Kunst er udtryk for de dybeste tanker på den enkleste måde. Begrebet "kunst"

INTRODUKTION

En af de vigtigste opgaver i vores samfund, der står over for systemet med moderne uddannelse, er dannelsen af \u200b\u200bindividets kultur. Relevansen af \u200b\u200bdenne opgave er forbundet med revisionen af \u200b\u200blivssystemet og kunstneriske og æstetiske værdier. Dannelsen af \u200b\u200bden yngre generations kultur er umulig uden at henvise til de kunstneriske værdier, som samfundet har akkumuleret i løbet af dets eksistens. Således bliver behovet for at studere grundlaget for kunsthistorien indlysende.

For fuldt ud at forstå kunsten i en bestemt æra er det nødvendigt at navigere i kunsthistorisk terminologi. Kend og forstå essensen af \u200b\u200bhver kunst. Kun i tilfælde af besiddelse af det kategorisk-konceptuelle system vil en person være i stand til fuldt ud at forstå den æstetiske værdi af kunstmonumenter.

KUNSTKLASSIFIKATION

Kunst (kreativ refleksion, gengivelse af virkeligheden i kunstneriske billeder.) Eksisterer og udvikler sig som et system af sammenkoblede typer, hvis mangfoldighed skyldes alsidigheden i selve den virkelige verden (den virkelige verden vist i processen med kunstnerisk skabelse.

Typer af kunst er historisk etablerede former for kreativ aktivitet, der har evnen til kunstnerisk realisering af livsindhold og adskiller sig med hensyn til dens materielle udførelsesform (ord i litteratur, lyd i musik, plast og farvemateriale i billedkunst osv.).

I moderne kunsthistorisk litteratur har der udviklet sig et bestemt skema og system til klassificering af kunst, skønt der stadig ikke er nogen, og de alle er relative. Den mest almindelige ordning er at opdele den i tre grupper.

Den første inkluderer rumlig eller plastisk kunst. For denne gruppe af kunst er rumlig konstruktion i afsløringen af \u200b\u200bet kunstnerisk image afgørende - kunst, dekorativ og anvendt kunst, arkitektur, fotografi.

Den anden gruppe inkluderer midlertidig eller dynamisk kunst. I dem får sammensætningen, der udvikler sig i tid, nøglebetydning - musik, litteratur.
Den tredje gruppe er repræsenteret af rumtemporale typer, der også kaldes syntetisk eller spektakulær kunst - Koreografi, litteratur, teaterkunst, filmografi.

Eksistensen af \u200b\u200bforskellige typer kunst skyldes, at ingen af \u200b\u200bdem på sine egne måder kan give et kunstnerisk helhedsbillede af verden. Et sådant billede kan kun skabes af hele menneskehedens kunstneriske kultur, der består af individuelle typer kunst.

BESKRIVELSE AF KUNSTEN

ARKITEKTUR

Arkitektur (græsk "arkitekton" - "mester, bygherre") er en monumental kunstform, hvis formål er at skabe strukturer og bygninger, der er nødvendige for menneskehedens liv og aktiviteter, der imødekommer menneskers utilitaristiske og åndelige behov.

Formerne af arkitektoniske strukturer afhænger af geografiske og klimatiske forhold, af landskabets natur, intensiteten af \u200b\u200bsollys, seismisk sikkerhed osv.

Arkitektur er tættere end andre kunstarter forbundet med udviklingen af \u200b\u200bproduktivkræfterne, med udviklingen af \u200b\u200bteknologi. Arkitektur er i stand til at kombinere med monumentalt maleri, skulptur, dekorative og andre former for kunst. Grundlaget for den arkitektoniske sammensætning er den volumetriske-rumlige struktur, den organiske sammenkobling af elementerne i en bygning eller et ensemble af bygninger. Bygningens omfang bestemmer stort set arten af \u200b\u200bdet kunstneriske billede, dets monumentalitet eller intimitet.

Arkitektur gengiver ikke direkte virkeligheden, den er ikke billedlig, men udtryksfuld.

KUNST

Billedkunst er en gruppe af typer kunstnerisk skabelse, der gengiver den visuelt opfattede virkelighed. Kunstværker har en emneform, der ikke ændrer sig i tid og rum. Billedkunst inkluderer: maleri, grafik, skulptur.

GRAFISKE KUNSTER

Grafik (oversat fra græsk - "Jeg skriver, tegner") er først og fremmest tegning og kunstneriske trykte værker (gravering, litografi). Det er baseret på mulighederne for at skabe en udtryksfuld kunstform ved hjælp af linjer, streger og pletter i forskellige farver, der påføres arkets overflade.

Grafik gik forud for maling. Først lærte en person at fange konturer og plastformer af genstande og derefter skelne og reproducere deres farver og nuancer. Mestring af farve var en historisk proces: ikke alle farver blev mestret på én gang.

Grafikken er lineær. Gengivelse af objekternes former, det formidler deres belysning, forholdet mellem lys og skygge osv. Maleri fanger det virkelige forhold mellem verdens farver i farve og gennem farve udtrykker det essensen af \u200b\u200bobjekter, deres æstetiske værdi, verificerer deres socialt formål, deres korrespondance eller modsigelse til miljøet ...

I processen med historisk udvikling begyndte farve at trænge ind i tegning og trykt grafik, og nu tegnes med farveblyanter - pastel og farvegravering og maleri med vandmaling - akvareller og gouache - er inkluderet i grafikken. I forskellige litteraturer om kunsthistorie er der forskellige synspunkter om grafik. I nogle kilder: grafik er en type maleri, mens det i andre er en separat underart af kunst.

MALERI

Maleri er en flad kunst, hvis specificitet ligger i gengivelsen ved hjælp af maling på overfladen, et billede af den virkelige verden, transformeret af kunstnerens kreative fantasi.

Maleri er opdelt i:

Monumental - fresco (fra italiensk. Fresco) - maleri på rå gips med maling fortyndet i vand og mosaik (fra fransk mosaiqe) et billede af farvede sten, smalt (Smalta - farvet gennemsigtigt glas.), Keramiske fliser.

Staffel (fra ordet "maskine") - et lærred, der oprettes på et staffeli.

Maleri er repræsenteret af en række genrer (Genre (fransk genre, fra lat. Genus, genitiv generis - slægt, art) er en kunstnerisk, historisk etableret intern underafdeling i alle typer kunst.):

Et portræt er hovedopgaven med at formidle ideen om en persons ydre udseende, at afsløre en persons indre verden, at understrege hans individualitet, psykologiske og følelsesmæssige image.

Landskab - gengiver den omgivende verden i al dens mangfoldighed. Billedet af et marinemaleri er defineret af udtrykket marinemaleri.

Stilleben - et billede af husholdningsartikler, værktøjer, blomster, frugter. Hjælper med at forstå verdenssynet og vejen for en bestemt æra

Historisk genre - fortæller om historisk vigtige øjeblikke i samfundets liv.

Husholdningsgenre - afspejler menneskers hverdag, disposition, skikke, traditioner for en bestemt etnisk gruppe.

Ikonografi (oversat fra græsk "bønbillede") er det vigtigste mål at lede en person til transformationsvejen.

Animalisme er billedet af et dyr som hovedpersonen i et kunstværk.

I det XX århundrede. malingens natur ændrer sig under indflydelse af midlerne til den tekniske udvikling (fremkomsten af \u200b\u200bfoto- og videoudstyr), hvilket fører til fremkomsten af \u200b\u200bnye kunstformer - multimediekunst.

SKULPTUR

Skulptur er en rumlig - visuel kunst, der mestrer verden i plastikbilleder.

De vigtigste materialer, der anvendes i skulptur, er sten, bronze, marmor, træ. På det nuværende stadium af samfundets udvikling, teknogen fremgang, er antallet af materialer, der bruges til at skabe skulptur, udvidet: stål, plast, beton og andre.

Der er to hovedtyper af skulptur: tredimensionel (cirkulær) og relief:

Høj lindring - høj lindring,

Bas-relief - lav lettelse,

Modaflastningen er en indskåret lettelse.

Per definition kan skulptur være monumental, dekorativ, staffeli.

Monumental - bruges til at dekorere byens gader og pladser, udpege historisk vigtige steder, begivenheder osv. Monumental skulptur inkluderer:

Monumenter,

Monumenter,

Mindesmærker.

Staffel - designet til visning fra tæt afstand og er beregnet til indretning.

Dekorativt - bruges til at dekorere hverdagen (små plastgenstande).

DEKORATIV ANVENDT ART.

Dekorativ og anvendt kunst er en type kreativ aktivitet for at skabe husholdningsartikler designet til at imødekomme folks utilitaristiske og kunstneriske og æstetiske behov.

Kunst og håndværk inkluderer produkter fremstillet af en række forskellige materialer og ved hjælp af forskellige teknologier. Materialet til DPI-objektet kan være metal, træ, ler, sten, ben. De tekniske og kunstneriske metoder til fremstilling af produkter er meget forskellige: udskæring, broderi, maling, jagning osv. Det vigtigste karakteristiske træk ved det dekorative kunstobjekt er dekorativitet, som består i billedsprog og ønsket om at dekorere, gøre det bedre, smukkere .

Dekorativ og anvendt kunst har national karakter. Da det kommer fra en bestemt etnisk gruppes skikke, vaner, overbevisninger, er det tæt på dets livsstil.

En vigtig komponent i dekorativ og anvendt kunst er folkekunst og håndværk - en form for organisering af kunstnerisk arbejde baseret på kollektiv kreativitet, udvikling af en kulturel lokal tradition og fokuseret på salg af kunsthåndværk.

Den vigtigste kreative idé ved traditionelt håndværk er påstanden om enheden i den naturlige og menneskelige verden.

De vigtigste folkehåndværk i Rusland er:

Træskæring - Bogorodskaya, Abramtsevo-Kudrinskaya;

Maleri på træ - Khokhloma, Gorodetskaya, Polkhov-Maidanskaya, Mezenskaya;

Dekorationsprodukter fra birkebark - prægning på birkebark, maling;

Kunstnerisk stenforarbejdning - behandling af hård og blød sten;

Knoglesnit - Kholmogorsk, Tobolsk. Khotkovskaya

Miniaturemaleri på papier-mache - Fedoskino miniature, Palekh miniature, Mster miniature, Kholuy miniature

Kunstnerisk metalforarbejdning - Veliky Ustyug niello sølv, Rostov emalje, Zhostovskaya maleri på metal;

Folk keramik - Gzhel keramik, Skopin keramik, Dymkovo legetøj, Kargopol legetøj;

Blonder - Vologda blonder, Mikhailovskoe blonder,

Maleri på stof - Pavlovsk sjaler og sjaler

Broderi - Vladimirskaya, farveflettet, guldbroderi.

LITTERATUR

Litteratur er en kunstform, hvor ordet er den materielle bærer af billedsprog.

Litteraturens sfære inkluderer naturlige og sociale fænomener, forskellige sociale katastrofer, en persons åndelige liv, hendes følelser. I sine forskellige genrer dækker litteraturen dette materiale enten gennem en dramatisk gengivelse af en handling eller gennem en episk fortælling om begivenhederne eller gennem en lyrisk selvoplysning om en persons indre verden.

Litteratur er opdelt i:

Kunstnerisk

Den uddannelsesmæssige

Historisk

Videnskabelig

Baggrund

De vigtigste genrer i litteraturen er:

- Sangtekster - en af \u200b\u200bde tre hovedtyper af fiktion, afspejler livet ved at skildre en række menneskelige oplevelser, et træk ved sangteksterne er en poetisk form.

- Drama - en af \u200b\u200bde tre hovedtyper af fiktion, et historieværk skrevet i en dagligdags form og uden forfatterens tale.

- Episk - Narrativ litteratur, en af \u200b\u200bde tre hovedtyper af fiktion, inkluderer:

- Episk - et stort værk af den episke genre.

- Novella - fortællende prosaisk (meget sjældnere - poetisk) litteraturgenre, der repræsenterer en lille fortællingsform.

- Historie (historie) - en litterær genre, der adskiller sig i mindre signifikant volumen, færre figurer, livsindhold og bredde

- Historie - Et episk værk af lille størrelse, der adskiller sig fra novellen i sin større udbredelse og vilkårlige sammensætning.

- Romersk - et stort fortællende arbejde i prosa, undertiden i vers.

- Ballade - et lyrisk-episk poetisk historieværk skrevet i strofer.

- Digt - et plot litterært værk af en lyrisk og episk karakter i vers.

Litteraturens specificitet er et historisk fænomen, alle elementer og bestanddele af et litterært værk og litterær proces, alle litteraturens træk ændrer sig konstant. Litteratur er et levende, mobilt ideologisk og kunstnerisk system, der er følsomt over for ændringer i livet. Forløberen for litteratur er oral folklore.

MUSISK KUNST

Musik - (fra den græske musike - bogstaveligt talt - musenes kunst), en kunstform, hvor musiklyde organiseret på en bestemt måde tjener som et middel til at inkorporere kunstneriske billeder. Hovedelementerne og udtryksfulde musikmidler er mode, rytme, meter, tempo, lydstyrkedynamik, klang, melodi, harmoni, polyfoni, instrumentering. Musik optages i den musikalske notation og realiseres under forestillingen.

Opdelingen af \u200b\u200bmusik i sekulær og åndelig accepteres. Hovedområdet for hellig musik er kult. Udviklingen af \u200b\u200bden europæiske musikteori om musikalsk notation og musikalsk pædagogik er forbundet med europæisk kultmusik (normalt kaldet kirkemusik). I henhold til de udøvende midler er musik opdelt i vokal (sang), instrumental og vokal-instrumental. Musik kombineres ofte med koreografi, teaterkunst, biograf. Skel mellem monofonisk musik (monodi) og polyfonisk (homofoni, polyfoni). Musik er opdelt i:

Typer og typer - teatralske (opera osv.), Symfoniske, kammer osv.

Til genrer - sang, koral, dans, march, symfoni, suite, sonate osv.

Musikværker er kendetegnet ved visse, relativt stabile typiske strukturer. Musik bruger lydbilleder som et middel til at legemliggøre virkelighed og menneskelige følelser.

Musik i lydbilleder udtrykker generelt livets væsentlige processer. En følelsesmæssig oplevelse og en idé farvet af følelse, udtrykt gennem lyde af en særlig art, der er baseret på intonationen af \u200b\u200bmenneskelig tale - dette er karakteren af \u200b\u200bet musikalt billede.

KOREOGRAFI

Koreografi (gr. Choreia - dans + grafo - jeg skriver) er en kunstform, hvis materiale er bevægelser og stillinger i den menneskelige krop, poetisk meningsfuld, organiseret i tid og rum, der udgør et kunstnerisk system.

Dans interagerer med musik og danner et musikalsk og koreografisk billede sammen med det. I denne union afhænger hver komponent af den anden: musikken dikterer sine egne love til dansen og er samtidig påvirket af dansen. I nogle tilfælde kan dansen udføres uden musik - ledsaget af klapper, bankning med hæle osv.

Dansens oprindelse var: efterligning af arbejdsprocesser; rituelle fejringer og ceremonier, hvis plastside havde en vis regulering og semantik; dans udtrykker spontant i bevægelser i bevægelser kulminationen af \u200b\u200ben persons følelsesmæssige tilstand.

Dans har altid, på alle tidspunkter, været forbundet med menneskers liv og liv. Derfor møder hver dans karakteren, ånden hos de mennesker, som den stammer fra.

TEATERKUNST

Teater er en kunstform, der kunstnerisk assimilerer verden gennem dramatisk handling udført af et kreativt team.

Teatret er baseret på drama. Teatralsk kunsts syntetiske karakter bestemmer dens kollektive karakter: stykket kombinerer en dramatiker, instruktør, kunstner, komponist, koreograf og skuespiller.

Teaterforestillinger er opdelt i genrer:

- Drama;

- Tragedie;

- Komedie;

- Musical osv.

Teaterkunst har sine rødder i oldtiden. Dens vigtigste elementer eksisterede allerede i primitive ritualer, i totemiske danser, i kopiering af dyrs vaner osv.

FOTO ART.

Fotografi (gr. Phos (fotos) lys + grafo skriver jeg) er en kunst, der reproducerer på et plan ved hjælp af linjer og skygger på den mest perfekte måde og uden mulighed for fejl, kontur og form af det transmitterede objekt ved det.

Et specifikt træk ved fotografering er den organiske interaktion mellem kreative og teknologiske processer i den. Fotografiets kunst udviklede sig ved begyndelsen af \u200b\u200bdet 19. og 20. århundrede som et resultat af interaktionen mellem kunstnerisk tænkning og fremskridt inden for fotografisk videnskab og teknologi. Dens fremkomst blev historisk forberedt af udviklingen af \u200b\u200bmaleri, der fokuserede på et spejllignende nøjagtigt billede af den synlige verden og brugte opdagelserne af geometrisk optik (perspektiv) og optiske enheder (camera - obscura) for at nå dette mål.

Specificiteten ved fotografering er, at den giver et billedbillede af dokumentarisk betydning.

Fotografi giver et kunstnerisk udtryksfuldt billede og fanger pålideligt et vigtigt øjeblik i virkeligheden i et frossent billede.

Livets fakta i fotografering, næsten uden yderligere behandling, overføres fra virkelighedens sfære til kunstens sfære.

FILMKUNST

Biograf er kunsten at gengive film taget på film på en skærm, hvilket skaber indtryk af levende virkelighed. Biografopfindelse i det XX århundrede. Dens udseende bestemmes af videnskabens og teknologiens præstationer inden for optik, elektrisk og fotografisk teknologi, kemi osv.

Biograf formidler tidens dynamik; arbejder med tiden som et udtryksmiddel, er biograf i stand til at formidle rækkefølgen af \u200b\u200bforskellige begivenheder i deres interne logik.

Biograf er en syntetisk kunst, den inkluderer organiske elementer såsom litteratur (manuskript, sange), maleri (tegneserie, sceneri i en spillefilm), teatralsk kunst (skuespil), musik, der fungerer som et middel til at supplere det visuelle billede.

Biograf kan opdeles betinget i videnskabelig dokumentar og fiktion.

Biografgenrer defineres også:

Tragedie,

Fantasi,

Komedie,

Historisk osv.

KONKLUSION

Kultur spiller en særlig rolle i forbedring af personligheden i dannelsen af \u200b\u200bdens individuelle billede af verden, fordi den akkumulerer hele menneskehedens følelsesmæssige, moralske og evaluerende oplevelse.

Problemet med kunstnerisk og æstetisk uddannelse i dannelsen af \u200b\u200bværdiorienteringer hos den yngre generation er blevet genstand for opmærksomhed fra sociologer, filosoffer, kulturteoretikere, kunstkritikere. Denne tutorial er en lille tilføjelse til et stort lag af undervisningsmateriale relateret til kunstfeltet. Forfatteren udtrykker håbet om, at han vil tjene som en god hjælp for studerende, elever og alle, der ikke er ligeglade med kunst.

Fra Masterweb

I den enkleste forstand er kunst en persons evne til at inkorporere noget smukt i virkeligheden og få æstetisk glæde af sådanne genstande. Det kan også være en af \u200b\u200bmåderne at vide, kaldet mestring, men en ting er sikkert: uden kunst ville vores verden være lav, kedelig og ikke mindst spændende.

Terminologisk stop

I vid forstand er kunst en slags håndværk, hvis produkter bringer æstetisk fornøjelse. Ifølge poster i Encyclopedia Britannica er kunstens vigtigste kriterium evnen til at resonere med andre mennesker. Til gengæld siger Great Soviet Encyclopedia, at kunst er en af \u200b\u200bformerne for social bevidsthed, som er den vigtigste komponent i den menneskelige kultur.

Den, der siger noget, men debatten omkring udtrykket "kunst" har foregået i meget lang tid. For eksempel blev kunst betragtet som et træk ved det menneskelige sind i romantikens æra. Det vil sige, de forstod dette udtryk på samme måde som religion og videnskab.

Specielt håndværk

I den allerførste og mest udbredte forstand blev kunstbegrebet dechiffreret som "håndværk" eller "kompilering" (det er også skabelse). Kort sagt, alt, hvad der blev skabt af mennesket i processen med at opfinde og forstå en bestemt komposition, kunne kaldes kunst.

Indtil det 19. århundrede var kunst en kunstners eller sangeres evne til at udtrykke deres talent, fange publikum og få dem til at føle.

Begrebet "kunst" kan bruges på forskellige områder af menneskelig aktivitet:

• processen med at udtrykke vokal, koreografisk eller skuespil talent;
• værker, fysiske genstande skabt af mestre af deres håndværk;
• processen med at forbruge kunstværker af publikum.

Sammenfattende kan vi sige følgende: kunst er en slags delsystem i den åndelige sfære af livet, som er en kreativ gengivelse af virkeligheden i kunstneriske billeder. Dette er en unik færdighed, der kan beundres af offentligheden.

En smule historie

I verdens kultur begyndte folk at tale om kunst i gamle tider. Primitiv kunst (nemlig kunst, det er også et stenmaleri) dukkede op sammen med mennesket i den mellemste paleolitiske æra. De første objekter, der kan identificeres med kunst som sådan, dukkede op i den øvre paleolitiske. De ældste kunstværker, såsom skalhalskæder, dateres tilbage til 75.000 f.Kr.

I stenalderen blev primitive ritualer, musik, dans, ornamenter kaldet kunst. Generelt stammer samtidskunst fra gamle ritualer, traditioner, spil, som var betinget af mytologiske og magiske ideer og overbevisninger.

Fra primitiv mand

I verdens kunst er det sædvanligt at skelne mellem flere epoker af dens udvikling. Hver af dem adopterede noget fra deres forfædre, tilføjede noget af deres egne og efterlod dem til deres efterkommere. Fra århundrede til århundrede har kunsten fået en stadig mere kompleks form.

Kunsten i det primitive samfund bestod af musik, sange, ritualer, dans og billeder, der blev anvendt på dyreskind, jord og andre naturlige genstande. I antikens verden fik kunsten en mere kompleks form. Det udviklede sig i de egyptiske, mesopotamiske, persiske, indiske, kinesiske og andre civilisationer. Hvert af disse centre har sin egen unikke kunststil, som har overlevet mere end et årtusinde og selv i dag har indflydelse på kulturen. Forresten blev antikke græske kunstnere betragtet som de bedste (endnu bedre end moderne mestre) til at skildre menneskekroppen. Kun de formåede på en utrolig måde grundigt at skildre musklerne, kropsholdningen, vælge de korrekte proportioner og formidle naturens naturlige skønhed.

Middelalderen

I middelalderen havde religioner en betydelig indflydelse på kunstens udvikling. Dette gælder især for Europa. Gotisk og byzantinsk kunst var baseret på åndelige sandheder og bibelske emner. På dette tidspunkt, i øst og i islamlandene, blev det antaget, at tegningen af \u200b\u200ben person ikke var mere end oprettelsen af \u200b\u200bet idol, som var forbudt. Derfor var arkitektur, ornamenter til stede i billedkunst, men der var ingen mand. Kalligrafi og smykker udviklede sig. I Indien og Tibet var religiøs dans hovedkunsten efterfulgt af skulptur.

En lang række kunst blomstrede i Kina, de blev ikke påvirket eller presset af nogen religion. Hver æra havde sine egne mestre, hver af dem havde deres egen stil, som de perfektionerede. Derfor bærer hvert kunstværk navnet på den æra, hvor det blev skabt. For eksempel en Ming-vase eller et Tang-maleri. I Japan er situationen den samme som i Kina. Udviklingen af \u200b\u200bkultur og kunst i disse lande var ganske særpræg.

Renæssance

Under renæssancen vendte kunsten igen tilbage til materielle værdier og humanisme. Menneskelige figurer erhverver deres mistede kropslighed, perspektiv vises i rummet, og kunstnere stræber efter at afspejle fysisk og rationel sikkerhed.

I romantikens æra vises følelser i kunsten. Mestrene prøver at vise menneskelig individualitet og dybden af \u200b\u200boplevelsen. Flere kunstneriske stilarter begynder at dukke op som akademisme, symbolik, fauvisme osv. Sandt nok var deres alder kort, og de tidligere retninger, ansporet af rædslen under de oplevede krige, kan man sige, genoplivet fra asken.

Mod modernitet

I det 20. århundrede ledte mestre nye visuelle muligheder og standarder for skønhed. På grund af den stadigt voksende globalisering begyndte kulturer at gribe ind og påvirke hinanden. Eksempelvis blev impressionisterne inspireret af japanske graveringer, og Indiens billedkunst havde en betydelig indflydelse på Picassos arbejde. I anden halvdel af det 20. århundrede blev udviklingen af \u200b\u200bforskellige kunstområder påvirket af modernismen med sin skarpe idealistiske søgen efter sandhed og stive normer. Perioden med samtidskunst kom, da det blev besluttet, at værdier er relative.

Funktioner og egenskaber

Teoretikere inden for kunsthistorie og kulturstudier har til enhver tid sagt, at kunst, som ethvert andet socialt fænomen, har forskellige funktioner og egenskaber. Alle kunstens funktioner er traditionelt opdelt i motiverede og umotiverede.

Ikke-motiverede funktioner er egenskaber, der er integreret i menneskets natur. Kort sagt, kunst er noget, som en person skubbes til af instinkter, og som går ud over det praktiske og nyttige. Disse funktioner inkluderer:

• Grundlæggende instinkt for harmoni, rytme og balance. Her manifesteres kunsten ikke i materiel form, men i en sensuel, indre stræben efter harmoni og skønhed.
• Følelse af mysterium. Det menes, at kunst er en af \u200b\u200bmåderne til at føle en forbindelse med universet. Denne følelse opstår uventet, når man overvejer billeder, lytter til musik osv.
• Fantasi. Takket være kunst har en person evnen til at anvende fantasi uden begrænsninger.
• Adresserer mange. Kunst tillader skaberen at henvende sig til hele verden.
• Ritualer og symboler. Nogle moderne kulturer har levende ritualer, danser og forestillinger. De er slags symboler og nogle gange bare måder at diversificere begivenheden på. I sig selv forfølger de ikke noget mål, men antropologer ser i enhver bevægelse den betydning, der er forbundet med udviklingen af \u200b\u200bnational kultur.

Motiverede funktioner

Kunstens motiverede funktioner er de mål, som skaberen bevidst sætter for sig selv, når han begynder at skabe et kunstværk.

I dette tilfælde kan kunst være:

• Et kommunikationsmiddel. I sin enkleste form er kunst en måde at kommunikere på mellem mennesker, hvorigennem information kan overføres.
• Underholdning. Kunst er i stand til at skabe den rette stemning, hjælper med at slappe af og distrahere fra problemer.
• Af hensyn til forandring. I begyndelsen af \u200b\u200bdet tyvende århundrede blev der skabt mange værker, der fremkaldte politisk forandring.
• Til psykoterapi. Psykologer bruger ofte kunst til medicinske formål. Teknikken baseret på analysen af \u200b\u200bmønsteret gør det muligt at udføre en mere nøjagtig diagnose.
• Af hensyn til protest. Kunst blev ofte brugt til at protestere mod noget eller nogen.
• Propaganda. Kunst kan også være en måde at sprede propaganda på, hvorigennem det er muligt subtilt at påvirke dannelsen af \u200b\u200bnye smag og stemninger hos offentligheden.

Som det kan ses af dets funktioner, spiller kunst en vigtig rolle i samfundets liv og påvirker alle menneskers livssfærer.

Typer og former

Oprindeligt blev kunst betragtet som udelt, det vil sige et generelt kompleks af kreativ aktivitet. For det primitive menneske var der ingen separate eksempler på kunst som teater, musik eller litteratur. Alt blev flettet sammen. Først efter et stykke tid begyndte forskellige typer kunst at dukke op. Dette er navnet på de historisk etablerede former for kunstnerisk refleksion af verden, der bruges til at skabe forskellige midler.

Afhængigt af de anvendte midler skelnes der mellem sådanne kunstformer:

• Litteratur. Bruger mundtlig skrivning til at skabe kunst. Her skelnes der mellem tre hovedtyper - drama, episk og lyrisk poesi.
• Musik. Det er opdelt i vokal og instrumental, for at skabe eksempler på kunst anvendes lydmidler.
• Dans. Plastbevægelser bruges til at skabe nye mønstre. Der er ballet, ritual, balsal, moderne kunst og folkedans.
• Maleri. Ved hjælp af farve vises virkeligheden på et plan.
• Arkitektur. Kunst manifesteres i transformationen af \u200b\u200bdet rumlige miljø med strukturer og bygninger.
• Skulptur. Repræsenterer kunstværker, der har en volumen og tredimensionel form.
• Dekorativ og anvendt kunst. Denne form er direkte relateret til anvendte behov, det er kunstneriske objekter, der kan bruges i hverdagen. For eksempel malede fade, møbler osv.
• Teater. Ved hjælp af skuespil spilles en scenehandling af et bestemt tema og karakter ud på scenen.
• Cirkuset. En slags spektakulær og underholdende handling med sjove, usædvanlige og risikable numre.
• Biograf. Vi kan sige, at dette er udviklingen af \u200b\u200bteatralsk handling, når moderne, audiovisuelle midler stadig bruges.
• Billedet. Det består i at fastsætte visuelle billeder med tekniske midler.

Til de anførte former kan du også tilføje sådanne genrer som popkunst, grafik, radio osv.

Kunstens rolle i menneskelivet

Mærkeligt, men af \u200b\u200ben eller anden grund antages det, at kunsten kun er beregnet til befolkningens øvre lag, den såkaldte elite. Et sådant koncept er angiveligt fremmed for andre mennesker.

Kunst sidestilles normalt med rigdom, indflydelse og magt. Når alt kommer til alt, har netop sådanne mennesker råd til at købe smukke, uanstændigt dyre og absurd ubrugelige ting. Tag for eksempel eremitagen eller Versailles-paladset, som har bevaret rige samlinger af fortidens monarker. I dag kan sådanne samlinger leveres af regeringer, nogle private organisationer og meget velhavende mennesker.

Nogle gange får man det indtryk, at kunstens hovedrolle i en persons liv er at vise andre sin sociale status. I mange kulturer viser dyre og elegante ting en persons position i samfundet. På den anden side blev der for to århundreder siden forsøgt at gøre høj kunst mere tilgængelig for offentligheden. For eksempel blev Louvre i 1793 åbnet for alle (indtil det tidspunkt var det de franske kongers ejendom). Over tid blev denne idé hentet i Rusland (Tretyakov Gallery), USA (Metropolitan Museum) og andre europæiske lande. Alligevel vil folk, der har deres egen kunstsamling, altid blive betragtet som mere indflydelsesrige.

Syntetisk eller ægte

Der er en bred vifte af kunstværker i den moderne verden. De antager forskellige typer, former, skabelsesmidler. Det eneste, der er forblevet uændret, er folkekunst i sin primitive form.

I dag betragtes selv en simpel idé som kunst. Det er takket være ideer, den offentlige mening og kritiske anmeldelser, at sådanne værker som "Black Square", et tesæt dækket med naturlig pels eller et fotografi af Rhinen, der solgte for 4 millioner dollars, er vedvarende succes. Det er svært at kalde disse og lignende genstande for ægte kunst.

Så hvad er ægte kunst? I det store og hele er dette værker, der får dig til at tænke, stille spørgsmål, søge efter svar. Ægte kunst tiltrækker, jeg ønsker at få denne vare til enhver pris. Selv i litteraturen skrev russiske klassikere om denne attraktive styrke. I Gogols historie "Portrættet" bruger hovedpersonen således sine sidste besparelser på at erhverve et portræt.

Virkelig kunst gør altid en person venligere, stærkere og klogere. Besidder uvurderlig viden og erfaring, der er blevet samlet gennem mange generationer, og som nu er tilgængelig i en acceptabel form for opfattelse, har en person mulighed for at udvikle og forbedre.

Ægte kunst sker altid fra hjertet. Det betyder ikke noget, hvad det bliver - en bog, et billede, musik, et skuespil. Seeren vil føle. Han vil helt sikkert føle, hvad skaberen ønskede at formidle. Føl hans følelser, forstå hans tanker, gå med ham på jagt efter svar. Virkelig kunst er en uhørlig samtale mellem en forfatter og en person, hvorefter lytteren / læseren / seeren ikke længere vil være den samme. Dette er hvad ægte kunst er. Et ægte koncentreret bund af følelser. Som Pushkin skrev, skulle det brænde folks hjerter, uanset hvad - et verb, en børste eller et musikinstrument. Sådan kunst skal tjene mennesker og inspirere dem til at ændre sig, underholde når de er triste og inspirere håb, især når det ser ud til at der ikke er nogen udvej. Kun på denne måde kan det ikke være anderledes.

I dag er der mange mærkelige, undertiden endda latterlige genstande, der kaldes kunstværker. Men hvis de ikke er i stand til at "tilslutte sig de levende", kan de ikke a priori forholde sig til kunst.

Kievyan street, 16 0016 Armenien, Yerevan +374 11233255

1. Problematisk og sandsynlig dynamik eller mulighed.

Der er imidlertid ikke behov for at blive båret af, at kun en bliver og kun en handling, der adskiller kunstens genstand fra videnskabens objekt. Det skal hele tiden huskes, at vi inden for kunstområdet ikke kun har at gøre med handling som en organisk struktur for at blive, men at selve dannelsen opstod her i Aristoteles som et resultat af modstand fra kategorisk ræsonnement (såvel som logisk nødvendighed) til en sandsynlig mulighed. Kun ved at benytte denne mulighed inden for ren fornuft i aspektet af en organisk iboende bliver og integreret mulighed, får vi for første gang en mere eller mindre komplet idé om kunstens genstand.

Aristoteles skriver: "... Digterens opgave er ikke at tale om, hvad der skete (ta genomena), men om hvad der kunne være sket, om det mulige ved sandsynlighed eller nødvendighed" (Digter 9, 1451 a 36 - b 1 ). Så Aristoteles en gang for alle brød med kunstens genstand som med den virkelige virkelighed. De bare fakta, taget af sig selv, interesserer ikke digteren. Han er interesseret i, hvad der er afbildet i det, der ikke opfattes i sig selv, men som en kilde til andre mulige objekter og repræsentationer, eller som vi vil sige, emnet for et kunstnerisk billede er altid symbolsk, eller hellere udtryksfulde og symbolske, peger altid på noget andet og opfordrer til noget andet.

Aristoteles tanker i denne henseende lyder ret kategorisk:

"Historikeren 158 og digteren adskiller sig ikke i hvad man siger i poesi, men i prosa. Når alt kommer til alt kunne værkerne af Herodotus sættes i poesi, og alligevel ville det være den samme historie i meter som uden meter. Forskellen er , at den ene taler om, hvad der skete (ta genomena), den anden om, hvad der kunne være sket ”(b 1-6).

2. Den generelle karakter af denne mulighed.

Endelig er det ifølge Aristoteles på ingen måde muligt, at et kunstnerisk objekt, som han kun erklærede som en mulighed, på en eller anden måde kan reduceres - både med hensyn til generalitet og med hensyn til billedets overbevisning. Man skulle tro, at hvis kunstneren bliver instrueret i ikke at skildre, hvad der er, men hvad der måtte være, ville kunstneren være bundet i forhold til skildringen af \u200b\u200bnoget. Nej, det kan ikke være på nogen måde, fordi vi ikke vil glemme, at hele muligheden er taget fra den samme teoretiske grund, som altid kun fungerer i generelle kategorier.

"Poesi indeholder et mere filosofisk og seriøst element end historien: det repræsenterer mere generelt, og historie - privat. Generelt består i at skildre, hvad man har at sige eller gøre efter sandsynlighed eller nødvendighed for en person, der har visse kvaliteter. Dette er hvad poesi stræber efter og giver tegnene navne. Og det særlige, såsom hvad Alcibiades gjorde, eller hvad der skete med ham ”(b 6-12).

3. Kunstens figurative karakter.

Det er vigtigt at bemærke her, at det mulige, som kunsten fortolker, altid er præget af nogle navne. Nu vil vi sige anderledes. Indtil nu handlede det principielt kun om ren eller teoretisk fornuft, der fungerer ved hjælp af generelle kategorier. Men et kunstværk er ikke kun et system af logiske kategorier. Det er altid et billede af visse personer med deres navne og visse handlinger, der sker for disse personer. Aristoteles har allerede talt om handling, men han har endnu ikke talt om kunstværkernes helte. Og først nu siger han, at et kunstværk altid fungerer sammen med den ene eller den anden navne, med visse helte, der bærer bestemte navne. Hvis selve handlingen hovedsagelig er vigtig i komedie, og navnene kan være hvad som helst, og hvis der er navne i iambografien, men handlinger ikke er afbildet (b 12-15), er situationen helt anderledes i tragedie, hvor en bestemt plot er givet. myte, det vil sige et bestemt sæt handlinger og "navne" gives, det vil sige helte, der bærer bestemte navne, der tilhører dem, og da mytologi henviser til fortiden, er spørgsmålet om dens faktiske virkelighed ikke længere hævet. Da der var noget, så kunne det have været; og derfor tilfredsstiller tragedien fuldt ud det kunstneriske mulighedsprincip, for ikke at nævne dets overbevisningsevne, der følger af dette, og følgelig dens ejendommelige realisme, som ikke kun modsiger mulighedsprincippet, men præcist realiserer det mest levende.

Her er hvad vi læser fra Aristoteles om dette:

"Tragedien følger navne fra fortiden. Årsagen til dette er, at en mulig [dvs. i dette tilfælde en hændelse] inspirerer tillid. I muligheden for noget, der endnu ikke er sket, tror vi ikke; men hvad der skete er måske indlysende, da det ikke ville være sket, hvis det ikke var muligt. I nogle tragedier findes der dog kun et eller to berømte navne, mens andre er fiktive, som for eksempel i Agathons "Flower" -begivenheder. og navne, men stadig behagelige "(b 15-23).

Det er ikke kun bredden i Aristoteles kunstneriske horisont, der er vigtig her, men det er også vigtigt her, at han blandt disse argumenter om integriteten, samfundet og den mytologiske billedes ejendommelige realisme ikke glemmer at sige også om fornøjelsen bragt af tragedien (eyphraifiein, eller rettere sagt, det ville blive oversat, "glæde").

Afslutningsvis understreger Aristoteles igen ikke-faktologisk et kunstværk, nemlig at det bliver lavet, fremstillet, kreativt konstrueret, dets virtuøse billedsprog, der ifølge Aristoteles altid realiseres gennem dets effektive skabelse:

"Man bør ikke nødvendigvis sætte som sin opgave at overholde de myter, der er bevaret af traditionen, i det område, hvor tragedien drejer sig. Og det er latterligt at opnå dette, da selv det kendte er kendt for få, og i mellemtiden giver det herfra er det klart, at digteren burde være mere skaberen af \u200b\u200bhandlingen end meter, da han er skaber, for så vidt han reproducerer, og han gengiver handlinger. Selv om han skal skildre virkelige begivenheder, er han stadig en skaber, da intet forhindrer nogle virkelige begivenheder i at have karakteren af \u200b\u200bsandsynlighed og mulighed. Han er deres skaber "(b 23-33).

4. Udtryk som en kunstnerisk objekts æstetiske skarphed.

Nu endelig kommer vi til den aristoteliske forståelse af kunst som en ekspressionssfære. Her bliver det trods alt af sig selv klart, at denne form for teori om et kunstnerisk objekt, ikke kun beregnet for indhold, men for den virtuose formulering af ethvert indhold, der desuden giver specifik fornøjelse, netop er en konsistent æstetik. udtryk, når det ikke er vigtigt, hvad der objektivt eksisterer, og ikke hvad der er fiktivt i rækkefølgen af \u200b\u200bsubjektiv vilkårlighed, men selve udtrykets virtuositet og den specifikke glæde, der er knyttet til det.

og) I det sidste af de foregående citater var vi overbeviste om, at selvom Aristoteles er meget glad for velkendte og forståelige mytologiske plotter, mener han alligevel, at kunstværket i et værk overhovedet ikke afhænger af disse velkendte og forståelige plot. Plots kan være helt ukendte for offentligheden og helt uforståelige i deres nyhed, men alligevel kan offentligheden få æstetisk glæde af disse plot. Og hvorfor? For for Aristoteles i et fiktion, er det ikke "hvad", men "hvordan" det er vigtigt, eller rettere den komplette fusion af begge i et udtryksfuldt og dermed overbevisende formelt-strukturelt billede. Nedenfor vil vi se, hvordan Aristoteles og selve kunstens oprindelse bestemmer den menneskelige tilbøjelighed til at "imitere", det vil sige kreativt at genskabe alt omkring sig og nyde denne form for efterligning.

b) Nu vil vi citere et meget interessant argument af Aristoteles i politik:

"Børn skal undervises i generelle nyttige emner ikke kun med henblik på de fordele, de får af det - såsom at lære at læse og skrive, men også fordi det takket være denne undervisning er muligt at give dem en lang række andre oplysninger Dette er tilfældet med tegning: og det studeres ikke for ikke at falde i fejl i deres egne handlinger eller blive bedraget med at købe eller sælge husholdningsredskaber, men tegning undersøges, fordi det udvikler øjet til at bestemme fysisk skønhed. af høje åndelige kvaliteter og frit fødte "(VIII 3, 1388 a 37 - 1388 b 4).

Med andre ord er et kunstobjekt ifølge Aristoteles lige så vital og neutral og vital. Kunst er en meget specifik sfære, hvor hverken "ja" eller "nej" siges, og alligevel er det altid en sfære med mulige bekræftelser og negationer. Dette er sfæren for udtryksfulde tilkomelser og handlinger. Dette gælder især for musik (Polit. VIII 4-5), som vi vil se i dette senere, når vi overvejer essensen af \u200b\u200bmusik og musikalsk uddannelse.

i) At det smukke generelt er højere end det fysiske, fremgår af Aristoteles 'argumentation (Etik. Nic. III 12) om, at det er behageligt for en knytnævekæmper at modtage en krans og ære, men det gør ondt at modtage slag under en kamp, \u200b\u200bog modige handlinger udføres af hensyn til et smukt mål og for at undgå skam, skønt sår og død på ingen måde er smukke eller behagelige. Aristoteles vil her sige, at det smukke er effektivt, men ikke rent fysisk.

”I kunstværker ligger perfektion (to ey) i sig selv, og det er nok for disse værker at opstå i overensstemmelse med de regler, der ligger i selve kunsten” (II 3, 1105 a 27-28).

"Derfor kan kunst ikke kritiseres for det faktum, at den skildrer forkerte, umulige eller utrolige genstande. Naturligvis ville det være bedre, hvis alt, der er afbildet i kunst, både var objektivt korrekt og objektivt muligt og objektivt sandsynligt, men hvis f.eks. , det er afbildet en hest med to højre ben frem, så kritiserer maleren for dette overhovedet ikke kunsten at male, men kun inkonsekvensen i dens virkelighed. Emnet for et kunstnerisk billede kan endda være objektivt fuldstændig umuligt Men for poesi er det umulige, men sandsynligt, at foretrække, men utroligt "(digter 25, 1460 b 6 - 1461 a 9; 11-12).

Aristoteles antager den virtuose struktur af et kunstværk, når han værdsætter selve forbindelsen mellem begivenheder i tragedien, det vil sige det, han kalder "myte", og ikke begivenhederne i sig selv. Så for eksempel er tragedie ifølge Aristoteles mulig, selv uden at skildre karakterer, men det er på ingen måde muligt uden en trimmet og klart udtrykt forbindelse af begivenheder. Dette gælder også for alle andre kunstarter.

"Uden handling er tragedie umulig, men uden karakter er det muligt" (6, 1450 a 24-25). "Det samme bemærkes blandt kunstnere, for eksempel hvis vi sammenligner Zeuxides med Polygnot: Polygnot er en god karakteristisk maler, og Zeuxides brev har intet karakteristisk" (a 27-29). "Hvis nogen harmonisk kombinerer karakteristiske ordsprog og smukke ord og tanker, vil han ikke udføre tragediens opgaver, men tragedien vil opnå meget mere, skønt den har brugt alt dette i mindre grad, men har et plot og en ordentlig sammensætning af begivenheder "(a 29-33).

Derfor ligger den kunstneriske betydning af tragedien kun i sammensætningen af \u200b\u200bhændelserne, det vil sige i selve dens struktur og ikke i hændelserne som sådan. Den samme ting sker i maleriet.

"Hvis nogen udtværer den bedste maling i et rod, kan han ikke engang give glæde som at tegne en tegning med kridt" (a 33-36).

5. Filosofisk underbyggelse af kunstens strukturelle selvforsyning.

Desværre kan vi i øjeblikket på grund af pladsmangel ikke fuldt ud give den filosofiske underbyggelse af kunstneriets strukturelle natur, som Aristoteles faktisk har. Den første afhandling, der følger kategorierne i Organon, har titlen On Interpretation. Faktum er, at ud over at blive taget af sig selv, er der for en person altid denne eller den fortolkning af den, denne eller den anden fortolkning af den. Denne fortolkning er naturligvis også i forhold til hele kosmos taget som en helhed. Men sådan en fortolkning af kosmos er, som vi godt ved, det kosmiske sind for Aristoteles. I den førnævnte afhandling Aristoteles beskytter rettighederne til menneskelig fortolkning af at være i lyset af at være sig selv. Tolkning har en specifik natur: ikke alt, hvad der er sandt i sig selv, er også sandt i tænkning; og den meget selvmodsigelse, som Aristoteles forbyder at være sig selv, er meget tænkelig. Således er "at være" og "ikke at være" en uacceptabel modsigelse. Imidlertid er der i tankerne foruden den reelle og kategoriske modalitet også andre modaliteter, i forhold til hvilke det ikke giver mening at tale om sandhed eller falskhed. Dette er hele muligheden for mulig eksistens. Det er umuligt at sige om det enten, at det er sandt, da det endnu ikke eksisterer, eller at det er falsk, da det på tidspunktet for muligheden endnu ikke er kategorisk bekræftet. Og det er især slående i denne afhandling, at Aristoteles netop henviser os til poetik og retorik for at overveje denne form for væren, i forhold til hvilken intet bekræftes eller benægtes.

Aristoteles skriver:

"Ikke al tale indeholder [dom], men kun den, der indeholder sandheden eller falskheden i noget, så for eksempel" lyst "(øje) er tale, men ikke sandt eller falsk. Resten af \u200b\u200btyperne af tale udelades. her, for deres undersøgelse er mere passende for retorik eller poetik; kun dom (logos apophanticos) vedrører den nuværende overvejelse "(De fortolker 4, 17 a 2-7).

Umuligheden af \u200b\u200bat anvende positive eller negative domme på kunsten blev således bevist af Aristoteles i en af \u200b\u200bde vigtigste afhandlinger i hans teoretiske filosofi. Kunstnerisk væren er og er ikke. Det er kun en mulighed, kun en problematisk, kun givet og ladet, men på ingen måde et system med domme om at være, positiv eller negativ. Det er kun selve ekspressiviteten og intet andet.

Alle ovenstående domme fra Aristoteles og om Aristoteles kan i andres øjne reducere Aristoteles 'lære om kunst til en tom og meningsløs formalisme. Det ville slet ikke betyde at forstå Aristoteles æstetik. Faktum er, at al denne kunstneriske "mulighed", "neutralitet" og generelt specifik modalitet repræsenterer (og vi har talt om dette mange gange) ikke en form, i modsætning til indholdet, da det er sandt, det er det ikke indhold uden form, men det vil sige i hvilken form og hvilket indhold, der identificeres, i hvad de ikke adskiller sig fra hinanden, og i hvad deres væsen og deres ikke-væren fusionerer, indtil de ikke kan skelnes fuldstændigt. Hvordan kan man så sige, at Aristoteles kun er interesseret i kunst i en af \u200b\u200bdens former og kun i en af \u200b\u200bdens strukturer?

Hele det 17. kapitel af "Poetics" er dedikeret specifikt til spørgsmål om det specifikke design af kunst.

"En tragedie," siger Aristoteles, "skal skrives, så den er klarest, mest overbevisende, og at dens konstituerende scener er mest forståelige. Det mest fascinerende af alle er de digtere, der oplever følelser af samme art. Vrede er den, der er virkelig vred. Som et resultat er poesi lod enten for en person, der er rigt begavet af naturen, eller for en person, der er tilbøjelig til raseri. 34).

Hvor er Aristoteles formalisme, når han skildrer essensen af \u200b\u200bet kunstværk?

Ovenfor er der blevet sagt nok om sådanne "formelle" kategorier af aristotelisk æstetik som "begyndelse", "mellem" og "slut". Vi har allerede prøvet at bevise der, at Aristoteles her ikke har formalisme, men kun en plastisk, skulpturel måde at opleve verden på. Lad os nu se, hvad Aristoteles siger om begrebet en periode og om den æstetiske nydelse, vi får takket være dens strukturelle rækkefølge:

"Jeg kalder en periode en sætning, der i sig selv har en begyndelse, mellem og slutning, og hvis dimensioner er lette at observere. Denne stil er behagelig og forståelig; den er behagelig, fordi den er det modsatte af en ufærdig tale, og lytteren synes altid at fatte noget. og at noget er forbi for ham og ikke at foregribe noget og ikke komme til noget er ubehageligt. ”Sådan tale er forståelig, fordi den er let at huske, og det skyldes det faktum, at periodisk tale har et tal, men antallet er lettere at huske. Derfor husker alle poesi bedre end prosa, da poesi har et tal, som de måles med "(Rhet. III 9, 1409 a 35 - 1409 b 8).

Lad os spørge her, hvor er Aristoteles æstetiske formalisme i vurderingen af \u200b\u200bkunstværker?

Aristoteles, som moralist, står imod alle ekstremer og prædiker overalt midten, moderation. Men med hensyn til kunstgenstande kender han ingen mellemvej og ingen moderering.

"Moderation skal observeres i de lavere, kropslige fornøjelser, men ikke i glæderne fra farven på billederne, fra at lytte til musikalske kompositioner og fra subtile yndefulde lugte." "Vi kalder ikke hverken moderate eller inkontinente dem, der nyder synet, for eksempel blomster eller former eller billeder, selvom der måske for sådanne mennesker er en normal fornøjelse, både overdreven og utilstrækkelig. Det samme skal siges om fornøjelser af hørelse: ingen kalder inkontinente mennesker, der nyder for meget melodier og teaterforestillinger, og kalder ikke dem, der nyder det i moderation, som tempererede. Han kalder heller ikke dem, der elsker duft, nyder duften af \u200b\u200bfrugt, roser eller rygning af urter "(Etik. Nic. III 13, 1118 a 1-9).

En sådan holdning til kunst kan ikke kaldes formalistisk, når man forkynder muligheden for "ingen, der kender noget mål for fordybelse i farver og former, i maleri, i musik og endda i røgelse. Den samme grænseløse æstetiske nydelse af kunst, som vi finder i en anden afhandling og endda i endnu mere detaljeret form (Ethic. Eud. III 2, 1230 b 31).

7. Faren ved at modernisere Aristoteles 'lære om kunst.

Gennemgang af alle de tidligere materialer om kunst af Aristoteles og forsøg på at analysere dem ud fra et synspunkt af kunstnerisk specificitet, støder vi virkelig på en række overraskelser, der normalt ikke er til stede i redegørelserne for Aristoteles æstetik. Selve forskellen mellem dynamisk væsen og rent væsen kan forårsage forvirring blandt mange. Når alt kommer til alt viser det sig ikke mere og intet mindre end det faktum, at kunstnerisk væren hverken er positiv eller negativ, at den ikke siger "ja" eller "nej", at den er neutral i tilværelsen, og at den i sidste ende har sine rødder i det subjektive område af den kreative kunstner. Samtidig er det meget let at blive forvirret og sætte Aristoteles æstetik på samme plan med de moderne nihilistiske idealistiske tanker, der fandt et levende udtryk for sig selv selv i epistemologien fra Mach og Avenarius. Tilsyneladende er forfatteren, der gjorde så meget for at belyse aristotelisk æstetik og overveje det i planen for moderne europæiske og amerikanske teorier, tilbøjelig til denne forkerte position - V. Tatarkevich 159. Han bemærkede meget i Aristoteles, der går langt ud over den traditionelle forståelse og præsentation af Aristoteles; han citerer mange sådanne tekster fra Aristoteles, som også spiller en vigtig rolle i vores land (men kun vi har mange gange flere af disse tekster). V. Tatarkevichs hovedafhandling koger nøjagtigt til det faktum, at Aristoteles angiveligt underviste i kunstens neutrale væsen, hvordan han ifølge denne forfatter og adskiller sig skarpt fra al gammel filosofi (eksklusive Cicero) og hvordan han bestemt er tæt på vores tid. Vi gav også den ovennævnte udviklede doktrin om sindets dynamisk energiske natur i Aristoteles filosofi og citerede også tekster om subjektivitetens forrang frem for objektivitet i Aristoteles kunstteori. Imidlertid bør hele denne side af Aristoteles æstetik ikke i det mindste skjule os og alt andet, vi finder i den.

Hvis Aristoteles virkelig forkyndte denne form for teori, ville V. Tatarkevich have helt ret i, at Aristoteles slet ikke er gammel, men moderne for os kunststeoretikeren. Men en nøje undersøgelse af Aristoteles vidner om, at dette "Machian" -element skal kombineres nøjagtigt og ubetinget med Aristoteles generelle antikke ontologisme, og dets specificitet af et kunstværk skal kombineres med den generelle antikke lære om kunst, natur og væren. Sindet, som Aristoteles lærer, modsiger ikke kun dette dynamisk-energiske koncept, men som vi har bevist mange gange, havde Aristoteles her en ubetinget enhed, og hans ontologisme led slet ikke af dette. For en faktuel karakterisering af tingenes tilstand vil vi ikke nu gå ind på teoretisk ræsonnement, som vi allerede havde mange sider tildelt, men vi vil kun berøre to snævrere emner, hvor det er nemmest at observere Aristoteles generelle antikvitet til en passiv forståelse af det menneskelige subjekt, på trods af hvad det ifølge Aristoteles er i det menneskelige subjekt, at det, der skal kaldes kunst, er rodfæstet.

og) Hvis vi skulle spørge, hvordan en sådan førsteklasses filosof fra oldtiden og en enestående encyklopædist kan føle hele det indre element i kunsten, ville vi blive forbløffet over sløvhed og passivitet i de tilsvarende holdninger. I Aristoteles vises her, som andre steder i antikken, udtrykket enthoysiasmos, "entusiasme", som imidlertid ikke er entusiasme i vores forstand, men snarere noget lidenskabelig spænding, affektiv inspiration. Aristoteles definerer det på denne måde: "Entusiasme er en påvirkning af den etiske orden i vores psyke" (Polit. VIII 5, 1340 a 11-12), og etos, "ethos" her skal forstås ikke i betydningen af \u200b\u200betik, men på samme måde som fransk og engelsk i moderne og moderne tid forstår udtrykket "moralsk", det vil sige i bred psykologisk forstand. Denne entusiasme, som filosofen taler meget om i forhold til musik, betragtes faktisk af ham meget moderat og ædru. Entusiasme, ekstase er selvfølgelig god. Om en mindre digter, Marak af Syracuse, siger Aristoteles (Probl. XXX 1, 954 a 38-39), at han "ville være en bedre digter, hvis han var i ekstase." Men Aristoteles afviser alle ekstreme former for entusiasme og betragter det som en sygdom. Sådanne ekstasier som Hercules, der dræbte sine børn, eller Ajax, der dræbte får i stedet for Atrides, har alle tegn på sygdom for Aristoteles. Den samme afhandling (a 36-38) giver rent fysiologisk forklaring af ekstatiske tilstande. For eksempel handler sibylerne og bakiderne på basis af naturlige morbide dispositioner. Sort galde, usund kost og så videre er årsagerne til denne "entusiasme". Aristoteles inkluderer også mange filosoffer, herunder Empedocles, Socrates og Platon (953 a 27-32), blandt sådanne "melankolske". I stedet for disse unaturlige tilstande giver Aristoteles forfattere meget sunde råd, som den vi for eksempel finder i det 17. kapitel i Poetics:

"Når man komponerer myter og behandler deres sprog, er det nødvendigt at præsentere begivenheder så tæt som muligt foran jeres øjne. Under denne betingelse kan digteren, når han ser dem ganske klart og som om han var til stede under deres udvikling, finde passende og bedst af alt læg mærke til modsætningerne "(1455 a 22-26).

Dette er meget roligt og sundt råd, der sætter spørgsmål om inspiration på et meget realistisk og psykologisk grundlag.

b) Spørgsmålet om fantasi. Vi finder træk ved passivitet i denne forstand også hos Platon. Dette er så meget mere karakteristisk for Aristoteles, som prøver at give en sober psykologisk analyse her. Under indflydelse af ekstase fejler folk ofte billederne af deres egen repræsentation for virkeligheden: "De siger, at repræsentationsbillederne (phantasmata) var virkelige, og at de husker dem" (De memor. 1, 450 b 10-11). Generelt er fantasi meget svagere end ægte sensoriske fornemmelser. I Rhet. I 11, 1370, siger Aristoteles 28-29 direkte: "Repræsentation (fantasi) er en slags svag fornemmelse." Denne passivitet bør imidlertid ikke overskygge os på en anden, meget vigtig side.

i) Faktum er, at Aristoteles, der er modstander af Platon i spørgsmålet om ideer, som vi allerede ved, faktisk ikke benægter eksistensen af \u200b\u200bideer, men placerer dem kun immanent i tingene i virkeligheden. Denne immanentisme kan på den anden side ikke forstås groft. Dette fører kun til det faktum, at ideen, taget sammen med tingen, bliver mere kompleks semantisk tegning, bliver til udtryksfuld form, uden at ophøre med at være ren mening. Her er nøglen til den aristoteliske "chtoiness" eller "form", "eidos". Vi ser den samme symbolik i Aristoteles og i hans psykologi. Hans sjæl betragtes som en ren form af kroppen, men den eksisterer "ikke uden krop" (De an. II 2, 414 a 5-22), som derfor er kroppens semantiske udtryksevne (415 b 7-27). Sensorisk opfattelse har rene eidoer, men ikke uden materie (417 b 28 - 418 a 6). Endelig er den samme lære relativ tænker. Ifølge Aristoteles er tænkning under de samme betingelser som sensorisk opfattelse, det vil sige det er en passiv tilstand under indflydelse af den tænkelige (III 4, 429 a 13-15). Men selve tanken er netop sådan, at den ikke forårsager hengivenhed, og derfor ligger sindet strengt taget uden for lidelse. Den indeholder eidoer og er styrken i alt, hvad der kan tænkes. Som altænker indeholder han ikke nogen urenhed i sig selv. Han er kun styrken ved en komplet tanke. Og han har absolut ingen del i kroppen, da han ellers ville være varm eller kold og ville have en slags organ. Han - sted for eidos, og frem for alt potentiel. Udviklet tænkning skaber allerede tankens entelechy; her - entelechy eidos (429 a 15 - b 10). Men sindet er ikke kun rent og aktivt. Han lider også, fordi han ikke altid tænker. Da sindet er i sig selv, tænker det sig selv, uafhængigt af noget fornuftigt - det er en tanke om tanke og derfor sin egen udtryk finder i selvbevidsthed (i dette tilfælde er tænkning og tanke identiske, 430 a 3-5). For så vidt han tænker andet, når han som sådan er påvirket af denne anden, finder han sit udtryk i figurativ tænkning, eller bedre intuitivt realiseret gennem en særlig mental repræsentant for tænkning.

Her gentages den samme ufrivillige antinomi i Aristoteles, som vi kan sige i andre problemer: sjælen er ikke en krop, men ikke uden en krop; sensation er ikke bevægelse, men ikke uden bevægelse. I forhold til sindet siger Aristoteles direkte: "Sjælen tænker aldrig uden et billede" (aney phantasmatos) (III 7, 431 a 16-17), og billeder bringer den samme "forandring" til tanker, eller ifølge vores fortolkning, "udtryk", hvad det tilsvarende lysmiljø bidrager til farven generelt.

"Tænkningsprincippet tænker eidoer i billeder" (413 b 2).

"Da der ganske vist ikke er en eneste ting, der ville eksistere adskilt fra (dens) sanseligt mærkbare størrelser, er det tænkelige angivet i filt eidos, mens - både de såkaldte abstrakte objekter og dem, der er forbundet med tilstande og dermed - intet, der opfatter sanseligt, kan hverken genkende eller forstå noget, og når han mentalt overvejer, skal han samtidig overveje et bestemt billede af fantasien (fantasma), da dette billede eksisterer som billeder af opfattelsen (hösper aithёmata), bortset fra [iboende i disse sidstnævnte Eftersom fantasi adskiller sig fra bekræftelse og benægtelse, så er sandhed eller løgn denne eller den anden kombination af tanker. Men hvordan adskiller primære tanker sig fra sensoriske billeder? Naturligvis er de ikke [blot] andre billeder, men de er - ikke uden billeder "(III 8, 432 a 3-14).

Sindet er "rent" (III 5, 430 a 18 osv.), "Eidos af eidos" (III 8, 432 a 1), er ikke noget i bevægelse (III 9, 432 b 26-27) og er ikke engang en sjæl overhovedet (II 2, 414 a 4-14) og på den anden side energisk er det umuligt uden sensualitet. Her er en komplet gentagelse af det problematiske, som vi generelt angiver i metafysik: eidoser er ikke fakta, men de har kun reel betydning i ting, hvor de får deres endelige udtryk. Og da der er energi - meningsfuld udtryksevne symbolsk givet i ting, så her er tænkning symbolsk givet i sensoriske billeder, alt sammen den samme meningsfulde udtryksevne.

d) Det er ikke svært at se, hvor tynd udskriften er passivitet ligger i al denne symbolske beskrivende æstetik fra Aristoteles. For ham er fantasi en meget afbalanceret, rolig forbindelse mellem ren tanke og sensuel billedsprog, som gør ren tanke til billedlig figurativitet og ekspressivitet og gør sensuel billedsprog fra blinde og døve gennemsigtigt symbolsk og kunstnerisk. Denne forbindelse er naturligvis elementær: den postuleres af al æstetik på den allerførste side af deres undersøgelse af kunstens psykologi. Socrates krævede det samme, som vi ved, af kunstnere; Platon brugte bevidst "sensualitet" til at konstruere sin "sandsynlige myte" i Timaeus; Plotinus vil også huske sit rene sind ved kropslige tegn osv. etc. Men al gammel æstetik forstår denne grundlæggende forbindelse. internt passivt, kontemplativt, "klassisk"; Aristoteles, i modsætning til de dialektiske konstruktioner af platonismen inden for selvbevidsthedsfeltet (moden form - i plot V 3) og i modsætning til stoisk-epikurisk naturalisme ("udstrømning", "sjælens atomer" osv.) , giver udtryksfuld-semantisk beskrivelse af fantasi, giver en ekspressiv fænomenologi af denne generelle antikke passive-plastiske bevidsthed hos kunstneren.

Kunst koncept

Ordet " kunst" både på russisk og på mange andre sprog bruges det i to sanser:

• i smal fornemme, at det er en bestemt form for praktisk-åndelig mestring af verden;
• i bred - det højeste niveau af dygtighed, dygtighed, uanset hvordan de manifesteres (kunsten at komfur-maker, læge, bager osv.).

- et specielt undersystem af den åndelige sfære i samfundets liv, som er en kreativ gengivelse af virkeligheden i kunstneriske billeder.

Oprindeligt blev kunst kaldt en høj grad af dygtighed i enhver virksomhed. Denne betydning af ordet er stadig til stede på sproget, når vi taler om en læge eller lærer, om kampsport eller talekunst. Senere blev begrebet "kunst" i stigende grad brugt til at beskrive specielle aktiviteter med det formål at reflektere og transformere verden i overensstemmelse med æstetiske normer, dvs. i henhold til skønhedens love. Samtidig er ordets oprindelige betydning bevaret, da den højeste dygtighed kræves for at skabe noget smukt.

Emne kunst er verden og mennesket i deres samlede forhold til hinanden.

Form for eksistens kunst - et kunstværk (digt, maleri, leg, film osv.).

Kunst bruger også special betyder for gengivelse af virkeligheden: for litteratur er det et ord, for musik - lyd, for kunst - farve, for skulptur - volumen.

formål kunst er dobbelt: for skaberen er det kunstnerisk selvudfoldelse, for seeren - nydelsen af \u200b\u200bskønhed. Generelt er skønhed lige så tæt forbundet med kunst som sandhed er med videnskab, og godt er med moral.

Kunst er en vigtig komponent i menneskehedens åndelige kultur, en form for erkendelse og afspejling af virkeligheden omkring en person. Med hensyn til potentialet for at forstå og transformere virkeligheden er kunst ikke ringere end videnskaben. Imidlertid er måderne til at forstå verden ved videnskab og kunst forskellige: hvis videnskab bruger strenge og utvetydige begreber til dette, så er kunst -.

Kunst, som en uafhængig og som en gren af \u200b\u200båndelig produktion, voksede ud af produktionen af \u200b\u200bmateriale, blev oprindeligt vævet ind i det som et æstetisk, men rent utilitaristisk øjeblik. en kunstner af natur og overalt stræber han efter at bringe skønhed på en eller anden måde. Æstetisk menneskelig aktivitet manifesteres konstant i hverdagen, det sociale liv og ikke kun i kunsten. Det sker æstetisk udforskning af verden en offentlig person.

Funktioner af kunst

Kunst udfører en serie offentlige funktioner.

Funktioner af kunst kan skelnes, sammenfattende hvad der er blevet sagt:

• æstetisk funktion giver dig mulighed for at gengive virkeligheden i henhold til skønhedens love, danner en æstetisk smag;
• social funktion manifesterer sig i det faktum, at kunsten har en ideologisk indvirkning på samfundet og derved transformerer den sociale virkelighed;
• kompenserende funktion giver dig mulighed for at gendanne mental balance, løse psykologiske problemer, "flygte" et stykke tid fra den grå hverdag, kompensere for manglen på skønhed og harmoni i hverdagen;
• hedonisk funktion afspejler kunstens evne til at bringe glæde for en person;
• kognitiv funktion giver dig mulighed for at kende virkeligheden og analysere den ved hjælp af kunstneriske billeder;
• forudsigende funktion afspejler kunstens evne til at lave prognoser og forudsige fremtiden;
• uddannelsesfunktion manifesterer sig i kunstværkernes evne til at forme en persons personlighed.

Kognitiv funktion

Først og fremmest er det kognitiv fungere. Kunstværker er værdifulde informationskilder om komplekse sociale processer.

Selvfølgelig er ikke alt i verden omkring os interesseret i kunst, og hvis den gør det, er det i forskellig grad, og selve kunstens tilgang til genstanden for dens erkendelse, perspektivet på dens vision, meget specifik i sammenligning med andre former for social bevidsthed. Hovedformålet med viden i kunsten har altid været og forbliver. Derfor kaldes kunst generelt og især fiktion menneskelige studier.

Uddannelsesfunktion

Uddannelsesmæssigt funktion - evnen til at have en vigtig indflydelse på den ideologiske og moralske dannelse af en person, dens selvforbedring eller fald.

Og alligevel er de kognitive og uddannelsesmæssige funktioner ikke specifikke for kunsten: andre former for social bevidsthed udfører også disse funktioner.

Æstetisk funktion

Den specifikke funktion af kunst, der gør den til kunst i ordets sande forstand, er dens æstetisk fungere.

Opfattelse og forståelse af et kunstværk assimilerer vi ikke kun dets indhold (som indholdet af fysik, biologi, matematik), men vi sender dette indhold gennem hjertet, følelser, giver sensuelt konkrete billeder skabt af kunstneren en æstetisk vurdering som smuk eller grim, sublim eller base, tragisk eller komisk. Kunst former i os evnen til at give lignende æstetiske vurderinger, at skelne mellem det virkelig smukke og sublime fra alle slags ersatz.

Hedonisk funktion

Kognitiv, uddannelsesmæssig og æstetisk smeltes sammen i kunsten. Takket være det æstetiske øjeblik nyder vi indholdet af et kunstværk, og det er i glæde, at vi bliver oplyst og uddannet. I denne henseende taler de om hedonistisk (oversat fra græsk - fornøjelse) fungere kunst.

I mange århundreder har der i den sociofilosofiske og æstetiske litteratur været en tvist om forholdet mellem skønhed i kunst og virkelighed. I dette tilfælde findes to hovedpositioner. Ifølge en af \u200b\u200bdem (i Rusland blev det støttet af N.G. Chernyshevsky) er skønhed i livet altid og i alle henseender højere end skønhed i kunsten. I et sådant tilfælde vises kunsten som en kopi af selve virkelighedens typiske karakterer og objekter og et stedfortræder for virkeligheden. Naturligvis foretrækkes et alternativt koncept (G.V.F. Hegel, A.I. Herzen osv.): Skønhed i kunsten er højere end skønhed i livet, da kunstneren ser mere præcist og dybere, føler sig stærkere og lysere, og det er derfor, han kan inspirere sin andres kunst. Ellers (at være et surrogat eller endda en duplikat) ville samfundet ikke have brug for kunst.

Kunstværkerbliver objektet legemliggørelse af menneskelig geni, blive den vigtigste åndelige og værdier, der overføres fra generation til generation, ejendommen til det æstetiske samfund. Mestring af kultur og æstetisk uddannelse er umulig uden at blive involveret i kunst. Kunstværkerne fra de sidste århundreder fanger den åndelige verden i tusinder af generationer uden at mestre, hvilken person ikke kan blive en person i ordets sande betydning. Hver person er en slags bro mellem fortid og fremtid. Han skal mestre, hvad den forrige generation efterlod ham, kreativt forstå hans åndelige oplevelse, forstå hans tanker, følelser, glæder og lidelser, op- og nedture og videregive alt dette til efterkommere. Dette er den eneste måde, hvorpå historien bevæger sig, og i denne bevægelse tilhører en enorm hær kunst, der udtrykker kompleksiteten og rigdommen i en persons åndelige verden.

Typer af kunst

Den primære kunstform var speciel synkretisk (udelt) kompleks af kreativ aktivitet. For det primitive menneske var der ingen separat musik eller litteratur eller teater. Alt blev smeltet sammen i en enkelt rituel handling. Senere begyndte visse typer kunst at skille sig ud fra denne synkretiske handling.

Typer af kunst - dette er historisk etablerede former for kunstnerisk refleksion af verden ved hjælp af specielle midler til at opbygge et billede - lyd, farve, kropsbevægelse, ord osv. Hver af kunsttyperne har sine egne specielle varianter - genrer og genrer, som tilsammen giver en række kunstneriske holdninger til virkeligheden. Lad os kort overveje hovedtyperne af kunst og nogle af deres sorter.

Litteratur bruger verbale og skriftlige midler til at oprette billeder. Der er tre hovedtyper af litteratur - drama, episk og lyrisk poesi og adskillige genrer - tragedie, komedie, roman, historie, digt, elegie, historie, essay, feuilleton osv.

musik bruger lydhjælpemidler. Musik er opdelt i vokal (beregnet til sang) og instrumental. Musikgenrer - opera, symfoni, ouverture, suite, romantik, sonate osv.

Dans bruger midlerne til plastikbevægelser til at oprette billeder. Tildel ritual, folkemusik, balsal,

moderne dans, ballet. Retningslinjer og dansestil - vals, tango, foxtrot, samba, polonaise osv.

Maleri viser virkeligheden på et plan ved hjælp af farve. Malergenrer - portræt, stilleben, landskab såvel som hverdag, animalistisk (billeder af dyr), historiske genrer.

Arkitektur danner et rumligt miljø i form af strukturer og bygninger til menneskeliv. Det er opdelt i boliger, offentlige, have og parker, industrielle osv. Der er også arkitektoniske stilarter - gotisk, barok, rokoko, jugendstil, klassicisme osv.

Skulptur skaber kunstværker, der har volumen og tredimensionel form. Skulpturen er rund (buste, statue) og lettelse (konveks billede). Med hensyn til størrelse er den opdelt i staffeli, dekorativ og monumental.

kunst og kunsthåndværk relateret til applikationsbehov. Dette inkluderer kunstneriske objekter, der kan bruges i hverdagen - fade, stoffer, værktøj, møbler, tøj, smykker osv.

Teater organiserer en særlig sceneoptræden gennem skuespillernes spil. Teatret kan være dramatisk, opera, marionet osv.

Cirkuset præsenterer en spektakulær og underholdende handling med usædvanlige, risikable og sjove numre i en speciel arena. Disse er akrobatik, balancegang, gymnastik, ridning, jonglering, magiske tricks, pantomime, klovneri, dyretræning osv.

Biograf er udviklingen af \u200b\u200bteaterforestillinger baseret på moderne tekniske audiovisuelle midler. Filmtyperne inkluderer fiktion, dokumentar, animation. Komediefilm, dramaer, melodramaer, eventyrfilm, detektivhistorier, thrillere osv. Er kendetegnet ved genrer.

Billedet tager dokumentariske visuelle billeder ved hjælp af tekniske midler - optisk og kemisk eller digital. Fotografiets genrer svarer til maleriets genrer.

Scene inkluderer små former for scenekunst - dramaturgi, musik, koreografi, illusioner, cirkushandlinger, originale forestillinger osv.

Til de listede kunsttyper kan du tilføje grafik, radiokunst osv.

For at vise de fælles træk ved forskellige typer kunst og deres forskelle foreslås forskellige grunde til deres klassificering. Så der er typer kunst:

• efter mængden af \u200b\u200banvendte midler - enkle (maleri, skulptur, poesi, musik) og komplekse eller syntetiske (ballet, teater, biograf);
• i henhold til forholdet mellem kunstværker og virkelighed - billedlig, skildring af virkelighed, kopiering af den (realistisk maleri, skulptur, fotografering) og ekspressiv, hvor kunstnerens fantasi og fantasi skaber en ny virkelighed (ornament, musik);
• i forhold til rum og tid - rumlig (billedkunst, skulptur, arkitektur), tidsmæssig (litteratur, musik) og rumtid (teater, biograf);
• på tidspunktet for forekomsten - traditionel (poesi, dans, musik) og ny (fotografering, biograf, tv, video), der normalt bruger ret komplekse tekniske midler til at opbygge et billede;
• alt efter graden af \u200b\u200banvendelighed i hverdagen - anvendt (kunst og kunsthåndværk) og yndefuld (musik, dans).

Hver art, genre eller genre afspejler en særlig side eller facet af menneskelivet, men tilsammen giver disse kunstkomponenter et omfattende kunstnerisk billede af verden.

Behovet for kunstnerisk skabelse eller nydelse af kunstværker øges med væksten i en persons kulturelle niveau. Kunst bliver jo mere nødvendig jo længere en person er fra dyrets tilstand.