ดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเช่นงานวิจิตรศิลป์และวรรณคดีกลับคืนสู่คุณค่าของวัฒนธรรมโบราณ เธอไม่เพียงพอใจกับหู แต่ยังส่งผลกระทบทางวิญญาณและทางอารมณ์ต่อผู้ฟังด้วย

การฟื้นคืนชีพของศิลปะและวิทยาศาสตร์ในศตวรรษที่ XIV-XVI เป็นยุคแห่งการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ที่บ่งบอกถึงการเปลี่ยนแปลงจากวิถีชีวิตในยุคกลางไปสู่ความทันสมัย การแต่งและการแสดงดนตรีมีความสำคัญเป็นพิเศษในช่วงเวลานี้ นักมนุษยนิยมที่ศึกษาวัฒนธรรมโบราณของกรีซและโรมประกาศว่าการเขียนเพลงเป็นอาชีพที่มีประโยชน์และมีเกียรติ เชื่อกันว่าเด็กทุกคนควรเรียนรู้ที่จะร้องเพลงและเล่นเครื่องดนตรีให้เชี่ยวชาญ ด้วยเหตุนี้ ครอบครัวที่มีชื่อเสียงจึงได้ต้อนรับนักดนตรีเข้ามาในบ้านเพื่อสอนลูกๆ และให้ความบันเทิงแก่แขก

เครื่องมือยอดนิยม ในศตวรรษที่สิบหก เครื่องดนตรีใหม่ปรากฏขึ้น เกมที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือเกมที่มอบให้แก่คนรักดนตรีอย่างง่ายดายและง่ายดายโดยไม่ต้องใช้ทักษะพิเศษ ที่พบมากที่สุดคือการละเมิดและสตริงที่ดึงออกมาที่เกี่ยวข้อง วิโอลาเป็นผู้บุกเบิกไวโอลิน และเล่นง่ายด้วยเฟรต (ลายไม้ที่คอ) ที่ช่วยให้ตีโน้ตได้ถูกต้อง เสียงของวิโอลานั้นเงียบแต่ก็ฟังดูดีในห้องเล็กๆ พวกเขาร้องเพลงพร้อมกับกีตาร์

สมัยนั้นหลายคนชอบเล่นขลุ่ย ขลุ่ย และเขา เพลงที่ยากที่สุดถูกเขียนขึ้นสำหรับเพลงที่สร้างขึ้นใหม่ - ฮาร์ปซิคอร์ด, เวอร์จินลา (ฮาร์ปซิคอร์ดภาษาอังกฤษ ซึ่งมีขนาดเล็ก) และออร์แกน ในขณะเดียวกัน นักดนตรีก็ไม่ลืมที่จะแต่งเพลงง่ายๆ ที่ไม่ต้องใช้ทักษะที่มีประสิทธิภาพสูง ในเวลาเดียวกัน โน้ตดนตรีมีการเปลี่ยนแปลง: บล็อกการพิมพ์ไม้หนักถูกแทนที่ด้วยตัวอักษรโลหะเคลื่อนที่ที่คิดค้นโดย Ottaviano Petrucci ของอิตาลี ผลงานเพลงที่ตีพิมพ์ขายหมดอย่างรวดเร็ว ผู้คนเริ่มมีส่วนร่วมในดนตรีมากขึ้นเรื่อยๆ

ทิศทางดนตรี

เครื่องดนตรีใหม่ โน้ตเพลง และความนิยมอย่างแพร่หลายของดนตรีมีส่วนทำให้เกิดการพัฒนาแชมเบอร์มิวสิค ตามชื่อของมัน มันตั้งใจจะเล่นในห้องโถงเล็ก ๆ ต่อหน้าผู้ชมกลุ่มเล็ก มีนักแสดงหลายคน การแสดงเสียงร้องเด่น เนื่องจากศิลปะการร้องเพลงในสมัยนั้นพัฒนามากกว่าการเล่นดนตรีมาก นอกจากนี้ นักมานุษยวิทยายังโต้แย้งว่าผู้ฟังได้รับผลกระทบมากที่สุดจาก "การผสมผสานที่น่าอัศจรรย์" ของศิลปะทั้งสอง - ดนตรีและกวีนิพนธ์ ดังนั้นในฝรั่งเศส chanson (เพลงโพลีโฟนิก) จึงโดดเด่นเป็นแนวเพลงและในอิตาลี - madrigal

ชานสันและมาดริกาลส์

ชานสันในช่วงหลายปีที่ผ่านมาได้บรรเลงบทเพลงไพเราะหลายบทซึ่งมีเนื้อหาหลากหลาย ตั้งแต่ธีมความรักอันสูงส่งไปจนถึงชีวิตประจำวันในชนบท นักแต่งเพลงแต่งท่วงทำนองที่ง่ายมากสำหรับบทกวี ต่อจากนั้น มาดริกาลก็ถือกำเนิดจากประเพณีนี้ ซึ่งเป็นงานสำหรับ 4 หรือ 5 เสียงในธีมบทกวีฟรี

ต่อมาในศตวรรษที่ 16 คีตกวีได้ข้อสรุปว่ามาดริกาลขาดความลึกและพลังของเสียง ซึ่งมักได้รับความพยายามในสมัยกรีกโบราณและโรม และเริ่มฟื้นฟูมาตราส่วนดนตรีโบราณ ในเวลาเดียวกัน การเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วและราบรื่นสะท้อนให้เห็นถึงการเปลี่ยนแปลงในอารมณ์และสภาวะทางอารมณ์

ดังนั้นดนตรีจึงเริ่ม "ระบายสีคำ" และสะท้อนความรู้สึก ตัวอย่างเช่น น้ำเสียงจากน้อยไปมากอาจหมายถึงยอด (ยกขึ้น) น้ำเสียงจากมากไปน้อยอาจหมายถึงหุบเขา (หุบเขาแห่งความโศกเศร้า) การก้าวช้าๆอาจหมายถึงความเศร้า ความเร่งของจังหวะและท่วงทำนองที่น่ารื่นรมย์อาจหมายถึงความสุข และ ความไม่ลงรอยกันอย่างจงใจยาวและเฉียบแหลมหมายถึงความเศร้าโศกและความทุกข์ ในเพลงก่อนหน้านี้ความกลมกลืนและการเชื่อมโยงกันมีชัย ตอนนี้ มีพื้นฐานมาจากโพลีโฟนิกและคอนทราสต์ ซึ่งสะท้อนถึงโลกภายในอันอุดมสมบูรณ์ของบุคคล ดนตรีมีความลึกซึ้งยิ่งขึ้นและได้รับบุคลิกส่วนตัว

ดนตรีประกอบ.

การเฉลิมฉลองและการเฉลิมฉลองเป็นจุดเด่นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ผู้คนในยุคนั้นเฉลิมฉลองทุกอย่าง ตั้งแต่สมัยนักบุญจนถึงฤดูร้อน ระหว่างขบวนแห่ตามท้องถนน นักดนตรีและนักร้องอ่านเพลงบัลลาด เล่นละครเพลง Madrigal ที่ซับซ้อน และแสดงการแสดงอันน่าทึ่งจากเวทีที่ประดับประดาอย่างวิจิตรบรรจงบนล้อ ผู้ชมต่างรอคอย "ภาพมีชีวิต" อย่างใจจดใจจ่อโดยเฉพาะอย่างยิ่งพร้อมกับดนตรีประกอบและการตกแต่งในรูปแบบของเมฆกลซึ่งเทพที่มองเห็นได้จากสคริปต์ลงมา

ในขณะเดียวกัน ดนตรีที่ไพเราะที่สุดก็ถูกแต่งขึ้นสำหรับคริสตจักร ตามมาตรฐานปัจจุบันคณะนักร้องประสานเสียงมีขนาดไม่ใหญ่นัก - ตั้งแต่ 20 ถึง 30 คน แต่เสียงของพวกเขาถูกขยายด้วยเสียงทรอมโบนและแตรทองเหลืองที่แนะนำในวงออเคสตราและในวันหยุดใหญ่ (เช่นคริสต์มาส) นักร้องถูกรวบรวมจาก ทั่วบริเวณเป็นคณะนักร้องประสานเสียงขนาดใหญ่แห่งเดียว ... มีเพียงคริสตจักรคาทอลิกเท่านั้นที่เชื่อว่าดนตรีควรจะเรียบง่ายและเข้าใจได้ ดังนั้นจึงเป็นตัวอย่างเพลงศักดิ์สิทธิ์ของ Giovanni Palestrina ผู้เขียนงานสั้นเกี่ยวกับข้อความทางจิตวิญญาณ ควรสังเกตว่าต่อมาปรมาจารย์เองก็ตกอยู่ภายใต้อิทธิพลของดนตรี "ใหม่" ที่แสดงออกและทรงพลังและเริ่มเขียนงานที่ยิ่งใหญ่และมีสีสันซึ่งต้องใช้ทักษะการร้องเพลงประสานเสียงอย่างมาก

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ดนตรีบรรเลงได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวาง เครื่องดนตรีหลัก ได้แก่ พิณ, พิณ, ขลุ่ย, โอโบ, ทรัมเป็ต, อวัยวะประเภทต่างๆ (บวก, แบบพกพา), ฮาร์ปซิคอร์ดหลากหลาย; ไวโอลินเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน แต่ด้วยการพัฒนาเครื่องสายแบบใหม่ เช่น วิโอลา ทำให้ไวโอลินกลายเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีชั้นนำ

หากความคิดของยุคใหม่ตื่นขึ้นมาในบทกวี ได้รับการพัฒนาที่ยอดเยี่ยมในด้านสถาปัตยกรรมและการวาดภาพ จากนั้นดนตรีที่เริ่มต้นด้วยเพลงพื้นบ้านจะซึมซับทุกชีวิต แม้แต่เพลงของคริสตจักรในตอนนี้ก็ยังถูกมองว่าเป็นภาพวาดของศิลปินในหัวข้อพระคัมภีร์ ไม่ใช่สิ่งที่ศักดิ์สิทธิ์ แต่เป็นสิ่งที่ให้ความสุขและความเพลิดเพลิน ซึ่งนักประพันธ์เพลง นักดนตรี และคณะนักร้องประสานเสียงเองก็ดูแล

พูดได้คำเดียวว่า ในทางกวีนิพนธ์ จิตรกรรม ในสถาปัตยกรรม มีจุดเปลี่ยนในการพัฒนาดนตรี กับการพัฒนาสุนทรียศาสตร์และทฤษฎีทางดนตรี กับการสร้างแนวใหม่ โดยเฉพาะศิลปะประเภทสังเคราะห์ เช่น โอเปร่า และบัลเล่ต์ซึ่งควรถูกมองว่าเป็นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งส่งผ่านมานานหลายศตวรรษ

ดนตรีของเนเธอร์แลนด์ในศตวรรษที่ 15 - 16 อุดมไปด้วยชื่อนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ในหมู่พวกเขา Joskin Despres (1440 - 1524) ซึ่ง Tsarlino เขียนและทำหน้าที่ในศาลฝรั่งเศสที่โรงเรียน Franco-Flemish ก่อตั้งขึ้น . เป็นที่เชื่อกันว่าความสำเร็จสูงสุดของนักดนตรีชาวดัตช์คือการร้องประสานเสียง a capella ซึ่งสอดคล้องกับความทะเยอทะยานของมหาวิหารแบบโกธิก

ศิลปะออร์แกนกำลังพัฒนาในประเทศเยอรมนี ในฝรั่งเศสมีการสร้างโบสถ์ที่ศาลมีการจัดเทศกาลดนตรี ในปี ค.ศ. 1581 พระเจ้าเฮนรีที่ 3 ได้อนุมัติตำแหน่ง "หัวหน้าผู้จัดงานดนตรี" ที่ศาล "เจตนาหลักของดนตรี" ครั้งแรกคือนักไวโอลินชาวอิตาลีชื่อ Baltazarini de Belgioso ผู้แสดง "The Queen's Comedy Ballet" ซึ่งเป็นการแสดงดนตรีและการเต้นรำเป็นครั้งแรก นี่คือวิธีที่บัลเล่ต์ของศาลเกิดขึ้น

Clement Jeannequin (c. 1475 - c. 1560) นักแต่งเพลงที่โดดเด่นของ French Renaissance เป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งประเภทโพลีโฟนิก เหล่านี้เป็นท่อนเสียง 4-5 ชิ้น เหมือนเพลงแฟนตาซี เพลงโพลีโฟนิกทางโลก - ชานสัน - แพร่กระจายนอกฝรั่งเศสเช่นกัน

ในศตวรรษที่ 16 การพิมพ์ดนตรีเริ่มแพร่หลาย ในปี ค.ศ. 1516 Andrea Antico เครื่องพิมพ์ชาวโรมัน - เวนิสได้ตีพิมพ์ชุดฟรอตทอลสำหรับเครื่องดนตรีคีย์บอร์ด อิตาลีกลายเป็นศูนย์กลางของการสร้างฮาร์ปซิคอร์ดและไวโอลิน เปิดเวิร์คช็อปไวโอลินมากมาย หนึ่งในช่างฝีมือกลุ่มแรกคือ Andrea Amati แห่ง Cremona ผู้โด่งดัง ซึ่งเป็นผู้วางรากฐานสำหรับราชวงศ์ของผู้ผลิตไวโอลิน เขาทำการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในการออกแบบไวโอลินที่มีอยู่ ซึ่งปรับปรุงเสียง และนำมันเข้ามาใกล้รูปลักษณ์ที่ทันสมัยมากขึ้น

Francesco Canova da Milano (1497 - 1543) - นักเปียโนและนักแต่งเพลงชาวอิตาลีที่โดดเด่นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสร้างชื่อเสียงของอิตาลีในฐานะประเทศของนักดนตรีที่มีพรสวรรค์ เขายังคงถือว่าเป็นนักเล่นลูทที่ดีที่สุดตลอดกาล หลังจากการล่มสลายของยุคกลางตอนปลาย ดนตรีกลายเป็นองค์ประกอบสำคัญของวัฒนธรรม

ในปี ค.ศ. 1537 ที่เมืองเนเปิลส์ นักบวชชาวสเปน จิโอวานนี ตาเปีย ได้สร้างเรือนกระจกดนตรีแห่งแรก "Santa Maria di Loreto" ซึ่งทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับสิ่งต่อไปนี้

Adrian Villart (ประมาณ ค.ศ. 1490-1562) - นักแต่งเพลงและครูชาวดัตช์ ทำงานในอิตาลี เป็นตัวแทนของโรงเรียนโพลีโฟนิก Franco-Flemish (ดัตช์) ผู้ก่อตั้งโรงเรียน Venetian วิลลาร์ทได้พัฒนาดนตรีสำหรับคณะนักร้องประสานเสียงคู่ ประเพณีของดนตรีหลายคอรัลนี้จะไปถึงจุดสูงสุดในยุคบาโรกตอนต้นในผลงานของจิโอวานนี กาเบรียลลี

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา มาดริกาลมาถึงจุดสูงสุดของการพัฒนาและกลายเป็นแนวดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในยุคนั้น มาดริกาลส์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาต่างจากมาดริกาลก่อนหน้าและเรียบง่ายกว่าในยุค Trecento มาดริกาลของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาถูกเขียนขึ้นโดยใช้เสียงหลายเสียง (4-6) ซึ่งมักเป็นผู้สร้างเป็นชาวต่างชาติที่รับใช้ในราชสำนักของครอบครัวชาวเหนือผู้มีอิทธิพล ชาว Madrigalists พยายามสร้างสรรค์งานศิลปะชั้นสูง โดยมักใช้กวีนิพนธ์ฉบับปรับปรุงของกวีชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ในยุคกลางตอนปลาย ได้แก่ Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio และคนอื่นๆ คุณลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของมาดริกาลคือการไม่มีศีลโครงสร้างที่เข้มงวดหลักการหลักคือการแสดงออกของความคิดและความรู้สึกอย่างอิสระ

นักแต่งเพลงเช่นตัวแทนของโรงเรียน Venetian Cipriano de Rore และตัวแทนของ Roland de Lassus โรงเรียน Franco-Flemish (Orlando di Lasso ในช่วงชีวิตสร้างสรรค์ของอิตาลี) ได้ทดลองการเพิ่ม chromatism, ความกลมกลืน, จังหวะ, พื้นผิวและวิธีอื่น ๆ ในการแสดงออกทางดนตรี . ประสบการณ์ของพวกเขาจะดำเนินต่อไปและจบลงในลักษณะของ Carlo Gesualdo

Villanella เป็นรูปแบบเพลงโพลีโฟนิกที่สำคัญอีกรูปแบบหนึ่ง ถือกำเนิดขึ้นจากเพลงยอดนิยมในเนเปิลส์ และแพร่หลายไปทั่วอิตาลีอย่างรวดเร็ว และต่อมาได้ย้ายไปฝรั่งเศส อังกฤษ เยอรมนี วิลลาเนลลาของอิตาลีในศตวรรษที่ 16 ได้ให้แรงผลักดันอย่างมากต่อการพัฒนาขั้นของคอร์ดและด้วยเหตุนี้ โทนเสียงที่กลมกลืนกัน

กำเนิดโอเปร่า (Florentine camerata)

การสิ้นสุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาถูกทำเครื่องหมายด้วยเหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรี - การกำเนิดของโอเปร่า

กลุ่มนักมนุษยนิยม นักดนตรี และกวีรวมตัวกันในฟลอเรนซ์ภายใต้การอุปถัมภ์ของผู้นำ Count Giovani De Bardi (1534-1612) กลุ่มนี้มีชื่อว่า Camerata และสมาชิกหลักของกลุ่มคือ Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (บิดาของนักดาราศาสตร์ Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri และ Ottavio Rinuccini ในวัยหนุ่ม

เอกสารการประชุมครั้งแรกของกลุ่มเกิดขึ้นในปี ค.ศ. 1573 และปีที่มีการใช้งานมากที่สุดของ "Florentine Camerata" คือ 1577-1582

พวกเขาเชื่อว่าดนตรีได้ "เสื่อมโทรม" และพยายามที่จะกลับไปสู่รูปแบบและสไตล์ของกรีกโบราณ โดยเชื่อว่าศิลปะของดนตรีสามารถปรับปรุงได้และด้วยเหตุนี้สังคมก็จะดีขึ้นเช่นกัน คาเมราตาวิพากษ์วิจารณ์เพลงที่มีอยู่เพราะใช้โพลีโฟนีมากเกินไปจนทำลายความชัดเจนของข้อความและการสูญเสียองค์ประกอบทางกวีของงาน และแนะนำให้สร้างรูปแบบดนตรีใหม่ซึ่งข้อความในสไตล์โมโนดิกมาพร้อมกับดนตรีบรรเลง . การทดลองของพวกเขานำไปสู่การสร้างรูปแบบการร้องและดนตรีแบบใหม่ - การท่องจำ ซึ่งใช้ครั้งแรกโดย Emilio de Cavalieri ซึ่งต่อมาเกี่ยวข้องโดยตรงกับการพัฒนาโอเปร่า

โอเปร่าที่ได้รับการยอมรับอย่างเป็นทางการชุดแรกที่ได้มาตรฐานสมัยใหม่คือโอเปร่า Daphne ซึ่งนำเสนอครั้งแรกในปี 1598 ผู้แต่ง Daphne คือ Jacopo Peri และ Jacopo Corsi บทโดย Ottavio Rinuccini โอเปร่านี้ไม่รอด โอเปร่าแรกที่รอดชีวิตคือ Eurydice (1600) โดยผู้เขียนคนเดียวกัน - Jacopo Peri และ Ottavio Rinuccini สหภาพสร้างสรรค์นี้ยังคงสร้างผลงานมากมายซึ่งส่วนใหญ่สูญหายไป

การฟื้นฟูภาคเหนือ.

ดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือก็น่าสนใจเช่นกัน โดยศตวรรษที่สิบหก มีนิทานพื้นบ้านมากมายซึ่งส่วนใหญ่เป็นเสียงร้อง เสียงเพลงดังขึ้นทุกที่ในเยอรมนี ในงานเฉลิมฉลอง ในโบสถ์ ที่งานสังคม และในค่ายทหาร สงครามชาวนาและการปฏิรูปทำให้เกิดเพลงพื้นบ้านขึ้นใหม่ มีเพลงสวดของลูเธอรันที่แสดงออกมามากมาย ซึ่งไม่ทราบการประพันธ์ การร้องเพลงประสานเสียงได้กลายเป็นรูปแบบหนึ่งของการบูชาลูเธอรัน บทสวดโปรเตสแตนต์มีอิทธิพลต่อการพัฒนาดนตรียุโรปทั้งหมดในภายหลัง

ความหลากหลายของรูปแบบดนตรีในประเทศเยอรมนีในศตวรรษที่ 16 ตะลึง: การแสดงบัลเลต์และโอเปร่าที่ Shrovetide เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่เอ่ยชื่อเช่น K. Paumann, P. Hofheimer เหล่านี้เป็นนักแต่งเพลงที่แต่งเพลงฆราวาสและคริสตจักรโดยเฉพาะสำหรับออร์แกน พวกเขาเข้าร่วมโดยนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส - เฟลมิชที่โดดเด่นซึ่งเป็นตัวแทนของโรงเรียนชาวดัตช์ O. Lasso เขาเคยทำงานในหลายประเทศในยุโรป ความสำเร็จโดยทั่วไปและพัฒนาอย่างสร้างสรรค์ของโรงเรียนดนตรียุโรปหลายแห่งในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ปรมาจารย์ด้านดนตรีกลุ่มลัทธิและฆราวาส (มากกว่า 2,000 บทประพันธ์)

แต่การปฏิวัติที่แท้จริงในดนตรีเยอรมันเกิดขึ้นโดย Heinrich Schütz (1585-1672) นักแต่งเพลง วาทยกร นักออร์แกน ครู ผู้ก่อตั้งโรงเรียนองค์ประกอบแห่งชาติซึ่งเป็นรุ่นก่อนที่ใหญ่ที่สุดของ I.S. บาค Schütz เขียนโอเปร่าเยอรมันเรื่องแรก Daphne (1627), โอเปร่าบัลเล่ต์ Orpheus และ Eurydice (1638); madrigals, การประพันธ์เพลง cantata-oratorio ทางจิตวิญญาณ ("ความหลงใหล", คอนเสิร์ต, โมเท็ต, สดุดี, ฯลฯ )

กระทรวงศึกษาธิการของสหพันธรัฐรัสเซีย

มหาวิทยาลัยการสอนแบบเปิดแห่งรัฐมอสโก

พวกเขา. M.A. Sholokhova

กรมวิชาสุนทรียศาสตร์

เรียงความ

"ดนตรีแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา"

นักศึกษาชั้นปีที่ 5

เต็มเวลา - แผนกจดหมาย

Polegaeva Lyubov Pavlovna

ครู:

ซัตเซปินา มาเรีย โบริซอฟนา

มอสโก 2005

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - ยุคแห่งความเจริญรุ่งเรืองของวัฒนธรรมของประเทศในยุโรปตะวันตกและกลางในช่วงการเปลี่ยนผ่านจากยุคกลางไปสู่ยุคใหม่ (ศตวรรษที่ XV-XVII) วัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไม่ได้มีลักษณะเป็นชนชั้นแคบ และมักสะท้อนถึงอารมณ์ของมวลชนในวงกว้าง ในวัฒนธรรมดนตรี แสดงถึงโรงเรียนสร้างสรรค์ที่มีอิทธิพลใหม่หลายแห่ง แกนกลางทางอุดมคติหลักของวัฒนธรรมทั้งหมดในยุคนี้คือมนุษยนิยม ซึ่งเป็นแนวคิดใหม่ที่ไม่เคยมีใครเห็นมาก่อนของมนุษย์ในฐานะสิ่งมีชีวิตที่เป็นอิสระและพัฒนาอย่างครอบคลุม สามารถก้าวหน้าได้ไม่จำกัด มนุษย์เป็นหัวข้อหลักของศิลปะและวรรณกรรม ความคิดสร้างสรรค์ของตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - F. Petrarch และ D. Boccacio, Leonardo da Vinci และ Michelangelo, Raphael และ Titian บุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมส่วนใหญ่ในยุคนี้ล้วนแต่เป็นคนมีความสามารถหลากหลาย ดังนั้น Leonardo da Vinci ไม่ได้เป็นเพียงศิลปินที่โดดเด่นเท่านั้น แต่ยังเป็นประติมากร นักวิทยาศาสตร์ นักเขียน สถาปนิก นักแต่งเพลงด้วย มีเกลันเจโลไม่เพียงเป็นที่รู้จักในฐานะประติมากรเท่านั้น แต่ยังเป็นที่รู้จักในฐานะจิตรกร กวี และนักดนตรีอีกด้วย

การพัฒนาโลกทัศน์และวัฒนธรรมทั้งหมดในยุคนี้ถูกตราตรึงด้วยการยึดมั่นในแบบจำลองโบราณ ในดนตรีพร้อมกับเนื้อหาใหม่ รูปแบบและแนวเพลงใหม่กำลังพัฒนาเช่นกัน (เพลง มาดริกาล บัลลาด โอเปร่า แคนทาทา โอราทอริโอ)

เพื่อความสมบูรณ์และความสมบูรณ์ของวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในหลัก มันมีลักษณะที่ขัดแย้งกันซึ่งเกี่ยวข้องกับการผสมผสานองค์ประกอบของวัฒนธรรมใหม่กับวัฒนธรรมเก่า ธีมทางศาสนาในศิลปะของยุคนี้ไม่เพียงแต่มีอยู่เท่านั้น แต่ยังต้องพัฒนาอีกด้วย ในเวลาเดียวกัน มันเปลี่ยนไปมากจนงานที่สร้างขึ้นบนพื้นฐานของมันถูกมองว่าเป็นฉากประเภทจากชีวิตของผู้คนที่มีเกียรติและคนธรรมดา

วัฒนธรรมอิตาลีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้ผ่านขั้นตอนการพัฒนาบางขั้นตอน โดยเกิดขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 14 จนถึงจุดสูงสุดในช่วงกลางศตวรรษที่ 15 - ต้นศตวรรษที่ 16 ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่สิบหก ปฏิกิริยาศักดินาที่ยาวนานเกิดขึ้น เนื่องจากเศรษฐกิจและการเมืองของประเทศตกต่ำลง มนุษยนิยมอยู่ในภาวะวิกฤต อย่างไรก็ตาม ความเสื่อมโทรมของศิลปะยังไม่ปรากฏชัดในทันที เป็นเวลาหลายทศวรรษ ที่ศิลปินและกวีชาวอิตาลี ประติมากร และสถาปนิก สร้างสรรค์ผลงานที่มีคุณค่าทางศิลปะสูงสุด การพัฒนาความสัมพันธ์ระหว่างโรงเรียนสร้างสรรค์ต่างๆ การแลกเปลี่ยนประสบการณ์ระหว่างนักดนตรีที่ย้ายจากประเทศหนึ่งไปอีกประเทศหนึ่ง การทำงานในโบสถ์ต่าง ๆ กลายเป็นสัญญาณและช่วยให้เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับแนวโน้มทั่วไปของทั้งยุคได้

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นหนึ่งในหน้าที่ยอดเยี่ยมในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรียุโรป กลุ่มดาวของชื่อที่ยิ่งใหญ่ของ Josquin, Obrecht, Palestrina, O. Lasso, Gesualdo ผู้เปิดโลกทัศน์ใหม่สำหรับความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีในวิธีการแสดงออกความสมบูรณ์ของ polyphony ขนาดของรูปแบบ การต่ออายุประเภทดั้งเดิมที่เฟื่องฟูและคุณภาพของ - โมเท็ต, มวล; การสร้างภาพใหม่, น้ำเสียงใหม่ในด้านของการแต่งเพลงโพลีโฟนิก, การพัฒนาอย่างรวดเร็วของดนตรีบรรเลง, ซึ่งมาก่อนหลังจากเกือบห้าศตวรรษของการอยู่ใต้บังคับบัญชา: รูปแบบอื่น ๆ ของการเล่นดนตรี, การเติบโตของความเป็นมืออาชีพในทุกด้านของ ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรี: การเปลี่ยนแปลงในมุมมองเกี่ยวกับบทบาทและความเป็นไปได้ของศิลปะดนตรี การก่อตัวของเกณฑ์ใหม่ของความงาม: มนุษยนิยมเป็นเทรนด์ที่เกิดขึ้นใหม่อย่างแท้จริงในทุกด้านของศิลปะ - ทั้งหมดนี้เชื่อมโยงกับความคิดของเราเกี่ยวกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา วัฒนธรรมศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นหลักการส่วนบุคคลบนพื้นฐานของวิทยาศาสตร์ ทักษะที่ซับซ้อนผิดปกติของโพลีโฟนิสต์แห่งศตวรรษที่ 15 - 16 เทคนิคอัจฉริยะของพวกเขาอยู่ร่วมกับศิลปะที่สดใสของการเต้นรำทุกวัน ความซับซ้อนของประเภทฆราวาส เนื้อเพลงและละครแสดงออกมากขึ้นในผลงานของเขา นอกจากนี้ บุคลิกภาพของผู้เขียน บุคลิกเชิงสร้างสรรค์ของศิลปิน (ซึ่งไม่เพียงแต่เป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะดนตรี) ก็ปรากฏออกมาอย่างชัดเจนมากขึ้น ซึ่งทำให้เราสามารถพูดถึงการทำให้มีมนุษยธรรมเป็นหลักการสำคัญของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้ ในเวลาเดียวกัน ดนตรีของคริสตจักร ซึ่งแสดงโดยแนวเพลงขนาดใหญ่เช่นมวลและโมเต็ต ในระดับหนึ่งยังคงแนว "กอธิค" ในศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดยมุ่งเป้าไปที่การสร้างแคนนอนที่มีอยู่แล้วขึ้นใหม่ และด้วยเหตุนี้ เพื่อการเชิดชูเกียรติ พระเจ้า

ผลงานของแนวเพลงหลักๆ เกือบทั้งหมด ทั้งทางโลกและทางจิตวิญญาณ อิงจากเนื้อหาทางดนตรีที่รู้จักกันก่อนหน้านี้ มันอาจจะเป็นแหล่งเสียงโมโนโฟนิกในโมเท็ตและประเภทฆราวาสต่างๆ การจัดเตรียมเครื่องดนตรี อาจเป็นเสียงสองเสียงที่ยืมมาจากการเรียบเรียงสามส่วนและรวมไว้ในงานใหม่ในประเภทเดียวกันหรือต่างกัน และสุดท้ายคือเสียงสามหรือสี่ส่วนที่สมบูรณ์ (โมเต็ต มาดริกาล เล่นบทบาทเบื้องต้น “แบบจำลอง” ของงานที่มีขนาดใหญ่กว่า (มวล)

แหล่งที่มาหลักคือท่วงทำนองที่โด่งดังและเป็นที่รู้จักกันดี (เพลงประสานเสียงหรือเพลงสากล) และงานของผู้แต่งบางคน (หรือเสียงจากมัน) ที่ประมวลผลโดยนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ และด้วยเหตุนี้จึงมีคุณสมบัติของเสียงที่แตกต่างกัน แนวคิดทางศิลปะที่แตกต่างออกไป

ในประเภทโมเท็ตนั้นแทบจะไม่มีผลงานใดที่ไม่มีต้นฉบับเลย คีตกวีส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 15 - 16 ก็มีแหล่งที่มาหลักเช่นกัน ตัวอย่างเช่น ใน Palistrina จากจำนวนทั้งหมดกว่า 100 คน เราพบว่ามีเพียง 6 คนเท่านั้นที่เขียนแบบไม่ต้องยืม O. Lasso ไม่ได้เขียนพิธีมิสซาเดี่ยว (จากทั้งหมด 58 รายการ) ตามเนื้อหาของผู้เขียน

ในเวลาเดียวกันสามารถสังเกตได้ว่ามีการระบุวงกลมของแหล่งข้อมูลหลักบนเนื้อหาที่ผู้เขียนพึ่งพานั้นค่อนข้างชัดเจน G. Dufay, I. Okegem, J. Obrecht, Palestrina, O. Lasso และคนอื่น ๆ ดูเหมือนจะแข่งขันกันเองซ้ำแล้วซ้ำอีกโดยอ้างถึงท่วงทำนองเดียวกันดึงออกมาจากพวกเขาทุกครั้งแรงกระตุ้นทางศิลปะใหม่สำหรับผลงานของพวกเขาตีความใหม่ บรรเลงเพลงเป็นต้นแบบเสียงเริ่มต้นสำหรับรูปแบบโพลีโฟนิก

เมื่อปฏิบัติงานจะใช้เทคนิค - โพลีโฟนี Polyphony คือ Polyphony ซึ่งเสียงทั้งหมดเท่ากัน ทุกเสียงท่วงทำนองเดียวกัน แต่ในเวลาต่างกันเหมือนเสียงก้อง เทคนิคนี้เรียกว่าโพลีโฟนีเลียนแบบ

เมื่อถึงศตวรรษที่ 15 โพลีโฟนีที่เรียกว่า "การเขียนที่เคร่งครัด" ได้ก่อตัวขึ้น กฎ (บรรทัดฐานของการเป็นผู้นำด้วยเสียง การสร้าง ฯลฯ) ซึ่งได้รับการแก้ไขในบทความเชิงทฤษฎีของเวลานั้นและเป็นกฎที่ไม่เปลี่ยนรูปของ การสร้างดนตรีคริสตจักร

การรวมกันอีกรูปแบบหนึ่ง เมื่อนักแสดงออกเสียงท่วงทำนองและข้อความที่แตกต่างกันไปพร้อม ๆ กัน เรียกว่า contrast polyphony โดยทั่วไป รูปแบบที่ "เข้มงวด" จำเป็นต้องมีพหุโฟนีหนึ่งในสองประเภท: การเลียนแบบหรือการตัดกัน เป็นการเลียนแบบและประสานเสียงที่ทำให้สามารถเขียนโพลีโฟนิกโมเต็ตและมวลชนเพื่อให้บริการในโบสถ์ได้

Motet เป็นเพลงร้องประสานเสียงเล็กๆ ที่มักจะแต่งทำนองเพลงยอดนิยมบางเพลง ส่วนใหญ่มักจะเป็นเพลงของโบสถ์เก่า ("บทสวดเกรกอเรียน" และแหล่งข้อมูลอื่นๆ

ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 15 วัฒนธรรมทางดนตรีของประเทศต่างๆ ในยุโรปได้ปรากฏให้เห็นเด่นชัดขึ้นเรื่อยๆ ถึงลักษณะเด่นที่มีอยู่ในยุคเรเนสซองส์ Guillaume Dufay (Dufay) มีชื่อเสียงในหมู่นักโพลีโฟนิกยุคแรกๆ ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดัตช์ เกิดในแฟลนเดอร์สราวปี 1400 อันที่จริงผลงานของเขาแสดงถึงประวัติศาสตร์ของโรงเรียนดนตรีดัตช์มากกว่าครึ่งศตวรรษซึ่งก่อตัวขึ้นในไตรมาสที่สองของศตวรรษที่ 15

ดูเฟย์กำกับโบสถ์หลายแห่ง รวมทั้งพระสันตะปาปาในกรุงโรม ทำงานในฟลอเรนซ์และโบโลญญา และใช้ชีวิตช่วงหลายปีสุดท้ายของชีวิตในคองบรายซึ่งเป็นบ้านเกิดของเขา มรดกของ Dufay นั้นมั่งคั่งและอุดมสมบูรณ์: ประกอบด้วยเพลงประมาณ 80 เพลง (ประเภทห้อง - ไวรัส, บัลลาด, rondo), ประมาณ 30 โมเต็ต (ทั้งเนื้อหาทางจิตวิญญาณและฆราวาส, "เพลง"), มวลรวม 9 รายการและแต่ละส่วน

นักท่วงทำนองที่ยอดเยี่ยมซึ่งได้รับความอบอุ่นและการแสดงออกของบทเพลงซึ่งหายากในยุคของสไตล์ที่เข้มงวดเขาเต็มใจหันไปใช้ท่วงทำนองพื้นบ้านโดยทำให้พวกเขาได้รับการประมวลผลที่เก่งที่สุด Dufay แนะนำสิ่งใหม่มากมายให้กับมวลชน: เขาขยายองค์ประกอบให้กว้างขึ้นทั้งหมด ใช้ความแตกต่างของเสียงประสานอย่างอิสระมากขึ้น การประพันธ์เพลงที่ดีที่สุดบางส่วนของเขา ได้แก่ "The Pale Face", "The Armed Man" ซึ่งใช้ท่วงทำนองที่ยืมมาจากชื่อเพลงเดียวกัน เพลงเหล่านี้ในเวอร์ชันต่าง ๆ ประกอบขึ้นเป็นแนวเสียงสูงต่ำ-ใจความ ซึ่งรวมเอาความสามัคคีของวงจรการร้องประสานเสียงขนาดใหญ่ไว้ด้วยกัน ในการอธิบายโพลีโฟนิกอย่างละเอียดของนักโต้เถียงที่ยอดเยี่ยม พวกเขาเผยให้เห็นที่ซ่อนอยู่ในเชิงลึก ความงามที่ไม่เคยปรากฏมาก่อนและความเป็นไปได้ในการแสดงออก ท่วงทำนองของ Dufay ผสมผสานความสดชื่นของเพลงดัตช์เข้ากับความไพเราะของอิตาลีและความสง่างามของฝรั่งเศสอย่างกลมกลืน โพลีโฟนีเลียนแบบนั้นปราศจากการประดิษฐ์และความยุ่งเหยิง บางครั้งการหายากก็มากเกินไปและเกิดช่องว่างขึ้น ที่นี่ไม่เพียงแค่เยาวชนของศิลปะซึ่งยังไม่พบความสมดุลของโครงสร้างในอุดมคติ แต่ยังสะท้อนให้เห็นคุณลักษณะที่มุ่งมั่นของปรมาจารย์ Cambrian เพื่อให้ได้ผลงานศิลปะและการแสดงออกด้วยวิธีเจียมเนื้อเจียมตัวที่สุด

ผลงานของ Johannes Okegem และ Jacob Obrecht ซึ่งเป็นรุ่นน้องของ Dufay ได้รับการขนานนามว่าเป็นโรงเรียนดัตช์แห่งที่สองที่เรียกว่า คีตกวีทั้งสองเป็นบุคคลสำคัญในยุคนั้น โดยกำหนดพัฒนาการของโพลิโฟนีดัตช์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15

Johannes Okegem (1425 - 1497) ทำงานเกือบทั้งชีวิตภายใต้โบสถ์ของกษัตริย์ฝรั่งเศส ต่อหน้า Okegem ต่อหน้ายุโรปหลงใหลในบทกวีที่ไพเราะและไพเราะของ Dufay ความไพเราะที่ไร้เดียงสาและเรียบง่ายของมวลชนและ motet ของเขามีศิลปินที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง - "ผู้มีเหตุมีผลกับตาที่ไม่แยแส" และมีความซับซ้อน ปากกาเทคนิค ซึ่งบางครั้งหลีกเลี่ยงเนื้อร้องและพยายามที่จะจับเพลงมากขึ้น มีกฎทั่วไปบางอย่างของวัตถุอยู่ เขาค้นพบทักษะอันยิ่งใหญ่ในการพัฒนาแนวไพเราะในกลุ่มโพลีโฟนิก ลักษณะแบบกอธิคบางอย่างมีอยู่ในเพลงของเขา: จินตภาพ ลักษณะการแสดงออกที่ไม่ใช่ตัวบุคคล ฯลฯ เขาแต่งเพลงทั้งหมด 11 บท (และอีกหลายตอน) รวมถึงธีม "The Armed Man", มอเต็ต 13 ตัว และเพลง 22 เพลง เป็นประเภทโพลีโฟนิกขนาดใหญ่ที่เป็นอันดับแรกกับเขา เพลงของ Okegem บางเพลงได้รับความนิยมในหมู่ผู้ร่วมสมัยและทำหน้าที่เป็นพื้นฐานหลักสำหรับการจัดเรียงโพลีโฟนิกในรูปแบบที่ใหญ่ขึ้นมากกว่าหนึ่งครั้ง

ตัวอย่างที่สร้างสรรค์ของ Okegem ในฐานะปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่และผู้ประสานเสียงล้วนมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อผู้ร่วมสมัยและผู้ติดตามของเขา: การมุ่งเน้นอย่างแน่วแน่ของเขาในปัญหาพิเศษของโพลิโฟนีที่ได้รับแรงบันดาลใจจากความเคารพ หากไม่ชื่นชม มันก็สร้างตำนานและล้อมรอบชื่อของเขาด้วยรัศมี

ในบรรดาผู้ที่เชื่อมโยงศตวรรษที่ 15 กับยุคถัดไปไม่เพียงแต่ตามลำดับเวลาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสาระสำคัญของการพัฒนาเชิงสร้างสรรค์ด้วย ที่แรกไม่ต้องสงสัยเลยว่าเป็นของ Jacob Obrecht เขาเกิดในปี 1450 ที่เมืองเบอร์เกน ออป ซูม Obrecht ทำงานในโบสถ์ Antwerp, Cambrai, Bruges และอื่นๆ และยังรับใช้ในอิตาลีอีกด้วย

ในมรดกสร้างสรรค์ของ Obrecht - 25 ฝูง, ประมาณ 20 โมเท็ต, 30 เพลงโพลีโฟนิก จากรุ่นก่อนและในรุ่นก่อนๆ ของเขา เขาได้สืบทอดเทคนิคโพลีโฟนีที่พัฒนาอย่างสูง แม้กระทั่งอัจฉริยะ วิธีการเลียนแบบ-บัญญัติของโพลีโฟนี ในเพลงของ Obrecht โพลีโฟนิกอย่างสมบูรณ์ บางครั้งเราได้ยินพลังพิเศษของอารมณ์ที่ไม่มีตัวตน ความกล้าหาญของความแตกต่างในขอบเขตขนาดใหญ่และขนาดเล็ก ค่อนข้าง "ทางโลก" การเชื่อมโยงเกือบทุกวันในลักษณะของเสียงและรายละเอียดของรูปแบบ การรับรู้ของเขาเกี่ยวกับโลกหยุดเป็นแบบกอธิค เขาเดินไปในทิศทางของ Josquin Despres - ตัวแทนที่แท้จริงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในศิลปะดนตรี

รูปแบบของ Obrecht มีลักษณะเฉพาะตัว รวมถึงการแยกออกจากการปลดกอทิก ทำให้เกิดการต่อต้าน พลังแห่งอารมณ์ และการเชื่อมโยงกับประเภทของชีวิตประจำวัน

ช่วงที่สามของศตวรรษที่ 16 ในอิตาลีเป็นช่วงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชั้นสูง ซึ่งเป็นช่วงเวลาแห่งการสร้างสรรค์และความสมบูรณ์แบบที่ไม่เคยมีมาก่อน ซึ่งรวมอยู่ในผลงานอันยิ่งใหญ่ของ Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo ชั้นทางสังคมบางอย่างกำลังเกิดขึ้นด้วยความช่วยเหลือในการแสดงละครและเทศกาลดนตรี กำลังพัฒนากิจกรรมของสถาบันศิลปะต่างๆ

ต่อมาไม่นาน ช่วงเวลาแห่งความเจริญรุ่งเรืองอย่างสูงก็เริ่มต้นขึ้นในศิลปะดนตรี ไม่เพียงแต่ในอิตาลีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในเยอรมนี ฝรั่งเศส และประเทศอื่นๆ ด้วย การประดิษฐ์โน้ตดนตรีมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการเผยแพร่ผลงานดนตรี

ประเพณีของโรงเรียนโพลีโฟนิกยังคงแข็งแกร่ง (โดยเฉพาะอย่างยิ่งการพึ่งพาแบบจำลองมีความหมายเหมือนเมื่อก่อน) แต่ทัศนคติต่อการเลือกธีมกำลังเปลี่ยนไป ความอิ่มตัวของงานทางอารมณ์และเป็นรูปเป็นร่างเพิ่มขึ้นและส่วนบุคคล หลักการของผู้เขียนเข้มข้นขึ้น คุณลักษณะทั้งหมดเหล่านี้ปรากฏชัดในผลงานของนักแต่งเพลงชาวอิตาลี Josquin Despres ซึ่งเกิดเมื่อราวปี 1450 ในเบอร์กันดี และเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของโรงเรียนดัตช์ในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 และต้นศตวรรษที่ 16 มีพรสวรรค์ด้านเสียงและการได้ยินที่ยอดเยี่ยม ตั้งแต่วัยรุ่น เขาทำหน้าที่เป็นนักร้องประสานเสียงในคณะนักร้องประสานเสียงในโบสถ์ในบ้านเกิดและในประเทศอื่นๆ การสัมผัสตั้งแต่เนิ่นๆและใกล้ชิดกับศิลปะการขับร้องประสานเสียงชั้นสูง การผสมผสานเชิงรุกและเชิงปฏิบัติของสมบัติทางศิลปะอันยิ่งใหญ่ของดนตรีลัทธิ ส่วนใหญ่กำหนดทิศทางที่บุคลิกภาพของปรมาจารย์อัจฉริยะในอนาคต สไตล์ และความสนใจในแนวเพลงของเขาได้ก่อตัวขึ้นเป็นส่วนใหญ่

ในช่วงอายุยังน้อย Despres ศึกษาศิลปะการแต่งเพลงกับ I. Okegem ซึ่งเขาได้กลายเป็นศิลปินเดี่ยวในการเล่นเครื่องดนตรีต่างๆ

ต่อจากนั้น Josquin Despres ได้ลองใช้แนวดนตรีทั้งหมดที่มีอยู่ในขณะนั้นสร้างสดุดี motets ฝูงเพลงสำหรับ Passion of the Lord การแต่งเพลงเพื่อเป็นเกียรติแก่ St. Mary และเพลงฆราวาส

สิ่งแรกที่ดึงดูดสายตาในงานเขียนของ Despres คือเทคนิคความแตกต่างที่น่าทึ่งที่ช่วยให้ผู้เขียนได้รับการพิจารณาว่าเป็นผู้มีพรสวรรค์อย่างแท้จริง อย่างไรก็ตาม แม้ว่า Despres จะเชี่ยวชาญด้านเนื้อหาอย่างสมบูรณ์ แต่ Despres ก็เขียนช้ามาก โดยพิจารณาจากผลงานของเขาอย่างวิพากษ์วิจารณ์อย่างมาก ระหว่างการแสดงบททดสอบของบทประพันธ์ เขาทำการเปลี่ยนแปลงมากมายในพวกเขา พยายามบรรลุถึงความไพเราะที่ไร้ที่ติ ซึ่งเขาไม่เคยเสียสละให้กับช่องท้องที่ตรงต่อเวลา

นักแต่งเพลงในบางกรณีใช้รูปแบบโพลีโฟนิกเท่านั้นทำให้เสียงบนมีท่วงทำนองที่ไหลลื่นอย่างผิดปกติซึ่งต้องขอบคุณงานของเขาที่ไม่เพียง แต่มีความไพเราะเท่านั้น แต่ยังรวมถึงท่วงทำนองด้วย

ไม่ต้องการไปไกลกว่าจุดหักเหที่เข้มงวด Despres เตรียมพวกเขาเพื่อลดความไม่ลงรอยกันโดยใช้บันทึกที่ไม่ลงรอยกันในพยัญชนะก่อนหน้าในรูปแบบของเสียงพยัญชนะ Despres ยังประสบความสำเร็จในการใช้ความไม่ลงรอยกันเพื่อเพิ่มการแสดงออกทางดนตรี

ควรสังเกตว่า J. Despres ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องไม่เพียง แต่เป็นนักดนตรีที่มีพรสวรรค์และเป็นนักดนตรีที่มีความอ่อนไหวเท่านั้น แต่ยังเป็นศิลปินที่ยอดเยี่ยมที่สามารถถ่ายทอดความรู้สึกและอารมณ์ที่หลากหลายที่สุดในผลงานของเขา

Josquin มีเทคนิคและสุนทรียภาพที่แข็งแกร่งกว่านักโพลีโฟนิกชาวอิตาลีและฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 15 นั่นคือเหตุผลที่ ในวงการดนตรีล้วนๆ เขามีอิทธิพลต่อพวกเขามากกว่าประสบการณ์อิทธิพลที่มีต่อตัวเขาเอง จนกระทั่งเขาเสียชีวิต Despres ได้กำกับโบสถ์ที่ดีที่สุดในกรุงโรม ฟลอเรนซ์ กรุงปารีส เขาทุ่มเทให้กับงานอย่างเท่าเทียมกัน มีส่วนสนับสนุนในการเผยแพร่และเป็นที่ยอมรับในดนตรี เขายังคงเป็นชาวดัตช์ "ปรมาจารย์จาก Kondé" และไม่ว่าความสำเร็จและเกียรติยศจากต่างประเทศจะยอดเยี่ยมเพียงใด แม้จะมีพละกำลังที่มอบให้กับ "เจ้าแห่งดนตรี" (ตามที่ผู้ร่วมสมัยของเขาเรียกเขา) เชื่อฟัง "การเรียกร้องของแผ่นดิน" ที่ไม่อาจต้านทานได้ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเขากลับมา ธนาคารของ Scheldt และจบชีวิตของเขาอย่างสุภาพในฐานะศีล ...

ในอิตาลี ระหว่างยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง ประเภทฆราวาสเจริญรุ่งเรือง แนวเสียงร้องมีการพัฒนาในสองทิศทางหลัก - หนึ่งในนั้นใกล้เคียงกับเพลงและการเต้นรำในชีวิตประจำวัน (frotola, villanella ฯลฯ ) อีกประเภทหนึ่งเกี่ยวข้องกับประเพณีโพลีโฟนิก (madrigal)

Madrigal ในรูปแบบดนตรีและบทกวีพิเศษให้โอกาสพิเศษสำหรับการสำแดงความเป็นตัวของนักแต่งเพลง เนื้อหาหลักของเนื้อเพลง ฉากประเภท แนวเพลงบนเวทีเฟื่องฟูในโรงเรียนเวนิส (ความพยายามที่จะรื้อฟื้นโศกนาฏกรรมในสมัยโบราณ) รูปแบบเครื่องดนตรี (ชิ้นส่วนสำหรับลูน วิฮูเอลา ออร์แกน และเครื่องดนตรีอื่นๆ) ได้รับเอกราช

บรรณานุกรม:

Efremova T.F. พจนานุกรมใหม่ของภาษารัสเซีย คำอธิบาย - อนุพันธ์ - M.: มาตุภูมิ yaz .., 2000 –T. 1: A-O - 1209 หน้า

พจนานุกรมโดยย่อของสุนทรียศาสตร์ มอสโก, Politizdat, 1964.543 น.

ประวัติเพลงยอดนิยม

Tikhonova A.I. Renaissance and the Baroque: หนังสือสำหรับการอ่าน - M.: OOO "สำนักพิมพ์" ROSMEN - PRESS ", 2003. - 109 p.

เรเนซองส์, หรือ เรเนซองส์(fr. ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา) - จุดเปลี่ยนในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมของชาวยุโรป ในอิตาลี แนวโน้มใหม่ปรากฏขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XIII-XIV ในประเทศยุโรปอื่น ๆ - ในศตวรรษที่ XV-XVI บุคคลในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายอมรับว่ามนุษย์ - ความดีและสิทธิ์ในการพัฒนาบุคลิกภาพอย่างอิสระ - เป็นคุณค่าสูงสุด โลกทัศน์นี้เรียกว่า "มนุษยนิยม" (จากภาษาละติน humanus - "มนุษย์", "มนุษยธรรม") นักมานุษยวิทยาแสวงหาอุดมคติของบุคคลที่กลมกลืนกันในสมัยโบราณและศิลปะกรีกและโรมันโบราณใช้เป็นแบบอย่างสำหรับความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ ความปรารถนาที่จะ "ฟื้นฟู" วัฒนธรรมโบราณทำให้ชื่อทั้งยุค - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ช่วงเวลาระหว่างยุคกลางและยุคใหม่ (ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 17 จนถึงปัจจุบัน)

ศิลปะ รวมทั้งดนตรี ส่วนใหญ่สะท้อนถึงโลกทัศน์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในช่วงเวลานี้ เช่นเดียวกับในยุคกลาง ตำแหน่งผู้นำเป็นเพลงของคริสตจักรแกนนำ การพัฒนาของโพลิโฟนีทำให้เกิดโพลิโฟนี (จากภาษากรีก "โพลิส" - "มากมาย" และ "พื้นหลัง" - "เสียง", "เสียง") ด้วยโพลีโฟนีประเภทนี้ เสียงทั้งหมดในงานจึงเท่าเทียมกัน Polyphony ไม่เพียงทำให้งานซับซ้อนเท่านั้น แต่ยังช่วยให้ผู้เขียนสามารถแสดงความเข้าใจส่วนตัวเกี่ยวกับข้อความได้ทำให้ดนตรีมีอารมณ์ความรู้สึกที่ดี องค์ประกอบโพลีโฟนิกถูกสร้างขึ้นตามกฎที่เข้มงวดและซับซ้อน ซึ่งต้องใช้ความรู้อย่างลึกซึ้งและทักษะอัจฉริยะจากผู้แต่ง ประเภทของคริสตจักรและฆราวาสพัฒนาภายใต้กรอบของพหุเสียง

โรงเรียนโพลีโฟนิกดัตช์ เนเธอร์แลนด์เป็นภูมิภาคประวัติศาสตร์ในยุโรปตะวันตกเฉียงเหนือ ซึ่งรวมถึงดินแดนของเบลเยียมสมัยใหม่ ฮอลแลนด์ ลักเซมเบิร์ก และฝรั่งเศสตะวันออกเฉียงเหนือ โดยศตวรรษที่สิบห้า เนเธอร์แลนด์มาถึงระดับเศรษฐกิจและวัฒนธรรมในระดับสูง และได้กลายเป็นประเทศในยุโรปที่เจริญรุ่งเรือง

ที่นี่เป็นที่ที่โรงเรียนโพลีโฟนิกของเนเธอร์แลนด์ได้ก่อตัวขึ้น ซึ่งเป็นหนึ่งในปรากฏการณ์ที่ใหญ่ที่สุดของดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยา สำหรับการพัฒนางานศิลปะในศตวรรษที่ 15 การสื่อสารระหว่างนักดนตรีจากประเทศต่างๆ และอิทธิพลร่วมกันของโรงเรียนสร้างสรรค์มีความสำคัญอย่างยิ่ง โรงเรียนดัตช์ได้ซึมซับประเพณีของอิตาลี ฝรั่งเศส อังกฤษ และเนเธอร์แลนด์ด้วยตัวมันเอง

ตัวแทนที่โดดเด่น: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (ประมาณ 1400 - 11/27/1474, Cambrai), นักแต่งเพลง Franco-Flemish หนึ่งในผู้ก่อตั้งโรงเรียนดัตช์ Guillaume Dufay (ประมาณ ค.ศ. 1400-1474) เป็นผู้วางรากฐานของประเพณีโพลีโฟนิกในดนตรีของชาวดัตช์ เขาเกิดที่ Cambrai ใน Flanders (จังหวัดทางตอนใต้ของเนเธอร์แลนด์) และตั้งแต่อายุยังน้อยเขาร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงของโบสถ์ ในขณะเดียวกันนักดนตรีในอนาคตก็เรียนบทประพันธ์ส่วนตัว ในวัยหนุ่ม Dufay ไปอิตาลีซึ่งเขาเขียนเรียงความเรื่องแรกของเขา - บัลลาดและโมเท็ต ในปี ค.ศ. 1428-1437 เขาทำหน้าที่เป็นนักร้องในโบสถ์ของสมเด็จพระสันตะปาปาในกรุงโรม ในปีเดียวกันเขาเดินทางไปอิตาลีและฝรั่งเศส ในปี ค.ศ. 1437 นักแต่งเพลงได้รับแต่งตั้ง ที่ราชสำนักของดยุกแห่งซาวอย (ค.ศ. 1437-1439) ทรงแต่งเพลงสำหรับพระราชพิธีและวันหยุด ดูเฟย์ได้รับความเคารพอย่างสูงจากบุคคลผู้สูงศักดิ์ - ในบรรดาผู้ชื่นชมของเขาคือคู่สามีภรรยาเมดิชิ (ผู้ปกครองเมืองฟลอเรนซ์ของอิตาลี) [ทำงานในอิตาลีและฝรั่งเศส ในปี ค.ศ. 1428-37 เขาเป็นนักร้องของโบสถ์ของสมเด็จพระสันตะปาปาในกรุงโรมและเมืองอื่น ๆ ของอิตาลี ในปี ค.ศ. 1437-44 พระองค์ทรงรับใช้กับดยุคแห่งซาวอย ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1445 แคนนอนและผู้อำนวยการกิจกรรมดนตรีของมหาวิหารในคองบราย ปรมาจารย์ด้านจิตวิญญาณ (3-, 4-voice mass, motets) เช่นเดียวกับฆราวาส (3-, 4-voice French chanson, Italian songs, ballads, rondo) ที่เกี่ยวข้องกับการประสานเสียงพื้นบ้านและวัฒนธรรมเห็นอกเห็นใจของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปะของดันเต้ซึ่งซึมซับความสำเร็จของศิลปะดนตรียุโรป มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาต่อไปของดนตรีโพลีโฟนิกของยุโรป เขายังเป็นนักปฏิรูปโน้ตดนตรีด้วย (D. ให้เครดิตกับการแนะนำตัวโน้ตที่มีหัวสีขาว) ผลงานทั้งหมดของ Dufay ได้รับการตีพิมพ์ในกรุงโรม (6 vols., 1951-66)] Dufay เป็นคีตกวีคนแรกที่เริ่มแต่งมิสซาเป็นองค์ประกอบทางดนตรีที่สำคัญ ในการสร้างดนตรีของคริสตจักรนั้นต้องการพรสวรรค์ที่ไม่ธรรมดา: ความสามารถในการแสดงแนวคิดที่เป็นนามธรรมและไม่ใช่วัตถุด้วยวิธีการทางวัตถุอย่างเป็นรูปธรรม ความยากลำบากอยู่ในความจริงที่ว่าองค์ประกอบดังกล่าวไม่ปล่อยให้ผู้ฟังเฉยเมยและในทางกลับกันไม่เบี่ยงเบนความสนใจจากการรับใช้จากสวรรค์ช่วยให้มุ่งเน้นที่การอธิษฐานอย่างลึกซึ้งยิ่งขึ้น มวลชนของ Dufay จำนวนมากได้รับแรงบันดาลใจ เต็มไปด้วยชีวิตภายใน ดูเหมือนว่าพวกเขาจะช่วยเปิดม่านแห่งการเปิดเผยจากสวรรค์ชั่วขณะหนึ่ง

บ่อยครั้งเมื่อสร้างมิสซา Dufay ได้นำท่วงทำนองที่รู้จักกันดีซึ่งเขาได้เพิ่มเข้าไปเอง เงินกู้ยืมดังกล่าวเป็นลักษณะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ถือว่าสำคัญมากที่มวลจะขึ้นอยู่กับท่วงทำนองที่คุ้นเคย ซึ่งผู้บูชาสามารถจดจำได้ง่ายแม้ในรูปแบบโพลีโฟนิก ส่วนหนึ่งของบทสวดเกรกอเรียนมักใช้; งานฆราวาสก็ไม่ถูกกีดกันเช่นกัน

นอกจากดนตรีของโบสถ์แล้ว Dufay ยังแต่งโมเท็ตสำหรับตำราทางโลก ในนั้น เขายังใช้เทคนิคโพลีโฟนิกที่ซับซ้อนอีกด้วย

Josquin Despres (1440-1521) ตัวแทนของ Dutch Polyphonic School ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 คือ Josquin Despres (ประมาณ ค.ศ. 1440-1521 หรือ 1524) ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่องานของนักแต่งเพลงรุ่นต่อไป ในวัยหนุ่มของเขาเขาทำหน้าที่เป็นคณะนักร้องประสานเสียงในคริสตจักรในคองเบร; เรียนดนตรีจาก Okegem เมื่ออายุได้ยี่สิบปี นักดนตรีหนุ่มมาที่อิตาลี ร้องเพลงในมิลานกับดยุคแห่งสฟอร์ซา (ต่อมาคือเลโอนาร์โด ดา วินชี ศิลปินชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่) และในโบสถ์ของสมเด็จพระสันตะปาปาในกรุงโรม ในอิตาลี Despres อาจเริ่มแต่งเพลง ในตอนต้นของศตวรรษที่สิบหก เขาย้ายไปปารีส เมื่อถึงเวลานั้น Despres ก็เป็นที่รู้จักและเขาได้รับเชิญให้ดำรงตำแหน่งนักดนตรีในราชสำนักโดยกษัตริย์ฝรั่งเศส Louis XII ตั้งแต่ปี 1503 Despres ได้ตั้งรกรากอีกครั้งในอิตาลีในเมือง Ferrara ที่ศาลของ Duke d'Este Despres แต่งขึ้นมากมายและดนตรีของเขาได้รับการยอมรับอย่างรวดเร็วในวงกว้างที่สุด: ทั้งขุนนางและคนทั่วไปต่างก็รักเธอ นักแต่งเพลงไม่เพียงสร้างงานในโบสถ์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงฆราวาส ด้วย โดยเฉพาะอย่างยิ่งเขาหันไปหาแนวเพลงพื้นบ้านอิตาลี - frottola ( frotta อิตาเลียนจาก frotta - "ฝูงชน") ซึ่งโดดเด่นด้วยจังหวะการเต้นและจังหวะที่รวดเร็ว , สดน้ำเสียงแตกแยกอย่างเคร่งครัดและทำให้เกิดความรู้สึกปีติและความสมบูรณ์ของการเป็น ...

Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505) รุ่นน้องของ Guillaume Dufay คือ Johannes (Jean) Okegem (ประมาณ 1425-1497) และ Jacob Obrecht เช่นเดียวกับ Dufay Okegem มีพื้นเพมาจากแฟลนเดอร์ส เขาทำงานหนักมาทั้งชีวิต นอกจากแต่งเพลงแล้ว เขายังทำหน้าที่เป็นหัวหน้าห้องสวดมนต์อีกด้วย นักแต่งเพลงสร้างฝูงสิบห้าสิบสามโมเท็ตมากกว่ายี่สิบแชนสัน ผลงานของ Okegem มีลักษณะเฉพาะคือความรุนแรง สมาธิ และการพัฒนาสายไพเราะที่ไหลลื่นเป็นเวลานาน เขาให้ความสนใจอย่างมากกับเทคนิคโพลีโฟนิก พยายามทำให้ทุกส่วนของมวลถูกมองว่าเป็นภาพรวมทั้งหมด ลายมือที่สร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงยังเดาได้ในเพลงของเขา - เกือบจะปราศจากความสว่างฆราวาสในลักษณะที่ชวนให้นึกถึง motet และบางครั้งก็เป็นเศษของมวลชน Johannes Okegem เป็นที่เคารพนับถือทั้งในและต่างประเทศ (เขาได้รับการแต่งตั้งให้เป็นที่ปรึกษาของกษัตริย์แห่งฝรั่งเศส) จาค็อบ Obrecht เป็นนักร้องประสานเสียงในโบสถ์ในเมืองต่างๆของเนเธอร์แลนด์นำโบสถ์ เป็นเวลาหลายปีที่เขารับใช้ในราชสำนักของ Duke d'Este ในเมือง Ferrara (อิตาลี) เขาเป็นผู้เขียนหนังสือมวลชน 25 องค์, ยี่สิบโมเต็ต, 30 ชานสัน Obrecht นำสิ่งใหม่มากมายเข้ามาใช้ความสำเร็จของรุ่นก่อนของเขา ประเพณีโพลีโฟนิก ดนตรีของเขาเต็มไปด้วยความแตกต่าง กล้าหาญ แม้ว่าผู้แต่งจะกล่าวถึงแนวเพลงของโบสถ์แบบดั้งเดิมก็ตาม

ความเก่งกาจและความลึกของความคิดสร้างสรรค์ของ Orlando Lasso การเติมเต็มประวัติศาสตร์ดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดัตช์เป็นผลงานของ Orlando Lasso (ชื่อจริงและนามสกุล Roland de Lasso ประมาณปี 1532-1594) เรียกโดยผู้ร่วมสมัยของเขาว่า "Belgian Orpheus" และ "prince of music" Lasso เกิดในมอนส์ (แฟลนเดอร์ส) ตั้งแต่วัยเด็กเขาร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงของโบสถ์ ตีนักบวชด้วยเสียงที่ยอดเยี่ยม Gonzaga ดยุคแห่งเมือง Mantua ของอิตาลีบังเอิญได้ยินนักร้องหนุ่มเชิญเขาไปที่โบสถ์ของเขาเอง หลังจาก Mantua Lasso ทำงานในช่วงเวลาสั้น ๆ ในเนเปิลส์แล้วย้ายไปโรม - ที่นั่นเขาได้รับตำแหน่งหัวหน้าโบสถ์ของหนึ่งในมหาวิหาร เมื่ออายุได้ยี่สิบห้าปี Lasso ก็เป็นที่รู้จักในฐานะนักแต่งเพลงและผลงานของเขาเป็นที่ต้องการของผู้จัดพิมพ์เพลง ในปี ค.ศ. 1555 ผลงานชุดแรกได้รับการตีพิมพ์ซึ่งประกอบด้วยโมเท็ต มาดริกาล และชานสัน Lasso ศึกษาสิ่งที่ดีที่สุดที่สร้างขึ้นโดยบรรพบุรุษของเขา (นักประพันธ์เพลงชาวดัตช์ ฝรั่งเศส เยอรมัน และอิตาลี) และใช้ประสบการณ์ของพวกเขาในงานของเขา ในฐานะที่เป็นคนพิเศษ Lasso พยายามเอาชนะลักษณะนามธรรมของดนตรีคริสตจักร เพื่อให้มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว เพื่อจุดประสงค์นี้ นักแต่งเพลงบางครั้งใช้แรงจูงใจประเภท (ธีมของเพลงพื้นบ้าน, การเต้นรำ) ดังนั้นจึงนำประเพณีทางศาสนาและฆราวาสเข้ามาใกล้กันมากขึ้น Lasso ผสมผสานความซับซ้อนของเทคนิคโพลีโฟนิกเข้ากับอารมณ์ความรู้สึกที่ยอดเยี่ยม เขาประสบความสำเร็จเป็นพิเศษใน Madrigals ในตำราที่มีการเปิดเผยสภาพจิตใจของตัวละครเช่น Tears of St. Peter "(1593) ในโองการของกวีชาวอิตาลี Luigi Tranzillo นักแต่งเพลงมักเขียนเพื่อ จำนวนมากของเสียง (ห้าถึงเจ็ด) ดังนั้นงานของเขาจึงยากที่จะแสดง ...

จากปี ค.ศ. 1556 Orlando Lasso อาศัยอยู่ในมิวนิก (เยอรมนี) ซึ่งเขาเป็นหัวหน้าโบสถ์ ในตอนท้ายของชีวิต อำนาจของเขาในแวดวงดนตรีและศิลปะนั้นสูงมาก และชื่อเสียงของเขาก็แพร่หลายไปทั่วยุโรป โรงเรียนโพลีโฟนิกชาวดัตช์มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีของยุโรป หลักการของโพลีโฟนีที่พัฒนาโดยนักประพันธ์เพลงชาวดัตช์ได้กลายเป็นสากล และมีการใช้เทคนิคทางศิลปะหลายอย่างในงานของพวกเขาโดยนักประพันธ์เพลงในศตวรรษที่ 20 แล้ว

ฝรั่งเศส. สำหรับฝรั่งเศส ศตวรรษที่ 15-16 กลายเป็นยุคของการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญ: สงครามร้อยปี (1337-1453) กับอังกฤษสิ้นสุดลงในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 การรวมรัฐเสร็จสมบูรณ์ ในศตวรรษที่ 16 ประเทศประสบสงครามทางศาสนาระหว่างชาวคาทอลิกและโปรเตสแตนต์ ในสภาพที่เข้มแข็งด้วยระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ บทบาทของงานเฉลิมฉลองในราชสำนักและเทศกาลพื้นบ้านเพิ่มขึ้น ซึ่งมีส่วนทำให้เกิดการพัฒนางานศิลปะโดยเฉพาะดนตรีที่มากับงานดังกล่าว จำนวนคณะนักร้องและบรรเลง (โบสถ์และมเหสี) ซึ่งประกอบด้วยนักแสดงจำนวนมากเพิ่มขึ้น ในระหว่างการรณรงค์ทางทหารในอิตาลี ชาวฝรั่งเศสได้ทำความคุ้นเคยกับความสำเร็จของวัฒนธรรมอิตาลี พวกเขารู้สึกอย่างลึกซึ้งและยอมรับแนวคิดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลี - มนุษยนิยม ความปรารถนาที่จะกลมกลืนกับโลกรอบตัวพวกเขา เพื่อความเพลิดเพลินของชีวิต

หากในอิตาลีดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีความเกี่ยวข้องกับพิธีมิสซาเป็นหลัก คีตกวีชาวฝรั่งเศสพร้อมกับดนตรีของคริสตจักรก็ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับเพลงโพลีโฟนิกแบบฆราวาส - ชานสัน ความสนใจในเรื่องนี้ในฝรั่งเศสเกิดขึ้นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 16 เมื่อมีการตีพิมพ์คอลเลคชันเพลงของ Clement Janequin (ประมาณ 1485-1558) เป็นนักแต่งเพลงรายนี้ที่ถือว่าเป็นหนึ่งในผู้สร้างแนวเพลง

ผลงานการขับร้องประสานเสียงหลักโดย Clement Janequin (1475-1560) เมื่อตอนเป็นเด็ก Jeannequin ร้องเพลงในโบสถ์ประสานเสียงในบ้านเกิดของเขาที่ Chatellerault (ฝรั่งเศสตอนกลาง) ต่อมาตามที่นักประวัติศาสตร์ดนตรีเขาเรียนกับปรมาจารย์ชาวดัตช์ Josquin Desprez หรือกับนักแต่งเพลงจากผู้ติดตามของเขา เมื่อได้รับการอุปสมบทของนักบวช Zhaneken ทำงานเป็นผู้อำนวยการประสานเสียงและออร์แกน จากนั้นเขาก็ได้รับเชิญให้ไปรับใช้โดย Duke of Guise ในปี ค.ศ. 1555 นักดนตรีได้กลายเป็นนักร้องของ Royal Chapel และในปี ค.ศ. 1556-1557 - นักแต่งเพลงในราชสำนัก Clement Jeannequin สร้างชานสันสองร้อยแปดสิบ (เผยแพร่ระหว่างปี ค.ศ. 1530 ถึง ค.ศ. 1572); เขียนเพลงคริสตจักร - ฝูง, โมเท็ต, สดุดี เพลงของเขามักจะเป็นภาพ รูปภาพของการต่อสู้ ("The Battle of Marignano", "The Battle of Renta", "The Battle of Metz"), ฉากล่าสัตว์ ("The Hunt"), ภาพธรรมชาติ ("The Singing of Birds", "Nightingale" , "Lark" ), ฉากในชีวิตประจำวัน ("ผู้หญิงพูดพล่อย") นักแต่งเพลงสามารถถ่ายทอดบรรยากาศของชีวิตประจำวันในปารีสในเพลง "Screams of Paris" ได้ด้วยความสดใสที่น่าอัศจรรย์: เขาแนะนำคำอุทานของผู้ขายลงในข้อความ ("Milk!" - "Pies!" - "Artichokes!" - "Fish!" - "Matches!" - "Doves! ! "-" รองเท้าเก่า! "-" ไวน์! "). Janequin แทบไม่ได้ใช้ธีมที่ยาวและต่อเนื่องสำหรับเสียงแต่ละเสียงและเทคนิคโพลีโฟนิกที่ซับซ้อน โดยให้ชอบที่จะม้วนสาย การซ้ำซ้อน สร้างคำสร้างคำ

ทิศทางของดนตรีฝรั่งเศสอีกประการหนึ่งเกี่ยวข้องกับขบวนการปฏิรูปในทวีปยุโรป

ในการนมัสการในโบสถ์ ชาวฝรั่งเศสโปรเตสแตนต์ (ฮิวเกนอต) ละทิ้งภาษาละตินและโพลิโฟนี ดนตรีศักดิ์สิทธิ์มีบุคลิกที่เปิดกว้างและเป็นประชาธิปไตยมากขึ้น หนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของประเพณีดนตรีนี้คือ Claude Gudimel (ระหว่างปี 1514 ถึง 1520-1572) - ผู้เขียนสดุดีในตำราพระคัมภีร์และบทสวดของโปรเตสแตนต์

ชานสัน. หนึ่งในแนวดนตรีหลักของ French Renaissance คือ chanson (French chanson - "song") ต้นกำเนิดของมันอยู่ในศิลปะพื้นบ้าน (บทกวีที่คล้องจองของตำนานมหากาพย์ถูกโอนไปเป็นดนตรี) ในศิลปะของนักร้องและนักเล่นละครในยุคกลาง ในแง่ของเนื้อหาและอารมณ์ ชานสันอาจมีความหลากหลายมาก - มีเพลงรัก ทุกวัน ตลก เสียดสี ฯลฯ นักแต่งเพลงใช้บทกวีพื้นบ้านและบทกวีสมัยใหม่เป็นข้อความ

อิตาลี. ด้วยการเริ่มต้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา การทำดนตรีทุกวันด้วยเครื่องดนตรีต่างๆ ได้แพร่หลายในอิตาลี แวดวงคนรักดนตรีก็เกิดขึ้น ในสาขาอาชีพ มีโรงเรียนที่ทรงอิทธิพลที่สุดสองแห่ง ได้แก่ โรมันและเวเนเชียน

มาดริกาล ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บทบาทของประเภทฆราวาสเพิ่มขึ้น ในศตวรรษที่สิบสี่ madrigal ปรากฏในเพลงอิตาลี (จาก pozlnelat. matricale - "เพลงในภาษาพื้นเมือง") มันถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของเพลงพื้นบ้าน (ของคนเลี้ยงแกะ) มาดริกาลส์เป็นเพลงสำหรับสองหรือสามเสียง มักไม่มีเครื่องดนตรีประกอบ พวกเขาเขียนกลอนของกวีอิตาลีสมัยใหม่ซึ่งบอกเกี่ยวกับความรัก มีเพลงในชีวิตประจำวันและเรื่องที่เป็นตำนาน

ในช่วงศตวรรษที่สิบห้า คีตกวีแทบไม่เคยหันไปหาแนวนี้ ความสนใจในตัวเขาฟื้นขึ้นมาในศตวรรษที่ 16 เท่านั้น ลักษณะเด่นของ Madrigal ในศตวรรษที่ 16 คือการเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดระหว่างดนตรีและกวีนิพนธ์ ดนตรีตามข้อความอย่างยืดหยุ่น สะท้อนถึงเหตุการณ์ที่อธิบายไว้ในแหล่งบทกวี เมื่อเวลาผ่านไป สัญลักษณ์ไพเราะแปลก ๆ ได้พัฒนาขึ้น แสดงถึงการถอนหายใจอย่างอ่อนโยน น้ำตา ฯลฯ ในงานของนักประพันธ์เพลงบางคน สัญลักษณ์นี้เป็นปรัชญา ตัวอย่างเช่น ในเพลง Madrigal ของ Gesualdo di Venosa เรื่อง "I die, unhappy" (1611)

ความมั่งคั่งของประเภทอยู่ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XVI-XVII บางครั้งพล็อตก็เล่นออกมาพร้อม ๆ กับการเล่นเพลง Madrigal กลายเป็นพื้นฐานของ Madrigal Comedy (การร้องประสานเสียงที่มีพื้นฐานมาจากบทละครตลก) ซึ่งเตรียมรูปลักษณ์ของโอเปร่า

โรงเรียนโพลีโฟนิกโรมัน จิโอวานนี เด ปาเลสไตน์ (1525-1594) หัวหน้าโรงเรียนโรมันคือ Giovanni Pierluigi da Palestrina นักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่งของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เขาเกิดในเมืองปาเลสไตน์ของอิตาลีตามชื่อที่เขาได้รับ ตั้งแต่วัยเด็ก ปาเลสไตน์ร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงของโบสถ์ และเมื่อถึงวัยผู้ใหญ่ เขาได้รับเชิญให้ดำรงตำแหน่งผู้ควบคุมวง (หัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียง) ในมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ในกรุงโรม ต่อมาเขารับใช้ในโบสถ์น้อยซิสทีน (โบสถ์ในศาลของสมเด็จพระสันตะปาปา)

กรุงโรมซึ่งเป็นศูนย์กลางของนิกายโรมันคาทอลิกได้ดึงดูดนักดนตรีชั้นนำมากมาย ในช่วงเวลาต่างๆ กัน ปรมาจารย์ชาวดัตช์ โพลีโฟนิกส์ Guillaume Dufay และ Josquin Despres ทำงานที่นี่ เทคนิคการแต่งเพลงที่พัฒนาแล้วของพวกเขาบางครั้งรบกวนการรับรู้ของข้อความของบริการ: มันหายไปเบื้องหลังการผสมผสานที่ยอดเยี่ยมของเสียงและคำพูดที่จริงแล้วไม่ได้ยิน ดังนั้นเจ้าหน้าที่ของคริสตจักรจึงระมัดระวังงานดังกล่าวและสนับสนุนการกลับมาของเสียงเดียวตามบทสวดเกรกอเรียน คำถามเกี่ยวกับการอนุญาตของเสียงประสานในดนตรีของคริสตจักรถูกกล่าวถึงแม้ในสภาแห่ง Trent ของคริสตจักรคาทอลิก (1545-1563) ใกล้กับสมเด็จพระสันตะปาปา ปาเลสไตน์โน้มน้าวผู้นำของคริสตจักรถึงความเป็นไปได้ในการสร้างผลงานโดยที่เทคนิคการเรียบเรียงจะไม่รบกวนความเข้าใจในข้อความ เพื่อเป็นการพิสูจน์ เขาได้แต่งเพลงของสมเด็จพระสันตะปาปา มาร์เชลโล (1555) ซึ่งรวมเสียงโพลีโฟนีที่ซับซ้อนเข้ากับเสียงที่ชัดเจนและแสดงออกของทุกคำ ดังนั้นนักดนตรี "บันทึก" ดนตรีโพลีโฟนิกระดับมืออาชีพจากการกดขี่ข่มเหงของเจ้าหน้าที่คริสตจักร ในปี ค.ศ. 1577 นักแต่งเพลงได้รับเชิญให้หารือเกี่ยวกับการปฏิรูปอย่างค่อยเป็นค่อยไปซึ่งเป็นการรวบรวมบทสวดศักดิ์สิทธิ์ของคริสตจักรคาทอลิก ในยุค 80 ปาเลสไตน์ได้รับแต่งตั้ง และในปี ค.ศ. 1584 ได้เข้าเป็นสมาชิกของ Society of Masters of Music ซึ่งเป็นสมาคมของนักดนตรีที่อยู่ใต้บังคับบัญชาของสมเด็จพระสันตะปาปาโดยตรง

ความคิดสร้างสรรค์ของปาเลสไตน์เต็มไปด้วยทัศนคติที่สดใส ผลงานที่สร้างขึ้นโดยเขาทำให้คนรุ่นเดียวกันประหลาดใจด้วยทักษะและปริมาณสูงสุด (มากกว่าหนึ่งร้อยฝูง, สามร้อยโมเท็ต, หนึ่งร้อยมาดริกาล) ความซับซ้อนของดนตรีไม่เคยเป็นอุปสรรคต่อการรับรู้ นักแต่งเพลงรู้วิธีค้นหาจุดกึ่งกลางระหว่างความซับซ้อนของการเรียบเรียงและการเข้าถึงของผู้ฟัง ปาเลสไตน์เห็นงานสร้างสรรค์หลักในการพัฒนางานขนาดใหญ่ที่สำคัญ เสียงแต่ละเสียงในบทสวดของเขาพัฒนาอย่างอิสระ แต่ในขณะเดียวกันก็ประกอบเป็นเสียงเดียวพร้อมกับเสียงที่เหลือ และบ่อยครั้งที่เสียงประกอบขึ้นเป็นการผสมผสานคอร์ดที่สวยงามน่าทึ่ง บ่อยครั้งท่วงทำนองของเสียงบนอยู่เหนือเสียงอื่นๆ โดยสรุป "โดม" ของพหุเสียง; เสียงทั้งหมดเป็นของเหลวและพัฒนา

นักดนตรีรุ่นต่อไปถือว่าศิลปะของ Giovanni da Palestrina เป็นแบบอย่างและคลาสสิก นักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นหลายคนของศตวรรษที่ 17-18 ศึกษางานของเขา

อีกทิศทางหนึ่งของดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีความเกี่ยวข้องกับงานของนักประพันธ์เพลงของโรงเรียน Venetian ซึ่งผู้ก่อตั้งคือ Adrian Villart (ประมาณ 1485-1562) นักเรียนของเขาคือนักออร์แกนและนักแต่งเพลง Andrea Gabrieli (ระหว่าง 1500 ถึง 1520 - หลัง 1586) นักแต่งเพลง Cyprian de Pope (1515 หรือ 1516-1565) และนักดนตรีคนอื่น ๆ แม้ว่าผลงานของปาเลสไตน์จะมีความชัดเจนและเข้มงวด วิลลาร์ตและผู้ติดตามของเขาก็ได้พัฒนารูปแบบการร้องประสานเสียงอันวิจิตรงดงาม เพื่อให้ได้เสียงเซอร์ราวด์ การเล่นเสียงต่ำ พวกเขาใช้คณะนักร้องประสานเสียงหลายคณะในการจัดองค์ประกอบ ซึ่งตั้งอยู่ในสถานที่ต่างๆ ของวัด การใช้เสียงเรียกระหว่างคณะนักร้องประสานเสียงทำให้สามารถเติมพื้นที่คริสตจักรด้วยเอฟเฟกต์ที่ไม่เคยมีมาก่อน แนวทางนี้ยังสะท้อนถึงอุดมคติในอุดมคติของยุคนั้นโดยรวม - ด้วยความร่าเริง อิสระ และประเพณีทางศิลปะของชาวเวนิสด้วยตัวมันเอง - ด้วยความมุ่งมั่นที่จะทำทุกอย่างที่สดใสและไม่ธรรมดา ในงานของปรมาจารย์ชาวเวนิส ภาษาดนตรีก็ซับซ้อนมากขึ้นด้วย: มันเต็มไปด้วยการผสมผสานของคอร์ดที่เข้มข้น ความสามัคคีที่ไม่คาดคิด

บุคคลสำคัญในยุคเรอเนซองส์คือ คาร์โล เจซูอัลโด ดิ เวโนซา (ราว ค.ศ. 1560-1613) เจ้าชายแห่งเมืองเวโนซา หนึ่งในปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่แห่งมาดริกาลฆราวาส เขาได้รับชื่อเสียงในฐานะคนใจบุญนักเล่นกีตาร์นักแต่งเพลง Prince Gesualdo เป็นเพื่อนกับกวีชาวอิตาลี Torquato Tasso; ยังมีจดหมายที่น่าสนใจซึ่งศิลปินทั้งสองพูดคุยกันในประเด็นต่างๆ เกี่ยวกับวรรณกรรม ดนตรี และวิจิตรศิลป์ Tasso Gesualdo di Venosa ถ่ายทอดบทกวีหลายบทเป็นเพลง - นี่คือลักษณะของมาดริกาลที่มีศิลปะสูงจำนวนหนึ่งปรากฏขึ้น ในฐานะตัวแทนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย นักแต่งเพลงได้พัฒนา Madrigal รูปแบบใหม่ โดยที่ความรู้สึกเป็นอันดับแรก - รุนแรงและคาดเดาไม่ได้ ดังนั้นงานของเขาจึงมีลักษณะเฉพาะด้วยการเปลี่ยนแปลงในระดับเสียง น้ำเสียง คล้ายกับถอนหายใจและแม้แต่สะอื้น คอร์ดที่ฟังดูแหลมคม การเปลี่ยนแปลงจังหวะที่ตัดกัน เทคนิคเหล่านี้ทำให้ดนตรีของ Gesualdo มีบุคลิกที่แสดงออกถึงความแปลกประหลาด มีความประหลาดใจและในขณะเดียวกันก็ดึงดูดคนร่วมสมัย มรดกของ Gesualdo di Venosa ประกอบด้วยคอลเล็กชั่นโพลีโฟนิกมาดริกาลเจ็ดชุด ท่ามกลางงานจิตวิญญาณ - "บทสวดศักดิ์สิทธิ์" เพลงของเขาในวันนี้ไม่ทำให้ผู้ฟังเฉยเมย

การพัฒนาแนวเพลงและรูปแบบของดนตรีบรรเลง ดนตรีบรรเลงยังมีการเกิดขึ้นของแนวเพลงใหม่ โดยเฉพาะอย่างยิ่งคอนเสิร์ตบรรเลง ไวโอลิน ฮาร์ปซิคอร์ด ออร์แกน ค่อยๆ กลายเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว เพลงที่เขียนขึ้นสำหรับพวกเขาทำให้สามารถแสดงความสามารถไม่เพียง แต่สำหรับนักแต่งเพลงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักแสดงด้วย ความมีคุณธรรมที่ชื่นชมเป็นหลัก (ความสามารถในการรับมือกับปัญหาทางเทคนิค) ซึ่งค่อยๆ กลายเป็นจุดจบในตัวเองสำหรับนักดนตรีหลายคนและคุณค่าทางศิลปะ นักประพันธ์เพลงของศตวรรษที่ 17-18 มักจะไม่เพียงแต่แต่งเพลงเท่านั้น แต่ยังเล่นเครื่องดนตรีอย่างเชี่ยวชาญและมีส่วนร่วมในกิจกรรมการสอนอีกด้วย ความเป็นอยู่ที่ดีของศิลปินขึ้นอยู่กับลูกค้าเฉพาะรายเป็นหลัก ตามกฎแล้วนักดนตรีที่จริงจังทุกคนพยายามหาสถานที่ที่ศาลของพระมหากษัตริย์หรือขุนนางผู้มั่งคั่ง (สมาชิกของขุนนางหลายคนมีวงออเคสตราหรือโรงอุปรากรของตนเอง) หรือในวัด ยิ่งกว่านั้น นักประพันธ์เพลงส่วนใหญ่ผสมผสานการทำดนตรีของคริสตจักรเข้ากับการบริการกับผู้อุปถัมภ์ทางโลกได้อย่างง่ายดาย

อังกฤษ. ชีวิตทางวัฒนธรรมของอังกฤษในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการปฏิรูป ในศตวรรษที่ 16 โปรเตสแตนต์แพร่หลายไปทั่วประเทศ คริสตจักรคาทอลิกสูญเสียตำแหน่งที่โดดเด่น คริสตจักรแองกลิกันกลายเป็นรัฐหนึ่ง ซึ่งปฏิเสธที่จะยอมรับหลักปฏิบัติบางประการของนิกายโรมันคาทอลิก อารามส่วนใหญ่หยุดอยู่ เหตุการณ์เหล่านี้มีอิทธิพลต่อวัฒนธรรมอังกฤษ รวมทั้งดนตรี เปิดแผนกดนตรีที่มหาวิทยาลัยอ็อกซ์ฟอร์ดและเคมบริดจ์ ในห้องโถงของขุนนางมีการเล่นเครื่องดนตรีคีย์บอร์ด: เวอร์จิน (ฮาร์ปซิคอร์ดชนิดหนึ่ง) ออร์แกนแบบพกพา (เล็ก) ฯลฯ การแต่งเพลงขนาดเล็กสำหรับการเล่นดนตรีที่บ้านเป็นที่นิยม ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของวัฒนธรรมดนตรีในเวลานั้นคือ William Bird (1543 หรือ 1544-1623) - ผู้จัดพิมพ์เพลงออร์แกนและนักแต่งเพลง นกกลายเป็นบรรพบุรุษของมาดริกัลอังกฤษ งานของเขาโดดเด่นด้วยความเรียบง่าย (เขาหลีกเลี่ยงเทคนิคโพลีโฟนิกที่ซับซ้อน) ความคิดริเริ่มของรูปแบบที่ตามหลังข้อความ และเสรีภาพฮาร์มอนิก เครื่องมือทางดนตรีทั้งหมดมีจุดมุ่งหมายเพื่อยืนยันความงามและความสุขของชีวิต ตรงข้ามกับความรุนแรงและการยับยั้งชั่งใจในยุคกลาง นักแต่งเพลงมีผู้ติดตามมากมายในแนวเพลง Madrigal

นกยังสร้างงานทางจิตวิญญาณ (มวลชน สดุดี) และดนตรีบรรเลง ในการแต่งเพลงให้กับ Virginel เขาใช้ลวดลายจากเพลงพื้นบ้านและการเต้นรำ

นักแต่งเพลงต้องการเพลงที่เขาเขียนจริงๆ ว่า "อย่างน้อยก็มีความอ่อนโยน ผ่อนคลาย และความบันเทิง" - นี่คือสิ่งที่ William Bird เขียนไว้ในคำนำของคอลเล็กชันดนตรีชุดหนึ่งของเขา

เยอรมนี. ความเชื่อมโยงของวัฒนธรรมดนตรีเยอรมันกับขบวนการปฏิรูป ในศตวรรษที่ 16 การปฏิรูปเริ่มขึ้นในเยอรมนี ซึ่งเปลี่ยนชีวิตทางศาสนาและวัฒนธรรมของประเทศไปอย่างมาก ผู้นำของการปฏิรูปเชื่อว่าจำเป็นต้องเปลี่ยนแปลงเนื้อหาดนตรีของการนมัสการ นี่เป็นเพราะเหตุผลสองประการ ภายในกลางศตวรรษที่ 15 ทักษะโพลีโฟนิกของนักประพันธ์เพลงที่ทำงานในแนวเพลงของคริสตจักรนั้นมีความซับซ้อนและซับซ้อนเป็นพิเศษ บางครั้งงานถูกสร้างขึ้นมาเพราะความไพเราะของเสียงและบทสวดยาวๆ ทำให้นักบวชส่วนใหญ่ไม่สามารถรับรู้และสัมผัสประสบการณ์ทางวิญญาณได้ นอกจากนี้ การบริการยังดำเนินการเป็นภาษาละติน ซึ่งเข้าใจได้สำหรับชาวอิตาลี แต่ต่างด้าวสำหรับชาวเยอรมัน

ผู้ก่อตั้งขบวนการปฏิรูป Martin Luther (1483-1546) เชื่อว่าจำเป็นต้องมีการปฏิรูปดนตรีของคริสตจักร ประการแรก ดนตรีควรส่งเสริมการมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันของนักบวชในการบูชา (เป็นไปไม่ได้เมื่อทำการประพันธ์แบบโพลีโฟนิก) และประการที่สอง ดนตรีควรสร้างความเห็นอกเห็นใจต่อเหตุการณ์ในพระคัมภีร์ (ซึ่งถูกขัดขวางโดยการให้บริการในภาษาละติน) ดังนั้น ข้อกำหนดต่อไปนี้จึงถูกกำหนดไว้สำหรับการร้องเพลงของคริสตจักร: ความเรียบง่ายและความชัดเจนของท่วงทำนอง แม้แต่จังหวะ รูปแบบการร้องที่ชัดเจน บนพื้นฐานนี้เพลงโปรเตสแตนต์ก็เกิดขึ้น - แนวเพลงหลักของคริสตจักรในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของเยอรมัน ในปี ค.ศ. 1522 ลูเทอร์แปลพันธสัญญาใหม่เป็นภาษาเยอรมัน - ต่อจากนี้ไปก็เป็นไปได้ที่จะดำเนินการบริการอันศักดิ์สิทธิ์ในภาษาแม่ของพวกเขา

ตัวลูเธอร์เองและเพื่อนของเขาคือโยฮันน์ วอลเตอร์ นักทฤษฎีดนตรีชาวเยอรมัน (ค.ศ.1490-1570) มีส่วนร่วมในการเลือกท่วงทำนองสำหรับการร้องประสานเสียง แหล่งที่มาหลักของท่วงทำนองดังกล่าวคือเพลงพื้นบ้านและจิตวิญญาณ - เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางและเข้าใจง่าย ลูเทอร์แต่งทำนองให้คอราเลสเอง หนึ่งในนั้น "พระเจ้าทรงสนับสนุนเรา" กลายเป็นสัญลักษณ์ของการปฏิรูปในช่วงสงครามศาสนาของศตวรรษที่ 16

Meistersingers และงานศิลปะของพวกเขา อีกหน้าที่หนึ่งของดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของเยอรมันมีความเกี่ยวข้องกับงานของ Meistersinger (เยอรมัน Meistersinger - "นักร้องหลัก") - นักร้องกวีจากบรรดาช่างฝีมือ พวกเขาไม่ใช่นักดนตรีมืออาชีพ แต่เหนือสิ่งอื่นใดคือช่างฝีมือ - gunsmiths, tailors, glaziers, shoemakers, bakers ฯลฯ สหภาพแรงงานของเมืองดังกล่าวรวมถึงตัวแทนของงานฝีมือต่างๆ ในศตวรรษที่ 16 สมาคมไมสเตอร์ซิงเงอร์มีอยู่ในหลายเมืองในเยอรมนี

Meistersingers แต่งเพลงของพวกเขาตามกฎที่เข้มงวดความคิดริเริ่มที่สร้างสรรค์นั้นอับอายด้วยข้อ จำกัด มากมาย ผู้เริ่มต้นต้องเข้าใจกฎเหล่านี้ก่อน จากนั้นจึงเรียนรู้วิธีเล่นเพลง จากนั้นจึงแต่งเนื้อร้องให้เข้ากับท่วงทำนองของคนอื่น และจากนั้นเขาจึงสามารถสร้างเพลงของตัวเองได้ ท่วงทำนองของ meistersingers และ minnesingers ที่มีชื่อเสียงถือเป็นท่วงทำนอง

Meistersinger ดีเด่นแห่งศตวรรษที่ 16 Hans Sachs (1494-1576) มาจากครอบครัวของช่างตัดเสื้อ แต่ในวัยเด็ก เขาออกจากบ้านพ่อแม่และเดินทางไปเยอรมนี ระหว่างที่เร่ร่อน ชายหนุ่มได้เรียนรู้งานฝีมือของช่างทำรองเท้า แต่ที่สำคัญที่สุด เขาคุ้นเคยกับศิลปะพื้นบ้าน แซคส์ได้รับการศึกษาอย่างดี รู้จักวรรณกรรมโบราณและยุคกลางอย่างสมบูรณ์ อ่านพระคัมภีร์ในการแปลภาษาเยอรมัน เขาตื้นตันใจอย่างมากกับแนวคิดเรื่องการปฏิรูป ดังนั้นเขาจึงไม่เพียงแต่เขียนเพลงสากลเท่านั้น แต่ยังเขียนเพลงเกี่ยวกับจิตวิญญาณด้วย (ทั้งหมดประมาณหกพันเพลง) Hans Sachs ก็กลายเป็นที่รู้จักในฐานะนักเขียนบทละคร (ดูบทความ "ศิลปะการละครแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา")

เครื่องดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา องค์ประกอบของเครื่องดนตรีขยายตัวอย่างมีนัยสำคัญ พันธุ์ใหม่ถูกเพิ่มเข้าไปในเครื่องสายและลมที่มีอยู่แล้ว ในหมู่พวกเขาสถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยผู้ละเมิด - ตระกูลเครื่องคำนับโดดเด่นด้วยความงามและเสียงอันสูงส่ง ในรูปแบบที่คล้ายกับเครื่องดนตรีของตระกูลไวโอลินสมัยใหม่ (ไวโอลิน วิโอลา เชลโล) และถือว่าเป็นบรรพบุรุษโดยตรง (พวกเขาอยู่ร่วมกันในการฝึกดนตรีจนถึงกลางศตวรรษที่ 18) อย่างไรก็ตาม ความแตกต่างและนัยสำคัญยังคงมีอยู่ วิโอลามีระบบเสียงสะท้อนสาย; ตามกฎแล้วมีจำนวนมากเท่ากับตัวหลัก (หกถึงเจ็ด) การสั่นของสายที่สะท้อนทำให้วิโอลามีเสียงที่นุ่มนวล นุ่มนวล แต่เครื่องดนตรีชนิดนี้ใช้งานในวงออเคสตราได้ยาก เนื่องจากวิโอลาเสียการจูนอย่างรวดเร็วเนื่องจากมีสายจำนวนมาก

เป็นเวลานานที่เสียงวิโอลาถือเป็นตัวอย่างของความซับซ้อนทางดนตรี มีสามประเภทหลักในตระกูลวิโอลา Viola da gamba เป็นเครื่องมือขนาดใหญ่ที่นักแสดงวางในแนวตั้งและหนีบจากด้านข้างด้วยเท้าของเขา (คำภาษาอิตาลี gamba หมายถึง "เข่า") อีกสองสายพันธุ์ - viola da braccio (จากอิตาลี braccio - "ปลายแขน") และ viol d "cupid (fr. Viole d" amour - "viola of love") ถูกจัดวางในแนวนอนและเมื่อเล่นพวกเขาจะกดที่ไหล่ Viola da gamba อยู่ใกล้กับเชลโลในแง่ของช่วงเสียง Viola da braccio อยู่ใกล้กับไวโอลิน และ viol d "cupid อยู่ใกล้กับวิโอลา

ในบรรดาเครื่องดนตรีที่ดึงออกมาของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสถานที่หลักถูกครอบครองโดยพิณ (ภาษาโปแลนด์ lutnia จากภาษาอาหรับ "alud" - "tree") มันมาถึงยุโรปจากตะวันออกกลางเมื่อสิ้นสุดศตวรรษที่ 14 และเมื่อต้นศตวรรษที่ 16 มีเพลงมากมายสำหรับเครื่องดนตรีนี้ ประการแรก เพลงถูกบรรเลงควบคู่ไปกับพิณ พิณมีลำตัวสั้น ด้านบนแบนและด้านล่างมีลักษณะเป็นซีกโลก ฟิงเกอร์บอร์ดติดอยู่ที่คอกว้าง และหัวของเครื่องดนตรีก็ก้มไปด้านหลังเกือบจะเป็นมุมฉาก หากคุณต้องการ คุณสามารถเห็นความคล้ายคลึงกับชามที่สวมหน้ากากเป็นพิณ สายสิบสองสายถูกจัดกลุ่มเป็นคู่และเสียงจะถูกสร้างขึ้นโดยใช้นิ้วและแผ่นพิเศษ - ปิ๊ก

ในศตวรรษที่ XV-XVI มีคีย์บอร์ดหลายประเภทเกิดขึ้น ประเภทหลักของเครื่องดนตรีดังกล่าว - ฮาร์ปซิคอร์ด, คลาวิคอร์ด, ฮาร์ปซิคอร์ด, ฮาร์ปซิคอร์ด, เวอร์จินเนล - ถูกนำมาใช้อย่างแข็งขันในดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยา แต่ความมั่งคั่งที่แท้จริงของพวกเขามาในภายหลัง

ในศตวรรษที่ 19 นักประวัติศาสตร์ Jules Michelet ใช้แนวคิดเรื่องยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นครั้งแรก นักดนตรีและนักประพันธ์เพลงที่กล่าวถึงในบทความนี้เป็นช่วงที่เริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 14 เมื่อการปกครองในยุคกลางของคริสตจักรถูกแทนที่ด้วยวัฒนธรรมทางโลกที่มีความสนใจในตัวมนุษย์

ดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ประเทศในยุโรปได้เข้าสู่ยุคใหม่ในเวลาที่ต่างกัน ก่อนหน้านี้พวกเขาเกิดขึ้นในอิตาลีเล็กน้อย แต่โรงเรียนดัตช์ได้รับชัยชนะในวัฒนธรรมดนตรีซึ่งเป็นครั้งแรกที่มหาวิหาร metrizas (ที่พักพิง) พิเศษถูกสร้างขึ้นเพื่อฝึกนักแต่งเพลงในอนาคต ประเภทหลักของเวลานั้นถูกนำเสนอในตาราง:

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาส่วนใหญ่ในเนเธอร์แลนด์คือ Guillaume Dufay, Jacob Obrecht, Josquin Despres

ชาวดัตช์ผู้ยิ่งใหญ่

Johannes Okegemได้รับการศึกษาที่ Metrisse of Notre Dame (Antwerp) และในยุค 40 ของศตวรรษที่ 15 เขากลายเป็นนักร้องประสานเสียงที่ศาลของ Duke Charles I (ฝรั่งเศส) ต่อมาทรงเป็นหัวหน้าอุโบสถในราชสำนัก เมื่อมีชีวิตอยู่จนแก่เฒ่า เขาทิ้งมรดกอันยิ่งใหญ่ไว้ในทุกประเภท โดยได้สร้างชื่อเสียงให้ตนเองในฐานะนักพหุเสียงที่โดดเด่น ต้นฉบับจำนวน 13 คนของเขาได้ลงมาให้เราภายใต้ชื่อ Chigi codex ซึ่งหนึ่งในนั้นมีกำหนดไว้สำหรับ 8 โหวต เขาใช้ไม่เพียงแต่เพลงของคนอื่น แต่ยังใช้ท่วงทำนองของเขาเองด้วย

Orlando Lassoเกิดในดินแดนของเบลเยียมสมัยใหม่ (มอญ) ในปี ค.ศ. 1532 ความสามารถทางดนตรีของเขาแสดงออกในวัยเด็ก เด็กชายถูกลักพาตัวจากบ้านถึงสามครั้งเพื่อให้เขาเป็นนักดนตรีที่ยอดเยี่ยม เขาใช้ชีวิตในวัยผู้ใหญ่ในบาวาเรีย ซึ่งเขาแสดงเป็นเทเนอร์ที่ราชสำนักของ Duke Albrecht V แล้วมุ่งหน้าไปที่โบสถ์ ทีมงานมืออาชีพอย่างสูงช่วยเปลี่ยนมิวนิกให้กลายเป็นศูนย์กลางดนตรีของยุโรป ซึ่งมีนักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงหลายคนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามาเยี่ยมเยียน

พรสวรรค์เช่น Johann Eckard, Leonard Lechner และ Italian D. Gabrieli มาเรียนกับเขา . เขาพบที่พักพิงสุดท้ายของเขาในปี ค.ศ. 1594 บนอาณาเขตของโบสถ์แห่งหนึ่งในมิวนิก ทิ้งมรดกอันยิ่งใหญ่ไว้: มอเตตมากกว่า 750 ม็อต 60 เพลงและเพลงหลายร้อยเพลง ซึ่งเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือซูซาน อุน จัวร์ โมเท็ตของเขา ("The Prophecies of the Sibyls") โดดเด่นด้วยนวัตกรรมของพวกเขา แต่เขาก็เป็นที่รู้จักในด้านดนตรีฆราวาสซึ่งมีอารมณ์ขันมากมาย (Vilanella O bella fusa)

โรงเรียนภาษาอิตาลี

คีตกวียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่โดดเด่นจากอิตาลีนอกเหนือจากแนวโน้มดั้งเดิมแล้วยังพัฒนาดนตรีบรรเลงอย่างแข็งขัน (ออร์แกน, เครื่องสายโค้ง, คลาเวียร์) พิณกลายเป็นเครื่องดนตรีที่แพร่หลายที่สุดและเมื่อปลายศตวรรษที่ 15 ฮาร์ปซิคอร์ดก็ปรากฏตัวขึ้นซึ่งเป็นบรรพบุรุษของเปียโน บนพื้นฐานขององค์ประกอบของดนตรีพื้นบ้าน โรงเรียนแต่งเพลงที่ทรงอิทธิพลที่สุดสองแห่งได้พัฒนาขึ้น: โรมัน (จิโอวานนี ปาเลสไตน์) และเวเนเชียน (อันเดรีย กาเบรียลี)

Giovanni Pierluigiใช้ชื่อ ปาเลสไตน์ตามชื่อเมืองใกล้กรุงโรม ที่ซึ่งเขาเกิดและรับใช้ในโบสถ์หลักในฐานะนักร้องประสานเสียงและนักเล่นออแกน วันเดือนปีเกิดของเขานั้นใกล้เคียงกันมาก แต่เขาเสียชีวิตในปี ค.ศ. 1594 ในช่วงชีวิตที่ยืนยาวของเขา เขาเขียนประมาณ 100 ฝูงและ 200 โมเท็ต พิธีมิสซาของสมเด็จพระสันตะปาปามาร์เซลลัสทำให้พระสันตะปาปาปิอุสที่ 4 ชื่นชมและกลายเป็นตัวอย่างดนตรีศักดิ์สิทธิ์ของคาทอลิก Giovanni เป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของการร้องเพลงแกนนำโดยไม่มีดนตรีประกอบ

Andrea Gabrieli Giovanni ร่วมกับลูกศิษย์และหลานชายของเขาทำงานในโบสถ์เซนต์มาร์ก (ศตวรรษที่ 16) "วาดภาพ" คณะนักร้องประสานเสียงร้องเพลงด้วยเสียงออร์แกนและเครื่องดนตรีอื่นๆ โรงเรียนในเวนิสมุ่งสู่ดนตรีฆราวาสมากกว่า และเมื่อโซโฟคเลสของโอเอดิปุสถูกแสดงบนเวทีละครโดยอันเดรีย กาเบรียลี ดนตรีประสานเสียงก็ถูกเขียนขึ้น เป็นตัวอย่างของการประสานเสียงประสานและลางสังหรณ์แห่งอนาคตของโอเปร่า

จุดเด่นของโรงเรียนภาษาเยอรมัน

ดินเยอรมันก้าวหน้า ลุดวิก เซนเฟิลนักประสานเสียงที่ดีที่สุดของศตวรรษที่ 16 ซึ่งยังไม่ถึงระดับปรมาจารย์ชาวดัตช์ เพลงของกวี - นักร้องจากบรรดาช่างฝีมือ (meistersingers) เป็นเพลงพิเศษของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา นักแต่งเพลงชาวเยอรมันเป็นตัวแทนของบริษัทร้องเพลง: ช่างตีเหล็ก ช่างทำรองเท้า ช่างทอผ้า พวกเขารวมตัวกันทั่วอาณาเขต ตัวแทนที่โดดเด่นของ Nuremberg School of Singing คือ Hans Sachs(อายุขัย: 1494-1576)

เกิดในครอบครัวของช่างตัดเสื้อ เขาทำงานเป็นช่างทำรองเท้ามาตลอดชีวิต โดดเด่นด้วยความรู้ความเข้าใจ ดนตรีและวรรณกรรม เขาอ่านพระคัมภีร์ตามที่ลูเทอร์ นักปฏิรูปผู้ยิ่งใหญ่ตีความ รู้จักกวีในสมัยโบราณ และชื่นชม Boccaccio ในฐานะนักดนตรีพื้นบ้าน Sachs ไม่ได้เชี่ยวชาญรูปแบบของโพลีโฟนี แต่สร้างท่วงทำนองของคลังเพลง พวกเขาใกล้ชิดกับการเต้น จดจำง่าย และมีจังหวะที่แน่นอน ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ The Silver Tune

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: นักดนตรีและนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศส

วัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสรู้สึกถึงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในศตวรรษที่ 16 เท่านั้นเมื่อเตรียมดินทางสังคมในประเทศ

หนึ่งในตัวแทนที่ดีที่สุดคือ Clement Jannequin... เป็นที่ทราบกันดีว่าเขาเกิดใน Chatellerault (ปลายศตวรรษที่ 15) และเปลี่ยนจากนักร้องชายมาเป็นนักแต่งเพลงส่วนตัวของกษัตริย์ จากมรดกอันสร้างสรรค์ของเขา มีเพียงเพลงสากลที่เผยแพร่โดย Attenyan เท่านั้นที่รอดชีวิต มี 260 คน แต่ผู้ที่ผ่านการทดสอบของกาลเวลาได้รับชื่อเสียงอย่างแท้จริง: "Birdsong", "Hunt", "Skylark", "War", "Screams of Paris" พวกเขาถูกพิมพ์ซ้ำอย่างต่อเนื่องและใช้โดยผู้เขียนคนอื่นเพื่อแก้ไข

เพลงของเขาเป็นแบบโพลีโฟนิกและคล้ายฉากประสานเสียง ซึ่งนอกจากคำเลียนเสียงธรรมชาติและการขับร้องนำแล้ว ยังมีเสียงอุทานที่รับผิดชอบต่อการเปลี่ยนแปลงของงานอีกด้วย เป็นความพยายามอย่างกล้าหาญในการค้นหาวิธีใหม่ๆ ของภาพ

นักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียง ได้แก่ Guillaume Cotlet, Jacques Mauduy, Jean Baif, Claude Lejeune, Claude Gudimel , ทำให้ดนตรีมีโครงสร้างที่กลมกลืนกันซึ่งเอื้อต่อการดูดซึมดนตรีจากประชาชนทั่วไป

นักแต่งเพลงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: อังกฤษ

ศตวรรษที่ 15 ในอังกฤษได้รับอิทธิพลจากผลงาน จอห์น ดับส์เทลและเจ้าพระยา - วิลเลียม เบิร์ด... อาจารย์ทั้งสองต่างหลงใหลในดนตรีศักดิ์สิทธิ์ เบิร์ดเริ่มต้นจากการเป็นนักเล่นออร์แกนที่มหาวิหารลินคอล์น และจบอาชีพของเขาที่รอยัลชาเปลในลอนดอน เป็นครั้งแรกที่เขาสามารถเชื่อมโยงดนตรีกับการเป็นผู้ประกอบการได้ ในปี ค.ศ. 1575 นักแต่งเพลงได้ร่วมมือกับทัลลิสเป็นผู้ผูกขาดในการตีพิมพ์ผลงานดนตรีซึ่งไม่ได้ทำให้เขาได้รับผลกำไร แต่ต้องใช้เวลามากในการปกป้องสิทธิในทรัพย์สินของตนในศาล หลังจากที่เขาเสียชีวิต (ค.ศ. 1623) ในเอกสารอย่างเป็นทางการของโบสถ์เขาถูกเรียกว่า "บรรพบุรุษของดนตรี"

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทิ้งอะไรไว้เบื้องหลัง? Byrd นอกเหนือจากคอลเล็กชั่นที่ตีพิมพ์ (Cantiones Sacrae, Gradualia) ได้เก็บรักษาต้นฉบับไว้มากมายโดยพิจารณาว่าเหมาะสมสำหรับการสักการะในประเทศเท่านั้น เพลงมาดริกาล (Musica Transalpina) ที่ตีพิมพ์ในภายหลังแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลอันยิ่งใหญ่ของนักเขียนชาวอิตาลี แต่มวลชนและโมเท็ตหลายคนเข้าสู่กองทุนทองคำของดนตรีศักดิ์สิทธิ์

สเปน: Cristobal de Morales

ตัวแทนที่ดีที่สุดของโรงเรียนดนตรีสเปนผ่านวาติกันโดยพูดในโบสถ์ของสมเด็จพระสันตะปาปา พวกเขารู้สึกถึงอิทธิพลของนักเขียนชาวดัตช์และชาวอิตาลี จึงมีเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่สามารถมีชื่อเสียงนอกประเทศของตนได้ นักประพันธ์เพลงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาจากสเปนเป็นนักประพันธ์ประสานเสียงที่สร้างผลงานการร้องประสานเสียง ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดคือ คริสโตบัล เดอ โมราเลส(ศตวรรษที่สิบหก) ซึ่งเป็นผู้นำเมตริกในโตเลโดและเตรียมนักเรียนมากกว่าหนึ่งคน Cristobal ผู้ติดตาม Josquin Despres ได้แนะนำเทคนิคพิเศษให้กับการประพันธ์เพลงที่เรียกว่า homophonic

ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือผู้แต่งสองคน requiems (หนึ่งสุดท้ายสำหรับห้าเสียง) เช่นเดียวกับ Armed Man Mass นอกจากนี้ เขายังเขียนงานฆราวาส (cantata เพื่อเป็นเกียรติแก่การสรุปสนธิสัญญาสันติภาพในปี ค.ศ. 1538) แต่สิ่งนี้ใช้ได้กับงานก่อนหน้าของเขา เมื่อสิ้นพระชนม์ชีพไปโบสถ์ในมาลากา เขายังเป็นผู้ประพันธ์เพลงศักดิ์สิทธิ์

แทนที่จะได้ข้อสรุป

นักแต่งเพลงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและผลงานของพวกเขาได้เตรียมความมั่งคั่งของดนตรีบรรเลงในศตวรรษที่ 17 และการเกิดขึ้นของแนวเพลงใหม่ - โอเปร่าที่ความสลับซับซ้อนของเสียงมากมายถูกแทนที่ด้วยความเป็นอันดับหนึ่งของเสียงที่นำทำนองหลัก พวกเขาสร้างความก้าวหน้าอย่างแท้จริงในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีและวางรากฐานสำหรับศิลปะสมัยใหม่

เรื่องย่อ: ดนตรีแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

หน่วยงานการศึกษาของรัฐบาลกลาง

GOU VPO "มหาวิทยาลัยแห่งรัฐมารี"

คณะประถมศึกษา

ความชำนาญพิเศษ: 050708

"การสอนและวิธีการประถมศึกษา"

ภาควิชา: "การสอนประถมศึกษา"

ทดสอบ

"ดนตรีแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา"

Yoshkar-Ola 2010

ยุคของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (Renaissance) เป็นยุครุ่งเรืองของศิลปะทุกประเภทและดึงดูดรูปร่างของพวกเขาไปสู่ประเพณีและรูปแบบโบราณ

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีขอบเขตทางประวัติศาสตร์และลำดับเหตุการณ์ไม่เท่ากันในประเทศต่างๆ ในยุโรป ในอิตาลีเริ่มในศตวรรษที่ 14 ในเนเธอร์แลนด์เริ่มในศตวรรษที่ 15 และในฝรั่งเศส เยอรมนี และอังกฤษ สัญญาณของมันปรากฏชัดเจนที่สุดในศตวรรษที่ 16 ในขณะเดียวกัน การพัฒนาความสัมพันธ์ระหว่างโรงเรียนสร้างสรรค์ต่าง ๆ การแลกเปลี่ยนประสบการณ์ระหว่างนักดนตรีที่ย้ายจากประเทศหนึ่งไปอีกประเทศหนึ่งซึ่งทำงานในโบสถ์ต่าง ๆ กลายเป็นสัญญาณของเวลาและทำให้เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับแนวโน้มทั่วไปได้ทั้งหมด ยุค.

วัฒนธรรมศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นหลักการส่วนบุคคลบนพื้นฐานของวิทยาศาสตร์ ทักษะที่ซับซ้อนอย่างผิดปกติของโพลีโฟนิสต์แห่งศตวรรษที่ 15-16 เทคนิคอัจฉริยะของพวกเขาอยู่ร่วมกับศิลปะที่สดใสของการเต้นรำในชีวิตประจำวัน ความซับซ้อนของประเภทฆราวาส เนื้อเพลงและละครแสดงออกมากขึ้นในผลงานของเขา

ดังที่เราเห็น ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นช่วงเวลาที่ยากลำบากในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาศิลปะดนตรี ดังนั้นจึงควรพิจารณาในรายละเอียดมากขึ้นโดยคำนึงถึงบุคลิกของแต่ละคนด้วย

ดนตรีเป็นภาษาเดียวในโลก ไม่จำเป็นต้องแปล วิญญาณพูดกับวิญญาณในนั้น

Averbach Berthold.

ดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหรือดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหมายถึงช่วงเวลาในการพัฒนาดนตรียุโรประหว่างประมาณ 1400 ถึง 1600 ในอิตาลีจุดเริ่มต้นของยุคใหม่เริ่มขึ้นสำหรับศิลปะดนตรีในศตวรรษที่สิบสี่ โรงเรียนดัตช์เริ่มเป็นรูปเป็นร่างและบรรลุจุดสูงสุดครั้งแรกในวันที่ 15 หลังจากนั้นการพัฒนาของโรงเรียนยังคงขยายตัวอย่างต่อเนื่อง และอิทธิพลไม่ทางใดก็ทางหนึ่งเข้าครอบงำอาจารย์ของโรงเรียนระดับชาติอื่นๆ สัญญาณของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาปรากฏอย่างชัดเจนในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 16 แม้ว่าความสำเร็จเชิงสร้างสรรค์ของเธอจะยิ่งใหญ่และไม่อาจโต้แย้งได้แม้กระทั่งในศตวรรษก่อน ๆ

การเพิ่มขึ้นของศิลปะในเยอรมนี อังกฤษ และประเทศอื่น ๆ ในวงโคจรของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 อย่างไรก็ตาม เมื่อเวลาผ่านไป ขบวนการสร้างสรรค์ใหม่ได้กลายเป็นส่วนสำคัญสำหรับยุโรปตะวันตกโดยรวม และตอบสนองในแบบของมันเองในประเทศต่างๆ ในยุโรปตะวันออก

ดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยากลายเป็นมนุษย์ต่างดาวโดยสิ้นเชิงกับเสียงที่หยาบและรุนแรง กฎแห่งความสามัคคีประกอบขึ้นเป็นสาระสำคัญ

ยังคงเป็นผู้นำโดย เพลงจิตวิญญาณเป่าระหว่างพิธีในโบสถ์ ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เธอยังคงรักษาธีมหลักของดนตรียุคกลางไว้ นั่นคือ การสรรเสริญพระเจ้าและพระผู้สร้างโลก ความศักดิ์สิทธิ์และความบริสุทธิ์ของความรู้สึกทางศาสนา จุดประสงค์หลักของดนตรีดังที่นักทฤษฎีคนหนึ่งกล่าวว่าคือ "เพื่อทำให้พระเจ้าพอพระทัย"

มวลชน โมเท็ต เพลงสรรเสริญ และเพลงสดุดีเป็นพื้นฐานของวัฒนธรรมดนตรี

มิสซา คือ บทเพลงที่รวบรวมส่วนต่างๆ ของพิธีกรรมคาทอลิกของพิธีกรรมละติน ซึ่งมีการจัดข้อความเป็นเพลงสำหรับการขับร้องแบบโมโนโฟนิกหรือโพลีโฟนิก โดยมีหรือไม่มีเครื่องดนตรี สำหรับประกอบดนตรีประกอบพิธีการในสมัยโรมัน คริสตจักรคาทอลิกและคริสตจักรโปรเตสแตนต์ชั้นสูง ตัวอย่างเช่น ในคริสตจักรแห่งสวีเดน

พิธีมิสซาที่มีคุณค่าทางดนตรียังดำเนินการนอกพิธีบูชาในคอนเสิร์ต นอกจากนี้ มวลชนจำนวนมากในสมัยต่อมายังได้รับการแต่งขึ้นเป็นพิเศษสำหรับการแสดงในคอนเสิร์ตฮอลล์หรือเนื่องในโอกาสเฉลิมฉลองบางประเภท

มวลของคริสตจักรซึ่งย้อนกลับไปสู่ท่วงทำนองดั้งเดิมของบทสวดเกรกอเรียนได้แสดงออกถึงแก่นแท้ของวัฒนธรรมดนตรีอย่างชัดเจนที่สุด เช่นเดียวกับในยุคกลาง พิธีมิสซาประกอบด้วยห้าส่วน แต่ตอนนี้มีความสง่างามและมีขนาดใหญ่ขึ้น โลกนี้ไม่ได้ดูเล็กและมนุษย์มองเห็นได้อีกต่อไป ชีวิตธรรมดาที่มีความสุขทางโลกไม่ถือว่าเป็นบาป

Motet (จาก โมเท็ตจาก mot- คำ) เป็นงานโพลีโฟนิกแกนนำของโกดังโพลีโฟนิกซึ่งเป็นหนึ่งในแนวเพลงกลางของยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของยุโรปตะวันตก

เพลงสรรเสริญ (กรีกโบราณ ὕμνος) เป็นเพลงที่สรรเสริญและยกย่องผู้อื่นหรือบางสิ่งบางอย่าง (แต่เดิมเป็นเทพเจ้า)

สดุดี (กรีก ψαλμός "เพลงสรรเสริญ"), r.p. สดุดี pl. สดุดี (กรีกψαλμοί) - เพลงสวดของชาวยิว (Hebrew תהילים) และบทกวีและคำอธิษฐานของศาสนาคริสต์ (จากพันธสัญญาเดิม)

พวกเขาประกอบเป็นเพลงสดุดี หนังสือเล่มที่ 19 ของพันธสัญญาเดิม การประพันธ์เพลงสดุดีนี้สืบเนื่องมาจากกษัตริย์เดวิด (ประมาณ 1,000 ปีก่อนคริสตกาล) และผู้เขียนคนอื่นๆ อีกหลายคน รวมทั้งอับราฮัม โมเสส และบุคคลในตำนานคนอื่นๆ

รวมเพลงสดุดี 150 บท แบ่งออกเป็นคำอธิษฐาน การสรรเสริญ เพลง และคำสอน

บทเพลงสรรเสริญส่งผลกระทบอย่างใหญ่หลวงต่อนิทานพื้นบ้านและเป็นที่มาของสุภาษิตมากมาย ในศาสนายิว เพลงสดุดีถูกบรรเลงในรูปแบบของบทสวดเพื่อประกอบ สำหรับแต่ละสดุดี ตามกฎ วิธีการแสดงและ "แบบจำลอง" (ในบทสวดเกรกอเรียนที่เรียกว่าน้ำเสียงสูงต่ำ) กล่าวคือ ทำนองที่สอดคล้องกัน ถูกระบุ บทเพลงสรรเสริญได้เข้ามามีบทบาทสำคัญในศาสนาคริสต์ มีการแสดงสดุดีในระหว่างการนมัสการ สวดมนต์ที่บ้าน ก่อนการต่อสู้และเมื่อเคลื่อนที่เป็นหมู่คณะ แต่เดิมพวกเขาร้องเพลงในโบสถ์โดยคนทั้งชุมชน สดุดีถูกทำ cappella เฉพาะที่บ้านเท่านั้นที่อนุญาตให้ใช้เครื่องมือ ประเภทของการแสดงเป็นการบรรยาย-psalmodic นอกจากบทเพลงสดุดีทั้งบทแล้ว ยังมีการใช้โองการที่สื่อความหมายได้ชัดเจนที่สุดบางส่วนด้วย บนพื้นฐานนี้บทสวดอิสระเกิดขึ้น - แอนติฟอน, ทีละน้อย, ทางเดินและฮาเลลูยา

กระแสนิยมทางโลกเริ่มแทรกซึมเข้าไปในงานของนักประพันธ์เพลงในโบสถ์ทีละน้อย ธีมของเพลงพื้นบ้านที่ไม่ได้มีเนื้อหาเกี่ยวกับศาสนาเลยถูกนำมาใช้อย่างกล้าหาญในผ้าโพลีโฟนิกของบทสวดของโบสถ์ แต่ตอนนี้สิ่งนี้ไม่ได้ขัดแย้งกับจิตวิญญาณและอารมณ์ทั่วไปของยุคนั้น ในทางดนตรี พระเจ้าและมนุษย์ถูกรวมเข้าด้วยกันอย่างน่าอัศจรรย์

ดนตรีศักดิ์สิทธิ์มาถึงจุดสูงสุดในศตวรรษที่ 15 ในประเทศเนเธอร์แลนด์ ที่นี่ดนตรีเป็นที่เคารพนับถือมากกว่าศิลปะรูปแบบอื่น นักแต่งเพลงชาวดัตช์และเฟลมิชเป็นคนแรกที่พัฒนากฎเกณฑ์ใหม่ โพลีโฟนิก(โพลีโฟนิก) ประสิทธิภาพ - คลาสสิค " สไตล์ที่เข้มงวด". เทคนิคการจัดองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดของอาจารย์ชาวดัตช์คือ การเลียนแบบ- การทำซ้ำทำนองเดียวกันในเสียงที่ต่างกัน เสียงนำคือเทเนอร์ซึ่งได้รับความไว้วางใจจากท่วงทำนองที่ซ้ำซาก - cantus firmus ("ทำนองไม่เปลี่ยนแปลง") ด้านล่างของเทเนอร์คือเบส และเหนืออัลโต สูงสุด กล่าวคือ สูงตระหง่านเหนือใครๆ ก็มีชื่อเสียงว่า นักร้องเสียงโซปราโน

นักประพันธ์เพลงชาวดัตช์และเฟลมิชใช้การคำนวณทางคณิตศาสตร์เพื่อคำนวณสูตรสำหรับการผสมผสานช่วงเวลาดนตรี เป้าหมายหลักของการเขียนคือการสร้างโครงสร้างเสียงที่สมบูรณ์ภายในที่กลมกลืน สมมาตร และยิ่งใหญ่ Johannes Okegem (ราว ค.ศ. 1425-1497) หนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของโรงเรียนแห่งนี้ โดยอาศัยการคำนวณทางคณิตศาสตร์ ได้แต่งโมเท็ตที่มี 36 เสียง!

ลักษณะเฉพาะของโรงเรียนดัตช์ทุกประเภทแสดงอยู่ในงานของ Okegem: มวล motet และ chanson ประเภทที่สำคัญที่สุดสำหรับเขาคือมวลชน เขาพิสูจน์ตัวเองว่าเป็นนักโพลีโฟนิกที่โดดเด่น เพลงของ Okegem นั้นไดนามิกมากแนวไพเราะที่เคลื่อนไหวในช่วงกว้างมีแอมพลิจูดกว้าง ในเวลาเดียวกัน Okegem มีลักษณะเฉพาะด้วยน้ำเสียงที่นุ่มนวล diatonicism บริสุทธิ์และการคิดแบบโมดัลแบบโบราณ ดังนั้น ดนตรีของ Okegem มักถูกอธิบายว่า "มุ่งสู่ความไม่มีที่สิ้นสุด", "ทะยาน" ในสภาพแวดล้อมที่เป็นรูปเป็นร่างที่ค่อนข้างแยกจากกัน มีความเชื่อมโยงกับข้อความน้อยกว่า เต็มไปด้วยบทสวด ด้นสด แสดงออก

ผลงานของ Okegem น้อยมากที่รอดชีวิต:

ประมาณ 14 ฝูง (ทั้งหมด 11 ตัว):

· บังสุกุล Missa pro Defunctis (บังสุกุลโพลีโฟนิกแรกในประวัติศาสตร์วรรณกรรมดนตรีโลก);

9-13 (ตามแหล่งต่างๆ) โมเท็ต:

กว่า 20 chanson

มีผลงานมากมายซึ่งเป็นของที่ถูกถาม Okegem ในหมู่พวกเขา motet ที่มีชื่อเสียง "Deo gratias" สำหรับ 36 เสียง ชานสันที่ไม่ระบุชื่อบางคนมีสาเหตุมาจาก Okegem บนพื้นฐานของความคล้ายคลึงกันในรูปแบบ

สิบสามฝูงของ Okegem ได้รับการเก็บรักษาไว้ในต้นฉบับของศตวรรษที่ 15 ที่รู้จักกันในชื่อ Chigi codex

ในหมู่มวลชน สี่ส่วนมีอำนาจเหนือกว่า มีห้าส่วนสองส่วนและหนึ่งส่วนแปดส่วน Okegem ใช้ท่วงทำนองพื้นบ้าน (“L’homme armé”) ทำนองของเขาเอง (“Ma maistresse”) หรือท่วงทำนองของผู้แต่งคนอื่นๆ (เช่น Benshua ใน “De plus en plus”) เป็นธีมของมวลชน มีมวลชนมากมายที่ไม่มีหัวข้อยืม ("Quinti toni", "Sine nomine", "Cujusvis toni")

Motets และ chanson

โมเท็ตและชานสันของ Okegem อยู่ติดกับฝูงของเขาโดยตรงและแตกต่างจากพวกมันในขนาดเป็นหลัก ในบรรดาโมเท็ตนั้นมีองค์ประกอบที่เขียวชอุ่มและรื่นเริง รวมทั้งการขับร้องประสานเสียงทางจิตวิญญาณที่เคร่งครัดยิ่งขึ้น

ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือโมเต็ตวันขอบคุณพระเจ้า "Deo gratias" ซึ่งเขียนขึ้นสำหรับองค์ประกอบเก้าส่วนสี่ส่วนและถือว่ามี 36 ส่วน อันที่จริง มันประกอบด้วยศีลเก้าส่วนสี่ข้อ (ในสี่ธีมที่แตกต่างกัน) ซึ่งตามมาทีละส่วนโดยมีการทับซ้อนกันเล็กน้อยของจุดเริ่มต้นของอันถัดไปในตอนท้ายของบทก่อนหน้า ในสถานที่ที่มีการทับซ้อนกันของเสียง 18 เสียง ไม่มีเสียงจริง 36 เสียงใน motet

งานที่น่าสนใจไม่น้อยคือผลงานของออร์ลันโด ลาสโซ นักแต่งเพลงชาวดัตช์ (ค.ศ. 1532-1594) ผู้สร้างผลงานมากกว่าสองพันชิ้นที่มีลักษณะทางศาสนาและทางโลก

Lasso เป็นนักแต่งเพลงที่มีผลงานมากที่สุดในยุคของเขา เนื่องจากมรดกของเขามีจำนวนมาก ความสำคัญทางศิลปะของผลงานของเขา (หลายงานได้รับมอบหมาย) ยังไม่ได้รับการชื่นชมอย่างเต็มที่

เขาทำงานเฉพาะในประเภทเสียงร้อง รวมถึงการเขียนมากกว่า 60 บท บทสวด ความปรารถนา 4 รอบ (สำหรับผู้ประกาศข่าวประเสริฐทุกคน) สำนักงานสัปดาห์ศักดิ์สิทธิ์ (คำปราศรัยของ Matins ในวันพฤหัสบดี Maundy, Good Friday และ Holy Saturday มีความสำคัญอย่างยิ่ง) มากกว่า 100 บทสวด เพลงสวด โฟเบอร์ดอน ประมาณ 150 ฟรังก์ ชานสัน (เพลงของเขา "Susanne un jour" การถอดความเรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิลของซูซานนา เป็นหนึ่งในบทละครที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในศตวรรษที่ 16), ภาษาอิตาลี (วิลลาเนลส์, โมเรสกี, แคนโซน) และเพลงเยอรมัน (มากกว่า 140 เพลงในลีเดอร์) ประมาณ 250 มาดริกาล

Lasso โดดเด่นด้วยการพัฒนาข้อความในภาษาต่างๆ อย่างละเอียดที่สุด ทั้งด้านพิธีกรรม (รวมถึงข้อความในพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์) และเรียบเรียงโดยอิสระ ความจริงจังและดราม่าของแนวคิด การขยายปริมาณทำให้ความแตกต่างขององค์ประกอบน้ำตาของเซนต์ปีเตอร์ (วงจรของมาดริกาลทางจิตวิญญาณ 7 เสียงในข้อโดย Luigi Tranzillo ตีพิมพ์ในปี ค.ศ. 1595) และ The Penitential Psalms of David (ต้นฉบับ 1571 ในรูปแบบโฟลิโอตกแต่ง) พร้อมภาพประกอบโดย G. Milich นำเสนอสื่อเกี่ยวกับชีวิต รวมถึงความบันเทิงทางดนตรีของศาลบาวาเรีย)

ในเวลาเดียวกันในดนตรีฆราวาส Lasso ก็ไม่ใช่คนแปลกหน้าสำหรับอารมณ์ขัน ตัวอย่างเช่นในชานสัน "ดื่มสามคนในงานเลี้ยง" (Fertur ใน conviviis vinus, vina, vinum) เกร็ดเล็กเกร็ดน้อยจากชีวิตของคนเร่ร่อนถูกเล่าขาน ในเพลงที่มีชื่อเสียง "Matona mia cara" ทหารเยอรมันร้องเพลงรักที่บิดเบือนคำภาษาอิตาลี ในเพลงสวด "Ut queant laxis" การแก้ปริศนาที่โชคร้ายถูกลอกเลียนแบบ บทละครสั้นที่สดใสของ Lasso จำนวนหนึ่งเขียนขึ้นด้วยบทกลอนที่ไร้สาระมาก ตัวอย่างเช่น ชานสัน "ผู้หญิงคนหนึ่งมองด้วยความสนใจในปราสาท / ธรรมชาติที่รูปปั้นหินอ่อน" (En un chasteau ma dame ...) และบางเพลง (โดยเฉพาะมอเรสกี) มีคำศัพท์ที่หยาบคาย

เพลงฆราวาสยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีหลายประเภท: มาดริกาล, เพลง, canzones ดนตรีเมื่อเลิกเป็น "ผู้รับใช้ของคริสตจักร" ตอนนี้เริ่มฟังไม่ใช่ภาษาละติน แต่เป็นภาษาแม่ของพวกเขา แนวเพลงฆราวาสที่ได้รับความนิยมมากที่สุดได้กลายเป็นเพลงมาดริกาล (Italian Madrigal - เพลงในภาษาแม่) - การแต่งประสานเสียงประสานเสียงที่เขียนบนข้อความของบทกวีบทกวีที่มีเนื้อหาเกี่ยวกับความรัก ส่วนใหญ่มักจะใช้บทกวีของอาจารย์ที่มีชื่อเสียง: Dante, Francesco Petrarca และ Torquato Tasso Madrigals ไม่ได้แสดงโดยนักร้องมืออาชีพ แต่โดยกลุ่มมือสมัครเล่นทั้งหมดซึ่งแต่ละส่วนนำโดยนักร้องคนเดียว อารมณ์หลักของเพลงมาดริกาลคือความโศกเศร้า โหยหา และความโศกเศร้า แต่ยังมีองค์ประกอบที่สนุกสนานและมีชีวิตชีวาอีกด้วย

เพื่อนร่วมวิจัยวัฒนธรรมดนตรี D.K. Kirnarskaya บันทึก:

“ Madrigal พลิกระบบดนตรีทั้งหมดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยากลับหัว: ความเป็นพลาสติกที่สม่ำเสมอและกลมกลืนของมวลทรุดตัวลง ... cantus firmus ที่คงเส้นคงวาซึ่งเป็นรากฐานของดนตรีทั้งหมดหายไป ... วิธีปกติของการพัฒนา 'การเขียนที่เข้มงวด' ... ให้ความแตกต่างทางอารมณ์และไพเราะของตอนแต่ละตอน เขาพยายามถ่ายทอดความคิดบทกวีที่มีอยู่ในข้อความให้แสดงออกมากที่สุด ในที่สุดมาดริกัลก็บ่อนทำลายกองกำลังที่อ่อนแอของ "รูปแบบที่เข้มงวด"

เพลงที่มาพร้อมกับเครื่องดนตรีเป็นแนวเพลงฆราวาสที่ได้รับความนิยมไม่น้อย ต่างจากเพลงที่เล่นในโบสถ์ เพลงนั้นค่อนข้างง่ายในการแสดง ข้อความคล้องจองแบ่งออกเป็น 4-6 บรรทัดอย่างชัดเจน ในเพลงเช่นเดียวกับเพลง Madrigal ข้อความนั้นมีความสำคัญมาก เมื่อทำการแสดง บทกวีไม่ควรขาดหายไปในการร้องเพลงแบบโพลีโฟนิก เพลงของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Clement Jeannequin (ประมาณ 1485-1558) มีชื่อเสียงเป็นพิเศษ Clement Jeannequin เขียนประมาณ 250 chanson ส่วนใหญ่สำหรับ 4 เสียงในข้อโดย Pierre Ronsard, Clement Marot, M. de Saint-Jelly กวีนิรนาม สำหรับอีก 40 chanson วิทยาศาสตร์สมัยใหม่โต้แย้งการประพันธ์ของ Janequin (ซึ่งไม่ได้ลดทอนคุณภาพของเพลงที่มีข้อโต้แย้งนี้เอง) ลักษณะเด่นที่สำคัญของดนตรีโพลีโฟนิกทางโลกคือแบบเป็นโปรแกรมและแบบภาพ ก่อนที่ตาของผู้ฟังจะมีภาพการต่อสู้ ("The Battle of Marignano", "The Battle of Renti", "The Battle of Metz"), ฉากล่าสัตว์ ("Singing of Birds", "Singing of the Nightingale", " สนุกสนาน") ฉากประจำวัน ("ผู้หญิงพูดพล่อย "). Janequin ถ่ายทอดบรรยากาศของชีวิตประจำวันในปารีสได้อย่างเต็มตาในเพลง "Screams of Paris" ซึ่งคุณจะได้ยินคำอุทานของพ่อค้าแม่ค้าข้างถนน ("Milk!" - "Pies!" - "Artichokes!" - "Fish!" - " ตรงกัน!" - "นกพิราบ!" - "รองเท้าเก่า!" - "ไวน์!") สำหรับความเฉลียวฉลาดในเนื้อสัมผัสและจังหวะ ดนตรีของ Janequin ในด้านความกลมกลืนและความแตกต่างยังคงเป็นแบบดั้งเดิม

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือจุดเริ่มต้น ความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงมืออาชีพ... ตัวแทนที่โดดเด่นของเทรนด์ใหม่นี้คือปาเลสไตน์ (1525-1594) อย่างไม่ต้องสงสัย มรดกของเขารวมถึงผลงานเพลงศักดิ์สิทธิ์และฆราวาสมากมาย: มวล 93 บท เพลงสวดและโมเท็ต 326 บท เขาเป็นผู้เขียนหนังสือมาดริกาลทางโลกสองเล่มตามถ้อยคำของเปตราช เป็นเวลานานที่เขาทำงานเป็นผู้อำนวยการประสานเสียงในมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ในกรุงโรม ดนตรีของคริสตจักรที่เขาสร้างขึ้นนั้นโดดเด่นด้วยความบริสุทธิ์และความรู้สึกที่ประเสริฐ ดนตรีฆราวาสของนักแต่งเพลงได้รับการเติมเต็มด้วยจิตวิญญาณและความกลมกลืนที่ไม่ธรรมดา

เราเป็นหนี้ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการก่อตั้ง เพลงบรรเลงเป็นรูปแบบศิลปะอิสระ ในเวลานี้ มีชิ้นส่วนเครื่องมือ การเปลี่ยนแปลง พรีลูด แฟนตาซี รอนโด และทอกกาตาจำนวนหนึ่งปรากฏขึ้น เครื่องดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุด ได้แก่ ออร์แกน ฮาร์ปซิคอร์ด วิโอลา ขลุ่ยประเภทต่างๆ และในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 - ไวโอลิน

ยุคเรอเนสซองส์จบลงด้วยแนวดนตรีใหม่: เพลงเดี่ยว oratorio และโอเปร่า ถ้าก่อนหน้านี้วัดเป็นศูนย์กลางของวัฒนธรรมดนตรี ในเวลานั้นดนตรีก็เริ่มดังขึ้นในโรงอุปรากร และมันก็เกิดขึ้นเช่นนี้

ในเมืองฟลอเรนซ์ของอิตาลีเมื่อปลายศตวรรษที่ 16 กวี นักแสดง นักวิทยาศาสตร์ และนักดนตรีที่มีความสามารถเริ่มรวมตัวกัน ไม่มีใครคิดถึงการค้นพบใด ๆ และยังเป็นผู้ที่ถูกลิขิตให้ปฏิวัติวงการศิลปะการละครและดนตรีอย่างแท้จริง กลับมาแสดงผลงานของนักเขียนบทละครชาวกรีกโบราณ พวกเขาเริ่มแต่งเพลงของตนเอง สอดคล้องกับความคิดของตน สอดคล้องกับธรรมชาติของละครโบราณ

สมาชิก กล้องตา(ตามที่เรียกว่าสังคมนี้) คิดอย่างรอบคอบเกี่ยวกับดนตรีประกอบของบทพูดคนเดียวและบทสนทนาของตัวละครในตำนาน นักแสดงต้องแสดงบทพูด บทบรรยาย(บทสวด, บทสวด). และถึงแม้ว่าคำนี้จะยังคงมีบทบาทนำในด้านดนตรี แต่ขั้นตอนแรกก็ถูกนำไปสู่การบรรจบกันและการหลอมรวมที่กลมกลืนกัน การแสดงดังกล่าวทำให้สามารถถ่ายทอดความมั่งคั่งของโลกภายในของบุคคล ประสบการณ์ส่วนตัว และความรู้สึกของเขาในระดับที่สูงขึ้น ตามส่วนเสียงร้องดังกล่าว arias- จบตอนในการแสดงดนตรีรวมถึงโอเปร่า

โรงละครโอเปร่าได้รับความรักอย่างรวดเร็วและได้รับความนิยมไม่เฉพาะในอิตาลีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประเทศอื่นๆ ในยุโรปด้วย

รายชื่อวรรณกรรมที่ใช้แล้ว

1) พจนานุกรมสารานุกรมของนักดนตรีรุ่นเยาว์ / คอมพ์ วี.วี. เมดูเชฟสกี้ O.O. โอชาคอฟสกายา - ม.: การสอน, 2528.

2) วัฒนธรรมศิลปะโลก จากจุดเริ่มต้นสู่ศตวรรษที่ 17: หนังสือเรียน สำหรับ 10 ซล. การศึกษาทั่วไป สถาบันด้านมนุษยธรรม / G.I. ดานิลอฟ. - ฉบับที่ 2, Stereotype. - ม.: บัสตาร์ด, 2548.

3) วัสดุจากคลังเพลงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: http://manfredina.ru/