Ang Harpsichord ay isang instrumentong pangmusika - kasaysayan, larawan, video. Harpsichord: kasaysayan, video, mga kagiliw-giliw na katotohanan, makinig sa Mga Manwal at ang kanilang hanay

Sa pamamagitan ng paraan ng paggawa ng tunog. Ang isang musikero na gumaganap ay gumagana sa harpsichord at ang mga uri nito ay tinatawag na harpsichordist.

Kwento

Ang pinakaunang pagbanggit ng isang instrumento gaya ng harpsichord ( clavicembalum, mula sa lat. clavis - susi o mas bago susi at cymbalum - cymbals) ay lumilitaw sa 1397 source mula sa Padua (Italy). Ang pinakaunang imahe ay nasa altar ng katedral sa lungsod ng Minden ng Aleman, na itinayo noong 1425. Ang unang praktikal na paglalarawan ng isang instrumentong parang harpsichord (clavichord na may plucked na mekanismo) na may mga guhit ay ibinigay ng Dutchman na si Arno mula sa Zwolle noong mga 1445.

Ang harpsichord, depende sa modelo, ay maaaring may mga sumusunod na rehistro:

• 8ft (8`)- rehistro na ang mga tunog ayon sa musical notation;
• lute- rehistro ng isang katangian ng ilong timbre, nakapagpapaalaala ng pizzicato sa nakayukong mga instrumento; kadalasan ay walang sariling hilera ng mga string, ngunit nabuo mula sa karaniwang 8-foot register, ang mga string na kung saan, kapag ang pingga ay inililipat, ay muffled sa pamamagitan ng mga piraso ng katad o nadama gamit ang isang espesyal na mekanismo;
• 4ft (4`)- isang rehistro na tumutunog ng isang oktaba na mas mataas;
• 16ft (16`)- isang rehistro na mas mababa ng isang oktaba.

Mga manual at ang kanilang saklaw

Noong ika-15 siglo, ang hanay ng harpsichord ay 3 octaves, na may ilang chromatic notes na nawawala sa lower octave. Noong ika-16 na siglo, lumawak ang saklaw sa 4 na octaves (mula sa C malalaking octaves hanggang C 3rd: C - C '' '), noong ika-18 siglo - hanggang 5 octaves (mula sa F counter-octaves hanggang F 3rd: F' - F '' ').

Noong ika-17-18 na siglo, upang bigyan ang harpsichord ng dynamic na mas iba't ibang tunog, ang mga instrumento ay ginawa gamit ang 2 (minsan 3) na mga manual (mga keyboard), na kung saan ay matatagpuan naka-teras sa itaas ng isa, pati na rin sa mga switch ng rehistro para sa pagdodoble ng octave at pagpapalit ng timbre na pintura.

Ang karaniwang ika-18 siglong German o Dutch harpsichord ay may dalawang manual (keyboard), dalawang set ng 8` string at isang set ng 4` string (tunog ng isang octave na mas mataas), na, salamat sa mga available na register switch, maaaring gamitin nang hiwalay o magkasama. , pati na rin isang mekanismo para sa pagsasama ng mga manual ( copula), na nagpapahintulot sa iyo na gamitin ang mga rehistro ng pangalawang manwal kapag naglalaro ng una.

Pusher

• A- paunang posisyon, damper sa string.
• B- pagpindot sa isang key: pag-angat ng pusher, ang damper ay naglalabas ng string, ang plectrum ay lumalapit sa string.
• C- ang plectrum ay bumunot ng string, ang string ay tumutunog, ang taas ng pusher na tumatalon ay kinokontrol ng limiter, upholstered na may nadama mula sa ibaba.
• D- ang susi ay pinakawalan, ang pusher ay ibinaba, habang ang langetta ay pinalihis sa gilid (10), na nagpapahintulot sa plectrum na dumulas sa string na halos walang tunog, pagkatapos ay ang damper ay nilunod ang vibration ng string, at ang langetta ay ibinalik. sa orihinal nitong estado sa tulong ng isang bukal.

Ipinapakita ng Figure 2 ang istraktura ng itaas na bahagi ng pusher: 1 - string, 2 - langette axis, 3 - langetta (mula sa French languette), 4 - plectrum, 5 - damper.

Ang mga pusher ay naka-install sa dulo ng bawat susi ng harpsichord, ito ay isang hiwalay na aparato na inalis mula sa harpsichord para sa pagkumpuni o pagsasaayos. Sa longitudinal cutout ng pusher, ang isang langetta (mula sa French languette) ay nakakabit sa axis, kung saan ang isang plectrum ay naayos - isang dila na gawa sa balahibo ng uwak, buto o plastik (Delrin duralumin plectrum - sa maraming modernong instrumento), bilog o patag. Bilang karagdagan sa isang plectrum, ginawa din ang double brass plectras, na matatagpuan sa itaas ng isa. Dalawang magkasunod na plucking ay hindi naririnig, ngunit ang prickly attack na katangian ng harpsichord, iyon ay, ang matalim na simula ng tunog, ay naging mas malambot ang isang aparato. Sa itaas lamang ng dila - isang damper na gawa sa nadama o malambot na katad. Kapag pinindot ang isang susi, ang pusher ay itinutulak pataas, at ang plectrum ay pumutol sa string. Kung ang susi ay pinakawalan, ang mekanismo ng paglabas ay magbibigay-daan sa plectrum na bumalik sa orihinal nitong posisyon nang hindi muling binubunot ang string, at ang panginginig ng boses ng string ay damped ng damper.

Mga uri

• spinet- na may mga string pahilis mula kaliwa hanggang kanan;
• birhen- hugis-parihaba, na may isang manwal sa kaliwa ng gitna at mga string na matatagpuan patayo sa mga susi;
• muselar- hugis-parihaba, na may isang manwal sa kanan ng gitna at mga string na matatagpuan patayo sa mga susi;
• claviciterium(Latin clavicytherium, Italian cembalo verticale) - isang harpsichord na may patayong posisyong katawan. Ang mga paglalarawan ay kilala mula noong ikalawang kalahati ng ika-15 siglo; ang unang kilalang halimbawa ng instrumento ay nagsimula noong 1460-70. (posibleng mula sa Ulm), ang terminong clavicytherium - sa unang pagkakataon sa treatise ni S. Virdung (1511).

Mga panggagaya

Sa piano ng Sobyet na Red October "Sonnet" mayroong isang primitive na imitasyon ng harpsichord sa pamamagitan ng pagbaba ng moderator na may mga metal na dila. Ang parehong ari-arian ay matatagpuan sa Soviet piano na "Accord" dahil sa ang katunayan na kapag ang karagdagang built-in na ikatlong (gitnang) pedal ay pinindot, ang isang tela na may mga metal na dila na natahi dito ay ibinaba, na nagbibigay ng tunog na katulad ng isang harpsichord. .

CLAVESIN, chembalo (French clavecin, mula sa Late Latin na clavicymbalum - "keyboard cymbals"; Italian cembalo), musical string-keyboard instrument. Ayon sa tinatanggap na klasipikasyon, ito ay isang plucked keyboard instrument ng chordophones class. Ang mekanismo ng paghahatid mula sa susi hanggang sa string ay binubuo ng tinatawag na pusher (isang makitid na tabla na 10-25 cm ang haba) at isang dila na naayos sa itaas na bahagi nito na may plectrum ("balahibo"; noong nakaraan, ito ay inukit mula sa isang balahibo ng uwak), na nakikipag-ugnayan sa string. Kilala mula sa ika-15 siglo (ang mga unang paglalarawan at mga guhit ay nabibilang kay Arno ng Zwolle, mga 1445), mula sa ika-16 na siglo ito ay ipinamahagi sa lahat ng mga bansa ng Kanlurang Europa; ang kasagsagan ng kultura ng harpsichord - sa huling bahagi ng ika-16 - kalagitnaan ng ika-18 siglo.

Karaniwan ang terminong "harpsichord" ay inilalapat sa malalaking instrumento na may hugis pakpak na katawan (kaya't ang Aleman na pangalan para sa instrumentong Flügel - "pakpak"), 1.5-2.5 m ang haba. Ang keyboard ay may parehong istraktura tulad ng iba pang mga instrumentong pangmusika sa keyboard, gayunpaman sa mga instrumento ng ika-16 - unang bahagi ng ika-18 siglo, ang pagkakasunud-sunod ng paghahalili ng "diatonic" at "chromatic" na mga key sa bass na bahagi ng keyboard ay madalas na nilalabag dahil sa paggamit ng tinatawag na maikling octave (na may mga nawawalang mga tala). Ang harpsichord ay maaaring magkaroon ng 1 o 2 (bihirang 3) manual na keyboard. Ang mga string ay nakaunat sa kahabaan ng katawan patayo sa keyboard, na nakaayos sa mga pahalang na hilera (karaniwan ay 2-3). Noong 16-17 siglo, ang mga harpsichord ay binuo gamit ang isang pedal (paa) na keyboard, na binubuo ng 9-12 key na nauugnay sa bass octave ng manual (wala silang sariling mga string). Kinokontrol ng bawat manual ang 1-2 row ng mga string na maaaring gamitin nang magkasama o magkahiwalay.

Ang iba't ibang mga hanay ng mga string, kasama ang mga mekanika na kumokontrol sa kanila, ay tinatawag na mga rehistro, naiiba sa timbre at volume, at kung minsan sa pitch. Ang mga rehistro, ang pitch na tumutugma sa denominasyon ng mga susi at ang notasyong pangmusika, ay karaniwang tinatawag, sa pamamagitan ng pagkakatulad sa mga rehistro ng organ, 8-foot (pinaikling notasyon 8 '). Ang mga register na tumutunog ng isang octave na mas mataas kaysa sa nakasulat ay tinatawag na 4-foot (4') (ang mga string ng isang 4-foot register ay humigit-kumulang 2 beses na mas maikli). Ang pagpapatakbo ng pagpapalit ng mga rehistro ay karaniwang ginagawa nang manu-mano (gamit ang mga lever) sa panahon ng laro. Sa 17-18 na siglong mga harpsichord na may higit sa isang keyboard, ang copulation ay karaniwang naroroon - isang aparato na nagbibigay ng mekanikal na mahigpit na pagkakahawak sa mga keyboard (kaya, ang paglalaro ng isa sa mga ito, maaari mong itakda ang mga rehistro na nauugnay sa isa pa sa paggalaw). Ang pagpaparehistro (ang pagpili ng mga rehistro at ang kanilang mga kumbinasyon) ay hindi gaanong mahalaga kaysa sa organ, na nauugnay sa isang mas katamtamang hanay ng mga rehistro. Sa ika-18 siglo, gayunpaman, ang prinsipyo ng "tulad ng terrace" na dinamika ay malawakang ginamit, na karaniwang katangian ng genre ng mga instrumental na konsiyerto (halimbawa, ang Italian Concerto ni JS Bach, 1735): ang epekto ay nakakamit sa pamamagitan ng paghahambing. ang napakalaking sonority ng lower manual registers at ang transparent na upper.

Ang hanay ng harpsichord ay umunlad sa paglipas ng panahon, mula sa humigit-kumulang 3 octaves noong ika-15 siglo hanggang 5 octaves sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. Ang mga temperament system ay kapareho ng sa organ at iba pang mga keyboard noong panahong iyon. Bilang karagdagan, ang mga may-akda ng 16-17 siglo (N. Vicentino, M. Mersenne, A. Kircher) ay naglalarawan ng mga harpsichord na may higit sa 12 key sa isang octave (iba't ibang mga key sa "flat" at "sharp"), na ginagawang posible upang i-play sa lahat ng mga susi sa dalisay at mid-tone tunings (mga harpsichord ay hindi nakatanggap ng malawak na pamamahagi dahil sa partikular na kahirapan sa paglalaro ng mga ito).

Ang modernong notasyon ng musikang harpsichord ay karaniwang kapareho ng sa piano. Sa 15-18 siglo, ang mga uri ng clavier notation (ang tinatawag na tablature) ay iba-iba (pareho ang ginamit para sa lahat ng mga instrumento sa keyboard), gumamit sila ng mga tanda ng tala, pati na rin ang mga titik (ang sistema ng pagsusulatan ng mga titik sa mga tala. coincided sa modernong isa) at mga numero (may ilang mga pangunahing sistema ng pagnunumero); mayroon ding mga mixed note-letter system, halimbawa, ang "old German tablature", kung saan ang itaas na boses ay isinulat sa mga tala, at ang natitira - sa mga titik. Ang pagkakaayos ng mga tala sa 2 staff (para sa 2 kamay) ay lumitaw sa paligid ng 1400 sa mga piraso ng Codex mula sa Faenza (Italy). Ang bilang ng mga bar sa mga tauhan ay hindi pare-pareho (maaaring mayroong 6-8). Ang sistema ng dalawang staff na may 5 linya bawat isa ay unang lumitaw sa nakalimbag na koleksyon na "Frottole intabulate" ni A. Antico (1517, Rome), simula sa mga edisyon ng Paris ng P. Attenian (1529) naging laganap ito sa France, at mula sa Ang ika-2 kalahati ng ika-17 siglo ay kumalat sa iba pang mga bansa sa Europa, unti-unting inilipat ang natitira.

Tunog ng harpsichord - may "paputok" na pag-atake, maliwanag kapag nangyari ito, ngunit mabilis na nabubulok. Ang dami ng tunog ay halos hindi nakasalalay sa lakas at paraan ng pagpindot sa key. Ang limitadong mga posibilidad ng dynamic na nuance ay nabayaran sa isang tiyak na lawak ng iba't ibang mga articulations. Ang mga manwal ng Clavier mula ika-16 hanggang ika-18 na siglo ay nagbibigay ng maraming pansin sa pag-finger. Ang isang mahalagang aspeto ng pagtugtog ng harpsichord ay ang pagganap ng mga melismas (ornament). Ang timbre ay gumaganap ng isang mahalagang papel sa matataas na tono, na nagbibigay sa tunog ng harpsichord ng magandang audibility sa isang medium-sized na concert hall, kahit na sa isang maliit na orkestra. Sa mga orkestra ng ika-18 siglo, 2 harpsichord ang maaaring gamitin; ang konduktor mismo ay madalas na nakaupo sa harpsichord. Tulad ng karamihan sa mga keyboard, ang harpsichord ay mayaman sa polyphonic playability. Ang solo improvisation ay malawakang ginagawa noong nakaraan. Ang repertoire ng harpsichord noong ika-16 at ika-17 siglo ay karaniwang pareho para sa lahat ng uri ng mga keyboard (kabilang ang organ). Mga pangunahing harpsichordist: C. Merulo, G. Frescobaldi, M. Rossi, B. Pasquini, B. Marcello, B. Galuppi, D. Cimarosa (Italy); D. Scarlatti (Espanya); J. Chambognière, J. A. d'Anglebert, L. at F. Couperin, J. F. Rameau, J. Dufli (France). Ang isa sa mga pinakamataas na tagumpay ng kulturang pangmusika ng mundo ay ang German clavier music noong 16-18th century; mga kinatawan nito: D. Buxtehude, S. Scheidt, I. Kuhnau, I. Froberger, I. K. Kerl, I. Pachelbel, J. S. Bach at ang kanyang mga anak. Ang pag-usbong ng English clavier school noong ika-16 at ika-17 na siglo ay pangunahing nauugnay sa Virginia; ang pinakamalaking harpsichordists noong ika-18 siglo na nagtrabaho sa England ay sina G.F.Handel at J.K.Bach. Ang Russian harpsichord repertoire ay hindi mayaman, ang instrumento ay ginamit upang samahan ang pag-awit; 3 sonata para sa harpsichord ay nilikha ni D.S.Bortnyansky.

Tulad ng karamihan sa iba pang mga instrumentong pangmusika noong ika-16 at ika-18 na siglo, ang harpsichord ay walang karaniwang "klasikal" na hitsura, ngunit ipinakita sa maraming mga variant, na nilikha ng mga masters ng iba't ibang mga bansa, panahon at estilo. Ang mga paaralan ng mga masters ng pan-European na kahalagahan ay binuo (sa iba't ibang panahon) sa Northern Italy (ang pinakamalaking sentro ay Venice, Milan, Bologna, Florence, kabilang sa mga kinatawan - B. Cristofori), ang Southern Netherlands (center - Antwerp, ang pinakamalaking kinatawan - ang pamilyang Ruckers), France (mga pamilyang Blanchet, Tusken, Emsch brothers), England (J. Kirkman, Hitchcock family, Chudi at Broadwood firm), Germany (mga sentro - Dresden, Hamburg; mga pamilyang Grebner, Friederichi, Silbermann, Fleischer, Zell, Haas). Harpsichord - isang paksa ng pandekorasyon at inilapat na sining; karamihan sa mga napreserbang makasaysayang instrumento ay pininturahan, may mga inlay na may ina-ng-perlas at mahalagang bato; minsan pinalamutian din ang mga susi.

Mula noong huling ikatlong bahagi ng ika-18 siglo, ang harpsichord ay mabilis na nawalan ng katanyagan dahil sa pag-unlad ng piano, ngunit sa loob ng mahabang panahon ay nanatili itong isang instrumento para sa paggawa ng musika sa bahay, lalo na sa European periphery at sa mga bansa ng New World. Sa simula ng ika-19 na siglo, ito ay patuloy na ginamit sa Italian opera house (upang samahan ang mga recitatives).

Ang kultura ng harpsichord ay muling nabubuhay mula noong katapusan ng ika-19 na siglo. Sa una, ang mga instrumento ay kinopya, pagkatapos ay nagsimula silang bumuo alinsunod sa mga nabagong artistikong panlasa (ang modelo na may pedal register ay naging isang tipikal na modelo, isang 16-foot na rehistro, bihira sa nakaraan, na tunog ng isang oktaba sa ibaba ng par) ay malawakang ginagamit. Pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, bumalik ang mga manggagawa sa pagkopya ng mga lumang modelo; medyo madalas ang isang bagong harpsichord ay nilikha ayon sa isang indibidwal na proyekto. Ang modernong gumaganap na paaralan ay itinatag sa kalagitnaan ng ika-20 siglo ni V. Landovskaya. Iba pang mga pangunahing harpsichordists: R. Kerkpatrick, J. Dreyfus, C. Jacotte, G. Leonhardt, B. van Asperen, I. Vyuniski, K. Rousse, P. Antay, A.B. Lyubimov. Mula noong ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, ang mga harpsichordist ay pinagkadalubhasaan ang mga tunay na ugali, paraan ng artikulasyon, at daliri. Ang batayan ng repertoire ng konsiyerto ay ang musika ng ika-18 siglo at mga naunang panahon. Ang repertoire ng ika-20 siglo ay kinakatawan ng mga gawa ni F. Poulenc (Concert champêtre para sa harpsichord at orchestra, 1926), M. Oana, A. Tisne, A. Louvier, D. Ligeti at iba pang mga kompositor.

Lit.: Neupert H. Das Cembalo. 3. Aufl. Kassel, 1960; Hubbard F. Tatlong siglo ng paggawa ng harpsichord. ika-2. Camb. 1967; Boalch D. Mga gumagawa ng harpsichord at clavichord, 1440-1840. 2nd ed. Oxf. 1974; Harich-Schneider E. Die Kunst des Cembalo-Spiels. 4. Aufl. Kassel, 1979; Henkel H. Beiträge zum historischen Cembalobau. Lpz. 1979; Ang makasaysayang harpsichord. N. Y. 1984-1987. Vol. 1-2; Kopchevsky N.A. Clavier musika: mga tanong ng pagganap. M., 1986; Mercier-Y thier C. Les clavecins. R., 1990; Bedford F. Harpsichord at clavichord na musika ng ikadalawampu siglo. Berk. 1993; Apel W. Geschichte der Orgel- und Klaviermusik bis 1700. Kassel u. a., 2004; Druskin M. Sobr. op. SPb., 2007. T. 1: Clavier music ng Spain, England, Netherlands, France, Italy, Germany XVI-XVIII na siglo.

Pranses clavecin, late lat. clavicymbalum, mula sa lat. clavis - key (kaya ang susi) at cymbalum - cymbals

Plucked keyboard music. kasangkapan. Kilala mula noong ika-16 na siglo. (nagsimula itong itayo noong ika-14 na siglo), ang unang impormasyon tungkol sa K. ay nagsimula noong 1511; ang pinakalumang nakaligtas na instrumentong Italyano. ang gawain ay nagsimula noong 1521. Ang K. ay nagmula sa psalterium (bilang resulta ng muling pagtatayo at pagkakabit ng mekanismo ng keyboard). Sa una, ang K. ay may isang quadrangular na hugis at kahawig sa hitsura ng isang "libre" na clavichord, sa kaibahan kung saan mayroon itong mga string ng iba't ibang haba (bawat key ay tumutugma sa isang espesyal na string na nakatutok sa isang tiyak na tono) at isang mas kumplikadong mekanismo ng keyboard. Ang mga string ng K. ay itinakda sa panginginig ng boses sa pamamagitan ng isang kurot sa tulong ng isang balahibo ng ibon, na naayos sa isang pamalo - isang pusher. Nang pinindot ang susi, tumaas ang pusher na nasa likurang bahagi nito at ang balahibo ay sumabit sa tali (nang maglaon, sa halip na balahibo ng ibon, isang leather na plectrum ang ginamit). Ang tunog ng K. ay napakatalino, ngunit medyo malambing (bigla), hindi pumapayag sa kahulugan. pabago-bago pagbabago (ito ay mas malakas, ngunit hindi gaanong nagpapahayag kaysa sa clavichord), ang pagbabago sa lakas at timbre ng tunog ay hindi nakasalalay sa likas na katangian ng strike sa mga susi. Sa layuning pahusayin ang sonority ng resonance, ginamit ang doble, triple, at kahit quadruple na mga string (para sa bawat tono), na nakatutok nang sabay-sabay, octave, at kung minsan ay iba pang mga agwat. Mula sa simula. ika-17 siglo sa halip na mga ugat, metal ang ginamit. pagtaas ng haba ng mga string (mula sa treble hanggang bass). Ang instrumento ay nakakuha ng isang tatsulok na hugis tulad ng pakpak na may isang pahaba (parallel sa mga susi) na pagkakaayos ng mga string. Noong 17-18 siglo. upang bigyan ang K. ng isang dynamic na mas magkakaibang tunog, ang mga instrumento ay ginawa gamit ang 2 (minsan 3) hand keyboard (manual), na matatagpuan sa hagdan-hagdang isa sa itaas ng isa (kadalasan ang itaas na manual ay nakatono ng isang octave na mas mataas), pati na rin sa register switch para sa pagpapalawak ng treble, octave na pagdodoble ng bass at pagpapalit ng timbre coloring (lute register, bassoon register, atbp.). Ang mga rehistro ay pinatatakbo ng mga lever na matatagpuan sa mga gilid ng keyboard, o sa pamamagitan ng mga pindutan na matatagpuan sa ilalim ng keyboard, o ng mga pedal. Sa ilang K., para sa mas malawak na pagkakaiba-iba ng timbre, ang ikatlong keyboard ay inayos na may ilang katangian na kulay ng timbre, na mas madalas na nakapagpapaalaala sa isang lute (ang tinatawag na lute keyboard). Sa panlabas, kadalasang bumababa si K. nang napakaganda (ang katawan ay pinalamutian ng mga guhit, inlay, mga ukit). Ang pagtatapos ng instrumento ay tumugma sa mga naka-istilong kasangkapan sa panahon ng Louis XV. Noong 16-17 siglo. namumukod-tangi para sa kalidad ng tunog at kanilang sining, disenyo K. Antwerp masters Ruckers.

Ang pangalang "K." (sa France; arpsichord - sa England, kilflugel - sa Germany, clavichembalo o dinaglat na chembalo - sa Italy) ay nanatili sa likod ng malalaking instrumento na hugis pakpak na may saklaw na hanggang 5 octaves. Mayroon ding mas maliliit na instrumento, kadalasang hugis-parihaba, na may mga solong kuwerdas at may hanay na hanggang 4 na octaves, na tinatawag na: epinet (sa France), spinet (sa Italy), virginel (sa England). K. na may patayong kinalalagyan na katawan - clavicitherium. K. ay ginamit bilang solo, chamber-ensemble at orchestral instrument.

Si Ital ang lumikha ng virtuoso harpsichord style. kompositor at harpsichordist na si D. Scarlatti (may-ari siya ng maraming mga gawa para sa K.); tagapagtatag ng Pranses. paaralan ng mga harpsichordists - J. Chambognière (kanyang "Harpsichord Pieces", 2 mga libro, 1670 ay sikat). Kabilang sa mga Pranses. harpsichordists con. 17-18 siglo - F. Couperin, J. F. Rameau, L. Daken, F. Dandrieu. Franz. Ang musikang harpsichord ay isang sining ng pinong panlasa, pinong pag-uugali, malinaw sa makatwirang paraan, mas mababa sa aristokratiko. tuntunin ng magandang asal. Ang maselan at malamig na tunog ni K. ay naaayon sa "magandang tono" ng piniling lipunan. Ang Pranses. ang galante na istilo (rococo) ay natagpuan ang matingkad na sagisag ng mga harpsichordists. Ang mga paboritong tema ng mga miniature ng harpsichord (miniature ay isang katangian na anyo ng Rococo art) ay mga larawang babae ("Kamangha-manghang", "Coquettish", "Gloomy", "Shy", "Sister Monica", "Florentine" Couperin), mga magagaling na sayaw na sumakop sa isang malaking lugar (minuet, gavotte, atbp.), idyllic. mga larawan ng buhay magsasaka ("Reapers", "Grape Pickers" ni Couperin), onomatopoeic miniatures ("Chicken", "Clock", "Chirping" ni Couperin, "Cuckoo" ni Daken, atbp.). Ang isang tipikal na katangian ng musika ng harpsichord ay isang kasaganaan ng mga melodies. mga palamuti. Hanggang dulo. Ika-18 siglo manuf. Pranses nagsimulang mawala ang mga harpsichordists sa repertoire ng mga performers. Interes sa Pranses. Ang musikang harpsichord ay muling binuhay ng mga Impresyonista, na naghangad na buhayin ang mga tradisyon nina Couperin at Rameau. Sa mga gumanap sa K. noong ika-20 siglo. ang Polish na manlalaro ng harpsichord na si V. Landwska ay tumayo. Prod. Pranses Ang mga harpsichordist ay na-promote ng ilang mga kuwago. musikero, kabilang ang E. A. Beckman-Shcherbina, N. I. Golubovskaya, G. M. Kogan (isang bilang ng kanyang mga artikulo ay nakatuon sa gawain ng mga harpsichordists), N. V. Otto. Sa USSR nai-publish ang 3 koleksyon. gumaganap ng French. mga harpsichordists (na-edit ni A. N. Yurovsky). Lahat ng R. ika-20 siglo nabagong interes sa K., incl. sa USSR. Ang mga ensemble ay nilikha na gumaganap ng maagang musika, kung saan si K.

Panitikan: Alekseev A.D., Clavier art, M.-L., 1952; Druskin M.S., Clavier music, L., 1960.

Dapat kong aminin na pinag-uusapan ko ang harpsichord bilang isang malalim na personal na paksa para sa akin. Ang pagkakaroon ng mga konsiyerto dito sa loob ng halos apatnapung taon, napuno ako ng pinakamalalim na pagmamahal para sa ilang mga may-akda at naglaro sa mga konsyerto nang buong cycle ng lahat ng isinulat nila para sa instrumentong ito. Pangunahing may kinalaman ito kina François Couperin at Johann Sebastian Bach. Ang mga nasabi ko sana ay magsilbing dahilan para sa aking mga bisyo, na natatakot akong hindi ko maiiwasan.

DEVICE

Ang isang malaking pamilya ng keyboard-stringed plucked instruments ay kilala. Iba-iba ang mga ito sa laki, hugis at tunog (kulay) na mapagkukunan. Halos bawat craftsman na gumawa ng gayong mga instrumento noong unang panahon ay sinubukang magdala ng sarili niyang bagay sa kanilang disenyo.

Mayroong maraming pagkalito tungkol sa kung ano ang tawag sa kanila. Sa pinaka-pangkalahatang mga termino, ang mga instrumento ay hinati ayon sa kanilang hugis sa longitudinal (para silang isang maliit na grand piano, ngunit may mga angular na hugis - ang hugis ng isang grand piano ay bilugan) at hugis-parihaba. Siyempre, ang pagkakaibang ito ay hindi nangangahulugang pandekorasyon: na may ibang pag-aayos ng mga string na nauugnay sa keyboard, ang lugar sa string kung saan ginawa ang pluck na katangian ng lahat ng mga instrumentong ito ay may napakalaking epekto sa timbre ng tunog. .

J. Vermeer Delft. Babaeng nakaupo sa harpsichord
OK. 1673-1675. National Gallery, London

Ang harpsichord ang pinakamalaki at pinakamasalimuot na instrumento sa pamilyang ito.

Sa Russia mula noong ika-18 siglo. ang pinakakalat ay ang Pranses na pangalan ng instrumento - ang harpsichord ( clavecin), ngunit ito ay matatagpuan, pangunahin sa musikal at akademikong kasanayan, at Italyano - tambalo ( cembalo; Ang mga pangalang Italyano ay kilala rin clavicembalo, gravicembalo). Sa musicological literature, lalo na pagdating sa English Baroque music, ang Ingles na pangalan ng instrumentong ito ay makikita nang walang pagsasalin harpsichord.

Sa harpsichord, ang pangunahing tampok ng paggawa ng tunog ay ang isang tinatawag na jumper (kung hindi man - isang pusher) ay naka-install sa likurang dulo ng susi, sa itaas na bahagi kung saan ang isang balahibo ay naayos. Kapag ang musikero ay nagtulak ng isang susi, ang likod na dulo ng susi ay tumataas (dahil ang susi ay isang pingga) at ang lumulukso ay gumagalaw pataas at ang balahibo ay bumunot ng string. Kapag ang susi ay inilabas, ang balahibo ay tahimik na dumulas salamat sa isang bukal na nagbibigay-daan ito upang bahagyang lumihis.

Iba't ibang uri ng mga instrumentong may kuwerdas sa keyboard

Kapansin-pansin na ang paglalarawan ng aksyon ng lumulukso, at hindi pangkaraniwang tumpak, ay ibinigay ni W. Shakespeare sa kanyang ika-128 na soneto. Sa maraming mga pagpipilian sa pagsasalin, ang kakanyahan ng pagtugtog ng harpsichord ay pinakatumpak - bilang karagdagan sa masining at patula na bahagi - ay ipinarating ng pagsasalin ni Modest Tchaikovsky:

Kapag ikaw, ang aking musika, ay tumutugtog
Inilalagay mo ang mga susi na ito sa paggalaw
At, sa pamamagitan ng iyong mga daliri na hinahaplos sila nang buong pagmamahal,
Ang pagkakatugma ng mga kuwerdas ay nagbibigay ng paghanga,
Pagkatapos ay may selos na tinitingnan ko ang mga susi,
Kung paano sila kumapit sa mga palad ng iyong mga kamay;
Nag-aapoy ang mga labi at naghahangad ng halik
Naiinggit sila sa kanilang kabastusan.
Naku, kung biglang bumaligtad ang tadhana
Ako sa isang hilera ng mga tuyong mananayaw!
Natutuwa na ang iyong kamay ay dumausdos sa kanila, -
Ang kanilang kawalan ng kaluluwa ay higit na pinagpala kaysa sa mga labi ng buhay.
Pero kung masaya sila, eh
Hayaan mo silang halikan ang mga daliri nila, I’ll have my mouth.

Sa lahat ng uri ng keyboard-stringed plucked instruments, ang harpsichord ang pinakamalaki at pinakamasalimuot. Ginagamit ito kapwa bilang solong instrumento at bilang kasamang instrumento. Ito ay kailangang-kailangan sa baroque music bilang isang ensemble. Ngunit bago pag-usapan ang malaking repertoire para sa instrumento na ito, kinakailangan na ipaliwanag ang iba pa sa pagtatayo nito.

Sa harpsichord, ang lahat ng mga kulay (timbres) at dynamics (iyon ay, ang kapangyarihan ng tunog) ay unang inilatag sa instrumento mismo ng lumikha ng bawat indibidwal na harpsichord. Sa ganitong paraan, ito ay sa isang tiyak na lawak na katulad ng isang organ. Sa isang harpsichord, hindi mo mababago ang tunog sa pamamagitan ng pagpapalit ng lakas ng iyong keyboard play. Para sa paghahambing: sa piano, ang buong sining ng interpretasyon ay nakasalalay sa kayamanan ng tinta, iyon ay, sa iba't ibang paraan ng pagpindot o pagpindot sa susi.

Diagram ng mekanismo ng harpsichord

kanin. A: 1. Shteg; 2. Damper; 3. Jumper (tulak); 4. Register bar; 5. Shteg;
6. Jumper (pusher) frame; 7. Susi

kanin. B. Jumper (pusher): 1. Damper; 2. String; 3. Balahibo; 4. Dila; 5. Polster; 6. Spring

Walang alinlangan, ito ay depende sa sensitivity ng pagtugtog ng harpsichord player kung ang instrumento ay tumutunog sa musika o "parang isang kasirola" (humigit-kumulang sa sinabi ni Voltaire). Ngunit ang lakas at timbre ng tunog ay hindi nakasalalay sa harpsichordist, dahil mayroong isang kumplikadong mekanismo ng paghahatid sa anyo ng isang jumper at isang balahibo sa pagitan ng daliri ng harpsichordist at ng string. Muli, para sa paghahambing: sa piano, ang pagpindot sa susi ay direktang nakakaapekto sa pagkilos ng paghampas ng martilyo sa string, habang sa harpsichord, ang epekto sa balahibo ay hindi direkta.

KWENTO

Ang maagang kasaysayan ng harpsichord ay bumalik sa maraming siglo. Una siyang nabanggit sa treatise ni John de Muris "The Mirror of Music" (1323). Ang isa sa mga pinakaunang paglalarawan ng harpsichord ay nasa Weimar Book of Miracles (1440).

Sa loob ng mahabang panahon ay pinaniniwalaan na ang pinakalumang umiiral na instrumento ay ginawa ni Hieronymus mula sa Bologna at may petsang 1521. Ito ay itinatago sa London, sa Victoria at Albert Museum. Ngunit kamakailan lamang ay itinatag na mayroong isang instrumento ng ilang taon na mas matanda, na nilikha din ng master ng Italyano - Vincentius mula sa Livigimeno. Iniharap ito kay Pope Leo X. Sinimulan ang paggawa nito, ayon sa inskripsiyon sa kaso, noong Setyembre 18, 1515.

Harpsichord. Weimar Book of Miracles. 1440

Upang maiwasan ang monotony ng tunog, ang mga harpsichord masters, na nasa maagang yugto na ng pagbuo ng instrumento, ay nagsimulang magbigay sa bawat susi ng hindi isang string, ngunit dalawa, natural, ng magkakaibang timbre. Ngunit sa lalong madaling panahon naging malinaw na, para sa mga teknikal na kadahilanan, higit sa dalawang hanay ng mga string para sa isang keyboard ay hindi magagamit. Pagkatapos ay lumitaw ang ideya na dagdagan ang bilang ng mga keyboard. Pagsapit ng ika-17 siglo. ang pinakamayaman sa musikang mga harpsichord ay mga instrumentong may dalawang keyboard (kung hindi man, mga manwal, mula sa lat. manus- "kamay").

Mula sa isang musikal na pananaw, ang naturang instrumento ay ang pinakamahusay na tool para sa pagsasagawa ng iba't ibang baroque repertoire. Maraming mga gawa ng mga klasiko ng harpsichord ang isinulat na may pananaw sa epekto ng pagtugtog sa dalawang keyboard, halimbawa, isang bilang ng mga sonata ni Domenico Scarlatti. F. Couperin espesyal na itinakda sa paunang salita sa ikatlong koleksyon ng kanyang mga piyesa ng harpsichord na inilagay niya dito ang mga piyesa na tinatawag niyang "Mga piraso ng croisees"(naglalaro ng crossing [kamay]). "Ang mga piraso na may ganoong pangalan," pagpapatuloy ng kompositor, "ay dapat gumanap sa dalawang keyboard, kung saan ang isa, sa pamamagitan ng pagpapalit ng mga rehistro, ay dapat na tunog ng muffled." Para sa mga walang dual-manual harpsichord, nagbibigay si Couperin ng payo kung paano tumugtog ng instrumento gamit ang isang keyboard. Ngunit sa ilang mga kaso, ang kinakailangan para sa isang dalawang-manu-manong harpsichord ay isang kailangang-kailangan na kondisyon para sa ganap na artistikong pagganap ng isang akda. Kaya, si Bach, sa pahina ng pamagat ng isang koleksyon na naglalaman ng sikat na "French Overture" at "Italian Concerto", ay ipinahiwatig: "para sa keyboard keyboard na may dalawang manual."

Mula sa punto ng view ng ebolusyon ng harpsichord, dalawang manual ay hindi ang limitasyon: alam namin ang mga halimbawa ng mga harpsichord na may tatlong mga keyboard, bagaman hindi namin alam ang mga gawa na tiyak na nangangailangan ng naturang instrumento para sa kanilang pagganap. Sa halip, ito ang mga teknikal na trick ng mga indibidwal na master ng harpsichord.

Ang harpsichord sa panahon ng maningning na kapanahunan nito (XVII-XVIII na siglo) ay tinugtog ng mga musikero na nagmamay-ari ng lahat ng mga instrumento sa keyboard na ginagamit noong panahong iyon, katulad ng organ at ang clavichord (kaya naman tinawag silang clavists).

Ang mga harpsichord ay nilikha hindi lamang ng mga manggagawa ng harpsichord, kundi pati na rin ng mga manggagawa na nagtayo ng mga organo. At natural na ilapat sa pagtatayo ng harpsichord ang ilang mga pangunahing ideya na malawakang ginagamit sa disenyo ng mga organo. Sa madaling salita, sinundan ng mga master ng harpsichord ang landas ng mga tagabuo ng organ sa pagpapalawak ng mga mapagkukunan ng rehistro ng kanilang mga instrumento. Kung sa organ mayroong higit at higit pang mga hanay ng mga tubo na ibinahagi sa pagitan ng mga manual, pagkatapos ay sa harpsichord nagsimula silang gumamit ng mas malaking bilang ng mga hanay ng mga string, na ipinamahagi din sa pagitan ng mga manual. Sa mga tuntunin ng dami ng tunog, ang mga rehistro ng harpsichord na ito ay hindi masyadong naiiba, ngunit sa mga tuntunin ng timbre sila ay medyo makabuluhan.

Pahina ng pamagat ng unang koleksyon ng musika
para sa birhen na "Parfenia". London. 1611

Kaya, bilang karagdagan sa dalawang hanay ng mga string (isa para sa bawat keyboard), na tumunog nang sabay-sabay at sa pitch ay tumutugma sa mga tunog na naitala sa mga tala, maaaring mayroong apat na talampakan at labing anim na talampakan na mga rehistro. (Kahit na ang pagtatalaga ng mga rehistro ay hiniram ng mga harpsichord masters mula sa mga tagabuo ng organ: mga tubo Ang mga organo ay ipinahiwatig sa mga paa, at ang mga pangunahing rehistro na naaayon sa notasyon ay ang tinatawag na walong talampakan, habang ang mga tubo na naglalabas ng mga tunog na isang oktaba na mas mataas kaysa sa mga nakatala ay tinatawag na apat na talampakan, isang oktaba na mas mababa - labing-anim na talampakan, ayon sa pagkakabanggit. Sa harpsichord, sa parehong mga panukala, ang mga rehistro na nabuo ng mga hanay mga string.)

Kaya, ang hanay ng tunog ng isang malaking harpsichord ng konsiyerto sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. ay hindi lamang mas makitid kaysa sa piano, ngunit mas malawak pa. At ito sa kabila ng katotohanan na ang musical notation ng harpsichord music ay mukhang mas makitid ang range kaysa sa piano music.

MUSIKA

Sa siglo XVIII. ang harpsichord ay nakaipon ng isang hindi pangkaraniwang mayamang repertoire. Siya, bilang isang lubhang aristokratikong instrumento, ay kumalat sa buong Europa, sa lahat ng dako na may mga maliliwanag na apologist nito. Ngunit kung pinag-uusapan natin ang tungkol sa pinakamakapangyarihang mga paaralan noong ika-16 - unang bahagi ng ika-17 siglo, dapat nating pangalanan, una sa lahat, ang mga virginelist ng Ingles.

Hindi namin ikukuwento ang birhen dito, mapapansin lamang namin na ito ay isang uri ng mga instrumentong string na pinutol sa keyboard, na katulad ng tunog sa harpsichord. Kapansin-pansin na sa isa sa mga huling masusing pag-aaral sa kasaysayan ng harpsichord ( Kottick E. Isang Kasaysayan ng Harpsichord. Bloomington. 2003), ang birhen, tulad ng spinet (isa pang uri), ay isinasaalang-alang sa pangunahing ebolusyon ng harpsichord mismo.

Tungkol sa pangalan ng virginel, nararapat na tandaan na ang isa sa mga iminungkahing etimolohiya ay dinadala ito sa Ingles Birhen at higit pa sa Latin virgo, iyon ay, "dalaga", dahil si Elizabeth I, ang birhen na reyna, ay mahilig gumanap bilang birhen. Sa katunayan, ang birhen ay nagpakita kay Elizabeth. Ang pinagmulan ng terminong "virginel" ay mas tama upang humantong mula sa isa pang salitang Latin - virga("Stick"), na nagpapahiwatig ng parehong jumper.

Ito ay kagiliw-giliw na sa ukit na pinalamutian ang unang naka-print na edisyon ng musika para sa birhen (Parfenia), ang musikero ay inilalarawan sa pagkukunwari ng isang Kristiyanong birhen - St. Cecilia. Sa pamamagitan ng paraan, ang mismong pangalan ng koleksyon ay nagmula sa Greek. parthenos na ang ibig sabihin ay "birhen".

Upang palamutihan ang edisyong ito, ginamit ang isang ukit mula sa pagpipinta ng Dutch artist na si Hendrik Goltzius "St. Cecilia". Gayunpaman, hindi sinalamin ng engraver ang imahe sa pisara, kaya ang pag-ukit mismo at ang tagapalabas ay naging baligtad - ang kanyang kaliwang kamay ay higit na binuo kaysa sa kanan, na, siyempre, ay hindi maaaring kasama ng virginela ng panahong iyon. Mayroong libu-libong gayong mga oversight sa mga ukit. Hindi ito napapansin ng hitsura ng isang hindi musikero, ngunit nakita agad ng musikero ang pagkakamali ng ukit.

Maraming magagandang pahina na puno ng masigasig na damdamin ang inialay sa musika ng mga virginelist ng Ingles ng tagapagtatag ng muling pagkabuhay ng harpsichord noong ika-20 siglo. ang kahanga-hangang Polish harpsichord player na si Wanda Landowska: “Ibinuhos mula sa mga puso ng higit na karapat-dapat kaysa sa atin, at pinalusog ng mga katutubong awit, sinaunang musikang Ingles - masigasig o matahimik, walang muwang o kaawa-awa - umaawit ng kalikasan at pag-ibig. Pinalalaki niya ang buhay. Kung siya ay bumaling sa mistisismo, pagkatapos ay niluluwalhati niya ang Diyos. Unmistakably workshop, siya ay kusang-loob at matapang. Madalas itong tila mas moderno kaysa sa pinakabago at advanced. Buksan ang iyong puso sa kagandahan ng musikang ito, sa esensya ay hindi alam. Kalimutan na siya ay matanda na, at huwag ipagpalagay na dahil dito ay wala siyang pakiramdam ng tao."

Ang mga linyang ito ay isinulat sa simula ng ikadalawampu siglo. Sa nakalipas na siglo, maraming ginawa upang ihayag at suriin sa kabuuan nito ang napakahalagang pamana ng musika ng mga virginelist. At anong mga pangalan nila! Ang mga kompositor na sina William Bird at John Bull, Martin Pearson at Gil Farneby, John Munday at Thomas Morley ...

Nagkaroon ng malapit na ugnayan sa pagitan ng Inglatera at Netherlands (ang pag-ukit na ng "Parthenia" ay nagpapatotoo dito). Ang mga harpsichord at virginel ng Dutch craftsmen, lalo na ng Ruckers dynasty, ay kilala sa England. Kasabay nito, sa isang kakaibang paraan, ang Netherlands mismo ay hindi maaaring magyabang ng isang maliwanag na paaralan ng pagbubuo.

Sa kontinente, ang orihinal na mga paaralan ng harpsichord ay Italyano, Pranses at Aleman. Tatlo lang sa kanilang pangunahing kinatawan ang babanggitin natin - sina François Couperin, Domenico Scarlatti at Johann Sebastian Bach.

Isa sa mga malinaw at halatang palatandaan ng kaloob ng isang namumukod-tanging kompositor (na totoo sa sinumang kompositor ng anumang panahon) ay ang pag-unlad niya ng kanyang sarili, puro personal, natatanging istilo ng pagpapahayag. At sa kabuuang dami ng hindi mabilang na mga manunulat, hindi gaanong magkakaroon ng mga tunay na tagalikha. Ang tatlong pangalang ito ay tiyak na pag-aari ng mga tagalikha. Ang bawat isa sa kanila ay may sariling natatanging istilo.

Francois Couperin

Francois Couperin(1668-1733) - isang tunay na makata ng harpsichord. Marahil, maaari niyang isaalang-alang ang kanyang sarili na isang masayang tao: lahat (o halos lahat) ng kanyang mga gawa sa harpsichord, iyon ay, kung ano mismo ang bumubuo sa kanyang katanyagan at kahalagahan sa mundo, ay inilathala niya at bumuo ng apat na volume. Kaya, mayroon kaming komprehensibong pag-unawa sa kanyang pamana ng harpsichord. Ang may-akda ng mga linyang ito ay sapat na masuwerte upang maisagawa ang isang kumpletong siklo ng mga komposisyon ng harpsichord ni Couperin sa walong mga programa sa konsiyerto, na ipinakita sa pagdiriwang ng kanyang musika na ginanap sa Moscow sa ilalim ng pagtangkilik ni G. Pierre Morel, Ambassador ng France sa Russia.

Nais kong hawakan ang aking mambabasa sa kamay, akayin siya sa harpsichord at tumugtog, halimbawa, "French Masquerade, o Masks of Dominoes" ni Couperin. Gaano kalaki ang alindog at alindog nito! Ngunit gaano rin kalalim ang sikolohikal. Dito, ang bawat maskara ay may isang tiyak na kulay at - kung ano ang napakahalaga - karakter. Ipinapaliwanag ng mga pahayag ng may-akda ang mga larawan at kulay. Mayroong labindalawang maskara (at mga kulay) sa kabuuan, at lumilitaw ang mga ito sa isang tiyak na pagkakasunud-sunod.

Minsan na akong nagkaroon ng dahilan upang maalala ang dulang ito ni Couperin na may kaugnayan sa kuwento tungkol sa "Black Square" ni K. Malevich (tingnan ang "Art" No. 18/2007). Ang katotohanan ay ang scheme ng kulay ng Couperin, na nagsisimula sa puti (ang unang pagkakaiba-iba, na sumasagisag sa Virginity), ay nagtatapos sa isang itim na maskara (Fury o Despair). Kaya, ang dalawang tagalikha ng iba't ibang panahon at iba't ibang sining ay lumikha ng mga gawa na may malalim na simbolikong kahulugan: sa Couperin, ang siklo na ito ay sumasagisag sa mga panahon ng buhay ng tao - ang mga edad ng isang tao (labing dalawa ayon sa bilang ng mga buwan, bawat anim na taon - ito ay isang alegorya kilala sa panahon ng Baroque). Bilang isang resulta, ang Couperin ay may itim na maskara, ang Malevich ay may isang itim na parisukat. Sa pareho, ang hitsura ng itim ay resulta ng pagkilos ng maraming pwersa. Tahimik na sinabi ni Malevich: "Isinasaalang-alang ko ang puti at itim na nagmula sa mga kaliskis ng kulay at kulay." Ipinakilala sa amin ni Couperin ang makulay na hanay na ito.

Ito ay malinaw na si Couperin ay may kamangha-manghang mga harpsichord sa kanyang pagtatapon. Hindi ito nakakagulat - pagkatapos ng lahat, siya ang court harpsichordist ni Louis XIV. Ang mga instrumento na may kanilang tunog ay nagawang ihatid ang buong lalim ng mga ideya ng kompositor.

Domenico Scarlatti(1685-1757). Ang kompositor na ito ay may ganap na kakaibang istilo, ngunit tulad ni Couperin, ang isang hindi mapag-aalinlanganang sulat-kamay ay ang una at halatang tanda ng henyo. Ang pangalang ito ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa harpsichord. Bagaman sa kanyang mas bata na mga taon ay sumulat si Domenico ng iba't ibang musika, nang maglaon ay naging tanyag siya bilang may-akda ng isang malaking bilang (555) harpsichord sonata. Ang Scarlatti ay hindi karaniwang pinalawak ang mga kakayahan sa pagganap ng harpsichord, ipinakilala sa pamamaraan ng paglalaro dito ng isang hindi pa nagagawang virtuoso scale.

Ang isang uri ng parallel sa Scarlatti sa huling kasaysayan ng piano music ay ang gawain ni Franz Liszt, na, tulad ng alam mo, espesyal na pinag-aralan ang mga diskarte sa pagganap ng Domenico Scarlatti. (Sa pamamagitan ng paraan, sa sandaling pinag-uusapan natin ang tungkol sa mga parallel sa sining ng piano, kung gayon si Couperin ay mayroon din, sa isang tiyak na kahulugan, isang espirituwal na tagapagmana - ito, siyempre, ay si F. Chopin.)

Ang ikalawang kalahati ng kanyang buhay, si Domenico Scarlatti (hindi malito sa kanyang ama, ang sikat na Italyano na kompositor ng opera na si Alessandro Scarlatti) ay ang court harpsichordist ng Spanish queen na si Maria Barbara, at ang karamihan sa kanyang mga sonata ay partikular na isinulat para sa kanya. Ang isang tao ay ligtas na mahihinuha na siya ay isang kahanga-hangang manlalaro ng harpsichord kung siya ay naglalaro ng mga ito kung minsan ay lubhang teknikal na kumplikadong mga sonata.

J. Vermeer Delft. Ang batang babae sa spinet. OK. 1670. Pribadong koleksyon

Kaugnay nito, naaalala ko ang isang liham (1977) na natanggap ko mula sa natitirang manlalaro ng harpsichord ng Czech na si Zuzanna Ruzickova: "Mahal na Ginoong Maykapar! Mayroon akong isang kahilingan para sa iyo. Tulad ng alam mo, mayroon na ngayong malaking interes sa mga tunay na harpsichord, at maraming talakayan ang nangyayari sa paligid nito. Ang isa sa mga pangunahing dokumento sa talakayan sa mga instrumentong ito na may kaugnayan kay D. Scarlatti ay ang pagpipinta ni Vanloo, na naglalarawan kay Maria Barbara ng Portugal, asawa ni Philip V. (Si Z. Ruzickova ay nagkamali - si Maria Barbara ay asawa ni Ferdinand VI, anak na lalaki. ng Philip V. - A.M.). Raphael Puyana (pangunahing kontemporaryong Pranses na harpsichordist - A.M.) ay naniniwala na ang pagpipinta ay ipininta pagkatapos ng pagkamatay ni Maria Barbara at samakatuwid ay hindi maaaring maging isang makasaysayang mapagkukunan. Ang pagpipinta ay nasa Ermita. Napakahalaga kung maipapadala mo sa akin ang mga dokumento sa larawang ito."

Fragment. 1768. Ermita, St. Petersburg

Ang larawang tinutukoy sa liham ay "Sextet" ni L.M. Wanloo (1768).

Ito ay nasa Hermitage, sa kamalig ng departamento ng pagpipinta ng Pransya noong ika-18 siglo. Department Keeper I.S. Si Nemilova, nang malaman ang tungkol sa layunin ng aking pagbisita, ay sinamahan ako sa isang malaking silid, o sa halip kahit isang bulwagan, kung saan may mga kuwadro na hindi kasama sa pangunahing eksibisyon. Gaano karaming mga gawa, lumalabas, ang pinananatili dito, na kung saan ay may malaking interes mula sa punto ng view ng musical iconography! Isa-isa, naglagay kami ng malalaking frame, kung saan naka-install ang 10-15 na mga kuwadro, sinuri ang mga paksang interesado sa amin. At panghuli, ang Sextet ng LM. Wanloo.

Ayon sa ilang ulat, ang pagpipinta na ito ay naglalarawan sa Espanyol na Reyna Maria Barbara. Kung napatunayan ang hypothesis na ito, maaari tayong magkaroon ng harpsichord na tinutugtog mismo ni Scarlatti! Ano ang mga batayan para makilala si Maria Barbara sa harpsichord player na inilalarawan sa pagpipinta ni Vanloo? Una, tila sa akin ay talagang may panlabas na pagkakahawig sa pagitan ng ginang na inilalarawan dito at ng mga sikat na larawan ni Maria Barbara. Pangalawa, nanirahan si Vanloo sa korte ng Espanya nang medyo mahabang panahon at, samakatuwid, ay mahusay na nakapagpinta ng isang larawan sa isang tema mula sa buhay ng reyna. Pangatlo, ang isa pang pangalan para sa larawan ay kilala rin - "The Spanish Concert" at, pang-apat, ilang mga dayuhang musicologist (halimbawa, K. Sachs) ay kumbinsido na si Maria Barbara ay nasa larawan.

Ngunit si Nemilova, tulad ni Rafael Puyana, ay nag-alinlangan sa hypothesis na ito. Ang pagpipinta ay ipininta noong 1768, iyon ay, labindalawang taon pagkatapos ng pag-alis ng artista mula sa Espanya at sampung taon pagkatapos ng pagkamatay ni Maria Barbara. Ang kasaysayan ng kanyang order ay kilala: Catherine II conveyed Vanloo sa pamamagitan ng Prince Golitsyn isang pagnanais na magkaroon ng isang pagpipinta ng kanyang brush. Ang gawaing ito ay agad na nakarating sa St. Petersburg at pinananatili dito sa lahat ng oras, ibinigay ito ni Golitsyn kay Ekaterina bilang isang "Concert". Tulad ng para sa pangalang "Spanish Concert", ang mga costume na Espanyol, kung saan ang mga character ay itinatanghal, ay gumaganap ng isang papel sa paglitaw nito, at, tulad ng ipinaliwanag ni Nemilova, ito ay mga theatrical costume, at hindi ang mga noon ay nasa fashion.

V. Landwska

Sa larawan, siyempre, ang pansin ay iginuhit sa harpsichord - isang dalawang-manu-manong instrumento na may katangian ng unang kalahati ng ika-18 siglo. ang kulay ng mga susi, ang kabaligtaran ng modernong isa (ang nasa piano ay itim, sa harpsichord na ito ay puti, at kabaliktaran). Bilang karagdagan, kulang pa rin ito ng mga pedal para sa pagpapalit ng mga rehistro, bagama't kilala na sila noong panahong iyon. Ang pagpapahusay na ito ay matatagpuan sa karamihan sa mga modernong konsiyerto na dual-manual na harpsichords. Ang pangangailangan na lumipat ng mga rehistro sa pamamagitan ng kamay ay nagdidikta ng isang tiyak na diskarte sa pagpili ng pagrehistro sa harpsichord.

Sa kasalukuyan, ang dalawang direksyon ay malinaw na tinukoy sa pagganap ng pagsasanay: ang mga tagasuporta ng una ay naniniwala na ang isa ay dapat gumamit ng lahat ng mga modernong kakayahan ng instrumento (halimbawa, V. Landowska at, sa pamamagitan ng paraan, si Zuzanna Ruzichkova ay may hawak na opinyon na ito), ang iba pa. naniniwala na, na gumaganap ng maagang musika sa modernong harpsichord, ang isa ay hindi dapat lumampas sa mga gumaganap na paraan, sa inaasahan kung saan isinulat ng mga matatandang masters (tulad ng iniisip ni Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, ang parehong Rafael Puyana at iba pa).

Dahil binigyan namin ng labis na pansin ang pagpipinta ni Vanloo, napansin namin na ang artist mismo, sa turn, ay naging isang karakter sa isang musikal na larawan: isang piraso ng harpsichord ng Pranses na kompositor na si Jacques Dufli ay kilala, na tinatawag na "Vanloo".

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach(1685-1750). Ang kanyang harpsichord heritage ay may pambihirang halaga. Ang aking karanasan sa pagtatanghal sa mga konsyerto ay ang lahat ng isinulat ni Bach para sa instrumentong ito ay nagpapatotoo: ang kanyang pamana ay umaangkop sa labinlimang (!) Mga programa sa konsyerto. Kasabay nito, kinakailangang magbilang ng hiwalay na mga konsyerto para sa harpsichord at mga string, pati na rin ang maraming mga piraso ng ensemble, na hindi maiisip kung wala ang harpsichord.

Dapat itong aminin na para sa lahat ng natatangi ng Couperin at Scarlatti, bawat isa sa kanila ay nilinang ang isang indibidwal na istilo. Si Bach ay maraming nalalaman. Ang nabanggit na "Italian Concert" at "French Overture" ay mga halimbawa ng pag-aaral ni Bach sa musika ng mga pambansang paaralang ito. At ito ay dalawang halimbawa lamang, sa kanilang mga pamagat na sumasalamin sa kamalayan ni Bach. Dito maaari mong idagdag ang kanyang cycle ng "French suites". Maaaring isipin ng isa ang tungkol sa impluwensya ng Ingles sa kanyang "English Suites". At gaano karaming mga sample ng musika ng iba't ibang mga estilo ang nasa mga gawa niya na hindi nagpapakita nito sa kanilang mga pangalan, ngunit nakapaloob sa musika mismo! Hindi na kailangang sabihin, kung gaano kalawak ang katutubong tradisyon ng clavier ng Aleman ay synthesized sa kanyang trabaho.

Hindi namin alam kung aling mga harpsichords ang nilalaro ni Bach, ngunit alam namin na interesado siya sa lahat ng mga teknikal na inobasyon (kabilang ang organ). Ang kanyang interes sa pagpapalawak ng mga kakayahan sa pagganap ng harpsichord at iba pang mga keyboard ay pinaka-malinaw na ipinakita ng sikat na cycle ng preludes at fugues sa lahat ng mga key na "The Well-Tempered Clavier".

Si Bach ay isang tunay na master ng harpsichord. Si I. Forkel, ang unang biographer ni Bach, ay nag-uulat: “Walang sinuman ang maaaring palitan ang mga sira-sirang balahibo sa kanyang harpsichord ng mga bago upang siya ay nasiyahan, - siya mismo ang gumawa nito. Palagi niyang sinasadya ang kanyang harpsichord sa kanyang sarili at napakahusay sa bagay na ito na hindi na siya umabot ng higit sa isang-kapat ng isang oras upang mag-tune. Sa kanyang paraan ng pag-tune, lahat ng 24 na susi ay nasa kanyang pagtatapon, at, nag-improvised, ginawa niya ang anumang nais niya sa kanila.

Sa panahon ng buhay ng henyong lumikha ng harpsichord music, ang harpsichord ay nagsimulang mawalan ng lupa. Noong 1747, nang bisitahin ni Bach si Haring Frederick the Great ng Prussia sa Potsdam, binigyan niya siya ng isang tema para sa improvisasyon, at si Bach, tila, ay nag-improvise na sa "piano" (iyon ang pangalan ng isang bagong instrumento noong panahong iyon) - isa sa labing-apat o labinlimang, na ginawa para sa hari ng isang kaibigan ni Bach, ang sikat na organ master na si Gottfried Silbermann. Inaprubahan ni Bach ang tunog nito, bagama't dati ay hindi niya gusto ang piano.

Sa kanyang maagang kabataan, sumulat pa rin si Mozart para sa harpsichord, ngunit sa pangkalahatan, ang kanyang clavier na gawa ay, siyempre, nakadirekta sa piano. Ang mga publisher ng mga unang gawa ni Beethoven ay ipinahiwatig sa mga pahina ng pamagat na ang kanyang mga sonata (isipin kahit na ang Pathetique, na inilathala noong 1799) ay inilaan "para sa harpsichord o piano". Ang mga publisher ay gumawa ng isang lansihin: hindi nila nais na mawala ang mga mamimili na may mga lumang harpsichord sa kanilang mga bahay. Ngunit mas at mas madalas na ang katawan lamang ang natitira sa mga harpsichord: ang "pagpuno" ng harpsichord ay tinanggal bilang hindi kailangan at pinalitan ng isang bago, martilyo, iyon ay, mekanika ng piano.

Nagtatanong ito: bakit ang instrumento na ito, na may napakahabang kasaysayan at napakayaman ng artistikong pamana, ay sa pagtatapos ng ika-18 siglo. pinatalsik sa musical practice at pinalitan ng piano? At hindi lamang inilipat, ngunit ganap na nakalimutan noong ika-19 na siglo? At pagkatapos ng lahat, hindi masasabi na noong nagsimula ang prosesong ito ng paglilipat ng harpsichord, ang piano ay ang pinakamahusay na instrumento sa mga tuntunin ng mga katangian nito. Kabaligtaran talaga! Si Carl Philippe Emanuel Bach, isa sa mga panganay na anak ni Johann Sebastian, ay sumulat ng kanyang double concerto para sa harpsichord at piano at orkestra na may layuning ipakita mismo ang mga pakinabang ng harpsichord kaysa sa piano.

Mayroon lamang isang sagot: ang tagumpay ng piano sa harpsichord ay naging posible sa ilalim ng mga kondisyon ng isang radikal na pagbabago sa mga kagustuhan sa aesthetic. Aesthetics ng Baroque, na nakabatay sa alinman sa isang malinaw na nabuo o malinaw na nadama na konsepto ng teorya ng mga epekto (sa madaling salita, ang pinakadiwa: isang mood, makakaapekto, - isang sonik na pintura), kung saan ang harpsichord ay isang perpektong paraan ng pagpapahayag, unang nagbigay daan sa pakiramdam ng mundo ng sentimentalismo, pagkatapos ay sa isang mas malakas na direksyon - klasisismo at, sa wakas, romantiko. Sa lahat ng mga istilong ito, sa kabaligtaran, ang pinakakaakit-akit at nilinang na ideya ay pabagu-bago- damdamin, imahe, mood. At naipahayag ito ng piano.

Ang instrumento na ito ay nakakuha ng isang pedal na may kamangha-manghang mga kakayahan at naging may kakayahang lumikha ng hindi kapani-paniwalang pagtaas at pagbaba ng sonicity ( crescendo at diminuendo). Ang lahat ng ito ay hindi maaaring gawin ng harpsichord sa prinsipyo - dahil sa mga kakaibang disenyo nito.

Huminto tayo at alalahanin ang sandaling ito upang simulan ang susunod nating pag-uusap dito - tungkol sa piano, at partikular na tungkol sa malaking konsiyerto grand piano, iyon ay, ang "royal instrument", ang tunay na pinuno ng lahat ng romantikong musika.

Sa aming kuwento, ang kasaysayan at modernidad ay pinaghalo, dahil ngayon ang harpsichord at iba pang mga instrumento ng pamilyang ito ay naging hindi pangkaraniwang laganap at hinihiling dahil sa malaking interes sa musika ng Renaissance at Baroque, iyon ay, ang oras kung kailan sila bumangon at nakaligtas sa kanilang ginintuang edad.

Ang harpsichord ay isang plucked keyboard instrument, ang mga string nito ay nakatakda sa vibration sa pamamagitan ng plucking sa tulong ng mga rod na gawa sa mga balahibo ng ibon. Ang harpsichord ay may matalas, biglang tunog. Pahalang na nakaposisyon, na may hugis-harpa na katawan, ang instrumentong ito ay naging tanyag sa Europa mula noong huling bahagi ng ika-15 siglo. Ginamit ito bilang solong instrumento, isang kasamang instrumento, at may mahalagang papel sa orkestra.

Harpsichord sa chamber music

Ang harpsichord ay ang pangunahing instrumento sa chamber music mula sa huling bahagi ng ika-16 na siglo hanggang sa unang bahagi ng ika-18 siglo. Ang mga kompositor ay gumawa ng isang malaking bilang ng mga gawa para sa solong pagganap sa harpsichord, kung minsan para sa pagsasayaw. Ngunit ang harpsichord ay naganap sa kasaysayan ng pag-unlad ng musika salamat sa pakikilahok nito sa solo at trio sonata ng panahon ng Baroque. Ang mga performers minsan ay nag-improvise ng saliw habang nagpe-perform ng oasa line.

CLAVESIN SA ORCHESTRA

Ang harpsichord ay isang mahalagang elemento sa karamihan ng mga orkestra na gawa noong ika-17 at ika-18 na siglo. Ang harpsichord performer ang nagdirekta sa pagganap ng musika gamit ang mga susi ng keyboard. Pagbabasa ng bass line sa mga tala; na may mga senyales na nagpapahiwatig ng mga harmonika ("kulot na bass"), pinunan ng musikero ang mga string na harmonika, naglalaro ng naaangkop na mga chord para sa bawat sukat, kung minsan ay nag-improvise na may maiikling ipinasok na mga sipi na nagpapakita ng napakatalino na pamamaraan ng paglalaro. Ang pagsasanay na ito ay binansagan ng kalahating pangalan na "continuo" at natagpuan sa karamihan ng mga musikal na komposisyon ng panahon ng Baroque.

SAKSAKAN Ang isang katulad na ornate rosette ay inukit sa malaking harpsichord deck Ang rosette ay nagbibigay-daan sa hangin sa loob ng harpsichord body na mag-vibrate nang mas malayang, pagpapabuti ng kalidad ng tunog ng instrumento.	SETTING MGA GULONG Ang bawat isa sa mga string ng harpsichord ay nakakabit sa isang tuning peg sa isang dulo. Ang mga tuning peg na ito ay idinisenyo upang ibagay ang harpsichord: ang mga tuning peg ay iniikot gamit ang isang espesyal na key, at sa gayon ay binabago ang pitch ng string.
KEYBOARD Kinokontrol ng dalawang hand keyboard (manual) ang tatlong hanay ng mga string at maaaring gamitin sa iba't ibang kumbinasyon upang baguhin ang volume at tono. Ang pagkakaroon ng dalawang keyboard ay nagpapahintulot sa tagapalabas na tumugtog ng isang himig sa isang manwal, at samahan ang kanyang sarili sa kabilang banda.

Sa una, sa ikalabinlima at panlabing-anim na siglo, ang harpsichord ay ibang-iba sa clavichord. Sa halip na tangents, ang mga manggagawa ay nag-install ng mga patayong kahoy na bloke na may mga balahibo sa tuktok sa likod na dulo ng mga susi. Ang mga balahibo ay nagpatunog ng string hindi sa isang suntok, ngunit sa isang pluck. Ang instrumento ay naging may-ari ng mas malakas na boses, at nagbago rin ang katangian ng tunog. Ang bawat susi ay may sariling string, at ang clavichord ay hindi pa nakakarating sa ganoong karangyaan sa oras na iyon.

Totoo, ang mga unang harpsichord ay hindi perpekto, mayroon silang mas maraming mga bahid kaysa sa mga pakinabang, kaya maraming mga mahilig sa musika sa loob ng mahabang panahon na walang kondisyon na ginusto ang clavichord. Ngunit unti-unti, malinaw na nahayag ang pangunahing bentahe ng harpsichord: nakapagtanghal ito sa isang malaking bulwagan, na hindi kayang gawin ng clavichord. Samakatuwid, noong ikalabing-anim na siglo, ang harpsichord ay laganap na sa maraming bansa sa Europa.

Ngunit sa loob ng isa pang dalawang daang taon pagkatapos noon, sumiklab ang matinding pagtatalo sa paligid ng harpsichord at clavichord. Ang ilan ay naniniwala na ang harpsichord kumpara sa clavichord ay medyo tuyo at bastos, na hindi ito nagbigay ng pagkakataon sa musikero na maglaro nang nagpapahayag at ipakita ang lahat ng kanyang sining. Ang iba ay nagsabi na ang harpsichord ay makikita pa rin ang sarili nito kung ang mga diskarte sa pagtugtog nito ay binuo, at ang hinaharap ay nasa harpsichord pa rin. Parehong iyon at ang iba pa ay may magandang dahilan para sa kanilang mga paghahabol. Ang musikero na tumutugtog ng harpsichord, kaagad pagkatapos ng pagpindot sa susi, ay nawalan ng anumang koneksyon sa string, pagkatapos ay tumunog ito nang mag-isa, nang walang kaunting pakikilahok ng tao. Ang clavichord, tulad ng naaalala natin, ay nagpapahintulot sa musikero na maimpluwensyahan ang katangian ng tunog ng string kahit na pagkatapos ng pagpindot sa key. Ngunit ang harpsichord, bukod sa pagiging isang mas malakas na instrumento, ay nagbukas din ng isang malawak na larangan para sa pagpapabuti. At ang clavichord sa simula ng ikalabing walong siglo ay isang ganap na nabuo na instrumento, at mahirap na mapabuti ang anumang bagay dito. Kung mayroong anumang mga pagpapabuti, sila ay hiniram na mula sa harpsichord.

Ang mga hindi pagkakaunawaan ay mga hindi pagkakaunawaan, at ang mga tool ay kadalasang nabubuhay sa sarili nilang buhay, na hindi binibigyang pansin ang mga ito. Hindi mahalaga kung gaano karaming mga tao ang nagsasalita tatlong daang taon na ang nakalilipas tungkol sa nalalapit na pagkamatay ng clavichord, ginawa pa rin ito ng ilang mga pabrika sa simula ng ikadalawampu siglo. Kahit gaano pa nila sabihin na ang harpsichord ay hindi papalitan ang clavichord, ngunit ito ay naging isa sa pinakamahalagang phenomena ng musikal na kultura.

Totoo, ang mga landas ng dalawang instrumentong ito ay naghiwalay. Ang harpsichord ay naging pangunahing instrumento ng konsiyerto, bagaman hindi nito hinamak ang mga sala sa mga bahay kung saan nakatira ang mga taong may malaking kita. At ang clavichord ay nanatiling isang mas demokratikong instrumento, ito ay mura, at samakatuwid ay abot-kaya para sa mga pamilyang may ordinaryong kita. Ang buhay ng harpsichord ay puno ng mga kaganapan, pagkatapos nito ay bumuti, na-renew ang sarili, naging mas perpekto.

Pagkatapos ng plucking, ang string sa harpsichord ay tumunog bilang isang buo, hindi naghahati, tulad ng sa clavichord, sa gumagana at hindi gumagana na mga bahagi. Ang mga string ng ugat ay na-install sa mga unang harpsichord. Hindi sila magkasya sa clavichord, dahil ang padaplis ay halos hindi marinig kung ang padaplis ay tumama. At mula sa isang kurot, sapat na malakas ang tunog ng string string. Nang maglaon, lumitaw ang mga string ng bakal sa harpsichord.

Ang harpsichord ay may ganap na bagong constructive element kumpara sa clavichord - isang flexible wooden deck, na, sa pamamagitan ng resonating, amplified at pino ang tunog ng mga string. Mamaya ang deck ay kinuha mula sa harpsichord at ilang clavichord.

Maraming nag-eksperimento ang mga master sa mga balahibo na nagpatunog sa string. Sa una, sila ay literal na mga balahibo: mga pinatulis na piraso ng mga putot ng balahibo ng uwak o pabo. Pagkatapos ay nagsimula silang gumawa ng mga balahibo mula sa katad, at kahit na mamaya - mula sa tanso at bakal na mga plato. Ang katangian ng tunog ay naging iba, at bukod pa, ang instrumento ay naging hindi gaanong kapritsoso: ang bariles ng balahibo ng uwak, tulad ng balahibo ng anumang iba pang ibon, ay napakabilis na lumala mula sa gayong hindi pangkaraniwang gawain, ang katad ay tumagal nang mas matagal, at halos hindi napudpod ang metal.

Ang pagtatayo ng isang kahoy na bloke, na pinalitan ang clavichord tangent, ay napabuti din. Mula sa itaas, nagsimula itong nilagyan ng muffler, na, sa sandaling inilabas ang susi, nakahiga sa string at tumigil sa mga panginginig ng boses nito. Naisip din ng mga manggagawa ang reverse stroke ng balahibo - sa tulong ng isang espesyal na aparato, madali itong nakayuko sa string at hindi nagdulot ng dobleng tunog.

Ang mga master ay nagsumikap nang husto upang palakasin ang tunog ng instrumento. Nagsimula silang maglagay ng doble, pagkatapos ay triple at kahit quad string para sa bawat key. Ang tampok na ito ng harpsichord ay pinagtibay din ng ilang mga uri ng clavichord.

Tulad ng clavichord, ang harpsichord ay dumating sa iba't ibang laki. Sa malalaking instrumento, ang hindi pantay na haba ng mga kuwerdas ay nagdidikta din sa hugis ng katawan - ang instrumento ay naging higit at higit na parang isang modernong grand piano. (Bagaman, kung susundin mo ang kronolohiya, kakailanganing sabihin ang kabaligtaran: ang grand piano ay katulad ng hugis sa isang harpsichord.) At sa maliliit na harpsichord, na mayroon lamang dalawa o tatlong octaves, ang pagkakaiba sa laki. ng mga string ay hindi masyadong mahusay, at ang katawan ay nanatiling hugis-parihaba. Totoo, ang mga instrumentong ito ay maliit lamang kung ihahambing sa buong mga instrumento ng konsiyerto, at ang kanilang mga sarili, sa turn, ay tila mga higante sa tabi ng napakaliit na mga harpsichord, na ginawa sa anyo ng mga kahon, casket, mga libro. Ngunit kung minsan ang mga manggagawa ay hindi gumamit ng anumang mga trick, ngunit gumawa lamang ng maliliit na instrumento. Ang kanilang saklaw ay madalas na hindi lalampas sa isa at kalahating octaves. Kung gaano kaliit ang gayong mga instrumento ay maaaring hatulan ng isang kakaibang eksibit na itinatago sa Glinka Museum of Musical Culture. Ito ay isang travel cabinet na may maliliit na drawer, at isang harpsichord ang naka-mount sa ilalim ng mga drawer. Mahaba ang mga kalsada noon, kaya nagpasya ang tusong may-ari ng gabinete na mag-order ng gayong kasangkapan para sa kanyang sarili - at hindi siya kumukuha ng karagdagang espasyo, at pinapayagan siyang kahit papaano ay makatakas mula sa pagkabagot sa kalsada.

At ang malalaking harpsichord, samantala, ay nagsusumikap na maging mas malaki bilang resulta ng patuloy na paghahanap ng mga musical masters. Siguraduhin na ang mga string mula sa iba't ibang Mga Materyal ay nagbibigay ng ibang timbre, at depende rin sa materyal ng mga balahibo, sinubukan ng mga master ng harpsichord na pagsamahin ang lahat ng mga natuklasan sa isang instrumento. Ito ay kung paano lumitaw ang mga harpsichord na may dalawa o tatlong mga keyboard, isa sa itaas ng isa. Ang bawat isa sa kanila ay kinokontrol ang sarili nitong hanay ng mga string. Minsan ang keyboard ay naiwang nag-iisa, ngunit may mga espesyal na lever lumipat ito sa iba't ibang hanay ng mga string. Ang isang set ay maaaring binubuo ng mga string ng ugat, ang isa ay mula sa iisang steel string, ang pangatlo mula sa steel double o triple string. Kaya ang timbre ng harpsichord ay sari-sari.

Ang kasaysayan ay nagpapanatili at nagdala sa atin ng impormasyon tungkol sa mga natatanging instrumento. Ang Italyano na kompositor at music theorist na si N. Vicentano ay nagdisenyo ng isang harpsichord na may anim na keyboard!

Isang kawili-wiling instrumento ang ginawa ng mga craftsmen ng Amsterdam. Para bang i-counterbalance ang mga alitan sa pagitan ng mga tagasuporta ng clavichord at harpsichord, kinuha nila at pinagsama ang dalawang instrumentong ito sa isang katawan. Sa kanan ay ang clavichord keyboard, sa kaliwa - ang harpsichord. Ang isang musikero ay maaaring kahalili ng parehong mga instrumento sa kanyang pagsasanay, ngunit posible na umupo nang magkasama at tumugtog ng duet sa harpsichord at clavichord. (Mamaya, ang harpsichord at piano ay pinagsama sa isang instrumento sa parehong paraan).

Ngunit gaano man kahirap sinubukan ng mga masters, hindi nila mapagtagumpayan ang pangunahing disbentaha ng harpsichord - ang monotonous na tunog nito sa mga tuntunin ng lakas ng tunog. Ang lakas ng tunog ay hindi nakasalalay sa enerhiya kung saan hinampas ng musikero ang susi gamit ang kanyang daliri, ngunit sa pagkalastiko ng balahibo na kumukuha ng string. Ang mga bihasang musikero ay maaaring maging mas malakas o mas tahimik ng kaunti, ngunit para sa pagganap ng maraming mga gawa tulad ng isang maliit na pagkakaiba sa lakas ng tunog ay hindi na sapat.

Nakagapos din ang mga kompositor. Sa mga tala ng mga musikal na piyesa na inilaan para sa harpsichord, hindi nila maaaring ipahiwatig ang "fortissimo", iyon ay, "napakalakas", dahil alam nila na ang harpsichord ay hindi maaaring tunog nang mas malakas kaysa sa ilang karaniwang antas. Hindi nila maaaring ipahiwatig ang "piano" at higit pa sa "pianissimo", iyon ay, "tahimik" at "napakatahimik", dahil alam nila na ang instrumento na ito ay hindi rin kaya ng gayong mga nuances. Ang mga harpsichord na may dalawa at tatlong keyboard at mga hanay ng mga string ay ginawa upang ang mga hanay na ito ay naiiba hindi lamang sa timbre, kundi pati na rin sa lakas ng tunog. Maaaring iba-iba ng musikero ang lakas ng tunog, ngunit hindi na ito sapat. Dalawang magkaibang musikal na pangungusap ang maaaring patugtugin sa magkaibang volume, ngunit sa loob ng pangungusap ay pare-pareho ang lakas ng mga tunog.

Ang ideya ng isang bagong instrumento ay paggawa ng serbesa, na magpapanatili ng lahat ng mga birtud ng harpsichord, o sa halip, ang keyboard player sa pangkalahatan, ngunit bilang karagdagan ay magiging mas masunurin sa masigla o malambot na paggalaw ng mga daliri ng musikero. Sa madaling salita, parehong ang forte at ang piano ay maaaring tumunog bilang nababaluktot ayon sa gusto nila. Nakapagtataka ba na ang bagong instrumento, na naglalaman ng pangunahing ideyang ito, ay nagsimulang tawaging piano?

Gayunpaman, dapat itong sabihin kaagad na ang gawain, na binuo ng mga lumang masters, ay hindi pa ganap na nalutas. Oo, ipinanganak ang isang bagong manlalaro ng keyboard, ngunit ito ay isa pang instrumento, sa timbre kung saan walang natira sa alinman sa clavichord o harpsichord. Isang tool kung saan kailangan mong masanay muli.