, ay dapat na humigit-kumulang dalawang beses na mas mabagal kaysa sa pangunahing bahagi, at ipinahiwatig ng humigit-kumulang metronomically. Hindi sinasabi na dapat itong isagawa nang isang beses, hindi tatlo, gaya ng kung minsan. Ang isang bahagyang, bahagyang kapansin-pansing pagbaba sa tempo pagkatapos ng dobleng linya ay naaayon sa katangian ng musikang ito.

Sa ikatlong paggalaw ng symphony, lahat ng mga gumaganap ay sumunod sa lahat ng mga palatandaan ng pag-uulit, maliban sa pangalawang (naulit na) trio, pp. 92-94.

Pahina 103. Pinahintulutan ng finale si F. Weingartner na gumawa ng isang kawili-wiling obserbasyon: ang pagganap nito nang mas mabagal kaysa sa lahat ng mga pangunahing konduktor na kilala niya, umani siya kahit saan alinman sa papuri o sisihin para sa partikular na mabilis na tempo na pinili niya. Ito ay dahil sa ang katunayan na ang isang calmer tempo ay nagpapahintulot sa mga performer na magpakita ng higit na intensity sa pagbuo ng sonority, na, natural, ay nauugnay sa higit na kalinawan. Bilang resulta, ang impresyon ng lakas na ginawa ng bahaging ito sa interpretasyon ni F. Weingartner ay pinalitan ng impresyon ng bilis. Sa katunayan, ang bahaging ito ay itinalagang Allegro con brio, hindi Vivace o Presto, na karaniwang hindi napapansin. Samakatuwid, ang bilis ay hindi dapat masyadong mabilis. Pinapalitan ni F. Weingartner ang isang magandang metronomical na pagtatalaga sa sarili nito, dahil, sa kanyang opinyon, magiging mas tama na magsagawa ng dalawang beses, sa halip na isang beses.

Ang pagsasagawa ng finale na may naaangkop na pagpapahayag ay, sa opinyon ng maraming konduktor, isa sa mga pinakamalaking hamon, siyempre, hindi teknikal, ngunit espirituwal. "Ang sinumang magsagawa ng bahaging ito nang hindi isinakripisyo ang sarili ay mabibigo." (Sipi mula sa aklat ni F. Weingartner na "Tips for Conductors", p. 172.) Kahit na ang mga maikling pag-uulit sa pahina 103 at 104 ay dapat na i-play nang dalawang beses kapag muling i-enact ang finale exposure, sa halip na isang beses, tulad ng sa minuets at scherzos. (Sa mga pagtatanghal nina V. Fedoseev at D. Yurovsky, ang mga pag-uulit na ito ay sinusunod.)

Pahina 132, bar 8. Pagkatapos lumitaw ang pagtatalagang fortissimo mula sa bar 9, pahina 127, walang mga dynamic na reseta hanggang sa binanggit na bar, maliban sa indibidwal na sforzando at single forte. Mayroon ding semper piu forte, na sinusundan ng ff muli sa pahina 133, ang penultimate measure. Halatang halata na ang semper piu forte na ito ay nakakakuha lamang ng wastong kahulugan kung ito ay nauunahan ng pagpapahina ng tunog. Nagalit si Wagner sa biglaang piano na isinulat ng kanyang kasamahan sa Dresden na si Reisiger dito sa laro. Ang hindi inaasahang piano ay mukhang, siyempre, tulad ng isang walang muwang na pagtatangka upang makawala sa kahirapan. Ito ang nabanggit na solong forte sa mga trumpeta at timpani na nagsasalita laban sa katotohanan na si L.V. Iniisip ni Beethoven ang pagbawas sa sonority. Nang gumanap si F. Weingartner sa seksyong ito sa isang unipormeng fortissimo, hindi niya maalis ang impresyon ng kawalan ng laman; hindi rin niya nagawang tuparin ang piu forte na inireseta. Samakatuwid, nagpasya siya, na sinusunod lamang ang kanyang instinct sa musika, na magpabago. Simula sa pangatlong sukat mula sa dulo sa pahina 130, matapos ang lahat ng nauna ay nilalaro nang may pinakamalaking lakas, ipinakilala niya ang isang unti-unting diminuendo, na sa sukat 3, p. 132, ay naging piano, na tumatagal ng limang sukat.

Ang pagdoble ng mga sungay ng Pranses, at kung maaari din ang mga instrumentong woodwind sa bahaging ito, ay talagang kinakailangan. Mula sa pahina 127, bar 13, ang pagdodoble ay patuloy na pinananatili hanggang sa katapusan, anuman ang diminuendo, piano at crescendo. Ang mga interpretasyon ng V. Fedoseev at D. Yurovsky ay magkatulad sa bagay na ito.

Ang sikreto ng artistikong pagganap ng mga musikal na gawa, at samakatuwid ang lihim ng sining ng pagsasagawa, ay nakasalalay sa pag-unawa sa istilo. Ang gumaganap na artist sa kasong ito, ang konduktor, ay dapat na puspusan ang pagka-orihinal ng bawat kompositor at bawat gawa at ipasa ang kanyang pagganap sa pinakamaliit na detalye upang ipakita ang pagka-orihinal na ito. "Ang isang mapanlikhang konduktor ay dapat pagsamahin sa kanyang sarili ang bilang ng maraming mga indibidwal na maraming mga dakilang likha ang mahuhulog sa kanyang kapalaran upang magsagawa." (Sipi mula kay F. Weingartner mula sa Tips for Conductors, p. 5.)

Bibliograpiya

1. Ludwig Van Beethoven. "Seventh Symphony. Score". Muzgiz. Musika, 1961.

2.L. Markhasev. "Mga mahal sa buhay at iba pa". Panitikang pambata. Leningrad, 1978.

3. "Panitikan sa musika ng mga dayuhang bansa" isyu 3, edisyon 8 na inedit ni E. Tsareva. musika. Moscow, 1989.

4. F. Weingartner "Beethoven. Mga Tip para sa Mga Konduktor". musika. Moscow, 1965.

Na-post sa Allbest.ru

Mga katulad na dokumento

Mga tampok ng drama ng symphony. Mga tampok ng pag-unlad ng genre ng symphony sa Belarusian music ng XX century. Mga tampok na katangian, pagka-orihinal ng genre sa mga symphonic na gawa ni A. Mdivani. Ang pagkamalikhain ni D. Smolsky bilang tagapagtatag ng Belarusian symphony.

term paper, idinagdag noong 04/13/2015


Ang mga pinagmulan ng banal sa gawa ng kompositor. Mga tampok ng wikang musikal sa aspeto ng banal. Panimula ng "Turangalila". Statue at Flower Theme. "Awit ng Pag-ibig I". "Development of love" sa loob ng cycle ng symphony. Ang pangwakas na kumukumpleto sa paglalahad ng canvas.

thesis, idinagdag noong 06/11/2013


Ang paraan ng pagtatrabaho sa mga modelo ng genre sa gawain ni Shostakovich. Ang pamamayani ng mga tradisyonal na genre sa pagkamalikhain. Mga tampok ng pagpili ng may-akda ng genre thematic pangunahing mga prinsipyo sa Eighth Symphony, pagsusuri ng kanilang artistikong function. Ang nangungunang papel ng genre semantics.

term paper, idinagdag noong 04/18/2011


Myaskovsky N.Ya. bilang isa sa mga pinakadakilang kompositor ng ikadalawampu siglo, ang nagtatag ng symphony ng Sobyet. Mga paunang kondisyon para sa trahedya na konsepto ng symphony ni Myaskovsky. Pagsusuri ng una at pangalawang paggalaw ng symphony sa aspeto ng interaksyon ng mga tampok ng drama at cosmogony sa loob nito.

abstract, idinagdag 09/19/2012


Talambuhay ni P.I. Tchaikovsky. Malikhaing larawan ng kompositor. Detalyadong pagsusuri ng finale ng Second Symphony sa konteksto ng paparating na muling instrumento ng mga instrumentong katutubong Ruso para sa orkestra. Stylistic na mga tampok ng orkestrasyon, pagsusuri ng symphonic score.

thesis, idinagdag noong 10/31/2014


Mga tampok na istilo ng mga piraso ng piano ni Hindemith. Mga elemento ng konsyerto sa gawaing silid ng kompositor. Kahulugan ng genre ng sonata. Ang intonational-thematic at stylistic originality ng Third Sonata sa B. Dramaturgy ng "Harmony of the World" symphony.

thesis, idinagdag noong 05/18/2012


Ang hierarchy ng mga genre na paunang itinatag ng classicist aesthetics noong ika-18 siglo. Mga Tampok ng L.V. Beethoven. Ang anyo ng eksposisyon ng orkestra at piano. Ang paghahambing na pagsusuri ng interpretasyon ng genre ng konsiyerto sa mga gawa ng V.A. Mozart at L.V. Beethoven.

idinagdag ang term paper noong 12/09/2015


Talambuhay ng kompositor ng Swiss-French at kritiko ng musika na si Arthur Honegger: pagkabata, edukasyon at kabataan. Pangkat "Anim" at ang pag-aaral ng mga panahon ng akda ng kompositor. Pagsusuri ng "Liturgical" symphony bilang isang gawa ni Honegger.

idinagdag ang term paper noong 01/23/2013


Mga simbolo ng genre ng choral symphony-action na "Chimes". Mga imahe-mga simbolo ng ningas ng kandila, sigaw ng tandang, tubo, Inang Bayan, Inang Langit, ina sa lupa, Ina-ilog, Daan, Buhay. Parallel sa gawain ni V. Shukshin. Mga materyales at artikulo ng A. Tevosyan.

pagsubok, idinagdag noong 06/21/2014


Saklaw ng kasaysayan ng paglikha, pumipili na pagsusuri ng mga paraan ng pagpapahayag at pagtatasa ng istruktura ng anyo ng musikal ng Second Symphony ng isa sa mga pinakadakilang kompositor ng ika-20 siglo, si Jan Sibelius. Mga pangunahing gawa: mga symphonic na tula, suite, mga piraso ng konsiyerto.

SYMPHONY NI BEETHOVEN

Ang mga symphony ni Beethoven ay bumangon sa lupang inihanda ng buong pag-unlad ng ika-18 siglong instrumental na musika, lalo na ng mga nauna rito, sina Haydn at Mozart. Ang sonata-symphonic cycle, na sa wakas ay nabuo sa kanilang trabaho, at ang matatalinong slender constructions nito ay napatunayang isang matatag na pundasyon para sa napakalaking arkitektura ng mga symphony ni Beethoven.

Ang musikal na pag-iisip ni Beethoven ay isang kumplikadong synthesis ng pinakaseryoso at advanced, na ipinanganak ng pilosopiko at aesthetic na pag-iisip ng kanyang panahon, na may pinakamataas na pagpapakita ng pambansang henyo, na nakapaloob sa malawak na mga tradisyon ng kulturang lumang siglo. Ang tunay na katotohanan, ang rebolusyonaryong panahon (3, 5, 9 symphony) ay nag-udyok sa kanya ng maraming masining na mga imahe. Lalo na nag-aalala si Beethoven tungkol sa problema ng "bayani at mga tao". Ang bayani ni Beethoven ay hindi mapaghihiwalay sa mga tao, at ang problema ng bayani ay lumalaki sa problema ng personalidad at mga tao, tao at sangkatauhan. Ito ay nangyayari na ang bayani ay namatay, ngunit ang kanyang kamatayan ay nakoronahan ng isang tagumpay na nagdudulot ng kaligayahan sa napalayang sangkatauhan. Kasama ang kabayanihan na tema, natagpuan ng tema ng kalikasan ang pinakamayamang pagmuni-muni (4, 6 symphony, 15 sonata, maraming mabagal na bahagi ng symphony). Sa pag-unawa at pagdama ng kalikasan, malapit si Beethoven sa mga ideya ni J.-J. Russo. Ang kalikasan para sa kanya ay hindi isang mabigat, hindi maintindihan na puwersa na sumasalungat sa tao; siya ang pinagmumulan ng buhay, mula sa pakikipag-ugnayan kung saan ang isang tao ay nalinis sa moral, nakakuha ng kalooban na kumilos, mas matapang na tumingin sa hinaharap. Si Beethoven ay tumagos nang malalim sa pinakamadaling saklaw ng damdamin ng tao. Ngunit, inilalantad ang mundo ng panloob, emosyonal na buhay ng isang tao, si Beethoven ay kumukuha pa rin ng parehong bayani, malakas, mapagmataas, matapang, na hindi kailanman naging biktima ng kanyang mga hilig, dahil ang kanyang pakikibaka para sa personal na kaligayahan ay pinangungunahan ng parehong pag-iisip ng ang pilosopo.

Ang bawat isa sa siyam na symphony ay isang pambihirang gawain, ang bunga ng mahabang paggawa (halimbawa, nagtrabaho si Beethoven sa symphony No. 9 sa loob ng 10 taon).

symphony

Sa unang symphony C - dur ang mga tampok ng bagong istilo ng Beethoven ay napakahinhin. Ayon kay Berlioz, "ito ay mahusay na musika ... ngunit ... hindi pa Beethoven." Ang paglipat ng pasulong ay kapansin-pansin sa pangalawang symphony D - dur ... Ang isang kumpiyansa na matapang na tono, dinamika ng pag-unlad, enerhiya ay nagpapakita ng imahe ng Beethoven nang mas malinaw. Ngunit ang tunay na creative take-off ay naganap sa Third Symphony. Simula sa Third Symphony, binibigyang inspirasyon ng heroic na tema si Beethoven na lumikha ng pinakanamumukod-tanging mga symphony na gawa - ang Fifth Symphony, mga overtures, pagkatapos ang temang ito ay muling binuhay nang may hindi matamo na artistikong pagiging perpekto at saklaw sa Ninth Symphony. Sabay-sabay, inihayag ni Beethoven ang iba pang mga mapanlikhang larangan: ang tula ng tagsibol at kabataan sa Symphony No. 4, ang dynamics ng buhay ng Seventh.

Sa Third Symphony, ayon kay Becker, isinama ni Beethoven ang "tanging tipikal, walang hanggan ... - lakas ng loob, ang kadakilaan ng kamatayan, kapangyarihan ng malikhaing - siya ay nagkakaisa at mula dito ay nilikha niya ang kanyang tula tungkol sa lahat ng bagay na mahusay, kabayanihan na sa pangkalahatan ay maaaring maging. likas sa tao" [Paul Becker. Beethoven, t. II ... Symphony. M., 1915, p. 25.] Ang ikalawang bahagi - Funeral March, isang walang kapantay na kagandahang musikal na heroic-epic na larawan.

Ang ideya ng isang magiting na pakikibaka sa Fifth Symphony ay isinasagawa nang mas tuluy-tuloy at nakadirekta. Tulad ng isang opera leitmotif, ang apat na tunog na pangunahing tema ay tumatakbo sa lahat ng bahagi ng trabaho, nagbabago sa kurso ng pag-unlad ng aksyon at nakikita bilang isang simbolo ng kasamaan, tragically intruding sa buhay ng tao. Malaki ang kaibahan sa pagitan ng drama ng unang kilusan at ng mabagal, nag-iisip na daloy ng pag-iisip sa pangalawa.

Symphony No. 6 "Pastoral", 1810

Ang salitang "pastoral" ay tumutukoy sa mapayapa at walang malasakit na buhay ng mga pastol at pastol sa gitna ng mga damo, bulaklak at matabang kawan. Mula noong unang panahon, ang mga pastoral na pagpipinta na may regular at katahimikan ay naging isang hindi matitinag na ideal para sa isang edukadong European at patuloy na naging mga ito sa panahon ni Beethoven. "Walang sinuman sa mundong ito ang maaaring magmahal sa nayon tulad ko," inamin niya sa kanyang mga liham. - Kaya kong mahalin ang puno nang higit pa sa tao. Makapangyarihan sa lahat! Masaya ako sa kakahuyan, masaya ako sa kakahuyan kung saan ang bawat puno ay nagsasalita tungkol sa iyo."

Ang "Pastoral" symphony ay isang landmark na gawain na nagpapaalala na ang tunay na Beethoven ay hindi isang panatikong rebolusyonaryo, handang isuko ang lahat ng tao para sa pakikibaka at tagumpay, ngunit isang mang-aawit ng kalayaan at kaligayahan, na sa init ng labanan ay hindi kalimutan ang tungkol sa layunin kung saan ang mga sakripisyo ay ginawa at mga tagumpay ay nagagawa. Para kay Beethoven, ang mga aktibong-dramatikong komposisyon at pastoral-idyllic ay dalawang panig, dalawang mukha ng kanyang Muse: aksyon at pagmuni-muni, pakikibaka at pagmumuni-muni ay bumubuo para sa kanya, tulad ng para sa anumang klasiko, isang obligadong pagkakaisa, na sumisimbolo sa balanse at pagkakaisa ng mga natural na pwersa.

Ang "Pastoral" symphony ay may subtitle na "Memories of Countryside Life." Samakatuwid, natural na sa unang bahagi nito ang tunog ng mga dayandang ng musikang nayon: mga himig ng plauta na sinasaliwan ang mga paglalakad sa kanayunan at mga sayaw ng mga taganayon, tamad na pag-awit ng mga himig ng bagpipe. Gayunpaman, ang kamay ni Beethoven, ang hindi mapapantayang lohika, ay makikita rin dito. At sa mga melodies mismo, at sa kanilang pagpapatuloy, lumilitaw ang mga katulad na tampok: ang pag-ulit, pagkawalang-kilos at pag-uulit ay nangingibabaw sa paglalahad ng mga paksa, sa maliliit at malalaking yugto ng kanilang pag-unlad. Walang uurong nang hindi mauulit nang maraming beses; walang darating sa isang hindi inaasahang o bagong resulta - lahat ay babalik sa normal, sumali sa tamad na siklo ng pamilyar na mga kaisipan. Walang tatanggap sa planong ipinataw mula sa labas, ngunit susundin ang itinatag na pagkawalang-galaw: anumang motibo ay malayang lumago nang walang katiyakan o mauuwi sa wala, matutunaw, nagbibigay-daan sa isa pang katulad na motibo.

Hindi ba't ang lahat ng natural na proseso ay napakawalang-kilos at mahinahong sinusukat, hindi ba't ang mga ulap na lumulutang sa kalangitan ay pare-pareho at tamad, ang mga damo ay umuuga, ang mga batis at mga ilog ay bumubulong? Ang likas na buhay, hindi katulad ng buhay ng tao, ay hindi naghahayag ng isang malinaw na layunin, at samakatuwid ito ay wala ng pag-igting. Narito ito, buhay-pagiging, isang buhay na malaya sa mga pagnanasa at nagsusumikap para sa ninanais.

Bilang isang counterbalance sa nangingibabaw na panlasa, si Beethoven sa kanyang huling mga taong malikhain ay lumilikha ng mga gawa ng pambihirang lalim at kadakilaan.

Bagama't malayo ang Ninth Symphony sa huling obra ni Beethoven, siya ang akda na kumukumpleto sa ideolohikal at masining na paghahanap ng kompositor. Ang mga problemang nakabalangkas sa mga symphony No. 3 at 5 dito ay nakakakuha ng isang unibersal, unibersal na karakter. Ang genre ng symphony ay nagbago din sa panimula. Sa instrumental na musika, ipinakilala ni Beethoven salita... Ang pagtuklas na ito ng Beethoven ay ginamit nang higit sa isang beses ng mga kompositor noong ika-19 at ika-20 siglo. Sinasakop ni Beethoven ang karaniwang prinsipyo ng kaibahan sa ideya ng patuloy na makasagisag na pag-unlad, samakatuwid ang hindi pamantayang paghalili ng mga bahagi: una, dalawang mabilis na bahagi, kung saan ang drama ng symphony ay puro, at ang mabagal na ikatlong bahagi ay naghahanda ng pangwakas - ang resulta ng mga pinaka kumplikadong proseso.

Ang Ninth Symphony ay isa sa mga pinaka-namumukod-tanging likha sa kasaysayan ng kulturang pangmusika ng mundo. Sa mga tuntunin ng kadakilaan ng ideya, ang lawak ng konsepto at ang makapangyarihang dinamika ng mga musikal na imahe, ang Ninth Symphony ay nalampasan ang lahat ng nilikha ni Beethoven mismo.

+ MINIBONUS

BEETHOVEN'S PIANO SONATS.

Ang mga susunod na sonata ay nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na kumplikado ng musikal na wika at komposisyon. Ang Beethoven sa maraming paraan ay lumilihis mula sa mga pattern ng pagbuo ng anyo na tipikal ng klasikal na sonata; grabitasyon sa oras na iyon patungo sa pilosopiko at mapagnilay-nilay na mga imahe ay humantong sa isang pagkahumaling sa polyphonic form.

VOCAL CREATIVITY. "SA MALAYONG MAHAL". (1816?)

Ang una sa isang serye ng mga gawa ng huling panahon ng creative ay ang cycle ng mga kanta na "KDV". Ganap na orihinal sa disenyo at komposisyon, ito ay isang maagang nangunguna sa mga romantikong vocal cycle ng Schubert at Schumann.

Ang ikaanim, Pastoral Symphony (F major, op. 68, 1808) ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa gawain ni Beethoven. Mula sa symphony na ito nagsimula ang mga kinatawan ng romantikong programmed symphony. Si Berlioz ay isang masigasig na tagahanga ng Sixth Symphony.

Ang tema ng kalikasan ay tumatanggap ng malawak na pilosopikal na sagisag sa musika ni Beethoven, isa sa mga pinakadakilang makata ng kalikasan. Sa Sixth Symphony, nakuha ng mga imaheng ito ang kanilang buong ekspresyon, dahil ang pinaka tema ng symphony ay kalikasan at mga larawan ng buhay sa kanayunan. Para sa Beethoven, ang kalikasan ay hindi lamang isang bagay para sa paglikha ng mga magagandang kuwadro na gawa. Siya ay para sa kanya ang pagpapahayag ng isang buong-buong, nagbibigay-buhay na prinsipyo. Ito ay sa pakikipag-isa sa kalikasan na natagpuan ni Beethoven ang mga oras na iyon ng wagas na kagalakan na kanyang inaasam-asam. Ang mga sipi mula sa mga talaarawan at liham ni Beethoven ay nagsasalita ng kanyang masigasig na panteistikong saloobin sa kalikasan (tingnan ang pp. II31-133). Higit sa isang beses na nakikita natin sa mga tala ni Beethoven ang mga pahayag na ang kanyang ideal ay "libre", iyon ay, natural na kalikasan.

Ang tema ng kalikasan ay konektado sa akda ni Beethoven sa isa pang tema kung saan ipinahayag niya ang kanyang sarili bilang isang tagasunod ni Rousseau - ito ang tula ng isang simple, natural na buhay sa pakikipag-usap sa kalikasan, ang espirituwal na kadalisayan ng isang magsasaka. Sa mga tala sa mga sketch ng Pastoral, ilang beses itinuturo ni Beethoven ang "alaala ng buhay sa kanayunan" bilang pangunahing motibo para sa nilalaman ng symphony. Ang ideyang ito ay napanatili sa buong pamagat ng symphony sa pahina ng pamagat ng manuskrito (tingnan sa ibaba).

Ang ideya ni Rousseau ng Pastoral Symphony ay nag-uugnay kay Beethoven kay Haydn (ang oratorio The Seasons). Ngunit sa Beethoven, ang patriarchy na naobserbahan sa Haydn ay nawawala. Binibigyang-kahulugan niya ang tema ng kalikasan at buhay sa kanayunan bilang isa sa mga bersyon ng kanyang pangunahing tema ng isang "malayang tao" - Ginagawa siyang katulad ng mga "stormmen" na, kasunod ni Rousseau, ay nakakita ng isang mapagpalayang prinsipyo sa kalikasan, sumasalungat dito sa mundo ng karahasan at pamimilit.

Sa Pastoral Symphony, bumaling si Beethoven sa balangkas, na nakilala nang higit sa isang beses sa musika. Kabilang sa mga programmatic na gawa ng nakaraan, marami ang nakatuon sa mga larawan ng kalikasan. Ngunit niresolba ni Beethoven ang prinsipyo ng programmaticity sa musika sa isang bagong paraan. Mula sa walang muwang na paglalarawan, nagpapatuloy siya sa isang mala-tula na espiritwal na sagisag ng kalikasan. Ipinahayag ni Beethoven ang kanyang pananaw sa pagiging programmatic sa mga salitang: "More an expression of feeling than painting." Ang may-akda ay nagbigay ng gayong paunawa at programa sa manuskrito ng simponya.

Gayunpaman, hindi dapat isipin ng isang tao na ang Beethoven dito ay inabandona ang pictorial, pictorial na mga posibilidad ng musikal na wika. Ang Sixth Symphony ni Beethoven ay isang halimbawa ng pagsasanib ng mga prinsipyong nagpapahayag at nakalarawan. Ang kanyang mga imahe ay malalim sa mood, patula, inspirasyon ng isang mahusay na panloob na pakiramdam, na puno ng isang pangkalahatang pilosopiko na pag-iisip at sa parehong oras ay kaakit-akit na kaakit-akit.

Ang tema ng symphony ay katangian. Dito si Beethoven ay bumaling sa mga katutubong melodies (bagaman siya ay napakabihirang sumipi ng tunay na katutubong melodies): sa Sixth Symphony, natagpuan ng mga mananaliksik ang Slavic folk origins. Sa partikular, isinulat ni B. Bartok, isang mahusay na connoisseur ng katutubong musika mula sa iba't ibang bansa, na ang pangunahing bahagi ng 1st movement ng Pastoral ay isang Croatian na awit ng mga bata. Ang iba pang mga mananaliksik (Becker, Schönevolf) ay tumuturo din sa Croatian melody mula sa koleksyon ng D.K.

Ang hitsura ng Pastoral Symphony ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malawak na pagpapatupad ng mga genre ng katutubong musika - landler (matinding seksyon ng scherzo), kanta (sa finale). Ang mga pinagmulan ng kanta ay makikita rin sa scherzo trio - Ibinigay ni Nottebohm ang sketch ni Beethoven ng kantang The Happiness of Friendship (Glück der Freundschaft, op. 88), na kalaunan ay ginamit sa symphony:

Ang pictorial na katangian ng thematic ng Sixth Symphony ay ipinahayag sa malawak na paglahok ng mga elemento ng ornamental - gruppettos ng iba't ibang uri, hugis, mahabang tala ng grasya, arpeggios; ang ganitong uri ng himig, kasama ng mga awiting bayan, ang batayan ng tema ng Ika-anim na Symphony. Ito ay lalo na kapansin-pansin sa mabagal na bahagi. Ang pangunahing bahagi nito ay lumalaki sa gruppetto (sinabi ni Beethoven na nakuha niya ang kanta ng oriole dito).

Ang atensyon sa coloristic na bahagi ay malinaw na ipinakita sa harmonic na wika ng symphony. Binibigyang pansin ang paghahambing ng tertz ng mga tonalidad sa mga seksyon ng pag-unlad. Malaki ang papel nila sa pag-unlad ng 1st movement (B-dur - D-dur; G-dur - E-dur), at sa pagbuo ng Andante ("Scene by the brook"), na isang makulay na ornamental. pagkakaiba-iba sa tema ng pangunahing bahagi. Mayroong maraming matingkad na kaakit-akit sa musika ng mga bahagi III, IV at V. Kaya, wala sa mga bahagi ang umalis sa plano ng naka-program na larawan ng musika, habang pinapanatili ang buong lalim ng patula na ideya ng symphony.

Ang Orchestra ng Sixth Symphony ay nakikilala sa pamamagitan ng isang kasaganaan ng mga solong instrumento ng hangin (clarinet, flute, French horn). Sa Scene by the Stream (Andante), ginagamit ni Beethoven ang kayamanan ng mga stringed instrument timbre sa bagong paraan. Gumagamit siya ng divisi at mute sa mga cellos, na nagpaparami ng "bulungan ng batis" (tala ng may-akda sa manuskrito). Ang ganitong mga pamamaraan ng pagsulat ng orkestra ay katangian ng mga susunod na panahon. May kaugnayan sa kanila, masasabi ng isa ang pag-asam ni Beethoven sa mga tampok ng isang romantikong orkestra.

Ang dramaturgy ng symphony sa kabuuan ay ibang-iba sa drama ng heroic symphony. Sa mga anyo ng sonata (mga paggalaw I, II, V) ang mga kaibahan at mga hangganan sa pagitan ng mga seksyon ay pinapakinis. "Walang mga salungatan, walang pakikibaka. Ang mga makinis na paglipat mula sa isang kaisipan patungo sa isa pa ay katangian. Ito ay lalo na malinaw na ipinahayag sa ikalawang bahagi: ang panig na partido ay nagpapatuloy sa pangunahing isa, na pumapasok laban sa parehong background laban sa kung saan ang pangunahing partido ay tumunog:

Nagsusulat si Becker sa koneksyon na ito tungkol sa pamamaraan ng "stringing melodies". Ang kasaganaan ng thematicism, ang pangingibabaw ng melodic na prinsipyo ay talagang ang pinaka-katangian na katangian ng estilo ng Pastoral Symphony.

Ang mga tampok na ito ng Sixth Symphony ay ipinakita din sa paraan ng pagbuo ng mga tema - ang nangungunang papel ay kabilang sa pagkakaiba-iba. Sa pangalawang paggalaw at sa finale, ipinakilala ni Beethoven ang variational section sa sonata form (elaborasyon sa Scene by the Brook, ang pangunahing bahagi sa finale). Ang kumbinasyong ito ng sonata at pagkakaiba-iba ay magiging isa sa mga pangunahing prinsipyo sa lyric symphony ni Schubert.

Ang lohika ng cycle ng Pastoral Symphony, habang nagtataglay ng tipikal ng mga klasikal na kaibahan, ay tinutukoy, gayunpaman, sa pamamagitan ng programa (samakatuwid ang limang bahagi na istraktura nito at ang kawalan ng caesura sa pagitan ng mga bahagi III, IV at V). Ang kanyang cycle ay hindi nailalarawan sa pamamagitan ng isang epektibo at pare-parehong pag-unlad tulad ng sa mga heroic symphony, kung saan ang unang kilusan ay ang pokus ng tunggalian, at ang pangwakas ay ang paglutas nito. Sa sunud-sunod na mga bahagi, ang mga kadahilanan ng pagkakasunud-sunod ng larawan ng programa ay gumaganap ng isang mahalagang papel, kahit na sila ay nasa ilalim ng pangkalahatang ideya ng pagkakaisa ng tao sa kalikasan.

Ang terminong ito ay may iba pang kahulugan, tingnan ang Symphony No. 5. Beethoven noong 1804. Fragment ng isang portrait ni V. Mahler. Symphony No. 5 sa C minor, op. 67, isinulat ni Ludwig van Beethov ... Wikipedia

Beethoven, Ludwig van Request "Beethoven" na-redirect dito; tingnan din ang iba pang kahulugan. Ludwig van Beethoven Ludwig van Beethoven Ludwig van Beethoven sa larawan ni Karl Stieler ... Wikipedia

BEETHOVEN (Beethoven) Ludwig van (binyagan noong Disyembre 17, 1770, Bonn Marso 26, 1827, Vienna), kompositor ng Aleman, kinatawan ng paaralang klasikal ng Viennese (tingnan ang VIENNA CLASSICAL SCHOOL). Lumikha ng isang heroic-dramatic na uri ng symphony (tingnan ang SYMPHONISM) (3rd I ... ... encyclopedic Dictionary

Beethoven Ludwig van (binyagan noong 12/17/1770, Bonn, - 3/26/1827, Vienna), kompositor ng Aleman. Ipinanganak sa isang pamilyang may lahing Flemish. Ang lolo ni B. ay pinuno ng kapilya ng korte ng Bonn, ang kanyang ama ay isang mang-aawit sa korte. B. maagang natutong maglaro... Great Soviet Encyclopedia

- (Ludwig van Beethoven) ang pinakadakilang kompositor ng siglo XIX., Ipinanganak, 16 Disyembre. 1770 sa Bonn, kung saan ang kanyang lolo na si Ludwig von B. ay isang chapel master, at ang kanyang ama na si Johann von B. tenor sa elector's chapel. nagpakita ng napakaaga ng isang kamangha-manghang talento sa musika, ngunit mabigat ...

BEETHOVEN (Beethoven) Ludwig van (1770 1827), ito. kompositor. Sa kapaligiran ng mga taon pagkatapos ng Disyembre sa Russia, tumaas ang pansin sa musika ni B. Ang drama ng kanyang mapanghimagsik na gawain, paggising sa pag-asa at pananampalataya sa mga tao, na nananawagan para sa pakikibaka, ay tumugon ... ... Lermontov Encyclopedia

- (mula sa Griyego. Symphonia consonance) isang piraso ng musika para sa isang symphony orchestra, na nakasulat sa isang sonata cyclical form; ang pinakamataas na anyo ng instrumental na musika. Karaniwang binubuo ng 4 na bahagi. Ang klasikal na uri ng symphony ay nabuo sa isang con. 18 simula. ika-19 na siglo... Malaking Encyclopedic Dictionary

- (Greek consonance) ang pamagat ng isang orkestra na piyesa sa ilang bahagi. Ang S. ay ang pinakamalawak na anyo sa larangan ng musikang orkestra ng konsiyerto. Dahil sa pagkakatulad, sa pagbuo nito, sa sonata. S. ay matatawag na malaking sonata para sa orkestra. Paano sa…… Encyclopedia ng Brockhaus at Efron

- (Greek symphonia - consonance) isang piraso ng musika para sa isang symphony orchestra, nakasulat sa isang sonata cyclical form, ang pinakamataas na anyo ng instrumental na musika. Karaniwang binubuo ng 4 na bahagi. Ang klasikal na uri ng symphony ay nabuo sa pagtatapos ng ika-18 - simula ng ika-20 siglo. XIX ...... Encyclopedia of Cultural Studies

LUDWIG VAN BEETHOVEN. Larawan ni J. K. Stieler (1781 1858). (Beethoven, Ludwig van) (1770 1827), isang Aleman na kompositor na madalas na itinuturing na pinakadakilang lumikha sa lahat ng panahon. Ang kanyang gawa ay nabibilang sa parehong klasiko at romantikismo; sa…… Collier's Encyclopedia

- (Beethoven) Ludwig van (16 XII (?), Binyagan 17 XII 1770, Bonn 26 III 1827, Vienna) Aleman. kompositor, pianista at konduktor. Anak ng isang mang-aawit at apo ng konduktor ng paring Bonn. chapel, B. nasangkot sa musika sa murang edad. Moose. mga aktibidad (laro ... ... Ensiklopedya sa musika

Mga libro

• Symphony No. 9, op. 125, L.V. Beethoven. Gagawin ang aklat na ito alinsunod sa iyong order gamit ang teknolohiyang Print-on-Demand. L.W.Beethoven, Symphony No. 9, op. 125, Buong iskor, Para sa orkestra Uri ng publikasyon: Buong iskor Mga Instrumento:…
• Symphony No. 6, op. 68, L.V. Beethoven. Ang aklat na ito ay gagawin alinsunod sa iyong order gamit ang Print-on-Demand na teknolohiya. L.W.Beethoven, Symphony No. 6, op. 68, Buong iskor, Para sa orkestra Uri ng publikasyon: Buong iskor Mga Instrumento:…