Modular na kuwadro na gawa sa interior. Ang pagpipinta ay isang kumpleto, integral na gawa ng sining Ano ang pagpipinta sa panitikan

bahay / Quarreling

Ang pagiging malikhain ay isang magandang pagkakataon upang ipahayag ang mga damdamin at pasayahin ang iyong sarili. Tinutulungan ng Art ang isang tao na maunawaan ang kanyang sarili at makita ang kagandahan sa mundo sa paligid niya. Hindi mahalaga kung ang isang tao ay may mga espesyal na kakayahan o wala. Ang pangunahing bagay ay ang paggawa ng anumang uri ng sining ay kasiya-siya at ayon sa gusto mo. Maaari itong musika o pagkanta, paglilok o pagpipinta. Ang pagpipinta ay isang tanyag na aktibidad na magagamit ngayon hindi lamang para sa mga propesyonal na artista, kundi pati na rin para sa mga amateurs. Ang anumang pagpipinta ay nagsisimula sa isang pundasyon. Ang Canvas ay isang kahanga-hangang base para sa isang pagpipinta. Ito ay tungkol sa kanya na tatalakayin sa artikulong ito.

Ano ang canvas?

Ang batayan para sa pagpipinta ay maaaring magkakaiba. Higit na nakasalalay sa pamamaraan ng pagsulat, ang mga gawain ng master, ang kanyang masining na hangarin at mga kagustuhan sa mga visual arts. Maaari kang gumuhit sa mga kahoy na board, metal, papel, karton, kongkreto, ladrilyo, baso. Iyon ay, ang pintura ay maaaring mailapat sa halos anumang ibabaw kung nais.

Ang paggamit ng tela bilang batayan sa paglikha ng mga likhang sining ay naisagawa sa napakatagal na panahon. Bumalik noong ika-15 siglo, nagsimulang mag-eksperimento ang mga artista sa tela. Maraming mga tanyag na kuwadro na ipininta sa materyal na ito. Ang Canvas ay isang tela na may iba't ibang mga katangian ng kalidad, tulad ng lakas, pagkakayari, istraktura, timbang, uri ng thread, espesyal na naayos sa isang kahoy na frame. Ang lahat ng mga katangian ay nakasalalay sa uri ng napiling materyal. Halimbawa, ang pagkakayari ng canvas ay maaaring pinong-grained, medium-grained at magaspang-grained, at ang thread ay maaaring natural o synthetic. Ang lakas at istraktura ay nakasalalay sa hibla na kung saan ginawa ang tela.

Mga uri ng canvas

Ang sutla, dyut, lana ay maaaring magamit bilang batayan sa pagpipinta. Pangunahin ang mga likas na tela na gawa sa mga materyales sa halaman: flax, cotton, hemp, jute. Ang pinakatanyag na uri ng canvas sa modernong pagpipinta: linen, koton, synthetics, gilid, pinagsamang canvas. Mayroon ding mga pagpipilian sa abaka at jute. Ang lino ang pinakakaraniwang materyal na canvas. Ang hibla ay sapat na malakas at ang pinaka-lumalaban sa panlabas na impluwensya sa paghahambing sa iba pang mga materyales.

Ang linen na canvas ay may kulay-abo-dilaw na kulay, mahusay na butil ng iba't ibang mga uri, ayon sa kalidad ng mga thread, nahahati ito sa maraming uri. Ang koton ay hindi gaanong matibay kaysa sa linen, madaling sumipsip ng kahalumigmigan, ay medyo marupok, madaling kapitan ng sakit sa frame, may isang maputlang dilaw na kulay. Ang bead ay isang magaspang, malupit na canvas, na mas angkop para sa paggamit ng panteknikal o pang-ekonomiya. Sa parehong oras, ang tela ay marupok, madaling punit. Sa isang larawan na ipininta sa canvas mula sa isang hangganan, ang pintura ay maaaring mabilis na magsimulang mag-crack dahil sa mahinang pag-igting ng mga thread. Gayundin, ang tela na ito ay madalas na may mga depekto sa pabrika sa anyo ng mga buhol at pampalapot ng mga thread. Gayunpaman, ito ay ang sideboard na napakapopular sa mga modernong pintor. Ang canvas na gawa sa mga synthetic polyester thread ay matibay, hindi tumutugon sa mga pagbabago sa panlabas na kapaligiran, at sa pangmatagalang, maliit pa rin itong napag-aralan. Ang uri na ito ay karaniwang ginagamit sa digital na pag-print ng imahe. Ang isang napaka-karaniwang uri ng canvas sa mga amateur ngayon ay isang pinagsama. Binubuo ito ng natural at artipisyal na mga hibla. Ang mga pagpipilian sa jute at abaka ay may mababang mga katangian sa pagpapatakbo, gayunpaman, aktibo rin silang ginagamit.

Mga pakinabang ng canvas

Ang mga pakinabang ng paggamit ng canvas ay pangunahing sa kadalian ng paghawak, lalo na sa panahon ng mga eksibisyon. Ang tela ay madaling paikutin, madaling transportasyon, tumatagal ng kaunting puwang, at hindi gaanong nabago sa panahon ng transportasyon. Ang pagkakayari ng canvas ay mahalaga din. Dahil sa natural na hindi pantay ng ibabaw, ang mga kuwadro ay nakakakuha ng karagdagang mga pang-artistikong katangian na nagpapahusay sa epekto ng aesthetic. Ito ay isang pag-play ng ilaw at anino, isang pagbabago sa mga shade ng kulay.

Ang pagpipinta sa canvas ay malinaw at malalim.

dehado

Ang pangunahing kawalan ng canvas ay ang malakas na pagkamaramdamin sa mga negatibong impluwensya sa kapaligiran. Sensitibo ito sa kahalumigmigan at mga pagbabago sa temperatura ng hangin. Madali itong mapinsala nang wala sa loob: i-cut o hindi sinasadya na matusok ito. Ang ilang mga uri ng canvas canvas ay madaling na-deform. Ang mga pintura sa canvas ay maaaring maging hindi pantay at magsimulang dumaloy, na maaaring mawalan ng pag-asa sa likhang sining. Sa paglipas ng panahon, dahil sa pagpapapangit, ang mga pintura ay maaaring pumutok. Alam ng kasaysayan ang maraming mga kaso ng pagkawala ng mga kahanga-hangang pinta para sa mismong kadahilanang ito. Dahil sa likas na hina ng base ng tela, marami sa mga obra sa mundo ang itinatago sa mga museyo sa ilalim ng mga espesyal na kundisyon sa mga saradong kahon ng salamin.

Mga tampok ng pagpipinta sa canvas

Ang pagkakayari ng canvas ay nagbibigay ng mahusay na pagdirikit ng pintura sa ibabaw. Gayunpaman, upang makakuha ng isang mahusay na resulta, kinakailangan na kumuha ng isang responsableng diskarte sa paghahanda ng tela para magamit. Una, kailangan mong pumili ng tamang pagkakayari batay sa mga layunin na itinakda ng artist. Ang pagpili ng butil ng canvas ay depende sa pamamaraan ng pagsulat: malaki, daluyan o maliit.

Ito ay mahalaga sapagkat ang hindi pagkakapare-pareho ng pagiging butil sa paraan ng pagsulat ay maaaring gawing kumplikado sa proseso ng pagsulat at hahantong sa mabilis na kasunod na pagtanda ng pagpipinta. Pangalawa, ang canvas ay dapat na primed at pinalakas sa isang stretcher. Kung balak mong pintura sa canvas na may langis, mas mabuti na mas gusto ang isang magaspang na butil; para sa mga watercolor o iba pang mga likidong pintura, inirerekumenda ng mga may karanasan sa brush na gumamit ng isang pinong canvas.

Ang isang bilang ng mga kinakailangan ay ipinapataw sa isang artistikong canvas. Dapat itong i-unbleach. Ang mga ahente sa pagpapaputi, na ginagamit bago maghanda ng mga tela para sa pang-industriya na pagtitina, ay naglalaman ng iba't ibang mga sangkap na kemikal na negatibong nakakaapekto sa lakas ng tela. Ang ibabaw ng canvas ay dapat ding maging patag, nang walang mga putol ng thread, buhol at iba pang mga depekto. Ang habi ay dapat na masikip, ang mga thread ay dapat na may parehong kapal at pag-igting. Kapag pumipili ng tela, dapat mong maingat na biswal na suriin ang hitsura nito.

Pagpipinta ayon sa mga numero

Sa loob ng mahabang panahon, ang pagpipinta ay ang marami sa mga piling tao. Una sa lahat, kailangan mong magkaroon ng talento o kakayahan para sa masining na pagsulat. Pagkatapos ay kailangan mong mag-aral ng mahabang panahon, magsanay, masira ang higit sa isang canvas, bago makamit ang isang resulta. Sa kasamaang palad, ngayon para sa sinumang nais na mayroong isang mahusay na pagkakataon na pintura nang walang paghahanda at makakuha pa rin ng mahusay na mga resulta. Sa mga espesyal na tindahan para sa pagkamalikhain, maaari kang bumili ng isang hanay ng "Pagpipinta ayon sa mga numero" (kasama sa canvas).

Ang pamamaraan ng pagtatrabaho sa tulad ng isang hanay ay malinaw, simple at naa-access. Ang araling ito ay magiging kawili-wili para sa parehong mga may sapat na gulang at bata. Naglalaman ang hanay ng lahat ng kailangan mo: mga pintura, canvas, brushes. Sa nakahanda na canvas, ang mga hangganan ng mga detalye ng pagguhit ay minarkahan ng mga numero. Ang mga pintura ay hindi kailangang espesyal na maghalo o ihalo. Handa na silang dumiretso. Isang numero - isang kulay ng pintura. Kasunod sa mga tagubilin, kailangan mong pintura ang kaukulang lugar ng imahe nang sunud-sunod. Ang nasabing trabaho ay nangangailangan ng pangangalaga, kaya para sa isang panimula, maaari kang pumili ng isang canvas na may isang simpleng pattern na may malalaking elemento. Sa pamamagitan ng angkop na sipag at kawastuhan, tiyak na makakakuha ka ng isang nakamamanghang gawain ng sining, na hindi kahiya-hiya na mag-hang sa dingding ng iyong bahay o ibigay sa mga kaibigan.

Digital Canvas

Pinapayagan ng mga makabagong teknolohiya ngayon na lumikha ng mga likhang sining sa iba't ibang paraan. Ang isa sa mga makabagong diskarte ay ang digital na pagpi-print ng canvas.

Para sa mga layuning ito, ginagamit ang isang gawa ng tao o pinagsamang tela, na may mataas na mga katangian ng lakas. Karaniwan, ginagamit ang digital na pag-print upang makabuo ng de-kalidad na mga kopya ng mga tanyag na kuwadro na gawa at litrato. Ang imahe ay inilapat gamit ang solvent, latex o ultraviolet na pag-print.

Stylized na larawan

Ang isa pang modernong diskarte sa pag-print sa digital na naging isang hiwalay na lugar ng kontemporaryong sining ay ang paglikha ng isang inilarawan sa istilo ng larawan sa canvas mula sa pagkuha ng litrato. Ang pagpipinta na ito ay naging isang tanyag na regalo sa kasalukuyan. Ang kumbinasyon ng mataas na teknolohiya at tradisyonal na canvas ay nagbibigay-daan sa iyo upang makakuha ng isang larawan na hindi gaanong kaiba mula sa isang gawa ng tao. Sa parehong oras, ang pamamaraan ng pagpapatupad at istilo ay maaaring magkakaiba: mula sa grunge at pop art hanggang sa mga cartoon at magagandang larawan. Ang pangunahing salita dito ay nangangahulugan na ang pinaka-ordinaryong potograpiya ay nabago sa tulong ng teknolohiyang ito sa isang gawa ng napapanahong sining.

Ang paggawa ng canvas sa bahay ay madali

Ang mga propesyonal na canvases ay medyo mahal. Samakatuwid, na may ilang kasanayan, ang isang amateur na artista ay nakagawa ng isang canvas para sa pagpipinta gamit ang kanyang sariling mga kamay. Upang magawa ito, kakailanganin mong gumawa ng isang kahoy na frame, mag-inat ng tela (mas mabuti ang linen) sa ibabaw nito, at ayusin ito. Pagkatapos ay prime at, pagkatapos maghintay para sa canvas na ganap na matuyo, magpatuloy sa trabaho. May isa pang maliit na lihim. Bago simulang ilapat ang panimulang aklat sa base, dapat itong sakop ng dalawang layer ng gulaman, sunod-sunod. Iba't ibang at detalyadong mga tagubilin para sa paggawa ng canvas sa bahay, na nai-publish sa naaangkop na mga mapagkukunang pampakay, pinapayagan kang magbigay sa iyong sarili ng materyal para sa tamang bilang ng mga kuwadro na gawa sa halos anumang oras.

Ang isang de-kalidad at wastong napiling canvas ay ang susi sa matagumpay at kapanapanabik na trabaho, mahusay na mga resulta at mahusay na kalagayan.

Sanay na tayong makita sa mga kuwadro ng museo na ipininta sa iba't ibang kulay: tempera, langis, mga watercolor. Ngunit gaano kadalas natin naiisip kung paano sila lumitaw, at sino ang kanilang tagalikha? Sa kauna-unahang pagkakataon, isang primitive na tao ang gumamit ng pintura, na talagang ginamit ng luwad. Pagkatapos, nagsimula siyang paghaluin ang luad, karbon at iba pang natural na mga tina sa taba, na maaaring maituring na unang tunay na pintura. Libu-libong taon ang lumipas bago ang hitsura ng pintura, kung saan sinimulang gamitin ng mga artista saanman.

Temperatura ng itlog

Ang itlog tempera ay naging tulad ng isang pintura. Lalo na itong naging tanyag sa panahon ng Renaissance, nang ang mga dakilang master tulad nina Raphael, Leonardo da Vinci at Michelangelo ay nagtrabaho kasama nito. Ang Tempera ay binubuo ng egg yolk, tubig at dry pigment. Noong mga panahong iyon, pinilit ang mga artista na gumawa ng kanilang sariling mga pintura. Inilapag nila ang luad, nagtatanim ng mga mineral, berry at kahit na mga insekto sa isang masarap na pulbos, pagkatapos ay halo-halong tubig at itlog ng itlog. Kinakailangan ng Tempera ng mga espesyal na kasanayan mula sa mga artista. Ang matubig na pulang pula na ito ay mabilis na natuyo. Pinilit nito ang mga manggagawa na magtrabaho sa napakataas na bilis upang mapanatili ang pagkakaisa ng pagguhit.

Mga pintura ng langis

Ang pagpipinta ay binago noong ika-15 siglo sa pamamagitan ng pag-imbento ng mga pintura ng langis ni Jan van Eyck, na gumamit ng langis na linseed bilang isang panali sa halip na karaniwang karaniwang itlog ng itlog. Mahigpit na nagsasalita, sila ay kilala bago ang ating panahon. Kinumpirma ito matapos masira ang mga estatwa ng Bamiyan Buddha, ang natitirang pinturang natagpuan. Alam na ang mga sinaunang pintor ay gumamit din ng mga langis ng halaman para sa mga makukulay na komposisyon. Ang iba't ibang mga pakikitungo noong ika-8 hanggang ika-12 siglo ay nagsasalita ng paggamit ng langis ng linseed. Gayunpaman, walang materyal na katibayan ang nakaligtas. Ang mga pintura ng langis ay nakahihigit kaysa sa egg tempera sa maraming paraan. Una sa lahat, ang mga artista ay naakit ng kanyang pagiging plastic. Ang mga pintura ng langis ay madaling ihalo upang lumikha ng ganap na mga bagong kulay. Ang mga pintura ay inilapat sa manipis na mga layer. Ang pamamaraan na ito ay pinakamahusay na nakapagpahiwatig ng kalawakan, dami at lalim ng kulay.

Watercolor

Sa kabila ng katotohanang ang hitsura nito ay maiugnay sa ika-2 siglo AD, nakakuha ito ng malawak na katanyagan lamang sa pagsisimula ng 18-19th siglo. Naglalaman ito ng makinis na pigment ng lupa at madaling malulusaw sa tubig na mga adhesive ng gulay. Ang pinturang ito ay pinahiran ng tubig at inilapat sa papel. Ang pagiging tiyak ng pamamaraan ng watercolor ay nakasalalay sa transparency nito. Ang mga watercolor ay lumilikha ng magaan, pinong mga kuwadro na gawa, na parang pinuno ng hangin. Ngunit may isang nahuli: imposibleng gawing muli ang isang guhit o magsulat ng isang layer, halimbawa sa pagpipinta ng langis, halimbawa. Kapag ang higit sa dalawa o tatlong mga kulay ay halo-halong, ang pintura ay nawawala ang ningning at kadalisayan, at kapag ang layer ng pintura ay hugasan, ang papel ay deformed, na hahantong sa hitsura ng dumi.

Dahil sa mga malalayong oras na iyon, ang mga pintura ay nilikha sa batayan ng natural na mga sangkap: mga langis ng halaman, resin ng kahoy at natural na mga tina. Ngunit noong unang bahagi ng ika-20 siglo, ang mga chemist na nagtatrabaho para sa mga pangunahing tagagawa ng pintura ay nagsimulang lumikha ng mga bagong formula ng pintura. Noong ika-20 siglo nagsimula ang kasaysayan ng mga pintura na makikita sa mga tindahan ngayon. Marami sa mga ito ay naglalaman ng mga sangkap na gawa ng tao, ngunit hindi sa anumang paraan mas mababa kaysa sa natural na mga.

Ang pagpipinta ng langis ay palaging hindi isang murang libangan. Ang isang mahusay na medium-size na canvas sa isang tindahan ay nagkakahalaga ng disenteng pera, halos 1000 rubles, napakaraming mga baguhan na artista, upang kahit papaano makatipid ng pera, gawin silang mag-isa.

Upang makagawa ng isang canvas, kailangan namin ang mga sumusunod na tool at materyales:

Tapos na mga kahoy na slats na may isang seksyon ng 20 * 50 mm. o 15 * 40 mm., o tuyo na 50 * 100 mm. board para sa paggawa ng sarili ng mga slats.
Circular saw (opsyonal).
Isang piraso ng playwud o fiberboard para sa mga sulok.
Tela ng canvas (mas mabuti na linen).
Pandikit na kahoy (PVA o iba pa.)
Panimulang aklat para sa canvas.
Food grade gelatin.
Malawak na brush, lagari sa kahoy, parisukat o kahon ng miter, stapler para sa mga staples na may staples o maliit na mga kuko, gunting.

Mayroong maraming mga pagpipilian para sa paggawa ng isang klasikong nakaunat na canvas para sa pagpipinta, gawin natin ang pinakasimpleng mga pagpipilian, lalo, nang walang mga wedge ng pag-igting. Ang aming canvas ay hindi magiging malaki sa sukat na 600 * 400 mm, kaya hindi kinakailangan ang mga wedges ng pag-igting, kung gumawa ka ng mas malalaking canvases, kakailanganin ang wedges.

Paggawa ng riles.

Kung may mga handa nang slats, pagkatapos ay maaari kang magpatuloy sa pangalawang punto, at para sa independiyenteng paggawa ng mga slats, kakailanganin mo ng isang pabilog na lagari at pinatuyong kahoy, ipinapayong gumamit ng lumang kahoy na nakahiga para sa marami taon. Ang mga makapal na board, beam na nakahiga sa loob ng dosenang taon sa isang malaglag o nakasalansan sa ilalim ng isang malaglag ay akma na angkop, mayroon silang isang luma, hindi magandang tingnan na hitsura, ngunit ang loob ay malapit at napakahirap. Ang pangunahing bagay ay suriin na ito ay hindi bulok, na may itim.

Sa isang pabilog na lagari, matunaw ang workpiece sa mga bar ng nais na laki, ilalabas ang magandang panloob na bahagi.

Paggawa ng frame.

Ang Reiki ay dapat mapili nang walang mga buhol, makinis, na may isang minimum na nilalaman ng dagta.

Gamit ang miter box device, nakita namin ang mga slats sa isang anggulo ng 45 degree. at ang haba na kinakailangan para sa mga gilid ng frame, binabawasan ang haba ng bawat riles ng 2-3 mm, upang kapag kumokonekta ito ay hindi lalampas sa mga pasilyo ng laki na kailangan namin.

Pinahiran namin ang mga nagresultang slats sa mga sulok na may pandikit at ikonekta ang mga ito sa isang rektanggulo, itakda ang mga sulok sa 90 g. at mga diagonal, naayos nang mahigpit sa mga clamp.

Nag-drill kami ng mga butas para sa mga apreta ng apreta, higpitan ang mga sulok, alisin ang nakausli na pandikit.

Pinutol namin ang mga pangkabit na sulok mula sa fiberboard o manipis na playwud, ang mga sukat ng mga binti ay 10-12 cm.

Pinoproseso namin ang mga gilid gamit ang papel de liha.

Naglalapat kami ng pandikit sa mga contact point.

Pinadikit namin ang mga sulok sa mga sulok ng frame.

Punch ang stasis na may staples.

Iwanan ang natapos na frame upang matuyo sa lilim ng 24 na oras.

Kinabukasan ay pinoproseso namin ito sa isang eroplano at papel de liha.

Ang mga humihigpit na turnilyo ay maaaring alisin o ang nakausli na ulo ay maaaring gilingin at takpan ng pandikit o pintura sa itaas upang ang kalawang ay hindi lumabas sa paglipas ng panahon.

Ang frame ay ganap na handa para sa pag-inat ng canvas.

Kahabaan ng canvas.

Ang linen ay itinuturing na isang mahusay na materyal para sa canvas, ngayon ay hindi madaling makahanap ng magandang linen, at ang presyo nito ay kumagat. Kaya para sa akin ang pinakamahusay na pagpipilian ay ang bumili ng tela sa isang online na tindahan mula sa Tsina, isang hiwa na may sukat na 140 * 100 cm para sa $ 9 na may paghahatid (). Ayon sa ideya, dapat itong sapat para sa apat na 3-4 na mga canvase.

Naglalagay kami ng isang frame sa hiwa.

Sinusukat namin ang indentation ng 6-8 cm para sa liko.

Markahan ang mga linya ng paggupit at gupitin ang kinakailangang piraso ng tela.

Maghanda tayo ng isang stapler na may mga staples na 8-10 mm ang haba. Sinisimula namin ang kahabaan mula sa gitna ng mga kabaligtaran. Pantay pantay at shoot.

Minus manipis na tela, sa panahon ng isang malakas na kahabaan maaari itong punit!

Nakarating kami sa mga sulok, pinagsama ang mga ito gamit ang isang sobre o anumang mas mahusay mong gawin at kunan ang mga ito.

Sinusuri namin ang pantay ng pag-igting, kung kinakailangan, maaari mong alisin ang maraming mga staples gamit ang isang distornilyador at iwasto ang pag-igting.

Canvas gluing at priming.

Para sa pagdikit ng tela ng canvas, sa bahay, gumagamit sila ng ordinaryong nakakain na gelatin, kailangan namin ng tungkol sa 8-10 gramo.

Ibabad ang gelatin (alinsunod sa mga tagubilin sa pack) sa malamig na tubig sa loob ng 1 oras, pagkatapos ay dahan-dahang painitin ito sa apoy, pipigilan ito mula sa pagkasunog at pagkulo, hanggang sa tuluyan itong matunaw.

Cool kami sa estado ng jellied karne.

Mag-apply sa tela at kuskusin ng isang kutsara o kutsilyo sa mga hibla, alisin ang labis na pabalik sa plato.

Iniwan namin ang canvas sa kalahating araw upang magsinungaling, tuyo.

Giniling namin ang ibabaw gamit ang papel de liha, hindi mahirap, alisin lamang ang mga iregularidad.

Ngayon ay pinainit namin ang natitirang gelatin sa 40-50 gr. at sa isang malawak na brush binubuksan namin ang lahat sa isang pangalawang layer.

Pagkatapos ay muli ang pagpapatayo, sanding at isa pang layer ng gulaman.

Matapos matuyo ang pangatlong layer, nagpapatuloy kami sa paglalapat ng panimulang aklat, mas mahusay na gamitin ito sa isang binili.

Ang panimulang aklat ay inilalapat tulad ng dati puting pintura, na may isang malawak na brush.

Pagkatapos ng pagpapatayo, ang canvas ay ganap na handa para sa pagkamalikhain.

Pagpipinta- isang gawa ng pagpipinta na may isang kumpletong tauhan (taliwas sa isang sketch at pag-aaral) at malayang artistikong halaga. Binubuo ng isang base (canvas, kahoy o metal board, karton, papel, bato, seda, atbp.), Isang panimulang aklat at isang layer ng pintura. Ang pagpipinta ay isa sa mga uri ng sining ng kuda. Ang mga kuwadro na gawa ay may iba't ibang mga genre. Lumilikha ng isang larawan, ang artist ay umaasa sa kalikasan, ngunit sa prosesong ito, ang malikhaing imahinasyon ay may mahalagang papel. Ang pagtatapos ng ika-19 na siglo sa buong Europa ay minarkahan ng isang bago, pabago-bagong pagtingin sa mundo. Ang isang artist ng paglipas ng siglo ay kailangang sumulat sa isang patuloy na nagbabago ng buhay: hindi gaanong upang maipakita ang mundo sa paligid niya (ginagawa ito ngayon ng potograpiya at sinehan), ngunit upang maipahayag sa isang pagpipinta ang kanyang sariling katangian, ang kanyang panloob mundo, ang kanyang sariling paningin. Ang taas ng sining ay nakamit sa mga kuwadro na gawa ng mga natitirang pintor. Sa magkakaibang mga alon ng modernismo, ang balangkas ay nawala at ang paglalarawan ay inabandona, sa gayon ang konsepto ng isang larawan ay makabuluhang binago. Ang ilang mga artista na kabilang sa iba't ibang mga paaralan ng pagpipinta ay lumayo mula sa imahe ng mundo (mga tao, hayop, kalikasan) tulad ng nakikita natin ito. Sa kanilang mga kuwadro na gawa, ang mundo ay lilitaw na deformed, kung minsan ganap na hindi makilala, para sa mga artist ay ginagabayan ng higit sa kanilang imahinasyon kaysa sa visual na pang-unawa ng mga phenomena sa paligid natin.

Sa pagpapaunlad ng pagpipinta, ang pagpipinta ay may mahalagang papel.

Ang isang pagpaparami ay maaari ding tawaging isang pagpipinta, kung sa naaangkop na konteksto hindi mahalaga kung ito ay isang kopya o isang orihinal na gawa.

Ang pagpipinta sa isang matalinhaga o mas pangkalahatang kahulugan ay anumang kumpleto, integral na gawain ng sining, kasama ang isang malinaw at malinaw na paglalarawan, pasalita o nakasulat, ng isang uri ng kalikasan.

Ang pagpipinta ay ang sining ng isang eroplano at isang pananaw, kung saan ang puwang at dami ay umiiral lamang sa ilusyon. Salamat sa pagiging kumplikado ng mga visual na paraan, ang pagpipinta ay maaaring lumikha sa isang eroplano tulad ng isang lalim ng ilusyon space at multidimensionality ng artistikong katotohanan, na kung saan ay lampas sa kontrol ng iba pang mga pamamaraan ng paglalarawan. Ang bawat pagpipinta ay gumaganap ng dalawang mga pag-andar - graphic at nagpapahiwatig at pandekorasyon. Ang wika ng pintor ay lubos na nauunawaan lamang sa mga may kamalayan sa pandekorasyon at ritwal na pag-andar ng eroplano ng larawan.

Sa pang-unawa na pang-unawa, ang lahat ng mga pag-andar ng pagpipinta (parehong pandekorasyon, planar, at graphic, spatial) ay dapat na lumahok nang sabay-sabay. Upang wastong mapagtanto at maunawaan ang isang larawan ay nangangahulugang sabay, hindi mawari, upang makita ang ibabaw, at ang lalim, at ang pattern, at ang ritmo, at ang imahe.

Ang pang-unawa na pang-unawa ng isang pagpipinta ay lubos na nakikinabang kapag ito ay nakapaloob sa isang naaangkop na frame na naghihiwalay sa pagpipinta mula sa nakapalibot na mundo. Ang oriental na uri ng pagpipinta ay pinapanatili ang tradisyunal na anyo ng isang libreng-nakasabit na nakabukas na scroll (pahalang o patayo). Ang pagpipinta, taliwas sa napakalaking pagpipinta, ay hindi mahigpit na nauugnay sa isang tukoy na interior. Maaari itong alisin mula sa dingding at isabit sa ibang paraan.

Ang lalim ng ilusyon na puwang ng mga kuwadro na gawa

Inilarawan ni Propesor Richard Gregory ang "kakaibang mga katangian ng mga kuwadro na gawa": "Ang mga kuwadro ay isang natatanging klase ng mga bagay dahil sabay silang nakikita ng kanilang sarili at bilang isang bagay na ganap na naiiba kaysa sa isang sheet lamang ng papel kung saan sila pininturahan. Ang mga larawan ay kabalintunaan. Walang bagay na maaaring nasa dalawang lugar nang sabay; walang bagay na maaaring parehong two-dimensional at three-dimensional sa parehong oras. Ganito kami nakakakita ng mga larawan. Ang pagpipinta ay may isang tiyak na sukat, at sa parehong oras, ipinapakita nito ang totoong laki ng mukha ng isang tao, gusali o barko. Ang mga larawan ay imposible na mga bagay.

Ang kakayahan ng isang tao na tumugon sa mga wala, haka-haka na sitwasyon na ipinakita sa mga kuwadro na gawa ay isang mahalagang yugto sa pagbuo ng abstract na pag-iisip. "

Paano nilikha ang mga kuwadro na gawa

Ang pagpipinta ay ang mundo ng espiritu ng artist, ang kanyang mga karanasan at damdaming ipinahiwatig sa canvas o papel. Mahirap ipaliwanag kung paano nilikha ang mga kuwadro na gawa - mas mahusay na makita ito mismo. Imposibleng ihatid sa mga salita kung paano pininturahan ng artist ang canvas, kung anong brush ang hinahawakan niya sa canvas, kung anong mga kulay ang pipiliin niya. Sa panahon ng trabaho, ang lahat ay nagiging isang buo: ang artist, ang brush at ang canvas. At pagkatapos ng unang stroke ng brush, ang espesyal na mahika ng pagpipinta ay nagsisimulang gumana sa pagawaan.

Ang mga larawan ay hindi lamang isang pininturahan na canvas, nakakaapekto ang mga ito sa damdamin at saloobin, mag-iwan ng marka sa kaluluwa, gumising mga forebodings.

Paano nilikha ang pagpipinta?

Tila, may mga pintura, brushes, sa canvas. Maaaring may isa pang unibersal na sagot: magkakaiba.

Ang mga pamamaraan ng pagpipinta ay patuloy na nagbago sa buong kasaysayan ng sining. Ang mga artista ng Italyano na Renaissance ay nagtrabaho sa isang ganap na naiibang paraan kaysa sa Rembrandt o ang "maliit na Dutchmen" ng ika-17 siglo, mga romantiko - naiiba kaysa sa mga impresyonista, abstractionista, kapanahong makatotohanang artista. Oo, at sa loob ng balangkas ng isang panahon at kahit isang direksyon, mahahanap mo ang isang mahusay na pagkakaiba-iba.

Ang mga makatotohanang artista ng nakaraan at kasalukuyan (kung naiintindihan natin ang pagiging totoo sa malawak na kahulugan ng salita) ay pinag-isa ng mga sumusunod:

Ang paglikha ng isang ganap na gawa, sa kasong ito ang isang larawan, larawan o tanawin, ay imposible nang walang malalim na pag-aaral ng buhay, isang aktibong pag-uugali dito mula sa may-akda. Ang mga paraan ng artistikong kaalaman sa buhay ay gawain mula sa kalikasan, mga visual impression, pagsusuri at pagbubuo ng mga phenomena ng buhay.

Ang paglikha ng isang pagpipinta ay isang kumplikado, matrabahong proseso ng malikhaing, ang mga resulta nito ay natutukoy hindi sa oras na ginugol, ngunit sa sukat ng talento, kasanayan, lakas at pagiging epektibo ng artist ng orihinal na imahinasyong solusyon. Ang pinakamahalagang milestones ng prosesong ito ay ang pinagmulan at pagkakakonkreto ng konsepto, direktang pagmamasid, sketch, sketch mula sa kalikasan, ang aktwal na pagpipinta ng isang larawan na may tiyak na malikhain, aktibong pagproseso ng materyal sa buhay.

At kapag sa isang museo o sa isang eksibisyon ang manonood ay lumapit sa isang pagpipinta, pagkatapos bago gumawa ng kanyang sariling paghuhusga tungkol dito, dapat niyang tandaan na laging may isang buhay na tao sa likod nito, isang artista na naglagay sa trabaho ng isang piraso ng kanyang buhay , puso, nerbiyos, talento at kasanayan. Maaari nating sabihin na ang pagpipinta ay pangarap ng isang artista na natupad.

G. S. OSTROVSKY

Pagkumpleto ng larawan

Sa buhay, maraming nangyayari nang hindi sinasadya - sa isang larawan ay maaaring walang mga nasabing aksidente, sa loob nito lahat ay dapat nakumpleto, lohikal. Sa anong punto ang pagpipinta ay itinuturing na kumpleto?

Ang virtuoso pasty na nakalarawan ni Rembrandt na brushstroke, na labis na pinahahalagahan sa paglaon at sa ating panahon, ay nagdulot lamang ng pagkalito sa mga kapanahon ni Rembrandt at nagbigay ng panunuya at talas sa kanyang gastos. Pagtutol sa kanyang mga kritiko, hinamon ni Rembrandt ang kawastuhan ng kanilang pag-unawa sa pagkakumpleto ng isang pagpipinta, tinututulan sila ng kanyang pagkaunawa tungkol dito, na binuo niya sa ganitong paraan: ang isang larawan ay dapat isaalang-alang na kumpleto nang sinabi ng artist ang lahat ng gusto niya rito. Upang hindi marinig ang nakakainis na mga katanungan tungkol sa "kawalang-kumpleto" ng kanyang mga kuwadro na gawa, tumigil si Rembrandt na payagan ang mga walang muwang na bisita sa kanyang pagawaan na tumingin ng labis na pag-usisa sa bravura stroke ng kanyang pagpipinta na may labis na pag-usisa, na kinatakutan sila na hindi sila dapat lumapit. sa mga kuwadro na gawa, dahil ang pagsinghot ng kanilang pintura ay hindi malusog.

Matisse tungkol sa kanyang pagpipinta:

"Sinusubukan ko lamang na ilagay sa canvas ang mga kulay na nagpapahayag ng aking damdamin. Ang kinakailangang proporsyon ng mga tono ay maaaring baguhin sa akin ang hugis ng pigura o baguhin ang komposisyon. Hanggang sa naabot ko ang proporsyon na ito sa lahat ng mga bahagi ng larawan, tumingin ako para dito at magpatuloy sa pagtatrabaho. Pagkatapos ay dumating ang sandali, kapag ang lahat ng mga bahagi ay nakakakuha ng kanilang panghuling sukat, at pagkatapos ay hindi ko mahawakan ang larawan nang hindi ko muling ginagawa ang lahat. "

Simula ng humigit-kumulang sa mga Impressionist, ang mga kategorya ng pagguhit, anyo at kulay ay malapit na nauugnay, lumago nang magkasama, tila isang tuluy-tuloy na proseso: ang pagguhit at kulay, pagmomodelo at komposisyon, ang tono at linya ay lilitaw at bubuo na parang magkasabay. Ang proseso ng pagpipinta ng isang larawan ay maaaring, sa gayon magsalita, magpatuloy nang walang katiyakan, ang sandali ng pagtatapos ng trabaho ay medyo may kondisyon: saanman sa canvas, maaaring ipagpatuloy ito ng artist, na pinangangalagaan ang mga bagong stroke sa mga katulad nito, ngunit nakahiga sa ibaba. Ang pinaka-kapansin-pansin at pare-pareho na kinatawan ng sistemang ito ay si Cezanne. Sa mga liham at naitala na pag-uusap, paulit-ulit niyang inayos ang halong ito o, mas tama, hindi naiiba na pamamaraan ng pagpipinta. Sa anumang oras, ang trabaho sa pagpipinta ay maaaring magambala, ngunit ang trabaho ay hindi mawawala ang halaga ng aesthetic nito. Ang larawan ay handa na sa anumang oras.

Koneksyon ng nakalarawan na puwang ng pagpipinta sa totoong puwang

Sa kurso ng teorya ng komposisyon, binigyang diin ng pintor ng artista at arte na si VAFavorsky na ang isang tunay na masining na gawa ay likas sa dalawahang pag-iral mula sa pagsilang: bilang isang bagay sa nakapaligid na espasyo at bilang isang medyo saradong mundo na may sarili nitong space-time relasyon. Sa pagpipinta, ang layuning ito ay nakamit sa pamamagitan ng pagkakahanay ng panloob na istraktura ng larawan sa frame, sa iskultura - sa nakapalibot na espasyo (isang klasikong halimbawa: isang estatwa sa isang angkop na lugar).

Upang ikonekta ang visual space sa totoong puwang kung saan matatagpuan ang manonood, ginagamit ang frame ng larawan. Ang mga artista ay naglalaro rin sa maraming "frame reproduction" sa mismong imahe, mga visual na tula, pag-uulit ng mga patayong linya at pahalang. Ang isa sa mga diskarteng katangian na biswal na "pinalakas" ang imahe sa loob ng hugis-parihaba na format ay ang "sulok na bevel". Ang paghihiwalay ng pagpipinta mula sa arkitektura ay nagbunga ng isang tiyak na sistema ng pang-unawa sa pagpipinta ng kuda. Ang pangunahing nilalaman ng larawan ay ang pagpapahayag ng isang holistic na representasyon ng puwang. Ang komposisyon ay binago sa isang paglalahad kung saan ang manonood ay nakatayo sa harap ng nabagong mundo ng spatio-temporal na relasyon at nakikita ang kanyang sarili dito tulad ng sa isang salamin. Kaya't ang transparent na baso ng Renaissance ay naging isang salamin ng mga panahon ng Klasismo at Baroque. Ang sining ng panahon ng post-Renaissance ay nailalarawan sa pamamagitan ng paglalaro ng mga salamin sa salamin, na nagpapakilala ng mga tagapamagitan sa larawan ng komposisyon ng larawan, mga taong sa kanilang posisyon, hitsura o kilos ng kamay, ipahiwatig ang aksyong nagaganap sa kailaliman ng larawan, na parang nag-aanyaya na ipasok ito. Bilang karagdagan sa frame sa naturang mga komposisyon, lilitaw ang isang proskenium - ang harap na bahagi ng yugto, ang mga pakpak, pagkatapos ay ang gitnang lupa, kung saan ang pangunahing aksyon ay nagaganap, at ang background - ang "backdrop".

Kadalasang inilalagay ng artist ang mga pangunahing pigura sa gitnang plano ng larawan, na itinatakda ito sa isang pahalang na kaisipan tulad ng sa isang pedestal. Ang posisyon ng sanggunian na pahalang na linya ay tumutukoy sa lalim ng "spatial layer" (sa mga termimetric na term - mas mataas o mas mababa na may kaugnayan sa mas mababang gilid ng frame ng larawan). Ang pagtula ng pahalang na linya nang paulit-ulit, ang pintor ay lumilikha ng isang tiyak na ritmo ng paggalaw sa kailaliman ng haka-haka na puwang. Salamat dito, kahit na sa isang maliit na canvas, maaari mong ilarawan ang isang puwang ng anumang haba sa anumang bilang ng mga numero at bagay. Sa naturang paglalahad, kailangang espesyal na iguhit ng isa ang pansin ng manonood sa katotohanan na ang ilang mga bagay ay mas malapit, habang ang iba ay mas malayo. Para sa mga ito, ginagamit ang "mga payo": pagbawas ng pananaw, pagpapakilala ng mga sukat na palatandaan (maliit na mga numero ng mga tao sa likuran), magkakapatong na plano, kaibahan ng tonal, pagbagsak ng mga anino mula sa isang ilaw na mapagkukunan sa loob o labas ng larawan. Ang isa pang sanggunian para sa paggalaw ng kaisipan ng manonood sa puwang ng larawan ay ang mga dayagonal, ang pangunahing pagiging "dayagonal ng pasukan" (karaniwang mula kaliwa hanggang kanan).

Larawan sa larawan

Larawan sa Larawan

Maaaring magamit ang Larawan-sa-Larawan sa isang nakalaang pagpapaandar ng komposisyon. Ang isang katulad na hierarchical na samahan ay ipinakita sa kaso ng imahe ng isang larawan sa isang larawan (pati na rin ang mga fresko sa mga kuwadro na dingding, atbp.).

Ang "larawan sa larawan" ay isang pamamaraan ng komposisyon na matatagpuan sa sining ng klasikal na pagpipinta sa larawan noong ika-16 hanggang ika-17 na siglo. Ang isang larawan sa loob ng isang larawan ay maaaring bigyan ng isang espesyal na nakatagong kahulugan.

Ang diskarteng komposisyon ng larawan na larawan ay maaaring magsagawa ng maraming mga gawain:

ipahayag ang isang ideya
linawin ang balangkas
tutulan o lumikha ng pagkakaisa
upang maging isang detalye ng mga kagamitan (interior)

Kadalasan, ang imahe ng background sa isang pagpipinta ay maaaring maunawaan bilang isang uri ng larawan sa isang larawan, iyon ay, isang malayang imahe, na binuo ayon sa sarili nitong mga espesyal na batas. Sa parehong oras, ang imahe ng background, sa isang mas malawak na sukat kaysa sa imahe ng mga numero sa pangunahing plano, ay sumusunod sa purong pandekorasyon na gawain, masasabi nating madalas na hindi ang mismong mundo ang inilalarawan dito, ngunit ang dekorasyon ng mundong ito, iyon ay, hindi ang imahe mismo ang ipinakita, ngunit ang imahe ng imaheng ito.

Para sa Dutch, isang mapang heograpiya, isang tapiserya, isang larawan, isang bukas na bintana bilang isang imaheng kasama sa larawan ay nagpapalawak ng mga hangganan ng mundo o ihatid ang pagbuo ng pang-alegoryong kahulugan ng pangunahing balangkas. Si Vermeer, na binubuksan ang kurtina ng kanyang pagawaan, ay naging isang gabay sa tatlong antas ng katotohanan: ang puwang ng manonood, ang puwang ng kanyang pagawaan, ang puwang ng isang likhang sining (isang canvas na nakatayo sa isang maliit na bilis), na inihahalintulad ang mga metamorphose na ito sa paglalayag sa mga karagatan na naka-plot sa isang mapang pangheograpiya o paglipad sa isang mapang lupain ...

Ang pag-apaw ng katotohanan - sining - mitolohiya ay maaari ding obserbahan sa Velazquez, na kusang-loob na gumamit ng diskarteng "larawan sa larawan", tulad ng halimbawa ng "Meninas" at "Spinners".

Ang "larawan sa larawan" ay nasa "Venus din sa harap ng isang salamin" ni Velazquez, ngunit ang misty na salamin ay sumasalamin lamang sa anino ng diyosa ng pag-ibig.

Pagpipinta at frame

Anumang imahe na nilikha ng artist, maliban sa mga sinaunang kuwadro na kuweba, ay may isang frame. Ang pag-frame ay kinakailangan at mahalagang bahagi ng komposisyon, nakumpleto ito, nagbibigay ng pagkakaisa. Ang pag-frame ay maaaring nasa parehong eroplano tulad ng pagpipinta o graphic na komposisyon mismo. Maaari rin itong partikular na likhain bilang isang uri ng pormularyo ng tulong sa tulong ng mga elemento ng pandekorasyon, iskultura at arkitektura. Kadalasan, may mga parihabang frame, medyo mas madalas - bilog at hugis-itlog.

Ang frame ay tumutulong upang makilala ang pagpipinta mula sa kapaligiran bilang isang bagay na espesyal at karapat-dapat pansinin, ngunit sa parehong oras ay iniuugnay ito sa kapaligiran. Kaya, kung ang estilo ng frame ay kasabay ng masining na hitsura, istraktura at katangian ng interior kung saan matatagpuan ang pagpipinta, nag-aambag ito sa integridad ng grupo. Nakasalalay sa kulay, saturation ng mga detalye ng pandekorasyon at iskultura, ang frame ay makabuluhang nakakaapekto sa pangkalahatang impression ng larawang nakalarawan. Pinapayagan kami ng lahat ng ito na magsalita tungkol sa pagkakaisa ng larawan at ng frame, kung saan ang pag-frame, syempre, ay hindi gumanap ng pangunahing, ngunit kinakailangang pag-andar.

Ang pag-unlad ng pagpipinta sa kuda ay mahirap. Ano ang isang maliwanag na milyahe sa kasaysayan nito ay ang paglipat mula sa Middle Ages hanggang sa Renaissance! Ang pinaka-makabuluhan dito ay ang pagnanais na lumayo mula sa tigas at abstraction ng iconic na imaheng nanaig noong Middle Ages. Sa paligid ng ika-14 na siglo, isang larawan ay ipinanganak sa modernong kahulugan ng salita, at kasama nito ang isang frame na lilitaw, na nakabihis pa rin ng lace ng Gothic na dekorasyon.

Ang mga unang frame ay hindi ganap na tutol sa buong imahe at hindi humiwalay dito; ang mga materyales ng pareho ay magkatulad, ang kondisyunal na ginto ng background, halimbawa, ng isang sinaunang Russian icon o isang Byzantine, naipasa sa frame, at ang imahe mismo ay madalas na "splashed" dito. Pagkatapos ang mga hangganan sa pagitan ng larawan at ng frame ay nagsimulang makilala nang higit pa at mas tiyak. Gayunpaman, bilang isang uri ng memorya ng nakaraang mga siglo, napanatili ng frame ang ginintuang kulay nito. Kapag ang ginintuang background, na nagsasaad ng mundo ng banal, ay nawala mula sa pagpipinta, ang gilding ng frame ay nagsimulang makita ng may kondisyon, sa madaling salita, bilang isang kinakailangang katangian ng pag-frame na nakakatulong upang mai-highlight ang larawan sa silid, upang maakit ang paningin ng manonood dito.

Sa Renaissance, ang ideya ng pagpipinta bilang isang pagtingin sa mundo sa pamamagitan ng isang window ay nanaig, ang frame na may mga form nito ay napakalinaw na nagpapahiwatig sa umiiral na ideya at tumugon dito. Ang mga kahanga-hanga, solemne na mga frame na ito ay ginawa ayon sa mga guhit ng mga artista sa mga espesyal na pagawaan o ng mga katulong ng artista na nagtrabaho sa kanyang pagawaan.

Sa panahon ng Renaissance, ang pagpipinta ay patuloy na inihambing sa isang salamin, na sumasalamin sa katotohanan, at ang frame, nilikha tulad ng isang pang-adorno na frame ng salamin, na karagdagang binigyang diin ang paghahambing na ito. Ang frame na ito ay maaaring gawin hindi lamang mula sa mga kahoy na slats at plaster, kundi pati na rin mula sa mga mahalagang materyales, kabilang ang pilak, garing, ina ng perlas, atbp. Ang kahalagahan ng mga materyales ay tila tumutugma sa kahalagahan ng pagpipinta, pinalakas ito.

Ang mga matandang panginoon ay masigasig sa frame, isinasaalang-alang ang impluwensya nito sa proseso ng trabaho, kung minsan ay nagsulat pa sila sa isang nakahandang frame, isinasaalang-alang ang isang tiyak na tono at pandekorasyon na ritmo ng frame. Samakatuwid, ang mga komposisyon ng mga matandang panginoon ay madalas na nakikinabang nang malaki sa kanilang orihinal na mga frame.

Pinapayagan kami ng mga pagmamasid ng mga frame ng mga lumang masters na magtaguyod ng isa pang prinsipyo - ang pagsusulatan sa pagitan ng profile at lapad ng frame at ang laki ng larawan: halimbawa, ginamit ng mga pintor na Dutch ang kanilang maliit na mga kuwadro na gawa sa malalaking mga frame na may malalim, manipis na manipis ang profiling, kung saan, tulad nito, tinitingnan ang gitna ng larawan at ihiwalay siya mula sa anumang impluwensya ng kapaligiran

Sa simula ng ika-20 siglo, ang mga tinig ay nagsimulang marinig na tumatawag upang iwanan ang mga frame nang kabuuan, bilang isang bagay na masyadong materyal, "saligan" ang kabanalan ng sining. Ang iba't ibang mga avant-garde artist, na tumatanggap ng mga naturang tawag, ay nagsimulang ipakita ang kanilang mga gawa nang walang mga frame. Gayunpaman, bilang isang resulta ng makabagong ito, ang kanilang mga gawa mismo ay tumigil na maging mga kuwadro na gawa sa makitid na kahulugan ng salita. Ito ay ilang uri ng "mga bagay", "mga spot", madalas na walang malinaw na kahulugan.

Bagaman ngayon ay walang isang estilo sa disenyo ng mga frame, tulad ng dati, ngunit mayroong higit sa dati, ang pagsusulat ng frame sa indibidwal na pamamaraan ng artist.

Sa mga nagdaang taon, sa mga eksibit sa sining, mapapansin ng isang tao na ang pagkawalang-kilos na may kaugnayan sa disenyo ng mga frame (hayaan ito, sabi nila, ngunit alin ay hindi gaanong mahalaga), na ipinakita ang nakaraan at kabilang sa aming mga artista, ay nagsisimula upang mapagtagumpayan Ang mga frame ay ipininta sa iba't ibang mga tono, maliliit na karagdagang mga imahe at inskripsiyon ay madalas na inilalagay sa kanila, tinutulungan ng mga iskultor ang mga pintor - lilitaw ang mga frame na mayaman na mga motif na plastik.

Format ng larawan

Mayroong, gayunpaman, dalawang tukoy na mga elemento ng larawan, kung saan, tulad nito, lumikha ng isang paglipat mula sa eroplano patungo sa imahe, sa parehong oras na kabilang sa katotohanan ng larawan at sa kathang-isip nito - ang format at ang frame. Maaaring mukhang ang tool ng isang pagpipinta ay isang tool lamang ng artista, ngunit hindi isang direktang pagpapahayag ng kanyang malikhaing konsepto: pagkatapos ng lahat, pipiliin lamang ng artist ang format. Samantala, ang likas na katangian ng format na malapit na nauugnay sa buong panloob na istraktura ng isang gawain ng sining at madalas na ipinapahiwatig din ang tamang landas sa pag-unawa sa hangarin ng artist. Bilang isang patakaran, ang format ay pinili bago magsimula ang gawain ng pintor. Ngunit isang bilang ng mga artista ang kilala na gustung-gusto na baguhin ang format ng larawan sa panahon ng kanilang trabaho, alinman sa pagputol ng mga piraso mula rito, pagkatapos ay pagdaragdag ng mga bago (lalong gusto ni Velazquez na gawin ito).

Ang pinaka-karaniwang format para sa isang larawan ay isang quadrangular, at ang isang purong parisukat ay mas mababa kaysa sa isang quadrilateral, higit pa o mas mahaba ang haba at pataas. Pinahahalagahan ng ilang mga panahon ang pag-ikot (tondo) o format na hugis-itlog. Ang pagpili ng format ay hindi sapalaran, ang format ay karaniwang nagpapakita ng isang malalim, organikong koneksyon kapwa sa nilalaman ng isang likhang sining, na may emosyonal na tono, at sa komposisyon ng larawan, pantay na malinaw na sumasalamin sa indibidwal na ugali ng artist at ang lasa ng isang buong panahon. Nararamdaman namin ang nakatagong koneksyon na sanhi ng pagitan ng format at hangarin ng artista sa harap ng bawat pagpipinta, kung saan nagmula ang alindog ng isang tunay na gawa ng sining. Mayroong mga kuwadro na gawa, na ang nilalaman na kung saan ay naging fuse sa likas na katangian ng format na ang pinakamaliit na paggalaw ng mga proporsyon, tila, ay dapat mapataob ang pang-istilo at ideolohikal na balanse ng pagpipinta.

Ang isang pahalang, pinahabang format, sa pangkalahatan, ay tiyak na mas angkop para sa isang komposisyon ng salaysay, para sa isang pare-pareho na paglalagay ng paggalaw na nakaraan ng manonood. Samakatuwid, ang format na ito ay madaling gamitin ng mga artist na may epic na kalagayan, nagsusumikap para sa aktibong komposisyon, para sa aksyon, halimbawa, mga pintor ng Italyano ng ika-14 at unang kalahati ng ika-15 siglo (lalo na sa mga komposisyon ng fresco). Sa kabaligtaran, isang parisukat na format o isa kung saan ang taas ay medyo namayani sa lapad, tulad nito, agad na pinahinto ang dynamics ng pagkilos at binibigyan ang komposisyon ng character ng isang solemne na representasyon - ito ang uri ng format na ginusto ng masters ng Mataas na Renaissance para sa kanilang mga altarpieces ("Sistine Madonna"). Kaugnay nito, na may isang makabuluhang pamamayani ng taas sa lapad, muling nakuha ng komposisyon ang mga dynamics, malakas na tulak, ngunit sa oras na ito pataas o pababa; tulad ng isang makitid na format ay lalo na sa kagustuhan ng maharlika, pandekorasyon (Crivelli) o mistiko (Mannerist, Greco) na mga artista na naghahangad na maisama ang ilang mga emosyon at kalagayan.

Ang koneksyon sa pagitan ng format at indibidwal na ugali ng artist ay hindi rin mapag-aalinlanganan: Ang senswal, pabago-bagong pantasya ni Rubens ay nangangailangan ng isang mas malaking format kaysa sa pinigilan at may kaluluwa na pantasya ng Rembrandt. Panghuli, ang format ay nasa direktang proporsyon sa diskarte sa pagpipinta. Ang mas malawak, mas malaya ang brushstroke ng artist, mas natural ang kanyang pagnanais para sa isang malaking format.

Palaging nadarama ng mga tao ang pangangailangan na palamutihan ang silid kung saan sila nakatira o nagtatrabaho. Nakakatulong ito upang mapagbuti ang kapaligiran, magdagdag ng coziness at magsaya. Sa artikulo, isasaalang-alang namin ang gayong mga pagpipilian sa dekorasyon bilang mga kuwadro na gawa, na matagal nang itinuturing na isa sa mga pinakamahusay na pagpipilian para sa paglutas ng gayong problema.

Contemporary na palamuti. Modular na larawan

Ang mga modular na kuwadro ay ang kung saan ang mga imahe ay nahahati sa dalawa o higit pang mga bahagi, at ang mga bahaging ito ay inilalapat sa magkakahiwalay na mga canvase. Ang mga module o fragment ay maaaring may anumang hugis, lokasyon at oryentasyon na may kaugnayan sa bawat isa. Sa kanilang tulong, maaari mong palamutihan ang mga silid para sa anumang layunin.

Ang kaugnayan ng mga modular na kuwadro na gawa sa interior: kailan at saan ito inilapat

Ang mga modular na kuwadro ay isang medyo maraming nalalaman na item na ginagawang posible na i-update ang loob ng isang apartment batay sa mga indibidwal na nais at kagustuhan ng mga naninirahan. Ang pangangailangan para sa naturang mga kuwadro na gawa ay karagdagan natutukoy ng ang katunayan na ang mga ito ay mga paraan upang makagawa ng mga makabuluhang pagbabago sa hitsura ng mga lugar nang walang gastos at pagsisikap. Ang tanging sagabal at sa parehong oras isang kalamangan ay ang malaki laki ng mga kuwadro na gawa, na binubuo ng tatlo, apat o higit pang mga piraso.

Ginagawa nitong posible ng mga kuwadro na gawa upang masakop ang malalaking walang laman na puwang sa mga puwang ng pamumuhay at pandiwang pantulong. Depende sa pangkalahatang scheme ng kulay at istilo ng silid, ang pagpipinta mismo ay magkakaiba, gayunpaman, ang mga modular na kuwadro na gawa ay madalas na naglalarawan ng mga landscape.

Ano ang mga modelo ng pagpipinta para sa mga dingding

Kabilang sa mga pangunahing uri ng mga kuwadro na gawa ay:

Diptych... Ito ang mga modular na kuwadro na gawa, na binubuo ng dalawang bahagi at ang pinakasimpleng uri ng naturang mga kuwadro na gawa.
Triptych... Isang pagpipinta na binubuo ng tatlong elemento.
Penaptych... Modular na kuwadro na gawa, nahahati sa limang bahagi.
Polynaptych... Anim o higit pa.

Ang bilang ng mga module ay direktang nakakaapekto sa mga pandekorasyon na katangian at sukat, ngunit hindi ang nilalaman ng pagpipinta mismo. Hindi alintana kung gaano karaming mga bahagi ang imahe ay nahahati sa, ang bawat isa sa mga fragment ay pantay na mahalaga at ginagawang posible na bumuo ng isang kumpletong larawan.

Ang mga modular na kuwadro na gawa, bilang panuntunan, ay ginawa sa mga canvases at mayroong maraming mga pakinabang: kagalingan ng maraming paggamit, pagka-orihinal ng estilo, sukat, hindi makagambalang disenyo.

Upang ang isang modular na komposisyon ay maging naaangkop sa isang partikular na silid, dapat itong mapili nang tama. Dapat kang gabayan ng mga sumusunod na pamantayan sa pagpili: color palette, tema, mga geometric na hugis, interior ng kuwarto.

Malaking modular multi-piece

Malaking modular na istraktura ng maraming bahagi ang iniuugnay ng karamihan sa mga tao sa konseptong ito. Ang mga modular na pagpipinta ay hindi na isang bago, at malawak na ginagamit kapwa sa mga apartment at sa mga hotel at restawran.

Ang imahe, nahahati sa maraming bahagi, ay nakikilala sa pamamagitan ng pagka-orihinal at pagiging hindi karaniwan, at samakatuwid ay sila ang madalas na binibigyang pansin kapag pumipili. Posibleng makilala ang isang bilang ng mga uri ng modular na kuwadro na binubuo ng maraming mga fragment.

Pinaghiwalay sa 4 na piraso

Tulad ng nabanggit sa itaas, ang mga kuwadro na binubuo ng apat na bahagi ay tinatawag na pol Egyptychs. Ang mga ito ay isang modernong solusyon sa disenyo para sa parehong ordinaryong mga mamimili at dekorador. Ang grupo, nilikha mula sa apat na mga komposisyon, ginagawang posible upang makabuo ng isang natatanging epekto sa parehong mga host at mga panauhin. Ang isang panel sa canvas ng apat na bahagi ay sumasakop sa isang malaking seksyon ng dingding, ngunit dahil sa sukat nito, ang imahe ay tila nabuhay sa harap ng mga nagmamasid.

Ang mga modular na kuwadro na gawa ng 4 na bahagi ay pinag-isa ng isang solong balangkas, kulay at pampakay na sangkap. Ngunit ang mga laki ng mga fragment ay maaaring maging ganap na hindi pantay. Maaari silang pareho sa laki, bumaba sa isang kaskad, o kahit na may ngipin.

Bilang panuntunan, hindi katulad ng tradisyunal na mga canvase, ang mga imahe sa modular na pagpipinta ay simple at hindi kumplikado. Ang kanilang gawain ay upang magbigay ng positibong impression sa parehong karaniwang tao sa kalye at ang tagapagsama ng mga bagay na sining.

Itakda ng 3 bahagi

Ang mga modular na kuwadro na gawa ng tatlong mga segment, na tinatawag na triptychs, ay ilan sa mga pinaka matapang at orihinal na solusyon sa disenyo sa kasaysayan. Sa kanilang tulong, maaari mong palamutihan ang anumang panloob sa isang kawili-wili at hindi pangkaraniwang paraan. Ang mga imahe sa mga nasabing canvases ay maaaring nakaposisyon nang patayo o pahalang at nahahati sa tatlong bahagi, ngunit pagsasama-sama ng isang solong tema at istilo.

Ngunit, ang mga fragment mismo ay maaaring magkakaiba sa bawat isa sa lokasyon at laki. Ang isang malaking bilang ng mga pagkakaiba-iba sa lokasyon ng mga segment ng triptych ay kilala, at samakatuwid ang lahat, kahit na isang sopistikadong gumagamit, ay maaaring pumili ng isang pagpipilian ayon sa kanilang sariling panlasa.

Mga transformer mula sa 5 o higit pang mga bahagi

Maraming tao ang nagkakamali na naniniwala na ang mga nasabing larawan ay tumatagal ng maraming puwang, at hindi nila pinapansin ang mga ito kapag pumipili. Gayunpaman, ang mga larawan ng segment ay nakikilala din ng isang hindi pangkaraniwang pag-aayos ng mga fragment, na maaaring hindi lamang pahalang, ngunit din patayo, di-makatwirang.

Ang isa sa mga kapansin-pansin na bentahe ng naturang mga imahe ay kung ano ang isinasaalang-alang ng pangunahing kawalan - ang kanilang laki. Salamat sa malaking pag-scale, mga de-kalidad na canvase na ginagawang posible upang makuha ang pinakamalaking, pinaka-makulay at detalyadong dekorasyon sa iyong dingding.

Paano maayos na mai-hang ang mga modular na kuwadro na gawa sa mga dingding

Bago mo simulang palamutihan ang pader, kailangan mong maunawaan kung paano ito gawin nang tama. Mayroong isang bilang ng mga rekomendasyon:

Sa kaso kung ang ugnayan sa pagitan ng mga segment ay may isang likas na komposisyon, kung gayon ang mga fragment ay dapat na nakabitin sa dingding sa maliliit na agwat.
Ang mga kumplikadong imahe na lumilikha ng isang visual na epekto ay dapat na mailagay alinsunod sa hangarin ng may-akda, na maaaring matagpuan sa kasamang dokumentasyon.
Sa kaso kung ang pagkakaugnay ng mga segment ay isinasagawa lamang dahil sa mga shade o balangkas, kung gayon ang pag-aayos ng mga bahagi ay maaaring iba-iba sa kalooban.
Ang ilalim na gilid ng canvas ay dapat na nasa antas ng mata ng mga nagmamasid.
Ang pampakay at semantiko na bahagi ay hindi dapat malabag.
Ang lahat ng mga bahagi ay dapat na pantay na naiilawan.
Ang napakalaking at mabibigat na mga fragment ay dapat na ligtas na ikabit sa dingding.

Paano pumili ng isang mount para sa mga kuwadro na gawa mula sa maraming mga bahagi

Ang isang simple at halata na pagpipilian sa pag-mount ay mga kuko, pati na rin isang drill at turnilyo. Gayunpaman, malayo ito sa mga posibleng pagpipilian lamang:

Ang mga magaan na canvase ay maaaring ma-secure nang maayos sa mga pin, karayom at pindutan. Kung ang pader ay hindi gawa sa plasterboard, pagkatapos ay kakailanganin mong paunang ayusin ito, halimbawa, isang kahoy na riles.
Ang mga canvases na may mga fragment ng katamtamang sukat at bigat ay maaaring maayos sa pamamagitan ng dobleng panig na tape. Gayunpaman, ang gayong bundok ay may kawalan, na ipinahayag sa kanyang pagiging permanente - imposibleng alisin ang naturang bundok nang hindi napinsala ang patong sa ibabaw ng pader.
Hindi lamang tradisyonal, kundi pati na rin ang "likido" na mga kuko ay makayanan ang mabibigat na mga canvase.
Bilang kahalili sa tape at pin, maaari mong gamitin ang Velcro mula sa isang tindahan ng pananahi.

Huwag kalimutan ang tungkol sa mga dalubhasang sistema para sa paglakip ng mga modular na kuwadro na gawa, na maaaring mabili bilang isang set. Marahil ito ay hindi isang napakapakinabang na pagpipilian, ngunit tiyak na ito ang pinaka-epektibo, lalo na kung ang dekorasyon ay hindi planong ilipat.

Paano mag-hang ng 5-piraso na modular na pagpipinta

Ang pagpili ng pangkabit para sa ganitong uri ay isinasagawa batay sa materyal ng dingding, ang bigat at laki ng mga bahagi, pati na rin isinasaalang-alang ang posibilidad ng paggalaw ng dekorasyon sa hinaharap. Anuman ang napiling pagpipilian, ang pangkabit ay dapat na maaasahan.

Paano i-mount ang modular malalaking istraktura

Ang mga istrukturang may malalaking mga fragment, lalo na kung ang mga ito ay nakaunat nang pahalang, ay maaaring mangailangan, at isang pares ng mga fastener para sa bawat isa sa kanila. Dito mahalagang obserbahan ang pagkakapareho at ang mga patakaran para sa pag-aayos ng mga bahagi, at inirerekumenda din na bigyang pansin ang mga espesyal na fastener na inaalok para sa pagbili sa kit.

Anong pakialam

Sa kaso kung ang istraktura ay ligtas na naayos, kung gayon ang kasunod na pagpapanatili ay mangangailangan lamang ng pagsuri sa kondisyon ng mga fastener, pati na rin ang paglilinis sa ibabaw ng produkto mula sa alikabok. Upang hindi maging sanhi ng pinsala, ang paglilinis ay maaaring gawin sa: flannel, feather duster o synthetic broom.

Ang mga modular na pagpipinta ay isang maraming nalalaman na paraan upang magdagdag ng coziness sa isang silid, lumikha ng tamang kapaligiran, at bigyang-diin din ang lasa at katayuan ng may-ari.