Tannhäuser: Hyvät PC:t!Älkää olko järkyttynyt viime päivien kirjoitusten liiallisesta runsaudesta... Pian teillä on loistava tilaisuus pitää niistä tauko...) Kolmen viikon ajan... Lisäsin tänään tämän sivun Oopperasta päiväkirjassa. Tekstiä ja kuvia on suurennettuna... Vielä on valittava muutama video oopperan katkelmilla. Toivottavasti pidätte kaikesta. No, keskustelu oopperasta ei tietenkään lopu tähän. Vaikka hienoja töitä on rajoitettu määrä...)

Tämä on mielenkiintoinen näyttämöesitys, jolla on erityinen juoni, joka avautuu musiikin mukaan. Oopperan kirjoittaneen säveltäjän valtavaa työtä ei voi aliarvioida. Mutta yhtä tärkeä on esiintymistaito, joka auttaa välittämään teoksen pääidean, inspiroi yleisöä ja tuo musiikkia ihmisten sydämiin.

On nimiä, joista on tullut olennainen osa oopperaesitystä. Fjodor Chaliapinin massiivinen basso on ikuisesti uppoutunut oopperalaulun ystävien sieluihin. Luciano Pavarottista, joka aikoinaan haaveili jalkapalloilijan urasta, on tullut todellinen oopperanäyttämön supertähti. Enrico Carusolle kerrottiin lapsuudesta asti, ettei hänellä ollut kuuloa eikä ääntä. Kunnes laulaja tuli tunnetuksi ainutlaatuisesta bel cantosta.

Oopperan juoni

Se voi perustua joko historialliseen tosiasiaan tai mytologiaan, satuun tai dramaattiseen teokseen. Ymmärtääksesi, mistä oopperassa kuulet, luodaan librettoteksti. Oopperaan tutustumiseen ei kuitenkaan riitä libretto, vaan sisältö välitetään taiteellisten kuvien kautta musiikillisilla ilmaisukeinoilla. Erityinen rytmi, kirkas ja omaperäinen melodia, monimutkainen orkestrointi sekä säveltäjän yksittäisiin kohtauksiin valitsemat musiikilliset muodot - kaikki tämä luo massiivisen oopperataiteen genren.

Oopperat erottuvat läpimeno- ja numerorakenteensa perusteella. Jos puhumme numerorakenteesta, niin musiikillinen täydellisyys ilmaistaan ​​selvästi täällä, ja soolonumeroilla on nimet: arioso, aria, arietta, romanssi, cavatina ja muut. Valmiit lauluteokset auttavat paljastamaan sankarin luonteen täysin. Annette Dasch, saksalainen laulaja, esitti sellaisia ​​rooleja kuin Antonia Offenbachin "Tales of Hoffmannista", Rosalind Straussin "Die Fledermausista", Pamina Mozartin "Taikahuilusta". Metropolitan Operan, Champs-Elysees'n teatterin ja Tokion oopperan yleisö pääsi nauttimaan laulajan monipuolisesta lahjakkuudesta.

Samanaikaisesti laulujen "pyöristetyt" numerot, musiikillinen deklamaatio - recitatiivi - käytetään oopperoissa. Tämä on erinomainen yhdistelmä eri lauluaiheiden - aarioiden, kuorojen ja yhtyeiden - välillä. Koominen ooppera erottuu resitatiivien puuttumisesta ja korvataan puhutulla tekstillä.

Oopperan juhlasalikohtauksia pidetään ei-ydinelementteinä, lisättyinä elementteinä. Usein ne voidaan poistaa kivuttomasti kokonaistoiminnasta, mutta on oopperoita, joissa musiikkiteosta ei voida viimeistellä tanssin kielellä.

Oopperaesitys

Oopperassa yhdistyvät laulu, instrumentaalimusiikki ja tanssi. Orkesterisäestyksen rooli on merkittävä: sehän ei ole vain säestys laululle, vaan myös sen lisäys ja rikastus. Orkesteriosuudet voivat olla myös itsenäisiä numeroita: toiminnan väliaikoja, aarioiden, kuorojen ja alkusoittojen esittelyjä. Mario Del Monaco tuli tunnetuksi, koska hän esitti Radamesin roolin Giuseppe Verdin ooppera "Aida".

Oopperaryhmästä puhuttaessa on mainittava solistit, kuoro, orkesteri ja jopa urut. Oopperanäyttelijöiden äänet jakautuvat miehiin ja naisiin. Naisoopperan äänet - sopraano, mezzosopraano, kontralto. Mies - kontratenori, tenori, baritoni ja basso. Kuka olisi uskonut, että Beniamino Gigli, joka kasvoi köyhässä perheessä, laulaisi vuosia myöhemmin Faustin roolissa Mefistofelesta.

Oopperan tyypit ja muodot

Historiallisesti tietyt oopperan muodot ovat kehittyneet. Klassisinta versiota voidaan kutsua suureksi oopperaksi: tähän tyyliin kuuluvat Rossinin teokset "William Tell", Verdin "Sisilialainen vespers" ja Berliozin "Les Troyens".

Lisäksi oopperat ovat koomisia ja puolikoomisia. Sarjaoopperalle ominaisia ​​piirteitä esiintyi Mozartin teoksissa "Don Giovanni", "Figaron häät" ja "Seraglion sieppaus". Romanttiseen juoneeseen perustuvia oopperoita kutsutaan romantisiksi: tähän tyyppiin kuuluvat Wagnerin teokset "Lohengrin", "Tannhäuser" ja "Vaeltava merimies".

Oopperaesittäjän äänen sointi on erityisen tärkeä. Harvinaisimman sopraanon – koloratuurisopraanon – omistajat ovat Sumi Yo , jonka debyytti tapahtui Verdi-teatterin lavalla: laulaja esitti Rigoletton Gildan roolin sekä Joan Elston Sutherlandin, joka neljännesvuosisadan ajan esitti Lucian roolia Donizettin Lucia di Lammermoor -oopperasta.

Balladiooppera sai alkunsa Englannista ja muistuttaa enemmän puhuttujen kohtausten vuorottelemisesta kansanlaulun ja tanssin elementtien kanssa. Pepusch, Beggars' Opera, tuli balladioopperan pioneeriksi.

Oopperaesittäjät: oopperalaulajat ja naislaulajat

Koska musiikin maailma on varsin monipuolinen, oopperasta tulisi keskustella erityisellä kielellä, joka on ymmärrettävää klassisen taiteen todellisille ystäville. Löydät tietoa maailman alustojen parhaista esiintyjistä verkkosivuillamme Esiintyjät-osiossa » .

Kokeneet musiikin ystävät lukevat varmasti mielellään klassisten oopperoiden parhaista esittäjistä. Sellaiset muusikot, kuten Andrea Bocelli, tulivat arvokkaaksi korvaajaksi lahjakkaimmille laulajille oopperataiteen kehityksessä. , jonka idoli oli Franco Corelli. Tämän seurauksena Andrea löysi mahdollisuuden tavata idolinsa ja hänestä tuli jopa hänen oppilas!

Giuseppe Di Stefano välttyi ihmeellisesti joutumasta armeijaan hämmästyttävän äänensävynsä ansiosta. Titto Gobbi aikoi ryhtyä lakimieheksi, mutta omisti elämänsä oopperalle. Voit oppia paljon mielenkiintoista näistä ja muista oopperalaulajista "Miesäänet" -osiossa.

Oopperadiivojen kohdalla ei voi olla muistamatta sellaisia ​​mahtavia ääniä kuin Annick Massis, joka debytoi Toulousen oopperan lavalla roolilla Mozartin oopperasta Kuvitteellinen puutarhuri.

Danielle De Nieseä pidetään oikeutetusti yhtenä kauneimmista vokalisteista, joka uransa aikana esiintyi soolorooleissa Donizettin, Puccinin, Delibesin ja Pergolesin oopperoissa.

Montserrat Caballe. Tästä upeasta naisesta on sanottu paljon: harvat esiintyjät ovat voineet ansaita tittelin "Diva of the World". Huolimatta siitä, että laulaja on iäkäs, hän ilahduttaa edelleen yleisöä upealla laulullaan.

Monet lahjakkaat oopperaesittäjät ottivat ensimmäiset askeleensa Venäjän avaruudessa: Victoria Ivanova, Ekaterina Shcherbachenko, Olga Borodina, Nadezhda Obukhova ja muut.

Amalia Rodrigues on portugalilainen fado-laulaja, ja italialainen oopperadiiva Patricia Ciofi osallistui musiikkikilpailuun ensimmäisen kerran ollessaan kolmevuotias! Nämä ja muut oopperagenren kauniiden edustajien - oopperalaulajien - suurimmat nimet löytyvät "Naisten äänet" -osiosta.

Ooppera ja teatteri

Oopperan henki asuu kirjaimellisesti teatterissa, tunkeutuu lavalle, ja näyttämöistä, joilla legendaariset esiintyjät esiintyvät, tulee ikonisia ja merkittäviä. Kuinka olla muistamatta La Scalan, Metropolitan Operan, Bolshoi-teatterin, Mariinsky-teatterin, Berliinin valtionoopperan ja muiden suurimpia oopperoita. Esimerkiksi Covent Garden (kuninkaallinen oopperatalo) kärsi katastrofaalisista tulipaloista vuosina 1808 ja 1857, mutta suurin osa nykyisen kompleksin elementeistä on kunnostettu. Voit lukea näistä ja muista kuuluisista kohtauksista " Tapahtumapaikat " -osiossa.

Muinaisina aikoina uskottiin, että musiikki syntyi maailman mukana. Lisäksi musiikki lievittää henkistä stressiä ja vaikuttaa suotuisasti yksilön henkisyyteen. Varsinkin kun on kyse oopperasta...

Ooppera(italialainen ooppera - liike, työ, työ; latinasta ooppera - työ, tuote, työ) - musiikillisen ja dramaattisen taiteen genre, jossa sisältö ilmentyy musiikillisen dramaturgian avulla, pääasiassa laulumusiikin kautta. Oopperan kirjallinen perusta on libretto.

Genren historia

Ooppera ilmestyi Italiassa mysteereissä, eli henkisissä esityksissä, joissa toisinaan esitelty musiikki oli matalalla tasolla. Henkinen komedia: "Käännös Pyhän Tapanin Paul" (1480), Beverini, edustaa vakavampaa teosta, jossa musiikki seurasi toimintaa alusta loppuun. 1500-luvun puolivälissä pastoraalit eli paimenpelit, joissa musiikki rajoittui kuoroon, motettin tai madrigalin muodossa, olivat erittäin suosittuja. "Amfiparnasso" -elokuvassa näyttelijöiden esiintymistä lavalla säesti Orazio Vecchi, kuorolaulu lavan takana viisiäänisen madrigalin muodossa. Tämä Commedia armonica annettiin ensimmäisen kerran Modenan hovissa vuonna 1597.

1500-luvun lopulla yritykset tuoda monofoninen laulu (monodia) tällaisiin teoksiin toivat oopperan tielle, jolla sen kehitys eteni nopeasti. Näiden yritysten kirjoittajat kutsuivat musiikillisia ja dramaattisia teoksiaan drama in musica tai drama per musica; nimeä "ooppera" alettiin käyttää heihin 1600-luvun ensimmäisellä puoliskolla. Myöhemmin jotkut oopperasäveltäjät, esimerkiksi Richard Wagner, palasivat jälleen nimeen "musiikkidraama".

Ensimmäinen oopperatalo julkisia esityksiä varten avattiin vuonna 1637 Venetsiassa; aiemmin ooppera palveli vain hoviviihdettä. Ensimmäisenä suurena oopperana voidaan pitää Jacopo Perin vuonna 1597 esitettyä Daphnea. Ooppera levisi pian Italiaan ja sitten muualle Eurooppaan. Venetsiassa julkisten näytösten avaamisen jälkeen 7 teatteria on ilmestynyt 65 vuoden aikana; Heille on säveltänyt eri säveltäjiltä 357 oopperaa (jopa 40). Oopperan pioneerit olivat: Saksassa - Heinrich Schütz (Daphne, 1627), Ranskassa - Camber (La pastorole, 1647), Englannissa - Purcell; Espanjassa ensimmäiset oopperat ilmestyivät 1700-luvun alussa; Venäjällä Araya kirjoitti ensimmäisenä oopperan ("Mullet ja Procris") itsenäiseen venäläiseen tekstiin (1755). Ensimmäinen venäläisillä tavoilla kirjoitettu venäläinen ooppera on F. G. Volkovin musiikki "Tanyusha eli Happy Meeting" (1756).

Oopperan lajikkeet

Historiallisesti tietyt oopperamusiikin muodot ovat kehittyneet. Vaikka oopperadramaturgialla on joitain yleisiä malleja, kaikki sen osat tulkitaan eri tavalla oopperatyypeistä riippuen.

grand ooppera (opera seria - italia, trag "edie lyrique, myöhemmin grand-op" -aikakausi - ranska),

puolikoominen (semiseria),

koominen ooppera (opera-buffa - italia, op"era-comique - ranska, Spieloper - saksa),

romanttinen ooppera romanttisella juonella.

Sarjaoopperassa, saksassa ja ranskassa, musiikkinumeroiden välinen dialogi on sallittu. On myös vakavia oopperoita, joihin lisätään esimerkiksi dialogia. Beethovenin "Fidelio", Cherubinin "Medea", Weberin "The Magic Shooter".

Lasten esityksiin tarkoitetut oopperat (esimerkiksi Benjamin Brittenin oopperat - "Pieni nuokaisija", "Nooan arkki", Lev Konovin oopperat - "Kuningas Matt ensimmäinen", "Asgard", "Ruma ankanpoikanen", "Kokinwakashu").

Oopperan elementit

Ooppera on synteettinen genre, joka yhdistää erityyppisiä taiteita yhdeksi teatteritapahtumaksi: draamaa, musiikkia, kuvataidetta (lavasteet, puvut), koreografiaa (baletti).

Oopperayhtyeeseen kuuluu: solisti, kuoro, orkesteri, sotilassoittokunta, urut. Oopperaäänet: (nainen: sopraano, mezzosopraano, kontralto; mies: kontratenori, tenori, baritoni, basso).

Oopperateos on jaettu näytöksiin, kuviin, kohtauksiin ja numeroihin. Ennen näytöksiä on prologi, oopperan lopussa epilogi.

Oopperateoksen osat - resitatiivit, arioso, laulut, ariaat, duetot, triot, kvartetot, yhtyeet jne. Sinfonisista muodoista - alkusoitto, johdanto, väliajat, pantomiimi, melodraama, kulkueet, balettimusiikki.

Hahmojen hahmot paljastuvat parhaiten soolonumeroissa (aria, arioso, arietta, cavatina, monologi, balladi, laulu). Resitatiivilla on oopperassa erilaisia ​​tehtäviä - musiikillisia, intonaatioita ja ihmispuheen rytmistä toistoa. Usein hän yhdistää (juonteellisesti ja musiikillisesti) yksittäisiä valmiita numeroita; on usein tehokas tekijä musiikillisessa dramaturgiassa. Joissakin oopperan genreissä, pääasiassa komediassa, käytetään puhekieltä recitatiivin sijaan, yleensä dialogeissa.

Lavadialogi, dramaattisen esityksen kohtaus oopperassa vastaa musikaalista kokoonpanoa (duetto, trio, kvartetti, kvintetti jne.), jonka erityispiirteet mahdollistavat konfliktitilanteiden luomisen, ei vain näyttelemisen kehitystä. toimintaa, mutta myös hahmojen ja ideoiden yhteentörmäystä. Siksi yhtyeet esiintyvät usein oopperatoiminnan huippu- tai viimeisissä hetkissä.

Oopperan kuoro tulkitaan eri tavoin. Se voi olla taustaa, joka ei liity pääjuonaan; joskus jonkinlainen kommentaattori tapahtumasta; sen taiteelliset kyvyt mahdollistavat monumentaalisen kansanelämän kuvien näyttämisen, sankarin ja massojen välisen suhteen paljastamisen (esimerkiksi kuoron rooli M. P. Mussorgskin kansanmusiikkinäytelmissä "Boris Godunov" ja "Khovanshchina") .

Oopperan musiikillisessa dramaturgiassa suuri rooli on orkesterilla, sinfoniset ilmaisuvälineet tuovat kuvia entistä täydellisemmin esiin. Ooppera sisältää myös itsenäisiä orkesterijaksoja - alkusoittoa, väliaikaa (johdanto yksittäisiin näytöksiin). Toinen osa oopperaesitystä on baletti, koreografiset kohtaukset, joissa plastisia kuvia yhdistetään musiikillisiin.

Oopperan lajikkeet

Ooppera aloittaa historiansa 1500-1600-luvun vaihteessa italialaisten filosofien, runoilijoiden ja muusikoiden piirissä - Cameratassa. Ensimmäinen tämän genren teos ilmestyi vuonna 1600; luojat perustivat juonen kuuluisaan Orpheuksen ja Eurydiken tarina . Siitä on kulunut vuosisatoja, mutta oopperat säveltävät edelleen säveltäjät kadehdittavalla säännöllisyydellä. Koko historiansa ajan tämä genre on kokenut monia muutoksia teemoista, musiikillisista muodoista ja sen rakenteeseen asti. Millaisia ​​oopperoita on olemassa, milloin ne ilmestyivät ja mitkä ovat niiden ominaisuudet - selvitetään se.

Oopperan tyypit:

Vakava ooppera(opera seria, opera seria) on Italiassa 1600-1700-luvun vaihteessa syntyneen oopperan genren nimi. Tällaiset teokset on sävelletty historiallis-sankarillisista, legendaarisista tai mytologisista aiheista. Tämän tyyppisen oopperan erottuva piirre oli liiallinen mahtipontisuus ehdottomasti kaikessa - päärooli annettiin virtuoosilaulajille, yksinkertaisimmat tunteet ja tunteet esitettiin pitkissä aarioissa, ja lavalla vallitsi rehevä maisema. Pukukonsertit - näin oopperasarjaa kutsuttiin.

Koominen ooppera on peräisin Italiasta 1700-luvulla. Sitä kutsuttiin opera-buffaksi ja se luotiin vaihtoehdoksi "tylsälle" oopperasarjalle. Tästä syystä genren pieni mittakaava, pieni määrä hahmoja, laulutekniikat, esimerkiksi kielenkäänteet, ja yhtyeiden määrän kasvu - eräänlainen kosto "pitkille" virtuoosi-aarioille. Eri maissa sarjakuvalla oli omat nimensä - Englannissa se oli balladi-ooppera, Ranska määritteli sen sarjakuvaksi, Saksassa sitä kutsuttiin laulupeliksi ja Espanjassa tonadillaksi.

Puolivakava ooppera(Opera Semiseria) on vakavan ja koomisen rajalaji, jonka kotimaa on Italia. Tämäntyyppinen ooppera ilmestyi 1700-luvun lopulla; juoni perustui vakaviin ja joskus traagisiin tarinoihin, mutta jolla oli onnellinen loppu.

Suuri ooppera(suuri ooppera) - syntyi Ranskasta 1800-luvun ensimmäisen kolmanneksen lopulla. Tälle genrelle on ominaista suuret mittakaavat (5 näytöstä tavanomaisen 4:n sijaan), tanssinäytöksen pakollinen läsnäolo ja maisemien runsaus. Ne luotiin pääasiassa historiallisista aiheista.

Romanttinen ooppera - syntyi Saksasta 1800-luvulla. Tämäntyyppinen ooppera sisältää kaikki musiikkidraamat, jotka on luotu romanttisten juonien pohjalta.

Ooppera-baletti saa alkunsa Ranskasta 1600-1700-luvun vaihteessa. Tämän genren toinen nimi on ranskalainen hovibaletti. Tällaisia ​​teoksia luotiin naamiaisiin, pastoraaleihin ja muihin kuninkaallisissa ja tunnetuissa hovissa pidettyihin juhliin. Tällaiset esitykset erottuivat kirkkaudestaan ​​ja kauniista maisemistaan, mutta niissä olevia numeroita ei liitetty juoni.

Operetti- "pieni ooppera", ilmestyi Ranskassa 1800-luvun toisella puoliskolla. Tämän genren tunnusomainen piirre on koominen, yksinkertainen juoni, vaatimaton mittakaava, yksinkertaiset muodot ja helposti muistettava ”kevyt” musiikki.

KURSSIN TIIVISTELMÄ KNMT:N TIEDEKUNNAN 3. VUODEN OPISKELIJA (s/o), RYHMÄ nro 12 (Akateeminen kuoro) TARAKANOVA E.V.

MUSIIKIN TEORIAN JA HISTORIAN LAITOS

Moskovan osavaltion kulttuuriyliopisto

(MGUK)

OPERA (italialainen ooppera, kirjaimellisesti - sävellys, teos, latinasta ooppera - teos, tuote) - synteettisen taiteen tyyppi; taideteos, jonka sisältö ilmentyy näyttämöllisissä musiikillisissa ja runollisissa kuvissa.

Ooppera yhdistää laulu- ja instrumentaalimusiikin, draaman, kuvataiteen ja usein koreografian yhdeksi teatteriesitykseksi. Oopperassa esiintyy erilaisia ​​musiikin muotoja - soololauluja (aria, laulu (cavatina) jne.), resitatiiveja, yhtyeitä, kuorokohtauksia, tansseja, orkesterinumeroita...

(verkkosanakirjasta "Classical Music")

Kukaan ei tiedä, kuka sävelsi ensimmäisen sinfonian tai ensimmäisen konserton. Nämä muodot kehittyivät vähitellen 1600- ja 1700-luvuilla. Mutta on täysin tiedossa, että ensimmäisen oopperan, Daphne, kirjoitti italialainen säveltäjä Jacopo Peri ja se esitettiin ensimmäisen kerran Firenzessä vuonna 1597. Se oli yritys palata antiikin kreikkalaisen draaman yksinkertaisuuteen. "Camerata"- ("Yhtiö") -yhteiskuntaan yhdistyneet ihmiset pitivät keskiaikaisen kirkkomusiikin ja maallisten madrigaaleiden yhdistämistä liian monimutkaisena ja rajoittavana aitoja tunteita. Heidän johtajansa Giovanni de Bardi ilmaisi seuraajiensa uskonlauseen seuraavin sanoin: "Kirjoittaessasi sinun tulee asettaa itsellesi tavoitteeksi säveltää runoutta niin, että sanat lausutaan mahdollisimman selkeästi."

"Daphnen" partituuri ei ole säilynyt, mutta tärkeintä on, että vain vähän aikaa ensimmäisen esityksen jälkeen uusi genre vakiintui.

Ooppera sai alkunsa yrityksestä elvyttää antiikin kreikkalaisen tragedian eleganssia ja yksinkertaisuutta, joka kertoi tarinoita jumalista ja mytologisista sankareista dramaattisessa muodossa. Kuoro toimi kommentaattorina. Valitettavasti aika ei ole säilyttänyt meille menneen antiikin musiikkia. Edes uusimmalla tietokonetekniikalla luodut musiikkimallit eivät pysty näyttämään, miltä musiikki todellisuudessa kuulosti sillä kaukaisella ja mielenkiintoisella aikakaudella, jolloin tavallisetkin ihmiset ilmaisivat itsensä heksametrillä ja pelkät kuolevaiset kommunikoivat jumalien, satyyrien, nymfien, kentaurien jne. kanssa. mytologinen yleisö yhtä yksinkertaisesti kuin aikakautemme naapureidensa kanssa kesämökissään.

1500-luvun lopulla joukko italialaisia ​​aatelisia halusi vapauttaa musiikin keskiaikaisesta monimutkaisuudesta ja uudistaa puhtauden hengen, jonka he löysivät antiikin kreikkalaisista näytelmistä. Näin laulutaide yhdistettiin dramaattiseen tarinankerrontaan, jonka tuloksena syntyi ensimmäinen ooppera. Siitä lähtien kreikkalaiset draamat ja legendat ovat inspiroineet monia säveltäjiä, mukaan lukien Gluck, Rameau, Berlioz ja Stravinsky.

Ensimmäiset oopperapyrkimykset kehittyivät pääasiassa aikansa suuren säveltäjän, Monteverdin, teoksessa, joka kirjoitti ensimmäisen oopperansa Orpheuksen vuonna 1607 ja viimeisen, Poppean kruunauksen vuonna 1642. Monteverdi ja hänen aikalaisensa perustaisivat klassisen oopperarakenteen, joka on edelleen käytössä:

kvartettit;

yhtyeitä...

niissä hahmot ilmaisevat tunteitaan.

resitatiivit;

he selittävät tapahtumia (muinaisen draaman kuoron perinteiden mukaisesti).

orkesterialkusoitto;

esileikki...

esitysohjelma laitettiin päälle, jotta yleisö pääsi istumaan.

välikappaleet;

väliajat...

maiseman vaihdon mukana.

Kaikki yllä olevat kohdat vuorottelevat ja toistetaan musiikillisen dramaturgian sääntöjen mukaisesti.

Tämän teoksen tarkoituksena on jäljittää oopperan eri genrejen kehitystä historiallisesta näkökulmasta ja eri säveltäjien työn kautta, joiden työtä oikeutetusti pidetään virstanpylväinä oopperamusiikin historiassa.

Luonnollisesti ooppera sai suurimman kehityksensä juuri Italiassa, jossa se syntyi, maassa, jonka kieli on erittäin melodista ja melodista.

Mutta pian tämä musiikkilaji levisi muihin Euroopan maihin, erityisesti Ranskaan, missä Ludvig XIV arvosti oopperan mahdollisuuksia rehevillä maisemilla ja tanssinumeroilla, jotka täydensivät esitysten puhtaasti musiikillista puolta. Hänen hovisäveltäjänsä oli italialainen Jean Baptiste (Giovan Batista) Lully, joka nousi keittiöpojasta ranskalaisen musiikin kiistattomaksi lainsäätäjäksi. Lully teki omaisuutensa ostamalla oikeudet jokaiseen maassa esitettyyn oopperaan.

Englantilainen ooppera kehittyi kuninkaallisesta naamioteatterista. Viihdeseremoniaan sisältyi teatteriesityksiä, tansseja ja musiikkia. Hahmot olivat mytologisia sankareita. Lavasteet ja puvut olivat uskomattoman upeita. Englantilainen naamioteatteri saavutti täydellisyyden 1600-luvun alussa. Nämä esitykset muistuttivat muodoltaan hyvin paljon oopperaa: niissä käytettiin esimerkiksi resitatiivisia ja orkesterillisia välisoittoja.

Englannissa 1640-luvun sisällissota ja sitä seuraavat Cromwellin puritaanisen hallinnon vuodet viivästyttivät oopperan kehitystä. Poikkeuksena olivat Henry Purcell ja hänen oopperansa Dido ja Aeneas, kirjoitettu vuonna 1689 tyttökoululle Chelseassa, kunnes Britten kirjoitti Peter Grimesin 250 vuotta myöhemmin.

Noin 1740 mennessä italialainen ooppera Lontoossa oli laskussa. Vuonna 1728 lavastettu John Pepuschin "Kerjäläisen ooppera" (libretto John Gay) antoi murskaavan iskun vanhan italialaisen oopperan loistoon: lavalle ilmestyi rosvoja, heidän tyttöystäviä jne. Katsojaa on tullut mahdottomaksi valloittaa muinaisen mytologian mahtipontisilla sankarilla. Händel yritti perustaa toista italialaista oopperataloa Lontooseen, mutta yritys ei onnistunut.

Mantereella ooppera ei tuntenut katkoksia kehityksessään. Monteverdin jälkeen Italiaan ilmestyivät peräkkäin oopperasäveltäjät, kuten Cavalli, Alessandro Scarlatti (suurimman cembaloteosten kirjoittajan Domenico Scarlattin isä), Vivaldi ja Pergolesi. Ranskassa Lullyn tilalle tuli Rameau, joka hallitsi oopperalavaa koko 1700-luvun ensimmäisen puoliskon ajan. Vaikka ooppera oli Saksassa vähemmän kehittynyttä, Händelin ystävä Telemann kirjoitti ainakin 40 oopperaa.

1700-luvun alussa, kun Mozartin lahjakkuus saavutti huippunsa, Wienin ooppera jakautui kolmeen pääsuuntaan. Johtavan paikan vallitsi vakava italialainen ooppera (Italian opera seria), jossa klassiset sankarit ja jumalat elivät ja kuolivat tragedian ilmapiirissä. Vähemmän muodollinen oli italialaisen komedian (commedia dell'arte) Harlequinin ja Columbinen juoneeseen perustuva koominen ooppera (opera buffa), jota ympäröivät häpeämättömät lakeijat, heidän huonokuntoiset mestarinsa ja kaikenlaiset roistot ja huijarit. Näiden italialaisten ohella muodoissa kehitettiin saksalainen koominen ooppera (singspiel), jonka menestys lienee suuren yleisön saatavilla olevan saksan äidinkielen käytössä. Jo ennen kuin Mozartin oopperaura alkoi, Gluck kannatti paluuta 1600-luvun yksinkertaisuuteen. ooppera, jonka juonet eivät vaimentuneet pitkät sooloaariat, jotka viivästyttivät toiminnan kehitystä ja tarjosivat laulajille vain syitä osoittaa äänensä voimaa.

Lahjakkuutensa voimalla Mozart yhdisti nämä kolme suuntaa. Vielä teini-ikäisenä hän kirjoitti yhden oopperan jokaisesta tyypistä. Kypsänä säveltäjänä hän jatkoi työskentelyä kaikissa kolmessa suunnassa, vaikka opera seria -perinne oli hiipumassa. Yksi hänen kahdesta suuresta oopperasta, Idomeneo, Kreetan kuningas (1781), täynnä intohimoa ja tulta, esitetään edelleen, mutta La Clemenza di Titus (1791) kuullaan hyvin harvoin.

Kolme buffa-oopperaa - "Figaron häät", "Don Giovanni", "Tätä kaikki naiset tekevät" - ovat todellisia mestariteoksia. He laajensivat genren rajoja niin paljon, toivat niihin traagisia motiiveja, että katsoja ei enää tiennyt itkeäkö vai nauraa - tässä voidaan puhua vertailusta Shakespearen näytelmiin. Kaikissa näissä kolmessa oopperassa rakkaus muodossa tai toisessa on johtava teema. "Figaro" kertoo kuinka palvelija (Figaro) luo kaikenlaisia ​​esteitä isännälleen, joka haluaa vietellä tytön, jonka kanssa hän haluaa mennä naimisiin. Don Juanissa näemme naisten miehen seikkailuja, jotka lopulta raahataan helvettiin murhamansa rakastajatarin miehen patsaan takia. Juoni ei sovi kovinkaan koomman oopperan genreen, mutta Mozart päättää sen kuoroon, joka kertoo yleisölle, että kaikkea tätä ei pidä ottaa liian vakavasti. Ooppera "Cosi" fan tutte kertoo tarinan kahdesta nuoresta parista; tytöt ja pojat vannoivat rakkautta ja omistautumista toisilleen, mutta vaihtavat sitten kumppania ja huomaavat, että uskollinen oleminen ei ole niin helppoa kuin aluksi näyttää, Beethoven, jonka ainoa ooppera Fidelio oli supervakava, piti näitä aiheita moraalittomina. Kaikkien kolmen teoksen libreton on kirjoittanut sama runoilija, loistava ja eksentrinen Lorenzo da Ponte. Kumpikaan ei kunnioittanut sen ajan tiukkaa moraalia.

Ensimmäisessä yhteisteoksessa "Figaron häät" he käyttivät ranskalaisen kirjailijan Beaumarchais'n näytelmää, jonka hahmot paitsi poimivat omistajalta kaiken mahdollisen, myös voittivat yleisön myötätuntoa. Vuonna 1786 kirjoitetusta oopperasta "Figaron häät" tuli Mozartin maineen huippu. Näin kirjoitti oopperan ensiesittelyssä laulanut tenori Michael Kelly: "En koskaan unohda tätä inspiroitunutta ilmettä hänen kasvoillaan, joka loistaa nerouden kipinöin; sen kuvaileminen on samaa kuin auringonsäteiden piirtäminen .” Figaron sotaisan aarian esityksen jälkeen kaikki katsojat huusivat: "Bravo, bravo. Maestro! Eläköön suuri Mozart!" ”Figaron häistä” tuli universaali wieniläinen hitti, jopa sanansaattajat viheltelivät sävelmiä oopperasta.

Sama ilkikurisen hauskanpito vallitsee Mozartin kahdessa saksankielisessä oopperassa: Sieppaus Seragliosta ja Taikahuilu. Ensimmäinen kirjoitettiin vuonna 1781, ja se perustuu tarinaan sulttaanin haaremista löytäneen tytön pelastamisesta. Taikahuilun satujuoni vaikuttaa ensi silmäyksellä primitiiviseltä, mutta itse asiassa tällä oopperalla, joka on yksi Mozartin parhaista monesta näkökulmasta, on syvä merkitys. Tämä säveltäjän viimeisenä elämävuotena (1791) kirjoittama teos on täynnä syvää uskoa hyvän absoluuttiseen voittoon pahan yli. Sankarit - kaksi idealisoitua rakastajaa - käyvät läpi monia koettelemuksia, ja taikahuilu auttaa heitä tässä. Oopperan sankareita ovat myös ilkeä kuningatar, jalo ylipappi ja hauska lintupyydäjä, jonka linja lievittää jännitystä. Libretisti ja teatteriohjaaja Emmanuel Schikaneder oli Mozartin tavoin vapaamuurari – vapaamuurariuden ideat ilmenivät laajasti oopperassa ns. "piilotettu muoto" (kuten viimeaikaiset tutkimukset ovat osoittaneet, tietoa joistakin vapaamuurarien symboleista ja rituaaleista on kirjaimellisesti "koodattu" oopperan partituuriin).

Italialaista 1800-luvun alkupuoliskoa hallitsi kolme suurta säveltäjää: Rossini, Donizetti ja Bellini. Kaikki kolme olivat aidon italialaisen siron virtaavan melodian mestareita - bel canton ("kaunis laulu") taiteen, joka kehittyi Italiassa oopperan varhaisista ajoista lähtien. Tämä taide vaatii täydellisen äänen hallinnan. Vahvan, hyvin tuotetun äänen merkitys siinä on niin suuri, että esiintyjät joskus laiminlyövät näyttelemisen. Erinomaiset aikansa laulajat, kuten Isabella Colubran, Rossinin ensimmäinen vaimo, pystyivät esittämään fiorituroja ja muita erilaisia ​​kohtia poikkeuksellisen helposti. Vain harvat modernit laulajat voivat verrata heihin tässä. Säveltäjät kilpailivat keskenään esittäen oopperan toisensa jälkeen. Hyvin usein näissä oopperoissa juonille annettiin paljon vähemmän merkitystä kuin esiintyjien laulukyvyn osoittamiselle.

1800-luvun ensimmäisen puoliskon johtavista säveltäjistä vain Rossini eli pitkän elämän ja näki Verdin ja Wagnerin aikakauden oopperamaailman. Verdi jatkoi italialaisen oopperan perinnettä, ja Rossini epäilemättä piti tästä. Mitä tulee Wagneriin, Rossini huomautti kerran, että Wagnerilla "on hyviä hetkiä, mutta jokaisesta musiikin tunnista viisitoista minuuttia on huonoja". Italiassa he haluavat muistaa tämän tarinan: Rossini, kuten tiedätte, ei kestänyt Wagnerin musiikkia. Eräänä päivänä maestro kokosi arvokkaita vieraita taloonsa. Runsaan lounaan jälkeen vieraat menivät jälkiruokaa odotellessa parvekkeelle lasillisten kanssa kevyttä viiniä. Yhtäkkiä olohuoneesta kuului kauheaa pauhinaa, soimista, jauhamista, rätintää ja lopuksi voihkaisua. Sekuntia myöhemmin Rossini itse tuli ulos pelästyneiden vieraiden luo ja ilmoitti: "Luojan kiitos, hyvät naiset ja herrat!" Hidas piika tarttui pöytäliinaan ja vain kaatoi koko kattauksen lattialle. Kotialkusoitto "Tannhäuserille"!

Useiden Wagnerin ja Verdin luomien, ei täysin luonnollisten sankarimaailmojen jälkeen heidän jälkeensä tulleille säveltäjille oli ominaista kiinnostus maanläheisempiä teemoja kohtaan. Tätä tunnelmaa ilmaisi ooppera "verismo" (italialainen realismin muoto: sanasta "vero", totuus), suunta, joka tulee "elämän totuudesta", joka on niin tyypillinen kirjailija Dickensin ja taidemaalari Milletin teoksille. Bizet'n vuonna 1875 kirjoitettu ooppera Carmen oli hyvin lähellä puhdasta realismia, mutta verismo erillisenä liikkeenä ilmaantui Italian musiikkielämään vasta 15 vuotta myöhemmin, kun kaksi nuorta säveltäjää sävelsi kumpikin yhden lyhytoopperan, ja molemmille leimattiin ei-romanttinen lähestymistapa ihmisen draamaan: Pietro Mascagnin "Honor Rusticana" ja Ruggero Leoncavallon "Pagliacci". Molempien teosten teemoja ovat mustasukkaisuus ja murha. Nämä kaksi oopperaa esitetään aina yhdessä.

Täysin erilaisilta näyttävät venäläisten säveltäjien, kuten Borodinin, Mussorgskin, Tšaikovskin, musiikilliset ja dramaattiset piirteet, jotka vanhoja perinteitä jatkaen tuovat oopperan taiteeseen useita uusia erityissuuntia. Mussorgskin valtavat historialliset panoraamat "Boris Godunov" ja "Khovanshchina" ovat suhteellisen uusi suunta maailman oopperataiteessa, jota kutsutaan "kansanmusiikkidraamaksi", eräänlainen musiikillinen vastine venäläisen kirjailijan Leo Tolstoin eeposelle "Sota ja rauha". .

Mussorgski jäi maailman musiikkitaiteen historiaan loistavasti lahjakkaana innovatiivisena muusikkona. Hänen teoksensa tunnusomaisia ​​piirteitä ovat musiikin omaperäisyys, omaperäisyys, totuudenmukaisuus ja kansallisuus; ilmaisukyvyn ja figuratiivisuuden yhdistelmä, psykologinen oivallus, puheen ja laulun syntetisoivan musiikillisen kielen omaperäisyys; historiallisesti vakiintuneiden muotojen ja rationaalisten suunnitelmien hylkääminen elämän totuuden nimissä. Huolimatta P.I. Tšaikovskin huomautuksista, joka rakasti sisällyttää kriittisiin artikkeleihinsa epiteetin: "Dirt a la Mussorgsky".

Mussorgskin luovuuden huippu on hänen oopperansa. Vahvuudeltaan, totuudenmukaisuudeltaan, sekä yksittäisten kuvien että massojen ruumiillistumisen syvyyden, kypsän realismin, dramaturgian omaperäisyyden (hän ​​itse kirjoitti oopperoidensa libreton), kansallisvärisyyden, jännittävän draaman, musiikin ilmaisukeinojen uutuuden, mm. teoksilla "Boris Godunov" ja "Khovanshchina" ei ole vertaa maailman oopperamusiikissa. Mussorgskin työllä oli suuri vaikutus kotimaisten ja ulkomaisten oopperakulttuurien kehitykseen.

Mussorgskin lahjakkuuden täysi voima paljastettiin oopperassa "Boris Godunov", joka kirjoitettiin A. S. Pushkinin tragediaan vuonna 1869. Siinä Mussorgski osoitti itsensä musiikillisin ja dramaattisin keinoin kirjoitettujen psykologisten muotokuvien mestarina. Tsaari Boriksen draama välittyy musiikissa hämmästyttävällä voimalla paljastaen hänen traagisen ristiriitaisen kuvan, jollaista ei ole koskaan verrattu maailman oopperakirjallisuudessa. Historialliseen juoneeseen vetoaminen loi pohjan kansankuvien kehitykselle, joka esitettiin oopperassa ja "yhtenä messuna" kansankuoroissa ja yksittäisten ihmisten toimesta.

70-luvulla Mussorgski kääntyi jälleen Venäjän historiaan. Häntä vetivät puoleensa 1600-luvun lopun tapahtumat - Streltsyn mellakat ja skismaattiset liikkeet. Stasovin neuvosta säveltäjä aloitti vuonna 1872 työskentelyn oopperan "Khovanshchina" parissa. Mussorgski, jolla oli poikkeukselliset kirjalliset kyvyt, kirjoitti itse tämän oopperan libreton.

Nykyään ooppera on yhdistelmä kapellimestari, ohjaaja ja näytelmäkirjailijan taitoa ja taitoa ja suuryritystä. Oopperatalossa syntyy väistämättä taloudellisia ongelmia. Kaikki tämä johtaa siihen, että teatterinjohtajat eivät halua ottaa riskiä uuden, tuntemattoman teoksen näyttämisestä, joka ei voi taata edes puolitäytettyä salia. Lisäksi oopperassa käyvät katsojat ovat pääsääntöisesti perinteisen musiikin kannattajia ja mieluummin mieluummin vanhaa ja tuttua kuin jotain uutta, häiritsevää, häiritsevää.

Ja silti löydämme aina useita uusia oopperoita maailman ohjelmistosta. Nämä ovat tietysti useita Brittenin teoksia ja erityisesti Alban Bergin Wozzeck. Tämä ooppera on musiikillisesti paljon vallankumouksellisempi kuin mikään Brittenin oopperoista, vaikka se esitettiin ensimmäisen kerran jo vuonna 1925. Se on kirjoitettu atonaalisesti perinteisiä musiikkitekniikoita käyttäen. Oopperan libretto perustuu Georg Büchnerin samannimiseen näytelmään ja kertoo sorretun sotilaan onnettomuudesta, joka lopulta joutuu tappamaan vaimonsa. Teoksen musiikki on hyvin monimuotoista: sen vaihteluväli on musiikillista kudosta tuhoavista dissonansseista lempeisiin rauhoittaviin melodioihin. Laulajat joko laulavat, käyttävät sitten recitatiivia tai siirtyvät huutamaan. Ooppera oli alun perin vihamielinen, mutta nykyään Wozzeck on oopperan suosikki. Tämä teos houkuttelee aina täysiä katsojia, jotka tulevat jakamaan Bergin myötätuntoa hänen onnetonta sankariaan kohtaan.

"Wozzeck" on melodraama, ja nykyaikaiset musiikilliset keinot sopivat juuri tähän genreen. Suhteellisen äskettäin ilmestyi sellaisia ​​kuuluisia teoksia kuin Pendereckin "Devils from Luden" ja Ginasteran "Bomarzo". Penderecki on puolalainen, Ginastera argentiinalainen, ja heidän menestyksensä viittaa siihen, että nykyään oopperasäveltäjät eivät synny niinkään maihin, joissa on perinteisesti kehitetty ooppera, vaan maihin, joissa sitä ei ole koskaan kehitetty aidosti. Gian Carlo Menottia lukuun ottamatta (jopa hän vietti luovan elämänsä Amerikassa), harvat italialaiset nykysäveltäjät kirjoittivat oopperoita. Saksalaisista säveltäjistä voidaan nostaa esiin Hans Werner Henze, oopperan "The Bassarides" kirjoittaja - muinaisen kreikkalaisen legendan uusintakertomus sekä poliittinen satiiri "Kuinka me tulemme joelle" sen nerokkaalla eklektisellä yhteensovituksella. erilaisia ​​musiikkityylejä. Kaikista 1900-luvun oopperasäveltäjistä tuotteliain ja lahjakkain oli englantilainen Benjamin Britten (s. 1913). 30-vuotiaaksi asti hän ei edes ajatellut kirjoittaa oopperaa, mutta vuonna 1945 hän nousi Peter Grimesin kanssa oopperan Olympukseen, traagiseen tarinaan vahvasta miehestä, yksinäisestä kalastajasta Suffolkin rannikolta. Tragedian "Billy Budd" tapahtumapaikka on kuninkaallinen laivasto amiraali Nelsonin aikana, ja esiintyjät ovat täysin miehiä. Ooppera "Owen Wingrave" esitettiin ensimmäisen kerran televisiossa vuonna 1971, ja vasta sitten se esitettiin teatterissa.

Tippettin "Ice Strike" tapahtuu lentokentän loungessa ja musiikin lisäksi lentokoneet nousevat, torvet soivat ja kuulutuksia.

Oopperan musiikillisen dramaturgian kehitysmallit muodostuivat valtavan määrän tekijöiden vaikutuksesta. Tästä syystä oopperan lajien luokittelussa on monia vaihtoehtoja. Monet niistä ovat melko kiistanalaisia. Yleisin asiaankuuluvasta kirjallisuudesta löytyvä luokitusstandardi on kuitenkin:

varhainen ooppera (korreloi "vanhan musiikin" musiikkitieteellisen käsitteen kanssa);

koominen ooppera;

ooppera sarja;

lyyrinen ooppera (lyyriset kohtaukset, esimerkki: P. Tšaikovskin "Jevgeni Onegin");

suuri ooppera (mukaan lukien "kansanmusiikkidraama");

ooppera-oratorio (esimerkki: Charles Gounodin "Faustin tuomio")

nykyooppera (mukaan lukien zong-oopperat, pop-oopperat, rock-oopperat ja eklektisen modernin tyylin oopperateokset);

muut musiikki- ja draamatyypit.

"Muut genret" -kategoriaan voi jossain määrin kuulua operetin ja musikaalin eri osa-alueita, vaikka useimmissa musiikkitieteellisessä kirjallisuudessa nämä käsitteet on jaettu erilliselle luokittelutasolle, jolla on melko itsenäisiä musiikillisia ja dramaattisia kehitysmalleja.

K. Spence, "All about music", Minsk, Belfast, 1997.

B. Pokrovsky, "Keskustelut oopperasta", M., "Valaistuminen", 1981.

Kokoelma "Oopperalibretot", T.2, M., "Musiikki", 1985.

B. Tarakanov, "Musiikkiarvostelut", M., "Internet-REDI", 1998.

Internet-tietokannat "Soveltava musiikkitiede", "Musiikin historia" ja "Oopperalibretot".

Ooppera on eräänlainen musiikkidramaattinen
toimii perustuen
sanasynteesistä,
näyttämötoiminta ja
musiikkia. Verrattuna
draamateatterista
missä musiikki esiintyy
virallisissa tehtävissä oopperassa
hän on tärkein
toiminnan kantaja.
Oopperan kirjallinen perusta
on libretto,
alkuperäinen tai
perustuu kirjallisuuteen
tehdä työtä.

Ooppera 1800-luvulla

italialainen ooppera

ranskalainen ooppera

Säveltäjä Bizet

Säveltäjä Verdi