Ang musika ng Renaissance, tulad ng pinong sining at panitikan, ay bumalik sa mga kahalagahan ng sinaunang kultura. Hindi lamang siya nasiyahan sa tainga, ngunit nagkaroon din ng isang espirituwal at emosyonal na epekto sa madla.

Ang pagbabagong-buhay ng sining at agham sa XIV-XVI siglo. ay isang panahon ng mahusay na pagbabago na minarkahan ang paglipat mula sa pamumuhay sa medyebal hanggang sa pagiging moderno. Ang pagkalkula at pagtugtog ng musika ay nakakuha ng espesyal na kabuluhan sa panahong ito. Ang mga humanista na nag-aral sa mga sinaunang kultura ng Greece at Roma ay nagpahayag ng pagsulat ng musika upang maging isang kapaki-pakinabang at marangal na trabaho. Ito ay pinaniniwalaan na ang bawat bata ay dapat malaman na kumanta at master ang paglalaro ng mga instrumento sa musika. Para dito, tinanggap ng mga kilalang pamilya ang mga musikero sa kanilang mga tahanan, upang bigyan sila ng mga aralin sa kanilang mga anak at aliwin ang mga panauhin.

Mga kilalang tool. Sa siglo XVI. lumitaw ang mga bagong instrumentong pangmusika. Ang pinakatanyag ay ang mga iyon, ang laro kung saan ibinigay sa mga mahilig sa musika nang madali at simple, nang hindi nangangailangan ng mga espesyal na kasanayan. Ang pinaka-karaniwang ay ang viola at mga kaugnay na plucked string. Si Viola ang nangunguna sa biyolin, at madali itong i-play salamat sa mga fret (kahoy na guhitan sa leeg) na nakatulong upang hampasin ang mga tamang tala. Ang tunog ng viola ay tahimik ngunit maganda ang tunog sa maliit na silid. Sa saliw ng isa pang fretted plucked na instrumento - ang lute - kinanta nila, tulad ng ngayon gamit ang isang gitara.

Sa oras na iyon, maraming mga tao ang mahilig maglaro ng recorder, plauta at mga sungay. Ang pinakamahirap na musika ay isinulat para sa mga bagong nilikha - harpsichord, virginela (Ingles harpsichord, na kapansin-pansin para sa maliit na sukat nito) at organ. Kasabay nito, ang mga musikero ay hindi nakalimutan na bumubuo ng mas simpleng musika na hindi nangangailangan ng mataas na kasanayan sa pagganap. Kasabay nito, may mga pagbabago sa notasyong pangmusika: ang mabigat na mga bloke ng pagpi-print ng kahoy ay pinalitan ng mga palipat-lipat na mga letra ng metal na naimbento ng Italian Ottaviano Petrucci. Ang nai-publish na mga gawaing musikal ay mabilis na nabili, higit pa at maraming tao ang nagsimulang makisali sa musika.

Mga direksyon ng musikal.

Ang mga bagong instrumento, sheet ng musika, at ang malawak na katanyagan ng musika ay nag-ambag sa pag-unlad ng musika ng silid. Tulad ng ipinahihiwatig ng pangalan nito, nilayon nitong i-play sa maliit na bulwagan sa harap ng isang maliit na madla. Mayroong maraming mga performers, tinig na pinangalanang ng boses, dahil ang sining ng pag-awit sa oras na iyon ay higit na binuo kaysa sa paglalaro ng musika. Bilang karagdagan, ang mga humanista ay nagtalo na ang nakikinig ay pinaka-apektado ng "makahimalang pagsasanib" ng dalawang sining - musika at tula. Kaya, sa Pransya, ang chanson (polyphonic song) ay tumayo bilang isang genre, at sa Italya - madrigal.

Chanson at madrigal.

Pagkakataon ng mga taong iyon ay ginanap sa maraming mga tinig tungkol sa pagpindot sa mga tula na may malawak na pampakay na hanay - mula sa kahanga-hangang tema ng pag-ibig hanggang sa pang-araw-araw na buhay sa kanayunan. Ang mga kompositor ay binubuo ng napaka-simpleng melodies para sa mga tula. Kasunod nito, ang madrigal ay ipinanganak mula sa tradisyon na ito - isang gawain para sa 4 o 5 tinig sa isang libreng tema ng patula.

Nang maglaon, na noong ika-16 na siglo, natapos ng mga kompositor na ang madrigal ay kulang ang lalim at kapangyarihan ng tunog, na palaging sinisikap para sa Sinaunang Greece at Roma, at nagsimulang mabuhay ang mga sinaunang musikal na kaliskis. Kasabay nito, ang isang matalim na pagbabago sa isang mabilis at maayos na bilis ay sumasalamin sa mga pagbabago sa kalagayan at emosyonal na estado.

Sa gayon, ang musika ay nagsimulang "magpinta ng mga salita" at sumasalamin sa mga damdamin. Halimbawa, ang isang pataas na tono ay maaaring nangangahulugang isang rurok (pataas), ang isang pababang tono ay maaaring mangahulugang isang lambak (isang kalungkutan ng kalungkutan), isang mabagal na tulin ay maaaring mangahulugang kalungkutan, isang pagbilis ng bilis at kaaya-ayang magkakasabay na himig ay maaaring mangahulugang kaligayahan, at ang isang sadyang mahaba at matalim na dissonance ay nangangahulugang kalungkutan at pagdurusa. Mas maaga ang musika ay pinamamahalaan ng pagkakaisa at pagkakaisa. Ngayon ito ay batay sa polyphonic at kaibahan, na sumasalamin sa mayaman na panloob na mundo ng tao. Ang musika ay naging mas malalim, nakakuha ito ng isang personal na karakter.

Saliw ng musikal.

Ang mga pagdiriwang at pagdiriwang ay isang tanda ng Renaissance. Ang mga tao ng panahong iyon ay ipinagdiwang ang lahat - mula sa mga araw ng mga santo hanggang sa pagdating ng tag-araw. Sa panahon ng mga prusisyon sa kalye, ang mga musikero at mang-aawit ay nagbabasa ng mga ballads, gumanap ang pinaka-kumplikadong mga madrigal, at nagsagawa ng mga dramatikong pagtatanghal mula sa isang yaman na pinalamutian na yugto sa mga gulong. Ang madla ay lalo na walang tiyaga na naghihintay ng "buhay na mga larawan" na may kasamang pang-musika at dekorasyon sa anyo ng isang mekanikal na ulap, kung saan nagmula ang diyos na inilarawan ng script.

Kasabay nito, ang pinakagagalak na musika ay binubuo para sa simbahan. Sa pamamagitan ng mga pamantayan ngayon, ang mga koro ay hindi napakalaki - mula 20 hanggang 30 katao, ngunit ang kanilang mga tinig ay pinalakas ng tunog ng trombones at mga trumpeta ng cornet na ipinakilala sa mga orkestra, at sa mga malaking pista opisyal (halimbawa, Pasko), ang mga mang-aawit ay natipon mula sa buong lugar sa isang malaking koro ... Ang Simbahang Katoliko lamang ang naniniwala na ang musika ay dapat maging simple at naiintindihan, at samakatuwid ay itinakda bilang isang halimbawa ng sagradong musika ng Giovanni Palestrina, na sumulat ng mga maikling gawa sa mga teksto sa espiritu. Dapat pansinin na kalaunan ang maestro mismo ay nahulog sa ilalim ng impluwensya ng nagpapahayag at malakas na "bagong" musika at nagsimulang magsulat ng napakalaking at makulay na mga gawa na nangangailangan ng maraming kasanayan sa pag-awit ng choral.

Sa panahon ng Renaissance, ang instrumental na musika ay malawak na binuo. Kabilang sa mga pangunahing musikal na instrumento ay ang lute, alpa, plauta, oboe, trumpeta, mga organo ng iba't ibang uri (positibo, portable), mga uri ng harpsichord; ang biyolin ay isang instrumento ng katutubong, ngunit sa pagbuo ng mga bagong string na bow na instrumento tulad ng viola, ito ay ang biyolin na nagiging isa sa mga nangungunang instrumento sa musika.

Kung ang kaisipan ng isang bagong panahon ay unang nagising sa tula, tumatanggap ng isang napakatalino na pag-unlad sa arkitektura at pagpipinta, pagkatapos ng musika, nagsisimula sa isang katutubong kanta, ay tumatagal ng lahat ng mga spheres ng buhay. Kahit na ang musika sa simbahan ay napapansin ngayon sa isang mas malawak, tulad ng mga pintura ng mga artista sa mga tema ng bibliya, hindi bilang isang sagrado, ngunit isang bagay na nagbibigay ng kagalakan at kasiyahan, na kung saan ang mga kompositor, musikero at koro mismo ang nag-alaga.

Sa isang salita, tulad ng sa tula, sa pagpipinta, sa arkitektura, mayroong isang pagbabagong punto sa pag-unlad ng musika, kasama ang pagbuo ng mga aesthetics ng musika at teorya, kasama ang paglikha ng mga bagong genre, lalo na ang mga synthetic na uri ng sining, tulad ng opera at ballet, na dapat na maipakita bilang Renaissance, ipinadala siglo.

Ang musika ng Netherlands noong ika-15 - ika-16 na siglo ay mayaman sa mga pangalan ng mga magagaling na kompositor, bukod sa mga ito ay si Joskin Despres (1440 - 1524), tungkol sa kanino sinulat ni Tsarlino at nagsilbi sa korte ng Pransya, kung saan nabuo ang paaralan ng Franco-Flemish. Ito ay pinaniniwalaan na ang pinakamataas na tagumpay ng mga musikero ng Dutch ay ang mass choral a capella, na katumbas ng hangarin na paitaas ng mga Gothic cathedrals.

Ang art art ay umuunlad sa Alemanya. Sa Pransya, ang mga kapilya ay nilikha sa korte, ang mga musikal na pagdiriwang ay naayos. Noong 1581, inaprubahan ni Henry III ang posisyon ng "punong intendant ng musika" sa korte. Ang unang "pangunahing hangarin ng musika" ay ang Italyanong violinist na si Baltazarini de Belgioso, na nagtanghal ng "The Comedy Ballet ng Queen", isang pagganap kung saan sa kauna-unahang pagkakataon na ang musika at sayaw ay ipinakita bilang isang pagkilos sa entablado. Ito ay kung paano bumangon ang ballet ng korte.

Si Clement Jeannequin (c. 1475 - c. 1560), isang natitirang kompositor ng Pranses na Renaissance, ay isa sa mga tagapagtatag ng genre ng polyphonic. Ito ay 4-5 na boses na komposisyon, tulad ng mga pantasya na kanta. Isang sekular na polyphonic song - chanson - ay kumalat sa labas ng Pransya.

Noong ika-16 siglo, unang kumalat ang musika sa pag-print. Noong 1516, si Andrea Antico, isang Roman-Venetian printer, naglathala ng isang koleksyon ng frottol para sa mga instrumento sa keyboard. Ang Italya ay nagiging sentro para sa paglikha ng mga harpsichord at violins. Maraming mga workshop ng violin ang binuksan. Ang isa sa mga unang tagagawa ay ang sikat na Andrea Amati mula sa Cremona, na naglatag ng pundasyon para sa dinastiya ng mga gumagawa ng biyolin. Gumawa siya ng mga makabuluhang pagbabago sa disenyo ng umiiral na mga violin, na pinabuting ang tunog, at dinala ito nang mas malapit sa modernong hitsura.

Si Francesco Canova da Milano (1497 - 1543) - isang natitirang manlalaro ng lute ng Italyano at tagagawa ng Renaissance, nilikha ang reputasyon ng Italya bilang isang bansa ng mga musikero ng virtuoso. Itinuturing pa rin siyang pinakamahusay na manlalaro ng lute sa lahat ng oras. Matapos ang pagtanggi ng huling bahagi ng Middle Ages, ang musika ay naging isang mahalagang elemento ng kultura.

Noong 1537 sa Naples, itinayo ng pari ng Espanya na si Giovanni Tapia ang kauna-unahang konserbatibong musikal na "Santa Maria di Loreto", na nagsilbing modelo para sa mga sumusunod.

Adrian Villart (c. 1490-1562) - Ang kompositor at guro ng Dutch, ay nagtrabaho sa Italya, kinatawan ng paaralan ng polyphonic Franco-Flemish (Dutch), na nagtatag ng paaralan ng Venetian. Bumuo ng musika si Willart para sa dobleng koro, ang tradisyon na ito ng maraming musikang musika ay maaabot ang rurok nito sa unang panahon ng Baroque sa gawain ni Giovanni Gabrieli.

Sa panahon ng Renaissance, ang madrigal ay umabot sa rurok nito at naging pinakasikat na genre ng musikal ng panahon. Hindi tulad ng mas maaga at simpleng mga madrigal ng panahon ng Trecento, ang mga madrigal ng Renaissance ay isinulat para sa maraming (4-6) tinig, madalas na ang kanilang mga tagalikha ay mga dayuhan na nagsilbi sa mga korte ng maimpluwensyang hilagang pamilya. Nanlaban ang mga Madrigalist na lumikha ng mataas na sining, na kadalasang ginagamit ang binagong tula ng magagaling na mga makatang Italyano noong huling Edad ng Edad: Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio, at iba pa. Ang pinaka-katangian na tampok ng madrigal ay ang kawalan ng mahigpit na istrukturang canon, ang pangunahing prinsipyo ay ang libreng pagpapahayag ng mga saloobin at damdamin.

Ang mga kompositor tulad ng kinatawan ng paaralan ng Venetian na si Cipriano de Rore at ang kinatawan ng Franco-Flemish na paaralan na si Roland de Lassus (Orlando di Lasso sa panahon ng kanyang buhay na malikhaing Italyano) ay nag-eksperimento sa pagtaas ng chromatism, pagkakaisa, ritmo, texture at iba pang paraan ng pagpapahayag ng musikal. Ang kanilang karanasan ay magpapatuloy at magtatapos sa pamamalakad ni Carlo Gesualdo.

Si Villanella ay isa pang mahalagang form ng kanta ng polyphonic. Ipinanganak sa batayan ng mga tanyag na kanta sa Naples, mabilis itong kumalat sa buong Italya at kalaunan ay nagpunta sa France, England, Germany. Ang villanella ng Italya noong ika-16 na siglo ay nagbigay ng isang malakas na impetus sa pagbuo ng mga hakbang sa chord at, bilang isang resulta, harmonic tonality.

Ang kapanganakan ng opera (Florentine camerata).

Ang pagtatapos ng Renaissance ay minarkahan ng pinakamahalagang kaganapan sa kasaysayan ng musikal - ang kapanganakan ng opera.

Ang isang pangkat ng mga humanista, musikero, makatang natipon sa Florence sa ilalim ng mga auspice ng kanilang pinuno, si Count Giovani De Bardi (1534-1612). Ang pangkat ay tinawag na Camerata, at ang mga pangunahing kasapi nito ay Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (ama ng astronomo na si Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri at Ottavio Rinuccini sa kanilang mga mas bata.

Ang unang dokumentadong pulong ng pangkat ay naganap noong 1573, at ang pinaka-aktibong taon ng trabaho ng "Florentine Camerata" ay 1577 - 1582.

Naniniwala sila na ang musika ay "lumala" at hinahangad na bumalik sa anyo at estilo ng sinaunang Greece, na naniniwala na ang sining ng musika ay maaaring mapabuti at, nang naaayon, ang lipunan ay mapapabuti din. Pinuna ni Camerata ang umiiral na musika para sa labis na paggamit ng polyphony hanggang sa pagkasira ng katalinuhan ng teksto at ang pagkawala ng poetic na bahagi ng akda, at iminungkahing lumikha ng isang bagong istilo ng musikal kung saan ang teksto sa istilo ng monodiko ay sinamahan ng instrumental na musika. Ang kanilang mga eksperimento ay humantong sa paglikha ng isang bagong boses at pang-musika form - recitative, unang ginamit ni Emilio de Cavalieri, na kalaunan ay direktang nauugnay sa pag-unlad ng opera.

Ang unang opisyal na kinikilala na opera upang matugunan ang mga modernong pamantayan ay ang opera na Daphne, na unang ipinakita noong 1598. Ang mga may-akda ng Daphne ay sina Jacopo Peri at Jacopo Corsi, libretto ni Ottavio Rinuccini. Ang opera na ito ay hindi nakaligtas. Ang unang nakaligtas na opera ay Eurydice (1600) ng parehong may-akda - si Jacopo Peri at Ottavio Rinuccini. Ang malikhaing unyon na ito ay lumikha pa rin ng maraming mga gawa, na karamihan sa mga nawala.

Northern revival.

Ang musika sa panahon ng Northern Renaissance ay kawili-wili din. Sa siglo XVI. nagkaroon ng isang mayaman na alamat, pangunahin sa boses. Tumunog ang musika sa lahat ng dako sa Alemanya: sa mga kapistahan, sa simbahan, sa mga kaganapan sa lipunan at sa isang kamping militar. Ang Digmaang Magsasaka at ang Repormasyon ay nagdulot ng isang bagong pag-aalsa sa mga katutubong kanta. Maraming nagpapahayag ng mga himno ng Lutheran, ang akda na hindi alam. Ang pagkanta sa korporasyon ay naging isang mahalagang anyo ng pagsamba sa Lutheran. Naimpluwensyahan ng chant ng Protestante ang pag-unlad ng lahat ng musika sa Europa.

Ang iba't ibang mga pormang pangmusika sa Alemanya noong ika-16 siglo. kamangha-manghang: mga ballet at mga opera ay itinanghal sa Shrovetide. Imposibleng hindi banggitin ang mga pangalan tulad ni K. Paumann, P. Hofheimer. Ito ang mga kompositor na bumubuo ng sekular at musika sa simbahan, lalo na para sa organ. Sinamahan sila ng pambihirang kompositor ng Franco-Flemish, isang kinatawan ng Dutch school na si O. Lasso. Nagtrabaho siya sa maraming mga bansa sa Europa. Pangkalahatan at makabagong nabuo ang mga nakamit ng iba't ibang mga European musikal na paaralan ng Renaissance. Master ng kulto at sekular na musika ng koro (higit sa 2000 na mga komposisyon.).

Ngunit ang totoong rebolusyon sa musikang Aleman ay ginawa ni Heinrich Schütz (1585-1672), kompositor, conductor, organista, guro. Ang nagtatag ng pambansang paaralan ng komposisyon, ang pinakamalaking sa mga nauna sa I.S. Bach. Isinulat ni Schütz ang unang opera ng Aleman na si Daphne (1627), ang opera-ballet na Orpheus at Eurydice (1638); madrigals, espiritwal na komposisyon ng cantata-oratorio ("hilig", konsiyerto, moteta, salmo, atbp.).

Ministri ng Edukasyon ng Russian Federation

Moscow State Open Pedagogical University

sila. M. A. Sholokhova

Kagawaran ng Aesthetic Education

SANAYSAY

"Music ng Renaissance"

Mga mag-aaral ng ika-5 (bilang) kurso

Buong oras - departamento ng pagsusulatan

Polegaeva Lyubov Pavlovna

Guro:

Zatsepina Maria Borisovna

Moscow 2005

Pagbabagong-buhay - ang panahon ng pag-unlad ng kultura ng mga bansa ng Kanluran at Gitnang Europa sa panahon ng paglipat mula sa Middle Ages hanggang sa modernong panahon (XV-XVII siglo). Ang kultura ng Renaissance ay hindi isang makitid na uri ng kalikasan at madalas na sumasalamin sa kalagayan ng malawak na masa; sa kulturang musikal ay kinakatawan nito ang ilang mga bagong maimpluwensyang malikhaing paaralan. Ang pangunahing pangunahing ideolohikal ng buong kultura ng panahong ito ay ang humanismo - isang bago, dati hindi nakikitang ideya ng tao bilang isang libre at komprehensibong binuo, na may kakayahang walang limitasyong pag-unlad. Ang tao ang pangunahing paksa ng sining at panitikan, pagkamalikhain ng pinakadakilang kinatawan ng kultura ng Renaissance - F. Petrarca at D. Boccacio, Leonardo da Vinci at Michelangelo, Raphael at Titian. Karamihan sa mga kulturang pangkultura sa panahong ito ay ang kanilang mga sarili maraming nalalaman mga taong likas na matalino. Kaya, si Leonardo da Vinci ay hindi lamang isang natitirang artista, kundi pati na rin ng isang iskultor, siyentista, manunulat, arkitekto, kompositor; Ang Michelangelo ay kilala hindi lamang bilang isang eskultor, kundi pati na rin ng isang pintor, makata, musikero.

Ang pag-unlad ng pananaw sa mundo at ang buong kultura sa panahong ito ay naipinta ng pagsunod sa mga antigong modelo. Sa musika, kasama ng mga bagong nilalaman, ang mga bagong anyo at genre ay nabubuo rin (mga kanta, madrigal, ballads, operas, cantatas, oratorios).

Para sa lahat ng integridad at pagkakumpleto ng kultura ng Renaissance sa pangunahing, nailalarawan ito ng mga salungat na tampok na nauugnay sa interweaving ng mga elemento ng bagong kultura kasama ang luma. Ang mga temang pangrelihiyon sa sining ng panahong ito ay patuloy na hindi lamang umiiral, kundi pati na rin upang mabuo. Kasabay nito, napabago nito na ang mga gawa na nilikha sa batayan nito ay napapansin bilang mga eksena ng genre mula sa buhay ng marangal at ordinaryong tao.

Ang kultura ng Italya ng Renaissance ay dumaan sa ilang mga yugto ng pag-unlad: na bumangon sa pagtatapos ng ika-14 na siglo, naabot nito ang rurok nito sa gitna ng ika-15 - unang bahagi ng ika-16 na siglo. Sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo. isang matagal na reaksyon ng pyudal na nagsimula dahil sa pagbagsak ng ekonomiya at politika sa bansa. Ang humanismo ay nasa krisis. Gayunpaman, ang pagtanggi sa sining ay hindi ipinapahiwatig kaagad: sa loob ng mga dekada, ang mga artista at makatang Italyano, mga iskultor at arkitekto ay lumikha ng mga gawa ng pinakamataas na halaga ng artistikong, ang pag-unlad ng mga relasyon sa pagitan ng iba't ibang mga paaralan ng malikhaing, ang pagpapalitan ng karanasan sa pagitan ng mga musikero na lumilipat mula sa bansa patungo sa bansa, na nagtrabaho sa iba't ibang mga kapilya, ay naging tanda oras at nagbibigay-daan sa amin upang pag-usapan ang tungkol sa mga uso na karaniwang sa buong panahon.

Ang Renaissance ay isa sa mga napakatalino na pahina sa kasaysayan ng kulturang musikal ng Europa. Ang konstelasyon ng mga dakilang pangalan ng Josquin, Obrecht, Palestrina, O. Lasso, Gesualdo, na nagbukas ng mga bagong horizon para sa pagkamalikhain ng musika sa paraan ng pagpapahayag, kayamanan ng polyphony, laki ng mga form; yumayabong at husay na pag-update ng tradisyonal na genre - motet, masa; ang pagtatatag ng isang bagong imahinasyon, mga bagong intonasyon sa larangan ng mga komposisyon ng kanta ng polyphonic, ang mabilis na pag-unlad ng instrumental na musika, na dumating sa unahan pagkatapos ng halos limang siglo ng subordination: iba pang mga anyo ng paglalaro ng musika, ang paglago ng propesyonalismo sa lahat ng mga lugar ng pagkamalikhain ng musika: isang pagbabago sa pananaw sa papel at posibilidad ng musikal na sining, ang pagbuo ng bago pamantayan ng kagandahan: humanismo bilang isang tunay na umuusbong na kalakaran sa lahat ng spheres ng sining - lahat ng ito ay konektado sa aming mga ideya tungkol sa Renaissance. Ang masining na kultura ng Renaissance ay isang pansariling prinsipyo batay sa agham. Ang hindi pangkaraniwang kumplikadong kasanayan ng mga polyphonists noong ika-15 - ika-16 na siglo, ang kanilang virtuoso na pamamaraan ay pinagsama sa maliwanag na sining ng pang-araw-araw na pagsayaw, pagiging sopistikado ng mga sekular na genre. Ang Lyric at drama ay lalong ipinahayag sa kanyang mga gawa. Bilang karagdagan, ang pagkatao ng may-akda, ang malikhaing pagkatao ng artist (ito ay katangian hindi lamang ng musikal na sining) ay mas malinaw na ipinahayag sa kanila, na nagpapahintulot sa amin na magsalita ng pagkatao bilang pangunahing nangungunang prinsipyo ng sining ng Renaissance. Kasabay nito, ang musika sa simbahan, na kinakatawan ng maraming malalaking genre bilang masa at motet, sa isang tiyak na lawak ay nagpapatuloy ang linya ng "Gothic" sa sining ng Renaissance, na naglalayong pangunahin sa pag-alis ng umiiral na kanon at, sa pamamagitan nito, sa pagluluwalhati sa Banal.

Ang mga gawa ng halos lahat ng mga pangunahing genre, parehong sekular at ispiritwal, ay batay sa ilang dating kilalang musikal na materyal. Maaari itong maging isang mapagkukunan ng monophonic sa mga motet at iba't ibang mga sekular na genre, mga instrumental na pag-aayos; maaaring ito ay dalawang boses, hiniram mula sa isang tatlong bahagi na komposisyon at kasama sa isang bagong gawain na pareho o isang magkakaibang genre, at, sa wakas, isang buong tatlo o apat na bahagi (motet, madrigal, naglalaro ng papel ng isang uri ng paunang "modelo" ng isang gawa ng isang mas malaking anyo (masa).

Ang pangunahing mapagkukunan ay pantay na sikat, kilalang melody (chorale o sekular na kanta) at gawa ng ilang may akda (o mga tinig mula dito), na pinoproseso ng iba pang mga kompositor at, nang naaayon, na pinagkalooban ng iba't ibang mga tampok ng tunog, isang naiibang artistikong ideya.

Sa genre ng isang motet, halimbawa, halos walang mga gawa na walang orihinal na orihinal. Karamihan sa mga masa ng mga kompositor ng ika-15 - ika-16 na siglo ay mayroon ding pangunahing mapagkukunan: halimbawa, sa Palistrina, sa kabuuan ng higit sa isang daang masa, nakita lamang namin ang anim na nakasulat sa isang walang bayad na paghiram. Si O. Lasso ay hindi sumulat ng isang solong masa (wala sa 58) batay sa materyal ng may-akda.

Kasabay nito, mapapansin na ang bilog ng mga pangunahing mapagkukunan sa materyal na kung saan umaasa ang mga may-akda ay malinaw na ipinahiwatig. Si G. Dufay, I. Okegem, J. Obrecht, Palestrina, O. Lasso at iba pa ay tila nakikipagkumpitensya sa isa't isa, muli at muling tinutukoy ang parehong mga melodies, pagguhit mula sa kanila tuwing ang mga bagong artistic impulses para sa kanilang mga gawa, reinterpreting himig bilang paunang mga prototype ng intonation para sa mga polyphonic form.

Kapag gumaganap ng piraso, ginamit ang pamamaraan - polyphony. Ang polyphony ay polyphony kung saan ang lahat ng mga tinig ay pantay. Ang lahat ng mga tinig ay inuulit ang parehong melody, ngunit sa iba't ibang oras, tulad ng isang echo. Ang diskarteng ito ay tinatawag na imitasyon polyphony.

Noong ika-15 siglo, ang tinatawag na "mahigpit na pagsulat" na polyphony ay humuhubog, ang mga patakaran (pamantayan ng pamamahala ng boses, paghuhubog, atbp.) Na kung saan ay naayos sa teoretikal na mga paksang sa oras na iyon at hindi nababago na batas sa paglikha ng musika ng simbahan.

Ang isa pang kumbinasyon, kapag binibigkas ng mga gumaganap ang iba't ibang mga melodies at iba't ibang mga teksto nang sabay-sabay, ay tinatawag na kontras polyphony. Sa pangkalahatan, ang estilo ng "mahigpit" ay kinakailangang presupposes ng isa sa dalawang uri ng polyphony: imitasyon o kabaligtaran. Ito ay imitasyon at kontras polyphony na naging posible upang magsulat ng mga polyphonic motet at masa para sa mga serbisyo sa simbahan.

Ang Motet ay isang maliit na awit ng koro na karaniwang binubuo sa isang tanyag na himig, na kadalasang sa isa sa mga dating tugtog ng simbahan ("Gising na Gregorian" at iba pang mga kanonikal na mapagkukunan, pati na rin ang katutubong musika).

Mula nang pasimula ng ika-15 siglo, ang musikal na kultura ng isang bilang ng mga bansang Europeo ay naging higit pa at natatanging mga tampok na likas sa Renaissance. Kilala sa mga naunang polyphonists ng Dutch Renaissance, si Guillaume Dufay (Dufay) ay ipinanganak sa Flanders bandang 1400. Ang kanyang mga gawa, sa katunayan, ay kumakatawan sa higit sa kalahating siglo sa kasaysayan ng Dutch na paaralan ng musika, na nabuo sa ikalawang quarter ng ika-15 siglo.

Pinamunuan ni Dufay ang ilang mga kapilya, kabilang ang papal sa Roma, nagtrabaho sa Florence at Bologna, at ginugol ang mga huling taon ng kanyang buhay sa kanyang katutubong Cambrai. Ang pamana ni Dufay ay mayaman at sagana: kabilang dito ang tungkol sa 80 mga kanta (mga kasarian sa silid - virale, ballads, rondo), mga 30 motet (parehong espirituwal na nilalaman at sekular, "kanta"), 9 buong masa at kanilang mga indibidwal na bahagi.

Isang mahusay na melodist na nakamit ang liriko na init at melodic expression, bihira sa panahon ng mahigpit na istilo, kusang-loob siyang bumaling sa mga katutubong melodies, pinapasukang ito sa pinaka-sanay na pagproseso. Dufay nagdadala ng maraming mga bagong bagay sa Misa: pinalawak niya ang komposisyon ng buong mas malawak, ginagamit ang mga pagkakaiba ng tunog ng choral. Ang ilan sa kanyang pinakamahusay na komposisyon ay ang masa na "The Pale Face", "The Armed Man", kung saan ginamit ang hiniram na melodies ng parehong pangalan ng pinagmulan ng kanta. Ang mga awiting ito, sa iba't ibang mga bersyon, ay bumubuo ng isang malawak na saklaw ng intonasyon-pampakay na batayan na humahawak ng pagkakaisa ng mga malalaking mga siklo ng choral. Sa pagpapaliwanag ng polyphonic ng isang kamangha-manghang counterpointist, inihayag nila ang mga nakatago sa kanilang kalaliman, na dati nang hindi kilalang kagandahan at nagpapahayag ng mga posibilidad. Ang himig ni Dufay ay maayos na pinagsasama ang tart freshness ng Dutch song na may paglambot ng melodiousness ng Italya at biyaya ng Pransya. Ang imitasyon na polyphony nito ay wala ng pagkamalikhain at pag-iipon. Minsan ang pagiging malumanay ay nagiging labis, lumilitaw ang mga voids. Dito, hindi lamang ang kabataan ng sining, na hindi pa natagpuan ang perpektong balanse ng istraktura, ay masasalamin, kundi pati na rin ang nagsusumikap na katangian ng master ng Cambrian upang makamit ang isang masining at nagpapahayag na resulta ng pinaka-katamtaman na paraan.

Ang gawain ng mga nakababatang kontemporaryo ni Dufay - sina Johannes Okegem at Jacob Obrecht - ay tinukoy na ang tinatawag na pangalawang paaralan ng Dutch. Ang parehong mga kompositor ay ang pinakadakilang mga pigura ng kanilang oras, na nagpasiya sa pagbuo ng Dutch polyphony sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo.

Si Johannes Okegem (1425 - 1497) ay nagtrabaho sa karamihan ng kanyang buhay sa ilalim ng kapilya ng mga hari sa Pransya. Sa harap ng Okegem sa harap ng Europa, na naiimpluwensyahan ng malambot, malambing na liriko ni Dufay, ang mahinahong maamo at archaically light euphony ng kanyang masa at motets, isang ganap na magkakaibang artista ang lumitaw - isang "nakapangangatwiran na may masamang mata" at isang sopistikadong teknikal na panulat, na kung minsan ay iniiwasan ang lyricism at pinilit na makunan ng higit pa sa musika, ang ilang mga sobrang pangkalahatang batas ng pagkakaroon ng layunin. Natuklasan niya ang isang napakalaking kasanayan sa pagbuo ng mga melodic na linya sa mga polyphonic ensembles. Ang ilang mga tampok na gothic ay likas sa kanyang musika: imahinasyon, di-indibidwal na katangian ng pagpapahayag, atbp. Binubuo niya ang 11 kumpletong masa (at isang bilang ng kanilang mga bahagi), kasama ang temang "The Armed Man", 13 motet at 22 kanta. Ito ang malalaking mga polyphonic genres na nasa unang lugar sa kanya. Ang ilan sa mga kanta ni Okegem ay nakakuha ng katanyagan sa mga kontemporaryo at higit sa isang beses nagsilbi bilang pangunahing batayan para sa mga pag-aayos ng polyphonic sa mas malalaking porma.

Ang halimbawa ng malikhaing Okegem bilang isang mahusay na master at dalisay na polyphonist ay may kahalagahan sa kanyang mga kontemporaryo at tagasunod: ang kanyang hindi kompromiso na pokus sa mga espesyal na problema ng polyphony inspirasyon na paggalang, kung hindi paghanga, ito ay nagbunga ng isang alamat at pinapalibutan ang kanyang pangalan ng isang halo.

Kabilang sa mga naka-link sa ika-15 siglo sa susunod na hindi lamang sunud-sunod, kundi pati na rin sa kakanyahan ng pag-unlad ng malikhaing, ang unang lugar, walang alinlangan, ay kabilang sa Jacob Obrecht. Siya ay ipinanganak noong 1450 sa Bergen op Zoom. Si Obrecht ay nagtrabaho sa mga kapilya ng Antwerp, Cambrai, Bruges at iba pa, at nagsilbi rin sa Italya.

Kabilang sa masining na pamana ng Obrecht ang 25 masa, tungkol sa 20 motet, 30 mga polyphonic na kanta. Mula sa kanyang mga nauna at mas matandang kontemporaryo, nagmana siya ng isang lubos na binuo, kahit na ang virtuoso polyphonic technique, imitasyon-canonical na pamamaraan ng polyphony. Sa musika ng Obrecht, ganap na polyphonic, kung minsan ay naririnig natin ang isang espesyal na lakas ng kahit na impersonal na emosyon, ang katapangan ng mga kaibahan sa malaki at maliit na mga limitasyon, medyo "makalupa", halos araw-araw na koneksyon sa likas na katangian ng mga tunog at mga detalye ng pagbuo ng form. Ang kanyang pananaw sa mundo ay tumigil sa pagiging gothic. Gumagalaw siya sa direksyon ni Josquin Despres - ang tunay na kinatawan ng Renaissance sa musikal na sining.

Ang estilo ng Obrecht ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga indibidwal na tampok, kabilang ang isang pag-alis mula sa Gothic detachment, na nagiging sanhi ng pagsalungat, ang lakas ng emosyon, at koneksyon sa mga genre ng pang-araw-araw na buhay.

Ang unang ikatlo ng ika-16 na siglo sa Italya ay ang panahon ng Mataas na Renaissance, isang oras ng pag-upo ng malikhaing at walang uliran na pagiging perpekto, na isinama sa mga dakilang gawa ni Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo. Ang isang tiyak na sosyal na stratum ay umuusbong, sa tulong ng kung saan ang mga teatro at mga musikal na pagdiriwang ay naayos. Ang mga aktibidad ng iba't ibang mga art academies ay umuunlad.

Maya-maya, isang panahon ng mataas na kasaganaan ay nagsisimula sa musikal na sining, at hindi lamang sa Italya, kundi pati na rin sa Alemanya, Pransya at iba pang mga bansa. Ang pag-imbento ng notasyong pangmusika ay napakahalaga para sa pagpapakalat ng mga gawaing pangmusika.

Ang mga tradisyon ng paaralan ng polyphonic ay matatag pa rin (lalo na, ang pag-asa sa isang modelo ay may parehong kahulugan tulad ng dati), ngunit ang saloobin sa pagpili ng mga tema ay nagbabago, ang emosyonal-figurative saturation ng mga gawa ay tumataas, at ang personal, ang prinsipyo ng may-akit ay tumitindi. Ang lahat ng mga tampok na ito ay maliwanag na sa gawain ng kompositor ng Italya na si Josquin Despres, na ipinanganak sa paligid ng 1450 sa Burgundy at isa sa mga pinakadakilang kompositor ng paaralan ng Dutch noong huli na ika-15 - unang bahagi ng ika-16 na siglo. Pinagkalooban ng isang napakahusay na boses at pakikinig, mula sa kanyang kabataan ay nagsilbi siyang isang mang-aawit ng koro sa mga koro ng simbahan sa kanyang sariling bayan at sa ibang mga bansa. Ito maaga at malapit na pakikipag-ugnay sa mataas na kulturang sining, ang aktibo at praktikal na asimilasyon ng mahusay na masining na kayamanan ng musika ng kulto na higit sa lahat ay tinutukoy ang direksyon kung saan ang pagkatao ng hinaharap na henyo master, ang kanyang estilo at interes ng genre ay pagkatapos ay nabuo.

Sa kanyang mga mas bata na taon, pinag-aralan ni Despres ang sining ng komposisyon kasama ang I. Okegem, na kasama rin siyang naging soloista sa paglalaro ng iba't ibang mga instrumento sa musika.

Nang maglaon, sinubukan ni Josquin Despres ang kanyang kamay sa lahat ng mga genre ng musikal na umiiral sa oras na iyon, lumilikha ng mga salmo, motet, masa, musika para sa Passion of the Lord, mga komposisyon bilang karangalan kay San Maria at sekular na mga kanta.

Ang unang bagay na nakakakuha ng mata sa mga gawa ni Despres ay ang kapansin-pansin na diskarteng kontra na nagpapahintulot sa may-akda na isaalang-alang na isang totoong counterpoint virtuoso. Gayunpaman, sa kabila ng kanyang kumpletong kasanayan sa materyal, isinulat ni Despres nang napakabagal, napaka-kritikal na isinasaalang-alang ang kanyang mga gawa. Sa panahon ng pagsubok ng pagganap ng mga komposisyon, gumawa siya ng maraming mga pagbabago sa kanila, sinusubukan upang makamit ang isang hindi nagkakamali na euphony, na hindi niya sinakripisyo upang kontra-punctual plexus.

Gamit lamang ang mga form na polyphonic, ang kompositor sa ilang mga kaso ay nagbibigay sa itaas na tinig ng isang hindi pangkaraniwang maganda na umaagos na melody, salamat sa kung saan ang kanyang trabaho ay nakikilala hindi lamang sa pamamagitan ng euphony, kundi pati na rin ng himig.

Hindi nais na lumampas sa mahigpit na pagkontra, inihahanda sila ni Despres na mapahina ang mga dissonance, gamit ang isang hindi magandang pagsulat sa nakaraang consonance sa anyo ng isang katugma. Ang Despres din ay matagumpay na gumagamit ng mga dissonance bilang isang paraan upang mapahusay ang pagpapahayag ng musikal.

Dapat tandaan na ang J. Despres ay maaaring wastong maisaalang-alang hindi lamang isang matalino na kontrangalista at sensitibong musikero, kundi pati na rin isang mahusay na artista, na may kakayahang ibigay ang pinaka banayad na mga nuances ng damdamin at iba't ibang mga pakiramdam sa kanyang mga gawa.

Teknikal at mas malakas si Josquin kaysa sa ika-15 siglo na mga polyphonist ng Italyano at Pranses. Iyon ang dahilan kung bakit, sa purong musikal na larangan, naimpluwensyahan niya ang mga ito kaysa sa karanasan ng kanilang impluwensya sa kanyang sarili. Hanggang sa kanyang kamatayan, pinangunahan ni Despres ang pinakamahusay na mga kapilya sa Roma, Florence, Paris. Siya ay palaging pantay na nakatuon sa kanyang trabaho, na nag-aambag sa pagkalat at pagkilala sa musika. Nanatili siyang isang Dutchman, isang "master mula sa Kondé". At hindi mahalaga kung gaano napakatalino ang mga nakamit at parangal sa dayuhan, kahit na may kasiglahan na naibigay sa "panginoon ng musika" (tulad ng tawag sa kanya ng kanyang mga kontemporaryo), siya, na sumunod sa hindi mapaglabanan na "tawag ng mundo", na sa kanyang tinanggihan na mga taon ay bumalik sa mga bangko ng Scheldt at katamtaman na natapos ang kanyang buhay bilang isang kanon ...

Sa Italya, sa High Renaissance, umuunlad ang mga sekular na genre. Bumubuo ang mga vokal genres sa dalawang pangunahing direksyon - ang isa sa mga ito ay malapit sa pang-araw-araw na kanta at sayaw (frotola, villanella, atbp.), Ang iba pa ay nauugnay sa tradisyon ng polyphonic (madrigal).

Ang Madrigal bilang isang espesyal na pormasyong pangmusika at patula ay nagbigay ng pambihirang mga pagkakataon para sa pagpapakita ng sariling katangian ng kompositor. Ang pangunahing nilalaman ng kanyang lyrics, mga eksena sa genre. Ang mga genre ng musikang entablado ay umusbong sa paaralan ng Venetian (isang pagtatangka na muling buhayin ang sinaunang trahedya). Ang mga instrumento form (piraso para sa lute, vihuela, organ at iba pang mga instrumento) ay nakakuha ng kalayaan.

Listahan ng mga sanggunian:

Efremova T.F. Bagong diksyunaryo ng wikang Ruso. Tolkovo - derivational. - M .: Rus. yaz .., 2000 –T. 1: A-O - 1209 p.

Isang Maikling Diksyon ng Aesthetics. M., Politizdat, 1964.543 p.

Mga Sikat na Kasaysayan ng Musika.

Tikhonova A.I Renaissance at ang Baroque: Isang libro para sa pagbabasa - M .: OOO "Publishing house" ROSMEN - PRESS ", 2003. - 109 p.

Renaissance, o Renaissance (fr. renaissance), - isang pagwawakas sa kasaysayan ng kultura ng mga mamamayan ng Europa. Sa Italya, ang mga bagong uso ay lumitaw sa pagliko ng mga siglo XIII-XIV, sa iba pang mga bansa sa Europa - sa mga siglo XV-XVI. Kinilala ng mga figure ng Renaissance ang tao - ang kanyang mabuti at karapatang palayain ang personal na pag-unlad - bilang pinakamataas na halaga. Ang pananaw sa mundo na ito ay tinatawag na "humanism" (mula sa Latin humanus - "tao", "human"). Ang mga humanista ay naghahanap para sa perpekto ng isang magkakasuwato na tao sa sinaunang panahon, at ang sinaunang sining ng Greek at Roman ay nagsilbi sa kanila bilang isang modelo para sa malikhaing pagkamalikhain. Ang pagnanais na "muling buhayin" ang sinaunang kultura ay nagbigay ng pangalan sa isang buong panahon - ang Renaissance, ang panahon sa pagitan ng Middle Ages at New Age (mula sa gitna ng ika-17 siglo hanggang sa kasalukuyan).

Ang sining, kabilang ang musika, pinaka-ganap na sumasalamin sa Renaissance worldview. Sa panahong ito, pati na rin sa Middle Ages, ang musika ng bokal na pang-simbahan ay may pangunahing papel. Ang pag-unlad ng polyphony ay humantong sa paglitaw ng polyphony (mula sa salitang Greek "polis" - "marami" at "background" - "tunog", "boses"). Sa ganitong uri ng polyphony, lahat ng mga tinig sa trabaho ay pantay. Hindi lamang kumplikado ng polyphony ang gawain, ngunit pinayagan ang may-akda na ipahiwatig ang kanyang personal na pag-unawa sa teksto at binigyan ang musika ng isang napakahusay na damdamin. Ang komposisyon ng polyphonic ay nilikha alinsunod sa mahigpit at kumplikadong mga patakaran, na nangangailangan ng malalim na kaalaman at kasanayan ng virtuoso mula sa kompositor. Ang mga relihiyon at sekular na genre na binuo sa loob ng balangkas ng polyphony.

Paaralan ng polyphonic ng Dutch. Ang Netherlands ay isang makasaysayang rehiyon sa hilagang-kanluran ng Europa, na kinabibilangan ng mga teritoryo ng modernong Belgium, Holland, Luxembourg at Northeheast France. Sa pamamagitan ng ika-XV siglo. Naabot ng Netherlands ang isang mataas na antas ng ekonomiya at kultura at naging isang maunlad na bansa sa Europa.

Dito nabuo ang Dutch polyphonic school - isa sa pinakamalaking phenomena ng Renaissance music. Para sa pagpapaunlad ng sining noong ika-15 siglo, ang komunikasyon sa pagitan ng mga musikero mula sa iba't ibang bansa at ang impluwensya ng isa't isa ng mga malikhaing paaralan ay may kahalagahan. Ang paaralan ng Dutch ay sumisipsip sa mga tradisyon ng Italya, Pransya, England at Netherlands mismo.

Ang mga natatanging kinatawan nito: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (mga 1400 - 11/27/1474, Cambrai), kompositor ng Franco-Flemish, isa sa mga tagapagtatag ng paaralan ng Dutch. Ang mga pundasyon ng tradisyon ng polyphonic sa Dutch na musika ay inilatag ni Guillaume Dufay (mga 1400-1474). Ipinanganak siya sa Cambrai sa Flanders (isang lalawigan sa timog ng Netherlands) at kumanta sa isang koro ng simbahan mula sa murang edad. Kaayon, ang hinaharap na musikero ay kumuha ng mga pribadong aralin sa komposisyon. Sa kanyang kabataan, si Dufay ay nagpunta sa Italya, kung saan isinulat niya ang kanyang mga unang komposisyon - mga ballads at motet. Noong 1428-1437. nagsilbi siya bilang isang mang-aawit sa kapilya kapel sa Roma; sa parehong taon siya ay naglalakbay sa Italya at Pransya. Noong 1437, ang kompositor ay naorden. Sa korte ng Duke of Savoy (1437-1439), binubuo niya ang musika para sa mga seremonya at pista opisyal. Si Dufay ay lubos na iginagalang ng mga marangal na tao - kabilang sa kanyang mga humanga ay, halimbawa, ang mag-asawang Medici (pinuno ng lungsod ng Italya ng Florence). [Nagtrabaho sa Italya at Pransya. Noong 1428-37 siya ay isang mang-aawit ng mga kapilya kapilya sa Roma at iba pang mga lunsod ng Italya, noong 1437-44 nagsilbi siya kasama ang Duke ni Savoy. Mula noong 1445, ang canon at direktor ng mga aktibidad na musikal ng katedral sa Cambrai. Master ng ispiritwal (3-, 4-boses na masa, motet), pati na rin sekular (3-, 4-boses na Pranses na chanson, mga awit na Italyano, balada, rondo) na mga kaugnay na mga katutubong polyphony at ang kulturang humanistic ng Renaissance. Ang sining ni Dante, na sumisipsip sa mga nagawa ng European music art, ay may malaking impluwensya sa karagdagang pag-unlad ng musika ng polyphonic ng Europa. Isa rin siyang repormador ng notasyon ng musikal (D. pinasasalamatan sa pagpapakilala ng mga tala na may mga puting ulo). Ang kumpletong nakolekta na gawa ng D. na inilathala sa Roma (6 vols., 1951-66).] Si Dufay ang una sa mga kompositor na nagsimulang sumulat ng Mass bilang isang integral na komposisyon ng musikal. Ang paglikha ng musika sa simbahan ay nangangailangan ng isang pambihirang talento: ang kakayahang magpahayag ng abstract, hindi materyal na mga konsepto sa pamamagitan ng kongkreto, materyal na paraan. Ang paghihirap ay namamalagi sa katotohanan na ang gayong komposisyon, sa isang banda, ay hindi iniiwan ang nakikinig sa walang pakialam, at sa kabilang banda, ay hindi nakakagambala sa banal na serbisyo, ay nakakatulong na mag-focus nang mas malalim sa panalangin. Marami sa mga misa ni Dufay ay inspirasyon, puno ng panloob na buhay; tila makakatulong sila upang buksan ang tabing ng Banal na paghahayag nang ilang sandali.

Kadalasan, kapag lumilikha ng isang Misa, kumuha si Dufay ng isang kilalang melody, kung saan idinagdag niya ang kanyang sarili. Ang ganitong mga paghiram ay katangian ng Renaissance. Itinuring na napakahalaga na ang batayan ng Misa ay dapat na batay sa isang pamilyar na himig na madaling makilala ng mga sumasamba kahit sa isang polyphonic piraso. Ang isang fragment ng Gregorian chant ay madalas na ginagamit; ang mga sekular na gawa ay hindi kasama.

Bilang karagdagan sa musika sa simbahan, binubuo ng mga motet ang Dufay para sa sekular na mga teksto. Gumamit din siya ng mga komplikadong pamamaraan ng polyphonic sa kanila.

Josquin Despres (1440-1521). Ang kinatawan ng Dutch na polyphonic school ng ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. ay si Josquin Despres (mga 1440-1521 o 1524), na may malaking impluwensya sa gawain ng susunod na henerasyon ng mga kompositor. Sa kanyang kabataan siya ay naglingkod bilang isang choir ng simbahan sa Cambrai; kumuha ng mga aralin sa musika mula sa Okegem. Sa edad na dalawampu't, ang batang musikero ay dumating sa Italya, kumanta sa Milan kasama ang mga pinuno ng Sforza (kalaunan ang dakilang artista ng Italya na si Leonardo da Vinci ay naglingkod dito) at sa papal kapilya sa Roma. Sa Italya, malamang na sinimulan ni Despres ang pagbubuo ng musika. Sa umpisa pa lamang ng siglo XVI. lumipat siya sa Paris. Sa oras na iyon, kilala na si Despres, at inanyayahan siya sa posisyon ng musikero ng korte ng Pranses na hari na si Louis XII. Simula noong 1503, muling tumira si Despres sa Italya, sa lungsod ng Ferrara, sa korte ng Duke d'Este.Nagsama si Despres, at ang kanyang musika ay mabilis na nakakuha ng pagkilala sa pinakamalawak na lupon: kapwa maharlika at karaniwang mga tao ang nagmamahal sa kanya. gumagana, ngunit din sekular. Sa partikular, lumingon siya sa uri ng awit ng katutubong katutubong Italyano - frottola (Italian frottola, mula sa frotta - "karamihan ng tao"), na kung saan ay nailalarawan sa isang ritmo ng sayaw at isang mabilis na tulin.Sa musika ng simbahan, ipinakilala ni Despres ang mga tampok ng mga sekular na gawa: sariwa , ang intonasyon ng live na sinira ang mahigpit na detatsment at nagdulot ng isang pakiramdam ng kagalakan at kapunuan ng pagiging.Ngayon, ang kahulugan ng proporsyon ng tagagawa ay hindi nagbago.Ang diskarteng polyphonic ni Despres ay hindi nakikilala sa pamamagitan ng pagiging sopistikado.Ang kanyang mga gawa ay elegante simple, ngunit naramdaman nila ang malakas na talino ng may-akda.Ito ang lihim ng katanyagan ng kanyang mga likha. ...

Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Ang mga nakababatang kontemporaryo ng Guillaume Dufay ay sina Johannes (Jean) Okegem (circa 1425-1497) at Jacob Obrecht. Tulad ni Dufay, ang Okegem ay nagmula sa Flanders. Sa buong buhay niya ay nagsipag siya; bilang karagdagan sa pag-compose ng musika, kumilos siya bilang pinuno ng kapilya. Lumikha ang kompositor ng labing limang labing masa, labing tatlong motet, higit sa dalawampung chanson. Ang mga gawa ni Okegem ay nailalarawan sa pamamagitan ng kalubhaan, konsentrasyon, pangmatagalang pag-unlad ng dumadaloy na mga linya ng melodic. Binibigyang pansin niya ang diskarteng polyphonic, pinagsikapan para sa lahat ng mga bahagi ng masa na mahahalata bilang isang solong. Ang malikhaing sulat-kamay ng tagagawa ay nahulaan din sa kanyang mga kanta - halos wala silang liblib na kadiliman, sa pagkatao ay mas naaalala nila ang mga moteta, at kung minsan kahit na mga fragment ng masa. Si Johannes Okegem ay iginagalang pareho sa bahay at sa ibang bansa (siya ay hinirang na tagapayo sa King of France). Si Jacob Obrecht ay isang chorister sa mga katedral sa iba't ibang mga lungsod ng Netherlands, pinangunahan ang mga kapilya; sa loob ng maraming taon na nagsilbi siya sa korte ng Duke d'Este sa Ferrara (Italya) .Siya ay may-akda ng dalawampu't limang masa, dalawampung motet, tatlumpong chanson.Gamit ang mga nagawa ng kanyang mga nauna, nagdala si Obrecht ng maraming mga bagong bagay sa tradisyon ng polyphonic.Ang kanyang musika ay puno ng mga kaibahan, matapang kahit na tinugunan ng kompositor. sa mga tradisyonal na genre ng simbahan.

Ang maraming kakayahan at lalim ng pagkamalikhain ni Orlando Lasso. Ang pagkumpleto ng kasaysayan ng musikang Renaissance ng Dutch ay ang gawain ng Orlando Lasso (totoong pangalan at apelyido na Roland de Lasso, circa 1532-1594), na tinawag ng kanyang mga kapanahon na "Belgian Orpheus" at "Prinsipe ng Musika". Si Lasso ay ipinanganak sa Mons (Flanders). Mula sa pagkabata siya ay kumanta sa koro ng simbahan, na tinutuya ang mga parokyano na may magandang tinig. Si Gonzaga, Duke ng lungsod ng Italya ng Mantua, hindi sinasadyang narinig ang batang mang-aawit at inanyayahan siya sa kanyang sariling kapilya. Matapos ang Mantua, ang Lasso ay nagtrabaho sa isang maikling panahon sa Naples, at pagkatapos ay lumipat sa Roma - doon natanggap niya ang posisyon ng pinuno ng kapilya ng isa sa mga katedral. Sa edad na dalawampu't lima, ang Lasso ay kilala bilang isang kompositor, at ang kanyang mga gawa ay hinihingi sa mga publisher ng musika. Noong 1555, ang unang koleksyon ng mga gawa ay nai-publish, na naglalaman ng mga motet, madrigal at chanson. Pinag-aralan ni Lasso ang lahat ng pinakamahusay na nilikha ng kanyang mga nauna (komposisyon ng Dutch, Pranses, Aleman at Italya) at ginamit ang kanilang karanasan sa kanyang gawain. Bilang isang hindi pangkaraniwang tao, si Lasso ay nagpupumilit upang malampasan ang kakaibang katangian ng musika ng simbahan, upang mabigyan ito ng sariling katangian. Para sa layuning ito, ang kompositor kung minsan ay gumagamit ng mga motibo ng genre (mga tema ng mga katutubong kanta, mga sayaw), sa gayon ay pinagsama ang simbahan at sekular na mga tradisyon. Pinagsama ni Lasso ang pagiging kumplikado ng diskarteng polyphonic na may mahusay na emosyonalidad. Magaling siya lalo na sa mga madrigaliko, sa mga teksto na kung saan ang estado ng pag-iisip ng mga character ay ipinahayag, halimbawa, Luha ni San Pedro "(1593) sa mga taludtod ng makatang Italyano na si Luigi Tranzillo. Ang kompositor ay madalas na sumulat para sa isang malaking bilang ng mga tinig (lima hanggang pito), kaya ang kanyang mga gawa ay mahirap maisagawa. ...

Mula sa 1556 si Orlando Lasso ay nakatira sa Munich (Alemanya), kung saan pinamunuan niya ang kapilya. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, ang kanyang awtoridad sa mga musikal at artistikong bilog ay napakataas, at ang kanyang katanyagan ay kumalat sa buong Europa. Ang Dutch polyphonic school ay may malaking impluwensya sa pagbuo ng musikal na kultura ng Europa. Ang mga prinsipyo ng polyphony na binuo ng mga kompositor ng Dutch ay naging unibersal, at maraming mga artistikong pamamaraan ang ginamit sa kanilang gawain ng mga kompositor na noong ika-20 siglo.

Pransya. Para sa Pransya, ang ika-15-ika-16 na siglo ay naging isang panahon ng mahalagang pagbabago: ang Daang Daang Digmaan (1337-1453) kasama ang Inglatera, sa pagtatapos ng ika-15 siglo. ang pag-iisa ng estado ay nakumpleto; noong ika-16 na siglo, nakaranas ang bansa ng mga giyera sa relihiyon sa pagitan ng mga Katoliko at mga Protestante. Sa isang malakas na estado na may ganap na monarkiya, tumaas ang papel ng mga pagdiriwang sa korte at mga pagdiriwang ng mga tao. Nag-ambag ito sa pag-unlad ng sining, lalo na ang musika na sinamahan ng gayong mga pagkilos. Ang bilang ng mga vocal at instrumental na ensembles (chapels at consorts), na binubuo ng isang makabuluhang bilang ng mga performer, ay tumaas. Sa panahon ng mga kampanyang militar sa Italya, nakilala ng mga Pranses ang mga nagawa ng kulturang Italyano. Lubos silang nadama at tinanggap ang mga ideya ng Renaissance ng Italya - humanismo, nagsusumikap para sa pagkakatugma sa mundo sa kanilang paligid, para sa kasiyahan sa buhay.

Kung sa Italya ang musikal na Renaissance ay nauugnay lalo na sa Misa, kung gayon ang mga kompositor ng Pransya, kasama ang musika ng simbahan, ay nagbigay ng espesyal na pansin sa sekular na polyphonic song - chanson. Ang interes sa ito sa Pransya ay lumitaw sa unang kalahati ng ika-16 na siglo, nang mailathala ang isang koleksyon ng mga musikal na piraso ni Clement Jannequin (mga 1485-1558). Ito ang kompositor na itinuturing na isa sa mga tagalikha ng genre.

Ang pangunahing choral programmatic na gawa ni Clement Janequin (1475-1560). Bilang isang bata, kumanta si Jannequin sa isang choir ng simbahan sa kanyang bayan ng Chatellerault (Central France). Nang maglaon, tulad ng iminumungkahi ng mga istoryador ng musika, nag-aral siya kasama ang Dutch master na si Josquin Desprez o kasama ang isang kompositor mula sa kanyang entourage. Matapos matanggap ang pag-orden ng isang pari, si Zhaneken ay nagtrabaho bilang isang direktor ng koro at organista; pagkatapos ay inanyayahan siyang maglingkod ng Duke ng Guise. Noong 1555 ang musikero ay naging isang mang-aawit ng Royal Chapel, at noong 1556-1557. - ang kompositor ng korte ng hari. Si Clement Jeannequin ay lumikha ng dalawang daan at walumpung chanson (nai-publish sa pagitan ng 1530 hanggang 1572); nagsulat ng musika sa simbahan - masa, motet, salmo. Ang kanyang mga kanta ay madalas na nakalarawan. Mga larawan ng labanan ("The Battle of Marignano", "The Battle of Renta", "The Battle of Metz"), mga eksena sa pangangaso ("The Hunt"), mga imahe ng kalikasan ("Birdsong", "Nightingale", "Lark" ), pang-araw-araw na mga eksena ("Women chatter"). Sa kamangha-manghang matingkad, pinamamahalaan ng kompositor na maihatid ang kapaligiran ng pang-araw-araw na buhay sa Paris sa chanson na "Screams of Paris": ipinakilala niya ang mga exclamations ng mga nagbebenta sa teksto ("Gatas!" - "Pie!" - "Artichokes!" - "Isda!" - "Mga Tugma!" - "Mga Doves! ! "-" Lumang sapatos! "-" Alak! "). Si Janequin ay halos hindi gumamit ng mahaba at dumadaloy na mga tema para sa mga indibidwal na tinig at kumplikadong mga diskarteng polyphonic, na nagbibigay ng kagustuhan sa mga tawag sa roll, repetitions, onomatopoeia.

Ang isa pang direksyon ng musika sa Pransya ay nauugnay sa pan-European na kilusan ng Repormasyon.

Sa mga serbisyo sa simbahan, pinabayaan ng mga French Protestante (Huguenots) ang Latin at polyphony. Ang banal na musika ay nakakuha ng isang mas bukas, demokratikong pagkatao. Ang isa sa mga maliwanag na kinatawan ng tradisyong ito ng musikal ay si Claude Gudimel (sa pagitan ng 1514 hanggang 1520-1572) - ang may-akda ng mga salmo sa mga teksto sa bibliya at chant ng mga Protestante.

Chanson. Ang isa sa mga pangunahing genre ng musikal ng Pranses na Renaissance ay ang chanson (French chanson - "song"). Ang mga pinagmulan nito ay nasa katutubong sining (mga tula ng mga tula ng epikong alamat ay inilipat sa musika), sa sining ng mga pang-agham na abala at trouvers. Sa mga tuntunin ng nilalaman at kalooban, ang chanson ay maaaring magkakaiba-iba - mayroong mga pag-ibig ng kanta, araw-araw, nakakatawa, panunumbat, atbp. Ang mga kompositor ay kumuha ng mga katutubong tula at modernong tula bilang mga teksto.

Italya. Sa simula ng Renaissance, ang araw-araw na paggawa ng musika sa iba't ibang mga instrumento ay kumakalat sa Italya; lumitaw ang mga bilog ng mga mahilig sa musika. Sa larangan ng propesyonal, dalawa sa pinakamalakas na paaralan ang nabuo: ang Roman at ang Venetian.

Madrigal. Sa panahon ng Renaissance, nadagdagan ang papel ng mga sekular na genre. Sa siglo XIV. sa musika ng Italya ang madrigal ay lumitaw (mula sa pozlnelat. matricale - "isang awit sa katutubong wika"). Nabuo ito batay sa mga awit ng katutubong (pastol). Ang mga Madrigal ay mga kanta para sa dalawa o tatlong tinig, na madalas na walang kasamang instrumento. Isinulat ang mga ito sa mga taludtod ng makabagong makatang Italyano, na nagsabi tungkol sa pag-ibig; mayroong mga kanta sa pang-araw-araw at paksa ng mitolohiya.

Sa panahon ng ikalabing limang siglo, ang mga kompositor ay halos hindi na bumaling sa ganitong genre; ang interes sa kanya ay muling nabuhay noong ika-16 na siglo. Ang isang tampok na katangian ng madrigal na ika-16 siglo ay ang malapit na koneksyon sa pagitan ng musika at tula. Sinusunod ng musika ang teksto, na sumasalamin sa mga kaganapan na inilarawan sa patula na mapagkukunan. Sa paglipas ng panahon, nabuo ang mga kakaibang melodic na simbolo, na nagsasaad ng malambot na mga buntong-hininga, luha, atbp Sa mga gawa ng ilang mga kompositor, ang simbolismo ay pilosopiko, halimbawa, sa madrigal na Gesualdo di Venosa "Namatay ako, hindi nasisiyahan" (1611).

Ang heyday ng genre ay bumagsak sa pagliko ng siglo XVI-XVII. Minsan, sabay-sabay sa pagganap ng kanta, ang balangkas nito ay nilaro. Si Madrigal ay naging batayan ng madrigal comedy (komposisyon ng koro batay sa teksto ng isang paglalaro ng komedya), na naghanda ng hitsura ng opera.

Roman polyphonic paaralan. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Ang pinuno ng paaralan ng Roma ay si Giovanni Pierluigi da Palestrina, isa sa mga pinakadakilang kompositor ng Renaissance. Ipinanganak siya sa lungsod ng Italya ng Palestrina, pagkatapos nito natanggap ang kanyang apelyido. Mula sa pagkabata, kumanta si Palestrina sa koro ng simbahan, at sa pag-abot sa pagtanda, inanyayahan siya sa post ng conductor (pinuno ng koro) sa Basilica ni San Pedro; kalaunan ay naglingkod siya sa Sistine Chapel (ang kapilya ng korte ng Papa).

Ang Roma, ang sentro ng Katolisismo, ay nakakaakit ng maraming nangungunang musikero. Sa iba't ibang oras, ang mga Dutch masters, polyphonists Guillaume Dufay at Josquin Despres ay nagtrabaho dito. Ang kanilang nabuo na pamamaraan ng pag-compose minsan ay nakagambala sa pang-unawa sa teksto ng serbisyo: nawala ito sa likod ng katangi-tanging interweaving ng mga tinig at ang mga salita, sa katunayan, ay hindi narinig. Samakatuwid, ang mga awtoridad ng simbahan ay nag-iingat sa mga ganyang gawa at isinulong ang pagbabalik ng monopolyo batay sa mga chorian ni Gregorian. Ang tanong ng pinahihintulutan ng polyphony sa musika ng simbahan ay tinalakay kahit sa Council of Trent ng Simbahang Katoliko (1545-1563). Malapit sa Papa, kinumbinse ng Palestrina ang mga pinuno ng Simbahan ng posibilidad na lumikha ng mga gawa kung saan ang pamamaraan ng compositional ay hindi makagambala sa pag-unawa sa teksto. Bilang patunay, binubuo niya ang Misa ni Pope Marcello (1555), na pinagsasama ang kumplikadong polyphony na may malinaw at nagpapahayag na tunog ng bawat salita. Kaya, ang musikero na "nai-save" propesyonal na polyphonic na musika mula sa pag-uusig sa mga awtoridad ng simbahan. Noong 1577, inanyayahan ang kompositor na talakayin ang unti-unting reporma - isang koleksyon ng mga sagradong chants ng Simbahang Katoliko. Noong 80s. Inorden ang Palestrina, at noong 1584 ay naging isang miyembro ng Lipunan ng Masters of Music - isang samahan ng mga musikero na direktang nasasakop sa Santo Papa.

Ang pagkamalikhain ng Palestrina ay natamo ng isang maliwanag na saloobin. Ang mga gawa na nilikha niya ay namamangha sa kanyang mga kapanahon na may pinakamataas na kasanayan at dami (higit sa isang daang masa, tatlong daang motet, isang daang madrigal) Ang pagiging kumplikado ng musika ay hindi naging isang hadlang sa pang-unawa nito. Alam ng kompositor kung paano makahanap ng isang gitnang lupa sa pagitan ng pagiging sopistikado ng mga komposisyon at ang kanilang pag-access sa nakikinig. Nakita ng Palestrina ang pangunahing gawain ng malikhaing sa pagbuo ng isang mahalagang mahalagang gawain. Ang bawat tinig sa kanyang mga chants ay bubuo nang nakapag-iisa, ngunit sa parehong oras ay bumubuo ng isang solong buo kasama ang natitira, at madalas ang mga tinig ay nagdaragdag ng kamangha-manghang magagandang kumbinasyon ng mga chord. Kadalasan ang melody ng itaas na boses ay lumalakad sa iba pa, na binabalangkas ang "simboryo" ng polyphony; lahat ng boses ay likido at binuo.

Ang mga musikero ng susunod na henerasyon ay itinuturing na sining ni Giovanni da Palestrina na maging ehemplo, klasikal. Maraming mga natitirang kompositor ng ika-17 na ika-18 siglo ang nag-aral sa kanyang mga gawa.

Ang isa pang direksyon ng musika ng Renaissance ay nauugnay sa gawain ng mga kompositor ng paaralan ng Venetian, ang tagapagtatag ng kung saan ay si Adrian Villart (circa 1485-1562). Ang kanyang mga mag-aaral ay ang organista at kompositor na si Andrea Gabrieli (sa pagitan ng 1500 at 1520 - pagkatapos ng 1586), ang kompositor na si Ricoian de Pope (1515 o 1516-1565) at iba pang mga musikero. Habang ang mga gawa ng Palestrina ay nailalarawan sa pamamagitan ng kaliwanagan at mahigpit na pagpigil, si Willart at ang kanyang mga tagasunod ay nakabuo ng isang malago na istilo ng koro. Upang makamit ang tunog ng paligid, naglalaro ng mga timbres, gumamit sila ng ilang mga koro sa kanilang mga komposisyon, na matatagpuan sa iba't ibang mga lugar ng templo. Ang paggamit ng mga tawag sa roll sa pagitan ng mga koro ay posible upang punan ang puwang ng simbahan ng mga hindi pa naganap na mga epekto. Ang diskarte na ito ay sumasalamin sa mga makataong mga mithiin ng panahon bilang isang buo - kasama ang kasiyahan, kalayaan, at ang tradisyon ng artistikong Venetian mismo - kasama ang pagsusumikap para sa lahat ng maliwanag at hindi pangkaraniwang. Sa mga gawa ng mga panginoon ng Venetian, ang wikang pangmusika ay naging mas kumplikado: napuno ito ng mga naka-bold na kumbinasyon ng mga chord, hindi inaasahang mga pagkasira.

Ang isang kamangha-manghang figure na Renaissance ay si Carlo Gesualdo di Venosa (circa 1560-1613), prinsipe ng lungsod ng Venosa, isa sa mga pinakadakilang masters ng sekular na madrigal. Nakakuha siya ng katanyagan bilang isang pilantropo, tagapaghugas ng liriko, tagagawa. Si Prince Gesualdo ay magkaibigan sa makatang Italyano na si Torquato Tasso; mayroon pa ring kagiliw-giliw na mga titik kung saan tinalakay ng parehong artista ang mga isyu ng panitikan, musika, at masining na sining. Marami sa mga tula ni Tasso Gesualdo di Venosa ang naitakda sa musika - ito ay kung paano lumitaw ang isang bilang ng mga lubos na artistikong madrigal. Bilang isang kinatawan ng huli na Renaissance, ang kompositor ay bumuo ng isang bagong uri ng madrigal, kung saan ang mga damdamin ay nasa unang lugar - marahas at hindi nahulaan. Samakatuwid, ang kanyang mga gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga pagbabago sa dami, intonasyon, na katulad ng mga buntong-hininga at kahit na mga hikbi, matunog na tunog na mga chord, magkakaibang mga pagbabago sa tempo. Ang mga pamamaraan na ito ay nagbigay ng musika ni Gesualdo ng isang nagpapahayag, medyo kakaibang karakter, namangha ito at sa parehong oras ay nakakaakit ng mga kontemporaryo. Ang pamana ni Gesualdo di Venosa ay binubuo ng pitong koleksyon ng mga polyphonic madrigals; kabilang sa mga gawaing espiritwal - "Banal na Chants". Ang kanyang musika ngayon ay hindi iniwan ang nakikinig sa walang pakialam.

Pag-unlad ng mga genre at anyo ng musikang pang-instrumento. Ang instrumental na musika ay minarkahan din ng paglitaw ng mga bagong genre, lalo na ang instrumental na konsiyerto. Ang violin, harpsichord, organ ay unti-unting naging mga instrumento sa solo. Ang musika na isinulat para sa kanila ay posible upang ipakita ang talento hindi lamang para sa kompositor, kundi pati na rin para sa tagapalabas. Ang pagiging malaswa (ang kakayahang makayanan ang mga paghihirap sa teknikal) ay pinahahalagahan, na unti-unting natapos sa kanyang sarili at isang masining na halaga para sa maraming mga musikero. Ang mga kompositor ng ika-17 na ika-18 siglo ay kadalasang hindi lamang binubuo ng musika, ngunit pinatugtog din nang mahusay ang mga instrumento at nakikibahagi sa aktibidad ng pedagogical. Ang kagalingan ng artist na higit sa lahat ay nakasalalay sa tiyak na kliyente. Bilang isang patakaran, ang bawat malubhang musikero ay humingi ng lugar sa korte ng isang monarko o isang mayaman na aristocrat (maraming mga miyembro ng maharlika ay may sariling orkestra o mga bahay ng opera), o sa isang templo. Bukod dito, ang karamihan sa mga kompositor ay madaling pinagsama ang paggawa ng musika sa simbahan na may serbisyo sa isang sekular na patron.

Inglatera. Ang buhay sa kultura ng Inglatera sa panahon ng Renaissance ay malapit na nauugnay sa Repormasyon. Noong ika-16 na siglo ang Protestantismo ay kumalat sa buong bansa. Ang Simbahang Katoliko ay nawala ang nangingibabaw na posisyon, ang Anglican Church ay naging estado ng isa, na tumanggi na kilalanin ang ilang mga dogmas (pangunahing mga probisyon) ng Katolisismo; ang karamihan sa mga monasteryo ay tumigil na. Ang mga pangyayaring ito ay naka-impluwensya sa kulturang Ingles, kabilang ang musika. Binuksan ang mga departamento ng musika sa Mga Unibersidad sa Oxford at Cambridge. Sa mga salon ng kadakilaan, ang mga instrumento sa keyboard ay tumunog: birhen (isang uri ng harpsichord), portable (maliit) na organ, atbp. Ang mga maliit na komposisyon na inilaan para sa musika sa bahay ay popular. Ang pinakatanyag na kinatawan ng kulturang musikal ng panahong iyon ay si William Bird (1543 o 1544-1623), isang publisher ng musika, organista at kompositor. Ang ibon ay naging ninuno ng English madrigal. Ang kanyang mga gawa ay nakikilala sa kanilang pagiging simple (iniiwasan niya ang mga kumplikadong pamamaraan ng polyphonic), ang pagka-orihinal ng form na sumusunod sa teksto, at nakakapinsalang kalayaan. Ang lahat ng mga nangangahulugang musikal ay inilaan upang kumpirmahin ang kagandahan at kagalakan ng buhay kumpara sa kalubhaan at pagpigil sa medieval. Maraming tagasunod ang kompositor sa genre ng madrigal.

Lumikha din ang mga ibon ng mga espiritwal na gawa (masa, salmo) at nakatulong musika. Sa kanyang mga komposisyon para sa birhen, gumamit siya ng mga motibo mula sa mga katutubong kanta at sayaw.

Nais ng tagagawa ng musika na isinulat niya sa "maligayang pagdala ng kahit kaunting lambing, pagpapahinga at libangan" - ito ang isinulat ni William Bird sa paunang salita sa isa sa kanyang mga koleksyon ng musikal.

Alemanya. Ang koneksyon ng kulturang musikal ng Aleman kasama ang kilusang Repormasyon. Noong ika-16 na siglo, nagsimula ang Repormasyon sa Alemanya, na makabuluhang nagbago sa buhay ng relihiyon at kultura ng bansa. Ang mga pinuno ng Repormasyon ay kumbinsido sa pangangailangan ng mga pagbabago sa musikal na nilalaman ng pagsamba. Ito ay dahil sa dalawang kadahilanan. Sa kalagitnaan ng ika-15 siglo. ang polyphonic na kasanayan ng mga kompositor na nagtatrabaho sa mga genre ng musika ng simbahan ay umabot sa pambihirang pagiging kumplikado at pagiging sopistikado. Minsan, ang mga gawa ay nilikha na, dahil sa mayaman na melodic ng mga tinig at mahahabang chants, ay hindi malalaman at espiritwal na naranasan ng karamihan ng mga parishioner. Bilang karagdagan, ang serbisyo ay isinagawa sa Latin, naintindihan ng mga Italiano, ngunit dayuhan sa mga Aleman.

Ang nagtatag ng kilusang Repormasyon na si Martin Luther (1483-1546) ay naniniwala na kailangan ang isang reporma sa musika ng simbahan. Una, ang musika ay dapat magsulong ng isang mas aktibong pakikilahok ng mga parishioner sa pagsamba (imposible kapag nagsasagawa ng mga komposisyon ng polyphonic), at pangalawa, dapat itong lumikha ng empatiya para sa mga kaganapan sa bibliya (na hinadlangan ng pagsasagawa ng serbisyo sa Latin). Kaya, ang mga sumusunod na kinakailangan ay ipinataw sa pag-awit ng simbahan: pagiging simple at kaliwanagan ng melody, kahit na ritmo, malinaw na anyo ng pag-chanting. Sa batayan na ito, lumitaw ang Protestant na chant - ang pangunahing uri ng musika ng simbahan ng Renaissance ng Aleman. Noong 1522, isinalin ni Luther ang Bagong Tipan sa Aleman - mula ngayon posible na ipagdiwang ang mga banal na serbisyo sa kanilang sariling wika.

Si Luther mismo at ang kanyang kaibigan, ang teoristang musika ng Aleman na si Johann Walter (1490-1570), ay kumuha ng isang aktibong bahagi sa pagpili ng mga melodies para sa mga chorales. Ang mga pangunahing mapagkukunan ng mga tulad na melodies ay mga katutubong espirituwal at sekular na mga kanta - malawak na kilala at madaling maunawaan. Pinagsama ni Luther ang mga melodies para sa ilan sa mga chorales mismo. Ang isa sa kanila, "Ang Panginoon ang ating suporta," ay naging isang simbolo ng Repormasyon sa mga digmaang pang-relihiyon noong ika-16 na siglo.

Meistersingers at ang kanilang sining. Ang isa pang maliwanag na pahina ng musika ng Renaissance ng Aleman ay nauugnay sa gawain ng Meistersinger (German Meistersinger - "master singer") - mga makata na mang-aawit mula sa mga artista. Hindi sila mga propesyonal na musikero, ngunit higit sa lahat ng mga manggagawa - mga panday, pang-akit, glazier, tagagawa, mga panadero, atbp. Noong ika-16 siglo, ang mga asosasyon ng Meistersinger ay umiiral sa maraming mga lungsod ng Aleman.

Ang mga Meistersingers ay binubuo ang kanilang mga kanta ayon sa mahigpit na mga patakaran, ang malikhaing inisyatibo ay napahiya ng maraming mga paghihigpit. Ang isang nagsisimula ay dapat munang makabisado ang mga patakarang ito, pagkatapos ay alamin kung paano gumanap ng mga kanta, pagkatapos ay isulat ang mga lyrics sa mga melodies ng ibang tao, at pagkatapos ay makagawa siya ng kanyang sariling kanta. Ang mga melodies ng sikat na meistersinger at minnesinger ay itinuturing na mga melodies.

Natitirang Meistersinger ng ika-16 na siglo Si Hans Sachs (1494-1576) ay nagmula sa isang pamilya ng isang sastre, ngunit sa kanyang kabataan ay iniwan niya ang kanyang tahanan ng magulang at nagtungo sa paglalakbay sa Alemanya. Sa kanyang pagalaala, natutunan ng binata ang bapor ng isang tagagawa ng isang tagabaril, ngunit pinakamahalaga, nakilala niya ang katutubong sining. Si Sachs ay mahusay na pinag-aralan, alam nang mabuti ang sinaunang at medyebal na panitikan, basahin ang Bibliya sa pagsasalin Aleman. Labis siyang nasiyahan sa mga ideya ng Repormasyon, samakatuwid ay isinulat niya hindi lamang ang mga sekular na kanta, kundi pati na ang mga espiritwal (mga anim na libong mga kanta sa kabuuan). Si Hans Sachs ay naging sikat din bilang isang playwright (tingnan ang artikulong "Theatrical art of the Renaissance").

Mga instrumentong pangmusika ng Renaissance. Sa panahon ng Renaissance, ang komposisyon ng mga instrumento ng musikal na makabuluhang pinalawak, ang mga bagong varieties ay idinagdag sa mayroon nang mga string at hangin. Kabilang sa mga ito, ang isang espesyal na lugar ay inookupahan ng mga viols - isang pamilya ng baluktot na mga string, kapansin-pansin sa kanilang kagandahan at maharlika ng tunog. Sa anyo, kahawig nila ang mga instrumento ng modernong pamilya ng biyolin (violin, viola, cello) at itinuturing kahit na sila ay direktang nauna (sila ay pinagsama sa pagsasanay sa musikal hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo). Gayunpaman, ang pagkakaiba, at makabuluhan, ay naroroon pa rin. Ang Violas ay may isang sistema ng resonating string; bilang isang patakaran, mayroong ilan sa kanila bilang mga pangunahing (anim hanggang pito). Ang mga panginginig ng boses ng mga sumasalamin na mga string ay gumagawa ng tunog ng viola na malambot, makinis, ngunit ang instrumento ay mahirap gamitin sa isang orkestra, dahil mabilis itong nawala sa tono dahil sa malaking bilang ng mga string.

Sa loob ng mahabang panahon, ang tunog ng viola ay itinuturing na isang halimbawa ng pagiging sopistikado sa musika. Mayroong tatlong pangunahing uri sa pamilya ng viola. Ang Viola da gamba ay isang malaking instrumento na inilalagay nang patayo at ang clamp mula sa mga tagiliran gamit ang kanyang mga paa (ang salitang Italya na gamba ay nangangahulugang "tuhod"). Dalawang iba pang mga varieties - viola da braccio (mula sa Italyano braccio - "forearm") at paglabag sa d "cupid (fr. Viole d" amour - "viola of love") ay naka-orient nang pahalang, at kapag nilalaro, sila ay pinindot sa balikat. Ang Viola da gamba ay malapit sa cello sa mga tuntunin ng tunog range, viola da braccio - sa violin, at paglabag sa d "cupid - sa viola.

Kabilang sa mga nasaksak na mga instrumento ng Renaissance, ang pangunahing lugar ay inookupahan ng lute (Polish lutnia, mula sa Arabong "alud" - "puno"). Dumating ito sa Europa mula sa Gitnang Silangan sa pagtatapos ng ika-14 na siglo, at sa pagsisimula ng ika-16 na siglo mayroong isang malaking repertoire para sa instrumento na ito; una sa lahat, ang mga kanta ay ginanap sa samahan ng panlikod. Ang lute ay may isang maikling katawan; ang itaas na bahagi ay patag at ang ibabang ay kahawig ng isang hemisphere. Ang isang fretboard ay nakadikit sa malawak na leeg, at ang ulo ng instrumento ay baluktot pabalik sa isang tamang anggulo. Kung nais mo, maaari mong makita ang pagkakahawig sa isang mangkok sa hugis ng isang lute. Labindalawang string ay pinagsama-sama sa mga pares, at ang tunog ay ginawa kapwa may mga daliri at may isang espesyal na plato - isang pick.

Sa mga siglo XV-XVI, lumitaw ang iba't ibang uri ng mga keyboard. Ang mga pangunahing uri ng naturang mga instrumento - ang harpsichord, clavichord, harpsichord, at virginel - ay aktibong ginagamit sa musika ng Renaissance, ngunit ang kanilang tunay na heyday dumating pagkatapos.

Noong ika-19 na siglo, ginamit ng istoryador na si Jules Michelet ang konsepto ng Renaissance. Ang mga musikero at kompositor na tinalakay sa artikulo ay kabilang sa panahon na nagsimula noong ika-14 na siglo, nang ang pangunguna sa pangunguna ng medieval ay pinalitan ng sekular na kultura na may interes nito sa tao.

Renaissance musika

Ang mga bansa sa Europa ay pumasok sa isang bagong panahon sa iba't ibang oras. Ilang maaga pa ay bumangon sila sa Italya, ngunit ang paaralan ng Dutch ay nanaig sa kulturang musikal, kung saan sa kauna-unahang pagkakataon sa mga katedral na espesyal na metrizas (mga kanlungan) ay nilikha upang sanayin ang mga kompositor sa hinaharap. Ang mga pangunahing genre ng oras na iyon ay iniharap sa talahanayan:

Karamihan sa Renaissance sa Netherlands ay Guillaume Dufay, Jacob Obrecht, Josquin Despres.

Mahusay na Dutchmen

Johannes Okegem ay pinag-aralan sa Metrisse ng Notre Dame (Antwerp), at noong ika-40 ng ika-15 siglo siya ay naging isang koro ng koro sa korte ni Duke Charles I (Pransya). Kasunod nito, pinuno niya ang kapilya ng korte ng hari. Ang pagkakaroon ng buhay sa isang hinog na katandaan, nag-iwan siya ng isang mahusay na pamana sa lahat ng mga genre, na naitatag ang kanyang sarili bilang isang natitirang polyphonist. Ang mga script ng kanyang 13 masa ay bumaba sa amin sa ilalim ng pamagat na Chigi codex, na ang isa ay ipininta para sa 8 boto. Ginamit niya hindi lamang ang ibang tao, kundi pati na rin ang kanyang sariling melodies.

Orlando Lasso ay ipinanganak sa teritoryo ng modernong Belgium (Mons) noong 1532. Ang kanyang talento ng musikal ay nagpakita mismo sa pagkabata. Ang bata ay inagaw mula sa bahay ng tatlong beses upang gawin siyang isang mahusay na musikero. Ginugol niya ang buong buhay ng kanyang may sapat na gulang sa Bavaria, kung saan nagsagawa siya bilang isang nangungupahan sa korte ni Duke Albrecht V, at pagkatapos ay pinuno ang kapilya. Ang kanyang lubos na propesyonal na koponan ay tumulong ibahin ang Munich sa musikal na sentro ng Europa, na binisita ng maraming mga sikat na kompositor ng Renaissance.

Ang mga nasabing talento tulad ni Johann Eckard, Leonard Lechner, ang Italyano D. Gabrieli ay dumating upang mag-aral sa kanya. . Natagpuan niya ang kanyang huling kanlungan noong 1594 sa teritoryo ng munich na simbahan, na nag-iwan ng isang napakagandang pamana: higit sa 750 motets, 60 masa at daan-daang mga kanta, bukod sa pinakapopular ay ang Susanne un jour. Ang kanyang mga motets ("The Prophe hula of the Sibyls") ay nakikilala sa kanilang mga makabagong ideya, ngunit kilala rin siya para sa kanyang sekular na musika, na puno ng katatawanan (Vilanella O bella fusa).

Paaralang Italyano

Ang natitirang mga kompositor ng Renaissance mula sa Italya, bilang karagdagan sa mga tradisyonal na uso, aktibong nakabuo ng instrumental na musika (organ, bow string instrumento, clavier). Ang lute ay naging pinakalat na instrumento, at sa pagtatapos ng ika-15 siglo ay lumitaw ang harpsichord - ang nangunguna sa piano. Sa batayan ng mga elemento ng musika ng katutubong, ang dalawang maimpluwensyang pag-compose ng mga paaralan ay binuo: ang Roman (Giovanni Palestrina) at ang Venetian (Andrea Gabrieli).

Giovanni Pierluigi kinuha ang pangalan Palestrina sa pamamagitan ng pangalan ng isang bayan na malapit sa Roma, kung saan siya ipinanganak at nagsilbi sa pangunahing simbahan bilang isang choirmaster at organista. Ang petsa ng kanyang kapanganakan ay lubos na tinatayang, ngunit namatay siya noong 1594. Sa kanyang mahabang buhay ay nagsulat siya tungkol sa 100 masa at 200 motet. Ang kanyang "Mass of Pope Marcellus" ay pinukaw ang paghanga kay Pope Pius IV at naging halimbawa ng sagradong musika ng Katoliko. Si Giovanni ang pinakatanyag na kinatawan ng pag-awit ng boses nang walang kasamang musikal.

Andrea Gabrieli Kasama ang kanyang mag-aaral at pamangkin na si Giovanni ay nagtatrabaho sa kapilya ng St Mark (ika-16 siglo), "pagpipinta" ang pag-awit ng koro na may tunog ng organ at iba pang mga instrumento. Ang paaralan ng Venetian ay higit na umigting patungo sa sekular na musika, at nang si Sophocles 'Oedipus ay itinanghal sa entablado ng teatro ni Andrea Gabrieli, ang musika ng koro ay isinulat, isang halimbawa ng choral polyphony at isang harbinger ng hinaharap ng opera.

Mga tampok ng paaralan ng Aleman

Advanced ang lupa ng Aleman Ludwig Zenfl, ang pinakamahusay na polyphonist ng ika-16 na siglo, na, gayunpaman, ay hindi naabot ang antas ng mga masters ng Dutch. Ang mga kanta ng mga makata-mang-aawit mula sa mga artista (meistersingers) ay espesyal din na musika ng Renaissance. Ang mga kompositor mula sa Alemanya ay kumakatawan sa mga korporasyong pang-awit: tinsmiths, shoemaker, weavers. Nagkakaisa sila sa buong teritoryo. Ang isang natatanging kinatawan ng Nuremberg School of Singing ay Hans Sachs(mga taon ng buhay: 1494-1576).

Ipinanganak sa isang pamilya ng isang sastre, nagtrabaho siya bilang isang tagabaril sa buong buhay niya, na kapansin-pansin na may pagkagalit at interes sa musika at pampanitikan. Nabasa niya ang Bibliya bilang binibigyang kahulugan ng dakilang repormador na si Luther, alam ang mga sinaunang makata at pinahahalagahan ang Boccaccio. Bilang isang musikero ng katutubong, si Sachs ay hindi pinagkadalubhasaan ang mga anyo ng polyphony, ngunit lumikha ng mga melodies ng isang tulad ng kanta. Malapit silang sumayaw, madaling matandaan at may tiyak na ritmo. Ang pinakatanyag na piraso ay Ang Silver Tune.

Renaissance: musikero at kompositor ng Pransya

Ang kulturang musikal ng Pransya ay talagang nakadama ng isang muling pagsilang muli noong ika-16 na siglo, nang inihanda ang lipunang lupa sa bansa.

Ang isa sa mga pinakamahusay na kinatawan ay Clement Jannequin... Ito ay kilala na siya ay ipinanganak sa Chatellerault (huli na ika-15 siglo) at nagpunta mula sa isang boy-singer sa personal na kompositor ng hari. Mula sa kanyang malikhaing pamana, tanging ang mga sekular na kanta na inilathala ng Attenyan na ang nakaligtas. Mayroong 260 sa kanila, ngunit ang mga lumipas sa pagsubok ng oras ay nakakuha ng totoong katanyagan: "Birdsong", "Hunt", "Skylark", "Digmaan", "Screams of Paris". Patuloy silang nai-print at ginamit ng ibang mga may-akda para sa rebisyon.

Ang kanyang mga kanta ay polyphonic at kahawig ng mga tanawin ng koro, kung saan, bilang karagdagan sa onomatopoeia at canted voice-leading, mayroong mga exclamations na responsable para sa dinamika ng akda. Ito ay isang matapang na pagtatangka sa paghahanap ng mga bagong paraan ng imahe.

Kasama sa mga sikat na Pranses na kompositor sina Guillaume Cotlet, Jacques Mauduy, Jean Baif, Claude Lejeune, Claude Gudimel , nagbigay ng musika ng maayos na istraktura na nag-ambag sa assimilation ng musika ng pangkalahatang publiko.

Mga kompositor ng Renaissance: Inglatera

Ang siglo ng XV sa England ay naiimpluwensyahan ng mga gawa John Dubstale, at XVI - William Byrd... Parehong masters ay gravitated patungo sa sagradong musika. Nagsimula ang ibon bilang organista sa Lincoln Cathedral at natapos ang kanyang karera sa Royal Chapel ng London. Sa kauna-unahang pagkakataon, pinamunuan niyang kumonekta sa musika at entrepreneurship. Noong 1575, sa pakikipagtulungan kay Tallis, ang kompositor ay naging monopolyo sa paglalathala ng mga gawaing pangmusika, na hindi nagdala sa kanya ng kita. Ngunit tumagal ng maraming oras upang ipagtanggol ang kanilang mga karapatan sa pag-aari sa mga korte. Matapos ang kanyang kamatayan (1623), sa mga opisyal na dokumento ng kapilya, tinawag siyang "ang tagapagtatag ng musika".

Ano ang naiwan sa Renaissance? Ang ibon, bukod pa sa nai-publish na mga koleksyon (Cantiones Sacrae, Gradualia), naipreserba ang maraming mga manuskrito, isinasaalang-alang ang mga ito ay angkop lamang para sa pagsamba sa tahanan. Ang mga madrigal (Musica Transalpina), na nai-publish mamaya, ay nagpakita ng mahusay na impluwensya ng mga may-akdang Italyano, ngunit maraming mga masa at motets ang pumasok sa gintong pondo ng sagradong musika.

Spain: Cristobal de Morales

Ang pinakamahusay na mga kinatawan ng Espanya ng musika ng musika ay dumaan sa Vatican, na nagsasalita sa kapilya kapilya. Nadama nila ang impluwensya ng mga may-akda ng Dutch at Italya, kaya kakaunti lamang ang pinamamahalaang maging sikat sa labas ng kanilang bansa. Ang mga kompositor ng Renaissance mula sa Spain ay mga polyphonist na lumilikha ng mga gawaing choral. Ang pinakatanyag na kinatawan ay Cristobal de Morales (Siglo XVI), na namuno sa metrisa sa Toledo at naghanda ng higit sa isang mag-aaral. Ang isang tagasunod ni Josquin Despres, ipinakilala ni Cristobal ang isang espesyal na pamamaraan sa isang bilang ng mga komposisyon na tinatawag na homophonic.

Ang pinakatanyag ay ang dalawang mga hinihiling ng may-akda (ang huli para sa limang tinig), pati na rin ang Armed Man Mass. Sumulat din siya ng mga sekular na gawa (isang cantata bilang karangalan sa pagtatapos ng isang kasunduan sa kapayapaan noong 1538), ngunit nalalapat ito sa kanyang mga naunang gawa. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, patungo sa kapilya sa Malaga, nanatili siyang may-akda ng sagradong musika.

Sa halip na isang konklusyon

Ang mga kompositor ng Renaissance at ang kanilang mga gawa ay naghanda sa ika-17 na siglo na nakatulong na musika at ang paglitaw ng isang bagong genre - opera, kung saan ang mga intricacy ng maraming tinig ay pinalitan ng pangunahing kaalaman ng isang nangunguna sa pangunahing himig. Gumawa sila ng isang tunay na tagumpay sa pag-unlad ng kulturang musikal at inilatag ang pundasyon para sa modernong sining.

Buod: Music ng Renaissance

FEDERAL EDUCATION AGENCY

GOU VPO "Mari State University"

Faculty ng mga pangunahing klase

Dalubhasa: 050708

"Pedagogy at mga pamamaraan ng pangunahing edukasyon"

Kagawaran: "Pedagogy of Primary Education"

Pagsusulit

"Music ng Renaissance"

Yoshkar-Ola 2010

Ang panahon ng Renaissance (Renaissance) ay ang kaarawan ng lahat ng mga uri ng sining at ang apela ng kanilang mga numero sa mga sinaunang tradisyon at anyo.

Ang Renaissance ay walang pantay na mga hangganan sa kasaysayan at kronolohikal sa iba't ibang mga bansa sa Europa. Sa Italya ito nagsisimula sa ika-14 na siglo, sa Netherlands nagsisimula ito sa ika-15 siglo, at sa Pransya, Alemanya at Inglatera, ang mga palatandaan na ito ay pinaka malinaw na naipakita noong ika-16 na siglo. Kasabay nito, ang pagbuo ng mga ugnayan sa pagitan ng iba't ibang mga paaralan ng malikhaing, ang pagpapalitan ng karanasan sa pagitan ng mga musikero na lumipat mula sa bansa patungo sa bansa, na nagtrabaho sa iba't ibang mga kapilya, ay naging isang tanda ng mga oras at pinapayagan tayong pag-usapan ang tungkol sa mga uso na karaniwang sa buong panahon.

Ang masining na kultura ng Renaissance ay isang pansariling prinsipyo batay sa agham. Ang hindi pangkaraniwang kumplikadong kasanayan ng mga polyphonists noong ika-15 - ika-16 na siglo, ang kanilang virtuoso na pamamaraan ay pinagsama sa maliwanag na sining ng mga pang-araw-araw na pagsayaw, ang pagiging sopistikado ng mga sekular na genre. Ang Lyric at drama ay lalong ipinahayag sa kanyang mga gawa.

Kaya, tulad ng nakikita natin, ang panahon ng Renaissance ay isang mahirap na panahon sa kasaysayan ng pag-unlad ng musikal na sining, kaya tila makatwiran na isaalang-alang ito nang mas detalyado, habang binibigyang pansin ang mga indibidwal.

Ang musika ay ang tanging wika sa mundo, hindi na kailangang isalin, ang kaluluwa ay nakikipag-usap sa kaluluwa dito.

Averbach Berthold.

Ang musika ng Renaissance, o Renaissance na musika, ay tumutukoy sa panahon sa pagbuo ng European music sa pagitan ng tungkol sa 1400 at 1600. Sa Italya, nagsimula ang simula ng isang bagong panahon para sa sining ng musika sa siglo XIV. Ang paaralan ng Dutch ay nabuo at naabot ang mga unang taluktok nito noong ika-15, pagkatapos nito ay patuloy na umunlad ang pag-unlad nito, at ang impluwensya sa isang paraan o nakuha ng isa pang panginoon ng iba pang mga pambansang paaralan. Ang mga palatandaan ng Renaissance ay malinaw na naipakita sa Pransya noong ika-16 siglo, kahit na ang kanyang mga nakamit na malikhaing ay mahusay at hindi mapagtatalunan kahit na sa mga nakaraang siglo.

Ang pagtaas ng sining sa Alemanya, England at ilang iba pang mga bansa sa loob ng orbit ng Renaissance na mga petsa pabalik sa ika-16 na siglo. At gayon pa man, sa paglipas ng panahon, ang bagong kilusan ng malikhaing ay naging mapagpasya para sa Kanlurang Europa sa kabuuan at tumugon sa sarili nitong paraan sa mga bansa ng Silangang Europa.

Ang musika ng Renaissance ay naging ganap na dayuhan sa magaspang at malupit na tunog. Ang mga batas ng pagkakaisa ay bumubuo ng pangunahing kakanyahan nito.

Ang nangungunang posisyon ay hawak pa rin ng espirituwal na musika , na tumutunog sa panahon ng paglilingkod sa simbahan. Sa panahon ng Renaissance, pinangalagaan niya ang mga pangunahing tema ng musika sa medieval: papuri sa Panginoon at Tagalikha ng mundo, kabanalan at kadalisayan ng mga damdaming relihiyoso. Ang pangunahing layunin ng naturang musika, bilang inilalagay ng isa sa mga teorista nito, ay "galak ang Diyos."

Ang mga misa, motet, himno at salmo ay ang batayan ng kulturang musikal.

Ang Misa ay isang piraso ng musika na isang koleksyon ng mga bahagi ng liturhiya ng Katoliko ng ritwal na Latin, ang mga teksto na kung saan ay nakatakda sa musika para sa pag-awit ng monophonic o polyphonic, kasama o walang mga instrumento sa musika, para sa kasamang pangmusika ng solemne na serbisyo sa Simbahang Romano Katoliko at mataas na simbahan ng mga Protestante, halimbawa , sa Church of Sweden.

Ang mga misa, na kung saan ay may halaga ng musikal, ay isinasagawa din sa labas ng pagsamba sa mga konsyerto; bukod dito, maraming misa sa mga huling panahon ay espesyal na binubuo alinman para sa pagganap sa isang konsiyerto ng konsiyerto o sa okasyon ng ilang uri ng pagdiriwang.

Ang Mass Church, na bumalik sa tradisyonal na melodies ng Gregorian chant, na malinaw na ipinahayag ang kakanyahan ng musikal na kultura. Tulad ng sa Middle Ages, ang Misa ay binubuo ng limang bahagi, ngunit ngayon ito ay naging mas marilag at malakihan. Ang mundo ay hindi na tila napakaliit at nakikita ng tao. Ang pangkaraniwang buhay kasama ang mga ligaya sa mundo ay tumigil na ituring na makasalanan.

Motet (fr. motet mula sa mot - salita) ay isang vocal na polyphonic na gawa ng isang bodega polyphonic, isa sa mga gitnang genre sa musika ng Western European Middle Ages at Renaissance.

Ang himno (sinaunang Griyego ὕμνος) ay isang taimtim na awitin na pumupuri at nagluluwalhati sa isang tao o isang bagay (orihinal na isang diyos).

Awit (Greek ψαλμός "awit ng papuri"), r.p. salmo, pl. mga salmo (Greek ψαλμοί) - mga himno ng mga Hudyo (Hebreo na Saway) at ang panitikang pang-relihiyosong Kristiyano at panalangin (mula sa Lumang Tipan).

Binubuo nila ang Psalter, ang ika-19 na aklat ng Lumang Tipan. Ang may-akda ng mga salmo ay ayon sa kaugalian na maiugnay kay Haring David (circa 1000 BC) at maraming iba pang mga may akda, kasama sina Abraham, Moises, at iba pang mga alamat.

Sa kabuuan, ang Psalter ay may kasamang 150 salmo, nahahati sa mga panalangin, papuri, awit at turo.

Ang mga salmo ay nagkaroon ng malaking epekto sa alamat at nagsilbing mapagkukunan ng maraming kawikaan. Sa Hudaismo, ang mga salmo ay isinagawa sa anyo ng mga himno ng himno na sinamahan ng saliw. Para sa bawat salmo, bilang panuntunan, ang pamamaraan ng pagganap at ang "modelo" (sa Gregorian chant na tinatawag na intonation), iyon ay, ang kaukulang himig, ay ipinahiwatig. Ang Psalter ay kinuha ng isang mahalagang lugar sa Kristiyanismo. Ang Mga Awit ay isinagawa sa panahon ng mga banal na paglilingkod, mga panalangin sa bahay, bago labanan at kapag lumipat sa pagbuo. Orihinal na sila ay inaawit sa simbahan ng buong pamayanan. Ang mga salmo ay isinagawa ng isang cappella, sa bahay lamang ang ginamit ng mga instrumento. Ang uri ng pagganap ay recitative-Psalmmodic. Bilang karagdagan sa buong mga salmo, ginamit din ang ilan sa mga pinaka nagpapahayag na mga talata. Sa batayan na ito, lumitaw ang mga independiyenteng chants - antiphon, unti-unti, tract at hallelujah.

Unti-unti, nagsisimula ang sekular na mga uso sa mga gawa ng mga kompositor ng simbahan. Sa tela ng polyphonic ng chant ng simbahan, ang mga tema ng mga katutubong kanta ay hindi lahat ng relihiyon sa nilalaman. Ngunit ngayon hindi ito sumasalungat sa pangkalahatang diwa at kalagayan ng panahon. Sa kabilang banda, sa musika ang banal at ang tao ay pinagsama sa isang kamangha-manghang paraan.

Naabot ng sagradong musika ang pinakamataas na pamumulaklak nito noong ika-15 siglo. sa Netherlands. Narito ang musika ay iginagalang higit sa iba pang mga anyo ng sining. Ang mga kompositor ng Dutch at Flemish ay ang unang gumawa ng mga bagong patakaran polyphonic (polyphonic) pagganap - klasikong " mahigpit na istilo ". Ang pinakamahalagang diskarte sa compositional ng mga Dutch masters ay panggagaya - pag-uulit ng parehong himig sa iba't ibang mga tinig. Ang nangungunang tinig ay ang tenor, na ipinagkatiwala sa pangunahing paulit-ulit na himig - cantus firmus ("palagiang himig"). Sa ilalim ng tenor ay bass, at sa itaas ay ang alto. Ang pinakamataas, iyon ay, nakatataas sa lahat, tinanggap ng boses ang pangalan soprano.

Sa tulong ng mga kalkulasyon ng matematika, ang mga tagagawa ng Dutch at Flemish ay pinamamahalaang upang makalkula ang pormula para sa mga kumbinasyon ng mga agwat ng musikal. Ang pangunahing layunin ng pagsulat ay upang lumikha ng isang maayos, simetriko at grandiose, panloob na nakumpleto na istraktura ng tunog. Isa sa mga pinakamaliwanag na kinatawan ng paaralang ito, si Johannes Okegem (c. 1425-1497), batay sa mga kalkulasyon sa matematika, ay binubuo ng isang motet na may 36 tinig!

Ang lahat ng mga genre na karaniwang para sa Dutch na paaralan ay kinakatawan sa gawa ni Okegem: masa, motet at chanson. Ang pinakamahalagang genre para sa kanya ay ang masa, pinatunayan niya ang kanyang sarili bilang isang natitirang polyphonist. Ang musika ni Okegem ay napaka-pabago-bago, ang melodic line ay gumagalaw sa isang malawak na hanay, ay may malawak na malawak. Kasabay nito, ang Okegem ay nailalarawan sa pamamagitan ng makinis na intonasyon, purong diatonicism, at pag-iisip ng sinaunang modal. Samakatuwid, ang musika ni Okegem ay madalas na inilarawan bilang "nakadirekta sa kawalang-hanggan", "salimbay" sa isang medyo nalalambing na kapaligiran. Hindi gaanong konektado sa teksto, mayaman sa chants, improvisational, nagpapahayag.

Napakakaunting mga gawa ni Okegem na nakaligtas:

Mga 14 na masa (11 sa kabuuan):

· Requiem Missa pro Defunctis (ang unang polyphonic requiem sa kasaysayan ng panitikang musika sa mundo);

9-13 (ayon sa iba't ibang mga mapagkukunan) motet:

Mahigit sa 20 chanson

Maraming mga gawa, ang pag-aari nito ay kinukuwestiyon sa Okegem, kasama sa mga ito ang sikat na motet na "Deo gratias" para sa 36 tinig. Ang ilang mga hindi nagpapakilalang chanson ay maiugnay sa Okegem batay sa pagkakapareho sa estilo.

Ang labing-tatlong Mass ng Okegem ay napanatili sa isang manuskrito ng ika-15 siglo na kilala bilang ang code na Chigi.

Kabilang sa mga masa, mananaig ang apat na bahagi, mayroong dalawang limang bahagi at isang walong-bahagi. Si Okegem ay gumagamit ng katutubong ("L'homme armé"), ang kanyang sariling ("Ma maistresse") mga melodies, o melodies ng ibang mga may-akda (halimbawa, Benshua sa "De plus en plus") bilang mga tema ng masa. May mga masa na walang hiniram na mga tema ("Quinti toni", "Sine nomine", "Cujusvis toni").

Mga motor at chanson

Ang motet at chanson ni Okegem ay direktang katabi ng kanyang masa at naiiba sa mga ito higit sa lahat sa kanilang sukat. Kabilang sa mga motet ay masigla, maligaya na mga komposisyon, pati na rin ang mas mahigpit na komposisyon ng koro.

Ang pinakatanyag ay ang maligaya na motet ng pasasalamat "Deo gratias", na isinulat para sa apat na siyam na bahagi na komposisyon at samakatuwid ay itinuturing na 36-bahagi. Sa katunayan, binubuo ito ng apat na siyam na bahagi na mga canon (sa apat na magkakaibang mga paksa), na sinusundan ang isa pagkatapos ng isa na may kaunting mga overlay ng simula ng susunod na isa sa pagtatapos ng nakaraang. Mayroong 18 na tinig sa umaapaw na mga lugar, walang totoong 36 tinig sa motet.

Hindi gaanong kawili-wili ang gawain ng Dutch kompositor na si Orlando Lasso (c. 1532-1594), na lumikha ng higit sa dalawang libong mga gawa ng isang kulto at sekular na kalikasan.

Ang Lasso ay ang pinaka-kahanga-hanga kompositor ng kanyang oras; dahil sa napakalaking dami ng kanyang pamana, ang artistikong kahalagahan ng kanyang mga gawa (na kung saan ay na-atas) ay hindi pa ganap na pinahahalagahan.

Siya ay nagtrabaho ng eksklusibo sa mga tinig na genre, kabilang ang pagsulat ng higit sa 60 masa, mga hinihingi, 4 na siklo ng mga hilig (para sa lahat ng mga ebanghelista), mga tanggapan sa Holy Week (ang mga responsibilidad ng Matins sa Maundy Huwebes, Magandang Biyernes at Holy Saturday ay partikular na makabuluhan), higit sa 100 mga dakila, hymns, foburdons , mga 150 francs. ang chanson (ang kanyang chanson na "Susanne un jour", isang paraphrase ng kwento sa bibliya ng Susanna, ay isa sa mga pinakatanyag na pag-play noong ika-16 na siglo), ang mga Italyano (villanelles, moreski, canzones) at mga awit ng Aleman (higit sa 140 Lieder), tungkol sa 250 madrigal.

Ang Lasso ay nakikilala sa pamamagitan ng pinaka detalyadong pag-unlad ng mga teksto sa iba't ibang wika, parehong liturikal (kabilang ang mga teksto ng Banal na Kasulatan) at malayang binubuo. Ang pagiging seryoso at drama ng konsepto, ang pinalawak na dami ay nakikilala ang komposisyon Mga luha ng San Pedro (isang ikot ng 7-boses na mga espiritwal na madrigal sa mga taludtod ni Luigi Tranzillo, na inilathala noong 1595) at The Penitential Psalm of David (ang manuskrito ng 1571 sa format ng folio na pinalamutian ng mga guhit ni G. Si Milich, na nagbibigay ng mahalagang materyal na iconographic tungkol sa buhay, kabilang ang musikal na libangan, ng korte ng Bavarian).

Gayunpaman, sa sekular na musika, ang Lasso ay hindi dayuhan sa pagpapatawa. Halimbawa, sa chanson na "Ang pag-inom sa tatlong tao ay ipinamamahagi sa mga kapistahan" (Fertur sa conviviis vinus, vina, vinum), isang lumang anekdota mula sa buhay ng mga bihag ay muling ibinalik; sa sikat na kanta na "Matona mia cara" isang sundalong Aleman ay umaawit ng isang serenade ng pag-ibig, na gumagalaw sa mga salitang Italyano; sa himno "Ut queant laxis" walang imik na solfeging ay ginagaya. Ang isang bilang ng mga maliwanag na maikling pag-play ni Lasso ay nakasulat sa mga napaka-mabubuong mga talata, halimbawa, ang chanson "Ang isang ginang ay tumingin nang may interes sa kastilyo / Kalikasan sa rebulto ng marmol" (En un chasteau ma dame ...), at ang ilang mga kanta (lalo na ang moreski) ay naglalaman ng malaswang bokabularyo.

Sekular na musika Ang Renaissance ay kinakatawan ng iba't ibang genre: madrigal, kanta, canzones. Ang musika, nang tumigil na maging isang "lingkod ng simbahan", ay nagsimulang tunog hindi sa Latin, ngunit sa kanilang sariling wika. Ang pinakatanyag na genre ng sekular na musika ay naging mga madrigal (Italian Madrigal - awit sa katutubong wika) - polyphonic choral compositions na isinulat sa teksto ng isang liriko na tula ng pag-ibig na nilalaman. Kadalasan, para sa hangaring ito, ang mga tula ng mga kilalang masters ay ginamit: Dante, Francesco Petrarca at Torquato Tasso. Ang mga Madrigal ay ginanap hindi ng mga propesyonal na mang-aawit, ngunit sa pamamagitan ng isang buong ensemble ng mga amateurs, kung saan ang bawat bahagi ay pinamunuan ng isang mang-aawit. Ang pangunahing kalagayan ng madrigal ay ang kalungkutan, pananabik at kalungkutan, ngunit mayroon ding masayang, masiglang mga komposisyon.

Isang kapwa mananaliksik ng kulturang musikal D.K. Ang tala ni Kirnarskaya:

"Ibinaling ni Madrigal ang buong sistema ng musikal ng Renaissance na baligtad: ang kahit at maayos na melodic na plastik ng Mass ay gumuho ... ang walang humpay na cantus firmus, ang pundasyon ng musikal na buo, nawala ... ang karaniwang pamamaraan ng pagbuo ng" mahigpit na pagsulat "... nagbigay daan sa emosyonal at melodic na mga kaibahan ng mga yugto, na bawat isa kung saan. maximally na malinaw na sinubukan na ihatid ang makatang pag-iisip na nilalaman sa teksto. Sa wakas ay pinanghinawa ni Madrigal ang panghihina na puwersa ng "mahigpit na istilo".

Ang kanta na sinamahan ng mga instrumentong pangmusika ay hindi gaanong tanyag na genre ng sekular na musika. Sa kaibahan sa musika na ginampanan sa simbahan, ang mga kanta ay medyo simple upang gampanan. Malinaw na nahahati ang kanilang mga rhymed text sa 4-6 - line stanzas. Sa mga kanta, tulad ng sa madrigals, nakuha ng teksto ang malaking kahalagahan. Kapag ginanap, ang mga linya ng patula ay hindi dapat mawala sa pagkanta ng polyphonic. Ang mga kanta ng kompositor ng Pranses na si Clement Janequin (circa 1485-1558) lalo na sikat. Sumulat si Clement Jeannequin tungkol sa 250 chanson, karamihan para sa 4 na tinig, sa mga tula ni Pierre Ronsard, Clement Marot, M. de Saint-Jelly, mga hindi nagpapakilalang makata. Para sa isa pang 40 chanson, ang mga modernong agham ay hindi pinagtatalunan ng may-akda ng Janequin (na hindi, gayunpaman, pinaliit ang kalidad ng pinagtatalunang musika mismo). Ang pangunahing nakikilala tampok ng kanyang sekular na polyphonic na musika ay programmatic at visual. Bago ang mata ng nakikinig ay mga larawan ng labanan ("Labanan ng Marignano", "Labanan ng Renti", "Labanan ng Metz"), mga eksena sa pangangaso ("Mga ibon sa pag-awit", "Pag-awit ng Nightingale", "Skylark"), pang-araw-araw na mga eksena ("Babae chatter "). Si Janequin ay malinaw na nagdudulot ng kapaligiran ng pang-araw-araw na buhay sa Paris sa mga chanson na "Screams of Paris", kung saan maririnig mo ang mga exclamations ng mga nagtitinda sa kalye ("Gatas!" - "Pie!" - "Artichokes!" - "Isda!" - "Mga Tugma!" - "Mga Doves!" - "Mga lumang sapatos!" - "Alak!"). Para sa lahat ng katalinuhan sa texture at ritmo, ang musika ni Janequin sa larangan ng pagkakasundo at counterpoint ay nananatiling napaka tradisyonal.

Nagsimula ang Renaissance propesyonal na tagalikha ng pagkamalikhain ... Ang Palestrina (1525-1594) ay walang alinlangan na isang kilalang kinatawan ng bagong kalakaran na ito. Kabilang sa kanyang pamana ang maraming mga gawa ng sagrado at sekular na musika: 93 masa, 326 mga himno at motet. Siya ang may-akda ng dalawang dami ng mga sekular na madrigal sa mga salita ni Petrarch. Sa loob ng mahabang panahon nagtatrabaho siya bilang isang director ng koro sa Basilica ng San Pedro sa Roma. Ang musika ng simbahan na nilikha niya ay nakikilala sa pamamagitan ng kadalisayan at kalinisan ng damdamin. Ang sekular na musika ng kompositor ay napuno ng pambihirang espirituwalidad at pagkakasundo.

May utang kami sa Renaissance form instrumental na musika bilang isang malayang form ng sining. Sa oras na ito, lumitaw ang isang bilang ng mga instrumental na piraso, pagkakaiba-iba, preludes, fantasies, rondo, toccata. Kabilang sa mga instrumentong pangmusika ang pinakapopular ay ang organ, harpsichord, viola, iba't ibang uri ng plauta, at sa pagtatapos ng ika-16 na siglo. - biyolin.

Ang panahon ng Renaissance ay nagtatapos sa paglitaw ng mga bagong genre ng musikal: solo song, oratorio at opera. Kung mas maaga ang templo ay ang sentro ng kulturang musikal, mula sa oras na iyon ang musika ay nagsimulang tunog sa bahay ng opera. At nangyari ito.

Sa lungsod ng Italya ng Florence sa pagtatapos ng ika-16 na siglo. ang mga talino na makata, aktor, siyentipiko at musikero ay nagsimulang magtipon. Wala sa kanila ang nag-iisip ng anumang pagtuklas. At gayon pa man sila ang nakatakdang gumawa ng isang tunay na rebolusyon sa teatro at musikal na sining. Ipinagpapatuloy ang mga pagtatanghal ng mga gawa ng mga sinaunang playwright ng Greek, sinimulan nilang magsulat ng kanilang sariling musika, na naaayon, ayon sa kanilang mga ideya, sa likas na katangian ng sinaunang drama.

Mga kasapi camerata (dahil tinawag ang lipunang ito) maingat na naisip ang kasamang musikal ng monologues at diyalogo ng mga character na mitolohiko. Kinakailangan ang mga aktor na magsagawa ng mga sinasalita na bahagi pagbigkas (pagbigkas, chanting speech). At kahit na ang salita ay nagpatuloy na gumaganap ng isang nangungunang papel na may kaugnayan sa musika, ang unang hakbang ay isinagawa patungo sa kanilang tagpo at maayos na pagsasanib. Ang ganitong pagganap ay posible upang maiparating sa isang mas malawak na kayamanan ng panloob na mundo ng isang tao, ang kanyang personal na karanasan at damdamin. Batay sa gayong mga bahagi ng boses, arias - nakumpleto na mga episode sa isang musikal na pagganap, kabilang ang isang opera.

Ang bahay ng opera ay mabilis na nanalo ng pag-ibig at naging tanyag hindi lamang sa Italya, kundi pati na rin sa ibang mga bansa sa Europa.

Listahan ng mga ginamit na panitikan

1) Diksiyonaryo ng Encyclopedic ng isang Young Musician / Comp. V.V. Medushevsky, O.O. Ochakovskaya. - M .: Pedagogy, 1985.

2) Kultura ng sining sa buong mundo. Mula sa simula hanggang ika-17 siglo: aklat-aralin. para sa 10 cl. Pangkalahatang edukasyon. mga institusyon ng profile ng makatao / G.I. Danilov. - Ika-2 ed., Stereotype. - M .: Bustard, 2005.

3) Mga materyales mula sa archive ng Renaissance music: http://manfredina.ru/