Ostrovskin rooli kansallisen ohjelmiston luomisessa. Kansanmyytit ja kansallinen historia Ostrovskin dramaturgiassa Uusia suojia Melpomenen temppeliin

Ostrovskista alkaa venäläinen teatteri nykyaikaisessa ymmärryksessään: kirjailija loi teatterikoulun ja kokonaisvaltaisen teatterituotannon konseptin.

Ostrovskin teatterin olemus on ääritilanteiden puuttuminen ja näyttelijän sisua vastaan ​​vastustaminen. Aleksanteri Nikolajevitšin näytelmät kuvaavat tavallisia tilanteita tavallisten ihmisten kanssa, joiden draamat ulottuvat arkielämään ja ihmispsykologiaan.

Teatteriuudistuksen pääideat:

teatteri on rakennettava konventioiden varaan (yleisön ja näyttelijöiden välillä on neljäs seinä);

kielen asenteen pysyvyys: puheominaisuuksien hallinta, jotka ilmaisevat melkein kaiken hahmoista;

veto ei koske yhtä näyttelijää;

"Ihmiset menevät katsomaan peliä, eivät itse näytelmää - voit lukea sen"

Ostrovskin teatteri vaati uutta näyttämöestetiikkaa, uusia näyttelijöitä. Tämän mukaisesti Ostrovski luo näyttelijäyhtyeen, johon kuuluu mm Martynov, Sergei Vasiliev, Jevgeni Samoilov, Prov Sadovsky.

Luonnollisesti innovaatiot kohtasivat vastustajia. Hän oli mm. Shchepkin. Ostrovskin dramaturgia vaati näyttelijää irtautumaan persoonallisuudestaan, mitä M. S. Shchepkin ei tehnyt. Hän esimerkiksi jätti "Ukkosmyrskyn" mekkoharjoituksen, koska hän oli erittäin tyytymätön näytelmän kirjoittajaan.

Ostrovskin ideat saatettiin loogiseen lopputulokseen Stanislavski ja M.A. Bulgakov.

Teatterin elämä ja taiteilijan kohtalo Ostrovskin näytelmissä

Ostrovski kirjoitti teatterille. Tämä on hänen lahjakkuutensa erikoisuus. Hänen luomansa kuvat ja elämänkuvat on tarkoitettu näyttämölle. Siksi Ostrovskin sankarien puhe on niin tärkeä, siksi hänen teoksensa kuulostavat niin elävältä.

Ostrovskin teatterille antama valtava merkitys, hänen ajatuksensa teatteritaiteesta, teatterin asemasta Venäjällä, näyttelijöiden kohtalosta - kaikki tämä heijastui hänen näytelmissään.

Näyttelijät, teatteriympäristö - uusi elämänmateriaali, jonka Ostrovski hallitsi - kaikki teatteriin liittyvä tuntui hänelle erittäin tärkeältä.

Itse Ostrovskin elämässä teatterilla oli valtava rooli. Hän osallistui näytelmiensä tuotantoon, työskenteli näyttelijöiden kanssa, oli monien heistä ystävä ja kirjeenvaihto heidän kanssaan. Hän ponnisteli paljon näyttelijöiden oikeuksien puolustamiseksi, pyrkien luomaan teatterikoulun ja oman ohjelmistonsa Venäjälle. Maly Theaterin taiteilija N.V. Rykalova muisteli: Ostrovskista, ”kun hän on tutustunut ryhmään paremmin, hänestä tuli miehemme. Ryhmä rakasti häntä kovasti. Aleksanteri Nikolajevitš oli epätavallisen hellä ja kohtelias kaikkia kohtaan. Tuolloin vallinneessa maaorjuushallinnossa, kun taiteilijan esimiehet sanoivat "sinä", kun suurin osa ryhmästä oli maaorjia, Ostrovskin käytös tuntui kaikille jonkinlaiselta paljastukselta. Yleensä Aleksanteri Nikolajevitš itse esitti näytelmänsä... Ostrovski kokosi ryhmän ja luki näytelmän heille. Hän osasi lukea hämmästyttävän taitavasti. Kaikki hahmot tulivat ulos hänestä kuin he olisivat elossa...

Ostrovski tunsi hyvin teatterin sisäisen, kulissien takana, yleisön silmiltä piilossa. Metsästä alkaen" (1871), Ostrovski kehittää teatterin teemaa, luo kuvia näyttelijöistä, kuvaa heidän kohtalonsa - tätä näytelmää seuraavat "1600-luvun koomikko" (1873), "Lahjatukset ja ihailijat" (1881) , "Syyllinen ilman syyllisyyttä" (1883).

Näyttelijöiden asema teatterissa ja menestys riippui siitä, pitikö kaupungin sävyn luonut rikas yleisö heistä vai ei. Loppujen lopuksi maakuntaseurueet elivät pääasiassa paikallisten suojelijoiden lahjoituksista, jotka tunsivat olevansa teatterin mestarit ja pystyivät sanella ehtonsa. Monet näyttelijät elivät varakkaiden fanien kalliilla lahjoilla.

Näyttelijällä, joka piti kunniastaan ​​huolta, oli vaikeaa. Ostrovski kuvaa "lahjakkuuksia ja ihailijoita" tällaista elämäntilannetta. Domna Panteleevna, Sasha Neginan äiti, valittaa: "Sashalleni ei ole onnea! Hän ylläpitää itseään erittäin huolellisesti, no, yleisön välillä ei ole hyvää tahtoa: ei erityisiä lahjoja, ei mitään muiden kaltaisia, jotka... jos...". Nina Smelskaya, joka hyväksyy mielellään varakkaiden fanien holhouksen, muuttuen pohjimmiltaan pidetyksi naiseksi, elää paljon paremmin, tuntee olonsa paljon varmemmaksi teatterissa kuin lahjakas Negina.

Mutta huolimatta Ostrovskin kuvaamasta vaikeasta elämästä, vastoinkäymisistä ja suruista, monet elämänsä näyttämölle ja teatterille omistaneet ihmiset säilyttävät sielussaan ystävällisyyden ja jalouden. Ensinnäkin nämä ovat tragedioita, joiden on lavalla elettävä intohimojen maailmassa.

Tietenkin jaloisuus ja hengen anteliaisuus eivät rajoitu tragedioihin. Ostrovski osoittaa, että aito lahjakkuus, epäitsekäs rakkaus taiteeseen ja teatteriin kohottaa ja kohottaa ihmisiä. Nämä ovat Narokov, Negina, Kruchinina.

Ostrovskin kuvaama teatteri elää niiden maailman lakien mukaan, jotka ovat lukijalle ja katsojalle tuttuja hänen muista näytelmistään. Taiteilijoiden kohtalon kehittymisen määräävät moraalit, ihmissuhteet ja "yleisen" elämän olosuhteet. Ostrovskin kyky luoda uudelleen tarkka, elävä kuva ajasta ilmenee täysin näytelmissä näyttelijöistä. Tämä on Moskova tsaari Aleksei Mihailovitšin ("1600-luvun koomikko") aikakaudella, provinssikaupunki, joka on nykyaikainen Ostrovskin ("Lahjakkaat ja ihailijat", "Syylliset ilman syyt") aatelistila ("Metsä").

Yleinen tietämättömyyden, typeryyden, toisten ylimielisen mielivaltaisuuden ja toisten puolustuskyvyttömyyden ilmapiiri ulottuu Ostrovskin näytelmissä sekä teatterin elämään että näyttelijän kohtaloon. Ohjelmisto, tulot ja taiteilijan elämä yleensä riippuvat vastikään lyödystä venäläisestä "Medicisistä". ”...Nyt porvariston voitto, nyt taide on kullan arvoinen, sanan täydessä merkityksessä kulta-aika on tulossa, Mutta älä kysy, joskus he antavat sinulle mustan, ja sinä Tulen ratsastamaan tynnyrissä alas vuorelta omaksi iloksesi – minkä Medicien kimppuun hyökkäät”, Paratov sanoo Robinsonille ”Myötäiset”.

Tämä on Bryakhimovin provinssikaupungin taiteen suojelija - Prinssi Dulebov näytelmässä "Lahjatukset ja ihailijat": "Tämä on erittäin kunnioitettava mies... mies, jolla on hyvä maku, joka osaa elää hyvin, mies joka rakastaa taidetta ja ymmärtää sitä hienovaraisesti, kaikkien taiteilijoiden, taiteilijoiden, mutta enimmäkseen naistaiteilijoiden suojelija." Juuri tämä hyväntekijä järjestää nuoren lahjakkaan näyttelijä Sasha Neginan vainon, jota hän "halusi tehdä onnelliseksi suosiolla, mutta hän loukkaantui siitä". "Mikä on rikos? Mikä on rikos? Se on tavallisin asia. Et tunne elämää tai kunnollista yhteiskuntaa..." Dulebov opettaa Neginaa. "Pelkä rehellisyys ei riitä: sinun on oltava älykkäämpi ja varovaisempi, joten ettei itketä myöhemmin." Ja Negina joutuu pian itkemään: Dulebovin käskystä hänen edunsuorituksensa pilataan, hänen sopimustaan ​​ei uusita ja hänet potkitaan ulos teatterista. Yrittäjä tietää, kuinka lahjakas Negina on, mutta ei voi kiistellä niin vaikutusvaltaisen henkilön kanssa kaupungissa.

Venäläisen teatterin elämässä, jonka Ostrovski tunsi niin hyvin, näyttelijä oli pakkohenkilö, toistuvasti riippuvainen. ”Silloin oli suosikkien aika, ja kaikki ohjelmistotarkastajan johtamiskäskyt koostuivat ohjeista pääohjaajalle, että hänen oli huolehdittava ohjelmiston kokoamisesta niin, että esityksestä isoja maksuja saavat suosikit soittivat joka päivä. ja, jos mahdollista, kahdessa teatterissa”, Ostrovski kirjoitti ”Huomautus sääntöluonnoksista keisarillisten teattereiden palkintoja dramaattisista teoksista” (1883).

Jopa hyvin kuuluisat näyttelijät joutuivat juonittelun uhreiksi esimiehiensä mielivaltaisuuden uhreiksi. Ostrovskin täytyi hälinää I.V:n vuosipäivä. Samarina. Hän kirjoittaa viralliselle A.M. Ptšelnikov, joka Ostrovskin aikalaisten mukaan "säveli taiteilijoita kuin maanomistaja palvelijoidensa kanssa";

Ostrovskin esityksessä näyttelijät saattoivat osoittautua melkein kerjäläisiksi, kuten Neschastlivtsev ja Schastlivtsev "Metsässä", nöyryytetyiksi, humalassa menettäneiksi ihmisnäkymiksi, kuten Robinson "Myötäisissä", kuten Shmaga elokuvassa "Syylliset ilman syyllisyyttä". kuten Erast Gromilov elokuvassa "Lalentit." ja fanit", "Me, taiteilijat, paikkamme on buffetissa", sanoo Shmaga haasteellisesti ja pahalla ironialla.

Lahjakas koomikko Yakov Kochetov, näytelmän "1600-luvun koomikko" sankari, pelkää tulla taiteilijaksi. Ei vain hänen isänsä, vaan hän itsekin on varma, että tämä on tuomittavaa toimintaa, että hölmöily on syntiä, josta pahempaa ei voi olla. Nämä ovat Domostrojevskin ajatuksia Moskovassa 1600-luvulla. Mutta vielä 1800-luvun lopulla Neschastlivtsev häpesi näyttelijän ammattiaan. "...En halua hänen tietävän, veli, että olen näyttelijä ja vieläpä maakuntalainen", hän kertoo Schastlivtseville ja ilmestyessään Gurmyzhskajaan hän teeskentelee olevansa eläkkeellä oleva upseeri.

Belinskaja

Venäjän näyttämön ohjelmisto on epätavallisen huono. Syy on ilmeinen: meillä ei ole näytelmäkirjallisuutta. Totta, venäläinen kirjallisuus voi ylpeillä useista dramaattisista teoksista, jotka tekisivät kunniaa mille tahansa eurooppalaiselle kirjallisuudelle; mutta venäläiselle teatterille tämä on enemmän haitallista kuin hyödyllistä. Venäläisen kirjallisuuden traagisia loistavia luomuksia ei kirjoitettu näyttämölle: ”Boris Godunov” tuskin olisi tuottanut lavalla sitä, mitä

kutsutaan efektiksi ja ilman sitä näytelmä putoaa, ja silti se vaatisi sellaista täyttymystä, jota teatteriltamme on mahdotonta toivoa. "Boris Godunov" kirjoitettiin luettavaksi. Pushkinin pienet dramaattiset runot, kuten: "Salieri ja Mozart", "Juhla ruton aikana", "Merenneito", "Kurja ritari"

"Knight's Scenes" ja "The Stone Guest" ovat näyttämölle epämukavia kahdesta syystä: ne ovat vielä liian hienostuneita ja yleviä teatteriyleisöllemme ja vaatisivat loistavan toteutuksen, josta meidän ei pitäisi edes haaveilla. Mitä tulee komediaan, meillä on vain kaksi komediaa - "Voi nokkeluudesta" ja "Kenraalitarkastaja"; ne voisivat, varsinkin viimeinen, älkääkä sanoa, koristella, eivät rikastuttaa mitä tahansa eurooppalaista kirjallisuutta. Molemmat esitetään Venäjän lavalla paremmin kuin mitään muuta; molemmilla oli ennennäkemätön menestys, kesti monia

esityksiä eivätkä koskaan lakkaa tarjoamasta yleisölle suurinta iloa. Mutta tämä seikka, joka on toisaalta erittäin hyödyllinen venäläiselle teatterille, on samalla haitallinen sille. Yhden kanssa

Toisaalta olisi epäreilua vaatia yleisöltä, että he katsovat ympäri vuoden vain "Voe from Wit" ja "The Inspector General" eivätkä halua nähdä mitään uutta; ei - uutiset ja monimuotoisuus ovat välttämättömiä teatterin olemassaololle;

kaikkien uusien kansallisen kirjallisuuden teosten tulee muodostaa hänen omaisuutensa pääomasummia, joilla hänen luottonsa voidaan ylläpitää; tällaisia ​​näytelmiä ei pidä antaa joka päivä, niiden tulee olla poikkeuksellisia - päinvastoin

esitysten tulisi olla loma, taiteen voitto; Lavan arjen ruoan tulee olla matalampaa, fiktiivisiä teoksia, täynnä aikamme eläviä etuja, ärsyttää yleisön uteliaisuutta: ilman varallisuutta ja

tällaisten teosten runsaus saa teatterin näyttämään haamulta, ei joltakin todella olemassa olevalta. Toisaalta, mitä haluatte meidän katsovan venäläisellä näyttämöllä ”Voi viisaudesta” ja ”Kenraalin tarkastaja” jälkeen? Tätä me kunnioitamme

vahingot, joita nämä näytelmät aiheuttivat teatterillemme, selittäen meille elävästi - tosiasia, ei teoria) - komedian salaisuus, esitellen meille sen korkeimman ihanteen... Onko meillä mitään, mikä ainakin

suhteellisesti - emme sano, että se sopisi näihin näytelmiin, mutta - eivätkö ne loukannut esteettistä järkeä ja maalaisjärkeä niiden jälkeen? Totta, saatat silti pitää toisesta näytelmästä, mutta ei useammin kuin kerran - ja tarvitset liikaa

epäitsekkyyttä ja rohkeutta päättää tavata hänet toisen kerran. Yleensä ainakin puolet meistä

näyttelijät tuntevat olevansa paremmat kuin näytelmät, joissa he näyttelevät - ja he ovat tässä täysin oikeudenmukaisia. Tästä seuraa näyttämötaiteemme kuolema, näyttämökykyjemme kuolema (jonka niukkuus emme voi

voimme valittaa): taiteilijallamme ei ole rooleja, jotka vaatisivat häneltä tiukkaa ja syvällistä opiskelua, joiden kanssa hänen täytyisi kilpailla, mitata itseään, sanalla sanoen - joihin hänen pitäisi yrittää

parantaa lahjakkuuttasi; ei, hän käsittelee merkityksettömiä, tyhjiä rooleja, ajattelematta, ilman luonnetta, rooleja, joita hänen täytyy venyttää ja venyttää itselleen. Tottuessaan tällaisiin rooleihin taiteilija tottuu voittamiseen lavalla.

henkilökohtaisella komediallaan, ilman mitään yhteyttä rooliin, hän tottuu farsseihin, tottuu katsomaan taidettaan käsityönä.

Toistaiseksi jätämme huomioimattamme tragedian - puhumme siitä myöhemmin - ja puhumme vain niistä näytelmistä, jotka eivät kuulu tragediaan tai varsinaiseen komediaan, vaikka niissä esitetään väitteitä molemmista yhdessä - sekoitettuja, pieniä näytelmiä, tragediat typerillä kupletilla, komediat uneliaisilla säälittävillä kohtauksilla, sanalla sanoen - tämä hyötyesitysten vinegretti, Teatterikroniikkamme aihe.

Ne on jaettu kolmeen tyyppiin:

1) ranskasta käännetty näytelmä

2) ranskasta muunnetut näytelmät

3) näytelmät ovat alkuperäisiä.

Ensinnäkin ensimmäisestä on sanottava, että ne ovat suurimmaksi osaksi huonosti käännetty, etenkin vaudeville. Vaudeville on Ranskan kansalaisuuden rakas lapsi,

Ranskalaista elämää, fantasiaa, ranskalaista huumoria ja nokkeluutta. Se on kääntämätön, kuten venäläinen kansanlaulu, kuin Krylovin satu. Ranskan vaudeville-kääntäjämme kääntävät sanat jättäen alkuperäiseen elämän, nokkeluuden ja armon. Heidän älykkyytensä on raskaita, sanaleikit ulottuvat korvien yli, vitsejä ja

vihjeet resonoivat viidennentoista luokan virkamiesten hengen kanssa. Lisäksi nämä käännökset eivät ole jumalan lahja näyttämölle, koska ranskalaisia ​​näyttelevät näyttelijät pysyvät itsestään huolimatta venäläisinä - aivan kuten ranskalaiset

"Kenraalin tarkastajaa" näyttelevät näyttelijät olisivat jääneet ranskalaisiksi huolimatta itsestään. Yleensä vaudeville on hieno asia vain ranskaksi, ranskalaisella näyttämöllä, jossa ranskalaiset näyttelijät soittavat. On yhtä mahdotonta jäljitellä häntä kuin

Käännä se. Venäläinen, saksalainen, englantilainen vaudeville pysyy aina parodiana ranskalaisesta voudevillestä. Äskettäin jossakin venäläisessä sanomalehdessä kerrottiin, että niin kauan kuin vodevillimme matkii ranskalaisia, se ei mennyt mihinkään

sopii; ja kun hän pian nousi omilla jaloillaan, hänestä tuli hieno mies, jopa parempi kuin ranskalaiset. Ehkä näin on, mutta myönnetään, että jos sattui näkemään venäläinen vaudeville, joka käveli omilla jaloillaan, niin hän käveli aina vinoilla jaloilla; Venäläiset ranskankieliset sovitukset ovat nyt suuressa muodissa: suurin osa nykyaikaisesta ohjelmistosta koostuu niistä. Syy niiden lisääntymiseen on ilmeinen: yleisö suhtautuu välinpitämättömästi käännettyihin näytelmiin; se vaatii omaperäisyyttä, se vaatii venäläisen elämän näyttämöllä, venäläisen yhteiskunnan elämäntapaa. Kotimaiset näytelmäkirjailijamme

keksinnöt ovat köyhiä, juonet kekseliäitä: mitä on jäljellä? Tietenkin ota ranskalainen näytelmä, käännä se sanasta sanaan, siirrä toiminta (joka pohjimmiltaan voisi tapahtua vain _vain_ Ranskassa)

Saratovin maakuntaan tai Pietariin, muuta hahmojen ranskankieliset nimet venäläisiksi, tee osastopäällikkö prefektistä, seminaari apottista, rouva loistavasta seuranaisesta, piika grisettistä , ja

jne. Alkuperäisistä näytelmistä ei ole mitään sanottavaa. Muutoksissa ainakin on sisältöä - alku, solmu ja loppu; alkuperäiset näytelmät pärjäävät hyvin ilman tätä tarpeetonta dramaattisen sävellyksen lisävarustetta. Miten

kumpikaan ei halua tietää, että draama - mikä se sitten onkin, ja varsinkin draama modernin yhteiskunnan elämästä - ennen kaikkea ja ennen kaikkea pitäisi olla uskollinen peili modernista elämästä, modernista yhteiskunnasta. Kun näytelmäkirjailijamme haluaa ampua sinua, seiso tarkalleen missä

hän tähtää: hän varmasti kaipaa, mutta muuten hän ehkä saa kiinni. Näytelmissämme kuvattu yhteiskunta on yhtä samanlainen venäläisen kuin arabiyhteiskunnan kanssa. Oli tyyppi ja sisältö mikä tahansa

näytelmä, riippumatta siitä millaista yhteiskuntaa se esittää - yläympyrä, maanomistajia, byrokraatteja, kauppiaita, talonpoikia, olipa sen toimintapaikka mikä tahansa - salonki, taverna, aukio, kuunari - sen sisältö on aina sama: tyhmillä vanhemmilla on suloinen, koulutettu tytär; hän on rakastunut hurmaavaan nuoreen mieheen, mutta köyhään - yleensä upseeriin, toisinaan (vaihtelun vuoksi) virkailijaan; ja he haluavat pitää hänet hulluna, eksentrinä, roistona tai kaikki tämä yhdessä. Tai päinvastoin kunnianhimoisten joukossa

vanhemmilla on poika - nuoren miehen ihanne (eli värittömät kasvot, luonteeton), hän on rakastunut _köyhien mutta jalojen vanhempien tyttäreen_, kaikkien niiden hyveiden ihanteen, jotka mahtuvat vain vaudevilleen, esimerkki jokaisesta

täydellisyyttä, jota tapahtuu kaikkialla paitsi todellisuudessa; ja he haluavat mennä naimisiin hänen kanssaan - toisin sanoen naida hänet jonkun kanssa, jota hän ei rakasta. Mutta lopulta hyve palkitaan, pahe rangaistaan: rakastavaiset menevät naimisiin, rakkaat vanhemmat siunaavat heitä, kodinhävittäjällä on nenä - ja taivas nauraa hänelle. Toiminta kehittyy aina näin: tyttö on yksin, kirja kädessään, valittaa vanhemmistaan ​​ja lukee mielipiteitä siitä, kuinka "sydän rakastaa kysymättä vieraita". Yhtäkkiä: "Oi, se olet sinä, Dmitri Ivanovitš tai Nikolai Aleksandrovitš!" -

"Ah! se olen minä, Lyubov Petrovna tai Ivanovna tai joku muu tapa... Kuinka iloinen olenkaan, että löysin sinut yksin!" - Lausuttuaan nämä sanat lempeä rakastaja suutelee rakkaansa kättä. Huomaa, hän varmasti suutelee - muuten hän ei ole rakastaja eikä sulhanen, muuten kuinka yleisö tietäisi, että tämä rohkea upseeri tai hyveellinen virkamies on rakastaja tai sulhanen? Olemme aina olleet hämmästyneitä tästä näytelmäkirjailijoidemme jäljittelemättömästä taiteesta vihjailla niin hienovaraisesti ja taitavasti hahmojen asenteesta heidän dramaattisissa teoksissaan...

jatkaa hänen kätensä suutelemista ja sanoo kuinka onneton hän on, että hän kuolee

epätoivosta, mutta että hän kuitenkin käyttäisi kaikkia keinoja; vihdoin _hän_ on mukana

suutelee hänen kättään viimeisen kerran ja lähtee. Kotihävittäjä tulee sisään ja suutelee välittömästi

kynä - kerran ja kahdesti, ja kolme ja enemmän tarpeen mukaan; _nuori nainen_ pettää

sienet ja sprinkleet maksimilla; äiti tai isä moittii häntä ja uhkaa häntä;

vihdoin - rikas setä tai kotihävittäjä tulee rakastajan apuun

osoittautuu roistoksi: _rakkain_ yhdistävät kädet rakastava pari - rakastaja

hymyilee hellästi ja hyväksyy, jotta ei seiso lavalla pikkuasioissa

suutele kättä ja lyö huulia; _nuori nainen_ hymyilee hilpeästi ja hellästi ja

ikään kuin hän vastahakoisesti sallisi sinun suudella kättään... Kaikkea tätä katsellessa, tahattomasti

sinä huudat:

Kenestä he maalaavat muotokuvia?

Missä näitä keskusteluja kuullaan?

Ja jos se tapahtui heille -

Joten emme halua kuulla niitä (5).

Jos uskot meidän draamojamme, saatat ajatella, että pyhällä Venäjällämme

He vain rakastuvat ja menevät naimisiin rakastamansa kanssa; A

Naimisiin asti he kaikki suutelevat rakastajiensa käsiä... Ja tämä on peili

elämä, todellisuus, yhteiskunta!.. Hyvät herrat, ymmärrä vihdoinkin

että ammut tyhjiä panoksia ilmaan, taistelet myllyillä ja

lampaita, ei sankareita! Ymmärrä vihdoinkin, että kuvaat riepuja

nuket, et oikeita ihmisiä, maalaat moraalitarinoiden maailman, joka pystyy

viihdyttää seitsemänvuotiaita, ei modernia yhteiskuntaa, jota et tunne

ja joka ei halua tuntea sinua! (6) Ymmärrä vihdoin, että rakastajat (jos he

ainakin jonkin verran sielullisia ihmisiä), tapaavat toisensa, harvoin

he puhuvat rakkaudestaan ​​ja useimmiten täysin tuntemattomista ihmisistä ja lisäksi

pieniä esineitä. He ymmärtävät toisiaan hiljaa - ja se on pointti

rakkautta sanomatta sanaakaan siitä. Tietysti he voivat puhua rakkaudesta, mutta

ei mautonta, kulunutta lausetta, vaan sanoja täynnä sielua ja merkitystä, sanoja jotka

puhkeaa tahattomasti ja harvoin...

Yleensä "rakastajat" ja "rakastajat" ovat värittömimmät ja siksi

draamamme tylsimmät kasvot. Se on yksinkertaista – nuket lähtevät liikkeelle

itse ne toimivat vain näytelmän ulkoisena juoneena. Ja siksi minä aina

On sääli nähdä taiteilijoita, jotka paha kohtalo tuomitsee rakastajan ja

rakastajattaret Heille on jo suuri kunnia, jos he onnistuvat olemaan koristelematta, vaan vain

tee roolistasi mahdollisimman vähemmän mautonta... Miksi ne tuodaan esiin?

näytelmäkirjailijamme nämä huono-onniset rakastajat ja rakastajattaret? Sille mitä on ilman

he eivät pysty keksimään mitään sisältöä; he eivät osaa keksiä

koska he eivät tunne elämää, ihmisiä, yhteiskuntaa, he eivät tiedä mitä ja miten

tehdään todellisuudessa. Lisäksi he haluavat saada yleisön nauramaan

jotkut eksentrit ja alkuperäiset. Tätä varten he luovat hahmoja

ei löydy mistään, he hyökkäävät paheisiin, joissa ei ole mitään pahaa,

pilkata moraalia, jota he eivät tunne, osallistua yhteiskuntaan, johon he eivät kuulu

pääsy. Tämä on yleensä pilkkaa kauppiasta, joka on ajanut partansa; edellä

nuori mies, joka palasi ulkomailta partalla; nuorten yli

henkilö, joka ratsastaa ja rakastaa kavalkadeja; sanalla sanoen - ohi

peitämme mekot, kampauksen päälle, ranskan kielen päälle, lorgnetten päälle, yli

keltaiset hanskat ja kaikki, mitä ihmiset rakastavat pilkkaamaan isäntiensä suhteen,

odottamassa heitä sisäänkäynnillä turkit käsivarsissaan... Ja mitä ihanteita hyveistä on kuvattu

he - Jumala varjelkoon! Tältä puolelta komediamme ei ole muuttunut yhtään sen jälkeen

Fonvizinin ajat: sen typerät ihmiset ovat joskus hauskoja, ainakin siinä mielessä

karikatyyrejä, ja älykkäät ihmiset ovat aina tylsiä ja tyhmiä...

Mitä tulee tragediaamme, se edustaa samaa valitettavaa

spektaakkeli. Aikamme tragediat ovat yhtä paljon kuin spektaakkeli

koomikot: he kuvaavat venäläistä elämää samalla uskollisuudella ja vielä vähemmällä

menestys, koska ne kuvaavat Venäjän historiallista elämää korkeimmillaan

merkitys. Jättäen syrjään heidän kykynsä, sanotaanpa vain, että Koti

syy heidän epäonnistumiseen on virheellinen näkemys Venäjän historiasta. jahtaa

kansallisuudesta, he katsovat edelleen Venäjän historiaa länsimaisesta näkökulmasta.

Muuten he eivät olisi alkaneet etsiä draamaa Venäjältä ennen Pietari Suuren aikaa.

Historiallinen draama on mahdollista vain, jos heterogeeniset elementit kamppailevat

valtion elämää. Ei turhaan, että draama saavutti huippunsa vain englantilaisten keskuudessa.

korkeampi kehitys; ei ole sattumaa, että Shakespeare esiintyi Englannissa, eikä missään muussakaan

valtio: missään ei ole ollut valtioelämän elementtejä sellaisessa

ristiriitaisuuksia sellaisessa taistelussa keskenään, kuten Englannissa. Ensimmäinen ja tärkein

syynä tähän on kolminkertainen valloitus: ensin roomalaisten syntyperäiset, sitten

Ranska, uskonnollinen uudistus tai protestantismin taistelu katolilaisuuden kanssa. SISÄÄN

Venäjän historiassa ei ollut sisäistä elementtien taistelua eikä siten sen luonnetta

enemmän eeppinen kuin dramaattinen. Intohimoiden monimuotoisuus, yhteentörmäys

sisäiset edut ja yhteiskunnan monimuotoisuus ovat draaman välttämättömiä edellytyksiä: a

mitään näistä ei tapahtunut Venäjällä. Siksi Pushkinin "Boris Godunovilla" ei ollut

menestys, joka oli syvästi kansallista työtä. Samasta syystä "Boris

Godunov" ei ole ollenkaan draama, vaan ehkä runo dramaattisessa muodossa (7). Ja sen kanssa

Tästä näkökulmasta Puškinin "Boris Godunov" on syvästi hieno teos

kulutti kansallishengen aarteen. Toinen dramatiikkamme

runoilijat luulivat näkevänsä kansallishenkeä röyhkeydissä ja gorlat-hatuissa, mutta

puheita tavallisten ihmisten tavalla, ja tämän puhtaasti ulkoisen kansallisuuden seurauksena niistä tuli

pukea saksalaiset venäläisiin pukuihin ja laittaa venäläisiä sanontoja heidän suuhunsa.

Siksi tragediamme ilmestyi päinvastaisessa suhteessa ranskalaisiin

pseudoklassinen tragedia: ranskalaiset runoilijat pukeutuivat tragedioihinsa

Ranskalaiset roomalaisissa togaissa ja pakottivat heidät ilmaisemaan itseään antiikin parodioissa

puhe; ja jotkut saksalaisistamme ja ranskalaisistamme ovat pukeutuneet venäläisiin asuihin ja pakotettuja

heillä on venäläisen puheen kaltaisuus ja haamu. Vaatteet ja sanat ovat venäläisiä, mutta tunteet ovat

motiivit ja ajattelutapa ovat saksalaisia ​​tai ranskalaisia... Emme sano

vulgaarisista kansantuotteista, mauttomista, keskinkertaisista ja epäesteettisista tuotteista:

Tällaiset hirviöt eivät ole harvinaisia ​​kaikkialla ja kaikkialla ne luovat tarvittavan pentueen ja riitoja

kirjallisuuden takapihalle. Mutta mitä ovat "Ermak" ja "Dmitry the Pretender"?

Khomyakova (8), ellei pseudoklassisia tragedioita tragedioiden hengessä ja tavalla

Corneille, Racine, Voltaire, Crebillon ja Ducis? (9) Ja heidän hahmonsa

mitä he ovat kuin saksalaiset ja ranskalaiset naamioituneet, valeparta ja

pitkähameiset kaftaanit? Ermak - saksalainen Bursch; Kasakat, hänen toverinsa ovat saksalaisia

oppilaat; ja Ermakin rakas on parodia Amaliasta "Ryöstöissä"

Schiller. Dmitri Teeskentelijä ja Basmanov ovat ihmisiä, jotka kutsut heitä miksi tahansa,

Henrys, Adolphs, Alphonses - kaikki on sama, ja asian ydin riippuu

tämä ei muutu miksikään. Kuitenkin tämän perheen perustaja

pseudoklassisen ja pseudovenäläisen tragedian tulee kunnioittaa Narezhnyä,

joka kirjoitti (kuitenkin ilman ilkeä tarkoitusta) "The Robbers" -parodian

Schiller, otsikkona: "Dmitry the Pretender" (tragedia viidessä näytöksessä.

Moskova. 1800 (10). Beketovin kirjapainossa_). Kun herra Khomyakov yli Venäjän

Paroni Rosen työskenteli kovasti tragedian jälkeen, ja hänen kova työnsä ansaitsee täyden

kehua. Suurella menestyksellä heitä molempia vastaan ​​hän työskenteli ja työskenteli tämän eteen

kentällä Kukolnikin kaupungissa. Olemme aina valmiita antamaan asianmukaista oikeutta

herra Kukolnikin runouden kyvyt - ja vaikka he eivät ole lukeneet hänen "Patkuliaan" (11)

melko, mutta tämän draaman prologin perusteella uskomme, että kaikki

draama ei välttämättä ole vailla merkittäviä ansioita. Mitä tulee muihin

hänen draamansa, joiden sisältö on otettu venäläisestä elämästä - me kaikki olemme niistä

he sanoivat puhuessaan Pushkinin "Boris Godunovista" ja hra Khomyakovin tragedioista. Heissä

venäläiset nimet, venäläiset puvut, venäläinen puhe; mutta en ole kuullut venäläisestä hengestä

kuule, ei näe. Niissä venäläistä elämää vuokrataan muutamalle

draaman esitykset: yleisö taputti niitä ja unohti ne ja niihin sisältyvät

venäläisen elämän elementit palasivat takaisin entiseen varastoonsa - sisään

"Venäjän valtion historia." Valtuutetuissa kaupungeissa ei ollut draamaa.

Nukkenäyttelijä Karamzinin "Tapahtumien historiasta": draamaa ei syntynyt

draama herra Kukolnik. Älykkään ja koulutetun ihmisenä herra Kukolnik itse

Tunsin tämän, ainakin ehkä alitajuisesti, ja päätin yrittää uudelleen:

tuoda venäläinen elämä kasvokkain Liivin ritarien elämän kanssa ja puristaa ulos

tämä törmäys on draama. Tästä syntyi "prinssi Daniil Dmitrievich

Kholmsky", hänen uusi draamansa. Emme paljasta sisältöä

herra Kukolnikin tragedia: tämä työ olisi voimamme ja kärsivällisyytemme ulkopuolella

lukijat, koska "Kholmskyn" sisältö on sekavaa, sekavaa, sotkuista

monien ihmisten toimesta, joilla ei ole luonnetta, puhtaasti monien tapahtumien vuoksi

ulkoinen, melodramaattinen, tehosteeksi keksitty ja näytelmän olemuksesta vieras.

Tämä, kuten eräs kriitikko aivan oikein huomautti, "ei ole draama tai komedia, eikä

ooppera, ei vaudeville, eikä baletti; mutta täällä on vähän kaikkea paitsi

draama, sanalla sanoen, on _divertismentti_" (12).

Tässä on lyhyt yhteenveto "Prince Kholmskyn" sisällöstä: Baroness Adelheida von

Schlummermaus rakastaa Pihkovan kauppias Aleksanteri Mihailovitš Knyazhichia ja niin, että

muodostaa yhteyden häneen, sallii suuren lähettämän Moskovan armeijan irrottamisen

Prinssi Johannes Kholmskyn johdolla hoitamaan liivilaisia

käske, ota itsesi vangiksi. Minun on sanottava, että hän on Amazon: hän murtaa keihäitä ja

valloittaa saaret. Kholmsky rakastuu häneen; ensimmäinen keikkailu ja

sitten hänen veljensä paroni von Schlummermausin juonittelut pakottavat hänet luovuttamaan

Kholmsky toivoo vastavuoroisuutta puoleltaan. Pitkän kamppailun jälkeen itseni kanssa

Kholmsky itse, petollisen paronin ja hänen rikoskumppaninsa sytyttämä salaisuus

juutalainen Oznoblin tulee ilman näkyvää syytä siihen absurdiin vakaumukseen

Tähdet käskevät häntä jättämään isänmaansa, muodostamaan siitä uuden valtion

Hansa, Livonia ja Pihkova. Kun hän julisti "tähtien tahdon" Pihkovan kokouksessa,

hänet otetaan säilöön; suuriruhtinas antaa hänelle anteeksi kuin alentuessaan häntä kohtaan

hulluutta ja rankaisee paroni von Schlummermausta. Sen huipuksi

Hauskan sankarin - Kholmskyn - koominen tilanne, hän oppii sen

Amazonin paronitar innostui hänestä ja meni naimisiin parrakkaan kanssa

rakastaja, kauppias Knyazhich. Hän haluaa tappaa heidät, mutta narri ei anna hänen antaa

Sereda on hänen mentorinsa, hänen kasvonsa ovat naurettavia, merkityksettömiä, hauska parodia venäläisistä

pyhät hullut, Jurin pyhän typeryksen sata ja ensimmäinen laiton jälkeläinen

Miloslavsky" (13). Draama kesti ja jatkui; ihmiset kävelivät siinä ja menivät ulos, ja

he puhuivat, lauloivat ja tanssivat; maisema vaihtui jatkuvasti ja yleisö

haukotteli, haukotteli, haukotteli... Draama _nukahti_, kalastustermiä käyttäen, ja

Yleisö heräsi ja lähti pois. Vain yhdet kasvot Baronin taustalla

Kulmhausbordenau elävöitti hieman apaattista esitystä, ja siitä kiitos

fiksu ja taitava peli Mr. Karatygin 2nd.

On selvää, että Kholmsky Mr. Kukolnik on venäläinen Wallenstein:14 hän ja

toinen uskoo tähtiin ja haluaa perustaa itselleen itsenäisen

isänmaan valtio. Ainoa ero on, että Wallenstein uskoo tähtiin

hänen suuren henkensä fantastisen tunnelman vuoksi,

sopusoinnussa vuosisadan hengen kanssa, mutta pyrkii varastamaan vallan takia

kyltymätön kunnianhimo, kostonhimo loukkauksesta ja levoton

hänen suuren neronsa toiminta; Kholmsky uskoo dementian vuoksi tähtiin,

mutta yrittää varastaa valtaa rakkaudesta naista kohtaan, joka pettää häntä, ja

pienen sieluni merkityksettömyyden takia. - Hyvä sankari tragediaan!

Wallensteinin pysäyttää hänen matkansa petos ja kuolema; Kholmsky

hänen yrityksensä järjettömyys pysäyttää hänet matkalla kuin sauva

pysäyttää hemmoteltu koulupoika. "Prinssi Daniil Dmitrievich Kholmsky"

voidaan pitää melko hauskana, vaikkakin hyvin pitkänä ja jopa pidempään

tylsä ​​parodia Schillerin suuresta luomuksesta - "Wallensteinista". Lähtee sisään

puolella yksityisiä haittoja, kysymme lukijoilta: onko keksinnöllä

(käsitteet) herra Kukolnikin draamasta jotain venäläistä, venäläiselle kuuluvaa

aine, venäläinen henki, venäläinen kansalaisuus? Onko se historiassamme

esimerkkejä - ainakin yksi esimerkki siitä, että venäläinen bojaari, joka oli uskonut hänelle tsaarilta

päätti jättää isänmaan armeijan kanssa ja löysi itselleen uuden valtion?..

Totta, Ermak kourallisen kasakkojen kanssa voitti Siperian vallan, mutta

heittääkseen hänet kuninkaansa jalkojen juureen. Emmekö ole oikeassa, kun sanomme niin

venäläiseen elämään tähtäävät näytelmäkirjailijamme osuvat ilmaan ja päätyvät vain sisään

heidän ihmeellisen mielikuvituksensa luomia korppeja?.. Kholmskyn suunnitelma, hänen rakkautensa,

hänen uskonsa astrologiaan, se on vain varista...

T.K. Nikolaev

Alexander Ivanovich Herzenin elämässä teatterilla oli aina näkyvä ja merkittävä rooli. Hänellä oli merkittävä mieli, sitkeä muisti ja ennenaikaisesti kehittynyt lahjakkuus syvälliseen elämänymmärrykseen, joten hän piti luonnollisesti parempana viihdettä, joka paitsi huvittaisi sydäntä, myös rikastuttaisi mieltä. Ja teatteri antoi lisäksi eläviä emotionaalisia vaikutelmia, mikä oli harvoin ilo rikkaan Moskovan kodin lapselle. Herzen itse korosti useammin kuin kerran, ettei hän ollut sentimentaalinen, ei antanut aistillisia nautintoja, ja halusi arvioida kaikkia elämänilmiöitä (mukaan lukien perheongelmat) logiikan näkökulmasta. Mutta teatteriesitysten, näyttelijöiden esityksen ja näytelmien konfliktien arvostelut herättivät yleensä jyrkän tunnereaktion: pilkkaa, iloa, vihaa, pettymystä.

Saksalaiset kirjailijat Schiller ja Goethe sekä Shakespeare, joita hän ilmeisesti myös alkoi lukea saksankielisenä käännöksenä, oli erityinen rooli Herzenin kasvatuksessa. Tulevaisuudessa sanotaan, että hän koko elämänsä ihaili näitä kolmea maailmankirjallisuuden jättiläistä lainaten niitä sekä journalistisissa teoksissaan että henkilökohtaisissa kirjeissään.

On huomattava, että toisella vuosisadalla ne, jotka tunnemme nykyään pääasiassa näyttämöltä, joita nykyään pidämme ensisijaisesti näytelmäkirjoittajina - Schiller, Shakespeare, Ozerov ja jopa Griboyedov, Fonvizin havaitsivat enemmän lukemisessa, varsinkin korkean tason ihmiset. Venäläisen teatterin yhteiskunta Herzenin aikana oli pääsääntöisesti halveksittu, ja yleensä dramaattisella näyttämöllä annettiin etusija vain runolliselle korkealle tragedialle tai antiikin kreikkalaisten klassiselle komedialle. Ja sanaa "näytelmäkirjailija" pidettiin alhaisena jopa Tšehovin aikana, joka haaveili, että teatteriin kirjoittaisivat oikeat kirjailijat, eivät näytelmäkirjailijat. Siksi Shakespeare, Schiller, Goethe ovat ennen kaikkea nuoren Herzenin runoilijoita.

Herzen arvosti poikkeuksellista lahjakkuutta. Hän sanoi: "Hamlet, tämä on suuri luomus, se sisältää ihmiselämän synkimmän puolen ja koko ihmiskunnan aikakauden." Mutta hän ei ollut vielä nähnyt Hamletia lavalla. Vasta vapauduttuaan maanpaosta ja saapuessaan Pietariin hän pystyi näkemään kuolemattoman tragedian teatterissa. 18. joulukuuta 1839 hän kirjoitti vaimolleen: ”Upea, valtava Shakespeare! Olen juuri palannut Hamletista, ja uskotteko, etteivät vain kyyneleet valuneet silmistäni; mutta minä itkin. Ei, älä lue sitä, sinun on nähtävä se sisäistääksesi sen. Kohtaus Opheliasta ja sitten se kohtaus, jossa Hamlet nauraa kuninkaan paenttua esityksestä, pelasi Karatygin erinomaisesti; ja hullu Ophelia oli hyvä. Millainen nerouden voima onkaan tarttua elämään sen äärettömyydessä Hamletista haudankaivajaan! Ja Hamlet itse on kauhea ja suuri. Goethe on oikeassa: Shakespeare luo kuin Jumala, ei ole mitään lisättävää tai vastustamista, hänen luomuksensa on olemassa, koska se on olemassa, hänen luomuksellaan on muuttumaton todellisuus ja totuus... Palasin kotiin innoissani... Nyt näen synkän yön ja kalpea Hamlet näyttää kalloa miekan päässä ja sanoo: "Siellä oli huulet, ja nyt ha-ha!..." Tulet sairaaksi tämän näytelmän jälkeen.

Lasten puhtaasti emotionaalinen kiintymys teatteriin korvattiin aikuisen kypsällä vakaumuksella, että näytelmät, vaikka ne olisi kirjoitettu kauniilla runoudella, "täytyy nähdä, jotta ne sisäistyvät", eli niin, että siitä tulee osa sielua, osa tietoisuutta. Ja sitten Herzen lainasi koko elämänsä ajan "Hamletia" eri tilanteiden yhteydessä; hänen sielunsa ja mielensä puhuivat vapaasti shakespearelaisia ​​tekstejä.

Koko elämänsä ajan Herzenin kirjeissä mainittiin aina teatteritapahtumat, ainakin lyhyesti. Tässä muutama lainaus sadoista samankaltaisista:

28. helmikuuta Kölnistä Moskovan ystäville: "Berliinissä esitetään Molieren "Vina" ja yleisö ei voi lakata itkemästä, joten pahoittelut Nerta ja Elvira"28.

7. kesäkuuta 1855 A. Saffi: "Sitten menimme Saint-James-teatteriin katsomaan Levassoria, joka sai minut nauramaan ääneen Pariisissa"30.

23. kesäkuuta 1855 M.K. Reichel: "Tämän viikon päätapahtuma oli se, että olimme Oopperassa - kuuntelimme Grisiä ja Viardot'a, ja mikä tärkeintä, Marioa, joka tällä kertaa vaikutti minusta ylivoimaiselta kaikkia muita"31.

27. toukokuuta 1856 M.K. ja A. Reichel: Kuulin eilen kuuluisan Picolominin Verdin rosoisessa oopperassa "La Traviata" - tämä ei ole suuri hahmo, vaan lahjakkuus täynnä tulta ja armoa"32.

27. kesäkuuta 1863 Olga ja Natalia Herzenille: "Iltalla menimme katsomaan villiä "Faustia" (eli oopperaa Gounaud - "Fost"), täällä se tekee roiskeita. Tämä on Fost, ei Faust. Se tuntui minusta hirveän meskinmäiseltä - täytyy olla oikea ranskalainen ottaakseen loistavan teoksen, tehdäkseen siitä jonkinlaisen nuhkon oopperan - ja olla tyytyväinen. Entä yleisö? Sekä Her Maj(esty) -teatterissa että Covent Gardenissa. Kirjoitinko sinulle, että kuulin Pattin? - Hän laulaa hyvin. Faustissa vain Gretchen on kunnollinen - Mademoiselle Totiens"34.

Hän kirjoitti kenties suosituimman tarinansa "Varastava harakka" taiteilijoista, heidän työstään ja elämästään ja omisti sen suurelle venäläisnäyttelijälle M.S. Shchepkin, jonka kanssa hän oli ystäviä monta vuotta, jolle hän kirjoitti pitkiä kirjeitä ulkomailta eurooppalaisesta teatterista, huomauttaen poikkeuksetta venäläisen näyttelijäkoulun paremmuudesta. "Hei, Mihail Semenovich!" Omalta osaltasi kerron, että teatterit täällä ovat erittäin huonoja ja voit tunnollisesti laulaa jokaisesta näyttelijästä: "Marusyalle nikkeli, koska Marusya ei ole sellainen", - mutta näyttelijät ovat huonompia kuin he, ja laulajat ovat itseään huonompia - yleisesti ottaen nyt yleisö edustaa enemmän teatterissa kuin näyttelijät." Useammin kuin kerran hän käsitteli journalistisissa artikkeleissaan teatterin kysymyksiä, sen vaikutusta ihmisten elämään. Aivan ensimmäiset ulkomaisista vaikutelmista kirjoitetut teokset, Sovremennikissä julkaistut kirjeet Ranskasta ja Italiasta, ovat täynnä teatterin analogioita, näyttämövaikutelmia ja dramaattisia rinnastuksia. Ruoskiessaan voittoisaa ranskalaista porvaristoa, Herzen korreloi sen Scriben tuolloin suosituimpien näytelmien sankarien kanssa. "Scribe on nero, porvariston kirjailija, hän rakastaa häntä, hän on hänen rakastamansa, hän on sopeutunut hänen käsitteisiinsä ja hänen makuun niin paljon, että hän itse on menettänyt kaikki muut; Scribe on porvariston hovimies, lumikko, saarnaaja, homomies, opettaja, narri ja runoilija." Ja Herzen vertaa kaupunkilaisia, jotka ovat häikäilemättömiä keinoissaan ansaita rahaa ja tuhlata elämäänsä, ranskalaisten vodevillien sankareihin, jotka ovat kaukana todellisista kansanteoksista. "Vaudeville (kymmenestä, yhdeksästä) ei ottanut perustakseen kevyttä iloisuutta, ei nokkeluudesta kimaltelevaa vitsiä, vaan rasvaisia ​​vihjeitä." Ja kolmas kirje on lähes kokonaan omistettu silloisen teatterikauden uutuudelle - F. Pian draamalle "Vetoshnik".

Huolimatta siitä, että hänet erotettiin Venäjältä useiden vuosien ajan, A.I. Herzen seurasi jatkuvasti ja tiiviisti uusien lahjakkaiden venäläisten näytelmäkirjailijoiden nimien syntymistä pitäen esitystaidetta erittäin tärkeänä kansan itsetuntemuksen kasvattajana.

”Nämä, kuten joku sanoi, on kirjallisuuden parlamentti, lava, kenties taiteen ja tietoisuuden kirkko. Se voi ratkaista aikamme eläviä kysymyksiä tai ainakin keskustella niistä, ja tämän keskustelun todellisuus käytännössä on poikkeuksellinen. Tämä ei ole luento, ei saarna, vaan elämä, joka avautuu todellisuudessa kaikkine yksityiskohtineen, yleisen kiinnostuksen ja perheen kanssa, intohimoineen ja arkielämän kanssa. Toissapäivänä koin tämän itsekin. Pieni draama sai minut ajattelemaan ja ajattelemaan."

Herzen näki O. Arnoux'n ja N. Fournierin näytelmän "Rikos tai kahdeksan vuotta vanhempi" S.P. Solovjovin ja I.V. Samarina 11. syyskuuta 1842 M.S. osallistui esitykseen. Shchepkin. Tästä näytelmästä saadut vaikutelmat muodostivat perustan Herzenin artikkelille "About a Drama", jonka hän myöhemmin sisällytti jaksoon "Whims and Reflections". Sisällön uudelleenkerronnasta päätellen Herzen näki tässä näytelmässä heijastuksen Vjatka-romantiikasta Praskovja Medvedevan kanssa. Artikkelissaan hän kirjoitti suoraan: "Teatteri on korkein auktoriteetti elämän ongelmien ratkaisemisessa."

Kun on. Turgenev kirjoitti ensimmäisen näytelmän; hän löysi Herzenistä kiihkeän ihailijan ja propagandistin. 27. heinäkuuta 1848 hän kirjoitti Lontoosta Moskovan ystävilleen: "Turgenev kirjoitti erittäin suloisen pienen näytelmän teatterille ja kirjoittaa toista Mihail Semenovichille." Puhuimme näytelmistä "Missä laiha, siellä se katkeaa" ja "Vapaalataaja".

Ja Venäjältä tulleissa kirjeissä hän kiinnitti erityistä huomiota uusien näytelmien ilmestymiseen ja hyväksyi ne lämpimästi ja intohimoisesti. Kirjeessään G. Herwegille 5. maaliskuuta 1850 hän kirjoitti: "Uusi komedia on ilmestynyt, jonka on kirjoittanut nuori mies, tietty Ostrovski... hänen komediansa on vihan ja vihan huuto venäläistä moraalia vastaan... Sen otsikko on "Oma kansamme - meidät luetaan." Tämä on perhe, jossa kolme sukupolvea pettää toisiaan: isä pettää poikaansa, poika pettää isänsä jne.; ja heitä kaikkia pettää nuori 18-vuotias tyttö, olento, joka on vielä sydämettömämpi ja sieluttomampi kuin kaikki kolme sukupolvea."

Herzen yritti myös luoda ulkomaisista näytelmistä sovituksia venäläisiin tapoihin, jotka olivat tuolloin muodissa. 18. joulukuuta 1844 hän kirjoitti N.Kh. Sieppaajalle: "Me, se on. Granovski, Korsh ja minä käänsimme Mihail Semenovichille (Shchepkin - T.N.) erinomaisen draaman "Keino maksaa vanhoja velkoja", mutta näyttää siltä, ​​​​että lupaa ei tule ajoissa. Hän on tyytyväinen rooliinsa." Mutta lupa tuli, ja 7. helmikuuta 1845 Moskovan Bolšoi-teatterin näyttämöllä Shchepkinin edustuksen aikana esitettiin ensimmäistä kertaa F. Massingerin näytelmä "Uusi tapa maksaa vanhoja velkoja". Esitykseen osallistuivat Maly-teatterin johtavat taiteilijat: Samarin, Zhivokini jne., Shchepkin esiintyi rahanlainaaja Overrichin keskeisessä roolissa. Herzen osallistui aktiivisesti näytelmän tuotantoon; säilynyt käännösluettelo sisältää hänen ohjeet näytelmän ohjaajalle.

Kolme vuotta myöhemmin Pariisissa Herzen halusi jälleen palvella Shchepkiniä. Hän kirjoitti S.I. ja T.A. Astrakov toukokuussa 1847: "...haluaako hän minun tekevän Pian "Vetoshnikin" hänelle uudelleen, ja onko se mahdollista täällä? Tätä näytelmää ei annettu lavastaa.

Teatteri tuli nopeasti Herzenin lasten elämään. Pikku Olga aikoi kirjoittaa näytelmiä, ja nuorin Lisa näytteli Tuhkimoa perhenäytelmässä Herzenin syntymäpäivänä.

Voimme aivan luonnollisesti päätellä, että lahjakas publicisti ja filosofi rakasti teatteritaidetta koko ikänsä. Ja hänen ensimmäiset kokemuksensa itsenäisestä työskentelystä näyttämöllä ja siinä onnistuneet kokemukset saatiin Vyatkasta. Sikäli kuin tiedetään, hän ei koskaan onnistunut toistamaan niitä uudelleen.

Artikkelissa "Tietoja draamasta" syklistä "Hyvit ja pohdiskelut" Herzen kirjoitti: "Näkymä on aina katsojan nykyaikainen, se heijastaa aina sitä elämän puolta, jonka kumppani haluaa nähdä. Nykyään hän osallistuu elämäntapahtumien dissektointiin, pyrkii tuomaan tietoisuuteen kaikki ihmiselämän ilmenemismuodot ja purkaa niitä, kuten mekin, kouristelevalla ja vapisevalla kädellä - koska meidän tavoin hän ei näe ulospääsyä eikä tulosta. näistä tutkimuksista." Näitä sanoja voidaan oikeutetusti soveltaa tämän päivän kohtaukseen. Herzen, jolla oli tulevaisuuden näkemyksen lahja, määritti teatterin paikan Venäjän elämässä moniksi vuosiksi, ja tähän päivään asti, sillä hän rakasti teatteria, ymmärsi sen ja tunsi sen hyvin.

Ostrovskin ruhtinaat

Lukiovuosistaan ​​lähtien Ostrovskista on tullut innokas Moskovan teatterin katsoja. Hän vierailee Petrovskin (nykyisin Bolshoi) ja Malyn teattereissa, ihailee Shchepkinin ja Mochalovin esityksiä ja lukee V. G. Belinskyn artikkeleita kirjallisuudesta ja teatterista. 40-luvun lopulla Ostrovski kokeili käsiään kirjoittamisessa ja dramaturgiassa ja julkaisi "Moskovan kaupunkiluettelossa" vuodelle 1847 "Kohtauksia komediasta "Maksakyvytön velallinen", "Kuva perheonnesta" ja esseen "Notes of Zamoskvoretskin asukas." Ostrovskin kirjallisen maineen toi hänelle komedia "Konkkuri", jonka parissa hän työskenteli vuosina 1846-1849 ja julkaisi vuonna 1850 Moskvityanin-lehdessä muutetulla otsikolla - "Kansamme - meidät luetaan!"

Näytelmä oli valtava menestys Moskovan ja Pietarin kirjallisissa piireissä. Kirjoittaja V.F. Odoevsky sanoi: "Uskon, että Venäjällä on kolme tragediaa: "Pieni", "Voi nokkeluudesta", "Yleinen tarkastaja". Laitoin "Konktuuriin" numeron neljä." Ostrovskin näytelmä asetettiin riviin Gogolin teosten kanssa, ja kauppiaat kutsuivat sitä "kuolleiksi sieluiksi". Gogolilaisen perinteen vaikutus "Kansamme..." on todella suuri. Nuori näytelmäkirjailija valitsee juonen kauppiaiden keskuudessa melko yleisen petostapauksen perusteella. Samson Silych Bolshov lainaa paljon pääomaa kauppiailta, ja koska hän ei halua maksaa velkojaan, julistaa itsensä konkurssiin, maksukyvyttömäksi velalliseksi. Hän siirtää omaisuutensa virkailija Lazar Podkhalyuzinin nimeen ja vilpillisen kaupan vahvistamiseksi hän antaa tyttärensä Lipochkan naimisiin hänelle. Bolshov lähetetään velallisen vankilaan, mutta hän ei lannistu, koska hän uskoo, että Lazar lahjoittaa pienen osan vapauttamisestaan ​​saamastaan ​​pääomasta. Hän on kuitenkin väärässä: "oma mies" Lazar ja hänen oma tyttärensä Lipochka eivät anna isälleen penniäkään. Kuten Gogolin "Kenraalitarkastaja", Ostrovskin komedia kuvaa mautonta ja naurettavaa kauppiasmiljöö. Tässä on Lipochka, joka haaveilee "jalosta" sulhasesta: "Ei mitään lihavampaa, hän ei olisi pieni. Tietysti on parempi olla pitkä kuin jonkinlainen kärpänen. Ja ennen kaikkea, Ustinya Naumovna, jottei hänellä olisi nuhakas nenä, hänen on oltava tummahiuksinen; No, tietenkin, hänen pitäisi olla pukeutunut kuin lehti..." Tässä taloudenhoitaja Fominichna näkemyksensä kosijoiden ansioista: "Miksi vaivautua lajittelemaan niitä! No, se on tunnettu asia, että ihmisten tulee olla tuoreita, ei kaljuja, jotta he eivät haise miltään, mutta riippumatta siitä, he ovat kaikki ihmisiä." Tässä on vulgaari tyranni-isä, joka nimittää tyttärensä sulhasensa Lasaruksen: ”Tärkeä asia! En voi tanssia hänen sävellessään vanhuudessani. Kenelle minä käsken, hän lähtee hänen luokseen. Aivotuokioni: Haluan syödä sitä puuron kanssa, haluan murskata voita..." "Onko turha, että ruokin häntä!" Yleensä aluksi kukaan Ostrovskin komedian sankareista ei herätä myötätuntoa. Näyttää siltä, ​​että Gogolin "Kenraalin tarkastajan" tapaan "Omien ihmisten..." ainoa positiivinen sankari on nauru. Komedian siirtyessä kohti loppua, siihen ilmestyy kuitenkin uusia, ei-gol-intonaatioita. Päättäessään petollisesta suunnitelmasta Bolshov uskoo vilpittömästi, että Lazar Podkhalyuzin ja hänen tyttärensä Lipochka eivät voi olla temppuja, että "heidän kansansa tullaan lukemaan". Täällä elämä valmistaa hänelle pahan oppitunnin.

Ostrovskin näytelmässä kaksi kauppiassukupolvea törmäävät: Bolšovin "isät" ja Lipotshkan ja Lazarin "lapset". Niiden välinen ero heijastuu jopa "puhuviin" nimiin ja sukunimiin. Bolshov - talonpojasta "bolshak", perheen pää, ja tämä on erittäin merkittävää. Bolshov on ensimmäisen sukupolven kauppias, lähimenneisyyden mies. Matkustaja Ustinya Naumovna sanoo Bolshovin perheestä näin: ”Ovatko he todella jaloja? Se on ongelma, jahti! Nykyään laitos on niin vulgaari, että jokainen nirsikenkätyttö pyrkii aatelistoon. Vaikka Alimpiyada Samsonovna... on luultavasti huonompaa alkuperää kuin meidän. Isäni Simson Silych käytti lampaita Balchugilla; hyvät ihmiset kutsuivat minua Samsoshkaksi ja antoivat iskuja päähän. Kyllä, ja äiti Agrafena Kondratievna on melkein panevnitsa - otettu Preobrazhenskylta. Ja he tekivät pääomaa ja heistä tuli kauppiaita, joten tytär yrittää tulla prinsessaksi. Ja kaikki on rahaa." Rikastuttuaan Bolshov tuhlasi kansan moraalisen "pääoman", jonka hän peri. Tultuaan kauppiaaksi hän on valmis kaikkiin ilkeyksiin ja petoksiin vieraita kohtaan. Hän oppi kauppias-kauppiaasta "jos et petä, et myy". Mutta jotkut vanhoista moraaliperiaatteista viipyvät edelleen hänessä. Bolshov uskoo edelleen perhesuhteiden vilpittömyyteen: heidän ihmiset laskevat, he eivät petä toisiaan. Mutta vanhemman sukupolven kauppiaissa elävällä ei ole minkäänlaista valtaa lapsiin. Bolshoi-tyrannit korvataan tyranni-podkhalyuzinailla. Heille mikään ei ole enää pyhää, kevyellä sydämellä he tallaavat moraalin viimeisen turvapaikan - perhesiteen vahvuuden. Sekä Bolshov on huijari että Podhaljuzin on huijari, mutta Ostrovskista käy ilmi, että huijarin ja huijarin välillä on ero. Bolshovissa on edelleen naiivi, yksinkertaista uskoa "kansoihinsa", Podkhaljuzinissa on jäljellä vain kekseliäisen liikemiehen kekseliäisyys ja joustavuus. Bolshov on naiivimpi, mutta suurempi. Podkhalyuzin on älykkäämpi, mutta pienempi ja itsekkäämpi.

Vuonna 1850 Slavophile-lehden "Moskvityanin" toimittajat M.P. Pogodin ja S.P. Shevyrev pelastivat julkaisunsa horjuvan auktoriteetin, kutsuivat koko ryhmän nuoria kirjailijoita yhteistyöhön. Moskvityaninin alaisuudessa muodostuu "nuori toimituskunta", jonka sielu osoittautuu Ostrovskiksi. Hänen rinnallaan ovat lahjakkaat kriitikot Apollo Grigorjev ja Jevgeni Edelson, kansanlaulujen sielullinen tuntija ja ajattelevainen esittäjä Terty Filippov, aloittelevat kirjailijat Aleksei Pisemski ja Aleksei Potekhin, runoilija Lev May... Ympyrä laajenee ja kasvaa. Vilkas kiinnostus kansanelämää, venäläistä laulua ja kansallista kulttuuria kohtaan yhdistää lahjakkaat ihmiset eri luokista ystävälliseksi perheeksi - aatelismiehestä kauppiaaksi ja talonpoikaksi othodnikiksi. Jo sellaisen ympyrän olemassaolo on haaste Nikolauksen hallituskauden "jäätyneen" venäläisen elämän viralliselle, masentavalle yksitoikkoisuudelle. "Nuoren toimituskunnan" jäsenet näkivät kauppiasluokassa kaiken venäläisen elämän liikuttavan monimuotoisuuden - kauppatalonpojasta ulkomaalaista kauppiasta muistuttavaan suurkaupunkiliikemieheen. Kauppa pakotti kauppiaat kommunikoimaan erilaisten ihmisten kanssa eri yhteiskuntaluokista. Siksi kaikki kansanpuheen monimuotoisuus oli edustettuna kauppiaiden keskuudessa. Kauppiasmaailman taakse paljastui koko venäläinen kansa sen tyypillisimmissä tyypeissä. 50-luvun alussa Ostrovskin työssä tapahtui merkittäviä muutoksia. Katsaus kauppiaan elämään ensimmäisessä komediassa ”Ihmisemme – olkoon numeroitu!” näytelmäkirjailijan mielestä "nuori ja liian kova". ”...Venäläisen on parempi iloita nähdessään itsensä lavalla kuin olla surullinen. Korjaajat löytyvät myös ilman meitä. Jotta sinulla olisi oikeus oikaista ihmisiä loukkaamatta heitä, sinun on näytettävä heille, että tiedät heissä olevan hyvän; Tätä teen nyt yhdistäen ylevän sarjakuvaan." 50-luvun ensimmäisen puoliskon näytelmissä "Älä istu omassa reessäsi", "Köyhyys ei ole pahe" ja "Älä elä niin kuin haluat", Ostrovski kuvaa pääosin kirkkaita, runollisia puolia. Venäjän elämä. Komediassa "Köyhyys ei ole pahe" ensi silmäyksellä on samat hahmot kuin "Kansamme...": tyrannimestari Gordei Tortsov, hänen vaimonsa Pelageja Egorovna hänelle alistuva, tytär Lyubushka tottelevainen isänsä ja lopulta virkailija Mityan tahto, joka ei ole välinpitämätön omistajan tyttärelle. Mutta ulkoisesta samankaltaisuudesta huolimatta Tortsovin talon suhteet ovat monin tavoin erilaisia.

Gordei Tortsov rikkoo ihmisten moraalin sääntöjä. Moskovan valmistajan Afrikan Korshunovin vaikutukselle antautuneena hänet vie muodikas uutuus: hän yrittää saada järjestyksen taloon eurooppalaiseen tyyliin, tilaa kalliin "nebelin" ja aikoo jättää maakunnan Cheremukhinin ja mennä Moskovaan. Gordey Karpychin rehottava, itsekäs luonne vastustaa vuosisatoja vanhaa venäläistä elämäntapaa. Ei ole sattumaa, että komedian toiminta sijoittuu runolliseen joulun aikaan: lauluja kuullaan, leikit ja tanssit käynnistetään ja perinteiset mummujen naamiot ilmestyvät. Gordeyn vaimo Pelageja Egorovna julistaa: "Se mikä on muodikasta, on sinun ja mikä on ajankohtaista... muuttuu joka päivä, mutta venäläinen tapamme on jatkunut ikimuistoisista ajoista asti!" Gordey Tortsovin tytär Lyubushka ei ole välinpitämätön köyhälle virkailijalle Mityalle. Mutta hänen typerä isänsä haluaa antaa hänet vihaiselle vanhalle miehelle Afrikan Korshunoville. Näytelmässä on tuttuja aiheita venäläisistä kansantarinoista. Ei-rakastetun sulhanen nimi toistaa satujen synkkää, pahaenteistä lintua - leijaa, ja morsian verrataan valkoiseen joutseneen. Mitya näytelmässä on täysin erilainen kuin Lazar Podkhalyuzin elokuvasta "My People...". Tämä on lahjakas ja lahjakas henkilö, joka rakastaa Koltsovin runoutta. Hänen puheensa on ylevää ja puhdasta: hän ei niinkään puhu, vaan laulaa, ja tämä laulu on toisinaan valitettavaa, joskus laajaa ja vapaata. Ainutlaatuinen näytelmässä on myös Ljubim Tortsovin, Gordei Karpychin veljen hahmo, joka oli myös menneisyydessä rikas kauppias, mutta joka tuhlasi koko omaisuutensa. Nyt hän on köyhä ja köyhä, mutta ainakin vapaa rahan, arvon ja varallisuuden sielua turmelevasta vallasta, hän on ritarillinen ja jalo, inhimillisesti antelias ja ylevä. Hänen syyttävät puheensa herättävät tyranni Gordey Karpychin omantunnon. Lyubushkan suunnitellut häät Afrikan Korshunovin kanssa on järkyttynyt. Isä antaa tyttärensä naimisiin köyhän virkailijan Mityan kanssa. Tyranniasta, pahojen voimien ilosta kauppiashahmoissa, suosittu moraali voittaa ja voittaa voittonsa yksi toisensa jälkeen. Ostrovski uskoo venäläisen kansallisluonteen terveisiin ja kirkkaisiin periaatteisiin (*51), joita kauppiaat pitävät sisällään. Mutta samaan aikaan näytelmäkirjailija näkee jotain muuta: kuinka porvarillinen itsetahto ja tyrannia horjuttavat kansanmoraalin perustaa, kuinka hauraaksi heidän voittonsa joskus osoittautuu. Gordey sovitti itsensä ja hylkäsi yhtäkkiä alkuperäisen päätöksensä mennä naimisiin tyttärensä kanssa valmistaja Korshunovin kanssa. Luultavasti omatunto viipyy edelleen hänen tahtoisessa sielussaan. Mutta onko olemassa luja takeita siitä, että tyranni Tortsov ei yhtä helposti muuta mieltään ja peruuta jaloa ja hyvää päätöstään huomenna? Kukaan ei tietenkään voi antaa tällaista takuuta.

Dobrolyubov ja Ap. Grigorjev Ostrovskin 50-luvun komedioista. Ostrovskin 50-luvun komediat saivat venäläiskriitikoilta paljon kiitosta, vaikka kriitikoiden suhtautuminen niihin erosi täysin toisistaan. Vallankumouksellinen-demokraattinen Dobrolyubov yritti olla huomaamatta tärkeitä muutoksia, joita Ostrovskin työssä tapahtui 50-luvun alussa. Kriitiko kutsui näytelmäkirjailijan työtä käsittelevää artikkelisarjaansa "Pimeä kuningaskunta". Niissä hän näki Ostrovskin maailman seuraavanlaisena: ”Edessämme ovat nuorempien veljiemme surullisen alistuvat kasvot, jotka kohtalo tuomittiin riippuvaiseen, kärsivään olemassaoloon. Herkkä Mitja, hyväntuulinen Andrei Barsukov, köyhä morsian - Marya Andreevna, häpeällinen Avdotja Maksimovna, onnelliset Dasha ja Nadja - seisovat edessämme hiljaa alistuneena kohtalolle, alistuvana surullisena... Tämä on piilotetun, hiljaa huokaisen surun maailma, maailma tylsästä, kipeästä kivusta, vankilan maailmasta, haudan hiljaisuudesta…” Apollo Grigorjev arvioi Ostrovskin työtä eri tavalla: ”Kokeile ilman teoriaa päässäsi ja sydämessäsi ja yksinkertaisen maalaisjärjen ja yksinkertaisen maalaisjärjen ohjaamana käytä Dobrolyubovin asteikkoa ”köyhyyteen”. ei ole pahe” - kauhein hölynpöly tulee ulos! Pimeä valtakunta tulee esiin kaikesta tästä vanhasta, iloisesta, ystävällisestä elämästä, joka vallitsee draamassa, josta ystävällinen vanha nainen-äiti on niin pahoillani, jolle Lyubov Gordeevnan kirkas persoonallisuus ja lahjakas-intohimoinen Mityan persoonallisuus alistuvat. ikuisiin ja pyhiin velvollisuuden käsitteisiin, - rauhaan, jonka kanssa ja sitten palauttaa rauha ja harmonia, jossa Ljubim Tortsovan suuri sielu pyrkii... Pimeä valtakunta tulee esiin kaikella, mikä runoutta muodostaa, tuoksuvaa, nuorta, puhdasta draaman runoutta... runoutta hajallaan naiivisti, ilman laskelmointia, jopa ehkäpä jouluraaka-aineiden muodossa hauskaa, kokonaan, ilman muokkausta, jonka taiteilija on tuonut vilpittömään luomukseensa... Ja protestantit ovat Gordey Karpych, jolla on tarjoilija, joka tietää "missä istua, mitä tehdä", kyllä, jos saan sanoa niin, afrikkalainen (*52) Savich Korshunov, "luonnon hirviö", kuten Lyubim sanoi. . Mutta mitä tästä nyt voi sanoa?.. Ostrovski on yhtä vähän syyttäjä kuin pieni idealisaattori. Olkoon hän mitä on - suuri kansallinen runoilija, ensimmäinen ja ainoa kansallisen olemuksemme edustaja sen moninaisissa ilmenemismuodoissa..."

5.Teatteri tsaari Aleksei Mihailovitšin hovissa.

Aleksei Mihailovitšin elämän viimeiset vuodet synnyttivät ammattimaisen venäläisen teatterin, edelleen hoviteatterin. A.S. Matvejevin hovissa vieraileva tsaari huvitti itseään teatteriesityksillä, joita hänen suosikkinsa "ihmiset" pitivät. Teatteriesitysten vetovoima ei yhdistetty tavanomaisiin ajatuksiin ortodoksisesta dekansaarista. Mutta tsaari ei voinut vastustaa voimakas intohimo, eikä halunnut. Järjestääkseen hoviteatteriryhmän (alun perin ulkomaalaisilta) Aleksei Mihailovitš pyysi lupaa patriarkalta - ja sai sen. Loppujen lopuksi puhvisen ja Petruškan, tieteellisten karhujen ja koirien kansanteatteri kirkon vainotti "demonismina" ja kunnianosoituksena pakanallisille jäännöksille väestön jokapäiväisessä elämässä. Mutta kuningas, mainostamatta mieltymyksiään, kutsui luokseen velhoja, kääntyi velhojen, tulevaisuuden ennustajien puoleen. Tsaari osoitti aina kiinnostusta laseja kohtaan. Tällaisissa tunnelmissa häntä tuki täysimääräisesti suurlähettiläs Prikazin päällikkö Artamon Sergeevich Matveev, noiden vuosien kiihkeä "länsimies". On todennäköistä, että teatterin perustamisen sysäys oli syntymässä Tsarevitš Pietari - Aleksei Mihailovitšin uuden vaimon - Natalja Kirillovnan - esikoinen (muuten, A.S.:n oppilas. Matveeva). Luterilaisen pastori I. G. Gregoryn johdolla he perustivat näyttelijäryhmän saksalaisen siirtokunnan nuorten asukkaiden joukosta. 4. kesäkuuta 1672 ilmoitettiin Aleksei Mihailovitšin määräys: "... ulkomaalaiselle mestari Yagan Godfriedille esittää komedian, ja komediassa näytellä Raamatusta - Esterin kirjasta - ja näiden toimien vuoksi järjestellä talo uudelleen." Joten ohjelmisto ilmoitettiin ylhäältä. Teatterin tilat rakennettiin Preobrazhenskoyeen ja Kremliin. A. S. Matveev vastasi "komedian" valmistelusta pitäen jatkuvasti tsaarin asioita silmukassa. Ryhmään kuului kuusikymmentä henkilöä, jotka harjoittelivat venäjäksi ja saksaksi. 17. lokakuuta 1672 pidettiin näytelmän "Artaxerxes' Action" ensi-ilta. Aleksei Mikhailovich piti esityksestä niin paljon, että hän katsoi sitä kymmenen tuntia poistumatta istuimeltaan. Kuningas oli epäilemättä imarreltu nuorten julistaman näytelmän esipuheesta. Se alkoi sanoilla: "Oi suuri kuningas, hänen edessään kristinusko kaatuu, mutta suuri ruhtinas tallaa myös ylpeän barbaarin niskan!... Sinä olet itsevaltainen, kaikkien venäläisten hallitsija ja haltija, suuri aurinko, suuri, pieni ja valkoinen. Kustannuksia ei säästelty "komediaan". Myöhemmin esityksiä alettiin pitää Moskovassa. Huhtikuussa 1673 Aleksei Mihailovitš vastaanotti Gregoryn ryhmän, taiteilijat saivat lähestyä kuninkaallista kättä, istuivat pöydän ääressä, ruokittiin ja annettiin vettä. Tästä vuodesta lähtien ryhmää alkoivat täydentää Meshchanskaya Slobodan nuoret ja virkailijoiden lapset. He ostivat erityisesti teatteria varten urut, jotka maksoivat tuhat kaksisataa ruplaa (mutta eivät koskaan maksaneet myyjälle). "Artakserkseksen säädöksen" jälkeen lavastettiin muita näytelmiä, myös raamatullisilla aiheilla ("Tobias", Judith). Teatterin ohjelmisto koostui toimintansa lopussa (joka osui samaan aikaan Aleksei Mihailovitšin kuoleman kanssa) kuudesta näytelmästä. Kolmen edellä mainitun lisäksi soitettiin Jegorille, Josephille ja Adamille omistettuja ”komediaa”. Noustuaan valtaistuimelle Fjodor kielsi patriarkka Joachimin vaikutuksen alaisena "komediateokset". Teatteri lakkasi olemasta elvytetty Peterin alaisuudessa ja Aleksei Mihailovitšille tyypillisiä kulttuuri- ja arkielämän innovaatioita sekoitettiin estäviä toimenpiteitä. Kun teatterin näyttämöllä esitettiin kuvia elämästä, jotka olivat kaukana vanhasta Moskovasta, tsaari antoi vuonna 1674 asetuksen, joka on mainitsemisen arvoinen. Oli tiukasti määrätty olla käyttämättä ulkomaista mekkoa, ei leikata hiuksia lyhyiksi - sanalla sanoen, suvereenin alamaisten ulkonäön on vastattava pitkäaikaisia ​​venäläisiä perinteitä. Todennäköisesti tämä asetus syntyi patriarkka Joachimin painostuksesta ja oli eräänlainen myönnytys vastineeksi tsaarin teatterinautinnoista, joiden kanssa Venäjän kirkon pää sovitti.

1800-luvun venäläinen teatteri oli sen huippu. saavutettiin A. N. Ostrovskin ansiosta. Hän loi yli 50 näytelmää, jotka rikasttivat venäläisen teatterin ohjelmistoa. Aleksanteri Nikolajevitš ei vain jatkanut Gogolin realistisia perinteitä, vaan kehitti niitä merkittävästi. Venäjän näyttämön ei enää tarvitse matkia ulkomaisia ​​malleja, koska sillä on oma rikas, rikas ohjelmisto.

Ostrovskin näytelmien kieli ja teemat: elinvoimaa ja värejä

Ei ole epäilystäkään siitä, että Ostrovski luotti jollain tasolla näytelmäkirjailijan perintöönsä, mikä näkyy joissakin hänen näytelmissään. Mutta samalla hän loi laajalla materiaalilla ja suuremmalla määrällä näytelmiä oman, uuden venäläisen kansallisteatterin. Tämä näkyi erityisesti hahmojen kielessä. Esimerkiksi jotkut tutkijat uskovat tietysti käyttävänsä elävää puhetta, mutta samalla he ovat itse kirjoittajan olemus, joka täydentää puhettaan nokkeluudellaan. Gogol näyttää luovan elävän puheen kvintessenssin.

Kirjailijan hahmojen puhe luo vaikutelman aidosta elämästä: he käyvät tosielämän dialogia - keskeyttävät toisiaan, hyppäävät paikasta toiseen, vääristelevät sanoja. Kirjoittaja käyttää paljon arkaismeja, maakunnallisia sanoja ja virheellisiä lainauksia vieraista kielistä. Ostrovski ei kaunista kielen luonnetta - hän näyttää sen kaikessa eloisuudessaan ja todellisuudessaan.

Gogol ei käytä hahmojen puhetta tavoitteen saavuttamiseen, joten heidän puheensa ei ole monisanaista. Aleksanteri Nikolajevitšin hahmojen puhe on päinvastoin kaunopuheinen, ikään kuin he puhuisivat paljon, koska he eivät voi lopettaa.

Ostrovski: asenne sankareita kohtaan

Voidaan myös arvioida eri tavalla, kuinka molemmat näytelmäkirjailijat antavat lukijalle ja katsojalle käsityksen hahmoistaan. Gogolin on näytettävä katsojalle hahmo heti - ilmestyy sankari, jolla on jo tiettyjä piirteitä. Totta, tämä ei sulje pois mahdollisuutta, että kirjoittaja esittelee myöhemmin joitain tärkeitä yksityiskohtia, jotka syventävät kuvaa.

Gogolin sankareiden kuvat tuodaan usein groteskiin, mikä vastaa kirjoittajan tavoitetta.

Ostrovski piirtää sankarien ulkonäköä ja tuo vähitellen käyttöön uusia ja tyypillisiä yksityiskohtia. Hänen hahmojaan ei voi arvioida ensimmäisen rivin perusteella, vaan kunkin hahmon kuva kasvaa ja syvenee näytelmän edetessä.

Näytelmäkirjailijaa kiinnostaa myös hahmojen sisäinen maailma ja sen kehityksen psykologia.

Hänen sankariensa maailma on monipuolinen: tietysti tämä on ensisijaisesti kauppiaita, erityisesti Moskovan Zamoskvorechye-alue. Mutta myöhemmin näytelmäkirjailijan sankareista tuli kaikkien venäläisten kerrosten edustajia: kauppiaita ja maanomistajia, pieniä aatelisia ja virkamiehiä, porvaristoja ja virkamiehiä, ottelunseuraajia ja Jumalan miehiä ja monia, monia muita.

Valo ja pimeys: näytelmien vai elämän tarkoitus?

Gogol pilkkasi julmasti yhteiskunnan paheita. Ostrovski huomasi myös sankariensa puutteet, mutta hän kuitenkin rakasti heitä. Tämä asenne antoi hänelle toisin kuin Gogolille mahdollisuuden näyttää venäläisen elämän olemuksen.

Hän kutsui Ostrovskia "Venäjän kansan salaisuuksien julistajaksi".

Luultavasti siksi, että näytelmäkirjailija paljastaa hahmoissaan venäläisen hahmon salaisia ​​ja ilmeisiä piirteitä. Hän myös tuomitsee sankarinsa.

Mutta yhdelläkään Gogolin negatiivisella hahmolla ei ole positiivisia piirteitä, kun taas kaikki Ostrovskin sankarit herättävät tietyn määrän myötätuntoa.

Teatteri paljastaa kauppiaselämän rumiimmat puolet ja samalla kuvaa rakkauden vilpittömimmät kohtaukset. Ja joskus hänen julmimmat sankarinsa näyttävät yhtäkkiä katsojalle luonnostaan ​​täysin toisenlaisen puolen, kuten usein tapahtuu venäläisille.

Pahuus Ostrovskin näytelmissä näytelmäkirjailija ei tule ihmisluonnosta itsestään, vaan julmista elämänolosuhteista, rahan puutteesta tai runsaudesta ja Venäjän kansan pimeydestä.

Siksi näytelmäkirjailijan rakastetuimmat sankarit ovat köyhiä ihmisiä. Vaikka kirjoittaja ymmärtää, että köyhyys johtaa juopumiseen ja nöyryytykseen, ihmiset, jotka eivät ota tai anna lahjuksia, voivat vain hymyillä, koulutus hallitsee useammin pinnallista ja syvä kulttuuri ei yksinkertaisesti kestä elämää sellaisessa "pimeässä valtakunnassa".

Siksi hänen näytelmiensä tarkoitus on taistelu valon ja pimeyden periaatteiden välillä, jossa kirkas yksilöllisyys kuolee ja joskus ovelat ja ilkeät ihmiset jäävät henkiin.

Samalla kirjailija näkee selkeästi koulutuksen tarpeen ihmisten elämän pahuuden ja pimeyden voittamiseksi. Tämä halu puhua suoraan Ostrovskilla näkyy usein näytelmän nimessä. Näytelmäkirjailija käyttää pääsääntöisesti venäläisiä kansansananlaskuja näytelmiensä nimissä, mikä jälleen kerran korostaa venäläistä henkeä, jolla hänen luomukset ovat täynnä.

"Älä istu omaan rekiin", "Vanha ystävä on parempi kuin kaksi uutta", "Omat koirat taistelevat, älä kiusaa toisten", "Omat ihmiset - meidät luetaan" ja monia muut.

Ostrovskin näytelmien juonet ja konfliktit

Hänen teoksensa ovat ensi silmäyksellä varsin yksinkertaisia ​​ja juonit ovat eläviä. Pieni virkailija haluaa mennä naimisiin edullisesti, köyhä mies rakastuu rikkaan kauppiaan vaimoon ja isä käskee tyttärensä naimisiin mukavuussyistä. Virkamies haluaa palvella rehellisesti eikä ottaa lahjuksia, mutta kaikki hänen ympärillään ottavat lahjuksia. Aluksi tämä rajoittuu yhteen perheeseen, mutta vähitellen konflikti kasvaa, ja siihen osallistuu eri sosiaalisten kerrosten edustajia.

Ostrovskilla ei ole vertaistaan ​​hänen kuvaus jokapäiväisestä elämästä. Arki luo taustan, jonka avulla tekijä ikään kuin paeta juonen synkistä puitteista. Aleksanteri Nikolajevitš rakastaa venäläistä elämää sen värikkäillä lomilla, hauskoilla juhlilla ja kansallisilla perinteillä.

Nämä kohtaukset antavat näytelmäkirjailijan teoksiin kirkkautta, värikkyyttä ja mielikuvitusta, muuten näytelmissä kuvattu elämä tuntuisi liian synkältä ja toivottomalta. Mutta tämä pimeys ja nämä kirkkaat värit ovat perusta venäläiselle elämälle, sellaisena kuin se todella oli.

Näytelmissään hän ei voinut sivuuttaa sitä, mikä huolestutti koko venäläistä yhteiskuntaa tuolloin - naisten asemaa. Kun hän asuu vanhempiensa talossa, hän saa juosta kokoontumisiin, elää vapaata elämää ja hiipiä suudelmia miesten kanssa. Mutta hänen vanhempansa valitsevat miehensä yksinomaan hänen taloudellisen ja sosiaalisen asemansa perusteella. Ja tämä tyrannia, joka on suunnattu rakkauden kirkkaita tunteita vastaan, raivostuttaa kirjailijaa. Loppujen lopuksi despootti-isästä nainen päätyy despoottisen aviomiehen ja anopin taloon. Jotkut ihmiset eristävät itsensä perhe-elämässä, jotkut houkuttelevat Jumalan kansan luokseen, jotkut yrittävät löytää etunsa avioelämästä, jotkut kapinoivat sitä vastaan.

Ostrovskin teoksia ja muunnoksia venäläisessä teatterissa

Ostrovskin näytelmät vaativat muutosta näyttelemisen olemukseen. Uskotaan, että edes sellainen näyttelemisen uudistaja, joka ei ollut tarpeeksi realistinen näytelmäkirjailijan näytelmissä. Tekstit itsessään vaativat näyttelijältä elinvoimaa ja psykologisuutta. Aleksanteri Nikolajevitšin ystävä Prov Sadovsky jatkoi, loi perustan uudelle lähestymistavalle näyttelijärooleissa: pääasia oli luonnollisuus, joka pystyi välittämään kaunistamatonta todellisuutta. Muutokset näyttelemistyylissä eivät tietenkään tapahtuneet hetkessä, mutta näyttelemisen elinvoimaisuuden ja totuudenmukaisuuden halusta tuli venäläisen näyttämön laki.

Vähitellen innovaatiot vaikuttivat kaikkiin alueisiin. Maisemaa vaihdettiin, mikä välitti tarkemmin toiminnan tunnelmaa. Myös hahmojen näyttämöpuvut muuttuivat: ne tulivat lähemmäksi todellisuutta ja korvasivat aikaisempien vuosien mahtipontiset asut. Taiteilija Chitau loihtii, kun hän ilmestyi lavalle chintz-mekossa ja tyylikkäässä kampauksessa. Yleisö järkyttyi tästä yksinkertaisuudesta ja näyttelemisen läheisyydestä tosielämään. Yleisö hämmästyi myös näyttelijän asennosta yhdessä esityksessä: hän seisoi selkä yleisöä vasten nojaten ovenkarmia vasten. Sadovsky vaati näyttelemisestä sisäistä draamaa.

Yleisö hämmästyi kaikesta, mitä lavalla tapahtui, maisemista, puvuista ja näyttelemiseen asti. Näin eteni venäläisen draamataiteen koulukunnan luominen.

Ostrovski ymmärsi roolinsa kansallisen teatterin luomisessa. Hänellä oli kunnia luoda ensimmäinen todella venäläinen teatteriohjelmisto. Ei kuitenkaan pidä ajatella, että hänen luova kohtalonsa oli pilvetön. Monet hänen näytelmistään kiellettiin. Joskus hänen täytyi tehdä sensuurimuutoksia tekstiin - kirjoittaa loppu uudelleen. Mutta elämänsä loppuun asti näytelmäkirjailija ei lopettanut työskentelyä. Hänelle olemme velkaa kansallisen teatterimme ja teatteriohjelmistomme luomisen. Hänen näytelmiensä sekä Shchepkinin ja Sadovskin innovatiivisten pyrkimysten ansiota olemme venäläisen näyttelijäkoulun luomisen velkaa.

Aleksanteri Nikolajevitš Ostrovski syntyi vuonna 1823 Moskovassa: Zamoskvorechyessa, vanhalla kauppias- ja byrokraattisella alueella. Tulevan näytelmäkirjailijan isä, koulutettu ja taitava oikeusviranomainen, ja sitten Moskovan kaupallisissa piireissä tunnettu asianajaja (lakimies), ansaitsi melkoisen varallisuuden; nousi riveissä, hän sai perinnöllisen aatelismiehen oikeudet ja tuli maanomistajaksi; On selvää, että hän halusi antaa poikansa työskennellä myös lakialalla.

Aleksanteri Ostrovski sai hyvän koulutuksen kotona - lapsuudesta lähtien hän tuli riippuvaiseksi kirjallisuudesta, puhui saksaa ja ranskaa, tiesi hyvin latinaa ja opiskeli mielellään musiikkia. Hän valmistui menestyksekkäästi lukiosta ja astui vuonna 1840 Moskovan yliopiston oikeustieteelliseen tiedekuntaan. Mutta Ostrovski ei pitänyt asianajajan urasta, hän oli vastustamattomasti kiinnostunut taiteesta. Hän yritti olla missaamatta yhtäkään esitystä: hän luki ja väitteli paljon kirjallisuudesta ja rakastui intohimoisesti musiikkiin. Samaan aikaan hän yritti kirjoittaa runoutta ja tarinoita.

Menetettyään kiinnostuksensa opiskella yliopistossa, Ostrovski jätti opinnot. Useiden vuosien ajan hän toimi isänsä vaatimuksesta alaikäisenä virkamiehenä oikeudessa. Täällä tuleva näytelmäkirjailija näki tarpeeksi inhimillisiä komedioita ja tragedioita. Lopulta pettynyt oikeustoimiin, Ostrovski haaveilee kirjoittamisesta.

Vuonna 1847 julkaisemisen aloittanut Ostrovski kirjoitti kirjallisen uransa aikana 47 alkuperäisnäytelmää, 7 näytelmää yhteistyössä muiden näytelmäkirjailijoiden kanssa ja käänsi 22 näytelmää vierailta kieliltä. Hänen näytelmissään on 728 hahmoa, "ilman puheita" lukuun ottamatta.

Erinomainen ohjaaja ja ohjaaja oli Aleksanteri Nikolajevitš Ostrovski, joka osallistui lukuisten näytelmiensä harjoituksiin Moskovan Maly-teatterissa. Hän kirjoitti: "Minusta tuli läheinen ystävä taiteilijoiden kanssa ja yritin kaikin voimin olla hyödyllinen tiedoillani ja kykyilläni. Luonnollisen ja ekspressiivisen näyttelemisen koulu lavalla syntyi samanaikaisesti ensimmäisten komediani ilmestymisen kanssa eikä ilman osallistumistani." Ostrovski ei vain lukenut, vaan myös kommentoi näytelmiään esiintyjille, määritteli hahmojen hahmot, auttoi löytämään elävän intonaation, sitten kävi läpi jokaisen roolin erikseen, minkä jälkeen hän johti yleiset harjoitukset.

Kaikki teki Aleksanteri Ostrovskin silloin onnelliseksi, kaikki valtasi hänet: iloiset juhlat; ja keskustelut ystävien kanssa; ja kirjoja isän laajasta kirjastosta, jossa ensinnäkin he lukevat tietysti Pushkinia, Gogolia, Belinskin artikkeleita sekä erilaisia ​​komediaa, draamaa ja tragedioita aikakauslehdissä ja almanakoissa; ja tietysti teatteri Mochalovin ja Shchepkinin johdossa.

Kaikki teatterissa ilahdutti Ostrovskia tuolloin: ei vain näytelmät, näytteleminen, vaan jopa yleisön kärsimätön, hermostunut melu ennen esityksen alkua, öljylamppujen ja kynttilöiden kimallus. upeasti maalattu verho, teatterisalin ilma - lämmin, tuoksuva, kyllästetty jauheen, meikin ja voimakkaan hajuveden tuoksulla, jota suihkutettiin aulaan ja käytäviin.

Täällä, teatterissa, galleriassa, hän tapasi yhden merkittävän nuoren miehen - Dmitri Tarasenkovin, yhden uusista kauppiaspojista, joka rakasti intohimoisesti teatteriesityksiä.

Hän oli huomattavan kokoinen, leveä rintakehä, tiheä nuori mies, viisi tai kuusi vuotta vanhempi kuin Ostrovski, vaaleat hiukset ympyrään leikattu, terävä ilme, pienet harmaat silmät ja kova, todella diakonaalinen ääni. Hänen voimakas bravo-huutonsa, jolla hän tervehti ja saattoi kuuluisan Mochalovin lavalta, tukahdutti helposti myyntikojujen, laatikoiden ja parvekkeiden suosionosoitukset. Mustassa kauppiastakissaan ja sinisessä venäläispaidassa, jossa on vino kaulus, kromissa haitarisaappaat, hän muistutti silmiinpistävästi vanhojen talonpoikassatujen hyvää kaveria.

He lähtivät teatterista yhdessä. Kävi ilmi, että molemmat asuvat lähellä toisiaan: Ostrovski - Zhitnayalla, Tarasenkov - Monetchikissa. Kävi myös ilmi, että he molemmat sävelsivät näytelmiä teatterille kauppiasluokan elämään perustuen. Vain Ostrovski vain kokeilee sitä ja luonnostelee komediaa proosaksi, ja Tarasenkov kirjoittaa viiden näytöksen runodraamoja. Ja lopuksi, kolmanneksi kävi ilmi, että molemmat isät - Tarasenkov ja Ostrovski - vastustavat päättäväisesti tällaisia ​​harrastuksia, koska he pitävät niitä tyhjänä itsensä hemmotteluna, joka häiritsee heidän poikiaan vakavista harrastuksista.

Isä Ostrovski ei kuitenkaan koskenut poikansa tarinoihin tai komedioihin, kun taas toisen kiltakauppias Andrei Tarasenkov ei vain polttanut kaikkia Dmitryn kirjoituksia uunissa, vaan palkitsi niistä poikkeuksetta poikansa kovilla kepin iskuilla.

Siitä ensimmäisestä tapaamisesta teatterissa Dmitri Tarasenkov alkoi vierailla Zhitnaya-kadulla yhä useammin ja Ostrovskien siirtyessä toiseen kiinteistöön - Vorobinoon, joka on Yauzan rannalla, lähellä Hopeakylpyjä.

Siellä puutarhan huvimajan hiljaisuudessa, joka oli kasvanut humalaan ja ujoihin, heillä oli tapana lukea pitkään yhdessä paitsi moderneja venäläisiä ja ulkomaisia ​​näytelmiä, myös muinaisten venäläisten kirjailijoiden tragedioita ja dramaattisia satiireja...

"Suuri unelmani on tulla näyttelijäksi", Dmitri Tarasenkov sanoi kerran Ostrovskille, "ja tämä aika on tullut - vihdoinkin antaa sydämeni kokonaan teatterille ja tragedialle. uskallan. Minun täytyy. Ja sinä, Aleksanteri Nikolajevitš, joko kuulet pian jotain ihmeellistä minusta tai suret varhaista kuolemaani. En halua elää niin kuin elin tähän asti, sir. Pois kaikesta turhasta, kaikesta turhasta! Jäähyväiset! Tänään illalla lähden kotimaastani, jätän tämän villin valtakunnan tuntemattomaan maailmaan, pyhään taiteeseen, suosikkiteatteriini, lavalle. Hyvästi, ystävä, suudelkaamme matkalla!"

Sitten, vuotta myöhemmin, kaksi vuotta myöhemmin, muistaessaan tämän jäähyväiset puutarhassa, Ostrovski sai itsensä oudolta jonkinlaisesta hankaluuden tunteesta. Koska Tarasenkovin näennäisesti suloisissa jäähyväissanoissa oli pohjimmiltaan jotain, mikä ei ollut aivan väärää, ei, vaan näytti olevan keksitty, ei täysin luonnollista, tai jotain, samanlaista kuin se mahtipontinen, soinninen ja outo julistus, jolla dramaattiset teokset ovat täynnä tunnettuja nerojamme, kuten Nestor Kukolnik tai Nikolai Polevoy.

Moskovan teatterielämään astui syvästä tunteesta täysin kyllästynyt taiteilija, jonka hahmot käyttivät kansanmurretta, nykyvenäläistä puhetta; näytelmäkirjailija, joka tunsi täydellisesti niiden henkilöiden hahmot, joiden kanssa hänen piti kommunikoida päivittäin ja tunnin välein...

Paljon myöhemmin, melkein luovan elämänsä lopussa, hän kirjoitti: "Jokaisella ajalla on omat ihanteensa, ja jokaisen rehellisen kirjoittajan velvollisuus on (ikuisen totuuden nimissä) tuhota menneisyyden ihanteet, kun niistä on tullut vanhentuneita, vulgarisoituja ja vääriä. Siten Byronin ja Pechorinidemme ihanteet ovat muistissani vanhentuneet, ja nyt 40-luvun ihanteet ovat vanhentumassa..."

Tämä tunne - ajan filosofia - seurasi Ostrovskia hänen vaikeiden vuosiensa ajan. Silloin, aikana, jolloin Ostrovskista oli yhä enemmän tulossa Maly-teatterin kohtalo ja sisäinen olemus, itse Maly-teatterissa näytelmäkirjailijan nimen ympärillä - tai tarkemmin sanottuna hänen "dramaturgiansa" ympärillä - "intohimot ja kamppailut kuplivat. ; eikä niin heti" ja vasta vuoden kuluttua tunnustivat ne, jotka itse kirjoittivat ensimmäiset sivut koko uuden venäläisen kulttuurin keskukseksi syntyneen teatterin loistosta, ensimmäiseksi venäläiseksi yliopistoksi. puoli vuotta Aleksanteri Ostrovskin syntymän jälkeen. Edes suuri Shchepkin ei heti tunnistanut sitä, joka koko sankarinsa olemuksella ei ollut vain Shchepkinin lahjakkuutta, vaan oli yksinkertaisesti samaa solukudosta kuin sankarit itse. Shchepkin näytteli Lyubim Tortsovia jo laskuvuosinaan eikä Maly-teatterin lavalla. Sama Gorbunov, joka oli merkittävän tapaamisen silminnäkijä, puhui siitä näin: "Kunnokkaan elämänsä lopussa, kolme tai neljä vuotta ennen kuolemaansa, veteraanitaiteilija ojensi sovinnon käden Lyubim Tortsoville ja näytteli häntä Nižni Novgorod. Kyynelvirroin hän halasi Ostrovskia kirjallisella aamulla neljännessä salissa, johon me kaikki osallistuimme. Kohtaus oli herkkä.

Muut Maly-teatterin huipputekijät tunnistivat vähitellen Ostrovskin, joka oli täynnä hänen draamansa kaiken voittavaa totuutta. Mutta taistelu näytelmäkirjailijan ympärillä jatkui. Erilaiset virtaukset yrittivät vetää hänet ideologisille kanavilleen. Tuolloin K. Leontiev, yksi taantumuksellisista publicisteista, kriitikko ja Katkovin "Venäjän sanansaattajan" lähin yhteistyökumppani, kirjoitti Ostrovskista: "Demokraatti, luostaruuden ja ortodoksisuuden, elegantin aateliston vihaaja."

Ostrovski itse kuitenkin tunsi hyvin, että hänen nimensä ympärillä oli taistelu. Mistä he ovat häntä syyttäneet? Se alkoi plagiointisyytöksillä. Tämä "essee" julkaistiin sanomalehdissä ja sai Ostrovskilta vastauskirjeen Sovremennikin sivuille. Kirjeessä V.F. Korshille, yhdelle Moskovskie Vedomostin yhteistoimittajille, Ostrovski kirjoitti: "Kirjallisten bashi-bazoukien röyhkeys on saavuttanut pisteen, että meidän on yhdessä, uskomusten eroista huolimatta, yritettävä hävittää tämä pahuus venäläisestä kirjallisuudesta. ”

Laskevana vuosinaan Ostrovski ajatteli yhä enemmän tarvetta uudistaa radikaalisti Venäjän dramaattinen kohtaus. Hän halusi nähdä teatterin vapaana virallisuudesta ja kiertämisestä; todella korkean taiteen tyyssijassa ei olisi pitänyt olla sijaa maakunnalliselle amatöörisyydelle, huonolle maulle, sylkeen tahratuille näyttämöille, töykeydelle ja röyhkeydelle. Tätä tarkoitusta varten hän työskenteli 80-luvun alussa innokkaasti venäläisen draamateatterin uudistusprojekteissa, kirjoitti lukuisia "muistiinpanoja tsaarille ja hänen seurueelleen ja lopulta hän itse otti aseman Moskovan keisarillisten teattereiden johtoon.

Nuoresta iästä lähtien teatteri oli Ostrovskin koti; kaikki hänen henkilökohtaisessa kohtalossaan fuusioitui, kietoutui tuhansilla säikeillä teatteriin - sen ihmisiin, sen etuihin. Näytelmäkirjailija ei kaunista näyttelijän elämää ollenkaan, mutta hän rakastaa näyttelijöitä - kaikkia näitä "onnettomia", "traagisia" ja "shmageja" - sellaisina kuin ne ovat - heidän retoriikallaan, epäitsekkyydellään, yksinkertaisella kerskustelullaan, halullaan miellyttää. , kaoottinen elämäntapa ja lapsellinen vilpittömyys.

Onko vain elämäkerta ratkaiseva? Elämä on teatteria, ja ihmiset toimivat usein näyttelijöinä elämändraamassa - tämä Shakespearen Hamletin ajoista taiteelle tuttu metafora muodostaa toisen symbolisen suunnitelman näyttämön ja teatterin motiiveista Ostrovskin dramaturgiassa.

Elämänsä viimeisinä vuosikymmeninä Ostrovski loi eräänlaisen taiteellisen muistomerkin venäläiselle teatterille. Vuonna 1972 hän kirjoitti runollisen komedian "1700-luvun koomikko" ensimmäisen venäläisen teatterin syntymästä. Mutta Ostrovskin näytelmät hänen nykyteatteristaan ​​tunnetaan paljon paremmin - "Lahjatukset ja ihailijat" (1981) ja "Syylliset ilman syyllisyyttä" (1983). Täällä hän osoitti, kuinka houkuttelevaa ja vaikeaa näyttelijöiden elämä on.

Lähes neljäkymmentä vuotta venäläisellä näyttämöllä työskennellyt Ostrovski loi koko ohjelmiston - noin viisikymmentä näytelmää. Ostrovskin teokset ovat edelleen lavalla. Ja sadan viidenkymmenen vuoden kuluttua ei ole vaikea nähdä hänen näytelmiensä sankareita lähellä.

Ostrovski kuoli vuonna 1886 rakkaassa Trans-Volgan tilalla Shchelykovossa, tiheissä Kostroman metsissä: pienten mutkaisten jokien mäkisellä rannolla. Kirjoittajan elämä kulki suurimmaksi osaksi näissä Venäjän ydinpaikoissa: missä hän nuoresta iästä lähtien saattoi seurata ikiaikaisia ​​tapoja ja tapoja, joihin aikansa kaupunkisivilisaatio oli vielä vähän vaikuttanut, ja kuulla alkuperäiskansojen venäläistä puhetta.

Bibliografia

Ostrovskin näytelmäkirjailija Maly Theater

• 1. A.I. Revyakin, Dramaturgia A.N. Ostrovski, 1973
• 2. R. Shtilmark, Moskovan joen takana, 1983
• 3. A.N. Ostrovski, Valitut näytelmät, 1982
• 4. A. Safronov, Koko venäläinen teatteri, "Ogonyok" nro 15, 1973

Ostrovskin toiminnan 35-vuotispäivän yhteydessä Goncharov kirjoitti hänelle: "Sinä yksin rakensit rakennuksen, jonka perustuksen loivat Fonvizin, Griboyedov, Gogol. Mutta vasta sen jälkeen, kun me, venäläiset, voimme ylpeänä sanoa: "Meillä on oma venäläinen kansallisteatteri." Rehellisyyden nimissä sitä pitäisi kutsua "Ostrovsky-teatteriksi".

Ostrovskin roolia venäläisen teatterin ja draaman kehityksessä voidaan verrata Shakespearen merkitykseen englantilaiselle kulttuurille ja Molieren ranskalaiselle kulttuurille. Ostrovski muutti venäläisen teatterin ohjelmiston luonnetta, tiivisti kaiken, mitä oli tehty ennen häntä, ja avasi uusia polkuja dramaturgialle. Hänen vaikutuksensa teatteritaiteeseen oli erittäin suuri. Tämä koskee erityisesti Moskovan Maly-teatteria, jota kutsutaan perinteisesti myös Ostrovskin taloksi. Realismin perinteitä näyttämölle vakiinnuttanut suuren näytelmäkirjailijan lukuisten näytelmien ansiosta kansallista näyttelijäkoulua kehitettiin edelleen. Kokonainen joukko upeita venäläisiä näyttelijöitä, jotka perustuvat Ostrovskin näytelmiin, pystyivät osoittamaan selkeästi ainutlaatuisen kykynsä ja vahvistamaan venäläisen teatteritaiteen omaperäisyyttä.

Ostrovskin dramaturgian keskiössä on ongelma, joka on käynyt läpi koko venäläisen klassisen kirjallisuuden: ihmisen ristiriita häntä vastustavien epäsuotuisten elinolojen, pahan eri voimien kanssa; yksilön oikeus vapaaseen ja kokonaisvaltaiseen kehitykseen. Suuren näytelmäkirjailijan näytelmien lukijoille ja katsojille avautuu laaja panoraama venäläisestä elämästä. Tämä on pohjimmiltaan tietosanakirja koko historiallisen aikakauden elämästä ja tavoista. Kauppiaat, virkamiehet, maanomistajat, talonpojat, kenraalit, näyttelijät, liikemiehet, matchmakers, liikemiehet, opiskelijat - useat sadat Ostrovskin luomat hahmot antoivat täydellisen käsityksen 40-80-luvun Venäjän todellisuudesta. kaikessa monimutkaisuudessaan, monimuotoisuudessaan ja epäjohdonmukaisuudessaan.

Ostrovski, joka loi koko gallerian upeita naiskuvia, jatkoi sitä jaloa perinnettä, joka oli jo määritelty venäläisissä klassikoissa. Näytelmäkirjailija korottaa vahvaa, kiinteää luonnetta, joka joissain tapauksissa osoittautuu moraalisesti paremmaksi kuin heikko, epävarma sankari. Nämä ovat Katerina ("Ukkosmyrsky"), Nadya ("Oppilas"), Kruchinina ("Syyllinen ilman syyllisyyttä"), Natalya ("Labor Bread") jne.

Ostrovski kirjoitti venäläisen dramaattisen taiteen ainutlaatuisuudesta sen demokraattisella pohjalla: ”Kansankirjoittajat haluavat kokeilla käsiään tuoreella yleisöllä, jonka hermot eivät ole kovin taipuisia, mikä vaatii vahvaa draamaa, suurta komediaa, provokatiivisuutta.” , kovaa naurua, lämpimiä, vilpittömiä tunteita, eloisia ja vahvoja hahmoja." Pohjimmiltaan tämä on Ostrovskin omien luovien periaatteiden ominaisuus.

Ukkosmyrskyn kirjoittajan dramaturgia erottuu genren monimuotoisuudesta, traagisten ja koomisten elementtien yhdistelmästä, arkisesta ja groteskista, farssista ja lyyristä. Hänen näytelmiään on toisinaan vaikea luokitella tiettyyn genreen. Hän ei kirjoittanut niinkään draamaa tai komediaa, vaan "elämän näytelmiä" Dobrolyubovin osuvan määritelmän mukaan. Hänen teostensa toiminta tapahtuu usein laajaan elintilaan. Elämän melu ja pulina puhkesivat toimintaan ja muodostuivat yhdeksi tapahtumien laajuutta määräävistä tekijöistä. Perhekonfliktit kehittyvät julkisiksi konflikteiksi. Materiaali sivustolta

Näytelmäkirjailijan taito ilmenee sosiaalisten ja psykologisten ominaisuuksien tarkkuudessa, dialogin taiteessa, tarkassa, elävässä kansanpuheessa. Hahmojen kielestä tulee yksi hänen tärkeimmistä keinoistaan ​​luoda kuvaa, realistisen tyypityksen työkalu.

Erinomainen suullisen kansantaiteen tuntija Ostrovski käytti laajasti kansanperinteitä, rikkainta kansanviisauden aarretta. Laulu voi korvata monologin, sananlasku tai sanonta voi tulla näytelmän otsikoksi.

Ostrovskin luovalla kokemuksella oli valtava vaikutus venäläisen draaman ja teatteritaiteen jatkokehitykseen. Moskovan taideteatterin perustajat V. I. Nemirovich-Dantšenko ja K. S. Stanislavsky pyrkivät luomaan "kansanteatterin, jolla on suunnilleen samat tehtävät ja suunnitelmat kuin Ostrovski unelmoi". Tšehovin ja Gorkin dramaattinen innovaatio olisi ollut mahdotonta ilman heidän huomattavan edeltäjänsä parhaiden perinteiden hallintaa.

Etkö löytänyt etsimääsi? Käytä hakua

Tällä sivulla on materiaalia seuraavista aiheista:

• Ostrovskin artikkeleita teatterista
• Essee Ostpovskin elämästä ja hänen merkityksestään venäläisen teatterin kehityksessä
• yhteenveto Ostrovski-teatterista

Sävellys

Aleksanteri Nikolajevitš Ostrovski... Tämä on epätavallinen ilmiö. Hänen rooliaan venäläisen draaman, esittävän taiteen ja koko kansalliskulttuurin kehityshistoriassa on tuskin yliarvioitava. Hän teki yhtä paljon venäläisen draaman kehittämiseksi kuin Shakespeare Englannissa, Lone de Vega Espanjassa, Moliere Ranskassa, Goldoni Italiassa ja Schiller Saksassa. Huolimatta sensuurin, teatteri- ja kirjallisuuskomitean sekä keisarillisten teattereiden johdon aiheuttamasta sorrosta, taantumuksellisten piirien kritiikistä huolimatta Ostrovskin dramaturgia sai vuosi vuodelta enemmän sympatiaa sekä demokraattisten katsojien että taiteilijoiden keskuudessa.

Kehittäen venäläisen dramaattisen taiteen parhaita perinteitä, hyödyntäen edistyvän ulkomaisen draaman kokemusta, väsymättä oppimaan kotimaansa elämästä, kommunikoimaan jatkuvasti ihmisten kanssa, kommunikoimaan tiiviisti edistyksellisimmän nykyyleisön kanssa, Ostrovskista tuli erinomainen elämänkuvaaja. aikansa, ilmentäen Gogolin, Belinskin ja muiden edistyksellisten hahmojen kirjallisuuden unelmia venäläisten hahmojen esiintymisestä ja voitosta Venäjän näyttämöllä.
Ostrovskin luovalla toiminnalla oli suuri vaikutus koko progressiivisen venäläisen draaman jatkokehitykseen. Häneltä parhaat näytelmäkirjailijamme tulivat ja oppivat häneltä. Juuri häneen pyrkivät dramaattiset kirjailijat kiinnostivat aikaansa.

Ostrovskin vaikutuksen voimasta hänen aikansa nuoriin kirjailijoihin voi todistaa kirje runoilija A.D. Mysovskajan näytelmäkirjailijalle. "Tiedätkö kuinka suuri vaikutuksesi oli minuun? Rakkaus taiteeseen ei saanut minut ymmärtämään ja arvostamaan sinua, vaan päinvastoin, opetit minut sekä rakastamaan että kunnioittamaan taidetta. Olen vain sinulle velkaa, että vastustin kiusausta joutua säälittävän kirjallisen keskinkertaisuuden areenalle, enkä jahdannut halpoja laakereita, joita suloisten ja hapanten puolikoulutettujen ihmisten käsissä heitettiin. Sinä ja Nekrasov sait minut rakastumaan ajatuksiin ja työhön, mutta Nekrasov antoi minulle vain ensimmäisen sysäyksen, kun sinä annoit minulle suunnan. Teoksianne lukiessani ymmärsin, että riimi ei ole runoutta, eikä joukko lauseita ole kirjallisuutta ja että vain mieltä ja tekniikkaa kehittämällä taiteilijasta tulee todellinen taiteilija."
Ostrovskilla oli voimakas vaikutus paitsi kotimaisen draaman, myös venäläisen teatterin kehitykseen. Ostrovskin valtava merkitys venäläisen teatterin kehityksessä korostuu hyvin Ostrovskille omistetussa runossa, jonka M. N. Ermolova luki vuonna 1903 Maly-teatterin näyttämöltä:

Lavalla itse elämä, lavalta totuus puhaltaa,
Ja kirkas aurinko hyväilee ja lämmittää...
Tavallisten, elävien ihmisten elävä puhe kuulostaa,
Lavalla ei ole "sankaria", ei enkeliä, ei konnaa,
Mutta vain mies... Onnellinen näyttelijä
Kiirehtii nopeasti katkaisemaan raskaat kahleet
Sopimukset ja valheet. Sanat ja tunteet ovat uusia,

Mutta sielun syvennyksissä on vastaus heille, -
Ja kaikki huulet kuiskaa: siunattu olkoon runoilija,
Repäisi nuhjuiset, hopealankaiset kannet
Ja valaise kirkasta valoa pimeän valtakuntaan

Kuuluisa taiteilija kirjoitti samasta asiasta vuonna 1924 muistelmissaan: "Yhdessä Ostrovskin kanssa itse totuus ja itse elämä ilmestyivät näyttämölle... Alkuperäisen draaman kasvu alkoi, täynnä vastauksia nykyaikaisuuteen... He alkoivat puhua köyhät, nöyryytetyt ja loukatut."

Ostrovskin jatkama ja syventämä realistinen, itsevaltiuden teatteripolitiikan vaimentama suunta käänsi teatterin läheisen yhteyden tielle todellisuuden kanssa. Vain se antoi teatterille elämän kansallisena, venäläisenä, kansanteatterina.

”Olet lahjoittanut kirjallisuudelle kokonaisen kirjaston taideteoksia ja olet luonut näyttämölle oman erikoisen maailman. Sinä yksin viimeistelit rakennuksen, jonka perustalle Fonvizin, Gribojedov, Gogol laskivat kulmakivet." Tämä upea kirje vastaanotettiin muiden onnittelujen ohella Aleksanteri Nikolajevitš Ostrovskin kirjallisen ja teatteritoiminnan 35-vuotispäivänä toiselta suurelta venäläiseltä kirjailijalta - Goncharovilta.

Mutta paljon aikaisemmin, vielä nuoren Ostrovskin aivan ensimmäisestä teoksesta, joka julkaistiin Moskvitjaninissa, elegantin ja herkän tarkkailijan V. F. Odojevskin hienovarainen tuntija kirjoitti: "Jos tämä ei ole hetkellinen salama, ei sieni, joka on puristettu ulos. itse hiottu, kaikenlaisen mätän leikkaama, niin tällä miehellä on valtava lahjakkuus. Uskon, että Venäjällä on kolme tragediaa: "Pieni", "Voi viisaudesta", "Yleinen tarkastaja". Laitoin "Konktuuriin" numeron neljä."

Tällaisesta lupaavasta ensimmäisestä arvioinnista Goncharovin vuosipäiväkirjeeseen, täyttä elämää, rikasta työtä; työtä, ja mikä johti sellaiseen loogiseen arviointisuhteeseen, koska lahjakkuus vaatii ennen kaikkea suurta työtä itsensä kanssa, eikä näytelmäkirjailija tehnyt syntiä Jumalan edessä - hän ei hautannut kykyään maahan. Julkaistessaan ensimmäisen teoksensa vuonna 1847, Ostrovski on sen jälkeen kirjoittanut 47 näytelmää ja kääntänyt yli kaksikymmentä näytelmää eurooppalaisilta kieliltä. Ja kaikkiaan hänen luomassaan kansanteatterissa on noin tuhat hahmoa.
Vähän ennen kuolemaansa, vuonna 1886, Aleksanteri Nikolajevitš sai kirjeen L. N. Tolstoilta, jossa loistava proosakirjailija myönsi: "Tiedän kokemuksesta, kuinka ihmiset lukevat, kuuntelevat ja muistavat teoksiasi, ja siksi haluaisin auttaa varmistamaan, että Sinusta on nyt nopeasti tullut todellisuudessa se, mitä epäilemättä olet - koko kansan kirjoittaja sen laajimmassa merkityksessä."