Mga instrumentong pangmusika ng Italya. Mga sayaw na Italyano: kasaysayan at kanilang mga pagkakaiba-iba

Ang mga pinagmulan ng musikang Italyano ay bumalik sa kulturang musikal ng Sinaunang Roma (tingnan ang Sinaunang Roman Music). Musika na ginampanan ng mga nilalang. papel sa lipunan., estado. buhay ng Roman Empire, sa araw-araw na buhay ay naiiba. sapin ng populasyon; ang kalamnan ay mayaman at iba-iba. mga kasangkapan Ang mga sampol ng sinaunang Roman na musika ay hindi naabot sa amin, ngunit ang dep. ang mga elemento nito ay napanatili noong Gitnang-siglo. si kristo mga himno at kuneho. muses tradisyon Noong ika-4 na siglo, nang idineklarang estado ang Kristiyanismo. ang relihiyon, ang Roma, kasama ang Byzantium, ay naging isa sa mga sentro ng pag-unlad ng liturhiko. kumakanta, una. ang batayan nito ay isang awit na nagmula sa Syria at Palestine. Pinagsama ni Arsobispo Ambrose ng Milan ang pagsasagawa ng antiphonic na pagkanta ng mga himno (tingnan ang Antiphones), na inilalapit ang kanilang himig sa nar. pinagmulan Ang isang espesyal na tradisyon ng Western Christ ay naiugnay sa kanyang pangalan. simbahan chanting, tinatawag na Ambrosian chant (tingnan ang Ambrosian chant). Sa huli. Ika-6 na siglo, sa ilalim ng Papa Gregory I, nabuo ang mga solidong anyo ni Kristo. liturhiya at iniutos ang kanyang mga kalamnan. tagiliran Ang mang-aawit ay lumikha nang sabay sa Roma. ang paaralan ("schola cantorum") ay naging isang uri ng akademya para sa mga mang-aawit ng simbahan. demanda at ang pinakamataas na mambabatas. katawan sa lugar na ito. Si Gregory ay na-credit sa pagsasama at pag-aayos ng pangunahing. liturgical chants. Gayunpaman, sa paglaon ng mga pag-aaral ay itinatag na melodic. istilo at hugis ng tinaguriang. Ang pag-awit ng Gregorian ay sa wakas ay nabuo noong 8-9 na siglo. Romano Katoliko. Ang iglesya, na nagsusumikap para sa pagkakapareho ng pagsamba, ay nagtanim ng istilong ito na may isang paa. koro. pagkanta sa gitna ng lahat ng mga bansa na nagbalik kay Cristo. pananampalataya Ang prosesong ito ay nakumpleto ng pagtatapos. 11 siglo, nang ang Gregorian liturhiya na may kaukulang chanter. mga regulasyon na naaprubahan sa mga bansa sa Gitnang, Kanluran. at si Yuzh. Europa Sa parehong oras, ang karagdagang pag-unlad ng pagkanta ng Gregorian, na nagyeyelong sa kawalan ng lakas, ay tumigil din. mga form

Mula sa huli. Ika-1 sanlibong taon AD bilang isang resulta ng madalas na pagsalakay ng kaaway sa teritoryo ng Italya, pati na rin ang pagtaas ng pang-aapi ng pagka-papa, na pumigil sa malayang pagpapahayag ng pagkamalikhain. inisyatiba, sa I. m. pagwawalang-kilos, tumitigil ito upang gampanan ang isang kapansin-pansin na papel sa pangkalahatang muses. pag-unlad ng Europa. mga bansa. Ang pinakamahalagang paglilipat na naganap sa Europa. musika sa pagsisimula ng ika-1 at ika-2 millennia, makahanap ng isang mahina at madalas na belated pagmuni-muni sa musika ng imperyo. Habang ang mga siyentista sa musika na Zap. at Hilagang-Kanluran. Ang Europa ay nasa ika-9 na siglo. nagbigay ng katwiran para sa mga maagang anyo ng polyphony, ang pinakaprominenteng Italyano. muses medyebal na teorya na si Guido d "Arezzo (ika-11 siglo) ay nagbigay ng pangunahing pansin sa isang panig na pag-awit ng Gregorian, na panandalian lamang ang nakakaantig sa organum. Noong 12th siglo polyphony. sa independiyenteng kontribusyon ng Italya sa pagpapaunlad ng mga genre ng polyphonic ng panahong iyon. Isang bago ang pagtaas ng sining ng musika sa huling bahagi ng 13-14 na siglo ay nauugnay sa Maagang Renaissance, na sumasalamin sa paglaki ng mga humanistikong pagkahilig, ang mabilis na paglaya ng pagkatao ng tao mula sa pang-aapi ng mga dogma sa relihiyon, isang malaya at mas direktang pang-unawa sa mundo sa panahon ng paghina ng kapangyarihan ng mga pyudal na panginoon at pagbuo ng maagang kapitalista na relasyon. Ang konsepto ng Maagang Renaissance ay tumutugma sa kahulugan ng tinanggap na Ars nova sa kasaysayan ng musika. mas advanced sa kanilang istrukturang panlipunan at kultura kaysa sa mga timog na rehiyon, kung saan ang ugnayan ng pyudal ay panatilihin pa rin nang matipid. Ang mga lungsod na ito ay nakakuha ng pinakahuhusay na kompositor at muses mga tagagawa. Lumitaw dito ang mga bagong genre at istilong pangkakanyahan.

Ang pagnanais para sa mas mataas na pagpapahayag ay nagpapakita ng sarili sa liriko. mga himno upang malayang bigyang kahulugan ang mga relihiyon. tema - laudah, to-rye kumanta sa pang-araw-araw na buhay at sa panahon ng mga relihiyon. prusisyon. Nasa dulo na. Ika-12 siglo lumitaw ang "kapatiran ng mga Laudista", na ang bilang nito ay tumaas noong ika-13 at lalo na sa ika-14 na siglo. Ang Lauds ay nilinang kasama ang mga monghe ng kautusang Franciscan, taliwas sa mga opisyal. Roman church, kung minsan ay nasasalamin nila ang mga motibo ng protesta sa lipunan. Ang melody laud ay naiugnay sa bunk. mapagkukunan, iba't ibang ritmo. kalinawan, kalinawan ng istraktura, nangingibabaw na pangunahing kulay. Ang ilan sa kanila ay malapit sa ugali sa pagsayaw. mga kanta

Ang mga bagong genre ng sekular na polyphony ay lumitaw sa Florence. wok inilaan ang musika para sa pagganap ng amateur sa bahay: madrigal, kachcha, ballata. 2 o 3 silang mga layunin. saknong mga kanta na may malambing na mga headline. itaas na boses, to-ry iba't ibang ritmo. kadaliang kumilos, isang kasaganaan ng mga makukulay na daanan. Si Madrigal ay isang aristocrat. isang genre na nailalarawan sa pagiging sopistikado ng mga makata at muse. gusali Ito ay pinangungunahan ng banayad na erotismo. tema, katawanin din satirical. mga motibo, minsan sinisingil sa politika. Ang nilalaman ng cacci ay orihinal na pangangaso ng mga larawan (samakatuwid ang pangalan mismo: caccia - pangangaso), ngunit pagkatapos ay ang tema nito ay lumalawak at sumasaklaw sa iba't ibang mga tanawin ng genre. Ang pinakatanyag sa mga sekular na genre, ang Ars nova, ay ballata (isang kanta sa sayaw na katulad ng nilalaman sa isang madrigal).

Malawak na pag-unlad sa Italya noong ika-14 na siglo. tumatanggap ng instr. musika Pangunahin ang mga instrumento ng panahong iyon ay ang lute, alpa, fidel, flute, oboe, trumpeta, organ, decomp. uri (positibo, portable). Ginamit silang pareho para sa saliw sa pagkanta at para sa solo o ensemble na paglalaro.

Umusbong ang ital. Si Ars nova ay nahuhulog sa kalagitnaan. Ika-14 na siglo Sa 40s. lumalahad ang malikhain. ang mga aktibidad ng pinakatanyag nitong masters - Giovanni mula sa Florence at Jacopo mula sa Bologna. Ang bulag na virtuoso na organista at comp. Si F. Landino ay isang multi-talentadong tao, makata, musikero at siyentista na iginagalang sa mga lupon ng Italya. mga humanista. Sa kanyang trabaho, ang koneksyon sa bunk ay lumakas. pinagmulan, ang himig ay nakakuha ng higit na kalayaan sa pagpapahayag, kung minsan ay magandang-maganda ang pagiging sopistikado, mabulaklak at ritmo. pagkakaiba-iba.

Sa panahon ng Mataas na Renaissance (ika-16 na siglo), ang sining ay kumuha ng nangungunang posisyon sa Europa. muses mga kultura. Sa isang kapaligiran ng pangkalahatang pagtaas ng sining. masidhing binuo ng kultura ang paggawa ng musika sa iba`t ibang. antas ng lipunan. Ang mga apuyan nito ay kasama ng simbahan. mga chapel ng sining. mga asosasyon ng guild, mga bilog ng naliwanagan na mahilig sa panitikan at sining, kung minsan ay tinawag ang kanilang sarili pagkatapos ng unang panahon. huwaran ng mga akademya. Sa pl. ang mga lungsod ay lumikha ng mga paaralan na nagpalaya sa kanilang sarili. ambag sa pag-unlad ng I. m Ang pinakamalaki at pinaka-maimpluwensyahan sa kanila ay ang mga paaralang Roman at Venetian. Sa gitna ng Katolisismo, Roma, ang mga bagong art form na dulot ng kilusang Renaissance ay madalas na sinalihan ng oposisyon mula sa simbahan. mga awtoridad. Ngunit, sa kabila ng mga pagbabawal at pagtuligsa, sa buong ika-15 siglo. sa Roman Catholic. ang pagsamba ay matatag na itinatag poligonal. kumakanta Pinadali ito ng mga gawain ng mga kinatawan ng paaralang Franco-Flemish ng G. Dufay, Josquin Despres at iba pang mga kompositor, na nagsilbi sa iba't ibang oras sa kapilya ng papa. Sa Sistine Chapel (itinatag noong 1473) at ang koro. kapilya ng St. Pinagtutuunan ni Pedro ang pinakamahusay na mga panginoon ng simbahan. pagkanta hindi lamang mula sa Italya, kundi pati na rin mula sa ibang mga bansa. Mga katanungan sa simbahan. ang pagkanta ay ibinigay sa specials. pansin sa Konseho ng Trent (1545-63), kung saan ang mga desisyon na kung saan ang labis na sigasig para sa "matalinhagang" polyponic ay hinatulan. musika, na ginagawang mahirap maunawaan ang "mga banal na salita", at ang kahilingan para sa pagiging simple at kalinawan ay ipinasa; ipinagbabawal ang pagpapakilala ng mga sekular na himig sa liturhiya. musika Ngunit, taliwas sa mga adhikain ng simbahan. mga awtoridad upang paalisin ang lahat ng mga makabago mula sa pagkanta ng kulto at, kung maaari, ibalik ito sa mga tradisyon ng chant Gregorian, ang mga kompositor ng Roman school ay lumikha ng isang napakalinang na polyphonic song. sining, kung saan ang pinakamahusay na mga nakamit ng Franco-Flemish polyphony ay ipinatupad at muling binago sa diwa ng mga estetika ng Renaissance. Sa paggawa ang mga kompositor ng paaralang ito ay kumplikadong ginaya. ang pamamaraan ay pinagsama sa chord-harmonic. bodega, maraming ulo. nakuha ng pagkakayari ang karakter ng maayos na pag-ibig, ang melodic na prinsipyo ay naging mas malaya, ang pang-itaas na boses ay madalas na naka-highlight. Ang pinakadakilang kinatawan ng paaralang Roman ay ang Palestrina. Ang kanyang perpektong balanseng, naliwanagan sa kalooban, maayos na sining ay kung minsan ay inihambing sa gawa ni Raphael. Ang pagiging tuktok ng koro. polyphony ng isang mahigpit na estilo, ang musika ng Palestrina ay naglalaman ng sabay na nakabuo ng mga elemento ng homophonic na pag-iisip. Ang pagsusumikap para sa isang balanse ng pahalang at patayong mga prinsipyo ay katangian din ng iba pang mga kompositor ng parehong paaralan: K. Festa, G. Animucci (na pinuno ng kapilya ng St. Si Peter noong 1555-71), Clemens-not-Pope, mga mag-aaral at tagasunod ng Palestrina - G. Nanino, F. Anerio at iba pa. Ang mga Espanyol ay nagsama rin sa paaralang Roman. mga kompositor na nagtrabaho sa kapilya ng papa: K. Morales, B. Escobedo, T. L. de Victoria (palayaw na "Spanish Palestrina").

Ang nagtatag ng paaralang Venetian ay si A. Willart (pinagmulan ng Dutch), na noong 1527 pinamunuan ang kapilya ng St. Si Mark at pinuno nito sa loob ng 35 taon. Ang kahalili niya ay si C. de Pope at ang Kastila C. Merulo. Ang paaralan na ito ay umabot sa pinakamataas na rurok sa gawain ni A. Gabrieli at ng kanyang pamangkin na si J. Gabrieli. Sa kaibahan sa mahigpit at pinigilan na paraan ng pagsulat ng Palestrina at iba pang mga kompositor ng paaralang Romano, ang sining ng mga taga-Venice ay nailalarawan sa pamamagitan ng karangyaan ng paleta ng tunog, isang kasaganaan ng maliliwanag na kulay. epekto. Ang prinsipyo ng multi-chorism ay partikular na kahalagahan para sa kanila. Oposisyon ng dalawang koro, matatagpuan. sa iba`t ibang bahagi ng simbahan, nagsilbing batayan para sa pabago-bago. at makulay na mga pagkakaiba. Ang patuloy na magkakaibang bilang ng mga boto ni J. Gabrielle ay umabot sa 20. Contrasts chorus. ang mga sonority ay kinumpleto ng isang pagbabago ng mga instrumento. timbres, at ang mga instrumento ay hindi lamang dinoble ang mga tinig ng koro, ngunit independiyenteng gumanap din sa pagpasok. at pagkonekta ng mga yugto. Harmonic. ang wika ay puspos ng maraming, madalas na naka-bold para sa oras na chromatisms, na nagbigay ng mga tampok ng mas mataas na pagpapahayag.

Ang pagkamalikhain ng mga panginoon ng paaralan ng Venetian ay may mahalagang papel sa pagbuo ng mga bagong anyo ng instrumentasyon. musika Noong ika-16 na siglo. ang mismong komposisyon ng mga instrumento ay napakalaking napayaman, at ang kanilang ekspresyon ay lumawak. mga posibilidad. Ang kahalagahan ng mga instrumentong yumuko sa kanilang malambing na mainit na tunog ay lumago. Sa panahong ito nabuo ang klasiko. uri ng viola; byolin, laganap mas maaga na preim. sa katutubong buhay, nagiging prof. muses kasangkapan Ang lute at organ ay nagpatuloy na mangibabaw bilang mga solo instrumento. Noong 1507-09 ang publisher O. Publucci publ. 3 koleksyon ng mga piraso para sa lute, napanatili pa rin. mga palatandaan ng pagkagumon sa wok. uri ng motet polyphony. Sa hinaharap, humina ang pagpapakandili na ito, nabuo ang mga tukoy na tool. mga diskarte sa pagtatanghal. Karaniwan para sa ika-16 na siglo. mga genre ng solo instru. Musika - richercar, pantasya, canzona, capriccio. Org Richercars ng Villart. Kasunod sa kanya, ang ganitong uri ay binuo ni J. Gabrieli, ilang richercars to-rogo ang lumalapit sa pagtatanghal ng fugue. Sa org. Ang toccata ng mga Venetian masters ay sumasalamin ng isang virtuoso simula at isang hilig para sa libreng imahinasyon. Noong 1551 isang koleksyon ng mga gawa ang nai-publish sa Venice. sumasayaw ang mga clavier na piraso. tauhan

Ang paglitaw ng una ay nauugnay sa mga pangalang A. at J. Gabrieli. mga sample ng ensemble ng kamara at orc. musika Ang kanilang mga komposisyon para sa iba't ibang mga instrumento. ang mga tren (mula 3 hanggang 22 na mga partido) ay pinagsama sa Sat. "Canzons and Sonatas" ("Canzoni e sonate ...", na-publish noong 1615 pagkatapos ng pagkamatay ng mga kompositor). Ang mga dula na ito ay batay sa prinsipyo ng kaibahan ng pagkabulok. instr. mga pangkat (parehong homogenous - yumuko, kahoy, tanso, at halo-halong), tinanggap ng to-ry pagkatapos ay sumunod. na nagkatawang-tao sa genre ng isang konsyerto.

Ang pinaka-kumpleto at malinaw na pagpapahayag ng mga ideya ng Renaissance sa musika ay ang madrigal, na umusbong noong ika-16 na siglo. Ang pinakamahalagang uri ng sekular na paggawa ng musika sa Renaissance ay binigyan ng pansin ng marami. mga kompositor. Ang mga Madrigal ay isinulat ng mga Venetian A. Villart, C. de Pope, A. Gabrieli, ang mga masters ng Roman school na K. Festus at Palestrina. Ang mga paaralang Madrigalist ay umiiral sa Milan, Florence, Ferrara, Bologna, Naples. Madrigal ika-16 na siglo naiiba mula sa madrigal ng panahon ng Ars nova sa higit na kayamanan at pagpipino ng tula. nilalaman, ngunit pangunahing. ang kanyang globo ay nanatiling lyrics ng pag-ibig, madalas na pastoral, na sinamahan ng isang masigasig na papuri sa mga kagandahan ng kalikasan. Ang tula ni F. Petrarch ay may malaking impluwensya sa pag-unlad ng madrigal (marami sa kanyang mga tula ang itinakda sa musika ng iba't ibang mga may akda). Ang mga kompositor ng Madrigalist ay bumaling sa mga gawa nina L. Ariosto, T. Tasso, at iba pang pangunahing mga makatang Renaissance. Sa mga madrigals ng ika-16 na siglo. 4- o 5-layunin ay nanaig. isang warehouse na pinagsasama ang mga elemento ng polyphony at homophony. Nangungunang melodic. ang tinig ay nakikilala sa pamamagitan ng pagiging subtlety nito. shade, may kakayahang umangkop na paglipat ng mga detalye patula. text Ang pangkalahatang komposisyon ay libre at hindi sumunod sa saknong. prinsipyo. Kabilang sa mga madrigal masters ng ika-16 na siglo. kilalang Dutchman na si J. Arkadelt, na nagtrabaho sa Roma at Florence. Ang kanyang mga madrigal, na inilathala noong 1538-44 (6 na mga libro), muling nai-print ng maraming beses at muling ginawa sa dec. nakalimbag at mga manuskrito. mga pagpupulong Ang pinakamataas na pamumulaklak ng ganitong uri ay nauugnay sa malikhaing. ang mga gawain nina L. Marenzio, C. Monteverdi at C. Gesualdo di Venosa noong huli. 16 - maaga. Ika-17 siglo Kung ang Marenzio ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang manipis na globo. liriko ang mga imahe, pagkatapos ay sa Gesualdo di Venosa at Monteverdi ang madrigal ay isinasadula, pinagkalooban ng malalim na sikolohikal. ekspresyon, gumamit sila ng bago, hindi pangkaraniwang paraan ng pagkakasundo. wika, pinahigpit ang intonasyon. pagpapahiwatig ng wok. himig. Ang mga plank bed ay isang mayamang layer ng I. m. mga kanta at sayaw, nakikilala sa pamamagitan ng malambing na mga himig, kasiglahan, mga incendiary rhythm. Para sa ital. ang mga sayaw ay nailalarawan sa laki ng 6/8, 12/8 at isang mabilis, madalas na walang sigla, tempo: saltarello (ang mga talaan ng 13-14 na siglo ay napanatili), na nauugnay sa kanya pawnshop (sayaw ng Lombardy) at forlana (Venetian , Sayaw na Friulian), tarantella (timog sayaw ng Italya na naging buong bansa). Kasabay ng tarantella, ang Siciliana ay tanyag (ang laki ay pareho, ngunit ang tempo ay katamtaman, ang karakter ng himig ay naiiba - pastoral). Ang mga taga-Sicilia ay malapit sa barcarole (ang kanta ng mga Venetian gondolier) at ang Tuscan rispetto (kanta ng papuri, pag-amin sa pag-ibig). Ang mga nagrereklamo na kanta ay kilalang kilala - lamento (isang uri ng pagdalamhati). Ang kaplastikan at malambing ng himig, maliwanag na liriko, at madalas na binibigyang diin ang pagiging sensitibo ay tipikal ng mga awiting Neapolitan na laganap sa Italya.

Nar. naimpluwensyahan ng musika si prof. muses likha Ang pinakadakilang pagiging simple at pagiging malapit sa mga bunks. ang pinagmulan ng mga genre ng frottola at villanella ay magkakaiba.

Ang panahon ng Renaissance ay nagbigay lakas sa pag-unlad ng teoretikal na musika. saloobin sa Italya. Ang pundasyon ng moderno. ang doktrina ng pagkakaisa ay inilatag ni J. Tsarlino. Wed-siglo. tutol siya sa doktrina ng frets na may bagong tonal system na may 2 batayan. frets - major at menor de edad. Sa kanyang mga hatol, si Tsarlino ay pangunahing umaasa sa direktang pandama ng pandinig, at hindi sa mga abstract na kalkulasyon ng skolastikong at pagpapatakbo ng bilang.

Ang pinakamalaking kaganapan sa imperyalismo sa pagsisimula ng ika-16 at ika-17 na siglo. ang paglitaw ng opera. Lumitaw na sa pagtatapos ng Renaissance, ang opera ay gayunpaman ganap na konektado sa mga ideya at kultura nito. Opera bilang isang stand-alone. ang genre ay lumago, sa isang banda, mula sa teatro. pagtatanghal ng ika-16 na siglo, na sinamahan ng musika, sa kabilang banda - mula sa madrigal. Ang musika para sa t-ra ay nilikha ng marami. tanyag na mga kompositor ng ika-16 na siglo Sa gayon, nagsulat si A. Gabrieli ng mga koro para sa trahedya ni Sophocle na "Oedipus" (1585, Vicenza). Isa sa mga nangunguna sa opera ay ang A. Poliziano's The Legend of Orpheus (1480, Mantua). Sa madrigal, ang paraan ng kakayahang umangkop, ay bubuo. mga pagkakatawang-tao ng patula. text sa musika. Isang karaniwang kasanayan sa pagganap ng mga madrigal ng isang mang-aawit na may instru. res. inilapit sila sa wok type. monody, na naging batayan ng unang Ital. opera Sa huli. Ika-16 na siglo ang genre ng madrigal comedy ay lumitaw, sa isang hiwa ng gayahin. ang artista ay sinamahan ng isang wok. mga yugto sa istilong madrigal. Ang isang tipikal na halimbawa ng ganitong uri ay ang "Amphiparnas" ni O. Vecca (1594).

Noong 1581, lumitaw ang isang polemik. Ang pahayag ni V. Galilei na "Dialogo della musica antica et délia moderna" ("Dialogo della musica antica et délia moderna"), kung saan isang chanting wok. ang deklamasyon (sa modelo ng sinaunang isa) ay tutol sa "barbarism" ng Gitnang-siglo. polyphony. Ang sipi mula sa Banal na Komedya ni Dante, na inilagay niya sa musika, ay upang magsilbing isang paglalarawan ng wok na ito. style Ang mga saloobin ni Galileo ay suportado ng isang pangkat ng mga makata, musikero at humanist na siyentista na nagkakaisa noong 1580 sa pagkusa ng naliwanagan na si Florentine Count G. Bardi (ang tinaguriang Florentine Camerata). Ang mga miyembro ng bilog na ito ay lumikha ng mga unang opera - "Daphne" (1597-98) at "Eurydice" (1600) ni J. Peri sa teksto ng O. Rinuccini. Solo wok. mga bahagi ng mga opera na ito na may res. Ang basso Continuo ay napapanatili sa pagbigkas. sa paraan, ang bodega ng madrigal ay napanatili sa mga koro.

Maraming taon na ang lumipas ang musika para sa "Eurydice" ay malayang isinulat ng mang-aawit at comp. Si J. Caccini, to-ry din ang may-akda ng koleksyon. mga kanta ng solo kamara na may sop. "Bagong musika" ("Le nuove musiche", 1601), osn. sa parehong pangkakanyahan. prinsipyo. Ang istilo ng pagsulat na ito ay tinawag na "bagong istilo" (Stile nuovo), o "istilo ng larawan" (Stile rappresentativo).

Si Prod. Ang mga Florentine sa isang tiyak na lawak ay makatuwiran, ang kanilang halaga sa pangunahing. pang-eksperimento. Ang henyo ay huminga ng tunay na buhay sa opera. manunulat ng dula, artista ng makapangyarihang nakalulungkot na talento na si K. Monteverdi. Bumaling siya sa operatic na genre sa karampatang gulang, na may-akda na ng marami. espiritwal na op. at mga sekular na madrigal. Ang kanyang unang opera na "Orpheus" (1607) at "Ariadne" (1608) ay ang post. sa Mantua. Pagkatapos ng mahabang pahinga, muling nagtanghal si Monteverdi bilang isang kompositor ng opera sa Venice. Ang pinnacle ng kanyang operatic work ay ang The Coronation of Poppaea (1642), paggawa. tunay na kapangyarihan ng Shakespearean, nakikilala ng lalim ng mga drama. expression, bihasang pag-sculpting ng mga character, acuteness at pag-igting ng mga sitwasyon ng salungatan.

Sa Venice, ang opera ay lumampas sa makitid na aristokratiko. bilog ng mga connoisseurs at naging isang pampublikong palabas. Noong 1637 ang unang pampublikong opera house na "San Cassiano" ay binuksan dito (hindi kukulangin sa 16 mga naturang sinehan ang nilikha noong 1637-1800). Mas demokratiko. ang komposisyon ng madla ay naka-impluwensya rin sa likas na katangian ng mga akda. Pabula. ang tema ay nagbigay daan sa nangingibabaw na lugar ng mga istoryador. mga kwentong may totoong kilos. mga tao, dram. at kabayanihan. ang pagsisimula ay magkaugnay sa komediko at kung minsan ay kahit malupit na farcical. Wok. ang himig ay nakakuha ng matinding kalambing; mga yugto ng mapusok na uri. Ang mga tampok na ito, katangian ng mga huling opera ng Monteverdi, ay karagdagang binuo sa gawain ni F. Cavalli, ang may-akda ng 42 opera, bukod sa pinakatanyag ay ang opera Jason (1649).

Ang opera sa Roma ay nakakuha ng isang kakaibang pangkulay sa ilalim ng impluwensya ng Katoliko na nangibabaw dito. uso. Kasabay ng antigong. mitolohiko. plots ("The Death of Orpheus" - "La morte d" Orfeo "ni S. Landi, 1619;" Chain of Adonis "-" La Caténa d "Adone" ni D. Mazzocchi, 1626) ang relihiyon ay pumasok sa opera. mga temang binigyang kahulugan kay kristo. moralizing plan. Karamihan ay nangangahulugang. manuf. Paaralang Romano - ang opera na "St. Alexei" Landi (1632), nakikilala sa pamamagitan ng melodic nito. ang kayamanan at drama ng musika, ang kasaganaan ng koro ay nabuo sa pagkakayari. mga yugto Ang mga unang halimbawa ng komiks ay lumitaw sa Roma. genre ng opera: "Pagdurusa, hayaan siyang umaasa" ("Che soffre, speri", 1639) V. Mazzocchi at M. Marazzoli at "Dal male il bene", 1653) A. M. Abbatini at Marazzoli.

K ser. Ika-17 siglo opera halos ganap na umalis mula sa mga prinsipyo ng Renaissance aesthetics, ipinagtanggol ng Florentine Camerata. Pinatunayan ito ng gawain ng M.A.Chest, na nauugnay sa Venetian opera school. Sa kanyang mga sinulat ang isang nabulabog na drama. ang recitative ay tutol sa isang malambing na melodic melody, ang papel ng bilugan na woks ay nadagdagan. mga numero (madalas sa kapinsalaan ng dramatiko. pagbibigay-katwiran sa aksyon). Ang opera ng Honor na "The Golden Apple" ("Il porno d" oro ", 1667), magarbong itinanghal sa Vienna sa okasyon ng kasal ni Emperor Leopold I, ay naging prototype ng mga seremonial na pagtatanghal ng parada, na mula noon ay laganap sa Europa. hindi na ito isang pulos opera ng Italya, - sumulat si R. Rolland, - ito ay isang uri ng international court opera ".

Mula sa huli. Ika-17 siglo nangungunang papel sa pagbuo ng ital. ipinasa kay opera kay Naples. Ang unang pangunahing kinatawan ng paaralan ng opera ng Neapolitan ay si F. Provenzale, ngunit ang totoong pinuno nito ay si A. Scarlatti. Ang may-akda ng maraming mga gawaing operatiba (higit sa 100), inaprubahan niya ang tipikal na istrukturang Italyano. opera-seria, napanatili nang walang nilalang. mga pagbabago hanggang sa wakas. Ika-18 siglo Punong-himpilan ang isang lugar sa ganitong uri ng opera ay kabilang sa aria, karaniwang ang 3-bahagi na da capo; ang recitative ay itinalaga ng isang tungkulin sa serbisyo, ang kahalagahan ng mga koro at ensemble ay nabawasan. Ngunit maliwanag na melodic. regalo ng Scarlatti, kasanayan sa polyphonic. mga titik, walang pag-aalinlangan na manunulat ng drama. pinahintulutan ng intuwisyon ang kompositor, sa kabila ng lahat ng mga limitasyon, upang makamit ang isang malakas, kahanga-hangang epekto. Nag-develop at nagpayaman si Scarlatti ng parehong tinig at instrumental. mga porma ng opera. Bumuo siya ng isang tipikal na istrukturang Italyano. isang operatic overture (o symphony, ayon sa terminology na pinagtibay sa oras na iyon) na may mabilis na matinding seksyon at isang mabagal na gitnang yugto, na naging prototype ng symphony habang tumatayo ito. conc gumagana.

Sa malapit na koneksyon sa opera, isang bagong genre ng extra-pampanitikang musika na binuo. relihiyon isk-va - oratorio. Pagmumula sa mga relihiyon. mga pagbasa, sinamahan ng pagkanta ng polygonal. laud, nakuha niya ang sarili niya. tapos na form sa mga gawa ni J. Karissimi. Sa oratorios, na nakasulat halos sa mga tema sa bibliya, pinayaman niya ang mga pormang operatiba na nabuo ng gitna. Ika-17 siglo, mga nakamit ng koro. conc style Kabilang sa mga kompositor na bumuo ng ganitong uri pagkatapos ng Carissimi, tumayo si A. Stradella (naging maalamat ang kanyang pagkatao dahil sa kanyang adventurous biography). Nagpakilala siya ng mga elemento ng drama sa oratorio. pathetics at katangian. Halos lahat ng mga kompositor ng paaralan ng Neapolitan ay nagbigay pansin sa uri ng oratorio, bagaman sa paghahambing sa opera, ang oratorio ay sumakop sa isang pangalawang lugar sa kanilang gawain.

Ang isang kaugnay na uri ng oratorio ay isang kamara cantata para sa isa, kung minsan 2 o 3 mga tinig na may sopr. basso magpapatuloy. Sa kaibahan sa oratorio, nangingibabaw dito ang mga sekular na teksto. Ang pinakatanyag na masters ng ganitong uri ay sina Carissimi at L. Rossi (isa sa mga kinatawan ng paaralang opera ng Roman). Tulad ng oratorio, nilalaro ng cantata ang kahulugan. papel sa paggawa ng wok. mga form na naging tipikal ng Neapolitan opera.

Sa larangan ng musika ng kulto noong ika-17 siglo. pinangungunahan ng pagnanasa para sa panlabas, mapagmataas na kadakilaan, nakamit ni Ch. arr. dahil sa dami. epekto. Ang prinsipyo ng polychorus, na binuo ng mga masters ng Venetian school, ay nakakuha ng isang hyperbolic character. sukatan Sa ilang mga produksyon. ginamit hanggang labindalawang 4 na layunin. mga koro. Giant choir. ang mga komposisyon ay dinagdagan ng marami. at iba`t ibang mga pangkat ng mga instrumento. Ang malabay na istilong baroque na ito ay lalo na binuo sa Roma, na pinalitan ang mahigpit, pinigilan na istilo ng Palestrina at ng kanyang mga tagasunod. Ang pinakatanyag na kinatawan ng huli na paaralan ng Roman ay si G. Allegri (ang may-akda ng sikat na "Miserere", na naitala ng tainga ni W. A. ​​Mozart), P. Agostini, A. M. Abbatini, O. Benevoli. Sa parehong oras, ang tinatawag na. "style ng konsyerto", malapit sa ario-recitative na pagkanta ng maagang Italyano. mga opera, halimbawa nito ay ang mga sagradong konsyerto nina A. Bancieri (1595) at L. Viadana (1602). (Inilahad si Viadana, dahil sa paglaon ay naganap, nang walang sapat na batayan, ang pag-imbento ng digital bass.) Si C. Monteverdi, Marco da Galliano, F. Cavalli, G. Legrenzi at iba pang mga kompositor, na nagdala sa kanila sa simbahan, ay nagsulat sa parehong paraan. mga elemento ng musika ng opera o kamara cantata.

Masinsinang paghahanap ng mga bagong form at paraan ng muses. pagpapahayag na idinidikta ng pagnanais na maisakatuparan ang mayaman at maraming nalalaman na makatao. nilalaman, ay isinasagawa sa larangan ng instr. musika Isa sa pinakadakilang masters ng org. at ang clavier na musika ng pre-Bach na panahon ay si G. Frescobaldi - isang makinang na kompositor. sariling katangian, isang makinang na birtuoso sa organ at harpsichord, na sumikat sa bahay at sa iba pang Europa. mga bansa. Dinala niya ito sa tradisyon. mas mayamang mga form, pantasya, toccata, tampok ng matinding pagpapahayag at kalayaan sa pakiramdam, pinayaman ang melodic. at maayos. wika, nabuo polyphonic. pagkakayari Sa kanyang produksyon. crystallized klasikong. isang uri ng fugue na may malinaw na nakilala ang mga ugnayan ng tonal at pagkakumpleto ng pangkalahatang plano. Ang gawain ni Frescobaldi ay ang tuktok ng ital. org demanda. Ang kanyang mga makabagong pananakop ay hindi natagpuan ang mga natitirang tagasunod sa Italya mismo; sila ay ipinagpatuloy at binuo ng mga kompositor mula sa ibang mga bansa. Sa ital. instr. musika mula sa ika-2 palapag. Ika-17 siglo ang nangungunang papel na ipinasa sa mga instrumentong yumuko at, higit sa lahat, sa biyolin. Ito ay dahil sa yumayabong na violin na gumaganap ng sining at pagpapabuti ng instrumento mismo. Noong 17-18 siglo. sa Italya, lumitaw ang mga dinastiya ng mga bantog na gumagawa ng biyolin (ang mga pamilya Amati, Stradivari, Guarneri), na ang mga instrumento ay hindi pa rin napapantayan. Ang mga natitirang virtuosos ng biyolin ay para sa karamihan ng mga kompositor din, ang mga bagong diskarte ng pagganap ng solo violin ay naayos sa kanilang trabaho, ang mga bagong muses ay binuo. mga form

Sa pagsisimula ng ika-16 at ika-17 na siglo. sa Venice, nabuo ang genre ng trio sonata - isang paggawa ng maraming bahagi. para sa 2 mga solo instrumento (mas madalas - mga violin, ngunit maaaring mapalitan sila ng iba pang mga instrumento ng kaukulang tessitura) at bass. Mayroong 2 pagkakaiba-iba ng ganitong uri (parehong nabibilang sa larangan ng paggawa ng musika ng sekular na silid): "sonata ng simbahan" ("sonata da chiesa") - isang ikot na 4 na bahagi, kung saan ang mabagal at mabilis na mga bahagi ay pumalit, at "silid sonata "(" sonata da camera "), na binubuo ng ilan. mga piraso ng sayaw. character, malapit sa suite. Ang karagdagang pag-unlad ng mga genre na ito ay lalong mahalaga. ang papel ay ginampanan ng paaralan ng Bologna, na naglagay ng isang napakatalino kalawakan ng mga masters ng violin art. Kabilang sa mga nakatatandang kinatawan nito ay sina M. Cazzati, J. Vitali, J. Bassani. Isang panahon sa kasaysayan ng violin at silid ng musika ng ensemble ang gawa ni A. Corelli (mag-aaral ni Bassani). Ang may sapat na panahon ng kanyang aktibidad ay naiugnay sa Roma, kung saan lumikha siya ng kanyang sariling paaralan, na kinatawan ng mga naturang pangalan tulad ng P. Locatelli, F. Geminiani, J. Somis. Sa gawain ni Corelli, nakumpleto ang pagbuo ng trio sonata. Pinalawak at pinayaman niya ang pagganap. ang mga posibilidad ng mga instrumentong yumuko. Kabilang din siya sa ikot ng sonatas para sa solo violin na may res. harpsichord. Ang bagong genre na lumitaw sa con. Ika-17 siglo, minarkahan ang pagtatapos. ang pahayag ay monodic. prinsipyo sa instr. musika Si Corelli, kasama ang kanyang kapanahon na si G. Torelli, ay lumikha ng concertto grosso - ang pinakamahalagang anyo ng paggawa ng musika ng orkestra ng kamara hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo.

Hanggang sa wakas 17 - maaga Ika-18 siglo nadagdagan pang-internasyonal. ang kaluwalhatian at awtoridad ng I. m. Mn. dayuhan ang mga musikero ay inilapit sa Italya upang makumpleto ang kanilang edukasyon at tumanggap ng pag-apruba, na tiniyak ang pagkilala sa kanilang bayan. Bilang isang guro, siya ay lalo na sikat sa musikero ng mahusay na pagka-aral, comp. at ang teoristang JB Martini (kilala bilang Padre Martini). K. V. Gluck, W. A. ​​Mozart, A. Ginamit ni Gretri ang kanyang payo. Salamat sa kanya, ang Bologna Philharmonic. ang akademya ay naging isa sa pinakamalaking sentro ng musika sa Europa. edukasyon.

Ital mga kompositor ng ika-18 siglo pangunahing binigyan ng pansin ang opera. Ilan lamang sa kanila ang lumayo sa opera house, na nakakuha ng malawak na madla mula sa lahat ng antas ng buhay. Ang paggawa ng Opera sa siglo na ito, na napakalaki sa dami, ay nilikha ng mga kompositor ng iba't ibang uri. sukat ng talento, bukod doon maraming mga may talento na artista. Ang katanyagan ng opera ay na-promosyon ng mataas na antas ng mga tagapalabas ng tinig. kultura. Inihahanda ng mga mang-aawit si Ch. arr. sa mga conservatories - mga orphanage, na lumitaw noong ika-16 na siglo. Sa Naples at Venice - ang pangunahing mga sentro ng Italyano. buhay sa pagpapatakbo noong ika-18 siglo. mayroong 4 na conservatories, kung saan muses. ang edukasyon ay pinamunuan ng pinakamalaking kompositor. Singer at comp. F. Pistocchi na itinatag sa Bologna (c. 1700) espesyal. chorister. paaralan Natitirang wok. ang guro ay si N. Porpora, isa sa pinaka masipag na kompositor ng opera ng paaralang Neapolitan. Kabilang sa mga bantog na masters ng sining ng bel canto noong ika-18 siglo. - tagaganap ng pangunahing asawa. mga mang-aawit ng castrati na A. Bernacchi, Caffarelli, F. Bernardi (bansag na Senesino), Farinelli, G. Crescentini, na mayroong isang virtuoso wok, ay gampanan sa opera-seria. pamamaraan na sinamahan ng isang malambot at magaan na timbre ng boses; mga mang-aawit F. Bordoni, F. Cuzzoni, C. Gabrielli, V. Tezi.

Ital nasisiyahan ang opera sa mga pribilehiyo. posisyon sa karamihan ng Europa. capitals. Aakitin siya. ang lakas ay naipamalas din sa katotohanang ang pl. ang mga kompositor mula sa ibang mga bansa ay lumikha ng mga opera sa Italyano. mga teksto sa diwa at tradisyon ng paaralang Neapolitan. Sumali dito ang mga Espanyol D. Perez at D. Terradellas, ang Aleman na si I. A. Hasse, ang Czech J. Myslivechek. Sa mainstream ng parehong paaralan, ito ay dumadaloy. bahagi ng mga aktibidad ng GF Handel at KV Gluck. Para sa ital. ang mga eksena ng opera ay isinulat ng Russian. mga kompositor - M. S. Berezovsky, P. A. Skokov, D. S. Bortnyansky.

Gayunpaman, sa panahon ng buhay ng pinuno ng Neapolitan opera school na A. Scarlatti, ang tagalikha ng opera-seria, ang mga sining na likas dito ay nahayag. kontradiksyon, to-rye ang nagsilbing dahilan para sa matalas na pagpuna. mga talumpati laban sa kanya. Sa simula. 20s Ika-18 siglo lumitaw ang satirist. musmos ng polyeto. teoristang si B. Marcello, kung saan kinutya ang walang katotohanan na mga kombensiyon ng opera libres., ang pagpapabaya sa mga kompositor ng mga drama. ang kahulugan ng aksyon, ang mayabang na kamangmangan ng mga prima donnas at mga kinanta na castrated. Para sa kawalan ng malalim na etika. nilalaman at pang-aabuso sa panlabas na pintas sovr. ako ay isang ital opera. tagapaglaraw F. Algarotti sa "Essay on Opera" ("Saggio sopra l" orera sa musica ... ", 1754) at encyclopedic scholar na E. Arteaga sa akdang" The Revolution of the Italian Musical Theatre "(" Le rivoluzioni del teatro musicale italiano dalla sua Origine fino al presente ", v. 1-3, 1783-86).

Ang mga makatang librettist na A. Zeno at P. Metastasio ay nakabuo ng isang matatag na istraktura ng makasaysayang at mitolohikal. opera-series, kung saan mahigpit na kinokontrol ang karakter ng mga drama. mga intriga, bilang at ugnayan ng mga artista, mga uri ng solo woks. mga silid at ang kanilang lokasyon sa entablado. aksyon Kasunod sa mga batas ng klasikong drama, binigyan nila ang opera ng pagkakaisa at pagkakaisa ng komposisyon, napalaya ito mula sa paghahalo ng kalunus-lunos. mga elemento na may comedic at farcical. Sa parehong oras, ang mga operatic na teksto ng mga playwright na ito ay minarkahan ng mga tampok ng aristocrats. galante, nakasulat sa isang artipisyal, may kaugalian na sopistikadong wika. Opera seria, isp. ang isang hiwa ay madalas na inorasan upang dumating. pagdiriwang, ay dapat na magtapos sa sapilitan maligayang pagtatapos, ang mga damdamin ng kanyang mga bayani ay may kondisyon at hindi maipahiwatig.

Lahat ng R. Ika-18 siglo mayroong isang ugali na mapagtagumpayan ang itinatag na mga cliches ng opera-seria at isang malapit na koneksyon sa pagitan ng musika at drama. aksyon Ito ay humantong sa pagpapalakas ng papel na ginagampanan ng kasamang recitative, ang pagpapayaman ng orc. mga kulay, pagpapalawak at pagsasadula ng koro. mga eksena Ang mga makabagong pagkahilig na ito ay malinaw na ipinahayag sa mga gawa nina N. Jommelli at T. Traetta, na bahagyang naghanda ng pagpapatakbo na reporma ng Gluck. Sa opera ng Iphigenia sa Taurida, pinamamahalaang ni Traetta, sa mga salita ni G. Abert, "upang sumulong sa pintuang-daan ng drama sa musikal ni Gluck." Ang mga kompositor ng tinaguriang. A. Sina Sacchini at A. Salieri ay kumbinsido na mga tagasunod at tagasunod ng reporma sa Gluck.

Ang pinakamalakas na oposisyon ay may kondisyon na kabayanihan. ang opera-seria ay binubuo ng isang bagong demokratiko. genre ng opera-buffa. Sa 17 at maaga. Ika-18 siglo komiks ang opera ay ipinakita lamang sa nakahiwalay na mga sample. Kung paano sila tumayo nang mag-isa. genre nagsimula siyang bumuo sa gitna ng mga senior masters ng Neapolitan school na L. Vinci at L. Leo. Unang klasiko. isang sample ng opera buffa ang "The Maid-Lady" ni Pergolesi (orihinal na ginamit bilang isang interlude sa pagitan ng mga kilos ng kanyang sariling serye ng opera na "The Proud Prisoner", 1733). Realismo ng mga imahe, kasiglahan at talas ng mga kalamnan. ang mga katangian ay nag-ambag sa pinakamalawak na katanyagan ng interlude JB Pergolesi sa maramihan. mga bansa, lalo na ang France, kung saan ang kanyang post. noong 1752 nagsilbi bilang impetus para sa paglitaw ng isang mabangis na Aesthetic. polemics (tingnan ang "Digmaan ng mga Buffon") at nag-ambag sa pagbuo ng Pranses. nat uri ng komiks. opera

Nang hindi nawawala ang ugnayan sa bunk. mga ugat, Italyano. Ang opera buffa kalaunan ay bumuo ng mas nabuong mga form. Sa kaibahan sa opera-seria, ang solo wok ay nanaig sa isang hiwa. ang simula, sa komiks. Ang mga ensemble ng Opera ay nakakuha ng malaking kahalagahan. Ang pinaka-binuo ensembles ay inilagay sa buhay, mabilis na paglalahad ng finals, na kung saan ay isang uri ng buhol ng intriga ng komedya. Ang N. Logroshino ay itinuturing na tagalikha ng ganitong uri ng mabisang panghuling ensemble. Si K. Goldoni, isang kilalang Italyano, ay may mabungang impluwensya sa pagbuo ng opera buffa. isang komedyante noong ika-18 siglo na sumasalamin sa kanyang akda ng mga ideya ng pagiging totoo ng pagiging totoo. Siya ang may-akda ng isang bilang ng mga libre ng opera, na ang karamihan ay binubuo ng isa sa mga natitirang masters ng Italyano. komiks opera ng Venetian B. Galuppi. Noong 60s. Ika-18 siglo sa opera buffa sentimentalist tendencies ay ipinakita (halimbawa, ang opera ni N. Piccinni sa teksto ni Goldoni na "Chekkina, o the Good Daughter", 1760, Rome). Lumalapit ang Opera buffa sa uri ng "philistine drama" o "nakakaiyak na komedya", na sumasalamin sa moralidad. ideals ng pangatlong estate sa bisperas ng Great French. rebolusyon.

Ang gawain nina N. Piccinni, G. Paisiello at D. Cimarosa ay ang huli, pinakamataas na yugto sa pag-unlad ng opera-buffa noong ika-18 siglo. Ang kanilang mga produksyon, na kumokonekta sa mga elemento ng komedya sa mga damdamin. pathetics, melodic. ang kayamanan na may iba't ibang mga anyo, kasiglahan, biyaya at kadaliang kumilos ng musika ay napanatili sa operasyong repertoire. Sa maraming mga paraan, ang mga kompositor na ito ay lumapit sa Mozart at inihanda ang gawain ng isa sa pinakadakilang Italyano. mga kompositor ng opera ng susunod na siglo G. Rossini. Ang ilang mga tampok ng opera-buffa ay na-assimilate ng susunod na serye ng opera, na nagresulta sa higit na kakayahang umangkop ng mga anyo nito, ang pagiging simple at kusang-loob ng melodic. ekspresyon

Ibig sabihin. ang ambag ay nagawa sa pamamagitan ng ital. mga kompositor ng ika-18 siglo sa pagkabulok ng pagkabulok. mga genre ng instr. musika Sa larangan ng sining ng violin, ang pinakadakilang master pagkatapos ni Corelli ay si G. Tartini. Ang pagpapatuloy, pagsunod sa kanyang mga hinalinhan, upang malinang ang mga genre ng solo violin sonata at trio sonata, pinunan niya sila ng bagong matingkad na pagpapahayag, pinayaman ang mga diskarte ng pagganap ng biyolin, pinalawak ang hanay ng tunog nito dati para sa oras na iyon. Lumikha si Tartini ng kanyang sariling paaralan, na tinawag na Padua (pagkatapos ng lungsod ng Padua, kung saan ginugol niya ang halos lahat ng kanyang buhay). Ang kanyang mga mag-aaral ay sina P. Nardini, P. Albergi, D. Ferrari. Sa 2nd floor. Ika-18 siglo nailahad bilang isang birtoso-tagaganap. at malikhain. mga aktibidad ni G. Punyani, ang pinakamalaking Italyano. violinist na klasiko panahon Kabilang sa marami nito. mga mag-aaral lalo na sikat na J. B. Viotti, sa gawain na kung minsan ay naramdaman na romantikong. uso.

Orc. ang concertto grosso bilang naka-bold at orihinal. ang makabagong artista ay si A. Vivaldi. Dinrama niya ang form na ito, ipinakilala kasama ang pabago-bago. kaibahan ng malalaki at maliliit na pangkat ng mga instrumento (tutti at concertino) na pampakay. naiiba sa loob ng departamento. mga bahagi, itinatag ang isang 3-bahagi na istraktura ng ikot, na kung saan ay napanatili sa klasikong. instr. konsyerto (Ang mga violin concertos ni Vivaldi ay lubos na pinahahalagahan ni J.S.Bach, na nag-transcript ng ilan sa mga ito para sa clavier at organ.)

Sa trio sonatas ni G. B. Pergolesi, kapansin-pansin ang mga tampok ng pre-classical na musika. istilong "galante". Ang kanilang ilaw, transparent na pagkakayari ay halos buong homophonic, ang himig ay nakikilala sa pamamagitan ng malambot na malambing at biyaya. Isa sa mga kompositor na direktang naghanda ng pamumulaklak ng klasiko. instr. musika, ay si J. Sammartini (may-akda ng 78 symphonies, maraming mga sonata at konsyerto para sa iba't ibang mga instrumento), sa likas na katangian ng kanyang gawaing malapit sa mga kinatawan ng mga paaralang Mannheim at maagang Viennese. Si L. Boccherini ay pinagsama sa kanyang mga elemento ng trabaho na may galanteng pagiging sensitibo sa pre-romantiko. nasasabik na mga pathos at pagiging malapit sa mga bunks. mga mapagkukunan Mapapansin mo. Ang cellist, pinayaman niya ang solo cello panitikan, ay isa sa mga nagtatag ng klasikal na musika. parang isang bow quartet.

Ang artista ay isang buhay at mayaman na malikhaing artist. pantasya, pinalawak at na-update ni D. Scarlatti ang matalinhagang istraktura at paraan ng pagpapahiwatig ng clavier na musika. Ang kanyang sonata para sa harpsichord (tinawag sila ng may-akda na "ehersisyo" - "Essercizi per gravicembalo"), na nakakaakit ng iba't ibang mga tauhan at pamamaraan ng paglalahad, ay isang uri ng encyclopedia ng clavier art ng panahong iyon. Sa malinaw at maigsi na sonata, ang tema ni Scarlatti ay pinahigpit. naiiba, malinaw na nakabalangkas sa DOS. mga seksyon ng paglalahad ng sonata. Pagkatapos ng Scarlatti, ang clavier sonata ay binuo sa mga gawa ni B. Galuppi, D. Alberti (na ang pangalan ay naiugnay sa kahulugan ng Alberti bass), G. Rutini, P. Paradisi, D. Cimarosa. Si M. Clementi, na pinagkadalubhasaan ang ilan sa mga panig ng paraan ni D. Scarlatti (na partikular na naipahayag, sa kanyang paglikha ng 12 sonata "sa istilo ng Scarlatti"), pagkatapos ay malapit sa mga panginoon ng nabuong klasiko . estilo, at kung minsan ay lumalapit sa mga pinagmulan ng romantikong. kabutihan

Si N. Paganini ay nagbukas ng isang bagong panahon sa kasaysayan ng art na biyolin. Bilang isang tagapalabas at kompositor, siya ay isang karaniwang romantikong artista. bodega. Ang kanyang paglalaro ay gumawa ng isang hindi mapigilang impresyon sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng mahusay na kabutihan sa maalab na pantasya at pag-iibigan. Mn. manuf. Ang Paganini ("24 Caprices" para sa solo violin, concertos para sa biyolin at orkestra, atbp.) Ay nananatili pa ring hindi maihahambing na mga halimbawa ng panitikang biyolohiyang biyoso. Naimpluwensyahan nila hindi lamang ang buong kasunod na pag-unlad ng musika ng violin noong ika-19 na siglo, kundi pati na rin ang gawain ng pinakamalaking kinatawan ng romantikong. piyanismo - F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt.

Ang Paganini ay ang huli sa mga dakilang Italyano. masters na nagtrabaho sa larangan ng mga tool. musika Noong ika-19 na siglo. ang pansin ng mga kompositor at publiko ay halos buong rivet sa opera. Sa pagsisimula ng 18-19 siglo. Ang opera sa Italya ay nakaranas ng isang panahon ng kilalang pagwawalang-kilos. Mga kaugalian. ang mga uri ng opera-seria at opera-buffa sa oras na iyon ay naubos na ang kanilang mga posibilidad at hindi makabuo. Pagkamalikhain ng pinakamalaking Italyano. opera ng kompositor ng oras na ito G. Si Spontini ay nagpatuloy sa labas ng Italya (sa Pransya at Alemanya). Ang mga pagtatangka ni S. Mayr (isang Aleman sa pamamagitan ng nasyonalidad) na suportahan ang mga tradisyon ng opera-seria (sa pamamagitan ng paghugpong ng ilang mga hiniram na elemento) ay naging isang eclectic. Si F. Paer, na nag-gravit patungo sa opera-buffa, ay hindi nagpakilala ng anumang bagay na bago sa ganitong uri kumpara sa mga gawa nina Paisiello at Cimarosa. (Ang kasaysayan ng musika ay napanatili ang pangalan ni Paer bilang may-akda ng opera na Leonora, o Conjugal Love, sa teksto ni J. Bouilly, na nagsilbing isang mapagkukunan para sa libra ni Beethoven. Fidelio.)

Mataas na pamumulaklak ng Italyano. mga opera noong ika-19 na siglo. ay naiugnay sa mga gawain ng G. Rossini - isang kompositor na likas na matalino na hindi maubos ang melodic. talino sa talino, buhay na buhay, nakakagulat na ugali at hindi mapagkakamalang manunulat ng dula. talino Ang pangkalahatang pagtaas sa Italyano ay nasasalamin sa kanyang trabaho. kultura sanhi ng paglaki ng makabayan. pambansa-ilalabas. mga hangarin Malalim na demokratiko., Nar. sa pamamagitan ng mga pinagmulan nito, ang pagkamalikhain ng operatiba ni Rossini ay nakatuon sa isang malawak na hanay ng mga tagapakinig. Binuhay niya ulit ang nat. uri ng opera buffa at huminga ng bagong buhay dito, pinahahasa at pinapalalim ang mga katangian ng mga aksyon. mga tao, na inilalapit sila sa katotohanan. Ang kanyang "The Barber of Seville" (1816) ay ang rurok ng Italyano. komiks opera Pinagsasama ni Rossini ang prinsipyo ng komedya sa isang nakakainis, ang libre. ang ilan sa kanyang mga opera ay naglalaman ng direktang mga parunggit sa mga lipunan. at polit. ang kapaligiran ng oras na iyon Sa mga opera, heroic drama. tauhan, nalampasan niya ang mga nakapirming cliches ng opera-seria, sa partikular, na naglalagay ng espesyal na kahalagahan sa koro. ang simula. Ang mga plank bed ay malawak na binuo. mga eksena sa huling opera ni Rossini na "Wilhelm Tell" (1829) sa pambansang kalayaan. balangkas, binibigyang kahulugan sa isang romantikong. plano

Romantikong makakuha ng isang malinaw na expression. mga hilig sa gawa ni V. Bellini at G. Donizetti, na ang mga aktibidad ay umunlad noong 30s. 19 siglo, kapag ang kilusan nat. muling pagkabuhay (Risorgimento) sa Italya ay pumasok sa isang mapagpasyang yugto sa pakikibaka para sa pagkakaisa at pampulitika. kalayaan ng bansa. Sa opera ni Bellini na Norma (1831) at The Puritans (1835), malinaw na naririnig ang pambansang kalayaan. mga motibo, bagaman ang pangunahing diin ay ginawa ng kompositor sa personal na dula ng mga bayani. Si Bellini ay isang master sa pagpapahayag. romantiko cantilena, na pumukaw sa paghanga nina MI Glinka at F. Chopin. Si Donizetti ay may pananabik sa mga malalakas na drama. mga epekto at matinding posisyon na minsang ibinuhos sa stilted melodrama. Samakatuwid, ang mahusay na romantikong. ang mga opera ("Lucretia Borgia", ni V. Hugo, 1833; "Luciadi Lammermoor", ni W. Scott, 1835) ay naging mas kaaya-aya kaysa sa mga produksyon. genre ng komedya ("Love Potion", 1832; "Don Pasquale", 1843), kung saan ang tradisyon. i-type ang ital. Ang opera buffa ay nakakuha ng mga bagong tampok: ang kahalagahan ng background ng genre ay tumaas, ang himig ay pinayaman ng mga intonasyon ng pang-araw-araw na pag-ibig at kanta.

Ang gawain ni J.S. Mercadante, G. Pacini at ilang iba pang mga kompositor ng parehong panahon ay hindi naiiba sa kanilang sariling karapatan. mga indibidwal na tampok, ngunit nasasalamin ang pangkalahatang pagkahilig na maisadula ang pormang operatiba at pagyamanin ang musika. pondo Sa paggalang na ito, sila ay kaagad. hinalinhan ng G. Verdi - isa sa pinakadakilang mga playwright ng opera hindi lamang sa Italyano, kundi pati na rin sa mundo ng mga kalamnan. t-ra.

Maagang mga opera ni Verdi, na lumitaw sa entablado noong 40s. Noong 19 siglo, hindi pa ganap na independiyenteng estilista ("Nabucco", "Lombards sa unang krusada", "Ernani"), ay nagpukaw ng masigasig na sigasig ng madla sa kanilang makabayan. mga pathos, romantiko. labis na kasiyahan ng damdamin, diwa ng kabayanihan at pag-ibig ng kalayaan. Sa paggawa 50s ("Rigoletto", "Troubadour", "La Traviata") nakamit niya ang isang mahusay na sikolohikal. lalim ng mga imahe, lakas at katotohanan ng sagisag ng matalas, matinding espiritwal na salungatan. Wok. Ang pagsulat ni Verdi ay napalaya mula sa panlabas na kabutihan, pagdekorasyon ng daanan, na nagiging isang mahalagang sangkap ng melodic. linya, nakuha express. ibig sabihin Sa mga opera ng 60-70s. ("Don Carlos", "Aida") hinahangad niyang higit na ibunyag ang malawak na mga layer ng mga drama. mga aksyon sa musika, pagpapalakas ng papel ng orkestra, pagpapayaman ng mga kalamnan. wika Sa isa sa kanyang huling opera - "Othello" (1886) dumating si Verdi sa paglikha ng katapusan. muses mga drama, kung saan ang musika ay maiuugnay sa aksyon at kakayahang umangkop na maihatid ang lahat ng sikolohikal na ito. kakulay.

Mga Tagasunod sa Verdi, kasama. Si A. Ponchielli, ang may-akda ng sikat na opera na La Gioconda (1876), ay nabigo upang pagyamanin ang kanyang mga prinsipyo sa pagpapatakbo ng mga bagong nilalang. mga nagawa Kasabay nito, ang akda ni Verdi ay nakilala ang oposisyon mula sa mga tagasunod ng mga drama-drama sa musika ni Wagner. mga reporma. Gayunpaman, ang Wagnerianism ay walang malalim na pinagmulan sa Italya, ang impluwensya ng Wagner ay nasasalamin sa ilang mga kompositor na hindi gaanong sa mga alituntunin ng drama sa pagpapatakbo tulad ng sa magkatugma na mga diskarte. at orc. mga titik. Ang mga ugali ng Wagnerian ay nasasalamin sa opera na "Mephistopheles" ni Boito (1868), ang to-ry to-ry ay lumayo mula sa labis na pagkahumaling kay Wagner.

Sa huli. Ika-19 na siglo lumaganap ang verism sa Italya. Ang napakalaking tagumpay ng opera Rural Honor ni Mascagni (1890) at Pagliacci ni Leoncavallo (1892) ay nag-ambag sa pagtatatag ng kalakaran na ito bilang nangingibabaw sa Italyano. malikhaing pagkamalikhain. U. Giordano (kabilang sa kanyang mga akda ang pinakatanyag na opera na "André Chénier", 1896), sumali si F. Chilea sa verism.

Ang gawain ng pinakamalaking Italyano ay naiugnay din sa kalakaran na ito. opera ng kompositor pagkatapos ng Verdi - G. Puccini. Ang kanyang produksyon. karaniwang nakatuon. ang drama ng mga ordinaryong tao, ipinakita laban sa isang makulay na background ng sambahayan. Kasabay nito, ang mga opera ni Puccini ay malaya mula sa naturalistic na likas sa verism. diyablo, naiiba sa higit na subtlety sikolohikal. pagsusuri, kaluluwang liriko at biyaya ng pagsusulat. Totoo sa pinakamahusay na mga tradisyong Italyano. bel canto, pinahigpit ni Puccini ang deklamasyon. pagpapahiwatig ng wok. melodics, pinagtagumpayan para sa isang mas detalyadong pagpaparami ng mga nuances ng pagsasalita sa pagkanta. Makulay na magkakasuwato. at orc. ang wika ng kanyang mga opera ay naglalaman ng ilang mga elemento ng impressionism. Sa kanyang unang mature na produksyon. (La Bohème, 1896; Tosca, 1900) Ang Puccini ay naiugnay pa rin sa Italyano. tradisyon ng opera ng ika-19 na siglo, kalaunan ay naging mas kumplikado ang istilo nito, ang mga paraan ng pagpapahayag ay nakuha ang higit na talas at konsentrasyon. Isang kakaibang kababalaghan sa Italyano. operatic art - ang gawa ni E. Wolf-Ferrari, to-ry sinubukan upang gawing makabago ang klasikong. uri ng opera buffa, pinagsasama ang tradisyon nito. mga form na may pangkakanyahan ay nangangahulugang huli na romantismo ("Mga Nagtataka na Babae", 1903; "Apat na malupit", 1906, sa mga plots ng Goldoni). Si R. Dzandonai, na pangunahing naglalakad sa landas ng verism, ay lumapit sa ilan sa mga bagong muse. mga alon ng ika-20 siglo.

Mataas na nakamit ng ital. opera sa 19 - maaga. ika-20 siglo ay naiugnay sa napakatalino yumayabong ng wok-gumaganap. kultura. Mga tradisyon ng Italya. Ang bel canto, na nabuo noong ika-19 na siglo, ay higit na binuo sa sining ng ilan. henerasyon ng mga tanyag na mang-aawit. Sa parehong oras, ang kanilang pagganap ay nakakakuha ng mga bagong tampok, na nagiging mas liriko at kapansin-pansing nagpapahayag. Ang huling natitirang kinatawan ng isang pulos birtuoso na paraan, na nagbibigay sa drama. nilalaman para sa kapakanan ng kagandahan ng tunog at panteknikal. ang kadaliang kumilos ng boses, ay si A. Catalani. Kabilang sa mga masters ng Italyano. wok mga paaralan ika-1 palapag. Ika-19 na siglo, nabuo batay sa pagpapatakbo ng pagkamalikhain nina Rossini, Bellini at Donizetti - ang mga mang-aawit na Giuditta at Julia Grisi, G. Pasta, ang mga mang-aawit na G. Mario, G. B. Rubini. Sa 2nd floor. Ika-19 na siglo isang kalawakan ng mga mang-aawit na "Verdi" ang paparating, kung saan kinabibilangan ng mga mang-aawit na A. Bosio, B. at K. Marchisio, A. Patti, ang mga mang-aawit na M. Battistini, A. Mazini, J. Anselmi, F. Tamagno , E. Tamberlik at iba pa Noong ika-20 siglo. luwalhati ital. ang mga opera ay suportado ng mga mang-aawit A. Barbie, G. Bellincioni, A. Galli-Curci, T. Dal Monte, E. at L. Tetrazzini, mga mang-aawit na G. De Luca, B. Gigli, E. Caruso, T. Skipa, Titta Ruffo at dr.

Mula sa huli. Ika-19 na siglo ang kahalagahan ng opera sa gawain ng Ital. humina ang mga kompositor at may posibilidad na ilipat ang pokus ng pansin sa globo ng instr. mga genre Ang muling pagkabuhay ng aktibong malikhaing. interes sa mga tool. ang musika ay itinaguyod ng mga gawain ni J. Sgambati (nakamit ang pagkilala sa Europa bilang isang piyanista at konduktor) at G. Martucci. Ngunit ang gawain ng parehong mga kompositor, na nabuo sa ilalim ng impluwensya ng F. Liszt at R. Wagner, ay hindi sapat na independyente.

Bilang isang tagapagbalita ng mga bagong aesthetics. ang mga ideya at prinsipyo ng estilo ay may malaking impluwensya sa pag-unlad ng buong Europa. musika ng ika-20 siglo ibinigay si F. Busoni - isa sa pinakadakilang pianista ng kanyang panahon, isang pangunahing kompositor at teorama ng sining. Inilahad nila ang konsepto ng "bagong klasismo", isang hiwa na kinontra niya, sa isang banda, impresibo. likido ng mga imahe, mailap ang mga shade, sa kabilang banda - "anarkiya" at "arbitrariness" ng atonalism ni Schönberg. Ang iyong malikhaing. Ang mga prinsipyo ni Busoni ay ipinatupad sa mga gawaing tulad ng "Counterpoint Fantasy" (1921), "improvisation on a Bach Chorale" para sa 2 fp. (1916), pati na rin ang mga opera na "Harlequin, o Window", "Turandot" (parehong post. 1917), kung saan inabandona niya ang nabuong wok. style ng kanilang Ital. mga hinalinhan at pilit na nilalapitan ang uri ng mga sinaunang tinapay. komedya o slapstick.

Sa mainstream ng neoclassicism, humubog ang pagkamalikhain ng Italyano. mga kompositor, kung minsan ay nagkakaisa sa ilalim ng pangalan. "mga pangkat noong 1880s." - I. Pizzetti, J. F. Malipiero, A. Casella. Hinangad nilang buhayin ang mga tradisyon ng dakilang nat. muses nakaraan, na tumutukoy sa mga form at estilistiko. mga itinalagang itinal. Baroque at Gregorian chant melodies. Maagang tagapagpalaganap ng musika at mananaliksik, Malipiero publ. koleksyon gawa ni K. Monteverdi, instr. manuf. A. Vivaldi at ang nakalimutang pamana ng marami. ital mga kompositor ng ika-17 at ika-18 na siglo Sa kanyang trabaho, gumagamit siya ng mga form ng lumang Baroque sonata, richercar, atbp. Ang kanyang opera, DOS. sa express. wok pagbigkas at kaunting paraan ng orc. res., sumasalamin sa darating na 20s. reaksyon laban sa verism. Ang mga kaugaliang neoclassicist ni Casella ay ipinakita sa "Partita" para sa php. kasama ang orchestra (1925), suite na "Scarlattiana" (1926), ilang music theatre. manuf. (halimbawa, ang kamara opera na The Legend of Orpheus, 1932). Kasabay nito, bumaling siya sa Italyano. folklore (rhapsody para sa orkestra na "Italya", 1909). Ang kanyang makulay na orc. ang sulat ay nabuo sa isang malaking lawak sa ilalim ng impluwensya ng Russian. at Pranses. mga paaralan (ang orkestra ng Islamey ni Balakirev ay isang pagkilala sa kanyang pagkahilig sa musikang Ruso). Ipinakilala ni Pizzetti ang mga elemento ng relihiyon at pag-moral sa kanyang mga opera at binabad ang mga kalamnan. wika na may mga intonasyon ng Gregorian chant, nang hindi sinira nang sabay sa mga tradisyong Italyano. opera school ng ika-19 na siglo. Maraming isang espesyal na lugar sa pangkat na ito ng mga kompositor ay sinasakop ng gawain ni O. Respighi, master ng orc. tunog pagsulat (ang pagbuo ng kanyang trabaho ay naiimpluwensyahan ng mga aralin ng N.A.Rimsky-Korsakov). Sa symph. ang mga tula na Respighi ("Roman Fountains", 1916; "Pines of Rome", 1924) ay binibigyan ng matingkad na mga larawan ng mga bunk bed. buhay at kalikasan. Ang mga kaugaliang neoclassicist ay bahagyang nasasalamin lamang sa kanyang huling gawain. Isang kapansin-pansin na papel sa I. m. 1st floor. ika-20 siglo ginampanan ni F. Alfano, ang pinakatanyag na kinatawan ng kilusang verist (ang opera ng Pagkabuhay na Mag-uli batay sa nobela ni Leo Tolstoy, 1904), na pagkatapos ay nagbago sa impresyonismo; M. Castelnuovo-Tedesco at V. Rieti, to-rye sa simula. Ika-2 Digmaang Pandaigdig 1939-45 ng pampulitika. ang mga motibo ay umalis sa kanilang tinubuang bayan at nanirahan sa Estados Unidos.

Sa pagsapit ng 40s. ika-20 siglo sa I. m. kapansin-pansin na pagbabago ng istilo ang nagaganap. Ang mga kaugaliang neoclassicism ay pinalitan ng mga alon na nabuo sa isang anyo o iba pa ng mga prinsipyo ng bagong paaralang Viennese. Nagpapahiwatig sa paggalang na ito ay malikhain. Ang ebolusyon ni G. Petrassi, to-ry, na nakaranas ng impluwensya nina A. Casella at I.F Stravinsky, ay lumipat muna sa posisyon ng libreng pagbabayad-sala, at pagkatapos ay sa mahigpit na dodecaphony. Ang pinakamalaking kompositor ng panahong ito, ang I.M., ay si L. Dallapikkola, na ang akda ay nakakuha ng malawak na pansin pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Sa kanyang produksyon. 40s at 50s ang mga tampok ng ekspresyonismo at pagkakamag-anak ay ipinakita. sa gawain ni A. Berg. Ang pinakamahusay sa kanila ay sumasalamin sa makatao. protesta laban sa paniniil at kalupitan (chor. triptych "Mga Kanta ng Mga Bilanggo", 1938-1941; opera "The Prisoner", 1944-48), na nagbigay sa kanila ng isang tiyak na orientasyong kontra-pasista.

Kabilang sa mga kompositor ng nakababatang henerasyon, na sumikat pagkatapos ng World War II, sina L. Berio, S. Bussotti, F. Donatoni, N. Castiglioni, B. Maderno, R. Malipiero at iba pa ay sumikat. Ang kanilang gawa ay nauugnay sa iba-iba. mga alon ng avant-gardism - post-Weberian serialism, sonoristics (tingnan ang Serial music, Sonorism), aleatorics, at isang pagkilala sa pormal na paghahanap para sa mga bagong tunog na tunog. Berio at Maderno d. noong 1954 sa Milan "Studio of Phonology", na nagsagawa ng mga eksperimento sa larangan ng elektronikong musika. Sa parehong oras, ang ilan sa mga kompositor na ito ay sumusubok na pagsamahin ang tinatawag na. bagong paraan ng pagpapahayag ng muses. avant-garde na may mga uri ng genre at diskarte ng musika ng 16-17 na siglo.

Isang espesyal na lugar sa moderno. I. m. Kasama sa kompositor ng komunista na si L. Nono, isang aktibong manlalaban para sa kapayapaan. Ginagawa niya ang kanyang trabaho sa mga pinaka-matalas na tema ng ating panahon, sinusubukan na ipaloob ang mga ideya ng internasyonal. kapatiran at pagkakaisa ng mga manggagawa, protesta laban sa imperyalista. pang-aapi at pananalakay. Ngunit ang mga paraan ng avant-garde art, na ginagamit ni Nono, ay madalas na sumasalungat sa kanyang pagnanasa para sa pagiging diretso. nagpupukaw epekto sa malawak na masa ng mga tagapakinig.

Bukod sa mga hilig ng avant-garde ay si J.C. Menotti - Italyano. nakatira at nagtatrabaho sa Estados Unidos. Sa kanyang trabaho, na nauugnay pangunahin sa operatic t-rom, ang mga elemento ng verism ay nakakakuha ng isang tiyak na pangkulay ng ekspresyonista, habang ang paghahanap ng totoong pagsasalita ng pagsasalita ay humantong sa kanya sa isang bahagyang pakikipag-ugnay kay M.P. Mussorgsky.

Sa kalamnan. ang buhay ng Italya ay patuloy na may mahalagang papel sa operatic tr. Ang isa sa mga pinakahusay na grupo ng opera sa buong mundo ay ang Teatro alla Scala sa Milan, na mayroon mula pa noong 1778. Ang pinakalumang mga operatiba na grupo sa Italya ay kasama rin ang San Carlo sa Naples (itinatag noong 1737), Fenice sa Venice (itinatag noong 1792) . Malaking sining. Ang Roman Opera House (binuksan noong 1880 sa ilalim ng pangalan ng Costanzi Theatre, mula pa noong 1946 - ang Roman Opera House) ay nakakuha ng kahalagahan. Kabilang sa mga pinaka kilalang moderno. ital opera artist - mga mang-aawit na G. Simionato, R. Scotto, A. Stella, R. Tebaldi, M. Freni; mga mang-aawit na J. Becky, T. Gobbi, M. Del Monaco, F. Corelli, J. Di Stefano.

Mahusay na impluwensya sa pagbuo ng opera at symphony. ang kultura sa Italya ay ibinigay ni A. Toscanini, isa sa pinakadakilang conductor ng ika-20 siglo. Mga kilalang kinatawan ng pagganap ng musika. ang mga likhang sining ay pinangangasiwaan ni P. Argento, V. De Sabata, G. Cantelli, T. Serafin, R. Fasano, V. Ferrero, C. Cecchi; piyanista A. Benedetti Michelangeli; violinist na si J. De Vito; cellist E. Mainardi.

Mula sa simula. ika-20 siglo Natanggap ang masidhing pag-unlad sa pananaliksik sa musika sa Italya. at kritikal naisip Ibig sabihin. kontribusyon sa pag-aaral ng muses. ang pamana ay dinala ng mga musicologist na si G. Barblan (pangulo ng Italian Society of Musicology), A. Bonaventura, J. M. Gatti, A. Della Corte, G. Pannain, J. Radi-Chotti, L. Torquay, F. Torrefranca at iba pa M Ang Dzafred at M. Mila ay higit na nagtatrabaho. sa larangan ng muses. pagpuna. Ang isang bilang ng mga muses ay nai-publish sa Italya. magazine, kasama "Rivista Musicale italiana" (Turin, Milan, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), "Musica d" oggi "(Milan, 1919-40, 1958-)," La Rassegna Musicale "(Turin, 1928-40 ; Roma, 1941-1943, 1947-62), "Bolletino Bibliografico Musicale" (Milan, 1926-33, 1952-), "Il Convegno Musicale" (Turin, 1964-), atbp.

Ang bilang ng mga encyclopedias ay nai-publish, na nakatuon sa. musika at t-ru, kasama "Enciclopedia della musica" (v. 1-4, Mil., 1963-64), "Enciclopedia dello spettacolo" (v. 1-9, Roma, 1954-62).

Kabilang sa mga specials. muses uch ang pinakamalaking institusyon ay ang mga conservatories: "Santa Cecilia" sa Roma (itinatag noong 1876 bilang isang musikal lyceum, mula noong 1919 - isang konserbatoryo); ang pangalan ni J. B. Martini sa Bologna (mula 1942; itinatag noong 1804 bilang isang musikal lyceum, mula noong 1914 natanggap nito ang katayuan ng isang konserbatoryo); sila. Benedetto Marcello sa Venice (mula pa noong 1940, itinatag noong 1877 bilang isang musikal na lyceum, mula noong 1916 ay ipinantay ito sa isang mas mataas na paaralan); Milan (itinatag noong 1808, noong 1901 na pinangalanang pagkatapos ng G. Verdi); sila. L. Cherubini sa Florence (itinatag noong 1849 bilang isang musikal na instituto, pagkatapos ay isang paaralan ng musika, isang Academy of music, mula noong 1912 - isang konserbatoryo). Prof. ang mga musikero ay sinanay din sa iyo ng kasaysayan ng musika sa mga unibersidad, ang Papal Ambrosian Institute of Sacred Music, atbp. Sa mga ito. mga institusyon, pati na rin sa Institute para sa pag-aaral ng pamana ni Verdi ay isang musicologist. Trabaho Sa Venice itinatag ang Intern. sentro ng propaganda ital. musika, to-ry taun-taon na nagsasagawa ng mga kurso sa tag-init ("Mga Piyesta Opisyal sa Musika") sa pag-aaral ng sinaunang Italyano. musika Ang Ambrosian Library, ang Library ng Milan Conservatory, ay may malawak na koleksyon ng sheet music at mga libro sa musika. Ang mga repository ng mga sinaunang instrumento, sheet music at libro ay malawak na kilala (puro sa aklatan ng Bologna Philharmonic Academy, sa silid aklatan ng G.B. Martini at sa Archives ng San Petronio Chapel sa Bologna). Ang pinakamayamang materyales sa kasaysayan ng Italyano. musika may nat. silid-aklatan ng Marciana, silid-aklatan ng D. Chini Foundation at Museum of Muses. mga instrumento sa Conservatory sa Venice.

Sa Italya, maraming. muses samahan at isagawa. sama-sama. Regular na symphony. ang mga konsyerto ay ibinigay ng: orchestras t-kanal na "La Scala" at "Fenice", Nat. Academy "Santa Cecilia", Italya. radyo at telebisyon sa Roma, orchestra tungkol-sa "Hapon na musika" ("Rommerigi musicali"), to-ry gumaganap paunang akda. may isp. moderno musika, orkestra ng kamara na "Angelicum" at "Virtuosi ng Roma", lipunan na "Ambrosian polyphony", nagpapalaganap ng musika ng Middle Ages, Renaissance at Baroque, pati na rin ang orchestra ng teatro ng Bologna na "Comunale", ang orkestra ng Bologna chamber at iba pa mga pangkat.

Sa Italya, maraming gaganapin. muses piyesta at kumpetisyon: Intern. pagdiriwang ng moderno musika (mula 1930, Venice), "Florentine Musical May" (mula 1933), "Festival of Two Worlds" sa Spoleto (mula 1958, itinatag ni J.C. Menotti), "New Music Week" (mula 1960, Palermo), kumpetisyon ng pianista sila. F. Busoni sa Bolzano (mula noong 1949, taun-taon), kumpetisyon ng musika at sayaw. JB Viotti sa Vercelli (mula noong 1950, taun-taon), kumpetisyon ang mga ito. A. Casella sa Naples (mula 1952, bawat 2 taon, hanggang 1960 nakilahok ang mga pianista, mula pa noong 1962 - mga kompositor din), ang Violin Competition. N. Paganini sa Genoa (mula 1954, taun-taon), kumpetisyon ng orc. conductor sa Roma (mula noong 1956, bawat 3 taon, na itinatag ng National Academy na "Santa Cecilia"), kumpetisyon ng mga pianista. E. Pozzoli sa Seregno (mula 1959, bawat 2 taon), kumpetisyon para sa mga batang conductor na pinangalanan pagkatapos G. Cantelli sa Novara (mula noong 1961, bawat 2 taon), kumpetisyon ng vocal na "Verdi's Voice" sa Busseto (mula noong 1961, taun-taon), kumpetisyon ng koro. pinagsama-sama sa kanila. Ang Guido d "Arezzo sa Arezzo (itinatag noong 1952 bilang isang pambansa, mula 1953 - internasyonal; taun-taon, kilala rin bilang" Polyphonico "), ang kumpetisyon ng G. Casado cello sa Florence (mula 1969, bawat 2 taon).

Kabilang sa Ital. muses Kapisanan - ang Korporasyon para sa Bagong Musika (seksyon ng International Society of Contemporary Music; itinatag noong 1917 bilang National Music Society, noong 1919 ito ay nabago sa Italian Society of Contemporary Music, mula pa noong 1923 - ang Corporation), Association of muses. mga aklatan, Society of Musicology, atbp. Mahusay na gawain ay ginagawa ng Italyano. muses naglathala ng bahay at kumpanya ng kalakalan na "Ricordi and Co." (itinatag noong 1808), na mayroong mga sangay sa pl. mga bansa.

Panitikan: Ivanov-Boretsky M.V., Musical-Historical Reader, vol. 1-2, M., 1933-36; kanyang, Mga materyales at dokumento sa kasaysayan ng musika, vol. 2, M., 1934; Kuznetsov K.A., Mga larawang musikal at pangkasaysayan, ser. 1, M., 1937; Livanova T., Kasaysayan ng musika sa Kanlurang Europa bago ang 1789, M. - L., 1940; Gruber R.I., Pangkalahatang kasaysayan ng musika, isang bahagi, M., 1956, 1965; Khokhlovkina A., Western European Opera. Huling ika-18 - unang kalahati ng ika-19 na siglo. Sanaysay, M., 1962; Ang kasaysayan ng kasaysayan ng sining ng Europa: mula pa noong una hanggang sa katapusan ng ika-18 siglo, M., 1963; Kasaysayan ng kasaysayan ng sining sa Europa. Unang kalahati ng ika-19 na siglo, M., 1965.

Maraming mga tao ang nag-iisa sa mundo, nakikipag-usap sa iba't ibang mga wika. Ngunit ang mga tao ay nagsalita hindi lamang sa mga salita sa buong kasaysayan. Sa mga sinaunang panahon, ang mga kanta at sayaw ay ginamit upang gawing espiritwal ang kanilang emosyon at saloobin.

Sayaw sining laban sa background ng pag-unlad ng kultura

Ang kulturang Italyano ay may malaking kahalagahan laban sa backdrop ng mga nakamit sa mundo. Ang simula ng mabilis na paglaki nito ay kasabay ng pagsilang ng isang bagong panahon - ang Renaissance. Sa totoo lang, ang Renaissance ay tiyak na lumilitaw sa Italya at sa loob ng ilang oras ay bubuo sa loob, nang hindi hinahawakan ang ibang mga bansa. Ang kanyang mga unang tagumpay ay nabagsak noong mga siglo na XIV-XV. Mamaya mula sa Italya kumalat sila sa buong Europa. Ang pag-unlad ng alamat ay nagsisimula din sa ika-14 na siglo. Ang sariwang diwa ng sining, isang naiibang pag-uugali sa mundo at lipunan, isang pagbabago sa mga halaga ay direktang makikita sa mga katutubong sayaw.

Ang impluwensya ng Renaissance: bagong pas at bola

Noong Middle Ages, ang mga paggalaw ng Italyano sa musika ay ginampanan ng hakbang, maayos, na may pag-sway. Binago ng Renaissance ang pag-uugali sa Diyos, na makikita sa alamat. Ang mga sayaw na Italyano ay nakakuha ng lakas at buhay na buhay na paggalaw. Kaya't ang "full stop" ay sumasagisag sa makalupang pinagmulan ng tao, ang kanyang koneksyon sa mga regalong likas. At ang kilusang "sa mga daliri sa paa" o "may isang pagtalon" ay pinantay ang pagsusumikap ng tao para sa Diyos at ang kanyang pagluwalhati. Nakabatay sa kanila ang pamana ng sayaw na Italyano. Ang kanilang kombinasyon ay tinatawag na "balli" o "ballo".

Renaissance Italyano katutubong instrumento sa musika

Ginampanan ang mga gawaing katutubong sa kasabay. Para sa mga ito, ginamit ang mga sumusunod na tool:

• Harpsichord (Italyano na "Chembalo"). Unang pagbanggit: Italya, XIV siglo.
• Tambourine (isang uri ng tamburin, ang ninuno ng modernong tambol). Ginamit din ito ng mga mananayaw sa panahon ng paggalaw.
• Violin (yumuko instrumento, nagmula noong ika-15 siglo). Ang pagkakaiba-iba ng Italyano ay viola.
• Lute (plucked string instrument.)
• Dudki, plawta at oboes.

Iba't ibang sayaw

Ang mundo ng musikal ng Italya ay naging magkakaiba. Ang paglitaw ng mga bagong instrumento at himig ay nag-udyok ng masiglang paggalaw sa pagkatalo. Ang mga pambansang sayaw ng Italyano ay isinilang at binuo. Ang kanilang mga pangalan ay nabuo, madalas na batay sa prinsipyo ng teritoryo. Maraming pagkakaiba-iba sa kanila. Ang pangunahing mga sayaw na Italyano na kilala ngayon ay bergamasca, galliarda, saltarella, pavana, tarantella at pizza.

Bergamasca: ang mga klasikong puntos

Ang Bergamasca ay isang tanyag na sayaw ng katutubong Italyano noong ika-16 hanggang ika-17 siglo, na nawala sa uso pagkatapos, ngunit nag-iwan ng kaukulang pamana sa musikal. Rehiyon ng tahanan: hilagang Italya, lalawigan ng Bergamo. Ang musika sa sayaw na ito ay masaya, maindayog. Ang tick meter ay isang kumplikadong four-beat. Ang mga paggalaw ay simple, makinis, ipares, mga pagbabago sa pagitan ng mga pares ay posible sa proseso. Sa una, ang katutubong sayaw ay nahulog sa pag-ibig sa korte sa panahon ng Renaissance.

Ang unang pagbanggit sa panitikan tungkol dito ay nakita sa dulang ni William Shakespeare na "A Midsummer Night's Dream." Sa pagtatapos ng ika-18 siglo, ang Bergamasca ay maayos na lumiliko mula sa katutubong alamat sa isang pamana sa kultura. Maraming mga kompositor ang gumamit ng ganitong istilo sa proseso ng pagsulat ng kanilang mga obra: Marco Uccelini, Solomon Rossi, Girolamo Frescobaldi, Johann Sebastian Bach.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, lumitaw ang isang iba't ibang interpretasyon ng bergamask. Nailalarawan ito ng isang kumplikadong halo-halong metro ng metro ng musikal, isang mas mabilis na tempo (A. Piatti, C. Debussy). Ngayon, ang mga echo ng folklore Bergamascus ay nakaligtas, na matagumpay nilang sinubukan na maisama sa mga ballet at theatrical na palabas, gamit ang naaangkop na istilong pang-musiko na kasabay.

Galliarda: masasayang sayaw

Ang Galliarda ay isang lumang sayaw na Italyano, isa sa unang katutubong sayaw. Lumitaw ito noong ika-15 siglo. Ang isinalin ay nangangahulugang "masayahin". Sa totoo lang, siya ay napaka-masayahin, masigla at maindayog. Ito ay isang kumplikadong kumbinasyon ng limang mga hakbang at paglukso. Ito ay isang pares na katutubong sayaw na nakakuha ng katanyagan sa mga aristokratikong bola sa Italya, Pransya, Inglatera, Espanya, Alemanya.

Sa mga siglo na XV-XVI, ang galliard ay naging sunod sa moda dahil sa comic form nito, masayahin, kusang ritmo. Nawala ang katanyagan bilang isang resulta ng ebolusyon at pagbabago sa karaniwang istilo ng sayaw ng korte. Sa pagtatapos ng ika-17 siglo, ganap itong naging musika.

Ang pangunahing galliard ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang katamtamang bilis, ang haba ng isang metro ay isang simpleng three-beat. Sa mga susunod na yugto, ginaganap ang mga ito sa naaangkop na ritmo. Ang galliard na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng kumplikadong haba ng metro ng musikal. Ang mga tanyag na kapanahon na piraso sa ganitong istilo ay mas mabagal at mas lundo. Ang mga kompositor na gumagamit ng musikang galliard sa kanilang mga gawa: V. Galilei, V. Break, B. Donato, W. Bird at iba pa.

Saltarella: masaya sa kasal

Ang Saltarella (Saltarello) ay ang pinakalumang sayaw ng Italyano. Ito ay medyo nakakatawa at maindayog. Sinamahan ng isang kumbinasyon ng mga hakbang, paglukso, pagliko at bow. Pinagmulan: mula sa Italian saltare - "upang tumalon". Ang unang pagbanggit ng pormang ito ng folk art ay nagsimula pa noong ika-12 siglo. Orihinal na isang sayaw na pampubliko na may kasamang musikal sa isang simpleng laki ng dalawa o tatlong palo. Mula noong ika-18 siglo, ito ay maayos na muling sumilang sa isang umuusok na saltarella sa musika na may kumplikadong laki. Ang estilo ay nakaligtas hanggang sa araw na ito.

Sa mga siglo na XIX-XX - naging isang napakalaking sayaw sa kasal sa Italya, na sinayaw sa mga pagdiriwang ng kasal. sa pamamagitan ng paraan, sa oras na iyon sila ay madalas na inorasan upang sumabay sa pag-aani. Sa XXI - ginanap sa ilang mga karnabal. Ang musika sa ganitong istilo ay binuo sa mga komposisyon ng maraming mga may-akda: F. Mendelssohn, G. Berlioz, A. Castellono, R. Barto, B. Bazurov.

Pavana: kaaya-aya sa solemne

Ang Pavana ay isang lumang sayaw ng ballroom ng Italya na eksklusibo na ginanap sa korte. Ang isa pang pangalan ay kilala - padovana (mula sa pangalang Padova; mula sa Latin pava - peacock). Ang sayaw na ito ay mabagal, kaaya-aya, solemne, bongga. Ang kumbinasyon ng mga paggalaw ay binubuo ng simple at doble na mga hakbang, curtsies at pana-panahong pagbabago sa posisyon ng mga kasosyo na may kaugnayan sa bawat isa. Sumayaw siya hindi lamang sa mga puntos, kundi pati na rin sa simula ng mga prusisyon o seremonya.

Ang Italian pavana, na nakapasok sa mga bola ng korte ng ibang mga bansa, ay nagbago. Siya ay naging isang uri ng sayaw na "diyalekto". Samakatuwid, ang impluwensyang Espanyol ay humantong sa paglitaw ng "pavanilla", at ng Pranses - sa "passamezzo". Ang musika kung saan gumanap ang mga hakbang ay mabagal, two-beat. bigyang-diin ang ritmo at mahahalagang punto ng komposisyon. Ang sayaw ay unti-unting nawala sa uso, na napanatili sa mga gawa ng pamana ng musikal (P. Attenyan, I. Shane, C. Saint-Saens, M. Ravel).

Tarantella: ang personipikasyon ng ugali ng Italyano

Ang Tarantella ay isang katutubong sayaw ng Italyano na nakaligtas hanggang ngayon. Siya ay madamdamin, masigla, maindayog, masayahin, walang pagod. Ang sayaw na tarantella ng Italya ay ang trademark ng mga lokal. Binubuo ito ng isang kumbinasyon ng mga jumps (kasama ang gilid) na may kahaliling pagkahagis ng paa pasulong at paatras. Pinangalan ito sa lungsod ng Taranto. Mayroon ding ibang bersyon. Sinabi nila na ang mga taong nakagat ay nahantad sa isang sakit - tarantism. Ang sakit ay halos kapareho ng rabies, kung saan sinubukan nilang gumaling sa proseso ng hindi tumitigil na mabilis na paggalaw.

Ginagawa ang musika sa isang simpleng three-beat o kumplikadong metro. Siya ay mabilis at nakakatawa. Mga Katangian:

1. Pinagsasama ang mga pangunahing instrumento (kabilang ang mga keyboard) na may mga karagdagang isa na nasa kamay ng mga mananayaw (tambourine at castanets).
2. Kakulangan ng karaniwang musika.
3. Pagpapabuti ng mga instrumentong pangmusika sa loob ng balangkas ng isang kilalang ritmo.

Ginamit ni F. Schubert, F. Chopin, F. Mendelssohn, P. Tchaikovsky ang ritmo na likas sa mga paggalaw sa kanilang mga komposisyon. Ang Tarantella ay pa rin isang makulay na katutubong sayaw, na ang mga pangunahing kaalaman ay pinagkadalubhasaan ng bawat makabayan. At sa ika-21 siglo, patuloy nila itong isinasayaw nang madla sa masasayang bakasyon ng pamilya at magagarang kasalan.

Pizzica: isang away sa pagsasayaw sa groovy

Ang Pizzica ay isang mabilis na sayaw na Italyano na nagmula sa tarantella. Naging direksyon ng sayaw ng katutubong alamat ng Italya dahil sa paglitaw ng sarili nitong mga natatanging tampok. Kung ang tarantella ay nakararami isang sayaw ng masa, kung gayon ang pizza ay naging eksklusibong ipinares. Kahit na mas masigla at masigla, nakakuha siya ng mga tala na parang digmaan. Ang mga paggalaw ng dalawang mananayaw ay katulad ng isang tunggalian kung saan nakikipaglaban ang mga nakakatawang karibal.

Ito ay madalas na ginanap ng mga kababaihan na may maraming mga ginoo sa pagliko. Sa parehong oras, na gumaganap ng masiglang paggalaw, ipinahayag ng dalaga ang kanyang pagka-orihinal, kalayaan, mabagabag na prinsipyo ng pambabae, bilang isang resulta na tinanggihan ang bawat isa sa kanila. Ang mga ginoo ay sumuko sa presyon, na ipinakita ang kanilang paghanga sa babae. Ang indibidwal na espesyal na karakter na ito ay katangian lamang ng pizza. Sa isang paraan, nailalarawan niya ang masigasig na likas na Italyano. Nagkamit ng katanyagan noong ika-18 siglo, hindi ito nawala sa pizza hanggang ngayon. Patuloy itong ginaganap sa mga perya at karnabal, pagdiriwang ng pamilya at pagganap ng dula-dulaan at ballet.

Ang paglitaw ng isang bago ay humantong sa paglikha ng isang naaangkop na kasamang musika. Lumilitaw ang "Pizzicato" - isang paraan ng pagganap ng mga piraso sa mga bow note, hindi sa bow mismo, ngunit sa pag-kurot ng mga daliri. Bilang isang resulta, lilitaw na ganap na magkakaibang mga tunog at himig.

Mga sayaw na Italyano sa kasaysayan ng koreograpia sa mundo

Nagmula bilang isang katutubong sining, na tumagos sa mga aristokratikong ballroom, ang mga sayaw ay umibig sa lipunan. Ito ay naging kinakailangan upang systematize at concretize ang pas para sa layunin ng amateur at propesyonal na pagsasanay. Ang mga unang choreographer ng teoretikal ay ang mga Italyano: Domenico da Piacenza (XIV-XV), Guglielmo Embreo, Fabrizio Caroso (XVI). Ang mga gawaing ito, kasama ang pagsasayaw ng mga paggalaw at kanilang pag-istilo, ay nagsilbing batayan para sa pag-unlad ng mundo ng ballet.

Samantala, sa mapagkukunan ay nakatayo ang mga masasayang simpleng tagabaryo at mga naninirahan sa lungsod na sumasayaw ng saltarella o tarantella. Ang ugali ng mga Italyano ay madamdamin at masigla. Misteryoso at marilag ang panahon ng Renaissance. Ito ang mga tampok na nagpapakilala sa mga sayaw na Italyano. Ang kanilang pamana ay ang batayan para sa pagbuo ng dance art sa buong mundo. Ang kanilang mga tampok ay isang salamin ng kasaysayan, karakter, emosyon at sikolohiya ng isang buong tao sa loob ng maraming siglo.

Ang kulturang tagpi-tagpi ng Italya ay nagbigay sa mundo ng hindi maihahambing na mga artesano. Ngunit ang mga tagalikha ng henyong Italyano mismo ay naimpluwensyahan ng kulturang katutubong, kasama na. melodic mga awiting Italyano. Halos lahat sa kanila ay may mga may-akda, kung saan, gayunpaman, ay hindi pumipigil sa kanila na tawaging sila folk.

Marahil ay sanhi ito ng likas na pagmamahal ng mga Italyano sa paggawa ng musika. Nalalapat ang pahayag na ito sa lahat ng mga rehiyon ng Italya mula sa timog Naples hanggang hilagang Venice, bilang ebidensya ng maraming mga pagdiriwang ng kanta na ginanap sa buong bansa. Ang awiting Italyano ay kilala at mahal sa buong mundo: naaalala pa rin ng ating mga magulang ang "Bella Chao" at "On the way" - mga awiting Italyano na kinanta ni Muslim Magomayev, na kinikilala bilang pinakamahusay na tagapalabas ng mga kanta sa bansang ito.

Mga awiting Italyano na katutubong mula pa noong una

Kung ang wikang Italyano ay nabuo ng X siglo, pagkatapos ay iniuugnay ng mga mananaliksik ang paglitaw ng mga katutubong awit ng Italyano sa simula pa lamang ng XIII na siglo. Ito ang mga awiting kinanta ng mga naglalakad na juggler at minstrel sa mga plasa ng lungsod tuwing bakasyon. Ang paksa para sa kanila ay pag-ibig o kwento ng pamilya. Ang kanilang istilo ay medyo bastos, na natural para sa Middle Ages.

Ang pinakatanyag na awit na bumaba sa amin ay tinawag na "Contrasto" ("Pagtatalo sa pag-ibig") ng Sicilian Chullo d'Alcamo. Ito ay tungkol sa isang dayalogo sa pagitan ng isang batang babae at isang batang lalaki na in love sa kanya. Bilang karagdagan, kilala ang mga katulad na awit ng diyalogo: "Pakikipagtalo sa pagitan ng kaluluwa at katawan", "Ang hindi pagkakasundo sa pagitan ng morena at ng kulay ginto", "Ang hindi pagkakasundo sa pagitan ng walang kabuluhan at matalino", "Ang hindi pagkakasundo sa pagitan ng taglamig at tag-init".

Sa panahon ng Renaissance, ang fashion para sa pang-araw-araw na paggawa ng musika ay kumalat sa mga naninirahan sa Italya. Ang mga ordinaryong mamamayan ay nagtipon sa mga lupon ng mga mahilig sa musika, kung saan tumutugtog sila ng iba`t ibang mga instrumento, binubuo ng mga salita at himig. Mula noon, ang mga kanta ay malawak na naipamahagi sa lahat ng mga segment ng populasyon at pinatunog saanman sa Italya.

Mga instrumentong pangmusika at mga awiting Italyano

Nagsasalita tungkol sa alamat, ang isang tao ay hindi maaaring mabigo na banggitin ang mga instrumento, sa saliw na ginanap sila. Narito ang ilan sa mga ito:

• Isang violin na nakakuha ng modernong hitsura nito noong ika-15 siglo. Ang instrumentong ito ng pinagmulang bayan ay labis na minamahal ng mga Italyano.
• Ang lute at ang bersyon ng Pyrenean na ito ay vihuela. Ang mga naka-pluck na instrumento ay kumalat sa buong Italya noong ika-14 na siglo.
• Tambourine. Isang uri ng tamborin na pumasok sa Italya mula sa Provence. Sinamahan sila ng mananayaw sa kanyang sarili sa pagtatanghal ng tarantella.
• Ang flute. Nakakuha ng pamamahagi sa XI siglo. Ito ay madalas na ginagamit ng tagapalabas na may tamborin.
• Ang organ ng bariles, isang instrumentong mekanikal ng hangin na naging tanyag sa Italya noong ika-17 siglo. Lalo na siya ay minamahal sa mga naglalakad na musikero, alalahanin si Papa Carlo.

Italyano katutubong awit na "Santa Lucia" - ang pagsilang ng Neapolitan na musika

Ang Naples ay ang kabisera ng rehiyon ng Campania, ang pinakatanyag na lungsod sa katimugang Italya at ang lugar ng kapanganakan ng nakamamanghang liriko na neapolitan na awiting bayan, ang magandang Santa Lucia.

Hindi pangkaraniwan sa kalikasan na kagandahan nito, banayad na klima at maginhawang lokasyon sa baybayin ng bay ng parehong pangalan na ginawang kaakit-akit ang lungsod na ito at ang nakapalibot na lugar para sa maraming mananakop at ordinaryong naninirahan. Sa loob ng higit sa 2500 taon, ang lungsod na ito ay nagpatibay at muling binigyan ng kahulugan ng maraming mga kultura na hindi maaaring sumasalamin sa mga tradisyon ng musika ng rehiyon.

Ang pagsilang ng Neapolitan folk song ay itinuturing na simula ng ika-13 siglo, kung kailan ang kanta na "The Sun Rises" ay napakapopular. Ito ang bukang liwayway ng Italian Renaissance. Ang oras ng mabilis na pag-unlad ng mga lungsod ng Italya at ang simula ng paglitaw ng kamalayan ng tao mula sa madilim na edad. Sa panahong ito, ang mga tao ay tumigil sa pagsasaalang-alang sa mga sayaw at awit bilang makasalanan, nagsimulang pahintulutan ang kanilang sarili na tangkilikin ang buhay.

Noong XIV-XV siglo. Ang mga nakakatawang kambal ay popular sa mga tao, na binubuo sa paksa ng araw na ito. Sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo, si Vilanella (awit ng nayon ng Italyano) ay ipinanganak sa Naples - ang mga kambal ay ginampanan sa maraming mga tinig sa saliw ng isang lute.

Gayunpaman, ang kasikatan ng kilalang neapolitan na katutubong awit ay nahulog noong ika-19 na siglo. Sa panahong ito nailathala ang bantog na awiting Italyano ni Teodoro Cottrau na "Santa Lucia". Nakasulat ito sa genre ng barcarole (mula sa salitang barque), na nangangahulugang "kanta ng boatman" o "kanta sa tubig". Ang kanta ay ginanap sa diyalekto ng Neapolitan at nakatuon sa kagandahan ng bayan sa baybayin ng Santa Lucia. Ito ang unang gawaing Neapolitan na isinalin mula sa isang dayalekto sa Italyano. Ginanap ito nina Enrico Caruso, Elvis Presley, Robertino Loretti at marami pang ibang sikat na artista sa buong mundo.

Orihinal na Neapolitan na teksto

Comme se fr? Cceca la luna chiena ...
lo mare ride, ll'aria? serena ...
Vuje che facite 'mmiez'a la via?
Santa Lucia! Santa Lucia!

II Stu viento frisco, fa risciatare, chi v? 'Spassarse j? Nno pe' mare ...
E 'pronta e lesta la varca mia ... Santa Lucia!
Santa Lucia! III La t? Nna? posta pe ’f? na cena ...
e quanno stace la panza chiena, non c '? la m? nema melanconia!

Santa Lucia! Santa Lucia!
P? Zzo accostare la varca mia?
Santa Lucia!
Santa Lucia! ...

Klasikong Tekstong Italyano (Enrico Kossovich, 1849)

Sul mare luccica l'astro d'argento.

Sul mare luccica l'astro d'argento.
Placida? l’onda, umunlad? il vento.

Santa Lucia! Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia! Santa Lucia!

Con questo zeffiro, cos? soave, Oh, com '? bello star sulla nave!
Su passegieri, venite via!
Santa Lucia!
Santa Lucia!

Su passegieri, venite via!
Santa Lucia!
Santa Lucia!

In fra le tende, bandir la cena In una sera cos? serena,

Santa Lucia!
Santa Lucia!
Chi non dimanda, chi non desia.
Santa Lucia!
Santa Lucia!


Mare s? placida, vento s? caro,
Scordar fa i triboli al marinaro,
E va gridando con allegria,
Santa Lucia! Santa Lucia!

E va gridando con allegria,
Santa Lucia! Santa Lucia!


O dolce Napoli, o suol beato,
Ove sorridere volle il creato,
Tu sei l'impero dell'armonia,
Santa Lucia! Santa Lucia!

Tu sei l'impero dell'armonia,
Santa Lucia! Santa Lucia!


O che tardate? Bella? la sera
Spira un'auretta fresca e leggiera.
Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Santa Lucia!

Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Santa Lucia!

Tekstong Ruso

Ang dagat ay bahagyang humihinga
Sa isang inaantok na pahinga
Ang bulong ng surf ay naririnig mula sa malayo.
Ang mga malalaking bituin ay lumiwanag sa kalangitan, Santa Lucia, Santa Lucia!
Oh, anong gabi - ang Mga Bituin at dagat!
Isang banayad na hangin ang umihip mula sa paanan.

Naglagay siya ng mga ginintuang pangarap,
Santa Lucia, Santa Lucia!
Ang bangka ay tulad ng isang sisne
Naglalayag palayo sa malayo
Mga bituin sa langit
Kuminang ng maliwanag.

Isang kamangha-manghang kanta
Naririnig ko sa gabi
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Gabi sa ibabaw ng dagat
Puno ng panghihina
Tahimik kaming nag-echo
Pamilyar ang kanta.

Oh aking Naples
Ibinigay sa akin ng aking mga kamag-anak
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Sa pamamagitan ng liwanag ng buwan
Nagniningning ang dagat.

Kanais-nais na hangin
Kumalas ang layag.
Magaan ang bangka ko
Malaki ang mga bugsay ...
Santa Lucia,
Santa Lucia!

Sa likod ng mga kurtina
Nahiwalay ang mga bangka
Maiiwasan
Hindi makinis na mga mata.
Paano makaupo nakakulong
Sa gabing ganito?

Santa Lucia,
Santa Lucia!
Naples ang aking kamangha-manghang,
Oh, kaibig-ibig na lupa,
Kung saan nakangiti
Kami ang vault ng langit.

Sarap sa kaluluwa
Ibuhos ang hindi mahinahon ...
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Magaan kaming mga marshmallow
Sumugod tayo sa malayo
At sasakay kami sa ibabaw ng tubig bilang seagull.

Ah, huwag mong sayangin
Gold na relo ...
Santa Lucia,
Santa Lucia!

Kalmado ang dagat
Hinahangaan ang lahat
At mga marino ng kalungkutan
Nakalimutan nila agad
Kumakanta lang sila
Dashing ang mga kanta.

Santa Lucia,
Santa lucia
Ano pa ang hinihintay mo?
Tahimik sa dagat.
Ang buwan ay nagniningning
Sa asul na puwang
Magaan ang bangka ko
Malaki ang mga bugsay ...

Santa Lucia,
Santa Lucia!
***

Makinig sa Italyanong katutubong awit na Santa Lucia na ginanap ni Anastasia Kozhukhova:

Bilang karagdagan, ang isa pang awiting Neapolitan na "Dicitencello vuie" ay sikat din sa ating bansa; dito mas kilala ito bilang "Tell a girl to your girlfriend." Ang kanta ay isinulat noong 1930 ng kompositor na si Rodolfo Falvo at lyrics ni Enzo Fusco. Ang bersyon ng wikang Ruso ay ginanap ng karamihan ng mga artista ng Russia, mula sa Sergei Lemeshev hanggang sa Valery Leontiev. Bukod sa Ruso, ang kantang ito ay isinalin sa maraming iba pang mga wika.

Ang mga neapolitan na kanta ay hindi pa nagagagawa sikat at mahal sa buong mundo. Pinatunayan ito ng kaso na nangyari sa Palarong Olimpiko sa Antwerp noong 1920. Sa seremonya ng mga parangal para sa koponan ng Italyano, lumabas na ang orkestra ng Belgian ay walang mga tala ng awiting Italyano. At pagkatapos ay sumabog ang orkestra na "Oh, my sun" ("O solong mio). Sa kauna-unahang tunog ng himig, ang mga tagapakinig sa istadyum ay nagsimulang kumanta kasama ang mga salita ng kanta.

Nagsasalita tungkol sa mga tradisyon ng kanta ng Naples at sa nakapalibot na lugar, hindi mabibigo ng isa na banggitin ang Piedigrotta festival, na gaganapin taun-taon noong unang bahagi ng Setyembre. Ang Piedigrotta ay isang grotto na matatagpuan malapit sa Naples, sa sandaling nagsilbi itong isang pagan santuwaryo. Noong 1200, upang italaga ang lugar na ito, ang Church of St. Mary ay itinayo dito, na naging kilala bilang Piedigrotta, na nangangahulugang "sa paanan ng grotto."

Sa paglipas ng panahon, ang pagsamba sa relihiyon kay Birheng Maria at ang mga pagdiriwang sa kanyang karangalan ay ginawang isang paligsahan sa pagdiriwang ng awit. Sa panahon ng pagdiriwang sa musikal na ito, nakikipagkumpitensya ang pinakamagaling na mga makata at mang-aawit ng Naples. Minsan nangyayari na ang dalawang kanta ay nakakakuha ng parehong bilang ng mga puntos. At pagkatapos ang madla ay nahahati sa dalawang mga kampo, na ang bawat isa ay handa na ipagtanggol ang himig na gusto nila sa kanilang mga kamao. Kung ang parehong mga kanta ay talagang mahusay, panalo sa pagkakaibigan at ang buong lungsod hums ang mga paboritong himig.

Italyano katutubong awit na "Masaya"

Ang gawain ay pagmamay-ari ng mga lyrics ng pag-ibig, ngunit ang mga salita ng teksto ay napapansin ang kataksilan at kabastusan ng kabataan. Ang kwento ay sinabi mula sa pananaw ng isang batang babae na, tulad nito, lumingon sa kanyang kaibigan, nagtanong: alam ba niya kung ano ang nakatago sa likod ng mga malalandi na tingin ng mga batang babae sa mga bola? Ang batang babae mismo ay hindi pa umiibig sa sinuman at samakatuwid ay isinasaalang-alang ang kanyang sarili na pinakamasaya at "pinaka kaakit-akit sa lahat ng mga reyna". Ang isang batang babaeng Italyano ay naglalakad sa mga daisy at violet, nakikinig sa huni ng mga ibon at kumakanta sa kanila tungkol sa kung gaano siya kasaya at nais niya silang mahalin magpakailanman.

Totoo, napapansin na napapansin na habang ang iyong pag-ibig sa ibang tao ay hindi naging isang masakit na pagkakabit, may oras para sa pagtamasa ng buhay, kalikasan at lahat sa paligid mo. Nasaan ang lahat ng ito upang mapansin kung ikaw ay nasusunog sa panibugho at pagkabalisa.

Makinig sa Italyanong katutubong awiting "Masaya" sa Russian na ginanap ni Anastasia Teplyakova:

Katatawanan sa mga awiting Italyano: kumakanta tungkol sa "Macaroni"

Ang magaan at masayahin na tauhang Italyano ay nag-ambag sa malawakang pamamahagi ng mga mapaglarong kanta. Kabilang sa mga nasabing akda, sulit na tandaan ang awiting "Macaroni" na nakatuon sa tunay na pagkaing Italyano. Pagkanta ng kantang ito, ang mga ulila at bata mula sa mahirap na pamilya ay kumita sa kanilang pamumuhay sa pamamagitan ng paghingi ng limos mula sa mga dumadaan. Nakasalalay sa kasarian ng gumaganap, mayroong mga lalaki at babaeng bersyon ng teksto. Ang kanta ay nilikha sa ritmo ng tarantella.

Ang Tarantella ay isang katutubong sayaw na ginanap mula noong ika-15 siglo. Bilang isang patakaran, ang isang tarantella ay batay sa isang rhythmically repeating motive. Kapansin-pansin, ang pagsasayaw sa himig na ito ay itinuturing na isang nakagagaling na lunas para sa mga taong kinagat ng isang tarantula. Sa loob ng mahabang panahon, ang mga musikero ay gumala-gala sa mga kalsada ng Italya, na ginaganap ang himig na ito lalo na para sa mga pasyente na may "tarantism".

Pasta (lalaking bersyon) Isinalin ni M. Ulitsky

1. Nakatira ako sa mga lugar ng pagkasira.
Mas madalas na masayahin kaysa malungkot.
Nakatira ako sa mga lugar ng pagkasira.
Mas madalas na masayahin kaysa malungkot.

Ang isang table bed at isang bahay na may balkonahe ay kusang gagamitin para sa pasta.

2. Ang masarap na ulam na ito ay isang mabuting kaibigan ng karaniwang tao.
Ang masarap na ulam na ito ay isang mabuting kaibigan ng karaniwang tao.

Ngunit ang mga VIP ay kumakain din kasama ang pasta ng sarsa.

3. Nais mo bang malaman kung paano nakaligtas ang namamatay na pulang clown?
Nais mo bang malaman kung paano nakaligtas ang namamatay na pulang clown?

Hinubad ni Shutovskaya ang kanyang korona at nagpalitan ng pasta.

4. Ang aming tarantella ay inaawit, kanino ako dapat pumunta sa hapunan?
Ang aming tarantella ay inaawit, kanino ako dapat pumunta sa hapunan?

Sisigaw lang ako: "Pasta!" - Lilitaw kaagad ang mga kasama.

Pasta (babaeng bersyon)

Mas itim ako kaysa sa isang olibo
Nag-iisa akong gumala nang walang bubong
At sa tunog ng tamburin
Handa akong sumayaw buong araw
Sasayaw ako ng Tarantella para sa iyo,
Sumuporta ka lang
Magbigay ng isang soldo at bumili
Pasta, pasta.

Ang aking kaibigan na si Pulcinello
Nasugatan ako sa puso ng isang palaso
Tanging hindi ko nais na maging asawa si Pulcinello.
Halos pagbaril niya sa sarili
Halos itapon ko ang sarili ko sa balkonahe
Ngunit gumaling siya sa pag-iibigan,
Lumalamon lang ng pasta.

Tinipon ko ang aking kapatid para sa isang paglalakad,
Umalis ang mahal sa kanya,
Paano gumawa ng mga sundalo
Lahat ba sila ay hindi nasaktan?
Upang hindi magbaril ang mga baril
Kailangan mong alisin ang lahat ng mga cartridge,
Sa halip na mga bala upang lumipad
Pasta, pasta.

Kung medyo nalulungkot ka
Kung inaapi ka ng mga sakit,
O kung minsan walang laman ang tiyan
Ang pasta ay mabuti para sa iyo!
Paalam signorites,
Magandang paglalakbay, signora donna,
Dapat ay napakain ka ng mabuti
At hinihintay ako ng pasta!

Maccheroni

1.Io mi sono un[etto senza casa e senza letto.
Io mi sono un[etto senza casa e senza letto.

Venderei i miei canzoni per un sol piatto da maccheroni.

2. Pulcinella mezzo spento vole a fare il testimento.
Ang pulcinella mezzo spento vole a fare il testimento.

Purche avesse dai padroni un grosso piatto di maccheroni.

3. Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.
Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.

Le spalline pe'galloni per un sol piatto di maccheroni.

4. Tarantella si e cantata,
due carlini si e pagata.
Tarantella si e cantata,
due carlini si e pagata.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de 'maccheroni.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de 'maccheroni.
***

Makinig sa Italyanong katutubong awit na "Macaroni" sa Russian na ginanap ni Anna Zhikhalenko:

Ang mga kanta ng Venice sa tubig

Bilang karagdagan sa southern Naples, ang Venice, ang hilagang perlas ng Italya, ay nakikilala sa pamamagitan ng kahanga-hanga at kamangha-manghang mga tradisyon ng kanta. Ito ang, una sa lahat, tungkol sa mga kanta ng mga gondolier. Ang mga motibo ng pag-ibig na ito ay nabibilang sa uri ng barcarole. Ang mga ito ay napaka melodic at hindi nagmamadali.

Ang malakas at magandang boses ng gondolier ay tila nag-echo ng mabagal na pag-welga ng mga sagwan laban sa tubig. Kakaiba, ngunit hanggang sa ika-18 siglo, ang barcarole ay hindi nakatanggap ng pansin na nararapat mula sa mga propesyonal na musikero. Gayunpaman, sa susunod na siglo ang pagkukulang na ito ay higit pa sa binubuo. Ang Tchaikovsky, Mendelssohn, Chopin, Glinka ay ilan lamang sa mga henyo sa musika na nabihag ng katutubong kanta ng Venetian at isinama ang mga motibo nito sa kanilang walang kamatayang mga gawa.

Sa kasamaang palad, ang modernidad ay negatibong nakakaapekto sa mga tradisyon ng Venetian, kasama ang barcarole. Kaya, halimbawa, sa kahilingan ng mga turista, madalas na inaawit ng mga gondolier ang awiting Neapolitan na "O Sole Mio", bagaman tutol dito ang Gondolier Association, dahil hindi ito Venetian.

Ang kanta ng mga partistang Italyano na "Bella Chao"

Ang sikat na partisan song na "Bella Chao" ("Farewell to Beauty") ay nagtatamasa rin ng walang uliran na katanyagan. Ito ay inawit ng mga kasapi ng Paglaban sa panahon ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Totoo, hindi ito ipinamahagi sa buong Italya, ngunit sa hilaga lamang ng bansa, sa Apennines.

Pinaniniwalaang ang mga lyrics ng kanta ay isinulat ng isang paramedic o doktor. At ang himig ay malinaw na kinuha mula sa kanta ng matandang bata na "Sleeping Potion". Bagaman, ayon kay Luciano Granozzi, propesor ng modernong kasaysayan sa Unibersidad ng Catania, hanggang 1945, ang Bella Ciao ay ginanap lamang ng ilang mga pangkat gerilya sa paligid ng Bologna.

E picchia picchia
la porticella
E picchia picchia

E picchia picchia
la porticella dicendo: "Oi bella, mi vieni a aprir."
Con una mano apr?
la porta e con la bocca
la gli d? un bacin
La gh'ha dato un bacio cos? tanto forte che
la suoi mamma la l'ha sent ?.
Ma cos'hai fatto, figliola mia,
che tutto il mondo parla mal di te?
Ma lascia puro che
il mondo 'l diga: io voglio amare chi mi ama me.
Io voglio amare quel giovanotto ch'l'ha
fatt sett'anni di prigion per me.
L'ha fatt sett'anni e sette
mesi e sette giorni di prigion per me.
E la prigione
l ’? tanto scura,
mi fa paura,
la mi fa morir

Bella ciao (isa sa mga pagpipilian)

Ginising ako kaninang umaga

Ginising ako kaninang umaga
At nakita ko ang kaaway sa bintana!
Oh mga gerilya, kunin mo ako
Oh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Oh, mga gerilya, kunin mo ako,
Pakiramdam ko malapit na ang aking kamatayan!
Kung ako ay nakalaan upang mamatay sa labanan
Oh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Kung ako ay nakalaan na mamatay sa labanan - ilibing mo ako.
Malibing mataas sa mga bundok
Oh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Malibing mataas sa mga bundok
Sa lilim ng isang pulang bulaklak!

Oh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Ang isang dumadaan ay dadaan, isang bulaklak ang makakakita
"Maganda - sasabihin niya - isang bulaklak!"
Iyon ang magiging alaala ng tagating bahagi
Oh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Iyon ang magiging alaala ng tagating bahagi
Anong kalayaan ang matapang na nahulog!
***

Makinig sa kanta ng mga partisans na Italyano na "Bella, ciao" na ginanap ng Pyatnitsky Choir:

Ang paboritong kanta ng partisan ng lahat ay "Fischia il vento" ("Ang hangin ay humihip"), nagdala ito ng binibigkas na komunistang tauhan. Samakatuwid, pagkatapos ng digmaan, para sa mga layuning pang-ideolohiya, sinimulang isulong ng gobyerno ng Italya ang awiting "Bella Chao". Para sa alin ang dapat lamang magpasalamat sa kanya. Sa anumang kaso, ang kanta ay nakakuha ng katanyagan sa buong mundo sa pagtatapos ng kwarenta, matapos ang ika-1 International Festival ng Kabataan at Mga Mag-aaral, na naganap sa Prague noong tag-init ng 1947. Pagkatapos nito, maraming beses na nasasakop ito ng mga bantog at hindi masyadong mga mang-aawit ng buong mundo.

Ang paksa ng katutubong musikang Italyano ay napakalaki kaya imposibleng ihatid ito sa loob ng balangkas ng isang artikulo. Ito ay dahil sa ang katunayan na ang buong kasaysayan ng Italya ay natagpuan ang pagsasalamin nito sa mga katutubong awit. Isang hindi kapani-paniwalang melodic na wika, marangyang kalikasan at isang magulong kasaysayan ng kaunlaran ng bansa ang nagbigay sa mundo ng isang pangkaraniwang kababalaghan tulad ng awiting Italyano.

← ← Nais mo bang marinig ang sinasabi ng iyong mga kaibigan salamat sa pagbabahagi ng mga nakakainteres at mahalagang materyal sa kanila ?? Pagkatapos ay pindutin ang isa sa mga pindutan ng social media sa kaliwa ngayon din!
Mag-subscribe sa RSS o makatanggap ng mga bagong artikulo sa iyong mail.

Ang mandolin ay isang stringed plucked instrumentong pangmusika. Ang hitsura nito ay nagsimula pa noong ika-16 na siglo, at ang makulay na Italya ay naging tinubuang bayan nito. Ang Mandolin ay isang instrumentong pang-musika na halos kapareho ang hitsura ng isang lute, dahil mayroon din itong hugis na peras na hugis. Ito ay naiiba mula sa lute na mayroon itong mas kaunting mga string at isang mas maikling leeg.

Talaga, ang mandolin ay palaging mayroong apat na magkapares na mga string (kilala bilang Neapolitan mandolin), at ang lute, depende sa panahon, ay may anim o higit pang mga string. Bilang karagdagan sa ganitong uri ng mandolin, ang iba pang mga uri nito ay kilala:

• Sicilian - na may isang patag na likod at apat na triple strings;
• Milanese - na may anim na string, mas mataas ang isang oktave kaysa sa gitara;
• Genoese - limang-stringed mandolin;
• florentine

Paano laruin ang mandolin

Karaniwan ang mandolin ay nilalaro ng isang pumili, o sa halip, isang plectrum. Bagaman, nangyayari na nilalaro nila ang kanilang mga daliri. Ang tunog ng mandolin ay kakaiba - ang mabilis at paulit-ulit na pag-uulit ng tunog (tremolo) ay ipinaliwanag ng katotohanan na kapag hinawakan mo ang mga string, mabilis na mabulok ang tunog, iyon ay, naging maikli. Iyon ang dahilan kung bakit, upang mapahaba ang tunog at makakuha ng isang umano’y matagal na tala, isang tremolo ang ginagamit.

Ang Mandolin ay naging malawak na kilala sa labas ng Italya sa loob ng isang siglo pagkatapos ng pagsisimula nito. Ang instrumento na ito ay napaka-mahilig at mabilis na nakakuha ng katayuan ng isang katutubong instrumento. Hanggang ngayon, naglalakad siya sa paligid ng planeta, na nag-uugat nang higit pa sa modernong kultura.

Nalaman din na ang isang tanyag na kompositor tulad ng Mozart ay gumamit ng mandolin sa isang serenade sa kanyang opera na Don Juan.

Bilang karagdagan, marami sa mga banda, kompositor at mang-aawit ngayon ang gumagamit ng instrumentong pangmusika na ito upang magbigay ng ilang "lasa" iyong mga komposisyon.

Sa tulong ng mandolin, maaari mong perpektong kapwa sumabay at maglaro ng mga solo na bahagi. Halimbawa, ang mga Neapolitan orchestras ay kilala, ang mga tunog kung saan sumanib mula sa maraming mandolins na may iba't ibang laki. Ginagamit din ang mandolin sa symphony at opera orchestras. Kasama ang banjo, ang mandolin ay ginagamit din sa American bluegrass at katutubong musika.

Tulad ng nabanggit na, ang mandolin ay isang napaka-kakaibang instrumento sa musika at mahal ng marami tiyak dahil ang trump card nito ay ang tremolo, na, marahil, ay hindi mo mahahanap sa iba pang mga instrumentong pangmusika.

Ang Mandolin ay isang instrumentong pangmusika na isa sa pinakatanyag sa kategorya ng mga instrumentong pambayan. Marahil, ilang mga instrumento sa musika ang maaaring magyabang ng gayong katanyagan. Sa halip, ang mandolin ay ayon sa kaugalian na itinuturing na katutubong, bagaman maraming mga kompositor ang gumamit nito sa kanilang mga gawa, na nagbibigay sa kanila ng isang espesyal na kagandahan at pagiging natatangi. Bagaman ang mandolin ay madalas na ginagamit sa orkestra, maganda rin ang tunog nito bilang isang independiyenteng bahagi ng musikal. Ang iba't ibang mga etudes at piraso ay ginaganap dito, sinamahan ng iba pang mga instrumento.

Saan pa sumikat ang mandolin?

Medyo mabilis, ang mandolin ay lumipat mula sa Italya sa hilaga ng Estados Unidos ng Amerika at naging matatag na itinatag sa lokal na musika. Sa Europa, ang instrumento na ito ay sinakop ang mga taga-Scandinavia, na nagbigay ng mandolin ng isang espesyal na mahigpit na sonority.

Ang mandolin ay may mga kamag-anak na instrumento. Ito ang mandola, bouzouki at octave mandolin. Ang mga rock and roll harmonies ng modernong panahon ay halos kapareho ng parehong mandolin.

Nabatid na ang mga kasapi ng pangkat na Led Zeppelin ay labis na minamahal ang tunog ng mandolin at ginamit ito sa kanilang mga himig. Kahit si Jimmy Page, isang miyembro ng banda, ay umakma sa mandolin ng mandola at leeg ng gitara. Ginusto din ni Paul McCartney ang mahirap na instrumentong pangmusika.

Bilang karagdagan sa mahusay na tunog nito, ang mandolin ay may bilang ng mga hindi maikakaila na kalamangan:

• maayos na istraktura;
• pagiging siksik;
• na pinagsama sa iba pang mga mandolin o iba pang mga instrumento sa musika sa pangkalahatan - gitara, block flute.

Ang pag-tune ng mga mandolins ay medyo nakapagpapaalala ng pag-tune ng violin:

• ang unang pares ng mga string ay nakatutok sa e ng ika-2 oktave;
• ang pangalawang pares ay nasa A ng ika-1 na oktaba,
• ng ika-1 na oktaba;
• ang ikaapat na pares ng mga string ay ang G ng menor de edad na oktaba.

Ang kasikatan ng mandolin ay lumalaki nang parami. Halimbawa, ang isang miyembro ng pangkat na "Aria" na Vadimir Kholstinin ay gumagamit ng mandolin sa musikal na komposisyon na "Lost Lost". Ginagamit din ito sa metal opera ng pangkat na Epidemia (ang kantang "Walk Your Way") at ni Sergei Mavrin ("Makadash").

At ang sikat na kantang "Loose my religion" ni R.E.M. may kakaibang tunog ng mandolin? Mukhang kilala siya sa halos lahat ng mga bansa sa buong mundo.

Ang mandolin ay isang mahiwagang instrumento sa musika. Ang kanyang sikreto ng tagumpay ay hindi pa ganap na isiniwalat. Kahit na higit sa apat na raang taon na ang lumipas mula nang lumitaw ito, ganap na hindi mawawala ang katanyagan nito, ngunit, sa halip, sa kabaligtaran, ay nakakakuha ng mas maraming mga tagahanga. Sa modernong panahon, madalas itong ginagamit nang madalas sa iba't ibang mga genre ng musikal.

Kapansin-pansin na ang mandolin ay magagawang ganap na magkasya sa anumang komposisyon, i-set off o i-highlight ang tunog ng halos anumang instrumento. Naririnig ang mga tunog ng medyo mahiwagang instrumento na ito, tila ikaw ay lumubog sa sinaunang panahon ng mga matapang na kabalyero, kaibig-ibig na mga kababaihan at mayabang na mga hari.

Video: Ano ang tunog ng mandolin