Ang Labanan ng Anghiari ay isang hindi natapos na gawain ni Leonardo da Vinci. Mga painting ni leonardo da vinci Nawala ang fresco ni leonardo da vinci

Sa Italya, natuklasan ng mga siyentipiko ang isang lihim na nakatago sa pinakakapansin-pansing lugar sa loob ng halos 500 taon. Ang fresco ni Leonardo da Vinci ay itinuturing na nawasak, ngunit sa lahat ng mga siglo ito ay matatagpuan sa gitna ng Florence, sa isa sa mga pinakatanyag na palasyo.

Para sa mga kritiko ng sining, ang mga resulta ng isang pag-aaral ng isang grupo ng mga siyentipiko na pinamumunuan ng dalubhasang si Maurizio Seracini ay naging isang tunay na pandamdam. Hanggang ngayon, pinaniniwalaan na ang fresco ni Leonardo da Vinci na "The Battle of Anghiari" ay hindi na mababawi.

Ito ay nilikha sa pinakadulo simula ng ika-16 na siglo at pinalamutian ang dingding ng isa sa mga pinakatanyag na gusali sa Florence - Palazzo Vecchio sa loob lamang ng halos 60 taon. Ayon sa mga makasaysayang dokumento, noong 1563, sa panahon ng muling pagtatayo ng palasyo, siya ay inilibing sa ilalim ng isang fresco ng isa pang master - Giorgio Vasari - "Ang Labanan ng Marciano".

Si Maurizio Seracini, na nakatuon sa kanyang sarili sa pag-aaral ng gawain ng dakilang kababayan, ay halos ang tanging hindi naniniwala sa malungkot na kapalaran ng paglikha ni Leonardo. Iminungkahi ng siyentipiko na si Giorgio Vasari, na humanga sa fresco ni da Vinci sa kanyang mga talaarawan, ay hindi maaaring sirain ito sa kanyang sariling kamay. Upang mapanatili ang orihinal, paunang tinakpan niya ito ng isang uri ng huwad na pader, kung saan nakalatag na ang sarili niyang eksena sa labanan.

Kinumpirma ng mga kamakailang pag-aaral ng acoustic na mayroong agwat na hindi hihigit sa 3 milimetro sa pagitan ng Vasari fresco at ng pangunahing pader. Ang mga eksperto na pinamumunuan ni Maurizio Seracini, gamit ang isang espesyal na probe, ay tumagos sa natuklasang lukab at kumuha ng mga sample ng mga materyales. Kinumpirma ng mga resulta ng pagsusuri ang pinakamaligaw na pag-asa.

"Sa mga sample, nakakita kami ng mga kemikal, kabilang ang itim na pigment, na ginamit lamang sa mga gawa ni Leonardo da Vinci. At hindi ito maaaring nagkataon lamang," sabi ng kritiko ng sining na si Maurizio Seracini.

Nakatutuwang pansinin ang isa pang pangyayari na binigyang pansin ng mga eksperto sa kanilang pag-aaral. Sa fresco ni Vasari, mababasa mo ang isang halos hindi mahahalata na parirala, isinalin: "Hanapin at makakatagpo ka", o sa modernong paraan "Siya na naghahanap ay palaging makakahanap. Posible na sa ganitong paraan nais ng artist na magpahiwatig sa mga inapo. ng kung ano ang nakatago sa ilalim ng kanyang gawain.

Sa malapit na hinaharap, ang mga siyentipiko at kritiko ng sining ay dapat magpasya kung ano ang gagawin sa bagong nakuha na obra maestra ng henyo na si da Vinci.

"Plano naming maingat na alisin muna ang mga bahagi ng Battle of Marciano Vasari fresco, ang mga naibalik nang ilang beses. ," sabi ni Mayor ng Florence Matteo Renzi.

Sa pamamagitan ng paraan, ang pader sa tapat ng isa kung saan ang da Vinci fresco ay orihinal na dapat na pininturahan ng isa pang henyo ng Renaissance - Michelangelo. Gayunpaman, hindi niya napagtanto ang kanyang plano.

"Labanan ng Anghiari"

Narito ang isinulat ni Adolfo Venturi tungkol sa pambihirang pirasong ito, na kinailangang gumanap ni Leonardo para sa Council Chamber ng Palasyo ng Signoria:

“Ginamit ni Leonardo ang imahe ng nagngangalit na mga elemento upang ipahayag ang poot na humahawak sa mga taong nahaluan sa isang matinding labanan. Ang pagpipinta ay isang kakila-kilabot na grupo ng mga tao na nagsasama-sama tulad ng bula ng isang alon; sa gitna - isang pangkat ng mga kabayo, na parang itinapon ng isang kakila-kilabot na pagsabog. Ang mga tao at mga kabayo ay sinakop ng mga kombulsyon, baluktot, magkakaugnay, tulad ng mga ahas, magkakaugnay, na parang nasa isang mabangis na labanan ng mga elemento, sa isang baliw na labanan ...

Ang imaheng ito ng isang bagyo ay sinusundan ng iba pang mga larawan - mga kabayong tumatakbo nang mabilis, nagpapalaki, tumatalon, nakakagat sa bit, isang batang mandirigma na mabilis na tumatakbo sa isang kabayong pandigma, na parang nagmamadaling lumipad, isang mangangabayo na naligaw sa ulap ng alikabok na itinaas ng isang ipoipo na bugso ng hangin ... "

... Ngunit bumalik tayo sa mga katotohanan. Ang kontrata, na nilagdaan noong Mayo 4, 1504, sa presensya ni Machiavelli, ay nagbigay ng paunang bayad na 35 florin kay Leonardo, na pagkatapos ay ibabawas mula sa mga royalty. Bawat buwan ay tumatanggap siya ng 15 gintong florin para sa mga gastusin sa pagpapatakbo, na tinutupad ang obligasyon na tapusin ang gawain nang hindi lalampas sa katapusan ng Pebrero 1505. Kung, sa tinukoy na petsa, hindi bababa sa nagsisimula siyang gumuhit ng isang larawan sa dingding, kung gayon ang kontrata ay maaaring pahabain. At pagkatapos ay babayaran siya para sa lahat ng mga gastos.

Si Leonardo ay hindi pa nakatanggap ng ganoong kalaking order. Noong Oktubre 18, muling nagpatala siya sa korporasyon ng mga pintor ng Florentine - patunay ng kanyang intensyon na manirahan sa Florence! Nanalo si Machiavelli.

Humingi si Leonardo ng silid para sa kanyang sarili at sa kanyang buong koponan. Noong Oktubre 24, natanggap niya ang mga susi ng Papal Hall ng Santa Maria Novella Convent at ang mga kadugtong na silid. Bilang karagdagan sa bagong pagawaan at ilang tirahan, nakatanggap din si Leonardo ng isang maluwag na silid kung saan maaari niyang mahinahon na ihanda ang karton - isang uri ng karagdagang pagawaan para sa pribadong paggamit.

Nagsimula na ang mahabang panahon ng paghahanda, na pinatunayan ng maraming mga dokumento, mga resibo na nagpapatunay sa mga pagbabayad na ginawa sa kahilingan ng kanyang mga empleyado at mga supplier, pati na rin ang isang malaking bilang ng mga paunang guhit. Nang makumpleto ang mga karton, sayang, hindi niya masimulan ang pangunahing gawain. Ang Papal Hall ay nasa napakahirap na kalagayan, at ang bubong at mga bintana ay nangangailangan ng agarang pagkukumpuni. Ang tubig-ulan ay direktang bumagsak sa silid. Noong Disyembre 16, nagpasya ang Signoria na ayusin ang bubong upang makapagtrabaho si Leonardo. Ang lahat ng ito ay tumagal ng napakatagal. Sa pagkakataong ito, gayunpaman, ang pagkaantala ay hindi kasalanan ni Leonardo. Noong Pebrero 28 lamang natanggap ang mga materyales na kinakailangan para sa pag-aayos ng mga bintana at pintuan, pati na rin para sa pagtatayo ng mga malalaking mobile scaffold, sa tulong kung saan posible na maabot ang anumang bahagi ng dingding.

Ang scaffolding ay itinayo, siyempre, ayon sa mga guhit ni Leonardo mismo. Ang mga ito ay kailangang-kailangan, dahil sa laki ng nakaplanong fresco na "Labanan ng Anghiari". Kinakailangan na ipinta ang ibabaw ng dingding na 18.80x8 metro.

Ang tagapagpatong ng ladrilyo na nagsagawa ng pagsasaayos ay gumawa ng daanan sa dingding na naghihiwalay sa Papal Hall mula sa malawak na katabing silid, na personal na inookupahan ni Leonardo. Ngayon ay malaya na siyang nakakalipat mula sa isang silid patungo sa isa pa.

Upang makuha ang kinakailangang impormasyon tungkol sa Labanan ng Anghiari, bumaling si Leonardo kay Machiavelli, na bumuo ng isang buong epiko lalo na para sa kanya. Ang resulta ay isang nakakatakot na kuwento tungkol sa isang lubhang madugong labanan, sa gitna kung saan si Saint Peter mismo ang lumitaw! Napakalayo ng makasaysayang katotohanan sa naisip ni Machiavelli. Sa katunayan, sa Anghiari, isang tao lamang ang namatay, at isa pa ang nahulog mula sa isang kabayo. Sa isang salita, ang kaganapan ay walang kadakilaan. Hindi ito tumutugma sa mga ideya tungkol sa digmaan na ipapahayag ni Leonardo sa kanyang fresco. Ang kanyang mga sketch sa mga notebook ay nagpapatotoo dito.

Si Leonardo ay nagsimulang lumikha ng karton, kung saan inilarawan niya ang hitsura ng isang hayop na tinatawag na isang tao, na kinuha ng kanyang pinakamabangis na pagnanasa - ang pagpuksa sa kanyang sariling uri. Ipinakita niya ang mga kalupitan na ito nang buong kalupitan. Ngunit ang tao ay ipinahayag sa ulo ng kabayo, na ang tingin ay naghahatid ng lahat ng kakila-kilabot ng kamatayan. Bilang karagdagan sa kanyang napiling pananaw ng mga katawan na nakasalansan sa ibabaw ng isa pa, nakatuon siya sa mga tipikal na detalye na nagbibigay ng higit na kalayaan at dynamism sa kanyang mga karakter. Ang masining na pagkakagawa ng komposisyon ay gumagawa ng isang marilag na impresyon. Siya ay natutuwa, nabigla, namamangha. At kumusta ang mga kasabayan ni Leonardo? Nauunawaan kaya nila sa lahat ng ito ang kakila-kilabot na akusasyon ng digmaan laban sa kanila? Ano ang mahalaga, sa huli ... Ang pangunahing bagay ay ang matapang na paglikha ni Leonardo ay nagdala ng tagumpay sa lumikha nito. Siya ay palaging may lasa para sa panganib - sa kanyang pagsusulat at sa buhay. Isang birtuoso na master ng pagpipinta, tinatrato niya ang labanan nang may kahanga-hangang kadalian, ngunit sa parehong oras na may mabangis na simbuyo ng damdamin.

Ang kanyang maraming mga card, na kinakailangan upang lumikha ng tulad ng isang kumplikadong komposisyon, ay kumakatawan sa iba't ibang mga grupo ng mga tao at mga kabayo intermingled sa bawat isa. Sa gitna - dalawang mangangabayo na umaatake sa dalawang kalaban; ang kanilang mga baluktot na katawan ay hindi mapaghihiwalay. Nasa ibaba ang mga disfigured na katawan ng ibang tao. Nahulog na sila, patay na. Nakakabigla ang nanginginig na pagngiwi nitong mga hubad na katawan. Si Leonardo ay may ugali na unang ilarawan ang kanyang mga karakter na ganap na hubo't hubad, at sa pinakadulo lamang ng trabaho ay bihisan sila ng angkop na damit, na naniniwalang ito ang tanging paraan upang makamit ang pinakamalaking posibilidad. Sa isa pang karton ay isang ilog, sa tulay kung saan nagaganap ang isa pang labanan. Nang ilarawan ang isang pangkat ng mga mangangabayo, ganap na ipinakita ni Leonardo ang kanyang husay bilang isang pintor ng hayop, na nakuha niya sa Milan: ang mga kabayong ipininta niya ay umaangat, tumatakbo nang mabilis, nakahiga sa lupa, kumagat at lumalaban tulad ng mga tao. Ang mga taon ng trabaho sa "The Big Horse" ay nagbunga, na pinagkalooban ang pintor ng kakayahan sa sukdulang katumpakan at pagiging totoo ng imahe. Ang mga tao at mga kabayo sa kanilang mga disfigured features ay naghahatid ng lahat ng bangis ng mundo. Ang imahe ay malupit, ngunit sa parehong oras kahanga-hanga.

Tulad ng nangyari kay "St. Anne" sa Church of the Annunciation, ang mga card na ito ay pumukaw ng malaking interes. Sa pagkakataong ito ay inalok din si Leonardo na ilagay ang mga karton sa pampublikong display, na nagbukas ng mga pinto ng Papal Hall para sa lahat ng gustong makita ang kanyang "Labanan ng Anghiari". At muli ang mga Florentine, mga kaibigan, mga karibal ay umabot ... Salamat sa katotohanan na nakita ng mga artista ang sikat na "Labanan", mayroon kaming ilang ideya tungkol dito. Raphael, Andrea del Sarto, Sodoma (ang pseudonym ng artist na si Giovanni Bazzi), Lorenzo di Credi - lahat ay muling ginawa ang kanilang nakita. Maging si Rubens ay gumawa ng kopya ng sentral na grupo nang maglaon. Sinong nangopya lang ng "The Battle of Anghiari" bago ito mawala, naging biktima ng paninibugho ni Vasari!

Kahit na ang hindi makapaniwala at madamdamin na si Michelangelo ay lihim na kinopya ang ilang mga fragment ... Nang maglaon ay madalas niyang ginagamit ang mga ito sa kanyang mga komposisyon na may mga kabayo - pagpapalaki, tumatakbo nang mabilis.

Bagaman kakaunti ang natatanggap ni Leonardo, kilala siya ng buong mundo, at lahat ay may sariling opinyon tungkol sa kanya. Siya ay tunay na sikat, kahit na ang kanyang katanyagan ay hindi nakikinabang sa kanya. Ngunit sa sandaling iyon kailangan niya ng pera higit pa sa malawak na pagkilala. Nangangahulugan ito na kailangan nating tapusin ang trabaho sa lalong madaling panahon, at ito ay palaging isang problema para kay Leonardo ... Ang pangunahing kahirapan sa pagpipinta ng fresco ay para sa kanya na magtrabaho "nang walang muling pagsusulat," bukod pa rito, sa napakalaking espasyo. !

Bago magpatuloy sa paglipat ng imahe mula sa karton patungo sa dingding, tinakpan ito ni Leonardo ng isang bagong layer ng plaster upang gawin itong walang kamali-mali at makinis. Nagpasya siyang gamitin ang "rebolusyonaryo" na pamamaraan ng pagpipinta, na dati niyang sinubukan sa mga bahagi ng dingding at sa maliliit na panel. Ang resulta ay nasiyahan sa kanya. Inabandona niya ang pamamaraan ng pagpipinta ng fresco, mula sa paglalagay ng mga pintura hanggang sa hindi pa rin natuyong plaster. Sa halip, nagpasya siyang gumamit ng encaustic technique, na itinaguyod ni Pliny the Elder. Walang nahanap na mas bago si Leonardo! Ang pamamaraan na ito ay katulad ng paglalapat ng tempera sa drywall. Hindi nakalimutan ni Leonardo ang malungkot na sinapit ng kanyang "Huling Hapunan" sa Milan. Wala na siyang balak na makipagsapalaran pa. Gusto niyang manatiling forever ang sinulat niya sa pader na ito. Gayunpaman, kapag lumilikha ng tulad ng isang malakihan at mapanghamong gawa, hindi ba mas mabuting gumamit ng pamamaraan ng "pagpinta"? Si Botticelli mismo, na nakikita ang malungkot na kapalaran ng bagong gawain ni Leonardo, ay sinubukan siyang hikayatin na gumamit ng isang mas simpleng pamamaraan, ngunit nanatili siyang matigas. Sa hindi kapani-paniwalang sigasig ng mga mahuhusay na imbentor, nagsimula siyang magtrabaho.

Matagumpay na umunlad ang gawaing paghahanda hanggang sa nakamamatay na araw na iyon, na tinawag ni Leonardo na araw ng sakuna at ang petsa kung saan tumpak niyang ipinahiwatig sa kanyang mga kuwaderno: "Noong Biyernes, Hunyo 6, nang tumunog ang kampana sa loob ng labintatlong oras, sinimulan kong ipinta ang bulwagan sa palasyo. Gayunpaman, sa mismong sandali nang ilalapat ko na ang unang brush stroke, ang panahon ay naging masama, at ang alarm bell ay tumunog na hudyat para sa lahat na bumalik sa kanilang mga tahanan. Napunit ang karton, nabasag ang dating pitsel ng tubig, at nabasa ng tubig ang karton. Masama ang panahon, umulan na parang balde, at nagpatuloy ang buhos ng ulan hanggang gabi; madilim na, parang gabi na. Ang karton ay natanggal ... ”Kinailangan itong itaas ni Leonardo sa lugar, na dati nang naibalik ito sa orihinal nitong anyo. Siya ay matigas ang ulo na nagpatuloy sa trabaho, kasama ang paraan ng pag-eksperimento sa mga pintura, pagbubuo ng mga bagong mixture, pagpili ng mga bagong uri ng langis at waks, pagbubuo ng mga bagong uri ng plaster. Dahil ang mga unang resulta ay labis na nakakabigo sa kanya, kailangan niyang, itapon ang ideya ng bato laban sa kanya, subukan ang iba pa. Hindi niya nais na umatras, sa kabaligtaran, masigasig niyang nais na makamit ang tagumpay, upang malampasan ang lahat ng mga hadlang ...

Narito ang sinabi ni Vasari tungkol dito: "Si Leonardo, na tinalikuran ang tempera technique, ay naging langis, na kanyang nilinis sa tulong ng isang distillation apparatus. Tiyak na dahil ginamit niya ang pamamaraan ng pagpipinta na ito, halos lahat ng kanyang mga fresco ay nakahiwalay sa dingding, kabilang ang "The Battle of Lnghiari" at "The Last Supper". Bumagsak sila dahil sa ginamit niyang plaster. Hindi rin siya nag-imbak ng mga materyales, gumugol ng anim na raang libra ng dyipsum at siyamnapung litro ng rosin, gayundin ang labing-isang litro ng langis ng linseed ... "Ngayon ay masasabi natin nang may kumpiyansa na ito ay tiyak na sumusunod sa mga rekomendasyon na ibinawas mula kay Pliny the Elder na nagdulot ng ang pagkasira ng parehong sikat na likha ni Leonardo ...

Ang masidhing kagalakan ng malungkot na passive na pagtalikod na tumatagos sa mga pintura ni Botticelli at Perugino, Borgognone at Francia, kasama ang karagdagang pag-unlad ng Italian Renaissance ay nagsimulang magbigay daan sa optimismo ng kagalakan at kabataan. Si Leonardo da Vinci ay ang pintor na nagtagumpay sa mga dekadenteng mood ng panahong iyon, nagsimula ng isang bagong panahon ng Italian humanism at, pagkatapos ng panahon ng kalungkutan at pagtalikod, ibinalik sa tao ang kanyang karapatan sa kasiyahan, sa senswal na kasiyahan sa buhay. .

Sinimulan ni Leonardo ang kanyang aktibidad noong dekada ikapitumpu ng ika-15 siglo. Umalis sa workshop Verrocchio, tinanggap siya bilang isang independiyenteng master sa Florentine guild ng mga artista. Ayon kay Vasari, nag-imbento siya ng isang espesyal na uri ng mandolin sa Florence, ang hugis at tunog nito ay labis na nagustuhan ng sikat na Florentine duke. Lorenzo the Magnificent, na diumano ay nag-udyok sa kanya na dalhin ito mula sa kanyang, Lorenzo, na pinangalanan sa Duke ng Milan na si Ludovico Moro mula sa dinastiyang Sforza. Ngunit sa isang liham na nakaligtas hanggang sa ating panahon, na isinulat sa kanyang sariling kamay ni Leonardo sa Duke ng Ludovico, ito ay, gayunpaman, higit pa tungkol sa mga serbisyong maibibigay niya bilang isang inhinyero ng militar. Noong 1484, lumipat si Leonardo mula sa Florence patungong Milan. Siya ay nanirahan doon hanggang 1499.

"Ang pinakamahusay na magagawa ng isang may talento," minsan ay isinulat ni Leonardo, "ay ang ipasa sa iba ang mga bunga ng kanyang talento." Kaya, sa kanyang inisyatiba, ang Duke ng Academy ay itinatag ni Leonardo da Vinci. Sa Milan siya ay nagbigay ng mga lektura at, marahil, marami sa kanyang mga manuskrito na dumating sa amin ay walang iba kundi mga tala sa panayam.

Kasabay nito, nagtrabaho siya sa lahat ng larangan ng sining: pinangangasiwaan ang pagpapalakas ng kuta ng Milan, nagtayo ng isang pavilion at isang paliguan para sa duchess sa parke ng palasyo. Bilang isang iskultor, nagtrabaho si Leonardo da Vinci sa isang monumento para kay Francesco, ang dakilang tagapagtatag ng dinastiyang Sforza, na pinakasalan ang anak na babae ng huling kinatawan ng nakaraang naghaharing pamilya ng Milan, ang Visconti. Kasabay nito, nagpinta siya ng mga larawan ng lahat ng mga mistresses ng duke. Pagkatapos ng kanyang trabaho bilang isang pintor ng magagandang makasalanan, nagpunta si Leonardo sa Dominican church ng Santa Maria delle Grazie, kung saan isinulat niya ang The Last Supper, na natapos noong 1497.

Sa panahong ito, nagsimula ang alitan sa Milan, na humantong sa katotohanan na ang duchy ay napunta sa Pranses. Umalis si Leonardo sa lungsod. Nagsimula para sa kanya ang isang panahon ng hindi mapakali na paglalagalag. Una, gumugol siya ng ilang oras sa Mantua kasama si Isabella D'Este. Noong tagsibol ng 1500, pumunta siya sa Venice. Pagkatapos ay nakita namin siya sa serbisyo ni Cesare Borgia bilang isang inhinyero ng militar, na nagpapatibay sa mga lungsod ng Romagna para sa kanya. Siya ay konektado rin kasama si Caesar noon, nang siya ay muling tumira sa Florence (1502 - 1506). Pagkatapos ay bumisita sa Milan, gayundin sa Roma at Parma, noong 1515 ay tinanggap niya ang alok ng haring Pranses na si Francis I na lumipat sa France, na may taunang suweldo ng 700 thaler (15 thousand rubles). rubles kasama ang aming pera.) Ang kanyang tinitirhan ay ang lungsod ng Amboise, ang paboritong tirahan ng batang hari. Sinamahan siya ng kanyang estudyanteng si Francesco Melzi at tumira kasama niya sa Villa Clos, sa tabi ng palasyo, sa pinakadulo ng lungsod.

Sinabi ni Melzi sa kanyang pamilya sa Florence ang tungkol sa kanyang pagkamatay: "Lahat ay nagdadalamhati kasama ko sa pagkamatay ng isang napakalaking tao na ang kalikasan ay walang lakas na lumikha ng isa pang katulad niya."

Ano ang ibig niyang sabihin sa mundo bilang isang artista? Upang masagot ang tanong na ito, kinakailangang isaalang-alang ang mga kuwadro na gawa ni Leonardo da Vinci at subukang maunawaan para sa iyong sarili kung ano ang nilalaman ng mga ito bago sa kahulugan ng mga damdamin, mga anyo at mga kulay.

Mga painting ng kabataan ni Leonardo da Vinci

Ang panimulang punto ay dapat na ang pagpipinta ni Verrocchio, na naglalarawan sa bautismo ni Kristo, na matatagpuan sa Florentine Academy. Iniulat ni Vasari na ang brush ni Leonardo sa painting na ito ay pagmamay-ari ng nakaluhod na anghel sa kanan, hawak ang damit ng Tagapagligtas. Kung ito ay gayon, pagkatapos ay natagpuan ni Leonardo sa simula pa lamang ang pangunahing tala na umaalingawngaw sa lahat ng kanyang gawain, sapagkat mula na sa pigurang ito ng isang anghel ay nagmumula ang isang kakaibang aroma ng kagandahan at biyaya na katangian ng lahat ng kanyang mga imahe. Kapag lumipat tayo sa susunod na mga pagpipinta ni Leonardo da Vinci, sa "Annunciation", "Resurrection" at "Saint Jerome", kung gayon kinakailangan na bigyang-pansin ang ilan sa kanilang mga pormal na tampok.

Pagbibinyag kay Kristo. Pagpinta ni Verrocchio, ipininta niya kasama ang kanyang mga estudyante. Ang karapatan ng dalawang anghel ay gawa ni Leonardo da Vinci. 1472-1475

Sa pagpipinta na naglalarawan sa Annunciation, ang balabal ni Mary ay natural na itinapon na ito ay bumubuo ng malalawak na tiklop.

Pagpinta ni Leonardo da Vinci "Annunciation", 1472-1475

Sa pagpipinta ni Leonardo da Vinci ng Pagkabuhay na Mag-uli, ang parehong mga kabataang santo, na tumitingin sa panaginip na lubos na kaligayahan sa Nabuhay na Mag-isa, ay inayos upang ang linya ng kanilang mga likod kasama ang pigura ni Kristo ay bumubuo ng isang tamang-anggulong tatsulok. At lumuhod si Saint Jerome at iginagalaw ang kanyang mga kamay upang ang buong silweta ng pigura ay nakikilala hindi sa pamamagitan ng mga tuwid na linya, ngunit sa pamamagitan ng mga kulot na linya.

Ang larawan ni Leonardo ng Ginevra de Benci, sa turn, ay wala sa mapanglaw na nagmumula sa mga ulo ng batang babae ni Botticelli. Ang gayong kakaibang alindog ay kumikinang sa maputlang mukha na ito, at kakaiba ito sa madilim na background ng kakahuyan ng kawayan!

Leonardo da Vinci. Larawan ng Ginevra de Benci, 1474-1478

Ang mga gawaing ito ng kabataan mula sa unang bahagi ng kabataan ng artista ay sinusundan ng mga pagpipinta ni Leonardo da Vinci sa Milan. Ang larawan ng maybahay ng Duke ng Milan na si Cecilia Gallerani ("Lady with an Ermine"), na itinago sa Ambrosiana, ay nagbabalik na may banayad na pagiging sopistikado sa profile na minamahal sa mga araw ng Pisanello, habang ang matamlay, maulap na mga mata at manipis na hubog na mga labi ay puno ng misteryoso, senswal na alindog.

Babaing may ermine (larawan ni Cecilia Gallerani?). Pagpinta ni Leonardo da Vinci, 1483-1490

Pagpinta ni Leonardo da Vinci "Ang Huling Hapunan"

Ang Huling Hapunan ay binibigyang kahulugan sa dalawang paraan bago si Leonardo. Inilarawan ng pintor kung paano nilapitan ni Kristo ang mga disipulo at binibigyan sila ng panauhin, o kung paano sila umupo sa hapag. Sa parehong mga kaso, walang pagkakaisa ng pagkilos.

Sa isang angkop na inspirasyon ng henyo, pinili ni Leonardo ang leitmotif ng mga salita ni Kristo: "Ipagkanulo ako ng isa sa inyo" - at agad nitong nakamit ang pagkakaisa na ito. Sa ngayon, kailangang ipakita kung paano naimpluwensyahan ng mga salita ng Tagapagligtas ang pagpupulong ng labindalawang disipulo. Ang kanilang mga mukha ay sumasalamin sa pagpipinta na "Ang Huling Hapunan" ang lahat ng mga kakulay ng damdamin: galit, pagkasuklam, pagkabalisa, pananalig ng isang malinis na budhi, takot, pagkamausisa, galit. At hindi lang mukha. Ang buong katawan ay sumasalamin sa mental na paggalaw na ito. Ang isa ay bumangon, ang isa ay nakasandal sa galit, ang pangatlo ay nagtaas ng kanyang kamay, na parang gustong magmura, ang ikaapat ay inilagay ito sa kanyang dibdib, tinitiyak na hindi siya iyon ...

Leonardo da Vinci. Ang Huling Hapunan, 1498

Si Leonardo da Vinci ay hindi lamang bago sa konsepto ng tema, kundi pati na rin sa layout. Maging sa Huling Hapunan sa Sant'Ofrio, nahati ang grupo sa magkakahiwalay na bahagi sa diwa ng Gothic. Ang mga figure na tuwid na nakaupo ay tumutugma sa mga tuwid na pilaster na tumataas sa background. Sa The Last Supper ni Leonardo, ang salik na tumutukoy sa komposisyon ay hindi na anggulo, kundi ang bilog. Sa itaas ng bintana sa harap kung saan nakaupo si Kristo, ang arko ng vault ay tumataas, at kapag namamahagi ng mga ulo, iniiwasan ng artista ang dating monotony. Pinagsama-sama ang mga figure sa tatlo, pinipilit ang ilan na tumaas, ang iba ay yumuko, binigyan ni Leonardo da Vinci ang lahat ng hugis ng isang kulot na linya: na parang mula kay Kristo ay nagmumula ang isang kuta ng dagat na may pagtaas at pagbaba ng mga alon.

Kahit na ang lahat ng iba pang mga paksa ng The Last Supper ay pinili nang naaayon mula sa punto ng view na ipinahiwatig. Samantala, tulad ng sa "The Last Supper" Ghirlandaio sa mesa ay payat, matangkad na fiascetti, sa pagpipinta ni Leonardo ay mayroon lamang mga bilog na bagay - lumalawak pababa, mga pitsel, mga plato, mga mangkok at tinapay. Ang bilog ay pumalit sa tuwid, ang malambot - ang angular. Ang mga pintura ay nagsusumikap din para sa lambot. Ang pagpipinta ng fresco ay mahalagang idinisenyo para sa isang pandekorasyon na impresyon. Ang mga simpleng makulay na masa ay pinaghihiwalay ng malalakas na linya. Si Leonardo da Vinci ay masyadong isang pintor upang makuntento sa simple, nakakapuno ng kinang. Nagpinta siya ng mga langis sa dingding upang unti-unting mabuo ang buong larawan at makamit ang mas banayad na mga paglipat. May masamang side na ang mga kulay ng The Last Supper ay maagang kumupas. Gayunpaman, pinapayagan pa rin ng mga lumang ukit na hulaan kung gaano manipis, kulay abong liwanag ang napuno ng espasyo at kung gaano kalambot ang mga indibidwal na pigura sa himpapawid.

Pagpinta ni Leonardo da Vinci "Madonna of the Rocks"

Ang mga coloristic na ideya ni Leonardo ay lumilitaw nang mas malinaw sa pagpipinta na "Madonna of the Rocks". Dito ang lahat ng mga subtleties ng kanyang sining ay pinagsama sa isang buong tunog na chord. Sa natitirang bahagi ng Madonnas ng panahon, ang larawang ito ay tumutukoy sa parehong larawan ng Ginevra de Benci sa Frankfurt na pinuno ng batang babae na si Botticelli. Nangangahulugan ito, sa madaling salita: para sa Perugino, Botticelli at Bellini, ang ebanghelyo ng pagdurusa, ang pagtalikod ng Kristiyano sa mundo, gaano man kaiba ang kanilang mga Madonna sa isa't isa, ay napakahalaga. Nakuha ng isang malungkot-malungkot na kabanalan, tiyak na maglaho sa isang hindi pa nabubulok na usbong, si Madonna ay tumingin sa malayo na may malalaking mata. Walang saya, walang sikat ng araw, walang pag-asa! Ang nanginginig na mga labi ay namumutla, isang pagod-pagluluksa na ngiti ang naglalaro sa kanilang paligid. May kislap din ng misteryo sa mata ng Sanggol na Kristo. Ito ay hindi isang masayahin, tumatawa na bata, ngunit ang Tagapagligtas ng mundo, na sinakop ng isang mapanglaw na pag-iisip.

Leonardo da Vinci. Madonna of the Rocks, 1480-1490s

Ang "Madonna of the Rocks" ni Leonardo da Vinci ay dayuhan sa lahat ng pagiging simbahan. Ang mga mata ni Madonna ay hindi nadidilim ng kalungkutan o malungkot na pananaw. Siya ba talaga ang Ina ng Diyos? Siya ba ay isang naiad, o isang sylph, o nakakabaliw na Lorelei? Sa isang walang hanggan na mas sopistikadong anyo, muling binuhay ni Leonardo sa kanyang pagpipinta ang mga ulo na kilala mula sa "Pagbibinyag" ni Verrocchio, mula sa "Annunciation" ng Uffizi: isang kabataang babae na yumuko patungo sa kanyang anak na may pakiramdam ng hindi maipahayag na kaligayahan, isang anghel tulad ng isang teenager na babae, na sumisilip na may malambot, sensual na tingin mula sa larawan, at dalawang bata, na hindi kahit na mga bata, ngunit amorettes o kerubin.

Pagpinta ni Leonardo da Vinci "St. Anne with Madonna and Child Christ"

Nang muling manirahan si Leonardo sa Florence (1502 - 1506), inatasan siya ni Francesco del Gioconde na magpinta ng larawan ni Mona Lisa, isang magandang babaeng Neapolitan, na pinakasalan niya sa ikatlong pagkakataon. Filipino Lippi ipinagkatiwala sa kanya ang pagpapatupad ng utos na ibinigay sa kanya ng mga servites ng Santa Annunziata upang ipinta ang imahe ni St. Anne, at inanyayahan siya ng konseho na lumahok kasama si Michelangelo sa dekorasyon ng Palazzo Vecchio. Sa dakilang bulwagan ng Signoria, na pinalamutian ngayon ng mga Vasari fresco, inilarawan ni Michelangelo ang eksena ng mga Pisan na kumukuha ng mga sundalong Florentine na lumalangoy sa mga alon ng Arno nang sorpresa, habang si Leonardo da Vinci ay muling ginawa ang labanan na naganap noong 1449 sa pagitan ng mga Florentine. at ang Milanese sa Anghiari, sa pagitan ng Arezzo at Borgo -Sepolcro.

Si Saint Anne kasama ang Madonna at ang Christ Child ay nagpakita ng solusyon - kahit na sa ibang diwa - sa mga problemang katulad ng ginawa ni Leonardo para sa kanyang sarili sa Madonna sa Grotto. Ginawa ng mga nauna ang temang ito sa dalawang paraan. Ilang artista, gaya nina Hans Fries, Sr. Holbein at Girolamo dai Libri, pinaupo nila si Saint Anne sa tabi ng Madonna at inilagay ang sanggol na si Kristo sa pagitan nila. Ang iba, tulad ni Cornelis sa kanyang pagpipinta na itinago sa Berlin, ay inilalarawan si St. Anne sa literal na kahulugan ng salitang "self-third", iyon ay, inilalarawan nila siyang may hawak na maliit na pigura ng Madonna sa kanyang mga tuhod, kung saan nakaupo ang kandungan, sa turn, isang mas maliit na pigura ng Batang Kristo.

Saint Anna kasama ang Madonna at ang Batang Kristo. Pagpinta ni Leonardo da Vinci, c. 1510

Para sa mga pormal na dahilan, pinili ni Leonardo ang lumang motibong ito. Ngunit tulad ng sa "Ang Huling Hapunan" siya ay umalis mula sa mga salita ng Ebanghelyo na "si Juan ay nakahiga sa dibdib ng Tagapagligtas", na nag-udyok sa kanyang mga nauna na ilarawan siya ng halos maliit, kaya hindi siya sumunod sa mga imposibleng sukat ng mga pigura. Inilagay niya ang Madonna, na inilalarawan bilang isang babaeng nasa hustong gulang, sa kandungan ni Saint Anne at pinayuko siya sa Christ Child, na nagnanais na umupo sa isang tupa. Nagbigay ito sa kanya ng pagkakataong lumikha ng magkakaugnay na komposisyon. Ang buong grupo ng pagpipinta na ito ni Leonardo da Vinci ay nagbibigay ng impresyon na inukit ng isang iskultor mula sa isang bloke ng marmol.

Hindi tulad ng kanyang mga nauna, hindi pinansin ni Leonardo ang edad ng mga karakter sa komposisyon ng pagpipinta. Ang lahat ng mga dating artista ay may Saint Anna - alinsunod sa teksto ng Ebanghelyo - isang mabait na lola, kadalasang pamilyar na nakikipaglaro sa kanyang apo. Hindi gusto ni Leonardo ang katandaan. Nag-aalangan siyang ilarawan ang isang lantang katawan, may batik-batik na may mga fold at wrinkles. Mayroon siyang Saint Anna - isang babaeng may kaakit-akit na kagandahan. Naaalala ko ang oda kay Horace: "Oh, isang magandang ina, isang mas magandang anak na babae."

Ang mga uri ng pagpipinta na "Madonna in the grotto" ay naging mas mahiwaga sa pagpipinta na ito ni Leonardo da Vinci, mas katulad ng mga sphinx. Iba rin ang dinala ni Leonardo sa ilaw. Sa Madonna of the Grotto, gumamit siya ng landscape na may mga dolomite upang gawing maputla ang mga mukha at maputlang kamay na kumikislap mula sa banayad na dapit-hapon. Dito, mas mahangin at mas malambot ang mga figure sa background ng nanginginig na liwanag na hangin. Malumanay na nangingibabaw ang mga refractive pink at bluish na kulay. Sa itaas ng kaakit-akit na tanawin, nahuhuli ng tingin sa malayo ang mga umaagos na bundok, nakausli sa kalangitan na parang ulap.

Pagpinta ni Leonardo da Vinci "Labanan ng Anghiari"

Siyempre, ang isa ay maaari lamang mag-isip-isip tungkol sa mga makukulay na problemang iniharap ni Leonardo sa kanyang sarili sa "The Battle of Anghiari". Ang larawan, tulad ng alam mo, ay hindi natapos. Ang tanging ideya nito ay ibinigay sa pamamagitan ng isang pag-aaral na ginawa makalipas ang isang siglo ni Rubens sa karton na napanatili noong panahong iyon at inukit ni Edelinck. Sa kanyang aklat sa pagpipinta, isinulat ni Leonardo nang detalyado ang tungkol sa liwanag na na-refract sa pamamagitan ng usok, alikabok at maulap na kulog. Naturally, halos walang ideya ang kopya ni Rubens tungkol sa mga light effect na ito. Maliban kung maaari tayong bumuo ng ilang ideya ng komposisyon ng larawan mula dito. Muli niyang ipinakita nang may kumpiyansa si Leonardo sa lahat ng maliliit na bagay sa iisang puro ritmo. Nag-aaway ang mga tao at mga kabayo. Ang lahat ay gusot sa isang ligaw na gusot. At sa kabila nito, ang kamangha-manghang pagkakaisa ay naghahari sa ligaw na kaguluhan. Ang buong larawan ay may mga balangkas ng kalahating bilog, na ang tuktok ay nabuo sa pamamagitan ng pagtawid sa unahan ng mga paa ng mga kabayong umaangat sa kanilang mga hulihan na binti.

Leonardo da Vinci. Labanan ng Anghiari, 1503-1505 (detalye)

Leonardo da Vinci "Pagsamba sa Magi"

Eksakto sa parehong kaugnayan kung saan ang pagpipinta ng labanan na ito ni Leonardo ay sa mga naunang gawa Uccello at Piero della Franceschi, mayroong "Adoration of the Magi" sa mga katulad na painting nina Gentile da Fabriano at Gozzoli. Ang mga artistang ito ay nagbigay sa komposisyon ng anyo ng isang frieze. Si Maria ay nakaupo sa isang dulo ng larawan, at mula sa kabilang panig ay lumapit sa kanya ang mga haring-magi kasama ang kanilang mga kasama.

Leonardo da Vinci. Pagsamba sa mga Mago, 1481-1482

Binago ni Leonardo ang komposisyong ito, sa diwa ng mga profile ng bas-relief, sa isang pangkat na pinag-isa ng pagkakaisa. Sa gitna ng larawan ay si Mary, na inilalarawan hindi mula sa gilid, ngunit mula sa harap. Ang kanyang ulo ay bumubuo sa tuktok ng isang pyramid, ang mga balakang nito ay ang nakayukong likod ng mga Magi na sumasamba sa Sanggol. Pinapalambot ng iba pang figure ang nakapirming symmetry na ito sa pamamagitan ng mapanlikha, kulot na paglalaro ng magkatugma at magkasalungat na linya. Ang dramatikong buhay na puno ng pagkakaisa, na hinihinga ng buong entablado, ay nakikilala sa pamamagitan ng parehong bagong bagay tulad ng komposisyon na puno ng pagkakaisa. Sa mga naunang pagpipinta, maliban sa sumasamba sa Magi, isang walang malasakit na "presensya" ang ipinakita. Nasa Leonardo ang lahat na puno ng paggalaw. Ang lahat ng mga karakter sa kanyang "Adoration of the Magi" ay nakikibahagi sa kaganapan, nagsisiksikan sa harap, nagtatanong, nagtataka, nakalabas ang kanilang mga ulo, nagtaas ng kanilang mga kamay.

Pagpinta ni Leonardo da Vinci "Mona Lisa" ("La Gioconda")

Kinukumpleto ng "Mona Lisa" ang lahat ng mga adhikain ni Leonardo da Vinci sa larangan ng portraiture. Tulad ng alam mo, ang Italian portraitist ay nabuo mula sa isang medalya. Ipinapaliwanag nito ang malupit na profile ng mga babaeng portrait ng mga artist gaya nina Pisanello, Domenico Veneziano, at Piero della Francesca. Ang mga contour ay plastik na inukit. Ang mga larawan ay kailangang makilala sa pamamagitan ng tigas, metallicity ng magagandang medalya. Sa panahon ng Botticelli, ang mga matigas na nakabalangkas na mga ulo ay binibigyang-buhay ng isang dampi ng panaginip na pag-iisip. Ngunit ito ay elegiac na biyaya. Bagama't ang mga kababaihan ay nakadamit ng magagandang modernong damit, humihinga sila ng isang bagay na monastic, mahiyain at mahiyain mula sa kanilang mga ulo. Ang mga manipis, maputlang mukha ay naliliwanagan ng eklesiastikal na kalagayan, ang mystical na kagandahan ng Middle Ages.

Leonardo da Vinci. Mona Lisa (La Gioconda), tinatayang. 1503-1505

Binigyan na ni Leonardo ang larawan ni Ginevra de Benci ng malademonyong alindog, at sa The Lady with the Ermine ay umawit siya ng himno ng mapang-akit na biyaya. Sa "Mona Lisa" siya ngayon ay lumilikha ng isang gawa na umaakit at nagpapasigla sa espiritu, tulad ng isang walang hanggang misteryo. Ito ay hindi na pinahiga niya ang kanyang mga kamay sa baywang na may malawak na kilos at sa gayon ay binibigyan ang gawaing ito ng hugis ng isang piramide, at hindi na ang lugar ng mahigpit na nakabalangkas na mga contour ay kinuha ng isang malambot na kalahating ilaw na nagtatago sa lahat ng mga paglipat. Ang lalong nakakabighani ng manonood sa painting na ito ni Leonardo da Vinci ay ang malademonyong kagandahan ng ngiti ni Gioconda. Daan-daang makata at manunulat ang sumulat tungkol sa babaeng ito, na ngayon ay tila nakangiti nang mapang-akit sa iyo, ngayon ay parang malamig at walang kaluluwang nakatingin sa malayo; gayunpaman, walang nahulaan ang ngiti ng Mona Lisa, walang nagpaliwanag sa kanyang mga iniisip. Ang lahat ay mahiwaga, maging ang tanawin, ang lahat ay nahuhulog sa isang dumadagundong na kapaligiran ng nakaka-suffocating na kahalayan.

Pagpinta ni Leonardo da Vinci "John the Baptist"

Malamang, sa mga huling taon ng pananatili ni Leonardo da Vinci sa Milan, nilikha din ang "John the Baptist" na itinatago sa Louvre. Gaano karaming bagong bagay ang nararamdaman sa larawang ito, lalo na kapag naaalala mo ang mga naunang larawan ng santong ito. Sa buong siglo XV. Si Juan Bautista ay inilarawan bilang isang ligaw na ermitanyo, nakasuot ng balat ng kamelyo at kumakain ng mga balang. Tapos panatiko din siya tulad mo Rogier van der Weyden at sa Cossa, pagkatapos ay isang maamo contemplator, tulad ng sa Memling... Ngunit palagi siyang nananatiling ermitanyo. Ano ang ginagawa ni Leonardo da Vinci?

Leonardo da Vinci. Juan Bautista, 1513-1516

Laban sa misteryosong madilim na background ng grotto, ang kumikinang na katawan ng isang batang diyos ay namumukod-tangi, na may maputlang mukha at halos babaeng dibdib ... Totoo, hawak niya ang kanyang kanang kamay tulad ng Forerunner ng Panginoon (praecursor domini), ngunit sa kanyang ulo siya ay may isang korona ng mga baging ng ubas, at sa kabilang banda ay nakapatong si Thyrsus sa kamay. Mula sa evangelical hermit na si John the Baptist, na kumain ng mga balang, ginawa ni Leonardo si Bacchus Dionysus, ang batang Apollo; na may nakakatakot na ngiti sa kanyang mga labi, ipinatong ang kanyang malalambot na mga binti sa isa't isa, si Juan Bautista ay tumingin sa amin nang may kapana-panabik na tingin.

Mga tampok ng artistikong istilo ni Leonardo

Ang mga guhit ni Leonardo da Vinci ay umaakma sa kanyang mga ipininta. Bilang isang pintor, wala rin siyang kinalaman sa mga primitives. Ang huli ay limitado sa matutulis, matutulis na mga linya, na binabalangkas ang lahat tulad ng isang palamuti. Walang linya si Leonardo, puro porma lang. Halos hindi napapansin, halos hindi napapansing mga transition. Ang nilalaman ng kanyang mga guhit ay lubhang magkakaibang. Nag-aral siya ng drapery lalo na sa buong buhay niya. Kinakailangan na magsikap para sa antigong pagiging simple, pinapayuhan niya ang mga artista. Ang kasalukuyang mga linya ay dapat pumalit sa mga putol na linya sa mga larawan. Sa katunayan, mahirap ilarawan ang kagandahan ng mga linear melodies na ito ni Leonardo da Vinci, ang mga tiklop na ito ay bumabagsak, nagbabanggaan, nahihiyang yumuko at muling tahimik na bumubulong.

Interesado rin si Leonardo sa pagguhit ng buhok. Si Ghirlandaio ay gumuhit ng hindi masamang buhok sa kanyang mga larawan ng mga batang babae, na kumukulot sa manipis na mga liko ng ahas malapit sa mga templo. Para kay Leonardo da Vinci, ang buhok ng kababaihan ay pinagmumulan ng hindi mauubos na inspirasyon. Walang pagod niyang iginuhit kung paano sila kumukulot sa malambot na mga linya sa paligid ng noo o pumipitik at umindayog. Pinagtuunan din niya ng pansin ang kanyang mga kamay. Kanina, pumasok sa lugar na ito sina Verrocchio, Crivelli at Botticelli. Nagbigay sila ng matikas na biyaya sa mga kilos ng kamay, pininturahan ang mga daliri na nakayuko tulad ng mga sanga ng isang puno. Ngunit sa mga kuwadro lamang ni Leonardo da Vinci, ang kamay, na dating payat at matigas, ay nakakatanggap ng isang mainit, sensually vibrating na buhay. Sa parehong paraan, niluwalhati niya ang kaalaman ng isang espesyalista na walang karibal sa lugar na ito, ang alindog ng luntiang, magandang nakabalangkas na mga labi at ang alindog ng banayad na mga balikat.

Ang kahalagahan ni Leonardo da Vinci sa kasaysayan ng sining ng Italyano

Sa buod, maaari nating tukuyin ang kahulugan ng mga pintura ni Leonardo da Vinci sa kasaysayan ng sining ng Italyano sa sumusunod na paraan.

Sa lugar ng komposisyon, pinapalitan ni Leonardo ang isang angular na linya ng isang kulot na linya. Sa madaling salita, sa mga kuwadro ng kanyang mga nauna sa Italya, ang lahat ng mga pigura ay mahaba at payat. Kung ang ilang mga figure ay konektado sa isang larawan, pagkatapos ito ay nahahati sa mga patayong guhitan, na parang hindi nakikitang mga pilaster ang naghihiwalay sa mga numero. Ang mga braso ay nakabitin sa kahabaan ng katawan, o tumaas nang patayo pataas. Ang mga puno sa background ay walang bilog na tuktok, ngunit tumataas na parang obelisk. Gayundin ang iba pang matalim, manipis, tuwid na pataas o patayo pababang bumabagsak na mga bagay ay dapat na mapahusay ang impresyon ng verticality, na bumubuo ng matalas na tamang mga anggulo sa mga bagay na nakahiga sa lupa, sa panahon ng pagpaparami kung saan ang anumang kulot na linya ay maingat ding iniiwasan.

Ang mga painting ni Leonardo da Vinci, sa kabilang banda, ay pinananatili sa mga kulot na linya. Wala nang kanto. Makakakita ka lang ng mga lupon, segment, at hubog na linya. Ang mga katawan ay kumukuha ng isang bilugan na hugis. Nakatayo o nakaupo sila sa paraang nakakakuha sila ng mga kulot na linya. Si Leonardo ay gumagamit ng eksklusibong bilog na mga bagay, sisidlan, malambot na unan, mga curved jug. Kahit na ang katotohanan na para sa mga portrait ay pinipili niya ang halos eksklusibong isang full-face na pose ay ipinaliwanag ng parehong mga pagsasaalang-alang. Sa mga portrait sa profile, kung alin sa ika-15 siglo. mas gusto, ito ay tungkol sa matalim na nakausli angular na mga linya, habang ang buong mukha ay higit na binibigyang-diin ang malambot, bilugan na hugis ng ulo.

Pinalitan ni Hard si Leonardo ng malambot at sa larangan ng mga pintura. Ang mga naunang artista ng Quattrocento, na nalasing sa kislap at ningning ng mundo, ay ginawa ang lahat ng mga bagay na may maliliwanag, sari-saring kulay. Wala silang pakialam sa shades. Lahat ay kumikinang at kumikinang sa kanila. Ang mga indibidwal na pintura ay inilatag nang magkatabi tulad ng isang mosaic, na nililimitahan ng isang matalim na pattern ng mga linya. Ang rapture na ito na may pagmumuni-muni ng magagandang kulay ay pinalitan sa katapusan ng siglo ng pagnanais para sa pagkakaisa. Ang lahat ay dapat sumunod sa isang buong hanay ng mga tono. Nasa Verrocchio, Perugino at Bellini gumawa ng maraming mahahalagang pagtuklas sa lugar na ito, ngunit si Leonardo lamang ang nakalutas sa problemang kinakaharap ng mga artista. Binigyan niya ang mga kulay ng isang kagandahan, ang posibilidad na hindi pinaghihinalaan ng kanyang mga nauna. Ang lahat ng malupit, sari-saring kulay ay inalis mula sa kanyang mga kuwadro na gawa, hindi siya kailanman gumagamit ng tulong ng ginto, ang mga contour ay pinakinis, ang isang matigas na guhit ay nagbibigay daan sa isang malambot, transparent, nabalisa.

Kaya si Leonardo ang naging tagapagtatag ng istilong "pictorial".

Dumating na ang panahon ng "chiaroscuro".

Si Leonardo da Vinci ay hindi lamang lumikha ng isang bagong pagtuturo sa komposisyon at isang bagong pananaw sa pintura; higit sa lahat, naghinga siya ng bagong kaluluwa sa sining ng panahon. Upang madama ito, kinakailangang alalahanin ang pagtatapos ng ika-15 siglo, ang panahon kung kailan muling binuhay ng monghe na si Savonarola ang diwa ng Middle Ages. Pinalaya ni Leonardo ang sining mula sa pesimismo, mula sa kadiliman, mula sa asetisismo, na pagkatapos ay sumabog dito, ibinalik dito ang kagalakan, ang magaan na kalagayan ng sinaunang mundo. Hindi niya kailanman ipinakita ang pagtalikod at paghihirap. Imposibleng isipin si Leonardo da Vinci bilang ang lumikha ng mga pintura na naglalarawan sa Pagpapako sa Krus, o sa Huling Paghuhukom, sa Pambubugbog sa mga sanggol sa Bethlehem, o sa mga nasentensiyahan sa purgatoryo, o mga pinahirapang martir, na ang mga palakol sa ulo ay nakatusok at may punyal sa kanilang mga paa .

Sa mga pintura ni Leonardo da Vinci, walang lugar para sa Krus at salot, walang lugar para sa langit, impiyerno, dugo, mga sakripisyo, kasalanan, o pagsisisi. Ang kagandahan at kaligayahan ay mula sa mundong ito. Inilarawan ni Botticelli si Venus sa anyo ng isang madre, sa anyo ng isang nagdadalamhati, malungkot na babaeng Kristiyano, na parang naghahanda na pumunta sa isang monasteryo upang magdusa para sa mga kasalanan ng mundo. Ang mga Kristiyanong pigura ng mga kuwadro na gawa ni Leonardo, sa kabilang banda, ay natatakpan ng antigong espiritu. Si Maria ay naging diyosa ng pag-ibig, ang mga mangingisda at maniningil ng buwis ng Bagong Tipan - sa mga pilosopong Griyego, ang ermitanyong si John - sa Bacchus na pinalamutian ng thyrsus.

Isang anak ng malayang pag-ibig, maganda bilang diyos, tanging kagandahan, tanging pag-ibig ang kanyang niluwalhati.

Sinabi nila na si Leonardo da Vinci ay mahilig maglakad sa palengke, bumili ng mga nahuling ibon at palayain ang mga ito.

Sa ganitong paraan, pinalaya din niya ang mga tao mula sa hawla kung saan ikinulong sila ng teoryang monastiko, muling ipinakita sa kanila ang daan mula sa masikip na monasteryo patungo sa malawak na kaharian ng makamundong, senswal na kagalakan.

Sa Florentine Palazzo Vecchio (Señoria Palace), bilang isang resulta ng pangmatagalang pananaliksik, ang mga bakas ng fresco ni Leonardo da Vinci "Labanan ng Anghiari" ay natagpuan, na itinuturing na ganap na nawala. Malamang, ito ay matatagpuan sa kapal ng pader ng Grand Council Hall.

Ang fresco ni Leonardo da Vinci na "Labanan ng Anghiari" ay kilala lamang mula sa mga kopya - pinaniniwalaan na ang pagpipinta ay nagsimulang gumuho mismo sa proseso ng paglikha, hindi nakumpleto at ganap na nawasak 50 taon pagkatapos ng paglikha nito. Si Propesor Maurizio Seracini ay nakikipaglaban sa teoryang ito sa loob ng halos 40 taon, na naniniwala na, una, ang "Labanan ng Anghiari" ay hindi masyadong masama, at pangalawa, hindi ito binaril para bigyang puwang ang gawain ni Giorgio Vasari " Labanan ng Marsciano ”, ngunit nagtago, nagtayo ng bagong pader sa kanyang harapan.

Ayon sa orihinal na disenyo, ang mga dingding ng Grand Council Hall sa Señoria Palace sa Florence ay pinalamutian ng dalawang magagaling na artista noong panahon - sina Leonardo at Michelangelo. Ang parehong mga dakila ay nagpakita ng mga sketch sa konseho, ngunit si Michelangelo ay hindi man lang nagsimulang magtrabaho sa dingding, at si Leonardo ay hindi nagtagumpay. Inilaan niyang takpan ang isang malaking lugar - 6.6x17.4 m - na may isang pagpipinta na naglalarawan ng mga mangangabayo na nakikipagbuno sa isang bola, at noong 1503–1506 ay tila nagsimula siyang magtrabaho sa dingding na may mga pintura na nakabatay sa wax, ngunit ang mga pigment ay nagsimulang kumupas. Nagpatuloy si Leonardo sa pagtatrabaho sa langis, ngunit tumanggi ang primer na tanggapin ang pintura at gumuho. Ito ay pinaniniwalaan na ang mga kopya ng "The Battle of Anghiari" (ang kanilang mga may-akda ay si Raphael, pagkatapos ay isang hindi kilalang artista, batay sa kung saan ang trabaho na si Lorenzo Zacchia ay inukit, at pagkatapos ay si Rubens) ay nilikha hindi mula sa isang fresco, ngunit mula sa isang karton - isang sketch sa buong laki.

Hinahanap ng researcher na si Maurizio Seracini ang tila nawawalang fresco na ito mula pa noong 1975 (sinasabi nila na ang scientist-enthusiast na ito ang nagsilbing prototype para sa isa sa mga character sa Da Vinci Code detective para kay Dan Brown). Ang paghahanap ay nahahadlangan ng katotohanan na ang mga kuwadro na gawa ni Vasari ay nasa dingding pa rin, na napakahalaga rin, at sa anumang kaso ay hindi maaaring masira. Gayunpaman, ang matigas ang ulo na propesor, sa pamamagitan ng pagsusuri sa ultrasound, ay nakakita ng isang puwang sa kapal ng pader at ngayon ay nakakuha ng pahintulot na kumuha ng mga micro sample mula dito. Nagpakita sila ng mga bakas ng itim na pigment ng parehong komposisyon na ginamit upang lumikha ng "La Gioconda". Bilang karagdagan, nakuha ang mga sample ng red varnish at brown pigment, na pinag-aaralan ngayon ng mga siyentipiko. Ayon kay Maurizio Seracini, si Giorgio Vasari, na lubos na gumagalang sa henyo ni Leonardo, ay hindi pinapayagan ang pagkawasak ng fresco at inutusang magtayo ng isang pader sa harap nito, na kanyang pininturahan. Bilang karagdagan, ang propesor ay sigurado na ang fresco ay napanatili nang maayos - at ang mga pagkakataong makita ito ay hindi mawawala para sa amin.

pagpipinta ni Leonardo da Vinci - Labanan ng Anghiari

Ang "Labanan ng Angiari" (Italian Battaglia di Anghiari, minsan din isinasalin bilang "Labanan ng Angiara") ay isang nawalang fresco ni Leonardo da Vinci. Ginawa ito ng artista noong 1503 - 1506. Ang fresco ay inilaan upang palamutihan ang isa sa mga dingding ng Grand Council Hall (Salon Five Hundred) ng Señoria Palace sa Florence. Ang mga kopya ng karton para sa fresco na ito ay napanatili. Ang isa sa mga pinakamahusay na guhit ni Rubens ay nasa koleksyon ng Louvre.

Ang fresco ay inatasan ni Leonardo da Vinci ng gonfalonier na si Soderini upang gunitain ang pagpapanumbalik ng Florentine Republic pagkatapos ng pagpapatalsik kay Piero Medici.

Kasabay ni Leonardo, ang tapat na dingding ng bulwagan ay inatasan ni Soderini upang ipinta si Michelangelo.

Para sa eksena ng labanan, pinili ni da Vinci ang labanan na naganap noong Hunyo 29, 1440 sa pagitan ng mga Florentine at mga tropang Milanese sa ilalim ng utos ng Condottiere Niccolò Piccinino. Sa kabila ng numerical superiority, ang Milanese ay natalo ng isang maliit na detatsment ng Florentine.

Ayon sa plano ng artist, ang fresco ay ang kanyang pinaka-ambisyoso na gawain. Sa laki (6.6 by 17.4 meters), ito ay tatlong beses na mas malaki kaysa sa "Last Supper". Maingat na naghanda si Leonardo para sa paglikha ng mural, pinag-aralan ang paglalarawan ng labanan at binalangkas ang kanyang plano sa isang tala na isinumite kay Senoria. Para sa gawain sa karton, na naganap sa Papal Hall ng Simbahan ng Santa Maria Novella, si Leonardo ay nagdisenyo ng espesyal na plantsa na nakatiklop at nakabukas, nagtataas at nagpapababa ng artist sa kinakailangang taas. Ang gitnang bahagi ng fresco ay inookupahan ng isa sa mga pangunahing sandali ng labanan - ang labanan ng isang pangkat ng mga mangangabayo para sa banner.

Ayon kay Vasari, ang pagguhit ng paghahanda ay kinilala bilang isang bagay:

namumukod-tangi at naisakatuparan nang may mahusay na kasanayan dahil sa pinakakahanga-hangang mga obserbasyon na inilapat niya sa imahe ng tambakan na ito, dahil sa larawang ito ang mga tao ay nagpapakita ng parehong galit, poot at paghihiganti tulad ng mga kabayo, kung saan ang dalawa ay magkakaugnay sa kanilang mga binti sa harap at nakikipaglaban sa kanilang mga ngipin na walang kasing bangis kaysa sa kanilang mga sakay na nakikipaglaban para sa banner ...

Ipinagpatuloy ni Leonardo ang kanyang mga eksperimento sa mga komposisyon ng pintura at panimulang aklat, na sinimulan niya sa paglikha ng The Last Supper. Mayroong iba't ibang mga pagpapalagay tungkol sa mga dahilan para sa pagkawasak ng fresco, na nagsimula na sa proseso ng trabaho. Ayon kay Vasari, nagpinta si Leonardo sa dingding gamit ang mga pintura ng langis, at ang pagpipinta ay nagsimulang magbasa-basa sa proseso. Sinabi ng hindi kilalang biographer ni Da Vinci na gumamit siya ng isang recipe para sa timpla ni Pliny (pagpinta gamit ang mga pintura ng wax sa encaustic technique), ngunit na-misinterpret ito. Sinasabi ng parehong hindi kilalang may-akda na ang dingding ay natuyo nang hindi pantay: sa itaas ay basa ito, habang sa ibaba ay natuyo ito sa ilalim ng impluwensya ng mga brazier ng uling. Si Leonardo ay bumaling sa mga pintura ng waks, ngunit ang ilan sa mga pigment ay biglang sumingaw. Si Leonardo, na sinusubukang itama ang sitwasyon, ay patuloy na nagtatrabaho sa mga pintura ng langis. Sinabi ni Paolo Giovio na hindi tinanggap ng plaster ang formulation ng peanut butter. Dahil sa mga teknikal na paghihirap, ang paggawa sa mismong fresco ay dahan-dahang umusad. Ang mga problemang materyal ay lumitaw: hiniling ng Konseho na magbigay ng tapos na trabaho o ibalik ang perang binayaran. Ang trabaho ni Da Vinci ay naantala ng kanyang imbitasyon sa Milan noong 1506 ng Pranses na gobernador na si Charles d'Amboise. Ang fresco ay naiwang hindi natapos.

Noong 1555-1572, nagpasya ang pamilya Medici na muling itayo ang bulwagan. Isinagawa ang muling pagsasaayos ng Vasari kasama ang mga katulong. Bilang resulta, nawala ang gawa ni Leonardo - ang lugar nito ay kinuha ng fresco ni Vasari na "The Battle of Marciano".