Om hvem Ostrovsky elskede at skrive sine værker. Den kreative og livsvej for alexander nikolaevich ostrovsky

(1843 – 1886).

Alexander Nikolaevich "Ostrovsky er en" gigant af teatralsk litteratur "(Lunacharsky), han skabte det russiske teater, et helt repertoire, som mange generationer af skuespillere blev opdraget på, scenekunstens traditioner blev styrket og udviklet. Til udvikling af Russisk drama, han lavede lige så meget som Shakespeare i England, Lope de Vega i Spanien, Moliere i Frankrig, Goldoni i Italien og Schiller i Tyskland.

"Historien efterlod kun navnet på de store og strålende for de forfattere, der vidste, hvordan man skriver for hele folket, og kun de værker overlevede de århundreder, som var virkelig populære herhjemme; sådanne værker bliver til sidst forståelige og værdifulde for andre folk, og endelig og for hele verden." Disse ord fra den store dramatiker Alexander Nikolaevich Ostrovsky kan meget vel tilskrives hans eget arbejde.

Trods den chikane, som censuren, den teatralske litterære komité og de kejserlige teatres direktion påførte, fik Ostrovskys dramaturgi trods kritik fra reaktionære kredse mere og mere sympati både blandt demokratiske tilskuere og blandt kunstnere.

Udvikling af de bedste traditioner inden for russisk dramatisk kunst, ved at bruge erfaringerne fra progressivt udenlandsk drama, utrætteligt lære om livet i sit hjemland, konstant at kommunikere med folket, tæt forbundet med det mest progressive moderne samfund, Ostrovsky blev en fremragende repræsentant for livet af sin tid, som legemliggjorde Gogols, Belinskys og andre progressive skikkelsers drømme om russiske karakterers udseende og triumf på den nationale scene.

Ostrovskys kreative aktivitet havde stor indflydelse på al videreudvikling af progressivt russisk drama. Det var af ham, vores bedste dramatikere lærte af ham. Det var til ham, at håbefulde dramatiske forfattere blev trukket på et tidspunkt.

Kraften i Ostrovskys indflydelse på nutidige forfatteres ungdom kan bevises af et brev til dramatikeren digterinde A.D. Mysovskaya. "Ved du, hvor stor din indflydelse var på mig? Det var ikke kærligheden til kunst, der fik mig til at forstå og værdsætte dig: tværtimod lærte du mig at elske og respektere kunst. Jeg skylder dig alene, at jeg modstod fristelsen til at gå ind på den patetiske litterære middelmådigheds arena, ikke jagtede billige laurbær kastet af hænderne på søde og sure halvt uddannede mennesker. Du og Nekrasov fik mig til at elske tanker og arbejde, men Nekrasov gav mig kun den første impuls, men du gav mig retning. Da jeg læste dine værker, indså jeg, at rim ikke er poesi, men et sæt sætninger er ikke litteratur, og at kun ved at arbejde med sindet og teknikken, vil kunstneren være en rigtig kunstner.

Ostrovsky havde en stærk indflydelse ikke kun på udviklingen af ​​russisk drama, men også på udviklingen af ​​russisk teater. Ostrovskys kolossale betydning i udviklingen af ​​russisk teater understreges godt i et digt dedikeret til Ostrovsky og læst i 1903 af M.N. Ermolova fra scenen i Maly Theatre:

Livet selv på scenen, sandheden blæser fra scenen,

Og den lyse sol kærtegner os og varmer os ...

Enkle, levende menneskers levende tale lyder,

På scenen, ikke en "helt", ikke en engel, ikke en skurk,

Men bare en mand ... en glad skuespiller

Skynder hurtigt at bryde de tunge lænker

Konventioner og løgne. Ord og følelser er nye

Men i sjælens fordybninger lyder svaret til dem, -

Og alle læberne hvisker: salig er digteren,

Revet af de forfaldne, tinsel-betræk

Og ind i det mørke rige, som kastede et skarpt lys

Den berømte kunstner skrev om det samme i 1924 i sine erindringer: "Sammen med Ostrovsky dukkede sandheden selv og selve livet op på scenen ... Væksten af ​​originalt drama, fuld af reaktioner på moderniteten, begyndte ... De begyndte at tale om de fattige, ydmygede og fornærmede."

Den realistiske retning, dæmpet af autokratiets teatralske politik, videreført og uddybet af Ostrovsky, vendte teatret på vejen til tæt forbindelse med virkeligheden. Alene det gav teaterlivet som nationalt, russisk, folketeater.

”Du har doneret et helt bibliotek af kunstværker til litteraturen, du har skabt din egen specielle verden til scenen. Du alene fuldførte bygningen, ved hvilken du satte hjørnestenene Fonvizin, Griboyedov, Gogol." Dette vidunderlige brev modtog blandt andre lykønskninger i året for femogtrediveårsdagen for hans litterære og teatralske aktivitet, Alexander Nikolaevich Ostrovsky fra en anden stor russisk forfatter - Goncharov.

Men meget tidligere, om det allerførste værk af den stadig unge Ostrovsky, offentliggjort i "Moskvityanin", en subtil kender af den yndefulde og følsomme observatør VF, så har denne person et stort talent. Jeg betragter tre tragedier i Rusland: "Minor", "Wee from Wit", "Inspector General". Jeg satte nummer fire på "Konkurs".

Fra sådan en lovende første vurdering til Goncharovs jubilæumsbrev - et fuldt, arbejdsfyldt liv; arbejde, og førte til en sådan logisk sammenkobling af vurderinger, fordi talent kræver først og fremmest stort arbejde på en selv, og dramatikeren syndede ikke for Gud - han begravede ikke sit talent i jorden. Efter at have udgivet sit første værk i 1847, har Ostrovsky siden skrevet 47 skuespil og har oversat mere end tyve skuespil fra europæiske sprog. Og i alt i det folketeater, han skabte, er der omkring tusinde karakterer.

Kort før sin død, i 1886, modtog Alexander Nikolaevich et brev fra Leo Tolstoj, hvori den geniale prosaforfatter indrømmede: "Jeg ved af erfaring, hvordan dine ting læses, adlydes og huskes af folket, og derfor vil jeg gerne hjælpe du er nu faktisk hurtigt blevet, hvad du uden tvivl er - en forfatter af hele folket i bredeste forstand."

Og før Ostrovsky havde progressivt russisk drama storslåede skuespil. Lad os minde om Fonvizins "Minor", Griboyedovs "Wee from Wit", Pushkins "Boris Godunov", Gogols "Inspector General" og Lermontovs "Masquerade". Hvert af disse skuespil kunne berige og dekorere, som Belinsky med rette skrev, litteraturen i ethvert vesteuropæisk land.

Men disse skuespil var for få. Og det var ikke dem, der bestemte det teatralske repertoires tilstand. Billedligt talt ragede de op over niveauet for massedrama som ensomme, sjældne bjerge i en endeløs ørkenslette. Det overvældende flertal af de stykker, der fyldte teaterscenen på det tidspunkt, var oversættelser af tomme, useriøse vaudeville og sentimentale melodramaer vævet af rædsel og kriminalitet. Og vaudeville og melodramaer, frygtelig langt fra livet, var ikke engang dens skygge.

I udviklingen af ​​russisk drama og hjemlig tetra udgjorde udseendet af skuespil af A.N. Ostrovsky en hel æra. De vendte brat drama og teater til livet, til dets sandhed, til noget, der virkelig rørte og bekymrede folk i den underprivilegerede del af befolkningen, folk med arbejde. Ved at skabe "livets skuespil", som Dobrolyubov kaldte dem, optrådte Ostrovsky som en frygtløs ridder af sandheden, en utrættelig kæmper mod autokratiets mørke rige, en hensynsløs fordømmer af de herskende klasser - adelen, bourgeoisiet og bureaukratiet, der tjente dem loyalt.

Men Ostrovsky begrænsede sig ikke til rollen som en satirisk fordømmer. Han portrætterede levende og sympatisk ofrene for sociopolitisk og familie- og hjemlig despotisme, arbejdere, elskere af sandhed, oplysere, varmhjertede protestanter mod vilkårlighed og vold.

Dramatikeren gjorde ikke blot de positive helte i sine stykker til mennesker af arbejde og fremskridt, til bærere af folkets sandhed og visdom, men skrev også i folkets og folkets navn.

Ostrovsky portrætterede i sine skuespil livets prosa, almindelige mennesker i hverdagsforhold. Ved at tage de almindelige menneskelige problemer med ondskab og godt, sandhed og uretfærdighed, skønhed og grimhed som indholdet af sine skuespil, overlevede Ostrovsky sin tid og trådte ind i vores æra som dens samtid.

A.N. Ostrovskys kreative vej varede fire årtier. Han skrev sine første værker i 1846 og det sidste i 1886.

I løbet af denne tid skrev han 47 originale skuespil og adskillige skuespil i co-forfatterskab med Soloviev ("Balzaminovs ægteskab", "Den vilde kvinde", "Det skinner, men det varmer ikke" osv.); lavet mange oversættelser fra italiensk, spansk, fransk, engelsk, indisk (Shakespeare, Goldoni, Lope de Vega - 22 skuespil). Der er 728 roller i hans skuespil, 180 akter; hele Rusland er repræsenteret. En række genrer: komedier, dramaer, dramatiske kronikker, familiescener, tragedier, dramatiske studier præsenteres i hans drama. Han optræder i sit arbejde som en romantisk, hverdagsliv, tragedier og komiker.

Selvfølgelig er enhver periodisering til en vis grad vilkårlig, men for bedre at kunne navigere i al mangfoldigheden af ​​Ostrovskys arbejde, vil vi opdele hans arbejde i flere stadier.

1846 - 1852 - den indledende fase af kreativitet. De vigtigste værker skrevet i denne periode: "Noter fra en Zamoskvoretsky-beboer", skuespillene "Et billede af familielykke", "Vores folk - Nummereret", "Dårlig brud".

1853 - 1856 - den såkaldte "Slavophil"-periode: "Kom ikke ind i din slæde." "Fattigdom er ikke en last", "Lev ikke, som du vil."

1856 - 1859 - tilnærmelse til kredsen af ​​"Contemporary", vend tilbage til realistiske positioner. De vigtigste skuespil fra denne periode: "Et indbringende sted", "Forælder", "Tømmermænd i en andens fest", "Trilogien om Balzaminov", og endelig skabt under en revolutionær situation, "Tordenvejret".

1861 - 1867 - uddybning i studiet af russisk historie, resultatet - de dramatiske kronikker af Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk "," Dmitry the Pretender "og" Vasily Shuisky "," Tushino ", dramaet" Vasilisa Melentyevna ", komedie" Voevoda eller Drøm på Volga."

1869 - 1884 - skuespil skabt i denne kreativitetsperiode er viet til sociale og hverdagslige relationer, der udviklede sig i det russiske liv efter reformen i 1861. De vigtigste skuespil i denne periode: "Nok til enhver klog mand", "Varmt hjerte", "Valske penge", "Skov", "Ulve og får", "Det sidste offer", "Sen kærlighed", "Talenter og Beundrere", "Skyldig uden skyld."

Ostrovskys skuespil dukkede ikke op ud af ingenting. Deres udseende er direkte relateret til Griboyedovs og Gogols skuespil, som absorberede alt af værdi, som den russiske komedie, der gik forud for dem, opnåede. Ostrovsky kendte godt den gamle russiske komedie fra det 18. århundrede, studerede specielt værker af Kapnist, Fonvizin, Plavilshchikov. På den anden side er der indflydelsen fra "naturskole"-prosaen.

Ostrovsky kom til litteraturen i slutningen af ​​40'erne, da Gogols drama blev anerkendt som det største litterære og sociale fænomen. Turgenev skrev: "Gogol viste vejen, hvordan vores dramatiske litteratur vil gå over tid." Ostrovsky var fra de første trin af sin aktivitet klar over sig selv som efterfølgeren af ​​traditionerne fra Gogol, den "naturlige skole", han rangerede sig selv blandt forfatterne af "en ny retning i vores litteratur."

Årene 1846 - 1859, hvor Ostrovsky arbejdede på sin første store komedie, "Vores folk - lad os numre", var årene for hans dannelse som realistisk forfatter.

Ostrovskys, dramatikerens ideologiske og kunstneriske program, fremgår tydeligt af hans kritiske artikler og anmeldelser. Artiklen "Error", historien om Mrs. Tour "(" The Moscovite ", 1850), ufærdig artikel om Dickens' roman" Dombey and Son "(1848), anmeldelse af Menshikovs komedie" Quirks "," Muscovite "1850), " Bemærk om situationen dramatisk kunst i Rusland på nuværende tidspunkt "(1881)," Tabel tale om Pushkin "(1880).

Ostrovskys sociale og litterære synspunkter er karakteriseret ved følgende grundlæggende bestemmelser:

For det første mener han, at dramaet skal være en afspejling af folkets liv, folkets bevidsthed.

For Ostrovsky er folket først og fremmest den demokratiske masse, de lavere klasser, almindelige mennesker.

Ostrovsky krævede, at forfatteren studerede folkets liv, de problemer, der vedrører folket.

”For at være en folkeforfatter,” skriver han, ”er kærlighed til fædrelandet ikke nok ... man skal kende sit folk godt, komme tættere på dem, blive beslægtet med dem. Den bedste skole for talent er studiet af din egen nationalitet."

For det andet taler Ostrovsky om behovet for national identitet for drama.

Litteraturens og kunstens nationalitet forstås af Ostrovsky som en umistelig konsekvens af deres nationalitet og demokrati. "Kun den kunst, der er national, er national, for den sande nationalitetsbærer er den folkelige, demokratiske masse."

I "Tabeltale om Pushkin" - et eksempel på en sådan digter er Pushkin. Pushkin er en nationaldigter, Pushkin er en nationaldigter. Pushkin spillede en enorm rolle i udviklingen af ​​russisk litteratur, fordi han "gav den russiske forfatter modet til at være russisk."

Og endelig handler den tredje bestemmelse om litteraturens socialt anklagende karakter. "Jo mere populært værket er, jo mere indeholder det et fordømmende element, fordi" karakteristiske træk ved det russiske folk "er" modvilje mod alt skarpt defineret ", uvilje til at vende tilbage til" gamle, allerede fordømte livsformer, ønsket at "se efter det bedste".

Offentligheden forventer af kunsten at afsløre samfundets laster og mangler, at dømme livet.

Ved at fordømme disse laster i sine kunstneriske billeder afskyr forfatteren dem i offentligheden, tvinger dem til at være bedre, mere moralske. Derfor "kan den sociale, anklagende retning kaldes moralsk og offentlig" - understreger Ostrovsky. Når han taler om en socialt-anklagende eller moralsk-social retning, mener han:

anklagende kritik af den dominerende levevis; beskyttelse af positive moralske principper, dvs. at beskytte almindelige menneskers forhåbninger og deres stræben efter social retfærdighed.

Således kommer begrebet "moralsk og anklagende retning" i sin objektive betydning tæt på begrebet kritisk realisme.

Ostrovskys værker, skrevet af ham i slutningen af ​​40'erne og begyndelsen af ​​50'erne, "Et billede af familielykke", "Noter fra en Zamoskvoretsky-beboer", "Vores folk - vi vil nummereres", "Dårlig brud" er organisk forbundet med Naturskolens litteratur.

"Billedet af familielykke" har i høj grad karakter af en dramatiseret sketch: den er ikke opdelt i fænomener, der er ingen færdiggørelse af plottet. Ostrovsky satte sig selv til opgave at skildre købmandsklassens liv. Helten er udelukkende interesseret i Ostrovsky som en repræsentant for sin klasse, hans livsstil, hans måde at tænke på. Går ud over den naturlige skole. Ostrovsky afslører den tætte forbindelse mellem hans heltes moral og deres sociale væsen.

Han sætter købmandsklassens familieliv i direkte forbindelse med de monetære og materielle forhold i dette miljø.

Ostrovsky fordømmer fuldstændigt sine helte. Hans helte udtrykker deres syn på familie, ægteskab, uddannelse, som om de demonstrerede disse synspunkters vildskab.

Denne teknik var udbredt i den satiriske litteratur fra 40'erne - teknikken til selveksponering.

Det mest betydningsfulde arbejde fra Ostrovsky 40'erne. - udkom komedien "Vores folk - vi bliver talte" (1849), der af samtiden blev opfattet som en stor erobring af naturskolen i dramaet.

"Han startede ekstraordinært," skriver Turgenev fra Ostrovsky.

Komedien fangede straks myndighedernes opmærksomhed. Da censuren præsenterede stykket for zaren til overvejelse, skrev Nicholas I: "Det er forgæves offentliggjort! Forbyd at spille alligevel."

Navnet Ostrovsky blev inkluderet i listerne over upålidelige personer, og dramatikeren blev sat under hemmelig politiovervågning i fem år. "Sagen om forfatteren Ostrovsky" blev åbnet.

Ostrovsky kritiserer ligesom Gogol selve grundlaget for relationer, der hersker i samfundet. Han er kritisk over for samtidens sociale liv og i denne forstand er han en tilhænger af Gogol. Og på samme tid identificerede Ostrovsky sig straks som en innovatorforfatter. Ved at sammenligne værkerne fra den tidlige fase af hans arbejde (1846-1852) med Gogols traditioner, lad os spore, hvad Ostrovsky introducerede i litteraturen.

Handlingen i Gogols "højkomedie" foregår så at sige i en verden af ​​urimelig virkelighed - "Generalinspektøren".

Gogol testede en person i hans forhold til samfundet, til borgerpligt - og viste - det er, hvad disse mennesker er. Dette er lasternes fokus. De tænker slet ikke på samfundet. De styres i deres adfærd af snævert egoistiske beregninger, egoistiske interesser.

Gogol fokuserer ikke på hverdagen – latter gennem tårer. For ham fungerer bureaukratiet ikke som et socialt lag, men som en politisk kraft, der bestemmer livet i samfundet som helhed.

Ostrovskys arbejde er helt anderledes - en grundig analyse af det sociale liv.

Ligesom heltene i naturskolens essays er Ostrovskys helte almindelige, typiske repræsentanter for deres sociale miljø, som også deles af deres almindelige daglige liv, alle dets fordomme.

a) I stykket "Vores folk - vi bliver talte" skaber Ostrovsky en typisk biografi om en købmand, taler om, hvordan kapital samles.

Som barn handlede Bolshov tærter fra en bod og blev derefter en af ​​de første velhavende mennesker i Zamoskvorechye.

Podkhalyuzin - gjorde sig selv kapital ved at røve ejeren, og endelig - Tishka er en ærindedreng, men ved dog allerede, hvordan man kan behage den nye ejer.

Her gives så at sige tre stadier af en købmands karriere. Gennem deres skæbne viste Ostrovsky, hvordan kapitalen er sammensat.

b) Det ejendommelige ved Ostrovskys drama var, at han viste dette spørgsmål - hvordan kapitalen er sammensat i et handelsmiljø - gennem overvejelser om familiemæssige, daglige, almindelige relationer.

Det var Ostrovsky, der var den første i russisk drama til at overveje tråd efter tråd, nettet af daglige, daglige forhold. Han var den første, der introducerede alle disse små ting i livet, familiehemmeligheder, små husholdningssager i kunstens sfære. En kæmpe plads er optaget af tilsyneladende meningsløse hverdagsscener. Der lægges stor vægt på figurernes stillinger, gestus, deres måde at tale på, selve deres tale.

Ostrovskys første skuespil forekom læseren usædvanlige, ikke scenebaserede, mere som fortællende snarere end dramatiske værker.

Kredsen af ​​Ostrovskys værker, direkte forbundet af 40'ernes naturskole, afsluttes med skuespillet Poor Bride (1852).

I det viser Ostrovsky den samme afhængighed af en person af økonomiske, monetære relationer. Flere bejlere søger Marya Andreevnas hånd, men den, der får den, behøver ikke at anstrenge sig for at nå målet. Den velkendte økonomiske lov i det kapitalistiske samfund, hvor penge bestemmer alt, virker for ham. Billedet af Marya Andreevna begynder i Ostrovskys værk et nyt tema for ham, positionen af ​​en fattig pige i et samfund, hvor alt bestemmes af kommercielle beregninger. ("Skov", "Elev", "Medgift").

Så for første gang har Ostrovsky (i modsætning til Gogol) ikke kun last, men også et offer for last. Ud over det moderne samfunds mestre optræder de, der modsætter sig dem - forhåbninger, hvis behov er i strid med dette miljøs love og skikke. Det medførte nye farver. Ostrovsky opdagede nye sider af sit talent - dramatisk satirisme. "Vores folk - vi vil blive talt" - satiricitet.

Ostrovskys kunstneriske facon i dette stykke er endnu mere forskellig fra Gogols drama. Plottet mister her al sin skarphed. Det er baseret på en almindelig sag. Det tema, der lød i Gogols "Ægteskabet" og fik satirisk omtale - ægteskabets forvandling til salg og køb, har her fået en tragisk lyd.

Men samtidig er det en komedie baseret på karakterskildring, efter bestemmelser. Men hvis heltene fra Gogol forårsager latter og fordømmelse af offentligheden, så i Ostrovsky seeren hans daglige liv, følte dyb sympati for nogle - fordømte andre.

Den anden fase i Ostrovskys aktivitet (1853 - 1855) var præget af slavofile påvirkninger.

Først og fremmest bør denne overgang fra Ostrovsky til Slavophil-positioner forklares med intensiveringen af ​​atmosfæren, reaktionen, der blev etableret i de "dystre syv år" 1848-1855.

Hvordan opstod denne indflydelse nøjagtigt, hvilke ideer fra slavofile viste sig at være tæt på Ostrovsky? Først og fremmest Ostrovskys tilnærmelse til den såkaldte "unge udgave" af "Moskvityanin", hvis adfærd skulle forklares med deres karakteristiske interesse for russisk nationalliv, folkekunst, folkets historiske fortid, som lå meget tæt på Ostrovsky .

Men Ostrovsky var ude af stand til i denne interesse at gennemskue det grundlæggende konservative princip, som viste sig i de herskende sociale modsætninger, i en fjendtlig holdning til begrebet historisk fremskridt, i beundring for alt patriarkalsk.

Faktisk optrådte slavofilerne som ideologer af de socialt tilbagestående elementer i små- og mellemborgerskabet.

Apollon Grigoriev, en af ​​de mest fremtrædende ideologer fra den unge redaktion i Moskvityanin, hævdede, at der er en enkelt "national ånd", der udgør det organiske grundlag for folks liv. At fange denne nationale ånd er det vigtigste for en forfatter.

Sociale modsætninger, klassernes kamp er historiske lag, der vil blive overvundet, og som ikke krænker nationens enhed.

Forfatteren skal vise folkekarakterens evige moralske principper. Bæreren af ​​disse evige moralske principper, folkets ånd, er "middel-, industri- og handelsstanden", fordi det var denne klasse, der bevarede patriarkatet af traditionerne i det gamle Rusland, bevarede troen, skikkene og sproget i fædrene. Denne klasse er ikke blevet påvirket af civilisationens falskhed.

Den officielle anerkendelse af denne doktrin om Ostrovsky er hans brev i september 1853 til Pogodin (redaktør af Moskvityanin), hvori Ostrovsky skriver, at han nu er blevet tilhænger af en "ny retning", hvis essens er at appellere til positive principper af liv og folkekarakter.

Den gamle måde at se tingene på forekommer ham nu "ung og for grusom". At afsløre sociale laster synes ikke at være hovedopgaven.

"Korrektører vil blive fundet uden os. For at have ret til at rette folket uden at fornærme dem, er det nødvendigt at vise dem, at du ved gode ting bag dem ”(september 1853), skriver Ostrovsky.

På dette stadium er Ostrovskys særpræg for det russiske folk ikke hans vilje til at give afkald på forældede livsnormer, men patriarkatet, tilslutning til uforanderlige, grundlæggende livsbetingelser. Ostrovsky ønsker nu at kombinere det "høje med det komiske" i sine skuespil, idet han forstår de positive træk ved købmandens liv ved det høje og ved det "komiske" - alt, hvad der ligger uden for købmandskredsen, men øver sin indflydelse på den.

Disse nye syn på Ostrovsky fandt deres udtryk i tre såkaldte "Slavophil"-skuespil af Ostrovsky: "Kom ikke ind i din slæde", "Fattigdom er ikke en last", "Lev ikke, som du vil."

Alle tre slavofile skuespil af Ostrovsky har én definerende begyndelse - et forsøg på at idealisere købmændenes patriarkalske livsgrundlag og familiemoral.

Og i disse skuespil vender Ostrovsky sig til familie- og hverdagsemner. Men bag dem er der ikke længere økonomiske, sociale relationer.

Familie, hverdagsforhold fortolkes i en ren moralsk forstand - alt afhænger af menneskers moralske kvaliteter, der er ingen materielle, monetære interesser bag dette. Ostrovsky forsøger at finde en måde at løse de moralske modsætninger på i den moralske transformation af heltene. (Den moralske oplysning af Gordey Tortsov, adelen af ​​Borodkins og Rusakovs sjæl). Småtyranni retfærdiggøres ikke så meget af eksistensen af ​​kapital, økonomiske relationer, som af en persons personlige egenskaber.

Ostrovsky skildrer de aspekter af købmandslivet, hvori, som det forekommer ham, det landsdækkende er koncentreret, den såkaldte "nationalånd". Derfor fokuserer han på de poetiske, lette sider af købmandslivet, introducerer rituelle, folkloristiske motiver og viser den "folkeepiske" begyndelse af heltenes liv til skade for deres sociale sikkerhed.

Ostrovsky understregede i denne periodes skuespil hans heroiske købmænds nærhed til folket, deres sociale og hverdagslige bånd til bønderne. De siger om sig selv, at de er "enkle", "uopdragne" mennesker, at deres fædre var bønder.

Fra et kunstnerisk synspunkt er disse skuespil klart svagere end de foregående. Deres sammensætning er bevidst forenklet, karaktererne viste sig at være mindre klare, og afslutningerne var mindre berettigede.

Skuespil fra denne periode er præget af didaktik, i dem er lyse og mørke principper åbenlyst modsatte, heltene er skarpt opdelt i "godt" og "ondt", last straffes ved afslutningen. Skuespil fra den "slavofile periode" er karakteriseret ved åben moralisering, sentimentalitet, opbyggelse.

Samtidig skal det siges, at Ostrovsky i denne periode generelt forblev på realistiske positioner. Ifølge Dobrolyubov kunne "kraften af ​​umiddelbar kunstnerisk følelse ikke forlade forfatteren selv her, og derfor er særlige positioner og individuelle karakterer kendetegnet ved ægte sandhed."

Betydningen af ​​Ostrovskys skuespil skrevet i denne periode ligger primært i, at de fortsætter med at latterliggøre og fordømme tyranni, uanset hvilken form det viser sig / Lyubim Tortsov /. (Hvis Bolshov er en uhøflig og ligefrem type tyrann, så er Rusakov en blødgjort og sagtmodig type).

Dobrolyubov: "I Bolshov så vi en livskraftig natur, udsat for påvirkning af handelslivet, i Rusakov forestiller vi os: men hvordan selv ærlige og blide naturer ser ud med ham."

Bolshov: "Hvad er min far og jeg, hvis du ikke bestiller?"

Rusakov: "Jeg vil ikke give op for den, hun vil elske, men for den, som jeg vil elske."

Lovprisning af det patriarkalske liv er modstridende i disse skuespil med fremsættelsen af ​​akutte sociale spørgsmål og ønsket om at skabe billeder, der ville legemliggøre nationale idealer (Rusakov, Borodkin), med sympati for unge mennesker, der bringer nye forhåbninger, modstand mod alt patriarkalsk, gammel. (Mitya, Lyubov Gordeevna).

Disse skuespil kom til udtryk for Ostrovskys ønske om at finde en lys, positiv begyndelse hos almindelige mennesker.

Sådan opstår folkehumanismens tema, bredden i det almindelige menneskes natur, som kommer til udtryk i evnen til frimodigt og selvstændigt at se på omgivelserne og i evnen til nogle gange at ofre sine egne interesser for andres skyld.

Dette tema blev derefter lydt i så centrale Ostrovskys skuespil som "Tordenvejret", "Skov", "Medgift".

Ideen om at skabe en folkeforestilling - en didaktisk forestilling - var ikke fremmed for Ostrovsky, da han skabte Poverty is Not a Vice and Don't Live As You Want.

Ostrovsky stræbte efter at formidle de etiske principper for folket, det æstetiske grundlag for deres liv, for at fremkalde den demokratiske tilskuers reaktion på poesien fra hans fødeliv, den nationale oldtid.

Ostrovsky blev styret i dette af et ædelt ønske "at give den demokratiske tilskuer en indledende kulturel podning." En anden ting er idealiseringen af ​​ydmyghed, lydighed, konservatisme.

En interessant vurdering af Slavophil spiller i artiklerne af Chernyshevsky "Fattigdom er ikke en last" og Dobrolyubov "The Dark Kingdom".

Chernyshevsky skrev sin artikel i 1854, da Ostrovsky var tæt på de slavofile, og der var fare for, at Ostrovsky forlod realistiske positioner. Chernyshevsky kalder Ostrovskys skuespil "Fattigdom er ikke en last" og "Sid ikke i din slæde" for "falske", men fortsætter med at sige: "Ostrovsky har endnu ikke ødelagt sit vidunderlige talent, han skal tilbage til den realistiske retning." "I sandhed ødelægger talentets magt, den forkerte retning selv det stærkeste talent," slutter Chernyshevsky.

Dobrolyubovs artikel blev skrevet i 1859, da Ostrovsky frigjorde sig fra slavofile påvirkninger. Det var meningsløst at huske tidligere vrangforestillinger, og Dobrolyubov, der begrænser sig til et kedeligt antydning af dette partitur, fokuserer på at afsløre det realistiske princip i disse samme skuespil.

Chernyshevskys og Dobrolyubovs vurderinger supplerer hinanden gensidigt og er et eksempel på den revolutionære demokratiske kritiks principielle holdning.

I begyndelsen af ​​1856 begyndte en ny fase i Ostrovskys arbejde.

Dramatikeren kommer tættere på Sovremenniks redaktion. Denne tilnærmelse falder sammen med perioden med fremkomsten af ​​progressive sociale kræfter, med modningen af ​​en revolutionær situation.

Han, som om han fulgte Nekrasovs råd, vender tilbage til stien til at studere den sociale virkelighed, vejen til at skabe analytiske skuespil, hvor der gives billeder af det moderne liv.

(I en anmeldelse af skuespillet "Lev ikke, som du vil" rådede Nekrasov ham til, idet han opgav alle forudfattede ideer, til at følge den vej, som hans eget talent ville føre: "at give fri udvikling til sit talent" - vejen for skildrer det virkelige liv).

Chernyshevsky understreger "Ostrovskys vidunderlige talent, stærke talent. Dobrolyubov - "kraften af ​​kunstnerisk instinkt" af dramatikeren.

I denne periode skaber Ostrovsky så betydningsfulde skuespil som "Pupil", "Profitable Place", en trilogi om Balzaminov og endelig under en revolutionær situation - "The Thunderstorm".

Denne periode med Ostrovskys kreativitet er først og fremmest karakteriseret ved udvidelsen af ​​dækningen af ​​livsfænomener, udvidelsen af ​​temaer.

For det første viste Ostrovsky inden for sin forskning, hvor jordejeren, livegnemiljøet falder, at godsejeren Ulanbekova ("Forælderen") håner sine ofre lige så grusomt som analfabeter, mørke købmænd.

Ostrovsky viser, at i det godsejer-adele miljø, som i købmanden, foregår den samme kamp mellem de rige og de fattige, de ældre og de yngre.

Derudover rejser Ostrovsky i samme periode emnet filistinisme. Ostrovsky var den første russiske forfatter til at bemærke og kunstnerisk opdagede filistinisme som en social gruppe.

Dramatikeren opdagede i bourgeoisiet en fremherskende og overskyggende interesse for materialet, hvad Gorkij senere definerede som "en grim udviklet følelse af ejerskab".

I trilogien om Balzaminov ("Festlig drøm - før frokosttid", "Dine hunde bider, generer ikke en anden," , vulgaritet, profittørst, absurde drømme.

Trilogien om Balzaminov afslører ikke bare uvidenhed eller snæversynethed, men en form for intellektuel elendighed, bourgeoisiets underlegenhed. Billedet er bygget på modsætningen til denne mentale underlegenhed, moralske ubetydelighed – og selvtilfredshed, selvtillid.

I denne trilogi er der elementer af vaudeville, bøvl, træk af ekstern tegneserie. Men den interne komik råder i den, da figuren Balzaminov er intern komisk.

Ostrovsky viste, at bourgeoisiets rige er det samme mørke rige af ufremkommelig vulgaritet, vildskab, som er rettet mod ét mål - profit.

Det næste stykke - "A Profitable Place" - vidner om Ostrovskys tilbagevenden til vejen for "moralsk anklagende" drama. I samme periode var Ostrovsky opdageren af ​​endnu et mørkt rige - embedsmændenes rige, det tsaristiske bureaukrati.

I årene, hvor livegenskabet blev afskaffet, havde afsløringen af ​​den bureaukratiske orden en særlig politisk betydning. Bureaukrati var det mest komplette udtryk for det autokratiske livegnesystem. Det legemliggjorde autokratiets udbytende og rovdrift. Dette var ikke længere bare hverdags vilkårlighed, men en krænkelse af fælles interesser i lovens navn. Det er i forbindelse med dette skuespil, at Dobrolyubov udvider begrebet "tyranni", idet han forstår autokrati generelt.

"Et rentabelt sted" minder problemmæssigt om N. Gogols komedie "Generalinspektøren". Men hvis de embedsmænd, der begår lovløshed, i "Generalinspektøren" føler sig skyldige, er bange for gengældelse, så er Ostrovskys embedsmænd gennemsyret af bevidstheden om deres retfærdighed og straffrihed. Bestikkelse, misbrug synes for dem og andre at være normen.

Ostrovsky understregede, at forvrængning af alle moralske normer i samfundet er loven, og loven i sig selv er noget illusorisk. Både embedsmænd og folk, der er afhængige af dem, ved, at love altid er på siden af ​​dem, der har magten.

Således er embedsmænd for første gang i litteraturen vist af Ostrovsky som ejendommelige handlende i loven. (Den embedsmand kan ændre loven som han vil.)

En ny helt kom også til Ostrovskys skuespil - en ung embedsmand, Zhadov, som lige var blevet færdig med universitetet. Konflikten mellem repræsentanter for den gamle formation og Zhadov får kraften i en uforsonlig modsigelse:

a / Ostrovsky var i stand til at vise inkonsistensen i illusionerne om en ærlig embedsmand som en kraft, der var i stand til at stoppe administrationens misbrug.

b / kamp mod "Yusovschina" eller kompromis, forræderi af idealer - Zhadov fik ikke noget andet valg.

Ostrovsky fordømte systemet, de levevilkår, der giver anledning til bestikkelse. Den progressive betydning af komedie ligger i det faktum, at den uforsonlige fornægtelse af den gamle verden og "Yusovschina" i den smeltede sammen med søgen efter en ny moral.

Zhadov er en svag person, han kan ikke modstå kampen, han går også for at bede om et "lukrativt job."

Chernyshevsky mente, at stykket ville blive endnu stærkere, hvis det sluttede med fjerde akt, altså med Zhadovs fortvivlelsesråb: "Vi tager til min onkel for at bede om et lukrativt job!" I den femte dukker den afgrund op foran Zhadov, som næsten ødelagde ham moralsk. Og selvom slutningen på Vyshimirsky ikke er typisk, er der i Zhadovs frelse et element af tilfældighed, hans ord, hans tro på, at "et eller andet sted er der andre, mere vedholdende, værdige mennesker", som ikke vil gå på kompromis, vil ikke ydmyge sig selv , vil ikke give, tale om udsigten til yderligere udvikling af nye sociale relationer. Ostrovsky havde en fornemmelse af det forestående sociale opsving.

Den hurtige udvikling af psykologisk realisme, som vi observerer i anden halvdel af 1800-tallet, viste sig også i dramatik. Hemmeligheden bag Ostrovskys dramatiske forfatterskab ligger ikke i mennesketypernes ensidige karakteristika, men i ønsket om at skabe fuldblods menneskelige karakterer, hvis indre modsætninger og kampe tjener som en stærk drivkraft til den dramatiske bevægelse. GA Tovstonogov talte godt om dette træk ved Ostrovskys kreative måde og henviste især til Glumov fra komedien "Enough simplicity for every wise man", en karakter, der er langt fra ideel: "Hvorfor er Glumov charmerende, selvom han begår en række modbydelige gerninger? han er usympatisk over for os, så er der ingen præstation. Had til denne verden gør ham charmerende, og vi retfærdiggør internt hans måde at betale ham tilbage på."

Interessen for den menneskelige person i alle dens stater tvang forfattere til at søge midler til deres udtryk. I dramaet var det vigtigste sådanne middel den stilistiske individualisering af karakterernes sprog, og det var Ostrovsky, der spillede hovedrollen i udviklingen af ​​denne metode. Derudover gjorde Ostrovsky i psykologi et forsøg på at gå videre ad vejen for at give sine helte den størst mulige frihed inden for rammerne af forfatterens hensigt - resultatet af et sådant eksperiment var billedet af Katerina i Tordenvejret.

I Tordenvejret steg Ostrovsky til niveauet for den tragiske kollision af levende menneskelige følelser med det dødbringende husliv i huset.

På trods af de mange forskellige typer af dramatiske konflikter, der blev præsenteret i Ostrovskys tidlige værker, blev deres poetik, deres generelle atmosfære først og fremmest bestemt af det faktum, at tyranni blev givet i dem som et naturligt og uundgåeligt fænomen i livet. Selv de såkaldte "Slavophil"-skuespil, med deres søgen efter lys og gode begyndelser, ødelagde ikke og krænkede ikke den undertrykkende atmosfære af tyranni. Skuespillet "Tordenvejret" er også præget af denne generelle smag. Og samtidig er der en kraft i hende, der resolut modsætter sig en frygtelig, dødbringende rutine - dette er et folkeelement, udtrykt både i folkekarakterer (Katerina, først og fremmest Kuligin og endda Kudryash) og i russisk natur, som bliver et væsentligt element i dramatisk handling ...

Skuespillet "Tordenvejret", der rejste komplekse spørgsmål om det moderne liv og dukkede op på tryk og på scenen lige på tærsklen til den såkaldte "befrielse" af bønderne, vidnede om, at Ostrovsky var fri for enhver illusion om stierne Ruslands sociale udvikling.

Allerede før udgivelsen dukkede "Tordenvejret" op på den russiske scene. Premieren fandt sted den 16. november 1859 på Maly Theatre. Store skuespillere var involveret i stykket: S. Vasiliev (Tikhon), P. Sadovsky (Dikoy), N. Rykalova (Kabanova), L. Nikulina-Kositskaya (Katerina), V. Lensky (Kudryash) og andre. Produktionen blev instrueret af N. Ostrovsky selv. Premieren var en stor succes, og efterfølgende forestillinger blev afholdt med triumf. Et år efter den strålende premiere på Stormene blev stykket tildelt den højeste akademiske pris - Den Store Uvarov-pris.

I Tordenvejret bliver Ruslands sociale system skarpt fordømt, og hovedpersonens død vises af dramatikeren som en direkte konsekvens af hendes desperate situation i "det mørke rige". Konflikten i "Tordenvejr" er bygget på det uforsonlige sammenstød mellem den frihedselskende Katerina og den forfærdelige verden af ​​vild- og vildsvin, med dyrelove baseret på "grusomhed, løgne, hån, ydmygelse af den menneskelige personlighed. Katerina gik imod tyranni og obskurantisme, kun bevæbnet med sine følelsers styrke, bevidsthed retten til liv, lykke og kærlighed. ”Ifølge Dobrolyubovs retfærdige bemærkning føler hun” muligheden for at tilfredsstille sin sjæls naturlige tørst og kan ikke længere forblive ubevægelig: hun er stræber efter et nyt liv, selvom hun skulle dø i denne impuls.”

Fra barndommen blev Katerina opdraget i et ejendommeligt miljø, som udviklede i hende en romantisk drømmende, religiøsitet og en tørst efter frihed. Disse karaktertræk bestemte senere tragedien i hendes position. Opvokset i en religiøs ånd forstår hun al det "syndige" i hendes følelser for Boris, men hun kan ikke modstå naturlig tiltrækning og overgiver sig fuldstændigt til denne impuls.

Katerina er ikke kun imod "Kabanovs moralbegreber." Hun protesterer åbenlyst mod uforanderlige religiøse dogmer, som hævdede kirkevigelsens kategoriske ukrænkelighed og fordømte selvmord som i strid med kristen lære. Med tanke på denne fylde af Katerinas protest skrev Dobrolyubov: "Dette er den sande karakterstyrke, som du under alle omstændigheder kan stole på! Dette er den højde, hvortil vort nationale liv når i sin udvikling, men som i vor litteratur var meget få, der var i stand til at hæve sig, og ingen vidste, hvordan man skulle holde fast ved det så godt som Ostrovsky."

Katerina ønsker ikke at finde sig i det dødbringende miljø. "Jeg vil ikke bo her, jeg vil ikke, selvom du skærer mig!" siger hun til Varvara. Og hun begår selvmord. Katerinas karakter er kompleks og mangefacetteret. Denne kompleksitet er mest veltalende bevist, måske ved det faktum, at mange fremragende kunstnere, der starter, ser det ud til, fra helt modsatte dominanter af hovedpersonens karakter, ikke helt kunne udmatte ham.fortolkninger afslørede ikke fuldt ud det vigtigste i Katerinas karakter: hendes kærlighed, som hun overgiver sig med al umiddelbarheden af ​​hendes unge natur. Hendes livserfaring er ubetydelig, mest af alt i hendes natur er en følelse af skønhed, poetisk naturopfattelse. Dog er hendes karakter givet i bevægelse, i udvikling. Kontemplation af naturen, som vi ved fra stykket, er ikke nok til det Andre anvendelsessfærer for åndelige kræfter er nødvendige Bøn, tjeneste, myter er også midler til at tilfredsstille poesi. den tekniske følelse af hovedpersonen.

Dobrolyubov skrev: "Det er ikke ritualer, der optager hende i kirken: hun hører ikke engang, hvad der bliver sunget og læst der; hun har en anden musik i sin sjæl, andre visioner, for hende ender gudstjenesten umærkeligt, som på et sekund. Hun er optaget af træer, mærkeligt malet på billeder, og hun forestiller sig et helt land af haver, hvor alle sådanne træer, og alt dette blomstrer, lugter, alt er fuld af paradisisk sang. Ellers vil hun på en solskinsdag se, hvordan "fra kuplen går en lys sådan søjle ned, og i denne søjle går røg som skyer" - og nu ser hun allerede, "som om englene i denne søjle flyver og synger." Nogle gange vil det vise sig for hende – hvorfor skulle hun ikke flyve? Og når hun står på bjerget, bliver hun draget af at flyve: sådan løb hun væk, løftede hænderne og fløj ... ".

En ny, men uudforsket sfære til manifestation af hendes åndelige kræfter var hendes kærlighed til Boris, som i sidste ende blev årsagen til hendes tragedie. "En nervøs, lidenskabelig kvindes lidenskab og kampen med gæld, fald, omvendelse og tung forløsning af skyld - alt dette er fyldt med den mest livlige dramatiske interesse og udført med ekstraordinær dygtighed og viden om hjertet," IA Goncharov med rette bemærket.

Hvor ofte bliver lidenskab, spontanitet af Katerinas natur fordømt, og hendes dybe åndelige kamp opfattes som en manifestation af svaghed. I mellemtiden finder vi i kunstneren Ye. B. Piunova-Schmidthofs erindringer Ostrovskys nysgerrige historie om sin heltinde: "Katerina," fortalte Alexander Nikolaevich, "er en kvinde med en lidenskabelig natur og stærk karakter. Hun beviste det med sin kærlighed til Boris og sit selvmord. Katerina, selvom hun er overvældet af miljøet, giver sig selv op til sin passion ved første lejlighed og siger før det: "Kom hvad der vil, og jeg vil se Boris!" Foran billedet af helvede raser Katerina ikke og hysterer, men skal kun med sit ansigt og hele figuren skildre dødelig frygt. I scenen med afsked med Boris taler Katerina stille, som en syg kvinde, og kun de sidste ord: "Min ven! Min glæde! Farvel!" - siger det så højt som muligt. Katerinas stilling blev håbløs. Du kan ikke bo i din mands hus ... Der er ingen steder at tage hen. Til forældre? Ja, på det tidspunkt ville de have bundet hende og bragt hende til hendes mand. Katerina kom til den overbevisning, at det var umuligt at leve, som hun havde levet før, og med en stærk vilje druknede hun sig selv ... ”.

"Uden frygt for at blive anklaget for overdrivelse," skrev IA Goncharov, "kan jeg ærligt sige, at der ikke var noget sådant arbejde som et drama i vores litteratur. Hun indtager uden tvivl og vil sandsynligvis i lang tid indtage førstepladsen i højklassiske skønheder. Uanset hvilken side det tages - fra siden af ​​skabelsesplanen, eller dramatisk bevægelse, eller endelig karakterer, er det overalt fanget af kreativitetens kraft, iagttagelsens subtilitet og udsmykningens yndefulde. I "Tordenen" er ifølge Goncharov "det brede billede af det nationale liv og skikke faldet til ro."

Ostrovsky opfattede Tordenvejret som en komedie og kaldte det derefter et drama. NA Dobrolyubov talte meget omhyggeligt om genrekarakteren af ​​The Storm. Han skrev, at "de gensidige forhold af tyranni og målløshed er blevet bragt i hende til de mest tragiske konsekvenser."

Ved midten af ​​det 19. århundrede viste Dobrolyubovs definition af "livets spil" sig at være mere rummelig end den traditionelle underopdeling af dramatisk kunst, som stadig følte byrden af ​​klassicistiske normer. I russisk drama var der en proces med konvergens mellem dramatisk poesi og hverdagsvirkelighed, hvilket naturligvis påvirkede deres genrenatur. Ostrovsky skrev for eksempel: "Den russiske litteraturs historie har to grene, der endelig er smeltet sammen: en podet gren er afkom af et fremmed, men godt rodfæstet frø; den går fra Lomonosov gennem Sumarokov, Karamzin, Batyushkov, Zhukovsky og andre. til Pushkin, hvor han begynder at konvergere med den anden; den anden - fra Kantemir, gennem komedier af samme Sumarokov, Fonvizin, Kapnist, Griboyedov til Gogol; begge er fuldstændig smeltet sammen i ham; dualismen er forbi. På den ene side: prisværdige oder, franske tragedier, efterligninger af de gamle, sensibilitet i det sene 1700-tal, tysk romantik, hektisk ungdomslitteratur; og på den anden side: satire, komedie, komedie og døde sjæle, syntes Rusland på samme tid, i skikkelse af sine bedste forfattere, periode efter periode at leve udenlandske litteraturers liv og opdrage sin egen til universel menneskelig betydning."

Således viste komedie sig at være det, der var tættest på de daglige fænomener i det russiske liv, det reagerede følsomt på alt, der bekymrede den russiske offentlighed, gengav livet i dets dramatiske og tragiske manifestationer. Det er grunden til, at Dobrolyubov så stædigt holdt sig til definitionen af ​​"livets spil", idet han ikke så meget en konventionel genrebetydning i den, som selve princippet om at gengive det moderne liv i drama. Faktisk talte Ostrovsky om det samme princip: "Mange konventionelle regler er forsvundet, og nogle flere vil forsvinde. Nu er dramatiske værker intet andet end et dramatiseret liv."Dette princip bestemte udviklingen af ​​dramatiske genrer gennem de efterfølgende årtier af det 19. århundrede. I sin genre" er Tordenvejret "en social og dagligdags tragedie.

A. I. Revyakin bemærker med rette, at hovedtræk ved tragedien - "billedet af uforsonlige livsmodsigelser, der fører til hovedpersonens død, som er en fremragende person" - er tydeligt i "Tordenvejret". Billedet af en folketragedie indebar naturligvis nye, originale konstruktive former for dens legemliggørelse. Ostrovsky har gentagne gange modsat sig den inerte, traditionelle måde at konstruere dramatiske værker på. "Tordenvejret" var også nyskabende i denne forstand. Han talte om dette, ikke uden ironi, i et brev til Turgenev dateret 14. juni 1874, som svar på et forslag om at udgive Tordenvejret i fransk oversættelse: "Det forstyrrer ikke udgivelsen af ​​Tordenvejret i en god fransk oversættelse, den kan imponere med sin originalitet; men om det skal sættes på scenen - det kan man tænke over. Jeg sætter stor pris på franskmændenes dygtighed til at lave skuespil, og jeg er bange for at fornærme deres fine smag med min frygtelige udugelighed. Fra fransk synspunkt er konstruktionen af ​​"Tordenvejret" grim, men det må indrømmes, at den slet ikke er særlig foldbar. Da jeg skrev Tordenvejret, lod jeg mig rive med af at afslutte hovedrollerne og med utilgivelig letsindighed "Jeg tog formen, og alligevel havde jeg travlt med at komme i tide til den afdøde Vasilievs fordel".

A. Zhuravlevas ræsonnement om The Storms' genreoriginalitet er interessant: "Problemet med genrefortolkning er det vigtigste i analysen af ​​dette stykke. Hvis vi vender os til de videnskabskritiske og teatralske traditioner for fortolkningen af ​​dette stykke, kan vi skelne mellem to fremherskende tendenser. En af dem er dikteret af forståelsen af ​​"Stormen" som et socialt og hverdagsdrama, hvor dagligdagen tillægges særlig vægt. Instruktørernes opmærksomhed og dermed publikum er så at sige ligeligt fordelt blandt alle deltagerne i aktionen, hver person får lige værdi."

En anden fortolkning er bestemt af forståelsen af ​​"Stormen" som en tragedie. Zhuravleva mener, at en sådan fortolkning er dybere og har "større støtte i teksten", på trods af at fortolkningen af ​​"Tordenvejret" som et drama er baseret på genredefinitionen af ​​Ostrovsky selv. Forskeren bemærker med rette, at "denne definition er en hyldest til traditionen." Faktisk gav hele den tidligere historie af russisk drama ikke eksempler på tragedie, hvor heltene ville være privatpersoner og ikke historiske personer, selv legendariske. "Tordenvejret" forbliver i denne henseende et unikt fænomen. Nøglepunktet for at forstå genren af ​​et dramatisk værk i dette tilfælde er ikke heltenes "sociale status", men først og fremmest konfliktens karakter. Hvis vi forstår Katerinas død som følge af en kollision med hendes svigermor, ser hende som et offer for familieundertrykkelse, så ser heltenes skala virkelig for lille ud til en tragedie. Men hvis du ser, at Katerinas skæbne blev bestemt af sammenstødet mellem to historiske epoker, så synes konfliktens tragiske karakter at være ret naturlig.

Et typisk tegn på en tragisk struktur er katharsis-følelsen, som publikum oplever under afslutningen. Ved døden bliver heltinden befriet både fra undertrykkelse og fra indre modsætninger, der plager hende.

Dermed vokser det sociale og hverdagslige drama fra købmandsklassens liv til en tragedie. Gennem sammenstødet mellem kærlighed og hverdagsliv formåede Ostrovsky at vise det epoke vendepunkt, der fandt sted i almindelige menneskers sind. Den vågnende personlighedsfølelse og en ny holdning til verden, der ikke var baseret på individuel viljetilkendegivelse, viste sig at stå i uforenelig modsætning ikke kun med den virkelige, verdslige pålidelige tilstand af Ostrovskys nutidige patriarkalske orden, men også med det ideelle koncept om moral, der er iboende i den høje heltinde.

Denne transformation af drama til tragedie skete også takket være det lyriske elements triumf i Tordenvejret.

Symbolikken i stykkets titel er vigtig. Først og fremmest har ordet "tordenvejr" en direkte betydning i sin tekst. Titelkarakteren indgår af dramatikeren i handlingens udvikling og deltager direkte i den som et naturligt fænomen. Tordenvejrsmotivet udvikler sig i stykket fra første til fjerde akt. På samme tid blev billedet af et tordenvejr genskabt af Ostrovsky som et landskab: mørke skyer fyldt med fugt ("som en sky snoer sig som en bold"), vi føler indelukket i luften, vi hører torden ruller, vi fryser foran lynets lys.

Stykkets titel har også en overført betydning. Tordenvejret raser i Katerinas sjæl, det afspejles i kampen for kreative og destruktive principper, sammenstødet mellem lys og mørke forudanelser, gode og syndige følelser. Scenerne med Grokha ser ud til at skubbe stykkets dramatiske handling fremad.

Tordenvejret i stykket får også en symbolsk betydning, der udtrykker ideen om hele værket som helhed. Udseendet i det mørke rige af mennesker som Katerina og Kuligin er et tordenvejr over Kalinov. Tordenvejret i stykket formidler livets katastrofale natur, verdens tilstand delt i to. Stykkets alsidighed og alsidighed bliver en slags nøgle til en dybere forståelse af dets væsen.

"I stykket af hr. Ostrovsky, som bærer navnet" Tordenvejret, "skrev A. D. Galakhov," er handlingen og atmosfæren tragisk, selvom mange passager vækker latter." I Tordenvejret kombineres ikke kun det tragiske og det komiske, men, hvilket er særligt vigtigt, det episke og det lyriske. Alt dette bestemmer originaliteten af ​​stykkets komposition. VE Meyerhold skrev glimrende om dette: "Det særlige ved konstruktionen af ​​Tordenvejret er, at Ostrovsky giver det højeste spændingspunkt i fjerde akt (og ikke i anden scene i anden akt), og intensiveringen er noteret i manuskriptet ikke gradvist (fra anden akt gennem tredje til fjerde), men ved et skub, eller rettere - med to stød; den første stigning er angivet i anden akt, i scenen for Katerinas farvel til Tikhon (stigningen er stærk, men endnu ikke særlig stærk), og den anden stigning (meget stærk - dette er den mest følsomme impuls) i fjerde akt , i øjeblikket for Katerinas omvendelse.

Mellem disse to akter (iscenesat som på toppen af ​​to ulige, men skarpt brusende opadgående bakker) - ligger tredje akt (med begge billeder) så at sige i en dal."

Det er let at se, at den interne plan for konstruktionen af ​​Tordenvejret, subtilt afsløret af instruktøren, er bestemt af stadierne i udviklingen af ​​Katerinas karakter, stadier i hendes udvikling og hendes følelser for Boris.

A. Anastasyev bemærker, at Ostrovskys skuespil har sin egen, særlige skæbne. I mange årtier har "Tordenvejret" ikke forladt scenen i russiske teatre; N. A. Nikulina-Kositskaya, S. V. Vasiliev, N. V. Rykalova, G. N. Fedotova, M. N. Ermolova blev berømte for deres hovedroller. PA Strepetova, OO Sadovskaya, A. Koonen, VN Pashennaya. Og på samme tid har "teaterhistorikere ikke været vidne til integrerede, harmoniske, fremragende forestillinger." Det uløste mysterium om denne store tragedie ligger ifølge forskeren "i dens multiidealitet, i den stærkeste sammensmeltning af indiskutabel, ubetinget, konkret historisk sandhed og poetisk symbolik, i den organiske kombination af virkelig handling og dybt skjult lyrisk begyndelse. "

Normalt, når de taler om lyrikken i Stormene, mener de først og fremmest det lyriske system af verdensbilledet af hovedheltinden i stykket, de taler også om Volga, som er imod i sin mest generelle form til "laden" livsstil, og som forårsager de lyriske udgydelser af Kuligin ... Men dramatikeren kunne ikke - i kraft af genrens love - inddrage Volga, de smukke Volga-landskaber, i det hele taget naturen i det dramatiske handlingssystem. Han viste kun den måde, hvorpå naturen bliver en integreret del af scenehandlingen. Naturen her er ikke kun et objekt for beundring og beundring, men også hovedkriteriet for at vurdere alt, hvad der eksisterer, hvilket gør det muligt at se illogismen, det unaturlige i det moderne liv. "Skrev Ostrovsky Tordenvejret? Volga skrev "Tordenvejr"!" - udbrød den berømte teaterkritiker og kritiker S. A. Yuriev.

"Enhver ægte hverdagsperson er på samme tid en ægte romantiker," siger den berømte teaterfigur AI Yuzhin-Sumbatov senere med henvisning til Ostrovsky. En romantiker i ordets bredeste forstand, overrasket over rigtigheden og strengheden af ​​naturlovene og overtrædelsen af ​​disse love i det offentlige liv. Dette er, hvad Ostrovsky diskuterede i en af ​​sine tidlige dagbogsoptegnelser efter sin ankomst til Kostroma: ”Og på den anden side af Volga, lige overfor byen, er der to landsbyer; især malerisk er en, hvorfra den mest krøllede lund strækker sig op til Volga, solen ved solnedgang klatrede ind i den på en eller anden måde mirakuløst fra rødderne og gjorde mange mirakler."

Med udgangspunkt i denne landskabsskitse ræsonnerede Ostrovsky:

"Jeg var træt af at se på det her. Naturen - du er en trofast elskerinde, kun frygtelig lystig; uanset hvordan du elsker dig, er du alle ulykkelige; utilfreds lidenskab koger i dine øjne, og uanset hvordan du sværger til dig, at du ikke er i stand til at tilfredsstille dine ønsker, er du ikke vred, du flytter dig ikke væk, men du ser på alting med dine passionerede øjne, og disse øjne er fulde af forventning er henrettelse og pine for en person."

Lyrikken i "Tordenvejrene", så specifik i formen (Ap. Grigoriev bemærkede subtilt om ham: "... som om ikke en digter, men et helt folk skabt her ..."), opstod netop på baggrund af nærhed af heltens og forfatterens verden.

I 1950'erne og 1960'erne blev orienteringen mod et sundt naturprincip det socio-etiske princip for ikke kun Ostrovsky, men for al russisk litteratur: fra Tolstoj og Nekrasov til Tjekhov og Kuprin. Uden denne ejendommelige manifestation af "forfatterens" stemme i dramatiske værker, kan vi ikke fuldt ud forstå psykologismen i "Den stakkels brud" og karakteren af ​​lyrikken i "Tordenvejret" og "Medgift" og poetikken i det nye drama. af det sene 19. århundrede.

I slutningen af ​​tresserne udvidede Ostrovskys arbejde tematisk. Han viser, hvordan det nye blander sig med det gamle: i de sædvanlige billeder af hans købmænd ser vi glans og verdslighed, uddannelse og "behagelige" manerer. De er ikke længere dumme despoter, men røveriske erhvervelser, der ikke kun holder en familie eller en by, men hele provinser i deres næver. De mest forskelligartede mennesker befinder sig i konflikt med dem, deres kreds er uendelig bred. Og stykkernes anklagende patos er stærkere. De bedste af dem: "Warm Heart", "Mad Money", "Skov", "Wolves and Sheep", "The Last Victim", "Dowry", "Talenter and Admirers".

Skifterne i Ostrovskys arbejde i den sidste periode er meget tydeligt synlige, hvis vi sammenligner for eksempel "Ardent Heart" med "Thunderstorm". Købmanden Kuroslepov er en eminent købmand i byen, men ikke så formidabel som Dikoy, han er snarere en excentriker, forstår ikke livet og har travlt med sine drømme. Hans anden kone, Matryona, har tydeligvis en affære med ekspedienten Narkis. De røver begge ejeren, og Narkis vil selv blive købmand. Nej, det "mørke rige" er ikke monolitisk nu. Domostroevskys livsstil vil ikke længere blive reddet af borgmester Gradoboevs vilje. Den velhavende købmand Khlynovs uhæmmede fester er symboler på liv, forfald og nonsens: Khlynov beordrer, at gaderne skal hældes med champagne.

Parasha er en varmhjertet pige. Men hvis Katerina i "Tordenvejret" viser sig at være et offer for en ulykkelig ægtemand og en viljesvag elsker, så er Parasha klar over sin mægtige åndelige styrke. Hun vil også gerne "tage af". Hun elsker og forbander karakterens svaghed, hendes elskers ubeslutsomhed: "Hvad er det for en fyr, hvilken slags grædebaby har tvunget sig på mig ... Tilsyneladende tænker jeg selv på mit hoved."

Udviklingen af ​​Yulia Pavlovna Tuginas kærlighed til den uværdige unge karrusel Dulchin vises med stor spænding i The Last Victim. I Ostrovskys senere dramaer er der en kombination af actionfyldte positioner med detaljerede psykologiske karakteristika af hovedpersonerne. Der lægges stor vægt på omskiftelserne i den pine, de oplever, hvor helten eller heltindens kamp med sig selv, med sine egne følelser, fejltagelser, antagelser begynder at tage stor plads.

I denne henseende er "Dowry" karakteristisk. Her er, måske for første gang, i centrum af forfatterens opmærksomhed selve følelsen af ​​heltinden, der flygtede fra sin mors omsorg og den gamle livsstil. I dette stykke er det ikke lysets kamp med mørket, men kærlighedens kamp for dens rettigheder og frihed. Larisa Paratova foretrak selv Karandyshev. Folkene omkring hende forargede kynisk Larisas følelser. Moderen forarget, som ville "sælge" sin "medgift" datter for en pengemand, der var indbildsk over, at han ville være ejer af en sådan skat. Paratov forargede hende, bedragede hendes bedste håb og betragtede Larisas kærlighed som en af ​​flygtige fornøjelser. Knurov og Vozhevatov var også forargede og spillede Larissa med et kast.

I hvilken slags kynikere, klar til at gå til dokumentfalsk, afpresning, bestikkelse af hensyn til egoistiske formål, har godsejerne vendt sig i post-reform Rusland, lærer vi af skuespillet "Ulve og får". "Ulvene" er godsejeren Murzavetskaya, godsejeren Berkutov, og "fårene" er den rige unge enke Kupavina, den viljesvage ældre mester Lynyaev. Murzavetskaya ønsker at gifte sig med en oprørt nevø til Kupavina, efter at have "papegøjet" hende med gamle regninger fra hendes afdøde mand. Faktisk blev gældsbrevene forfalsket af fortroligen, advokat Chugunov, der også fungerer som Kupavina. Berkutov dukkede op fra Petersborg, en godsejer - og en forretningsmand, endnu mere modbydelig end de lokale skurke. Han indså med det samme, hvad der var i vejen. Kupavina med sin enorme kapital greb hans hænder og dvælede ikke ved følelser. Klogt at "papegøje" Murzavetskaya ved at afsløre forfalskningen, indgik han straks en alliance med hende: det er vigtigt for ham at vinde en afstemning ved valget til adelens leder. Han er en rigtig "ulv" og er, alle de andre ved siden af ​​ham er "får". Samtidig er der ingen skarp opdeling i skurke og uskyldige i stykket. Mellem "ulvene" og "fårene" er det, som om der er en form for uhyggelig sammensværgelse. Alle leger krig med hinanden og samtidig forsoner de sig nemt og finder et fælles udbytte.

Et af de bedste stykker af hele Ostrovskys repertoire er tilsyneladende skuespillet "Skyldig uden skyld". Den kombinerer motiverne fra mange tidligere værker. Kunstneren Kruchinina, hovedpersonen, er en kvinde med høj åndelig kultur, oplevede en stor livstragedie. Hun er venlig og generøs, inderlig og klog.På toppen af ​​godhed og lidelse står Kruchinina. Hvis du vil, er hun en "lysstråle" i det "mørke rige", hun er også det "sidste offer", hun er også et "varmt hjerte", hun er også en "donor", omkring hende der er "beundrere", det vil sige rovvilde "ulve", pengeslugende kynikere. Kruchinina, der endnu ikke antager, at Neznamov er hendes søn, instruerer ham i livet, afslører sit uhærdede hjerte: ”Jeg er mere erfaren end dig og levede mere i verden; Jeg ved, at der i mennesker er meget adel, meget kærlighed, uselviskhed, især hos kvinder."

Dette skuespil er en panegyrik for den russiske kvinde, apoteosen af ​​hendes adel og selvopofrelse. Dette er apoteosen af ​​den russiske skuespiller, hvis rigtige sjæl Ostrovsky kendte godt.

Ostrovsky skrev for teatret. Dette er det særlige ved hans talent. De billeder og billeder af livet, han har skabt, er beregnet til scenen. Derfor er talen fra Ostrovskys karakterer så vigtig, derfor lyder hans værker så lyst. Ikke underligt, at Innokenty Annensky kaldte ham et "realistisk rygte". Uden at blive iscenesat på scenen syntes hans værker at være ufuldstændige, hvorfor Ostrovsky tog forbuddet mod hans skuespil af teatralske censorer så hårdt. (Komedien "Our People - We Will Be Numbered" fik lov til at blive opført i teatret kun ti år efter, at Pogodin kunne udgive den i et magasin.)

Med en følelse af utilsløret tilfredshed skrev A. N. Ostrovsky den 3. november 1878 til sin ven, kunstneren fra Alexandria Theatre A. F. Burdin: enstemmigt anerkendte "Dowry" det bedste af alle mine værker."

Ostrovsky levede som en "Dowry", til tider kun på hende, hans fyrretyvende ting, rettet "sin opmærksomhed og styrke", og ønskede at "færdiggøre" hende på den mest forsigtige måde. I september 1878 skrev han til en af ​​sine bekendte: "Jeg arbejder på mit skuespil af al magt; det ser ud til, at det ikke vil komme dårligt ud."

Allerede et døgn efter premieren, den 12. november, kunne Ostrovsky lære, og lærte uden tvivl af Russkiye Vedomosti, hvordan det lykkedes ham at "trætte hele publikum til de mest naive tilskuere." For hun - publikum - er tydeligvis "vokset fra" de briller, som han tilbyder hende.

I halvfjerdserne blev Ostrovskys forhold til kritikere, teatre og publikum mere og mere kompliceret. Perioden, hvor han nød universel anerkendelse, vundet af ham i slutningen af ​​halvtredserne - begyndelsen af ​​tresserne, blev afløst af en anden, mere og mere voksende i forskellige kredse af afkøling over for dramatikeren.

Teatercensur var hårdere end litterær censur. Dette er ikke tilfældigt. I bund og grund er teaterkunst demokratisk, den er mere direkte end litteratur, henvendt til den brede offentlighed. Ostrovsky skrev i sin "Note om den dramatiske kunsts tilstand i Rusland på nuværende tidspunkt" (1881), at "dramatisk poesi er tættere på folket end andre grene af litteraturen. Alle andre værker er skrevet for uddannede mennesker, og dramaer og komedier er for hele folket, det skal forfattere altid huske, de skal være klare og stærke, denne nærhed til folket ydmyger ikke det mindste dramatiske poesi, men fordobler tværtimod sin styrke og lader den ikke vulgariseres. og knust." Ostrovsky taler i sin "Note" om udvidelsen af ​​teaterpublikummet i Rusland efter 1861. Ostrovsky skriver om en ny, ikke erfaren i kunsten tilskuer: "Fin litteratur er stadig kedelig og uforståelig for ham, musikken også, kun teatret giver ham fuld fornøjelse, der oplever han alt, hvad der sker på scenen som et barn, sympatiserer med gode og lærer det onde, tydeligt præsenteret." For en "frisk offentlighed," skrev Ostrovsky, "kræves et stærkt drama, en stor tegneserie, der fremkalder, ærlig, høj latter, varme, oprigtige følelser." Det er teatret, ifølge Ostrovsky, forankret i en folkefarce, der har evnen til direkte og stærkt at påvirke menneskers sjæle. To et halvt årti senere vil Alexander Blok, der taler om poesi, skrive, at dens essens ligger i de vigtigste "vandrende" sandheder, i evnen til at formidle dem til læserens hjerte.

Træk med, sørgende nager!

Skuespillere, styr håndværket,

At gå fra sandheden

Alle følte smerte og lys!

("Balagan"; 1906)

Den store betydning, som Ostrovsky tillagde teatret, hans tanker om teaterkunst, om teatrets tilstand i Rusland, om skuespillernes skæbne - alt dette blev afspejlet i hans skuespil.

I selve Ostrovskys liv spillede teatret en stor rolle. Han deltog i produktionen af ​​sine skuespil, arbejdede med skuespillere, blev venner med mange af dem, korresponderede. Han lagde en stor indsats i at forsvare skuespillernes rettigheder og søgte at skabe en teaterskole i Rusland, hans eget repertoire.

Ostrovsky kendte godt det indre, skjulte for seernes øjne, teatrets liv bag scenen. Begyndende med "Skoven" (1871) udvikler Ostrovsky teatrets tema, skaber billeder af skuespillere, skildrer deres skæbner - dette skuespil efterfølges af "Komikeren fra det 17. århundrede" (1873), "Talenter og beundrere" ( 1881), "Skyldig uden skyld" (1883).

Teatret i skildringen af ​​Ostrovsky lever efter verdens love, som læseren og beskueren kender fra hans andre skuespil. Hvordan kunstnernes skæbne formes, er bestemt af moralen, relationerne og omstændighederne i det "fælles" liv. Ostrovskys evne til at genskabe et nøjagtigt, levende billede af tiden er fuldt ud manifesteret i skuespil om skuespillere. Dette er Moskva i æraen af ​​zar Alexei Mikhailovich ("Komikeren fra det 17. århundrede"), en provinsby, moderne for Ostrovsky ("Talenter og beundrere", "Skyldig uden skyld"), en adelig ejendom ("Skov") .

I det russiske teaters liv, som Ostrovsky kendte så godt, var skuespilleren en afhængig person, der var i multipel afhængighed. ”Så var der favoritternes tid, og hele repertoireinspektørens tilsynsansvar var at pålægge chefdirektøren at udvise al mulig omhu ved sammensætningen af ​​repertoiret, således at favoritterne, der modtog en stor efterløn, ville spille hver dag og om muligt på to teatre," skrev Ostrovsky i udkast til regler om kejserlige teatre for dramatiske værker "(1883).

I portrætteringen af ​​Ostrovsky kunne skuespillerne vise sig at være nærmest tiggere, som Neschastlivtsev og Schastlivtsev i "Skoven", ydmyget og mistet deres menneskelige udseende på grund af fuldskab, som Robinson i "Dowry", som Shmaga i "Gilty Without Guilt". ", ligesom Erast Gromilov i Talenter og fans "," Vi, kunstnere, vores plads i buffet ", - siger Shmaga med en udfordring og ond ironi.

Teater, provinsskuespillerindernes liv i slutningen af ​​70'erne, omkring det tidspunkt, hvor Ostrovsky skriver skuespil om skuespillere, viser M.E. Saltykov-Shchedrin i romanen "Lord Golovlevs". Yudushkas niecer Lyubinka og Anninka bliver skuespillerinder, der flygter fra Golovlevs liv, men ender i en hule. De havde hverken talent eller uddannelse, de studerede ikke skuespil, men alt dette var ikke påkrævet på provinsscenen. Skuespillernes liv dukker op i Anninkas erindringer som et mareridt som et mareridt: "Her er en scene med det sodede, indfangede og glatte sceneri fra fugten; her snurrer hun selv på scenen, snurrer bare rundt og forestiller sig, at hun spiller . .. Berusede og stridige nætter, forbipasserende godsejere, der hastigt tager en grøn en fra deres tynde tegnebøger, købmandsklemmer opmuntrer "skuespillerne" med en pisk i hænderne. Og livet bag kulisserne er grimt, og det, der udspilles på scenen, er grimt: "... Og hertuginden af ​​Gerolstein, fantastisk med en husar-mentiker, og Clerette Ango, i brudekjole, med slids foran til taljen, og smukke Elena, med en slids foran, bagfra og fra alle sider ... Intet andet end skamløshed og nøgenhed ... det er hvad livet har gået igennem!" Dette liv bringer Lyubinka til selvmord.

Tilfældighederne mellem Shchedrin og Ostrovsky i skildringen af ​​provinsteatret er naturlige - de skriver begge om, hvad de vidste godt, skriver sandheden. Men Shchedrin er en nådesløs satiriker, han fortykker farverne så meget, bliver grotesk i billedet, Ostrovsky giver et objektivt billede af livet, hans "mørke rige" er ikke håbløst - det var ikke for ingenting, at N. Dobrolyubov skrev om " lysstråle."

Denne egenskab ved Ostrovsky blev bemærket af kritikere, selv da hans første skuespil dukkede op. "... Evnen til at skildre virkeligheden, som den er -" matematisk troskab mod virkeligheden, "fraværet af enhver overdrivelse ... Alt dette er ikke kendetegnende for Gogols poesi; alt dette er kendetegnene for en ny komedie," - skrev B. Almazov i artiklen "Søvn ved anledning af en komedie". Allerede i vor tid bemærkede litteraturkritikeren A. Skaftmov i sit værk "Belinsky and the Drama of AN Ostrovsky", at "den mest slående forskel mellem Gogols og Ostrovskys skuespil er, at Gogol ikke har et offer for laster, og Ostrovsky har altid et lidende offer, der skildrer laster, Ostrovsky beskytter noget mod det, beskytter nogen ... Således ændres hele stykkets indhold for skarpt at fremsætte den indre lovlighed, sandhed og poesi af ægte menneskelighed, undertrykt og udstødt i en atmosfære af dominerende egeninteresse og bedrag." Ostrovskys tilgang til at skildre virkeligheden anderledes end Gogols, er naturligvis forklaret med originaliteten af ​​hans talent, kunstnerens "naturlige" egenskaber, men (også dette må ikke overses) af den tid, der har ændret sig: øget opmærksomhed på individet, på hendes rettigheder, anerkendelse af hendes værdi.

I OG. Nemirovich-Danchenko skriver i sin bog "The Birth of Theatre" om, hvad der gør Ostrovskys stykker særligt naturskønne: "venlighedens atmosfære", "klar, fast sympati på de krænkedes side, som teatersalen altid er til stede for. ekstremt følsom."

I skuespil om teater og skuespillere har Ostrovsky bestemt billedet af en ægte kunstner og en vidunderlig person. I det virkelige liv kendte Ostrovsky mange fremragende mennesker i den teatralske verden, værdsatte og respekterede dem. L. Nikulina-Kositskaya, der glimrende udførte Katerina i Tordenvejret, spillede en vigtig rolle i hans liv. Ostrovsky var venner med kunstneren A. Martynov, han værdsatte N. Rybakov usædvanligt højt, G. Fedotov og M. Ermolov spillede i hans skuespil; P. Strepetova.

I stykket "Gilty Without Guilt" siger skuespillerinden Elena Kruchinina: "Jeg ved, at folk har en masse adel, en masse kærlighed, uselviskhed." Og Otradina-Kruchinina selv tilhører sådanne vidunderlige, ædle mennesker, hun er en vidunderlig kunstner, intelligent, betydningsfuld, oprigtig.

"Åh, græd ikke; de ​​er ikke dine tårer værd. Du er en hvid due i en sort flok råger, så de hakker dig. Din hvidhed, din renhed er stødende for dem," siger Sasha Negina i Narokov's Talents and Admirers .

Det mest slående billede af den ædle skuespiller, skabt af Ostrovsky, er den tragedier Neschastlivtsev i Skoven. Ostrovsky skildrer en "levende" person, med en vanskelig skæbne, med en trist livshistorie. At drikke meget Neschastlivtsev kan på ingen måde kaldes en "hvid due". Men han ændrer sig gennem hele stykket, plotsituationen giver ham mulighed for fuldt ud at afsløre de bedste træk ved hans natur. Hvis først, i Neschastlivtsevs opførsel, optræder den holdning, afhængighed af pompøs deklamation, der er iboende i en provinsiell tragedier (i disse øjeblikke er han latterlig); hvis han, som mesteren, befinder sig i latterlige situationer, så ved at indse, hvad der sker i Gurmyzhskaya-ejendommen, hvilket vrøvl hans elskerinde er, tager han en brændende del i Aksyushas skæbne, viser fremragende menneskelige egenskaber. Det viser sig, at rollen som en ædel helt er organisk for ham, det er virkelig hans rolle - og ikke kun på scenen, men også i livet.

I hans optik er kunst og liv uløseligt forbundet, en skuespiller er ikke en legeskuespiller, ikke en prætendent, hans kunst er baseret på ægte følelser, ægte oplevelser, det burde ikke have noget at gøre med forstillelse og løgne i livet. Dette er meningen med den bemærkning, som Neschastlivtsev smider fra Gurmyzhskaya og hele hendes selskab: "... Vi er kunstnere, ædle skuespillere, og I er komikere."

Gurmyzhskaya viser sig at være hovedkomikeren i den livsforestilling, som udspilles i "Skoven". Hun vælger selv den attraktive, attraktive rolle som en kvinde med strenge moralske regler, en generøs velgører, der viede sig til gode gerninger ("Mine herrer, lever jeg for mig selv? Alt jeg har, alle mine penge tilhører de fattige. Jeg er kun en kontorist med mine penge, og deres ejer er alle fattige, alle uheldige "- hun inspirerer dem omkring). Men alt dette er en handling, en maske, der skjuler hendes sande ansigt. Gurmyzhskaya bedrager, foregiver at være godhjertet, hun tænkte ikke engang på at gøre noget for andre, for at hjælpe nogen: "Hvorfor blev jeg følelsesladet? Du spiller, spiller en rolle, ja, du vil også spille." Gurmyzhskaya spiller ikke kun en helt fremmed rolle for hende, hun får andre til at spille sammen med hende, pålægger dem roller, der bør præsentere hende i det mest gunstige lys: Neschastlivtsev får til opgave at spille rollen som en taknemmelig, kærlig nevø. Aksyusha er brudens rolle, Bulanov er Aksyushas brudgom. Men Aksyusha nægter at bryde en komedie for hende: "Jeg vil ikke gå efter ham; så hvorfor er denne komedie?" Gurmyzhskaya, der ikke længere skjuler, at hun er instruktøren af ​​det stykke, der opføres, sætter groft Aksyusha i stedet for: "Komedie! Hvordan vover du? Og endda en komedie; jeg fodrer dig og klæder dig på og får dig til at spille en komedie."

Komikeren Schastlivtsev, der viste sig at være mere indsigtsfuld end tragedien Neschastlivtsev, der først tog Gurmyzhskayas spil om tro, havde regnet det ud i den virkelige situation før, sagde til Neschastlivtsev: "Gymnastikstudenten er tilsyneladende klogere; han spiller her bedre end din rolle ... Han er en elsker. spiller, og du ... en simpel mand."

Beskueren præsenteres for en ægte Gurmyzhskaya uden en beskyttende farisaisk maske - en grådig, egoistisk, bedragerisk, fordærvet dame. Det stykke, hun spillede, forfulgte lave, slemme, beskidte mål.

I mange af Ostrovskys skuespil præsenteres et så svigagtigt "teater" af livet. Podkhalyuzinen i Ostrovskys første skuespil "Vores folk - vi vil regne" spiller rollen som den mest hengivne og loyale person til ejeren og opnår dermed sit mål - ved at bedrage Bolshov bliver han selv ejeren. Glumov bygger i komedien "Enough of Simplicity for Every Wise Man" en karriere for sig selv på et komplekst spil, idet han tager den ene eller den anden masker på. Kun tilfældigheder forhindrede ham i at nå sit mål i den intriger, han havde startet. I "Dowry" er ikke kun Robinson, der underholder Vozhevatov og Paratov, repræsenteret som en herre. Den sjove og patetiske Karandyshev forsøger at se vigtig ud. Han blev Larissas forlovede og "... løftede hovedet så højt, at se, han ville støde ind i nogen. Og han tog briller på af en eller anden grund, men han havde dem aldrig på. Han bukker - nikker knap," siger Vozhevatov. Alt, hvad Karandyshev gør, er kunstigt, alt er til syne: den ynkelige hest, han har startet, og tæppet med billige våben på væggen, og middagen, som han arrangerer. Paratov er en beregnende og sjælløs person, der spiller rollen som en varm, uhæmmet bred natur.

Teater i livet, imponerende masker er født af ønsket om at skjule, skjule noget umoralsk, skamfuldt, passere sort for hvid. Bag en sådan præstation ligger som regel kalkulation, hykleri, egeninteresse.

Neznamov i skuespillet "Gilty Without Guilt", efter at være blevet offer for intrigen startet af Korinkina og troede, at Kruchinina kun foregav at være en venlig og ædel kvinde, siger bittert: "Skuespillerinde! Og at spille i livet over simple, tillidsfulde hjerter, som ikke har brug for et spil, som beder om sandheden ... for dette skal vi udføre ... vi har ikke brug for bedrag! Giv os sandheden, den rene sandhed!" Stykkets helt udtrykker her en meget vigtig idé for Ostrovsky om teatret, om dets rolle i livet, om arten og formålet med at handle. Ostrovsky kontrasterer komiker og hykleri i livet med kunst på scenen fuld af sandhed og oprigtighed. Et rigtigt teater, en inspirerende forestilling af en kunstner er altid moralsk, god, oplyser en person.

Ostrovskys skuespil om skuespillere og teater, der præcist afspejler omstændighederne i den russiske virkelighed i 70'erne og 80'erne i det forrige århundrede, rummer tanker om kunst, der stadig lever i dag. Det er tanker om den vanskelige, til tider tragiske skæbne for en sand kunstner, der, mens han er klar over, bruger, brænder sig selv, om den lykke, han finder i kreativitet, fuldstændig dedikation, om kunstens høje mission, som bekræfter godhed og menneskelighed. Ostrovsky selv udtrykte sig, åbenbarede sin sjæl i de skuespil, han skabte, måske især ærligt i skuespil om teatret og skuespillerne. Meget i dem stemmer overens med, hvad vort århundredes digter skriver i vidunderlige vers:

Når en linje er dikteret af en følelse

Det sender en slave til scenen,

Og så slutter kunsten

Og jorden og skæbnen ånder.

(B. Pasternak " Åh, jeg ville vide det

at det sker ... ").

Hele generationer af bemærkelsesværdige russiske kunstnere er vokset op på opførelser af Ostrovskys skuespil. Ud over Sadovskyerne er der også Martynov, Vasiliev, Strepetov, Ermolov, Massalitinov, Gogolev. Væggene i Maly Theatre så en levende stor dramatiker; hans traditioner formerer sig stadig på scenen.

Ostrovskys dramatiske færdigheder er det moderne teaters ejendom, genstand for nærstudium. Det er slet ikke forældet, på trods af nogle gammeldags af mange teknikker. Men denne gammeldagshed er nøjagtig den samme som Shakespeares, Molieres, Gogols teater. Det er gamle, ægte diamanter. I Ostrovskys skuespil er der grænseløse muligheder for inkarnation af scenen og skuespillerens vækst.

Dramatikerens hovedstyrke er den altovervindende sandhed, dybden af ​​typificering. Dobrolyubov bemærkede også, at Ostrovsky skildrer ikke kun typer af købmænd, jordejere, men også universelle typer. Foran os er alle tegnene på den højeste kunst, som er udødelig.

Originaliteten af ​​Ostrovskys drama, dets nyskabelse er især tydeligt manifesteret i typificeringen. Hvis ideer, temaer og plot afslører originaliteten og innovationen af ​​indholdet af Ostrovskys drama, så relaterer principperne for typificering af karakterer allerede til hendes kunstneriske skildring, hendes form.

A. H. Ostrovsky, der fortsatte og udviklede de realistiske traditioner for vesteuropæisk og russisk dramatik, blev som regel ikke tiltrukket af exceptionelle personligheder, men af ​​almindelige, almindelige sociale karakterer af større eller mindre karakter.

Næsten hver karakter af Ostrovsky er unik. Samtidig modsiger individet i sine skuespil ikke det sociale.

Ved at individualisere sine karakterer opdager dramatikeren gaven til den dybeste indtrængen i deres psykologiske verden. Mange episoder af Ostrovskys skuespil er mesterværker af en realistisk skildring af menneskelig psykologi.

"Ostrovsky," skrev Dobrolyubov med rette, "ved, hvordan man ser ind i dybden af ​​en persons sjæl, ved, hvordan man skelner naturen fra alle deformiteter og udvækster, der accepteres udefra; derfor mærkes den ydre undertrykkelse, tyngden af ​​hele den situation, der undertrykker en person, i hans værker meget stærkere end i mange historier, frygtelig uhyrlig i indholdet, men den ydre, officielle side af sagen tilslører fuldstændig den indre, menneskelige side ”. I evnen til at "lægge mærke til naturen, trænge ind i dybden af ​​en persons sjæl, fange hans følelser, uanset billedet af hans eksterne officielle relationer," anerkendte Dobrolyubov en af ​​de vigtigste og bedste egenskaber ved Ostrovskys talent.

I arbejdet med karakterer forbedrede Ostrovsky konstant teknikkerne til sin psykologiske beherskelse, udvidede rækken af ​​anvendte farver, hvilket komplicerede farvelægningen af ​​billeder. I hans allerførste værk har vi de lyse, men mere eller mindre enstregede karakterer foran os. Yderligere værker præsenterer eksempler på en mere dybdegående og kompliceret afsløring af menneskelige billeder.

I russisk drama er Ostrovskys skole ganske naturligt udpeget. Det inkluderer I. F. Gorbunov, A. Krasovsky, A. F. Pisemsky, A. A. Potekhin, I. E. Chernyshev, M. P. Sadovsky, N. Ya. Soloviev, P. M. Nevezhin, I. A. Kupchinsky. Ved at studere hos Ostrovsky skabte I.F. Gorbunov vidunderlige scener fra det borgerlige-købmands- og håndværksliv. I forlængelse af Ostrovsky afslørede AA Potekhin i sine skuespil adelens forarmelse ("Det nyeste orakel"), det rige borgerskabs rovdyr ("Den skyldige"), bestikkelse, bureaukratiets karriere ("Tinsel"), bøndernes åndelige skønhed ("Fårepelsfrakke - en mands sjæl"), fremkomsten af ​​nye mennesker med en demokratisk sminke ("Klip en hunk af"). Potekhins første drama "Menneskelig dom er ikke Gud", som udkom i 1854, ligner Ostrovskys skuespil skrevet under indflydelse af slavofilisme. I slutningen af ​​50'erne og i begyndelsen af ​​60'erne var skuespil af IE Chernyshev, en kunstner fra Alexandrinsky-teatret, og en fast ansat i Iskra-magasinet, meget populære i Moskva, St. Petersborg og provinserne. Disse skuespil, skrevet i en liberal-demokratisk ånd, tydeligt efterlignede Ostrovskys kunstneriske stil, imponerede med hovedpersonernes eksklusivitet, med en skarp formulering af moralske og dagligdags spørgsmål. I komedien "Brudgommen fra Gældsafdelingen" (1858) blev det for eksempel fortalt om en fattig mand, der forsøgte at gifte sig med en velhavende godsejer, tyranngodsejer, og i komedien "Forkælet liv" (1862), en usædvanlig ærlig, venlig embedsmand, hans naive kone og et uærligt perfid slør, der krænkede deres lykke, er afbildet.

Under indflydelse af Ostrovsky, sådanne dramatikere som A.I. Sumbatov-Yuzhin, Vl.I. Nemirovich-Danchenko, S. A. Naydenov, E. P. Karpov, P. P. Gnedich og mange andre.

Ostrovskys ubestridelige autoritet som landets første dramatiker blev anerkendt af alle progressive litterære skikkelser. LN Tolstoy satte stor pris på Ostrovskys drama som "landsdækkende" og lyttede til hans råd, og sendte ham i 1886 skuespillet "Den første destiller". Forfatteren til "Krig og fred" kaldte Ostrovsky "faderen til russisk drama", og bad ham om at læse stykket i et medfølgende brev og udtrykke sin "faderlige dom" om det.

Ostrovskys skuespil, de mest progressive i dramaet i anden halvdel af det 19. århundrede, udgør et skridt fremad i udviklingen af ​​verdens dramatiske kunst, et selvstændigt og vigtigt kapitel.

Ostrovskys enorme indflydelse på de russiske, slaviske og andre folkeslags drama er indiskutabel. Men hans arbejde er ikke kun forbundet med fortiden. Den lever aktivt i nuet. I forhold til sit bidrag til teaterrepertoiret, som er udtryk for det aktuelle liv, er den store dramatiker vores samtid. Opmærksomheden på hans arbejde er ikke faldende, men stigende.

Ostrovsky vil i lang tid tiltrække indenlandske og udenlandske seeres sind og hjerter med hans ideers humanistiske og optimistiske patos, den dybe og brede generalisering af hans helte, godt og ondt, deres universelle menneskelige egenskaber, det unikke ved hans originale dramatik. evne.

A.N. Ostrovsky blev født den 31. marts (12. april), 1823 i Moskva, i familien af ​​en præst, en embedsmand og senere en advokat ved Moskvas handelsdomstol. Ostrovsky-familien boede i Zamoskvorechye, et købmands- og borgerdistrikt i det gamle Moskva. Af natur var dramatikeren et hjemmemenneske: han boede næsten hele sit liv i Moskva, i Yauzskaya-delen, og rejste regelmæssigt, bortset fra flere ture på tværs af Rusland og i udlandet, kun til Shchelykovo-ejendommen i Kostroma-provinsen. Her døde han den 2. juni (14) 1886 midt i arbejdet med oversættelsen af ​​Shakespeares skuespil "Antony and Cleopatra".

I begyndelsen af ​​1840'erne. Ostrovsky studerede ved Det Juridiske Fakultet ved Moskva Universitet, men fuldførte ikke kurset, da han trådte ind i kontoret for Moskvas samvittighedsfulde domstol i 1843. To år senere blev han overført til Moskvas handelsdomstol, hvor han tjente indtil 1851. Juridisk praksis forsynede den kommende forfatter med omfattende og varieret materiale. I næsten alle hans første skuespil om modernitet blev kriminelle plot udviklet eller skitseret. Ostrovsky skrev sin første historie i en alder af 20, det første skuespil i en alder af 24. Efter 1851 var hans liv forbundet med litteratur og teater. Dens vigtigste begivenheder var retssager med censur, ros og misbrug fra kritikere, premierer, tvister mellem skuespillere om roller i skuespil.

I næsten 40 års kreativ aktivitet har Ostrovsky skabt et rigt repertoire: omkring 50 originale skuespil, flere stykker skrevet i medforfatterskab. Han var også involveret i oversættelser og ændringer af skuespil af andre forfattere. Alt dette udgør "Ostrovskys teater" - sådan definerede skalaen skabt af dramatikeren IA Goncharov.

Ostrovsky elskede passioneret teater og betragtede det som den mest demokratiske og effektive form for kunst. Blandt klassikerne i russisk litteratur var han den første og forblev den eneste forfatter, der helligede sig dramatik. Alle skuespil skrevet af ham var ikke "skuespil til læsning" - de blev skrevet til teatret. For Ostrovsky er scenic en uforanderlig lov om drama, derfor tilhører hans værker lige meget to verdener: litteraturens verden og teatrets verden.

Ostrovskys skuespil blev udgivet i magasiner næsten samtidig med deres teaterforestillinger og blev opfattet som lyse fænomener i både litterært og teaterliv. I 1860'erne. de vakte den samme livlige offentlige interesse som Turgenevs, Goncharovs og Dostojevskijs romaner. Ostrovsky gjorde drama til en "rigtig" litteratur. Før ham i repertoiret af russiske teatre var der kun nogle få skuespil, der syntes at være steget ned på scenen fra litteraturens højder og forblevet alene ("Ve fra Viden" af AS Griboyedov, "Generalinspektøren" og "Ægteskabet" af NV Gogol). Teaterrepertoiret var fyldt med enten oversættelser eller værker, der ikke adskilte sig i mærkbare litterære fortjenester.

I 1850'erne -1860'erne. russiske forfatteres drømme om, at teatret skulle blive en magtfuld uddannelseskraft, et middel til at forme den offentlige mening, har fundet rigtigt terræn. Dramaet har et bredere publikum. Kredsen af ​​læsekyndige er blevet udvidet – både læsere og dem, for hvem seriøs læsning endnu ikke var tilgængelig, men teater er tilgængeligt og forståeligt. Et nyt socialt lag blev dannet - Raznochinskaya intelligentsia, som viste en øget interesse for teatret. Den nye offentlighed, demokratisk og broget i sammenligning med offentligheden i første halvdel af 1800-tallet, gav en "social orden" for social- og hverdagsdrama fra det russiske liv.

Det unikke ved Ostrovskys position som dramatiker er, at han ved at skabe skuespil baseret på nyt materiale ikke blot opfyldte forventningerne fra nye seere, men også kæmpede for demokratisering af teatret: teatret var trods alt det mest massive af skuerne. i 1860'erne. stadig forblev elite, var der endnu ikke noget billigt offentligt teater. Repertoiret for teatrene i Moskva og St. Petersborg afhang af embedsmændene fra direktoratet for de kejserlige teatre. Ostrovsky, der reformerede russisk drama, reformerede teatret. Som tilskuere af sine skuespil ønskede han ikke blot at se intelligentsiaen og de oplyste købmænd, men også "ejere af håndværksvirksomheder" og "håndværkere". Ostrovskys idé var Moscow Maly Theatre, som gjorde hans drøm om et nyt teater til et demokratisk publikum til virkelighed.

Der er fire perioder i den kreative udvikling af Ostrovsky:

1) Første periode (1847-1851)- tidspunktet for de første litterære eksperimenter. Ostrovsky begyndte helt i tidens ånd – med fortællende prosa. I sine essays om Zamoskvorechye's liv og skikke, stolede debutanten på Gogols traditioner og den kreative oplevelse af "naturskolen" i 1840'erne. I løbet af disse år blev de første dramatiske værker også skabt, herunder komedien "Bankrut" ("Vores folk - nummereret!"), som blev hovedværket i den tidlige periode.

2) Anden periode (1852-1855) kaldet "Muscovite", da Ostrovsky i disse år kom tæt på de unge ansatte i magasinet "Moskvityanin": A.A. Grigoriev, T.I. Filippov, B.N. Almazov og E.N. Edelson. Dramatikeren støttede det ideologiske program for den "unge redaktion", som stræbte efter at gøre tidsskriftet til et organ for en ny tendens i samfundstænkningen - "pochvennichestvo". I denne periode blev der kun skrevet tre skuespil: "Sæt ikke i din slæde", "Fattigdom er ikke en last" og "Lev ikke, som du vil."

3) Tredje periode (1856-1860) præget af Ostrovskys afvisning af at søge efter positive principper i patriarkalske købmænds liv (dette var typisk for skuespil skrevet i første halvdel af 1850'erne). Dramatikeren, der var følsom over for ændringerne i det sociale og ideologiske liv i Rusland, kom tæt på demokratiets figurer i Raznochin - personalet i Sovremennik-magasinet. Det kreative resultat af denne periode var skuespillene "Tømmermænd i en andens fest", "Et indbringende sted" og "Tordenvejr", "det mest afgørende", ifølge N.A. Dobrolyubov, et værk af Ostrovsky.

4) Fjerde periode (1861-1886)- den længste periode af Ostrovskys kreative aktivitet. Genrerækken blev udvidet, poetikken i hans værker blev mere mangfoldig. I tyve år er der blevet til skuespil, som kan opdeles i flere genretematiske grupper: 1) komedier fra købmandslivet ("Ikke alt karneval for katten", "Sandheden er god, men lykke er bedre", "Den hjerte er ikke en sten"), 2) satiriske komedier ("Enkelhed nok til enhver klog mand", "Varmt hjerte", "Galve penge", "Ulve og får", "Skov"), 3) skuespil, som Ostrovsky selv kaldte "billeder af livet i Moskva" og "scener fra livet i skovene ": De forenes af temaet" små mennesker "(" En gammel ven er bedre end to nye "," Hårde dage "," Jokere "og en trilogi om Balzaminov), 4) historiske skuespil-krøniker (" Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk "," Tushino " og andre), og endelig 5) psykologiske dramaer ("Dowry", "The Last Victim" osv.) . Eventyrspillet "Snow Maiden" skiller sig ud.

Oprindelsen til Ostrovskys kreativitet ligger i "naturskolen" i 1840'erne, selvom Moskva-forfatteren ikke var organisatorisk forbundet med det kreative fællesskab af unge Sankt Petersborg-realister. Startende med prosa indså Ostrovsky hurtigt, at hans sande kald var drama. Selv de tidligste prosaiske eksperimenter er "naturskønne", på trods af de mest detaljerede beskrivelser af hverdagsliv og skikke, karakteristiske for "naturskolens essays". For eksempel er grundlaget for det første essay "The Legend of How the Quarter Overseer Danced, or One Step from the Great to the Ridiculous" (1843) en anekdotisk scene med et helt færdigt plot.

Teksten til dette essay blev brugt i det første publicerede arbejde - "Noter fra en Zamoskvoretsky-beboer" (udgivet i 1847 i avisen "Moscow City Leaf"). Det var i "Noterne ...", at Ostrovsky, kaldet af sine samtidige "Columbus af Zamoskvorechye", opdagede et "land", der tidligere var ukendt i litteraturen, beboet af købmænd, borgerlige og små embedsmænd. "Indtil nu var kun dette lands position og navn kendt," bemærkede forfatteren, "med hensyn til indbyggerne i det, det vil sige deres levevis, sprog, skikke, skikke, uddannelsesgrad, alt dette var dækket med et mørke af uklarhed." Et fremragende kendskab til livsmateriale hjalp prosaforfatteren Ostrovsky til at skabe en detaljeret undersøgelse af købmandens liv og irmoi, som gik forud for hans første skuespil om købmanden. I "Notes of a Zamoskvoretsky Resident" blev to karakteristiske træk ved Ostrovskys arbejde skitseret: opmærksomhed på hverdagsmiljøet, som bestemmer livet og psykologien for karakterer "afskrevet fra naturen" og skildringens særlige, dramatiske karakter. af hverdagen. Forfatteren var i stand til at se potentielt, ubrugt materiale til en dramatiker i hverdagens plot. Essays om Zamoskvorechye's liv blev efterfulgt af de første skuespil.

Den mest mindeværdige dag i sit liv Ostrovsky betragtede den 14. februar 1847: på denne dag, på en aften med den berømte slavofile professor SP Shevyrev, læste han sit første lille skuespil "Et familiebillede". Men den unge dramatikers egentlige debut er komedien "Our People Will Be Numbered!" (det oprindelige navn - "Bankrut"), som han arbejdede på fra 1846 til 1849. Teatercensur forbød straks stykket, men ligesom "Ve fra Vid" af A.S. Griboyedov blev det straks en stor litterær begivenhed og blev med succes læst i Moskva-huse i vinteren 1849/50. af forfatteren selv og af store skuespillere - P.M. Sadovsky og M.S. Shchepkin. I 1850 blev komedien udgivet af magasinet Moskvityanin, men først i 1861 blev den iscenesat på scenen.

Den entusiastiske modtagelse af den første komedie fra en købmands liv var forårsaget ikke kun af det faktum, at Ostrovsky, "Columbus of Zamoskvorechye", brugte helt nyt materiale, men også af den fantastiske modenhed af hans dramatiske færdighed. Efter at have arvet Gogols traditioner som komiker, definerede dramatikeren samtidig klart sit syn på principperne om at skildre helte og den plot-kompositoriske legemliggørelse af hverdagsmateriale. Gogols tradition mærkes i selve konfliktens natur: købmanden Bolshovs bedrageri er et produkt af købmandens liv, proprietære moral og slyngelheltenes psykologi. Bolynov erklærer sig selv konkurs, men dette er en falsk konkurs, resultatet af hans sammensværgelse med ekspedienten Podkhalyuzin. Handlen endte uventet: Ejeren, der håbede på at øge sin kapital, blev bedraget af ekspedienten, som viste sig at være en endnu større svindler. Som et resultat modtog Podkhalyuzin både hånden fra købmandens datter Lipochka og kapital. Gogols begyndelse er til at tage og føle på i homogeniteten i stykkets komiske verden: der er ingen positive karakterer i den, da latter i Gogols komedier kan kaldes den eneste sådanne "helt".

Den største forskel mellem Ostrovskys komedie og hans store forgængers skuespil er rollen som komisk intriger og karakterernes holdning til den. I "His People ..." er der karakterer og hele scener, der ikke kun er unødvendige for udviklingen af ​​plottet, men tværtimod bremser det. Disse scener er dog ikke mindre vigtige for at forstå værket end intrigen baseret på Bolshovs påståede konkurs. De er nødvendige for mere udførligt at beskrive købmændenes liv og skikke, de forhold, hvorunder hovedhandlingen finder sted. For første gang bruger Ostrovsky en teknik, der gentages i næsten alle hans skuespil, inklusive Tordenvejret, Skoven og Medgiften - en udvidet eksponering i slowmotion. Nogle karakterer introduceres slet ikke for at komplicere konflikten. Disse "sætte ansigter" (i stykket "Vores folk - lad os numre!" - matchmaker og Tishka) er interessante i sig selv, som repræsentanter for hverdagsmiljøet, moral og skikke. Deres kunstneriske funktion ligner funktionen af ​​hverdagsgenstande i fortællende værker: de supplerer billedet af købmandsverdenen med små, men lyse, farverige streger.

Til hverdag interesserer dramatikeren Ostrovsky ikke mindre end noget ud over det sædvanlige, for eksempel Bolshovs og Podkhalyuzins fidus. Han finder en effektiv måde at skildre hverdagen på dramatisk, og udnytter mulighederne i ordet, der lyder fra scenen. Samtalerne mellem mor og datter om kjoler og gomme, skænderiet mellem dem, den gamle barnepiges brokken formidler perfekt den sædvanlige atmosfære i en handelsfamilie, kredsen af ​​interesser og drømme for disse mennesker. Karakterernes mundtlige tale blev et nøjagtigt "spejl" af hverdagen og skikkene.

Det er heltenes samtaler om hverdagens emner, som om de er "udelukket" fra plothandlingen, i alle Ostrovskys skuespil spiller en enestående rolle: afbryder plottet, trækker sig tilbage fra det, fordyber de læseren og seeren i det almindelige menneskes verden. relationer, hvor behovet for verbal kommunikation ikke er mindre vigtigt end behovet for mad, mad og tøj. Både i den første komedie og i efterfølgende skuespil bremser Ostrovsky ofte bevidst udviklingen af ​​begivenheder, idet han anser det for nødvendigt at vise, hvad karaktererne tænker, i hvilken verbal form deres refleksioner er klædt. For første gang i russisk drama blev karakterernes dialoger et vigtigt middel til moralsk beskrivelse.

Nogle kritikere betragtede den udbredte brug af dagligdags detaljer som en overtrædelse af scenens love. Den eneste begrundelse, efter deres mening, kunne være, at novice-dramatikeren var opdageren af ​​købmandslivet. Men denne "krænkelse" blev loven for Ostrovskys drama: allerede i den første komedie kombinerede han skarpheden af ​​intriger med adskillige dagligdags detaljer og forlod ikke kun dette princip senere, men udviklede det også for at opnå den maksimale æstetiske virkning af begge komponenter af stykket - et dynamisk plot og statiske "samtale »Scener.

"Vores folk - vi bliver talte!" - en anklagende komedie, en satire over moral. Dog i begyndelsen af ​​1850'erne. dramatikeren kom til ideen om behovet for at opgive kritikken af ​​købmændene fra den "anklagende retning". Efter hans mening var livssynet udtrykt i den første komedie "ungt og for hårdt". Nu underbygger han en anden tilgang: En russisk person skal være glad for at se sig selv på scenen og ikke sørge. "Der vil være korrektører uden os," understregede Ostrovsky i et af sine breve. - For at have ret til at rette folkene uden at fornærme dem, skal du vise dem, at du ved gode ting bag dem; det er det, jeg gør nu, og kombinerer det høje med tegneserien." "Højt", efter hans opfattelse, er folkets idealer, de sandheder, som det russiske folk har opnået under mange århundreders åndelig udvikling.

Det nye kreativitetsbegreb bragte Ostrovsky tættere på de unge ansatte i magasinet Moskvityanin (udgivet af den berømte historiker MP Pogodin). I forfatteren og kritikeren A.A. Grigorievs værker blev begrebet "jorddyrkning", en indflydelsesrig ideologisk tendens fra 1850'erne - 1860'erne, dannet. Grundlaget for "pochvennichestvo" er opmærksomhed på det russiske folks spirituelle traditioner, til de traditionelle livsformer og kultur. Den "unge redaktion" af "Moskvityanin" var af særlig interesse for købmændene: denne klasse har trods alt altid været materielt uafhængig, har ikke oplevet livegenskabets ødelæggende indflydelse, som de "indfødte" betragtede som russernes tragedie mennesker. Det var i handelsmiljøet, ifølge "muskovitterne", at man skulle lede efter ægte moralske idealer udviklet af det russiske folk, ikke fordrejet af slaveri, som blandt de livegne bønder, og af adskillelse fra folkets "jord", som f.eks. blandt adelen. I første halvdel af 1850'erne. Ostrovsky var stærkt påvirket af disse ideer. Nye venner, især A.A. Grigoriev, opfordrede ham til i sine skuespil om købmændene at udtrykke "et radikalt russisk syn."

I skuespillene fra den "muskovittiske" kreativitetsperiode - "Sid ikke i din slæde", "Fattigdom er ikke en last" og "Lev ikke, som du vil" - forsvandt Ostrovskys kritiske holdning til købmændene ikke, men meget blødgjort. En ny ideologisk tendens dukkede op: dramatikeren skildrede moderne købmænds skikke som et historisk foranderligt fænomen, idet han forsøgte at finde ud af, hvad der var bevaret i dette miljø ud fra den rigeste åndelige erfaring, som det russiske folk har akkumuleret gennem århundreder, og hvad der var deformeret eller forsvundet. .

En af højdepunkterne i Ostrovskys værk er komedien Fattigdom er ikke en last, hvis handling er baseret på en familiekonflikt. Gordey Tortsov, en dominerende tyrankøbmand, forgængeren til Diky fra Stormen, drømmer om at gifte sin datter Lyuba med Afrikan Korshunov, en købmand i en ny, "europæisk" formation. Men hendes hjerte tilhører en anden - stakkels kontorist Mitya. Gordeys bror, Lyubim Tortsov, er med til at forstyrre ægteskabet med Korshunov, og den småfarlige far truer i et anfald af vrede med, at han vil give sin oprørske datter i ægteskab med den første person, han møder. Ved et lykkeligt tilfælde viste det sig at være Mitya. Et lykkeligt komedieplot for Ostrovsky er kun en begivenhedsrig "skal", der hjælper med at forstå den sande betydning af, hvad der sker: folkekulturens sammenstød med en "semi-kultur", der udviklede sig i købmændene under indflydelse af mode "for Europa". Udtrykkeren af ​​den falske handelskultur i stykket er Korshunov, forsvareren af ​​det patriarkalske "jord"-princip - Lyubim Tortsov, stykkets centrale karakter.

Vi elsker Tortsov - en drukkenbolt, der forsvarer moralske værdier - tiltrækker seeren med sin bøvl og tåbelighed. Hele hændelsesforløbet i stykket afhænger af ham, han hjælper alle, herunder bidrager til den moralske "genopretning" af sin tyrannbror. Ostrovsky viste ham "nairus" af alle karaktererne. Han har ingen krav på uddannelse, ligesom Gordey, han tænker bare fornuftigt og handler efter sin samvittighed. Fra forfatterens synspunkt er dette ganske nok til at skille sig ud fra handelsmiljøet, for at blive "vores mand på scenen".

Forfatteren selv mente, at en ædel impuls er i stand til at afsløre i enhver person enkle og klare moralske kvaliteter: samvittighed og venlighed. Han kontrasterede det moderne samfunds umoral og grusomhed med russisk "patriarkalsk" moral, derfor er skuespilverdenen fra den "muskovitske" periode, på trods af den sædvanlige nøjagtighed af dagligdags "instrumentering" for Ostrovsky, stort set vilkårlig og endda utopisk. Dramatikerens vigtigste præstation var hans version af en positiv folkekarakter. Billedet af den fordrukne sandhedsforkynder, Lyubim Tortsov, blev på ingen måde skabt efter stencils, der satte tænderne på kant. Dette er ikke en illustration til Grigorievs artikler, men et fuldblods kunstnerisk billede; det er ikke for ingenting, at rollen som Lyubim Tortsov tiltrak skuespillere fra mange generationer.

I anden halvdel af 1850'erne. Ostrovsky refererer igen og igen til emnet for købmandsklassen, men hans holdning til denne klasse har ændret sig. Han tog et skridt tilbage fra de "moskovitiske" ideer og vendte tilbage til skarp kritik af handelsmiljøets inerti. Det levende billede af tyrannkøbmanden Titus Titich ("Kittykon") Bruskov, hvis navn er blevet et kendt navn, blev skabt i den satiriske komedie "Tømmermænd i en fremmed fest" (1856). Ostrovsky begrænsede sig dog ikke til at "satire på ansigter". Hans generaliseringer blev bredere: Stykket skildrer en livsstil, der indædt modstår alt nyt. Dette er ifølge kritikeren N.A. Dobrolyubov et "mørkt rige", der lever efter sine egne grusomme love. Hyklerisk forsvarer patriarkalismen, tyranner forsvarer deres ret til ubegrænset vilkårlighed.

Det tematiske udvalg af Ostrovskys skuespil udvidedes, og repræsentanter for andre godser og sociale grupper optrådte i hans synsfelt. I komedien Lucrative Place (1857) vendte han sig først mod et af russiske komikeres yndlingstemaer - den satiriske skildring af bureaukrati, og i komedien Forælderen (1858) opdagede han godsejerlivet. I begge værker kan man let se parallellerne til "købmands"-skuespillene. Så helten fra "Lucrative Place" Zhadov, en afslører af korruption af embedsmænd, er typologisk tæt på den sandhedssøgende Lyubim Tortsov, og karaktererne af "Elever" - tyrannens godsejer Ulanbekova og hendes offer, eleven Nadya, - minder personerne i Ostrovskys tidlige skuespil og tragedien "Tordenvejr" skrevet et år senere ": Kabanikha og Katerina.

Som opsummering af resultaterne af det første årti af Ostrovskys arbejde skrev AA Grigoriev, der argumenterede med Dobrolyubov-fortolkningen af ​​Ostrovsky som en afsløring af tyranner og det "mørke rige",: "Navnet på denne forfatter, for sådan en stor forfatter, trods sine mangler, er folkedigter. Ordet for at løse hans aktivitet er ikke "tyranni", men "nationalitet". Kun dette ord kan være nøglen til at forstå hans værker. Alt andet - som mere eller mindre snævert, mere eller mindre teoretisk, vilkårligt - indsnævrer cirklen af ​​hans kreativitet."

Tordenvejret (1859), som fulgte efter tre anklagende komedier, blev toppen af ​​Ostrovskys før-reform-drama. Idet han atter vender sig til skildringen af ​​købmændene, skabte forfatteren den første og eneste sociale tragedie i sit værk.

Kreativitet Ostrovsky 1860'erne-1880'erne ekstremt forskelligartet, selvom der ikke var så skarpe udsving i hans verdensbillede og æstetiske synspunkter som før 1861. Ostrovskys dramaturgi forbløffer med Shakespeares bredde af problemer og den klassiske perfektion af kunstneriske former. To hovedtendenser kan bemærkes, som tydeligt kom til udtryk i hans skuespil: styrkelsen af ​​den tragiske lyd af komedier, der er traditionelle for forfatteren, og væksten af ​​det psykologiske indhold af konflikter og karakterer. Ostrovsky-teatret, som blev erklæret "forældet", "konservativt" af "nybølgens" dramatikere i 1890'erne -1900'erne, udviklede faktisk netop de tendenser, der blev førende i teatret i det tidlige 20. århundrede. Mætningen, begyndende med Tordenvejret, af Ostrovskys hverdagslige og moralsk-beskrivende leg med filosofiske og psykologiske symboler var på ingen måde tilfældig. Dramatikeren mærkede akut manglen på scenisk "hverdags"-realisme. Uden at overtræde scenens naturlove og holde afstanden mellem skuespillere og tilskuere - grundlaget for det klassiske teaters grundlag, nærmede han sig i sine bedste skuespil den filosofiske og tragiske lyd af romaner skabt i 1860'erne-1870'erne. hans samtidige Dostojevskij og Tolstoj, til kunstnerens visdom og organiske styrke, som Shakespeare var en model for ham.

Ostrovskys innovative forhåbninger er især mærkbare i hans satiriske komedier og psykologiske dramaer. Fire komedier om postreformadelens liv - "Nok til enhver vis mand", "Ulve og får", "gale penge" og "Skov" - er forbundet af et fælles perspektiv. Emnet for satirisk latterliggørelse i dem er den ukontrollable profittørst, som greb både de adelige, der havde mistet deres fodfæste - livegnes tvangsarbejde og "gale penge", og folk af en ny formation, forretningsmænd, der samler deres kapital på vraget af kollapset livegenskab.

I komedier skabes levende billeder af "forretningsfolk", for hvem "penge ikke lugter", og rigdom bliver det eneste mål i livet. I stykket "Enough for Every Wise Man, Enough Simplicity" (1868) optrådte en sådan mand den fattige adelsmand Glumov, som traditionelt drømte om at arve, en rig brud og en karriere. Hans kynisme og forretningssans strider ikke mod det gamle adelige bureaukratis levevis: han er selv et grimt produkt af dette miljø. Glumov er smart i sammenligning med dem, han er tvunget til at give sig i kast med - Mamaev og Krutitsky, er ikke afvisende over for at håne deres dumhed og arrogance, er i stand til at se sig selv udefra. "Jeg er klog, vred, misundelig," indrømmer Glumov. Han leder ikke efter sandheden, men tjener simpelthen på andres dumhed. Ostrovsky viser et nyt socialt fænomen, der er karakteristisk for Rusland efter reformen: det er ikke "moderation og nøjagtighed" hos molchalinerne, der fører til "store penge", men chatskyernes ætsende sind og talent.

I komedien "Mad Money" (1870) fortsatte Ostrovsky sin "Moscow Chronicle". Egor Glumov dukkede op igen i det med sine epigrammer "for hele Moskva" såvel som et kalejdoskop af satiriske Moskva-typer: sekulære hylstre, der levede adskillige formuer, damer klar til at blive holdt kvinder for "millionærer", elskere af gratis sprut, idioter og vellystige mennesker. Dramatikeren skabte et satirisk portræt af en livsstil, hvor ære og anstændighed afløses af et uhæmmet ønske om penge. Penge bestemmer alt: karakterernes handlinger og adfærd, deres idealer og psykologi. Stykkets centrale karakter er Lydia Cheboksarova, som sætter både sin skønhed og sin kærlighed til salg. Hun er ligeglad med, hvem hun skal være - en kone eller en bevaret kvinde. Det vigtigste er at vælge en tykkere pengepose: efter hendes mening "kan du ikke leve uden guld." Lydias sælgende kærlighed i Mad Money er lige så meget et middel til at tjene penge som Glumovs sind i stykket Enough for Every Wise Man. Men den kyniske heltinde, der vælger det rigere offer, befinder sig selv i den dummeste position: hun gifter sig med Vasilkov, forført af sladder om hans guldminer, bedrager med Telyatev, hvis tilstand kun er en myte, tøver ikke med at kærtegne Kutsumovs "far". "penge. Den eneste modsætning til de "store penge"-fangere i stykket er den "ædle" forretningsmand Vasilkov, der taler om "kloge" penge tjent ved ærligt arbejde, sparet og brugt klogt. Denne helt er en ny type "ærlig" borgerlig, gættet af Ostrovsky.

Komedien "Skov" (1871) er dedikeret til det populære i russisk litteratur fra 1870'erne. temaet om udryddelsen af ​​de "ædle reder", hvori de "sidste mohikanere" fra den gamle russiske adel levede ud.

Billedet af "skoven" er et af de mest rummelige symbolske billeder af Ostrovsky. Skoven er ikke kun en baggrund, som begivenhederne udspiller sig i godset, der ligger fem miles fra amtsbyen. Dette er genstanden for en aftale mellem den ældre dame Gurmyzhskaya og købmanden Vosmibratov, som køber deres forfædres jord fra de fattige adelsmænd. Skoven er et symbol på åndelig ørken: genoplivningen af ​​hovedstæderne når næsten aldrig skovejendommen "Penki"; "århundredgamle stilhed" hersker stadig her. Symbolets psykologiske betydning bliver tydelig, hvis vi korrelerer "skoven" med "vildmarken" af grove følelser og umoralske handlinger hos indbyggerne i "ædle skov", hvorigennem adel, ridderlighed og menneskelighed ikke kan bryde igennem. “... - Og sandelig, bror Arkady, hvordan endte vi i denne skov, i denne tætte fugtige skov? - siger tragedien Neschastlivtsev i slutningen af ​​stykket, - Hvorfor skræmte vi, bror, ugler og ugler? Hvorfor genere dem! Lad dem leve, som de vil! Alt er i orden her, bror, hvordan man skal være i skoven. Gamle kvinder gifter sig med gymnasieelever, unge piger drukner sig fra deres slægtninges bitre liv: skov, bror ”(D. 5, yavl. IX).

"Skoven" er en satirisk komedie. Tegneserien manifesterer sig i en række plotsituationer og handlingsdrejninger. Dramatikeren skabte for eksempel en lille, men meget aktuel social karikatur: næsten Gogols karakterer - den dystre misantropgodsejer Bodaev, der minder om Sobakevich, og Milonov, lige så smukt sindet som Manilov, diskuterer emnet for zemstvoernes aktiviteter, som var populær i tiden efter reformen. Imidlertid er hovedformålet med Ostrovskys satire livsstilen og skikkene i den "ædle skov". Stykket bruger et gennemprøvet plot - historien om en stakkels elev Aksyusha, som er undertrykt og ydmyget af den hykleriske "velgører" Gurmyzhskaya. Hun gentager konstant om sin enkestand og renhed, selvom hun i virkeligheden er ondskabsfuld og vellystig og forfængelig. Modsætningerne mellem Gurmyzhskayas påstande og den sande essens af hendes karakter er kilden til uventede komiske situationer.

I første akt opfører Gurmyzhskaya en slags show: For at demonstrere sin dyd inviterer hun sine naboer til at underskrive hendes testamente. Ifølge Milonov, "smykker Raisa Pavlovna hele vores provins med sit livs alvor; vores moralske atmosfære er så at sige duftende med sine dyder." "Alle os her er bange for din dyd," gentager Bodaev og husker, hvordan de for flere år siden forventede, at hun ankom til godset. I femte akt lærer naboerne om en uventet metamorfose, der skete med Gurmyzhskaya. En halvtreds-årig dame, der sløvt taler om anelser og forestående død ("hvis jeg ikke dør i dag, ikke i morgen, i hvert fald snart"), annoncerer sin beslutning om at gifte sig med Alexis Bulanov, en skoledreng, der ikke har afsluttet skolegangen . Hun anser ægteskabet for at være selvopofrende, "for at arrangere et gods og så det ikke kommer i de forkerte hænder." Naboerne lægger dog ikke mærke til det komiske i overgangen fra det døende testamente til ægteskabsforeningen af ​​"urokkelig dyd" med "en blid, ung gren af ​​en ædel planteskole". "Dette er en heltegerning! Du er en heltinde!" - udbryder Milonov patetisk og beundrer den hykleriske og fordærvede matrone.

En anden knude på komedieplottet er historien om tusind rubler. Pengene gik i en cirkel og tilføjede vigtige detaljer til portrætter af en lang række mennesker. Købmanden Vosmibratov forsøgte at punge ud med tusindvis og betalte for det købte tømmer. Neschastlivtsev, der samvittighedsfuldt havde "ophidset" købmanden ("æren er uendelig. Og du har den ikke"), fik ham til at returnere pengene. Gurmyzhskaya gav det "skøre" tusind til Bulanov for en kjole, så tog tragedien, der truede den ulykkelige ungdom med en falsk pistol, disse penge med det formål at tragte dem med Arkady Schastlivtsev. I sidste ende blev tusind Aksyushas medgift og ... vendte tilbage til Vosmibratov.

Den ganske traditionelle komiske situation med "formskifteren" gjorde det muligt at kontrastere den ildevarslende tegneserie fra "skovens" indbyggere med en høj tragedie. Den patetiske "komiker" Neschastlivtsev, nevøen til Gurmyzhskaya, viste sig at være en stolt romantiker, der ser på sin tante og hendes naboer gennem øjnene på en ædel mand, der er chokeret over "ugler og uglers" kynisme og vulgaritet. De, der behandler ham med foragt og betragter ham som en taber og en frafalden, opfører sig som dårlige skuespillere og gadeklovne. "Komikere? Nej, vi er kunstnere, ædle skuespillere, og I er komikere - kaster vrede Neschastlivtsev i deres ansigter. - Hvis vi elsker, elsker vi så; hvis vi ikke elsker, skændes eller slås vi; hvis vi hjælper, så meget den sidste øre af arbejdskraft. Og dig? Hele dit liv har du talt om samfundets gode, om kærlighed til menneskeheden. Hvad har du gjort? Hvem fodrede de? Hvem trøstede de? Du morer dig kun dig selv, du morer dig. I er komikere, gøglere, ikke os "(D. 5, appellation IX).

Ostrovsky konfronterer den rå farce spillet af Gurmyzhsky og Bulanov med den virkelig tragiske opfattelse af verden, som Neschastlivtsev repræsenterer. I femte akt forvandles den satiriske komedie: hvis tragedien tidligere opførte sig demonstrativt med "narerne" i en nar, understregede sin foragt for dem, hånte ondskab over deres handlinger og ord, så i stykkets finale scenen, Uden at ophøre med at være et rum for komisk handling, bliver det til et tragisk teater for én skuespiller, der begynder sin sidste monolog som en "ædel" skuespiller, der forveksles med en nar, og ender som en "ædel røver" fra F. Schillers drama. - med Karl Moors berømte ord. Citatet fra Schiller taler igen om "skoven", mere præcist, om alle de "blodtørstige indbyggere i skovene." Deres helt vil gerne "rage mod denne helvedes generation", som han stødte på i en adelig ejendom. Citatet, som ikke genkendes af Neschastlivtsevs lyttere, understreger den tragikomiske betydning af det, der sker. Efter at have lyttet til monologen udbryder Milonov: "Men undskyld mig, for disse ord kan jeg svare dig!" "Ja, bare til politimanden. Vi er alle vidner, "- som et ekko, svarer den" født til at befale "Bulanov.

Neschastlivtsev er en romantisk helt, han har en masse Don Quixote, "en ridder af et trist billede" i sig. Han udtrykker sig pompøst, teatralsk, som om han ikke tror på succesen af ​​hans kamp med "vindmøllerne". "Hvor kan du tale med mig," Neschastlivtsev vender sig mod Milonov. "Jeg føler og taler som Schiller, og du kan lide en kontorist." Komisk ved at spille Karl Moors netop talte ord op om "blodtørstige indbyggere i skovene", beroliger han Gurmyzhskaya, som nægtede at give ham en hånd til et afskedskys: "Jeg vil ikke bide, vær ikke bange." Han kan kun komme væk fra folk, der efter hans mening er værre end ulve: ”Hånd, kammerat! (Han giver sin hånd til Schastlivtsev og går). Neschastlivtsevs sidste ord og gestus er symbolske: han giver sin hånd til sin kammerat, "komikeren", og vender sig stolt væk fra indbyggerne i "den ædle skov", som han ikke er på vej med.

Helten fra "Skoven" er en af ​​de første i russisk litteratur, der bryder frem, "fortabte børn" i sin klasse. Ostrovsky idealiserer ikke Neschastlivtsev og påpeger sine daglige mangler: han er ligesom Lyubim Tortsov ikke afvisende over for at have det sjovt, er tilbøjelig til at snyde, holder sig selv som en arrogant gentleman. Men det vigtigste er, at det er Neschastlivtsev, en af ​​de mest elskede helte fra Ostrovskys teater, der udtrykker høje moralske idealer, fuldstændig glemt af narre og farisæere fra skovejendommen. Hans ideer om en persons ære og værdighed ligger forfatteren selv tæt på. Som om at bryde "spejlet" af komedien, ønskede Ostrovsky gennem læberne på en provinstragedianer med det triste efternavn Neschastlivtsev at minde folk om faren for løgne og vulgaritet, der let erstatter det virkelige liv.

Et af Ostrovskys mesterværker, det psykologiske drama "Dowry" (1878), er ligesom mange af hans værker et "købmands"-skuespil. Den førende plads i det er optaget af dramatikerens yndlingsmotiver (penge, handel, købmands "mod"), traditionelle typer, der findes i næsten alle skuespil (købmænd, en lille embedsmand, en pige i ægteskabelig alder og hendes mor, der forsøger at "sælge" " hendes datter til en højere pris, en provinsiell skuespiller ). Intrigen ligner også de tidligere brugte plotbevægelser: flere rivaler kæmper for Larisa Ogudalova, som hver har sin egen "interesse" i pigen.

Men i modsætning til andre værker, såsom komedien "Skov", hvor den fattige elev Aksyusha kun var en "situationsperson" og ikke tog aktiv del i begivenhederne, er heltinden i "Medgiften" den centrale karakter af teaterstykket. Larisa Ogudalova er ikke kun en smuk "ting", der skamløst er sat på auktion af hendes mor Kharita Ignatievna og "købt" af velhavende købmænd fra byen Bryakhimov. Hun er en person, rigt begavet, tænkende, dybt følelsesladet, der indser det absurde i sin position, og samtidig en selvmodsigende natur, der prøver at jage "to fluer med ét smæk": hun ønsker både høj kærlighed og en rig, smuk liv. I den sameksisterer romantisk idealisme og drømme om borgerlig lykke.

Den største forskel mellem Larisa og Katerina Kabanova, som hun ofte sammenlignes med, er valgfriheden. Hun må selv træffe sit valg: at blive den rige købmand Knurovs bevarede kvinde, en deltager i den "strålende mester" Paratovs dristige underholdninger eller hustruen til en stolt ubetydelig - en embedsmand "med ambitioner" Karandyshev. Byen Bryakhimov er ligesom Kalinov i Tordenvejret også en by "på Volgas høje bred", men dette er ikke længere en ond, smålig krafts "mørke rige". Tiderne har ændret sig - de oplyste "nye russere" i Bryakhimov gifter sig ikke med hjemløse kvinder, men køber. Heltinden kan selv bestemme, om hun vil deltage eller ej i forhandlingerne. En hel "parade" af bejlere passerer foran hende. I modsætning til den ulykkelige Katerina bliver Larisas mening ikke forsømt. Kort sagt, de "sidste tider", som Kabanikha frygtede så meget, kom: den gamle "orden" brød sammen. Larisa behøver ikke at tigge sin forlovede Karandyshev, da Katerina bad Boris ("Tag mig med herfra!"). Karandyshev er selv klar til at tage hende væk fra byens fristelser – til den afsidesliggende Zabolotye, hvor han ønsker at blive dommer. Sumpen, som hendes mor forestiller sig som et sted, hvor der, bortset fra skoven, vinden og hylende ulve, intet er, forekommer Larisa som en landsbyidyl, en slags sumpet "paradis", "stille hjørne". Heltindens dramatiske skæbne flettede det historiske og det daglige sammen, tragedien om uopfyldt kærlighed og den filisterske farce, et subtilt psykologisk drama og en ynkelig vaudeville. Stykkets ledende motiv er ikke miljøets og omstændighedernes magt, som i Tordenvejret, men motivet for en persons ansvar for sin egen skæbne.

"Dowry" er først og fremmest et drama om kærlighed: det var kærligheden, der blev grundlaget for plotintrigen og kilden til heltindens indre modsætninger. Kærlighed i "Dowry" er et symbolsk, tvetydigt begreb. "Jeg ledte efter kærlighed og fandt ikke" - sådan en bitter konklusion gør Larissa i stykkets finale. Hun betyder kærlighed-sympati, kærlighed-forståelse, kærlighed-medlidenhed. I Larisas liv blev ægte kærlighed erstattet af "kærlighed" sat til salg, kærlighed er en handelsvare. Forhandlingen i stykket skyldes netop hende. Kun dem, der har flere penge, kan købe sådan en "kærlighed". For de "europæiske" købmænd Knurov og Vozhevatov er Larisas kærlighed en luksusvare, der købes for at indrette dit liv med "europæisk" chic. Disse "børn" af Dikiys smålighed og forsigtighed kommer ikke til udtryk i uselvisk misbrug over en krone, men i en grim kærlighedshandel.

Sergei Sergeevich Paratov, den mest ekstravagante og hensynsløse blandt de købmænd, der er afbildet i stykket, er en parodifigur. Dette er "købmand Pechorin", en hjerteknuser med en forkærlighed for melodramatiske effekter. Han betragter sit forhold til Larisa Ogudalova som et kærlighedseksperiment. "Jeg vil gerne vide, om en kvinde snart vil glemme sin lidenskabeligt elskede: næste dag efter at være blevet adskilt fra ham, om en uge eller om en måned," indrømmer Paratov. Kærlighed er efter hans mening kun egnet til "husholdningsbrug." Paratovs egen "tur til kærlighedens ø" med medgiften Larisa var kortvarig. Hun blev erstattet af larmende karrusler med sigøjnere og ægteskab med en rig brud, mere præcist, til hendes medgift - guldminer. “Jeg, Mokiy Parmenych, har intet værdsat; Jeg finder en fortjeneste, så jeg sælger alt, uanset hvad "- dette er livsprincippet for Paratov, den nye" helt i vores tid "med manerer fra en ødelagt ekspedient fra en fashionabel butik.

Larisas forlovede, "excentriske" Karandyshev, der blev hendes morder, er en ynkelig, komisk og på samme tid uhyggelig person. Det blandede sig i en absurd kombination af "farver" af forskellige scenebilleder. Dette er en karikeret Othello, en parodi "ædel" røver (ved en kostumeaften "klædte han sig ud som en røver, tog en økse i hænderne og kastede brutale blikke på alle, især Sergei Sergeich") og samtidig en " filister i adelen." Hans ideal er en "vogn med musik", en luksuriøs lejlighed og middage. Dette er en ambitiøs embedsmand, der kom til et uroligt købmandsgilde, hvor han fik en ufortjent præmie - den smukke Larissa. Lyubov Karandyshev, den "reserve" brudgom, er kærlighed-forfængelighed, kærlighed-beskyttelse. For ham er Larissa også en "ting", som han kan prale af, og præsenterer for hele byen. Stykkets heltinde opfatter selv hans kærlighed som ydmygelse og fornærmelse: "Hvor er du modbydelig mod mig, hvis bare du vidste det! ... For mig er den alvorligste fornærmelse dit protektion; Jeg har aldrig modtaget andre fornærmelser fra nogen."

Hovedtrækket, der vises i Karandyshevs udseende og opførsel, er ret "Chekhovian": det er vulgaritet. Det er denne egenskab, der giver embedsmandens skikkelse en dyster, ildevarslende smag, på trods af hans middelmådighed i sammenligning med andre deltagere i den amorøse forhandlinger. Larisa bliver ikke dræbt af det provinsielle "Othello", ikke af den elendige komiker, der let skifter masker, men af ​​den vulgaritet, der er legemliggjort i ham, hvilket - ak! - blev for heltinden det eneste alternativ til et kærlighedsparadis.

Ikke et eneste psykologisk træk i Larisa Ogudalova har nået fuldendelse. Hendes sjæl er fyldt med mørke, vage, impulser og lidenskaber, som hun ikke selv helt forstår. Hun er ikke i stand til at træffe et valg, acceptere eller forbande den verden, hun lever i. Da hun tænkte på selvmord, var Larisa aldrig i stand til at kaste sig ud i Volga, som Katerina. I modsætning til den tragiske heltinde i Stormen er hun blot en deltager i et vulgært drama. Men stykkets paradoks er, at det var vulgariteten, der dræbte Larissa, der gjorde hende i de sidste øjeblikke af hendes liv også til en tragisk heltinde, som hævede sig over alle karaktererne. Ingen elskede hende så højt, som hun ville have ønsket - hun dør med ord om tilgivelse og kærlighed og sender et kys til mennesker, der næsten fik hende til at give afkald på det vigtigste i sit liv - kærligheden: "Du skal leve, men jeg har brug for . .. dø. Jeg klager ikke over nogen, jeg er ikke stødt af nogen ... I er alle gode mennesker ... jeg elsker jer alle sammen ... alle ... ”(Sender et kys). Dette sidste, tragiske suk fra heltinden blev kun besvaret af det "høje kor af sigøjnere", et symbol på hele den "sigøjneriske" livsstil, hun levede i.

Teater som en seriøs og populær forretning
startede hos os også for nylig,
begyndte på en rigtig måde med Ostrovsky.

A.A. Grigoriev

Barndom og ungdom

Alexander Nikolaevich Ostrovsky (1823–1886) blev født i det gamle købmands- og embedsmandsområde - Zamoskvorechye. I Moskva, på Malaya Ordynka, er der stadig bevaret et to-etagers hus, hvor den fremtidige store dramatiker blev født den 12. april (31. marts 1823). Her, i Zamoskvorechye, på gaderne Malaya Ordynka, Pyatnitskaya, Zhitnaya, tilbragte han sin barndom og ungdom.

Forfatterens far, Nikolai Fedorovich Ostrovsky, var søn af en præst, men efter sin eksamen fra det teologiske akademi valgte han et sekulært erhverv - han blev en dommer. Moderen til den fremtidige forfatter, Lyubov Ivanovna, kom også fra præsteskabet. Hun døde, da drengen var 8 år gammel. Efter 5 år giftede min far sig for anden gang, denne gang med en adelskvinde. Med succes i tjenesten modtog Nikolai Fyodorovich adelstitlen i 1839, og i 1842 trak han sig tilbage og begyndte at praktisere privatret. Med indtægter fra kunder - hovedsageligt velhavende købmænd - erhvervede han flere godser og i 1848, da han trak sig tilbage fra erhvervslivet, flyttede han til landsbyen Shchelykovo i Kostroma-provinsen og blev godsejer.

I 1835 gik Alexander Nikolayevich ind i det 1. Moskva gymnasium, dimitterede fra det i 1840. Selv i sine gymnasium år blev Ostrovsky tiltrukket af litteratur og teater. På ordre fra sin far gik den unge mand ind på det juridiske fakultet ved Moskva Universitet, men Maly Theatre, hvor de store russiske skuespillere Shchepkin og Mochalov spillede, tiltrækker ham som en magnet. Dette var ikke en tom attraktion for en rig fjols, der ser behagelig underholdning i teatret: for Ostrovsky blev scenen livet. Disse interesser tvang ham til at forlade universitetet i foråret 1843. "Fra min ungdom opgav jeg alt og helligede mig helt til kunst," huskede han senere.

Hans far håbede stadig på, at hans søn ville blive embedsmand, og udnævnte ham til skriver ved den samvittighedsfulde domstol i Moskva, som hovedsagelig beskæftigede sig med tvister om familieejendom. I 1845 blev Alexander Nikolayevich overført til kontoret i Moskvas handelsdomstol som embedsmand i "det verbale bord", dvs. efter at have modtaget mundtlige anmodninger fra andragere.

Hans fars advokatpraksis, livet i Zamoskvorechye og tjeneste i retten, som varede næsten otte år, gav Ostrovsky mange emner for hans værker.

1847-1851 - tidlig periode

Ostrovsky begyndte at skrive i sine studieår. Hans litterære synspunkter blev dannet under indflydelse af Belinsky og Gogol: fra begyndelsen af ​​sin litterære karriere erklærede den unge mand sig selv som en tilhænger af den realistiske skole. Ostrovskys første essays og dramatiske skitser blev skrevet på Gogols måde.

I 1847 udgav Moscow City Leaflet to scener fra komedien Den insolvente skyldner - den første version af komedien Our People - Numbered!

I 1849 afsluttede Ostrovsky arbejdet med den første store komedie "Vores folk - vi vil blive nummereret!"

Komedien latterliggjorde den uhøflige og grådige tyrannkøbmand Samson Silych Bolshov. Hans tyranni kender ingen grænser, så længe han føler fast grund under sig - rigdom. Men grådighed ødelægger ham. Bolshov ønsker at blive endnu mere rig, og efter råd fra den kloge og snedige kontorist Podkhalyuzin overfører han al sin ejendom til hans navn og erklærer sig selv insolvent debitor. Podkhalyuzin, efter at have giftet sig med Bolshovs datter, tilegner sig sin svigerfars ejendom og nægter at betale selv en lille del af gælden og efterlader Bolshov i et gældsfængsel. Lipochka, Bolshovs datter, der blev Podkhalyuzins kone, føler heller ikke nogen medlidenhed med sin far.

I stykket "Vores folk - lad os tælle" er hovedtrækkene i Ostrovskys drama allerede dukket op: evnen til at vise vigtige generelle russiske problemer gennem familie- og hverdagskonflikter, at skabe levende og genkendelige karakterer af ikke kun de vigtigste, men også mindre. tegn. Saftige, livlige, folkelige talelyde i hans skuespil. Og hver af dem har en svær, tankevækkende afslutning. Så forsvinder intet fundet i de første eksperimenter, men nye funktioner vil kun "vokse".

Den "upålidelige" forfatters position komplicerede Ostrovskys allerede vanskelige levevilkår. I sommeren 1849 giftede han sig mod sin fars vilje og uden kirkebryllup med en simpel borgerlig kvinde, Agafya Ivanovna. Den vrede far nægtede at yde yderligere økonomisk støtte til sin søn. Den unge familie trængte hårdt. På trods af sin usikre stilling nægtede Ostrovsky tjeneste i januar 1851 og helligede sig udelukkende litterær virksomhed.

1852-1855 - "Moskvitian periode"

De første stykker, der fik lov til at blive opført på scenen, var "Do not get into your sledge" og "Poverty is not a last". Deres optræden var begyndelsen på en revolution inden for al teaterkunst. For første gang på scenen så seeren en simpel hverdag. Dette krævede en ny skuespilstil: Livets sandhed begyndte at fortrænge pompøse deklamationer og "teatraliteten" af gestus.

I 1850 blev Ostrovsky medlem af den såkaldte "unge redaktion" af Slavophil-magasinet "Moskvityanin". Men forholdet til chefredaktør Pogodin er ikke let. På trods af det enorme arbejde, der blev udført, forblev Ostrovsky altid i gæld til bladet. Pogodin betalte sparsomt.

1855-1860 - periode før reformen

På dette tidspunkt finder dramatikerens tilnærmelse til den revolutionær-demokratiske lejr sted. Ostrovskys verdensbillede er endelig bestemt. I 1856 henvendte han sig til Sovremennik-bladet og blev dets faste bidragyder. Han etablerede venskabelige forbindelser med I.S. Turgenev og L.N. Tolstoj, der samarbejdede i Sovremennik.

I 1856 deltog Ostrovsky sammen med andre russiske forfattere i den berømte litterære og etnografiske ekspedition organiseret af søfartsministeriet for at "beskrive livet, hverdagen og håndværket for befolkningen, der bor ved bredden af ​​have, søer og floder i det europæiske Rusland ." Ostrovsky blev instrueret i at undersøge de øvre dele af Volga. Han besøgte Tver, Gorodnya, Torzhok, Ostashkov, Rzhev osv. Alle observationer blev brugt af Ostrovsky i hans værker.

1860-1886 - perioden efter reformen

I 1862 besøgte Ostrovsky Tyskland, Østrig-Ungarn, Italien, Frankrig og England.

I 1865 grundlagde han en kunstnerisk kreds i Moskva. Ostrovsky var en af ​​dens ledere. Den kunstneriske kreds er blevet en skole for talentfulde amatører - fremtidige vidunderlige russiske kunstnere: O.O. Sadovskaya, M.P. Sadovsky, P.A. Strepetova, M.I. Pisarev og mange andre. I 1870, på initiativ af dramatikeren, blev Society of Russian Drama Writers oprettet i Moskva; fra 1874 til slutningen af ​​hans liv var Ostrovsky dets faste formand.

Efter at have arbejdet for den russiske scene i næsten fyrre år skabte Ostrovsky et helt repertoire - fireoghalvtreds skuespil. "Han skrev hele det russiske liv" - fra forhistoriske, eventyrlige tider ("Snow Maiden") og begivenheder fra fortiden (krønike "Kozma Zakharyich Minin, Sukhoruk") til den aktuelle virkelighed. Ostrovskys værker forbliver på scenen i slutningen af ​​det 20. århundrede. Hans dramaer lyder ofte så moderne, at de gør dem, der genkender sig selv på scenen, vrede.

Derudover skrev Ostrovsky adskillige oversættelser fra Cervantes, Shakespeare, Goldoni osv. Hans arbejde strækker sig over en enorm periode: fra 40'erne. - livegenskabets tid og frem til midten af ​​80'erne, præget af kapitalismens hurtige udvikling og arbejderbevægelsens vækst.

I de sidste årtier af sit liv skabte Ostrovsky en slags kunstnerisk monument til det nationale teater. I 1872 skrev han en poetisk komedie "Komikeren i det 17. århundrede" om fødslen af ​​det første russiske teater ved zar Alexei Mikhailovichs hof, far til Peter I. Men meget mere kendt er Ostrovskys skuespil om moderne teater - "Talenter og beundrere" (1881) og "Skyldig uden skyld" (18983). Her viste han, hvor fristende og vanskeligt livet for en skuespillerinde.

På en måde kan vi sige, at Ostrovsky elskede teater lige så meget som han elskede Rusland: han lukkede ikke øjnene for det dårlige og mistede ikke det mest dyrebare og vigtige af syne.

Den 14. juni 1886 døde Alexander Nikolaevich Ostrovsky på sin elskede Trans-Volga ejendom, Shchelykovo, i Kostroma tætte skove, på de bakkede bredder af små snoede floder.

I forbindelse med femogtrediveårsdagen for A.N.s dramatiske aktivitet. Ostrovsky Ivan Aleksandrovich Goncharov skrev:

"Du donerede et helt bibliotek af kunstværker til litteraturen, skabte din egen specielle verden til scenen. Du alene færdiggjorde bygningen, ved hvilken du satte hjørnestenene Fonvizin, Griboyedov, Gogol. Men først efter jer, vi russere kan stolt sige:" vi har vores eget russiske, nationale teater ", det burde i al retfærdighed hedde:" Ostrovsky Theatre ".

Litteratur

Baseret på materialer fra Encyclopedia for Children. Litteratur del I, Avanta +, M., 1999

Alexander Nikolaevich Ostrovsky er en russisk dramatiker og forfatter, på hvis værker det klassiske repertoire af russiske teatre er bygget op. Hans liv er fyldt med interessante begivenheder, og hans litterære arv er talt i snesevis af skuespil.

Barndom og ungdom

Alexander Ostrovsky blev født i foråret 1823 i Zamoskvorechye, i et købmandshus på Malaya Ordynka. I dette område tilbragte dramatikeren sin ungdom, og huset, hvor han blev født, eksisterer den dag i dag. Ostrovskys far var søn af en præst. Efter sin eksamen fra det teologiske akademi besluttede den unge mand at hellige sig et verdsligt erhverv og gik til retsvæsenet.

Mor Lyubov Ostrovskaya døde, da hendes søn var 8 år gammel. 5 år efter sin kones død giftede Ostrovsky Sr. sig igen. I modsætning til sit første ægteskab med en pige fra præsteverdenen, henledte faderen denne gang opmærksomheden på en kvinde fra adelen.

Nikolai Ostrovskys karriere gik op ad bakke, han modtog en adelstitel, helligede sig privat praksis og levede af indkomsten fra at levere tjenester til velhavende købmænd. Flere godser blev hans ejendom, og ved slutningen af ​​hans arbejdsaktivitet flyttede han til Kostroma-provinsen til landsbyen Shchelykovo, hvor han blev godsejer.

Sønnen gik ind i det første Moskva Gymnasium i 1835 og dimitterede i 1840. Allerede i sin ungdom var drengen glad for litteratur og teatervirksomhed. Han forkælede sin far og gik ind på det juridiske fakultet ved Moskva Universitet. Under sine studier der tilbragte Ostrovsky al sin fritid på Maly Theatre, hvor skuespillerne Pavel Mochalov og Mikhail Schepkin strålede. Den unge mands passion fik ham til at forlade instituttet i 1843.

Faderen nærede håbet om, at dette var et indfald, og forsøgte at knytte sin søn til en lukrativ stilling. Alexander Nikolaevich måtte gå på arbejde som skriver i Moskvas samvittighedsfulde domstol og i 1845 på kontoret for Moskvas handelsdomstol. I sidstnævnte blev han en embedsmand, der modtog andragere mundtligt. Dramatikeren brugte ofte denne erfaring i sit arbejde og mindede om mange interessante sager, han hørte under sin praksis.

Litteratur

Ostrovsky blev interesseret i litteratur i sin ungdom og læste værker af og. Til en vis grad efterlignede den unge mand sine idoler i de første værker. I 1847 debuterede forfatteren i avisen Moscow City Leaf. Forlaget har udgivet to scener fra komedien "Den insolvente skyldner". Dette er den første version af stykket "Vores folk - vi bliver talte", velkendt for læserne.

I 1849 afsluttede forfatteren arbejdet med det. Forfatterens karakteristiske facon kan ses i hans allerførste værk. Han beskriver nationale temaer gennem prisme af familie- og hjemlige konflikter. Karaktererne i Ostrovskys skuespil er ejere af farverige og genkendelige karakterer.

Værkernes sprog er let og enkelt, og slutningen er præget af en moralsk baggrund. Efter offentliggørelsen af ​​stykket i magasinet "Moskvityanin" faldt succesen på Ostrovsky, selvom censurudvalget forbød iscenesættelse og genudgivelse af værket.

Ostrovsky blev inkluderet på listen over "upålidelige" forfattere, hvilket gjorde hans position ufordelagtig. Situationen blev kompliceret af dramatikerens ægteskab med en småborgerlig kvinde, som ikke blev velsignet af sin far. Ostrovsky Sr. nægtede at finansiere sin søn, og de unge var i nød. Selv en vanskelig økonomisk situation forhindrede ikke forfatteren i at opgive tjenesten og fra 1851 fuldt ud at hellige sig litteraturen.

Skuespillene "Sid ikke i din slæde" og "Fattigdom er ikke en last" fik lov til at blive sat op på scenen. Med deres skabelse revolutionerede Ostrovsky teatret. Publikum gik for at se på et enkelt liv, og det krævede til gengæld en anderledes skuespiltilgang til legemliggørelsen af ​​billeder. Deklamation og ærlig teatralitet skulle erstattes af tilværelsens naturlighed under de foreslåede omstændigheder.

Siden 1850 blev Ostrovsky medlem af den "unge redaktion" af magasinet "Moskvityanin", men dette korrigerede ikke det materielle problem. Redaktøren var nærig med at betale for det store arbejde, forfatteren lavede. Fra 1855 til 1860 var Ostrovsky inspireret af revolutionære ideer, der påvirkede hans verdensbillede. Han blev tæt på og blev ansat i Sovremennik-bladet.

I 1856 deltog han i en litterær og etnografisk rejse fra Marineministeriet. Ostrovsky besøgte den øvre Volga og brugte minder og indtryk i sit arbejde.

Året 1862 var præget af en rejse til Europa. Forfatteren har besøgt England, Frankrig, Tyskland, Italien, Østrig og Ungarn. I 1865 var han blandt grundlæggerne og lederne af den kunstneriske cirkel, hvorfra talentfulde russiske kunstnere dukkede op: Sadovsky, Strepetova, Pisareva og andre. I 1870 organiserede Ostrovsky Society of Russian Drama Writers og var dets formand fra 1874 til de sidste dage af sit liv.

Gennem hele sit liv skabte dramatikeren 54 skuespil, oversatte værker af udenlandske klassikere: Goldoni,. Forfatterens populære værker omfatter The Snow Maiden, The Thunderstorm, The Dowry, The Marriage of Balzaminov, Guilty Without Guilt og andre skuespil. Forfatterens biografi var tæt forbundet med litteratur, teater og kærlighed til hjemlandet.

Personlige liv

Ostrovskys arbejde viste sig at være ikke mindre interessant end hans personlige liv. Han var i borgerligt ægteskab med sin kone i 20 år. De mødtes i 1847. Agafya Ivanovna bosatte sig sammen med sin unge søster ikke langt fra forfatterens hus. En ensom pige blev dramatikernes udvalgte. Ingen vidste, hvordan de mødtes.

Ostrovskys far var imod denne forbindelse. Efter hans afgang til Shchelykovo begyndte unge mennesker at bo sammen. Den almindelige kone var ved siden af ​​Ostrovsky, uanset hvilken slags drama der fandt sted i hans liv. Nød og afsavn slukkede ikke deres følelser.

Ostrovsky og hans venner værdsatte især intelligens og hjertelighed i Agafya Ivanovna. Hun var berømt for sin gæstfrihed og forståelse. Manden henvendte sig ofte til hende for at få råd, mens han arbejdede på et nyt teaterstykke.

Deres ægteskab blev ikke lovligt, selv efter forfatterens fars død. Alexander Ostrovskys børn var uægte. De yngre døde i barndommen. Den ældste søn Alexei overlevede.

Ostrovsky viste sig at være en utro ægtemand. Han havde en affære med skuespillerinden Lyubov Kositskaya-Nikulina, som spillede en rolle i premieren på Tordenvejret i 1859. Kunstneren foretrak en rig købmand frem for forfatteren.

Den næste elsker var Maria Bakhmetyeva. Agafya Ivanovna vidste om forræderiet, men mistede ikke sin stolthed og udholdt familiedramaet urokkeligt. Hun døde i 1867. Hvor kvindens grav ligger er uvist.

Efter sin kones død boede Ostrovsky alene i to år. Hans elskede Maria Vasilievna Bakhmetyeva blev dramatikerens første officielle hustru. Kvinden fødte ham to døtre og fire sønner. Ægteskabet med skuespillerinden var lykkeligt. Ostrovsky boede hos hende indtil slutningen af ​​sit liv.

Død

Ostrovskys helbred var udtømt i forhold til den arbejdsbyrde, som forfatteren påtog sig. Han ledede en stormende social og kreativ aktivitet, men hele tiden stod han i gæld. Opførelsen af ​​skuespillene medførte betydelige honorarer. Ostrovsky havde også en pension på 3 tusind rubler, men disse midler var konstant utilstrækkelige.

Den dårlige økonomiske situation kunne ikke andet end at påvirke forfatterens velbefindende. Han var i bekymringer og bekymringer, der påvirkede hjertets arbejde. Aktiv og livlig var Ostrovsky i en række nye planer og ideer, der skulle implementeres så hurtigt som muligt.

Mange kreative ideer blev ikke til noget på grund af forfatterens forværrede helbred. Den 2. juni 1886 døde han på Shchelykovo ejendom i Kostroma ejendom. Dødsårsagen anses for at være angina pectoris. Dramatikerens begravelse fandt sted nær familiens reden i landsbyen Nikolo-Berezhki. Forfatterens grav er placeret på kirkegården.

Begravelsen af ​​forfatteren blev organiseret på bekostning af en donation bestilt af kejseren. Han overførte 3 tusind rubler til den afdødes pårørende og udpegede Ostrovskys enke til samme pension. Staten bevilgede 2.400 rubler årligt til opdragelsen af ​​forfatterens børn.

Alexander Nikolaevich Ostrovskys værker er blevet genoptrykt flere gange. Han blev en ikonisk figur for klassisk russisk drama og teater. Hans skuespil opføres stadig på scenerne i russiske og udenlandske teatre. Dramatikerens arbejde bidrog til udviklingen af ​​den litterære genre, instruktion og skuespil.

Bøgerne med Ostrovskys skuespil sælges i stort oplag flere årtier efter hans død, og værkerne er sorteret i citater og aforismer. Billeder af Alexander Nikolaevich Ostrovsky offentliggjort på internettet.

Bibliografi

• 1846 - "Et familiebillede"
• 1847 - "Vores folk vil blive talt"
• 1851 - Den fattige brud
• 1856 - "Profitable Place"
• 1859 - Tordenvejret
• 1864 - "Jokerne"
• 1861 - "Balzaminovs ægteskab"
• 1865 - "På et travlt sted"
• 1868 - "Varmt hjerte"
• 1868 - "Nok enkelhed for enhver vis mand"
• 1870 - "Skov"
• 1873 - "Snow Maiden"
• 1873 - Sen kærlighed
• 1875 - "Ulve og får"
• 1877 - "Det sidste offer"

Citater

En andens sjæl er mørke.

Der er ingen skam værre end dette, når man skal skamme sig over andre.

Ja, jaloux mennesker er jaloux uden grund.

Indtil du kender en person, tror du på ham, men så snart du finder ud af hans gerninger, så i henhold til hans gerninger og prisen.

Man skal ikke grine af dumme mennesker, man skal kunne bruge deres svagheder.

1823 31. marts (12. april) - blev født i Moskva på Malaya Ordynka i familien til Nikolai Fedorovich Ostrovsky, en retsadvokat, der var engageret i ejendoms- og kommercielle anliggender, en kollegial assessor, som modtog adelen i 1839.

1835–1840 - Studerede på Moskvas provinsgymnasium og afsluttede en niende ud af elleve studerende i hans gruppe.

1840 - Indskrevet som studerende ved Det Juridiske Fakultet ved Moskva Universitet. På sin fars insisteren går han ind på det uelskede juridiske fakultet i stedet for den ønskede historie og filologi.

1843 - blev embedsmand ved den samvittighedsfulde domstol i Moskva.

1845 - går til afsoning i Moskvas handelsdomstol. Ved at omskrive og undersøge først civile sager i Højesteret, og derefter økonomiske forhold i Handelsretten, kom folketællingsfunktionæren ikke så meget frem i sit job som indsamlede materiale.

1847 - The Moscow City Leaflet udgiver Ostrovskys første værker - "Notes of a Zamoskvoretsky Resident", uddrag fra komedien "The Insolvent Debtor" og enakterskomedien "Picture of Family Happiness".

1848 - den første tur til Shchelykovos fars ejendom (Kostroma-provinsen). Siden 1868 har Ostrovsky været her hver sommer.

1849 - afsluttede den første store komedie - "Konkurs" ("Vores folk - vi bliver talt"). I løbet af arbejdet blev "Insolvente Debitor" til en "Konkurs". Dette stykke i fire akter blev ikke opfattet som det første skridt på et spirende talent, men som et nyt ord i russisk drama. [ ]

1849–1850 , vinter - Ostrovsky og P. Sadovsky læste stykket "Konkurs" i litterære kredse i Moskva. Stykket gør et voldsomt indtryk på publikum, især på den demokratiske ungdom, med dens anklagende kraft og kunstneriske dygtighed.

1851 10. januar - Ostrovsky bliver afskediget på grund af det polititilsyn, der er etableret for ham. (I 1850 begyndte det hemmelige kontor i Moskvas generalguvernørs kontor "Sagen om forfatteren Ostrovsky" i forbindelse med forbuddet mod hans komedie "Vores folk - vi vil blive nummereret".)

1853 - afsluttede og iscenesatte for første gang på scenen i Maly Theatre komedien "Kom ikke i din slæde", i fordelsforestillingen af ​​Nikulina-Kositskaya. Forestillingen var en stor succes. Dette var Ostrovskys første skuespil på scenen. Begyndelsen af ​​februar - Ostrovsky er i St. Petersborg og instruerer produktionen af ​​komedien "Don't Get in Your Sleigh" på Alexandrinsky Theatre.
November - i en amatørforestilling i Moskva, i S. A. Panovas hus, spillede Ostrovsky rollen som Malomalsky i komedien "Sid ikke i din slæde." Ostrovsky afsluttede komedien "Fattigdom er ikke en last".
Slutningen af ​​december - Ostrovsky er i Skt. Petersborg og overvåger øvelserne af stykket "Fattigdom er ikke en last" på Alexandrinsky-teatret.

1854 , januar - i St. Petersborg Ostrovsky er til stede ved en middag med N. A. Nekrasov. Mødes med I. S. Turgenev.
Den første forestilling af Ostrovskys komedie "Fattigdom er ikke en last" fandt sted på Maly Theatre. Forestillingen var en stor succes.
9. september - den første forestilling af Ostrovskys komedie "Fattigdom er ikke en last" fandt sted på Alexandrinsky Theatre i en fordelsforestilling instrueret af Yablochkin. Forestillingen var en stor succes.

1856 18. januar - den første forestilling af Ostrovskys komedie "Tømmermænd i en fremmed fest" fandt sted på Alexandrinsky-teatret i Vladimirovas fordel.
April – august - en tur langs Volgas øvre del. Komedien "Profitable Place" blev skrevet.

1858 17. oktober - censuren tillod trykning af Ostrovskys Samlede Værker i to bind, udgivet af gr. G. A. Kusheleva-Bezborodko (på publikationens titelside er der en dato - 1859).
7. december - scener fra landsbylivet afsluttes - stykket "Forælderen".

1859 10. marts - Ostrovsky i Skt. Petersborg holdt en tale ved en middag til ære for den store russiske kunstner AE Martynov; han mødtes her med N. G. Chernyshevsky, N. A. Nekrasov, M. E. Saltykov-Shchedrin, L. N. Tolstoy, I. S. Turgenev, I. A. Goncharov.
Oversat "Getsira" Terence. Dramaet "Tordenvejret" er skrevet.
2. december - den første opførelse af Ostrovskys drama "Tordenvejret" fandt sted på Alexandrinsky-teatret ved Linskoy-fordelsshowet.

1860 , januar - nr. 1 "Library for Reading" udgav Ostrovskys drama "The Thunderstorm".
23. februar - i Skt. Petersborg læser Ostrovsky ved en litterær aften til fordel for Litteraturfonden et uddrag fra komedien "Vores folk - vi bliver talte."
Oktober - Nr. 10 af bladet Sovremennik publicerede en artikel af N.-Bov (N. A. Dobrolyubov) "En stråle af lys i det mørke rige."

1861 , januar - Ostrovsky i Skt. Petersborg instruerer produktionen af ​​komedien "Vores folk - vi vil blive nummereret" på Alexandrinsky-teatret.
16. januar - den første opførelse af Ostrovskys komedie "Vores folk - vi vil blive nummereret" fandt sted på Alexandrinsky Teatret i Linskoy fordelsshow.
December - arbejdet med den dramatiske kronik "Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk" er afsluttet.

1862 9. januar - Ostrovsky i Skt. Petersborg læste sit drama "Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk" sammen med formanden for Litteraturfondens EP Kovalevsky.
Februar - Ostrovsky nægtede at underskrive protesten fra en gruppe reaktionære og liberale forfattere i Skt. Petersborg mod V. Kurochkins demokratiske blad Iskra, som skarpt kritiserede Pisemskys reaktionære artikler i Library for Reading.
Slutningen af ​​marts - før han rejste til udlandet, mødtes Ostrovsky med N. G. Chernyshevsky i St. Petersborg.

1863 1. januar - den første opførelse af Ostrovskys komedie "Hvad du går efter, vil du finde" ("Balzaminovs ægteskab") fandt sted på Alexandrinsky-teatret.
Januar - den første opførelse af Ostrovskys drama "Synd og problemer om hvem der ikke lever" fandt sted på Alexandrinsky-teatret.
27. september - den første forestilling af Ostrovskys komedie "Profitable Place" fandt sted på Alexandrinsky Theatre ved Levkeeva-fordelensshowet.
22. november - den første forestilling af Ostrovskys skuespil "Forælderen" fandt sted på Alexandrinsky-teatret i Zhulevas fordel.

1864 , 15. april - tilladt af censur nr. 3 (marts) af magasinet "Russian Word", som offentliggjorde en artikel af DI Pisarev om Ostrovskys værk "Motives of the Russian Drama".

1865 , slutningen af ​​februar - begyndelsen af ​​marts - Ostrovsky har travlt i St. Petersborg for at få tilladelse til at etablere en kunstnerisk kreds i Moskva.
23. april - den første forestilling af Ostrovskys komedie "Voevoda" fandt sted på Mariinsky Theatre, i nærværelse af forfatteren.
25. september - den første forestilling af Ostrovskys komedie "In a Busy Place" fandt sted på Alexandrinsky Theatre ved Levkeeva-fordelensshowet.

1866 6. maj - den første forestilling af Ostrovskys drama "Afgrunden" fandt sted på Alexandrinsky-teatret ved fordelsforestillingen af ​​Vasiliev 1.

1867 , 16. januar - librettoen af ​​V. Kashperovs opera "Tordenvejret", skrevet af Ostrovsky, er tilladt af censor.
Den 25. marts giver Ostrovsky i Skt. Petersborg i Benardaki-salen en offentlig oplæsning til fordel for den litterære fond af dramaet "Dmitry the Pretender og Vasily Shuisky".
4. juli - Ostrovsky besøgte N.A.Nekrasov i Karabikha.
30. oktober - den første opførelse af V. Kashperovs opera "Tordenvejret" fandt sted samtidigt på Mariinsky-teatret i Skt. Petersborg og på Bolshoi-teatret i Moskva.
Ostrovsky og hans bror Mikhail Nikolaevich købte af deres stedmor, Emilia Andreevna Ostrovskaya, en ejendom i Shchelykovo, hvor dramatikeren efterfølgende tilbragte sommermånederne.

1868 1. november - den første opførelse af Ostrovskys komedie "Enough of Simplicity in Every Wise Man" fandt sted på Alexandrinsky Theatre i Burdins fordelsforestilling.
November - i nr. 11 af tidsskriftet "Otechestvennye zapiski", udgivet siden begyndelsen af ​​1868 under redaktion af N. A. Nekrasov og M. E. Saltykov-Shchedrin, blev Ostrovskys komedie "Enough Simplicity for Every Wise Man" udgivet. Fra det tidspunkt samarbejdede Ostrovsky konstant i Otechestvennye Zapiski, indtil tsarregeringens lukning af tidsskriftet i 1884.

1869 29. januar - den første opførelse af Ostrovskys komedie "Warm Heart" fandt sted på Alexandrinsky Theatre på Linskoy fordelsshow.
12. februar - Ostrovsky indgår et kirkeægteskab med kunstneren M.V. Vasilyeva (Bakhmetyeva). (Fra dette ægteskab havde Ostrovsky fire sønner og to døtre.)

1870 , februar - i nr. 2 af Otechestvennye zapiski blev Ostrovskys komedie Mad Money udgivet.
16. april - den første forestilling af Ostrovskys komedie "Mad Money" fandt sted på Alexandrinsky Theatre.

1871 , januar - nr. 1 af Otechestvennye zapiski udgav Ostrovskys komedie Les.
25. januar - Ostrovsky giver en offentlig oplæsning til fordel for den litterære fond for komedien "Les" i salen til St. Petersborgs kunstnermøde.
september - i nr. 9 af Otechestvennye zapiski udkom Ostrovskys komedie Ikke alle fastelavn for katten.
1. november - den første opførelse af Ostrovskys komedie "Skoven" fandt sted på Alexandrinsky-teatret i Burdins fordelsforestilling.
3. december - i St. Petersborg læste Ostrovsky ved en middag med N. A. Nekrasov komedien "Der var ikke en krone, men pludselig altyn".

1872 , januar - Ostrovskys komedie "Der var ikke en krone, men pludselig altyn" blev offentliggjort i nr. 1 af tidsskriftet Otechestvennye zapiski.
13. januar - den første forestilling af Ostrovskys komedie "Ikke alt for katten er Maslenitsa" fandt sted på Alexandrinsky Theatre.
17. februar - den første forestilling af Ostrovskys drama "Dmitry the Pretender og Vasily Shuisky" fandt sted på Mariinsky Theatre i en fordelsforestilling af Zhuleva; Ostrovsky, der var til stede ved forestillingen, fik overrakt en forgyldt krans og en tale fra truppen.
27. marts - Moskva-købmænd, beundrere af dramatikerens talent, ærer Ostrovsky med en middag og præsenterer ham for en sølvvase med billeder af Pushkin og Gogol.
20. september - den første forestilling af Ostrovskys komedie "Der var ikke en krone, men pludselig altyn" fandt sted på Alexandrinsky-teatret ved Malyshev-fordelshowet.

1873 , slutningen af ​​marts - april - Ostrovsky dimitterede fra skuespillet "The Snow Maiden".
September - Nr. 9 i magasinet "Vestnik Evropy" udgav Ostrovskys skuespil "The Snow Maiden".
21. december - i St. Petersborg underskrev Ostrovsky en aftale med N. A. Nekrasov og A. Kraevsky om udgivelsen af ​​hans samlede værker.

1874 , januar - Ostrovskys komedie "Late Love" blev udgivet i nr. 1 af magasinet Otechestvennye Zapiski.
21. oktober - Det stiftende møde for Society of Russian Drama Writers and Opera Composers, organiseret på initiativ af Ostrovsky, fandt sted i Moskva. Dramatikeren blev enstemmigt valgt til Selskabets formand.
En samling af Ostrovskys værker i otte bind, udgivet af Nekrasov og Kraevsky, er udgået af tryk.

1875 , november - Ostrovskys komedie "Ulve og får" blev udgivet i nr. 11 af magasinet Otechestvennye Zapiski.
Den første forestilling af Ostrovskys komedie "Rich Brides" fandt sted på Alexandrinsky Theatre ved Levkeeva fordelsforestillingen.
8. december - den første opførelse af Ostrovskys komedie "Ulve og får" fandt sted på Alexandrinsky-teatret i Burdins fordelsforestilling.

1876 22. november - den første opførelse af Ostrovskys komedie "Sandheden er god, men lykke er bedre" fandt sted på Alexandrinsky Teatret i Burdins fordelsforestilling.

1877 , januar - Ostrovskys komedie "Sandheden er god, men lykke er bedre" blev offentliggjort i nr. 1 af tidsskriftet Otechestvennye zapiski.
2. december - den første opførelse af Ostrovskys komedie "The Last Sacrifice" fandt sted på Alexandrinsky Theatre i Burdins fordelsforestilling.

1878 , januar - Ostrovskys komedie "The Last Victim" blev udgivet i nr. 1 af Otechestvennye Zapiski magazine.
17. oktober - Ostrovsky dimitterede fra dramaet "Dowry".
22. november - den første opførelse af Ostrovskys drama "Dowry" fandt sted på Alexandrinsky Theatre i Burdins fordelsforestilling.
December - IX bind af Ostrovskys værker blev offentliggjort i udgaven af ​​Salaev.

1879 , januar - Nr. 1 i magasinet Otechestvennye Zapiski udgav Ostrovskys skuespil "Medgiften".

1880 , februar - N. A. Rimsky-Korsakov begyndte operaen "The Snow Maiden", og komponerede selvstændigt en libretto baseret på teksten til Ostrovskys skuespil af samme navn.
24. april - Ostrovsky besøgte I.S.Turgenev, som ankom til Moskva i forbindelse med forberedelsen af ​​Pushkins fejringer.
7. juni - under en middag arrangeret af Moscow Society of Lovers of Russian Literature ved Noble Assembly for de forfattere, der deltog i Pushkins fejringer, sagde Ostrovsky "Bordsnak om Pushkin."
12. august - N. A. Rimsky-Korsakov afsluttede operaen The Snow Maiden.

1881 , april - Ostrovsky instruerer produktionen af ​​komedien "Vores folk - vi vil blive nummereret" på det første private teater i Moskva - A. Brenkos Pushkin-teater.
1. november - i Skt. Petersborg deltog Ostrovsky i et møde i kommissionen for at revidere reglerne om teatre og præsenterede for kommissionen en "Note om den dramatiske kunsts tilstand i Rusland på nuværende tidspunkt". Ostrovsky deltog i denne kommissions arbejde i flere måneder, men "kommissionen var i virkeligheden et bedrag af håb og forventninger", som Ostrovsky senere skrev om det.
6. december - Ostrovsky dimitterede fra komedien "Talenter og beundrere".

1882 , januar - Nr. 1 af magasinet Otechestvennye Zapiski udgav Ostrovskys komedie "Talenter og beundrere".
Den første forestilling af Ostrovskys komedie "Talenter og beundrere" fandt sted på Alexandrinsky Theatre på Strelskaya fordelsshow.
Den første opførelse af Rimsky-Korsakovs opera The Snow Maiden fandt sted på Mariinsky Theatre.
12. februar - IA Goncharov lykønskede i sit brev Ostrovsky med 35-årsdagen for hans litterære aktivitet og satte stor pris på dramatikerens arbejde.
19. april - Alexander III tillod Ostrovsky at etablere et privat teater i Moskva.

1883 28. april - den første forestilling af Ostrovskys komedie "Slave" fandt sted på Alexandrinsky Theatre med deltagelse af MN Ermolova i rollen som Eulalia.
Sommer - Ostrovsky begyndte arbejdet med skuespillet "Skyldig uden skyld".
17. december - i St. Petersborg besøgte Ostrovsky M.E. Saltykov-Shchedrin.

1884 20. januar - den første opførelse af Ostrovskys skuespil "Gilty Without Guilt" fandt sted på Alexandrinsky Theatre.
Nr. 1 i magasinet Otechestvennye Zapiski udgav Ostrovskys drama Guilty Without Guilt.
5. marts - Ostrovsky blev modtaget af Alexander III på Gatchina-paladset i forbindelse med tildelingen af ​​en livspension på tre tusinde rubler (i stedet for de anmodede seks tusinde).
20. april - regeringen lukkede tidsskriftet Otechestvennye zapiski, hvor Ostrovsky har udgivet 21 skuespil siden 1868, heraf to skrevet i samarbejde med andre forfattere og et oversat.
28. august - Ostrovsky afsluttede sin "Selvbiografiske note", hvori han opsummerede sin mangeårige litterære og teatralske aktivitet.
19. november - i St. Petersborg underskrev Ostrovsky en aftale med forlaget Martynov om at udgive en samling af hans værker.

1885 9. januar - den første opførelse af Ostrovskys stykke "Out of this World" fandt sted på Alexandrinsky Theatre i Strepetovas fordelsforestilling.
Fra januar til maj, bind. I – VIII Samlede værker af Ostrovsky udgivet af N. G. Martynov.
4. december - i Sankt Petersborg solgte Ostrovsky N.G. Martynov retten til anden udgave af hans dramatiske oversættelser.

1886 1. januar - Ostrovsky overtog som leder af repertoireafdelingen i de kejserlige teatre i Moskva.
19. april - Society of Lovers of Russian Literature har valgt Ostrovsky til sit æresmedlem.
23. maj - L. N. Tolstoj henvendte sig til Ostrovsky med et brev, hvori han bad om at tillade forlaget "Posrednik" at genoptrykke nogle af Ostrovskys skuespil i en billig udgave. I dette brev kalder L. N. Tolstoj Ostrovsky for "en utvivlsomt populær forfatter i bredeste forstand".
2. juni - klokken 10 om morgenen fra et stærkt angreb af angina pectoris (angina pectoris) døde den store russiske dramatiker Alexander Nikolaevich Ostrovsky i sit arbejdsværelse i Shchelykovo.