Julkaisut Teatterit-osiossa

Kuuluisia venäläisiä baletteja. Top 5

Klassinen baletti on hämmästyttävä taidemuoto, joka syntyi Italiassa kypsän renessanssin aikana, "siirtyi" Ranskaan, jossa sen kehityksen ansiot, mukaan lukien Tanssiakatemian perustaminen ja monien liikkeiden kodifiointi, kuuluivat kuningas Ludvigille. XIV. Ranska vei teatteritanssin taidetta kaikkiin Euroopan maihin, myös Venäjälle. 1800-luvun puolivälissä eurooppalaisen baletin pääkaupunki ei ollut enää Pariisi, joka antoi maailmalle romantiikan mestariteokset "La Sylphide" ja "Giselle", vaan Pietari. Juuri pohjoisessa pääkaupungissa suuri koreografi Marius Petipa, klassisen tanssijärjestelmän luoja ja mestariteosten kirjoittaja, jotka eivät vieläkään poistu lavalta, työskenteli lähes 60 vuotta. Lokakuun vallankumouksen jälkeen he halusivat "heittää baletin pois aikamme laivasta", mutta he onnistuivat puolustamaan sitä. Neuvostoaikaa leimasi huomattava määrä mestariteoksia. Esittelemme viisi venäläistä huippubalettia kronologisessa järjestyksessä.

"Don Quijote"

Kohtaus baletista Don Quijote. Yksi Marius Petipan ensimmäisistä tuotannoista

L.F.:n baletin ensi-ilta Minkus "Don Quijote" Bolshoi-teatterissa. 1869 vuosi. Arkkitehti Albert Kavosin albumista

Kohtauksia baletista Don Quijote. Kitri - Lyubov Roslavleva (keskellä). Tuotanto: A.A. Gorski. Moskova, Bolshoi-teatteri. 1900 vuotta

Musiikki L. Minkus, libretto M. Petipa. Ensimmäinen tuotanto: Moskova, Bolshoi Theatre, 1869, koreografia M. Petipa. Myöhemmät tuotannot: Pietari, Mariinski-teatteri, 1871, koreografia M. Petipa; Moskova, Bolshoi-teatteri, 1900, Pietari, Mariinski-teatteri, 1902, Moskova, Bolshoi-teatteri, 1906, kaikki - A. Gorskin koreografia.

Baletti "Don Quijote" on elämää ja riemua täynnä oleva teatteriesitys, ikuinen tanssifestivaali, joka ei koskaan väsy aikuisia ja johon vanhemmat tuovat lapsensa mielellään. Vaikka se on nimetty kuuluisan Cervantesin romaanin sankarin mukaan, se perustuu yhteen hänen jaksoistaan, "Cytherian ja Basilion häät", ja kertoo nuorten sankarien seikkailuista, joiden rakkaus lopulta voittaa, huolimatta vastustuksesta huolimatta. sankarittaren itsepäinen isä, joka halusi mennä naimisiin rikkaan Gamachen kanssa.

Don Quijoteella ei siis ole juuri mitään tekemistä sen kanssa. Lavalla kävelee koko esityksen ajan pitkä, laiha taiteilija Sancho Panzaa kuvaavan lyhyen, vatsaisen kollegan seurassa ja häiritsee välillä katselemasta Petipan ja Gorskin säveltämiä kauniita tansseja. Baletti on pohjimmiltaan pukukonsertti, klassisen ja karakteristanssin juhla, jossa minkä tahansa balettiryhmän tanssijoilla on tekemistä.

Baletin ensimmäinen tuotanto tapahtui Moskovassa, jossa Petipa vieraili aika ajoin nostaakseen paikallisen ryhmän tasoa, jota ei voitu verrata Mariinski-teatterin loistavaan ryhmään. Mutta Moskovassa he hengittivät vapaammin, joten koreografi pohjimmiltaan lavasi balettimuiston nuoruutensa upeista vuosista, jotka vietti aurinkoisessa maassa.

Baletti oli menestys, ja kaksi vuotta myöhemmin Petipa muutti sen Pietariin, mikä vaati uudelleenkäsittelyä. Tunnistetansseja kohtaan oli paljon vähemmän kiinnostusta kuin puhtaita klassikoita kohtaan. Petipa laajensi Don Quijotea viiteen näytökseen, sävelsi White Actin, niin kutsutun Don Quijoten unelman, todellisen paratiisin tutusissa ja kauniissa jaloissa olevien balleriinien ystäville. Amorien määrä "Dreamissa" saavutti viisikymmentäkaksi ...

Don Quijote on tullut meille Moskovan koreografin Aleksanteri Gorskin uusinnoksi, joka piti Konstantin Stanislavskyn ajatuksista ja halusi tehdä vanhasta baletista loogisemman ja dramaattisesti vakuuttavamman. Gorsky tuhosi Petipan symmetriset sävellykset, peruutti tutun "Sleep"-kohtauksessa ja vaati tummaa meikkiä espanjalaisia ​​naisia ​​kuvaaville tanssijoille. Petipa kutsui häntä "sikaksi", mutta jo Gorskyn ensimmäisessä remake-versiossa baletti esitettiin Bolshoi-teatterin lavalla 225 kertaa.

"Joutsenlampi"

Maisema ensiesitykseen. Bolshoi-teatteri. Moskova. 1877 vuosi

Kohtaus P.I.:n baletista "Swan Lake" Tšaikovski (koreografit Marius Petipa ja Lev Ivanov). 1895 vuosi

Musiikki P. Tšaikovski, libretto V. Begichev ja V. Geltser. Ensimmäinen tuotanto: Moskova, Bolshoi Theatre, 1877, koreografia V. Reisinger. Myöhempi tuotanto: Pietari, Mariinski-teatteri, 1895, koreografia M. Petipa, L. Ivanov.

Kaikkien suosikkibaletti, jonka klassinen versio esitettiin vuonna 1895, syntyi itse asiassa kahdeksantoista vuotta aiemmin Moskovan Bolshoi-teatterissa. Tšaikovskin partituuri, jonka maailmankuulu oli vielä edessä, oli eräänlainen kokoelma "lauluja ilman sanoja" ja vaikutti siihen aikaan liian monimutkaiselta. Baletti esitettiin noin 40 kertaa ja se on vaipunut unohduksiin.

Tšaikovskin kuoleman jälkeen Joutsenjärvi esitettiin Mariinski-teatterissa, ja kaikki myöhemmät balettiesitykset perustuivat tähän klassiseen versioon. Toiminta sai suurta selkeyttä ja johdonmukaisuutta: baletti kertoi pahan neron Rothbartin tahdosta joutseneksi muuttuneen kauniin prinsessa Odetten kohtalosta, kuinka Rothbart petti häneen rakastunutta prinssi Siegfriediä turvautumalla hänen tyttärensä Odilen viehätysvoimat ja sankarien kuolemasta. Kapellimestari Ricardo Drigo leikkasi Tšaikovskin partituuria noin kolmanneksella ja orkestroi sen uudelleen. Petipa koreografi ensimmäisen ja kolmannen näytöksen, Lev Ivanov - toisen ja neljännen. Tämä jako sopi erinomaisesti molempien loistavien koreografien ammattiin, joista toisen oli elettävä ja kuoltava ensimmäisen varjossa. Petipa on klassisen baletin isä, moitteettoman harmonisten sävellysten luoja ja keijunaisen, lelunaisen, laulaja. Ivanov on innovatiivinen koreografi, joka on epätavallisen herkkä musiikille. Odette-Odilen roolia esitti Pierina Legnani, "Milanon balleriinien kuningatar", hän on myös ensimmäinen Raymonda ja 32 fouetté, vaikeimman pointen kiertotavan, keksijä.

Et ehkä tiedä baletista mitään, mutta "Jutsenlampi" on kaikkien tiedossa. Neuvostoliiton olemassaolon viimeisinä vuosina, kun iäkkäät johtajat vaihtoivat usein toisiaan, baletin päähenkilöiden "valkoisen" dueton sydämellinen melodia ja käsivarsien siipien roiskeet tv-ruudulta ilmoittivat surullinen tapahtuma. Japanilaiset rakastavat Joutsenjärveä niin paljon, että he ovat valmiita katsomaan sitä aamulla ja illalla minkä tahansa ryhmän esittämänä. Yksikään kiertueryhmä, jota on monia Venäjällä ja erityisesti Moskovassa, ei tule toimeen ilman "Swania".

"Pähkinänsärkijä"

Kohtaus baletista Pähkinänsärkijä. Ensimmäinen tuotanto. Marianna - Lydia Rubtsova, Klara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin. Mariinskin oopperatalo. 1892 vuosi

Kohtaus baletista Pähkinänsärkijä. Ensimmäinen tuotanto. Mariinskin oopperatalo. 1892 vuosi

Musiikki P. Tšaikovski, libretto M. Petipa. Ensimmäinen tuotanto: Pietari, Mariinski-teatteri, 1892, koreografia L. Ivanov.

Kirjoissa ja verkkosivuilla liikkuu edelleen virheellistä tietoa, että Pähkinänsärkijän on lavastanut klassisen baletin isä Marius Petipa. Itse asiassa Petipa sävelsi vain käsikirjoituksen, ja baletin ensimmäisen tuotannon esitti hänen alaisensa Lev Ivanov. Ivanovin osalle jäi sietämätön tehtävä: käsikirjoitus, joka luotiin tuolloin muodin ekstravagantisen baletin tyyliin italialaisen vierailevan esiintyjän välttämättömällä osallistumisella, oli ilmeisessä ristiriidassa Tšaikovskin musiikin kanssa, joka vaikka olikin kirjoitettu tiukasti Petipan ohjeiden mukaisesti, erottui upeasta tunteesta, dramaattisesta rikkaudesta ja monimutkaisesta sinfonisesta kehityksestä. Lisäksi baletin sankaritar oli teini-ikäinen tyttö, ja ballerinatähti valmistautui vain viimeiseen pas de deux'iin (duetto kumppanin kanssa, joka koostui adagiosta - hidas osa, muunnelmia - soolotanssit ja coda (virtuoosi) finaali)). Pähkinänsärkijän ensimmäinen tuotanto, jossa ensimmäinen on enimmäkseen pantomiimiesitys, erosi jyrkästi toisesta - divertismentti, ei juurikaan menestynyt, kriitikot panivat merkille vain Lumihiutaleiden valssin (64 tanssijaa osallistui siihen) ja Pas de Deux'n. Keijut Sokeriluumu ja Prinssi Hinkuyskä, joiden inspiraation lähde oli Ivanova Adagio ruusulla Prinsessa, jossa Aurora tanssii neljän herrasmiehen kanssa.

Mutta 1900-luvulla, joka kykeni tunkeutumaan Tšaikovskin musiikin syvyyksiin, Pähkinänsärkijällä oli todella upea tulevaisuus. Neuvostoliitossa, Euroopan maissa ja Yhdysvalloissa on lukemattomia balettiesityksiä. Venäjän avoimissa tiloissa ovat erityisen suosittuja Vasili Vainosen esitykset Leningradin valtion akateemisessa ooppera- ja balettiteatterissa (nykyinen Mariinski-teatteri Pietarissa) ja Juri Grigorovichin esitykset Moskovan Bolshoi-teatterissa.

"Romeo ja Juulia"

Baletti "Romeo ja Julia". Julia - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergeev. 1939 vuosi

Rouva Patrick Campbeple Julietta Shakespearen Romeossa ja Juliassa. 1895 vuosi

Baletin "Romeo ja Julia" finaali. 1940 vuosi

Musiikki S. Prokofjev, libretto S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky. Ensimmäinen tuotanto: Brno, Ooppera- ja balettiteatteri, 1938, koreografia V. Psota. Myöhempi tuotanto: Leningrad, valtion akateeminen ooppera- ja balettiteatteri. S. Kirov, 1940, koreografia L. Lavrovsky.

Jos Shakespearen lause tunnetussa venäjänkielisessä käännöksessä kuuluu "Maailmassa ei ole surullisempaa tarinaa kuin Romeon ja Julian tarina", sitten he sanoivat suuren Sergei Prokofjevin baletista, joka on kirjoitettu tälle juonelle: "Maailmassa ei ole surullisempaa tarinaa kuin Prokofjevin musiikki baletissa"... Todella hämmästyttävä kauneudessa, värien rikkaudessa ja ilmeisyydessä, "Romeon ja Julian" partituuri vaikutti ilmestymishetkellään liian monimutkaiselta ja sopimattomalta balettiin. Balettitanssijat yksinkertaisesti kieltäytyivät tanssimasta hänelle.

Prokofjev kirjoitti partituurin vuonna 1934, ja alun perin se ei ollut tarkoitettu teatterille, vaan maineikkaalle Leningradin akateemiselle koreografiselle koululle juhlimaan 200-vuotisjuhliaan. Hanketta ei toteutettu Sergei Kirovin salamurhan yhteydessä Leningradissa vuonna 1934, vaan toisen pääkaupungin johtavassa musiikkiteatterissa puhkesi muutoksia. Suunnitelma "Romeon ja Julian" esittämisestä Moskovan Bolshoissa ei myöskään toteutunut. Vuonna 1938 ensi-ilta esitettiin Brnon teatterissa, ja vasta kaksi vuotta myöhemmin Prokofjevin baletti esitettiin lopulta kirjailijan kotimaassa, Kirovin mukaan nimetyssä teatterissa.

Koreografi Leonid Lavrovsky loi draamabalettigenren (1930- ja 1950-luvun baletille tyypillinen koreografisen draaman muoto), joka oli neuvostoviranomaisten arvostettu, puitteissa vaikuttavan, jännittävän näytelmän huolellisesti veistetyillä yleisökohtauksilla ja hienovaraisesti hahmotellut hahmojen psykologiset ominaisuudet. Hänen käytössään oli Galina Ulanova, hienostunein balerina-näyttelijä, joka pysyi voittamattomana Julian roolissa.

Länsimaiset koreografit arvostivat nopeasti Prokofjevin partituuria. Ensimmäiset versiot baletista ilmestyivät jo XX vuosisadan 40-luvulla. Niiden luojat olivat Birgit Kulberg (Tukholma, 1944) ja Margarita Fromman (Zagreb, 1949). Kuuluisia Romeon ja Julian tuotantoja ovat Frederick Ashton (Kööpenhamina, 1955), John Cranko (Milano, 1958), Kenneth McMillan (Lontoo, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hampuri, 1973). Moiseev, 1958, koreografia Y. Grigorovich, 1968.

Ilman "Spartacusta" "neuvostobaletin" käsite on mahdoton kuvitella. Tämä on todellinen hitti, aikakauden symboli. Neuvostoaika kehitti muita teemoja ja mielikuvia, jotka erosivat syvästi perinteisestä klassisesta baletista, joka perittiin Marius Petipalta sekä Moskovan ja Pietarin keisarillisista teattereista. Onnellisesti päättyvät sadut arkistoitiin ja korvattiin sankarillisilla tarinoilla.

Jo vuonna 1941 yksi johtavista Neuvostoliiton säveltäjistä, Aram Khachaturyan, puhui aikomuksestaan ​​kirjoittaa musiikkia monumentaaliseen, sankarilliseen esitykseen, joka esitetään Bolshoi-teatterissa. Hänen teemanaan oli episodi antiikin Rooman historiasta, Spartacuksen johtama orjien kapina. Khachaturian loi värikkään partituurin käyttäen armenialaisia, georgialaisia, venäläisiä motiiveja ja täynnä kauniita melodioita ja tulista rytmiä. Tuotannon oli määrä suorittaa Igor Moiseev.

Kesti monta vuotta, ennen kuin hänen työnsä tuli yleisölle, eikä se esiintynyt Bolshoi-teatterissa, vaan teatterissa. Kirov. Koreografi Leonid Yakobson on luonut upean, innovatiivisen esityksen hylkäämällä klassisen baletin perinteiset attribuutit, mukaan lukien tanssimisen pointeilla, käyttämällä löysää muovia ja baleriinien kenkiä sandaaleissa.

Mutta vuonna 1968 baletista "Spartacus" tuli hitti ja aikakauden symboli koreografi Juri Grigorovichin käsissä. Grigorovich hämmästytti katsojaa täysin rakennetulla draamalla, hienovaraisella päähenkilöiden hahmojen kuvauksella, taitavasti väkijoukkojen lavastusella, lyyristen adagiosien puhtaudella ja kauneudella. Hän kutsui työtään "esityksenä neljälle solistille corps de baletin kanssa" (corps de baletti - taiteilijat, jotka osallistuvat joukkotanssijaksoihin). Spartakia näyttelivät Vladimir Vasiliev, Crassa - Maris Liepa, Frygia - Ekaterina Maksimova ja Aegina - Nina Timofeeva. Korttibaletti oli pääosin miespuolinen, mikä tekee baletista "Spartacus" ainutlaatuisen lajissaan.

Jakobsonin ja Grigorovichin "Spartacuksen" tunnettujen lukujen lisäksi tarjolla on noin 20 balettiesitystä. Niitä ovat muun muassa Jiri Blazekin versio Prahan baletille, Laszlo Seryoga Budapestin baletille (1968), Jüri Vamos Arena di Veronalle (1999), Renato Zanella Wienin valtionoopperaan (2002), Natalia Kasatkina ja Vladimir Vasilev. Valtion akateemisen teatterin osalta he johtavat klassista balettia Moskovassa (2002).

Lähettäjä copypaster ke, 15.08.2007 - 01:11

Baletti on melko nuori taide. Se on hieman yli neljäsataa vuotta vanha, vaikka tanssi on koristanut ihmiselämää muinaisista ajoista lähtien.

Termi "baletti" ilmestyi 1500-luvun lopulla (italialaista balettia - tanssia). Mutta silloin se ei tarkoittanut esitystä, vaan vain tanssijaksoa, joka välittää tietyn tunnelman. Tällaiset "baletit" koostuivat yleensä hahmojen - useimmiten kreikkalaisten myyttien sankareiden - pienistä toisiinsa liittyvistä "ulostuloista". Tällaisten "lähtöjen" jälkeen alkoi yhteinen tanssi - "suuri baletti".

Ensimmäinen balettiesitys oli italialaisen koreografin Baltazarini di Belgioioson vuonna 1581 Ranskassa lavastama Kuningattaren komediabaletti. Baletin jatkokehitys tapahtui Ranskassa. Aluksi nämä olivat baletteja-naamiaisia ​​ja sitten mahtipontisia melodramaattisia baletteja ritarillisilla ja fantastisilla juoneilla, joissa tanssijaksot korvattiin lauluaarioilla ja runoudella. Älä ihmettele, baletti ei tuohon aikaan ollut vain tanssiesitys.

Ludvig XIV:n hallituskaudella hovibaletin esitykset saavuttivat erityisen loiston. Louis itse rakasti osallistua baletteihin, ja hän sai kuuluisan lempinimensä "Aurinkokuningas" näyteltyään Auringon roolia "Yön baletissa".

Vuonna 1661 hän perusti Royal Academy of Music and Dance -akatemian, johon kuului 13 johtavaa tanssimestaria. Heidän tehtävänsä oli säilyttää tanssiperinteet. Akatemian johtaja, kuninkaallinen tanssinopettaja Pierre Beauchamp on tunnistanut viisi klassisen tanssin perusasentoa.

Pian avattiin Pariisin ooppera, jonka koreografi oli sama Beauchamp. Hänen johdollaan perustettiin balettiryhmä. Aluksi se koostui vain miehistä. Naiset ilmestyivät Pariisin oopperan näyttämölle vasta vuonna 1681.

Teatteri on esittänyt säveltäjä Lullyn oopperoita ja baletteja sekä näytelmäkirjailija Molieren komediabaletteja. Aluksi hovimiehet osallistuivat niihin, ja esitykset tuskin erosivat palatsin esityksistä. Jo mainitut hitaat menuetit, gavotat ja pavaanit tanssivat. Naamiot, raskaat mekot ja korkokengät estivät naisia ​​suorittamasta monimutkaisia ​​liikkeitä. Siksi miesten tanssit erosivat silloin suuremmasta armosta ja armosta.

1700-luvun puoliväliin mennessä baletti oli saavuttamassa suurta suosiota Euroopassa. Kaikki Euroopan aristokraattiset tuomioistuimet pyrkivät jäljittelemään Ranskan kuninkaallisen hovin ylellisyyttä. Oopperataloja avattiin kaupungeissa. Lukuisat tanssijat ja tanssinopettajat löysivät helposti töitä.

Pian muodin vaikutuksesta naisten balettipuku muuttui paljon kevyemmäksi ja vapaammaksi, sen alla kehon linjat arvattiin. Tanssijat hylkäsivät kantapäälliset kengät ja korvasivat ne kevyillä korkottomilla kengillä. Miesten puku väheni myös: polviin asti tiukat housut ja sukat mahdollistivat tanssijan hahmon näkemisen.

Jokainen innovaatio teki tanssista mielekkäämpää ja tanssitekniikasta korkeamman. Vähitellen baletti erosi oopperasta ja muuttui itsenäiseksi taiteeksi.

Vaikka ranskalainen balettikoulu oli kuuluisa ylellisyydestään ja plastisuudestaan, sille oli ominaista tietty kylmyys ja esityksen muodollisuus. Siksi koreografit ja taiteilijat etsivät muita ilmaisukeinoja.

1700-luvun lopulla taiteeseen syntyi uusi suunta - romanttisuus, jolla oli vahva vaikutus balettiin. Romanttisessa baletissa tanssija seisoi pointe-kenkien päällä. Ensimmäinen, joka teki tämän, oli Maria Taglioni, joka muutti täysin aiemmat käsitykset baletista. Baletissa "La Sylphide" hän esiintyi hauraana olentona toisesta maailmasta. Menestys oli ylivoimainen.

Tänä aikana ilmestyi monia upeita baletteja, mutta valitettavasti romanttinen baletti oli tanssitaiteen viimeinen kukoistuskausi lännessä. 1800-luvun jälkipuoliskolta lähtien baletista, joka on menettänyt entisen merkityksensä, on tullut oopperan liite. Vasta XX vuosisadan 30-luvulla, venäläisen baletin vaikutuksesta, tämän taiteen elpyminen Euroopassa alkoi.

Venäjällä ensimmäinen balettiesitys - "Baletti Orpheuksesta ja Eurydikesta" - esitettiin 8. helmikuuta 1673 tsaari Aleksei Mihailovitšin hovissa. Seremoniallinen ja hidas tanssi koostui siroisten asentojen, kumarusten ja liikkeiden vaihdosta, vuorotellen laulamisen ja puhumisen kanssa. Hänellä ei ollut merkittävää roolia näyttämötanssin kehityksessä. Se oli vain toinen tsaarin "hauska", joka houkutteli ainutlaatuisuudellaan ja uutuudellaan.

Vain neljännesvuosisata myöhemmin, Pietari I:n uudistusten ansiosta, musiikki ja tanssi tulivat Venäjän yhteiskunnan elämään. Pakollinen tanssinopetus otettiin käyttöön jaloisissa oppilaitoksissa. Ulkomailta kotiutetut muusikot, oopperalaulajat ja balettiryhmät alkoivat esiintyä hovissa.

Vuonna 1738 avattiin Venäjän ensimmäinen balettikoulu, ja kolme vuotta myöhemmin 12 pojasta ja 12 tytöstä palatsin palvelijoista tuli ensimmäiset ammattitanssijat Venäjällä. Aluksi he esiintyivät ulkomaisten mestareiden baletteissa figurantteina (kuten corps de baletin tanssijoita kutsuttiin) ja myöhemmin päärooleissa. Timofey Bublikov, tuon ajan merkittävä tanssija, loisti paitsi Pietarissa myös Wienissä.

1800-luvun alussa venäläinen balettitaide saavutti luovan kypsyytensä. Venäläiset tanssijat toivat tanssiin ilmeisyyttä ja henkisyyttä. Tunteessaan tämän erittäin tarkasti, A.S. Pushkin kutsui aikalaisensa Avdotya Istominan tanssia "sielun suorittamaksi lentoksi".

Baletti otti tuolloin etuoikeutetun aseman muun teatteritaiteen joukossa. Viranomaiset kiinnittivät siihen suurta huomiota, myönsivät valtion tukea. Moskovan ja Pietarin balettiryhmät esiintyivät hyvin varustetuissa teattereissa, ja teatterikoulusta valmistuneet lisäsivät vuosittain tanssijoita, muusikoita ja sisustajia.

Arthur Saint-Leon

Balettiteatterimme historiassa törmäämme usein ulkomaisten mestareiden nimiin, joilla oli merkittävä rooli venäläisen baletin kehityksessä. Ensinnäkin nämä ovat Charles Didlot, Arthur Saint-Leon ja Marius Petipa. He auttoivat luomaan venäläisen balettikoulun. Mutta lahjakkaat venäläiset taiteilijat antoivat myös mahdollisuuden paljastaa opettajiensa kyvyt. Tämä on aina houkutellut Euroopan suurimmat koreografit Moskovaan ja Pietariin. Missään päin maailmaa he eivät voineet tavata niin suurta, lahjakasta ja hyvin koulutettua ryhmää kuin Venäjällä.

1800-luvun puolivälissä realismi tuli venäläiseen kirjallisuuteen ja taiteeseen. Koreografit yrittivät kuumeisesti mutta tuloksetta luoda realistisia esityksiä. He eivät ottaneet huomioon sitä, että baletti on perinteinen taide ja että baletin realismi eroaa merkittävästi maalauksen ja kirjallisuuden realismista. Balettitaiteen kriisi alkoi.

Uusi vaihe venäläisen baletin historiassa alkoi, kun suuri venäläinen säveltäjä P. Tšaikovski sävelsi ensimmäisen kerran musiikkia baletille. Se oli Joutsenjärvi. Sitä ennen balettimusiikkia ei otettu vakavasti. Häntä pidettiin musiikillisen luovuuden alhaisina muotona, vain tanssien säestäjänä.

Tšaikovskin ansiosta balettimusiikista on tullut vakava taide, oopperan ja sinfonisen musiikin ohella. Musiikki oli ennen täysin riippuvaista tanssista, nyt tanssin oli toteltava musiikkia. Tarvittiin uusia ilmaisukeinoja ja uutta lähestymistapaa esityksen luomiseen.

Venäläisen baletin jatkokehitys liittyy Moskovan koreografin A. Gorskin nimeen, joka hylkäsi pantomiimin vanhentuneet menetelmät ja käytti balettiesityksessä modernin ohjauksen menetelmiä. Hän piti esityksen maalauksellista suunnittelua erittäin tärkeänä ja houkutteli töihin parhaat taiteilijat.

Mutta todellinen balettitaiteen uudistaja on Mihail Fokin, joka kapinoi balettiesityksen perinteistä rakentamista vastaan. Hän väitti, että esityksen teema, sen musiikki, aikakausi, jossa toiminta tapahtuu, vaativat joka kerta erilaisia ​​tanssiliikkeitä, erilaista tanssimallia. Lavastaessaan baletti Egyptiläiset yöt Fokine sai inspiraationsa V. Bryusovin runoudesta ja muinaisista egyptiläisistä piirustuksista ja baletin Petruška kuvat A. Blokin runoudesta. Baletissa Daphnis ja Chloe hän hylkäsi pointe-tanssin ja herätti henkiin antiikkifreskot vapailla, plastisilla liikkeillä. Hänen Chopiniana herätti romanttisen baletin tunnelman. Fokine kirjoitti, että "hän unelmoi balettidraaman luomisesta balettihauskasta, tanssista - ymmärrettävää, puhuvaa kieltä". Ja hän onnistui.

Anna Pavlova

Vuonna 1908 Pariisissa alkoivat venäläisten balettitanssijien vuotuiset esitykset, joita järjesti teatterihahmo S.P.Dyagilev. Venäläisten tanssijoiden nimet - Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - tulivat tunnetuiksi kaikkialla maailmassa. Mutta ensimmäinen tässä rivissä on vertaansa vailla olevan Anna Pavlovan nimi.

Pavlova - lyyrinen, hauras, pitkänomaiset vartalonlinjat, suuret silmät - toi mieleen kaiverrukset, jotka kuvaavat romanttisia baleriinaa. Hänen sankarittarensa välittivät puhtaasti venäläistä unelmaa harmonisesta, henkisestä elämästä tai kaipausta ja surua täyttymättömästä. Suuren baleriinin Pavlovan luoma Dying Swan on 1900-luvun alun venäläisen baletin runollinen symboli.

Silloin länsimainen baletti ravisteli itseään venäläisten taiteilijoiden taitojen alaisena ja löysi toisen tuulen.

Vuoden 1917 lokakuun vallankumouksen jälkeen monet baletin johtajat lähtivät Venäjältä, mutta tästä huolimatta venäläisen baletin koulu säilyi. Liikkeen paatos kohti uutta elämää, vallankumoukselliset teemat ja mikä tärkeintä, luovan kokeilun laajuus inspiroivat balettimestareita. Heidän tehtävänsä oli tuoda koreografista taidetta lähemmäs ihmisiä, tehdä siitä elinvoimaisempaa ja saavutettavampaa.

Näin syntyi dramaattisen baletin genre. Nämä olivat esityksiä, jotka perustuivat yleensä kuuluisien kirjallisten teosten juoniin ja jotka rakennettiin dramaattisen esityksen lakien mukaan. Niiden sisältö esitettiin pantomiimin ja hienon tanssin avulla. 1900-luvun puolivälissä dramaattinen baletti oli kriisissä. Koreografit yrittivät säilyttää tämän baletin genren parantamalla esitysten näyttävyyttä näyttämötehosteilla, mutta valitettavasti turhaan.

Käännekohta tapahtui 1950-luvun lopulla. Uuden sukupolven koreografit ja tanssijat ovat herättäneet henkiin unohdettuja genrejä - yksinäytöksinen baletti, balettisinfonia, koreografinen miniatyyri. Ja 1970-luvulta lähtien on syntynyt itsenäisiä balettiryhmiä, jotka ovat riippumattomia ooppera- ja balettiteattereista. Heidän määränsä kasvaa jatkuvasti, heidän joukossaan on ilmaisia ​​ja moderneja tanssistudioita.

Klassikot eivät ole vain sinfonioita, oopperoita, konsertteja ja kamarimusiikkia. Jotkut tunnetuimmista klassikoista ovat ilmestyneet balettimuodossa. Baletti sai alkunsa Italiasta renessanssin aikana ja kehittyi vähitellen tekniseksi tanssimuodoksi, joka vaati tanssijoilta paljon valmistautumista. Ensimmäinen perustettu balettiryhmä oli Pariisin oopperabaletti, joka syntyi sen jälkeen, kun kuningas Ludvig XIV nimitti Jean-Baptiste Lullyn kuninkaallisen musiikkiakatemian johtajaksi. Monet musiikkitieteilijät pitävät Lullyn baletin sävellyksiä käännekohtana tämän genren kehityksessä. Sittemmin baletin suosio on vähitellen hiipunut maasta toiseen, mikä tarjosi eri kansallisuuksia edustaville säveltäjille mahdollisuuden säveltää kuuluisimpia teoksiaan. Tässä on seitsemän maailman suosituinta ja rakastetuinta balettia.

Tšaikovski kirjoitti tämän ajattoman klassisen baletin vuonna 1891, joka on modernin aikakauden eniten esitetty baletti. Amerikassa Pähkinänsärkijä esiintyi ensimmäisen kerran lavalla vasta vuonna 1944 (soitti San Francisco Ballet). Siitä lähtien on tullut perinteeksi "Pähkinänsärkijän" esittäminen uudenvuoden ja joulun aikaan. Tässä upeassa baletissa ei ole vain tunnistettavissa olevaa musiikkia, vaan sen tarina tuo iloa sekä lapsille että aikuisille.

Joutsenjärvi on teknisesti ja emotionaalisesti vaikein klassinen baletti. Hänen musiikkinsa oli paljon aikaansa edellä, ja monet hänen varhaisista esiintyjistään väittivät, että Joutsenjärvi oli liian vaikea tanssia. Alkuperäisestä ensimmäisestä tuotannosta tiedetään itse asiassa hyvin vähän, mutta nykypäivänä kaikki ovat tottuneet kuuluisien koreografien Petipan ja Ivanovin tarkistamaan tuotantoon. Joutsenjärveä pidetään aina klassisen baletin standardina, ja sitä esitetään vuosisatojen ajan.

Unelma kesäyössä

Baletin Coppelia on kirjoittanut ranskalainen säveltäjä Leo Delibes ja koreografi Arthur Saint-Leon. Coppelia on kevytmielinen tarina, joka kuvaa inhimillistä konfliktia idealismin ja realismin, taiteen ja elämän välillä, elävän musiikin ja vilkkaan tanssin kera. Sen maailmanensi-ilta Pariisin oopperassa oli valtava menestys vuonna 1871, ja baletti on edelleen menestys monien teattereiden ohjelmistossa.

Peter Pan

prinsessa Ruusunen

Tuhkimo

Sanokoon mitä tahansa, ei voi sivuuttaa venäläisen säveltäjän kuuluisaa mestariteosta neljässä näytöksessä, jonka ansiosta saksalainen legenda kauniista joutsentytöstä ikuistuu taiteen ystävien silmiin. Juonen mukaan joutsenten kuningattareen rakastunut prinssi pettää tämän, mutta virheen tajuaminenkaan ei pelasta häntä eikä hänen rakkaansa raivoavista elementeistä.

Päähenkilön - Odetten - imago näyttää täydentävän säveltäjän elämänsä aikana luomaa naissymbolien galleriaa. On huomionarvoista, että baletin juonen kirjoittaja on edelleen tuntematon, eikä libretistien nimiä ole koskaan listattu yhteen julisteeseen. Baletti esiteltiin ensimmäisen kerran vuonna 1877 Bolshoi-teatterin lavalla, mutta ensimmäistä versiota pidettiin epäonnistuneena. Tunnetuin tuotanto on Petipa-Ivanov, josta tuli standardi kaikille myöhemmille esityksille.

Maailman parhaat baletit: Tšaikovskin Pähkinänsärkijä

Suosittu uudenvuoden baletti lapsille, Pähkinänsärkijä, esiteltiin ensimmäisen kerran yleisölle vuonna 1892 kuuluisassa Mariinski-teatterissa. Sen juoni perustuu Hoffmannin satuun "Pähkinänsärkijä ja hiirikuningas". Sukupolvien taistelu, hyvän ja pahan vastakkainasettelu, naamion takana piilevä viisaus - tarinan syvä filosofinen merkitys on puettu eläviin musiikkikuviin, jotka ovat ymmärrettäviä pienimmille katsojille.

Toiminta tapahtuu talvella, jouluaattona, jolloin kaikki toiveet voivat toteutua - ja tämä antaa taianomaiseen tarinaan lisää viehätysvoimaa. Kaikki on mahdollista tässä sadussa: vaalitut toiveet toteutuvat, tekopyhyyden naamiot laantuu ja epäoikeudenmukaisuus voitetaan varmasti.

************************************************************************

Maailman parhaat baletit: Adamin Giselle

"Rakkaus, joka on kuolemaa vahvempi" on ehkä tarkin kuvaus kuuluisasta baletista neljässä näytöksessä "Giselle". Tarina kiihkeään rakkauteen kuolevasta tytöstä, joka antoi sydämensä jalolle nuorelle miehelle, joka oli kihlattu toiselle morsiamelle, välittyy niin elävästi hoikkien Wilisin - ennen häitä kuolleiden morsiamien - siroissa pasoissa.

Baletilla oli valtava menestys jo ensimmäisestä tuotannosta vuonna 1841, ja yli 18 vuoden aikana Pariisin oopperan lavalla annettiin 150 teatteriesitystä kuuluisan ranskalaisen säveltäjän teoksista. Tämä tarina valloitti taiteen ystävien sydämet niin paljon, että 1800-luvun lopulla löydetty asteroidi nimettiin jopa tarinan pääsankarittaren kunniaksi. Ja nykyään aikakautemme ovat jo huolehtineet siitä, että klassikkotuotannon elokuvaversioissa säilytetään yksi klassikkoteoksen suurimmista helmistä.

************************************************************************

Maailman parhaat baletit: Minkusin Don Quijote

Suurten ritarien aikakausi on mennyt kauan, mutta tämä ei suinkaan estä nykyaikaisia ​​nuoria naisia ​​haaveilemasta 2000-luvun Don Quijoten tapaamisesta. Baletti välittää tarkasti kaikki Espanjan asukkaiden kansanperinteen yksityiskohdat; ja monet mestarit yrittivät lavastella juonen jalosta ritarillisuudesta nykyaikaisessa tulkinnassa, mutta klassinen tuotanto on koristanut venäläistä näyttämöä satakolmekymmentä vuotta.

Koreografi Marius Petipa pystyi taitavasti ilmentämään tanssissa koko espanjalaisen kulttuurin makua käyttämällä kansallisten tanssien elementtejä, ja jotkut eleet ja asennot osoittavat suoraan paikan, jossa juoni kehittyy. Historia ei ole menettänyt merkitystään tänä päivänä: molemmat Don Quijote 2000-luvulla inspiroi taitavasti kuumasydämisiä nuoria, jotka kykenevät epätoivoisiin toimiin hyvyyden ja oikeuden nimissä.

************************************************************************

Maailman parhaat baletit: Prokofjevin Romeo ja Julia

Kuolematon tarina kahdesta rakastavasta sydämestä, jotka yhdistyvät vasta kuoleman jälkeen ikuisesti, ruumiillistuu lavalla Prokofjevin musiikin ansiosta. Tuotanto tapahtui vähän ennen toista maailmansotaa, ja meidän täytyy osoittaa kunnioitusta omistautuneille mestareille, jotka vastustivat tuolloin tavanomaista stalinistisen maan luovalla alueella vallitsevaa järjestystä: säveltäjä säilytti juonen perinteisen traagisen lopputuloksen.

Ensimmäisen valtavan menestyksen jälkeen, joka myönsi esitykselle Stalin-palkinnon, versioita oli monia, mutta kirjaimellisesti vuonna 2008 perinteinen tuotanto 1935 tapahtui New Yorkissa, jossa on onnellinen loppu kuuluisalle tarinalle, jota yleisö ei siihen hetkeen asti tuntenut.

************************************************************************

Hyvää katselua!

Kun puhumme baletista, tarkoitamme aina luovuutta, koska juuri hän toi tämän lavagenren vakavien ja laajamittaisten musiikkilavaesitysten kategoriaan. Hänellä on vain kolme balettia ja kaikki kolme - "Jutsenlampi", "Pähkinänsärkijä", "Sleeping Beauty" ovat kuuluisia erinomaisesta draamasta ja upeasta musiikistaan.

Pjotr ​​Tšaikovskin suosituin balettiteos, jonka melkein kaikki ovat kuulleet, on "", kirjoitettu vuonna 1877. Monet fragmentit tästä tanssiesityksestä - "Pienten joutsenten tanssi", "Valssi" ja muut ovat eläneet pitkään omaa erillistä elämäänsä suosittuina musiikkisävellyksinä. Koko rakkaustarinasta kertova esitys on kuitenkin musiikin ystävien huomion arvoinen. Tšaikovski, joka oli elinaikanaan tunnettu hämmästyttävästä säveltämiskyvystään, palkitsi baletin avokätisesti lukemattomilla lumoavilla ja mieleenpainuvilla melodioilla.

Toinen musiikkihistorian parhaista baletteista on Tšaikovskin. Tämä oli säveltäjän toinen vetoomus tanssilajiin, ja jos yleisö ei aluksi arvostanut Joutsenten järveä, kauneus tunnustettiin heti mestariteokseksi ja se esitettiin melkein kaikissa Venäjän valtakunnan ja Euroopan teattereissa.

Baletti perustuu Charles Perraultin upeaan tarinaan Prinsessa olevasta kaunotaresta, pahasta keijusta ja kaiken voittavasta rakkaudesta, joka on meille tuttu lapsuudesta asti. Tšaikovski täydensi tätä tarinaa upeilla satuhahmojen tansseilla ja Marius Petipa upealla koreografialla, josta tuli kaikkialla balettitaiteen tietosanakirja.

"" On Pjotr ​​Tšaikovskin kolmas ja viimeinen baletti, yksi hänen työnsä tunnustetuista huipuista, joka esitetään aina kaikissa Euroopan teattereissa joulun ja uudenvuoden aattona. Hoffmannin satu "Pähkinänsärkijä ja hiirikuningas" jatkaa Tšaikovskin Joutsenjärvessä aloittamaa hyvän ja pahan taistelun teemaa, täydentää sitä fantasiaelementeillä ja luonnollisesti rakkaudella ja uhrautumisesta. Filosofinen tarina, lukuisat kauniit tanssinumeroiden melodiat ja koreografia tekevät tästä baletista yhden maailmanmusiikin parhaista ja kysytyimmistä klassisista kappaleista.

Kerran se oli yksi skandaalin baletteista. Nyt "Romeo ja Julia" on yksi klassisista tanssiesityksistä monissa teattereissa ympäri maailmaa. Säveltäjän uusi, monella tapaa vallankumouksellinen musiikki vaati ryhmältä uutta skenografiaa ja liiketapaa. Ennen ensi-iltaa säveltäjän oli kirjaimellisesti suostuteltava ohjaajat ja tanssijat osallistumaan tuotantoon. Tämä ei kuitenkaan auttanut, maan pääteatterit - Bolshoi- ja Kirovsky-teatterit - kieltäytyivät näyttämästä tätä esitystä. Vasta Romeon ja Julian Tšekkoslovakian odottamattoman ja ylivoimaisen menestyksen jälkeen baletti esitettiin Pietarissa ja Moskovassa, ja Prokofjev itse sai Stalin-palkinnon.

Klassinen esitys kaikista maailman tanssivista ruumiista - "Giselle". Baletti perustuu legendaan Wilisistä - morsiamien hengistä, jotka kuolivat onnettomaan rakkauteen ja ajoivat siksi kaikkia matkalla olevia nuoria miehiä takaa kiihkeässä tanssissa. Ensi-iltansa vuonna 1841 lähtien Giselle ei ole menettänyt suosiotaan tanssijoiden keskuudessa ja sillä on ollut monia esityksiä.