Edward Hopper työtä. Amerikkalaisen taiteilijan Edward Hopperin teosten näyttelyn valaistus

Edward Hopper (Edward Hopper) taidehistorioitsijat antavat erilaisia ​​nimiä. "Tyhjien tilojen taiteilija", "ajan runoilija", "synkkä sosialistinen realisti". Mutta minkä nimen valitsetkin, se ei muuta olemusta: Hopper on yksi amerikkalaisen maalauksen kirkkaimmista edustajista, jonka työ ei voi jättää ketään välinpitämättömäksi.

Huoltoasema, 1940

Amerikkalainen luova menetelmä muotoutui suuren laman aikana Yhdysvalloissa. Eri Hopperin töiden tutkijat löytävät hänen teoksistaan ​​kaikuja kirjailijoiden Tennessee Williamsin, Theodore Dreiserin, Robert Frostin, Jerome Salingerin, taiteilijoiden DeKirkon ja Delvon kanssa, myöhemmin he alkavat nähdä hänen työnsä heijastusta Davidin elokuvateoksissa. Lynch...

Ei tiedetä varmasti, onko millään näistä vertailuista todellista pohjaa, mutta yksi asia on selvä: Edward Hopper onnistui hyvin hienovaraisesti kuvaamaan ajan henkeä, välittäen sen sankarien asennoissa, kankaidensa tyhjissä tiloissa. , ainutlaatuisessa värimaailmassa.

Tätä kutsutaan maagisen realismin edustajiksi. Hänen hahmonsa, ympäristö, johon hän sijoittaa heidät, on todellakin arkipäivän kannalta yksinkertaista. Siitä huolimatta hänen kankaansa heijastavat aina jonkinlaista aliarviointia, heijastavat aina piilotettua konfliktia, synnyttävät erilaisia ​​​​tulkintoja. Joskus järjettömyyteen asti. Esimerkiksi hänen maalauksensa "Yökonferenssi" keräilijä palautti myyjälle, koska hän näki siinä piilotetun kommunistisen salaliiton.

Iltakokous, 1949

Hopperin kuuluisin maalaus on Yökyöpelit. Kerran sen jäljennös roikkui melkein jokaisen amerikkalaisen teini-ikäisen huoneessa. Kuvan juoni on äärimmäisen yksinkertainen: yökahvilan ikkunassa baaritiskillä istuu kolme vierailijaa, joita palvelee baarimikko. Vaikuttaa siltä, ​​​​että ei mitään ihmeellistä, mutta jokainen, joka katsoo amerikkalaisen taiteilijan kuvaa, tuntee melkein fyysisesti suuren kaupungin ihmisen yksinäisyyden transsendenttisen, kipeän tunteen.

Midnighters, 1942

Hopperin maaginen realismi ei hyväksynyt hänen aikalaisensa tuolloin. Yleinen suuntaus kohti "kiinnostavampia" menetelmiä - kubismia, surrealismia, abstraktionismia - hänen maalauksensa näyttivät tylsiltä ja ilmaisuttomia.
"He eivät koskaan ymmärrä Hopper sanoi, että taiteilijan omaperäisyys ei ole muodikas menetelmä. Tämä on hänen persoonallisuutensa kvintesenssi."

Nykyään hänen töitään ei pidetä vain virstanpylvänä amerikkalaisessa kuvataiteessa, vaan kollektiivisena kuvana, aikansa henki. Yksi hänen elämäkerraistaan ​​kirjoitti kerran: "Jälkeläiset oppivat siitä ajasta enemmän Edward Hopperin maalauksista kuin mistään oppikirjasta." Ja ehkä hän on tietyssä mielessä oikeassa.

Hopper, Edward (1882 - 1967)

Hopper, Edward

Edward Hopper syntyi 22. heinäkuuta 1882. Hän oli Garret Henry Hopperin ja Elizabeth Griffith Smithin toinen lapsi. Avioliiton jälkeen nuori pari asettuu Nyackiin, pieneen mutta vauraaseen satamaan lähellä New Yorkia, lähellä Elizabethin leskiäitiä. Siellä baptistipariskunta Hoppers kasvattaa lapsensa: vuonna 1880 syntyneen Marionin ja Edwardin. Joko luonteen luonnollisen taipumuksen tai tiukan kasvatuksen vuoksi Edward kasvaa hiljaiseksi ja vetäytyneeksi. Aina kun mahdollista, hän jää mieluummin eläkkeelle.

Taiteilijan lapsuus

Vanhemmat ja erityisesti äiti pyrkivät antamaan lapsilleen hyvän koulutuksen. Yrittäessään kehittää lastensa luovia kykyjä Elizabeth upottaa heidät kirjojen, teatterin ja taiteen maailmaan. Sen avulla järjestettiin teatteriesityksiä ja kulttuurikeskusteluja. Veli ja sisar viettivät paljon aikaa isänsä kirjastossa lukemiseen. Edward tutustuu amerikkalaisten klassikoiden teoksiin, lukee venäläisten ja ranskalaisten kirjailijoiden kääntämiä.

Nuori Hopper alkoi hyvin varhain kiinnostua maalaamisesta ja piirtämisestä. Hän koulutti itsensä kopioimalla Phil Mayn ja ranskalaisen piirtäjän Gustave Dorén (1832-1883) kuvituksia. Edward on ensimmäisten itsenäisten teosten kirjoittaja 10-vuotiaana.

Poika ihailee kukkulalla sijaitsevan kotitalonsa ikkunoista Hudsonin lahdella kelluvia laivoja ja purjeveneitä. Merimaisema pysyy hänelle inspiraation lähteenä koko loppuelämänsä - taiteilija ei koskaan unohda näkymää Yhdysvaltain itärannikolle, palaten siihen usein teoksissaan. 15-vuotiaana hän rakentaa omin käsin purjeveneen isänsä toimittamista osista.

Opiskeltuaan yksityisessä koulussa Edward tuli Nyack High Schooliin ja valmistui vuonna 1899. Hopper on seitsemäntoistavuotias, ja hänellä on yksi palava halu - tulla taiteilijaksi. Vanhemmat, jotka ovat aina tukeneet poikansa luovia pyrkimyksiä, ovat jopa tyytyväisiä hänen päätökseensä. He suosittelevat aloittamista graafisesta taiteesta tai vielä parempaa piirtämisestä. Heidän neuvonsa mukaisesti Hopper ilmoittautui ensin New Yorkin Correspondence School of Illustrationiin kouluttautumaan kuvittajaksi. Sitten vuonna 1900 hän astui New York School of Art -kouluun, jota kutsuttiin yleisesti Chase Schooliksi, jossa hän opiskeli vuoteen 1906 asti. Hänen opettajakseen siellä tulee olemaan professori Robert Henry (1865-1929), taidemaalari, jonka töitä hallitsivat muotokuvat. Edward oli ahkera oppilas. Lahjakkuutensa ansiosta hän sai monia stipendejä ja palkintoja. Vuonna 1904 The Sketch -kirja julkaisi artikkelin Chase Schoolin toiminnasta. Tekstiä havainnollistettiin Hopperin mallia kuvaavalla teoksella. Taiteilijan on kuitenkin odotettava vielä monta vuotta ennen kuin hän maistaa menestystä ja mainetta.

Pariisin vastustamaton viehätys

Vuonna 1906 koulun päätyttyä Hopper sai työpaikan C.C. Philips and Companyn mainostoimistossa. Tämä tuottoisa asema ei tyydytä hänen luovia tavoitteitaan, mutta antaa hänelle mahdollisuuden ruokkia itseään. Saman vuoden lokakuussa taiteilija päättää opettajansa neuvosta vierailla Pariisissa. Degasin, Manet'n, Rembrandtin ja Goyan suuri ihailija Robert Henri lähettää Hopperin Eurooppaan rikastuttamaan vaikutelmavarastoaan ja tutustumaan eurooppalaiseen taiteeseen yksityiskohtaisesti.

Hopper viipyi Pariisissa elokuuhun 1907 asti. Se soveltuu välittömästi Ranskan pääkaupungin viehätysvoimaan. Taiteilija kirjoitti myöhemmin: "Pariisi on kaunis, tyylikäs kaupunki ja jopa liian kunnollinen ja rauhallinen verrattuna hirveän meluiseen New Yorkiin." Edward Hopper on kaksikymmentävuotias, ja hän jatkaa opintojaan Euroopan mantereella vieraillessaan museoissa, gallerioissa ja taidesalongeissa. Ennen kuin hän palasi New Yorkiin 21. elokuuta 1907, hän tekee useita matkoja Euroopan halki. Ensin taiteilija saapuu Lontooseen, jonka hän muistaa "surullisena ja surullisena" kaupunkina; siellä hän tutustuu Turnerin teoksiin Kansallisgalleriassa. Sitten Hopper menee Amsterdamiin ja Harlemiin, missä hän löytää jännityksellä Vermeerin, Halsin ja Rembrandtin. Lopuksi hän vierailee Berliinissä ja Brysselissä.

Palattuaan kotikaupunkiinsa Hopper työskentelee jälleen kuvittajana, ja vuotta myöhemmin hän menee Pariisiin. Tällä kertaa hän saa loputtoman nautinnon ulkoilmassa työskentelemisestä. Impressionistien jalanjäljissä hän maalaa Seinen rannat Charentonissa ja Saint-Cloudissa. Ranskaan juurtunut huono sää pakottaa Hopperin lopettamaan matkansa. Hän palasi New Yorkiin, missä elokuussa 1909 hän esitteli maalauksiaan ensimmäistä kertaa osana itsenäisten taiteilijoiden näyttelyä, joka järjestettiin John Sloanin (1871-1951) ja Robert Henryn avustuksella. Luovien saavutustensa innoittamana Hopper vieraili Euroopassa viimeisen kerran vuonna 1910. Taiteilija viettää muutaman toukokuun viikon Pariisissa ja matkustaa sitten Madridiin. Siellä härkätaistelu tekee häneen enemmän vaikutuksen kuin espanjalaiset taiteilijat, joista hän ei mainitse sanaakaan myöhemmin. Ennen paluutaan New Yorkiin Hopper oleskelee Toledossa, jota hän kuvailee "ihanaksi vanhaksi kaupungiksi". Taiteilija ei tule koskaan enää Eurooppaan, mutta hän pysyy vaikuttuneena näistä matkoista pitkään ja myöntää myöhemmin: "Tämän paluun jälkeen kaikki näytti minusta liian tavalliselta ja kauhealta."

Vaikea aloitus

Paluu amerikkalaiseen todellisuuteen on vaikeaa. Hopperilla on epätoivoisesti pulaa varoista. Tukahduttaakseen vastenmielisyytensä kuvittajan työtä kohtaan, pakko ansaita elantonsa, taiteilija palaa siihen uudelleen. Hän työskentelee mainonnassa ja aikakauslehdissä, kuten Sandy Megezine, Metropolitan Megezine ja System: Megezine of Business. Hopper omistaa kuitenkin jokaisen vapaan minuutin maalaamiseen. "En koskaan halunnut tehdä töitä enempää kuin kolme päivää viikossa", hän sanoi myöhemmin. "Sästin aikaa luovuudelleni, kuvitus masensi minua."

Hopper jatkaa maalaamista, joka on edelleen hänen todellinen intohimonsa. Mutta menestys ei koskaan tule. Vuonna 1912 taiteilija esittelee pariisilaisia ​​maalauksiaan yhteisnäyttelyssä McDowell Clubissa New Yorkissa (tästä lähtien hän tulee olemaan täällä säännöllisesti, vuoteen 1918 asti). Hopper viettää lomansa Gloucesterissa, pienessä kaupungissa Massachusettsin rannikolla. Ystävänsä Leon Krollin seurassa hän palaa lapsuuden muistoihin piirtäen merta ja laivoja, jotka aina lumoavat häntä.

Vuonna 1913 taiteilijan ponnistelut alkavat vihdoin kantaa hedelmää. Kansallisen vaalilautakunnan kutsuma osallistua New York Armory Show -näyttelyyn helmikuussa, Hopper myy ensimmäisen maalauksensa. Menestyksen euforia haihtuu nopeasti, sillä muut eivät seuraa tätä myyntiä. Joulukuussa taiteilija asettuu osoitteeseen 3 Washington Square North, New York, jossa hän asuu yli puoli vuosisataa kuolemaansa asti.

Seuraavat vuodet olivat taiteilijalle erittäin vaikeita. Hän ei pysty elämään maalausten myynnistä saaduilla tuloilla. Siksi Hopper jatkoi kuvituksen harjoittamista usein vähäisellä palkalla. Vuonna 1915 Hopper esitteli kahta kankaansa, mukaan lukien Blue Eveningin, McDowell Clubilla, ja kriitikot huomasivat hänet lopulta. Hän kuitenkin odottaa henkilökohtaisen näyttelynsä, joka pidetään Whitney Studio Clubissa, helmikuuhun 1920 asti. Tuolloin Hopper oli 37-vuotias.

Maalauksen menestyksen rohkaisemana taiteilija kokeilee muita tekniikoita. Yksi hänen etsauksistaan ​​saa monia erilaisia ​​palkintoja vuonna 1923. Hopper kokeilee myös akvarellimaalausta.

Taiteilija viettää kesänsä Gloucesterissa, missä hän lakkaa maalaamasta maisemia ja arkkitehtuuria. Hän työskentelee suurella nousulla, häntä ohjaa rakkaus. Josephine Versteel Nivison, jonka taiteilija tapasi ensimmäisen kerran New Yorkin kuvataideakatemiassa, viettää lomansa samalla alueella ja valloittaa taiteilijan sydämen.

Lopulta tunnustus!

Josephine epäilee Hopperin suurta lahjakkuutta ja inspiroi häntä osallistumaan näyttelyyn Brooklyn Museumissa. Taiteilijan siellä esittämät vesivärit tuovat hänelle huomattavaa menestystä, ja Hopper nauttii kasvavasta tunnustuksesta. Heidän romanssinsa Joen kanssa kehittyy, he löytävät yhä enemmän yhteistä säveltä. Molemmat rakastavat teatteria, runoutta, matkustamista ja Eurooppaa. Hopper erottuu tänä aikana yksinkertaisesti kyltymättömästä uteliaisuudesta. Hän rakastaa amerikkalaista ja ulkomaista kirjallisuutta ja osaa jopa lausua Goethen runoja ulkoa alkuperäiskielellä. Joskus hän kirjoittaa kirjeensä rakkaalleen Jolle ranskaksi. Hopper on elokuvan, erityisesti mustavalkoisen amerikkalaisen elokuvan, suuri tuntija, jonka vaikutus näkyy selvästi hänen työssään. Kiehtovana tämä hiljainen ja rauhallinen mies, jolla on miellyttävä ulkonäkö ja älykkäät silmät, energinen ja täynnä elämää Jo menee naimisiin Edward Hopperin kanssa 9. heinäkuuta 1924. Häät pidettiin Greenwich Villagen evankelikaalisessa kirkossa.

Vuosi 1924 on taiteilijalle menestyksen vuosi. Häiden jälkeen onnellinen Hopper esittelee akvarelleja Frank Ren Galleryssä. Kaikki teokset myytiin loppuun heti näyttelystä lähtien. Tunnustusta odottanut Hopper voi vihdoinkin lopettaa hampaisiinsa saaneen kuvittajan työn ja tehdä suosikkityötään.

Hopperista on nopeasti tulossa "muodikas" taiteilija. Nyt hän voi "maksaa laskut". Hänet valittiin National Academy of Designin jäseneksi, mutta hän kieltäytyy hyväksymästä tätä arvonimeä, koska aiemmin Akatemia ei hyväksynyt hänen töitään. Taiteilija ei unohda niitä, jotka loukkasivat häntä, aivan kuten hän muistaa kiitollisuudella niitä, jotka auttoivat ja luottivat häneen. Hopper tulee olemaan "uskollinen" Frank Ren Gelerylle ja Whitney Museumille koko ikänsä, joille hän testamentaa teoksensa.

Tunnustuksen ja kunnian vuosia

Vuoden 1925 jälkeen Hopperin elämä vakiintui. Taiteilija asuu New Yorkissa ja viettää joka kesä Uuden-Englannin rannikolla. Marraskuun alussa 1933 New Yorkin modernin taiteen museo isännöi hänen teostensa ensimmäistä retrospektiivinäyttelyä. Seuraavana vuonna Hopperit rakentavat Truro Sauceen työpajatalon, jossa he viettävät lomansa. Taiteilija kutsuu taloa leikkimielisesti "kanakopiksi".

Puolisoiden kiintymys tähän taloon ei kuitenkaan estä heitä matkustamasta. Kun Hopperilta puuttuu luovaa inspiraatiota, pariskunta lähtee maailmalle. Joten vuosina 1943-1955 he vierailevat Meksikossa viisi kertaa ja viettävät myös pitkän aikaa matkustaessaan ympäri Yhdysvaltoja. Vuonna 1941 he ajavat puolen Amerikan halki vieraillessaan Coloradossa, Utahissa, Nevadan autiomaassa, Kaliforniassa ja Wyomingissa.

Edward ja Joe elävät esimerkillisesti ja täydellisessä sopusoinnussa keskenään, mutta jonkinlainen kilpailu heittää varjon heidän liittoonsa. Jo, joka oli myös taiteilija, kärsii hiljaa miehensä maineen varjossa. 30-luvun alusta lähtien Edwardista on tullut maailmankuulu taiteilija; hänen näyttelyidensä määrä kasvaa, eivätkä monet palkinnot ja palkinnot ohita häntä. Hopper valittiin National Institute of Arts and Letters -instituuttiin vuonna 1945. Tämä laitos myönsi hänelle vuonna 1955 kultamitalin maalausalan palveluista. Toinen Hopperin maalausten retrospektiivi tapahtuu Whitney Museum of American Artissa vuonna 1950 (tämä museo isännöi taiteilijaa vielä kahdesti: vuosina 1964 ja 1970). Vuonna 1952 Hopper ja kolme muuta taiteilijaa valittiin edustamaan Yhdysvaltoja Venetsian biennaalissa. Vuonna 1953 Hopper osallistuu muiden taiteilijoiden - figuratiivisen maalauksen edustajien kanssa - arvostelun "Reality" muokkaamiseen. Hän käyttää tilaisuutta hyväkseen ja protestoi abstraktien taiteilijoiden valta-asemaa vastaan ​​Whitney Museumin seinien sisällä.

Vuonna 1964 Hopper alkaa sairastua. Taiteilija on kahdeksankymmentäkaksi vuotta vanha. Huolimatta vaikeuksista, joita maalaus hänelle annetaan, hän luo vuonna 1965 kaksi teosta, joista tuli viimeinen. Nämä kuvat on maalattu tänä vuonna kuolleen sisaren muistoksi. Edward Hopper kuolee 15. toukokuuta 1967 85-vuotiaana Washington Squaren studiossaan. Vähän ennen sitä hän sai kansainvälistä tunnustusta amerikkalaisen maalauksen edustajana Sao Paulon biennaalissa. Edward Hopperin koko luovan perinnön siirron Whitney-museoon, jossa suurin osa hänen teoksistaan ​​on nykyään nähtävillä, toteuttaa taiteilijan vaimo Jo, joka jättää tämän maailman vuoden hänen jälkeensä.

Amerikkalainen taiteilija Edward Hopper on joidenkin mielestä urbanisti, toiset maagisen realismin edustajana ja toiset poptaiteen edelläkävijänä. Hopperin työn fanit kutsuvat häntä innokkaasti "uneksijaksi ilman illuusioita" ja "tyhjien tilojen runoilijaksi". Kaikkia mielipiteitä yhdistää Hopperin dramaattinen kangas nimeltä "Night Owls". Se on tunnistettavissa Leonardo Da Vincin Mona Lisana, Edvard Munchin The Screamina tai Coolidge's Dogs Playing Pokerina. Tämän teoksen uskomaton suosio on nostanut hänet popkulttuurin ikonien joukkoon.

(Edward Hopper, 1882-1967) oli 1900-luvun amerikkalaisen genremaalauksen näkyvä edustaja. Ja vaikka juuri tänä aikana syntyi uusia taiteen suuntauksia, hän pysyi välinpitämättömänä kollegoidensa avantgardistisia muutoksia ja kokeiluja kohtaan. Muodin tahdissa pysyneet aikalaiset pitivät kubismista, surrealismista ja abstraktista taiteesta, ja Hopperin maalausta pidettiin tylsänä ja konservatiivisena. Edward kärsi, mutta ei muuttanut ihanteitaan: " Kuinka he eivät voi ymmärtää: taiteilijan omaperäisyys ei ole kekseliäisyyttä eikä menetelmää, varsinkaan ei muodissa olevaa menetelmää, se on persoonallisuuden kvintessenssi ».

Ja Edward Hopperin persoonallisuus oli hyvin monimutkainen. Ja hyvin suljettu. Ja siinä määrin, että hänen kuolemansa jälkeen ehkä ainoa tietolähde hänen elämästään ja luonteestaan ​​oli hänen vaimonsa päiväkirja. Yhdessä haastattelussa hän sanoi:

Eräänä päivänä New Yorker -lehden työntekijä yritti kirjoittaa esseen Edwardin elämästä. Ja en voinut. Ei ollut materiaalia. Ei mitään kirjoitettavaa. Vain minä pystyin kirjoittamaan hänen todellisen elämäkertansa. Ja se olisi puhdasta Dostojevskiä« .

Joten hän oli lapsuudesta, vaikka poika varttui hyvässä perheessä lyhyttavaraliikkeen omistajan Nyackin kaupungissa (New York). Taide ei ollut perheelle vieras: viikonloppuisin isä, äiti ja lapset tulivat joskus New Yorkiin vierailemaan taidenäyttelyissä tai teatterissa. Poika kirjoitti salaa vaikutelmansa paksuun vihkoon. Siellä oli paljon asioita piilossa aikuisilta. Erityisesti hänen kokemuksensa ja katkeruutensa, kun hän 12-vuotiaana yhtäkkiä kasvoi 30 cm kesän aikana ja alkoi näyttää hirveän kömpelöltä ja laihalta. Luokkatoverit pilkkasivat ja kiusoittivat häntä joka käänteessä tästä. Ehkä tämän valitettavan tapauksen johdosta Edward Hopper säilytti ikuisesti tuskallisen ujouden, eristäytymisen ja hiljaisuuden. Hänen vaimonsa kirjoitti päiväkirjaansa: Edille sanominen on kuin kiven heittämistä pohjattomaan kaivoon. Ei kuule roiskeita «.

Luonnollisesti tämä heijastui hänen maalaustensa tyyliin. Hopper maalasi mielellään elottomia sisätiloja ja aavikkomaisemia: rautatien umpikujia, jotka johtavat minnekään, autio kahviloita, joista yksinäisyys tulee läpi. Ikkuna-aukot olivat hänen työnsä jatkuva leitmotiivi. Taiteilija ikään kuin etsi ulospääsyä suljetusta maailmastaan. Tai ehkä hän avasi salaa sisäänkäynnin itselleen: ikkunoista huoneisiin putoava auringonvalo lämmitti hieman Hopperin askeettisten maalausten kylmää. Voimme sanoa, että hänen synkkien maisemiensa ja sisätilojensa taustalla auringonsäteet hänen kankaillaan ilmentävät täsmälleen metaforaa. valonsäde pimeässä valtakunnassa «.

Mutta enimmäkseen Hopper kuvasi yksinäisyyttä maalauksissaan. Hopperin tasaiset auringonlaskut, kadut ja talot ovat yksinäisiä. Hänen kankailleen kuvatut parit näyttävät yhtä yksinäisiltä, ​​varsinkin pariskunnat. Keskinäinen tyytymättömyys ja vieraantuminen miehen ja naisen välillä on Edward Hopperin jatkuva teema.

Teemalla oli erittäin tärkeä perusta: neljäntenäkymmenentenä elämävuotena Hopper meni naimisiin ikätoverinsa Josephine Nivisonin kanssa, jonka hän oli tuntenut New Yorkin taidekoulusta lähtien. He pyörivät samoissa piireissä, heitä yhdistävät samat kiinnostuksen kohteet, heillä oli samanlaiset näkemykset monista asioista. Mutta heidän perhe-elämänsä oli täynnä kaikenlaisia ​​riitoja ja skandaaleja, jotka joskus ulottuivat taisteluihin. Vaimon päiväkirjan mukaan töykeä aviomies oli syypää kaikkeen. Samaan aikaan tuttavien muistojen mukaan on selvää, että Jo itse oli kaukana perheen tulisijan pitäjän ihanteesta. Esimerkiksi kun eräänä päivänä hänen taiteilijaystävänsä kysyivät häneltä: " Mikä on Edwardin lempiruoka??" hän sanoi ylimielisesti, " Etkö usko, että meidän piirissämme on liian paljon herkullista ruokaa ja liian vähän hyvää maalausta? Suosikkiruokamme on ystävällinen purkki haudutettuja papuja.«.

Hopperin maalaukset pariskunnista kuvaavat selvästi hänen ja vaimonsa suhteen tragediaa. He elivät kärsien ja kidutellen toisiaan, ja samalla he olivat erottamattomia. Heitä yhdisti rakkaus ranskalaista runoutta, maalausta, teatteria ja elokuvaa kohtaan - tämä riitti heille pysyäkseen yhdessä. Josephine oli jopa muusa ja Edwardin maalausten päämalli vuoden 1923 jälkeen. Parissa myöhäisessä ruokalassa vieraassa, joka on kuvattu maalauksessaan "Yököllöt", kirjailija esitti jälleen selkeästi itsensä ja vaimonsa, vierekkäin istuvan miehen ja naisen vieraantuminen on niin ilmeistä.

Sattumalta se on kuva "Keskiyöt" siitä tuli kulttitaideteos Yhdysvalloissa. (Alkuperäisessä sen nimi on " Nighthawks", joka voidaan kääntää myös " pöllöt"). Edward Hopper maalasi Yökyöpelit vuonna 1942, juuri Pearl Harbor -hyökkäyksen jälkeen. Tapahtuma aiheutti sorron ja ahdistuksen tunteen kaikkialla Amerikassa. Tämä selitti Hopperin kankaan synkän, hajanaisen tunnelman, jossa ravintolan vierailijat ovat yksinäisiä ja mietteliäitä, autiota katua valaisee näyteikkunan hämärä valo ja eloton talo toimii kaiken taustana. Kirjoittaja kuitenkin kielsi halunneensa ilmaista jonkinlaista masennusta. Hänen sanojensa mukaan hän ehkä alitajuisesti kuvattu yksinäisyyttä suurkaupungissa ».

Joka tapauksessa Hopperin keskiyön kahvila on kriittinen poikkeama hänen kollegoidensa esittämistä kaupungin kahviloista. Yleensä näissä laitoksissa oli aina ja kaikkialla romantiikkaa ja rakkautta. Vincent van Gogh, joka kuvaa yökahvilaa Arlesissa, ei käyttänyt mustaa maalia ollenkaan, hänen kansansa istuvat avoimella terassilla, ja taivas on kuin kukkakenttä täynnä tähtiä.

Onko mahdollista verrata hänen kirjava palettiaan Hopperin värien viileyteen ja niukkaisuuteen? Ja kuitenkin katsomalla maalausta "Yöpöllöt" käy selväksi, että Hopperin kirjoitusten korostetun ytimeyden takana piilee ilmeisyyden kuilu. Hänen hiljaiset, omiin ajatuksiinsa uppoavat hahmonsa näyttävät osallistuvan draamaan lavalla, joka on täynnä tappavaa fluoresoivaa valoa. Katsojaan vaikuttavat hypnoottisesti rinnakkaisten linjojen geometria, naapurirakennuksen elottomien ikkunoiden yhtenäinen rytmi, jota kaikuvat baaritiskin varrella olevat istuimet, massiivisten kiviseinien ja läpinäkyvän hauraan lasin kontrasti, jonka takana hahmot neljästä ihmisestä pakeni valosaarelle... Näyttää siltä, ​​että kirjoittaja lukitsi heidät tarkoituksella tänne, piiloutuen kadun välinpitämättömältä pimeydeltä - tarkkaan katsottuna huomaa, ettei huoneesta ole ainuttakaan näkyvää uloskäyntiä.

Maalaus "Yökyöpelit" sillä oli suuri vaikutus amerikkalaiseen kulttuuriin. Postmodernistit ovat käyttäneet maalausta lukemattomiin parodisiin versioihin, jotka perustuvat kirjallisuuteen, elokuviin ja maalaukseen.

Viittauksia ja parodioita tähän Edward Hopperin teokseen löytyy monista maalauksista, elokuvista, kirjoista ja lauluista. Tom Waits nimesi yhden albumeistaan ​​" Nighthawks at the Diner» — « Keskiyöt ruokalassa". Tämä kangas on yksi ohjaaja David Lynchin suosikkiteoksista. Se vaikutti myös kaupungin ulkonäköön Ridley Scottin "Blade Runner" -elokuvassa.

Yökyöpeleiden inspiroima itävaltalainen taiteilija Gottfried Helnwein teki kuuluisan remake-nimisen " Särkyneiden unelmien bulevardi ". Kasvottomien hahmojen sijaan hän asetti neljä julkkista yksinäisyyden kosmiseen tyhjyyteen - Marilyn Monroen, Humphrey Bogartin, Elvis Presleyn ja James Deanin. Näin vihjailee kuinka järjettömästi heidän elämänsä ja kykynsä ovat uppoaneet tyhjyyteen ennenaikaisesti: Presley kuoli alkoholin ja huumeiden pitkäaikaisen käytön ja väärinkäytön seurauksena; Marilyn kuoli masennuslääkkeiden yliannostukseen; Bogartin kuolema johtui myös alkoholin väärinkäytöstä, ja James Dean kuoli traagisessa auto-onnettomuudessa.

Muut huijausremake-kirjoittajat ovat käyttäneet Yhdysvaltain ikonisia teoksia eri taiteen aloilta. Ensinnäkin suosituin - amerikkalainen elokuva, jossa on kuuluisia hahmoja, sarjakuvien supersankareita ja tarinoita, jotka tunnetaan koko maailmalle. Mustavalkoisen film noirin synkkä tyyli sopi täydellisesti Hopperin maalauksen tunnelmaan ( film noir ).

Katso varmuuden vuoksi "leikkaus" 40-luvun noir-elokuvien kehyksistä, jotka korvataan kappaleella " Särkyneiden unelmien bulevardi ". (Vuonna 2005 Punk Green Day -ryhmän jäsenet ilmoittivat, että heidän toinen singlensä sai tämän nimen ja siihen liittyvät julisteet suoraan Hopperin maalauksen vaikutuksesta).

Ironista kyllä, uusintaversioita soitettiin monilla muilla Hollywoodin fetissillä.

Useat suositut ohjelmat ja sarjat eivät välttyneet kohtalolta muuttua Hopperin maalausten parodiaversioiksi.

Tietysti parodioissa leikittiin kahvilan suljettua tilaa, jota tekijä korosti kuvassaan.

Ja kuvan kylmät sävyt ja paletin askeettisuus saivat monet jokerit liittymään ulkoavaruuteen.

Myös kaikenlaiset amerikkalaiset kaupunkimaiseman kliseet olivat käytössä.

No, siellä, missä on yökatu eikä poliiseja ole lähellä, on aivan loogista, että katugrafitikiusaaja Banksy saattaa ilmaantua, mutta täällä hän heittelee muovituoleja kahvilan ikkunaan.

Voit silti antaa satoja esimerkkejä Edward Hopperin maalausten ironisista uusioversioista, jotka on tehty kaikenlaisista aiheista. Tämä on yksi yleisimmistä Internet-meemeistä. Ja tällainen hedelmällisyys vain vahvistaa, että todelliset mestariteokset eivät ole ajan alaisia.

Lapsuudesta lähtien piirtämiseen vetänyt Edward meni ensin New Yorkiin, jossa hän opiskeli mainostaiteilijoiden kursseilla, minkä jälkeen hän meni opiskeltuaan Robert Henryn koulussa itsenäisten taiteilijoiden Mekkaan - Pariisiin. Ja tämä ei ole vain elämäkertainen muistiinpano, kaikki edellä mainitut vaikuttavat suuresti Hopperin ainutlaatuisen tyylin muodostumiseen.

Hinaaja Boulevard Saint-Michelillä (1907)

Mestarin varhaiset maalaukset perivät impressionistit sekä juoniltaan että tyylillisesti. Nuoren taiteilijan halu matkia kaikkia peräkkäin on havaittavissa: Degasista ja Van Goghista Monetiin ja Pissarroon. "Summer Interior" (1909), "Bistro" (1909), "Hinaaja Boulevard Saint-Michelillä" (1907), "Seinen laakso" (1908) - nämä ovat maalauksia, joissa on selkeä "eurooppalainen" jälkimaku, joka Hopper pääsee eroon itsestään kymmeneksi vuodeksi. Näitä teoksia voidaan kutsua hienoiksi ja melko lahjakkaiksi, mutta ne eivät määrittäneet taiteilijan menestystä, vaikka ne hahmottelivat hänen pääteemojaan.

Hopper on kaupunkitaiteilija, valtaosa hänen maalauksistaan ​​on omistettu kaupunkielämälle ja kansalaisille, maalaistalot ovat harvinaisempia ja puhtaat maisemat ovat niin harvinaisia, että ne voidaan laskea sormilla. Kuten muuten ihmisten muotokuvia. Mutta "muotokuvia" taloista löytyy säännöllisesti Hopperista, varsinkin 20-luvulla, muun muassa "Talbot's House" (1928), "Captain Killy's House" (1931), "House by the Railroad" (1925). Jos puhumme rakennuksista, niin mestarilla on usein kuvia majakoista: "Kukkula majakan kanssa", "Majakka ja talot", "Kapteeni Uptonin talo" (jälkimmäinen myös samanaikaisesti ja "muotokuva"), kaikki vuodelta 1927.

Kapteeni Upton House (1927)

Ranskalainen vaikutus näkyy rakkaudessa kabareeiden, teatterien, bistrojen, ravintoloiden imagoon ("Omistaja", "Pöydät naisille", "New York Cinema", "New York Restaurant", "Sheridan Theatre", "Kaksi Parterressa", "Automaattinen", "Kiinalainen muhennos", "Strippari") suurin osa näistä tarinoista osuu 30-luvulle, mutta Hopper ei lopeta niiden kirjoittamista kuolemaansa asti, joka tapahtui 60-luvun puolivälissä ("Kaksi" Koomikot", "Tauko").

Kuitenkin jo paikannimien muutoksesta voi aavistaa Hopperin eurooppalaisen taiteellisen perinteen keskittymisen muutoksesta, jonka tilalle tuli "Trashcan School", jonka järjesti Hopperin entinen mentori Robert Henry. Bucketmen olivat eräänlaisia ​​aikaan mukautettuja amerikkalaisia ​​vaeltajia, jotka maalasivat kaupunkien köyhiä.

American Village (1912)

Ryhmän toiminta oli melko lyhytaikaista, mutta oletettavasti juuri silloin Edwardin sieluun upposi eräänlainen "maaperä", johon hän juurtui 30-luvun alusta, "laulaen" amerikkalaista. elämää. Tämä ei tapahdu heti - "American Village" (1912), joka on kuvattu Pissarrolle ominaisesta kulmasta, puolityhjä katu viereen maalauksia kuten "Yonkers" vuodelta 1916, joissa on edelleenkin impressionistinen viehätys.

Ymmärtääksesi kuinka usein ja radikaalisti Hopper muutti lähestymistapaansa, voit tarkastella kahta maalausta: "Manhattan Bridge" (1926) ja "Manhattan Bridge Loop" (1928). Kankaasien välinen ero kiinnittää kokemattomimman katsojan huomion.

Manhattan Bridge (1926) ja Manhattan Bridge Loop (1928)

Modernia, impressionismia, uusklassismia, amerikkalaista realismia... jos laskee yhteen taiteilijan kokeellisimmat teokset, harva uskoo, että ne ovat yhden henkilön maalaamia, ne eroavat niin paljon toisistaan. Jopa saavutettuaan suosiota "Midnightersin" kanssa, Hopper on jatkuvasti hajamielinen haparoidusta suonesta maalauksiin, kuten "Joe in Wyoming" (1946), joka näyttää epätavallisen näkymän mestarista - auton sisältä.

Kuljetuksen aihe ei muuten ollut taiteilijalle vieras: hän maalasi junia ("Locomotive D. & R. G.", 1925), autoja ("Railway stock", 1908), tieristeyksiä ("Railway Sunset", 1929). ) ja jopa kiskot, joten ne ovat ehkä tärkein elementti maalauksessa "The House by the Railroad" (1925). Joskus saattaa vaikuttaa siltä, ​​että edistyksen koneet herättivät Hopperissa enemmän sympatiaa kuin ihmiset - niissä taiteilija on hajallaan skemaattisuudesta, yksityiskohtia säästämättä.

Railway Sunset (1929)

Kun katselee suurta määrää Hopperin "varhaisia" töitä, syntyy sellainen vaikutelma, että hän joko halusi maalata täysin eri tavoilla tai ei tiennyt ollenkaan, miten halusi maalata. Tästä syystä monet tuntevat taiteilijan noin kahdenkymmenen helposti luettavaan Hopper-tyyliin kirjoitetun, tunnistettavan kankaan kirjoittajaksi, ja kaikki muut työt jäävät epäreilusti piiloon.

Joten mikä hän on, "klassinen" Hopper?

Yöikkunoita (1928) voidaan pitää yhtenä ensimmäisistä todella Hopperin maalauksista. Vaikka motiivi tytöstä, joka on huoneessaan ikkunan luona, voidaan jäljittää teoksesta "Summer Interior" (1909) ja on hyvin yleinen, niin "Tyttö kirjoituskoneella" (1921), "Yksitoista aamulla" ( 1926), on kuitenkin klassinen ilme rakennuksen sisältä, mutta ei yksittäinen Hopperin tunkeutuminen "ulkopuolelta", joka rajautuu tirkistelyyn.

Yöikkunat (1928)

"Windowsissa" katsomme tyttöä alusvaatteissa ovelalla, kiireisenä omien asioidensa kanssa. Mitä tyttö tekee, voimme vain arvailla, hänen päänsä ja kätensä ovat piilossa talon seinällä. Visuaalisesti kuvasta puuttuu erityisiä röyhelöitä, puolisävyjä ja muita asioita. Mitä juonen tulee, katsoja saa vain osan tarinasta, mutta samalla on kenttä arveluille, ja mikä tärkeintä, kurkistamisen kokemus.

Juuri tämä "piikki", ulkopuolinen katse tuo Hopperille mainetta. Hänen maalauksensa yksinkertaistuvat kaikilta osin: tylsät yksitoikkoiset sisätilat, vailla yksityiskohtia ja niihin sopivat samat, persoonattomat ihmiset, joiden kasvoilla ei useinkaan ole ainuttakaan tunnetta. Tämä erottaa myös yksinkertaisesti kuuluisan maalauksen "Chop Sui" (1929) kuuluisasta "Yöpöllöistä" (1942).

Chop Sui (1929)

Kuvien yksinkertaisuus paljastaa mainostaidekokemuksen, josta Hopper ansaitsi elantonsa. Mutta se ei ollut kuvien kaavamaisuus, joka houkutteli katsojaa taiteilijan teoksiin, vaan juuri tämä mahdollisuus katsoa jonkun toisen elämään tai jopa ... omaan. Mahdollisuus saada selville, miltä mainosjulisteiden sankarit näyttäisivät "harjoiteltuaan" vuoron mainostauluilla ja kaupunkivaloissa ja palattuaan "kotiin" poistaneet päivystyshymyt kasvoiltaan. Miehet ja naiset, yhdessä ja erikseen, ovat eräänlaisessa mietteliäässä väsyneessä umpikujassa, usein ilman mitään tunteita. Hahmojen tunteettomuus, joka ulottuu robotiikkaan, herättää katsojassa epätodellisuuden ja ahdistuksen tunteen.

Väsymys työpäivän jälkeen tai aamun tyrmistyminen unen jälkeen - nämä ovat merkkejä pakollisesta Hopper-irtautumisesta, joka joskus laimentaa keskipäivän työtyhmyyttä ja välinpitämättömyyttä. Todennäköisesti suurella lamalla oli myös suuri vaikutus Hopperiin, joka toimitti hänelle tuhat sellaista tyyppiä, köyhiä, tarpeettomia, joiden epätoivo rypistyy välinpitämättömyyden kokoon omaa kohtaloaan kohtaan.

Digression into Philosophy (1959)

Tietysti suljettua, tavallisessa elämässä epäsosiaalista, taiteilija lisäsi kuviin ja jotain omaa, syvästi persoonallista. Vasta 50-vuotiaana rakkautensa tavattuaan hän kuvasi mies- ja naispareja välinpitämättöminä ja hajanaisina, jopa pettyneinä. Tämä näkyy parhaiten maalauksessa Excursus into Philosophy (1959).

Hopperin "kirkkaimpia" teoksia, kirjaimellisesti ja kuvaannollisesti, ovat maalauksia, joissa auringonvalo ilmestyy, usein pesee naista "Nainen auringossa" (1961), "Summer in the City" (1950), "Morning Sun" (1952), " Sunshine on the Second Floor" (1960) tai jopa näyttelee "The Sun in an Empty Room" (1963) ja "Room by the Sea" (1951) päähenkilönä. Mutta myös näissä auringosta kastelevissa kankaissa häiritsee sopivien tunteiden puute hahmojen kasvoilta ja heitä ympäröivän tilan ilmattomuus.

Huoneita meren rannalla (1951)

Vuonna 2017 julkaistu novellikokoelma In the Sun or in the Shade on eräänlainen vahvistus kaikelle edellä mainitulle korostaen Hopperin työn merkitystä, merkitystä ja vaikutusta amerikkalaiseen kulttuuriin. Jokainen tarina on nimetty yhden taiteilijan maalauksen mukaan ja on hänen kirjallinen "näytönsovitus". Kokoelman parissa työskennelleet kirjoittajat yrittivät laajentaa maalausten laajuutta, nähdä niiden taustat ja näyttää mitä jäi "kulissien taakse". Tarinoita kirjaan ovat kirjoittaneet Stephen King, Lawrence Block, Michael Connelly, Joyce Carol Oates, Lee Child ja muut kirjailijat, jotka työskentelevät pääasiassa kauhu-, trilleri- ja etsivägenreissä. Hopperin sävellysten ahdistus ja mysteeri pelasivat vain mestareiden käsissä.

Lisäksi Edward Hopper on elokuvan surrealismin mestarin David Lynchin suosikkitaiteilija, maalaus "The House by the Railroad" muodosti pohjan legendaarisen Alfred Hitchcockin "Psycho" -elokuvan maisemille.

Railroad House (1925)

Turistihuoneet (1945)

Varhainen sunnuntaiaamu (1930)

Toimisto yöllä (1948)

Morning in South Carolina (1955)

Ranta (1941)

Kesäilta (1947)

Quai de Grand Augustin (1909)

Parturi (1931)

Circle Theatre (1936)

Ullakkokatto (1923)

Aurinko tyhjässä huoneessa (1963)

Sunshine on the Second Floor (1960)

Juna (1908)

Sininen yö (1914)

Kaupunki (1927)

Huoltoasema (1940)

New York -ravintola (1922)

Horse Trail (1939)

Hiilikaupunki Pennsylvaniassa (1947)

Toimisto pikkukaupungissa (1953)

Corn Hill (1930)

Surffauksen aalloilla (1939)

New York Cinema (1939)

Trump Steamboat (1908)

Kirjoituskonetyttö (1921)

Bistro (1909)

Sheridan Theatre (1937)

Ilta Cape Codilla (1939)

House at Sunset (1935)

Naisten pöydät (1930)

Kaupunki on tulossa (1946)

Yonkers (1916)

Joe in Wyoming (1946)

Taiteiden silta (1907)

Haskell House (1924)

Morning on Cape Cod (1950)

Strippari (1941)

Morning Sun (1952)

Tuntematon.

Yökyöpelit (1942)

Siellä on niin tarttuva maalaus, joka tarttuu katsojaan välittömästi. Ei ole hämmennystä, valppautta, kaikki näyttää selvältä heti, kuin rakkaudessa ensisilmäyksellä. Ei ole yllättävää, että huolellinen tarkastelu, pohdiskelu ja empatia voivat vahingoittaa tällaista rakkautta. Onko mahdollista löytää jotain syvää, kiinteää sieltä, ulkoisen loiston takaa? Ei ole tosiasia.

Otetaan esimerkiksi muodikkain impressionismin toisen sadan vuoden aikana. Todennäköisesti nykypäivän massayleisölle maalauksen historiassa ei ole suositumpaa suuntausta. Taiteellisena suuntauksena impressionismi osoittautui kuitenkin yllättävän ohimeneväksi, sillä se oli ollut puhtaassa muodossaan lyhyet kaksikymmentä vuotta. Sen perustajat hylkäsivät lopulta aivolapsensa tunten ideoiden ja menetelmien uupumusta. Renoir palasi Ingresin klassisiin muotoihin, ja Monet astui eteenpäin abstraktionismiin.

Myös päinvastoin tapahtuu. Maalaukset ovat vaatimattomia ja vaatimattomia, motiivit ovat tavallisia ja tekniikat perinteisiä. Tässä on talo tien varrella, tässä on tyttö ikkunalla, mutta yleensä banaali huoltoasema. Ei tunnelmaa, ei valotehosteita, ei romanttisia intohimoja. Jos kohautat olkapäitäsi ja jatkat eteenpäin, kaikki pysyy sellaisena. Ja jos pysähdyt katsomaan, löydät kuilun.

Tällainen on Edward Hopperin, yhden 1900-luvun tunnetuimmista amerikkalaisista taiteilijoista, maalaus.

Ei huomaa Eurooppaa

Hopperin elämäkerta ei sisällä juuri mitään valoisia tapahtumia ja odottamattomia käänteitä. Hän opiskeli, meni Pariisiin, työskenteli, meni naimisiin, jatkoi työskentelyä, sai tunnustusta... Ei heittämistä, skandaaleja, avioeroja, alkoholismia, törkeitä temppuja - ei mitään "paistettua" keltaiselle lehdistölle. Tässä Hopperin elämäntarina on samanlainen kuin hänen maalauksensa: ulospäin kaikki on yksinkertaista, jopa rauhallista, mutta syvyydessä on dramaattinen jännitys.

Jo lapsuudessa hän löysi kyvyn piirtää, jossa hänen vanhempansa tukivat häntä kaikin mahdollisin tavoin. Koulun jälkeen hän opiskeli kuvitusta kirjeitse vuoden ajan ja astui sitten arvostettuun New Yorkin taidekouluun. Amerikkalaiset lähteet mainitsevat koko luettelon hänen kuuluisista opiskelutovereistaan, mutta heidän nimensä eivät kerro venäläiselle yleisölle juuri mitään. Rockwell Kentiä lukuun ottamatta he kaikki pysyivät kansallisesti merkittävinä taiteilijoina.

Vuonna 1906 Hopper lopetti opinnot ja aloitti työskentelyn kuvittajana mainostoimistossa, mutta syksyllä hän lähti Eurooppaan.

Täytyy sanoa, että Eurooppaan matkustaminen oli melkein pakollinen osa amerikkalaisten taiteilijoiden ammattikoulutusta. Tuolloin Pariisin tähti loisti kirkkaasti, ja sinne houkuteltiin nuoria ja kunnianhimoisia ihmisiä kaikkialta maailmasta liittymään maailman maalaustaiteen uusimpiin saavutuksiin ja suuntauksiin.

On hämmästyttävää, kuinka erilaiset seuraukset tällä kansainvälisessä pannussa ovat. Jotkut, kuten espanjalainen Picasso, muuttuivat nopeasti opiskelijoista johtajiksi ja heistä tuli taiteellisen muodin suunnannäyttäjiä. Toiset pysyivät aina jäljittelijöinä, olivatpa he lahjakkaita, kuten Mary Cassatt ja James Abbot McNeil Whistler. Toiset, esimerkiksi venäläiset taiteilijat, palasivat kotimaahansa uuden taiteen hengestä saastuneena ja latautuneena, ja jo kotona tasoittivat tietä maailmanmaalauksen takapihoilta sen avantgardismiin.

Hopper oli kaikista omaperäisin. Hän matkusti ympäri Eurooppaa, oli Pariisissa, Lontoossa, Amsterdamissa, palasi New Yorkiin, matkusti jälleen Pariisiin ja Espanjaan, vietti aikaa eurooppalaisissa museoissa ja tapasi eurooppalaisia ​​taiteilijoita... Mutta lyhytaikaisia ​​vaikutteita lukuun ottamatta hänen maalauksensa ei paljastaa mitä tahansa modernin trendin tuttua. Ei mitään, jopa paletti kirkastui tuskin!

Hän arvosti Rembrandtia ja Halsia, myöhemmin - El Grecoa, aika lähellä olevilta mestarilta - Edouard Manetilta ja Edgar Degasilta, joista oli jo tullut klassikoita siihen aikaan. Mitä tulee Picassoon, Hopper väitti melko vakavasti, ettei hän ollut kuullut hänen nimeään ollessaan Pariisissa.

Vaikea uskoa, mutta tosiasia pysyy. Postimpressionistit olivat juuri kuolleet, favistit ja kubistit murtasivat jo keihään, futurismi kohosi horisontissa, maalaus irtautui kuvasta näkyvästä ja keskittyi kuvatason ongelmiin ja rajoituksiin, Picasso ja Matisse loistivat . Mutta Hopper, joka oli asioiden keskellä, ei näyttänyt näkevän sitä.

Ja vuoden 1910 jälkeen hän ei koskaan ylittänyt Atlantin valtamerta, vaikka hänen maalauksensa olivat esillä arvostetun Venetsian biennaalin amerikkalaisessa paviljongissa.

Taiteilija töissä

Vuonna 1913 Hopper asettui New Yorkiin Washington Squarelle, jossa hän asui ja työskenteli yli viisikymmentä vuotta - päiviensä loppuun asti. Samana vuonna hän myi ensimmäisen maalauksensa, joka oli esillä kuuluisalla Armory Show'lla New Yorkissa. Näytti siltä, ​​että ura alkaa lupaavasti ja menestys ei ole kaukana.

Siitä ei tullut niin ruusuista. Armory Show suunniteltiin ensimmäiseksi nykytaiteen näyttelyksi Yhdysvalloissa ja sellaisena se oli valtava menestys. Hän käänsi amatöörien, kriitikkojen ja taiteilijoiden katseet pois realismista ja käänsi heidät avantgarden suuntaan, vaikka mukana olikin pilkan ja skandaalien kanssa. Duchampin, Picasson, Picabian, Brancusin, Braquen taustaa vasten Hopperin realismi näytti maakuntalaiselta ja vanhentuneelta. Amerikka päätti, että Eurooppa oli kurottava kiinni, varakkaat keräilijät kiinnostuivat ulkomaisesta taiteesta, eikä kotimaisten teosten yksittäismyynti vaikuttanut asiaan.

Hopper työskenteli kaupallisena kuvittajana useita vuosia. Hän jopa luopui maalaamisesta ja omistautui etsaukselle, joka tuolloin soveltui paremmin painatuskopiointiin. Hän ei ollut palveluksessa, työskenteli osa-aikaisesti aikakauslehtitilausten parissa ja koki tämän tehtävän kaikki vaikeudet, joskus jopa masennukseen.

Silloisessa New Yorkissa asui kuitenkin taiteen suojelija, joka päätti kerätä erityisesti amerikkalaisten taiteilijoiden teoksia - Gertrude Whitney, miljonääri Vanderbiltin tytär; muuten se, jonka kanssa kannibaali Ellochka kilpaili epäonnistuneesti vaihtaen Ostap Benderin teesiivilä yhdestä kahdestatoista tuolista.

Yön varjot.

Myöhemmin Whitney yritti lahjoittaa amerikkalaisten nykytaiteilijoiden kokoelmansa Metropolitan Museum of Artille, mutta hänen johtonsa ei pitänyt lahjaa arvokkaana. Hylätty keräilijä perusti kostoksi oman museonsa lähelle, jota pidetään edelleen parhaana amerikkalaisen taiteen museona.

Ilta tuuli. 1921 Museum of American Art, New York

Mutta se on tulevaisuudessa. Kun Hopper vieraili Whitney Studiossa, jossa hän piti vuonna 1920 ensimmäisen yksityisnäyttelynsä - 16 maalausta. Jotkut hänen etsauksistaan ​​herättivät myös yleisön huomion, erityisesti "Night Shadows" ja "Evening Wind". Mutta hän ei vielä voinut tulla freelance-taiteilijaksi ja ansaitsi edelleen rahaa kuvituksella.

Perhe ja tunnustus

Vuonna 1923 Hopper tapasi tulevan vaimonsa Josephinen. Heidän perheensä osoittautui vahvaksi, mutta perhe-elämä ei ollut helppoa. Jo kielsi miestään maalaamasta alastonkuvia ja poseerasi tarvittaessa itselleen. Edward oli kateellinen hänelle jopa kissan vuoksi. Kaikkea pahensi hänen hiljaisuus ja synkkä luonne. ”Joskus puhuminen Eddien kanssa oli kuin heittäisi kiven kaivoon. Yhtä poikkeusta lukuun ottamatta: veteen putoamisen ääntä ei kuulunut ”, hän myönsi.

Edward ja Joe Hopper. 1933

Siitä huolimatta Jo muistutti Hopperia vesivärin mahdollisuuksista, ja hän palasi tähän tekniikkaan. Pian hän esitteli kuusi teosta Brooklynin museossa, ja museo osti niistä yhden 100 dollarilla. Kriitikot suhtautuivat näyttelyyn ystävällisesti ja panivat merkille Hopperin vesivärien elinvoimaisuuden ja ilmeisyyden vaatimattomimmillakin aiheilla. Tästä ulkoisen hillityksen ja ilmeikkään syvyyden yhdistelmästä tulee Hopperin tavaramerkki kaikille jäljellä oleville vuosille.

Vuonna 1927 Hopper myi maalauksen "Kaksi auditoriossa" 1 500 dollarilla, ja pariskunta sai ensimmäisen autonsa tällä rahalla. Taiteilija sai mahdollisuuden tehdä luonnoksia, ja maaseutumaalainen Amerikka tuli pitkään yhdeksi hänen maalauksensa päämotiiveista.

Kaksi auditoriossa. 1927. Museum of Art, Toledo

Vuonna 1930 taiteilijan elämässä tapahtui toinen tärkeä tapahtuma. Filantrooppi Stephen Clark lahjoitti maalauksensa "Railway House" New Yorkin modernin taiteen museolle, ja se on roikkunut siellä näkyvästi siitä lähtien.

Joten vähän ennen 50-vuotissyntymäpäiväänsä Hopper tuli tunnustamisaikaan. Vuonna 1931 hän myi 30 teosta, joista 13 akvarellia. Vuonna 1932 hän osallistui Whitney-museon ensimmäiseen säännölliseen näyttelyyn, eikä hän missannut seuraavaa kuolemaansa asti. Vuonna 1933 Modernin taiteen museo esitteli taiteilijan vuosipäivän kunniaksi retrospektiivin hänen töistään.

Seuraavat 30 vuotta elämästään Hopper työskenteli hedelmällisesti vanhuudessa ilmenneistä terveysongelmista huolimatta. Jo selvisi hänestä kymmenen kuukautta ja jätti koko perheen kokoelman Whitney-museolle.

Midnighters. 1942. Art Institute, Chicago

Kypsyyden vuosien aikana taiteilija loi monia tunnustettuja mestariteoksia, kuten "Varhainen sunnuntaiaamu", "Yöpöllöt", "New Yorkin toimisto", "Ihmiset auringossa". Tänä aikana hän sai monia palkintoja, matkusti Kanadaan ja Meksikoon, esiteltiin useissa retrospektiivi- ja yksityisnäyttelyissä.

Valvontasuojaus

Ei voida sanoa, että hänen maalauksensa ei ole kehittynyt kaikkina näinä vuosina. Siitä huolimatta Hopper löysi suosikkiteemonsa ja -kuvansa varhain, ja jos jokin on muuttunut, se on heidän ruumiillistumansa uskottavuus.

Jos Hopperin työlle löydettäisiin lyhyt kaava, se olisi "vieraantuminen ja eristäytyminen". Minne hänen hahmonsa ovat menossa? Miksi ne ovat jäässä keskellä päivää? Mikä estää heitä aloittamasta vuoropuhelua, tavoittamasta toisiaan, huutamasta ja vastaamasta? Ei ole vastausta, ja rehellisesti sanottuna kysymyksiä ei ainakaan heille ole juuri ollenkaan. Tällaisia ​​he ovat, tämä on elämä, tämä on maailma, joka erottaa ihmiset näkymättömillä esteillä.

Tämä esteiden näkymättömyys huolestutti vakavasti Hopperia, minkä vuoksi hänen maalauksissaan on niin paljon ikkunoita. Lasi on visuaalinen linkki, mutta fyysinen este. Hänen sankarinsa ja sankarittarensa näyttävät kadulta katsottuna olevan avoimia maailmalle, mutta todellisuudessa he ovat sulkeutuneita, uppoutuneita itseensä – katso Night Owls tai The Office New Yorkissa. Tällainen kaksinaisuus synnyttää koskettavan yhdistelmän haurasta haavoittuvuutta ja itsepäistä saavuttamattomuutta, jopa vallitsemattomuutta.

Jos päinvastoin katsomme yhdessä hahmojen kanssa ulos lasin läpi, ikkuna taas pettää, vain kiusoittelemalla mahdollisuutta nähdä jotain. Parhaimmillaan ulkomaailmaa osoittaa vain joukko puita tai rakennuksia, eikä ikkunassa usein näy mitään, kuten esimerkiksi "Iltatuulessa" tai maalauksessa "Automaatti".

automaattinen. 1927. Arts Center, Des Moines. USA

Yleisesti ottaen Hopperin ikkunoihin ja oviin on ominaista sama avoimuuden ja läheisyyden yhdistelmä kuin animaatiohahmoilla. Hieman raollaan olevat puitteet, heiluvat verhot, suljetut kaihtimet, puolisuljetut ovet vaeltelevat kuvasta toiseen.

Läpinäkyvä on läpäisemätön, ja se, minkä pitäisi yhdistää, erottaa. Tästä johtuu jatkuva mysteerin tunne, aliarviointi, epäonnistunut kontakti.

Yksinäisyydestä ihmisten keskellä, suuressa kaupungissa, kaikkien edessä, on tullut 1900-luvun taiteen läpileikkaava teema, vain täällä, Hopperin kanssa, kyse ei ole yksinäisyydestä, josta he pakenevat, vaan sieltä, missä heidät pelastetaan. Hänen hahmojensa läheisyys koetaan luonnolliseksi itsepuolustukseksi, ei mielijohteeksi tai luonteenpiirteeksi. Heihin vuotava valo on tuskallisen armotonta ja niitä esitetään liian avoimesti julkisesti, ja heitä ympäröivässä maailmassa piilee jonkinlainen välinpitämätön uhka. Siksi ulkoisten esteiden sijasta on rakennettava sisäisiä esteitä.

Tietysti, jos toimiston seinät tuhoutuvat, työn tehokkuus kasvaa, koska toistensa, ja vielä enemmän pomon edessä, ihmiset ovat vähemmän hajamielisiä ja juttelevat. Mutta kun kaikkia valvotaan, viestintä lakkaa ja hiljaisuudesta tulee ainoa puolustusmuoto. Sankarit ovat hillittyjä, vaistot tukahdutettuja, intohimot syvenevät - sivistyneet, sivistyneet ihmiset ulkoisen sopivuuden suojaavassa panssarissa.

Huomio yli

Hyvin usein Hopperin maalaukset antavat vaikutelman pysähtyneestä hetkestä. Ja tämä huolimatta siitä, että itse kuvassa liikettä ei osoiteta ollenkaan. Mutta se tuntuu filmikehykseltä, joka on juuri korvannut edellisen ja on valmis antamaan tietä seuraavalle. Ei ole sattumaa, että amerikkalaiset elokuvantekijät, erityisesti Hitchcock, arvostivat Hopperia niin paljon, ja Hollywoodin kehyksen kehystysstandardit muodostettiin suurelta osin hänen vaikutuksensa perusteella.

Taiteilijalle oli luonnollista ohjata katsojan huomio ei niinkään kuvattuun hetkeen kuin sitä edeltäneisiin tai seuraaviin kuvitteellisiin tapahtumiin. Tämä maalauksen historiassa harvinainen taito yhdisti paradoksaalisesti impressionismin saavutukset korostuneen hetken huomion ja postimpressionismin, joka halusi puristaa ajan kulumisen hetkelliseen taiteelliseen kuvaan.

Hopper onnistui todella kiinnittämään tiukasti kankaalle vaikeasti jäävän olemisen hetken ja samalla vihjailemaan lakkaamatonta ajankulkua, joka nosti hänet pintaan ja vie hänet välittömästi menneisyyden pimeisiin syvyyksiin. Jos futurismi yritti kuvata liikettä suoraan maalauksellisella tasolla, niin Hopper ottaa sen pois maalauksen rajoista, mutta jättää sen havaintomme rajoihin. Emme näe sitä, mutta tunnemme sen.

Samalla tavalla taiteilija onnistuu ohjaamaan huomiomme kuvan ulkopuolelle, ei vain ajassa, vaan myös tilassa. Hahmot katsovat jonnekin ulos, huoltoaseman ohi lentävä moottoritie vetää katsojan katseen sinne, ja rautateillä silmä ehtii napata vain junan viimeisen vaunun. Ja useammin hän ei ole enää siellä, juna ryntäsi ohi, ja me tahattomasti ja epäonnistuneesti lipsumme ulos hänen perässään kiskoja pitkin.

Tämä on Amerikka sellaisena kuin se on - ei kaipausta kadonneiden, ei edistyksen ylistämistä. Mutta jos se olisi vain Amerikka, niin Hopper ei olisi pudonnut maailmanmaineeseen, aivan kuten monet hänen aikalaisensa, joilla ei ole pahempaa taitoa, eivät sitä saaneet. Itse asiassa Hopper onnistui koskettamaan yleismaailmallisia tunteita käyttämällä kansallista materiaalia. Hän tasoitti tietä amerikkalaisen maalauksen kansainväliselle tunnustamiselle, vaikka sen toivat maailmantaiteen johtorooleihin sodanjälkeiset taiteilijat, joita Hopper itse ei tunnustanut.

Hänen polkunsa on ainutlaatuinen. Elävien taiteellisten liikkeiden myrskyisässä maailmassa hän onnistui olemaan alistumatta kenenkään vaikutukselle ja kulkemaan kapeaa polkua romantiikan ja yhteiskuntakritiikin välillä, avantgardistisen käsitteiden pakkomielteen sekä precisionismin ja hyperrealismin tarkoituksellisen naturalismin välillä pysyen uskollisena itsensä loppuun asti.