De bedste teaterforestillinger for teenagere. Forestillinger efter skoleprogram

Den første tur i teatret er enten som din første kærlighed - spændende og søde minder for livet, eller som din første skuffelse - med det samme og for altid. Derfor er her meddelelser om de bedste forestillinger for børn og forestillinger, der finder sted på scenerne i børneteatre.

Hvordan dit barns første møde med teatret bliver, er op til dig. Børnepsykologer anbefaler at starte forberedelserne til denne særlige begivenhed flere uger før forestillingen: læse bogen, der tjente som grundlag for produktionen, diskutere dens plot med barnet og tænke over tøjet. Sørg for at forklare dit barn reglerne for opførsel i teatret og måske endda spil teater derhjemme, så du ikke ødelægger dit humør og dit barns ferie med konstant ryk.

Det er ekstremt vigtigt at vælge de rigtige teatre og forestillinger i Moskva til børn. For første gang er det bedre at vælge et kammerbørneteater med en lille hyggelig sal, fordi det er svært og skræmmende for et lille barn blandt for mange mennesker. Du kan vælge et dukketeater, hvis du er fast overbevist om, at dukkerne ikke vil skræmme barnet. Hvis du ikke har sådan selvtillid, så er det bedre at gå til et børnedrama teater. Forestillingen må ikke indeholde for høj og hård musik, lyse blink eller skræmmende specialeffekter.

Landskabet skal skabe en følelse af magi, af at være i et eventyr, men heller ikke være for skræmmende. Plottet skal være spændende, spændende, men på ingen måde skræmmende. Og helt sikkert med en lykkelig slutning. Så vil den lille seer næsten helt sikkert se frem til muligheden for igen at finde sig selv på dette magiske sted, hvor eventyrene kommer til live.

Børn i skolealderen nyder at se forestillinger for teenagere, fordi historien iscenesat på scenen baseret på deres yndlingsbøger er så let at forstå. Og det er nemmere for litteraturlærere at introducere teenagere til hovedværkerne i skolens læseplan ved at tage eleverne med til en forestilling. Ser du, mange vil blive interesserede og endda læse bogen.

Hvor skal man hen i Moskva med en pige? Et teater for børn er ikke det sidste sted på listen over steder, hvor du kan tilbringe en date: sidde side om side i mørket, oplev sjove eller skræmmende eventyr af karaktererne sammen, og efter forestillingen skal du ikke kæmpe for at finde en emne til samtale, for efter en god præstation dukker det op af sig selv.

Nå, teaterplakaterne virker, så du kan vælge det bedste repertoire af teatre og ikke bruge meget tid på at vælge et sted at tage hen med dit barn i Moskva.

Hvis du er interesseret:

billetter til forestillingen,
købe teaterbilletter,
Moskva teater plakater,
børneforestillinger i Moskva,

så passer afsnittet "Børneforestillinger" bedst til dine behov.

Hovedstaden præsenterer et stort antal forestillinger baseret på skolens læseplan og værker, der betragtes som klassikere i verdenslitteraturen.

Hvornår skal du se stykket: før du læser originalen eller efter? Svaret er ikke klart. Som praksis viser, er det stadig bedre at se stykket efter at have læst et litterært værk. Så har du dit eget syn på det materiale, du har læst, et koncept er dannet, en forståelse af plottet, og opstillingen af ​​karakterer er klar. Kunstværket blev analyseret i lektioner, og der blev lagt vægt.

Hvis du ser stykket, før du læser det, tænker eleven ofte: "Hvorfor læse, hvis du har set stykket? Hvis plottet er klart, og karaktererne er velkendte?

Der er en række forestillinger iscenesat baseret på værker af russiske og vestlige klassikere, der ikke opføres i skolen, men enhver uddannet person bør kende dem. Derfor, hvis du ser dem selv uden at læse originalen, så er dette i sig selv vidunderligt. Denne række åbnes af Shakespeare, Stendhal, Mark Twain, Salinger...

Det er vigtigt ikke kun, hvad man skal se, men også hvor, for teaterdirektører kan fortolke forfatterens tekst på forskellige måder og præsentere velkendte klassikere på en sådan måde, at ikke kun voksne, men også børn bliver "flove" over det, de ser.

Nu kan du tage et mere detaljeret kig på plakaterne fra Moskva-teatrene og analysere repertoiret rettet mod teenagepublikummet.

Maly Teater

Det er en win-win. Klassikerne forlader aldrig scenen. Vidunderlige skuespillere, klassisk fortolkning af værket, rige kostumer, kulisser og rekvisitter.

Det særlige ved dette teater er, at det er svært at få billetter til forestillinger i henhold til skoleprogrammet - de købes af skoler. Derfor skal du på forhånd, cirka to måneder i forvejen, sørge for at købe billetter til den ønskede forestilling.

RAMT (Russian Academic Youth Theatre)

Beliggende overfor Maly Theatre. Forestillingerne iscenesat på dens scene er designet til ungdomspublikum. De værker, de bygger på, indgår ikke i det obligatoriske program, men tilhører verdenslitteraturens skatkammer:

Teatret har en klassisk vision om produktionsmateriale.

Børnemusikteater opkaldt efter. N. I. Sats

Med en orkestergrav. Og det siger meget: om levende musik, om smukke stemmer (hvordan kan det ellers være i musikteater?) Salen er udstyret til unge tilskuere, med fremragende akustik og forhøjning af auditoriet, scenen er tydeligt synlig fra ethvert sted .

Teatret er også interessant, fordi det introducerer seerne til forskellige genrer af teaterkunst: opera, ballet, musical. Hver produktion er tilpasset børn. Operaerne "Thumbelina", "Tryllefløjten", "Twelve Months", "Eugene Onegin", "Marriage", balletterne "Askepot", "Svanesøen", "Sherlock Holmes", "Nøddeknækkeren", musicalen " The Wizard" opføres på teatrets scene. Emerald City."

Teaterkreationer

Når man læser titlerne på forestillingerne, er det umuligt at forestille sig, hvordan dette kan "afbildes" på scenen, hvor udtryksmidler og præsentation af materiale er begrænset af plads? I biografen er alt nu muligt; computergrafik vil "trække" enhver fantasi hos skaberen. Hvordan kan du formidle bevægelser på scenen, for eksempel (workshop af P. Fomenko)? Instruktøren af ​​stykket, I. Popovski, lykkedes mesterligt. Det er ikke klart hvordan, men indtrykket er fortryllende! Ikke underligt, at du ikke kan komme til denne forestilling.

Hvordan iscenesætter man klassikere ved hjælp af dukker i stedet for skuespillere? klarede denne opgave mesterligt. Følgende forestillinger opføres på dens scene: "Little Tragedies", "Chichikov's Concert with Orchestra", "Gulliver", "The Night Before Christmas". En handling udspilles på scenen, hvor skuespillere og dukker samarbejder. For eksempel er ansigterne på dukkerne Korobochka, Sobakevich og andre karakterer i Dead Souls så følelsesladede, at de ser ud til at udspille de rigtige skuespillere.

Hvordan kan man opføre romanen "The Catcher in the Rye" på en scene på størrelse med en tryne? Hvordan holder man publikum i spænding i over to timer, når der ikke er nogen specielle effekter, ingen kulisser, ingen kostumeskift? Og beholde hvem? Det mest kritiske, ironisk indstillede publikum - teenagere? Det lykkes Nikitsky Gate Theatre at gøre meget godt. Bevis? Prøv at købe billetter til forestillingen.

"Forsigtigt! børn"

Og der er masser af sådanne moderne fortolkede forestillinger i Moskva. Et slående eksempel på dette er produktionen af ​​"Eugene Onegin" på Taganka-teatret. Yuri Lyubimov satte denne roman i én akt. Det lader til, at det var, fordi han var bange for, at halvdelen af ​​publikum ville forlade teatret i pausen? Forestillingen er betinget: der er ingen klassiske teatralske attributter. Det ligner en amatørkoncert. I stedet for dekorationer - en slags pap skillevægge, gardiner, stiger. Den ene kom ud, sagde teksten hurtigt og gik, efterfulgt af den anden. Han raslede ordene af på sin egen måde og gik. Hver Pushkin-karakter fremfører sit eget solonummer, og hans opgave er at overraske publikum, uanset hvad.

I et forsøg på at modernisere "digtet på vers" inkluderede instruktøren jazz, rap, russisk og afrikansk folk i forestillingen. Forestillingen efterlader et tvetydigt indtryk. Hvor er letheden og luftigheden i Pushkins linje? Hvor er den poetiske ømhed og tristhed?

Målet med enhver teaterproduktion ses at være at vække den yngre generations interesse for litteratur og andre former for kunst. Og der er mange forestillinger, der tjener netop denne idé. Søg, læs anmeldelser og stol ikke kun på titlen på showet.

Det er dejligt, at der i vores liv - realistisk, egoistisk og stadig mere virtuelt - er plads til romantikken. Og det gør ikke noget, at det kun er i teatret. Produktionen baseret på en af ​​de bedste bøger i "kappe og sværd"-genren af ​​den franske klassiker Théophile Gautier er en stor succes. Mest sandsynligt har en moderne teenager i bedste fald en idé om denne retning i kunsten fra filmen om De tre musketerer. Gautiers roman er ikke så populær – og det er en skam! Det er trods alt ham, der repræsenterer den eventyrromantiske stils perle.

Den har alt: intriger, banditter, slagsmål, forklædninger, kidnapninger, skurke og elskere. Enig i, at et sådant sæt kan tiltrække selv en skeptisk seer i en vanskelig overgangsalder. Men hovedpersonen i Værkstedets forestilling er stadig teatret: Teatret ifølge Shakespeare, der som bekendt er hele verden, og folkene i det er skuespillere.

Nogle gange skal du ikke være bange for at "forlade rummet", tage på en rejse og finde dig selv ved at prøve en anden rolle. Det er præcis, hvad hovedpersonen, den unge, fattige baron de Sigognac, gør, når han tager på rejse med en trup rejsende kunstnere. Efter sin elsker, en teaterskuespiller, bliver han en maske: Kaptajn Fracasse.

Jeg gik til forestillingen med kun én bekymring: Jeg var flov over dens varighed. "Captain Fracasse" starter klokken syv om aftenen og slutter tættere på elleve. Hun var ikke bekymret for sig selv, men for børnene. Det viste sig - forgæves! De så flotte ud, og ifølge deres egne indtryk kedede de sig ikke et eneste minut. Forestillingen er utroligt spektakulær, hvor teatraliteten hæves til tredje grad: frodige, udbredte kostumer, som på den ene side refererer til Ludvig XIII's æra, og på den anden selvfølgelig genlyder Venedigs masker. Karneval - den udødelige komedie Dell'Arte. Det vigtigste "træk" i sceneriet, som hjælper med at fange hovedmotivet for evig bevægelse, vejen til en omrejsende teatertrup (og faktisk livet), er tre rejsende på scenen. Husk? Der er bevægelige trinløse stier, der gør det muligt for fodgængere at bevæge sig hurtigere. Stykkets karakterer bevæger sig langs dem. Meget kortfattet og præcis.

Rollerne er alle lyse og karakteristiske. Hovedskurken, baronens rival, er særlig smuk. Du vil dø af grin. I Gautiers roman indser han, efter at have været på dødens rand, pludselig (ifølge alle genrens love) sine forbrydelser og bliver en ædel helt. I stykket ser han ud til at blive lidt skør og laver frygtelig sjove ting.

Skuespillet "Ruslan og Lyudmila" blev skabt i en ironisk, kaustisk stil. Selve digtet blev trods alt oprindeligt udtænkt med elementer af parodi (på Zhukovskys ballade "De tolv sovende jomfruer"). Pushkin nedgjorde bevidst ironisk nok de ædle billeder af Zhukovsky og indsatte humoristiske, groteske detaljer i fortællingen. I stykket er billedet af Pushkin humoristisk, hooligan, hånende, men meget sensuelt.

Her sætter frygtløse helte og Ruslan sadelmopper og koste i stedet for heste bulede spande på hovedet og kæmper med legetøjssværd. Velnærede Farlaf med et stort rødt overskæg ligner forfærdeligt enten Barmaley eller Gerard Depardieu i rollen som Obelix. Chernomors skæg ligner mere en lang nytårskrans, og den "elskede ring" til Lyudmila holdes i en venligere overraskelse.

Forestillingen opføres på en lille scene i den nye Værkstedsbygning, der som bekendt har en hemmelighed. Publikum i salen har et perspektiv af den nederste teaterfoyer med dens volumetriske geometriske arkitektur: trin, balkon, søjler, åbninger, lofter. Ud over foyerens arkitektur er der på scenen en træsøjle med en kæde - "grøn eg" og knasttrin, samt en skrå platform af træ, der fungerer som en slags læ. Og det er det hele! Resten er et fantasispil. Hvis dette er et møde mellem Ruslan og den gamle Finn, så skal du bare lytte, og det lette ekko og lyden af ​​dryppende vand vil tage dig til den gamle mands afsidesliggende hule. Hvis dette er Chernomors domæne med smukke vandfald og haver, så er disse flydende stoffer og ægte appelsiner spredt ud over scenen. Og hvis dette er fyrstedømmet Vladimir, så er dette et almindeligt langt festbord, som om ønsket er opdelt i to halvdele (den lovede "halvdel af vores oldefædres rige").

Alt ser ikke ud til at være seriøst her. Dette er en slags tegneserie om et klassisk tema, som helt sikkert vil appellere til en lunefuld teenager: han vil stifte bekendtskab med det udødelige plot og lære skolepensum i litteratur og nyde det.

"Kannibalen" er baseret på skuespillet af samme navn af den moderne canadiske dramatiker Suzanne Lebeau. Plottet er ikke ringere end en thriller: der er en mærkelig hemmelighed og stigende spænding og et uventet resultat. En mor og søn bor langt fra mennesker, i skoven. Han er kæmpestor på 6 år, og reagerer på et usædvanligt, hjemligt kælenavn - Ogre. Hun er fortabt i kærligheden til sit eneste barn, skræmt af en aggressiv verden, men en stolt kvinde med en mystisk fortid.

Denne historie indeholder skjulte betydninger henvendt til nutidens yngre generation og deres forældre. Her er overbeskyttelse af et barn - frygt, der fortærer voksne; og kampen med lidenskaber og lyster hos børn, der pludselig blev modne. Stykket opføres på den lille scene i teatret: alt er meget tæt på (handlingen foregår på en armslængde) og meget sandfærdigt, nogle gange til en klump i halsen, til tårer. Det er næsten altid mørkt og lidt skræmmende.

Forestillingen er baseret på stykket "At Arken klokken otte" af den berømte tyske dramatiker, instruktør og skuespiller Ulrich Hub. Hub skrev den i 2006, efter at et tysk forlag inviterede flere teatre til at tage fat på spørgsmålet om religion i børnespil. Enig i, at emnet er meget følsomt, svært for teatret, men det forekommer mig, at det bestemt er vigtigt og nødvendigt for samtale med en teenager. Og det er et sjældent tilfælde, hvor forfatteren med held var i stand til at kombinere den patos, der er passende her, med let fortælling og god ironi.

Plottet er enkelt: Gud er vred på mennesker og dyr for deres grusomhed, utaknemmelighed og mangel på tro og arrangerer en global oversvømmelse. Som du ved, kan kun "skabninger i par" reddes i Noas ark. Men der er tre pingviner. En af dem (på ordre fra sine venner) skal sejle som en "hare" på arken. Hvordan lærer man at ofre sig selv for en andens skyld? Hvordan kan du se og være i stand til at indrømme dine fejl? Hvordan tilgiver man sin næste og ikke brokker sig over Gud? Disse "overvældende" spørgsmål besvares enkelt, og vigtigst af alt, med subtil humor og kærlighed, er åbenlyse svar født på halvanden time. Pingvinerne i stykket er tre sjove kommende musikere.

Ingen næb, haler eller andet pjat. Pingviner er også mennesker. De skændes, slutter fred, er bange, glæder sig, er triste, synger og spiller meget: nogle gange på en kæmpe balalajka, nogle gange på en kedelig harmonika, nogle gange på trommer. For mødre og fædre er der forresten "voksne" hilsener fra instruktøren af ​​stykket i stykket: pingvinerne begynder fra tid til anden at tale i sætninger af Chekhovs karakterer eller Brodskys digte. Meget sjov og overraskende præcis.

Mine børn nyder altid at høre historier fra min barndom. Det forekommer mig, at alle børn elsker det. Forestillingen på A-Ya Teatret er levende billeder fra fortiden: sjove til tårer, desperat trist, velkendte til smertefulde smerter i solar plexus og alt sammen musikalsk uden undtagelse. Dette er en produktion, der kan give voksne et stykke uigenkaldeligt væk, uforfalsket lykke og åbne den elskede dør for voksne børn ind i deres forældres og bedsteforældres mærkelige sovjetiske barndom.

Forestillingen er baseret på erindringer fra rigtige mennesker, hvis barndom var mellem 40'erne og 80'erne i forrige århundrede. Der er ingen kronologi - alt er blandet sammen. Her er krigen med evakuering, og historier om pionerer med hooligans, og livet i en fælles lejlighed. Musikplader, eftertragtede cykler, det første fjernsyn, sort brød med tandpasta i stedet for kager... Du lytter til alle tidens tegn, finder ud af hvornår en kage kunne have kostet 25 rubler og hvisker stille og roligt i øret på din søn, at denne vidunderlige skuespiller brænder med vilje: han er Volodya Ulyanov.
Alle skuespillere, der er involveret i stykket, forvandler sig let til musikere: saxofon, elektriske guitarer, trommer. Musik er et barometer for tid: Khil, Zykina, Tsoi, Butusov.

Hvert minde er unikt. Og det spilles ikke bare, det leves: her og nu. Med stor kærlighed, uden patos og pseudo-nostalgi til fortiden. Og du kan ikke forestille dig, hvor mange spørgsmål der opstår i en teenagers hoved efter at have set forestillingen. Er det ikke det mest vidunderlige: at få en snak fra hjerte til hjerte efter det, vi så sammen i teatret?

Endnu et værk fra skolens litteraturpensum, som af en eller anden grund er hemmeligt sædvanligt at se på Maly Theatre. Uden at forringe fordelene ved denne produktion, vil jeg gerne anbefale "The Minor" i Chikhachevka (som teaterfans kærligt kalder dette teater.) Fonvizins skuespil blev med succes forvandlet til en vaudeville-opera. Musikken blev skrevet af den berømte komponist Andrei Zhurbin, forfatteren til snesevis af operaer, balletter og hundredvis af musikalske hits til scenen og biografen (se bare på sangene fra filmen "Squadron of Flying Hussars").

Og "The Minor" er ingen undtagelse: ikke kun sande kendere af musikteater vil blive inspireret af musikken i stykket, men selv dem, der møder denne genre for første gang. Men her er alt på sit bedste: de originale kostumer og kunstnernes vidunderlige stemmer. Der er også en lille afvigelse fra det klassiske plot, som bliver foråret til hele handlingen: I stykket er en af ​​hovedpersonerne selve kejserinde Catherine II. Det var under hendes regeringstid, at premieren på Fonvizins komedie fandt sted i teatret. Hendes billede skaber en historisk kontekst og udvider stykkets grænser, hvilket naturligvis kun kommer den moderne teenager til gode. To i én: en litteraturlektion og en historielektion.

Historier om Sherlock Holmes synes at være skabt for at blive legemliggjort i et skyggeteater. Hvor ellers, hvis ikke her, kan en unik atmosfære af mystik skabes: Der er ikke noget bedre sted for detektivhistorier.
Vi har allerede skrevet, at teatret har udtænkt et meget interessant projekt: en teaterserie baseret på Conan Doyles berømte historier om Sherlock Holmes. De to første forestillinger var baseret på historierne "The Hound of the Baskervilles" og "The Vampire of Sussex". Og her er næste afsnit! Denne gang - en af ​​de mest populære historier om den engelske detektiv: "The Speckled Band". Vi så alle afsnit, og efter hver enkelt pustede børnene bare ud: "Wow!"

Hver forestilling er en overraskende harmonisk syntese af dramatisk, dukketeater og skyggeteater: Alle teknikker er kombineret og sammenflettet. Bag skærmen, i fuldstændig mørke, dukker skygger af eksotiske dyr op - en bavian og en gepard, der går rundt i den grusomme Roylotts ejendom; men yndefulde stokdukker af tvillingesøstre dukker op på scenen, og handskedukker dukker pludselig op i hænderne på skuespillerne - sjove små kopier af den berømte detektiv og hans assistent.

Duetten af ​​to dramatiske skuespillere, der spiller rollerne som Holmes og Watson (og dette i hård konkurrence med biografen, hvor de ikoniske billeder af Conan Doyle blev skabt på forskellige tidspunkter) er bestemt en succes i produktionen. Sherlock er ung, impulsiv og ironisk. Watson er sjov, klodset, men frygtelig charmerende. Hovedtrækket i deres kommunikation er (i et sprog, der er forståeligt for nutidens teenagere) venlig trolling af hinanden. Og generelt er hele produktionen i det væsentlige designet på denne måde. Se bare på sigøjnerpigen, akkompagneret af en levende violin fremført af Watson på russisk-engelsk: én, én og endda én (kan du huske, at sigøjnere boede på Roylott-godset?). Du kommer bestemt ikke til at kede dig.

***
Svetlana Berdichevskaya

"Wee from Wit", instrueret af Alexander Yatsko, er et sjældent eksempel på en moderne, men respektfuld holdning til klassikerne. Skuespillerne er klædt i jakkesæt, som fra en stilfuld butik, men samtidig udtaler de tankevækkende teksten til Griboyedovs komedie uden forvrængning. Reduktionen påvirkede kun de seks Tugoukhovsky-prinsesser: de ville have været trange på den lille "Stage under taget." "Ve fra Vid" på Mossovet Teatret er en kammerhistorie om unge mennesker, moderigtigt og kompromisløst.

Tilføj til favoritter

Berømt teatereksperiment

Den franske instruktør foreslog en avantgardeversion af læsning af Gogols tekst. Hele phantasmagoriaen udspilles af punkere - i sorte læderdragter med heavy metal-nitter, med sofistikerede tatoveringer, farvede mohawks på hovedet. Dukkerne på scenen er lige så usædvanlige for Moskva-tilskuere. Sammen med de optrædende fremstår de som en slags kentaurer, og i nogle øjeblikke fører skuespilleren en dialog med dukken, som han selv styrer.

Tilføj til favoritter

En stor leg uden ord

I denne fortolkning lyder ikke et eneste ord af Gogol, der er slet ingen ord i det. Instruktør Sergei Zemljansky er kendt for at oversætte litteratur til plastisk kunst. På kun halvanden time vil skuespillerne danse og formidle både en satirisk og lyrisk historie om menneskers liv i en provinsby, hvor de lever med deres svagheder og håb.

Tilføj til favoritter

Klassisk produktion med dukker

Gogols skuespil er kun lidt forkortet og fokuserer på menneskelige relationer frem for satiriske karikaturer. Dukkefigurer er først og fremmest charmerende og vækker derfor ikke bare sympati, men forståelse. Uventede løsninger opstår, når dukker interagerer med karakterer, der spilles af skuespillere i et "live-shot" (sådan taler man i dukketeater om en teknik, hvor en skuespiller udelukkende spiller en rolle ved hjælp af dramatisk teater).

Tilføj til favoritter

Det er kun begyndt

De taler stadig kun om krigen og planlægger kun at udkæmpe den og prale med den. Verden er repræsenteret af Moskva- og St. Petersborg-familier, hvor Natasha og Andrey begynder at vokse op. Instruktøren Pyotr Fomenkos mesterværk løber i næsten fire timer, men opfattes i ét åndedrag. Skuespillerne har knap nok tid til at forestille sig begivenhederne i det ufuldstændige første bind af den store roman, spiller flere forskellige roller og demonstrerer den fortryllende færdighed, som publikum elskede "Fomenki" så meget for.

Tilføj til favoritter

En stor skuespillerinde taler om en stor digter

Alla Demidova præsenterer ikke kun Anna Akhmatovas digte, som hun ofte gjorde i sine læseprogrammer. Hun taler om Akhmatova og handler ved at læse teksten i mise-en-scène og scenografi af Kirill Serebrennikov, omgivet af moderne lyddesign og videoanimation. Neonindskriften på latin, der pryder Fontænehuset i Sankt Petersborg, "Gud bevarer alt", bliver en vigtig designdetalje for produktionen, der kun varer en time, men er ekstremt rig på betydning.

Tilføj til favoritter

Forestilling for avancerede teenagere og deres avancerede forældre

Evgeny Mironov påtog sig rollen som historiefortælleren, der i en utrolig smuk forestilling af verdensteaterstjernen Bob Wilson bærer en rød paryk og dingler med benene, der sidder på et egetræ, der er højere end en lærd kat. Han kommenterer ironisk på, hvad der sker, enten at køre rundt i en rød cabriolet i stedet for skibsmændene, eller øjeblikkeligt ældes og dele den lidet kendte "Tale of the Bear" med offentligheden. Forestillingen er en mulighed for at se på digte fra barndommen udenad med en udenlandsk visionær instruktørs friske øjne.

Tilføj til favoritter

Teater som have

For at acceptere denne forestilling skal man selvfølgelig acceptere Renata Litvinovas skuespilstil, som her ikke spiller Ranevskaya, men lever i dette billede og ironiserer over sine egne intonationer og gestus. Ikke desto mindre har hun ondt af sin "klutz"-heltinde. Selve haven, som fortolket af instruktør Adolf Shapiro, er et teater. Nye skuespillere erstatter de gamle mestre, som her er repræsenteret af Nikolai Chindyaykin og Sergei Dreyden, og det sædvanlige gardin med en måge åbner sig ikke, men bryder op i segmenter, skærer rummet af hele den legendariske scene i Moskvas kunstteater og bliver til som blomstrende træer i det kolde forår.

Forestillingen er SUPER! Billetter sælges kun i selve teatrets billetkontor og skal købes på forhånd; de bliver hurtigt udsolgt. De fleste af børnene til forestillingen var mellem 10 og 15 år. Mange mennesker kom i grupper med lærere. Men på trods af, at der var få voksne og mange børn, var der praktisk talt ingen grund til at kontrollere børnene, de brød ikke op fra forestillingen. Og de lod ikke kunstnerne gå efter forestillingen i meget lang tid! Og mødre og lærere kom ud med tårevåde øjne.

Forestillinger for børn 12-13 år

• Meget ståhej om ingenting - Russian Army Theatre, Pushkin Theatre
• Twelfth Night (stykket optræder ikke i øjeblikket nogen steder)
• "Romeo og Julie" (baseret på 8. klasses program). Forestillingen er på Moscow Art Theatre. M. Gorky og i Satyricon. Mine børn så det på Moscow Art Theatre, og de kunne lide det. De fleste af tilskuerne var teenagere, de klappede i lang tid, de lod ikke kunstnerne gå, de kunne så godt lide det.
• Hver dag er ikke søndag
• Som en kat gik, hvorhen han ville - RAMT, sort værelse
• Eventyr for en sikkerheds skyld - RAMT
• Tænk på os - RAMT
• Handelsmand i adelen (7. klasse)

I øvrigt har RAMT en klub for teenagere og deres forældre "Theater Dictionary"

Forestillinger fra 13 til 15 år

• Don Quixote (9. klasse) - RAMT
• Fattigdom er ikke en last, vi vil tælle vores egne folk (9. klasse) - Maly Theatre, Moscow Art Theatre
• Og daggryene her er stille - det var stærkt anbefalet at se den på RAMT, men siden 2010 er forestillingen ikke blevet opført
• En skærsommernatsdrøm - Teater i Syd-Vest
• Evgeny Onegin (9. klasse)
• Elev af Lyceum (om Pushkin) - Sfera Theatre.
• Generalinspektøren - Maly Teater.
  Maly Theatre har en fremragende generalinspektør. En sal fuld af skolebørn, alle klappede og slap ikke kunstnerne. Billetter kan nemt købes i byens billetkontorer. Men ved teatrets billetkontor er billetterne bedre og billigere.
• Mindre - Maly Teater.
  Denne forestilling er altid udsolgt, billetter sælges kun i teaterets billetkontor. Men selve stykket er på en eller anden måde krøllet i slutningen. Fonvizin gik glip af noget og sluttede stykket med nogle utopiske ideer. Dette efterlader en følelse af spildtid. Det er synd for skuespillerne, de gav 150 %.

Forestillinger 15+

• Scarlet Sails - RAMT (fra 16 år, og ikke for alle. Se