Italialaiset soittimet. Italialaiset tanssit: historia ja niiden lajikkeet

Italian musiikin alkuperä juontaa juurensa muinaisen Rooman musiikkikulttuuriin (katso antiikin roomalainen musiikki). Musiikkia olentojen soittamana. rooli yhteiskunnassa., valtio. Rooman valtakunnan elämä, jokapäiväisessä elämässä ero. väestönosat; muusat olivat rikkaita ja erilaisia. työkaluja. Näytteet antiikin roomalaisesta musiikista eivät ole saapuneet meille, mutta dep. sen elementit ovat säilyneet puolivälissä vuosisadalla. Kristus. hymnit ja pankot. muusat. perinteitä. 400-luvulla, jolloin kristinusko julistettiin valtioksi. uskonto, Roomasta tuli Bysantin ohella yksi liturgian kehityksen keskuksista. laulaa ensin. jonka perustana oli Syyriasta ja Palestiinasta peräisin oleva psalmodia. Milanon arkkipiispa Ambrose vahvisti hymnien antifonisen laulamisen (katso Antifonit) tuoden melodian lähemmäksi naraa. alkuperää. Hänen nimeensä liittyy erityinen länsimaisen Kristuksen perinne. kirkko. laulaminen, jota kutsutaan ambrosialaiseksi lauluksi (katso Ambrosian laulu). Lopussa. 6. vuosisadalla paavi Gregorius I:n johdolla kehitettiin Kristuksen kiinteitä muotoja. liturgian ja tilasi hänen muusojaan. puolella. Kuoristi loi samaan aikaan Roomassa. koulusta ("schola cantorum") tuli eräänlainen kirkkolaulajien akatemia. oikeusjuttu ja korkein lainsäätäjä. kehoa tällä alueella. Gregory I sai kiitosta pääkappaleen yhdistämisestä ja kiinnittämisestä. liturgiset laulut. Myöhemmät tutkimukset ovat kuitenkin osoittaneet, että melodinen. tyyli ja muoto ns. Gregoriaaninen laulu muotoutui lopulta vasta 8-9 -luvuilla. Roomalaiskatolinen. kirkko, joka pyrki yhtenäisyyteen palvonnassa, juurrutti tämän yksijalkaisen tyylin. kertosäe. laulaen kaikkien Kristukseen kääntyneiden kansojen keskuudessa. uskoa. Tämä prosessi saatiin päätökseen loppuun mennessä. 11 luvulla, jolloin gregoriaaninen liturgia vastaava kanteli. Keski- ja Länsi-maissa hyväksytyt määräykset. ja Yuzh. Eurooppa. Samaan aikaan myös läpäisemättömyyteen jäätyneen gregoriaanisen laulun jatkokehitys pysähtyi. lomakkeita.

Lopusta. 1. vuosituhat jKr seurauksena toistuvista vihollisten tunkeutumisesta Italian alueelle sekä lisääntyneen paavinvallan sorron seurauksena, mikä esti luovuuden vapaata ilmentymistä. aloite, in I. m. tulee. pysähtyneisyys, se lakkaa näyttelemästä huomattavaa roolia yleisissä muusoissa. Euroopan kehitystä. maat. Tärkeimmät Euroopassa tapahtuneet muutokset. musiikki 1. ja 2. vuosituhannen vaihteessa, löytää heikon ja usein myöhään heijastuneen keisarillisen musiikin.. Musiikkitieteilijät Zap. ja Luoteis. Eurooppa jo 800-luvulla. antoi perustelut polyfonian varhaisille muodoille, merkittävimmälle italialle. muusat. keskiaikainen teoreetikko Guido d "Arezzo (11. vuosisata) kiinnitti päähuomiota yksipuoliseen gregoriaaniseen lauluun, koskettaen vain lyhyesti organumia. 1100-luvulla polyfoniaan. Italian itsenäiseen panokseen tuon aikakauden polyfonisten genrejen kehityksessä. musiikin taiteen nousu 1200-1400-luvun lopulla yhdistettiin varhaisrenessanssiin, joka heijasteli humanististen suuntausten kasvua, ihmispersoonallisuuden alkavaa vapautumista uskonnollisten dogmien sorrosta, vapaampaa ja suorempaa käsitystä uskonnollisten dogmien sorrosta. maailma feodaaliherrojen vallan heikkenemisen ja varhaisten kapitalististen suhteiden muodostumisen aikana.Varhaisrenessanssin käsite vastaa musiikin historiassa hyväksyttyä Ars novan määritelmää. Yhteiskunnaltaan ja kulttuuriltaan edistyneempiä kuin eteläisillä alueilla, joilla feodaaliset suhteet säilyivät edelleen lujasti. Nämä kaupungit houkuttelivat lahjakkaimpia säveltäjiä ja muusoja reunus-esittäjät. Täällä syntyi uusia genrejä ja tyylisuuntauksia.

Lisääntynyt ilmaisun halu ilmeni lyriikassa. hymnit vapaasti tulkitelluille uskonnoille. teema - laudakh, to-rye lauloi jokapäiväisessä elämässä ja uskontojen aikana. kulkueet. Jo lopussa. 12. vuosisadalla syntyivät "laudistien veljeskunnat", joiden lukumäärä kasvoi 1200- ja erityisesti 1300-luvulla. Laudeja viljeltiin fransiskaanien ritarikunnan munkkien keskuudessa upseerien vastaisesti. Rooman kirkko, joskus ne heijastivat yhteiskunnallisen protestin motiiveja. Melody Loud liittyy kerrossänkyyn. lähteet, erilainen rytmi. selkeys, rakenteen selkeys, vallitseva pääväri. Jotkut heistä ovat luonteeltaan lähellä tanssia. kappaleita.

Firenzessä syntyi uusia maallisen polyfonian genrejä. wok. kotiamatööriesitykseen tarkoitettua musiikkia: madrigali, kachcha, ballaatti. Ne olivat 2 tai 3 maalia. säkeistö. kappaleita melodisilla otsikoilla. yläääni, tory erilainen rytmi. liikkuvuus, runsaasti värikkäitä kohtia. Madrigal on aristokraatti. genre, jolle on ominaista runouden ja muusojen hienostuneisuus. rakennus. Sitä hallitsi hienovarainen erotiikka. teemoja, myös satiirisia. motiiveja, joskus poliittisia. Caccien sisältö oli alun perin metsästyskuvia (siis itse nimi: caccia - metsästys), mutta sitten sen teema laajenee ja kattaa monenlaisia ​​genrekohtauksia. Suosituin maallisista genreistä, Ars nova, on balata (sisällöltään madrigalia muistuttava tanssilaulu).

Laaja kehitys Italiassa 1300-luvulla. vastaanottaa instr. musiikkia. Main tuon ajan soittimia olivat luuttu, harppu, fidel, huilu, oboe, trumpetti ja muut urut. tyyppi (positiiviset, kannettavat). Niitä käytettiin sekä laulun säestykseen että soolo- tai yhtyesoittoon.

Ital kukoisti. Ars nova putoaa puoliväliin. 1300-luvulla 40-luvulla. luova avautuu. sen merkittävimpien mestareiden - Firenzen Giovannin ja Bolognalaisen Jacopon - toimintaa. Sokea virtuoosi urkuri ja säveltäjä. F. Landino on monilahjakas henkilö, runoilija, muusikko ja tiedemies, jota arvostettiin italialaisissa piireissä. humanistit. Hänen työssään yhteys pankkiin on tiivistynyt. alkuperästä, melodia on saanut suuremman ilmaisunvapauden, ajoittain hienostuneen, kukkaisen ja rytmin. monimuotoisuus.

Korkean renessanssin aikakaudella (1500-luku) taide otti johtavan aseman Euroopassa. muusat. kulttuurit. Taiteen yleisen nousun ilmapiirissä. kulttuuri kehitti intensiivisesti musiikin tekemistä eri puolilla. yhteiskunnan kerrokset. Sen tulisijat olivat kirkon mukana. käsityökappelit. kiltayhdistykset, valistuneet kirjallisuuden ja taiteen ystävien piirit, jotka joskus kutsuvat itseään antiikin jälkeen. akatemioiden mallintama. Vuonna pl. kaupungit loivat kouluja, jotka tekivät itsensä itsenäisiksi. panos I. m.:n kehitykseen. Suurimmat ja vaikutusvaltaisimmat niistä ovat roomalaiset ja venetsialaiset koulut. Katolisuuden keskustassa, Roomassa, renessanssiliikkeen tuomat uudet taiteenmuodot kohtasivat usein kirkon vastustusta. viranomaiset. Mutta kielloista ja irtisanomisista huolimatta koko 1400-luvun. roomalaiskatolisessa kielessä. palvonta oli vakiintunut monikulmio. laulaen. Tätä helpotti G. Dufayn ranskalais-flaamilaisen koulukunnan edustajien, Josquin Despresen ja muiden säveltäjien toiminta, jotka palvelivat eri aikoina paavin kappelissa. Sikstuksen kappelissa (per. 1473) ja kuorossa. kappeli St. Pietari keskitti kirkon parhaat mestarit. ei laula vain Italiasta, vaan myös muista maista. Kirkon kysymyksiä. laulaminen annettiin erikoisille. huomiota Trenton kirkolliskokoukseen (1545-1563), jonka päätöksissä liiallinen innostus "figuratiiviseen" moniääniseen tuomittiin. musiikki, joka vaikeuttaa "pyhien sanojen" ymmärtämistä, ja yksinkertaisuuden ja selkeyden vaatimus esitettiin; maallisten melodioiden tuominen liturgiaan kiellettiin. musiikkia. Mutta vastoin kirkon pyrkimyksiä. viranomaisia ​​karkottaakseen kaikki innovaatiot kulttilaulusta ja, jos mahdollista, palauttaakseen sen gregoriaanisen laulun perinteisiin, roomalaisen koulukunnan säveltäjät loivat pitkälle kehittyneen moniäänisen laulun. taidetta, jossa ranskalais-flaamilaisen polyfonian parhaat saavutukset toteutettiin ja mietittiin uudelleen renessanssin estetiikan hengessä. Tuotannossa tämän koulukunnan säveltäjät ovat monimutkaisia ​​jäljitelmiä. tekniikka yhdistettiin sointuharmoniseen. varasto, monta päätä. tekstuuri sai harmonisen eufonian luonteen, melodisesta periaatteesta tuli itsenäisempi, yläääni korostui usein. Roomalaisen koulukunnan suurin edustaja on Palestrina. Hänen ihanteellisesti tasapainoista, tunnelmaltaan valistunutta, harmonista taidetta verrataan toisinaan Rafaelin työhön. Olla kuoron huippu. tiukan tyylin polyfonia, Palestrinan musiikki sisältää samalla kehittyneitä homofonisen ajattelun elementtejä. Pyrkimys vaaka- ja pystysuuntaisten periaatteiden tasapainoon oli ominaista myös muille saman koulukunnan säveltäjille: K. Festalle, G. Animuccille (joka oli St. Pietari 1555-71), Clemens-ei-paavi, Palestrinan opiskelijat ja seuraajat - G. Nanino, F. Anerio ym.. Myös espanjalaiset liittyivät roomalaiseen kouluun. paavin kappelissa työskennelleet säveltäjät: K. Morales, B. Escobedo, T. L. de Victoria (lempinimi "espanjalainen Palestrina").

Venetsialaisen koulun perustaja oli A. Willart (syntyperää hollantilainen), joka vuonna 1527 johti Pyhän Nikolauksen kappelia. Mark ja oli sen johtaja 35 vuotta. Hänen seuraajansa olivat C. de Pope ja espanjalainen C. Merulo. Tämä koulu saavutti korkeimman kukoistuksensa A. Gabrielin ja hänen veljenpoikansa J. Gabrielin työssä. Toisin kuin Palestrinan ja muiden roomalaisen koulukunnan säveltäjien tiukka ja hillitty kirjoitustapa, venetsialaisten taiteelle oli ominaista äänipaletin loisto, kirkkaiden värien runsaus. tehosteita. Monikoorismin periaate oli heille erityisen tärkeä. Kahden kuoron oppositio, sijaitsee. kirkon eri osissa toimi dynamiikan perustana. ja värikkäitä kontrasteja. Jatkuvasti vaihteleva äänimäärä J. Gabrielille saavutti 20. Kontrastikuoro. sonorities täydennettiin instrumenttien vaihdolla. soittimet eivät ainoastaan ​​toistaneet kuoron ääniä, vaan myös esiintyivät itsenäisesti. ja yhdistävät jaksot. Harmoninen. kieli oli täynnä lukuisia, siihen aikaan usein rohkeita kromatismeja, mikä antoi sille lisääntyneen ilmaisun piirteitä.

Venetsian koulukunnan mestareiden luovuudella oli tärkeä rooli uusien instrumentointimuotojen kehittämisessä. musiikkia. 1500-luvulla. soittimien koostumusta on rikastettu merkittävästi ja niiden ilmaisu on laajentunut. mahdollisuudet. Jousisoittimien merkitys melodisen lämpimän soundin kanssa on kasvanut. Tänä aikana klassikko syntyi. alttoviulutyyppi; viulu, yleinen aikaisempi alkusoitto. kansanelämässä, tulee prof. muusat. työkalu. Luutti ja urut jatkoivat dominointia soolosoittimina. Vuosina 1507-09 kustantaja O. Petrucci publ. 3 kokoelma luutuja, edelleen säilynyt. wok-riippuvuuden merkkejä. motettityyppinen polyfonia. Tulevaisuudessa tämä riippuvuus heikkenee, kehitetään erityisiä työkaluja. esitystekniikat. Tyypillistä 1500-luvulle. soolo-instruin genret. Musiikki - richercar, fantasia, canzona, capriccio. Org. Villartin rikkaammat autot. Hänen jälkeensä tämän genren kehitti J. Gabrieli, jonka rikkaammat autot lähestyvät esityksessään fuugaa. Organisaatiossa Venetsialaisten mestareiden toccata heijastelee virtuoosista alkua ja taipumusta vapaaseen mielikuvitukseen. Vuonna 1551 Venetsiassa julkaistiin kokoelma teoksia. klaverit tanssivat. merkki.

Ensimmäisten syntyminen liittyy nimiin A. ja J. Gabrieli. näytteitä kamariyhtyeestä ja örkistä. musiikkia. Heidän sävellyksensä eri soittimille. junat (3-22 osanottajaa) yhdistettiin la. "Canzones and Sonatas" ("Canzoni e sonate ...", julkaistiin vuonna 1615 säveltäjien kuoleman jälkeen). Nämä näytelmät perustuvat kontrastin purkamisen periaatteeseen. instr. ryhmät (molemmat homogeeniset - jousitettu, puu, messinki ja sekoitettu), to-ry vastaanotettiin ja seurasi. inkarnaatio konsertin genressä.

Renessanssin ideoiden täydellisin ja eloisin ilmaus musiikissa oli madrigali, joka kukoisti jälleen 1500-luvulla. Monet kiinnittivät huomiota tähän renessanssin tärkeimpään maallisen musiikinteon genreen. säveltäjät. Madrigalit ovat kirjoittaneet venetsialaiset A. Villart, C. de Pope, A. Gabrieli, roomalaisen koulukunnan mestarit K. Festus ja Palestrina. Madrigalistisia kouluja oli Milanossa, Firenzessä, Ferrarassa, Bolognassa ja Napolissa. Madrigal 1500-luvulta erosi Ars nova -kauden madrigalista runouden suuremmalla rikkaudella ja hienostuneemmalla. sisältöä, mutta pääasiallista. hänen alansa säilyi rakkauslyriikat, usein pastoraalinen, yhdistettynä luonnon kauneuden innokkaaseen ylistykseen. F. Petrarchin runoudella oli suuri vaikutus madrigalin kehitykseen (monet hänen runoistaan ​​olivat eri kirjoittajien säveltämiä). Madrigalistiset säveltäjät kääntyivät L. Arioston, T. Tasson ja muiden merkittävien renessanssirunoilijoiden teoksiin. 1500-luvun madrigaaleissa. 4 tai 5 maalia voitti. varasto, jossa yhdistyvät polyfonian ja homofonian elementit. Johtava melodinen. ääni erottui ilmaisun hienovaraisuudesta. sävyt, joustava yksityiskohtien siirto runollinen. teksti. Kokonaissävellys oli vapaa eikä noudattanut säkeitä. periaate. 1500-luvun madrigalimestarien joukossa. arvostettu hollantilainen J. Arkadelt, joka työskenteli Roomassa ja Firenzessä. Hänen vuosina 1538-1544 julkaistut madrigaalit (6 kirjaa) painettiin uudelleen monta kertaa ja kopioitiin joulukuussa. painetut ja käsikirjoitukset. kokouksia. Tämän genren korkein kukinta liittyy luovaan. L. Marenzion, C. Monteverdin ja C. Gesualdo di Venosan toiminnasta lopussa. 16 - aikaisin. 17. vuosisata Jos Marenziolle on ominaista ohut pallo. lyriikkaa. kuvia, sitten Gesualdo di Venosassa ja Monteverdissä madrigaali dramatisoidaan ja siihen on omistettu syvällinen psykologisuus. ilmaisua, he käyttivät uusia, epätavallisia harmonian keinoja. kieli, terävä intonaatio. wokin ilmaisukyky. melodioita. Lankkusängyt ovat rikas kerros I. m. lauluja ja tansseja, jotka erottuvat melodioiden melodisuudesta, eloisuudesta, syttyvistä rytmeistä. italialaiselle. tansseille on tunnusomaista koko 6/8, 12/8 ja nopea, usein kiihkoinen tempo: saltarello (13-14 vuosisatojen tallenteita on säilytetty), hänelle sukua panttilainaus (lombardialainen tanssi) ja forlan (venetsia) , friulilainen tanssi), tarantella (etelaitalialainen tanssi, josta tuli valtakunnallinen). Tarantellan ohella Siciliana on suosittu (koko on sama, mutta tempo on kohtalainen, melodian luonne on erilainen - pastoraalinen). Sisilialaiset ovat lähellä barcarolea (Venetsian gondolieerien laulu) ja Toscanan rispettoa (ylistyslaulu, rakkaudentunnustus). Valituslaulut ovat laajalti tunnettuja - lamento (eräänlainen valituslaulu). Melodian plastisuus ja melodisuus, kirkas lyyrisyys ja usein korostettu herkkyys ovat tyypillisiä Italiassa laajalle levinneille napolilaisille lauluille.

Nar. musiikki vaikutti prof. muusat. luominen. Suurin yksinkertaisuus ja sänkyjen läheisyys. frottolan ja villanellan genrejen alkuperä vaihteli.

Renessanssi antoi sysäyksen musiikkiteoreettisen kehitykselle. ajatuksia Italiassa. Modernin perusta harmonian opin esitti J. Tsarlino. ke-luvulla. hän vastusti oppia frets uudella tonaalisella järjestelmällä, jossa oli kaksi perusääntä. tila - duuri ja molli. Tuomioissaan Tsarlino turvautui ensisijaisesti suoraan kuulohavaintoon, ei abstrakteihin skolastisiin laskelmiin ja numeerisiin operaatioihin.

Imperialismin suurin tapahtuma 1500- ja 1600-luvun vaihteessa. oli oopperan synty. Jo renessanssin lopulla ilmestynyt ooppera liittyy kuitenkin täysin sen ideoihin ja kulttuuriin. Ooppera erillisenä. genre kasvoi toisaalta teatterista. 1500-luvun esitykset musiikin säestyksellä, toisaalta - madrigalista. T-ran musiikin ovat luoneet monet. kuuluisia 1500-luvun säveltäjiä Siten A. Gabrieli kirjoitti kuoroja Sophokleen tragediaan "Oidipus" (1585, Vicenza). Yksi oopperan edelläkävijöistä oli A. Polizianon Orfeuksen legenda (1480, Mantova). Madrigalissa kehitetään joustavuuden keinoja. runouden inkarnaatioita. tekstiä musiikissa. Yleinen käytäntö esittää madrigaaleja yhden laulajan instruin kanssa. res. toi ne lähemmäs wok-tyyppiä. monody, josta tuli ensimmäisen Italin perusta. ooppera. Lopussa. 16. vuosisata madrigal-komedian genre syntyi mimiikkaleikkauksessa. näyttelemistä seurasi wok. jaksot madrigal-tyyliin. Tyypillinen esimerkki tästä genrestä on O. Veccan "Amphiparnas" (1594).

Vuonna 1581 ilmaantui polemiikka. V. Galilein tutkielma "Dialogo della musica antica et délia moderna" ("Dialogo della musica antica et délia moderna"), jossa laulava wok. deklamaatio (vanhan mallin mukaan) vastusti Keski-luvun "barbaarisuutta". moniäänisyys. Ote Danten jumalallisesta komediasta, jonka hän soitti, oli tarkoitus toimia havainnollistuksena tästä wokista. tyyli. Galileon ajatuksia tuki joukko runoilijoita, muusikoita ja humanistisia tiedemiehiä, jotka yhdistyivät vuonna 1580 valaistuneen firenzeläisen kreivin G. Bardin aloitteesta (ns. Firenzen Camerata). Tämän piirin jäsenet loivat ensimmäiset oopperat - J. Perin "Daphne" (1597-98) ja "Eurydice" (1600) O. Rinuccinin tekstiin. Yksin wok. osia näistä oopperoista res. basso continuo jatkuvat lausunnossa. tavalla, madrigalivarasto säilytetään kuoroissa.

Useita vuotta myöhemmin "Eurydicen" musiikin kirjoitti itsenäisesti laulaja ja säveltäjä. J. Caccini, tory, oli myös kokoelman kirjoittaja. soolokamarilauluja sopin kanssa. "Uutta musiikkia" ("Le nuove musiche", 1601), pää. samalla tyylillä. periaatteita. Tätä kirjoitustyyliä kutsuttiin "uudeksi tyyliksi" (Stile nuovo) tai "kuvatyyliksi" (Stile rappresentativo).

Tuot. Firenzenläiset jossain määrin rationaalisia, niiden arvo ennen kaikkea. kokeellinen. Nerokkaat muusat puhalsivat oopperaan todellisen elämän. näytelmäkirjailija, vahvan traagisen lahjakkuuden K. Monteverdi taiteilija. Hän kääntyi oopperagenren puoleen aikuisiässä, kun hän oli jo monien kirjoittaja. henkinen op. ja maalliset madrigalit. Hänen ensimmäiset oopperansa "Orpheus" (1607) ja "Ariadne" (1608) olivat postitse. Mantuassa. Pitkän tauon jälkeen Monteverdi esiintyi jälleen oopperasäveltäjänä Venetsiassa. Hänen oopperallisen luovuutensa huippu - "Poppean kruunaus" (1642), tuotanto. todellinen shakespearelainen voima, joka erottuu draaman syvyydestä. ilmaisuja, taidokasta hahmojen veistämistä, konfliktitilanteiden terävyyttä ja jännitystä.

Venetsiassa ooppera ylitti kapean aristokraattisuuden. ystävien piirissä ja siitä on tullut julkinen spektaakkeli. Vuonna 1637 täällä avattiin ensimmäinen julkinen oopperatalo "San Cassiano" (vuosina 1637-1800 perustettiin peräti 16 tällaista teatteria). Demokraattisempaa. myös yleisön kokoonpano vaikutti teosten luonteeseen. Mytologinen. teema väistyi historioitsijoiden hallitsevalle paikalle. tarinoita tositoimilla. henkilöt, draama. ja sankarillista. alku kietoutui komediaan ja joskus jopa karkean farssin kanssa. Wok. melodia sai suuren melodisuuden; arious tyyppisiä jaksoja. Näitä Monteverdin myöhäisille oopperoille ominaisia ​​piirteitä kehitettiin edelleen F. Cavallin teoksessa, joka on kirjoittanut 42 oopperaa, joista suosituin oli ooppera Jason (1649).

Rooman ooppera sai omalaatuisen värityksen täällä hallitsevan katolisuuden vaikutuksesta. suuntauksia. Antiikkien kanssa. mytologinen. juonet ("Orpheuksen kuolema" - "La morte d" Orfeo "S. Landi, 1619;" Chain of Adonis "-" La Caténa d "Adone", D. Mazzocchi, 1626) uskonnolliset tulivat oopperaan. Kristuksessa tulkittuja teemoja. moralisoiva suunnitelma. Suurin osa tarkoittaa. manuf. Roomalainen koulu - ooppera "St. Aleksei" Landi (1632), erottuu melodisuudestaan. musiikin rikkaus ja dramaattisuus, kuoron runsaus tekstuuriin kehittynyt. jaksot. Ensimmäiset esimerkit sarjakuvasta ilmestyivät Roomassa. oopperan genre: "Kärsimästä, anna hänen toivoa" ("Che soffre, speri", 1639) V. Mazzocchi ja M. Marazzoli ja "Dal male il bene" ("Dal male il bene", 1653) A. M. Abbatini ja Marazzoli.

K ser. 17. vuosisata ooppera poikkesi lähes täysin Firenzen Cameratan puolustamista renessanssin estetiikan periaatteista. Tämän todistaa venetsialaiseen oopperakouluun liittyvän M.A.Chestin työ. Hänen kirjoituksissaan kiihtynyt draama. resitatiivia vastustaa pehmeä melodinen melodia, pyöristetyn wokin rooli on lisääntynyt. numerot (usein dramaattisuuden kustannuksella. Toiminnan perustelut). Kunniaooppera "Kultaomena" ("Il porno d" oro ", 1667), joka lavastettiin mahtipontisesti Wienissä keisari Leopold I:n häiden kunniaksi, tuli prototyyppi seremoniallisille paraatiesityksille, jotka ovat sittemmin yleistyneet. Euroopassa. se ei ole enää puhtaasti italialainen ooppera, - kirjoittaa R. Rolland, - se on eräänlainen kansainvälinen hoviooppera".

Lopusta. 17. vuosisata johtava rooli italian kehityksessä. ooppera siirtyi Napoliin. Napolilaisen oopperakoulun ensimmäinen merkittävä edustaja oli F. Provenzale, mutta sen todellinen pää oli A. Scarlatti. Lukuisten oopperateosten (yli 100) kirjoittaja hyväksyi tyypillisen italialaisen rakenteen. Opera-seria, säilytetty ilman olentoja. muutoksia loppuun asti. 1700-luvulla Päämaja paikka tämäntyyppisessä oopperassa kuuluu aariaan, yleensä 3-osaiseen da capoon; resitatiiville annetaan palvelurooli, kuorojen ja yhtyeiden merkitys minimoidaan. Mutta kirkas melodinen. lahja Scarlatti, moniääninen taito. kirjaimet, kiistaton näytelmäkirjailija. intuitio antoi säveltäjälle kaikista rajoituksista huolimatta vahvan, vaikuttavan vaikutuksen. Scarlatti kehitti ja rikasti sekä laulua että instrumentaalia. oopperan muodot. Hän kehitti tyypillisen italialaisen rakenteen. oopperaalkusoitto (tai silloisen terminologian mukaan sinfonia) nopeilla ääriosilla ja hitaalla keskijaksolla, josta tuli sinfonian prototyyppi sellaisenaan. kons. toimii.

Oopperan läheisessä yhteydessä kehittyi uusi kirjallisuuden ulkopuolisen musiikin genre. uskonto isk-va - oratorio. Uskonnoista syntyneitä. lukemia monikulmiolaulun säestyksellä. kiitos, hän sai omansa. valmis. muoto J. Karissimin teoksissa. Pääosin raamatullisista teemoista kirjoitetuissa oratorioissa hän rikasti puoliväliin mennessä kehittyneitä oopperamuotoja. 1600-luku, kuoron saavutukset. kons. tyyli. Carissimin jälkeen tätä genreä kehittäneiden säveltäjien joukossa erottui A. Stradella (hänen persoonallisuutensa tuli legendaariseksi seikkailunhaluisen elämäkertansa ansiosta). Hän toi draaman elementtejä oratorioon. patetiikkaa ja ominaisuuksia. Melkein kaikki napolilaisen koulukunnan säveltäjät kiinnittivät huomiota oratorion genreen, vaikka oopperaan verrattuna oratoriolla oli toissijainen paikka heidän työssään.

Oratorion sukulainen genre on kamarikantaatti yhdelle, joskus 2-3 äänelle soprilla. jatkuva basso. Toisin kuin oratoriossa, siinä vallitsi maalliset tekstit. Tämän genren merkittävimmät mestarit ovat Carissimi ja L. Rossi (yksi roomalaisen oopperakoulun edustajista). Kuten oratorio, kantaatti esitti merkityksen. rooli wokin valmistuksessa. muotoja, joista on tullut tyypillisiä napolilaiselle oopperalle.

Kulttimusiikin alalla 1600-luvulla. jota hallitsee halu ulkoiseen, näyttävään suuruuteen, jonka saavutti Ch. arr. määrien takia. vaikutus. Venetsian koulukunnan mestareiden kehittämä polychorus-periaate muuttui hyperboliseksi. mittakaavassa. Joissakin tuotannossa. käytetty jopa kaksitoista 4 maalia. kuorot. Jättimäinen kuoro. sävellyksiä täydennettiin lukuisilla. ja erilaisia ​​soittimia. Tämä upea barokkityyli kehitettiin erityisesti Roomassa, ja se korvasi Palestrinan ja hänen seuraajiensa tiukan, hillityn tyylin. Myöhäisen roomalaisen koulukunnan näkyvimmät edustajat ovat G. Allegri (kuuluisan "Misereren" kirjoittaja, W. A. ​​Mozartin korvaaman äänittämä), P. Agostini, A. M. Abbatini, O. Benevoli. Samaan aikaan ns. "konserttityyli", lähellä varhaisen italialaisen ariose-resitatiivista laulua. oopperat, joista esimerkkejä ovat A. Bancierin (1595) ja L. Viadanan (1602) pyhät konsertit. (Viadanan katsottiin, kuten myöhemmin kävi ilmi, ilman riittäviä perusteita digitaalisen basson keksimiseksi.) C. Monteverdi, Marco da Galliano, F. Cavalli, G. Legrenzi ja muut säveltäjät, jotka toivat heidät kirkkoon, kirjoittivat samaan tapaan. oopperan tai kamarikantaatin musiikkielementtejä.

Intensiivinen muusojen uusien muotojen ja keinojen etsiminen. ilmaisukykyä sanelee halu ilmentää rikasta ja monipuolista humanistia. sisältöä, suoritettiin instr. musiikkia. Yksi suurimmista org-mestareista. ja klavier-musiikkia esi-Bachia edeltävältä ajalta oli G. Frescobaldi - loistava säveltäjä. yksilöllisyys, loistava urku- ja cembalovirtuoosi, joka tuli tunnetuksi kotimaassa ja muualla Euroopassa. maat. Hän toi sen perinteeseen. rikkaammat automuodot, fantasiat, toccata, intensiivisen ilmaisukyvyn ja tunteenvapauden piirteet rikasttivat melodiaa. ja harmoninen. kieli, kehitetty moniääniseksi. rakenne. Hänen tuotannossaan. kiteytynyt klassikko. eräänlainen fuuga, jolla on selkeästi tunnistetut sävysuhteet ja yleissuunnitelman täydellisyys. Frescobaldin työ on italian huippu. org. oikeusjuttu. Hänen innovatiiviset valloitukset eivät löytäneet merkittäviä seuraajia Italiassa, vaan muiden maiden säveltäjät jatkoivat ja kehittivät niitä. Italiassa. instr. musiikkia 2. kerroksesta. 17. vuosisata Päärooli siirtyi jousisoittimille ja ennen kaikkea viululle. Tämä johtui viulun esittävän taiteen kukoistamisesta ja itse instrumentin kehittymisestä. 17-18-luvuilla. Italiassa syntyi kuuluisien viulunvalmistajien dynastiat (Amati-, Stradivari-, Guarneri-suvut), joiden soittimet ovat säilyneet voittamattomina tähän päivään asti. Erinomaiset viuluvirtuoosit olivat suurimmaksi osaksi myös säveltäjiä, heidän työssään vakiintui uusia tekniikoita viulusoolon esittämiseen, kehitettiin uusia muusoja. lomakkeita.

1500- ja 1600-luvun vaihteessa. Venetsiassa kehittyi triosonaatin genre - moniosainen tuotanto. 2 soolosoittimelle (useammin viuluille, mutta ne voitaisiin korvata muilla vastaavan tessituran soittimilla) ja basso. Tätä genreä oli 2 lajiketta (molemmat kuuluivat maallisen kamarimusiikin tekemiseen): "kirkkosonaatti" ("sonata da chiesa") - 4-osainen sykli, jossa hitaat ja nopeat osat vuorottelevat, ja "kamari". sonaatti" ("sonata da camera"), joka koostuu useista. tanssikappaleita. luonne, lähellä sviittiä. Näiden genrejen jatkokehitys on erityisen merkittävää. roolia näytteli Bolognan koulukunta, joka esitti loistavan viulutaidemestarien galaksin. Sen vanhempia edustajia ovat M. Cazzati, J. Vitali, J. Bassani. Eräs aikakausi viulu- ja kamariyhtyemusiikin historiassa oli A. Corellin (Bassanin oppilaan) työ. Hänen toimintansa kypsä aika liittyi Roomaan, jossa hän loi oman koulunsa, jota edustivat sellaiset nimet kuin P. Locatelli, F. Geminiani, J. Somis. Corellin työssä triosonaatin muodostuminen saatiin päätökseen. Hän laajensi ja rikastutti esitystä. jousisoittimien mahdollisuudet. Hän kuuluu myös sonaattisarjaan sooloviululle res. cembalo. Tämä uusi genre, joka syntyi con. 1600-luvulla, merkitsi valmistumista. väite on monodinen. periaate instr. musiikkia. Corelli loi yhdessä aikalaisensa G. Torellin kanssa concerto grosson - tärkeimmän kamariorkesterimusiikin muodon 1700-luvun puoliväliin asti.

Loppuun. 17 - aikaisin. 1700-luvulla lisääntynyt kansainvälinen. I. m. Mn.n kunnia ja auktoriteetti. ulkomaalainen muusikot houkuttelivat Italiaan suorittamaan koulutuksensa ja saamaan hyväksynnän, mikä takasi tunnustuksen kotimaassaan. Opettajana hän oli erityisen kuuluisa korkeasti koulutetusta muusikosta, säveltäjästä. ja teoreetikko JB Martini (tunnetaan nimellä Padre Martini). K. V. Gluck, W. A. ​​Mozart, A. Gretri käyttivät hänen neuvojaan. Kiitos hänelle, Bolognan filharmonia. akatemiasta on tullut yksi Euroopan suurimmista musiikkikeskuksista. koulutus.

Ital. 1700-luvun säveltäjät pää huomiota kiinnitettiin oopperaan. Vain harvat heistä jäivät poissa oopperatalosta, joka houkutteli laajaa yleisöä kaikilta elämänaloilta. Tämän vuosisadan jättimäisen volyymin oopperatuotanto on erityyppisten säveltäjien luomia. lahjakkuusasteikko, jonka joukossa oli monia lahjakkaita taiteilijoita. Oopperan suosiota edisti laulun esiintyjien korkea taso. kulttuuri. Laulajat valmistelivat Ch. arr. viherhuoneissa - orpokodeissa, jotka syntyivät 1500-luvulla. Napolissa ja Venetsiassa - Italian tärkeimmät keskukset. oopperaelämä 1700-luvulla. oli 4 konservatoriota, joissa muusat. koulutusta johtivat suurimmat säveltäjät. Laulaja ja säveltäjä. F. Pistocchi perustettiin Bolognassa (n. 1700) erikois. kuoro. koulu. Erinomainen wok. opettaja oli N. Porpora, yksi napolilaisen koulukunnan tuotteliaimmista oopperasäveltäjistä. Kuuluisten bel canton taiteen mestareiden joukossa 1700-luvulla. - päämiehen esiintyjät. oopperasarjassa näyttelivät kastralaulajia A. Bernacchi, Caffarelli, F. Bernardi (lempinimi Senesino), Farinelli, G. Crescentini, jolla oli virtuoosi wok. tekniikka yhdistettynä pehmeään ja kevyeen äänensävyyn; laulajat F. Bordoni, F. Cuzzoni, K. Gabrielli, V. Tezi.

Ital. ooppera nautti etuoikeuksia. asema suurimmassa osassa Eurooppaa. kirjaimet. Hän houkuttelee. vahvuus ilmeni myös siinä, että pl. muiden maiden säveltäjät loivat oopperoita italiaksi. tekstejä napolilaisen koulukunnan hengessä ja perinteissä. Siihen liittyivät espanjalaiset D. Perez ja D. Terradellas, saksalainen I. A. Hasse, tšekki J. Myslivechek. Saman koulun valtavirrassa se virtasi. osa GF Handelin ja KV Gluckin toimintaa. italialaiselle. oopperakohtaukset ovat venäjän kirjoittamia. säveltäjät - M. S. Berezovsky, P. A. Skokov, D. S. Bortnyansky.

Kuitenkin jo napolilaisen oopperakoulun johtajan, oopperasarjan luojan A. Scarlattin elinaikana siihen liittyvät taiteet paljastettiin. ristiriitaisuuksia, to-rye oli syynä ankaralle kritiikille. puheita häntä vastaan. Alussa. 20s 1700-luvulla satiiri ilmestyi. pamfletti muusat. teoreetikko B. Marcello, jossa pilkattiin oopperakirjastojen absurdeja konventioita, draaman säveltäjien laiminlyöntiä. toiminnan merkitys, primadonnien ja kastroitujen laulajien julkea tietämättömyys. Syvän etiikan puutteesta. sisältö ja ulkoisvaikutusten väärinkäyttö kritisoitu sovr. olen italialainen ooppera. valistaja F. Algarotti teoksessa "Essee oopperasta" ("Saggio sopra l" orera in musica ... ", 1754) ja tietosanakirjatutkija E. Arteaga teoksessa "Italialaisen musiikkiteatterin vallankumous" (" Le rivoluzioni del" teatro musicale italiano dalla sua origine fino al presente ", v. 1-3, 1783-86).

Libretistirunoilijat A. Zeno ja P. Metastasio ovat kehittäneet vakaan historiallisen ja mytologisen rakenteen. oopperasarja, jossa draaman luonnetta säädettiin tiukasti. juonittelut, näyttelijöiden lukumäärä ja suhteet, soolowokkityypit. huoneet ja niiden sijainti luonnonkauniissa ympäristössä. toiminta. Klassisen draaman lakeja noudattaen he antoivat oopperalle sävellyksen yhtenäisyyden ja harmonian, vapauttivat sen traagisen sekoituksesta. elementtejä komedialla ja farssilla. Samalla näiden näytelmäkirjailijoiden oopperateksteihin leimaavat aristokraattiset piirteet. urheus, kirjoitettu keinotekoisella, hienostuneella kielellä. Opera seria, isp. leikkaus ajoitettiin usein tulemaan. juhliin, piti päättyä pakolliseen turvalliseen päättymiseen, hänen hahmojensa tunteet olivat ehdollisia ja epäuskottavia.

Kaikki R. 1700-luvulla oli taipumus voittaa oopperasarjan vakiintuneet kliseet ja tiiviimpi yhteys musiikin ja draaman välillä. toiminta. Tämä johti saattoresitatiivin roolin vahvistumiseen, örkin rikastumiseen. kuoron värit, laajennus ja dramatisointi. kohtauksia. Nämä innovatiiviset suuntaukset ilmenivät selvimmin N. Jommellin ja T. Traettan teoksissa, jotka valmistivat osittain Gluckin oopperauudistusta. Oopperassa Iphigenia in Taurida Traetta onnistui G. Abertin mukaan "etenemään Gluckin musiikkidraaman porteille". Säveltäjät ns. A. Sacchini ja A. Salieri olivat Gluckin uudistuksen vakuuttuneita kannattajia ja kannattajia.

Vahvin vastustus on ehdollisesti sankarillista. oopperasarjan sävelsi uusi demokraattinen. ooppera-buffa genre. Klo 17 ja aikaisin. 1700-luvulla koominen. ooppera esitettiin vain yksittäisinä näytteinä. Kuinka he seisovat omillaan. genre hän alkoi muodostua napolilaisen koulun vanhempien mestareiden L. Vincin ja L. Leon joukossa. Ensimmäinen klassikko näyte oopperabuffasta on Pergolesin "The Maid-Lady" (käytettiin alun perin välikappaleena hänen oman oopperasarjansa "Ylpeä vanki", 1733) esitysten väliin. Kuvien realismia, eloisuutta ja muusojen terävyyttä. ominaisuudet vaikuttivat välikappaleen JB Pergolesin laajimpaan suosioon monikkomuodossa. maissa, erityisesti Ranskassa, jossa hänen asemansa. vuonna 1752 toimi sysäyksenä kiihkeän estetiikan syntymiselle. polemiikkaa (katso "Buffonien sota") ja myötävaikutti ranskalaisten muodostumiseen. nat. koominen tyyppi. ooppera.

Menettämättä yhteyttä sänkyyn. juuret, italialainen. Opera buffa kehitti myöhemmin kehittyneempiä muotoja. Toisin kuin oopperasarjassa, soolowok voitti leikkauksessa. alussa, sarjakuvassa. Oopperayhtyeillä oli suuri merkitys. Kehittyneimmät yhtyeet sijoittuivat eloisiin, nopeasti eteneviin finaaliin, jotka olivat eräänlaisia ​​komedian juonittelun solmuja. N. Logroshinoa pidetään tämän tyyppisten tehokkaiden loppukokoonpanojen luojana. K. Goldonilla, huomattavalla italialaisella, oli hedelmällinen vaikutus Opera buffan kehitykseen. 1700-luvun koomikko, joka heijasteli teoksissaan valistusrealismin ajatuksia. Hän oli kirjoittanut useita oopperakirjoja, joista useimmat oli säveltänyt yksi merkittävimmistä italialaisista mestareista. koominen. ooppera venetsialainen B. Galuppi. 60-luvulla. 1700-luvulla oopperassa buffa ilmenee sentimentalistisia taipumuksia (esim. N. Piccinnin ooppera Goldonin tekstistä "Chekkina eli hyvä tytär", 1760, Rooma). Opera buffa lähestyy moraalia heijastavaa "filistealaista draamaa" tai "kyynelistä komediaa". kolmannen aseman ihanteet Suurranskan aattona. vallankumous.

N. Piccinnin, G. Paisiellon ja D. Cimarosan työ on viimeinen, korkein vaihe opera buffan kehityksessä 1700-luvulla. Heidän tuotantonsa yhdistäen komedian elementtejä tunteisiin. säälittävä, melodinen. oopperaohjelmistossa on säilynyt musiikin muotojen rikkaus, eloisuus, sulavuus ja liikkuvuus. Nämä säveltäjät lähestyivät Mozartia monella tapaa ja valmistivat yhden Italian suurimmista teoksen. seuraavan vuosisadan oopperasäveltäjät G. Rossini. Myöhempi oopperasarja omaksui tietyt ooppera-buffan piirteet, mikä johti sen muotojen suurempaan joustavuuteen, melodian yksinkertaisuuteen ja spontaanisuuteen. ilmaisuja.

Keinot. panoksen teki ital. 1700-luvun säveltäjät kehitysvaiheessa hajoaa. instr:n genret musiikkia. Viulutaiteen alalla Corellin jälkeen suurin mestari oli G. Tartini. Jatkaessaan edeltäjiään seuranneen sooloviulusonaatin ja triosonaatin genrejen viljelemistä hän täytti ne uudella kirkkaalla ilmaisuvoimalla, rikasti viulunsoiton tekniikoita, laajensi sen tuolloin tavanomaista soundivalikoimaa. Tartini loi oman koulunsa nimeltä Padova (Padovan kaupungin mukaan, jossa hän vietti suurimman osan elämästään). Hänen oppilaitaan olivat P. Nardini, P. Albergi, D. Ferrari. 2. kerroksessa. 1700-luvulla avautui virtuoosi-esiintyjänä. ja luova. suurimman italialaisen G. Punyanin toimintaa. viulisti klassikko aikakausi. Sen monien joukossa. oppilaiden erityisen kuuluisa J. B. Viotti, jonka työskentely tuntuu joskus jo romanttiselta. suuntauksia.

Orc. concerto grosso on rohkea ja omaperäinen. innovatiivinen taiteilija oli A. Vivaldi. Hän dramatisoi tätä muotoa, joka esiteltiin yhdessä dynaamisen kanssa. vastakkaiset suuret ja pienet soitinryhmät (tutti ja konsertto) temaattisesti. vastakohtia osastolla. osat, perusti 3-osaisen syklin rakenteen, joka on säilynyt klassikossa. instr. konsertti. (J.S.Bach arvosti Vivaldin viulukonserttoja suuresti, ja hän litteroi osan niistä klavierille ja urkuille.)

J. B. Pergolesin triosonaateissa esiklassisen musiikin piirteet näkyvät. "galantti" tyyli. Niiden kevyt, läpinäkyvä tekstuuri on lähes kokonaan homofoninen, melodia erottuu pehmeä melodisuus ja graceus. Yksi säveltäjistä, jotka valmistivat suoraan klassisen kukinnan. instr. musiikkia, oli J. Sammartini (78 sinfonian, useiden sonaattien ja konserttien kirjoittaja eri soittimille), luovuuden luonteeltaan lähellä Mannheimin ja varhaisen wieniläisen koulukunnan edustajia. L. Boccherini yhdisti teoksessaan elementtejä uljaan herkkyydestä esiromantiikkaan. innostunut patos ja läheisyys pankkoihin. lähteet. Tulet huomaamaan. Sellisti, hän rikasti soolosellokirjallisuutta, oli yksi klassisen musiikin perustajista. kuin kumartunut kvartetti.

Taiteilija on vilkas ja rikas luova taiteilija. fantasia, D. Scarlatti laajensi ja päivitti clavier-musiikin figuratiivista rakennetta ja ilmaisukeinoja. Hänen sonaattinsa cembalolle (kirjoittaja kutsui niitä "harjoituksiksi" - "Essercizi per gravicembalo"), jotka vaikuttavat erilaisiin luonne- ja esitystekniikoihin, ovat eräänlainen tietosanakirja tuon aikakauden klaviertaiteesta. Selkeissä ja ytimekkäissä sonaateissa Scarlatin tematiikka terävöityy. kontrasteja, selkeästi hahmoteltu DOS. osia sonaattinäyttelystä. Scarlatin jälkeen klaverisonaatti kehittyi B. Galuppin, D. Albertin (jonka nimi liittyy Alberti-basso määritelmään), G. Rutinin, P. Paradisin, D. Cimarosan teoksissa. M. Clementi, joka on omaksunut joitakin D. Scarlattin tyylin puolia (joka ilmeni erityisesti 12 sonaatin luomisessa "Scarlattin tyyliin"), tulee sitten lähemmäksi kehittyneen klassisen musiikin mestareita. . tyyliin ja joskus lähestyy romantiikan alkuperää. virtuositeetti.

N. Paganini avasi uuden aikakauden viulutaiteen historiassa. Esiintyjänä ja säveltäjänä hän oli tyypillisesti romanttinen taiteilija. varasto. Hänen soittonsa teki vastustamattoman vaikutuksen yhdistämällä suuren virtuosisuuden tuliseen fantasiaan ja intohimoon. Mn. manuf. Paganini ("24 Caprices" sooloviululle, konsertot viululle ja orkesterille jne.) ovat edelleen lyömättömiä esimerkkejä viuluvirtuoosikirjallisuudesta. Ne vaikuttivat paitsi viulumusiikin koko myöhempään kehitykseen 1800-luvulla, myös romantiikan suurimpien edustajien työhön. pianismi - F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt.

Paganini oli viimeinen suurista italialaisista. mestareita, jotka työskentelivät työkalujen alalla. musiikkia. 1800-luvulla. säveltäjien ja yleisön huomio oli lähes kokonaan kiinnitetty oopperaan. 18-19 vuosisatojen vaihteessa. ooppera Italiassa koki tunnetun pysähtyneisyyden ajan. Perinteet. Opera-seria- ja Opera-buffa-tyypit olivat siihen mennessä jo käyttäneet mahdollisuudet eivätkä kyenneet kehittymään. Italian suurimman luovuus. Tämän ajan oopperasäveltäjä G. Spontini eteni Italian ulkopuolelle (Ranskassa ja Saksassa). S. Mayrin (kansalaisuudeltaan saksalainen) yritykset tukea Opera-serian perinteitä (oksastamalla tiettyjä lainattuja elementtejä) osoittautuivat eklektisiksi. Opera-buffaan vetoava F. Paer ei tuonut tähän genreen mitään oleellisesti uutta Paisiellon ja Cimarosan teoksiin verrattuna. (Musiikin historiassa Paerin nimi on säilynyt Beethovenin vaakalähteenä toimineen J. Bouillyn tekstiin perustuvan oopperan Leonora eli aviollinen rakkaus kirjoittajana. Fidelio.)

Italian korkea kukinta. oopperat 1800-luvulla. liittyi G. Rossinin toimintaan - säveltäjä, jolla on lahja ehtymättömällä melodialla. kekseliäisyys, eloisa, kiihkeä luonne ja erehtymätön näytelmäkirjailija. hohto. Italian kielen yleinen nousu heijastui hänen työssään. isänmaallisuuden kasvun aiheuttama kulttuuri. kansallinen julkaisu. pyrkimyksiä. Syvästi demokraattinen., Nar. alkuperältään Rossinin oopperallinen luovuus oli suunnattu laajalle kuuntelijajoukolle. Hän herätti natin henkiin. tyyppistä ooppera-buffaa ja puhalsi siihen uutta elämää terävöittäen ja syventäen toiminnan ominaisuuksia. ihmisiä ja tuo heidät lähemmäs todellisuutta. Hänen "Sevillan parturi" (1816) on italialaisen kielen huippu. koominen. ooppera. Rossini yhdistää komedian periaatteen satiiriseen, libreen. Jotkut hänen oopperoistaan ​​sisältävät suoria viittauksia yhteiskuntiin. ja poliittinen. sen ajan tunnelmaa. Oopperoissa, sankarinäytelmissä. luonteeltaan hän voitti oopperasarjan jäätyneet kliseet, erityisesti kiinnittäen kuoroon erityistä merkitystä. alku. Lankkusänkyjä kehitetään laajasti. kohtauksia Rossinin viimeisessä oopperassa "Wilhelm Tell" (1829) kansallisesta vapautumisesta. juoni, tulkittu romanttisesti. suunnitelma.

Romanttinen saa elävän ilmeen. suuntauksia V. Bellinin ja G. Donizettin teoksissa, joiden toiminta kehittyi 30-luvulla. 1800-luvulla, jolloin liike nat. herätys (Risorgimento) Italiassa astui ratkaisevaan vaiheeseen taistelussa yhtenäisyyden ja poliittisen puolesta. maan itsenäisyys. Bellinin oopperassa Norma (1831) ja Puritaanit (1835) kansallinen vapautuminen kuuluu selvästi. motiivit, vaikka pääpaino on säveltäjän omassa sankarien draamassa. Bellini oli ilmaisun mestari. romanttinen. cantilena, joka herätti MI Glinkan ja F. Chopinin ihailua. Donizetti kaipaa vahvoja draamoja. tehosteita ja koskettavia asentoja joskus kaadettu stilted melodraama. Siksi se on suuri romanttinen. oopperat ("Lucretia Borgia", V. Hugo, 1833; "Luciadi Lammermoor", W. Scott, 1835) osoittautuivat vähemmän kannattaviksi kuin tuotannot. komedialaji ("Love Potion", 1832; "Don Pasquale", 1843), jossa perinne. kirjoita ital. Opera-buffa sai uusia piirteitä: genretaustan merkitys kasvoi, melodia rikastui arkisen romanssin ja laulun intonaatioilla.

J.S. Mercadanten, G. Pacinin ja joidenkin muiden saman aikakauden säveltäjien teokset eivät eronneet sinänsä. yksittäisiä piirteitä, mutta heijasteli yleistä taipumusta dramatisoida oopperamuotoa ja rikastuttaa musiikkia. varoja. Tässä suhteessa he olivat välittömiä. G. Verdin edeltäjät - yksi suurimmista oopperanäytelmäkirjailijoista ei vain italiassa, vaan myös muusojen maailmassa. t-ra.

Verdin varhaiset oopperat, jotka ilmestyivät lavalle 40-luvulla. 1800-luku, joka ei vielä täysin itsenäinen tyylillisesti ("Nabucco", "Lombardit ensimmäisessä ristiretkessä", "Ernani"), herätti yleisön kiihkeän innostuksen isänmaallisuudellaan. paatos, romanttinen. tunteiden riemu, sankaruuden henki ja vapauden rakkaus. Tuotannossa 50-luku ("Rigoletto", "Troubadour", "La Traviata") hän saavutti suuren psykologisen. kuvien syvyyttä, voimaa ja totuudenmukaisuutta akuuttien, intensiivisten henkisten konfliktien ruumiillistuksesta. Wok. Verdin kirjoitus vapautetaan ulkoisesta virtuoosisuudesta, kulkuornamentoinnista, ja siitä tulee orgaanisesti kiinteä osa melodiaa. linjat, hankittu express. merkitys. 60-70-luvun oopperoissa. ("Don Carlos", "Aida") hän pyrkii edelleen paljastamaan laajoja draaman kerroksia. musiikin toimintaa, orkesterin roolin vahvistamista, muusojen rikastamista. Kieli. Yhdessä viimeisistä oopperoistaan ​​- "Othello" (1886) Verdi tuli lopun luomiseen. muusat. draamoja, joissa musiikki liittyy erottamattomasti toimintaan ja välittää joustavasti kaiken psykologisen. sävyjä.

Verdin seuraajia mm. Suositun oopperan La Gioconda (1876) kirjoittaja A. Ponchielli ei voinut rikastaa oopperaperiaatteitaan uusilla olennoilla. saavutuksia. Samaan aikaan Verdin työ kohtasi Wagnerin musiikkidraaman kannattajien vastustusta. uudistuksia. Wagnerilaisuudella ei kuitenkaan ollut syvää juurta Italiassa, Wagnerin vaikutus heijastui joissakin säveltäjissä ei niinkään oopperadraaman periaatteissa kuin harmonisissa tekniikoissa. ja örkki. kirjaimet. Wagnerilaiset taipumukset heijastuivat Boiton (1868) oopperaan "Mefistofeles", joka siirtyi toryyn Wagneriin ihastumisen ääripäistä.

Lopussa. 1800-luvulla verismi yleistyi Italiassa. Mascagnin (1890) ja Leoncavallon Pagliaccin (1892) oopperoiden "Rural Honor" (1892) valtava menestys vaikutti osaltaan tämän suuntauksen vakiinnuttamiseksi italian kielen hallitsevaksi. oopperallista luovuutta. U. Giordano (hänen teosten joukossa tunnetuin ooppera "André Chénier", 1896), F. Chilea liittyi verismiin.

Tähän suuntaukseen liittyi myös suurimman italialaisen työ. oopperasäveltäjä Verdin jälkeen - G. Puccini. Hänen tuotantonsa. yleensä omistettu tavallisten ihmisten draamaa, joka esitetään värikästä kotitaloustaustaa vasten. Samalla Puccinin oopperat ovat vapaita verismiin ominaisesta naturalistisuudesta. paholainen, eroavat suuremmasta hienovaraisuudesta psykologisesti. analyysi, sielukas lyriikka ja kirjoittamisen armo. Uskollisena parhaille italialaisille perinteille. bel canto, Puccini teroitti julistusta. wokin ilmaisukyky. melodiat, pyrkivät tuomaan yksityiskohtaisempaan puheen vivahteet laulussa. Värikäs harmoninen. ja örkki. hänen oopperoidensa kieli sisältää tiettyjä impressionismin elementtejä. Hänen ensimmäisissä kypsissä tuotannoissaan. (La Bohème, 1896; Tosca, 1900) Puccini yhdistetään edelleen italiaan. 1800-luvun oopperaperinteestä, tulevaisuudessa sen tyyli monimutkaisi, ilmaisuvälineet saivat enemmän terävyyttä ja keskittymiskykyä. Erikoinen ilmiö italiaksi. oopperataide - E. Wolf-Ferrarin työ, tory yritti modernisoida klassikkoa. tyyppinen ooppera-buffa, joka yhdistää sen perinteen. muotoilee tyylillä myöhäisen romantiikan keinot ("Uteliaat naiset", 1903; "Neljä tyrannia", 1906, Goldonin juoneilla). Pääasiassa verismin polkua kävelevä R. Dzandonai lähestyi joitain uusia muusoja. 1900-luvun virrat.

Italian korkeat saavutukset. ooppera klo 19 - aikaisin. 1900-luvulla yhdistettiin wok-soiton loistavaan kukoistamiseen. kulttuuri. italialaiset perinteet. 1800-luvulla muodostettua bel cantoa kehitetään edelleen taiteessa. sukupolvien maailmankuuluja laulajia. Samalla heidän esityksensä saa uusia piirteitä, muuttuen lyyrisemmiksi ja dramaattisemmiksi. Viimeinen erinomainen puhtaasti virtuoosin edustaja, joka lahjoitti draamaan. sisältöä äänen ja teknisen kauneuden vuoksi. äänen liikkuvuus, oli A. Catalani. Italian mestareiden joukossa. wok. koulut 1. kerros. 1800-luvulla, syntyi Rossinin, Bellinin ja Donizettin oopperateosten pohjalta - laulajat Giuditta ja Julia Grisi, J. Pasta, laulajat G. Mario, J. B. Rubini. 2. kerroksessa. 1800-luvulla "Verdi" -laulajien galaksi on nousemassa esiin, johon kuuluivat laulajat A. Bosio, B. ja K. Marchisio, A. Patti, laulajat M. Battistini, A. Mazini, J. Anselmi, F. Tamagno , E. Tamberlik ym. 1900-luvulla. glory ital. oopperoita tukivat laulajat A. Barbie, G. Bellincioni, A. Galli-Curci, T. Dal Monte, E. ja L. Tetrazzini, laulajat J. De Luca, B. Gigli, E. Caruso, T. Skipa, Titta Ruffo ja dr.

Lopusta. 1800-luvulla oopperan merkitys Italin työssä. säveltäjät heikkenevät ja on taipumus siirtyä huomion painopisteeseen instr. genrejä. Aktiivisen luovuuden elvyttäminen. kiinnostusta työkaluihin. musiikkia edistivät J. Sgambati (saanut tunnustusta Euroopassa pianistina ja kapellimestarina) ja G. Martuccin toiminta. Mutta molempien säveltäjien työ, joka kehittyi F. Lisztin ja R. Wagnerin vaikutuksen alaisena, ei ollut tarpeeksi itsenäistä.

Uuden estetiikan saarnaajana. ideoilla ja tyyliperiaatteilla on suuri vaikutus koko Euroopan kehitykseen. 1900-luvun musiikkia F. Busoni - yksi aikansa suurimmista pianisteista, merkittävä säveltäjä ja taideteoreetikko. Heille esitettiin "uuden klassismin" käsite, jonka hän vastusti, toisaalta impressionistista. kuvien sujuvuus, sävyjen vaikeaselkoisuus, toisaalta - Schönbergin atonalismin "anarkia" ja "mielivaltaisuus". Sinun luovasi. Busonin periaatteet toteutuivat sellaisissa teoksissa kuin "Counterpoint Fantasy" (1921), "Improvisation on a Bach Chorale" 2 fp. (1916), sekä oopperat "Harlequin, or Window", "Turandot" (molemmat post. 1917), joissa hän hylkäsi kehitetyn wokin. Ital-tyylinsä. edeltäjänsä ja pyrkivät lähestymään muinaisten pankkien tyyppiä. komedia tai slapstick.

Uusklassismin valtavirrassa italialainen luovuus muotoutui. säveltäjät, jotka joskus yhdistyvät nimen alle. "1880-luvun ryhmät." - I. Pizzetti, J. F. Malipiero, A. Casella. He pyrkivät elvyttämään suuren natin perinteitä. muusat. menneisyyteen viitaten muotoihin ja tyyliin. vastaanotot italia. Barokki- ja gregoriaanisen laulun melodioita. Vanhan musiikin propagandisti ja tutkija, Malipiero publ. kokoelma K. Monteverdin teoksia, instr. manuf. A. Vivaldi ja monien unohdettu perintö. ital. 1600- ja 1700-lukujen säveltäjät Teoksissaan hän käyttää vanhan barokkisonaatin, richercarin jne. muotoja. Oopperansa DOS. expressillä. wok. lausunnot ja niukat örkkivälineet. res., heijastavat tulevaa 20-luvulla. reaktio verismia vastaan. Casellan uusklassistiset taipumukset ilmenivät php:n "Partitassa". orkesteri (1925), sarja "Scarlattiana" (1926), musiikkiteatteria. manuf. (esimerkiksi kamariooppera The Legend of Orpheus, 1932). Samalla hän kääntyi italiaksi. kansanperinne (rapsodia orkesterille "Italia", 1909). Hänen värikäs örkkinsä. kirje kehitettiin suurelta osin venäjän vaikutuksen alaisena. ja ranskaksi. kouluissa (Balakirevin Islamein orkestrointi oli kunnianosoitus hänen intohimolleen venäläistä musiikkia kohtaan). Pizzetti toi oopperoihinsa uskonnollisia-moralisoivia elementtejä ja kyllästi muusat. kieli gregoriaanisen laulun intonaatioilla rikkomatta samalla italialaisia ​​perinteitä. 1800-luvun oopperakoulu. Useita Tässä säveltäjäryhmässä erityinen paikka on O. Respighin, örkkimestarin, teoksilla. äänikirjoitus (hänen teoksensa muodostumiseen vaikuttivat N. A. Rimsky-Korsakovin oppitunnit). Symph. Respighin runot ("Roman Fountains", 1916; "Pines of Rome", 1924) antavat eläviä kuvia narista. elämä ja luonto. Uusklassistiset suuntaukset näkyivät hänen myöhemmissä töissään vain osittain. Huomattava rooli I. m. 1. kerroksessa. 20. vuosisata esitti F. Alfano, veristisen liikkeen näkyvä edustaja (Leo Tolstoin romaaniin perustuva Resurrection-ooppera, 1904), joka sitten kehittyi impressionismiin; M. Castelnuovo-Tedesco ja V. Rieti, to-rye alussa. Toinen maailmansota 1939-45 poliittisesti. motiivit jättivät kotimaansa ja asettuivat Yhdysvaltoihin.

40-luvun vaihteessa. 20. vuosisata I. m:ssä tapahtuu havaittavia tyylimuutoksia. Uusklassismin suuntauksia korvaavat virrat, jotka kehittävät tavalla tai toisella uuden wieniläisen koulukunnan periaatteita. Tässä suhteessa suuntaa antava on luova. G. Petrassin evoluutio, tory, kokenut A. Casellan ja I. F. Stravinskyn vaikutuksen, siirtyi ensin vapaan atonaalisuuden ja sitten tiukan dodekafonian asemaan. Tämän ajanjakson suurin säveltäjä I. M. - L. Dallapikkola, jonka teokset herättivät laajaa huomiota toisen maailmansodan jälkeen. Hänen tuotannossaan. 40- ja 50-luvuilla ekspressionismin ja sukulaisuuden piirteet ilmenevät. A. Bergin työhön. Parhaat niistä ilmentävät humanistista. protesti tyranniaa ja julmuutta vastaan ​​(koor. triptyykki "Songs of Prisoners", 1938-1941; ooppera "The Prisoner", 1944-48), mikä antoi heille tietyn antifasistisen suuntauksen.

Toisen maailmansodan jälkeen esiin tulleista nuoremman sukupolven säveltäjistä mainetta saivat L. Berio, S. Bussotti, F. Donatoni, N. Castiglioni, B. Maderno, R. Malipiero ym. Heidän tuotantoonsa liittyy erilaisten kanssa. avantgardismin virrat - post-weberilainen serialismi, sonorismi (katso sarjamusiikki, sonorismi), aleatoriikka, ja se on kunnianosoitus uusien äänikeinojen muodolliselle etsinnölle. Berio ja Maderno d. vuonna 1954 Milanossa "Studio of Phonology", joka suoritti kokeita elektronisen musiikin alalla. Samaan aikaan jotkut näistä säveltäjistä yrittävät yhdistää ns. uudet keinot muusojen ilmaisuun. avantgarde 1500-1600-luvun musiikin genremuodoilla ja tekniikoilla.

Erityinen paikka modernissa. I. m. Kuuluu kommunistiselle säveltäjälle L. Nonolle, aktiiviselle rauhantaistelijalle. Hän kääntyy työssään aikamme akuuteimpien teemojen pariin yrittäen ilmentää kansainvälisen ajatuksia. työläisten veljeys ja solidaarisuus, protesti imperialistia vastaan. sortoa ja aggressiota. Mutta avantgarde-taiteen keinot, joita Nono käyttää, ovat usein ristiriidassa hänen suoruuden halunsa kanssa. agitaatiota. vaikutus laajaan kuuntelijajoukkoon.

Avantgardistisia suuntauksia lukuun ottamatta on italialainen J.C. Menotti. Yhdysvalloissa asuva ja työskentelevä säveltäjä. Hänen teoksessaan, joka liittyy pääasiassa oopperaan t-romiin, verismin elementit saavat tietyn ekspressionistisen värityksen, kun taas totuudenmukaisen puheintonaation etsintä johtaa osittaiseen lähentymiseen M. P. Mussorgskiin.

Muusoissa. Italian elämä on edelleen tärkeässä roolissa oopperassa. Yksi maailman merkittävimmistä oopperaryhmistä on Milanon Teatro alla Scala, joka on ollut olemassa vuodesta 1778. Italian vanhimpiin oopperapäihin kuuluvat myös San Carlo in Napoli (perustettu 1737), Fenice Venetsiassa (perustettu 1792). ). Tärkeimmät taiteet. Roomalainen oopperatalo (avattiin vuonna 1880 nimellä Costanzi Theatre, vuodesta 1946 Roomalainen oopperatalo) sai merkityksen. Yksi näkyvimmistä moderneista. ital. oopperataiteilijat - laulajat G. Simionato, R. Scotto, A. Stella, R. Tebaldi, M. Freni; laulajat J. Becky, T. Gobbi, M. Del Monaco, F. Corelli, J. Di Stefano.

Suuri vaikutus oopperan ja sinfonian kehitykseen. kulttuurin Italiassa tarjosi A. Toscanini, yksi 1900-luvun suurimmista kapellimestareista. Musiikin esiintymisen merkittäviä edustajia. taideteoksia johtavat P. Argento, V. De Sabata, G. Cantelli, T. Serafin, R. Fasano, V. Ferrero, C. Cecchi; pianisti A. Benedetti Michelangeli; viulisti J. De Vito; sellisti E. Mainardi.

Alusta alkaen. 20. vuosisata intensiivinen kehitys sai Italiassa musiikkitutkimuksen. ja kriittinen ajattelin. Keinot. panos muusojen tutkimukseen. perinnön toivat musiikkitieteilijät G. Barblan (Italian Musicology Societyn puheenjohtaja), A. Bonaventura, J. M. Gatti, A. Della Corte, G. Pannain, J. Radi-Chotti, L. Torquay, F. Torrefranca ja muut M. Dzafred ja M. Mila työskentelevät pääasiassa. muusien alalla. kritiikkiä. Italiassa julkaistaan ​​useita muusoja. aikakauslehdet, sis. "Rivista Musicale italiana" (Torino, Milano, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), "Musica d" oggi "(Milano, 1919-40, 1958-)," La Rassegna Musicale "(Torino, 1928-40) Rooma, 1941-1943, 1947-62), "Bolletino Bibliografico Musicale" (Milano, 1926-33, 1952-), "Il Convegno Musicale" (Torino, 1964-) jne.

On julkaistu useita tietosanakirjoja, jotka on omistettu musiikki ja t-ru, sis. "Enciclopedia della musica" (v. 1-4, Mil., 1963-64), "Enciclopedia dello spettacolo" (v. 1-9, Roma, 1954-62).

Erikoisuuksien joukossa. muusat. uch. suurimmat laitokset ovat konservatoriot: "Santa Cecilia" Roomassa (perustettiin vuonna 1876 musiikkilyseumina, vuodesta 1919 - konservatorio); J. B. Martinin nimi Bolognassa (vuodesta 1942; perustettiin vuonna 1804 musiikkilyseumiksi, vuodesta 1914 lähtien se sai konservatorion aseman); niitä. Benedetto Marcello Venetsiassa (vuodesta 1940, perustettiin vuonna 1877 musiikkilyseumiksi, vuodesta 1916 lähtien se on rinnastettu korkeakouluun); Milano (perustettu 1808, nimetty G. Verdin mukaan vuonna 1901); niitä. L. Cherubini Firenzessä (perustettu 1849 musiikkiopistona, sitten musiikkikouluna, musiikkiakatemiana, vuodesta 1912 konservatoriona). Prof. muusikoita koulutetaan myös musiikin historiaan yliopistoissa, Papal Ambrosian Institute of Sacred Musicissa jne. Näissä uch. laitoksissa sekä Verdin perintöä tutkivassa instituutissa on musiikkitieteilijä. Job. Venetsiassa perusti Intern. Italian propagandan keskus. musiikki, tory järjestää vuosittain kesäkursseja ("Musiikkilomat") muinaisen italian opiskelusta. musiikkia. Ambrosian-kirjastolla ja Milanon konservatorion kirjastolla on laaja kokoelma nuotteja ja musiikkikirjoja. Muinaisten soittimien, nuottien ja kirjojen arkistot ovat laajalti tunnettuja (keskittyneet Bolognan filharmonisen akatemian kirjastoon, G.B. Martinin kirjastoon ja Bolognan San Petronion kappelin arkistoon). Rikkaimmat materiaalit Italian historiasta. musiikilla on nat. Marcianan kirjasto, D. Chinin säätiön kirjasto ja Museomuseo. soittimia Venetsian konservatoriossa.

Italiassa niitä on lukuisia. muusat. organisoida ja toteuttaa. kollektiiveja. Tavallinen sinfonia. konsertteja antavat: orkesterit t-ditch "La Scala" ja "Fenice", Nat. Akatemia "Santa Cecilia", Italia. radio ja televisio Roomassa, orkesteri about-va "Afternoon music" ("Rommerigi musicali"), to-ry esittää ensiesityksen. espanjan kanssa moderni musiikkia, kamariorkesterit "Angelicum" ja "Virtuo of Rome", yhdistys "Ambrosian polyphony", propagandoivat keskiajan, renessanssin ja barokin musiikkia sekä Bolognan teatterin "Comunale" orkesteri, Bolognan kamariorkesteri ja muut ryhmiä.

Italiassa pidetään monia. muusat. Festivaalit ja kilpailut: Harjoittelija. modernin festivaali. musiikki (vuodesta 1930, Venetsia), "Florentine Musical May" (vuodesta 1933), "Festival of Two Worlds" Spoletossa (vuodesta 1958, perustaja J.C. Menotti), "New Music Week" (vuodesta 1960, Palermo), pianistikilpailu niitä. F. Busoni Bolzanossa (vuodesta 1949, vuosittain), nimetty musiikki- ja tanssikilpailu JB Viotti Vercellissä (vuodesta 1950, vuosittain), kilpaile heitä. A. Casella Napolissa (vuodesta 1952, 2 vuoden välein, vuoteen 1960, pianisteja, vuodesta 1962 - myös säveltäjiä), viulukilpailu. N. Paganini Genovassa (vuodesta 1954, vuosittain), örkkikilpailu. kapellimestarit Roomassa (vuodesta 1956, joka kolmas vuosi, perusti National Academy "Santa Cecilia"), pianistikilpailu. E. Pozzoli Seregnossa (vuodesta 1959, joka toinen vuosi), kilpailu nuorille kapellimestareille. G. Cantelli Novarassa (vuodesta 1961, 2 vuoden välein), laulukilpailu "Verdi's Voices" Bussetossa (vuodesta 1961, vuosittain), kuorokilpailu. kollektiiveja heille. Guido d "Arezzo in Arezzo (perustettu 1952 kansallisena, vuodesta 1953 - kansainvälinen; vuosittain, tunnetaan myös nimellä "Polyphonico"), G. Casado -sellokilpailu Firenzessä (vuodesta 1969, joka toinen vuosi).

Italin joukossa. muusat. Society - Corporation for New Music (Kansainvälisen nykymusiikin yhdistyksen osasto; perustettiin vuonna 1917 nimellä National Music Society, vuonna 1919 se muutettiin Italian nykymusiikkiyhdistykseksi, vuodesta 1923 - Corporation), muusojen yhdistys. kirjastot, Musicology Society, jne. Italia tekee hienoa työtä. muusat. kustantamo ja kauppayhtiö "Ricordi and Co." (perustettu 1808), sivuliikkeet pl. maat.

Kirjallisuus: Ivanov-Boretsky M.V., Musiikki-historiallinen lukija, voi. 1-2, M., 1933-36; hänen, Materiaalit ja asiakirjat musiikin historiasta, osa 2, M., 1934; Kuznetsov K.A., Musiikillisia ja historiallisia muotokuvia, ser. 1, M., 1937; Livanova T., Länsi-Euroopan musiikin historia ennen vuotta 1789, M. - L., 1940; Gruber R.I., Yleinen musiikin historia, osa yksi, M., 1956, 1965; Khokhlovkina A., Länsi-Euroopan ooppera. 1700-luvun loppu - 1800-luvun ensimmäinen puolisko. Essays, M., 1962; Euroopan taidehistorian historia: antiikista 1700-luvun loppuun, M., 1963; Euroopan taidehistorian historia. 1800-luvun ensimmäinen puolisko, M., 1965.

Monet kansat elävät rinnakkain maailmassa ja kommunikoivat eri kielillä. Mutta ihmiset eivät ole puhuneet vain sanoin kautta historian. Muinaisina aikoina lauluja ja tansseja käytettiin henkistämään heidän tunteitaan ja ajatuksiaan.

Tanssitaide kulttuurin kehityksen taustalla

Italian kulttuurilla on suuri merkitys maailman saavutusten taustalla. Sen nopean kasvun alku osuu samaan aikaan uuden aikakauden - renessanssin - syntymän kanssa. Itse asiassa renessanssi syntyy juuri Italiassa ja kehittyy jonkin aikaa sisäisesti koskematta muihin maihin. Hänen ensimmäiset menestyksensä osuvat XIV-XV vuosisatojen. Myöhemmin Italiasta ne levisivät kaikkialle Eurooppaan. Myös kansanperinteen kehitys alkaa 1300-luvulla. Taiteen raikas henki, erilainen asenne maailmaan ja yhteiskuntaan, arvojen muutos heijastui suoraan kansantansseihin.

Renessanssin vaikutus: uudet passit ja pallot

Keskiajalla italialaisia ​​liikkeitä musiikkiin esitettiin vaiheittain, sujuvasti, heilutellen. Renessanssi muutti suhtautumista Jumalaan, mikä heijastui kansanperinteeseen. Italialaiset tanssit saivat energiaa ja eloisia liikkeitä. Joten na "piste" symboloi ihmisen maallista alkuperää, hänen yhteyttään luonnon lahjoihin. Ja liike "varpailla" tai "hyppyllä" rinnasti ihmisen pyrkimisen Jumalaan ja hänen ylistykseensä. Niihin perustuu italialainen tanssiperintö. Niiden yhdistelmää kutsutaan "balliksi" tai "balloksi".

Renessanssin italialaiset kansanmusiikki-instrumentit

Kansanperinteisiä teoksia esitettiin säestyksenä. Tätä varten käytettiin seuraavia työkaluja:

• Cembalo (italialainen "cembalo"). Ensimmäiset maininnat: Italia, XIV vuosisata.
• Tamburiini (eräänlainen tamburiini, nykyaikaisen rummun esi-isä). Tanssijat käyttivät sitä myös liikkeidensä aikana.
• Viulu (jousisoitin syntyi 1400-luvulla). Sen italialainen lajike on alttoviulu.
• Luuttu (kynitty kielisoitin.)
• Dudki, huilut ja oboot.

Tanssivalikoima

Italian musiikkimaailma on saanut vaihtelua. Uusien instrumenttien ja melodioiden ilmaantuminen sai aikaan energisiä liikkeitä rytmiin. Kansalliset italialaiset tanssit syntyivät ja kehittyivät. Heidän nimensä muodostettiin usein alueperiaatteen perusteella. Niitä oli monenlaisia. Tärkeimmät nykyään tunnetut italialaiset tanssit ovat bergamasca, galliarda, saltarella, pavana, tarantella ja pizza.

Bergamasca: klassiset pisteet

Bergamasca on suosittu italialainen kansantanssi 1500-1600-luvuilla, joka meni sen jälkeen pois muodista, mutta jätti vastaavan musiikillisen perinnön. Kotialue: Pohjois-Italia, Bergamon maakunta. Musiikki tässä tanssissa on hauskaa, rytmistä. Tikkimittari on monimutkainen nelitahti. Liikkeet ovat yksinkertaisia, tasaisia, parillisia, parien väliset muutokset ovat mahdollisia prosessissa. Aluksi kansantanssi rakastui hoviin renessanssin aikana.

Ensimmäinen kirjallinen maininta siitä nähtiin William Shakespearen näytelmässä "Kesäyön uni". 1700-luvun lopulla Bergamasca muuttuu sujuvasti tanssiperinteestä kulttuuriperinnöksi. Monet säveltäjät ovat käyttäneet tätä tyyliä teostensa kirjoittamisessa: Marco Uccelini, Solomon Rossi, Girolamo Frescobaldi, Johann Sebastian Bach.

1800-luvun loppuun mennessä bergamaskista ilmestyi erilainen tulkinta. Sille oli tunnusomaista monimutkainen sekametri musiikkimittaria, nopeampi tempo (A. Piatti, C. Debussy). Tähän mennessä Bergamascuksen kansanperinteestä on säilynyt kaikuja, joita he yrittävät onnistuneesti ilmentää baletissa ja teatteriesityksissä käyttämällä sopivaa tyylillistä musiikillista säestystä.

Galliarda: iloisia tansseja

Galliarda on vanha italialainen tanssi, yksi ensimmäisistä kansantansseista. Se ilmestyi 1400-luvulla. Käännettynä tarkoittaa "iloinen". Itse asiassa hän on erittäin iloinen, energinen ja rytminen. Se on viiden askeleen ja hyppyjen monimutkainen yhdistelmä. Tämä on paritanssi, joka on saavuttanut suosiota aristokraattisissa balleissa Italiassa, Ranskassa, Englannissa, Espanjassa ja Saksassa.

XV-XVI-luvuilla galliardista tuli muotia koomisen muotonsa, iloisen, spontaanin rytminsä ansiosta. Menetetty suosio evoluution ja muuttumisen seurauksena tavalliseksi prim court -tanssityyliksi. 1600-luvun lopulla se muuttui kokonaan musiikiksi.

Ensisijaiselle galliardille on ominaista maltillinen vauhti, metrin pituus on yksinkertainen kolmilyönti. Myöhemmin ne suoritetaan sopivalla rytmillä. Tälle galliardille oli ominaista musiikkimittarin monimutkainen pituus. Tämän tyylin kuuluisat nykyteokset ovat hitaampia ja rennompia. Galliard-musiikkia teoksissaan käyttäneet säveltäjät: V. Galilei, V. Break, B. Donato, W. Bird ja muut.

Saltarella: häähauskaa

Saltarella (Saltarello) on vanhin italialainen tanssi. Se on aika hauska ja rytminen. Mukana yhdistelmä askeleita, hyppyjä, käännöksiä ja kumarteita. Alkuperä: italialaisesta saltare - "hyppäämään". Ensimmäiset maininnat tästä kansantaidemuodosta ovat peräisin 1100-luvulta. Se oli alun perin julkinen tanssi musiikin säestyksellä yksinkertaisessa kahden tai kolmen tahdin koossa. 1700-luvulta lähtien se on uudestisyntynyt sujuvasti höyryäväksi saltarellaksi monimutkaisen kokoisen musiikin tahdissa. Tyyli on säilynyt tähän päivään asti.

XIX-XX-luvuilla - siitä tuli massiivinen italialainen häätanssi, jota tanssittiin hääjuhlissa. muuten, siihen aikaan ne ajoitettiin usein sadonkorjuun aikaan. Vuonna XXI - esiintynyt joissakin karnevaaleissa. Tämän tyylin musiikkia kehitettiin monien kirjailijoiden sävellyksistä: F. Mendelssohn, G. Berlioz, A. Castellono, R. Barto, B. Bazurov.

Pavana: siro juhlallisuus

Pavana on vanha italialainen juhlatanssi, jota esitetään yksinomaan hovissa. Toinen nimi tunnetaan - padovana (nimestä Padova; latinan kielestä pava - riikinkukko). Tämä tanssi on hidas, siro, juhlallinen, teeskentelevä. Liikkeiden yhdistelmä koostuu yksinkertaisista ja kaksoisaskeleista, kurkuista ja säännöllisistä muutoksista kumppanien asemassa toisiinsa nähden. Hän ei tanssi vain pisteissä, vaan myös kulkueiden tai seremonioiden alussa.

Italian pavana, joka on tullut muiden maiden kenttäpalloihin, on muuttunut. Hänestä tuli eräänlainen tanssin "murre". Siten espanjalainen vaikutus johti "pavanillan" syntymiseen ja ranskalaiset - "passamezzoon". Musiikki, jonka mukaan askeleet esitettiin, oli hidasta, kaksitahtista. korostaa sävellyksen rytmiä ja tärkeitä kohtia. Tanssi meni vähitellen pois muodista ja säilyi musiikillisen perinnön teoksissa (P. Attenyan, I. Shein, C. Saint-Saens, M. Ravel).

Tarantella: italialaisen temperamentin henkilöitymä

Tarantella on italialainen kansantanssi, joka on säilynyt tähän päivään asti. Hän on intohimoinen, energinen, rytminen, iloinen, väsymätön. Italialainen tarantella-tanssi on paikallisten tavaramerkki. Se koostuu hyppyjen yhdistelmästä (myös sivulle) ja jalan vuorotellen heittämällä eteenpäin ja taaksepäin. Se on nimetty Taranton kaupungin mukaan. On myös toinen versio. He sanoivat, että puremat ihmiset altistuvat taudille - tarantismille. Sairaus oli hyvin samanlainen kuin raivotauti, josta he yritettiin parantua jatkuvalla nopeilla liikkeillä.

Musiikki esitetään yksinkertaisessa kolmen tahdin tai monimutkaisessa ajassa. Hän on nopea ja hauska. Ominaisuudet:

1. Perussoittimien (mukaan lukien kosketinsoittimien) yhdistäminen tanssijoiden käsissä oleviin lisäsoittimiin (tamburiinit ja kastanneetit).
2. Tavallisen musiikin puute.
3. Soittimien improvisointi tunnetun rytmin puitteissa.

F. Schubert, F. Chopin, F. Mendelssohn, P. Tšaikovski käyttivät sävellyksessään liikkeille ominaista rytmiä. Tarantella on edelleen värikäs kansantanssi, jonka perusteet jokainen patriootti hallitsee. Ja 2000-luvulla he jatkavat sen tanssimista joukoittain iloisissa perhejuhlissa ja ylellisissä häissä.

Pizzica: groovy tanssitaistelu

Pizzica on nopeatempoinen italialainen tanssi, joka on johdettu tarantellasta. Siitä tuli italialaisen kansanperinteen tanssisuunta omien erityispiirteidensä ilmaantumisen vuoksi. Jos tarantella on pääasiassa massatanssia, niin pizzasta on tullut yksinomaan parillinen. Vielä groovyisempana ja energisempänä hän sai sotaisia ​​säveliä. Kahden tanssijan liikkeet muistuttavat kaksintaistelua, jossa hauskat kilpailijat taistelevat.

Sen esittävät usein naiset useiden herrasmiesten kanssa vuorotellen. Samaan aikaan energisiä liikkeitä suorittaessaan nuori nainen ilmaisi omaperäisyytensä, itsenäisyytensä, myrskyisän naisellisen periaatteensa, minkä seurauksena hän hylkäsi niistä jokaisen. Herrat antautuivat painostukselle ja osoittivat ihailuaan naista kohtaan. Tämä yksilöllinen erityisluonne on ominaista vain pizzalle. Hän luonnehtii tavallaan intohimoista italialaista luontoa. 1700-luvulla suosiota saavuttanut pizza ei ole menettänyt sitä tähän päivään asti. Sitä esitetään edelleen messuilla ja karnevaaleilla, perhejuhlissa sekä teatteri- ja balettiesityksissä.

Uuden syntyminen johti sopivan musiikillisen säestyksen luomiseen. "Pizzicato" ilmestyi - tapa esittää kappaleita taipuvilla nuoteilla, ei itse jousella, vaan sormia puristaen. Seurauksena on täysin erilaisia ​​ääniä ja melodioita.

Italialaiset tanssit maailman koreografian historiassa

Kansantaiteena syntyneet, aristokraattisiin juhlasaleihin tunkeutuvat tanssit rakastuivat yhteiskuntaan. Passin systematisointi ja konkretisointi tuli tarpeelliseksi harrastaja- ja ammattikoulutusta varten. Ensimmäiset teoreettiset koreografit olivat italialaiset: Domenico da Piacenza (XIV-XV), Guglielmo Embreo, Fabrizio Caroso (XVI). Nämä teokset sekä liikkeiden hiominen ja niiden tyylittely toimivat baletin maailmankehityksen perustana.

Samaan aikaan lähteellä seisoi iloisia yksinkertaisia ​​kyläläisiä ja kaupunkilaisia ​​tanssimassa saltarellaa tai tarantellaa. Italialaisten temperamentti on intohimoinen ja eloisa. Renessanssin aikakausi on salaperäinen ja majesteettinen. Nämä ovat italialaisia ​​tansseja luonnehtivia piirteitä. Heidän perintönsä on perusta tanssitaiteen kehitykselle koko maailmassa. Niiden piirteet heijastavat kokonaisen kansan historiaa, luonnetta, tunteita ja psykologiaa vuosisatojen ajan.

Kulttuurisesti tilkkutäkki Italia on antanut maailmalle vertaansa vailla olevia käsityöläisiä. Mutta italialaiset nerot luojat itse saivat vaikutteita kansankulttuurista, mm. melodisia italialaisia ​​kappaleita. Lähes kaikilla heillä on kirjoittajia, mikä ei kuitenkaan estä heitä kutsumasta kansanmusiikkia.

Tämä johtuu luultavasti italialaisten luonnollisesta rakkaudesta musiikin tekemiseen. Tämä lausunto koskee kaikkia Italian alueita Etelä-Napolista Pohjois-Venetsiaan, mistä ovat osoituksena monet eri puolilla maata järjestetyt laulujuhlat. Italialainen laulu tunnetaan ja rakastetaan kaikkialla maailmassa: vanhempamme muistavat edelleen "Bella Chao" ja "On the way" - italialaiset kansanlaulut, joita laulaa muslimi Magomajev, joka on tunnustettu tämän maan parhaaksi esittäjäksi.

Italian kansanlauluja ikimuistoisista ajoista

Jos italialainen kieli muodostui X-luvulla, tutkijat antavat italialaisten kansanlaulujen ilmestymisen XIII vuosisadan alkuun. Nämä olivat jonglöörien ja jonglöörien laulamia lauluja kaupungin aukioilla lomien aikana. Aiheena heille oli rakkaus tai sukuhistoria. Heidän tyylinsä oli hieman töykeä, mikä on aivan luonnollista keskiajalle.

Tunnetuin kappale, joka meille on tullut, on sisilialaisen Chullo d'Alcamon "Contrasto" ("Rakkauskiista"). Se kertoo tytön ja häneen rakastetun pojan dialogista. Lisäksi on samanlaisia ​​​​dialogilauluja "Kiista sielun ja ruumiin välillä", "Runetin ja blondin välinen kiista", "Kiista kevytmielisten ja viisaiden välillä", "Kiista talven ja kesän välillä".

Renessanssin aikana arjen musiikinteon muoti levisi Italian asukkaiden keskuuteen. Tavalliset kaupunkilaiset kokoontuivat musiikin ystävien piireihin, joissa he soittivat erilaisia ​​soittimia, sävelsivät sanoja ja melodioita. Sittemmin kappaleet ovat yleistyneet kaikkien väestöryhmien keskuudessa ja ovat soineet kaikkialla Italiassa.

Soittimia ja italialaisia ​​kansanlauluja

Kansanperinteestä puhuttaessa ei voi olla mainitsematta soittimia, joiden säestyksellä ne esitettiin. Tässä on joitakin niistä:

• Viulu, joka sai modernin ilmeensä 1400-luvulla. Italialaiset rakastavat tätä kansanmusiikkia.
• Luuttu ja sen Pyreneiden versio vihuela. Kynityt soittimet levisivät kaikkialle Italiaan 1300-luvulla.
• Tamburiini. Eräänlainen tamburiini, joka tuli Italiaan Provencesta. Tanssija seurasi niitä itsekseen tarantellan esityksen aikana.
• Huilu. Voittojen jakautuminen XI-luvulla. Esiintyjä käyttää sitä hyvin usein yhdessä tamburiinin kanssa.
• Tynnyriurut, puhallin, josta tuli suosittu Italiassa 1600-luvulla. Häntä rakastettiin erityisesti kiertävien muusikoiden keskuudessa, muistakaa paavi Carlo.

Italialainen kansanlaulu "Santa Lucia" - napolilaisen musiikin synty

Napoli on Campanian alueen pääkaupunki, Etelä-Italian kuuluisin kaupunki ja hämmästyttävän lyyrisen napolilaisen kansanlaulun, kauniin Santa Lucian, syntypaikka.

Epätavallinen kauneudeltaan luonto, leuto ilmasto ja kätevä sijainti samannimisen lahden rannalla tekivät tästä kaupungista ja ympäröivästä alueesta poikkeuksellisen houkuttelevan lukuisille valloittajille ja tavallisille uudisasukkaille. Yli 2500 vuoden ajan tämä kaupunki on omaksunut ja ajatellut uudelleen monia kulttuureja, jotka eivät voineet muuta kuin pohtia alueen musiikillisia perinteitä.

Napolilaisen kansanlaulun syntymän katsotaan olevan 1200-luvun alkua, jolloin laulu "Aurinko nousee" oli erittäin suosittu. Tämä on Italian renessanssin kynnyksellä. Italian kaupunkien nopean kehityksen aika ja ihmistietoisuuden syntyminen pimeältä ajalta. Tänä aikana ihmiset lakkasivat pitämästä tansseja ja lauluja syntisinä, alkoivat sallia itsensä nauttia elämästä.

XIV-XV vuosisadalla. humoristiset kupletit olivat suosittuja kansan keskuudessa, jotka sävellettiin päivän aiheeseen. 1400-luvun jälkipuoliskolla Napolissa syntyi Vilanella (italialainen kylälaulu) - kupletteja, jotka esitettiin useilla äänillä luutun säestyksellä.

Tunnetun napolilaisen kansanlaulun kukoistusaika osuu kuitenkin 1800-luvulle. Tänä aikana julkaistiin Teodoro Cottraun kuuluisa italialainen laulu "Santa Lucia". Se on kirjoitettu genressä barcarole (sanasta barque), joka tarkoittaa "venemiehen laulua" tai "laulua vedessä". Laulu esitettiin napolilaisella murteella, ja se oli omistettu Santa Lucian rannikkokaupungin kauneudelle. Tämä on ensimmäinen napolilainen teos, joka on käännetty murteesta italiaksi. Sen esittivät Enrico Caruso, Elvis Presley, Robertino Loretti ja monet muut maailmankuulut artistit.

Alkuperäinen napolilainen teksti

Tule katsomaan? Cceca la luna chiena ...
lo mare ratsastaa, ll'aria? serena...
Vuje che facite 'mmiez'a la via?
Santa Lucia! Santa Lucia!

II Stu viento frisco, fa risciatare, chi v? 'Spassarse j? Nno pe' mare ...
E 'pronta e lesta la varca mia ... Santa Lucia!
Santa Lucia! III La t? Nna? posta pe 'f? na cena...
e quanno stace la panza chiena, non c '? onko melanconia!

Santa Lucia! Santa Lucia!
P? Zzo accostare la varca mia?
Santa Lucia!
Santa Lucia!...

Klassinen italialainen teksti (Enrico Kossovich, 1849)

Sul mare luccica l'astro d'Argento.

Sul mare luccica l'astro d'Argento.
Placida? I'onda, prospero? il vento.

Santa Lucia! Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia! Santa Lucia!

Con questo zeffiro, cos? soave, com'? Bello star sulla nave!
Su passegieri, venite via!
Santa Lucia!
Santa Lucia!

Su passegieri, venite via!
Santa Lucia!
Santa Lucia!

In fra le tende, bandir la cena In una sera cos? serena,

Santa Lucia!
Santa Lucia!
Chi non dimanda, chi non desia.
Santa Lucia!
Santa Lucia!


Mare s? placida, vento s? caro,
Scordar fa i triboli al marinaro,
E va gridando con allegria,
Santa Lucia! Santa Lucia!

E va gridando con allegria,
Santa Lucia! Santa Lucia!


O dolce Napoli, o suol beato,
Ove sorridere volle il creato,
Tu sei l'impero dell'armonia,
Santa Lucia! Santa Lucia!

Tu sei l'impero dell'armonia,
Santa Lucia! Santa Lucia!


Tai che tardate? Bella? la sera.
Spira un'auretta fresca ja leggiera.
Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Santa Lucia!

Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Santa Lucia!

Venäjän teksti

Meri tuskin hengittää
Unisessa levossa
Surffauksen kuiskaus kuuluu kaukaa.
Suuret tähdet loistivat taivaalla, Santa Lucia, Santa Lucia!
Oi, mikä ilta - tähdet ja meri!
Heikko tuuli puhaltaa juurelta.

Hän heittää kultaisia ​​unia,
Santa Lucia, Santa Lucia!
Vene on kuin joutsen
Purjehtii kaukaisuuteen
Tähdet taivaalla
Loistaa kirkkaasti.

Ihme biisi
kuulen yöllä
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Ilta meren yllä
Täynnä tylsyyttä
Hiljaa kaikumme
Laulu on tuttu.

Voi Napoli
Sukulaiset antoivat minulle
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Kuunvalossa
Meri loistaa.

Suotuisa tuuli
Purje nousee.
Veneeni on kevyt
Airot ovat isoja...
Santa Lucia,
Santa Lucia!

Verhojen takana
Veneet eristäytyneenä
Voidaan välttää
Säädytön katse.
Kuinka istua lukittuna
Näin yöllä?

Santa Lucia,
Santa Lucia!
Napoli ihanani,
Oi ihana maa,
Missä hymyilee
Olemme taivaan holvi.

Iloa sielusta
Kaataa epämaat...
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Olemme kevyitä vaahtokarkkeja
Kiirutetaan kaukaisuuteen
Ja me nousemme veden yläpuolelle kuin lokki.

Ah, älä tuhlaa
Kultakello ...
Santa Lucia,
Santa Lucia!

Meri on tyyni
Ihailee kaikkia
Ja surun merimiehet
He unohtavat heti
He vain laulavat
Laulut ovat rajuja.

Santa Lucia,
Santa Lucia
Mitä muuta odotat?
Hiljaista merellä.
Kuu paistaa
Sinisessä avaruudessa
Veneeni on kevyt
Airot ovat isoja...

Santa Lucia,
Santa Lucia!
***

Kuuntele Anastasia Kozhukhovan esittämä italialainen kansanlaulu Santa Lucia:

Lisäksi toinen napolilainen kappale "Dicitencello vuie" on myös kuuluisa maassamme; täällä se tunnetaan paremmin nimellä "Kerro tytölle tyttöystävällesi". Laulun sävelsi vuonna 1930 säveltäjä Rodolfo Falvo ja sanoitukset Enzo Fusco. Venäjänkielisen version esitti suurin osa venäläisistä taiteilijoista Sergei Lemeshevistä Valeri Leontieviin. Venäjän lisäksi tämä laulu on käännetty monille muille kielille.

Napolilaiset laulut ovat ennennäkemättömän kuuluisia ja rakastettuja kaikkialla maailmassa. Tämän todistaa tapaus, joka tapahtui Antwerpenin olympialaisissa vuonna 1920. Italian joukkueen palkintojenjakotilaisuudessa kävi ilmi, että belgialaisorkesterilla ei ollut Italian hymnin nuotteja. Ja sitten orkesteri purskahti "O, aurinkoni" ("O sole mio". Melodian ensimmäisistä äänistä stadionin yleisö alkoi laulaa laulun sanojen mukana.

Napolin ja lähiseudun lauluperinteistä puhuttaessa ei voi olla mainitsematta Piedigrotta-festivaalia, joka järjestetään vuosittain syyskuun alussa. Piedigrotta on Napolin lähellä sijaitseva luola, joka toimi aikoinaan pakanallisena pyhäkönä. Vuonna 1200 tämän paikan vihkimiseksi tänne pystytettiin Pyhän Marian kirkko, joka tunnettiin nimellä Piedigrotta, joka tarkoittaa "luolan juurella".

Ajan myötä Neitsyt Marian uskonnollinen palvonta ja hänen kunniakseen järjestetyt juhlat muuttuivat laulukilpailuksi. Tämän musiikkifestivaalin aikana Napolin parhaat kansanrunoilijat ja laulajat kilpailevat. Joskus käy niin, että kaksi kappaletta saa saman määrän pisteitä. Ja sitten yleisö jaetaan kahteen leiriin, joista jokainen on valmis puolustamaan nyrkkeillään pitämäänsä melodiaa. Jos molemmat kappaleet ovat todella hyviä, ystävyys voittaa ja koko kaupunki hyräilee näitä suosikkikappaleita.

italialainen kansanlaulu "Happy"

Teos kuuluu rakkauslyriikoihin, mutta tekstin sanat huomaavat nuoruuden petollisuuden ja kevytmielisyyden. Tarina kerrotaan tytön näkökulmasta, joka ikään kuin kääntyy ystävänsä puoleen kysyen: tietääkö hän, mitä tyttöjen balleihin flirttailevien katseiden takana piilee? Tyttö itse ei ole vielä rakastunut keneenkään ja pitää siksi itseään onnellisimpana ja "viehättävimpänä kaikista kuningattareista". Nuori italialainen nainen kävelee koiranputkea ja orvokkeja, kuuntelee lintujen viserrys ja laulaa niille kuinka onnellinen hän on ja että hän haluaa rakastaa vain niitä ikuisesti.

Todellakin, on tarkkaan huomattu, että vaikka rakkaudestasi toista ihmistä kohtaan ei tule tuskallista kiintymystä, on aikaa nauttia elämästä, luonnosta ja kaikista ympärilläsi olevista. Missä tämä kaikki on huomioitava, kun olet kateuden ja ahdistuksen liekeissä?

Kuuntele italialaista kansanlaulua "Happy" venäjäksi Anastasia Teplyakovan esittämänä:

Huumori italialaisissa kansanlauluissa: laulaminen "Makaronista"

Kevyt ja iloinen italialainen luonne vaikutti leikkisälaulujen laajaan leviämiseen. Tällaisten teosten joukossa on syytä huomata kappale "Macaroni", joka on omistettu tälle todella italialaiselle ruoalle. Tätä laulua laulaen orvot ja köyhien perheiden lapset ansaitsivat elantonsa kerjäämällä ohikulkijoilta almua. Esiintyjän sukupuolesta riippuen tekstistä on mies- ja naisversiot. Kappale on luotu tarantellan rytmiin.

Tarantella on kansantanssia, jota on esitetty 1400-luvulta lähtien. Tarantella perustuu pääsääntöisesti yhteen rytmisesti toistuvaan motiiviin. Mielenkiintoista on, että tämän melodian mukaan tanssimista pidettiin parantavana lääkkeenä tarantulasta puremille ihmisille. Pitkän aikaa muusikot vaelsivat Italian teitä pitkin esittäen tämän melodian erityisesti "tarantismille" kärsiville potilaille.

Pasta (miesversio) Kääntäjä M. Ulitsky

1. Asun raunioiden keskellä.
Useammin iloinen kuin surullinen.
Asun raunioiden keskellä.
Useammin iloinen kuin surullinen.

Pöytäsänky ja talo parvekkeella käytettäisiin mielellään pastaa varten.

2. Tämä herkullinen ruokalaji on tavallisten ihmisten hyvä ystävä.
Tämä herkullinen ruokalaji on tavallisten ihmisten hyvä ystävä.

Mutta tärkeät ihmiset syövät myös pastakastikkeen kanssa.

3. Haluatko tietää kuinka kuoleva punainen klovni selvisi?
Haluatko tietää, kuinka kuoleva punainen klovni selvisi?

Shutovskaja riisui kruununsa ja vaihtoi pastaan.

4. Tarantellamme lauletaan, kenen kanssa mennään syömään?
Tarantellamme lauletaan, kenen kanssa minun pitäisi mennä päivälliselle?

Huudan vain: "Pasta!" - Seuralaiset ilmestyvät välittömästi.

Pasta (nainen versio)

Olen mustempi kuin oliivi
Kuljen yksin ilman kattoa
Ja tamburiinin ääneen
Olen valmis tanssimaan koko päivän
Tanssin sinulle Tarantellaa,
Ole vain tukena
Anna sello ja osta
Pasta, pasta.

Kaverini Pulcinello
Minua haavoitettiin nuolesta sydämeen
Vain minä en halunnut Pulcinellosta vaimoa.
Hän melkein ampui itsensä
Melkein putosin parvekkeelta
Mutta hän parantui intohimosta,
Vain pastaa nielemässä.

Keräsin veljeni retkelle,
Rakas lähti hänen jälkeensä,
Kuinka tehdä sotilaita
Ovatko he kaikki vahingoittumattomia?
Jotta aseet eivät ammu
Sinun on poistettava kaikki patruunat,
Sen sijaan luoteja lentää
Pasta, pasta.

Jos on vähän surullinen olo
Jos sairaus painaa sinua,
Tai joskus vatsa on tyhjä
Pasta on hyvää sinulle!
Hyvästi signoritit,
Hyvää matkaa, signora donna,
Sinun täytyy olla hyvin ruokittu
Ja pasta odottaa minua!

Maccheroni

1.Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.
Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.

Venderei i miei canzoni per un sol piatto da maccheroni.

2. Pulcinella mezzo spendo vole a fare il testimento.
Pulcinella mezzo usedo vole a fare il testimento.

Purche avesse dai padroni un grosso piatto di maccheroni.

3. Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.
Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.

Le spalline pe'galloni per un sol piatto di maccheroni.

4. Tarantella si e cantata,
due carlini si e pagata.
Tarantella si e cantata,
due carlini si e pagata.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de 'maccheroni.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de 'maccheroni.
***

Kuuntele italialaista kansanlaulua "Macaroni" venäjäksi Anna Zhikhalenkon esittämänä:

Venetsian lauluja vedessä

Eteläisen Napolin lisäksi Italian pohjoinen helmi, Venetsia, erottuu upeista ja hämmästyttävistä lauluperinteistä. Tämä koskee ensinnäkin gondolieerien lauluja. Nämä rakkausmotiivit kuuluvat barcarolen genreen. Ne ovat hyvin melodisia ja kiireettömiä.

Gondolierin vahva ja kaunis ääni näyttää kaikuvan airojen hitaita iskuja veteen. Outoa, mutta 1700-luvulle asti barcarole ei saanut ansaitsemaansa huomiota ammattimuusikoilta. Kuitenkin seuraavalla vuosisadalla tämä puute oli enemmän kuin korvattu. Tšaikovski, Mendelssohn, Chopin, Glinka - tämä on vain pieni joukko musiikillisia neroja, jotka venetsialainen kansanlaulu hillitsi ja sisällyttivät sen motiivit kuolemattomiin teoksiinsa.

Valitettavasti nykyaika vaikuttaa negatiivisesti venetsialaisiin perinteisiin, mukaan lukien barcarole. Esimerkiksi turistien pyynnöstä gondolierit laulavat usein napolilaista laulua "O Sole Mio", vaikka Gondolier-yhdistys vastustaa sitä, koska se ei ole venetsialaista.

Italian partisaanien laulu "Bella Chao"

Kuuluisa partisaanilaulu "Bella Chao" ("Farewell to Beauty") nauttii myös ennennäkemättömästä suosiosta. Sen lauloivat vastarintaliikkeen jäsenet toisen maailmansodan aikana. Totta, sitä ei levinnyt kaikkialle Italiaan, vaan vain maan pohjoisosaan, Apenniineille.

Sanojen uskotaan kirjoittaneen ensihoitaja tai lääkäri. Ja melodia on selvästi otettu vanhasta lastenlaulusta "Sleeping Potion". Vaikka Catanian yliopiston modernin historian professorin Luciano Granozzin mukaan vuoteen 1945 asti Bella Ciaoa esitti vain muutama sissiryhmä Bolognan läheisyydessä.

E picchia picchia
la porticella
E picchia picchia

E picchia picchia
la porticella dicendo: "Oi bella, mi vieni a aprir."
Con una mano apr?
la porta e con la bocca
la gli d? un bacin.
La gh'ha dato un bacio cos? tanto forte che
la suoi mamma la l'ha lähetti ?.
Ma cos'hai fatto, figliola mia,
che tutto il mondo parla mal di te?
Ma lascia puhdasta che
il mondo ‘l diga: io voglio amare chi mi ama me.
Io voglio amare quel giovanotto ch'l'ha
fatt sett'anni di prigion per me.
L'ha fatt sett'anni e sette
mesi e sette giorni di prigion per me.
E la prigione
l'? tanto scura,
mi fa paura,
la mi fa morir

Bella ciao (yksi vaihtoehdoista)

Heräsin tänä aamuna

Heräsin tänä aamuna
Ja minä näin vihollisen ikkunasta!
Oi sissit vievät minut
Oi, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Oi sissit, ota minut,
Tunnen kuolemani olevan lähellä!
Jos minun on määrä kuolla taistelussa
Oi, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Jos minun on määrä kuolla taistelussa - hauta minut.
Hautaa korkealle vuorille
Oi, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Hautaa korkealle vuorille
Punaisen kukan varjossa!

Oi, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Ohikulkija menee ohi, kukka näkee
"Kaunis - hän sanoo - kukka!"
Siitä tulee partisaanin muisto
Oi, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Siitä tulee partisaanin muisto
Mikä vapaus kaatui rohkeasti!
***

Kuuntele italialaisten partisaanien laulu "Bella, ciao" Pyatnitsky-kuoron esittämänä:

Kaikkien suosikki partisaanilaulu oli "Fischia il vento" ("Tuuli puhaltaa"), siinä oli selkeä kommunistinen luonne. Siksi sodan päätyttyä Italian hallitus alkoi ideologisista syistä mainostaa kappaletta "Bella Chao". Mistä häntä pitäisi vain kiittää. Joka tapauksessa laulu saavutti maailmanlaajuista mainetta 40-luvun lopussa Prahassa kesällä 1947 järjestetyn ensimmäisen kansainvälisen nuorten ja opiskelijoiden festivaalin jälkeen. Sen jälkeen sitä käsittelivät useita kertoja tunnetut ja vähemmän kuuluisat laulajat koko maailmasta.

Italian kansanmusiikin aihe on niin laaja, että sitä on mahdotonta välittää yhden artikkelin puitteissa. Tämä johtuu siitä, että koko Italian historia on löytänyt heijastuksensa kansanlauluista. Uskomattoman melodinen kieli, ylellinen luonto ja maan myrskyisä kehityshistoria ovat luoneet maailmalle sellaisen kulttuuriilmiön kuin italialainen kansanlaulu.

← ← Haluatko kuulla ystäviesi sanovan kiitos mielenkiintoisen ja arvokkaan materiaalin jakamisesta heidän kanssaan?? Paina sitten yhtä vasemmalla olevasta sosiaalisen median painikkeista juuri nyt!
Tilaa RSS tai vastaanota uusia artikkeleita postitse.

Mandoliini on kielellinen kynitty soitin. Sen ulkonäkö juontaa juurensa 1500-luvulle, ja värikkäästä Italiasta tuli sen kotimaa. Mandoliini on soitin, joka on ulkonäöltään hyvin samanlainen kuin luuttu, koska sillä on myös päärynän muotoinen muoto. Se eroaa luutosta siinä, että siinä on vähemmän kielejä ja lyhyempi kaula.

Periaatteessa mandoliinissa on aina ollut neljä kieliparia (tunnetaan nimellä napolilainen mandoliini), ja luutussa on aikakaudesta riippuen kuusi tai useampia kielten paria. Tämän tyyppisen mandoliinin lisäksi tunnetaan myös muita sen tyyppejä:

• sisilialainen - tasaisella selällä ja neljällä kolminkertaisella kielellä;
• Milanese - kuudella kielellä, yksi oktaavi korkeampi kuin kitara;
• Genoese - viisikielinen mandoliini;
• firenze.

Kuinka soittaa mandoliinia

Yleensä mandoliinia soitetaan pikselillä tai pikemminkin plektrumilla. Tosin tapahtuu, että he leikkivät sormillaan. Mandoliinin ääni on ainutlaatuinen - äänen nopea ja toistuva toisto (tremolo) selittyy sillä, että kun kosketat jousia, ääni vaimenee nopeasti, eli se osoittautuu lyhyeksi. Siksi äänen pidentämiseksi ja oletettavasti viipyvän sävelen saamiseksi käytetään tremoloa.

Mandoliini tuli laajalti tunnetuksi Italian ulkopuolella vuosisadan kuluessa sen perustamisesta. Tämä soitin rakastui kovasti ja sai nopeasti kansansoittimen aseman. Tähän asti hän kävelee planeetalla juurtuen yhä enemmän moderniin kulttuuriin.

Tiedetään jopa, että niin kuuluisa säveltäjä kuin Mozart käytti mandoliinia serenadissa oopperassaan Don Juan.

Lisäksi monet tämän päivän bändit, säveltäjät ja laulajat käyttävät tätä instrumenttia antaakseen "makua" sävellyksiäsi.

Mandoliinin avulla pystyt täydellisesti sekä säestämään että soittamaan sooloosioita. Tunnetaan esimerkiksi napolilaisia ​​orkestereita, joiden äänet sulautuvat yhteen monista erikokoisista mandoliinista. Mandoliinia käytetään myös sinfonia- ja oopperaorkestereissa. Mandoliinia käytetään banjon ohella myös amerikkalaisessa bluegrassissa ja kansanmusiikissa.

Kuten jo mainittiin, mandoliini on hyvin epätavallinen soitin ja monet rakastavat sitä juuri siksi, että sen valttikortti on tremolo, jota et ehkä löydä muista soittimista.

Mandoliini on musiikki-instrumentti, joka on yksi suosituimmista kansansoittimien kategoriassa. Ehkä harvat soittimet voivat ylpeillä sellaisella suosiolla. Pikemminkin mandoliinia pidetään perinteisesti kansanmusiikkina, vaikka monet säveltäjät ovat käyttäneet sitä teoksissaan antaen niille erityisen viehätyksen ja ainutlaatuisuuden. Vaikka mandoliinia käytetään usein orkestereissa, se kuulostaa hyvältä itsenäisenä musiikillisena osana. Siinä esitetään erilaisia ​​etydejä ja kappaleita muiden soittimien säestyksellä.

Missä muualla mandoliinista tuli kuuluisa?

Suhteellisen nopeasti mandoliini vaelsi Italiasta Pohjois-Amerikan yhdysvaltoihin ja vakiintui paikalliseen musiikkiin. Euroopassa tämä soitin valloitti skandinaaviset ihmiset, jotka antoivat mandoliinille erityisen tiukan soinnisuuden.

Mandoliinilla on suhteellisia soittimia. Näitä ovat mandola, bouzouki ja oktaavin mandoliini. Nykyajan rock and roll -harmoniat ovat hyvin samanlaisia ​​kuin sama mandoliini.

Tiedetään, että Led Zeppelin -ryhmän jäsenet pitivät kovasti mandoliinin äänestä ja käyttivät sitä melodioissaan. Jopa yhtyeen jäsen Jimmy Page täydensi mandoliinia mandolalla ja kitarakaulassa. Paul McCartney piti myös tästä vaikeasta soittimesta.

Erinomaisen kuulonsa lisäksi mandoliinilla on useita kiistattomia etuja:

• harmoninen rakenne;
• tiiviys;
• yhdistelmä muiden mandoliinien tai muiden soittimien kanssa yleensä - kitara, lohkohuilu.

Mandoliinien viritys muistuttaa hieman viulun viritystä:

• ensimmäinen kielipari on viritetty e 2. oktaavista;
• toinen pari - 1. oktaavin A:ssa,
• 1. oktaavin uudelleen;
• neljäs kielipari on mollioktaavin G.

Mandoliinin suosio kasvaa yhä enemmän. Esimerkiksi "Aria"-ryhmän jäsen Vadimir Kholstinin käyttää mandoliinia musiikillisessa sävellyksessä "Paradise Lost". Sitä käytetään myös Epidemia-ryhmän metallioopperassa (kappale Walk Your Way) ja Sergei Mavrinin (Makadash) metallioopperassa.

Ja kuuluisa kappale "Loosing my vallás" R.E.M. jäljittelemättömällä mandoliinisoundilla? Näyttää siltä, ​​​​että hänet tunnetaan melkein kaikissa maailman maissa.

Mandoliini on melko mystinen soitin. Hänen menestyksensä salaisuutta ei ole vielä täysin paljastettu. Vaikka sen ilmestymisestä on kulunut yli neljäsataa vuotta, se ei ehdottomasti menetä suosiotaan, vaan päinvastoin, se saa yhä enemmän faneja. Nykyaikana sitä käytetään yhä enemmän monissa musiikkilajeissa.

On erittäin silmiinpistävää, että mandoliini sopii täydellisesti mihin tahansa sävellykseen, laukaisee tai korostaa melkein minkä tahansa instrumentin ääntä. Kun kuulet tämän hieman maagisen soittimen ääniä, näytät sukeltavasi rohkeiden ritarien, ihanien naisten ja ylpeiden kuninkaiden muinaiseen aikakauteen.

Video: Miltä mandoliini kuulostaa