इतालवी पुनर्जागरण चित्रकला - गियट्टो, मासासिओ, एंजेलिको, टिटियन और जियोर्जियोन। पुनर्जागरण कलाकार ▲ अंग्रेजी पुनर्जागरण कलाकार

एंजेलिको फ्रा बीटो
GIOTTO डि बॉन्डोन
मंटेनिया एंड्रिया
बेलिनी जियोवानी
बॉटलिकली सैंड्रो
वेरोनेज़ पाओलो
दा विंची लियोनार्डो
जॉर्डन
कार्पैसिओ विटोर
माइकल एंजेलो बुओनारोटी
राफेल सैंटी
टिटियानी

पुनर्जागरण, या पुनर्जागरण -
(फ्रांसीसी पुनर्जागरण, इतालवी रिनासिमेंटो) -
यूरोपीय संस्कृति के इतिहास में एक युग,
जिसने मध्य युग की संस्कृति को बदल दिया और
आधुनिक समय की संस्कृति से पहले।
युग की अनुमानित कालानुक्रमिक रूपरेखा - XIV-XVI सदियों।
पुनर्जागरण की एक विशिष्ट विशेषता संस्कृति की धर्मनिरपेक्ष प्रकृति है
और इसका मानव-केंद्रितवाद (अर्थात, रुचि, पहली जगह में,
एक व्यक्ति और उसकी गतिविधियों के लिए)।
प्राचीन संस्कृति में रुचि दिखाई देती है,
वहाँ है, जैसा कि यह था, इसका "पुनर्जन्म" - और इस तरह यह शब्द प्रकट हुआ।

पुनर्जागरण इटली में शास्त्रीय पूर्णता के साथ हुआ,
पुनर्जागरण संस्कृति में जिसमें पूर्व-पुनर्जागरण की अवधि होती है
13 वीं और 14 वीं शताब्दी के मोड़ पर घटनाएँ। (प्रोटो-पुनर्जागरण), प्रारंभिक पुनर्जागरण (१५वीं शताब्दी),
उच्च पुनर्जागरण (15वीं सदी के अंत - 16वीं शताब्दी की पहली तिमाही),
देर से पुनर्जागरण (16 वीं शताब्दी)।
प्रारंभिक पुनर्जागरण में, नवाचार का फोकस
फ्लोरेंटाइन स्कूल कला के सभी रूपों में बन गया,
आर्किटेक्ट्स (एफ। ब्रुनेलेस्ची, एल.बी. अल्बर्टी, बी। रोसेलिनो, आदि),
मूर्तिकार (एल। घिबर्टी, डोनाटेलो, जैकोपो डेला क्वेरसिया, ए। रोसेलिनो,
डेसिडेरियो दा सेटिग्नानो, आदि), चित्रकार (मास्सिओ, फ़िलिपो लिप्पी,
एंड्रिया डेल कास्टाग्नो, पाओलो उकेलो, फ्रा एंजेलिको,
Sandro Botticelli और अन्य) जिसने एक बहुत ही अभिन्न अंग बनाया,
एक आंतरिक एकता के साथ दुनिया की एक अवधारणा,
धीरे-धीरे पूरे इटली में फैल रहा है
(उरबिनो में पिएरो डेला फ्रांसेस्का का काम, विटोर कार्पेस्को,
फेरारा में एफ. कोसा, मंटुआ में ए. मेंटेगना, एंटोनेलो दा मेसिना
और भाई अन्यजाति और वेनिस में जियोवानी बेलिनी)।
उच्च पुनर्जागरण के दौरान, जब मानवतावादी के लिए संघर्ष
पुनर्जागरण के आदर्शों ने एक तनावपूर्ण और वीर चरित्र ग्रहण किया,
वास्तुकला और दृश्य कलाओं को अक्षांश द्वारा चिह्नित किया गया था
सार्वजनिक ध्वनि, सिंथेटिक सामान्यीकरण और छवियों की शक्ति,
आध्यात्मिक और शारीरिक गतिविधि से भरा हुआ।
डी. ब्रैमांटे की इमारतों में, राफेल, एंटोनियो दा सांगलो पहुंचे
इसका चरमोत्कर्ष पूर्ण सामंजस्य, स्मारकीयता और स्पष्ट आनुपातिकता है;
मानवतावादी परिपूर्णता, कलात्मक कल्पना की साहसिक उड़ान,
वास्तविकता के कवरेज की चौड़ाई सबसे बड़े की रचनात्मकता की विशेषता है
इस युग की ललित कलाएँ - लियोनार्डो दा विंची,
राफेल, माइकल एंजेलो, जियोर्जियोन, टिटियन।
१६वीं शताब्दी की दूसरी तिमाही से, जब इटली ने राजनीतिक संकट के दौर में प्रवेश किया
और मानवतावाद के विचारों में निराशा, कई आचार्यों का काम
एक जटिल और नाटकीय चरित्र प्राप्त किया।
स्वर्गीय पुनर्जागरण की वास्तुकला में (माइकल एंजेलो, जी. दा विग्नोला,
Giulio Romano, V. Peruzzi) ने स्थानिक विकास में रुचि बढ़ाई
संरचना, एक व्यापक शहरी नियोजन अवधारणा के लिए भवन की अधीनता;
सार्वजनिक भवनों, मंदिरों के समृद्ध और जटिल विकास में,
प्रारंभिक पुनर्जागरण के विलेच, पलाज़ो स्पष्ट विवर्तनिकी बदल गए
विवर्तनिक बलों का तीव्र संघर्ष (जे। सैन्सोविनो द्वारा इमारतें,
जी। एलेसी, एम। सनमिचेली, ए। पल्लाडियो)।
देर से पुनर्जागरण चित्रकला और मूर्तिकला समृद्ध
दुनिया की विरोधाभासी प्रकृति की समझ, छवि में रुचि
नाटकीय जन क्रिया, स्थानिक गतिकी के लिए
(पाओलो वेरोनीज़, जे. टिंटोरेटो, जे. बेसानो);
अभूतपूर्व गहराई, जटिलता, आंतरिक त्रासदी पहुंची
बाद के कार्यों में छवियों की मनोवैज्ञानिक विशेषताएं
माइकल एंजेलो और टिटियन।

विनीशियन स्कूल

वेनिस स्कूल, इटली के मुख्य पेंटिंग स्कूलों में से एक
वेनिस शहर में केंद्रित (आंशिक रूप से टेराफार्म के छोटे शहरों में भी-
वेनिस से सटे मुख्य भूमि के क्षेत्र)।
विनीशियन स्कूल को सचित्र शुरुआत की प्रबलता की विशेषता है,
रंग की समस्याओं पर विशेष ध्यान, लागू करने की इच्छा
कामुक पूर्णता और होने की प्रतिभा।
विनीशियन स्कूल का सबसे बड़ा उत्कर्ष युग में पहुंचा
प्रारंभिक और उच्च पुनर्जागरण, एंटोनेलो दा मेसिना के कार्यों में,
जिन्होंने अपने समकालीनों के लिए तेल चित्रकला की अभिव्यंजक संभावनाओं को खोल दिया,
जियोवानी बेलिनी और जियोर्जियोन की आदर्श सामंजस्यपूर्ण छवियों के निर्माता,
महानतम रंगकर्मी टिटियन, जो अपने कैनवस में सन्निहित थे
विनीशियन पेंटिंग में निहित प्रफुल्लता और रंगीन बहुतायत।
16 वीं शताब्दी के दूसरे भाग के विनीशियन स्कूल के स्वामी के कार्यों में।
दुनिया के बहुरंगी रंग को संप्रेषित करने में सद्गुण, उत्सव के चश्मे के लिए प्यार
और एक बहुआयामी भीड़ स्पष्ट और छिपे हुए नाटक के साथ सह-अस्तित्व में है,
ब्रह्मांड की गतिशीलता और अनंतता की एक खतरनाक भावना
(पाओलो वेरोनीज़ और जे। टिंटोरेटो द्वारा पेंटिंग)।
17 में पारंपरिक विनीशियन स्कूल में रंग की समस्याओं में रुचि
डी। फेट्टी के कार्यों में, बी। स्ट्रोज़ी और अन्य बारोक पेंटिंग की तकनीकों के साथ सह-अस्तित्व में हैं,
साथ ही कारवागवाद की भावना में यथार्थवादी प्रवृत्तियाँ।
18 वीं शताब्दी की विनीशियन पेंटिंग के लिए। फल-फूल रहा
स्मारकीय और सजावटी पेंटिंग (जी.बी. टाईपोलो),
शैली शैली (जे.बी. पियाजेट्टा, पी. लोंगी),
प्रलेखित - सटीक वास्तुशिल्प परिदृश्य - सीसा
(जेए कैनालेटो, बी बेलोटो) और गीत,
रोजमर्रा की जिंदगी के काव्यात्मक माहौल को संक्षेप में व्यक्त करना
वेनिस सिटीस्केप (एफ. गार्डी)।

फ्लोरेंटाइन स्कूल

फ्लोरेंटाइन स्कूल, प्रमुख इतालवी कला स्कूलों में से एक
फ्लोरेंस शहर में केंद्र के साथ पुनर्जागरण।
फ्लोरेंटाइन स्कूल का गठन, जिसने अंततः १५वीं शताब्दी में आकार लिया,
मानवतावादी विचारों के उत्कर्ष में योगदान दिया
(एफ। पेट्रार्का, जी। बोकासियो, लिको डेला मिरांडोला, आदि),
पुरातनता की विरासत में बदल गया।
प्रोटो-पुनर्जागरण के युग में गियट्टो फ्लोरेंटाइन स्कूल के संस्थापक बने,
उनकी रचनाओं को प्लास्टिक की अनुनयशीलता और
महत्वपूर्ण निश्चितता।
15वीं सदी में। फ्लोरेंस में पुनर्जागरण कला के संस्थापक
वास्तुकार एफ. ब्रुनेलेस्ची, मूर्तिकार डोनाटेलो द्वारा निर्मित,
चित्रकार मासासिओ, उसके बाद वास्तुकार एल.बी. अल्बर्टी,
मूर्तिकार एल। घिबर्टी, लुका डेला रोबिया, डेसिडरियो दा सेटिग्नानो,
बेनेडेटो दा माइआनो, आदि।
15 वीं शताब्दी में फ्लोरेंटाइन स्कूल की वास्तुकला में। एक नया प्रकार बनाया गया था
पुनर्जागरण पलाज़ो, आदर्श प्रकार के मंदिर निर्माण की खोज शुरू हो गई है,
युग के मानवतावादी आदर्शों को पूरा करना।
15 वीं शताब्दी के फ्लोरेंटाइन स्कूल की ललित कलाओं के लिए। विशेषता हैं
परिप्रेक्ष्य समस्याओं के लिए जुनून, स्पष्ट रूप से स्पष्ट करने का प्रयास
एक मानव आकृति का निर्माण
(ए डेल वेरोकियो, पी। उकेलो, ए। डेल कास्टाग्नो, आदि द्वारा काम करता है),
और इसके कई गुरुओं के लिए - एक विशेष आध्यात्मिकता और अंतरंग गीतात्मक
चिंतन (बी। गोज़ोली, सैंड्रो बॉटलिकली द्वारा पेंटिंग,
फ्रा एंजेलिको, फिलिपो लिप्पी, पिएरो डि कोसिमो, आदि)।
15वीं सदी के उस्तादों की खोज। पुनर्जागरण के महान कलाकारों द्वारा पूरा किया गया
लियोनार्डो दा विंची और माइकल एंजेलो, जिन्होंने कलात्मक खोज को आगे बढ़ाया
फ्लोरेंटाइन स्कूल गुणवत्ता के एक नए स्तर पर। 1520 के दशक में।
स्कूल का क्रमिक पतन शुरू होता है, इस तथ्य के बावजूद कि
कि कई प्रमुख कलाकारों ने फ्लोरेंस में काम करना जारी रखा
(चित्रकार फ्रा बार्टोलोमेओ और एंड्रिया डेल सार्टो, मूर्तिकार ए। सैन्सोविनो);
1530 के दशक से। फ्लोरेंटाइन स्कूल मुख्य केंद्रों में से एक बन गया
व्यवहारवादी कला (वास्तुकार और चित्रकार जी। वसारी,
चित्रकार ए। ब्रोंज़िनो, जे। पोंटोर्मो)।
१७वीं शताब्दी में, फ्लोरेंटाइन स्कूल क्षय में गिर गया।

प्रारंभिक पुनर्जागरण

तथाकथित "प्रारंभिक पुनर्जागरण" की अवधि शामिल है
इटली में समय 1420 से 1500 तक है।
इन अस्सी वर्षों के दौरान, कला अभी भी पूरी तरह से नहीं छोड़ी गई है
हाल के दिनों की किंवदंतियों से, लेकिन उनके साथ तत्वों को मिलाने की कोशिश करता है,
शास्त्रीय पुरातनता से उधार लिया गया।
केवल बाद में, और केवल थोड़ा-थोड़ा करके, अधिक से अधिक के प्रभाव में
और अधिक दृढ़ता से जीवन और संस्कृति की बदलती परिस्थितियों,
कलाकार मध्ययुगीन नींव को पूरी तरह से त्याग देते हैं और साहसपूर्वक उपयोग करते हैं
उनके कार्यों की सामान्य अवधारणा के रूप में प्राचीन कला के उदाहरण,
और उनके विवरण में।

जबकि इटली में कला पहले से ही अनुकरण के मार्ग पर चल रही थी
शास्त्रीय पुरातनता, अन्य देशों में यह लंबे समय तक चली
गोथिक शैली की परंपराएं। आल्प्स के उत्तर में और स्पेन में भी,
पुनरुद्धार केवल १५वीं शताब्दी के अंत में आता है,
और इसका प्रारंभिक काल लगभग अगली शताब्दी के मध्य तक रहता है,
उत्पादन के बिना, हालांकि, विशेष रूप से उल्लेखनीय कुछ भी।

उच्च पुनर्जागरण

पुनर्जागरण की दूसरी अवधि - उनकी शैली के सबसे शानदार विकास का समय -
आमतौर पर "उच्च पुनर्जागरण" कहा जाता है
यह इटली में लगभग 1500 से 1580 तक फैला है।
इस समय, फ्लोरेंस से इतालवी कला के गुरुत्वाकर्षण का केंद्र
जूलियस II की पोपसी के परिग्रहण के लिए धन्यवाद, रोम चले गए,
एक महत्वाकांक्षी, साहसी और उद्यमी व्यक्ति,
अपने दरबार में इटली के सर्वश्रेष्ठ कलाकारों को आकर्षित किया,
उन्हें कई और महत्वपूर्ण कार्यों में व्यस्त रखा और दिया
दूसरों के लिए कला के लिए प्यार का एक उदाहरण। इस पोप और उनके निकटतम उत्तराधिकारियों के साथ,
रोम बन जाता है, जैसा कि पेरिकल्स के समय का नया एथेंस था:
इसमें कई स्मारकीय इमारतें बनी हैं,
शानदार मूर्तिकला कार्य किए जाते हैं,
भित्तिचित्रों और चित्रों को चित्रित किया जाता है, जिन्हें अभी भी चित्रकला का मोती माना जाता है;
जबकि कला की तीनों शाखाएं एक साथ चलती हैं,
एक दूसरे की मदद करना और परस्पर एक दूसरे पर कार्य करना।
पुरातनता का अब और अधिक गहन अध्ययन किया जाता है,
अधिक कठोरता और स्थिरता के साथ पुनरुत्पादित;
चंचल सुंदरता के बजाय शांति और गरिमा बसती है,
जो पूर्ववर्ती काल की आकांक्षा थी;
मध्ययुगीन की यादें पूरी तरह से गायब हो जाती हैं, और काफी क्लासिक
कला की सभी कृतियों पर छाप पड़ती है।
लेकिन पूर्वजों की नकल कलाकारों में उनकी स्वतंत्रता को नहीं डुबाती,
और वे, बड़ी कुशलता और कल्पना की जीवंतता के साथ,
स्वतंत्र रूप से प्रक्रिया करें और व्यवसाय पर लागू करें क्या
जो उनके लिए ग्रीको-रोमन कला से उधार लेना उचित समझा जाता है।

देर से पुनर्जागरण

पुनर्जागरण की तीसरी अवधि,
तथाकथित "देर से पुनर्जागरण" अवधि,
कलाकारों की कुछ भावुक, बेचैन इच्छा से प्रतिष्ठित है
काफी मनमाने ढंग से, एक उचित क्रम के बिना, विकसित करने के लिए
और प्राचीन रूपांकनों को मिलाएं, काल्पनिक सुरम्यता प्राप्त करें
रूपों की अतिशयोक्ति और दिखावा।
इस आकांक्षा के लक्षण, जिसने बारोक शैली को जन्म दिया,
और फिर, 18 वीं शताब्दी में, रोकोको शैली को वापस दिखाया गया था
पूर्ववर्ती अवधि बड़े पैमाने पर अनैच्छिक दोष के माध्यम से
महान माइकल एंजेलो, उनके सरल, लेकिन बहुत व्यक्तिपरक
एक बेहद स्वतंत्र रवैये की खतरनाक मिसाल देने वाले की रचनात्मकता
प्राचीन कला के सिद्धांतों और रूपों के लिए; लेकिन अब दिशा
इसे सार्वभौम बनाया गया है।

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एंजेलिको, फ्रा बीटो -
(Fra Giovanni da Fiesole) (Angelico, fra Beato; fra Giovanni da Fiesole)
(सी. १४००-१४५५), फ्लोरेंटाइन स्कूल के इतालवी चित्रकार।
उनके कार्यों में गहरी धार्मिक सामग्री और शैली के परिष्कार शामिल हैं;
गॉथिक पेंटिंग परंपरा और पुनर्जागरण की नई कला की विशेषताएं।
फ्रा एंजेलिको, जिन्हें दुनिया में गुइडो डी पिएरो नाम दिया गया था,
१४०० के आसपास टस्कनी के विचियो शहर में पैदा हुआ था। १४१७ के एक दस्तावेज में,
उनका पहले से ही एक कलाकार के रूप में उल्लेख किया गया है; यह भी जाना जाता है
कि 1423 से पहले फिसोल में उन्होंने डोमिनिकन आदेश में प्रवेश किया, फ्रा गियोवन्नी दा फिसोल का नाम प्राप्त किया,
और बाद में फ्लोरेंस में सैन मार्को के मठ के मठाधीश थे।
फ्रा एंजेलिको के काम की शुरुआती अवधि के लिए कई कार्यों को जिम्मेदार ठहराया गया है,
अब उनके छात्रों की रचनाएँ, उनकी रचनाओं के विषयों पर भिन्नताएँ मानी जाती हैं।
कलाकार की पहली प्रमुख कृतियों में से एक - मठ से लिनयुओली ट्रिप्टिच
फ्लोरेंस में सैन मार्को (1433-1435), जिसके मध्य भाग में वर्जिन और चाइल्ड का प्रतिनिधित्व किया जाता है
सिंहासन पर, और बगल के तख्तों पर दो संत हैं। भगवान की माँ की आकृति पारंपरिक रूप से दिखाई जाती है,
और खड़े संतों के चित्रण में, चेहरे के भारी और कठोर मॉडलिंग के साथ, मासासिओ की पेंटिंग का प्रभाव ध्यान देने योग्य है।
१४३०-१४४० के दशक में फ्रा एंजेलिको एक नए प्रकार की वेदी के टुकड़े का उपयोग करने वाले पहले लोगों में से एक थे,
जो पुनर्जागरण के दौरान बहुत लोकप्रिय हुआ - sacra conversazione (पवित्र साक्षात्कार)।
1438 से 1445 तक, कलाकार ने सैन मार्को के फ्लोरेंटाइन मठ को भित्तिचित्रों से चित्रित किया।
पोप यूजीन चतुर्थ द्वारा डोमिनिकन आदेश में स्थानांतरित इस मठ को एक वास्तुकार द्वारा पुनर्निर्मित किया गया था
माइकलोज़ो को ड्यूक कोसिमो मेडिसी द्वारा कमीशन किया गया। भित्ति चित्रों का विषय डोमिनिकन आदेश से जुड़ा है,
इसका इतिहास, चार्टर, विशेष रूप से श्रद्धेय संत।
एक उदाहरण है मठ के भित्ति चित्र (मृत मसीह; एक पथिक के रूप में मसीह,
जो दो डोमिनिकन भिक्षुओं द्वारा प्राप्त किया जाता है; सेंट पीटर शहीद (डोमिनिकन के मुख्य संत);
सेंट डोमिनिक क्रूस पर घुटना टेककर)।
चैप्टर हॉल में फ्रा एंजेलिको ने दो लुटेरों के साथ एक बड़ी रचना द क्रूसीफिक्सियन लिखी
मसीह के पक्ष में और ईसाई धर्म के सभी युगों के संतों की भीड़, क्रॉस के पैर पर इकट्ठी हुई।
उनके शोकाकुल मुख पृय्वी की ओर फिरे हैं, और कोई मसीह की ओर दृष्टि नहीं करता;
कलाकार ने क्रूस पर चढ़ाई को एक ऐतिहासिक घटना के रूप में नहीं, बल्कि एक रहस्यमय छवि के रूप में चित्रित किया,
मानव चेतना में रहते हैं।
सैन मार्को के मठ के भित्तिचित्र मसीह की नकल की भावना को भरते हैं - एक रहस्यमय धार्मिक ग्रंथ,
केम्पी के ऑगस्टिनियन कैनन थॉमस द्वारा लिखित।
प्रत्येक कक्ष को भित्तिचित्रों से भी सजाया गया था, जो भाइयों के संपादन के लिए अभिप्रेत थे,
उदाहरण के लिए, रचना मॉकरी ऑफ क्राइस्ट। इन भित्तिचित्रों का मिजाज सादगी से मेल खाता है और
पेंटिंग का शांत संयम।
फ्रा एंजेलिको ने अपने जीवन के अंतिम दस वर्ष रोम में बिताए, जहाँ उन्होंने चैपल को भित्तिचित्रों से सजाया।
पोप निकोलस वी (1445-1448)। संत के जीवन के अंश लॉरेंस और सेंट। स्टीफन।
डिजाइन के अनुसार, ये प्रार्थना छवियों की तुलना में अधिक कथात्मक दृश्य थे।
वे जटिल वास्तुशिल्प पृष्ठभूमि का उपयोग करते हैं, जिसके निर्माण में ज्ञान को महसूस किया जाता है
प्राचीन कला के उस्ताद, और सटीक रूप से अंशांकित परिप्रेक्ष्य निर्माणों में कोई भी के प्रभाव को देख सकता है
मासासिओ और ब्रुनेलेस्ची।

वर्जिन मैरी का राज्याभिषेक

सेंट की पीड़ा। ब्रह्मांड और डेमियन

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Giotto di Bondone - 1266 या 1267 . में पैदा हुआ
एक छोटे से जमींदार के परिवार में फ्लोरेंस के पास वेस्पिग्नानो गांव में।
संभवतः 10 साल की उम्र में, Giotto ने पेंटिंग का अध्ययन करना शुरू किया
Cimabue के स्टूडियो में, एक प्रसिद्ध फ्लोरेंटाइन चित्रकार।
गियोटो फ्लोरेंस का नागरिक था, हालाँकि उसने असीसी, रोम, पडुआ में भी काम किया था।
नेपल्स और मिलान। उनकी कलात्मक प्रतिभा और व्यावहारिक व्यावसायिक कौशल ने सुनिश्चित किया
वह ठोस अवस्था में है। हालांकि Giotto की कार्यशाला फली-फूली,
इतिहास ने उनके नाम से हस्ताक्षरित केवल कुछ कैनवस को संरक्षित किया है,
और यहां तक ​​​​कि, विशेषज्ञों के अनुसार, सबसे अधिक संभावना उनके सहायकों के ब्रश से है।
गियोटो का तेजतर्रार व्यक्तित्व प्रोटो-पुनर्जागरण के इतालवी आकाओं के बीच खड़ा है,
सबसे पहले, नया करने की प्रवृत्ति, एक नया कलात्मक तरीका बनाने के लिए,
आने वाले पुनर्जागरण की क्लासिक शैली को पूर्वनिर्धारित किया।
उनकी पेंटिंग मानवता के विचार का प्रतीक है और मानवतावाद की पहली शुरुआत करती है।
1290-99 में। Giotto ने असीसी में सैन फ्रांसेस्को के ऊपरी चर्च के भित्ति चित्र बनाए -
पुराने नियम के दृश्यों को दर्शाने वाले 25 भित्ति चित्र, साथ ही असीसी के फ्रांसिस के जीवन के एपिसोड
("स्रोत का चमत्कार")। भित्तिचित्रों को उनकी स्पष्टता, सरल आख्यान द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है,
रोजमर्रा के विवरणों की उपस्थिति जो चित्रित दृश्यों को जीवन शक्ति और स्वाभाविकता प्रदान करते हैं।
उस समय की कला पर हावी होने वाले कलीसियाई सिद्धांत को खारिज करते हुए,
Giotto अपने पात्रों को वास्तविक लोगों के समान चित्रित करता है:
आनुपातिक, स्क्वाट बॉडी, गोल (लम्बी नहीं) चेहरों के साथ,
आँखों का सही कट, आदि। उनके संत भूमि से ऊपर नहीं चढ़ते, बल्कि दोनों पैरों से उस पर मजबूती से खड़े होते हैं।
वे पूरी तरह से मानवीय भावनाओं और भावनाओं का अनुभव करते हुए, स्वर्गीय के बजाय सांसारिक के बारे में सोचते हैं।
इतालवी चित्रकला के इतिहास में पहली बार किसी चित्रकला के नायकों की मनःस्थिति
चेहरे के भाव, हावभाव, मुद्रा द्वारा प्रेषित।
पारंपरिक सुनहरी पृष्ठभूमि के बजाय, गियोटो के भित्ति चित्र एक परिदृश्य को दर्शाते हैं,
बेसिलिका के अग्रभाग पर आंतरिक या मूर्तिकला समूह।
प्रत्येक रचना में कलाकार क्रिया के केवल एक क्षण का चित्रण करता है,
और विभिन्न दृश्यों का क्रम नहीं, जैसा कि उनके कई समकालीनों ने किया था।
1300 के दशक की शुरुआत में। कलाकार ने रोम का दौरा किया।
देर से प्राचीन चित्रकला और पी। कैवेलिनी के कार्यों से परिचित हों
अपनी रचनात्मक पद्धति के निर्माण में योगदान दिया।
स्क्रोवेग्नी चैपल के चित्रों में गियट्टो की रचनात्मक उपलब्धियों को और विकसित किया गया था
(चैपल्स डेल एरिना) पडुआ में, उनके द्वारा 1304-06 में बनाया गया।
3 स्तरों में दीवारों पर स्थित चैपल,
भित्तिचित्र जोआचिम और अन्ना के जीवन के दृश्यों को दर्शाते हैं
("चरवाहों के बीच जोआचिम", "जोआचिम का बलिदान", "जोआचिम का सपना", "गोल्डन गेट पर बैठक"),
वर्जिन मैरी और क्राइस्ट ("क्रिसमस", "मैगी की आराधना", "मिस्र में उड़ान",
"शिशुओं का नरसंहार", "मसीह का बपतिस्मा", "लाजर का पुनरुत्थान",
"यहूदा विश्वासघात के लिए भुगतान प्राप्त करने", "यहूदा के किस"
"क्रॉस ले जाना", "सूली पर चढ़ना", "मसीह का विलाप", "पुनरुत्थान"),
साथ ही अंतिम निर्णय के दृश्य।
ये भित्ति चित्र कलाकार के काम का मुख्य काम और शिखर हैं।
1300-02 में। फ्लोरेंस के बडिया चर्च में गियट्टो ने भित्ति चित्र प्रस्तुत किया।
1310-20 तक। शोधकर्ताओं ने प्रसिद्ध वेदी के टुकड़े "मैडोना ओनिसांती" का श्रेय दिया है।
रचना पर हस्ताक्षर नहीं किए गए हैं, लेकिन शोधकर्ताओं ने सर्वसम्मति से इसका श्रेय Giotto को दिया है।
1320 के दशक में। Giotto पेरुज़ी और बर्दी चैपल के लिए भित्ति चित्र बनाता है
जॉन द बैपटिस्ट के जीवन के विषयों पर सांता क्रोस के फ्लोरेंटाइन चर्च में,
जॉन द इंजीलवादी और असीसी के फ्रांसिस
("सेंट फ्रांसिस का कलंक", "मृत्यु और सेंट फ्रांसिस का स्वर्गारोहण")।
1328-33 में। गियट्टो ने कई छात्रों की मदद से यहां पेंटिंग बनाईं
अंजु के राजा रॉबर्ट की नियति अदालत, जिसने कलाकार को "दरबारी" की उपाधि दी।
1334 से Giotto ने सांता मारिया डेल फिओरे के कैथेड्रल के निर्माण की देखरेख की
और फ्लोरेंस में शहर के किलेबंदी, जिसने व्यापक मान्यता प्राप्त की
समकालीन और फ्लोरेंस के नागरिक। गियोटो को कैम्पैनाइल परियोजना का श्रेय दिया जाता है
(घंटी टावर) फ्लोरेंटाइन कैथेड्रल के (1334 में शुरू हुआ, निर्माण जारी रहा
1337-43 . में एंड्रिया पिसानो, 1359 के आसपास एफ टैलेंटी द्वारा पूरा किया गया)।
Giotto की दो बार शादी हुई थी और उसके आठ बच्चे थे।
1337 में Giotto की मृत्यु हो गई।

1 जोआचिम रेगिस्तान में सेवानिवृत्त हो जाता है

2. मैडोना और बच्चा

३ दुःखी परी १

4.सेंट असीसी का क्लारा

5. सेंट का कलंक फ्रांसिस

6 सेंट स्टीफन

७ मसीह का जन्म

8 वर्जिन का जन्म

9 मरियम का मंदिर से परिचय

10. पिएटा, टुकड़ा

11 भगवान और बच्चे की माँ विराजमान

12 पतमोस पर इंजीलवादी जॉन

मंटेनिया एंड्रिया -
(मेंटेग्ना, एंड्रिया) (लगभग १४३१-१५०६),
उत्तरी इटली के महानतम पुनर्जागरण चित्रकारों में से एक।
मेंटेगना ने 15वीं शताब्दी के पुनर्जागरण के उस्तादों की मुख्य कलात्मक आकांक्षाओं को संयुक्त किया:
पुरातनता के लिए जुनून, सटीक और सूक्ष्म में रुचि, छोटी से छोटी जानकारी तक,
प्राकृतिक घटनाओं का संचरण और रैखिक परिप्रेक्ष्य में निस्वार्थ विश्वास
विमान पर अंतरिक्ष का भ्रम पैदा करने के साधन के रूप में।
उनका काम फ्लोरेंस में प्रारंभिक पुनर्जागरण के बीच मुख्य कड़ी बन गया
और बाद में उत्तरी इटली में कला का विकास हुआ।
मेंटेग्ना का जन्म सीए. १४३१; १४४१ और १४४५ के बीच उन्हें पडुआ में चित्रकारों की कार्यशाला में नामांकित किया गया था
फ्रांसेस्को स्क्वार्कोन के दत्तक पुत्र के रूप में, एक स्थानीय कलाकार और पुरातात्त्विक,
जिसकी कार्यशाला में उन्होंने 1448 तक काम किया।
1449 में मेंटेगना ने पडुआ में एरेमिटानी चर्च की फ्रेस्को सजावट बनाना शुरू किया।
1454 में मेंटेग्ना ने वेनिस के चित्रकार जैकोपो बेलिनी की बेटी निकोलोसा से शादी की,
१५वीं शताब्दी के दो उत्कृष्ट आचार्यों की बहन। - अन्यजातियों और जियोवानी बेलिनी।
1456 और 1459 के बीच उन्होंने वेरोना में सैन ज़ेनो के चर्च के लिए एक वेदी के टुकड़े को चित्रित किया। १४६० में,
मंटुआ लोदोविको गोंजागा के मार्क्विस के निमंत्रण को स्वीकार करते हुए, मेंटेगना उनके दरबार में बस गए।
1466-1467 में उन्होंने टस्कनी का दौरा किया, और 1488-1490 में रोम,
जहां, पोप इनोसेंट VIII के अनुरोध पर, उन्होंने अपने चैपल को भित्तिचित्रों से सजाया।
अदालत में एक उच्च पद पर कब्जा करते हुए, नाइटहुड की गरिमा के लिए उठाया गया,
मेंटेगना ने अपने जीवन के अंत तक गोंजागा परिवार की सेवा की। 13 सितंबर 1506 को मेंटेग्ना की मृत्यु हो गई।
16 मई, 1446 मेंटेगना और तीन अन्य कलाकारों को ओवेटरी चैपल को चित्रित करने के लिए नियुक्त किया गया था
एरेमिटानी के पडुआ चर्च में (द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान नष्ट)।
Mantegna भित्तिचित्रों के निर्माण पर अधिकांश कार्यों से संबंधित है (१४४९-१४५५),
और यह उनकी कलात्मक शैली है जो कलाकारों की टुकड़ी पर हावी है।
ओवेटरी चैपल में हेरोदेस अग्रिप्पा के सामने सेंट जेम्स का दृश्य शैली का एक उदाहरण है
रचनात्मकता की प्रारंभिक अवधि Mantegna।
इस समय के मंतेग्ना द्वारा अन्य चित्रों में, जैसे पेंटिंग प्रार्थना के लिए कप
(लंदन, नेशनल गैलरी), न केवल मानव आकृतियों को कठोर रेखीय तरीके से निष्पादित किया जाता है,
लेकिन यह भी एक परिदृश्य है, जहां कलाकार द्वारा घास के हर पत्थर और ब्लेड की सावधानीपूर्वक शोध और पेंटिंग की जाती है,
और चट्टानें किंक और दरारों से युक्त हैं।
वेरोना में चर्च ऑफ सैन ज़ेनो (1457-1459) की वेदी एक सचित्र व्याख्या है
सेंट की प्रसिद्ध मूर्तिकला वेदी। एंथोनी, डोनाटेलो द्वारा बनाया गया
पडुआ में संत एंटोनी (सैंटो) के बेसिलिका के लिए। मेंटेगना का त्रिपिटक फंसाया गया है,
उच्च राहत और शास्त्रीय वास्तुकला के अनुकरणीय तत्वों में निष्पादित।
स्थानिक भ्रमवादी पेंटिंग के सबसे उल्लेखनीय उदाहरणों में से एक
मेंटेगना मंटुआ में पलाज्जो डुकाले में चंबा डिगली स्पोसी का एक भित्ति चित्र है, जिसे 1474 में पूरा किया गया था।
चौकोर कमरे को भित्तिचित्रों द्वारा एक हल्के, हवादार मंडप में दृष्टिगत रूप से बदल दिया गया है,
मानो दीवारों पर लिखे पर्दों से दो तरफ से बंद हो, और दूसरी तरफ खुलने वाले
गोंजागा आंगन की छवि और पृष्ठभूमि में परिदृश्य पैनोरमा।
मंटेग्ना तिजोरी को डिब्बों में विभाजित किया गया था और उनमें रखा गया था, जिसे एक समृद्ध प्राचीन वस्तु द्वारा तैयार किया गया था
रोमन सम्राटों की प्रतिमाओं की सजावटी छवियां और शास्त्रीय पौराणिक कथाओं के दृश्य।
तिजोरी के ऊपरी भाग में एक गोल खिड़की लिखी होती है जिससे होकर आकाश दिखाई देता है;
बड़े पैमाने पर कपड़े पहने पात्र एक मजबूत परिप्रेक्ष्य में दिए गए कटघरे से नीचे की ओर देखते हैं।
यह फ्रेस्को पहनावा न केवल नई यूरोपीय कला में सबसे पहले में से एक के रूप में उल्लेखनीय है
विमान पर एक भ्रमपूर्ण स्थान बनाने के उदाहरण, लेकिन संग्रह के रूप में भी बहुत तेज और सटीक
व्याख्या किए गए चित्र (गोंजागा परिवार के सदस्य)।
मोनोक्रोम चित्रों की श्रृंखला ट्रायम्फ ऑफ सीजर (1482-1492) फ्रांसेस्को गोंजागा द्वारा कमीशन की गई थी
और मंटुआ में महल थिएटर को सजाने का इरादा था; ये पेंटिंग खराब संरक्षित हैं
और वर्तमान में लंदन के हैम्पटन कोर्ट पैलेस में हैं।
नौ बड़े कैनवस बड़ी संख्या में प्राचीन मूर्तियों के साथ एक लंबे जुलूस को दर्शाते हैं,
कवच, ट्राफियां। उसका आंदोलन विजयी सीज़र के सामने एक गंभीर मार्ग में समाप्त होता है। पेंटिंग मंतेग्ना के प्राचीन कला और शास्त्रीय साहित्य के व्यापक ज्ञान को दर्शाती हैं।
इस चक्र में और मैडोना डेला विटोरिया (1496, पेरिस, लौवर) में, गोंजागा की सैन्य जीत की याद में लिखा गया,
Mantegna की कला सबसे बड़ी स्मारकीयता तक पहुँच गई है। उनमें रूप विशाल हैं, हावभाव आश्वस्त और स्पष्ट हैं,
अंतरिक्ष की व्यापक और स्वतंत्र रूप से व्याख्या की जाती है।
इसाबेला डी "एस्टे के स्टूडियो (कैबिनेट) के लिए, फ्रांसेस्को गोंजागा की पत्नी, मेंटेगना ने दो रचनाएँ लिखीं
पौराणिक विषयों पर (तीसरा अधूरा रह गया): पारनासस (1497) और मिनर्वा,
दुष्टों को भगाना (१५०२, दोनों लौवर में)। मेंटेगना की शैली की कुछ नरमी उनमें ध्यान देने योग्य है,
परिदृश्य की एक नई समझ के साथ जुड़ा हुआ है। बेल्वेडियर चैपल की फ्रेस्को सजावट,
1488 में पोप इनोसेंट VIII के लिए मेंटेग्ना द्वारा निष्पादित, दुर्भाग्य से इस दौरान खो गया था
पायस VI के परमधर्मपीठ के दौरान वेटिकन पैलेस का विस्तार।
इस तथ्य के बावजूद कि केवल सात प्रिंटों को निस्संदेह मंतेग्ना के हाथ से संबंधित माना जा सकता है,
इस कला के विकास पर गुरु का प्रभाव बहुत अधिक है। उनकी उत्कीर्णन मैडोना और चाइल्ड शो
ग्राफिक तकनीक में कलाकार की शैली कितनी व्यवस्थित रूप से मौजूद हो सकती है,
अपनी अंतर्निहित लोच और रेखा की तीक्ष्णता के साथ जो उत्कीर्णक के कटर की गति को ठीक करता है।
अन्य उत्कीर्णन के लिए जिम्मेदार मानेटेग्ने - बैटल ऑफ़ द सी गॉड्स (लंदन, ब्रिटिश संग्रहालय)
और जूडिथ (फ्लोरेंस, उफीजी गैलरी)।

1. क्रूसीफिकेशन, 1457-1460।

2. मैडोना एंड चाइल्ड।
1457-59. टुकड़ा

3. कप के लिए प्रार्थना करें।
सी 1460

4. कार्डिनल कार्लो मेडिसी का पोर्ट्रेट।
१४५० और १४६६ के बीच

5.Camera degli Spozi
ओकुलस। १४७१-७४

6.Camera degli Spozi उत्तरी दीवार का टुकड़ा।

7.Camera degli Spozi पूर्वी दीवार का टुकड़ा।

8. समुद्री देवताओं की लड़ाई।
1470s

9 सेंट सेबस्टियन।
सी 1480

10 मैडोना ऑफ द रॉक्स
1489-90

12 मैडोना डेला विटोरिया
1496

१३ परनासस
१४९७, लौवर, पेरिस

14. शिमशोन और दलीला लगभग 1500
नेशनल गैलरी, लंदन

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बेलिनी जियोवानी -
बेलिनी, इतालवी चित्रकारों का परिवार,
वेनिस में पुनर्जागरण कला के संस्थापक।
परिवार का मुखिया - जैकोपो बेलिनी (लगभग 1400-1470/71)
छवियों के एक नरम गीतवाद के साथ, उन्होंने गोथिक की परंपराओं के साथ संबंध बनाए रखा
("मैडोना एंड चाइल्ड", 1448, ब्रेरा गैलरी, मिलान)।
सजीव टिप्पणियों से भरे उनके चित्र में
(प्राचीन स्मारकों के रेखाचित्र, स्थापत्य कल्पनाएँ),
परिप्रेक्ष्य की समस्याओं में रुचि परिलक्षित होती है, ए। मेंटेग्ना और पी। उकेलो का प्रभाव।
जैकोपो बेलिनी के बेटे, जेंटाइल बेलिनी (लगभग 1429-1507) नाम के साथ,
विनीशियन शैली-ऐतिहासिक चित्रकला का जन्म जुड़ा हुआ है,
("पियाज़ा सैन मार्को में जुलूस", 1496, "मिरेकल ऑफ़ द होली क्रॉस", 1500, -
दोनों एकेडेमिया गैलरी, वेनिस में)। जियोवानी बेलिनी (लगभग 1430-1516),
जैकोपो बेलिनी का दूसरा बेटा, वेनिस स्कूल का सबसे बड़ा गुरु, जिसने रखा था
वेनिस में उच्च पुनर्जागरण की कला की नींव।
नाटकीय रूप से तेज, रंग में ठंडा जियोवानी बेलिनी द्वारा शुरुआती काम करता है
(क्राइस्ट के लिए विलाप, लगभग १४७०, ब्रेरा गैलरी, मिलान) १४७० के दशक के अंत तक
सामंजस्यपूर्ण रूप से स्पष्ट चित्रों द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है जिसमें आलीशान मानव चित्र
आध्यात्मिक परिदृश्य व्यंजन है (तथाकथित "मैडोना झील", 1490 के दशक, उफीजी;
"देवताओं का पर्व", नेशनल गैलरी ऑफ आर्ट, वाशिंगटन)।
उनके कई मैडोनासो सहित जियोवानी बेलिनी द्वारा काम करता है
("पेड़ों के साथ मैडोना", 1487, एकेडेमिया गैलरी, वेनिस; "मैडोना", 1488,
एकेडेमिया कैरारा, बर्गमो), सोनोरस के नरम सामंजस्य से प्रतिष्ठित हैं,
जैसे संतृप्त रंग सूर्य के साथ व्याप्त हैं और प्रकाश और छाया उन्नयन की सूक्ष्मता,
शांत गंभीरता, गेय चिंतन और छवियों की स्पष्ट कविता।
जियोवानी बेलिनी के काम में, शास्त्रीय रूप से आदेशित रचना के साथ
पुनर्जागरण वेदी का टुकड़ा (मैडोना संतों से घिरा हुआ, १५०५,
चर्च ऑफ़ सैन ज़कारिया, वेनिस) ने मनुष्य में पूर्ण रुचि बनाई
(डोगे एल। लोरेडन का चित्र, १५०२, नेशनल गैलरी, लंदन;
कोंडोटियरे का चित्र, 1480, नेशनल गैलरी, वाशिंगटन)।

1. "सेंट जॉर्ज एंड द ड्रैगन" वेदी का विवरण, 1470

2. "यूनानी मैडोना"
1460

3. "एक कोंडोटियर का पोर्ट्रेट"
1480

4. "देवताओं का पर्व"
1514

5. "सूली पर चढ़ाया जाना"
1501-1503

6. "मैडोना एंड चाइल्ड"
1480

7. "पुण्य"
1500

8. "सेंट जेरोम रीडिंग इन नेचर"
1460

9. "रूपांतरण"
1485

10. "कप के लिए प्रार्थना"
(बगीचे में पीड़ा) लगभग १४७०

11. "मैडोना एंड चाइल्ड विद ब्लेसिंग"
१५१०, ब्रेरा संग्रह, मिलान

12. "उपचार का रूपक" (बाएं। एफआर।)
1490-1500, उफीजी गैलरी

13. "चार रूपक
तप और नियति ", 1490

14. "पुर्गेटरी का रूपक" (r.fr।)
1490-1500, उफीजी गैलरी

15. "चार रूपक
विवेक और धोखा ", 1490

16. "नग्न युवती एक आईने के साथ"
१५०५-१५१०, कुन्थिस्टोरिसचेस संग्रहालय, विएना

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बॉटलिकली सैंड्रो -
[एलेसेंड्रो डि मारियानो फ़िलिपेपी उचित, एलेसेंड्रो डि मारियानो फ़िलिपेपी]
(१४४५-१५१०), प्रारंभिक पुनर्जागरण के इतालवी चित्रकार।
फ्लोरेंटाइन स्कूल से संबंधित, लगभग 1465-1466 ने फिलिपो लिप्पी के साथ अध्ययन किया;
1481-1482 में उन्होंने रोम में काम किया। बॉटलिकली के शुरुआती कार्यों की विशेषता है
अंतरिक्ष का स्पष्ट निर्माण, स्पष्ट कट-ऑफ मोल्डिंग, घरेलू विवरण में रुचि
("मैगी की आराधना," लगभग १४७६-१४७१)। 1470 के दशक के अंत से, बॉटलिकेली के संबंध के बाद
फ्लोरेंस मेडिसी के शासकों के दरबार और फ्लोरेंटाइन मानवतावादियों के मंडल के साथ,
उनके काम में, अभिजात वर्ग और परिष्कार की विशेषताओं को बढ़ाया जाता है, पेंटिंग दिखाई देती हैं
प्राचीन और अलंकारिक विषयों पर, जिसमें कामुक मूर्तिपूजक चित्र शामिल हैं
उदात्त और एक ही समय में काव्यात्मक, गीतात्मक आध्यात्मिकता
("वसंत", लगभग 1477-1478, "द बर्थ ऑफ़ वीनस", लगभग 1483-1485, दोनों उफ़ीज़ी में)।
परिदृश्य की पशुता, आकृतियों की नाजुक सुंदरता, प्रकाश की संगीतमयता, कांपती रेखाएं,
परिष्कृत रंगों की पारदर्शिता, मानो रिफ्लेक्सिस से बुनी गई हो, उनमें एक माहौल बनाएं
स्वप्नदोष और हल्की उदासी।
1481-1482 में वेटिकन में सिस्टिन चैपल में बॉटलिकली द्वारा बनाए गए भित्तिचित्रों में
("मूसा के जीवन से दृश्य", "कोरिया, दातान और अबिरोन की सजा", आदि)
परिदृश्य और प्राचीन वास्तुकला के राजसी सामंजस्य के साथ संयुक्त है
आंतरिक साजिश तनाव, चित्र विशेषताओं की तीक्ष्णता निहित है
मानव आत्मा की आंतरिक अवस्था की सूक्ष्म बारीकियों की खोज के साथ-साथ,
और मास्टर के चित्रफलक चित्र (गिउलिआनो मेडिसी का चित्र, १४७०, बर्गामो;
एक पदक के साथ एक युवक का चित्र, 1474, उफीजी गैलरी, फ्लोरेंस)।
1490 के दशक में सामाजिक अशांति और रहस्यवादी-तपस्वी के युग में
भिक्षु सवोनारोला के उपदेश, नाटक के नोट्स बॉटलिकली की कला में दिखाई देते हैं
और धार्मिक अतिशयोक्ति ("बदनामी", 1495 के बाद, उफीज़ी), लेकिन उनके चित्र
दांते की डिवाइन कॉमेडी (1492-1497, एनग्रेविंग ऑफिस, बर्लिन और वेटिकन लाइब्रेरी) के लिए
भावनात्मक अभिव्यक्ति की तीक्ष्णता के साथ, वे रेखा की लपट और छवियों की पुनर्जागरण स्पष्टता को बनाए रखते हैं।

1. "सिमेटा वेस्पुची का पोर्ट्रेट" लगभग 1480

2. "पुण्य का रूपक"
1495

3. "लुक्रेटिया का इतिहास"
लगभग 1500

4. "एक पदक के साथ एक युवक का चित्र"

5. "रहस्यमय क्रिसमस"
लगभग 1500

6. "कोरिया, दातान और अबिरोन की सजा"

7. "सेंट ऑगस्टीन द धन्य"
सी 1480

8. "घोषणा"
सी. 1490

9. "मैडोना मैग्निफिकैट"
1486

10. "अनार की मैडोना"
1487

11. "मैगी की आराधना"
ज़ानोबी की वेदी 1475

12. "बदनाम"
1495

13. "शुक्र और मंगल"
1482-1483

14. "वसंत" 1477-1478
उफीजी गैलरी, फ्लोरेंस

15. "मैडोना ऑफ़ द बुक" 1485
पोल्डी पेज़ोली संग्रहालय, मिलानो

16. "पलास एथेना और सेंटूर" 1482
उफीजी गैलरी, फ्लोरेंस

17. "द बर्थ ऑफ वीनस" सी. 1482
उफीजी गैलरी, फ्लोरेंस

18. सिस्टिन चैपल का फ्रेस्को
(विस्तार) १४८२ रोम, वेटिकन

19. "नास्तागियो डिगली ओनेस्टी की कहानी"
सी. 1485 प्राडो, मैड्रिड

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वेरोनेज़ पाओलो - (वेरोनीज़; उचित कालियरी, कैलीरी) पाओलो (1528-1588),
देर से पुनर्जागरण के इतालवी चित्रकार।
वेरोना चित्रकार ए. बडिले के साथ अध्ययन किया; मुख्य रूप से वेनिस में काम किया, साथ ही वेरोना, मंटुआ, विसेंज़ा, पडुआ में, १५६० में, संभवतः रोम का दौरा किया। वेरोनीज़ की कलात्मक शैली, जो १५५० के दशक के मध्य तक विकसित हुई, ने वेनिस के चित्रकला स्कूल की सर्वोत्तम विशेषताओं को मूर्त रूप दिया: प्रकाश, कलात्मक रूप से परिष्कृत ड्राइंग और रूप की प्लास्टिसिटी को शुद्ध रंगों के जटिल संयोजनों के आधार पर एक उत्कृष्ट रंग योजना के साथ जोड़ा जाता है। एक चमकदार चांदी का स्वर।

1. "मूसा ढूँढना"
1580

2. "सेंट एंथोनी का प्रलोभन"
1567

3. "सेंट जस्टिन की हत्या"
1573

4. "डेनियल बारबारो का पोर्ट्रेट"
1569

5. "मसीह और सामरी महिला" (विस्तार से)
1582

6. "कलवारी"
१५७०वें

7. "मंगल और शुक्र"
१५७०वें

8. "प्यार का रूपक। राजद्रोह"
1570

9. "सेंट लूसिया"
1580

10. "मसीह इन एम्मॉस"
१५७०वें

11. "संत मार्क और मार्सिलियन का निष्पादन"
1578

12. "साइमन के घर में दावत"
सी. 1581

13. "एन्जिल्स"
(टुकड़ा "द वूमन ऑफ ज़ेबेडिया एंड क्राइस्ट")

14. "स्नान सुज़ाना"
१५७०, लौवर, पेरिस

15. "मुझे मत छुओ!" १५७०वें
कला संग्रहालय, ग्रेनोब्ल

16. "बाथिंग बतशेबा" 1570s
ललित कला संग्रहालय, लियोन

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लियोनार्डो दा विंसी -
(लियोनार्डो दा विंची) (1452-1519),
इतालवी चित्रकार, मूर्तिकार, वास्तुकार, वैज्ञानिक और इंजीनियर।
उच्च पुनर्जागरण की कलात्मक संस्कृति के संस्थापक,
लियोनार्डो दा विंची एक गुरु के रूप में विकसित हुए,
ए डेल वेरोक्चिओ के साथ फ्लोरेंस में पढ़ रहे हैं।
Verrocchio की कार्यशाला में काम करने के तरीके, जहाँ कलात्मक अभ्यास
तकनीकी प्रयोगों के साथ,
साथ ही खगोलशास्त्री पी. टोस्कानेली के साथ मित्रता ने योगदान दिया
युवा दा विंची के वैज्ञानिक हितों का जन्म।

1. "मैडोना ऑफ द स्पिनिंग व्हील" 1501

2. "वर्जिन एंड चाइल्ड विद सेंट ऐनी"
लगभग १५०७

3. "बाकस"
1510-1513

4. "जॉन द बैपटिस्ट"
1513-1517

5. "लेडा और हंस"
१४९०-१५००वें

6. "मैडोना ऑफ द कार्नेशन" 1473

7. "बीट्राइस डी" एस्टे का पोर्ट्रेट "
१४९०वें

8. "जिनवरा बेंची का पोर्ट्रेट"
1476

9. "घोषणा"
1472-1475

10. "द लास्ट सपर"
(केंद्रीय टुकड़ा) 1495-1497, मिलान

11. लास्ट सपर फ्रेस्को का पुनर्स्थापना संस्करण
(केंद्रीय टुकड़ा)

12. "मैडोना लिट्टा"
लगभग 1491, हर्मिटेज, सेंट पीटर्सबर्ग

13. "लेडी विद ए एर्मिन" 1485-1490
राष्ट्रीय संग्रहालय, क्राकोवे

14. "एक संगीतकार का पोर्ट्रेट" 1490
पिनाकोटेका एम्ब्रोसियाना, मिलानो

15. "मोना लिसा" (ला जियोकोंडा)
1503-1506, लौवर, पेरिस

16. "मैडोना बेनोइट" 1478
हर्मिटेज, सेंट पीटर्सबर्ग

17. "एक अज्ञात का चित्र"
लगभग १४९०, लौवर, पेरिस

18. "मैडोना ऑफ़ द रॉक्स" लगभग। १५११
नेशनल गैलरी, लंदन

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जॉर्जोन -
(जियोर्जियोन; वास्तव में जियोर्जियो बारबरेली दा कास्टेलफ्रेंको,
बारबरेली दा कास्टेलफ्रेंको) (1476 या 1477-1510),
इतालवी चित्रकार, संस्थापकों में से एक
उच्च पुनर्जागरण की कला।
शायद जियोवानी बेलिनी के साथ अध्ययन किया,
विनीशियन मानवतावादियों के घेरे के करीब था,
एक गायक और संगीतकार के रूप में भी प्रसिद्ध हैं।
धार्मिक विषयों पर रचनाओं के साथ
("शेफर्ड्स की आराधना," नेशनल गैलरी ऑफ़ आर्ट, वाशिंगटन)।
जियोर्जियोन ने धर्मनिरपेक्ष, पौराणिक विषयों पर पेंटिंग बनाई,
यह उनके काम में था कि उन्हें प्रमुख महत्व मिला।

1. "तूफान"
1505

2. "एक योद्धा अपने वर्ग के साथ"
1509

3. "मैडोना सिंहासनारूढ़"
और संत "1505"

4. "मैडोना इन ए लैंडस्केप"
1503

5. "जीवन के तीन युग"
1510

6. "मैडोना ऑफ द बुक"
1509-1510

7. "मूसा ढूँढना"
1505

8. "चरवाहों की आराधना"
लगभग १५०५

9. "एंटोनियो ब्रोकार्डो का पोर्ट्रेट"

10. "ग्रामीण संगीत कार्यक्रम"
1510

11. "एक बूढ़ी औरत का पोर्ट्रेट"
सी. 1510

12. "सेरेस"
लगभग १५०८

13. "एक युवा व्यक्ति का चित्र"
सी. १५०६

14. "सूर्यास्त के समय"
1506

15. "मैडोना एंड चाइल्ड विद सेंट्स"
1510

16. "जूडिथ" सी. 1504
हर्मिटेज, सेंट पीटर्सबर्ग

17. "लौरा" 1506
Kunsthistorisches संग्रहालय, वियना

18. "स्लीपिंग वीनस"
लगभग १५१०, ड्रेसडेन गैलरी

19. "तीन दार्शनिक" 1508
Kunsthistorisches संग्रहालय, वियना

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कार्पैसिओ विटोर -
(कार्पेस्को) विटोर
(लगभग १४५५ या १४५६ - लगभग १५२६),
प्रारंभिक पुनर्जागरण के इतालवी चित्रकार।
अन्यजातियों बेलिनी के साथ अध्ययन किया; वेनिस में काम किया।
Carpaccio ने पौराणिक पवित्र घटनाओं को वास्तविक दृश्यों के रूप में व्याख्यायित किया,
अपने समकालीन वेनिस के अंतरिक्ष में तैनात,
शहरी परिदृश्य और अंदरूनी शामिल हैं, कई शैली विवरण,
शहरवासियों के जीवन को जीवंत रूप से पुनर्जीवित करना (सेंट उर्सुला के जीवन से चित्रों का चक्र, १४९०-१४९५,
एकेडेमिया गैलरी, वेनिस, और सेंट जॉर्ज और सेंट जेरोम, १५०२-१५०७,
स्कोला डि सैन जियोर्जियो डिगली शियावोनी, वेनिस)।
ब्रह्मांड की समग्र तस्वीर बनाने की इच्छा कार्यों में सह-अस्तित्व में है
एक मनोरम कथा के साथ Carpaccio,
विवरण की काव्यात्मक और कुछ हद तक भोली ताजगी।
हल्के-फुल्के वातावरण द्वारा नरमी के प्रभाव को सूक्ष्मता से व्यक्त करना
स्थानीय रंग के धब्बे लग रहे हैं,
Carpaccio ने 16वीं सदी के विनीशियन स्कूल ऑफ़ पेंटिंग की रंगीन खोजों को तैयार किया।

1. "तीर्थयात्रियों का आगमन"
कोलोन के लिए "
1490

2. "मैडोना, जॉन द बैपटिस्ट एंड द सेंट्स"
1498

3. "सेंट मार्क का शेर"
(टुकड़ा)
1516

4. "सेंट स्टीफन का विवाद"
सेंट स्टीफन का जीवन
1514

5. "उद्धारकर्ता और चार प्रेरित"
1480

6. "सेंट जॉर्ज स्लेइंग द ड्रैगन"
1502-1508

7. "सेंट उर्सुला का एपोथोसिस"
1491

8. "दस हजार की हत्या"
1515

9. "सेंट जॉर्ज द्वारा सेलेनाइट्स का बपतिस्मा"
1507

10. "यंग नाइट" 1510,
थिसेन-बोर्नमिसज़ा संग्रह, मैड्रिड

11. "रूपक। मसीह का जुनून"
१५०६, मेट्रोपॉलिटन, न्यूयॉर्क

12. "पोप के साथ तीर्थयात्रियों की बैठक"
१४९३, एकेडेमिया गैलरी, वेनिस

13. "चमत्कार ऑफ द होली क्रॉस"
१४९४, एकेडेमिया गैलरी, वेनिस

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माइकल एंजेलो बुओनारोटी -
(माइकल एंजेलो बुओनारोती; उर्फ ​​माइकलग्नोलो डी लोदोविको डी लियोनार्डो डी बुओनारोटो सिमोनी)
(१४७५-१५६४), इतालवी मूर्तिकार, चित्रकार, वास्तुकार और कवि
माइकल एंजेलो की कला में, महान अभिव्यंजक शक्ति के साथ, उन्होंने गहरे मानव के रूप में अवतार लिया,
वीर पथों से भरे उच्च पुनर्जागरण के आदर्श, साथ ही संकट की दुखद भावना
मानवतावादी दृष्टिकोण, देर से पुनर्जागरण युग की विशेषता।
माइकल एंजेलो ने फ्लोरेंस में डी. घिरलैंडियो (1488-1489) और . की कार्यशाला में अध्ययन किया
मूर्तिकार बर्टोल्डो डि जियोवानी (1489-1490) द्वारा,
हालाँकि, माइकल एंजेलो के रचनात्मक विकास के लिए निर्णायक महत्व उनके परिचित थे
Giotto, Donatello, Masaccio, Jacopo della Quercia के कार्यों के साथ,
प्राचीन प्लास्टिक के स्मारकों का अध्ययन।
माइकल एंजेलो की रचनात्मकता,
जो इतालवी पुनर्जागरण का शानदार अंतिम चरण बन गया,
यूरोपीय कला के विकास में एक बड़ी भूमिका निभाई,
कई तरह से तौर-तरीकों के गठन को तैयार किया,
बैरोक के सिद्धांतों के गठन पर बहुत प्रभाव पड़ा।

1. सिस्टिन चैपल की तिजोरी पर पेंटिंग

2. लुनेट्स (भविष्यद्वक्ताओं और पोप)

3. पेंटिंग का विवरण "एडम का निर्माण"

4. विस्तार "भविष्यद्वक्ताओं यिर्मयाह और यशायाह"

5. पेंटिंग का विवरण "द क्रिएशन ऑफ ईव"

6. "पवित्र परिवार" 1506

7 सिस्टिन चैपल
"बाढ़"

8 सिस्टिन चैपल
"लीबिया सिबिल"

9 सिस्टिन चैपल
"प्रकाश को अंधेरे से अलग करना"

10 सिस्टिन चैपल
"गिरावट"

11 सिस्टिन चैपल
"इरिट्रिया सिबिल"

12 सिस्टिन चैपल
"पैगंबर जकर्याह"

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राफेल सैंटी -
(वास्तव में रैफेलो सैंटी या सैन्ज़ियो, रैफ़ेलो सैंटी, सैन्ज़ियो)
(१४८३-१५२०), इतालवी चित्रकार और वास्तुकार।
अपने काम में, सबसे बड़ी स्पष्टता के साथ सन्निहित है
उच्च पुनर्जागरण का मानवतावादी प्रतिनिधित्व
एक सुंदर और परिपूर्ण व्यक्ति के बारे में जो दुनिया के साथ सद्भाव में रहता है,
युग की जीवन-पुष्टि सौंदर्य विशेषता के आदर्श।
चित्रकार जियोवानी सैंटी के बेटे राफेल ने अपने शुरुआती साल उरबिनो में बिताए,
1500-1504 में उन्होंने पेरुगिनो के साथ पेरुगिया में अध्ययन किया।
इस काल की रचनाओं में सूक्ष्म काव्य की छाप है
और परिदृश्य पृष्ठभूमि के नरम गीतकार।
राफेल की कला, जिसका यूरोपीय पेंटिंग XVI-XIX . पर बहुत प्रभाव पड़ा
और, भाग में, २०वीं सदी के, सदियों से कलाकारों और दर्शकों के लिए रखा गया
निर्विवाद कलात्मक अधिकार और मॉडल का मूल्य।

1. "मैडोना ग्रैंडुका"
1504

2. "मैडोना डेल इंपन्नाटा"
1504

3. "मैडोना इन द ग्रीन"
लगभग १५०८

4. "ओक के नीचे पवित्र परिवार"
1518

5. "सेंट निकोलस की वेदी"
(टुकड़ा) १५०१

6. "ड्रैगन के साथ सेंट जॉर्ज की लड़ाई"
1502

7. "तीन अनुग्रह"
1502

8. "द नाइट्स ड्रीम"
1502

9. "गैलेटिया की विजय"
1514

10. "मैडोना ऑफ अनसाइड"
लगभग 1504

11. "क्रॉस ले जाना"
1516

12. "सेंट माइकल एंड द ड्रैगन"
1514

13. "आदम और हव्वा"
1509-1511

14. "जॉन ऑफ आरागॉन"
1518

15. "गेंडा के साथ महिला"
लगभग 1502

16. "मार्गरीटा लुटी का पोर्ट्रेट"
1519

17. "बल्थासर कास्टिग्लिओन का पोर्ट्रेट" 1515

18. "मैडोना कनिदज़ानी" 1508
ओल्ड पिनाकोथेक, म्यूनिख

19. "मैडोना कॉन्स्टेबल" 1502-1504
हर्मिटेज, सेंट पीटर्सबर्ग

20. "यहेजकेल की दृष्टि" 1515
पलाज्जो पिट्टी, फ्लोरेंस

21. "सिस्टिन मैडोना" 1514
पिक्चर गैलरी, ड्रेसडेन

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टिटियानी -
(वास्तव में टिज़ियानो वेसेलियो, टिज़ियानो वेसेलियो),
(१४७६/७७ या १४८० - १५७६),
युग के इतालवी चित्रकार
उच्च और देर से पुनर्जागरण।
वेनिस में जियोवानी बेलिनी के साथ अध्ययन किया,
जिसकी कार्यशाला में वह जियोर्जियोन के करीबी बन गए;
वेनिस, साथ ही पडुआ, फेरारा, मंटुआ, अर्बिनो, रोम और ऑग्सबर्ग में काम किया।
विनीशियन कला मंडलियों के साथ निकटता से जुड़ा हुआ है
(जियोर्जियोन, जे। सैन्सोविनो, लेखक पी। अरेटिनो और अन्य),
विनीशियन स्कूल ऑफ़ पेंटिंग के एक उत्कृष्ट मास्टर,
टिटियन ने अपने काम में पुनर्जागरण के मानवतावादी आदर्शों को मूर्त रूप दिया।
उनकी जीवनदायिनी कला बहुमुखी है,
वास्तविकता के कवरेज की चौड़ाई, युग के गहरे नाटकीय संघर्षों का खुलासा।
टिटियन की पेंटिंग तकनीक का भविष्य पर असाधारण प्रभाव पड़ा,
बीसवीं शताब्दी तक, ललित कला की दुनिया का विकास।

1. "धर्मनिरपेक्ष प्रेम"
(घमंड) १५१५

2. "डायना और कैलिस्टो"
1556 - 1559

3. "बाकस और एरियाडेन"
1523-1524

4. "यूरोपा का बलात्कार"
1559 - 1562

5. "द फॉल"
1570

6. "वनस्पति"
1515

7. "इओलंता"
(ला बेला गट्टा)

8. "मंटुआ के फेडेरिगो गोंजागा"
1525

9. "शुक्र एक दर्पण के साथ" 1555

10. "दाने और कामदेव"
1546

11. "सांसारिक और स्वर्गीय प्रेम"
1510

12. "एक युवा महिला का चित्र"
लगभग १५३०, हर्मिटेज, सेंट पीटर्सबर्ग

13. "पेनिटेंट मैरी मैग्डलीन"
1560, हरमिटेज, सेंट पीटर्सबर्ग

14. "डायना और एक्टन" 1556
नेट। स्कॉटलैंड की गैलरी, एडिनबर्ग

15. "बच्चनलिया"
१५२५, लौवर संग्रहालय, पेरिस

16. "वीनस ऑफ अर्बिंस्काया"
1538, उफीजी, फ्लोरेंस

17. "शुक्र और अदोनिस"
१५५४, प्राडो, मैड्रिड

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पुनर्जागरण या पुनर्जागरण ने हमें कला के कई महान कार्य दिए हैं। रचनात्मकता के विकास के लिए यह एक अनुकूल अवधि थी। पुनर्जागरण से कई महान कलाकारों के नाम जुड़े हैं। बॉटलिकेली, माइकल एंजेलो, राफेल, लियोनार्डो दा विंची, गियट्टो, टिटियन, कोर्रेगियो उस समय के रचनाकारों के कुछ ही नाम हैं।

इस काल के साथ नई शैलियों और चित्रकला का उदय जुड़ा हुआ है। मानव शरीर को चित्रित करने का दृष्टिकोण लगभग वैज्ञानिक हो गया है। कलाकार वास्तविकता के लिए प्रयास करते हैं - वे हर विवरण पर काम करते हैं। उस समय के चित्रों में लोग और घटनाएँ अत्यंत यथार्थवादी लगती हैं।

इतिहासकार पुनर्जागरण के दौरान चित्रकला के विकास में कई अवधियों को अलग करते हैं।

गोथिक - १२००s... अदालत में लोकप्रिय शैली। यह धूमधाम, दिखावा, अत्यधिक रंग से प्रतिष्ठित था। पेंट के रूप में उपयोग किया जाता है। चित्र वेदी विषयों के थे। इस प्रवृत्ति के सबसे प्रसिद्ध प्रतिनिधि इतालवी कलाकार विटोर कार्पेस्को, सैंड्रो बोथिसेली हैं।

सैंड्रो बॉटलिकली

प्रोटो-पुनर्जागरण - 1300s... इस समय, चित्रकला में रीति-रिवाजों का पुनर्गठन होता है। धार्मिक विषय पृष्ठभूमि में आ जाते हैं, और धर्मनिरपेक्ष लोग अधिक से अधिक लोकप्रियता प्राप्त कर रहे हैं। पेंटिंग आइकन की जगह लेती है। लोगों को अधिक वास्तविक रूप से चित्रित किया जाता है, कलाकारों के लिए चेहरे के भाव और हावभाव महत्वपूर्ण हो जाते हैं। ललित कला की एक नई शैली प्रकट होती है -। इस समय के प्रतिनिधि गियट्टो, पिएत्रो लोरेंजेटी, पिएत्रो कैवेलिनी हैं।

प्रारंभिक पुनर्जागरण - 1400s... गैर-धार्मिक चित्रकला का फूल। यहां तक ​​​​कि आइकन पर चेहरे अधिक जीवंत हो जाते हैं - वे मानवीय विशेषताओं को प्राप्त करते हैं। पहले के समय के कलाकारों ने परिदृश्य को चित्रित करने की कोशिश की, लेकिन उन्होंने केवल मुख्य छवि की पृष्ठभूमि के रूप में काम किया। प्रारंभिक पुनर्जागरण काल ​​​​के दौरान एक स्वतंत्र शैली बन जाती है। चित्र का विकास जारी है। वैज्ञानिक रैखिक परिप्रेक्ष्य के नियम की खोज करते हैं, और कलाकार इसी आधार पर अपने चित्रों का निर्माण करते हैं। उनके कैनवस पर सही त्रि-आयामी स्थान देखा जा सकता है। इस अवधि के सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधि मासासिओ, पिएरो डेला फ्रांसेस्को, जियोवानी बेलिनी, एंड्रिया मेंटेग्ना हैं।

उच्च पुनर्जागरण - स्वर्ण युग... कलाकारों का दृष्टिकोण और भी व्यापक हो जाता है - उनकी रुचियाँ ब्रह्मांड के अंतरिक्ष में फैल जाती हैं, वे मनुष्य को ब्रह्मांड का केंद्र मानते हैं।

इस समय, पुनर्जागरण के "टाइटन्स" दिखाई दिए - लियोनार्डो दा विंची, माइकल एंजेलो, टिटियन, राफेल सैंटी और अन्य। ये वे लोग हैं जिनकी रुचि पेंटिंग तक ही सीमित नहीं थी। उनका ज्ञान बहुत आगे बढ़ गया। सबसे प्रमुख प्रतिनिधि लियोनार्डो दा विंची थे, जो न केवल एक महान चित्रकार थे, बल्कि एक वैज्ञानिक, मूर्तिकार, नाटककार भी थे। उन्होंने पेंटिंग में शानदार तकनीकें बनाईं, जैसे "चिकनी" - धुंध का भ्रम, जिसका उपयोग प्रसिद्ध "ला जिओकोंडा" बनाने के लिए किया गया था।

लियोनार्डो दा विंसी

देर से पुनर्जागरण- पुनर्जागरण का विलुप्त होना (1500 के दशक के मध्य में, 1600 के दशक के अंत में)। यह समय परिवर्तन, धार्मिक संकट से जुड़ा है। फूलना समाप्त हो जाता है, कैनवस पर रेखाएं अधिक घबरा जाती हैं, व्यक्तिवाद दूर हो जाता है। भीड़ तेजी से चित्रों की छवि बनती जा रही है। उस समय के प्रतिभाशाली कार्य पाओलो वेरोनीज़, जैकोपो टिनोरेटो की कलम से संबंधित हैं।

पाओलो वेरोनीज़

इटली ने दुनिया को पुनर्जागरण के सबसे प्रतिभाशाली कलाकार दिए, पेंटिंग के इतिहास में उनका सबसे अधिक उल्लेख है। इस बीच, इस अवधि के दौरान अन्य देशों में, चित्रकला का भी विकास हुआ, और इस कला के विकास को प्रभावित किया। इस अवधि के दौरान अन्य देशों की पेंटिंग को उत्तरी पुनर्जागरण कहा जाता है।

उच्च पुनर्जागरण का युग (15वीं सदी के अंत - 16वीं शताब्दी की पहली तिमाही) पूर्णता और स्वतंत्रता का समय है। इस युग की कला के अन्य रूपों की तरह, चित्रकला को मनुष्य में, उसकी रचनात्मक शक्तियों और उसके मन की शक्ति में एक गहरी आस्था द्वारा चिह्नित किया गया है। उच्च पुनर्जागरण के उस्तादों के चित्रों में, सौंदर्य, मानवतावाद और सद्भाव के आदर्श राज करते हैं, उनमें मनुष्य ब्रह्मांड का आधार है।

इस समय के चित्रकार आसानी से चित्रण के सभी साधनों का उपयोग करते हैं: रंग, हवा, प्रकाश और छाया से समृद्ध, और चित्र, मुक्त और तेज; उनके पास उत्कृष्ट दृष्टिकोण और गुंजाइश है। कलाकारों के कैनवस पर लोग सांस लेते हैं और चलते हैं, उनकी भावनाएं और अनुभव गहरे भावपूर्ण लगते हैं।

इस युग ने दुनिया को चार प्रतिभाएँ दीं - लियोनार्डो दा विंची, राफेल, माइकल एंजेलो, टिटियन। उनकी पेंटिंग में, उच्च पुनर्जागरण की विशेषताएं - आदर्शता और सद्भाव, छवियों की गहराई और जीवन शक्ति के साथ संयुक्त - खुद को सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट किया।

लियोनार्डो दा विंसी

15 अप्रैल, 1452 को, विंची के छोटे से इतालवी शहर में, जो फ्लोरेंस से बहुत दूर स्थित नहीं है, नोटरी पिएरो दा विंची के एक नाजायज बेटे का जन्म हुआ। उन्होंने उसे लियोनार्डो डि सेर पिएरो डी'एंटोनियो कहा। लड़के की माँ, एक निश्चित कतेरीना, ने थोड़ी देर बाद एक किसान से शादी की। पिता ने नाजायज बच्चे को नहीं छोड़ा, उसे शिक्षा में ले लिया और उसे अच्छी शिक्षा दी। 1469 में लियोनार्डो के दादा एंटोनियो की मृत्यु के एक साल बाद, नोटरी अपने परिवार के साथ फ्लोरेंस के लिए रवाना हुआ।

कम उम्र से ही लियोनार्डो में ड्राइंग के प्रति जुनून जाग उठता है। यह देखते हुए, पिता ने लड़के को उस समय की मूर्तिकला, पेंटिंग और गहनों के सबसे प्रसिद्ध आचार्यों में से एक, एंड्रिया वेरोकियो (1435-1488) के साथ अध्ययन करने के लिए भेजा। Verrocchio कार्यशाला की महिमा असामान्य रूप से महान थी। शहर के कुलीन निवासियों को चित्रों और मूर्तियों के निष्पादन के लिए लगातार कई आदेश प्राप्त हुए। यह संयोग से नहीं था कि एंड्रिया वेरोकियो ने अपने छात्रों के साथ बहुत प्रतिष्ठा का आनंद लिया। समकालीनों ने उन्हें पेंटिंग और मूर्तिकला में फ्लोरेंटाइन पुनर्जागरण के विचारों का सबसे प्रतिभाशाली उत्तराधिकारी माना।

एक कलाकार के रूप में वेरोक्चिओ का नवाचार मुख्य रूप से छवि के पुनर्विचार से जुड़ा है, जो चित्रकार से प्राकृतिक विशेषताओं को प्राप्त करता है। Verrocchio की कार्यशाला से बहुत कम काम बचे हैं। शोधकर्ताओं का मानना ​​है कि इस कार्यशाला में प्रसिद्ध "मसीह का बपतिस्मा" बनाया गया था। इसके अलावा, यह स्थापित किया गया था कि पेंटिंग की पृष्ठभूमि में परिदृश्य और इसके बाईं ओर के स्वर्गदूत लियोनार्डो के ब्रश से संबंधित हैं।

पहले से ही इस शुरुआती काम में, भविष्य के प्रसिद्ध कलाकार की रचनात्मक व्यक्तित्व और परिपक्वता प्रकट हुई थी। लियोनार्डो द्वारा चित्रित परिदृश्य, वेरोकियो द्वारा स्वयं प्रकृति के चित्रों से स्पष्ट रूप से भिन्न है। एक युवा कलाकार से संबंधित, यह एक हल्की धुंध में डूबा हुआ प्रतीत होता है और अंतरिक्ष की अनंतता और अनंतता का प्रतीक है।

लियोनार्डो द्वारा बनाई गई छवियां भी विशिष्ट हैं। मानव शरीर की शारीरिक रचना, साथ ही उसकी आत्मा के गहन ज्ञान ने कलाकार को स्वर्गदूतों की असामान्य रूप से अभिव्यंजक छवियां बनाने की अनुमति दी। प्रकाश और छाया के नाटक की महारत ने कलाकार को जीवित, गतिशील आकृतियों को चित्रित करने में मदद की। किसी को यह आभास हो जाता है कि फ़रिश्ते कुछ देर के लिए ही जमते हैं। कुछ और मिनट बीत जाएंगे - और वे जीवन में आ जाएंगे, हिलेंगे, बात करेंगे ...

कला समीक्षकों और दा विंची के जीवनीकारों का दावा है कि 1472 तक लियोनार्डो ने वेरोकियो की कार्यशाला छोड़ दी और चित्रकारों की कार्यशाला में मास्टर बन गए। 1480 के बाद से, उन्होंने मूर्तिकला की ओर रुख किया, जो लियोनार्डो के अनुसार, मानव शरीर के आंदोलनों की गतिशीलता को व्यक्त करने का सबसे सरल तरीका था। उस समय से, वह कला अकादमी में काम कर रहे हैं - यह लोरेंजो द मैग्निफिकेंट की पहल पर बनाई गई पियाज़ा सैन मार्को पर बगीचे में स्थित कार्यशाला का नाम था।

1480 में, लियोनार्डो को सैन डोनाटो सोपेटो के चर्च से कलात्मक रचना द एडोरेशन ऑफ द मैगी के लिए एक आदेश मिला।

फ्लोरेंस में, लियोनार्डो लंबे समय तक नहीं रहे। 1482 में वह मिलान के लिए रवाना हुए। संभवतः, यह निर्णय इस तथ्य से बहुत प्रभावित था कि सिस्टिन चैपल की पेंटिंग पर काम करने के लिए कलाकार को रोम में आमंत्रित नहीं किया गया था। एक तरह से या किसी अन्य, मास्टर जल्द ही प्रसिद्ध इतालवी शहर लुडोविको सेफोर्ज़ा के ड्यूक के सामने आए। मिलानियों ने लियोनार्डो का गर्मजोशी से स्वागत किया। वह पोर्टा टिसिनीज़ क्वार्टर में लंबे समय तक बसे और रहे। और पहले से ही अगले वर्ष, 1483 में, उन्होंने सैन फ्रांसेस्को ग्रांडे के चर्च में इमाकोलाटा चैपल के लिए ऑर्डर की गई वेदी के टुकड़े को चित्रित किया। इस कृति को बाद में मैडोना ऑफ द रॉक्स के नाम से जाना जाने लगा।

लगभग उसी समय, लियोनार्डो फ्रांसेस्को स्कोर्ज़ा के लिए एक कांस्य स्मारक के निर्माण पर काम कर रहे थे। हालांकि, न तो रेखाचित्र, न ही परीक्षण रेखाचित्र और कलाकार कलाकार के इरादे को व्यक्त कर सकते थे। काम अधूरा रह गया।

१४८९ से १४९० की अवधि में, लियोनार्डो दा विंची ने जियान गैलेज़ो सेफोर्ज़ा की शादी के दिन कास्टेलो स्फ़ोर्ज़ेस्को को चित्रित किया।

लगभग पूरे 1494 लियोनार्डो दा विंची ने अपने लिए एक नया व्यवसाय समर्पित किया - हाइड्रोलिक्स। उसी Sforza की पहल पर, लियोनार्डो लोम्बार्ड मैदान के क्षेत्र को खाली करने के लिए एक परियोजना विकसित और कार्यान्वित करता है। हालाँकि, पहले से ही 1495 में ललित कला के सबसे बड़े मास्टर पेंटिंग में लौट आए। यह वर्ष प्रसिद्ध फ्रेस्को "द लास्ट सपर" के निर्माण के इतिहास में प्रारंभिक चरण को चिह्नित करता है, जो सांता मारिया डेल्ले ग्राज़ी के चर्च के पास स्थित मठ के रिफ़ेक्टरी की दीवारों को सुशोभित करता है।

1496 में, फ्रांसीसी राजा लुई XII द्वारा मिलान के डची पर आक्रमण के संबंध में, लियोनार्डो ने शहर छोड़ दिया। वह पहले मंटुआ चले गए और फिर वेनिस में बस गए।

1503 से कलाकार फ्लोरेंस में रहता है और माइकल एंजेलो के साथ, पलाज्जो सिग्नोरिया में हॉल ऑफ द ग्रैंड काउंसिल की पेंटिंग पर काम कर रहा है। लियोनार्डो को "अंगियारी की लड़ाई" चित्रित करना था। हालांकि, गुरु, जो लगातार रचनात्मक खोज में रहता है, अक्सर उस काम को छोड़ देता है जिसे उसने शुरू किया है। तो यह "अंघियारी की लड़ाई" के साथ हुआ - फ्रेस्को अधूरा रह गया। कला समीक्षकों का सुझाव है कि यह तब था जब प्रसिद्ध "ला जिओकोंडा" बनाया गया था।

1506 से 1507 तक लियोनार्डो फिर से मिलान में रहता है। ड्यूक मैक्सिमिलियन स्फोर्ज़ा ने 1512 से वहां शासन किया है। 24 सितंबर, 1512 लियोनार्डो ने मिलान छोड़ने और रोम में अपने छात्रों के साथ बसने का फैसला किया। यहां वह न केवल पेंटिंग में लगे हुए हैं, बल्कि गणित और अन्य विज्ञानों के अध्ययन की ओर भी रुख करते हैं।

मई 1513 में फ्रांसीसी राजा फ्रांसिस प्रथम से निमंत्रण प्राप्त करने के बाद, लियोनार्डो दा विंची अंबोइस चले गए। यहां वह अपनी मृत्यु तक रहता है: वह चित्र बनाता है, छुट्टियों की सजावट में लगा हुआ है, फ्रांस की नदियों का उपयोग करने के उद्देश्य से परियोजनाओं के व्यावहारिक अनुप्रयोग पर काम करता है।

2 मई 1519 को महान कलाकार का निधन हो गया। लियोनार्डो दा विंची को सैन फिओरेंटीनो के एंबोइस चर्च में दफनाया गया है। हालांकि, धार्मिक युद्धों (16 वीं शताब्दी) की ऊंचाई के दौरान, कलाकार की कब्र नष्ट हो गई और पूरी तरह से नष्ट हो गई। 15वीं-16वीं शताब्दी में ललित कला का शिखर माने जाने वाली उनकी उत्कृष्ट कृतियाँ आज भी वैसी ही हैं।

दा विंची के कैनवस के बीच, फ्रेस्को "द लास्ट सपर" एक विशेष स्थान रखता है। प्रसिद्ध भित्ति चित्र का इतिहास रोचक और अद्भुत है। इसका निर्माण 1495-1497 का है। इसे डोमिनिकन आदेश के भिक्षुओं के आदेश से चित्रित किया गया था, जो मिलान में सांता मारिया डेले ग्राज़ी के चर्च के पास स्थित अपने मठ में रेफरी की दीवारों को सजाने की कामना करते थे। एक काफी प्रसिद्ध सुसमाचार कहानी को फ्रेस्को पर प्रदर्शित किया गया था: यीशु मसीह का अपने बारह प्रेरितों के साथ अंतिम भोजन।

इस कृति को कलाकार के संपूर्ण कार्य के शिखर के रूप में पहचाना जाता है। गुरु द्वारा बनाई गई मसीह और प्रेरितों की छवियां असामान्य रूप से उज्ज्वल, अभिव्यंजक, जीवित हैं। संक्षिप्तता के बावजूद, चित्रित स्थिति की वास्तविकता, फ्रेस्को की सामग्री गहरे दार्शनिक अर्थ से भरी हुई है। यहाँ अच्छाई और बुराई, आत्मसंतुष्टता और आध्यात्मिक निर्दयता, सत्य और झूठ के बीच संघर्ष का शाश्वत विषय सन्निहित था। कटी हुई छवियां न केवल व्यक्तिगत चरित्र लक्षणों (प्रत्येक व्यक्ति के स्वभाव की विविधता में प्रत्येक व्यक्ति) का एक संग्रह है, बल्कि एक प्रकार का मनोवैज्ञानिक सामान्यीकरण भी है।

चित्र बहुत गतिशील है। दर्शक वास्तव में उस उत्साह को महसूस करते हैं जिसने भोजन में उपस्थित सभी लोगों को मसीह द्वारा भविष्यद्वाणी के शब्दों के बाद आसन्न विश्वासघात के बारे में बताया जो प्रेरितों में से एक को करना होगा। कैनवास मानवीय भावनाओं और मनोदशाओं के सबसे सूक्ष्म रंगों का एक प्रकार का विश्वकोश बन जाता है।

लियोनार्डो दा विंची ने आश्चर्यजनक रूप से जल्दी से काम पूरा किया: केवल दो साल बाद, पेंटिंग पूरी तरह से समाप्त हो गई। हालाँकि, भिक्षुओं को यह पसंद नहीं आया: इसके निष्पादन का तरीका चित्रात्मक लेखन की पहले से अपनाई गई शैली से बहुत अलग था। नई रचना के पेंट के उपयोग में न केवल मास्टर का नवाचार था और न ही इतना। चित्र में परिप्रेक्ष्य को चित्रित करने के तरीके पर विशेष ध्यान दिया जाता है। एक विशेष तकनीक में निर्मित, फ्रेस्को वास्तविक स्थान का विस्तार और विस्तार करता है। किसी को यह आभास हो जाता है कि पेंटिंग में दर्शाए गए कमरे की दीवारें मठ के रेफ्रेक्ट्री की दीवारों की निरंतरता हैं।

भिक्षुओं ने कलाकार की रचनात्मक मंशा और उपलब्धियों की सराहना नहीं की और समझ में नहीं आया, इसलिए उन्होंने चित्र के संरक्षण के बारे में बहुत अधिक परवाह नहीं की। फ्रेस्को की पेंटिंग के दो साल बाद ही, इसके पेंट खराब होने लगे और फीके पड़ने लगे, दीवार की सतह जिस पर छवि लगाई गई थी, वह बेहतरीन पदार्थ से ढकी हुई लग रही थी। यह एक ओर, नए पेंट की खराब गुणवत्ता के कारण हुआ, और दूसरी ओर, मठ की रसोई से घुसने वाली नमी, ठंडी हवा और भाप के लगातार संपर्क में आने के कारण। पेंटिंग की उपस्थिति पूरी तरह से बर्बाद हो गई थी जब भिक्षुओं ने एक फ्रेस्को के साथ दीवार में एक अतिरिक्त प्रवेश द्वार के माध्यम से आग लगाने का फैसला किया। नतीजतन, तस्वीर नीचे से कट गई थी।

13 वीं शताब्दी के बाद से उत्कृष्ट कृति को बहाल करने का प्रयास किया गया है। हालांकि, वे सभी व्यर्थ हो गए, पेंट खराब हो रहा है। इसका कारण वर्तमान में पर्यावरण की स्थिति का बिगड़ना है। फ़्रेस्को की गुणवत्ता हवा में निकास गैसों की बढ़ती सांद्रता के साथ-साथ कारखानों और पौधों द्वारा वातावरण में उत्सर्जित वाष्पशील पदार्थों से प्रभावित होती है।

अब हम यह भी कह सकते हैं कि पेंटिंग के जीर्णोद्धार का प्रारंभिक कार्य न केवल अनावश्यक और अर्थहीन था, बल्कि इसका नकारात्मक पक्ष भी था। बहाली की प्रक्रिया में, कलाकारों ने अक्सर फ्रेस्को को पूरा किया, कैनवास पर पात्रों की उपस्थिति और चित्रित इंटीरियर को बदल दिया। इसलिए, हाल ही में यह ज्ञात हुआ कि प्रेरितों में से एक की मूल रूप से लंबी, मुड़ी हुई दाढ़ी नहीं थी। इसके अलावा, दुर्दम्य की दीवारों पर चित्रित काले कैनवस छोटे कालीनों से ज्यादा कुछ नहीं थे। केवल
XX सदी में। अपने आभूषण का पता लगाने और आंशिक रूप से बहाल करने में कामयाब रहे।

आधुनिक पुनर्स्थापक, जिनके बीच कार्लो बर्टेली के नेतृत्व वाला समूह बाहर खड़ा था, ने फ्रेस्को के मूल स्वरूप को बहाल करने का निर्णय लिया, इसे बाद में लागू किए गए तत्वों से मुक्त किया।

मातृत्व का विषय, अपने बच्चे की प्रशंसा करने वाली एक युवा मां की छवियां, महान गुरु के काम में लंबे समय तक महत्वपूर्ण रहीं। सच्ची कृतियों में उनकी पेंटिंग "मैडोना लिट्टा" और "मैडोना विद ए फ्लावर" ("बेनोइस मैडोना") हैं। वर्तमान में "मैडोना लिट्टा" को सेंट पीटर्सबर्ग में स्टेट हर्मिटेज संग्रहालय में रखा गया है। पेंटिंग को 1865 में रूसी सम्राट अलेक्जेंडर II द्वारा इतालवी ड्यूक एंटोनियो लिट्टा के परिवार से खरीदा गया था, जिसे इसे पहले विस्कोनी के ड्यूक से दान किया गया था। रूसी ज़ार के आदेश से, पेंटिंग को पेड़ से कैनवास में स्थानांतरित कर दिया गया और प्रसिद्ध सेंट पीटर्सबर्ग संग्रहालय के हॉल में से एक में लटका दिया गया।

कला विद्वानों का मानना ​​​​है (और वैज्ञानिक अनुसंधान ने यह साबित कर दिया है) कि पेंटिंग के निर्माण पर काम लेखक ने खुद पूरा नहीं किया था। यह लियोनार्डो के छात्रों में से एक, बोल्ट्राफियो द्वारा पूरा किया गया था।

पुनर्जागरण काल ​​की पेंटिंग में कैनवास मातृत्व के विषय की सबसे महत्वपूर्ण अभिव्यक्ति है। मैडोना-माँ की छवि हल्की और आध्यात्मिक है। बच्चे की ओर मुड़ी हुई नज़र असामान्य रूप से कोमल होती है, यह एक साथ व्यक्त होती है और
उदासी, और शांति, और आंतरिक शांति। ऐसा लगता है कि यहां मां और बच्चे अपनी अनूठी दुनिया बनाते हैं, एक सामंजस्यपूर्ण संपूर्ण बनाते हैं। चित्र के माध्यम से विचार को निम्नलिखित शब्दों में व्यक्त किया जा सकता है: दो जीवित प्राणी, माँ और बच्चे, जीवन का आधार और अर्थ हैं।

गोद में एक बच्चे के साथ मैडोना की छवि स्मारकीय है। पूर्णता और परिष्कार इसे प्रकाश और छाया का एक विशेष, सहज संक्रमण देता है। आकृति की कोमलता और नाजुकता पर महिला के कंधों पर लिपटे एक लबादे की ड्रेपरियों द्वारा जोर दिया गया है। पृष्ठभूमि में खिड़कियों की तस्वीरें शेष दुनिया से दो प्रियजनों को अलग करने पर जोर देते हुए, रचना को संतुलित और पूर्ण करती हैं।

पेंटिंग मैडोना विद ए फ्लावर (मैडोना बेनोइस), लगभग 1478, अपने अंतिम रूसी मालिकों से ज़ार निकोलस II द्वारा 1914 में विशेष रूप से हर्मिटेज के लिए खरीदी गई थी। इसके शुरुआती मालिक अज्ञात रहे। केवल एक किंवदंती है जो बताती है कि एक इतालवी भटकने वाला अभिनेता रूस में तस्वीर लाया था, जिसके बाद इसे 1824 में समारा में व्यापारी सपोझनिकोव द्वारा खरीदा गया था। बाद में, पेंटिंग पिता से उनकी बेटी एम.ए. को विरासत में मिली। तब से, पेंटिंग के दो नाम हैं: "मैडोना विद ए फ्लावर" (लेखक द्वारा) और "मैडोना बेनोइट" (अंतिम मालिक के नाम से)।

चित्र, जो भगवान और बच्चे की माँ को दर्शाता है, अपने बच्चे के साथ खेलने वाली माँ की साधारण, सांसारिक भावनाओं को दर्शाता है। पूरा दृश्य इसके विपरीत बनाया गया है: एक हंसती हुई मां और एक बच्चा फूल की गंभीरता से जांच कर रहा है। कलाकार, इस विरोध पर ध्यान केंद्रित करते हुए, ज्ञान के लिए एक व्यक्ति की आकांक्षा को दर्शाता है, सत्य के मार्ग पर उसका पहला कदम। यह कैनवास का मुख्य विचार है।

प्रकाश और छाया का खेल पूरी रचना के लिए एक विशेष, अंतरंग स्वर सेट करता है। धरती की हलचल से तलाकशुदा मां और बच्चा अपनी ही दुनिया में हैं। चित्रित ड्रेपरियों की कुछ कोणीयता और कठोरता के बावजूद, लियोनार्डो दा विंची के ब्रश को इस्तेमाल किए गए रंगों के रंगों और काले और सफेद संयोजनों के चिकने, नरम संक्रमणों द्वारा पहचानना काफी आसान है। कैनवास को नरम, शांत रंगों से चित्रित किया गया है, जो एक ही रंग योजना में कायम है, और यह चित्र को एक नरम चरित्र देता है और अलौकिक, ब्रह्मांडीय सद्भाव और शांति की भावना पैदा करता है।

लियोनार्डो दा विंची चित्रांकन के एक स्वीकृत मास्टर हैं। उनके सबसे प्रसिद्ध कैनवस में "लेडी विद ए एर्मिन" (लगभग 1483-1484) और "पोर्ट्रेट ऑफ़ ए म्यूज़िशियन" हैं।

कला समीक्षकों और इतिहासकारों का सुझाव है कि पेंटिंग "लेडी विद ए एर्मिन" में सेसिलिया गैलरानी, ​​​​मिलान के ड्यूक के पूर्व पसंदीदा, लुई मोरो को उनकी शादी से पहले दर्शाया गया है। ऐसी जानकारी है कि सेसिलिया एक बहुत ही पढ़ी-लिखी महिला थी, जो उस समय बहुत ही दुर्लभ थी। इसके अलावा, प्रसिद्ध कलाकार के इतिहासकार और जीवनी लेखक भी मानते हैं कि वह लियोनार्डो दा विंची से काफी परिचित थे, जिन्होंने एक बार उनके चित्र को चित्रित करने का फैसला किया था।

यह कैनवास केवल एक पुनर्लेखित संस्करण में हमारे पास आया है, और इसलिए वैज्ञानिकों ने लंबे समय तक लियोनार्डो के लेखकत्व पर संदेह किया। हालांकि, एक युवा महिला के शगुन और चेहरे को चित्रित करने वाली पेंटिंग के अच्छी तरह से संरक्षित हिस्से महान गुरु दा विंची की शैलियों के बारे में विश्वास के साथ बोलना संभव बनाते हैं। यह भी दिलचस्प है कि घने अंधेरे पृष्ठभूमि, साथ ही केश के कुछ विवरण, बाद में बनाए गए अतिरिक्त चित्र हैं।

"लेडी विद ए एर्मिन" कलाकार की पोर्ट्रेट गैलरी में सबसे चमकीले मनोवैज्ञानिक चित्रों में से एक है। लड़की की पूरी आकृति गतिशीलता को व्यक्त करती है, आगे बढ़ने का प्रयास करती है, असामान्य रूप से मजबूत-इच्छाशक्ति और मजबूत मानव चरित्र की गवाही देती है। चेहरे की सही विशेषताएं केवल इस पर जोर देती हैं।

चित्र वास्तव में जटिल और बहुआयामी है, छवि का सामंजस्य और पूर्णता कई तत्वों को एक साथ मिला कर प्राप्त की जाती है: चेहरे के भाव, सिर का घूमना, हाथ की स्थिति। एक महिला की आंखें एक असाधारण दिमाग, ऊर्जा, अंतर्दृष्टि को दर्शाती हैं। कसकर संकुचित होंठ, सीधी नाक, तेज ठुड्डी - सब कुछ इच्छाशक्ति, दृढ़ संकल्प, स्वतंत्रता पर जोर देता है। सिर का एक सुंदर मोड़, एक खुली गर्दन, लंबी उंगलियों वाला एक हाथ सुंदर जानवर को पथपाकर, पूरे आंकड़े की नाजुकता और पतलापन पर जोर देता है। यह कोई संयोग नहीं है कि महिला अपनी बाहों में एक शगुन पकड़े हुए है। जानवर का सफेद फर, पहली बर्फ के समान, यहां एक युवा महिला की आध्यात्मिक शुद्धता का प्रतीक है।

चित्र आश्चर्यजनक रूप से गतिशील है। मास्टर उस क्षण को सटीक रूप से पकड़ने में कामयाब रहे जब एक आंदोलन को दूसरे में आसानी से संक्रमण करना चाहिए। इसलिए, ऐसा लगता है कि लड़की जीवन में आने वाली है, अपना सिर घुमाएगी और उसका हाथ जानवर के नरम फर के साथ फिसल जाएगा ...

रचना की असाधारण अभिव्यक्ति आकृतियों को बनाने वाली रेखाओं की स्पष्टता के साथ-साथ छाया में प्रकाश के संक्रमण की तकनीक की महारत और उपयोग द्वारा दी जाती है, जिसकी मदद से कैनवास पर रूप बनाए जाते हैं।

लियोनार्डो दा विंची की उत्कृष्ट कृतियों में "पोर्ट्रेट ऑफ़ ए म्यूज़िशियन" एकमात्र पुरुष चित्र है। कई शोधकर्ता मिलान के गाना बजानेवालों के निदेशक फ्रैंचिनो गफ्यूरियो के साथ मॉडल की पहचान करते हैं। हालाँकि, कई विद्वान इस राय का खंडन करते हुए कहते हैं कि यह रीजेंट नहीं है जिसे यहाँ चित्रित किया गया है, बल्कि एक साधारण युवक, एक संगीतकार है। दा विंची की पेंटिंग तकनीक में निहित कुछ विवरणों की उपस्थिति के बावजूद, कला समीक्षक अभी भी लियोनार्डो के लेखक होने पर संदेह करते हैं। संभवतः, ये संदेह लोम्बार्ड चित्रकारों की कलात्मक परंपराओं की विशेषता वाले तत्वों के कैनवास पर उपयोग से जुड़े हैं।

चित्र की तकनीक कई मायनों में एंटोनेलो दा मेसिना के काम की याद दिलाती है। रसीला घुंघराले बालों की पृष्ठभूमि के खिलाफ, चेहरे की स्पष्ट, सख्त रेखाएं कुछ तेज दिखती हैं। एक मजबूत चरित्र वाला एक बुद्धिमान व्यक्ति दर्शकों के सामने प्रकट होता है, हालांकि एक ही समय में उसकी टकटकी में कोई कुछ अनछुआ, आध्यात्मिक रूप से पकड़ सकता है। शायद इसी समय संगीतकार की आत्मा में एक नए, दिव्य राग का जन्म होता है, जो कुछ समय बाद कई लोगों का दिल जीत लेगा।

हालांकि, कोई यह नहीं कह सकता कि कलाकार कृत्रिम रूप से किसी व्यक्ति को ऊंचा करने की कोशिश कर रहा है। अतिशयोक्ति और पाथोस का सहारा लिए बिना, गुरु सूक्ष्मता और कुशलता से मानव आत्मा के सभी धन और चौड़ाई को व्यक्त करता है।

दा विंची द्वारा सबसे प्रसिद्ध चित्रों में से एक प्रसिद्ध मैडोना ऑफ द रॉक्स (1483-1493) है। यह लियोनार्डो द्वारा मिलान में सैन फ्रांसेस्को ग्रांडे के चर्च के भिक्षुओं द्वारा कमीशन किया गया था। रचना का उद्देश्य इमाकोलाटा चैपल में वेदी को सजाने का था।

पेंटिंग के दो संस्करण हैं, जिनमें से एक पेरिस में लौवर में और दूसरा लंदन में नेशनल गैलरी में रखा गया है।

यह चट्टानों की लौवर मैडोना थी जिसने चर्च की वेदी को सजाया था। वैज्ञानिकों का सुझाव है कि कलाकार ने खुद इसे फ्रांसीसी राजा लुई XII को दिया था। इतिहासकारों के अनुसार, उन्होंने चित्रों के ग्राहकों और कलाकारों-कलाकारों के बीच उत्पन्न संघर्ष को हल करने में राजा की भागीदारी के लिए कृतज्ञता के प्रतीक के रूप में ऐसा किया।

प्रस्तुत संस्करण को दूसरी पेंटिंग से बदल दिया गया था, जो अब लंदन नेशनल गैलरी में है। 1785 में एक निश्चित हैमिल्टन ने इसे खरीदा और इसे इंग्लैंड लाया।

"मैडोना ऑफ द रॉक्स" की एक विशिष्ट विशेषता परिदृश्य के साथ मानव आकृतियों का संलयन है। यह महान कलाकार की पहली तस्वीर है, जहां संतों की छवियों को उनकी उपस्थिति से प्रेरित प्रकृति के साथ सामंजस्यपूर्ण रूप से जोड़ा जाता है। मास्टर के काम में पहली बार, आकृतियों को एक वास्तुशिल्प संरचना के किसी भी तत्व की पृष्ठभूमि के खिलाफ नहीं, बल्कि एक कठोर चट्टानी परिदृश्य के भीतर चित्रित किया गया है। रचना में प्रकाश और गिरती छाया के विशेष खेल के कारण भी यह भावना पैदा होती है।

मैडोना की छवि यहां असामान्य रूप से आध्यात्मिक और अस्पष्ट तरीके से प्रस्तुत की गई है। स्वर्गदूतों के मुख पर शीतल प्रकाश पड़ता है। अपने पात्रों के जीवन में आने से पहले कलाकार ने कई रेखाचित्र और रेखाचित्र बनाए और उनकी छवियां उज्ज्वल और अभिव्यंजक बन गईं। रेखाचित्रों में से एक में एक परी के सिर को दर्शाया गया है। हम नहीं जानते कि यह लड़की है या लड़का। लेकिन एक बात निश्चित रूप से कही जा सकती है: यह एक अलौकिक प्राणी है, जो कोमलता, दया, पवित्रता से भरा है। पूरी तस्वीर शांति, शांति और मौन की भावना से ओतप्रोत है।

बाद में मास्टर द्वारा लिखा गया संस्करण, पहले से कई विवरणों में भिन्न है: संतों के सिर पर हेलो दिखाई देते हैं, थोड़ा जॉन द बैपटिस्ट एक क्रॉस रखता है, परी की स्थिति बदल जाती है। और निष्पादन की तकनीक ही लियोनार्डो के छात्रों को चित्र के लेखकत्व को जिम्मेदार ठहराने के कारणों में से एक बन गई। यहां सभी आंकड़े बड़े पैमाने पर करीब से प्रस्तुत किए गए हैं, और इसके अलावा, उन्हें बनाने वाली रेखाएं अधिक ध्यान देने योग्य, यहां तक ​​​​कि भारी, अधिक इंगित की जाती हैं। यह प्रभाव छाया को गाढ़ा करके और रचना में अलग-अलग स्थानों को उजागर करके बनाया गया है।

चित्र का दूसरा संस्करण, कला समीक्षकों के अनुसार, अधिक सामान्य, सांसारिक है। शायद इसका कारण यह था कि पेंटिंग को लियोनार्डो के छात्रों ने पूरा किया था। हालांकि, यह कैनवास के मूल्य से अलग नहीं होता है। इसमें कलाकार की मंशा साफ दिखाई देती है, छवियों के निर्माण और अभिव्यक्ति में गुरु की परंपरा का अच्छी तरह से पता चलता है।

लियोनार्डो दा विंची की प्रसिद्ध पेंटिंग "द एनाउंसमेंट" (1470) का इतिहास भी कम दिलचस्प नहीं है। पेंटिंग का निर्माण कलाकार के काम के शुरुआती दौर में, उसकी पढ़ाई के समय और एंड्रिया वेरोकियो के स्टूडियो में काम करने के समय तक होता है।

लेखन तकनीक के कई तत्व विश्वास के साथ यह घोषणा करना संभव बनाते हैं कि प्रसिद्ध कृति के लेखक लियोनार्डो दा विंची हैं और इसके लेखन में वेरोकियो या उनके अन्य छात्रों की भागीदारी को बाहर करते हैं। हालांकि, रचना में कुछ विवरण वेरोकियो स्कूल की कलात्मक परंपरा की विशेषता है। इससे पता चलता है कि युवा चित्रकार, उस समय पहले से ही प्रकट मौलिकता और प्रतिभा के बावजूद, कुछ हद तक अपने शिक्षक के प्रभाव में था।

पेंटिंग की रचना काफी सरल है: एक परिदृश्य, एक ग्रामीण विला, दो आंकड़े - मैरी और एक परी। पीछे की ओर
हम जहाज देखते हैं, कुछ इमारतें, एक बंदरगाह। इस तरह के विवरणों की उपस्थिति लियोनार्डो के काम की पूरी तरह से विशेषता नहीं है, और वे यहां मुख्य भी नहीं हैं। कलाकार के लिए यह अधिक महत्वपूर्ण है कि वह दूरी में स्थित धुंधली धुंध में छिपे पहाड़ों और प्रकाश, लगभग पारदर्शी आकाश को दिखाए। खुशखबरी की प्रतीक्षा कर रही एक युवती और एक परी की भावपूर्ण छवियां असाधारण रूप से सुंदर और कोमल हैं। उनके रूपों की रेखाएं दा विंची के तरीके से बनी हुई हैं, जिसने एक समय में कैनवास को प्रारंभिक लियोनार्डो के ब्रश से संबंधित उत्कृष्ट कृति के रूप में परिभाषित करना संभव बना दिया।

मामूली विवरण के निष्पादन की तकनीक भी प्रसिद्ध मास्टर की परंपरा की विशेषता है: पॉलिश बेंच, एक पत्थर पैरापेट, एक पुस्तक धारक, शानदार पौधों की काल्पनिक रूप से घुमावदार शाखाओं से सजाया गया। वैसे, सैन लोरेंजो के चर्च में स्थापित जियोवानी और पिएरो मेडिसी के मकबरे के ताबूत को बाद का प्रोटोटाइप माना जाता है। वेरोकियो स्कूल में निहित इन तत्वों और बाद के काम की विशेषता, दा विंची द्वारा कुछ हद तक पुनर्विचार किया गया है। वे जीवित हैं, विशाल हैं, सामंजस्यपूर्ण रूप से समग्र रचना में बुने गए हैं। ऐसा लगता है कि लेखक ने अपनी तकनीक और अभिव्यक्ति के कलात्मक साधनों का उपयोग करके, अपनी प्रतिभा की दुनिया को प्रकट करने के लिए, अपने शिक्षक के प्रदर्शनों की सूची को आधार के रूप में लेते हुए, खुद को एक लक्ष्य निर्धारित किया है।

वर्तमान में, पेंटिंग का एक रूप फ्लोरेंस में उफीजी गैलरी में है। रचना का दूसरा संस्करण पेरिस में लौवर में रखा गया है।

लौवर पेंटिंग अपने पहले के संस्करण की तुलना में कुछ अधिक जटिल रूप से बनाई गई है। यहां, पत्थर के पैरापेट की दीवारों की ज्यामितीय रूप से सही रेखाएं स्पष्ट रूप से दिखाई देती हैं, जिसका पैटर्न मैरी की आकृति के पीछे स्थित बेंचों द्वारा दोहराया गया है। सामने लाई गई छवियों को उचित और तार्किक रूप से रचना में रखा गया है। मैरी और परी के कपड़े, पहले संस्करण की तुलना में, अधिक स्पष्ट रूप से और लगातार लिखे गए हैं। मारिया अपने सिर को नीचे झुकाकर, गहरे नीले रंग की पोशाक पहने हुए, जिसके कंधों पर आसमानी-नीला लबादा था, एक अनजान प्राणी की तरह दिखता है। पोशाक के गहरे रंग चमकते हैं और उसके चेहरे की सफेदी को दूर करते हैं। कोई कम अभिव्यंजक एक स्वर्गदूत की छवि नहीं है जो मैडोना के लिए खुशखबरी लेकर आई। एक पीले रंग का मखमली, गहरा लाल लबादा जिसमें पर्दे आसानी से नीचे की ओर उतरते हैं, एक दयालु परी की शानदार छवि को पूरा करते हैं।

देर से रचना में विशेष रुचि मास्टर द्वारा सूक्ष्म रूप से चित्रित परिदृश्य है: किसी भी सम्मेलन से रहित, दूरी में उगने वाले पेड़, लगभग वास्तव में दिखाई देने वाले, हल्का नीला, पारदर्शी आकाश, हल्के कोहरे से छिपे पहाड़, पैरों के नीचे ताजे फूल एक परी।

पेंटिंग "सेंट जेरोम" एंड्रिया वेरोकियो (कलाकार के काम की तथाकथित फ्लोरेंटाइन अवधि) के स्टूडियो में लियोनार्डो दा विंची के काम की अवधि को संदर्भित करता है। कैनवास अधूरा रह गया। रचना का मुख्य विषय एक अकेला नायक, एक पश्चाताप करने वाला पापी है। उसका शरीर भूख से सूख गया था। हालाँकि, दृढ़ संकल्प और इच्छाशक्ति से भरा उनका रूप, व्यक्ति की दृढ़ता और आध्यात्मिक शक्ति की विशद अभिव्यक्ति है। हम लियोनार्डो द्वारा बनाई गई किसी भी छवि में द्वैत, अस्पष्टता नहीं पाएंगे।

उनकी पेंटिंग के पात्र हमेशा पूरी तरह से निश्चित गहरे जुनून और भावना के उच्चतम स्तर को व्यक्त करते हैं।

साधु के उत्कृष्ट रूप से चित्रित सिर भी लियोनार्डो के लेखकत्व की गवाही देते हैं। इसका सामान्य प्रसार पेंटिंग तकनीक की उत्कृष्ट महारत और मानव शरीर की शारीरिक रचना की पेचीदगियों के मास्टर के ज्ञान की बात नहीं करता है। यद्यपि एक छोटा आरक्षण करना आवश्यक है: कई मायनों में कलाकार एंड्रिया डेल कास्टाग्नो और डोमेनिको वेनेज़ियानो की परंपराओं का पालन करता है, जो बदले में एंटोनियो पोलियोलो से आता है।

जेरोम की आकृति असामान्य रूप से अभिव्यंजक है। ऐसा लगता है कि घुटने टेकने वाला साधु सभी आगे की ओर निर्देशित है। सही
वह अपने हाथ में एक पत्थर रखता है, एक और क्षण - और वह अपने आप को उसके सीने में मारेगा, अपने शरीर को कोड़े मारेगा और अपनी आत्मा को उसके द्वारा किए गए पापों के लिए कोसेगा ...

चित्र का रचनात्मक निर्माण भी दिलचस्प है। यह सब, जैसा कि यह था, एक सर्पिल में घिरा हुआ है, जो चट्टानों से शुरू होता है, एक शेर की आकृति के साथ जारी रहता है, जो तपस्या के चरणों में स्थित है, और एक साधु की आकृति के साथ समाप्त होता है।

शायद विश्व ललित कला की सभी उत्कृष्ट कृतियों में सबसे लोकप्रिय "ला जिओकोंडा" है। एक दिलचस्प तथ्य यह है कि, चित्र पर काम पूरा करने के बाद, कलाकार ने अपनी मृत्यु तक इसके साथ भाग नहीं लिया। बाद में, पेंटिंग फ्रांसीसी राजा फ्रांसिस प्रथम के पास आई, जिन्होंने इसे लौवर में रखा था।

सभी कला विद्वान इस बात से सहमत हैं कि पेंटिंग 1503 में चित्रित की गई थी। हालांकि, चित्र में चित्रित युवा लड़की के प्रोटोटाइप के बारे में अभी भी विवाद है। यह माना जाता है (परंपरा प्रसिद्ध जीवनी लेखक जियोर्जियो वासरी से आती है) कि चित्र में फ्लोरेंटाइन नागरिक फ्रांसेस्को डि जिओकोंडो, मोना लिसा की पत्नी को दर्शाया गया है।

तस्वीर को देखकर हम विश्वास के साथ कह सकते हैं कि कलाकार ने मानवीय छवि बनाने में पूर्णता हासिल की है। यहां मास्टर चित्र प्रदर्शन के पहले स्वीकृत और व्यापक तरीके से विदा हो जाता है। ला जियोकोंडा को एक हल्की पृष्ठभूमि पर चित्रित किया गया है और, इसके अलावा, एक मोड़ के तीन चौथाई भाग में घुमाया जाता है, उसकी निगाह सीधे दर्शक की ओर होती है - यह उस समय की चित्र कला में नया था। लड़की की पीठ के पीछे खुले परिदृश्य के लिए धन्यवाद, बाद का आंकड़ा, जैसा कि यह था, परिदृश्य का एक हिस्सा था, जो इसके साथ सामंजस्यपूर्ण रूप से विलय कर रहा था। यह लियोनार्डो द्वारा बनाई गई विशेष कलात्मक और ग्राफिक तकनीक के कारण हासिल किया गया है और उनके काम में इस्तेमाल किया गया है - sfumato। इसका सार इस तथ्य में निहित है कि समोच्च रेखाएं अस्पष्ट रूप से रेखांकित की जाती हैं, वे धुंधली होती हैं, इससे रचना में विलय की भावना पैदा होती है, इसके अलग-अलग हिस्सों में अंतर होता है।

एक चित्र में, ऐसी तकनीक (मानव आकृति और बड़े पैमाने पर प्राकृतिक परिदृश्य का संलयन) एक दार्शनिक विचार व्यक्त करने का एक तरीका बन जाती है: मानव दुनिया हमारे चारों ओर प्रकृति की दुनिया के रूप में विशाल, बड़े पैमाने पर और विविध है . लेकिन, दूसरी ओर, रचना का मुख्य विषय प्राकृतिक दुनिया के मानव मन के पूर्ण ज्ञान की असंभवता के रूप में प्रस्तुत किया जा सकता है। यह इस विचार के साथ है कि कई कला समीक्षक मोना लिसा के होठों पर जमी हुई विडंबनापूर्ण मुस्कान को जोड़ते हैं। वह कहती प्रतीत होती है: "दुनिया को जानने के लिए मनुष्य के सभी प्रयास बिल्कुल व्यर्थ और व्यर्थ हैं।"

कला विद्वानों के अनुसार, ला जियोकोंडा का चित्र लियोनार्डो दा विंची की सर्वोच्च उपलब्धियों में से एक है। इसमें, कलाकार वास्तव में सामंजस्य और दुनिया की विशालता के विचार, कारण और कला की प्राथमिकता के विचार को मूर्त रूप देने और पूरी तरह से व्यक्त करने में सक्षम था।

माइकल एंजेलो बुओनारोटिक

माइकल एंजेलो बुओनारोती, इतालवी चित्रकार, मूर्तिकार, वास्तुकार और कवि, का जन्म 6 मार्च, 1475 को फ्लोरेंस के पास कैप्रिस में हुआ था। माइकल एंजेलो के पिता, लोदोविको बुओनारोती, कैप्रिस शहर के मेयर थे। उसने सपना देखा कि उसका बेटा जल्द ही उसे अपने पद पर बदल देगा। हालांकि, अपने पिता की इच्छा के खिलाफ, माइकल एंजेलो ने अपना जीवन पेंटिंग के लिए समर्पित करने का फैसला किया।

1488 में माइकल एंजेलो फ्लोरेंस गए और वहां एक कला विद्यालय में प्रवेश लिया, जिसे तब ललित कला के प्रसिद्ध मास्टर डोमेनिको घिरालैंडियो द्वारा निर्देशित किया गया था। एक साल बाद, 1489 में, युवा कलाकार पहले से ही लोरेंजो मेडिसी द्वारा स्थापित कार्यशाला में काम कर रहा था। यहां युवक अपने समय के एक अन्य प्रसिद्ध कलाकार और मूर्तिकार, बर्टोल्डो डि जियोवानी से पेंटिंग सीखता है, जो डोनाटेलो का छात्र था। इस कार्यशाला में, माइकल एंजेलो ने एंजेलो पोलिज़ियानो और पिको डेला मिरांडोला के साथ मिलकर काम किया, जिन्होंने युवा चित्रकार की कलात्मक पद्धति के गठन को बहुत प्रभावित किया। हालांकि, माइकल एंजेलो का काम लोरेंजो मेडिसी के सर्कल के अंतरिक्ष में बंद नहीं हुआ। उनकी प्रतिभा लगातार विकसित हो रही थी। कलाकार का ध्यान महान गियट्टो और मासासिओ के कार्यों की बड़ी वीर छवियों की ओर आकर्षित हो रहा था।

90 के दशक की पहली छमाही में। 15 वीं शताब्दी में, माइकल एंजेलो द्वारा बनाई गई पहली मूर्तियां दिखाई देती हैं: "मैडोना एट द स्टेयर्स" और "बैटल ऑफ द सेंटॉर्स"।

"मैडोना" में उस समय की कला में आम तौर पर स्वीकृत कलात्मक चित्रण के तरीके का प्रभाव देखा जा सकता है। माइकल एंजेलो के काम में, आंकड़ों की प्लास्टिसिटी का एक ही विवरण है। हालांकि, यहां भी युवा मूर्तिकार की विशुद्ध रूप से व्यक्तिगत तकनीक को देखा जा सकता है, जो लंबी, वीर छवियों के निर्माण में प्रकट हुई थी।

राहत "सेंटॉर्स की लड़ाई" में बाहरी प्रभाव का कोई निशान नहीं है। यह कृति अपनी व्यक्तिगत शैली को प्रदर्शित करने वाली प्रतिभावान आचार्य की पहली स्वतंत्र कृति है। राहत पर, सेंटोरस के साथ लैपिथ्स की लड़ाई की एक पौराणिक तस्वीर दर्शकों के सामने पूरी सामग्री में दिखाई देती है। यह दृश्य अपने असाधारण नाटक और यथार्थवाद के लिए उल्लेखनीय है, जो चित्रित आंकड़ों के सटीक रूप से प्रस्तुत प्लास्टिक द्वारा व्यक्त किया गया है। इस मूर्तिकला को नायक, मानव शक्ति और सुंदरता का एक भजन माना जा सकता है। कथानक के सभी नाटकों के बावजूद, समग्र रचना में एक गहरा आंतरिक सामंजस्य है।

कला वैज्ञानिक "बैटल ऑफ़ द सेंटॉर्स" को माइकल एंजेलो के काम का शुरुआती बिंदु मानते हैं। वे कहते हैं कि इस काम में कलाकार की प्रतिभा की उत्पत्ति होती है। मास्टर के शुरुआती कार्यों से संबंधित राहत, माइकल एंजेलो के कलात्मक तरीके की संपूर्ण समृद्धि का एक प्रकार का प्रतिबिंब है।

1495 से 1496 तक माइकल एंजेलो बुओनारोती बोलोग्ना में हैं। यहाँ वह जैकोपो डेला क्वेरसिया के कैनवस से परिचित होता है, जिसने बनाई गई छवियों की स्मारकीयता से युवा कलाकार का ध्यान आकर्षित किया।

1496 में, मास्टर रोम में बस गए, जहां उन्होंने लाओकून और बेल्वेडियर धड़ सहित हाल ही में खोजी गई प्राचीन मूर्तियों की प्लास्टिसिटी और निष्पादन के तरीके का अध्ययन किया। माइकल एंजेलो ने बाकस में प्राचीन यूनानी मूर्तिकारों की कलात्मक शैली को प्रतिबिंबित किया था।

1498 से 1501 तक, कलाकार ने "पिएटा" नामक एक संगमरमर समूह के निर्माण पर काम किया और माइकल एंजेलो को इटली के पहले स्वामी के रूप में प्रसिद्धि दिलाई। पूरा दृश्य, जिसमें एक युवा माँ को अपने मारे गए बेटे के शरीर पर रोते हुए दिखाया गया है, असाधारण परोपकार और कोमलता की भावना से व्याप्त है। यह कोई संयोग नहीं है कि कलाकार ने एक युवा लड़की को एक मॉडल के रूप में चुना - एक ऐसी छवि जो आध्यात्मिक शुद्धता का प्रतीक है।

आदर्श नायकों को दर्शाने वाले एक युवा गुरु का यह काम १५वीं शताब्दी में बनाई गई मूर्तियों से काफी अलग है। माइकल एंजेलो की छवियां गहरी और अधिक मनोवैज्ञानिक हैं। माँ के चेहरे, उसके हाथों की स्थिति, शरीर की विशेष अभिव्यक्ति के माध्यम से दु: ख और उदासी की भावनाओं को सूक्ष्म रूप से व्यक्त किया जाता है, जिसके वक्र कपड़ों की कोमल ड्रेपरियों द्वारा जोर दिए जाते हैं। उत्तरार्द्ध की छवि, वैसे, मास्टर के काम में एक तरह का कदम पीछे माना जा सकता है: रचना के तत्वों का विस्तृत विवरण (इस मामले में, पोशाक और हुड की सिलवटों) एक विशिष्ट विशेषता है पूर्व-पुनर्जागरण कला के। समग्र रचना असामान्य रूप से अभिव्यंजक और दयनीय है, जो युवा मूर्तिकार के काम की एक विशिष्ट विशेषता है।

१५०१ में माइकल एंजेलो, जो पहले से ही इटली में मूर्तिकला के एक प्रसिद्ध मास्टर थे, फिर से फ्लोरेंस के लिए रवाना हुए। यहीं पर उनका मार्बल "डेविड" है। अपने पूर्ववर्तियों (डोनाटेलो और वेरोकियो) के विपरीत, माइकल एंजेलो ने युवा नायक को युद्ध के लिए तैयार होने के रूप में चित्रित किया। विशाल प्रतिमा (इसकी ऊंचाई 5.5 मीटर है) किसी व्यक्ति की असामान्य रूप से मजबूत इच्छा, उसके शरीर की शारीरिक शक्ति और सुंदरता को व्यक्त करती है। माइकल एंजेलो के दिमाग में एक व्यक्ति की छवि पौराणिक विशालकाय टाइटन्स के आंकड़ों के समान है। डेविड यहां एक आदर्श, मजबूत और स्वतंत्र व्यक्ति के विचार के अवतार के रूप में प्रकट होता है, जो अपने रास्ते में आने वाली किसी भी बाधा को दूर करने के लिए तैयार है। नायक की आत्मा में उबलने वाले सभी जुनून शरीर के मोड़ और डेविड के चेहरे पर अभिव्यक्ति के माध्यम से व्यक्त किए जाते हैं, जो उनके निर्णायक और दृढ़-इच्छाशक्ति वाले चरित्र की बात करता है।

यह कोई संयोग नहीं है कि डेविड की मूर्ति शहर-राज्य की शक्ति, असाधारण ताकत और स्वतंत्रता के प्रतीक के रूप में पलाज्जो वेक्चिओ (फ्लोरेंस की शहर सरकार की इमारत) के प्रवेश द्वार को सुशोभित करती है। पूरी रचना एक मजबूत मानव आत्मा और समान रूप से मजबूत शरीर के सामंजस्य को व्यक्त करती है।

1501 में, डेविड की प्रतिमा के साथ, स्मारक ("काशीन की लड़ाई") और चित्रफलक ("मैडोना डोनी" एक गोल प्रारूप में) पेंटिंग की पहली रचनाएँ दिखाई दीं। उत्तरार्द्ध वर्तमान में फ्लोरेंस में उफीजी गैलरी में रखा गया है।

1505 में माइकल एंजेलो रोम लौट आए। यहां वह पोप जूलियस द्वितीय के मकबरे के निर्माण पर काम कर रहे हैं। योजना के अनुसार, मकबरे को एक भव्य स्थापत्य संरचना माना जाता था, जिसके चारों ओर संगमरमर से उकेरी गई 40 मूर्तियाँ और कांस्य राहतें स्थित होंगी। हालाँकि, कुछ समय बाद, पोप जूलियस II ने उनके आदेश को अस्वीकार कर दिया, और माइकल एंजेलो की भव्य योजनाओं का सच होना तय नहीं था। सूत्र बताते हैं कि ग्राहक गुरु के प्रति असभ्य था, जिसके परिणामस्वरूप उसने अपनी आत्मा की गहराई का अपमान किया, राजधानी छोड़ने और फिर से फ्लोरेंस लौटने का फैसला किया।

हालांकि, फ्लोरेंटाइन अधिकारियों ने प्रसिद्ध मूर्तिकार को पोप के साथ शांति बनाने के लिए राजी किया। जल्द ही उन्होंने एक नए प्रस्ताव के साथ माइकल एंजेलो की ओर रुख किया - सिस्टिन चैपल की छत को सजाने के लिए। मास्टर, जो खुद को मुख्य रूप से मूर्तिकार मानते थे, ने अनिच्छा से आदेश स्वीकार कर लिया। इसके बावजूद, उन्होंने एक कैनवास बनाया जो अभी भी विश्व कला की एक मान्यता प्राप्त उत्कृष्ट कृति है और कई पीढ़ियों के लिए चित्रकार की स्मृति को छोड़ दिया।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि माइकल एंजेलो ने छत की पेंटिंग पर काम किया, जिसका क्षेत्रफल 600 वर्ग मीटर से अधिक है। मी, पूरी तरह से अकेला, बिना सहायकों के। हालांकि, चार साल बाद, भित्तिचित्र पूरी तरह से पूरा हो गया था।

पेंटिंग के लिए छत की पूरी सतह को कई हिस्सों में बांटा गया था। केंद्रीय स्थान पर दुनिया के निर्माण के साथ-साथ पहले लोगों के जीवन को दर्शाने वाले नौ दृश्यों का कब्जा है। ऐसे प्रत्येक दृश्य के कोनों में नग्न युवकों की आकृतियाँ हैं। इस रचना के बाएँ और दाएँ ओर सात भविष्यवक्ताओं और पाँच भविष्यवक्ताओं को चित्रित करने वाले भित्ति चित्र हैं। छत, धनुषाकार तहखानों और स्ट्रिपिंग को बाइबिल के अलग-अलग दृश्यों से सजाया गया है। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि माइकल एंजेलो के आंकड़े यहां विभिन्न पैमानों के हैं। इस विशेष तकनीक ने लेखक को सबसे महत्वपूर्ण एपिसोड और छवियों पर दर्शकों का ध्यान केंद्रित करने की अनुमति दी।

अब तक, कला वैज्ञानिक फ्रेस्को की वैचारिक अवधारणा की समस्या से हैरान हैं। तथ्य यह है कि इसे बनाने वाले सभी भूखंड बाइबिल के कथानक के विकास के तार्किक अनुक्रम का उल्लंघन करते हुए लिखे गए हैं। इसलिए, उदाहरण के लिए, पेंटिंग "नूह का नशा" रचना "अंधेरे से प्रकाश का पृथक्करण" से पहले है, हालांकि यह दूसरी तरफ होना चाहिए। हालांकि, भूखंडों का ऐसा बिखराव किसी भी तरह से चित्रकार के कलात्मक कौशल को नहीं दर्शाता है। जाहिरा तौर पर, कलाकार के लिए यह अभी भी अधिक महत्वपूर्ण था कि वह कथा की सामग्री को प्रकट न करे, लेकिन फिर से (जैसा कि "डेविड" की मूर्ति में) एक सुंदर, उदात्त मानव आत्मा और उसके शक्तिशाली, मजबूत शरीर के सामंजस्य को दिखाने के लिए।
इसकी पुष्टि मेजबानों के टाइटेनियम जैसे बूढ़े आदमी (फ्रेस्को "द क्रिएशन ऑफ द सन एंड द मून") की छवि से होती है, जो ल्यूमिनेयर्स बनाता है।

दुनिया के निर्माण के बारे में बताने वाले लगभग सभी भित्तिचित्रों में, दर्शकों के सामने एक विशाल व्यक्ति दिखाई देता है, जिसमें निर्माता के अनुरोध पर, जीवन, दृढ़ संकल्प, शक्ति और जागृति होगी। स्वतंत्रता का विचार पेंटिंग "द फॉल" में एक निरंतर धागा है, जहां ईव, निषिद्ध फल के लिए पहुंच रहा है, जैसे कि भाग्य को चुनौती देता है, स्वतंत्रता के लिए एक निर्णायक इच्छा व्यक्त करता है। फ्लड फ्रेस्को की छवियां, जिनके पात्र जीवन और परिवार की निरंतरता में विश्वास करते हैं, जीवन के लिए उसी अनम्यता और प्यास से भरे हुए हैं।

सिबिल और नबियों की छवियों को उन लोगों के आंकड़ों द्वारा दर्शाया जाता है जो मजबूत भावनाओं और पात्रों के उज्ज्वल व्यक्तित्व का प्रतिनिधित्व करते हैं। बुद्धिमान योएल यहाँ हताश यहेजकेल के विपरीत है। दर्शक आध्यात्मिक यशायाह और सुंदर की छवियों से चकित है, भविष्यवाणी के क्षण में दिखाया गया है, बड़ी, स्पष्ट आंखों के साथ डेल्फ़िक सिबिल।

ऊपर, माइकल एंजेलो द्वारा बनाई गई छवियों की दयनीयता और स्मारकीयता को पहले ही एक से अधिक बार नोट किया जा चुका है। एक दिलचस्प तथ्य यह है कि तथाकथित भी। सहायक आंकड़े मुख्य पात्रों के समान विशेषताओं के स्वामी के साथ संपन्न होते हैं। व्यक्तिगत चित्रों के कोनों में स्थित युवा पुरुषों की छवियां, एक व्यक्ति द्वारा अनुभव किए गए जीवन के आनंद और उसकी अपनी आध्यात्मिक और शारीरिक शक्ति की चेतना का प्रतीक हैं।

कला समीक्षक सिस्टिन चैपल की पेंटिंग को वह काम मानते हैं जिसने माइकल एंजेलो के रचनात्मक गठन की अवधि को पूरा किया। यहां मास्टर ने प्लैफॉन्ड के विभाजन को इतनी सफलतापूर्वक बनाया कि, सभी प्रकार के विषयों के बावजूद, पूरी तरह से फ्रेस्को कलाकार द्वारा बनाई गई छवियों के सामंजस्य और एकता की छाप बनाता है।

माइकल एंजेलो के भित्तिचित्रों पर काम की पूरी अवधि के दौरान, कलाकार की कलात्मक पद्धति धीरे-धीरे बदल गई। बाद के पात्रों को बड़े पैमाने पर प्रस्तुत किया जाता है - इससे उनकी स्मारकीयता में काफी वृद्धि हुई है। इसके अलावा, छवि के इस पैमाने ने इस तथ्य को जन्म दिया है कि आंकड़ों का प्लास्टिक बहुत अधिक जटिल हो गया है। हालांकि, यह किसी भी तरह से छवियों की अभिव्यक्ति को प्रभावित नहीं करता था। शायद, कहीं और से कहीं अधिक, एक मूर्तिकार की प्रतिभा प्रकट हुई, जो मानव आकृति के आंदोलन की हर पंक्ति को सूक्ष्मता से व्यक्त करने में कामयाब रही। किसी को यह आभास हो जाता है कि चित्रों को पेंट से नहीं चित्रित किया गया है, बल्कि उत्कृष्ट रूप से तराशी गई बड़ी राहतें हैं।

छत के विभिन्न हिस्सों में भित्तिचित्रों की प्रकृति अलग है। यदि केंद्रीय भाग सबसे आशावादी मनोदशाओं को व्यक्त करता है, तो धनुषाकार तिजोरियों में ऐसी छवियां होती हैं जो सभी रंगों की उदास भावनाओं को व्यक्त करती हैं: शांति, उदासी और चिंता को यहां भ्रम और सुन्नता से बदल दिया जाता है।

माइकल एंजेलो द्वारा प्रस्तुत मसीह के पूर्वजों की छवियों की व्याख्या भी दिलचस्प है। उनमें से कुछ रिश्तेदारी की भावनाओं को व्यक्त करते हैं। अन्य, इसके विपरीत, एक-दूसरे के प्रति क्रोध और घृणा से भरे हुए हैं, जो बाइबिल के नायकों के लिए विशिष्ट नहीं है जिन्हें दुनिया में प्रकाश और अच्छाई लाने के लिए कहा जाता है। कला समीक्षक चैपल के बाद के परिवर्धन को एक नई कलात्मक पद्धति की अभिव्यक्ति मानते हैं, प्रसिद्ध मास्टर चित्रकार के काम में गुणात्मक रूप से नए दौर की शुरुआत।

20 के दशक में। 16 वीं शताब्दी में, माइकल एंजेलो की कृतियाँ दिखाई देती हैं, जिनका उद्देश्य पोप जूलियस II की कब्र को सजाना था। बाद के निर्माण का आदेश प्रसिद्ध मूर्तिकार को पोप के उत्तराधिकारियों से प्राप्त हुआ था। इस संस्करण में, कम से कम मूर्तियों के साथ मकबरा कुछ छोटा होना चाहिए था। जल्द ही मास्टर ने तीन मूर्तियों के निष्पादन पर काम पूरा किया: दो दासों और मूसा की मूर्तियाँ।

माइकल एंजेलो ने 1513 से बंदियों की छवियों पर काम किया। इस काम का मुख्य विषय एक ऐसा व्यक्ति है जो उसके प्रति शत्रुतापूर्ण ताकतों के खिलाफ लड़ रहा है। यहां, विजयी नायकों के स्मारकीय आंकड़े उन पात्रों द्वारा प्रतिस्थापित किए जाते हैं जो बुराई के साथ एक असमान संघर्ष में नष्ट हो जाते हैं। इसके अलावा, ये छवियां कलाकार के किसी एक लक्ष्य और कार्य के अधीन नहीं होती हैं, बल्कि भावनाओं और भावनाओं की एक अंतःक्रिया का प्रतिनिधित्व करती हैं।

छवि की बहुमुखी प्रतिभा मास्टर द्वारा उपयोग की जाने वाली एक प्रकार की कलात्मक और चित्रमय पद्धति की सहायता से व्यक्त की जाती है। यदि उस समय तक माइकल एंजेलो ने एक तरफ से एक आकृति या मूर्तिकला समूह दिखाने का प्रयास किया, तो अब कलाकार द्वारा बनाई गई छवि प्लास्टिक बन जाती है, बदलती है। दर्शक मूर्ति के किस तरफ से है, इस पर निर्भर करते हुए, यह कुछ रूपरेखा प्राप्त करता है, और यह या वह समस्या अधिक तीव्र हो जाती है।

बाध्य कैदी उपरोक्त के उदाहरण के रूप में कार्य कर सकता है। इसलिए, यदि दर्शक घड़ी की दिशा में मूर्तिकला के चारों ओर घूमता है, तो उसे आसानी से निम्नलिखित दिखाई देंगे: पहला, एक बंधे हुए कैदी की आकृति जिसके सिर को पीछे की ओर फेंका गया है और एक असहाय शरीर अपनी शक्तिहीनता की चेतना से अमानवीय पीड़ा को व्यक्त करता है, मानव आत्मा और शरीर की कमजोरी। हालाँकि, जैसे-जैसे आप मूर्तिकला के चारों ओर आगे बढ़ते हैं, छवि महत्वपूर्ण रूप से बदल जाती है। कैदी की पूर्व कमजोरी दूर हो जाती है, उसकी मांसपेशियां ताकत से भर जाती हैं, उसका सिर गर्व से ऊंचा हो जाता है। और अब दर्शक के सामने एक थका हुआ शहीद नहीं है, बल्कि एक टाइटन नायक का एक शक्तिशाली व्यक्ति है, जिसने किसी हास्यास्पद दुर्घटना से खुद को बेदखल पाया। ऐसा लगता है कि एक और पल - और बंधन टूट जाएगा। हालाँकि, ऐसा नहीं होता है। आगे बढ़ते हुए देखने वाला देखता है कि कैसे मानव शरीर फिर से कमजोर हो जाता है, उसका सिर नीचे चला जाता है। और यहाँ फिर से हमारे सामने एक दयनीय कैदी है, जिसने अपने भाग्य से इस्तीफा दे दिया।

मरते हुए कैदी की मूर्ति में भी यही परिवर्तनशीलता देखी जा सकती है। जैसे-जैसे दर्शक आगे बढ़ता है, दर्शक देखता है कि कैसे पीड़ा में धड़कता हुआ शरीर धीरे-धीरे शांत हो जाता है और स्तब्ध हो जाता है, जिससे शाश्वत शांति और शांति का विचार उत्पन्न होता है।

कैदियों की मूर्तियां असामान्य रूप से अभिव्यंजक हैं, जो कि आकृतियों के प्लास्टिक आंदोलन के यथार्थवादी हस्तांतरण के कारण बनाई गई हैं। वे दर्शकों की आंखों के सामने सचमुच जीवन में आते हैं। बंदियों की मूर्ति के निष्पादन की ताकत की तुलना केवल मास्टर की सबसे पुरानी मूर्तिकला - "द बैटल ऑफ द सेंटॉर्स" से की जा सकती है।

मूसा की मूर्ति, द कैप्टिव्स के विपरीत, चरित्र में कुछ अधिक संयमित है, लेकिन कम अभिव्यंजक नहीं है। यहाँ माइकल एंजेलो फिर से एक टाइटैनिक मानव नायक की छवि के निर्माण की ओर मुड़ता है। मूसा की आकृति एक नेता, एक नेता, एक असामान्य रूप से दृढ़ इच्छाशक्ति वाले व्यक्ति का अवतार है। इसका सार डेविड की तुलना में पूरी तरह से प्रकट होता है। यदि उत्तरार्द्ध किसी की ताकत और अजेयता में विश्वास का प्रतीक है, तो यहां मूसा इस विचार की पहचान है कि जीत के लिए जबरदस्त प्रयासों की आवश्यकता होती है। नायक के इस आध्यात्मिक तनाव को न केवल उसके चेहरे पर दुर्जेय अभिव्यक्ति के माध्यम से, बल्कि आकृति की प्लास्टिसिटी की मदद से भी व्यक्त किया गया था: कपड़े की सिलवटों की तेजी से अपवर्तक रेखाएं, मूसा की दाढ़ी के उलटे हुए तार।

1519 से, माइकल एंजेलो कैदियों की चार और मूर्तियों के निर्माण पर काम कर रहा है। हालांकि, वे अधूरे रह गए। इसके बाद, उन्हें फ्लोरेंस में स्थित बोबोली गार्डन में ग्रोटो को सजाने के लिए इस्तेमाल किया गया। वर्तमान में, मूर्तियों को फ्लोरेंटाइन अकादमी में रखा गया है। इन कार्यों में, माइकल एंजेलो के लिए एक नया विषय प्रकट होता है: एक मूर्तिकला आकृति और एक स्रोत सामग्री के रूप में लिया गया एक पत्थर ब्लॉक के बीच संबंध। यहां मूर्तिकार कलाकार के मुख्य उद्देश्य के विचार को सामने रखता है: छवि को पत्थर की बेड़ियों से मुक्त करना। इस तथ्य के कारण कि मूर्तियां अधूरी निकलीं और उनके निचले हिस्से में पत्थर के अधूरे टुकड़े स्पष्ट रूप से दिखाई दे रहे हैं, दर्शक छवि बनाने की पूरी प्रक्रिया को देख सकते हैं। यहां एक नया कलात्मक संघर्ष दिखाया गया है: एक व्यक्ति और उसके आसपास की दुनिया। इसके अलावा, यह संघर्ष व्यक्ति के पक्ष में हल नहीं होता है। उसकी सभी भावनाओं और जुनून को पर्यावरण ने दबा दिया है।

फ्लोरेंस में मेडिसी चैपल की पेंटिंग एक ऐसा काम था जिसने उच्च पुनर्जागरण चरण के पूरा होने का संकेत दिया और साथ ही माइकल एंजेलो के काम में एक नया चरण था। 1520 से 1534 तक 15 वर्षों तक काम किया गया था। उस समय इटली में होने वाली राजनीतिक घटनाओं के कारण कुछ समय के लिए कलाकार को काम स्थगित करने के लिए मजबूर होना पड़ा। 1527 में, रोम की हार के जवाब में, फ्लोरेंस ने खुद को एक गणराज्य घोषित किया।

माइकल एंजेलो, रिपब्लिकन राज्य संरचना के समर्थक के रूप में, किलेबंदी के प्रमुख के पद के लिए चुने गए और शहर की रक्षा में एक महान योगदान दिया। जब फ्लोरेंस गिर गया और मेडिसी फिर से सत्ता में आया, तो प्रसिद्ध कलाकार और अब एक राजनेता पर मौत का गंभीर खतरा मंडरा रहा था। मुक्ति पूरी तरह से अप्रत्याशित रूप से आई। पोप क्लेमेंट VII मेडिसी, एक घमंडी और व्यर्थ व्यक्ति होने के नाते, अपनी और अपने रिश्तेदारों की स्मृति को भावी पीढ़ी पर छोड़ने की इच्छा व्यक्त की। अद्भुत चित्रों को चित्रित करने और उत्कृष्ट मूर्तियों के प्रदर्शन की कला के लिए प्रसिद्ध माइकल एंजेलो के अलावा कौन ऐसा कर सकता था?

इसलिए, मेडिसी चैपल के निर्माण पर काम फिर से शुरू हुआ। उत्तरार्द्ध ऊंची दीवारों वाली एक छोटी संरचना है, जिसके शीर्ष पर एक गुंबद है। चैपल में दो कब्रें हैं: नेमोर्स के ड्यूक गिउलिआनो और उरबिनो के लोरेंजो, दीवारों के साथ स्थित हैं। तीसरी दीवार पर, वेदी के सामने, मैडोना की एक मूर्ति है। उसके बाईं और दाईं ओर मूर्तियां हैं जो संतों कोस्मास और डेमियन की छवियों को दर्शाती हैं। यह स्थापित है कि वे महान गुरु के शिष्यों द्वारा बनाए गए थे। शोधकर्ताओं का सुझाव है कि यह मेडिसी मकबरे के लिए था कि "अपोलो" (दूसरा नाम - "डेविड") और "क्राउचिंग बॉय" की मूर्तियां भी बनाई गई थीं।

ड्यूक की मूर्तियों के साथ, जो उनके प्रोटोटाइप के लिए कोई बाहरी समानता नहीं थी, उन्हें रूपक आंकड़े: "सुबह", "दिन", "शाम" और "रात" रखा गया था। उन्हें यहां सांसारिक समय और मानव जीवन की क्षणभंगुरता के प्रतीक के रूप में प्रस्तुत किया गया है। संकीर्ण निचे में स्थित मूर्तियाँ अवसाद का आभास कराती हैं, किसी भयानक और दुर्जेय वस्तु का आसन्न आगमन। सभी तरफ से पत्थर की दीवारों से कुचले गए ड्यूक के वॉल्यूमेट्रिक आंकड़े, आध्यात्मिक फ्रैक्चर और छवियों के आंतरिक खालीपन को व्यक्त करते हैं।

इस पहनावा में सबसे सामंजस्यपूर्ण मैडोना की छवि है। असामान्य रूप से अभिव्यंजक और गीतकारिता से भरपूर, यह असंदिग्ध है और अंधेरे रेखाओं से बोझिल नहीं है।

मेडिसी चैपल स्थापत्य और मूर्तिकला रूपों की कलात्मक एकता के संदर्भ में विशेष रुचि रखता है। भवन की रेखाएँ और मूर्तियाँ यहाँ कलाकार के एक विचार के अधीन हैं। चैपल दो कलाओं - मूर्तिकला और वास्तुकला की बातचीत के संश्लेषण और सद्भाव का सबसे स्पष्ट उदाहरण है, जहां एक के हिस्से दूसरे के तत्वों के अर्थ को सामंजस्यपूर्ण रूप से पूरक और विकसित करते हैं।

1534 से माइकल एंजेलो ने फ्लोरेंस को छोड़ दिया और रोम में बस गए, जहां वे अपने जीवन के अंत तक रहे। महान गुरु के काम का रोमन काल पुनर्जागरण के लेखकों, चित्रकारों और मूर्तिकारों द्वारा गाए गए विचारों के खिलाफ काउंटर-रिफॉर्मेशन संघर्ष की स्थितियों में पारित हुआ। तौर-तरीकों की कला बाद की रचनात्मकता की जगह ले रही है।

रोम में, माइकल एंजेलो उस समय के प्रसिद्ध इतालवी कवि विटोरिया कोलोना के नेतृत्व में एक धार्मिक और दार्शनिक मंडली बनाने वाले लोगों के करीब हो गए। हालाँकि, अपनी युवावस्था में, माइकल एंजेलो के विचार और विचार उन लोगों से बहुत दूर थे जो सर्कल के प्रमुखों में मंडराते थे। वास्तव में, गुरु गलतफहमी और आध्यात्मिक अकेलेपन के माहौल में रोम में रहते थे और काम करते थे।

यह इस समय (1535-1541) था कि लास्ट जजमेंट फ्रेस्को दिखाई दिया, जो सिस्टिन चैपल की वेदी की दीवार को सुशोभित करता था।

बाइबिल की कहानी यहाँ लेखक द्वारा पुनर्व्याख्या की गई है। लास्ट जजमेंट की तस्वीर को दर्शक सकारात्मक शुरुआत के रूप में नहीं, सर्वोच्च न्याय की जीत के रूप में देखते हैं, बल्कि सर्वनाश की तरह पूरी जाति की मौत की एक आम मानवीय त्रासदी के रूप में देखते हैं। लोगों के विशाल आंकड़े रचना के नाटक को बढ़ाते हैं।

चित्र की सहज प्रकृति पूरी तरह से कलाकार के कार्य से मेल खाती है - सामान्य द्रव्यमान में खोए हुए व्यक्ति को दिखाने के लिए। कलात्मक छवि के इस तरह के समाधान के लिए धन्यवाद, दर्शक को इस दुनिया में अकेलेपन और शत्रुतापूर्ण ताकतों के सामने शक्तिहीनता की भावना है, जिसके साथ लड़ने का कोई मतलब नहीं है। दुखद नोट अधिक भेदी ध्वनि प्राप्त करते हैं क्योंकि मास्टर के पास लोगों के सामूहिक रूप से एक अभिन्न, अखंड छवि नहीं है (जैसा कि इसे स्वर्गीय पुनर्जागरण के कलाकारों के कैनवस पर प्रस्तुत किया जाएगा), उनमें से प्रत्येक अपना रहता है जिंदगी। हालांकि, चित्रकार की निस्संदेह योग्यता को इस तथ्य पर विचार किया जा सकता है कि उसने अभी भी असंगत दिखाया, लेकिन अब अवैयक्तिक मानव द्रव्यमान नहीं है।

द लास्ट जजमेंट में, माइकल एंजेलो असामान्य रूप से अभिव्यंजक रंग तकनीक प्रस्तुत करता है। हल्के नग्न शरीर और एक काले, काले और नीले आकाश के विपरीत रचना में दुखद तनाव और अवसाद की छाप को बढ़ाता है।

माइकल एंजेलो। द लास्ट जजमेंट। वेटिकन में सिस्टिन चैपल का फ्रेस्को। टुकड़ा। १५३५-१५४१

1542 और 1550 के बीच, माइकल एंजेलो ने वेटिकन में पाओलिना चैपल की दीवारों को चित्रित किया। महान मास्टर-पेंटर के ब्रश दो भित्तिचित्रों से संबंधित हैं, जिनमें से एक को बाद में "पॉल का रूपांतरण" कहा गया, और दूसरा - "पीटर का क्रूसीफिकेशन"। उत्तरार्द्ध में, पीटर के निष्पादन को देखने वाले पात्रों में, एक व्यक्ति की उसके भाग्य के प्रति मौन सहमति, निष्क्रियता और विनम्रता का विचार पूरी तरह से प्रस्तुत किया गया है। लोगों के पास न तो शारीरिक और न ही मानसिक शक्ति है कि वे किसी तरह हिंसा और बुराई का विरोध कर सकें।

1530 के उत्तरार्ध में। माइकल एंजेलो की एक और मूर्ति दिखाई देती है - ब्रूटस की एक मूर्ति। इस काम ने प्रसिद्ध गुरु से अपने रिश्तेदार लोरेंजो द्वारा किए गए अत्याचारी ड्यूक एलेसेंड्रो मेडिसी की हत्या के लिए एक तरह की प्रतिक्रिया के रूप में कार्य किया। सच्चे इरादों के बावजूद, बाद के कार्य को कलाकार द्वारा खुशी के साथ स्वागत किया गया - रिपब्लिकन का समर्थक। ब्रूटस की छवि नागरिक पाथोस से भरी हुई है, जिसे मास्टर द्वारा एक महान, गर्व, स्वतंत्र, महान बुद्धि और गर्म दिल के व्यक्ति के रूप में दर्शाया गया है। यहाँ माइकल एंजेलो, जैसा कि यह था, उच्च आध्यात्मिक और बौद्धिक गुणों वाले एक आदर्श व्यक्ति की छवि में लौटता है।

माइकल एंजेलो की रचनात्मकता के अंतिम वर्ष दोस्तों और रिश्तेदारों के नुकसान और इससे भी अधिक गंभीर सार्वजनिक प्रतिक्रिया के माहौल में गुजरे। प्रति-सुधारवादियों के नवाचार मास्टर के कार्यों पर स्पर्श नहीं कर सके, जिसमें पुनर्जागरण के सबसे प्रगतिशील विचार प्रकट हुए: मानवतावाद, स्वतंत्रता का प्रेम, भाग्य के प्रति विद्रोह। यह कहने के लिए पर्याप्त है कि प्रति-सुधारों के कट्टर प्रशंसकों में से एक, पॉल IV करफ़ा के निर्णय से, प्रसिद्ध चित्रकार द्वारा अंतिम निर्णय की रचना में परिवर्तन किए गए थे। पोप ने भित्तिचित्रों में चित्रित लोगों की नग्न आकृतियों को अश्लील माना। उनके आदेश से, माइकल एंजेलो के छात्र डेनियल दा वोल्टेरा ने कुछ माइकल एंजेलो छवियों की नग्नता को ड्रेपरियों के साथ छुपाया।

माइकल एंजेलो की अंतिम रचनाएँ - कई चित्र और मूर्तियां - अकेलेपन के उदास और दर्दनाक मूड और सभी आशाओं के पतन के साथ व्याप्त हैं। यह ऐसे कार्य हैं जो मान्यता प्राप्त गुरु के आंतरिक अंतर्विरोधों को सबसे अधिक स्पष्ट रूप से दर्शाते हैं।

इस प्रकार, फिलिस्तीन से पिएटा में यीशु मसीह को एक नायक के रूप में प्रस्तुत किया गया है, जो बाहरी ताकतों के हमले के तहत टूट गया है। फ्लोरेंटाइन कैथेड्रल से "पिएटा" ("एंटॉम्बमेंट") में एक ही छवि पहले से ही अधिक सांसारिक और मानवीय है। यह अब एक टाइटन हीरो नहीं है। यहां कलाकार के लिए पात्रों की आध्यात्मिक शक्ति, भावनाओं और अनुभवों को दिखाना अधिक महत्वपूर्ण हो जाता है।

मसीह के शरीर की टूटी हुई आकृति, अपने बेटे के मृत शरीर पर झुकी हुई एक माँ की छवि, निकोडेमस शरीर को नीचे कर रही है
कब्र में यीशु - सब कुछ एक कार्य के अधीन है: मानवीय अनुभवों की गहराई को चित्रित करना। इसके अलावा, सच
इन कार्यों का लाभ गुरु द्वारा छवियों की एकता पर काबू पाना है। पेंटिंग में लोग गहरी करुणा और नुकसान की कड़वाहट की भावना से एकजुट हैं। माइकल एंजेलो की इस तकनीक को इतालवी कला के निर्माण के अगले चरण में, स्वर्गीय पुनर्जागरण के कलाकारों और मूर्तिकारों के कार्यों में विकसित किया गया था।

माइकल एंजेलो की रचनात्मकता के अंतिम चरण के शिखर को एक मूर्तिकला माना जा सकता है, जिसे बाद में "पिएटा रोंडानिनी" कहा जाता है। यहां दिखाए गए चित्र कोमलता, आध्यात्मिकता, गहरे दुख और उदासी के अवतार के रूप में प्रस्तुत किए गए हैं। यहाँ, पहले से कहीं अधिक, एक ऐसी दुनिया में जहाँ बहुत सारे लोग हैं, मानव अकेलेपन का विषय तीव्र लगता है।

महान गुरु के बाद के ग्राफिक कार्यों में समान उद्देश्यों को सुना जा सकता है, जो ड्राइंग को मूर्तिकला, चित्रकला और वास्तुकला का मूल सिद्धांत मानते थे।

माइकल एंजेलो के ग्राफिक कार्यों की छवियां उनकी स्मारकीय रचनाओं के नायकों से अलग नहीं हैं: यहां वही राजसी टाइटन नायकों का प्रतिनिधित्व किया जाता है। अपने काम की अंतिम अवधि में, माइकल एंजेलो ने एक स्वतंत्र कलात्मक और दृश्य शैली के रूप में ड्राइंग की ओर रुख किया। तो, 30-40 के दशक तक। १६वीं शताब्दी में मास्टर की सबसे ज्वलंत और अभिव्यंजक रचनाओं का उदय हुआ, जैसे "द फॉल ऑफ फेटन" और "द रिसरेक्शन ऑफ क्राइस्ट"।

ग्राफिक कार्यों के उदाहरणों पर कलाकार की कलात्मक पद्धति के विकास का आसानी से पता लगाया जा सकता है। यदि पहले चित्र, पेन से बनाए गए, में आकृति के बहुत ही विशिष्ट चित्र होते हैं, जिसमें आकृति की तीक्ष्ण रूपरेखा होती है, तो बाद की छवियां अधिक अस्पष्ट और नरम हो जाती हैं। यह हल्कापन इस तथ्य के कारण बनाया गया है कि कलाकार या तो एक सेंगुइन या एक इतालवी पेंसिल का उपयोग करता है, जिसकी मदद से पतली और अधिक नाजुक रेखाएं बनाई जाती हैं।

हालांकि, माइकल एंजेलो के बाद के काम को न केवल दुखद निराशाजनक छवियों द्वारा चिह्नित किया गया था। इस समय के महान गुरु की स्थापत्य संरचनाएं, पुनर्जागरण की परंपराओं को जारी रखती प्रतीत होती हैं। इसका सेंट पीटर का कैथेड्रल और रोम में कैपिटल का स्थापत्य पहनावा उच्च मानवतावाद के पुनर्जागरण विचारों का प्रतीक है।

18 फरवरी, 1564 को रोम में माइकल एंजेलो बुओनारोती की मृत्यु हो गई। उनके शरीर को सख्त गोपनीयता में राजधानी से बाहर निकाला गया और फ्लोरेंस भेज दिया गया। महान कलाकार को सांता क्रो के चर्च में दफनाया गया था।

माइकल एंजेलो के कई अनुयायियों की कलात्मक पद्धति के निर्माण और विकास में चित्रकला और मूर्तिकला के मास्टर के काम ने महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। इनमें राफेल, तौर-तरीके शामिल हैं, जिन्होंने अक्सर प्रसिद्ध चित्रकार द्वारा बनाई गई छवियों की पंक्तियों की नकल की। माइकल एंजेलो की कला बारोक युग के कलाकारों के लिए कम महत्वपूर्ण नहीं थी। हालांकि, यह कहना गलत होगा कि बारोक (एक व्यक्ति जो आंतरिक आवेगों से नहीं, बल्कि बाहरी ताकतों द्वारा आगे बढ़ाया जाता है) की छवियां माइकल एंजेलो के नायकों के समान हैं, जो मानवतावाद, इच्छा और मनुष्य की आंतरिक शक्ति का महिमामंडन करती हैं।

राफेल सैंटी

राफेल सैंटी का जन्म 1483 में उरबिनो के छोटे से शहर में हुआ था। महान चित्रकार के जन्म की सही तारीख स्थापित करना संभव नहीं था। कुछ सूत्रों के अनुसार उनका जन्म 26 या 28 मार्च को हुआ था। अन्य विद्वानों का दावा है कि राफेल की जन्म तिथि 6 अप्रैल, 1483 थी।

१५वीं शताब्दी के अंत तक, उरबिनो देश के सबसे बड़े सांस्कृतिक केंद्रों में से एक बन गया। जीवनीकारों का सुझाव है कि राफेल ने अपने पिता जियोवानी सैंटी के साथ अध्ययन किया। 1495 से युवक उरबिनो मास्टर टिमोटो डेला विटे की कला कार्यशाला में काम कर रहा है।

राफेल के सबसे पुराने जीवित कार्यों को लघुचित्र "द ड्रीम ऑफ ए नाइट" और "थ्री ग्रेसेस" माना जाता है। इन कार्यों में पहले से ही पुनर्जागरण के आचार्यों द्वारा प्रचारित मानवतावादी आदर्श पूरी तरह से परिलक्षित होते हैं।

द नाइट्स ड्रीम में, हरक्यूलिस के एक विकल्प का सामना करने के पौराणिक विषय पर एक तरह का पुनर्विचार है: वीरता या खुशी? .. राफेल ने हरक्यूलिस को एक सोते हुए युवा शूरवीर के रूप में दर्शाया है। उसके सामने दो युवतियां हैं: एक किताब और हाथों में तलवार (ज्ञान, वीरता और हथियारों के पराक्रम के प्रतीक) के साथ, दूसरी एक खिलती हुई शाखा के साथ, आनंद और आनंद को दर्शाती है। पूरी रचना को एक सुंदर परिदृश्य की पृष्ठभूमि में रखा गया है।

"थ्री ग्रेसेस" में, फिर से, प्राचीन ग्रीक कैमियो (एक कीमती या अर्ध-कीमती पत्थर पर एक छवि) से, सभी संभावना में, प्राचीन छवियों को प्रस्तुत किया जाता है, लिया जाता है।

इस तथ्य के बावजूद कि युवा कलाकार के शुरुआती कार्यों में कई उधार हैं, लेखक की रचनात्मक व्यक्तित्व पहले से ही यहां स्पष्ट रूप से प्रकट हुई है। यह छवियों के गीतवाद, काम के विशेष लयबद्ध संगठन, आकृतियों को बनाने वाली रेखाओं की कोमलता में व्यक्त किया जाता है। चित्रित छवियों का असाधारण सामंजस्य, साथ ही साथ संरचना की स्पष्टता और स्पष्टता, जो राफेल के शुरुआती कार्यों की विशेषता है, उच्च पुनर्जागरण के कलाकार की बात करते हैं।

1500 में, राफेल अपने गृहनगर को छोड़कर उम्ब्रिया के मुख्य शहर पेरुगिया चला जाता है। यहां उन्होंने पिएत्रो पेरुगिनो के स्टूडियो में पेंटिंग का अध्ययन किया, जो उम्ब्रियन कला विद्यालय के संस्थापक थे। राफेल के समकालीन गवाही देते हैं: सक्षम छात्र ने अपने शिक्षक के लेखन की शैली को इतनी गहराई से अपनाया कि उनके कैनवस को भी प्रतिष्ठित नहीं किया जा सका। बहुत बार, राफेल और पेरुगिनो ने तस्वीर पर एक साथ काम करते हुए, आदेश को पूरा किया।

हालांकि, यह कहना गलत होगा कि इस अवधि के दौरान युवा कलाकार की मूल प्रतिभा का विकास बिल्कुल नहीं हुआ। इसकी पुष्टि प्रसिद्ध "मैडोना कॉनस्टाबिल" द्वारा की जाती है, जिसे 1504 के आसपास बनाया गया था।

इस कैनवास में पहली बार मैडोना की छवि दिखाई देती है, जो भविष्य में कलाकार के काम में अग्रणी स्थानों में से एक लेगी। मैडोना को पेड़ों, पहाड़ियों और एक झील के साथ एक अद्भुत परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ चित्रित किया गया था। छवियां इस तथ्य से एकजुट होती हैं कि मैडोना और बच्चे की निगाह उस पुस्तक की ओर है, जिसे पढ़ने में युवा मां व्यस्त है। रचना की पूर्णता को न केवल मुख्य पात्रों के आंकड़ों से, बल्कि चित्र के बहुत रूप - टोंडो (गोल) द्वारा भी व्यक्त किया जाता है, जो छवियों की स्वतंत्रता को सीमित नहीं करता है। वे विशाल और हल्के होते हैं। प्राकृतिकता और यथार्थवाद की छाप हल्के ठंडे रंगों और रचना में उनके विशेष संयोजनों के उपयोग के लिए बनाई गई है: मैडोना की गहरी नीली केप, पारदर्शी नीला आकाश, हरे पेड़ और झील का पानी, सफेद चोटियों के साथ बर्फ से ढके पहाड़। यह सब, चित्र को देखते हुए, पवित्रता और कोमलता की भावना पैदा करता है।

राफेल का एक और समान रूप से प्रसिद्ध काम, जो उनके काम की शुरुआती अवधि से संबंधित है, 1504 में बनाया गया एक कैनवास है जिसे "द बेट्रोथल ऑफ मैरी" कहा जाता है। पेंटिंग वर्तमान में मिलान में ब्रेरा गैलरी में रखी गई है। संरचना निर्माण यहाँ विशेष रुचि का है। चित्रकार ने सगाई की धार्मिक और औपचारिक कार्रवाई को चर्च की दीवारों से, दूर से दिखाई देने वाली, सड़क पर स्थानांतरित कर दिया। संस्कार एक स्पष्ट हल्के नीले आकाश के नीचे किया जाता है। तस्वीर के केंद्र में पुजारी है, उसके बाईं ओर और उसके दाईं ओर मैरी और जोसेफ हैं, जिनके बगल में छोटे समूहों में युवा लड़कियां और लड़के हैं। रचना के परिप्रेक्ष्य में रखा गया, चर्च एक तरह की पृष्ठभूमि है जिसके खिलाफ सगाई होती है। वह मैरी और जोसेफ के लिए दैवीय स्वभाव और अनुग्रह का प्रतीक है। इसके ऊपरी हिस्से में कैनवास का अर्धवृत्ताकार फ्रेम, चर्च के गुंबद की रेखा को दोहराते हुए, चित्र को अपनी तार्किक पूर्णता देता है।

चित्र में चित्र असामान्य रूप से गेय और एक ही समय में प्राकृतिक हैं। यहां, आंदोलनों, मानव शरीर की प्लास्टिसिटी बहुत सटीक और सूक्ष्म रूप से व्यक्त की जाती है। इसका एक ज्वलंत उदाहरण रचना के अग्रभूमि में एक लड़के की आकृति है, जो अपने घुटने पर एक डंडा तोड़ता है। मारिया और जोसेफ दर्शकों के लिए सुंदर, लगभग अलौकिक लगते हैं। उनके भावपूर्ण चेहरे प्रेम और कोमलता से भरे हुए हैं। आंकड़ों की व्यवस्था की एक निश्चित समरूपता के बावजूद, कैनवास अपनी गीतात्मक ध्वनि नहीं खोता है। राफेल द्वारा बनाई गई छवियां योजनाएं नहीं हैं, वे सभी प्रकार की भावनाओं में जीवित लोग हैं।

यह इस काम में था कि पहली बार सबसे स्पष्ट रूप से, पिछले कार्यों की तुलना में, रचना की लय को सूक्ष्म रूप से व्यवस्थित करने की क्षमता में युवा मास्टर की प्रतिभा प्रकट हुई थी। इस संपत्ति के लिए धन्यवाद, समग्र चित्र में स्थापत्य संरचनाओं की छवियों को सामंजस्यपूर्ण रूप से शामिल किया गया है, जो न केवल राफेल के परिदृश्य का एक तत्व हैं, बल्कि मुख्य पात्रों के बराबर हो जाते हैं, उनके सार और चरित्र को प्रकट करते हैं।

काम में एक विशेष लय बनाने की इच्छा कलाकार द्वारा कुछ स्वरों के रंगों के उपयोग से तय होती है। इस प्रकार, रचना "द बेट्रोथल ऑफ मैरी" केवल चार रंगों पर बनी है।

सुनहरे पीले, हरे और लाल स्वर, नायकों के कपड़ों में, परिदृश्य, वास्तुकला और समग्र रचना के लिए आवश्यक लय स्थापित करते हुए, आकाश के हल्के नीले रंग के रंगों के साथ एक सामंजस्य बनाते हैं।

बहुत जल्द, चित्रकार की प्रतिभा के आगे विकास के लिए पेरुगिनो की कला कार्यशाला बहुत छोटी हो जाती है। 1504 में, राफेल ने फ्लोरेंस जाने का फैसला किया, जहां उच्च पुनर्जागरण कला के विचार और सौंदर्यशास्त्र विकसित किए गए थे। यहाँ राफेल माइकल एंजेलो और लियोनार्डो दा विंची के कार्यों से परिचित हो जाता है। यह कहना सुरक्षित है कि वे अपनी रचनात्मक पद्धति के निर्माण के इस स्तर पर युवा चित्रकार के शिक्षक थे। इन उस्तादों के कार्यों में, युवा कलाकार को कुछ ऐसा मिला जो उम्ब्रियन स्कूल में नहीं था: चित्र बनाने की मूल शैली, चित्रित आंकड़ों की अभिव्यंजक प्लास्टिसिटी, वास्तविकता का अधिक चमकदार प्रतिनिधित्व।

1505 में राफेल द्वारा बनाए गए कार्यों में नए कलात्मक और सचित्र समाधान पहले से ही परिलक्षित हुए थे। फ्लोरेंस एंजेलो डोनी और उनकी पत्नी के तत्कालीन प्रसिद्ध परोपकारी व्यक्ति के चित्र अब पिट्टी गैलरी में रखे गए हैं। छवियां किसी भी वीर पथ और अतिशयोक्ति से रहित हैं। ये सामान्य लोग हैं, हालांकि, सर्वोत्तम मानवीय गुणों से संपन्न हैं, जिनमें दृढ़ संकल्प और दृढ़ इच्छाशक्ति शामिल हैं।

यहाँ, फ्लोरेंस में, राफेल मैडोना को समर्पित चित्रों का एक चक्र लिखता है। उनके कैनवस "मैडोना इन द ग्रीन", "मैडोना विद ए गोल्डफिंच", "मैडोना द गार्डनर" दिखाई दिए। ये रचनाएँ एक टुकड़े के रूप हैं। सभी कैनवस मैडोना और चाइल्ड को नन्हे जॉन द बैपटिस्ट के साथ चित्रित करते हैं। आंकड़े एक शानदार रूप से सुंदर परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ रखे गए हैं। राफेल की छवियां असामान्य रूप से गेय, कोमल और कोमल हैं। उनकी मैडोना क्षमाशील, निर्मल मातृ प्रेम की प्रतिमूर्ति है। इन कृतियों में वीरों के बाह्य सौन्दर्य के लिए एक निश्चित मात्रा में भावुकता और अत्यधिक प्रशंसा है।

इस अवधि के दौरान चित्रकार की कलात्मक पद्धति की एक विशिष्ट विशेषता फ्लोरेंटाइन स्कूल के सभी उस्तादों में निहित रंग की स्पष्ट दृष्टि की कमी है। कैनवस पर कोई प्रमुख रंग नहीं हैं। चित्र पेस्टल रंगों में प्रस्तुत किए गए हैं। कलाकार के लिए, रंग यहां मुख्य चीज नहीं है। आकृति को बनाने वाली रेखाओं को यथासंभव सटीक रूप से व्यक्त करना उसके लिए अधिक महत्वपूर्ण हो जाता है।

राफेल की स्मारकीय पेंटिंग के पहले उदाहरण फ्लोरेंस में बनाए गए थे। उनमें से सबसे दिलचस्प जॉन द बैपटिस्ट और सेंट जॉन के साथ मैडोना है। निकोलस "(या" मैडोना ऑफ एनसाइड ")। कलाकार की रचनात्मक पद्धति काफी हद तक फ्लोरेंटाइन चित्रकारों के कैनवस से प्रभावित थी, मुख्य रूप से लियोनार्डो दा विंची और फ्रा बार्टोलोमो।

1507 में, फ्लोरेंटाइन स्कूल के सर्वश्रेष्ठ उस्तादों के साथ तुलना करना चाहते थे, वे लियोनार्डो दा विंची और माइकल एंजेलो थे, राफेल एक काफी बड़ा कैनवास बनाता है, जिसे "द एन्टॉम्बमेंट" कहा जाता है। रचना चित्रों के कुछ तत्व प्रसिद्ध चित्रकारों की पुनरावृत्ति हैं। तो, मसीह के सिर और शरीर को माइकल एंजेलो की मूर्तिकला "पिएटा" (1498-1501) से उधार लिया गया है, और मैरी का समर्थन करने वाली एक महिला की छवि - उसी मास्टर "मैडोना डोनी" के कैनवास से। कई कला समीक्षक राफेल के इस काम को मूल नहीं मानते हैं, उनकी मूल प्रतिभा और कलात्मक और चित्रात्मक पद्धति की विशेषताओं को प्रकट करते हैं।

अपने आखिरी असफल काम के बावजूद, कला में राफेल की उपलब्धियां महत्वपूर्ण थीं। जल्द ही, समकालीनों ने युवा कलाकार के कार्यों को देखा और पहचाना, और लेखक खुद को पुनर्जागरण के उत्कृष्ट स्वामी-चित्रकारों के बराबर रखा गया। 1508 में, प्रसिद्ध वास्तुकार ब्रैमांटे, साथी देश राफेल के संरक्षण में, चित्रकार रोम के लिए रवाना होता है, जहां वह पोप दरबार में आमंत्रित लोगों में से है।

जूलियस II, जो उस समय पोप के सिंहासन पर था, एक व्यर्थ, निर्णायक और मजबूत इरादों वाले व्यक्ति के रूप में जाना जाता था।
यह उनके शासनकाल के दौरान युद्धों के माध्यम से पोप की संपत्ति का बहुत विस्तार हुआ था। संस्कृति और कला के विकास के संबंध में वही "आक्रामक" नीति अपनाई गई। इस प्रकार, सबसे प्रसिद्ध कलाकारों, मूर्तिकारों और वास्तुकारों को पोप दरबार में आमंत्रित किया गया था। रोम, कई स्थापत्य भवनों से सुशोभित, स्पष्ट रूप से बदलने लगा: ब्रैमांटे ने सेंट पीटर कैथेड्रल का निर्माण किया; माइकल एंजेलो ने जूलियस II के मकबरे के निर्माण को अस्थायी रूप से निलंबित कर दिया, सिस्टिन चैपल की छत को पेंट करना शुरू कर दिया। धीरे-धीरे, उच्च मानवतावादी सिद्धांतों और विचारों का प्रचार करते हुए, पोप के चारों ओर कवियों और वैज्ञानिकों का एक मंडल बनाया गया। फ्लोरेंस से पहुंचे राफेल सेंटी ऐसे ही माहौल में आ गए।

रोम में पहुंचकर, राफेल ने पोप के अपार्टमेंट (तथाकथित श्लोक) की पेंटिंग पर काम करना शुरू किया। 1509 से 1517 की अवधि में भित्ति चित्र बनाए गए थे। वे कई विशेषताओं द्वारा अन्य स्वामी द्वारा समान प्रकृति के कार्यों से अलग हैं। सबसे पहले, यह चित्रों का पैमाना है। यदि पिछले चित्रकारों के कार्यों में एक दीवार पर कई छोटी रचनाएँ थीं, तो राफेल की प्रत्येक पेंटिंग के लिए एक अलग दीवार है। तदनुसार, चित्रित आंकड़े "बढ़े" भी हैं।

इसके अलावा, विभिन्न प्रकार के सजावटी तत्वों के साथ राफेल के भित्तिचित्रों की समृद्धि पर ध्यान देना आवश्यक है: कृत्रिम संगमरमर और गिल्डिंग, फ्रेस्को और मोज़ेक रचनाओं से सजाए गए छत, एक फैंसी पैटर्न के साथ चित्रित एक मंजिल। हालांकि, इस तरह की विविधता से अधिकता और अराजकता का आभास नहीं होता है। उनके स्थानों में व्यवस्थित और कुशलता से व्यवस्थित सजावटी तत्व सद्भाव, व्यवस्था और गुरु द्वारा निर्धारित एक निश्चित लय की भावना पैदा करते हैं। इस तरह के रचनात्मक और तकनीकी नवाचारों के परिणामस्वरूप, चित्रों में कलाकार द्वारा बनाई गई छवियां दर्शकों को स्पष्ट रूप से दिखाई देती हैं और इसलिए आवश्यक स्पष्टता और स्पष्टता प्राप्त करती हैं।

सभी भित्तिचित्रों को एक सामान्य विषय का पालन करना था: कैथोलिक चर्च और उसके प्रमुख का महिमामंडन। इस संबंध में, पेंटिंग बाइबिल के भूखंडों और पोप के इतिहास के दृश्यों पर आधारित हैं (जूलियस II और उनके उत्तराधिकारी लियो एक्स की छवियों के साथ)। हालांकि, राफेल में, ऐसी ठोस छवियां पुनर्जागरण के मानवतावादी विचारों के सार को प्रकट करते हुए एक सामान्यीकृत रूपक अर्थ प्राप्त करती हैं।

इस दृष्टिकोण से विशेष रुचि स्टैंज़ा डेला सेन्यातुरा (हस्ताक्षर कक्ष) है। रचना के भित्ति चित्र मानव आध्यात्मिक गतिविधि के चार क्षेत्रों की अभिव्यक्ति हैं। तो, फ्रेस्को "विवाद" धर्मशास्त्र को दर्शाता है, "द एथेनियन स्कूल" - दर्शन, "पर्नासस" - कविता, "बुद्धि, संयम और शक्ति" - न्याय। प्रत्येक फ्रेस्को के ऊपरी भाग को एक विशेष गतिविधि का प्रतिनिधित्व करने वाली आकृति के रूपक प्रतिनिधित्व के साथ ताज पहनाया जाता है। वाल्टों के कोनों में इस या उस फ्रेस्को के विषय में समान छोटी रचनाएँ हैं।

स्टैंज़ा डेला सेन्यातुरा में पेंटिंग की रचना बाइबिल और प्राचीन ग्रीक विषयों (बाइबिल - "द फॉल", एंटीक - "मार्सियस पर अपोलो की जीत") के संयोजन पर आधारित है। तथ्य यह है कि पौराणिक, मूर्तिपूजक और धर्मनिरपेक्ष विषयों के संयोजन का उपयोग पोप के कमरों को सजाने के लिए किया गया था, जो उस समय के लोगों के धार्मिक हठधर्मिता के प्रति दृष्टिकोण की गवाही देता है। राफेल के भित्तिचित्रों ने चर्च-धार्मिक पर धर्मनिरपेक्ष सिद्धांत की प्राथमिकता व्यक्त की।

धार्मिक पंथ फ्रेस्को को सबसे चमकीला और पूरी तरह से प्रतिबिंबित करने वाली पेंटिंग "विवाद" थी। यहाँ रचना, जैसे वह थी, दो भागों में विभाजित है: स्वर्ग और पृथ्वी। नीचे, जमीन पर, चर्च के पिता, साथ ही पुजारियों, बुजुर्गों और युवाओं के आंकड़े हैं। उनकी छवियां असामान्य रूप से प्राकृतिक हैं, जो निकायों की प्लास्टिसिटी के यथार्थवादी पुनरुत्पादन की मदद से बनाई गई हैं, आंकड़े के घुमाव और आंदोलन। दांते, सवोनारोला, चित्रकार फ्रा बीटो एंजेलिको को यहां चेहरे के द्रव्यमान के बीच आसानी से पहचाना जा सकता है।

लोगों के आंकड़ों के ऊपर पवित्र त्रिमूर्ति का प्रतीक चित्र हैं: गॉड फादर, उससे थोड़ा नीचे - जीसस क्राइस्ट विथ द मदर ऑफ गॉड और जॉन द बैपटिस्ट, उनके नीचे - एक कबूतर - पवित्र आत्मा का अवतार। समग्र रचना के केंद्र में, संस्कार के प्रतीक के रूप में, एक वेफर है।

"विवाद" में राफेल रचना के एक नायाब मास्टर के रूप में प्रकट होता है। कई प्रतीकों के बावजूद, चित्र छवियों की असाधारण स्पष्टता और लेखक द्वारा संप्रेषित विचार की स्पष्टता से अलग है। रचना के ऊपरी भाग में आंकड़ों की व्यवस्था की समरूपता रचना के निचले हिस्से में लगभग अव्यवस्थित रूप से रखी गई आकृतियों से नरम हो जाती है। और इसलिए, पूर्व का कुछ योजनाबद्ध प्रतिनिधित्व मुश्किल से ध्यान देने योग्य हो जाता है। यहां एक रचनात्मक तत्व के माध्यम से एक अर्धवृत्त है: बादलों पर संतों और प्रेरितों के ऊपरी भाग में स्थित एक अर्धवृत्त और, इसकी प्रतिध्वनि के रूप में, चित्र के निचले हिस्से में लोगों के मुक्त और अधिक प्राकृतिक आंकड़ों का एक अर्धवृत्त।

अपने काम की इस अवधि के राफेल के सर्वश्रेष्ठ भित्तिचित्रों और कार्यों में से एक पेंटिंग "द स्कूल ऑफ एथेंस" है। यह भित्तिचित्र प्राचीन ग्रीस की कला से जुड़े उदात्त मानवतावादी आदर्शों का प्रतीक है। कलाकार ने प्रसिद्ध प्राचीन दार्शनिकों और वैज्ञानिकों को चित्रित किया। रचना के मध्य भाग में प्लेटो और अरस्तू की आकृतियाँ हैं। प्लेटो का हाथ पृथ्वी की ओर और अरस्तू का हाथ स्वर्ग की ओर इशारा करता है, जो प्राचीन दार्शनिकों की शिक्षाओं का प्रतीक है।

प्लेटो के बाईं ओर सुकरात की आकृति है, जो लोगों के एक समूह के साथ बातचीत कर रही है, जिसके बीच युवा अल्सीबिएड्स का चेहरा खड़ा है, जिसका शरीर एक कवच द्वारा संरक्षित है, और उसका सिर एक हेलमेट से ढका हुआ है। कदमों पर डायोजनीज, सिनिक्स के दार्शनिक स्कूल के संस्थापक हैं। उन्हें यहां एक भिखारी के रूप में मंदिर के प्रवेश द्वार पर खड़े होकर भीख मांगते हुए दिखाया गया है।

रचना के निचले भाग में लोगों के दो समूह प्रदर्शित होते हैं। बाईं ओर पाइथागोरस की आकृति उनके शिष्यों से घिरी हुई है। दाईं ओर यूक्लिड है, जो एक स्लेट बोर्ड पर कुछ खींच रहा है, वह भी छात्रों से घिरा हुआ है। अंतिम समूह के दाईं ओर जोरोस्टर और हाथों में गोलों के साथ ताज पहनाया गया टॉलेमी है। पास में, लेखक ने अपना स्व-चित्र और चित्रकार सोडोमू का चित्र रखा (यह वह था जिसने स्टैंजा डेला सेन्यातुरा की पेंटिंग पर काम करना शुरू किया था)। केंद्र के बाईं ओर, कलाकार ने इफिसुस के एक गहन हेराक्लिटस को रखा।

विवाद के भित्तिचित्रों पर छवियों की तुलना में, एथेंस स्कूल के आंकड़े बहुत बड़े और अधिक स्मारकीय हैं। ये एक उत्कृष्ट दिमाग और महान दृढ़ता से संपन्न नायक हैं। फ्रेस्को की मुख्य छवियां प्लेटो और अरस्तू हैं। उनका महत्व न केवल रचना में जगह से निर्धारित होता है (वे केंद्रीय स्थान पर कब्जा करते हैं), लेकिन चेहरे की अभिव्यक्ति और निकायों की विशेष प्लास्टिसिटी से: इन आंकड़ों में वास्तव में रीगल मुद्रा और चाल है। एक दिलचस्प तथ्य यह है कि प्लेटो की छवि का प्रोटोटाइप लियोनार्डो दा विंची था। यूक्लिड की छवि लिखने का आदर्श वास्तुकार ब्रैमांटे था। हेराक्लिटस का प्रोटोटाइप सिस्टिन चैपल की छत पर माइकल एंजेलो द्वारा दर्शाया गया चित्र था। कुछ विद्वानों का सुझाव है कि हेराक्लिटस की छवि को स्वयं माइकल एंजेलो के गुरु ने बनाया था।

यहां विषय भी बदल रहा है: फ्रेस्को मानव मन और मानव इच्छा के लिए एक तरह के भजन की तरह लगता है। यही कारण है कि सभी पात्रों को भव्य वास्तुशिल्प संरचनाओं की पृष्ठभूमि के खिलाफ सेट किया गया है जो मानव मन की अनंतता और रचनात्मक विचार का प्रतीक हैं। यदि "विवादों" के नायक निष्क्रिय हैं, तो "एथेंस के स्कूल" में प्रस्तुत छवियां उनके जीवन के सक्रिय और ऊर्जावान निर्माता हैं, विश्व सामाजिक व्यवस्था के ट्रांसफार्मर हैं।

फ्रेस्को के रचनात्मक समाधान भी दिलचस्प हैं। इस प्रकार, पृष्ठभूमि में स्थित प्लेटो और अरस्तू के आंकड़े, इस तथ्य के कारण कि उन्हें गति में दिखाया गया है, चित्र में मुख्य हैं। वे रचना का गतिशील केंद्र भी बनाते हैं। गहराई से बोलते हुए, वे दर्शक के लिए आगे बढ़ते प्रतीत होते हैं, जो गतिशीलता की छाप पैदा करता है, रचना का विकास, जिसे अर्धवृत्ताकार मेहराब द्वारा तैयार किया गया है।

1511 से 1514 तक राफेल द्वारा स्टैंज़ा डी'एलियोडोरो सील रूम के पीछे की पेंटिंग पर काम किया गया था। पोप के इतिहास से बाइबिल की किंवदंतियां और तथ्य इस कमरे के भित्तिचित्रों के लिए विषय बन गए, कहानियों से अलंकृत जिसमें मुख्य स्थान दिव्य प्रोविडेंस और चमत्कार के लिए दिया गया था।

फ्रेस्को "एलियोडोर के निष्कासन" पर सजावटी काम पूरा होने के बाद कमरे को इसका नाम मिला, जिसका कथानक सीरियाई कमांडर एलियोडोर की कहानी पर आधारित था, जो यरूशलेम के महल में संग्रहीत धन की चोरी करना चाहता था। हालांकि, स्वर्गीय सवार ने उसे रोका। फ्रेस्को ने याद दिलाया कि कैसे पोप जूलियस द्वितीय की सेना ने पोप राज्यों से फ्रांसीसी सेना को हराया और अपमानित किया।

हालांकि, यह भित्तिचित्र कलाकार के रचनात्मक इरादे की अभिव्यक्ति की शक्ति से अलग नहीं है। यह शायद इस तथ्य के कारण है कि समग्र रचना दो अलग-अलग भागों में विभाजित है। बाईं ओर एक सुंदर घुड़सवार है, जो दो स्वर्गदूतों के साथ मिलकर एलियोडोर को हराने की कोशिश कर रहा है। फ्रेस्को के दायीं ओर जूलियस II है, जो स्ट्रेचर पर लेटा हुआ है। स्ट्रेचर का समर्थन करने वालों में, चित्रकार ने प्रसिद्ध जर्मन चित्रकार अल्ब्रेक्ट ड्यूरर को चित्रित किया। कथानक के कथित वीर पथ के बावजूद, राफेल की छवियां पूरी तरह से गतिशीलता और नाटक से रहित हैं।

चरित्र में कुछ हद तक मजबूत और रचनात्मक संरचना में परिपूर्ण "मास इन बोल्सन" नामक फ़्रेस्को है। इसका कथानक एक अविश्वासी पुजारी की कहानी पर आधारित है, जिसका वेफर संस्कार के दौरान खून से सना हुआ था। पोप जूलियस द्वितीय, कार्डिनल और गार्ड से स्विस, जो उसके पीछे थे, राफेल के कैनवास पर इस चमत्कार के गवाह बने।

प्रसिद्ध कलाकार के इस काम की एक विशिष्ट विशेषता पिछले कार्यों की तुलना में, नायकों के चित्रण में स्वाभाविकता और स्वाभाविकता की डिग्री की तुलना में बड़ी हो गई है। ये अब अमूर्त आकृतियाँ नहीं हैं, जो उनकी बाहरी सुंदरता पर प्रहार करती हैं, बल्कि काफी वास्तविक लोग हैं। इसका सबसे महत्वपूर्ण प्रमाण पोप गार्ड से स्विस की छवियां हैं, जिनके चेहरे एक मजबूत मानवीय इच्छा व्यक्त करते हुए आंतरिक ऊर्जा से भरे हुए हैं। हालाँकि, उनकी भावनाएँ कलाकार की कल्पना नहीं हैं। ये बहुत ही वास्तविक मानवीय भावनाएँ हैं।

इस काम में, लेखक रंग, कैनवास की रंगीन परिपूर्णता और छवियों पर बहुत ध्यान देता है। चित्रकार अब न केवल आकृतियों की समोच्च रेखाओं के सटीक पुनरुत्पादन से संबंधित है, बल्कि छवियों के रंग संतृप्ति के साथ, एक निश्चित स्वर के माध्यम से उनकी आंतरिक दुनिया का प्रदर्शन भी करता है।

समान रूप से अभिव्यंजक फ्रेस्को "द बुक ऑफ पीटर" है, जो एक स्वर्गदूत द्वारा प्रेरित पतरस की मुक्ति के दृश्य को दर्शाता है। कला समीक्षकों का मानना ​​​​है कि यह चित्र फ्रांसीसी कैद से पोप विरासत लियो एक्स (जो बाद में पोप बन गया) की शानदार मुक्ति का प्रतीक है।

इस भित्ति चित्र में विशेष रुचि लेखक द्वारा पाई गई रचना और रंग योजना है। यह रात की रोशनी को पुन: पेश करता है, जो समग्र संरचना के नाटकीय चरित्र को बढ़ाता है। सटीक रूप से चयनित वास्तुशिल्प पृष्ठभूमि सामग्री के प्रकटीकरण और चित्र की अधिक भावनात्मक पूर्णता में भी योगदान देती है: विशाल ईंटों से बना एक कालकोठरी, एक भारी धनुषाकार तिजोरी, एक जाली की मोटी पट्टियाँ।

स्टैंज़ा डी'एलियोडोरो में चौथा और आखिरी फ़्रेस्को, जिसे बाद में "द मीटिंग ऑफ़ पोप लियो आई विद एटिला" कहा जाता है, राफेल के रेखाचित्रों के अनुसार उनके छात्रों, गिउलिओ रोमानो और फ्रांसेस्को पेनी द्वारा बनाया गया था। यह काम १५१४ से १५१७ की अवधि में किया गया था। स्वयं गुरु, जो उस समय तक एक असामान्य रूप से लोकप्रिय कलाकार बन गए थे, जिनकी प्रसिद्धि पूरे इटली में फैली हुई थी, और बहुत सारे आदेश प्राप्त हुए, पोप को सजाने का काम पूरा नहीं कर सके। कक्ष इसके अलावा, इस समय राफेल को सेंट पीटर कैथेड्रल का मुख्य वास्तुकार नियुक्त किया गया था, और रोम और उसके आसपास के क्षेत्र में किए गए पुरातात्विक उत्खनन का भी निरीक्षण किया।

स्टैंज़ा डेल इनचेंडियो को सजाने वाले चित्र पोप के इतिहास की कहानियों के आधार पर लिखे गए थे। सभी भित्तिचित्रों में, शायद केवल एक ही विशेष ध्यान देने योग्य है - "द फायर इन बोर्गो"। वह 847 में रोमन क्वार्टर में लगी आग के बारे में बताती है। पोप लियो चतुर्थ ने उस समय आग बुझाने में भाग लिया था। यह फ्रेस्को आपदा से बचने की कोशिश कर रहे लोगों की छवि में अत्यधिक पाथोस और कृत्रिम नाटक द्वारा प्रतिष्ठित है: एक पिता को ले जाने वाला एक बेटा, एक दीवार पर चढ़ने वाला एक युवक, एक जग पकड़े हुए एक लड़की।

वेटिकन के श्लोकों के भित्ति चित्र राफेल के काम के विकास को अच्छी तरह से दिखाते हैं: कलाकार धीरे-धीरे प्रारंभिक कार्यों की आदर्श छवियों से नाटक की ओर बढ़ता है और साथ ही, देर से अवधि (विषय रचनाएं और चित्र) से संबंधित कार्यों में जीवन के साथ तालमेल बिठाता है। .

1509 में रोम पहुंचने के लगभग तुरंत बाद, राफेल, मैडोना के विषय को जारी रखते हुए, पेंटिंग "मैडोना अल्बा" ​​को चित्रित करता है। मैडोना कॉनस्टाबिल के आंकड़ों की तुलना में, मैडोना अल्बा में छवियां बहुत अधिक जटिल हैं। मैरी को यहां एक मजबूत चरित्र, ऊर्जावान और आत्मविश्वास वाली एक युवा महिला के रूप में चित्रित किया गया है। बच्चे की हरकतें उतनी ही तेज होती हैं। पेंटिंग एक टोंडो के रूप में बनाई गई है। हालांकि, यहां आंकड़े पूरी तरह से चित्रित हैं, जो गोल कैनवस के लिए विशिष्ट नहीं थे। हालांकि, आंकड़ों की यह व्यवस्था स्थिर छवियों की उपस्थिति की ओर नहीं ले जाती है। वे, साथ ही साथ संपूर्ण रचना को गतिकी में दिखाया गया है। यह भावना इस तथ्य के कारण बनाई गई है कि गुरु सूक्ष्म रूप से और सटीक रूप से मानव शरीर के आंदोलनों की प्लास्टिसिटी को व्यक्त करता है।

कलाकार की रचनात्मक पद्धति के निर्माण के लिए विशेष महत्व की पेंटिंग "मैडोना इन ए आर्मचेयर" (या "मैडोना डेला सेडिया") थी, जिस पर काम 1516 के आसपास पूरा हुआ था। मैडोना की कुछ हद तक आदर्श छवि यहां पर आधारित है रचना में ठोस, वास्तविक तत्वों का परिचय। इसलिए, उदाहरण के लिए, मैरी की छाती एक फ्रिंज के साथ एक विस्तृत उज्ज्वल दुपट्टे से ढकी हुई है। उस समय इस तरह की शॉल सभी इतालवी किसान महिलाओं की पसंदीदा पोशाक थी।

मैडोना, शिशु मसीह और छोटे जॉन द बैपटिस्ट के आंकड़े एक दूसरे के करीब स्थित हैं। किसी को यह आभास हो जाता है कि छवियां आसानी से एक दूसरे में प्रवाहित होती हैं। पूरी तस्वीर एक असामान्य रूप से हल्के गेय भावना से ओतप्रोत है। मातृ प्रेम का शाश्वत जीवंत विषय यहां न केवल मैरी की निगाह में, बल्कि उनकी आकृति की प्लास्टिसिटी में भी व्यक्त किया गया है। टोंडो का रूप पूरी रचना को तार्किक पूर्णता देता है। एक गोल कैनवास पर रखी गई मैरी और बच्चे की आकृतियाँ, दो निकटतम लोगों की एकता का प्रतीक हैं: माँ और बच्चा। इस
राफेल की पेंटिंग को उनके समकालीनों ने न केवल रचनात्मक निर्माण के संदर्भ में, बल्कि छवियों की प्लास्टिक लाइनों के सूक्ष्म हस्तांतरण के कारण चित्रफलक पेंटिंग के शिखर के रूप में मान्यता दी थी।

10 के दशक से। XVI सदी राफेल वेदी के टुकड़ों के लिए रचनाओं पर काम कर रहा है। तो, 1511 में, मैडोना फोलिग्नो प्रकट होता है। और १५१५ में, प्रसिद्ध कलाकार ने एक कैनवास बनाना शुरू किया, जो बाद में चित्रकार को एक महान गुरु की महिमा दिलाएगा और एक से अधिक पीढ़ी के लोगों का दिल जीत लेगा। सिस्टिन मैडोना एक पेंटिंग है जिसने राफेल की कलात्मक पद्धति के विकास में अंतिम चरण को चिह्नित किया। यहां प्राप्त मातृत्व का विषय, पिछले कार्यों की तुलना में, सबसे बड़ा विकास और सबसे पूर्ण अवतार।

गिरजाघर में प्रवेश करने पर, दर्शक तुरंत मैडोना की राजसी आकृति की ओर मुड़ता है, जो शिशु यीशु मसीह को अपनी बाहों में लेकर चलती है। यह प्रभाव पात्रों की एक विशेष संरचना व्यवस्था के माध्यम से प्राप्त किया जाता है। आधा खुला पर्दा, संतों सिक्सटस और बारबरा की निगाहें मैरी की ओर मुड़ गईं - यह सब युवा मां को रोशन करने और रचना का केंद्र बनाने के उद्देश्य से है।

मैडोना की छवि को प्रकट करने में, राफेल पुनर्जागरण के कलाकारों से बहुत दूर चला गया। मैडोना यहां दर्शकों से सीधे बात करती हैं। वह एक बच्चे के साथ व्यस्त नहीं है (जैसे मैडोना लियोनार्डो दा विंची) और खुद में डूबी नहीं है (जैसे मास्टर के शुरुआती कार्यों की नायिकाएं)। बर्फ-सफेद बादलों के साथ दर्शक की ओर बढ़ते हुए यह मारिया उसके साथ बातचीत करती है। उसकी चौड़ी आँखों में, कोई अपने बेटे के भविष्य के भाग्य के लिए मातृ प्रेम, और कुछ भ्रम, और निराशा, और विनम्रता, और गहरी भावनाओं को देख सकता है। वह, एक द्रष्टा के रूप में, सब कुछ जानती है कि उसके बच्चे के साथ क्या होगा। हालांकि लोगों को बचाने के लिए मां उनकी कुर्बानी देने को तैयार हैं. शिशु मसीह की छवि उसी गंभीरता से संपन्न है। उसकी नज़रों में, जैसा कि था, पूरी दुनिया घिरी हुई है, वह एक नबी की तरह हमें मानव जाति और अपने स्वयं के भाग्य के बारे में बताता है।

राफेल। सिस्टिन मैडोना। १५१५-१५१९

मैरी की छवि नाटकीय और असामान्य रूप से अभिव्यंजक से भरी है। हालांकि, वह आदर्शीकरण से रहित है और अतिशयोक्तिपूर्ण विशेषताओं से संपन्न नहीं है। रचना की गतिशीलता के कारण छवि की पूर्णता, पूर्णता की भावना यहां बनाई गई है, जो कि आंकड़ों की प्लास्टिसिटी के सटीक और वफादार हस्तांतरण और नायकों के कपड़ों की चिलमन द्वारा व्यक्त की जाती है। सभी आंकड़े प्रस्तुत किए गए हैं, जीवित, मोबाइल, उज्ज्वल। मैरी का चेहरा, क्राइस्ट बेबी की तरह, बचकानी उदास आँखों के साथ, भावनाओं की एक पूरी श्रृंखला व्यक्त करता है जो दर्शकों की आंखों के सामने एक के बाद एक सचमुच बदल जाता है: उदासी, चिंता, विनम्रता और अंत में, दृढ़ संकल्प।

कला समीक्षकों के बीच, सिस्टिन मैडोना के प्रोटोटाइप का सवाल अभी भी खुला है। कुछ विद्वान इस छवि को "द लेडी इन द वेइल" (1514) चित्र में चित्रित एक युवा महिला की छवि के साथ पहचानते हैं। हालांकि, कलाकार के समकालीनों की गवाही के अनुसार, "सिस्टिन मैडोना" कैनवास पर मैरी किसी की विशिष्ट छवि के बजाय एक सामान्यीकृत प्रकार की महिला, राफेलियन आदर्श है।

राफेल के चित्र कार्यों में, 1511 में चित्रित पोप जूलियस II का चित्र बहुत रुचि का है। एक वास्तविक व्यक्ति को यहां एक आदर्श के रूप में दिखाया गया है, जो चित्रकार की रचनात्मक पद्धति की एक विशिष्ट विशेषता थी।

विशेष रूप से उल्लेखनीय 1515 में बनाए गए काउंट बालदासरे कास्टिग्लिओन का चित्र है, जो एक शांत, संतुलित, सामंजस्यपूर्ण रूप से विकसित व्यक्ति को दर्शाता है। राफेल यहां रंग के अद्भुत स्वामी के रूप में कार्य करता है। वह जटिल रंग संयोजन और तानवाला संक्रमण का उपयोग करता है। छाया की वही महारत चित्रकार के एक और काम को अलग करती है: एक महिला का चित्र "लेडी इन ए वेइल" ("ला डोना वेलाटा", 1514), जहां प्रमुख रंग सफेद रंग है (महिला की बर्फ-सफेद पोशाक एक प्रकाश सेट करती है घूंघट)।

राफेल के काम का एक महत्वपूर्ण हिस्सा स्मारकीय कार्यों के कब्जे में है। उनके बाद के समान कार्यों में, सबसे दिलचस्प है, सबसे पहले, 1515 में विला फरनेज़िना (पूर्व में अमीर आदमी चिगी की संपत्ति) "ट्रायम्फ ऑफ गैलाटिया" की दीवारों को सुशोभित करने वाला फ्रेस्को। यह तस्वीर असामान्य रूप से हर्षित मनोदशा द्वारा प्रतिष्ठित है। छवियां सचमुच खुशी से बह रही हैं। एक समान स्वर उज्ज्वल, संतृप्त रंगों के एक विशेष संयोजन के उपयोग के माध्यम से बनाया जाता है: नग्न सफेद शरीर यहां एक पारदर्शी नीले आकाश और समुद्र की नीली लहरों के साथ सामंजस्यपूर्ण रूप से संयुक्त होते हैं।

राफेल का अंतिम स्मारकीय कार्य वेटिकन पैलेस की दूसरी मंजिल पर स्थित धनुषाकार गैलरी की दीवारों की सजावट थी। हॉल की सजावट कृत्रिम संगमरमर से बने चित्रों और मोज़ाइक से की गई थी। भित्तिचित्रों के विषय कलाकार द्वारा बाइबिल की किंवदंतियों आदि से खींचे गए थे। grotesques (प्राचीन ग्रीक कब्रों पर पाए जाने वाले चित्र - कुटी)। कुल 52 पेंटिंग हैं। बाद में उन्हें सामान्य शीर्षक "राफेल की बाइबिल" के तहत एक चक्र में जोड़ दिया गया। यह भी दिलचस्प है कि प्रसिद्ध कलाकार ने अपने छात्रों के साथ वेटिकन पैलेस के हॉल की सजावट पर काम किया, जिनमें से एक प्रमुख स्थान पर गिउलिओ रोमानो, फ्रांसेस्को पेनी, पेरिनो डेल वागा, जियोवानी दा उडीन का कब्जा था।

राफेल के बाद के चित्रफलक कैनवस मास्टर के धीरे-धीरे बढ़ते रचनात्मक संकट का एक प्रकार का प्रतिबिंब और अभिव्यक्ति थे। उच्च पुनर्जागरण के उस्तादों द्वारा बनाई गई छवियों के लगातार बढ़ते नाटकीयकरण के मार्ग का अनुसरण करते हुए, लेकिन साथ ही कलात्मक चित्रण के अपने पहले से स्थापित तरीकों के प्रति सच्चे रहते हुए, राफेल शैली के विरोधाभासों पर आता है। विचारों को व्यक्त करने के उनके साधन और तरीके उनके आंतरिक दुनिया और बाहरी सुंदरता को व्यक्त करने के दृष्टिकोण से गुणात्मक रूप से नए, अधिक परिपूर्ण चित्र बनाने के लिए बहुत कम हैं। राफेल के काम की इस अवधि को दर्शाने वाले ज्वलंत उदाहरण हैं "कैरिंग द क्रॉस" (1517), चक्र "होली फैमिलीज" (लगभग 1518), वेदी रचना "ट्रांसफिगरेशन"।

यह बहुत संभव है कि राफेल जैसे प्रतिभाशाली चित्रकार को इस तरह के रचनात्मक गतिरोध से बाहर निकलने का रास्ता मिल गया होता, अगर अचानक मौत के लिए नहीं, जिसने मास्टर के सभी समकालीनों को झकझोर दिया। राफेल सेंटी का ६ अप्रैल, १५२० को ३७ वर्ष की आयु में निधन हो गया। भव्य अंत्येष्टि का आयोजन किया गया। महान चित्रकार की राख को रोम के पैंथियन में दफनाया गया है।

राफेल की कृतियाँ आज भी विश्व कला की उत्कृष्ट कृतियाँ हैं। ये पेंटिंग, शास्त्रीय कला का एक उदाहरण होने के नाते, मानवता को एक आदर्श, अलौकिक सुंदरता दिखाने के लिए डिज़ाइन की गई थीं। उन्होंने दर्शकों के सामने एक ऐसी दुनिया पेश की जहां लोग उच्च भावनाओं और विचारों से ग्रस्त हैं। राफेल का काम कला के लिए एक तरह का भजन है जो एक व्यक्ति को बदल देता है, उसे साफ-सुथरा, उज्जवल, अधिक सुंदर बनाता है।

टिटियन (टिज़ियानो वेसेलियो)

टिज़ियानो वेसेलियो का जन्म छोटे शहर पिएवे डी कैडोर में एक सैन्य परिवार में हुआ था, जो पहाड़ों और वेनिस डोमेन के हिस्से में स्थित है। वैज्ञानिक टिटियन के जन्म की सही तारीख और वर्ष स्थापित करने में विफल रहे। कुछ का मानना ​​​​है कि यह 1476-1477 है, अन्य - 1485-1490।

वैज्ञानिकों का सुझाव है कि वेसेलियो परिवार शहर में काफी प्राचीन और प्रभावशाली था। लड़के में पेंटिंग के शुरुआती कौशल को देखते हुए, माता-पिता ने टिज़ियानो को विनीशियन मोज़ेक मास्टर की कला कार्यशाला में भेजने का फैसला किया। कुछ समय बाद, युवा वेसेलियो को कार्यशाला में अध्ययन करने के लिए नियुक्त किया गया, पहले जेंटाइल बेलिनी द्वारा, और फिर जियोवानी बेलिनी द्वारा। इस समय, युवा कलाकार जियोर्जियोन से मिलता है, जिसका प्रभाव उसके शुरुआती कार्यों में परिलक्षित होता था।

कलाकार के सभी कार्यों को सशर्त रूप से दो अवधियों में विभाजित किया जा सकता है: पहला - तथाकथित। Dzhordzonevsky - 1515-1516 . तक (जब चित्रकार के कार्यों में जियोर्जियोन का प्रभाव सबसे अधिक दृढ़ता से व्यक्त किया जाता है); दूसरा - 40 के दशक से। १६वीं शताब्दी (इस समय टिटियन पहले से ही एक स्थापित गुरु थे, जो स्वर्गीय पुनर्जागरण की कला का प्रतिनिधित्व करते थे)।

जियोर्जियोन की कलात्मक पद्धति और पुनर्जागरण के चित्रकारों के गठन के प्रारंभिक चरण के बाद, टिटियन कलात्मक समस्याओं को हल करने के तरीकों पर पुनर्विचार करता है। कलाकार के ब्रश से नई छवियां निकलती हैं, जो उदात्त और परिष्कृत आंकड़ों से काफी भिन्न होती हैं, उदाहरण के लिए, राफेल और लियोनार्डो दा विंची। टिटियन के नायक जमीन से जुड़े, पूर्ण शरीर वाले, कामुक हैं, काफी हद तक उनमें एक मूर्तिपूजक सिद्धांत है। चित्रकार के शुरुआती कैनवस को एक सरल रचना द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है, जो, फिर भी, असामान्य रूप से हर्षित मनोदशा और बादल रहित खुशी, परिपूर्णता और सांसारिक जीवन की अनंतता की चेतना के साथ व्याप्त है।

इस अवधि के कार्यों में, कलाकार की रचनात्मक पद्धति को पूरी तरह से व्यक्त करने वाला, सबसे हड़ताली में से एक कैनवास "लव अर्थली एंड हेवनली", दिनांक 10-एस है। 16 वीं शताब्दी। लेखक के लिए न केवल कथानक को व्यक्त करना महत्वपूर्ण है, बल्कि एक सुंदर परिदृश्य भी दिखाना है जो शांति और होने की खुशी और एक महिला की कामुक सुंदरता के विचारों को उजागर करता है।

महिला आकृतियाँ निस्संदेह उदात्त हैं, लेकिन वे जीवन से अमूर्त नहीं हैं और लेखक द्वारा आदर्श नहीं हैं। नरम रंगों में चित्रित और पृष्ठभूमि में रखा गया परिदृश्य, सुंदर और सुंदर के लिए एक उत्कृष्ट पृष्ठभूमि के रूप में कार्य करता है, लेकिन साथ ही साथ काफी वास्तविक, ठोस महिला छवियां: सांसारिक प्रेम और स्वर्गीय प्रेम। एक कुशलता से रचित रचना और रंग की सूक्ष्म भावना ने कलाकार को असामान्य रूप से सामंजस्यपूर्ण कार्य बनाने में मदद की, जिसका प्रत्येक तत्व लेखक की सांसारिक प्रकृति और मनुष्य की प्राकृतिक सुंदरता को दिखाने की इच्छा के अधीन हो जाता है।

बाद में, 1518 में वापस डेटिंग, टिटियन के "असुंटा" (या "द एसेंशन ऑफ मैरी") में वह शांत चिंतन और शांति नहीं है, जो काम "सांसारिक और स्वर्गीय प्रेम" में लगता है। अधिक गतिशीलता, शक्ति, ऊर्जा है। रचना की केंद्रीय आकृति मैरी है, जिसे सांसारिक सुंदरता और ताकत से भरी एक युवा महिला द्वारा दिखाया गया है। प्रेरितों के विचार उस पर निर्देशित हैं, जिनमें से चित्र समान आंतरिक जीवन शक्ति और ऊर्जा को व्यक्त करते हैं। मानव सौंदर्य और मजबूत मानवीय भावना के लिए एक अजीबोगरीब भजन रचना "बच्चस और एराडने" (चक्र "बच्चनलिया", 1523 से) है।

सांसारिक महिला सौंदर्य का महिमामंडन टिटियन के एक अन्य काम का विषय बन गया, जिसे "वीनस ऑफ अर्बिनो" कहा जाता है। यह १५३८ में बनाया गया था। इस तथ्य के बावजूद कि छवि की कोई उदात्तता और आध्यात्मिकता नहीं है, बाद वाला अभी भी कैनवास के सौंदर्य मूल्य को कम नहीं करता है। शुक्र यहाँ वास्तव में सुंदर है। हालांकि, उसकी सुंदरता जमीन से जुड़ी और प्राकृतिक है, जो टिटियन द्वारा बनाई गई छवि को बॉटलिकेली के वीनस से अलग करती है।

हालांकि, यह कहना गलत होगा कि कलाकार के काम के विकास में प्रारंभिक काल की छवियों ने केवल एक व्यक्ति की बाहरी सुंदरता का महिमामंडन किया। उनका पूरा रूप एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्ति को दर्शाता है, जिसकी बाहरी सुंदरता आध्यात्मिक के साथ समान है और एक समान रूप से सुंदर आत्मा का उल्टा पक्ष है।

इस दृष्टिकोण से, 1515 से 1520 की अवधि में बनाई गई कैनवास "द डेनरियस ऑफ सीज़र" पर यीशु मसीह की छवि सबसे बड़ी रुचि है। टिटियन यीशु को एक दिव्य, ऊंचा, स्वर्गीय होने के रूप में नहीं दिखाता है . उनके चेहरे पर भावपूर्ण अभिव्यक्ति से पता चलता है कि दर्शकों के सामने एक आदर्श मानसिक संगठन वाला एक महान व्यक्ति है।

1519 से 1526 की अवधि में लिखी गई वेदी रचना "मैडोना ऑफ पेसारो" में बनाई गई छवियां उसी आध्यात्मिकता से भरी हैं। ये नायक योजना या अमूर्त नहीं हैं। एक जीवित, वास्तविक चित्र का निर्माण काफी हद तक मास्टर द्वारा विभिन्न रंगों की एक श्रृंखला के उपयोग से सुगम होता है: मैरी का बर्फ-सफेद घूंघट, आकाश-नीला, लाल, चमकीले लाल, नायकों के सुनहरे कपड़े, एक समृद्ध हरा कालीन इस तरह के विभिन्न स्वर रचना में अराजकता का परिचय नहीं देते हैं, लेकिन इसके विपरीत, चित्रकार को छवियों की एक सामंजस्यपूर्ण और सामंजस्यपूर्ण प्रणाली बनाने में मदद करता है।

1520 के दशक में। टिटियन ने नाटकीय प्रकृति का पहला काम बनाया। यह प्रसिद्ध पेंटिंग "द एंटॉम्बमेंट" है। क्राइस्ट की छवि की व्याख्या यहाँ की गई है, जैसे कि पेंटिंग "द डेनरियस ऑफ सीज़र" में। यीशु को एक ऐसे प्राणी के रूप में प्रस्तुत नहीं किया गया है जो मानवता को बचाने के लिए स्वर्ग से उतरा था, बल्कि एक पूरी तरह से सांसारिक नायक के रूप में प्रस्तुत किया गया था जो एक असमान लड़ाई में गिर गया था। कथानक की तमाम त्रासदी और नाटक के बावजूद, कैनवास दर्शक में निराशा का भाव नहीं जगाता। इसके विपरीत, टिटियन द्वारा बनाई गई छवि आशावाद और वीरता का प्रतीक है, जो किसी व्यक्ति की आंतरिक सुंदरता, बड़प्पन और उसकी आत्मा की ताकत का प्रतीक है।

यह चरित्र कलाकार के इस काम को उसी नाम के बाद के 1559 के काम से अलग करता है, जिसमें आशावादी मनोदशाओं को निराशाजनक त्रासदी से बदल दिया जाता है। यहाँ, साथ ही साथ टिटियन की एक अन्य पेंटिंग में - "सेंट की हत्या"। पीटर द शहीद ", जिसका निर्माण 1528 से 1530 तक की अवधि के लिए है, मास्टर कलात्मक चित्रण की एक नई विधि का उपयोग करता है। कैनवस पर प्रस्तुत प्रकृति की तस्वीरें ("द मर्डर ऑफ सेंट पीटर द शहीद" में "ताबूत में रखना" और हवा के तेज झोंकों के नीचे झुकते हुए पेड़) मानवीय भावनाओं की एक तरह की अभिव्यक्ति के रूप में सामने आते हैं। और जुनून। महान प्रकृति माँ यहाँ मानव भगवान का पालन करती है। टिटियन, उपरोक्त रचनाओं में, जैसा कि यह था, इस विचार पर जोर देता है: प्रकृति में जो कुछ भी होता है वह मानव कार्यों के कारण होता है। वह संसार (प्रकृति सहित) का स्वामी और शासक है।

1534-1538 दिनांकित "मंदिर का परिचय" नामक पेंटिंग, बहु-चित्रित रचनाएँ बनाने में कलाकार के कौशल के विकास में एक नया चरण था। इस तथ्य के बावजूद कि टिटियन ने यहां कई छवियां लिखीं, वे सभी एक महत्वपूर्ण घटना में रुचि के द्वारा एक समग्र रचना में संयुक्त हो गए, जो उनकी आंखों के सामने हो रही है - मंदिर में मैरी का परिचय। मुख्य चरित्र की आकृति को स्थानिक विराम द्वारा माध्यमिक (लेकिन कम महत्वपूर्ण नहीं) पात्रों से अलग किया जाता है: सीढ़ियों के कदम उसे जिज्ञासु लोगों और पुजारियों की भीड़ से अलग करते हैं। एक उत्सव का मूड, जो हो रहा है उसके महत्व की भावना इशारों और प्लास्टिक के आंकड़ों द्वारा रचना में बनाई गई है। हालांकि, अग्रभूमि में रखे अंडा व्यापारी के चित्र में शामिल होने के कारण, काम की अत्यधिक दिखावा कम हो जाता है और कलाकार द्वारा वर्णित स्थिति के यथार्थवाद और स्वाभाविकता की छाप बढ़ जाती है।

लोक चित्रों की रचना का परिचय 30 के दशक की अवधि में टिटियन की कलात्मक और चित्रात्मक पद्धति की एक विशिष्ट विशेषता है। XVI सदी। ये छवियां ही हैं जो गुरु को जीवन-सदृश सत्य चित्र बनाने में मदद करती हैं।

एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्ति को दिखाने के लिए सबसे पूरी तरह से रचनात्मक विचार, शरीर और आत्मा में सुंदर, टिटियन के चित्र कार्यों में सन्निहित था। इस प्रकृति के पहले कार्यों में से एक "दस्ताने के साथ एक जवान आदमी का पोर्ट्रेट" है। कैनवास का निर्माण 1515 से 1520 की अवधि का है। एक युवक की छवि उस समय के लोगों की एक पूरी पीढ़ी का प्रतिनिधित्व करती है - पुनर्जागरण। चित्र मानव आत्मा और शरीर के बीच सामंजस्य के विचार का प्रतीक है। चौड़े कंधे, शरीर की मुक्त प्लास्टिसिटी, लापरवाही से बिना बटन वाली शर्ट कॉलर, शांत आत्मविश्वास जो युवक की टकटकी व्यक्त करता है - सब कुछ लेखक के मुख्य विचार को मानव अस्तित्व की खुशी और एक सामान्य व्यक्ति की खुशी के बारे में बताने के उद्देश्य से है जो दुख को नहीं जानता है और आंतरिक अंतर्विरोधों से फटा नहीं है।

एक ही प्रकार के सामंजस्यपूर्ण रूप से व्यवस्थित खुश व्यक्ति को कैनवस "वायलेंटा" और "पोर्ट्रेट ऑफ़ टॉमासो मोस्ट" (दोनों - 1515-1520) पर देखा जा सकता है।

बहुत बाद में बनाए गए चित्रों में, दर्शक अब छवियों के चरित्र की उस सीधी और स्पष्ट परिभाषा का सामना नहीं करेंगे, जो कि 1515-1520 की अवधि के ऐसे कार्यों के लिए विशिष्ट थी। पहले वाले की तुलना में टिटियन के बाद के पात्रों का सार बहुत अधिक जटिल और बहुआयामी है। लेखक की कलात्मक पद्धति में बदलाव का एक महत्वपूर्ण उदाहरण 1540 के दशक के अंत में बनाई गई पेंटिंग "पोर्ट्रेट ऑफ इपोलिटो रिमिनाल्डी" है। चित्र में एक युवक को दर्शाया गया है जिसका चेहरा, एक छोटी दाढ़ी से घिरा हुआ है, भावनाओं और भावनाओं के गहरे आंतरिक संघर्ष को व्यक्त करता है।

इस अवधि के दौरान टिटियन द्वारा बनाई गई छवियां उच्च पुनर्जागरण की कला की विशेषता नहीं हैं: वे जटिल हैं, कई मामलों में विरोधाभासी और नाटकीय हैं। ये "एलेसेंड्रो और ओटावियो फ़ार्नीज़ के साथ पोप पॉल III का पोर्ट्रेट" नामक रचना के नायक हैं। कैनवास 1545 से 1546 की अवधि में बनाया गया था। पोप पॉल III को एक चालाक और अविश्वासी व्यक्ति के रूप में दिखाया गया है। वह ओटावियो, अपने भतीजे, एक प्रसिद्ध चापलूसी और अदालत में पाखंडी पर चिंता और क्रोध के साथ देखता है।

टिटियन कलात्मक रचना के एक उल्लेखनीय उस्ताद साबित हुए। लोगों के चरित्रों का सार इस काम में पात्रों की एक दूसरे के साथ बातचीत, उनके हावभाव और मुद्राओं के माध्यम से प्रकट होता है।

चार्ल्स वी (1548) को चित्रित करने वाला एक चित्र राजसी सजावटी और यथार्थवादी तत्वों के संयोजन पर बनाया गया है। मॉडल की आंतरिक दुनिया को उत्कृष्ट सटीकता के साथ दिखाया गया है। दर्शक समझता है कि वह एक जटिल चरित्र के साथ एक विशिष्ट व्यक्ति का सामना कर रहा है, जिसकी मुख्य विशेषताएं महान बुद्धि और दृढ़ता, और चालाक, क्रूरता, पाखंड दोनों हैं।

टिटियन द्वारा बनाए गए चित्रों में, जो संरचना निर्माण के दृष्टिकोण से सरल हैं, दर्शकों का सारा ध्यान छवि की आंतरिक दुनिया पर केंद्रित है। उदाहरण के लिए, आप 1545 की पेंटिंग "पोर्ट्रेट ऑफ एरेटिनो" का हवाला दे सकते हैं। मॉडल को कलाकार द्वारा चुना गया था, उस समय वेनिस में एक प्रसिद्ध व्यक्ति, पिएत्रो एरेटिनो, जो पैसे और सांसारिक सुखों के लिए अपने असाधारण लालच के लिए प्रसिद्ध था। हालाँकि, इसके बावजूद, उन्होंने कला की अत्यधिक सराहना की, वे स्वयं कई पत्रकारिता लेखों के लेखक थे, बड़ी संख्या में हास्य, लघु कथाएँ और कविताएँ (हालाँकि हमेशा नहीं)
सभ्य सामग्री)।

टिटियन ने अपने एक काम में ऐसे व्यक्ति को पकड़ने का फैसला किया। उनकी अरेटिनो एक जटिल यथार्थवादी छवि है जिसमें सबसे विविध, कभी-कभी विरोधाभासी भावनाएं और चरित्र लक्षण भी होते हैं।

1543 में लिखी गई पेंटिंग "बीहोल्ड द मैन" में एक आदमी और उसके प्रति शत्रुतापूर्ण संघर्ष को दिखाया गया है। साजिश उस समय इटली में काउंटर-रिफॉर्मेशन के समर्थकों की बढ़ती सार्वजनिक प्रतिक्रिया से प्रेरित थी, निर्देशित पुनर्जागरण के मानवतावादी विचारों के खिलाफ। रचना में, उच्च सार्वभौमिक मानवीय आदर्शों के वाहक के रूप में मसीह की छवि पीलातुस का विरोध करती है, जिसे निंदक, शातिर और बदसूरत दिखाया गया है। में वह
काम पहली बार कामुक, सांसारिक सुख और खुशियों से इनकार करने के नोट हैं।

टिटियन। एलेसेंड्रो और ओटावियो फ़ार्नीज़ के साथ पोप पॉल III का पोर्ट्रेट। 1545-1546

1554 के आसपास लिखे गए कैनवास "डाने" की छवियों के साथ एक ही हड़ताली विपरीतता को चिह्नित किया गया है। काम उच्च स्तर के नाटक द्वारा प्रतिष्ठित है। इसमें लेखक, पहले की तरह, मनुष्य की सुंदरता और खुशी का महिमामंडन करता है। हालाँकि, यह खुशी क्षणिक और क्षणिक है। चित्र में नायकों की मनोदशा और शांत शांति की कोई अपरिवर्तनीयता नहीं है, जो पहले बनाई गई छवियों ("सांसारिक और स्वर्गीय प्रेम", "वीनस ऑफ अर्बिनो") द्वारा प्रतिष्ठित हैं।

काम का मुख्य विषय सुंदर और बदसूरत, उच्च और निम्न के टकराव का विषय है। और अगर एक युवा लड़की किसी व्यक्ति में सबसे अधिक उदात्त को व्यक्त करती है, तो बूढ़ा नौकर, सुनहरी बारिश के सिक्कों को पकड़ने की कोशिश कर रहा है, निम्नतम मानवीय गुणों का प्रतिनिधित्व करता है: स्वार्थ, लालच, निंदक।

रचना में गहरे और हल्के स्वरों के एक निश्चित संयोजन द्वारा नाटक पर जोर दिया गया है। यह पेंट की मदद से है कि कलाकार चित्र में शब्दार्थ उच्चारण करता है। तो, एक युवा लड़की सुंदरता और उज्ज्वल भावनाओं का प्रतीक है। और बूढ़ी औरत, उदास अंधेरे स्वरों से घिरी हुई है, जिसमें एक आधार शुरुआत की अभिव्यक्ति है।

टिटियन के काम की यह अवधि न केवल नाटक से भरी विरोधाभासी छवियों के निर्माण की विशेषता है। साथ ही, कलाकार कई काम लिखता है, जिसका विषय एक महिला की आकर्षक सुंदरता है। हालांकि, इस तथ्य पर ध्यान देना आवश्यक है कि ये काम उस आशावादी और जीवन-पुष्टि मूड से रहित हैं, जो लगता है, उदाहरण के लिए, "सांसारिक और स्वर्गीय प्रेम" और "बच्चन" में। सबसे बड़ी रुचि के चित्रों में "डायना और एक्टन", "द शेफर्ड एंड द निम्फ" (1559), "वीनस विद एडोनिस" हैं।

टिटियन के सर्वश्रेष्ठ कार्यों में से एक 60 के दशक में बनाई गई "कयूशदियासा मैरी मैग्डलीन" नामक एक पेंटिंग है। 16 वीं शताब्दी। इस बाइबिल विषय का उपयोग कई पुनर्जागरण कलाकारों द्वारा किया गया था। हालांकि, टिटियन पश्चाताप करने वाली मैरी मैग्डलीन की छवि की पुनर्व्याख्या करता है। सुंदरता और स्वास्थ्य से भरपूर एक युवा महिला की आकृति ईसाई पश्चाताप को व्यक्त नहीं करती है, बल्कि उदासी और खुशी की लालसा को हमेशा के लिए खो देती है। व्यक्ति हमेशा की तरह टिटियन में सुंदर है, लेकिन उसकी भलाई, शांति और मानसिक संतुलन बाहरी ताकतों पर निर्भर करता है। यह वे हैं जो किसी व्यक्ति के भाग्य में हस्तक्षेप करते हुए, आत्मा के सामंजस्य को नष्ट करते हैं। यह कोई संयोग नहीं है कि मगदलीनी की छवि, दु: ख के साथ जब्त, एक उदास परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ दिखाई जाती है, जो आसन्न काले बादलों के साथ एक काले आकाश के साथ ताज पहनाया जाता है - एक अग्रदूत
एक आंधी के उपनाम।

मानव पीड़ा का एक ही विषय प्रसिद्ध गुरु के बाद के कार्यों में लगता है: "कांटों के मुकुट के साथ ताज" (1570) और "सेंट। सेबस्टियन ”(1570)।

"कांटों के मुकुट के साथ ताज" में यीशु को कलाकार द्वारा एक सामान्य व्यक्ति की छवि में प्रस्तुत किया जाता है, जो शारीरिक और सबसे महत्वपूर्ण, नैतिक गुणों में अपने कष्टों से आगे निकल जाता है।

हालाँकि, वह अकेला है और केवल इसलिए विजेता नहीं हो सकता। दृश्य का नाटक और भावनात्मक तनाव उदास, गहरे रंग से बढ़ जाता है।

बाहरी दुनिया के साथ संघर्ष में एक अकेले नायक का विषय "सेंट" काम में भी सुना जाता है। सेबस्टियन"। नायक को यहां एक राजसी टाइटन के रूप में दिखाया गया है - पुनर्जागरण की कला की एक छवि विशेषता। हालांकि, वह अभी भी हारे हुए हैं।

परिदृश्य, चरित्र के प्रति शत्रुतापूर्ण ताकतों का प्रतीक है, यहां एक स्वतंत्र भूमिका निभाता है। कथानक के नाटक के बावजूद, समग्र रूप से रचना एक जीवन-पुष्टि मनोदशा से ओत-प्रोत है।

मानव मन के लिए एक प्रकार का भजन, ज्ञान और स्वीकृत आदर्शों के प्रति निष्ठा 60 के दशक में बनाई गई गुरु का स्व-चित्र है। XVI सदी

टिटियन द्वारा सबसे अभिव्यंजक चित्रों में से एक को "पिएटा" (या "मसीह का विलाप") के रूप में मान्यता प्राप्त है, जिसे 1576 के आसपास लिखा गया है। शोकग्रस्त महिलाओं के आंकड़े यहां एक पत्थर की जगह और एक उदास परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ चित्रित किए गए हैं। मैरी, एक मूर्ति की तरह, दुःख में जम गई। मैग्डलीन की छवि असामान्य रूप से उज्ज्वल और गतिशील है: एक महिला की आकृति आगे बढ़ रही है, उसका हाथ ऊपर उठा हुआ है, उसके उग्र लाल बाल बिखरे हुए हैं, थोड़ा खुला मुंह है, जिससे निराशा का रोना फूटने वाला है। यीशु को एक दिव्य स्वर्गीय प्राणी के रूप में नहीं दिखाया गया है, बल्कि एक बहुत ही वास्तविक व्यक्ति के रूप में दिखाया गया है, जो लोगों की दुनिया के लिए शत्रुतापूर्ण ताकतों के साथ एक असमान लड़ाई में पराजित हुआ है। छवियों की त्रासदी को टोनल और कट-ऑफ ट्रांज़िशन की मदद से चित्र में व्यक्त किया गया है। मुख्य पात्र ऐसे दिखाई देते हैं मानो रात के अंधेरे से प्रकाश की किरणों ने छीन लिया हो।

टिटियन का यह कार्य गहरी भावनाओं से संपन्न व्यक्ति की महिमा करता है। कैनवास "पिएटा" एक प्रकार का विदाई गीत था जो पुनर्जागरण के दौरान बनाए गए प्रकाश, उदात्त और राजसी नायकों को समर्पित था।

दुनिया को सुंदर चित्र देने वाले महान चित्रकार की 27 अगस्त, 1576 को संभवतः प्लेग से मृत्यु हो गई। उन्होंने कई कैनवस को पीछे छोड़ दिया जो अभी भी दर्शकों को उनके निष्पादन के कौशल और रंग की सूक्ष्म भावना से विस्मित करते हैं। टिटियन हमारे सामने एक अद्भुत मनोवैज्ञानिक, मानव आत्मा के विशेषज्ञ के रूप में प्रकट होते हैं। उनके छात्रों में जैकोपो निग्रेती (पाल्मा द एल्डर), बोनिफेसियो डी पिटाती, पेरिस बोर्डोन, जैकोपो पाल्मा द यंगर जैसे कलाकार थे।

पुनर्जागरण के दौरान, कई परिवर्तन और खोजें होती हैं। नए महाद्वीपों की खोज की जा रही है, व्यापार विकसित हो रहा है, महत्वपूर्ण चीजों का आविष्कार किया गया है, जैसे कागज, समुद्री कम्पास, बारूद और कई अन्य। पेंटिंग में बदलाव का भी बहुत महत्व था। पुनर्जागरण चित्रों को अपार लोकप्रियता मिली।

स्वामी के कार्यों की मुख्य शैलियाँ और प्रवृत्तियाँ

यह अवधि कला के इतिहास में सबसे फलदायी में से एक थी। विभिन्न कला केंद्रों में आज बड़ी संख्या में उत्कृष्ट उस्तादों की उत्कृष्ट कृतियाँ पाई जा सकती हैं। फ्लोरेंस में, पंद्रहवीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में नवप्रवर्तनकर्ता दिखाई दिए। उनके पुनर्जागरण चित्रों ने कला इतिहास में एक नए युग की शुरुआत की।

इस समय विज्ञान और कला का आपस में गहरा संबंध हो गया है। कलाकार वैज्ञानिकों ने भौतिक दुनिया में महारत हासिल करने का प्रयास किया। चित्रकारों ने मानव शरीर के अधिक सटीक निरूपण का लाभ उठाने की कोशिश की। कई कलाकारों ने यथार्थवाद के लिए प्रयास किया। शैली लियोनार्डो दा विंची की पेंटिंग "द लास्ट सपर" से शुरू होती है, जिसे उन्होंने लगभग चार वर्षों तक चित्रित किया था।

सबसे प्रसिद्ध कार्यों में से एक

इसे 1490 के दशक में मिलान में सांता मारिया डेल्ले ग्राज़ी मठ के रिफ़ेक्टरी के लिए चित्रित किया गया था। कैनवास पर यीशु के अंतिम भोजन को उसके शिष्यों के साथ पकड़े जाने और मारने से पहले दर्शाया गया है। इस अवधि के दौरान कलाकार के काम को देखने वाले समकालीनों ने नोट किया कि वह खाने के लिए बिना रुके सुबह से शाम तक कैसे पेंट कर सकता है। और फिर वह कई दिनों तक अपनी पेंटिंग को छोड़ सकता था और कभी भी उसके पास नहीं जा सकता था।

कलाकार स्वयं मसीह की छवि और यहूदा के विश्वासघाती के बारे में बहुत चिंतित था। जब पेंटिंग आखिरकार पूरी हो गई, तो इसे एक उत्कृष्ट कृति के रूप में मान्यता दी गई। द लास्ट सपर आज तक सबसे लोकप्रिय में से एक है। पुनर्जागरण प्रतिकृतियां हमेशा उच्च मांग में रही हैं, लेकिन इस उत्कृष्ट कृति को अनगिनत प्रतियों द्वारा चिह्नित किया गया है।

मान्यता प्राप्त कृति, या एक महिला की रहस्यमय मुस्कान

सोलहवीं शताब्दी में लियोनार्डो द्वारा बनाई गई रचनाओं में "मोना लिसा" या "ला जिओकोंडा" नामक एक चित्र है। आधुनिक युग में, यह शायद दुनिया की सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग है। वह मुख्य रूप से कैनवास पर चित्रित महिला के चेहरे पर मायावी मुस्कान के कारण लोकप्रिय हुई। इस रहस्य का कारण क्या है? गुरु का कुशल कार्य, इतनी कुशलता से आँखों और मुँह के कोनों को छायांकित करने की क्षमता? इस मुस्कान की सटीक प्रकृति अभी तक निर्धारित नहीं की गई है।

प्रतियोगिता से बाहर और इस तस्वीर के अन्य विवरण। यह महिला के हाथों और आंखों पर ध्यान देने योग्य है: इसे लिखते समय कलाकार ने कैनवास के सबसे छोटे विवरण का कितना सटीक इलाज किया। पेंटिंग की पृष्ठभूमि में नाटकीय परिदृश्य भी उतना ही दिलचस्प है, एक ऐसी दुनिया जिसमें सब कुछ प्रवाह की स्थिति में लगता है।

पेंटिंग का एक और प्रसिद्ध प्रतिनिधि

पुनर्जागरण का कोई कम प्रसिद्ध प्रतिनिधि सैंड्रो बॉटलिकली नहीं है। यह एक महान इतालवी चित्रकार है। उनकी पुनर्जागरण पेंटिंग भी दर्शकों की एक विस्तृत श्रृंखला के साथ बेहद लोकप्रिय हैं। "मैगी की आराधना", "मैडोना एंड चाइल्ड एंथ्रोंड", "घोषणा" - धार्मिक विषयों के लिए समर्पित बॉटलिकली की ये रचनाएँ कलाकार की महान उपलब्धियाँ बन गईं।

मास्टर का एक और प्रसिद्ध काम "मैडोना मैग्निफिकैट" है। वह सैंड्रो के जीवन के वर्षों के दौरान प्रसिद्ध हो गई, जैसा कि कई प्रतिकृतियों से पता चलता है। पंद्रहवीं शताब्दी में फ्लोरेंस में सर्कल के रूप में इस तरह के कैनवास काफी मांग में थे।

चित्रकार के काम में एक नया मोड़

1490 से शुरू होकर, सैंड्रो ने अपनी शैली बदल दी। यह अधिक तपस्वी हो जाता है, रंगों का संयोजन अब बहुत अधिक संयमित होता है, अक्सर गहरे स्वर प्रबल होते हैं। अपनी रचनाओं को लिखने के लिए निर्माता का नया दृष्टिकोण "द क्राउनिंग ऑफ मैरी", "लैमेंटेशन ऑफ क्राइस्ट" और मैडोना और चाइल्ड को चित्रित करने वाले अन्य कैनवस में पूरी तरह से दिखाई देता है।

उस समय सैंड्रो बॉटलिकली द्वारा चित्रित उत्कृष्ट कृतियाँ, उदाहरण के लिए, डांटे का चित्र, परिदृश्य और आंतरिक पृष्ठभूमि से रहित हैं। कलाकार की समान रूप से महत्वपूर्ण कृतियों में से एक "रहस्यमय क्रिसमस" है। पेंटिंग को इटली में 1500 के अंत में हुई उथल-पुथल के प्रभाव में चित्रित किया गया था। पुनर्जागरण कलाकारों के कई चित्रों ने न केवल लोकप्रियता हासिल की, वे अगली पीढ़ी के चित्रकारों के लिए एक उदाहरण बन गए।

एक कलाकार जिसका कैनवस प्रशंसा के प्रभामंडल से घिरा हुआ है

राफेल सैंटी दा उरबिनो न केवल एक वास्तुकार थे। उनके पुनर्जागरण चित्रों ने उनके रूप की स्पष्टता, उनकी रचना की सादगी और मानव महानता के आदर्श की दृश्य उपलब्धि के लिए प्रशंसा पैदा की। माइकल एंजेलो और लियोनार्डो दा विंची के साथ, वह इस अवधि के महानतम आचार्यों की पारंपरिक त्रिमूर्ति में से एक हैं।

उन्होंने अपेक्षाकृत छोटा जीवन जिया, केवल 37 वर्ष का। लेकिन इस दौरान उन्होंने बड़ी संख्या में अपनी उत्कृष्ट कृतियों का निर्माण किया। उनकी कुछ रचनाएँ रोम के वेटिकन पैलेस में हैं। सभी दर्शक पुनर्जागरण कलाकारों की प्रत्यक्ष पेंटिंग नहीं देख सकते हैं। इन उत्कृष्ट कृतियों की तस्वीरें सभी के लिए उपलब्ध हैं (उनमें से कुछ इस लेख में प्रस्तुत की गई हैं)।

राफेल की सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ

1504 से 1507 तक राफेल ने मैडोना की एक पूरी श्रृंखला बनाई। चित्रों को उनकी आकर्षक सुंदरता, ज्ञान और एक ही समय में एक प्रकार की प्रबुद्ध उदासी से अलग किया जाता है। उनकी सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग "द सिस्टिन मैडोना" थी। उसे आकाश में मँडराते हुए और अपनी बाहों में एक बच्चे के साथ लोगों की ओर आसानी से उतरते हुए दिखाया गया है। यह वह आंदोलन था जिसे कलाकार बहुत कुशलता से चित्रित करने में सक्षम था।

इस काम की कई प्रसिद्ध आलोचकों द्वारा बहुत प्रशंसा की गई, और वे सभी एकमत निष्कर्ष पर पहुंचे कि यह वास्तव में दुर्लभ और असामान्य है। पुनर्जागरण कलाकारों के सभी चित्रों का एक लंबा इतिहास रहा है। लेकिन यह अपनी स्थापना के बाद से अपने अंतहीन भटकन के लिए सबसे लोकप्रिय धन्यवाद बन गया। कई परीक्षणों से गुजरने के बाद, इसने आखिरकार ड्रेसडेन संग्रहालय के प्रदर्शनों के बीच अपना सही स्थान हासिल कर लिया।

पुनर्जागरण चित्रों। प्रसिद्ध चित्रों की तस्वीरें

और एक अन्य प्रसिद्ध इतालवी चित्रकार, मूर्तिकार, और एक वास्तुकार जिसका पश्चिमी कला के विकास पर बहुत बड़ा प्रभाव था, वह है माइकल एंजेलो डी सिमोनी। इस तथ्य के बावजूद कि उन्हें मुख्य रूप से एक मूर्तिकार के रूप में जाना जाता है, उनकी पेंटिंग की उत्कृष्ट कृतियाँ भी हैं। और इनमें से सबसे महत्वपूर्ण सिस्टिन चैपल की छत है।

यह काम चार साल तक चला। अंतरिक्ष लगभग पाँच सौ वर्ग मीटर में फैला है और इसमें तीन सौ से अधिक आंकड़े हैं। बहुत केंद्र में उत्पत्ति की पुस्तक के नौ एपिसोड हैं, जिन्हें कई समूहों में विभाजित किया गया है। पृथ्वी का निर्माण, मनुष्य का निर्माण और उसका पतन। छत पर सबसे प्रसिद्ध चित्रों में द क्रिएशन ऑफ एडम एंड एडम एंड ईव हैं।

उनका कोई कम प्रसिद्ध काम "द लास्ट जजमेंट" नहीं है। इसे सिस्टिन चैपल की वेदी की दीवार पर अंजाम दिया गया था। भित्तिचित्रों में ईसा मसीह के दूसरे आगमन को दर्शाया गया है। यहाँ माइकल एंजेलो यीशु को लिखने में मानक कलात्मक सम्मेलनों की उपेक्षा करता है। उन्होंने उसे एक विशाल पेशीय शरीर संरचना, युवा और दाढ़ी रहित के साथ चित्रित किया।

धर्म का महत्व, या पुनर्जागरण की कला

पुनर्जागरण इतालवी चित्र पश्चिमी कला के विकास का आधार बने। इस पीढ़ी के रचनाकारों के कई लोकप्रिय कार्यों का कलाकारों पर बहुत बड़ा प्रभाव है जो आज भी जारी है। उस काल की कला के महान प्रतिनिधियों ने अपना ध्यान धार्मिक विषयों पर केंद्रित किया, जो अक्सर धनी संरक्षकों के लिए काम करते थे, जिनमें स्वयं पोप भी शामिल थे।

धर्म सचमुच इस युग के लोगों के दैनिक जीवन में प्रवेश कर गया, जिसकी जड़ें कलाकारों के मन में गहराई से समा गईं। लगभग सभी धार्मिक कैनवस संग्रहालयों और कला भंडारों में हैं, लेकिन न केवल इस विषय से संबंधित पुनर्जागरण चित्रों के पुनरुत्पादन कई संस्थानों और यहां तक ​​​​कि साधारण घरों में भी पाए जा सकते हैं। लोग उस काल के प्रसिद्ध आचार्यों के कार्यों की अंतहीन प्रशंसा करेंगे।

इटली एक ऐसा देश है जो हमेशा अपने कलाकारों के लिए मशहूर रहा है। कभी इटली में रहने वाले महान आचार्यों ने पूरी दुनिया में कला का महिमामंडन किया। हम निश्चित रूप से कह सकते हैं कि अगर यह इतालवी चित्रकारों, मूर्तिकारों और वास्तुकारों के लिए नहीं होता, तो आज दुनिया पूरी तरह से अलग दिखती। बेशक, इतालवी कला में सबसे महत्वपूर्ण माना जाता है। पुनर्जागरण या पुनर्जागरण के युग में इटली एक अभूतपूर्व वृद्धि और फूल पर पहुंच गया। प्रतिभाशाली कलाकार, मूर्तिकार, आविष्कारक, वास्तविक प्रतिभाएँ जो उन दिनों दिखाई दीं, वे आज भी हर स्कूली बच्चे के लिए जानी जाती हैं। उनकी कला, रचनात्मकता, विचार, विकास को आज क्लासिक्स माना जाता है, जिस पर विश्व कला और संस्कृति का निर्माण होता है।

इतालवी पुनर्जागरण के सबसे प्रसिद्ध प्रतिभाओं में से एक, ज़ाहिर है, महान लियोनार्डो दा विंसी(1452-1519)। दा विंची इतने प्रतिभाशाली थे कि उन्होंने दृश्य कला और विज्ञान सहित गतिविधि के कई क्षेत्रों में बड़ी सफलता हासिल की। एक अन्य प्रसिद्ध कलाकार जो एक मान्यता प्राप्त गुरु हैं सैंड्रो बॉटलिकली(1445-1510)। बॉटलिकली की पेंटिंग मानवता के लिए एक वास्तविक उपहार हैं। आज, इसकी सघनता दुनिया के सबसे प्रसिद्ध संग्रहालयों में है और वास्तव में अमूल्य हैं। लियोनार्डो दा विंची और बॉटलिकली से कम प्रसिद्ध नहीं है राफेल सैंटी(१४८३-१५२०), जो ३८ वर्षों तक जीवित रहे, और इस दौरान आश्चर्यजनक पेंटिंग की एक पूरी परत बनाने में कामयाब रहे, जो प्रारंभिक पुनर्जागरण के सबसे चमकीले उदाहरणों में से एक बन गया। इतालवी पुनर्जागरण की एक और महान प्रतिभा निस्संदेह है माइकल एंजेलो बुओनारोटी(१४७५-१५६४)। पेंटिंग के अलावा, माइकल एंजेलो मूर्तिकला, वास्तुकला और कविता में लगे हुए थे, और कला के इन रूपों में शानदार परिणाम प्राप्त किए। माइकल एंजेलो की "डेविड" नामक प्रतिमा को एक नायाब कृति माना जाता है, जो मूर्तिकला की कला की सर्वोच्च उपलब्धि का एक उदाहरण है।

ऊपर वर्णित कलाकारों के अलावा, पुनर्जागरण इटली के महानतम कलाकार एंटोनेलो दा मेसिना, जियोवानी बेलिनी, जियोर्जियोन, टिटियन, पाओलो वेरोनीज़, जैकोपो टिंटोरेटो, डोमेनिको फेट्टी, बर्नार्डो स्ट्रोज़ी, जियोवानी बतिस्ता टाईपोलो, फ्रांसेस्को गार्डी और अन्य जैसे स्वामी थे। ... वे सभी पेंटिंग के रमणीय विनीशियन स्कूल के प्रमुख उदाहरण थे। इतालवी चित्रकला के फ्लोरेंटाइन स्कूल में इस तरह के कलाकार शामिल हैं: मासासिओ, एंड्रिया डेल वेरोकियो, पाओलो उकेलो, एंड्रिया डेल कास्टाग्नो, बेनोज़ो गोज़ोली, सैंड्रो बोथिसेली, फ्रा एंजेलिको, फिलिपो लिप्पी, पिएरो डी कोसिमो, लियोनार्डो दा विंची, माइकललैंडो डेल सार्तो।

पुनर्जागरण के दौरान, साथ ही देर से पुनर्जागरण के दौरान और सदियों बाद काम करने वाले सभी कलाकारों को सूचीबद्ध करने के लिए, जो पूरी दुनिया में जाने जाते हैं और पेंटिंग की कला का महिमामंडन करते हैं, बुनियादी सिद्धांतों और कानूनों को विकसित करते हैं जो सभी प्रकार और शैलियों को रेखांकित करते हैं। ललित कला, शायद आपको कई खंड लिखने की आवश्यकता होगी, लेकिन यह सूची यह समझने के लिए पर्याप्त है कि महान इतालवी कलाकार वही कला हैं जिन्हें हम जानते हैं, कि हम प्यार करते हैं और हम हमेशा के लिए सराहना करेंगे!

महान इतालवी कलाकारों की पेंटिंग

एंड्रिया मेंटेग्ना - फ्रेस्को इन द चेंबर डिगली स्पोसिक

जियोर्जियोन - द थ्री फिलॉसॉफर्स

लियोनार्डो दा विंची - मोना लिसा

निकोलस पॉसिन - स्किपियो की भव्यता

पाओलो वेरोनीज़ - लेपैंटो की लड़ाई