Biografi bariton Igor golovatenko. Temu bual dengan Igor Golovatenko

Igor Golovatenko Lulus dari Konservatori Moscow dengan ijazah dalam opera dan simfoni menjalankan (kelas Profesor G. N. Rozhdestvensky). Dia belajar nyanyian solo di V. Popov Academy of Choral Art (kelas Profesor D. Yu. Vdovin).

Igor Golovatenko Lulus dari Konservatori Moscow dengan ijazah dalam opera dan simfoni menjalankan (kelas Profesor G. N. Rozhdestvensky). Dia belajar nyanyian solo di V. Popov Academy of Choral Art (kelas Profesor D. Yu. Vdovin).

Pada tahun 2006 beliau membuat debutnya dalam "Mass of Life" oleh F. Delius dengan Orkestra Filharmonik Kebangsaan Rusia di bawah baton Vladimir Spivakov. Dari 2007 hingga 2014 beliau adalah pemain solo Teater Opera Moscow Novaya, di mana beliau memainkan peranan utama dalam opera Eugene Onegin dan Iolanta oleh P. Tchaikovsky, La Traviata, Troubadour dan Aida oleh G. Verdi, Love Potion "G. Donizetti ," The Barber of Seville "oleh G. Rossini," Rural Honor "oleh P. Mascagni.

Sejak 2014 dia telah menjadi pemain solo dengan Teater Bolshoi Rusia. Dia berlakon dalam watak Lopakhin (The Cherry Orchard oleh F. Fenelon), Germont dan Rodrigo (La Traviata dan Don Carlos oleh G. Verdi), Marcel (La Boheme oleh G. Puccini), Doctor Malatesta (Don Pasquale oleh G. Donizetti), Lionel dan Robert ("The Maid of Orleans" dan "Iolanta" oleh P. Tchaikovsky).

Pemenang pertandingan antarabangsa "Tiga abad percintaan klasik" di St. Petersburg dan pertandingan penyanyi-pelaku opera Itali di Teater Bolshoi.

Penglibatan asing penyanyi itu termasuk persembahan di Opera Nasional Paris, Opera Negara Bavaria, Teater San Carlo Neapolitan, teater Palermo, Bergamo, Trieste, Lille, Luxembourg, Teatro Colon di Buenos Aires, Opera Kebangsaan Santiago di Chile , Opera Kebangsaan Greek, opera Latvia, serta di festival opera berprestij di Wexford dan Glyndebourne.

Igor Golovatenko telah bekerja dengan konduktor terkenal, termasuk Mikhail Pletnev, Vladimir Spivakov, Tugan Sokhiev, Vasily Sinaisky, Kent Nagano, Gianluigi Gelmetti, Laurent Campellone, Christophe-Matthias Muller, Enrique Mazzola, Robert Trevinho; antara pengarah yang bekerjasama dengan penyanyi itu - Francesca Zambello, Adrian Noble, Elijah Moshinski, Rolando Panerai.

Dia sering membuat persembahan dengan Orkestra Kebangsaan Rusia di bawah arahan Mikhail Pletnev (khususnya, dia mengambil bahagian dalam persembahan konsert opera Carmen oleh J. Bizet, The Tales of Hoffmann oleh J. Offenbach dan Eugene Onegin oleh P. Tchaikovsky, sebagai serta muzik oleh E. Grieg kepada drama G. Ibsen "Peer Gynt"). Mengambil bahagian dalam Festival Besar Orkestra Kebangsaan Rusia. Telah muncul dengan Orkestra Filharmonik Kebangsaan Rusia di bawah arahan Vladimir Spivakov dan Orkestra Simfoni Negeri "Rusia Baru" di bawah arahan Yuri Bashmet.

Igor Golovatenko ialah penyanyi opera (bariton), pemain solo dengan Teater Bolshoi (sejak 2014) dan Teater Opera Novaya (sejak 2007). Lulus dari Moscow Conservatory (kelas Profesor G. N. Rozhdestvensky (opera dan simfoni mengendalikan) dan Akademi Seni Choral (kelas Profesor D. Yu. Vdovin) (nyanyian solo). Repertoar penyanyi itu termasuk bahagian dalam opera oleh Verdi, Puccini, Donizetti, Tchaikovsky dan komposer lain, serta muzik bilik. Bekerjasama dengan banyak gedung opera asing terkemuka.

MS: Saya ingin mengucapkan tahniah kepada anda atas kejayaan tayangan perdana Don Pasquale. Prestasi organik.

IG: Terima kasih. Saya rasa ia ternyata cukup menyeronokkan. Ia adalah pekerjaan yang sangat luar biasa dalam beberapa cara. Pertama, dari segi repertoir, kerana sebelum itu saya menyanyikan sembilan persembahan opera Troubadour di Lille, tiga di Luxembourg dan tiga di Munich, dengan satu persembahan di Lille dan Luxembourg, dan satu lagi di Munich. Tetapi persembahan berlangsung berturut-turut, dan saya mempelajari opera ini selama enam bulan, iaitu, dari November hingga Mac - lima bulan! - menyanyikan bahagian Count di Luna. Saya hampir hilang akal, malah mendapati diri saya terlupa teks pada persembahan kedua atau ketiga di Munich. Boleh awak bayangkan? Saya menyedari bahawa ia terlalu banyak - begitu banyak persembahan berturut-turut. Walaupun, mungkin ia bagus untuk vokal, kerana saya baru terbiasa dengan bahagian ini.

MS: Tetapi sekarang dan pada tengah malam anda akan menyanyi.

IG: Baik pada waktu malam dan siang hari. Saya sudah lama membenci opera ini, walaupun saya perlu menyanyikannya semula pada bulan Jun. Namun begitu, rehat terbaik ialah perubahan aktiviti, itulah sebabnya Don Pasquale menjadi sejenis rehat untuk saya. Apabila saya tiba dan mula berlatih, saya menyedari bahawa saya benar-benar terpikat dengan muzik, plot dan karya ini. Mungkin seseorang akan mendapati ia mengejutkan, tetapi saya sangat menyukai cara Kulyabin bekerja, saya juga menulis kepadanya tentangnya sendiri, mengucapkan terima kasih yang tidak terhingga atas kerja itu. Kerana selepas skandal kuat di Novosibirsk itu, kita mungkin semua ...

MS: Tegang.

IG: Saya tidak boleh menjamin orang lain, tetapi sekurang-kurangnya pada mulanya saya pergi ke latihan dengan sedikit keraguan atau kebimbangan. Ini tidak bermakna bahawa pada mulanya saya entah bagaimana tidak mempercayai pengarah, tidak, tetapi masih ada perasaan bawah sedar. Tetapi kemudian, secara literal selepas beberapa hari latihan, saya menyedari bahawa saya terlibat dalam proses ini, saya berminat, kerana dia cuba "menggali" beberapa butiran hubungan antara watak-watak dalam recitatif. Kami bekerja dengan tutor Itali dan terus bertanya antara satu sama lain apa maksud frasa ini atau itu, kerana, sebagai contoh, dalam recitatives, beberapa frasa boleh ditafsirkan secara berbeza bergantung pada siapa yang mereka tuju - Don Pasquale, Norina dan sebagainya. Kami bekerja dengan begitu bersemangat sehingga saya tidak perasan bagaimana masa berlalu. Saya tidak boleh mengatakan bahawa bahagian Malatesta adalah terlalu sukar, ia hanya besar dalam jumlah - terdapat banyak ensemble, agak banyak bacaan. Dan saya ulangi sekali lagi: bagi saya ia adalah perubahan yang sangat baik dalam himpunan, sejenis kelonggaran dalam erti kata vokal. Saya tidak mempunyai peranan baru yang menarik sebelum ini, kecuali Barber of Seville, walaupun dia masih mempunyai rancangan yang berbeza, kerana ini adalah peranan yang lebih solo dan masih bertajuk, dan, sudah tentu, menarik lebih banyak perhatian kepada dirinya sendiri. Dan Malatesta, walaupun pada hakikatnya dalam persembahan kami dia, pada dasarnya, sejenis pusat segala tipu muslihat, bagaimanapun, bukanlah tokoh utama dalam opera. Ia sangat menarik untuk bekerja dengan rakan kongsi, dengan jurulatih Itali yang hebat dan konduktor yang sangat baik. Pengeluaran, pada pendapat saya, berlaku. Mungkin ia agak kontroversial, saya tidak tahu, pengkritik yang menulis tentang persembahan ini lebih tahu, tetapi saya nampaknya ia ternyata agak lucu, tanpa kekasaran. Pada pendapat saya, produksi itu ternyata berjaya, alangkah baiknya jika ia bertahan lama dan, boleh dikatakan, batu loncatan untuk ramai penyanyi muda.

MS: Nampaknya saya walaupun fakta bahawa tindakan itu dipindahkan ke zaman kita tidak menghalang dalam apa cara sekalipun daripada menyampaikan mood dan idea opera.

IG: Kadang-kadang ia berlaku bahawa perubahan dalam masa dan tempat tindakan membawa maut untuk persembahan, seperti yang berlaku dengan "Troubadour" di Lille, dan ini tidak memihak kepada produksi, malangnya. Ada perkara yang perlu ditangani dengan teliti. Sekiranya teks libretto mengandungi sebarang tanda barang rumah atau ciri pakaian tertentu, penampilan wira - sebagai contoh, perlu diingati "beret merah lembayung" yang terkenal dalam opera Tchaikovsky - adalah wajar bahawa heroin opera ini masih berbaret lembayung.

MS: Pengeluaran Don Pasquale mendapat akhbar yang baik.

IG: Ya, walaupun saya biasanya tidak membaca akhbar.

MS: Awak tak baca langsung?

IG: Saya cuba untuk tidak membaca. Untuk apa? Terutama semasa tayangan perdana. Bayangkan - saya menyanyi, keesokan harinya ada artikel, dan sekali lagi persembahan. Ia masih menjadi perkara yang gementar. Saya cuba membaca kemudian, apabila sudah dua minggu berlalu, saya telah membentuk tanggapan saya sendiri. Lagipun, persembahan adalah urusan yang sangat emosional, kerana artis melakukan yang terbaik. Guru saya di sekolah muzik tidak pernah memarahi pelajar selepas konsert, tetapi selalu berkata: "Syabas, semuanya baik-baik saja!" Dan beberapa hari kemudian anda kembali ke pelajaran, dan dia dengan tenang menjelaskan bahawa ia tidak berjaya. Kami juga seperti kanak-kanak dalam hal ini - jika anda segera menurunkan beberapa (malah, mungkin, membina) kritikan kepada kami selepas persembahan, ini boleh membawa kepada trauma emosi. Saya tidak keterlaluan, memang boleh ada trauma yang besar jika dikritik secara kasar. Oleh itu, dalam hal ini, saya menjaga diri saya sendiri, dan jika perkara seperti ini timbul, saya cuba membacanya selepas beberapa ketika, atau seseorang memberitahu saya. Sebagai contoh, Dmitry Yuryevich (Vdovin), sentiasa mengikuti apa yang mereka tulis, dan kemudian menghantar pautan kepada saya.

MS: Adakah anda ingin tahu tentang apa yang mereka tulis?

IG: Sukar untuk mengatakan sama ada ia menarik atau tidak. Saya tidak boleh mengatakan bahawa saya tidak berminat dengan ini sama sekali, saya juga tidak boleh menolak diri saya dengan segera, kerana orang pergi ke persembahan dan, dengan itu, saya entah bagaimana berhubung dengan mereka, bukan? Mereka melihat hasil bukan sahaja kerja saya, tetapi juga hasil kerja seluruh pasukan secara umum. Sudah tentu, saya tertarik dengan pendapat mereka tentang perkara ini. Tetapi dengan beberapa, sebagai contoh, pendapat atau kenyataan, saya mungkin tidak bersetuju. Saya rasa ini perkara biasa.

Sudah tentu, saya tidak boleh menilai hasil kerja saya sendiri dari luar, kerana saya tidak dapat mendengar diri saya dari luar. Apabila mereka memberitahu saya, katakan bahawa saya tidak mempunyai legato yang mencukupi dalam beberapa frasa, saya sentiasa mendengar komen sedemikian. Dan, tentu saja, ada orang yang sangat berwibawa untuk saya, contohnya, Dmitry Yuryevich. Dia sentiasa bercakap dengan intipati, dan saya cuba mengambil kira kehendaknya dan membetulkan kesilapan.

MS: Nampaknya kepada saya bahawa kenyataan Dmitry Yuryevich masih menjadi kenyataan guru, dan kita bercakap tentang kritikan. Bagi anda, persembahan anda mungkin satu kejayaan, tetapi kejayaan peribadi anda, tetapi untuk penonton dan pengkritik - sebaliknya.

IG: Sudah tentu saya bersetuju. Saya boleh menganggap kerja saya sendiri sebagai berjaya, berjaya, tetapi ia boleh berterusan secara umum untuk orang ramai. Atau sebaliknya - Saya mempunyai persembahan yang buruk, apabila sesuatu tidak berjaya, dan penonton agak gembira, dan pengkritik juga menulis sesuatu yang baik. Sukar untuk saya katakan di sini, kerana saya mempunyai kriteria penilaian saya sendiri, dan saya sangat memilih tentang diri saya sendiri.

MS: Dan jika ada artikel negatif, bagaimana perasaan anda mengenainya?

IG: Tidak mengapa jika, sekali lagi, komen itu membina (contohnya, teks yang tidak cukup jelas, frasa yang tidak ekspresif, menyanyikan keseluruhan aria dengan bunyi yang sama, ketat lakonan, tidak ekspresif), iaitu, ia mempengaruhi aspek yang berbeza dalam seni persembahan kita. Semua yang melampaui ini, pada pendapat saya, adalah amatur. Nyanyian, muzik, persembahan secara umum - ini adalah perkara yang sangat halus dari segi rasa estetik. Jika saya membaca ulasan dan ia mengatakan tentang saya atau tentang rakan sekerja saya bahawa dia menyanyi tidak seperti yang pengkritik mahu, maka ini tidak dapat saya fahami. Dan apabila segala-galanya ditulis tentang kes itu: arahan tidak sesuai ini atau itu, pemain solo diletakkan terlalu dalam di atas pentas dan mereka tidak didengari, dan sebagainya, maka komen khusus seperti itu penting bagi saya.

MS: Namun, ia adalah satu profesion yang sukar - seorang penyanyi, seperti mana-mana yang berkaitan dengan seni persembahan.

IG: Seorang penyanyi bergantung pada suaranya, pada keadaannya. Kebetulan kita semua kadang-kadang bergurau: anda datang ke teater hari ini - tidak ada "atas", keesokan harinya anda datang - tidak ada "bawah", keesokan harinya anda datang, menyanyi dengan baik, dan 15 minit sebelum persembahan - atas sebab tertentu "atas" hilang ... kenapa? Tiada sesiapa yang tahu. Malah, saya selalu iri kepada orang yang mempunyai saraf yang tidak dapat ditembusi dan kesihatan yang sangat baik, kerana mereka mungkin tidak peduli apa keadaan mereka.

MS: Saya tidak fikir ada orang seperti itu dalam seni.

IG: Macam-macam ada. Namun, perkara yang paling penting bagi penyanyi, sudah tentu, kesihatan dan keupayaan untuk menjadi gugup yang mungkin. Tetapi ini juga datang dengan pengalaman, kerana apabila anda telah menyanyikan beberapa bahagian - dan bukan dalam satu teater, tetapi dalam yang berbeza, anda mengumpul beberapa jenis bagasi dan anda boleh mengawal keadaan. Perkara utama yang bergantung kepada penyanyi adalah keadaan kesihatannya sendiri dan keadaan suaranya sendiri, sekarang dan sekarang. Walaupun, jika anda mengawal setiap nota, ia boleh berakhir dengan teruk. Tetapi ada kalanya ia perlu.

IG: Baiklah, kedua-dua radas dan beberapa jenis komponen mental, kerana jika ini adalah persembahan opera yang kompleks, anda pasti mesti mengedarkan diri anda supaya tidak "berakhir" dalam aksi pertama. Jika saya menyanyi "Troubadour", maka bahagian saya dibina dengan cara tertentu - terdapat tercet yang sangat kompleks, aria yang sangat kompleks, dan kemudian bahagian itu merosot dalam kesukaran, dan saya, secara kasarnya, berehat. Ini, tentu saja, bukan rehat, tetapi saya tahu bahawa selepas aria saya boleh berehat sedikit. Dan inilah kesukarannya. Sebagai contoh, dalam Eugene Onegin, hanya dalam adegan keenam bahagian yang paling sukar (secara vokal) bermula: iaitu, secara praktikal sehingga akhir opera anda tidak melakukan apa-apa, dan kemudian arioso bermula, di mana kawalan suara adalah penting. Sebelum itu, kita bercakap lebih lanjut mengenai menguruskan imej wira: anda mesti mengalih keluar diri anda daripada orang lain, jangan sentuh watak lebih awal daripada masa, berada pada jarak yang sangat jauh dari mereka, walaupun dalam adegan pertengkaran dengan Lensky dan pertarungan. Cuma sampai satu tahap ada interaksi dengan watak-watak melalui detasmen, saya katakan begitu. Iaitu, sentiasa ada saat-saat kawalan.

MS: Apa lagi yang bergantung kepada penyanyi semasa persembahan?

IG: Dari banyak keadaan di atas pentas. Sebagai contoh, ia bergantung kepada bagaimana konduktor menjalankan, kerana terdapat konduktor yang sangat stabil yang menjalankan dalam vena yang sama hari ini dan esok. Saya tidak akan mengatakan bahawa ia adalah sama, tetapi sekurang-kurangnya tanpa kejutan. Saya mempunyai kes sedemikian. Kami berlatih pentas, saya menyanyi, saya menyanyi, saya menyanyi, konduktor mengendalikan "empat". Tiba-tiba, semasa permainan di tempat ini, dia beralih kepada "dua", tanpa memberitahu sesiapa mengenainya. Dan walaupun saya, dengan pendidikan saya yang mengendalikan, tidak dapat menangkapnya, kerana ia tidak ditentukan oleh apa-apa: baik muzik, mahupun tempo. Baik orkestra tidak memahami dia, mahupun saya. Saya keluar, sudah tentu, tetapi ia tidak mudah.

Guru saya yang hebat, Gennady Nikolaevich Rozhdestvensky, banyak bercakap tentang Willie Ferrero, yang berkelakuan sebagai budak lelaki. Dan semua saksi mata ini terkejut betapa mudahnya dia mengawal orkestra, orang dewasa ini. Sudah tentu, ini adalah kes yang unik. Namun, menjalankan adalah masalah sejenis radiasi hipnosis. Jika seseorang mempunyainya, maka tidak begitu penting bagaimana dia menggerakkan tangannya. Sebagai contoh, terdapat video Furtwängler, yang merupakan konduktor yang hebat dan cemerlang, tetapi jika saya bermain dalam orkestranya, saya mungkin tidak akan memahami sesuatu. Namun begitu, terdapat persefahaman mutlak antara dia dan orkestra. Nampaknya, ini adalah sejenis sihir, saya tidak dapat menjelaskannya.

Oleh kerana saya mempunyai kaitan dengan profesion ini, tidak sukar bagi saya untuk memahami kerja konduktor dengan orkestra - tetapi hanya semasa berada di auditorium. Sukar untuk saya melakukan ini di atas pentas, kerana saya sibuk dengan sesuatu yang berbeza sama sekali. Tetapi terdapat juga pengecualian. Sebagai contoh, apabila kami membuat persembahan "The Maid of Orleans" dengan Sokhiev, saya berdiri di sebelahnya betul-betul dua meter jauhnya dan dengan kulit saya merasakan betapa hebatnya tenaga yang datang dari lelaki ini: dia melakukan begitu banyak usaha untuk menjaringkan gol! Ini, sudah tentu, adalah perkara yang hebat.

MS: Adakah sesuatu bergantung kepada pengarah?

IG: Sudah tentu. Walaupun penyanyi menentang, keutamaan dalam opera kini menjadi milik pengarah. Dan ini tidak selalu baik, malangnya. Terdapat profesional yang tahu bagaimana mengatur penyanyi semasa ensemble kompleks, mendengar komen konduktor. Tetapi malangnya, ini sangat jarang berlaku. Sebagai peraturan, keadaannya berbeza: pengarah dalam konsep mereka, seperti dalam katil Procrustean, cuba menjejalkan skor opera. Komposer, penyanyi, dan konduktor, yang juga mendapati diri mereka dalam keadaan kerja yang sangat janggal, mengalami ini. Sebagai contoh, pengarah "Troubadour" (di Lille yang sama) memutuskan bahawa dia mahu membuat "Kisah Sebelah Barat" di atas pentas. Dan atas perintahnya, pemandangan "Troubadour" yang sepatutnya - sebuah istana abad ke-15 - telah digantikan dengan kawasan setinggan dan halaman yang kemas, dan pentas itu berada pada waktu senja. Isteri saya berada di panggung itu dan mengakui bahawa apabila saya dan penyanyi kulit hitam Ryan Speedo Green (yang memainkan watak Ferrando) muncul bersama pada waktu senja di atas pentas, adalah mustahil untuk membezakan kami daripada penonton. Dan siapa antara kita, dia hanya meneka dengan ketinggian, kerana Speedo jauh lebih tinggi daripada saya. Di samping itu, terdapat masalah teknikal lain: dalam persembahan ini terdapat aria yang sangat sukar untuk bariton, pekerjaan yang sangat sukar untuk konduktor dari segi mengendalikan iringan (tugas orkestra adalah untuk memberikan penyanyi tempo yang selesa, sambil cuba untuk tidak mendesak atau "menggantung" pada pemain solo). Dalam erti kata lain, terdapat banyak masalah ensemble yang memerlukan kerjasama yang teliti antara konduktor dan penyanyi. Pengarah tidak faham perkara seperti itu! Dalam teater drama, di mana baris menangkap anda - beritahu saya di sana, tetapi dalam opera ia tidak berfungsi, kerana auditorium dipisahkan dari pentas oleh lubang orkestra, dan jika anda menyanyi ke arah sayap, penonton tidak akan mendengar teks muzik. Dalam "Troubadour", kami bekerja hampir di ambang tidak masuk akal: mengikut idea pengarah, saya berada pada ketinggian lima meter, dan monitor diletakkan untuk saya pada tahap kotak kedua. Monitor itu sangat kecil sehingga saya tidak melihat konduktor, yang dengannya kita mesti bekerja secara harmoni, sama sekali, saya berdiri tegak dengan kepala memandang lurus ke hadapan, dan untuk melihat konduktor, saya terpaksa menyanyi dengan menunduk dan melihat ke bawah. Saya memberitahu pengarah bahawa ini adalah mustahil, dan pada masa itu dia sedang sibuk menyelesaikan hubungan dengan soprano - penyanyi itu menjelaskan bahawa dia tidak boleh menyanyi, memalingkan kepalanya 90 darjah ke kanan. Dan ini adalah situasi sebenar di atas pentas.

Teknik persembahan sentiasa berubah dan bertambah baik, tetapi semua yang sama, masalah tidak dapat dielakkan. Sekarang dari penyanyi di atas pentas diperlukan bukan sahaja penguasaan virtuoso suara, tetapi juga kecergasan fizikal yang baik. Bayangkan - anda perlu memanjat ketinggian lima meter di tangga dan, tidak mempunyai masa untuk menarik nafas, mula menyanyikan aria yang sangat sukar dari sudut pandangan muzik. Para pengarah, sebagai peraturan, tidak memikirkan saat-saat seperti itu.

MS: Adakah situasi ini permintaan penonton atau cita-cita pengarah?

IG: Sudah tentu, pengarah mempunyai cita-cita profesionalnya sendiri, dan dia cuba merealisasikan rancangannya. Penonton, sebaliknya, sering mengesahkan bahawa pengarah berada pada panjang gelombang yang sama dengannya - pada zaman kita sangat jarang berlaku bahawa persembahan "berdengung".

MS: Pada pendapat anda, kini produksi klasik tidak relevan dan, seperti yang anda katakan, akan "dibunyikan"?

IG: Tidak, bukan itu yang saya maksudkan. Kedua-dua pengeluaran moden dan klasik adalah sangat logik. Saya tidak menentang West Side Story, tetapi semuanya ada tempatnya. Saya mengatakan bahawa kerja pengarah tidak harus memutarbelitkan karya asal dan membawa sisi semantik opera ke tahap yang tidak masuk akal. Sebagai contoh, teks asal La Bohème diserap dengan petunjuk butiran harian, dan jika ia dialih keluar, penonton tidak akan memahami apa yang mereka nyanyikan di atas pentas, dan keseluruhan aksi akan bertukar menjadi karut.

MS: Reaksi penonton untuk penyanyi itu juga penting, sudah tentu?

IG: Kami juga bergantung kepada penonton. Di suatu tempat penonton dihalang dan lebih sejuk. Sebagai contoh, di Lille yang sama, saya mempunyai sembilan persembahan "Troubadour", dan hampir tiada persembahan selepas aria yang penonton bertepuk tangan. Kami tidak tahu bahawa penonton mahukan seluruh opera dinyanyikan tanpa tepukan. Mangsa pertama adalah orang Afrika Amerika yang sama yang menyanyikan bahagian Ferrando. Dia mempunyai adegan pertama dalam opera. Apabila dia selesai menyanyi, kesunyian maut. Dia hanya bertukar putih dan berkata, "Mereka tidak suka saya kerana saya hitam." Saya berkata: "Speedo, bertenang, nampaknya saya mereka tidak peduli apa anda, mereka selalu berkelakuan seperti ini, nampaknya." Seterusnya datang aria soprano - perkara yang sama, iaitu, senyap maut. Ini adalah jenis penonton. Tetapi pada penghujungnya, penonton menghentak kaki, bersiul, bermakna ada kejayaan. Tetapi semasa persembahan, banyak juga yang saya alami, apabila selepas aria saya pergi hampir dengan bulu mata saya sendiri. Begitulah keadaannya.

MS: Dan apabila anda selesai menyanyikan persembahan itu, perasaan manakah yang wujud dalam diri anda: kepuasan dan kegembiraan atau keletihan?

IG: Sudah tentu, jika prestasinya bagus, kepuasan sentiasa ada. Tetapi, sebagai peraturan, selepas persembahan, saya seperti kain buruk yang diperah. Keletihan sentiasa hadir kerana kos emosi adalah luar biasa, walaupun parti tidak begitu besar. Sebagai contoh, apabila terdapat pengeluaran "Madame Butterfly" di Buenos Aires, saya sentiasa terfikir bahawa walaupun saya tidak melakukan apa-apa, saya tidak menyanyi apa-apa, tugas saya adalah untuk berempati, belas kasihan dan mendengar muzik ini, di mana kemurungan yang dahsyat itu. Dalam babak kedua, heroin menyanyikan aria tentang bagaimana dia akan pergi untuk mengemis. Terdapat teks yang sangat suram, muzik yang menakjubkan, benar-benar menawan, seperti dalam dekad yang lalu. Ya Tuhan, betapa sukarnya untuk berdiri dan mendengar! Ini adalah kos emosi yang besar.

MS: Dalam salah satu temu bual anda mengatakan bahawa ia masih penting apabila persembahan adalah dalam bahasa asal. Betapa pentingnya? Dan untuk siapa? Penonton tetap datang untuk mendengar penyanyi, bukan liriknya. Terjemahan, yang menjadi garis untuk penonton, hanya memberikan gambaran umum tentang maksud aria, secara tidak langsung mengesahkan bahawa teks itu sendiri dengan nuansanya tidak penting.

IG: Ini soalan yang sukar. Pertama sekali, persembahan dalam bahasa asal adalah perlu, cukup aneh, untuk komposer dan untuk opera itu sendiri: lagipun, opera Itali, apabila diterjemahkan ke dalam bahasa Rusia, benar-benar kehilangan keaslian gayanya, kerana opera Itali, terutamanya bel canto, dibezakan oleh struktur tertentu garis melodi. Struktur ini sangat berkait rapat dengan sebutan dalam bahasa Itali. Di sana ia sangat bergantung pada apabila konsonan berubah, yang mana vokal: tertutup, terbuka, dan sebagainya. Bellini, Mercadante, Donizetti, Verdi, Ponchielli, Puccini - semua komposer ini sangat mementingkan teks. Puccini, sebagai contoh, memaksa librettists untuk menulis semula teks empat atau lima kali, dan setiap kali dia tidak berpuas hati. Donizetti sendiri kadangkala memerintah beberapa bahagian libretto, yang tidak sesuai dengannya. Verdi sangat pemilih tentang teks opera, walaupun dia bekerja dengan pakar cemerlang dalam genre ini. Opera Itali, jika anda tidak mahu kehilangan integriti gayanya, harus dilakukan hanya dalam bahasa Itali.

Kes-kes lain, sebagai contoh, Sicilian Vespers atau Don Carlos oleh Verdi, adalah ketika opera pertama kali ditulis dalam bahasa Perancis dan kemudian diterjemahkan ke dalam bahasa Itali. Saya menyanyikan kedua-dua versi Perancis dan Itali bagi Sicilian Vespers, dan saya boleh mengatakan bahawa saya lebih suka bahasa Perancis kerana ia lebih mantap dari segi gaya, lebih meyakinkan, cukup aneh. Walaupun Verdi seorang yang genius, saya rasa dia mengalami kesukaran yang luar biasa dalam menterjemah muzik daripada Perancis ke Itali. Dia terpaksa berubah banyak, walaupun melodinya. Saya melihat ini, dengan jelas membandingkan kedua-dua versi: di sana anda dapat melihat bagaimana dia terseksa kerana dia tidak dapat membina semula baris melodi - dia terpaksa memecahkannya, meletakkan beberapa jeda di sana, dan sebagainya.

Nampaknya ini terpakai kepada mana-mana opera, kerana komposer yang menulis dalam bahasa tertentu, terutamanya jika ia berasal darinya, menggunakan unsur melodi yang wujud dalam ucapan khusus ini. Sebagai contoh, muzik Tchaikovsky: ia juga sukar untuk menyampaikannya dalam beberapa bahasa lain, walaupun, sebagai contoh, "Eugene Onegin" yang sama kedengaran luar biasa dalam bahasa Itali, tetapi ia bukan Tchaikovsky, kerana untuk muzik Tchaikovsky anda memerlukan bahasa Rusia. dan sebutan yang sangat baik. Jika anda mengambil mana-mana opera, anda akan menghadapi hakikat bahawa walaupun dengan terjemahan yang sangat baik, keindahan garis muzik masih hilang. Di samping itu, setiap bahasa, pada pendapat saya, mempunyai tertentu, bagaimana untuk mengatakannya ...

MS: Melodi.

IG: Melodi. Terdapat skor fonetik khas dalam mana-mana bahasa. Oleh itu, muzik Wagner dan Richard Strauss sukar dibayangkan tanpa bahasa Jerman, di mana terdapat banyak konsonan, sebutan yang sangat jelas, agak mendadak, jeda antara perkataan. Pada masa yang sama, legato adalah perkara biasa, dan ini adalah perkara yang benar-benar unik yang hanya terdapat dalam bahasa Jerman. Adalah mungkin untuk mengembangkan topik ini dengan lebih lanjut, tetapi nampaknya semuanya jelas di sini. Ini adalah aspek pertama.

Selanjutnya, berkenaan dengan orang ramai. Sama ada dia berminat untuk mendengar dalam bahasa asal atau tidak bergantung pada tahap pendidikannya. Jika penonton mengetahui opera Itali dengan cukup baik dan menyukainya, maka ia mendengarnya dengan tenang dalam bahasa Itali dan tidak memerlukan terjemahan. Tetapi, sebagai contoh, beberapa perkara boleh dilakukan dalam bahasa Rusia, terutamanya jika bahasanya serupa. Sebagai contoh, "Mermaid" Dvořák boleh dilakukan dengan mudah dalam terjemahan, kerana bahasa Czech kedengaran sangat lucu kepada kami di tempat-tempat, dan adalah mustahil untuk menghilangkan perasaan ini sepenuhnya. Sudah tentu, jika anda menyanyi dalam bahasa Rusia, opera akan kehilangan sedikit, tetapi ini akan menjadi kerugian yang jauh lebih kecil daripada, katakan, jika anda menterjemah Hamlet ke dalam bahasa Rusia, yang akan kehilangan semua keindahan dan bahasa dan melodinya. Bagi barisan larian, ini adalah saat yang sukar: seseorang yang mengetahui tentang opera tidak memerlukan teks ini sama sekali, dan seseorang yang tidak mengetahui opera dan datang ke teater buat kali pertama terganggu oleh barisan larian, kerana dia terpaksa memandangnya. Kadang-kadang, dengan cara itu, terjemahan sedemikian diberikan bahawa seseorang tidak dapat memahami mengapa seseorang itu ditulis, tetapi sesuatu yang sama sekali berbeza berlaku di atas pentas - namun, ini agak kesalahan pengarah, yang mementaskan sesuatu yang sama sekali berbeza daripada apa yang ditulis dalam skor. - tetapi terdapat banyak detik lucu seperti itu. Nampaknya opera, pada dasarnya, walaupun untuk orang ramai, saya tidak bercakap tentang kami, adalah genre yang sangat sukar, yang mana anda masih perlu bersedia. Sesiapa yang datang ke gedung opera harus tahu, contohnya, apa itu aria atau overture, mengapa mereka kadang-kadang menari dalam opera dan mengapa kadang-kadang mereka menyanyi dalam balet. Saya masih cenderung untuk mempercayai bahawa opera harus dipersembahkan dalam bahasa asal, dan amalan menunjukkan bahawa ini adalah betul-betul trend.

MS: Tetapi saya mahu kata-kata itu juga jelas.

IG: Ya. Jika kata-kata watak dalam opera Boris Godunov, sebagai contoh, tidak dapat difahami, maka saya tidak dapat membayangkan bagaimana seseorang dapat melihat apa yang berlaku di atas pentas. Ini bukan aria Handel, di mana hanya terdapat dua baris perkataan. Tetapi sesuatu yang lain lebih penting di sana - di sana perkataan ini dinyanyikan dalam beberapa langkah pertama, dan kemudian hanya menikmati muzik dan variasi, modulasi yang menakjubkan. Sudah tentu, sentiasa ada sebahagian daripada penonton yang secara tidak sengaja berakhir di teater, dan tidak ada yang salah dengan itu. Sebagai contoh, dia tidak tahu di mana hendak bertepuk tangan, di mana tidak, tetapi dalam opera ia juga sangat penting. Namun begitu, kami menyanyi untuk semua orang, tugas kami adalah untuk menjadikan kedua-dua muzik dan imej wira itu menarik. Saya tidak membahagikan penonton kepada mereka yang tahu dan mereka yang tidak tahu bagaimana untuk bertindak balas. Ujian paling sukar bagi seorang penyanyi ialah menyanyi bagi mereka yang baru tahu dan faham segala-galanya.

MS: Adakah penonton berbeza di negara yang berbeza? Bekerja di teater yang berbeza?

IG: Sudah tentu, sudah tentu, dan sekali lagi sudah tentu. Pertama, teater semuanya berbeza, walaupun di negara yang sama. Saya banyak bekerja di Itali, di bandar yang berbeza, di utara dan di selatan. Itali secara amnya adalah sebuah negara yang menakjubkan: di sana anda memandu sejauh 100 km - dan landskap yang sama sekali berbeza, orang yang berbeza, mentaliti yang berbeza, jadi teater di sana tidak seperti satu sama lain. Di England atau Ireland, terdapat teater dan penonton yang sama sekali berbeza. Di Perancis, seseorang tidak boleh membandingkan penonton Paris dan, katakan, Lille. Orang awam yang terbaik, mesra, aktif dikatakan pernah berada di Buenos Aires. Ini adalah penonton yang menakjubkan - jika mereka suka, mereka hanya boleh menghancurkan teater dalam erti kata yang sebenar. Tetapi apabila saya menyanyi di sana, semuanya lebih tenang. Nampaknya, pencinta opera yang berada pada tahun 1980-an dan 90-an itu kini sudah tua dan tidak pergi ke persembahan. Tetapi mereka menerima kami dengan sangat baik. Mungkin, terdapat beberapa jenis perangai istimewa di kalangan orang - mereka luar biasa baik hati, seperti kita. Di sini, jika penonton suka artis, maka dia sangat baik, dan jika artis itu tidak suka, mereka tetap bertepuk tangan. Secara umum, jarang berlaku di negara kita apabila seseorang "diserang", saya tidak ingat itu. Walaupun seseorang menyanyi tidak begitu baik, mereka tetap akan menyokongnya, tepuk tangan.

MS: Apa yang lebih sukar - untuk dimasukkan ke dalam persembahan atau untuk berlatih dari awal lagi?

IG: Ia bergantung pada persembahan. Saya tidak akan menjawab soalan ini dengan jelas, kerana ia bergantung pada situasi tertentu: jenis opera, berapa besar bahagiannya, teater apa, siapa yang berlatih, berapa banyak masa yang diperuntukkan untuk latihan, untuk pementasan atau input, dan sebagainya. .

Sebagai contoh, terdapat satu kes semasa saya berlatih semula "Troubadour" (senyum). Kami mengadakan latihan dari November hingga Krismas. Sama ada pada 24 Disember, atau pada 25 Disember, saya terpaksa terbang ke Moscow, dan kemudian ejen saya menghubungi saya dan berkata: "Dengar, saya perlu menyanyikan dua persembahan La Bohème di Cologne, bariton mereka telah jatuh sakit di sana. Adakah anda tahu Bohemia?" Saya berkata: "Sudah tentu saya tahu!" Terdapat kereta api terus dari Lille ke Cologne, dan anda boleh sampai ke sana dalam masa tiga hingga empat jam. Untuk menepati masa, saya terpaksa menaiki kereta api dengan praktikal memakai solek beberapa minit sebelum berlepas (ada larian Troubadour dalam sut) dan pada waktu petang saya berada di Cologne. Dan keesokan harinya pada pukul 12, saya mengadakan latihan La Bohème, yang kami "menyalakan" (ini bermakna melalui semua adegan dengan pengarah untuk memahami siapa yang melakukan apa, termasuk saya) dalam tiga jam. Opera ensemble, dan di atas pentas - hanya saya dan penolong pengarah. Sejam kemudian saya mengadakan pertemuan dengan konduktor, dan pada waktu petang - persembahan. Ini, pada pendapat saya, input terpantas dalam amalan saya. Siapa yang tahu apa itu "Bohemia", akan faham bahawa ia adalah luar biasa. Hanya dalam adegan pertama terdapat sekurang-kurangnya empat orang berinteraksi antara satu sama lain, terdapat banyak objek: meja, kerusi, berus cat, kuda-kuda, gelas, pinggan; makanan dibawa ke sana, duit bertaburan. Iaitu, terdapat sejumlah besar peristiwa, dan saya terpaksa memahami perkara ini dengan cepat. Saya juga berbangga kerana kami melakukan segala-galanya tepat pada masanya. Tetapi ini, sudah tentu, terutamanya merit pengarah, kerana anda perlu mengetahui prestasi dengan baik untuk memberitahu orang baru tentang detik-detik yang mungkin menyebabkan kesukaran.

Persembahan itu mengagumkan, satu-satunya perkara - saya memberitahu semua orang tentang perkara ini, ketawa untuk masa yang sangat lama - saya terpesona dengan penggeraknya. Secara umum, ini adalah topik yang berasingan, kini profesion ini secara praktikalnya telah dilupakan. Hampir tiada petunjuk yang tinggal, dan kadangkala ia sangat diperlukan. Dan apabila saya tiba-tiba terpaksa menyanyikan lagu "Bohemia", saya sangat gembira apabila seorang wanita datang ke bilik persalinan sebelum persembahan, memperkenalkan dirinya dan berkata bahawa dia seorang yang menggesa. Saya berkata: "Oh, saya sangat gembira bertemu dengan anda, saya sangat bertanya kepada anda, jika anda melihat bahawa saya mempunyai sebarang kesulitan, bahawa saya telah terlupa talian atau di mana untuk menyertai, tolong bantu saya." Dia berkata, "Baiklah." Dan dia pergi. Saya menghargai tahap jenakanya pada persembahan, apabila saya melihat apa yang dia lakukan. Dia duduk dengan clavier dan mengulangi teks dengan kami, dengan kami - tidak lebih awal atau kemudian. Saya berkata kepada diri saya sendiri: "Golovatenko, itu sahaja, lupakan tentang penggerak, kerana jika sesuatu berlaku, dia tidak akan mempunyai masa untuk menjejakinya." Persembahannya sangat mengagumkan, nampaknya, apabila keadaan tertekan, entah bagaimana anda bersedia segera.

MS: Soalan saya ialah: bagaimana sekolah nyanyian secara umum berubah dalam beberapa tahun kebelakangan ini?

IG: Sukar untuk dikatakan, kerana saya belum bersedia untuk menganalisis semua ini. Pada pendapat saya, penghuraian suara yang terperinci, iaitu rumusan suara yang betul, telah hilang, dan penyanyi kadang-kadang mengambil bahagian yang sangat sukar, kerana belum menguasai suara secara teknikal sepenuhnya. Suara itu haus, mustahil untuk mengeksploitasinya untuk masa yang lama, dan orang-orang ini menyanyi selama lima hingga sepuluh tahun - itu sahaja. Ini sangat menyedihkan. Sekolah sudah tiada dalam hal ini. Dalam kes ini, saya bercakap tentang sekolah Itali lama, yang, malangnya, hampir tidak ada yang memilikinya. Di samping itu, lebih awal seorang penyanyi boleh "menyanyi", iaitu, menyanyikan beberapa peranan utama dalam teater kecil, dengan itu mendapat pengalaman dan kemudian hanya membuat persembahan di teater besar. Sekarang, jika ejen perasan seseorang dengan suara yang bagus yang boleh menyanyi, secara kasarnya, "Rigoletto" atau "Nabucco" pada usia dua puluh lima tahun, maka pemain ini, jika dia memberi kebenaran, dieksploitasi sehingga dia berhenti menyanyi. Saya mengambil situasi yang melampau, tetapi ini juga berlaku. Malangnya, kini ejen dan pengarah teater tidak mahu menghabiskan masa dan wang untuk mendidik penyanyi demi membesarkan mereka. Dan untuk memupuk bermakna menghabiskan bertahun-tahun untuk seseorang secara beransur-ansur, langkah demi langkah, meningkat lebih tinggi dan lebih tinggi ...

MS: Nampaknya saya tidak semua penyanyi mahu melakukan ini.

IG: Ya, semua orang mahu sekali - dan memperoleh, sekali - dan anda sudah pun menjadi bintang. Dan ini adalah masalah biasa, kerana ejen, impresario, pengarah teater juga tidak mahu menunggu. Anda boleh menyanyi hari ini - pergi dan menyanyi. Jika anda tidak mahu, maka kami tidak akan menghubungi anda. Tiada siapa yang mahu menunggu penyanyi matang dalam peranan tertentu. Jika seseorang itu boleh bekerja dan menyanyi beberapa bahagian, maka dia akan dibebani dengan kerja sehingga dia tidak tahan. Terdapat detik-detik yang agak tragis, kerosakan dan sebagainya.

MS: Pada pendapat anda, apakah rahsia kejayaan penyanyi itu?

IG: Kejayaan seorang penyanyi terdiri daripada banyak komponen. Sebagai tambahan kepada suaranya sendiri, kebolehan, bakat, ini, tentu saja, seorang guru yang bijak. Atau, jika ini bukan guru vokal, maka seorang pengiring atau, secara umum, sejenis "telinga" yang sangat baik. Joan Sutherland mempunyai konduktor "peribadi" - Richard Boning. Terdapat legenda bahawa apabila dia tidak mengendalikan persembahan, dia masih duduk di barisan hadapan dan menunjukkan kepadanya sama ada dia terlalu menilai atau memandang rendah, secara kasarnya. Dan terdapat banyak kes sedemikian.

Repertoir yang betul juga penting: jangan menyanyi apa yang boleh membahayakan suara, atau di mana suara itu mungkin tidak begitu berkesan, jika ini adalah debut. Jika ini adalah debut penting dalam teater, anda hanya perlu membuat persembahan yang membolehkan suara terbuka sebanyak mungkin. Banyak bergantung pada ejen. Terdapat dua kategori ejen. Sesetengah menganggap penyanyi itu sebagai "makanan meriam" (mari kita panggil spade a spade): anda menyanyi selama lima hingga sepuluh tahun, anda sudah terbiasa sepenuhnya, dan kemudian semuanya berakhir. Orang lain akan dengan sangat bijak menyusun jadual anda, secara beransur-ansur mengumpul himpunan, iaitu, mereka bersedia untuk membangunkan anda. Yang terakhir adalah sangat sedikit, dan saya sangat bertuah kerana ejen saya hanya itu: dalam satu pihak, dia cuba membuat beberapa penglibatan dalam teater besar yang sangat bagus - Festival Glyndebourne, Opera Bavaria, Teatro Colon di Buenos Aires, tetapi sebaliknya Sebaliknya, dia sentiasa memastikan bahawa saya hanya menyanyi yang sesuai dengan suara saya pada masa ini. Saya mempunyai tawaran untuk menyanyi, contohnya, Mazepa, atau Prince in The Enchantress, atau Alfio in Rural Honor, tetapi saya menolak tawaran ini kerana ini bukan repertoir saya, sekurang-kurangnya sekarang.

MS: Ejen awak dari mana?

IG: Dia orang Inggeris dan tinggal serta bekerja di London. Bagi seorang ejen, adalah sangat penting, kerana ia adalah bergaya untuk mengatakan sekarang, "untuk berada dalam subjek", iaitu, untuk mengetahui pengarah, penyanyi, himpunan, dan ejen lain. Ini adalah pasaran yang sangat besar, di mana semua orang mengenali satu sama lain, jadi satu langkah cuai - dan anda jatuh dari sangkar ini. Adalah penting bagi kita untuk tidak bergaduh dengan konduktor atau pengarah, dalam apa jua keadaan kita tidak boleh bercanggah dengan sesiapa pun, kerana ini kadangkala boleh menyebabkan kerosakan yang tidak boleh diperbaiki kepada reputasi kita, dan mereka hanya akan berhenti menjemput anda. Oleh itu, banyak bergantung kepada ejen. Jika ini adalah ejen yang lemah, dia tidak akan dapat menjual anda. Sekiranya ejen ini kuat, maka dia akan dapat menjual anda dengan sangat menguntungkan, tetapi jika dia tidak mengikuti repertoir anda, maka ini boleh membawa maut.

MS: Siapa kemudian yang menentukan repertoir?

IG: Menyanyi atau tidak menyanyi bahagian ini atau itu dalam keadaan khusus yang dicadangkan oleh teater dan pengarah (!) Pada akhirnya sentiasa ditentukan oleh penyanyi itu sendiri, tetapi mesti ada orang yang boleh menasihatinya untuk melakukan sesuatu atau tidak melakukan sesuatu. .

MS: Secara hipotesis, ejen itu berkata kepada anda: "Nampaknya suara anda sudah bersedia, mari lakukan bahagian ini," dan Vdovin berkata: "Tidak, saya tidak mengesyorkannya."

IG: Saya pernah mengalami kes sedemikian. Baru-baru ini seorang ejen menawarkan saya satu bahagian, saya berunding dengan Vdovin, dan dia berkata: "Tidak, saya fikir anda tidak perlu menyanyi ini." Dan saya, setelah melihat beberapa kes, termasuk memijak garu dengan kaki sendiri beberapa kali, kini lebih suka bersetuju dan mendengar. Walaupun saya bernasib baik - saya tidak terlalu kerap memijak pepatah, tetapi rakan sekerja saya mempunyai kes yang lebih serius. Saya baru sahaja menyanyikan bahagian yang dimaksudkan sekali, dan ia tidak begitu berjaya.

MS: Ia mesti sangat sukar apabila terdapat tawaran yang menarik, tetapi jauh di lubuk hati anda memahami bahawa ini adalah risiko yang besar.

IG: Anda menggariskan situasi klasik apabila terdapat beberapa cadangan yang sangat menarik, tetapi apabila dilihat semula, anda faham bahawa ia boleh berakhir dengan teruk. Di sini anda harus sentiasa meneruskan dari andaian bahawa jika anda memerlukan wang dan kemasyhuran, maka anda akan memperolehnya. Tetapi anda hanya boleh memperolehnya dengan suara anda. Jika sesuatu berlaku pada suara anda kerana kesalahan anda, bukan kerana anda sakit, tetapi kerana anda hanya menyanyikan apa yang tidak sepatutnya anda nyanyikan, itu hanya salah anda dan bukan orang lain.

MS: Maksudnya, anda perlu sedar tentang bahagian tanggungjawab yang anda tanggung semasa membuat keputusan ini atau itu?

IG: Sudah tentu. Lebih-lebih lagi mengenai kontrak di pawagam yang agak besar. Anda mesti sentiasa memahami bahawa apabila anda pergi menyanyi di teater yang besar, terdapat juga saat seperti tekanan pada persekitaran teater. Semakin mantap teater, semakin tinggi tanggungjawabnya. Ditambah saraf dan - perkara yang paling tidak menyenangkan - keletihan yang timbul semasa persembahan. Jika anda datang terus ke kelas dan menyanyikan keseluruhan bahagian, ia tidak bermakna apa-apa. Bolehkah anda menahan satu atau setengah bulan latihan harian selama tiga hingga enam jam (kadang-kadang lebih)? Jika anda bersetuju dengan sesuatu, anda mesti mempunyai margin keselamatan.

MS: Tetapi jika anda menolak, anda mungkin tidak akan dipanggil kemudian.

IG: Ya, sudah tentu! Dalam profesion kami, anda tidak boleh menolak, kerana penolakan kadang-kadang dianggap sebagai penghinaan, penghinaan. Di sini hanya kepala anda sendiri boleh membantu, dan, sudah tentu, adalah baik jika ada orang yang bijak berdekatan - seorang guru atau ejen.

Dengan Rigoletto, sebagai contoh, ia adalah seperti ini: ejen Itali, yang kemudiannya kami bekerjasama, menawarkan untuk membuat parti ini. Pada mulanya saya menolak, kemudian akibatnya mereka memujuk saya (dan mereka melakukan perkara yang betul!). Ia adalah teater Itali yang kecil, malah bukan teater, tetapi halaman dalam istana di udara terbuka, tetapi dengan akustik yang baik, orkestra Itali yang tidak membebankan dengan bunyi, tetapi, sebaliknya, memberikan nyanyian dan mengiringi dengan sangat halus . Rakan kongsinya hebat. Dan pengarah, bariton yang hebat Rolando Panerai, yang banyak membantu saya dengan nasihat dan perbuatan. Saya menyanyi hanya dua persembahan, bukan lima belas seperti sekarang. Hampir tiga tahun telah berlalu, tetapi saya tidak bersedia untuk menyanyikan Rigoletto sepanjang masa. Saya memberitahu diri saya bahawa saya tidak akan kembali ke bahagian ini sehingga usia tertentu, walaupun saya tahu bahawa saya boleh menguasainya secara vokal. Tetapi ini bukan perkaranya - parti itu memerlukan kos emosi yang besar dan tidak berperikemanusiaan. Pertama, aria hanyalah "haus dan lusuh". Pertama - tangisan gila, hanya kesedihan di bahagian pertama "Cortigiani", kemudian anda perlu menyanyi di piano - "Marullo ... signore", dan kemudian legato, yang sangat sukar. "Miei signori, perdono pietate" adalah bahagian paling sukar dalam aria, kerana jantung anda berdebar-debar, anda tidak dapat menenangkan pernafasan anda; di sana anda perlu mempunyai kawalan sedemikian ke atas suara dan, pada dasarnya, secara fizikal mengawal badan yang datang hanya dengan usia. Kemudian - duet dengan Gilda, secara emosi adalah saat yang paling sukar dalam aksi kedua, apabila dia datang dan memberitahu segala yang berlaku kepadanya. Saya masih ingat duduk di atas pentas dengan kepala sejuk dan hanya berfikir bagaimana untuk menyanyikan nota ini atau itu. Kerana jika anda "memikulnya", maka anda "tidak akan mengumpul tulang". Di sana anda memerlukan kawalan, seperti dalam situasi di mana seorang juruterbang sedang menerbangkan kapal dengan tiga ratus orang di atas kapal. Begitu juga dalam babak ketiga, apabila heroin sudah mati. Jika saya kembali ke bahagian ini sekarang, saya akan meletakkan beberapa warna emosi lain di sana, tetapi kemudian saya berfikir tentang bagaimana untuk menyanyikan semuanya dengan lancar dan baik, dan itulah yang saya perlukan.

MS: Adakah terdapat sebarang adegan yang anda ingin nyanyikan?

IG: Sudah tentu. Ini adalah adegan yang semua orang perjuangkan - Opera Metropolitan, Covent Garden. Saya juga sangat ingin kembali ke Buenos Aires. Saya sangat menyukai teater ini, saya sangat menyukainya. Teatro Colon ialah teater legenda, tempat hampir semua penyanyi dan konduktor hebat bekerja. Terdapat adegan yang belum saya nyanyikan lagi: Opera Bastiy (walaupun saya menyanyi di Opera Garnier), La Scala. Terdapat adegan hebat yang saya sangat ingin pergi, dan saya berharap suatu hari nanti perkara ini akan berlaku.

MS: Saya tidak boleh tidak bertanya soalan tentang sikap terhadap teater repertoir dan keusahawanan.

IG: Teater repertori sebenar ialah apabila hari ini satu nama, esok yang lain, lusa sepertiga, dan seterusnya. Saya bekerja di teater sedemikian, ini adalah Opera Baharu.

MS: Teater Bolshoi mempunyai barisan penyanyi. Dan di Opera Metropolitan, hampir semua pemain solo tetamu.

IG: Ya, tetapi pada masa yang sama dalam Opera Metropolitan, penghibur tertentu, bintang, menyanyi secara berterusan, sebagai contoh, Netrebko, Fleming, Hvorostovsky, Domingo. Semuanya bergantung pada kehendak teater. Sekiranya teater itu mahukan ensemble pemain solo yang indah - supaya semuanya dilatih, supaya pemain solo merasa dan memahami satu sama lain dengan sempurna, maka, sudah tentu, perlu duduk dan berlatih. Sekiranya seseorang tiba beberapa hari sebelum persembahan, kemudian pergi ke teater lain, seperti yang berlaku hampir di mana-mana sekarang, maka persembahan yang baik diperoleh kerana fakta bahawa ramai penyanyi yang melakukan ini adalah pemuzik yang luar biasa. Tetapi, katakan, opera ensemble, seperti La Bohème, The Barber of Seville, The Marriage of Figaro atau Cos? fan tutte ”(“ Inilah yang semua wanita lakukan ”), memerlukan banyak kerja berpasukan. Dalam kes sedemikian, dua atau tiga hari tidak mencukupi.

Anda lihat, setiap kes mesti dipertimbangkan secara berasingan. Teater dengan opera sedemikian dalam himpunan mereka, sebagai contoh, di Munich, misalnya, mempunyai kakitangan solo mereka sendiri, tetapi dalam hampir setiap persembahan mereka melibatkan pemain solo jemputan, kerana penonton hanya boleh tertarik dengan nama bintang di papan iklan - inilah psikologi sekarang. Sekali lagi, adalah sangat sukar untuk membuat debutnya, sebagai contoh, di Paris Opera: adalah dinasihatkan bahawa anda telah mengeluarkan DVD beberapa prestasi. Jika anda tidak mempunyai DVD, anda bukan sesiapa, anda tidak akan dijemput ke sana, walaupun anda menyanyi dengan sangat baik. Ternyata ia adalah sejenis lingkaran ganas.

MS: Beritahu saya, adakah berprestij untuk menjadi pemain solo Teater Bolshoi?

IG: Saya rasa begitu. Lagipun, ini adalah teater yang terkenal dan mempunyai berat yang agak besar. Di Barat, secara umum, dua teater Rusia dikenali: Bolshoi dan Mariinsky. Saya mesti mengatakan bahawa penyanyi cuba masuk ke Teater Bolshoi. Apabila rakan sekerja yang anda bekerja dalam kontrak mengetahui bahawa saya berasal dari Teater Bolshoi, mereka berkata: "Oh, bagus, saya ingin menyanyi di sana." Saya telah mendengar ini banyak kali. Contohnya, tenor Sepanyol yang hebat, Celso Albelo, berkata selepas tayangan perdana Don Pasquale bahawa dia masih mahu datang ke Bolshoi. Jadi dia menyukainya, ini bukan sekadar kata-kata yang bagus.

MS: Anda juga menyanyi repertoir ruang? Saya mendengar bahawa sempena ulang tahun ke-125 kelahiran Nikolai Semyonovich Golovanov, anda melakukan program dari percintaannya.

IG: Memang begitu. Konsert itu berlangsung terima kasih kepada Stanislav Dmitrievich Dyachenko, yang kami kenali semasa pengajian saya dengan Gennady Nikolaevich Rozhdestvensky. Dia masih bekerja di kelasnya sebagai pengiring, walaupun dia kini mempunyai kelas pengendalian sendiri di Konservatori. Pada bulan Jun tahun lepas, dia menghubungi saya tentang persembahan percintaan Golovanov, mula-mula menghantar beberapa percintaan, kemudian saya memintanya menghantar lebih banyak lagi. Saya serta-merta terbakar dengan idea ini, kerana ia adalah bahan muzik yang berkualiti luar biasa dari sudut pandangan komposer. Walaupun sukar untuk mengatakan bahawa Golovanov adalah seorang komposer, kerana semua yang dia tulis telah dicipta secara praktikal pada usia 17-20 tahun, maka dia sudah terlibat dalam mengendalikan begitu rapat sehingga dia tidak mempunyai masa untuk mengarang. Ini lebih menarik kerana dia mencipta percintaan yang begitu indah sebagai seorang lelaki yang sangat muda. Dia mempunyai banyak percintaan berdasarkan puisi penyair Zaman Perak: Severyanin, Balmont, Akhmatova. Ini adalah keseluruhan lapisan, sama sekali belum diterokai. Hampir tiada apa yang diterbitkan, mungkin hanya satu percintaan yang telah diterbitkan dalam koleksi Nezhdanova, dan itu sahaja. Dan dia mempunyai seratus empat puluh percintaan, yang, nampaknya, tidak pernah dilakukan oleh sesiapa pun.

Dan saya menyedari bahawa saya telah menemui seorang komposer baru, dan yang sangat menarik pada masa itu. Dia mempunyai rujukan kepada muzik Scriabin, Medtner, Rachmaninov, Taneyev, bagaimanapun, muziknya sangat tersendiri. Dia entah bagaimana membiaskan semua ini dengan caranya sendiri, walaupun dia banyak mengambil dari Rachmaninov dalam tekstur piano, di beberapa tempat terdapat giliran melodi yang serupa. Beberapa percintaan, saya tidak akan takut dengan perkataan ini, adalah cemerlang, terutamanya "Lotus" yang hebat pada ayat-ayat Heine.

Kami menyanyikan konsert ini pada bulan April di Nikolai Golovanov Museum-Apartment, yang, malangnya, tidak dapat menampung semua orang. Tetapi saya ingin mengulangi program ini suatu hari nanti, dan saya berharap ia akan menjana minat, kerana muzik ini perlu dipromosikan. Dia adalah seni itu.

MS: Harap anda mengulanginya.

IG: Saya pasti mahu melakukan ini, dan dengan Dyachenko, kerana dia mempunyai minat yang tulen dan sangat ikhlas dalam muzik ini. Dan dia menyanyikannya supaya anda benar-benar mahu menyanyi, entah bagaimana anda dijangkiti dengan tenaganya. Di samping itu, Dyachenko ialah pemain piano dan pemain ensemble kelas pertama. Di samping itu, dia seorang konduktor yang sangat baik, dan kami memahami antara satu sama lain hampir tanpa kata-kata.

Tetapi, memandangkan rancangan untuk musim depan sudah siap, maka mungkin dalam satu musim. Secara umum, saya ingin membuat konsert muzik Rusia, percintaan atau lagu Rusia, di mana akan ada karya Mussorgsky, Rachmaninov, Taneyev, Medtner, yang juga mempunyai sejumlah besar percintaan yang sangat indah, dan Golovanov adalah satu garis keturunan. muzik Rusia.

MS: Anda menyanyi Schubert?

IG: Saya hanya menyanyi "The Forest Tsar" untuk Schubert, saya rasa saya masih belum bersedia untuk kitaran Schubert.

MS: Kenapa?

IG: Kerana mereka sangat sukar. Pertama, sukar untuk mencari masa untuk berurusan dengan mereka. Mereka mesti ditangani untuk masa yang lama, satu kitaran mesti dilakukan selama beberapa bulan. Saya belum mempunyai peluang seperti itu, dan saya tidak tahu bila ia akan dibentangkan. Sebaliknya, anda perlu mencari masa untuk membuat konsert: cari tarikh, cari pemain piano yang bebas pada masa ini dan yang boleh menguasainya. Terdapat banyak komplikasi di sini. Dan masalah yang paling penting ialah bersedia secara dalaman untuk persembahan, kerana bagi saya terdapat teka-teki baik dalam muzik Schubert dan dalam muzik Mozart, yang saya belum dapat mencari jawapannya. Oleh itu, saya tidak menyentuh muzik ini. Sehingga.

MS: Bunyinya sangat mudah kepada orang ramai, tetapi ...

IG: Hakikatnya ialah lagu Schubert kelihatan mudah, dan apabila anda mula menyanyi, anda faham bahawa terdapat kedalaman yang hanya boleh diungkapkan oleh orang yang cukup matang, setelah mengalami sesuatu, kerana kedua-dua puisi dan muzik memerlukan pengalaman hidup tertentu. Jika ini dilakukan dengan cukup naif, ia mungkin tidak berfungsi. Saya rasa saya akan datang ke muzik ini suatu hari nanti, tetapi bukan sekarang.

Sejujurnya, Beethoven sentiasa lebih dekat dengan saya, walaupun saya tidak mahu membandingkan Beethoven dengan Schubert. Tetapi mungkin saya akan mulakan dengan Beethoven atau Brahms, saya tidak tahu. Nampaknya saya ini lebih dekat dengan saya sekarang. Jom tengok.

MS: Sila beritahu kami tentang rancangan kreatif anda untuk musim seterusnya.

IG: Musim harus bermula dengan opera di Teater Bolshoi, yang akan diarahkan oleh Adolph Shapiro, pengarah drama terkenal. Saya harap ia akan menarik dan memberi maklumat kepada semua peserta. Ini adalah opera besar, pernah menjadi opera kegemaran saya oleh Puccini, dan saya sebenarnya memulakan perkenalan saya dengan komposer ini dengannya. Saya mempunyai rekod di rumah di mana mereka menyanyikan Caballe, Domingo, Sardinero - ini adalah rekod terkenal. Dan ini adalah opera pertama yang saya dengar, ia benar-benar menyerap saya. Sudah tentu, semua opera Puccini menakjubkan, cemerlang, tetapi opera ini mempunyai sesuatu yang istimewa yang tidak terdapat pada orang lain. Di sana, beberapa jenis azab berbunyi dalam beberapa melodi, terutamanya dalam aksi keempat, kekosongan yang dahsyat timbul, yang bukan ciri muzik Itali. Dalam muzik Itali, walaupun yang paling tragis, sentiasa ada cahaya. Dan di sana semuanya begitu menakutkan, suram, sesuatu yang serupa ditemui di Puccini, mungkin hanya di Madame Butterfly dan di aria terakhir Liu di Turandot. Tetapi ia adalah kuasa dua dan kuasa dua lagi. Saya masih berfikir bahawa saya secara fizikal tidak boleh mendengar muzik ini, terutamanya babak keempat - ia sangat sukar dari segi psikologi. Walaupun muzik di sana mengagumkan, tetapi ia mempunyai watak yang tidak menyenangkan, ia menembusi anda dengan begitu banyak, benar-benar menyekat anda, bahawa ia sangat sukar untuk ditentang. Mari lihat apa yang keluar dari pengeluaran. Tayangan perdana akan diadakan pada pertengahan Oktober.

Pada 16 November, akan ada konsert di House of Music, di Dewan Dewan, dengan Semyon Borisovich Skigin dan Ekaterina Morozova dari Program Belia. Kita perlu menyanyikan Mussorgsky di sana - "Syurga" dan, mungkin, kitaran vokal "Tanpa Matahari". Mungkin kita akan menyanyi sesuatu yang lain, Perancis atau Rusia, kita akan lihat. Katya akan menyanyikan Satira Shostakovich.

Pada penghujung bulan November, konsert dirancang dengan pemain piano Itali Giulio Zappa dan alumnus Program Remaja Nina Minasyan yang hebat di Teater Bolshoi, di Dewan Beethoven. Kemungkinan besar, ia akan menjadi muzik Perancis dan Itali. Walaupun selepas persembahan ini, Giulio mempunyai dua lagi konsert dengan Program Remaja, di mana program ini turut memuatkan muzik Itali. Mereka akan menyediakan antologi percintaan Itali daripada Bellini, Donizetti, Tosti hingga Respighi dan pengarang Itali kontemporari. Oleh itu, untuk tidak mengulangi diri kita sendiri, kami kini memikirkan cara terbaik untuk melakukan ini. Tetapi, dalam apa jua keadaan, dia seorang pemain piano dan pemuzik yang hebat, saya sudah lama ingin membuat konsert dengannya. Saya gembira kerana akhirnya ia akan berjaya pada musim akan datang.

Pada bulan Disember, Teater Bolshoi akan, pada pendapat saya, "Don Carlos", yang dipanggil kebangkitan semula - penyambungan semula pengeluaran, saya tidak mengambil bahagian di dalamnya untuk masa yang lama. Dan pada penghujung Januari - persembahan konsert Rossini's Journey to Reims. Ini adalah projek Sokhiev, dan ia menjanjikan ia sangat menarik. Pada bulan Mac, Teater Bolshoi mengadakan lawatan dengan versi konsert The Maid of Orleans, yang dipersembahkan di sini pada 2014, ini merupakan persembahan pertama Sokhiev di Teater Bolshoi.

Kemudian saya bertolak ke Cologne, di mana saya mempunyai Lucia di Lammermoor, kemudian La Traviata di Glyndebourne. Musim sedemikian ternyata.

MC: Semoga berjaya!

Ditemu bual oleh Irina Shirinyan

Pada tahun 2006, penyanyi itu membuat debut profesionalnya - dalam "Mass of Life" oleh F. Delius dengan Orkestra Filharmonik Kebangsaan Rusia di bawah baton Vladimir Spivakov (persembahan pertama di Rusia).

Pada tahun 2007-2014 - Penyanyi Teater Opera Moscow Novaya. Pada tahun 2010 beliau membuat debutnya di Teater Bolshoi sebagai Dr Falk("The Bat" oleh I. Strauss).
Sejak September 2014 beliau telah menjadi pemain solo dengan Syarikat Opera Teater Bolshoi.

Repertoir

Juga dalam repertoir:
Robert("Iolanta" oleh P. Tchaikovsky)
Onegin("Eugene Onegin" oleh Tchaikovsky)
Belcore("Love Potion" oleh G. Donizetti)
Figaro("The Barber of Seville" oleh G. Rossini)
salad Olivier("Capriccio" oleh R. Strauss)
Count di Luna("Troubadour" oleh G. Verdi)
Amonasro("Aida" oleh G. Verdi)
Alfio("Kehormatan Luar Bandar" P. Mascagni)
lain

Pada Januari 2017, beliau mengambil bahagian dalam persembahan konsert opera Journey to Reims oleh G. Rossini di Teater Bolshoi, membuat persembahan Lvaro(konduktor Tugan Sokhiev). Pada 2018 dia menyanyikan bahagian yang sama pada tayangan perdana drama itu (diarahkan oleh Damiano Micheletto).

Lawatan

Pada 2019 dia membuat debutnya di Opera Kebangsaan Washington melaksanakan peranan tajuk di tayangan perdana Eugene Onegin (pengeluaran semula oleh Robert Carsen; pengarah Peter McClintock, konduktor Robert Trevigno); v Rumah Opera Diraja Covent Garden- di bahagian Georges Germont (La Traviata), dalam peranan yang sama dia lakukan buat kali pertama di atas pentas Opera Los Angeles dan sebagai Richard Fort (The Puritans oleh V. Bellini) dalam Opera Bastille.
Sebagai sebahagian daripada lawatan Teater Bolshoi di Perancis, dia menyanyikan peranan Yeletsky (The Queen of Spades dalam versi konsert, konduktor Tugan Sokhiev, Toulouse).

Beliau telah bekerjasama dengan konduktor seperti Kent Nagano, Gianluigi Gelmetti, Laurent Campellone, James Conlon dan pengarah seperti Francesca Zambello, Rolando Panerai, Adrian Noble, Elijah Moshinski.

Menjalankan aktiviti konsert yang aktif. Dia sentiasa bekerjasama dengan Orkestra Kebangsaan Rusia di bawah arahan Mikhail Pletnev (khususnya, dia mengambil bahagian dalam persembahan konsert opera "Carmen" oleh J. Bizet, "Tales of Hoffmann" oleh J. Offenbach, "Eugene Onegin" oleh P. Tchaikovsky, serta muzik oleh E. Grieg kepada drama oleh G. Ibsen "Peer Gynt"). Dia adalah peserta tetap dalam Festival Besar Orkestra Kebangsaan Rusia.
Pada tahun 2011 beliau mengambil bahagian dalam persembahan konsert opera La Traviata di Göttingen (dengan Orkestra Simfoni Göttingen, konduktor Christoph-Mathias Müller). Telah muncul bersama Orkestra Filharmonik Kebangsaan Rusia di bawah arahan Vladimir Spivakov dan Orkestra Rusia Baharu di bawah arahan Yuri Bashmet.

Cetak

Di sini saya akan segera menyimpang dari kronologi. Selepas tayangan perdana Don Carlos pada bulan Disember di sebuah jamuan di Teater Bolshoi, seorang wanita yang hebat menghampiri saya dengan ucapan tahniah, yang ternyata adalah Olga Rostropovich. Betapa gembira dan tersanjung saya kerana saya bertemu dengan anak perempuan idola muda saya Mstislav Leopoldovich, yang saya impikan untuk bertemu, tetapi tidak pernah berlaku! Lebih-lebih lagi, saya, seolah-olah, "cucu pedagogi" Rostropovich, profesor cello saya Lev Vladimirovich Gokhman belajar pertama dengan Svyatoslav Knushevitsky, dan kemudian dengan Rostropovich.

- Apa yang mendorong anda meninggalkan cello?

Cerita panjang. Rupa-rupanya terdapat beberapa "tanda rahsia". Saya mahu mengendalikan. Pada usia 19 tahun, saya secara spontan mendapati diri saya berada di konsol orkestra pelajar, di mana saya bermain sendiri. Konduktor jatuh sakit dua minggu sebelum konsert, dia terpaksa membantu mereka. Saya telah ditawarkan untuk membuat program Konsert Piano Ke-3 Beethoven, Overture to The Marriage of Figaro dan Simfoni Konsert Mozart. Kemudian dia mengendalikan Francesca da Rimini karya Tchaikovsky dan karya oleh komposer Saratov kontemporari. Kemudian, sudah dari Moscow, seorang pelajar telah dijemput beberapa kali ke konsert di Saratov Philharmonic. Program-program itu menarik - contohnya, muzik Perancis dengan "Karnival Rom" Berlioz. Di tempat yang sama saya mengendalikan buat pertama kalinya "Don Giovanni" oleh R. Strauss. Jadi pada mulanya saya mempunyai amalan mengendalikan, kemudian saya belajar.

Selepas tahun ke-3 Konservatori Saratov, saya memasuki Konservatori Moscow, di kelas V.S. Sinaisky, untuk menjalankan simfoni. Selepas dua tahun pengajian kami, Vasily Serafimovich tiba-tiba meninggalkan konservatori. Bayangkan kehairanan saya apabila, sebelum permulaan tahun akademik baru, saya hanya diberitahu di pejabat dekan: "Anda kini berada di kelas GN Rozhdestvensky."

Pada masa pemindahan saya ke kelas Rozhdestvensky, dua fakulti disambungkan di konservatori, dan konduktor simfoni berakhir dengan konduktor koir. Dan ramai daripada mereka, setelah lulus hanya temu duga, juga membanjiri untuk belajar bagaimana mengendalikan orkestra. Jadi saya bernasib baik, Gennady Nikolaevich mengambil jauh dari semua orang.

Adakah anda menyesal sekarang kerana kerjaya vokal anda bermula lewat daripada rakan sekerja anda? Iaitu, 5-7 tahun "hilang" untuk menguasai seni karya yang paling kompleks, yang mana harus ditinggalkan?

Tidak, saya tidak menyesal apa-apa yang berlaku. Dan saya sangat berterima kasih kepada semua guru "pra-vokal" saya! Kerana jika Sinaisky tidak memberi saya teknik manual dan asas mengendalikan, menetapkan tangan, maka Rozhdestvensky akan menghadapi masa yang sukar. Dia hanya tidak melakukannya. Pelajarannya sangat bermaklumat. Satu setengah jam maklumat yang tidak ternilai yang harus direkodkan pada dictaphone, supaya kemudian, dari 10 kali, untuk memahami segala-galanya. Tetapi apa yang perlu dilakukan oleh tangan atau siku, dia tidak peduli. Adakah penjarian itu di tempat: "untuk tiga", atau "untuk satu" untuk dijalankan.

Sekarang banyak yang telah berlaku dalam hidup saya, saya masih ingat dengan penuh cinta cello yang ditinggalkan oleh ibu bapa saya di Saratov, kerana perasaan instrumen masih hidup di jari saya, ia menarik saya untuk bermain ...

Oh, ini sudah biasa: otot seolah-olah ingat, tetapi anda mengambil instrumen - dan ia membalas dendam kepada anda, tidak membalas dengan cara yang sama, satu kekecewaan ...

Ya, saya sudah 12 tahun tidak mengambil cello! Moga-moga, suatu hari nanti, nanti.. bila anak-anak dah besar dan ada masa lapang..

Adakah anda seorang pemain cello yang bising? Lelaki dengan instrumen ini sering bernafas dengan sangat kuat "bersemangat" semasa bermain, sebagai contoh, pada suite solo Bach ini sangat ketara dalam rakaman!

Tidak, profesor saya tidak mengenali bunyi luar semasa muzik dan menekannya dengan segera. Terdapat juga konduktor yang bersenandung, mendengus dan menyanyi bersama semasa konsert. Dan mereka juga merujuk kepada rekod yang hebat, Toscanini yang sama. Tetapi kebebasan ini tidak menghiasi sama sekali, malah mengganggu kedua-dua orkestra dan penyanyi, apabila maestro berkelakuan bising satu meter dari pemain solo. Saya kesal kerana saya tidak pernah berpeluang melihat ramai "orang tua" yang hebat dengan mata mereka sendiri, baik Mravinsky, mahupun Karayan. Malah Evgeny Fedorovich Svetlanov. Dia masih mengadakan konsert terakhirnya di Moscow apabila saya sudah tiba di sini, tetapi, malangnya, ia tidak bertepatan. Menurut kisah isteri saya, juga seorang penyanyi, kemudian pelajar Akademi Choral, yang mengambil bahagian dalam persembahan Simfoni Kelapan Mahler di bawah arahan Svetlanov, ia tidak dapat dilupakan. Tetapi lima tahun, termasuk kursus lepasan ijazah, juga mahal dalam kelas Gennady Nikolaevich!

Jadi, Rozhdestvensky memberikan contoh pendekatan profesional bukan sahaja kepada teknik, tetapi juga kepada kelakuan seorang konduktor di atas pentas. Seharusnya tiada apa-apa yang mengganggu, yang boleh difahami secara samar-samar, gerak isyarat harus sentiasa tepat dan boleh difahami. Terpulang kepada gaya. Kolokiumnya, apabila dia dengan anggun bercakap tentang perbezaan arah dalam lukisan - ini adalah titik kuatnya - mereka segera memberi kami, pelajar, untuk memahami semua kekurangan pendidikan mereka, dipaksa untuk membaca dan belajar untuk mendapatkan selangkah lebih dekat dengan induk. Gennady Nikolaevich telah lama mampu untuk tidak bekerja dengan orkestra yang tidak dapat bermain bersama dan bersih dan untuk merealisasikan tugas yang paling mudah. Dia menulis tentangnya sendiri, tidak menyembunyikannya. Saya tahu bahawa Rozhdestvensky dan ramai pemburu memarahi. Tetapi bagi saya, pertama sekali, dia adalah seorang Guru, dan, tidak syak lagi, seorang yang berskala besar.

- Bagaimanakah maestro Rozhdestvensky bertindak balas terhadap "pengkhianatan" anda dalam menjalankan?

Ini adalah cerita yang berasingan. Kerana saya pergi secara mengejut. Ia tidak berjaya untuk mendapatkan pekerjaan sebagai konduktor sebuah orkestra. Saya terpaksa bekerja untuk makan sendiri. Dari segi fizikal, saya tidak dapat melanjutkan pelajaran. Saya baru sahaja berhenti pergi ke sekolah siswazah untuk tahun ke-2. Mereka menghubungi saya dan meminta untuk menulis surat peletakan jawatan. Dan saya sudah merasakan saya berada dalam kehidupan yang berbeza, vokal,. Profesion terdahulu - kedua-dua cello dan konduktor - nampaknya sudah lama. Akar peralihan kepada profesion vokal terletak sangat dalam. Saya sendiri pun tak boleh jawab sampai habis. Semua orang kagum - bagaimana mungkin untuk berhenti mengendalikan dan mula menyanyi?

Secara umum, ia seperti berpindah dari jeneral kepada kor pegawai. Lagipun, konduktor orkestra memerintah semua orang dari usia muda, seperti komander atau pemain catur, dan penyanyi, walaupun seorang yang luar biasa, hanyalah sebilah catur, lebih kurang penting.

Di satu pihak, ya, tetapi saya hanya mencuba kerjaya saya sebagai konduktor, dan di Moscow saya hanya mempunyai beberapa konsert. Tidak dapat dilupakan bahawa buat pertama kalinya di Rusia dia mempersembahkan "Muzik Konsert untuk Strings dan Brass (" Boston Symphony ") Hindemith pada tahun 2002. Jadi, apa yang seterusnya?

Dalam kursus terakhir Konservatori, kami mendapat subjek "Bekerja dengan Vokalis". Ia dikendalikan oleh penyanyi Maria Viktorovna Ryadchikova, yang menjadi guru vokal pertama saya. Dalam kelasnya di Sekolah. Saya menjadi ketua konsert Gnesins, walaupun pada hakikatnya saya tidak pernah menerima diploma piano rasmi, tetapi dalam praktiknya saya menguasai membaca penglihatan, keupayaan untuk mendengar pemain solo, dan kemahiran transposisi. Pada mulanya, mereka cuba memimpin saya seperti tenor yang kuat, dan ia nampaknya berjaya, tetapi apabila cuba meregangkan bahagian atas, masalah timbul, ia menjadi tidak selesa. Kemudian, atas persetujuan bersama, mereka memutuskan untuk mencari guru lain.

Dengan bantuan Svetlana Grigorievna Nesterenko, yang kemudiannya mengetuai jabatan vokal Gnesinka, saya sampai ke Dmitry Yuryevich Vdovin. Saya sudah sedar bahawa saya ingin belajar vokal secara serius dan menyanyi secara profesional. Vdovin mengikuti uji bakat saya, dan saya mendapat latihan selama setahun di Akademi Koir. Kemudian dia bekerja selama satu setengah tahun sebagai pengiring dalam kelas Dmitry Yurievich. Dan saya mesti katakan, bukan sahaja mengambil vokal secara langsung, tetapi juga bermain dan mendengar semua orang di dalam kelas sepanjang hari - terdapat sekolah yang tidak ternilai, dan saya masih ingat kali ini dengan rasa syukur yang tidak putus-putus. Semua teknik dan teknik itu dibuat tepat pada masa itu, lima tahun lalu. Sekarang saya berjaya bersenam dengan Dmitry Yuryevich, malangnya, sangat jarang, apabila kita bersilang dan ada masa. Kerana sebaik sahaja saya mula bekerja di Novaya Opera, saya memasuki repertoir utama, dan hampir tiada masa lapang!

Igor, sudah tentu, adalah kes anda apabila anda adalah pengecualian dari kelas Rozhdestvensky kepada bariton. Tetapi vokalis yang telah membuat muzik sejak zaman kanak-kanak bukanlah perkara biasa pada hari ini. Tetapi tentang kekurangan konduktor yang benar-benar merasakan penyanyi, di rumah opera, aduan semakin kerap didengari daripada pemain solo yang cekap, yang sendiri sering menjadi konduktor koir pada masa lalu. Dan apakah perasaan anda apabila menilai maestro seterusnya?

Ya, ia boleh menjadi sukar. Berikut ialah contoh baharu daripada Don Carlos. Saya mesti katakan dengan segera - Robert Trevigno mencapai kejayaan untuk kita semua. Kerana apabila dia mendapat tahu bahawa dia perlu membawa persembahan yang dilemparkan oleh ketua konduktor ke tayangan perdana, ia adalah satu tamparan kepada sistem saraf. Dia melakukan semuanya dengan sangat baik. Tetapi kami mempunyai satu saat di babak pertama apabila kami tidak dapat berkumpul. Bagi Rodrigo, yang baru muncul di pentas, frasa yang sukar, fleksibel dalam penderitaan - dan serta-merta nada tinggi. Dan saya tidak dapat menahan, saya berkata: "maestro, anda perlahan di bar ke-3, tetapi saya - tidak." Kerana dia melakukan langkah ini "pada enam", dan apabila dia melakukan "pada dua" - semuanya berjaya. Tetapi bagi saya sukar untuk berkata demikian di hadapan semua orang, cuma ia tidak berjaya tiga kali berturut-turut, saya terpaksa melakukannya.

Tetapi secara umum saya cuba untuk tidak mengiklankan pengetahuan pengendalian saya. Kerana pada mulanya, di Opera Novaya, saya lebih dianggap sebagai konduktor nyanyian. Ya, kemudian saya menyanyi lebih lemah, apa yang ada untuk disembunyikan. Sudah tentu, pendidikan pertama membantu dan menghalang, anda melihat kekurangan komander di panel kawalan lebih baik daripada yang lain, tetapi anda masih perlu bekerja dengannya, dan anda mesti berhati-hati.

- Adakah anda seorang yang mutlak?

Oh ya! Lagi satu musibah... Tapi bila saya menyanyi, saya tak selalu dengar sendiri. Ia berlaku bahawa saya tidak memukul secara kedudukan. Ini harus dikawal dengan perasaan atau direkodkan dan dianalisis selepas waktu bekerja. Semua akan mengesahkan, baik penyanyi yang hebat dan tunas. Lebih-lebih lagi, suara "di pintu keluar", jika anda meletakkan mikrofon di sebelah penyanyi dan apa yang penonton dengar, sebagai contoh, di Pentas Sejarah Teater Bolshoi pada jarak beberapa puluh meter, membuat perbezaan yang besar. Musim lalu, selepas selsema, saya menyanyikan "La Traviata" di Bolshoi, nampaknya saya berdehit, tetapi di dalam dewan hampir tiada apa-apa yang didengari.

Sekarang anda meyakinkan sebagai pelakon di atas pentas, dan walaupun dalam jumlah yang sederhana di konservatori anda belum mempelajari subjek ini.

Opera Baharu banyak membantu saya di sini. Ini adalah teater rumah saya. Saya datang ke sana, dapat melakukan sedikit secara vokal dan plastik. Saya belajar segala-galanya dalam proses, terima kasih kepada pasukan pengarah, yang kebetulan saya bekerja. Koreografer Ivan Fadeev banyak bekerja dengan saya secara peribadi, berlatih pergerakan asas dan busur. Pengarah Alexei Veiro, ketika saya diperkenalkan kepada Onegin, benar-benar tidak melepaskan, tidak kehilangan satu pergerakan yang berlebihan atau "salah".

- Dan apakah peranan pertama?

Marullo di Rigoletto. Ia ternyata menarik. Musim panas ini, 2013, saya menyanyikan Rigoletto sendiri buat kali pertama, dan teringat bahawa tujuh tahun lalu, hampir pada masa yang sama, saya mengambil pentas dalam opera yang sama dalam peranan kecil.

- Secara umum, bariton muda menyanyikan kedua-dua Onegin dan Rigoletto adalah kejadian yang jarang berlaku.

Nah, saya rasa Onegin adalah permainan yang cukup kuat. Perkara lain yang hampir semua bariton menyanyikannya secara tradisional di sini: kedua-dua lirik dan lirik-drama. Di Barat, bagaimanapun, biasanya Onegin dinyanyikan oleh suara yang sangat kuat - sebelum ini mereka menyanyikan Titta Ruffo, Ettore Bastianini, kemudian Bernd Weikl, Wolfgang Brendel. Lebih-lebih lagi, Barat mempunyai tradisi yang agak berbeza untuk mendekati himpunan Rusia. Sebagai contoh, permainan Yeletsky juga dianggap sangat kuat, hampir sama dengan Tomsky. Onegin adalah bahagian yang fleksibel dari segi timbre. Tetapi masih kuat. Ia bermula dengan cara yang menggembirakan, tetapi pada akhirnya adalah perlu untuk menusuk orkestra yang agak padat dengan tessituation.

- Jadi, Boccanegra boleh dijangka daripada anda tidak lama lagi?

Masih terlalu awal untuk bercakap tentang Boccanegra. Tetapi sepanjang tahun lalu, saya menyanyi, tidak kurang, tidak kurang lapan wira Verdi! Saya akan menyenaraikan: Germont (debut di Peringkat Sejarah Teater Bolshoi), Renato - "Masquerade Ball" di tiga teater berbeza di Itali, Seid Pasha dalam "Le Corsaire" di Trieste, Montfort dalam "Sicilian Vespers" dalam bahasa Itali di Athens . Sebelum itu, pada 2011, dia menyanyikan versi Perancis di Naples. Sangat sukar untuk melatih semula teks! Di Opera Novaya terdapat pengenalan kepada Troubadour, (juga debut!) Di sana Germont, telah dipentaskan oleh Alla Sigalova, persembahan konsert Aida (Amonasro), Rigoletto di Savona, dan akhirnya Rodrigo di Poza di Teater Bolshoi.

Sudah tentu, Rigoletto telah menjadi percubaan buat masa ini. Saya bersetuju kerana ia adalah teater kecil. Di Savona, terdapat kubu abad keenam belas di tepi laut, dengan teres dengan akustik semula jadi. Sebelum itu, saya telah pun menyanyi di sana dalam "Masked Ball". Persembahan sudah siap, ia "dibutakan" dan diperkenalkan semua dalam sepuluh hari. Dan pengarahnya ialah Rolando Panerai, bariton yang hebat pada masa lalu. Dia seolah-olah memberkati saya, saya secara fizikal merasakan hubungan ini antara generasi. Untuk bertemu dengan legenda seperti itu sudah menjadi satu acara, tetapi untuk mendengar dia menyanyi dan menunjukkan pada usia 89 adalah hebat! Dia memainkan nota atas yang menakjubkan! Panerai sangat prihatin terhadap Rigoletto yang begitu muda. Dia melakukan segala-galanya untuk membuat saya selesa, contohnya, membatalkan rambut palsu, hanya mewarnakan uban.

Tayangan perdana itu dihadiri oleh penyanyi terhebat abad kedua puluh, Renata Scotto, yang, ternyata, dilahirkan di Savona! Gilda dinyanyikan oleh pelajarnya - baginya itu adalah alasan untuk menghadiri persembahan. Persembahan kedua telah dihadiri oleh Luciana Serra yang sama terkenal. Dan kemudian Dmitry Yuryevich dan saya membincangkan betapa bertuahnya saya kerana pada permulaan perjalanan saya, saya bertemu dengan nama-nama masa lalu! Dan kebetulan di sekeliling: ulang tahun ke-200 Verdi, ulang tahun ke-100 Tito Gobbi. Dan lapan parti Verdi! Dengan "norma" dalam 3-4 peranan baru setiap tahun.

- Sejauh manakah anda takut, gementar sebelum naik ke pentas?

Saya tidak takut, tetapi ada keterujaan. Lebih-lebih lagi jika ia tidak dilaksanakan sepenuhnya, dan tidak seratus peratus pasti. Rigoletto, dengan cara itu, kurang takut daripada yang kelihatan. Kerana Vdovin dan saya membuat bahagian itu dengan berhati-hati sehingga kami boleh menyanyi di mana-mana negeri. Dan seluruh pasukan, ditambah pula dengan konduktor berbakat Carlo Rizzari (pembantu Pappano), menyokong saya.

Sudah tentu, ia lebih sukar, jika tidak sihat sepenuhnya, tetapi anda perlu menyanyi. Dan di sini sekolah dan teknologi membantu. Tidak ada ketakutan peringkat seperti itu. Bagi saya, ini adalah habitat biasa, sama ada saya berdiri membelakangi penonton, menjadi konduktor, atau memalingkan muka saya sekarang.

Permintaan anda untuk opera membuatkan saya gembira. Tetapi adakah seorang pemuzik liga utama mahu pergi "ke kiri" - untuk menyanyikan sesuatu yang sangat intim, untuk menjadi dalam imej, katakan, "Perantis Kelana" Mahler?

Masih seperti yang anda mahu! Saya tidak menolak walaupun malam bilik sederhana. Adakah anda melihat nota? Ini adalah untuk Konsert di Ruang Legar Opera Baharu. Di sana saya akan menyanyikan kitaran Ravel Three Songs of Don Quixote to Dulcinea, Arion yang romantik Rachmaninov dan juga Schubert's Forest Tsar. Program ini, dalam rangka minggu Epiphany tradisional kami, semuanya ditumpukan kepada subjek sastera (perbualan berlaku sebelum permulaan minggu Epiphany - lebih kurang ed.).

Tidak boleh membuat persembahan muzik bilik dengan kerap, kerana ya, dia sibuk dalam persembahan. Tiada siapa yang boleh dipersalahkan untuk ini - ternyata begitu. Tetapi saya sudah mengimpikan program dari Tchaikovsky dan Glinka dengan Semyon Borisovich Skigin pada bulan Jun, bersama dengan tenor Sergei Radchenko dari Program Belia Teater Bolshoi. Sehubungan dengan itu, saya sangat iri hati kepada Pemuda. Mereka mempunyai beberapa jenis program dewan, konsert hampir setiap minggu. Saya sangat merindui ini pada awal perjalanan. Saya banyak belajar dan segera mula menyanyi secara aktif dalam persembahan, tetapi hanya nyanyian opera yang sedikit mengaburkan pemuzik, terutamanya jika bahagiannya adalah berat sebelah. Malah Verdi yang hebat, atau, lebih luas lagi, orang Itali, saya ingin "mencairkan" kadang-kadang dengan Lieder Jerman atau lirik Perancis halus oleh Debussy, Chausson.

Jika mereka tiba-tiba menawarkan untuk menyanyi "Wozzeck" atau "Cardillac" oleh Hindemith, siapa yang akan mengatasi - seorang graduan Rozhdestvensky yang mengetahui secara langsung sekolah Novovensky, atau seorang vokalis yang bijak yang memahami bahawa selepas Berg sudah mungkin untuk tidak menyanyi bel canto?

Saya tidak akan menyanyi bahagian yang dinamakan lagi. Muzik "Wozzeck" bukan sahaja sukar, tetapi juga kritikal dari segi vokal. Jika dalam verism, di mana ramai yang menjerit, masih ada cantilena, maka Wozzeck berada di ambang nyanyian opera seperti itu. Dan kemudian sukar untuk memasukkan imej di sana secara psikologi. Walaupun Rigoletto, saya memutuskan bahawa adalah lebih baik untuk menangguhkannya selama beberapa tahun, walaupun ia ternyata baik untuk peringkat ini. Si bongkok yang tragis juga memerlukan saraf dan kawalan diri untuk menyanyikan "Vendetta" dengan kepala yang tenang dan tidak masuk ke dalam. Dan Wozzeck jauh lebih menakutkan dalam muzik dan plot. Segala-galanya begitu berpusing di sana! Dengan Hindemith saya ingin menyanyikan Mathi the Artist yang paling penting, saya suka muzik ini. Tetapi juga bukan sekarang, parti itu memerlukan lebih kematangan. Ia adalah repertoir khusus abad kedua puluh yang saya tidak berusaha pada masa ini. Pada tahun-tahun akan datang - Verdi, bel canto, sebahagiannya muzik Perancis.

- Dan Mozart, yang dianggap oleh ramai penyanyi hampir kuratif untuk suara itu?

Malangnya, setakat ini saya hanya mengajar di dalam kelas dan mengalami aria individu pada beberapa uji bakat. Dmitry Yuryevich percaya bahawa saya bukan penyanyi Mozart. Walaupun saya sendiri berpendapat bahawa saya boleh menyanyikan Graf, dan juga Don Juan, ini memerlukan fleksibiliti yang besar dalam suaranya. Dan, yang lebih penting, orang lain sepatutnya mahu melihat saya dalam permainan ini. Terdapat banyak lagi bariton Mozart yang sesuai.

Sekarang mari kita bincangkan secara berasingan tentang Rodrigo anda, Marquis di Pose, yang membuat kekecohan, dalam erti kata yang terbaik. Adakah anda menjangkakan liputan akhbar yang begitu menggalakkan mengenai karya terkini? Suka debut anda sekali lagi!

Tidak, saya tidak. Saya sejujurnya cuba melakukan segala-galanya dengan sebaik mungkin, memberikan yang terbaik dalam latihan dan persembahan. Saya fikir ia akan berjaya. Tetapi apabila dia pergi ke busur perdana, tepukan daripada penonton hampir menjatuhkannya.

Mereka mengatakan mereka sangat menyukai imej itu! Saya hanya berharap untuk mendengar Rodrigo sebenar dalam siri persembahan musim panas baharu, tetapi walaupun dari serpihan dalam You Tube, saya bersetuju. Adakah anda membaca Schiller semasa anda bekerja?

Sudah tentu! Diterjemah oleh Mikhail Dostoevsky dengan mukadimah oleh K. Batyushkov, yang juga banyak menerangkan. Khususnya, hakikat bahawa Pose Schiller adalah watak utama. Idea yang dimasukkan ke dalam mulut di Pose adalah pemikiran Schiller sendiri, "alter ego"nya. Mungkin itulah sebabnya dia mengolah semula drama itu sendiri dengan begitu banyak, mencari ungkapan falsafahnya yang paling berkuasa dan boleh difahami untuk orang sezamannya. Dan Rodrigo Verdi adalah salah satu watak utama, jika bukan yang paling penting. Kerana bahagian muzik lebih luas dan lebih kaya daripada yang lain.

Tetapi seperti yang saya pelajari daripada buku kecil baru tentang Don Carlos dari Teater Bolshoi, kemurahan hati Verdi terhadap Di Pose adalah bersifat praktikal. Bariton yang menyediakan peranan ini dalam tayangan perdana Paris yang pertama sangat bagus, hampir penyanyi paling pintar dalam barisan. Dan tepat dalam proses latihan, Verdi selesai menulis percintaan yang indah untuk Rodrigo "Carlo, ch" è sol il nostro amore "

Mungkin. Tetapi Don Carlos telah diubah berkali-kali pada prinsipnya! Baru-baru ini saya berada di Milan, melihat ke dalam kedai muzik jenama Ricordi. Mereka menerbitkan edisi dua jilid yang menakjubkan bagi semua edisi Don Carlos, kedua-dua Perancis dan Itali. Ternyata secara konseptual duet tengah di Pose dan Philip telah ditulis semula oleh komposer tiga atau empat kali. Semua varian ada dalam clavier, sangat menarik untuk mengesan bagaimana Verdi pergi ke final.

- Apa yang berlaku untuk anda dalam di Pose, seorang idealis romantis, atau, apa yang lebih kerap ditekan, seorang revolusioner yang aktif?

Imej itu kompleks, ia boleh ditafsirkan dengan cara yang berbeza, malah mengalihkan penekanan daripada prestasi kepada prestasi. Tetapi nampaknya pada saya bahawa Rodrigo pertama sekali seorang ahli politik yang mahir, dan kemudian rakan dan segala-galanya. Walau bagaimanapun, perkara utama baginya adalah idea-idea yang dia cuba tanamkan walaupun kepada Raja, yang hampir dengan idea-idea Zaman Pencerahan. Secara umum, opera "Don Carlos", dan pemandangan produksi Teater Bolshoi kami menggariskan ini, sangat suram. Elizabeth yang tidak berpuas hati, dihancurkan oleh nasib, Carlos, tergesa-gesa antara mencari cinta dan kesinambungan kerjaya politik, yang tidak wujud dan tidak boleh, kerana dia bukan orang yang sepenuhnya mencukupi. Philip adalah seorang yang zalim dan zalim, tetapi tidak mempunyai perasaan kekeluargaan, yang tidak bergerak, kerana Elizabeth mahupun Carlos tidak boleh membalas. Di atas semua kerajaan kegelapan ini, sosok Inkuisitor yang membinasakan bangkit. Opera, saya akan katakan, tiada harapan. Dan hanya Pose yang seperti "sinar cahaya dalam kerajaan gelap", kerana ia cuba bercita-cita untuk idea-idea yang tinggi, untuk menyeru manusia, untuk memberi inspirasi kepada harapan. Ya, dia tidak boleh mengganggu atau membatalkan hukuman mati terhadap bidaah, tetapi dia terus terang memberitahu Raja bahawa dia salah. Jelas sekali, kesatria seperti itu tidak benar-benar wujud di mahkamah Philip II. Ini adalah fiksyen fiksyen yang jelas yang tidak menjadi kurang cantik daripada itu.

Kes yang agak jarang berlaku dalam drama opera, apabila bariton bukan saingan kepada tenor kerana memiliki soprano, dan bukan bapa yang menderita, dan bukan penjahat yang menarik.

Ya, peranan istimewa sangat berharga.

- Satu lagi contoh yang istimewa - Hamlet oleh Ambroise Thom, hanya untuk bariton. Mahukah kamu?

sangat. Saya bermimpi. Apabila Opera Novaya ingin memperkenalkan saya kepada Hamlet, malangnya persembahan itu telah dikeluarkan. Dan setakat ini tidak ada cadangan khusus, kerana opera Tom jarang dipentaskan.

- Tidak lama lagi anda sepatutnya menyanyikan Onegin di Naples, di Teatro San Carlo yang terkenal.

Teater itu sudah biasa bagi saya dari "Sicilian Vespers". Akustiknya hebat di sana! Anda boleh menyanyi di mana-mana di atas pentas dan ke mana-mana arah - anda boleh mendengar segala-galanya, kerugian di dalam dewan adalah kecil. San Carlo tidak pernah mengalami pemulihan besar, tidak seperti La Scala, yang dengan sendirinya tidak ternilai, memandangkan sejarah hampir tiga abad rumah opera tertua di Eropah ini! Saya bertuah kerana menyanyi di dua rumah opera terbesar di Itali, selain San Carlo, ini juga Teater Massimo di Palermo. Yang terakhir ini juga dianggap sebagai salah satu teater terbesar di Eropah.

- Adakah anda merasakan kebodohan yang terkenal di kalangan orang selatan dalam proses kerja?

Tidak, saya tidak akan berkata. Jadual telah diberikan kepada kami selama sebulan lebih awal dan semuanya dihormati. Suasana di dalam pasukan sangat mesra. Adakah itu bayarannya kemudian terpaksa menunggu hampir setahun. Tetapi ini adalah kecenderungan umum Itali, di Florence dianggap normal untuk menunggu wang selama dua atau tiga tahun.

- Adakah anda berkomunikasi di sana dengan rakan sekerja dalam bahasa Itali?

Ya, saya secara praktikal menguasai bahasa itu sendiri, kerana apabila kontrak pertama di Itali ditarik, Dmitry Yuryevich berkata: "Belajar bahasa Itali dengan segera." Dalam sebulan saya perlu bukan sahaja menguasai raksasa "Sicilian Vespers" dalam bahasa Perancis (persembahan berlangsung selama 4 setengah jam!), Tetapi juga cuba bercakap bahasa Itali. Di sana, di kalangan penutur asli, semuanya ternyata lebih mudah.

Apabila persembahan panjang, ada penyanyi yang merungut bahawa bahagian itu berhenti seketika, jika watak itu tidak hadir dalam tempoh yang lama, mereka tidak digalakkan.

Saya tidak boleh berkata demikian tentang diri saya, mungkin ia belum bertepatan lagi. Tetapi parti, tentu saja, semuanya berbeza dan kepekatan artis berbeza. Dalam "Don Carlos" yang sama anda hampir tidak pernah meninggalkan pentas! Kecuali, semasa Raja Philip menderita di pejabat, ada peluang untuk berehat. Saya datang ke persembahan 3 jam sebelum bermula - ini adalah kebiasaan saya. Lebih selesa bagi saya, semuanya tidak tergesa-gesa, saya perlu menyanyi selama lebih daripada satu jam untuk berasa benar-benar bersedia. Ini adalah soal penyelarasan bukan pada tahap mental. Apabila anda mempunyai satu aria dalam konsert, anda menyediakan diri anda dengan cara yang sama sekali berbeza daripada bahagian yang kompleks yang besar. Saya tidak memikirkannya dengan sengaja, tetapi badan menyesuaikan diri dengan maraton yang panjang.

Soalan terakhir saya sangat provokatif. Bayangkan tiba-tiba persembahan ditinggalkan tanpa konduktor - ia jatuh sakit, tidak tiba, dsb. Dan, mengetahui tentang pendidikan pertama anda, mereka memohon untuk menyelamatkan keadaan, untuk berdiri di konsol.

Oh, bukan itu! Saya telah lama meninggalkan profesion pengendalian. Dan walaupun saya tahu markah yang diperlukan dengan baik, saya tidak akan berani untuk mementaskan persembahan. Tanpa latihan, tangan telah terlupa sedikit bagaimana mereka sepatutnya, dan lebih baik mempercayakan ini kepada orang yang lebih bersedia. Sudah tentu, terdapat situasi bencana tanpa pilihan, tetapi alhamdulillah saya belum mempunyai peluang lagi, dan saya harap saya tidak perlu berurusan dengan mereka.

Saya ditawarkan beberapa jenis konsert, di mana saya akan memainkan alat muzik, kemudian mengendalikan, kemudian menyanyi. Saya menjawab bahawa saya bukanlah seorang "konduktor nyanyian" tetapi seorang penyanyi opera. Dan apa yang ada pada masa lalu kekal di sana buat masa ini. Jika pernah, beruban dan tua, saya ingin kembali mengendalikan - topik lain yang belum masuk akal untuk dibincangkan. Kini saya serius terlibat dalam nyanyian opera dan tidak mahu mengambil langkah yang boleh ditafsir sebagai tidak profesional. Dalam dunia moden, anda perlu melakukan perkara anda sendiri sama ada dengan baik untuk berjaya, atau tidak melakukannya sama sekali, anda perlu mengekalkan tahap.

Ditemu bual oleh Tatyana Elagina

Golovatenko, Igor Alexandrovich(lahir 17 November 1980) - Penyanyi opera Rusia (bariton), pemain solo terkemuka Teater Bolshoi (sejak 2014) dan Teater Opera Moscow Novaya (sejak 2007).

Biografi

Igor Golovatenko dilahirkan di Saratov dalam keluarga pemuzik.

Dia lulus dari Sekolah Muzik Pusat Saratov dalam tiga kepakaran: piano (kelas Elvira Vasilievna Chernykh / Tatyana Fedorovna Ershova), cello (kelas Nadezhda Nikolaevna Skvortsova) dan komposisi (kelas Vladimir Stanislavovich Michelet).

Pada tahun 1997 dia memasuki Konservatori Negeri Saratov. L. V. Sobinov, dalam kelas cello Profesor Lev Vladimirovich Ivanov (Gokhman), di mana dia belajar sehingga tahun 2000. Telah muncul sebagai pemain solo dengan orkestra Persatuan Filharmonik Saratov dan Konservatori Saratov, mengadakan konsert cello oleh L. Bockerrini, C. Saint-Saens, A. Dvorak, Variations on a Rococo Theme oleh P. I. Tchaikovsky. Dengan Orkestra Rusia Muda di bawah baton M. Gorenstein dia memainkan Konserto Pertama Shostakovich untuk cello dan orkestra (2001, Saratov, Dewan Filharmonik Saratov).

Pada tahun 1999, buat pertama kalinya dia mengambil pendirian orkestra simfoni Konservatori Saratov, yang mana dia bekerjasama sehingga tahun 2003. Dia juga membuat persembahan dengan Orkestra Simfoni Filharmoni Serantau Saratov sebagai konduktor tetamu. Buat pertama kalinya dia melakukan karya komposer Saratov Elena Vladimirovna Gokhman (1935-2010) "Ave Maria" (2001) dan "Twilight" (2002) untuk pemain solo, korus dan orkestra. Antara karya simfoni yang dilakukan pada masa ini: "Don Juan" oleh Richard Strauss, "Francesca da Rimini" oleh Tchaikovsky, overture "Karnival Rom" oleh Berlioz, "Bolero" oleh Ravel, dsb.

Pada tahun 2000, beliau memasuki Konservatori Tchaikovsky Negeri Moscow, jabatan opera dan simfoni menjalankan di kelas Profesor Vasily Serafimovich Sinaisky. Lulus dengan kepujian pada tahun 2005 dalam kelas Profesor Gennady Rozhdestvensky, Artis Rakyat USSR. Semasa belajar di Konservatori Moscow, buat pertama kalinya di Rusia, beliau mengendalikan Konsert P. Hindemith untuk Woodwind, Harp dan Orkestra (2002, Dewan Kecil Konservatori Moscow).

Pada tahun 2006 dia memasuki latihan di Akademi Seni Paduan Suara dalam kelas nyanyian solo Profesor Dmitry Yuryevich Vdovin (kini ketua Program Belia Teater Bolshoi), di mana dia terus bertambah baik.

Pada April 2006, beliau membuat debut vokalnya di pentas Dewan Svetlanov di Rumah Muzik Antarabangsa Moscow. Dia melakukan bahagian bariton dalam "Mass of Life" oleh komposer Inggeris Frederic Delius (teks dalam bahasa Jerman, berdasarkan karya "Thus Spoke Zarathustra" oleh Fr. Popov. Persembahan pertama di Rusia.

Sejak 2007 beliau telah menjadi pemain solo dengan Teater Opera Moscow Novaya. Dia membuat debut teaternya sebagai Marullo (Rigoletto oleh G. Verdi) dan Orator (The Magic Flute oleh Mozart).

Pada Oktober 2010, penampilan sulung penyanyi itu berlangsung di St. Petersburg di Dewan Besar Filharmonik St. Petersburg. Fragmen Mass of Life (beberapa nombor paduan suara dan bahagian dengan solo bariton) telah dipersembahkan, diiringi oleh Orkestra Simfoni Akademik yang dikendalikan oleh Alexander Titov.

Sejak 2010, dia telah menjadi pemain solo tetamu di Teater Bolshoi Rusia, di mana dia membuat debutnya sebagai Falk (The Bat oleh I. Strauss, konduktor Christoph-Mathias Müller, pengarah Vasily Barkhatov).

Persembahan pertama penyanyi di Panggung Bersejarah Teater Bolshoi berlangsung pada tahun 2012 sebagai Georges Germont (Laurent Campellone, pengarah Laurent Campellone, pengarah Francesca Zambello) (La Traviata oleh G. Verdi).

Sejak September 2014 dia telah menjadi pemain solo dengan Teater Bolshoi.

Lawatan