Metodisk arbejde med emnet: "Udviklingen af ​​musikalsk fantasifuld tænkning". Speciale: Udvikling af musikalsk tænkning hos yngre skolebørn i musiktimerne Musik og billedkunst

Musikalsk-figurativ tænkning er en nødvendig betingelse for opfattelsen eller gengivelsen af ​​et musikværks kunstneriske indhold. Det er kendetegnet ved at være baseret på figurativt materiale. Musikalske billeder er innationalt meningsfulde lydsekvenser, hvis indhold er en persons følelser, følelser og oplevelser.
Det er kendt, at det kunstneriske indhold i et musikværk kommer til udtryk gennem melodi, rytme, tempo, dynamik osv., som generelt er et specifikt musiksprog. Udviklingen af ​​musikalsk-figurativ tænkning forudsætter derfor først og fremmest en forståelse af musikkens sprog og en bevidsthed om, at musikken ikke skildrer den synlige verden, men primært udtrykker en persons sanselige holdning til denne verden. . Og dens skildring er kun begrænset af onomatopoeia (f.eks. fuglesang), forbindelser mellem auditive fornemmelser og visuelle fornemmelser, association (fuglesang er et billede af en skov, høje lyde er lette, lette, tynde; lave lyde er mørke, tunge, tykke ).

Et karakteristisk træk ved musik er, at den er blottet for objektiv visualisering. De samme følelser, og dermed den lydlige intonation af deres udtryk, kan være forårsaget af forskellige omstændigheder, fænomener eller objekter. Derfor giver opfattelsen af ​​et musikalsk billede en vis vanskelighed. En af hovedmetoderne til at udvikle en forståelse af musikkens figurative udtryksevne er derfor metoden til at konkretisere billedet ved at analysere en sekventiel kæde: præsentationen af ​​et objektivt billede (for eksempel en dansescene), de følelser, som fremkaldes af denne objektivt billede, midlet til musikalsk udtryk for disse følelser.

Indholdet af en musikalsk-figurativ præsentation er først og fremmest foranlediget af stykkets genre, dets form, navn, teksten i sangen osv., og udtryksmidlerne er altid forudbestemt af musicalens forfatter. arbejde. Hele spørgsmålet er således sammen med eleven at finde ud af, hvilke følelser det præsenterede objektbillede fremkalder, og at vise ham, hvordan de fremkaldte følelser afspejles i et givent musikstykke.
I processen med at analysere denne kæde er det nødvendigt at undgå at overbelaste elevens tænkning med overdreven detaljering af emnebilledet og tilstræbe et minimum af generaliseringer. Formålet med analysen er at finde ud af, hvilken følelsesmæssig tilstand (stemning) eller viljemæssig kvalitet af en person forårsager et givet objektbillede, det vil sige glæde, sjov, munterhed, ømhed, modløshed, tristhed; eller - betænksomhed, beslutsomhed, energi, tilbageholdenhed, vedholdenhed, mangel på vilje, seriøsitet osv. Derefter analyseres de musikalske udtryksmidler, der er karakteristiske for en bestemt stemning eller viljekvalitet: harmoni, tempo, dynamik, lydangreb (hårdt hhv. blød) anden.
Det vigtigste udtryksmiddel er naturligvis melodien - dens intonationskarakter, rytmiske organisering, opdeling i motiver, fraser, perioder osv., som opfattes på samme måde som tale, der påvirker ikke kun lyd, men også betydning. Denne omstændighed er meget vigtig for udviklingen af ​​musikalsk-figurativ tænkning, især analogien af ​​den innationale betydning af melodien af ​​følelsesmæssigt rig tale. Faktisk, ved begyndelsen af ​​at lære at spille på knapharmonika, har eleven allerede en vis livserfaring: han kan skelne de følelsesmæssige tilstande af mennesker omkring ham, skelne deres viljemæssige kvaliteter, ved, hvordan man opfatter og gengiver følelsesmæssigt rig tale, desuden, han har også en vis musikalsk erfaring. Alt dette er en nødvendig og naturlig forudsætning for en vellykket udvikling af en forståelse af den innationale betydning af en melodi, og dermed udviklingen af ​​musikalsk-figurativ tænkning. Hele spørgsmålet er at stole dygtigt på denne erfaring og bruge den som tidligere erhvervet viden og færdigheder.

Inden for psykologien har man fastslået, at kunstnerisk tænkning er at tænke i billeder baseret på specifikke ideer. I moderne musikpsykologi betragtes det kunstneriske billede af et musikalsk værk som enheden af ​​tre principper - materielle, spirituelle og logiske.

Det materielle grundlag for et musikalsk værk fremstår i form af akustiske karakteristika af klingende stof, som kan analyseres ud fra parametre som melodi, harmoni, metrorytme, dynamik, klang, register, tekstur. Men alle disse ydre kendetegn ved et værk kan ikke i sig selv give fænomenet et kunstnerisk billede. Et sådant billede kan kun opstå i lytterens og udøverens sind, når han forbinder sin fantasi, vilje til disse akustiske parametre i værket og farver det klingende stof ved hjælp af sine egne følelser og stemninger. Et musikstykkes musikalske tekst og akustiske parametre udgør således dets materielle grundlag. Det materielle grundlag for et musikstykke, dets musikalske stof er bygget i overensstemmelse med den musikalske logiks love. De vigtigste midler til musikalsk udtryksevne - melodi, harmoni, metrorytme, dynamik, tekstur - er måder at kombinere, generalisere musikalsk intonation, som ifølge B.V. Asafievs definition er hovedbæreren af ​​meningsudtryk

Åndeligt grundlag - stemninger, associationer, forskellige fantasifulde visioner, der skaber et musikalsk billede.

Det logiske grundlag er den formelle organisering af et musikstykke ud fra dets harmoniske struktur og rækkefølge af dele, som udgør den logiske komponent i det musikalske billede. Intonation, underlagt lovene for musikalsk tænkning, bliver en æstetisk kategori i et stykke musik, der kombinerer følelsesmæssige og rationelle principper. At opleve den ekspressive essens af et musikalsk kunstnerisk billede, forstå principperne for materiel konstruktion af lydstof, evnen til at legemliggøre denne enhed i en kreativ handling - at komponere eller fortolke musik - det er, hvad musikalsk tænkning i aktion er.

Når der er en forståelse af alle disse principper for det musikalske billede i både komponistens, performerens og lytterens sind, kun da kan vi tale om tilstedeværelsen af ​​ægte musikalsk tænkning.

Ud over tilstedeværelsen i det musikalske billede af de tre ovennævnte principper - følelse, lydende stof og dens logiske organisering - er der en anden vigtig komponent i det musikalske billede - udøverens vilje, der forbinder sine følelser med det akustiske lag af det musikalske arbejde og bringer dem til lytteren i al pragt af mulig perfektion. Det sker sådan, at en musiker meget subtilt mærker og forstår indholdet af et musikstykke, men i hans egen fremførelse af forskellige årsager (manglende teknisk beredskab, spænding ...), viser den faktiske fremførelse sig at have ringe kunstnerisk værdi . Og det er de frivillige processer, der er ansvarlige for at overvinde vanskeligheder med at nå målet, der viser sig at være en afgørende faktor i implementeringen af, hvad der blev udtænkt og oplevet i processen med hjemmeforberedelse.

For udviklingen og selvudviklingen af ​​en musiker, baseret på det, der er blevet sagt, viser det sig at være meget vigtigt at forstå og korrekt organisere alle aspekter af den musikalske kreative proces, fra dens forestilling til dens konkrete legemliggørelse i en komposition eller forestilling. . Derfor viser det sig, at musikerens tænkning hovedsageligt er koncentreret om følgende aspekter af hans aktivitet:

• - gennemtænke værkets figurative struktur - mulige associationer, stemninger og tankerne bag.
• - tænkning af værkets materielle stof - logikken i udviklingen af ​​tanken i en harmonisk struktur, særpræg af melodi, rytme, tekstur, dynamik, agogi, formdannelse.
• - finde de mest perfekte måder, midler og midler til at legemliggøre tanker og følelser på et instrument eller på musikpapir.

"Jeg har opnået, hvad jeg ville" - dette er det sidste punkt i musikalsk tænkning i processen med at udføre og komponere musik "- sagde GG Neigauz.

Professionel amatørisme. I moderne musikundervisning hersker der ret ofte træning af elevernes professionelle spilleevner, hvor genopfyldningen af ​​teoretisk viden er langsom. Musikernes ringe viden om musik giver anledning til at tale om den berygtede "professionelle amatørisme" hos instrumentalmusikere, der ikke ved noget, der går ud over den snævre kreds af deres umiddelbare specialisering. Behovet for at lære flere stykker i løbet af det akademiske år i henhold til et givet program giver ikke tid til sådanne typer aktiviteter, der er nødvendige for en musiker, som at lytte, transponere, læse læsning, spille i et ensemble.

Som et resultat af ovenstående kan der identificeres en række forhold, der hindrer udviklingen af ​​musikalsk tænkning i uddannelsesprocessen:

• 1. Studerende til musikalsk optræden i deres daglige praksis beskæftiger sig med et begrænset antal værker, mestrer det pædagogiske og pædagogiske repertoire, der er minimalt volumenmæssigt.
• 2. En lektion i en optrædende klasse, der i det væsentlige bliver til en træning af professionelle spilleegenskaber, er ofte udtømt i indhold - genopfyldningen af ​​teoretisk og generaliserende viden sker blandt elever-instrumentalister langsomt og ineffektivt, den kognitive side af træningen er lav.
• 3. Undervisning har i en række tilfælde en udtalt autoritær karakter, orienterer eleven til at følge det fortolkningsmønster, læreren har opstillet, uden at udvikle tilstrækkelig selvstændighed, aktivitet og kreativt initiativ.
• 4. De færdigheder og evner, der dannes i processen med at lære at spille et musikinstrument, viser sig at være begrænsede, ikke brede nok og universelle. (Eleven demonstrerer manglende evne til at gå ud over den snævre kreds af skuespil, der er udarbejdet hånd i hånd med læreren i praktisk legeaktivitet).

At udvide den musikalske og generelle intellektuelle horisont bør være en konstant bekymring for en ung musiker, fordi det forbedrer hans professionelle evner.

For at udvikle tankefærdigheder i processen med at opfatte musik, anbefales det:

• - at identificere hovedintonationskornet i arbejdet;
• - at ved gehør bestemme stilretningen for et musikstykke;
• - at identificere de særlige kendetegn ved opførelsesstilen ved fortolkning af det samme værk af forskellige musikere;
• - bestemme ved øret harmoniske sekvenser;
• - at udvælge litteratur- og maleriværker til en musikalsk komposition i overensstemmelse med dens figurative struktur.

For at udvikle tankefærdigheder i udførelsen, bør du:

• - at sammenligne opførelsesplanerne for musikværker i deres forskellige udgaver;
• - at i et musikstykke finde de førende intonationer og støttepunkter, langs hvilke den musikalske tanke udvikler sig;
• - udarbejde flere præstationsplaner for det samme musikstykke;
• - opføre værker med forskellige imaginære orkestrationer.

Afhængig af den specifikke type aktivitet i den musikalske tænkning kan der enten herske en visuel-figurativ begyndelse, som vi kan observere, når vi opfatter musik, eller en visuel effektiv, som det sker, når man spiller på et musikinstrument, eller abstrakt viden med lytterens livserfaring.

I alle disse typer aktiviteter - skabelsen af ​​musik, dens fremførelse, opfattelse - er der nødvendigvis billeder af fantasien, uden hvis arbejde ingen fuldgyldig musikalsk aktivitet er mulig. Når komponisten skaber et stykke musik, opererer komponisten med imaginære lyde, tænker over logikken i deres anvendelse, vælger intonationer, der bedst formidler følelser og tanker på tidspunktet for at skabe musikken. Når kunstneren begynder at arbejde med den tekst, som komponisten har givet ham, så er hovedmidlet til at formidle det musikalske billede hans tekniske færdighed, ved hjælp af hvilken han finder det ønskede tempo, rytme, dynamik, agogi, klang. En forestillings succes viser sig meget ofte at hænge sammen med, hvor godt den optrædende føler og forstår det holistiske billede af et musikstykke. Lytteren vil kunne forstå, hvad komponisten og udøveren ønskede at udtrykke, hvis musikkens lyde i sine indre repræsentationer kan fremkalde de livssituationer, billeder og associationer, der svarer til ånden i det musikalske værk. Ofte reagerer en person med rigere livserfaring, som har oplevet og set meget, selv uden at have nogen særlig musikalsk erfaring, dybere på musik end en person med musikalsk træning, men har oplevet lidt.

Forbindelsen af ​​musikalsk fantasi med lytterens livserfaring

Afhængigt af deres livserfaring kan to mennesker, der lytter til det samme musikstykke, forstå og vurdere det på helt forskellige måder, se forskellige billeder i det. Alle disse træk ved opfattelsen af ​​musik, dens fremførelse og skabelse skyldes fantasiens arbejde, der ligesom fingeraftryk aldrig kan være det samme selv for to personer. Den musikalske fantasis aktivitet er tæt forbundet med musikalske og auditive repræsentationer, dvs. evnen til at høre musik uden at stole på dens rigtige lyd. Disse forestillinger udvikler sig på baggrund af opfattelsen af ​​musik, som giver øret et levende indtryk af den direkte klingende musik. Den musikalske fantasis aktivitet bør dog ikke slutte med det indre øres arbejde. B.M. Teplov pegede med rette på dette og sagde, at auditive repræsentationer næsten aldrig er auditive og bør omfatte visuelle, motoriske og andre øjeblikke.

Det er næppe nødvendigt at forsøge fuldstændigt at oversætte musikbilledernes sprog til den begrebsmæssige betydning udtrykt i ord. PI Tjajkovskijs udsagn om hans fjerde symfoni er velkendt, "Symfonien," mente PI Tjajkovskij, "bør udtrykke, hvad der ikke er ord for, men hvad der bliver bedt om fra sjælen, og hvad der ønsker at blive udtrykt". Ikke desto mindre har studiet af de omstændigheder, hvorunder komponisten skabte sit værk, sin egen holdning og verdensbillede af den æra, han levede i, indflydelse på dannelsen af ​​den kunstneriske opfattelse af udførelsen af ​​et musikalsk værk. Det er kendt, at softwareprodukter, dvs. de, som komponisten giver navn, eller som er indledt med særlige forfatterforklaringer, er lettere at forstå. I dette tilfælde skitserer komponisten så at sige den kanal, langs hvilken kunstnerens og lytterens fantasi vil bevæge sig, når de stifter bekendtskab med hans musik.

På skolen I.P. Pavlova opdeler mennesker i kunstneriske og mentale typer, afhængigt af hvilket signalsystem en person er afhængig af i sine aktiviteter. Når man stoler på det første signalsystem, som hovedsageligt opererer med konkrete repræsentationer, mens man refererer direkte til følelse, taler man om en kunstnerisk type. Når man stoler på et andet signalsystem, der regulerer adfærd ved hjælp af ord, taler man om en tænkende type.

Når man arbejder med børn af en kunstnerisk type, behøver læreren ikke at spilde en masse ord, fordi eleven i dette tilfælde intuitivt forstår indholdet af værket med fokus på melodiens art, harmoni, rytme og andre midler. af musikalsk udtryk. Det var om sådanne elever, at G.G. Neigauz sagde, at de ikke havde brug for yderligere verbale forklaringer.

Når man arbejder med elever af en mental type, viser en ydre impuls fra læreren sig at være afgørende for deres forståelse af et musikalsk værk, som ved hjælp af forskellige sammenligninger, metaforer, figurative associationer aktiverer sin elevs fantasi og årsager. følelsesmæssige oplevelser i ham, der ligner dem, der er tæt på den følelsesmæssige struktur af det arbejde, der læres. ...

barnet, eller rettere, graden af ​​dets udvikling, har stor indflydelse på præstationerne i musikundervisningen. Billeder udtrykker jo altid følelser, og følelser er hovedindholdet i næsten enhver musik.

Desværre er børns leg meget sjældent følelsesmæssigt-figurativt interessant, oftest kan man høre et tørt, akademisk sæt af lyde. Det er godt, hvis det er præcis de lyde, som komponisten havde til hensigt. Det er endnu bedre, hvis varigheden af ​​noterne er beregnet nøjagtigt.

Nå, og hvis tempoet er tæt på nutiden, hvad mere kan man så ønske sig? Alle opgaver er løst. Men at lytte til sådan et spil er utroligt kedeligt. Nogle gange tænker man: "Det ville være bedre, at der var noget galt, men med en livlig følelsesmæssig reaktion."

Men for at denne reaktion skal dukke op, har barnet brug for en meget oprigtig interesse for, hvad han laver ved klaveret. I denne sag er hovedopgaven at opnå en levende følelsesmæssig reaktion på musik. Sådan en reaktion, så barnet simpelthen "sprænger" af utålmodighed for at fortælle med lyde om alle de levende billeder, der lever i musikken.

Og for dette er det ekstremt vigtigt, at han først hørte disse billeder i musik. Men børn i den alder, hvor de begynder at lære musik, har endnu ikke udviklet abstrakt tænkning, så den klingende musik fremkalder ikke altid i dem en associativ række af billeder tæt på dem, som de allerede er fortrolige med fra deres barndomsliv.

I den forbindelse er det ekstremt vigtigt at presse barnet til bevidst at bygge bro mellem det følelsesmæssige indhold af den musik, det spiller, og de billeder, følelser, indtryk, som det modtager fra sin livserfaring og fra kontakt med andre, beslægtede kunstarter.

En af sådanne beslægtede og meget tætte på musiktyper af kunst er litteratur. Især når det kommer til litterær og poetisk recitation.

Der er udtryk i musik: "sætning", "sætning". Vi bruger også begreberne: "tegnsætningstegn", "caesura". Men det vigtigste, der gør musik relateret til udtryksfuld tale, og hvad der er et af hovedfundamenterne for udtryksfuld musikudførelse, er intonation.

Betydningen af ​​et litterært værk er udtrykt i ord, så det er ikke svært for et barn at forstå tekstens indhold. I musik manifesteres dette indhold meget mere abstrakt, det er skjult bag de lydende symboler, og for at forstå betydningen skal du kende afkodningen af ​​disse symboler.

Ekspressiv intonation er et af de vigtigste symboler, der formidler den følelsesmæssige kontekst i musik. Hvor kom disse intonationssymboler fra, og hvorfor er de mere eller mindre ens for alle folkeslag (hvilket er det, der gør det musikalske sprog universelt)?

Årsagen er, at de kom fra vores daglige tale, mere præcist, fra de intonationer, der ledsager udtryksfulde tale. For at et barn skal lære at høre disse intonationer i musik, må man derfor først lære ham at høre dem i almindelig menneskelig tale.

Da musik er følelsernes sprog, skal talen, hvorfra intonationerne "fjernes" og kopieres, være følelsesladet. For at en musikers spil skal være udtryksfuldt, skal han således lære udtryksfuld, følelsesmæssig recitation.

Selvfølgelig bliver alle i skolen bedt om at lære poesi fra hukommelsen, der er opgaver til ekspressiv læsning af prosatekster. Men vil læreren prøve? Mere præcist, vil han være i stand til at arbejde med denne færdighed med hvert barn? Det kan trods alt tage meget tid at rette unøjagtige, "falske" eller endda bare sørgelige intonationer.

Ingen vil gider hvert barn, når der er mere end et dusin af dem i klassen. Dette kan kun lade sig gøre af en mor, der er interesseret i, at barnet får en god uddannelse og

I dette tilfælde taler vi "kun" om udviklingen af ​​kreativ tænkning, som er så nødvendig for enhver form for menneskelig aktivitet, og som er så sjælden (præcis fordi den ikke blev udviklet i barndommen)!

Og på samme tid udvikles kunstnerisk og flydende tale - sådanne nødvendige kvaliteter til tilpasning i ethvert samfund! Men det er kun, hvis du ikke bare lærer teksten sammen med dit barn, men lærer ham udtryksfuld intonation.

Og musiklæreren vil finde ud af, hvad han skal gøre med denne færdighed i klasseværelset. I primære klassetrin opfindes en verbal undertekst ("undertekst") til hver melodi.

Hvis et barn ved, hvordan man udtaler ord følelsesmæssigt, med udtryksfuld intonation, så vil det være meget lettere at bringe denne intonation ind i musikken, og selve betydningen af ​​musikken bliver meget tættere og mere forståelig.

I dette tildeles en kæmpe rolle til læreren, musiklederen, som er en absolut autoritet for en førskolebørn, der endnu ikke har udviklet et verdensbillede.

Barnet accepterer uden videre en andens værdisystem, bruger det aktivt i forhold til jævnaldrende, forældre mv. Kun gradvist identificerer han sine personlige prioriteter. I løbet af førskolebarndommen dannes de og mestres følelsesmæssigt i aktivitet. Derfor er accenter korrekt placeret af læreren så vigtige, hvilket bidrager til forståelsen af ​​musikalske billeder og betydningen af ​​værkerne.

En enorm rolle i forståelsen af ​​den følelsesmæssige side af et værk spilles af oplevelsen af ​​psykologiske oplevelser fra det personlige liv: glæde, sorg, tab, tab, adskillelse, møde osv.

Dannelsen af ​​musikalsk tænkning er påvirket af:

• Sociopsykologiske faktorer.
• Niveauet af musikalitet (tilstedeværelsen af ​​forskellige typer musikalske øre: internt, harmonisk, polyfonisk, tonehøjde, melodisk).
• Niveauet for udvikling af opmærksomhed (frivillig, post-frivillig; kvaliteter som volumen, selektivitet, stabilitet, muligheden for distribution, skift).

Personlighedsstrukturen indeholder musikalsk tænkning og musikalsk perception, som er indbyrdes forbundne, men ikke identiske.

Perceptionsprocessen udføres kun i øjeblikket af lydende musik, musikalsk tænkning er aktiv samtidig med opfattelsen og efter den. Vi kan sige, at opfattelsen af ​​musik omfatter tankeprocessen, som igen påvirker opfattelsen. Det er kendt, hvor vigtigt det er at udvikle et barns kognitive aktivitet – evnen til at analysere, hvad det hørte, sammenligne, generalisere, finde og forstå sammenhænge og sammenhænge mellem musikalske lyde og objekter.

Fantasifuld tænkning giver et barn mulighed for at gå ud over det sædvanlige, at operere med ideer om specifikke objekter, deres egenskaber, vækker associativ tænkning og tænder figurativ hukommelse. Et sådant mentalt arbejde er rettet mod at bevare oplevelsens indtryk under perceptionen af ​​musik.

Fantasi spiller en stor rolle i udviklingen af ​​musikalsk tænkning gennem opfattelsen af ​​musik, som i dette tilfælde betragtes som en mental proces med at skabe billeder, herunder lyde, modellering af situationer ved at kombinere elementer fra personlig erfaring.

I det øjeblik, hvor man opfatter musik, udvikler den reproduktive og kreative fantasi sig gennem teknikkerne til agglutination (fra dele af skabelsen af ​​et billede), analogi (bestemmelse af de samme øjeblikke i forskellige dele af musikken), hyperbolisering (øgende, faldende eller ændring i repræsentationer), accentuering (fremhævelse af en sætning eller en del af et værk), typificering (fremhævelse af gentagne motiver i en melodi eller dele i et værk.

For at skabe billeder i opfattelsen af ​​musik er det nødvendigt at inkludere frivillig og ufrivillig hukommelse, dens forskellige typer - følelsesmæssig, figurativ, logisk, kortsigtet og langsigtet.

Musik kan formidle enhver følelse oplevet i den virkelige verden.

Men forståelsen af ​​disse fornemmelser er kun baseret på oplevelsen af ​​barnet, de følelser, der er klar til at vågne. Et barns opfattelse af en melodi ændrer sig markant på hvert trin af dets opvækst. I førskolealderen bliver melodisk opfattelse en af ​​de vigtigste former for innational opfattelse, som er vigtig for den aktive udvikling af musikalsk tænkning generelt. Den musikalske leder skal vælge et repertoire til at lytte, som hjælper barnet med at se ind i sin indre verden, lytte til sig selv, forstå sig selv og lære at tænke musikalsk.

Musikopfattelse bør foregå i en fri atmosfære. Læreren forhåndstilpasser barnet til arbejdets karakter, hvilket bidrager til afslapning og evnen til at fokusere på lyde. Du skal lære at opfatte musik ikke kun med dine ører, men også hvordan du indånder dens aroma, mærke den på din tunge, mærke den med din hud, selv blive en lyd, så musikken trænger ind fra dine tæer til rødderne af din. hår ... Det er vigtigt ikke at give slip på musikken ude af opmærksomhed et øjeblik.

Grundlaget for udviklingen af ​​musikalsk tænkning er dannelsen af ​​elevernes ideer om sådanne begreber som midler til musikalsk udtryk (tempo, klang, register, størrelse, dynamik, rytme, melodi, akkompagnement, tekstur, form osv.); tesaurus af musikalske termer og begreber; fremkomsten af ​​en personligt meningsfuld følelse af musikopfattelse, som bliver mulig på grund af ligheden og resonansen af ​​semantikken i det musikalske sprog og de semantiske ubevidste strukturer i en person. Ubevidste billeder, der kommer i resonans med musik, forstærkes og bliver derved tilgængelige for bevidstheden. Det vil sige, at det ubevidste er en del af den musikalske tænkning. Det fodrer alle faser og operationer i tankeprocessen med det nødvendige mentale materiale, som er væsentligt for det endelige resultat.

Opfattelsen af ​​musik går forud for enhver anden form for musikalsk aktivitet (sang, spil på musikinstrumenter, musikalsk rytmisk bevægelse), er til stede i alle typer af musikalske og musikdidaktiske spil.

Derfor er det et nødvendigt erkendelsesmiddel og er tæt forbundet med udviklingen af ​​musikalsk tænkning, hukommelse, opmærksomhed, fantasi. Det er ikke en passiv kopiering af øjeblikkelig virkning, men en "levende" kreativ proces. Opfattelsen af ​​musik hjælper dannelsen og udviklingen af ​​færdigheder såsom at identificere forholdet mellem sansninger, perception og fantasi, forståelse af forholdet mellem objektiv og subjektiv opfattelse, dens forhold til fantasi og hukommelse, såvel som dens karakteristika såsom meningsfuldhed og generalisering, objektivitet og integritet, hurtighed og korrekthed, selektivitet, konstanthed osv.

Musikalsk tænkning aktiverer opmærksomhed, hukommelse, fantasi.

Derudover omfatter det andre typer af tænkning i værket: konvergent (logisk, i lille udstrækning), sekventiel osv. Envejstænkning kommer til udtryk i opgaver, der antager det eneste rigtige svar (for eksempel at bestemme den musikalske form af et stykke, find ud af navnet på et instrument osv.) ... At tænke intuitivt, associativt manifesteres ved at bestemme musikkens natur.

Inkluderingen af ​​ovennævnte typer af tænkning i arbejdet bidrager til dannelsen af ​​evnen til at analysere (skemaer af værkernes struktur), syntetisere (isolere fra værket resonansen af ​​en individuel lyd, den højeste eller den laveste), generalisere (finde dele af et værk med samme dynamik), klassificere (hvilken klasse instrumenterne tilhører, udføre værker), giv definitioner på begreber (om musikgenrer, folkedanser osv.).

Du kan bruge følgende opgaver til at udvikle tænkning:

• analysere melodiens bevægelsesretning og optage den grafisk;
• bestemme hvilket instrument der spiller melodien i stykket, hvilke instrumenter der lyder i akkompagnementet;
• hvilken genre af musikkunst værket tilhører;
• hvilke musikalske udtryksmidler der kan skelnes til at skabe et billede i et givent værk mv.

Divergent tænkning betragtes som alternativ, der afviger fra logik. Det er tættest forbundet med fantasi og er unikt kvalificeret som kreativt, der genererer originale ideer og designs. Det forudsætter flere svar på et spørgsmål, og nogle gange mange, og de vil alle være rigtige. For eksempel om arbejdets karakter. Alle opfatter ham på deres egen måde, og hvad barnet siger, vil være sandt. Pædagogen skal huske at rose barnet. Dette giver ham selvtillid, lysten til at fortsætte med at lytte til musik og tale ud om det, hjælper med at blive mere afslappet.

Du kan invitere børn til at male billeder af musikkens lyde med maling, de vil alle være forskellige og korrekte for alle. Udviklingen af ​​divergerende tænkning i opfattelsen af ​​musik bidrager til dannelsen af ​​originalitet, fleksibilitet, flydende (produktivitet) af tænkning, let tilknytning, overfølsomhed, følelsesmæssighed osv.

Derudover udvikler både umiddelbart i det øjeblik et barn opfatter musik og efter perceptionsprocessen (når de diskuterer et værk, når børn udtrykker deres tanker om deres oplevelser sammen med musik), alle typer tænkning: verbal-logisk, visuel-figurativ, visuel-effektiv og dens former: teoretisk, praktisk, vilkårlig, ufrivillig osv.

Det er sikkert at sige, at opfattelsen af ​​musik er et middel til at udvikle musikalsk tænkning.

Det fremmer inklusion i arbejdet af sådanne typer tænkning som konvergent, intuitiv, associativ, divergerende, verbal-logisk, visuel-figurativ, visuel-effektiv i teoretiske, praktiske, vilkårlige og ufrivillige former. Således er opfattelsen af ​​musik et af de stærke midler til at engagere førskolebørns tankeproces, hvilket bidrager til udviklingen af ​​generel intelligens og personlighed generelt.

En af skolemusikundervisningens opgaver er at give barnet mulighed for "at høre musikkens væsentlige indhold ..., danne ... et øre for musik som et orgel til søgen efter hidtil uset skønhed." En person, der lige er blevet født, etablerer allerede sine forbindelser med verden gennem intonationer. På hvilket udviklingstrin barnet er, reagerer det på hendes følelsesmæssige udtryksevne.

Intonation er et tankemikrofokus i en lydstruktur, et udtryk for følelser og en plastisk omrids i et klingende mikrostof. Uanset hvordan en person positionerer sig for Verden, uanset hvordan han henvender sig til ham, uanset hvordan han opfatter Verden, opererer han med intonationer, som er essensen af ​​tale og essensen af ​​musik. Intonation er ifølge V. Medushevsky vores "kunstneriske jeg". Den innationale sfære bringer alle typer kunst sammen, da oprindelsen af ​​musik, billedkunst, litteratur, koreografi, teater osv. har en holdning til væren, hvis essens kan formidles med F. Tyutchevs ord: "Alt er i mig, og jeg er i alt!".

Intonation er også en musikalsk og sproglig hukommelse, hvori melodisk-rytmiske, figurative, plastiske og andre indtryk af menneskehedens liv og kulturelle oplevelse er gemt. Det er svært at forstå intonation, at føle dens individualitet og originalitet, at føle dens billede, at trænge ind i dens inderste natur, at beundre kortheden i dens konstruktion, at forudsige dens udvikling er svært, men utrolig interessant. Ved at afsløre hemmeligheden bag denne mikrostruktur begynder du mere subtilt og dybt at forstå og høre verden, samt forstå og høre dig selv i denne verden. Derfor er det åbenlyst, at udviklingen af ​​innational tænkning - evnen til at tænke i intonation og gennem intonation - er vejen til at vende barnet indad, ind i dets sjæls og sinds dyb, måden at akkumulere livserfaring gennem musik, og i sidste ende en af ​​de rigtige måder at overvinde menneskehedens åndelige og moralske krise.

Det pædagogiske-metodiske sæt "Musik", udviklet af det kreative team under ledelse af G. P. Sergeeva og E. D. Kritskaya, giver de bredeste muligheder for at løse ovenstående problemer. Den koncentriske struktur af undervisningsmaterialer, opdeling i blokke og en mangfoldig associativ række gør det muligt at danne skolebørns "intonationsordforråd" baseret på forståelsen af ​​intonation som en regelmæssighed af kunst. Programmaterialet er bygget på en sådan måde, at "intonationsbagagen" gradvist akkumuleres, den innationale erfaring beriges. Målrettede sammenligninger af forskellige værker med lignende genre-intonationer, intonationer af en bestemt stil udvikler musikalsk intuition og forbedrer kvaliteten af ​​musikopfattelsen markant.

Grundlaget for udviklingen af ​​børns tænkning er tvetydigheden i deres opfattelse, mangfoldigheden af ​​fortolkninger og mangfoldigheden af ​​"høremuligheder". Det pædagogiske-metodiske sæt "Musik" får hele tiden barnet til at søge efter innational-figurative forbindelser mellem musik og billedkunst, historie, litteratur, skulptur, kunstfotografi. Således skifter vægten i musikundervisning baseret på EMC "Muzyka" fra musikkens teori og historie mod udvidelsen af ​​barnets intonational-figurative bagage, udviklingen af ​​hans reaktion på musik og ønsket om at udtrykke sig i kunst. Lektionerne under dette program tillader ifølge B. Asafiev "at glæde sig og sørge og føle energien og det strenge mod ... ikke om musik eller musik, men at opleve det i intonationer."

"Perspektiv og retrospektiv" metode, foreslået af DB Kabalevsky og med succes udviklet i denne undervisningsmetodologi, gør det muligt at gå fra intonationens fødsel og dens udvikling til legemliggørelsen af ​​billedet og afsløringen af ​​den ideologiske orientering af store musikværker . De tanker og følelser, som forfatteren har nedfældet i store musikalske former, bliver indlysende og forståelige for barnet. At vende sig til intonationssfæren giver en mulighed for at "dechifrere" selve værkets indhold, at forstå, som et resultat af hvilket en kunstnerisk idé er født, at reflektere over en vis moralsk og æstetisk kollision. Og kun derefter overveje værkets drama, arrangementet af musikalske billeder, graden af ​​deres konflikt og interaktion. Som følge heraf dannes innational tænkning som en komponent i kunstnerisk og kreativ tænkning, barnet tager søgens vej, skaberens vej, forstår kunsten som "oplevelsen af ​​relationer" (S. Kh. Rappoport).

I betragtning af udviklingen af ​​musikalske former, sammenligning af forskellige fortolkninger af værker og deres fremførelse, mestring af forskellige lag af musikalsk kunst (fra folklore og religiøs tradition til moderne akademisk og populær musik i deres dialog), er et "holistisk kunstnerisk billede af verden" gradvist bygget i elevernes hoveder. Appellen til musikkunsten som generationernes oplevelse, deres tilværelse i deres egen musikalske aktivitet giver mulighed for aktivt at danne den emotionelle værdi, moralsk-æstetiske oplevelse og oplevelsen af ​​musikalsk-kunstnerisk kreativitet.

Hvad får en lærer i praktisk forstand ved at undervise i et fag på baggrund af EMC "Musik"?

For det første er børn ikke bange for at komponere musik, fordi kreativitetens natur er velkendt, forståelig og velkendt for dem. De komponerer og udfører gerne deres værker. Selvfølgelig er disse ikke store musikalske kompositioner, men kun små former, men blandt dem er der allerede sange præsenteret ved kommunale og føderale konkurrencer.

For det andet udvikler børn kreativ tænkning. Læreren giver sjældent eleverne teoretiske begreber færdige, oftere bliver de forstået i løbet af samarbejde og samskabelse af læreren og eleverne, eller i processen med selvstændigt arbejde i lektionen. For eksempel udledte børnene selv mønstrene for at konstruere cykliske former i anden klasse og antog selv, at enten intonation eller melodi skulle forbinde cyklussens dele, så vil cyklussen opnå større integritet. Og hvilken fornøjelse det gav dem at følge ændringerne i lyden af ​​"Walk" i "Pictures at an Exhibition" af M. P. Mussorgsky.

For det tredje får børn en slags "socialt øre" (B. Asafiev), de føler bedre tidens stil, musikens nationale særegenheder, får følelsen af ​​et "stilportræt af komponisten".

For det fjerde er de interesserede i store musikalske former. At lytte til i de første klassetrin ikke individuelle fragmenter af operaer, balletter, koncerter og symfonier, men hele akter og dele, i seniorklasserne - hele arbejdet er fuldstændigt synligt, elevernes sjæl og sinds arbejde er synligt og forståelsen kommer, at intet kan erstatte sådanne øjeblikke i et menneskes liv, hvor en person fører en dialog med sit indre "jeg", når han lærer at leve sammen med Musik!

BIBLIOGRAFI:

1. Medushevsky V.V. Intonationel form for musik. - M., 1993 .-- 265 s.
2. Sergeeva G.P., Kritskaya E.D. Musik: metode. godtgørelse. - M., 2005 .-- 205 s.
3. Kritskaya E. D., Sergeeva G. P., Shmagina T. S. Metoder til at arbejde med lærebøger "Musik" 1-4 klasser. - M., 2002 .-- 206 s.

Bibliografisk reference