Ang bawat pagganap o pagganap na itinanghal sa entablado ay idinisenyo upang dalhin ang manonood, kabilang ang aesthetic kasiyahan sa kanyang nakita. Samakatuwid, napakahalaga na bihisan ang mga character sa naaangkop na costume theatrical. Kung gayon madali itong madama ang diwa ng panahon ng gawain, upang mahuli ang karakter ng mga character at masisiyahan ka lamang sa kagandahan ng palabas.

Mga kasuutan ng teatro mula sa una hanggang sa modernong panahon

Ang mga balabal ng mga aktor ay sumailalim sa mga pagbabago mula sa hitsura ng teatro, tulad nito, hanggang sa kasalukuyang araw:

• Sinubukan nilang lumikha ng mga imahe sa entablado noong sinaunang panahon, nag-eksperimento sa mga improvised na materyales. Kahit na sa sinaunang Tsina at Japan, maaaring makita ng isang tao ang mga aktor sa mga tiyak na damit, lalo na sa mga maligaya o seremonya na pagtatanghal. Sa India, noong unang panahon, ang mga mananayaw sa lansangan ay nagsusuot din ng hindi pangkaraniwang makulay na sarees upang maakit ang pansin. At sa pagdating ng sining ng pagpipinta na may natural na tina, ang saris ay hindi naging monochromatic, ngunit may pattern.
• Ang kasuutan na lumitaw sa Sinaunang Greece ay maaaring tawaging "theatrical". Ginamit ang mga groteque mask, make-up, at ang espesyal na kulay ng damit ng mga character ay nagpapahiwatig ng katayuan o propesyon ng bayani ng pagganap.
• Pagkatapos ang teatro ng Europa ay nagsimulang umunlad sa panahon ng pyudalismo, kapag ang mga palabas, ang tinaguriang. Ang "Mysteries" ay ibinigay ng mga gumagala na artista - mga histrions. Ang hitsura ng mga character ay nakikilala sa pamamagitan ng gilas at mayamang mga elemento ng palamuti.
• Ang Renaissance, kasama ang mga comedies del arte, ay nakakagulat. Sa tulong ng mga item ng damit, hairstyles at wigs, headdresses, sapatos, mask at makeup, nilikha ang mga nakakatawang imahe, likas na tampok para sa mga tiyak na character na kinutya o hinahangaan ng manonood ay binigyang diin (binibigyang kahanga-hangang mga balahibo sa mga sumbrero, makulay na pantaloon).
• Sa kasunod na mga siglo, sa bawat estado ng Europa at Silangan ay mayroong iba't ibang mga sinehan, muson ng musika, mga opera, ballet, atbp. Ang mga costume ay naging higit pa at higit na magkakaibang, madalas na nagbibigay ng espiritu ng makasaysayang panahon, modernong damit, pinalaya ang kanilang sarili mula sa labis na pag-istilo. Samakatuwid, sa entablado ang isa ay maaaring makita ang parehong mga pamilyar na mga imahe para sa manonood at muling likhain ang mga costume ng kasaysayan, naturalistic na hitsura at pampaganda ng pampaganda.

Ang kasuutan ng teatrikal na Ruso ay nararapat espesyal na pansin. Ang mga buffoons ay itinuturing na unang tagalikha nito. Maliwanag na kamiseta, caftans na may sintas, sapatos na baston, takip na may kampanilya, mga patch sa mga pantalon - lahat ng mga sangkap na ito ng kasuutan ay kahawig ng mga damit ng magsasaka, ngunit sa isang porma ng hypertrophied satirical. May isang teatro sa simbahan, kung saan ang mga gumaganap ay nagsusuot ng mga puting damit, tulad ng mga anghel. Sa mga sinehan ng paaralan, ang mga character ay may sariling mga sagisag. At sa ilalim ni Tsar Alexei Mikhailovich isang propesyonal na teatro ay gumana. Samakatuwid, ang mga elemento ng kasuutan ng Tsar ay may mga palatandaan ng dangal na dignidad, ginamit ang pasadyang pagbuburda, mga mamahaling bato at katangi-tanging dekorasyon ay natahi ng kamay.

Mga uri

Nakaugalian na makilala ang tatlong pangunahing uri ng kasuutan:

1. Katangian. Ang uri na ito ay isang nakalarawan at plastik na komposisyon, na isang direktang bahagi ng buong imahe ng tagapalabas ng papel. Sa isang suit, ang figure ay madalas na ganap na nakatago. Ang aktor mismo ang nagtatakda nito sa paggalaw at tinig ito. Sa gayon, ang mga imahe ng isang sagradong templo o isang dragon ay katangian ng Peking Opera.
2. Laro. Ito ay isang paraan ng pagbabago ng hitsura ng artist at isang mahalagang elemento ng kanyang pagkilos. Ang pagbabagong-anyo ng mga character sa ritwal at pagkilos ng folklore sa pagkatao ay madalas na batay sa paggamit ng grotesque at parody, halimbawa, kapag ang mga binata ay nagbihis bilang mga batang babae.
3. Tulad ng mga damit ng isang artista. Ito ang pangunahing isa sa mga modernong pagtatanghal, na madalas na kahawig ng tradisyonal na damit ng isang partikular na panahon ng pagkilos sa isang produksiyon. Sa batayan ng tulad ng isang kasuutan, ang dalawang uri sa itaas ay nilikha.

Mga tampok ng pananahi

Ang mga outfits sa pagtahi ng entablado ay isang medyo kumplikado at malikhaing aktibidad. Kinakailangan na pumili ng tamang mga materyales, accessories, lumikha ng pagbuburda at applique, kung kinakailangan. Ang teatrical costume ay dapat matugunan ang mga sumusunod na kinakailangan:

• Ang tao sa panahon na may katumpakan, isinasaalang-alang ang makasaysayan, etnograpiko, pambansang katangian ng gawain at bayani.
• Maging kaayon ng hangarin ng direktor na maipahayag ang kakanyahan ng karakter ng karakter.
• Upang maging kamangha-manghang ang artista sa mga mata ng manonood.
• Magandang umupo sa pigura ng may-ari nito.
• Ang kaginhawaan ng pagsusuot ng kasuutan (lalo na mahalaga para sa mga mananayaw na nakikilahok sa mga pagtatanghal).

Dahil pinipili ng damit ang isang teatro na kasuutan para sa isang tiyak na tungkulin at isang tiyak na aktor, kinakailangan upang maiangkop ito sa iyong mga sukat. Para sa mga ito, mas mahusay na bumaling sa mga propesyonal. Ang "Pabrika ng Pananahi" ay isang produksiyon ng pananahi sa Moscow at sa rehiyon ng Moscow, dito maaari kang mag-order ng pag-aayos ng isang kasuutan para sa isang pagganap, opera at ballet. Ang pinakamahusay na mga materyales ay pipiliin at ang mga makabagong teknolohiya ng pananahi ay ilalapat.

"Ang bahagi ng set sa kamay ng mga aktor ay ang kanyang kasuutan."
French Encyclopedia.

"Ang kasuutan ay ang pangalawang shell ng aktor, ito ay isang bagay na hindi mahihiwalay mula sa kanyang pagkatao, ito ay ang nakikitang maskara ng kanyang imahe sa entablado, na dapat pagsamahin nang magkasama sa kanya upang maging hindi maihiwalay ..."
A. Ya Tairov.

Ang teatro ay isang gawa ng tao na form ng sining na nagbibigay-daan sa amin hindi lamang marinig, hindi lamang upang isipin, kundi pati na rin upang tumingin at makita. Ang teatro ay nagbibigay sa amin ng pagkakataon upang masaksihan ang mga sikolohikal na drama at isang kalahok sa mga nakamit ng kasaysayan at mga kaganapan. Ang teatro, ang pagganap ng teatro ay nilikha ng mga pagsisikap ng maraming mga artista, mula sa isang direktor at isang aktor hanggang sa isang tagagawa ng produksiyon, para sa isang pagganap ay "isang pagsasama ng iba't ibang sining, ang bawat isa sa konsepto na ito ay binago at nakakakuha ng isang bagong kalidad ...".

Ang kasuutan ng teatro ay isang mahalagang bahagi ng imahe ng entablado ng isang aktor, ito ang mga panlabas na palatandaan at katangian ng itinatanghal na karakter na makakatulong sa muling pagkakatawang-tao ng aktor; ay nangangahulugang impluwensya ng masining sa manonood. Para sa isang artista, ang isang kasuutan ay bagay, porma, inspirasyon sa kahulugan ng papel.

Tulad ng isang artista sa salita at kilos, kilusan at timbre ng boses ay lumilikha ng isang bagong pagkatao ng imahe ng entablado, simula sa ibinigay sa pag-play, kaya ang artista, ginagabayan ng parehong data ng pag-play, ay binubuo ng imahe sa pamamagitan ng kanyang sining.

Sa buong kasaysayan ng sinaunang sining ng teatro, ang disenyo ng dekorasyon ay patuloy na sumailalim sa isang pagbabagong-anyo ng pagbabagong-anyo, na sanhi hindi lamang ng pagpapabuti ng teknolohiya ng entablado, kundi pati na rin ng lahat ng mga twists at mga liko ng mga istilo at fashion ng kaukulang oras. Nakasalalay ito sa katangian ng konstruksyon ng panitikan ng paglalaro, sa uri ng dula, sa komposisyon ng lipunan ng madla, sa antas ng diskarte sa entablado.

Ang mga panahon ng matatag na istruktura ng arkitektura ng antigong panahon ay pinalitan ng primitive na yugto ng Middle Ages, na kung saan ay nagbigay daan sa mga teatro ng korte ng hari na may sariling sapat na luho ng pagganap. Mayroong mga palabas sa tela, sa kumplikadong mga nakapaloob na dekorasyon, tanging sa disenyo ng ilaw, nang walang disenyo sa lahat - sa isang hubad na yugto, sa isang platform, sa simento.

Ang papel ng kasuutan bilang isang "gumagalaw" na set ay palaging nangingibabaw. Ang punto ng pananaw sa kanyang "relasyon" sa aktor, nagbago ang oras at kasaysayan, at sa wakas, kasama ang kanyang direktang "kasosyo" - ang dekorasyon ng entablado.

Sa proseso ng progresibong pag-unlad ng sining ng modernong teatro, ang pagbabago ng direksyon, ang pagbabagong-anyo ng paraan ng palamuti, ang papel ng sining ng kasuutan ay hindi bumababa - sa kabaligtaran. Bilang mas bata at mas nababaluktot na mga kapatid - sinehan at telebisyon - lumalaki, ang teatro, walang alinlangan, sa paghahanap at pagdurusa, ay nakakakuha ng mga bagong anyo ng mga diskarte sa libangan, tiyak na ang ipagtatanggol at tukuyin ang posisyon ng teatro bilang isang walang katapusang halaga ng isang malayang form ng sining. Ang kasuutan, bilang pinaka mobile na elemento ng senaryo ng theatrical, ay binigyan ng unang lugar sa paghahanap na ito.

Ang mataas na modernong kultura ng theatrical art, ang maselan at malalim na direktoryo na gawain sa pag-play at ang pagganap, ang talino na kumikilos ng mga aktor ay nangangailangan mula sa taga-disenyo ng kasuutan na nagtatakda ng pagganap, isang partikular na masinsinang pagtagos sa dula ng dula, malapit na pakikipag-ugnay sa direktor. Ang modernong disenyo ay hindi ma-canonized ng mga patakaran. Ito ay indibidwal at tiyak sa bawat partikular na kaso. "Ang gawain ng isang direktor ay hindi mahihiwalay mula sa gawain ng isang artista. Una, ang director ay dapat makahanap ng kanyang sariling mga sagot sa mga pangunahing hanay ng mga problema. Ang artista naman, ay dapat maramdaman ang mga gawain ng paggawa at patuloy na humihingi ng nagpapahayag na paraan ... ". Ang teatrical costume ay unang nilikha sa pamamagitan ng visual na paraan, iyon ay, sa pamamagitan ng sketch.

Panimula 3

Kabanata 1. Teoretikal na aspeto ng theatrical art. Ang papel at kabuluhan ng teatrical costume sa yugto ng art 5

1.1. Teatro bilang sining 5

1.2. Theatrical costume bilang isang simbolo ng theatrical culture 7

1.3. Ang papel na ginagampanan ng theatrical costume sa entablado art 8

Kabanata 2. Russian theatrical costume ng unang bahagi ng XX siglo 12

2.1. Patakaran sa kultura ng Russia sa simula ng XX siglo. Mga tampok ng pagbuo ng theatrical art sa ilaw ng bagong patakaran sa kultura 12

2.2. Mga tampok ng teatrical costume ng unang bahagi ng ikadalawampu siglo 22

2.3. Theatrical costume bilang isang imahe ng oras 25

Konklusyon 33

Mga Sanggunian 36

Apendise 38

Panimula

Ang kaugnayan ng gawaing ito ay dahil sa ang katunayan na ang ikadalawampu siglo ay minarkahan ng mabilis na pamumulaklak ng kultura ng Russia. Hindi nakakagulat na ang oras na ito ay tinatawag na Panahon ng Pilak. Sinasalamin ng kulturang Russian ang lahat ng mga pagkakasalungatan sa socio-economic at sosyo-pampulitikang buhay ng Russia, ay nagkaroon ng malalim na epekto sa moral na estado ng mga tao, at nag-ambag sa kayamanan ng mundo ng kultura. Lahat ng mga pagbabago at pagtuklas ay mahirap para sa Russia. Maraming magagaling na tao ang hindi naririnig, ngunit gayunpaman hindi maaaring mapagpaliit ng isang tao ang dignidad ng Panahon ng Pilak, ang isa ay hindi maaaring magsalita tungkol sa kadakilaan nito. Iyon ang dahilan kung bakit, sa ika-21 siglo, ang siglo ng impormasyon at nanotechnology, kinakailangan na magbayad ng higit na pansin sa kultura ng nakaraang panahon. Dapat nating maunawaan ito, at pagkatapos ay magiging madali para sa atin na lumikha ng ating sariling bagong kultura.

Sa gawaing ito, isinasaalang-alang ko ang theatrical art ng Russia sa simula ng ika-20 siglo, ibig sabihin, ang mga tampok ng theatrical costume ng panahong iyon.

Theatre (Greek θέατρον - pangunahing kahulugan - isang lugar para sa mga manonood, pagkatapos - isang tanawin, mula sa θεάομαι - Nakikita ko, nakikita ko) ay isa sa mga direksyon ng sining kung saan ang mga damdamin, saloobin at damdamin ng may-akda (tagalikha, artista) ay ipinadala sa manonood o isang pangkat ng mga manonood sa pamamagitan ng kilos ng isang aktor o pangkat ng mga aktor. Ang teatrical costume ay isang elemento ng disenyo ng pagganap, isang paraan ng pagbabago ng hitsura ng isang artista at isa sa mga elemento ng kanyang pagkilos.

Ang paksa ng gawaing ito sa kurso ay may kaugnayan din dahil ang teatro na teknolohiya para sa paggawa ng isang kasuutan ay naimbento nang tumpak sa simula ng ikadalawampu siglo, isang pamamaraan ay binuo para sa isang indibidwal na diskarte sa sketsa ng artist, upang lumikha ng isang kasuutan ayon sa artistikong imahe at hangarin ng may-akda. Sa pagmomodelo at disenyo, ang teorya ng paglikha ng isang modernong kasuutan ay binuo.

Parehong ngayon, at sa mga nakaraang siglo, ang kasuutan ay nananatiling paksa ng mga espesyal na pagkamalikhain ng mga artista (bukod sa kanino ang pinaka-natitirang masters ng pinong sining at senaryo) at binubuo nila ito (kahit na tila pang-araw-araw na mga costume ng pang-araw-araw na paggamit, hindi upang mailakip ang mga kamangha-manghang mga), hindi lamang bilang isang hiwalay na gawain, ngunit bilang pinakamahalagang sangkap ng pagganap.

Kaugnay ng kaugnayan, ang paksa ng pananaliksik ay nabuo: "Russian theatrical costume ng unang bahagi ng XX siglo."

Layunin ng gawain: upang pag-aralan ang mga tampok ng kasuutan ng teatro sa Ruso sa simula ng ikadalawampu siglo.

Bagay ng trabaho: Theatrical art ng Russia sa simula ng XX siglo.

Paksa ng pananaliksik: Russian theatrical costume ng unang bahagi ng ika-20 siglo.

Ang nakamit ng layuning ito ay pinadali ng solusyon ng mga sumusunod na gawain:

1. Pag-aaral ng theatrical na aktibidad at mga tampok nito.

2. Nagpapakita ng papel ng teatrical costume sa entablado ng entablado.

3. Pagsasaalang-alang ng patakaran ng kultura ng Russia sa simula ng ikadalawampu siglo.

4. Ang pagpapasiya ng mga kakaibang katangian ng kasuutan ng teatro ng Ruso sa unang bahagi ng ikadalawampu siglo.

Sa istruktura, ang gawain ay binubuo ng isang pagpapakilala, dalawang teoretikal na mga kabanata, isang konklusyon, isang bibliograpiya at isang Appendix. Ang Appendix ay naglalaman ng mga litrato at sketsa ng mga Russian theatrical costume noong unang bahagi ng ika-20 siglo.
^

Kabanata 1. Teoretikal na aspeto ng theatrical art. Ang papel at kabuluhan ng teatrical costume sa entablado art

1.1. Teatro bilang sining

Tulad ng anumang iba pang uri ng sining (musika, pagpipinta, panitikan), ang teatro ay may sariling, mga espesyal na katangian. Ang sining na ito ay gawa ng tao: isang gawa sa teatro (pagganap) ay binubuo ng teksto ng dula, gawain ng isang direktor, artista, artista at kompositor. Sa opera at ballet, ang musika ay gumaganap ng isang mapagpasyang papel.

Ang teatro ay isang kolektibong sining. Ang pagganap ay ang resulta ng mga aktibidad ng maraming tao, hindi lamang sa mga lumilitaw sa entablado, kundi pati na rin sa mga tumahi ng mga costume, gumawa ng props, itinakda ang ilaw, at natutugunan ang mga tagapakinig. Hindi para sa wala na mayroong isang kahulugan ng "mga manggagawa sa teatro": ang isang pagganap ay kapwa pagkamalikhain at paggawa.

Nag-aalok ang teatro ng sarili nitong paraan ng pag-alam sa nakapaligid na mundo at, nang naaayon, ang sariling hanay ng masining na paraan. Ang isang pagganap ay kapwa isang espesyal na pagkilos na nilalaro sa puwang ng entablado, at isang espesyal na makasagisag na pag-iisip na naiiba, sabihin, mula sa musika.

Ang isang teatro na pagganap ay batay sa teksto, tulad ng isang pag-play para sa isang dramatikong pagganap. Kahit na sa mga yugto ng mga yugto na kung saan ang salita tulad nito ay wala, ang teksto ay kinakailangan minsan; sa partikular, ang ballet, at kung minsan ay pantomime, ay may isang script ng libretto. Ang proseso ng pagtatrabaho sa isang pag-play ay binubuo sa paglilipat ng isang dramatikong teksto sa entablado - ito ay isang uri ng "pagsasalin" mula sa isang wika patungo sa isa pa. Bilang isang resulta, ang salitang pampanitikan ay nagiging isang salitang entablado.

Ang unang bagay na nakikita ng manonood pagkatapos magbukas ang kurtina (o tumataas) ay ang puwang ng entablado kung saan inilalagay ang telon. Ipinapahiwatig nila ang lugar ng pagkilos, oras ng kasaysayan, sumasalamin sa pambansang lasa. Sa tulong ng mga spatial na mga konstruksyon, kahit na ang kalooban ng mga character ay maaaring maiparating (halimbawa, sa isang yugto ng pagdurusa ng bayani, naitala ang tanawin sa kadiliman o higpitan ang backdrop nito na may itim). Sa panahon ng pagkilos, sa tulong ng isang espesyal na pamamaraan, ang senaryo ay binago: ang araw ay naging gabi, ang taglamig sa tag-araw, ang kalye sa isang silid. Ang pamamaraan na ito ay binuo kasama ang pang-agham na pag-iisip ng sangkatauhan. Ang mga mekanismo ng pag-aangat, mga kalasag at sumbrero, na noong unang panahon ay manu-manong pinatatakbo, ngayon ay pinataas at binabaan ng mga electronics. Ang mga kandila at lampara ng gas ay pinalitan ng mga light bombilya; madalas na ginagamit ang mga laser.

Kahit na sa unang panahon, ang dalawang uri ng entablado at auditorium ay nabuo: isang yugto-kahon at isang yugto-amphitheater. Ang yugto-box ay nagbibigay para sa mga tier at isang parterre, at ang entablado-amphitheater ay napapalibutan ng mga manonood mula sa tatlong panig. Ang parehong uri ay ginagamit sa mundo ngayon. Ginagawa ng modernong teknolohiya na baguhin ang teatro na puwang - upang ayusin ang isang platform sa gitna ng auditorium, upang ilagay ang viewer sa entablado, at upang maisagawa ang isang pagganap sa bulwagan.

Ang malaking kahalagahan ay palaging nakakabit sa gusali ng teatro. Ang mga sinehan ay karaniwang itinayo sa gitnang parisukat ng lungsod; nagpilit ang mga arkitekto upang gawing maganda ang mga gusali at maakit ang pansin. Pagdating sa teatro, tinitingnan ng manonood ang pang-araw-araw na buhay, na parang tumataas sa katotohanan. Samakatuwid, hindi sinasadya na ang isang hagdanan na pinalamutian ng mga salamin ay madalas na humahantong sa bulwagan.

Tumutulong ang musika upang mapahusay ang emosyonal na epekto ng isang dramatikong pagganap. Minsan ito ay tunog hindi lamang sa panahon ng pagkilos, kundi pati na rin sa pagpasok - upang mapanatili ang interes ng publiko.

Ang pangunahing tao sa paglalaro ay ang aktor. Nakikita ng manonood ang isang tao sa harap niya, misteryosong nakabukas sa isang masining na imahe - isang uri ng gawa ng sining. Siyempre, ang gawain ng sining ay hindi ang tagapalabas, kundi ang kanyang papel. Siya ang paglikha ng isang artista, nilikha ng boses, nerbiyos at isang bagay na mailap - espiritu, kaluluwa.

Upang ang pagkilos sa entablado ay makikilala bilang integral, kinakailangan upang ayusin ito nang may pag-iisip at palagiang. Ang mga tungkulin na ito sa isang modernong teatro ay isinasagawa ng isang direktor. Siyempre, marami ang nakasalalay sa talento ng mga aktor sa pag-play, ngunit, gayunpaman, sila ay subordinado sa kalooban ng pinuno - ang direktor.

1.2. Theatrical costume bilang simbolo ng teatrical culture

Ang aktor ay palaging nagsusuot ng damit na hindi maaaring maging tradisyonal na kaswal na suot. Hindi lamang "kumportable", "mainit-init", "maganda" - sa entablado ito ay "nakikita", "nagpapahayag", "makasagisag".

Sa buong kasaysayan nito, ang teatro ay ginamit ang mahika ng kasuutan, na mayroon, gayunpaman, sa totoong buhay. Ang mga damit ng isang mahirap na tao, isang mayaman na damit, isang sandata ng militar na madalas nang maaga, bago ang isang malapit na kakilala sa isang tao, ay natutukoy nang marami sa ating saloobin sa kanya. Ang isang komposisyon ng kasuutan na binubuo ng mga pamilyar na detalye ng damit, ngunit sa isang espesyal, "nagsasalita" na paraan, ay maaaring bigyang-diin ang ilang mga tampok sa katangian ng isang character, ihayag ang kakanyahan ng mga kaganapan na nagaganap sa pag-play, at sabihin ang tungkol sa oras ng kasaysayan. Ang kasuutan ng teatro ay nag-evoke sa manonood ng sarili nitong mga asosasyon, nagpayaman at nagpapalalim sa impresyon ng parehong pagganap at bayani.

Sa pamamagitan ng disenyo, hiwa, texture, theatrical costume, bilang isang panuntunan, naiiba sa araw-araw. Ang mga likas na kondisyon (mainit - malamig), sosyal na pagmamay-ari ng isang tao (magsasaka, residente ng lungsod), at fashion ay may mahalagang papel sa buhay. Sa teatro, marami din ang tinutukoy ng genre ng pagganap, ang artistikong istilo ng pagganap. Sa ballet, halimbawa, sa tradisyonal na koreograpya, walang mabibigat na damit. At sa isang dramatikong pagganap na puspos ng paggalaw, hindi dapat mapigilan ng kasuutan ang aktor na huwag malaya sa puwang ng entablado.

Kadalasan, ang mga artista sa teatro, pagguhit ng mga sket para sa mga costume, gumulo at pinalalaki ang mga anyo ng katawan ng tao.

Ang kasuutan sa paglalaro sa isang modernong tema, na kakatwa, ay isa sa mga pinakamahirap na problema. Imposibleng dalhin ang isang artista na nakadamit sa isang kalapit na tindahan papunta sa entablado. Tanging isang tumpak na pagpili ng mga detalye, isang mahusay na naisip na scheme ng kulay, mga sulat o kaibahan sa hitsura ng mga character ay makakatulong sa pagsilang ng isang masining na imahe.

Isinasama ng kasuutan ang simbolismo ng tradisyonal na kultura. Upang ilagay sa damit ng ibang tao ay ang paggamit ng hitsura ng ibang tao. Sa mga pag-play ni Shakespeare o Goldoni, ang pangunahing tauhang bihisan sa damit ng isang lalaki - at nagiging hindi nakikilala kahit na para sa mga malapit na tao, bagaman, bukod sa kasuutan, wala siyang binago kahit ano sa kanyang hitsura. Ang Ophelia sa ika-apat na kilos ng Hamlet ay lilitaw sa isang mahabang shirt, na may malambot na buhok (kabaligtaran sa damit at korte ng korte) - at ang manonood ay hindi nangangailangan ng mga salita, ang kabaliwan ng pangunahing tauhang babae ay halata sa kanya. Pagkatapos ng lahat, ang ideya na ang pagkawasak ng panlabas na pagkakaisa ay isang tanda ng pagkasira ng panloob na pagkakaisa ay umiiral sa kultura ng sinumang mga tao.

Ang simbolismo ng kulay (pula - pag-ibig, itim - kalungkutan, berde - pag-asa) ay gumaganap din ng isang tiyak na papel sa mga damit ng sambahayan. Ngunit ang teatro ay gumawa ng kulay sa kasuutan ng isa sa mga paraan ng pagpapahayag ng emosyonal na estado ng karakter. Kaya, ang Hamlet ay palaging nakasuot ng itim sa sienna ng iba't ibang mga sinehan.

1.3. Ang papel ng teatrical costume sa entablado art

Sa kalagitnaan ng siglo XVIII. ang isa sa mga pangunahing prinsipyo ng sining ng Siena ay ang prinsipyo ng papel (mula sa French emploi - "application"). Ang bawat aktor ay pumili ng isang tiyak na uri ng papel para sa kanyang sarili at sumunod sa kanyang pinili sa buong buhay niya. Nariyan ang papel ng isang kontrabida, isang simpleton, isang manliligaw, isang makatwirang tao (resonator), atbp. Ang mga aktor na naglalaro ng naturang mga character ay bumuo ng mga espesyal na pamamaraan, naimbento ng mga espesyal na muwestra, isang paraan ng pagsasalita, at nag-imbento ng isang natatanging detalye ng kasuutan. Ang mga manggagawa sa teatro ay palaging sumasalungat sa papel at isinulong ang pagbago ng art art sa entablado. Tama silang naniniwala na walang magkaparehong mga kontrabida, mahilig, tagapaglingkod, at samakatuwid ang papel ay dapat kanselahin. Sa siglo XX. ang konseptong ito ay hindi na ginagamit. Gayunpaman, maaari mo pa ring makita, halimbawa, tulad ng mga anunsyo: "Naghahanap ng teatro ang isang artista para sa papel ng mga negatibong character." Ang lumang prinsipyo ay napatunayan na mabait.

Sa Italya at bahagyang sa Austria, mahal nila ang improvisasyon (mula sa Latin improvisus - "hindi inaasahan", "biglaang"), iyon ay, isang paraan ng paglalaro, kung saan sa sandaling ito ay gumaganap ng isang bagong pamamaraan na plastik o intonasyon ay maaaring ipanganak. Ang Pranses ay ginagamit upang sundin ang mga patakaran na binuo noong ika-17 siglo. Ang salita ay itinuturing na pangunahing bagay sa teatro, kaya ang mga aktor ay nagtrabaho nang malaki sa teksto at ipinakita ang kagandahan ng pagsasalita sa mga pagtatanghal. Sa yugto ng Ruso, naglaro sila sa kabila ng Diderot - nakikinig sa puso. Sa oras na iyon, ang mga institusyong pang-edukasyon na nagsanay ng mga aktor ay nagpapatakbo sa maraming mga bansa sa Europa. Ang pinakaluma sa mga ito ay ang Paris Conservatory (na kasama ang mga klase sa drama).

Ang ika-20 siglo ay nagbigay sa sining ng teatro ng maraming mga teorya na kumikilos na walang ibang siglo. Sinubukan ng mga aktor, direktor, playwright na bumuo ng kanilang sariling mga system. Ang isa sa mga pinakatanyag ay kabilang sa Konstantin Sergeevich Stanislavsky (1863-1938), isa sa mga tagapagtatag ng Moscow Art Theatre. Ang akda ni Stanislavsky - "Ang gawain ng isang aktor sa kanyang sarili" at "Ang gawain ng isang aktor sa tungkulin" ay naging isang uri ng bibliya para sa mga aktor. Ang interes sa pamamaraan, na lumitaw sa mga unang dekada ng ika-20 siglo, ay hindi mawawala sa pagtatapos ng siglo. Ang mga bagong teorya, kahit na pinabulaanan ang mga pahayag ni Stanislavsky, sa isang paraan o sa iba pa, umaasa sa mga tunay na gawa na paggawa.

Si S. Stanislavsky mismo ay isang artista, mula sa isang maagang edad na isinagawa niya sa parehong mga amateur at propesyonal na pagtatanghal. Siya ay nabighani sa mga bugtong ng propesyon, ang kahulugan at anyo ng pagkakaroon ng artist sa entablado. Ginawa ni Stanislavsky ang kanyang mga saloobin tungkol sa sining ng teatro lamang sa kanyang mga taong may edad na, nang siya ay nakaipon ng maraming karanasan - kumikilos, nagdidirekta, at nagtuturo.

Maaaring makamit ng aktor ang katotohanan ng mga damdamin, kung ganap siyang nag reincarnate, "akma sa balat" ng kanyang bayani. Ang ideyang ito ay ipinahayag ng magaling na artist ng Rusya na si Mikhail Semyonovich Schepkin, at ang mga diskarte sa Stanislavsky ay binuo upang masanay ka sa papel. Itinuring ng direktor na ang pagpapalaki ng aktor ay mahalaga - ang klerk ng teatro ay dapat magkaroon ng espesyal na etika, alam kung bakit siya pumunta sa entablado at kung ano ang nais niyang sabihin sa madla. "Ang papel ng isang aktor ay hindi nagtatapos sa pagbaba ng kurtina - obligado siyang maging isang naghahanap at gabay ng kagandahan sa buhay," isinulat ni Stanislavsky.

Ang modernong tao ay madalas na hindi maaaring kumilos nang natural, ayon sa kanyang panloob na kakanyahan. Upang maunawaan ang bayani, ang aktor ay dapat "tumagos" sa kanyang kaluluwa, kapag hindi siya nahigpitan ng mga kumbensyon ng opisyal na buhay. Tumawag si Stanislavsky para sa pagpapakita ng mga character na "sa pamamagitan ng kanilang mga panloob na kwento."

Sa loob ng mahabang panahon ang problema ng ensemble ng mga aktor ay hindi nalutas sa sining ng entablado. Sa mga pagtatanghal ng teatro ng romantismo, isang artista, ang nangungunang aktor, ay madalas na tumayo. Minsan sinusundan ng madla ang isang pares ng mga aktor, lalo na kung nagpe-play sila ng love duet. Sa teatro ng siglo XX. - higit sa lahat salamat sa Stanislavsky - ito ang ensemble ng mga aktor na naging mahalaga. Ang isa pang natatanging direktor, si Vsevolod Emilievich Meyerhold (1874-1940), ay nagsulat rin tungkol sa kahalagahan ng naturang ensemble. Ito ay ang "pangkat ng mga tao" na dapat ibunyag ang larawan ng buhay sa harap ng manonood, at hindi isang solo artista.

Sa kontemporaryong teatro art, ang isang bagong uri ng aktor sa teatro ng drama ay unti-unting lumilitaw. Ang nasabing artista ay pamilyar sa mga nangungunang pambansang paaralan, nabasa Stanislavsky, Grotovsky, Artaud, Brecht, ay interesado din sa ganap na mga bagong ideya. Maaari siyang pumili, ngunit mas madalas sa kanyang trabaho, mga elemento ng iba't ibang mga paaralan, mga pamamaraan ng pagkilos na hiniram mula sa iba't ibang mga teorya, magkakasamang magkakasama. Ang aktor ng huling bahagi ng ika-20 siglo, parehong Russian at Western, pinagkadalubhasaan ang mga pamamaraan na masanay sa imahe ng isang character, at ang mga prinsipyo ng detatsment, at improvisasyon. Sa ngalan ng pagkamit ng naturang kalayaan ng pagkakaroon, ang mga magagaling na aktor at direktor ng nakaraan ay nagtatrabaho sa entablado - nag-alinlangan sila, nabigo, pareho silang nabingi ng tagumpay at mga pangunahing pagkabigo.

Ang mga ideya ng K.S. Ang Stanislavsky ay binuo ng makatang Pranses, direktor at aktor na si Antonin Artaud (tunay na pangalan na Antoine Marie Joseph, 1896-1948) at direktor ng Poland na si Jerzy Grotowski. Naniniwala sina Artaud at Grotowski na ang isang tao sa ika-20 siglo ay hindi alam ang malakas na hilig; gumaganap siya, ngunit hindi nabubuhay. Ang layunin ng aktor ay ibalik ang manonood sa totoong nararamdaman, tunay na karanasan. Ngunit para dito kailangan niyang iwaksi muna ang kanyang sarili upang maglaro sa ordinaryong buhay. Ang Artaud at Grotowski ay nagpaunlad ng kanilang sariling mga system para sa mga masters stage sa pagsasanay. Ang aktor, ayon sa direktor ng Pransya, ay higit pa sa isang propesyon. Ang teatro ay ang pinaka-epektibong sining, na idinisenyo upang palayain ang mga tao mula sa mga kalungkutan ng mga kombensyon, upang magdala ng mataas na tula sa buhay. Ang pananaw ni Artaud sa sining ng aktor ay higit sa lahat utopian, ngunit, gayunpaman, naimpluwensyahan ng kanyang teorya ang mundo theatrical art.

Kabanata 2. Russian theatrical costume ng unang bahagi ng XX siglo

2.1. Patakaran sa kultura ng Russia sa simula ng XX siglo. Mga tampok ng pagbuo ng theatrical art sa ilaw ng bagong patakaran sa kultura

Ang Rebolusyong Oktubre ng 1917 ay naging isang mahusay na punto sa pag-on sa kapalaran ng kulturang Russian. Ang isang punto sa literal na kahulugan ng salita: ang kulturang Ruso, na binuo kasama ang isang pataas na linya, naabot ang pinakamataas na punto at pagkilala sa buong mundo sa panahon ng Pilak, ay tumigil at ang kilusan nito ay bumagsak nang husto. Ang punto ng pag-on ay sinasadyang ginawa, ay itinayo alinsunod sa isang naunang iginuhit na plano at hindi kumakatawan sa isang kusang sakuna ng pagkuha ng isang bansa sa pamamagitan ng isa pa at isang pagkagalit sa kultura nito, na matatagpuan sa kasaysayan ng mundo.

Walang anuman ang uri na nangyari sa Russia sa oras na iyon. Ang mga Bolsheviks ay laman ng mga mamamayang Ruso, ngunit kumilos sila kasama ang kultura nito bilang isang mananakop na magagawa, na hindi nagustuhan ang dating pagkakasunud-sunod at nagpasya na palitan ito ng bago.

Sa tagumpay ng Revolution ng Oktubre, agad na nagsimula ang pamahalaang Sobyet sa isang bagong patakaran sa kultura. Nangangahulugan ito ng paglikha ng isang hindi pa nakagawian sa kasaysayan - proletaryado - uri ng kultura, batay sa pinaka-rebolusyonaryo at advanced, tulad ng kanilang pinaniniwalaan, ang ideolohiya ng Marxism, ang pagpapalaki ng isang bagong uri ng tao, ang pagkalat ng unibersal na literasiya at paliwanag, ang paglikha ng mga napakalaking gawa ng sining na pinupuri ang mga pagsasamantala sa paggawa ng mga ordinaryong tao. Tulad ng naisip, ang kulturang proletaryado ay upang mapalitan ang mga marangal at kulturang burges. Ang marangal na kulturang Russian ay hindi kahit na 150 taong gulang, at ang edad ng burgesya ay mas mababa, dahil ang kapitalismo sa Russia, kung binibilang namin ang pormal na pamantayan, umiiral lamang ng 57 taon (1861-1917). Sa Kanlurang Europa, kung saan ang edad ng dating ay sinusukat para sa maraming mga siglo, at ang edad ng huli ay lumampas sa 150 taon, ang mga rebolusyonaryong kaguluhan ay nagbanta sa kanila nang mas kaunti.

Nang walang malinaw na pagkakaiba sa pagitan ng mga marangal at burges na kultura, ang mga Bolsheviks ay biglang nagpasya na pakikitungo sa kapwa bilang isang hindi kinakailangang pamana ng nakaraan. Hindi lamang mga icon at banner, kundi pati na rin ang dami ng mga tula ni Pushkin na lumipad sa nagliliyab na apoy ng rebolusyon. Ang slogan ng mga unang taon ng kasaysayan ng Sobyet na "Itapon natin ang Pushkin mula sa barko ng ating oras!" ay isinama sa malupit na pare-pareho at sa buong suporta ng mga awtoridad. Sa katunayan, siya, ang mahusay na punto ng pag-on, ay sinimulan ng mga ito. Ang rebolusyong pangkultura na naganap noong panahong iyon ay isang pangkaraniwang halimbawa ng isang rebolusyon mula sa itaas na sumasabay sa walang pagbabago na modernisasyon.

Ang Bolsheviks ay nagtakda tungkol sa paglikha ng isang bagong kultura nang mabilis at mapagpasyang. Alinsunod sa atas ng Nobyembre 9, 1917, ang Komisyon sa Estado ng Edukasyon ay itinatag upang gabayan at kontrolin ang kultura. Sa nabuo na gobyerno (SNK RSFSR), ang A.V. Lunacharsky (1874-1933) ay hinirang na People's Commissar for Education. Sa People's Commissariat for Education, isang departamento para sa edukasyon ng mga pambansang minorya ay nabuo upang pamahalaan ang mga kulturang pangkultura sa mga pambansang rehiyon ng RSFSR. Ang kapangyarihan ng Sobyet ay tinanggal ang mga pampubliko, propesyonal at malikhaing samahan na gumana bago ang rebolusyon - ang All-Russian Teachers 'Union, Union of Artists, Union of Art Workers, at iba pa.Nagsimula ang mga bagong organisasyong pangkultura - Down with Illiteracy, Union of Atheists, Society of Friends of Radio, atbp.

Nitong 1917 ang Hermitage, ang Russian Museum, ang Tretyakov Gallery, ang Armory at maraming iba pang mga museyo ay naging "pag-aari at pagtatapon" ng mga tao. Pribadong koleksyon ng S.S. Shchukin, Mamontovs, Morozovs, Tretyakovs, V.I. Dahl, I.V. Tsvetaeva.

Sa pamamagitan ng hakbang-hakbang, ang mga institusyon ng propesyonal na awtonomiya ng mga intelektibo ay likido - independyenteng mga publikasyon, mga unyon ng malikhaing, mga asosasyon sa unyon sa kalakalan. Kahit na ang agham ay inilagay sa ilalim ng mahigpit na kontrol sa ideolohiya. Ang Academy of Sciences, na laging independiyenteng sa Russia, ay pinagsama sa Komunistang Academy, na nasasakop sa Konseho ng Mga Komisyon ng Tao at naging isang institusyong burukrata. Mula noong huling bahagi ng 1920, ang hinala ng mga dating intelligentsia ay pinalitan ng pag-uusig sa politika: ang pagkakasundo ng Shakhty, ang mga proseso ng Industrial Party, ang Labor Peasant Party ay nagpapatotoo na ang pisikal na pagkawasak ng mga intelektwal na Russian ay nagsimula sa bansa.

Kasabay ng pagpuksa ng mga dating intelligentsia, ang paglikha ng mga Sobiyetong intelihensya ay nagpatuloy, at bukod dito, sa isang pinabilis na rate - sa pamamagitan ng "promosyon" (ang mga manggagawa kahapon ay na-promote ng mga katawan ng partido sa direktor), mga kasanayan ng mga manggagawa (paghahanda ng mga kasanayan para sa pinabilis na edukasyon at pagsasanay ng kabataan ng kabataan at magsasaka para sa pagpasok sa mga unibersidad; laboratoryo at brigada pamamaraan ", kung saan iniulat ng isang mag-aaral para sa buong pangkat). Bilang isang resulta, na noong 1933 ay nalampasan ng USSR ang Alemanya, England, Japan, Poland at Austria sa bilang ng mga mag-aaral na kinunan.

Ang bagong patakaran sa kultura na itinakda upang "magamit sa mga nagtatrabaho na tao ang lahat ng kayamanan ng sining na nilikha batay sa pagsasamantala ng kanilang paggawa", tulad ng ipinahayag sa Kongreso ng VIII ng RCP (b). Ang pinaka-epektibong paraan ay itinuturing na pangkalahatang nasyonalisasyon - hindi lamang sa mga pabrika at halaman, kundi pati na rin ang mga sinehan at gallery ng sining. Ang libreng pag-access ng mga tao sa mga kayamanan ng kultura ng mundo, ayon sa plano, ay upang buksan ang daan sa pangkalahatang edukasyon ng Russia. Kasabay nito, ang nasyonalisasyon ng mga monumento ng kultura ay inilaan upang protektahan sila mula sa pagkawasak, dahil kinuha sila ng estado sa ilalim ng pangangalaga nito. Ang mga museo at exhibition hall, atheist club at planetariums ay na-set up sa mga marangal na estates, simbahan at mga institusyon ng lungsod. Sa panahon mula 1918 hanggang 1923, humigit-kumulang 250 mga bagong museo ang nilikha. Ang pagpapanumbalik ng ilang mga monumento ay nagsimula. Noong 1918-1919 higit sa 65 mga monumento ng kasaysayan at artistikong naibalik, at sa pamamagitan ng 1924 - 227. Sa pamamagitan ng utos ng Konseho ng People Commissars ng RSFSR ng Agosto 27, 1919, ang industriya ng Photographic at cinematographic ay nasyonalisado. Ang gawain ng mga pabrika ng pelikula at sinehan ay pinamumunuan ng All-Russian Photo Cinema Department (VFKO) ng People's Commissariat of Education, na noong 1923 ay binago sa Goskino, at noong 1926 - papunta sa Sovkino. Noong 1918, kinuha ng estado ang pinakamalaking mga institusyong pangmusika: ang mga conservatories, ang Bolshoi Theatre, ang Mariinsky Theatre, mga musikal na pabrika ng instrumento, at mga bahay ng paglalathala ng musika. Ang mga bagong samahan ng konsiyerto at pang-edukasyon ng musikal, mga institusyong pang-edukasyon ng musikal ay nilikha, naayos ang mga grupo ng amateur.

Gayunpaman, ang parehong nasyonalisasyon ay nagbukas ng daan para sa isang dating hindi nakikitang barbarism ng kultura: nawala ang hindi mabibili ng mga aklatan, nawala ang mga archive; sa mga marangal na bahay at simbahan, hindi lamang mga club at paaralan ang itinayo, kundi pati na rin mga bodega at workshop. Sa paglipas ng panahon, maraming mga relihiyosong gusali ang nahulog sa lubos na pagkawasak, at ilang libong mga templo at mga monasteryo sa buong bansa ay ganap na nalinis sa ibabaw ng mundo. Kapag ang mga Bolsheviks ay nangangailangan ng matapang na pera upang maibalik ang pambansang ekonomiya, dose-dosenang mga bagon ng mga masining na kayamanan, kabilang ang mga icon ng makasaysayang halaga, ay ibinebenta sa ibang bansa para sa susunod na wala. Ang pagsunod sa mga prinsipyo ng diskarte sa klase, daan-daang mga lumang monumento ay nawasak sa mga lungsod, sa lugar kung saan itinayo ang mga bus ng mga bayani-rebolusyonaryo, binago ang mga kalye at mga parisukat.

Ang Proletkult (Proletarian culture), isang pangkulturang pang-kultura, pang-edukasyon, pampanitikan at artistikong (1917-1932) ng proletarian amateur na pagganap sa ilalim ng People's Commissariat of Education, ay lumaban nang mas aktibo kaysa sa iba. Ang Proletkult ay lumitaw noong taglagas ng 1917 at sa lalong madaling panahon ay mayroong higit sa 200 mga lokal na samahan sa iba't ibang larangan ng sining, lalo na ang panitikan at teatro. Ang mga ideologo nito (A.A.Bogdanov, V.F.Pletnev) ay nagdulot ng malubhang pinsala sa pag-unlad ng artistikong bansa, na tinanggihan ang pamana sa kultura. Nalutas ng Proletkult ang dalawang mga gawain - upang sirain ang lumang marangal na kultura at lumikha ng isang bagong proletaryado. Matagumpay niyang kinaya ang una, at ang pangalawa ay nanatiling isang lugar ng hindi matagumpay na eksperimento.

Ang Proletkult ay naglalaro ng negatibong papel dahil sinubukan nitong malutas ang mga problema sa pamamagitan ng paraan ng pag-atake ng cavalry kung saan ang mga pamamaraang ito ay hindi angkop. Hindi ito ang batayan, ngunit lamang ng isang matinding pagpapahayag ng diskarte ng Bolshevik sa kultura, na sa lalong madaling panahon sinubukan ng RSDLP na mapupuksa. Kumbinsido sa hindi naaangkop na mga pamamaraan ng ekstremista sa paglutas ng mga malalaking problema na may kaugnayan sa kultura, ang mga Bolsheviks ay lumipat sa isang unti-unting at mas nakaayos na pagkakasakit.

Sa sistema ng edukasyon, ang nasyonalisasyon ay pinalitan ng nasyonalisasyon, na, tulad ng nasyonalisasyon, ay naghabol ng ilang mga layunin. Una, ang pangangasiwa ng mga paaralan at unibersidad, na nawalan ng kanilang mga kalayaan sa akademiko at kaligtasan sa sakit, ay nasasakop sa aparatong partido, na hinirang at pinalitan ang mga kawani ng pagtuturo, at tinukoy ang mga quota para sa pagpasok ng mga mag-aaral. Pangalawa, ang mapagbantay na ideolohiyang kontrol ay itinatag sa mga mag-aaral at propesor, ang nilalaman ng itinuro at nakuha na kaalaman. Pangatlo, ang laki at dami ng edukasyon ng publiko ay lumawak nang husto, at halos lahat ng mga segment ng populasyon ay nakatanggap ng pag-access sa libreng pampublikong edukasyon. Bilang isang resulta, na noong 1921 ang bilang ng mga unibersidad sa bansa ay tumaas sa 244 kumpara sa 91 sa pre-rebolusyonaryong Russia. Ang utos na "Sa mga patakaran para sa pagpasok sa mas mataas na institusyong pang-edukasyon" (1918) pinapayagan ang libreng pagpasok sa mga unibersidad. Hindi lamang ang mga bayarin sa matrikula at pagsusuri sa pasukan ay tinanggal - hindi kahit na ang isang diploma sa high school ay kinakailangan.

Ang isang napakalaking kampanya upang matanggal ang hindi marunong magbasa ng mga matatanda at bata ay inilunsad sa bansa. Noong 1919, ang kautusan na "Sa pag-aalis ng hindi marunong magbasa't lipunan sa populasyon ng RSFSR" ay inisyu, na pinatawad ang lahat ng mga taong hindi marunong magbasa't gulang na matuto basahin at isulat sa kanilang sariling wika o Ruso. Ang mga komisyon sa emerhensiya para sa pag-aalis ng hindi marunong magbasa't sulat ay nilikha kahit saan. Ang lipunang "Down with illiteracy" ay pinamumunuan ni M.I. Kalinin, V.I. Lenin, A.V. Lunacharsky. Ang isang malawak na network ng mga paaralan, lupon at kurso ay nilikha. Noong 1913-1920. humigit-kumulang 7 milyong tao ang nakakuha ng karunungang sumulat. Ayon sa 1939 All-Union Census, ang bilang ng mga taong marunong bumasa't sumulat ng 16 hanggang 50 ay tumaas sa 90%. Ang bilang ng mga mag-aaral sa mga paaralan ng pangkalahatang edukasyon ay lumampas sa 30 milyon, kumpara sa 7.9 milyon noong 1914, at ang bilang ng mga nagtapos sa unibersidad ay lumampas sa 370,000. Ang bilang ng mga mananaliksik na nagtatrabaho sa 1,800 na mga institusyong pang-research ay nadagdagan sa 100 libo, na lumampas sa antas 1913 halos 10 beses.

Ang sapilitang paghahanda ng mga mag-aaral at mag-aaral sa una ay humantong sa isang kapansin-pansin na pagbaba sa kalidad ng edukasyon. Ang mga nagtapos ay maaaring basahin, ngunit hindi nagtataglay ng mga advanced na tagumpay ng agham sa oras na iyon, at sa FZU (mga paaralan ng pabrika) ang antas ng kaalaman ay madalas na sakuna at bordered sa pag-aaral na hindi nagbabasa (ang kakayahang magbasa, ngunit ang kawalan ng kakayahan na maunawaan kung ano ang nabasa). Ang gobyernong Sobyet ay kumilos bilang, marahil, ang anumang iba pang pamunuan na inilalagay sa matinding mga kalagayan ay magawa sa lugar nito: milyon-milyong mga karampatang mga espesyalista at siyentipiko ang lumipat mula sa bansa, ang pangangailangan upang maibalik ang pambansang ekonomiya na nawasak ng digmaan, at pagkatapos ay ang malawakang pagtatayo ng libu-libong mga bagong negosyo ay nangangailangan ng pinakamabilis na pagsasanay ng kwalipikado mga frame. Ang isang bansa na napapaligiran ng mga kalaban sa ideolohiya ay nangangailangan ng isang malakas na potensyal ng pagtatanggol. Sa ganitong sitwasyon, ang lahat ng mga mapagkukunan ay nakatuon sa pagtaas ng mga teknikal na agham at industriya ng pagtatanggol, kung saan ang pinakamahusay na mga puwersang intelektwal ay puro.

Simula noon, ang ratio ng pondo sa badyet na inilalaan ng estado para sa pagpapaunlad ng agham ay itinayo sa isang ratio na tungkol sa 95: 5 bilang pabor sa teknikal at likas na kaalaman, noong 30s tulad ng isang patakaran na nagbunga. Sa batayan ng pang-agham na pananaliksik ng akademikong S.Z. Ang Lebedev (1874-1934) sa USSR, sa kauna-unahang pagkakataon sa mundo, ang mass production ng synthetic goma ay naayos. Salamat sa mga natitirang siyentipikong pagtuklas ng mga pisiko sa Soviet, ang mga prinsipyo ng radar ay ipinakilala sa buhay sa kauna-unahang pagkakataon sa mundo. Sa ilalim ng pamumuno ng Akademyang A.F. Ioffe (1880-1960), nilikha ang isang bantog na paaralan ng mga pisika sa mundo, na gumawa ng isang malaking kontribusyon sa pag-aaral ng atomic nucleus at kosmic ray. Noong 1930s, nilikha ng agham at teknolohiya ng Sobyet ang first-class na sasakyang panghimpapawid, kung saan itinakda ng aming mga piloto ang mga talaan sa mundo para sa saklaw at taas.

Ang mga resulta ng rebolusyong pangkultura, parehong positibo at negatibo, ay nakakaapekto hindi lamang agham at edukasyon, kundi pati na rin sa muling pag-aayos ng kultura ng pang-araw-araw na buhay.

Ang mga mananalaysay na nag-aaral ng panahon ng Sobyet ng ating kasaysayan ay naniniwala na noong 1930s isang bago at hindi gaanong radikal na pagliko ang naganap sa mga aktibidad ng Bolsheviks kaysa sa 1917. Sa partikular, ang sosyolohistang Amerikano na si N. Timashev (na lumipat mula sa Russia) ay ipinasa ang tesis na noong 30s ang panloob na patakaran ng USSR ay tumigil na tumutugma sa mga dating nangingibabaw na rebolusyonaryong ideolohiya. Ang naunang patakaran ng kulturang Bolshevik ay batay sa radikalismo: ang halaga at pangangailangan ng pamilya ay tinanggihan, ang pag-abanduna sa kanilang mga magulang, kung sila ay nagmula sa "burges" na pinagmulan, ng dating kultura ay hinikayat. Ang mga Filisteo at katamtaman ay hinatulan sa parehong paraan, at ang walang pasubaling priority ng lipunan at ang kolektibo sa indibidwal ay napatunayan. Kasunod ng Mayakovsky, ang mga intelektwal ng partido ay nagsipagtayo upang bumuo ng isang modelo ng isang bagong pamilya, na walang pagseselos, pagtatangi, at ang tradisyonal na mga prinsipyo ng relasyon sa pagitan ng kababaihan at kalalakihan.

Noong kalagitnaan ng 1930, isang pagbabalik-tanaw ay naobserbahan - ang paglipat mula sa rebolusyonaryong asceticism hanggang sa kapakanan ng pribadong buhay at mas maraming sibilisadong anyo ng pag-uugali. Mga mithiin ng pamilya, dedikasyon sa serbisyo at isang propesyonal na karera, ang halaga ng klasikal na edukasyon ay naibalik. Ang mga pagbabagong nagaganap sa pang-araw-araw na buhay, panlasa, at asal. Ang mga pahayagan at magasin ng 30s ay malawak na tinatalakay ang problema ng kultura ng tao, ang institusyon ng mga pampaganda at kalinisan ng Glavparfumer ay binuksan sa Moscow at lumitaw ang mga magazine ng fashion.

Ang sining ng teatro ay hindi rin tumayo. Sa pamamagitan ng isang kautusan ng Council of People Commissars (1917), ang mga sinehan ay inilipat sa hurisdiksyon ng People's Commissariat of Education. Noong 1919, isang Deklarasyon ng Konseho ng mga People's Commissars tungkol sa pag-iisa ng negosyo sa teatro, na nilagdaan ni V.I.Lenin, ipinahayag ang nasyonalisasyon ng teatro.

Ang pinakalumang sinehan ng Russia ay gumawa ng mga unang hakbang patungo sa isang rapprochement na may bago, nagtatrabaho madla, muling pag-isipan ang mga klasiko - sa ilang mga kaso na isinalin ito sa mga tuntunin ng "katinig ng rebolusyon" (The Posadnik ni A. K. Tolstoy, 1918, The Old Man by Gorky, 1919, kapwa sa Maly teatro). Ang mga nakatutuwang at makabayan na mga imahe ng Mayakovsky's Mystery Buff (na itinanghal ni Meyerhold noong 1918) ay inilatag ang pundasyon para sa paglikha ng mga pampulitika na matalas na pagtatanghal, na nadagdagan ng diwa ng rebolusyonaryong romantiko, at nag-ambag sa pag-unlad ng agitation teatro. Ang malaking kahalagahan sa pagbuo ng theatrical culture ay ang malikhaing pakikipag-ugnayan at kumpetisyon ng mga pinakalumang sinehan ng Russia, na isinalin sa pangkat na pang-akademiko, tulad ng Maly, Moscow Art Theatre, Alexandrinsky, at bagong organisado - ang ika-3 ng Moscow Moscow Theatre Studio, ang RSFSR Theatre Revolution Theatre, ang Theatre. Ang MGSPS, ang Bolshoi Drama Theatre sa St. Petersburg, Red Torch Theatre at iba pa.Ang Bolshoi Drama Theatre ay itinatag sa Petrograd kasama ang pakikilahok ng M.F. Andreeva, A.A. Blok, M. Gorky, A.V. Ang Lunacharsky bilang isang teatro ng bayani repertoire. Ang chairman at pinuno nito ay A.A. I-block. Ang mga pagtatanghal ay itinanghal ng mga direktor na N.N. Arbatov, R.V. Boleslavsky, A.N. Lavrentiev, dinisenyo ng mga artist A.I. Benois, A.V. Dobuzhinsky, V.A. Pike. Ang musika para sa teatro ay isinulat ng mga kompositor B.V. Astafiev, Yu A. Shaporin, at N.F. Monakhov, V.V. Maximov, V. Ya. Safronov.

Ang pag-unlad ng teatro sa panahong ito ay lubos na naiimpluwensyahan ng mga aktibidad ng isang buong kalawakan ng mga may talento na direktor: K.S. Stanislavsky, V.I. Nemirovich-Danchenko, V.E. Meyerhold, E.B. Vakhtangov, A. Ya. Tairova, A.D. Popova, K.A. Mardzhanishvili, G.P. Yura. Ang mga aktor ng mas matandang pre-rebolusyonaryong henerasyon - M.N. Ermolova, A.M. Yuzhin, A.A. Ostuzhev, E. D. Turchaninov, A.A. Yablochkina (Maly Theatre), I.M. Moskvin, V.I. Kachalov, L.M. Leonidov, M.P. Lilina, O. L. Knipper-Chekhova (Moscow Art Theatre) at iba pa.Sa parehong oras, isang batang henerasyon ng mga mahuhusay na aktor ang sumali sa - N.P. Khmelev, A.K. Tarasova, N.P. Batalov, M.M. Yanshin, K.N. Elanskaya, B.K. Livanov, B.V. Shchukin, E.N. Gogolev, A.A. Khorava, A.A. Vasadze, A. Khidoyatov, S.M. Mikhoem, N.M. Uzhviy at iba pa. Maraming mga bagong teatro at teatro studio, nilikha din ang mga mobile na sinehan. Ang mga unang sinehan ng mga bata sa mundo ay lumitaw.

Sa panahon kung saan inilatag ang mga pundasyon ng kulturang artistikong Sobyet, isang mahalagang papel ang ginampanan ng mga aktibidad ng mga musikero ng mas matandang henerasyon, na gumawa ng isang buhay na koneksyon sa pagitan ng pre-rebolusyonaryong nakaraan ng musika ng Russia at ang bagong yugto ng Sobyet: mga kompositor A.K. Glazunova, M.M. Ippolitova-Ivanova, A.D. Kastalsky, R.M. Glier, S.N. Vasilenka, A.F. Gedike, M.F. Gnesin, performers at guro K.N. Igumnova, A.B. Goldenweiser, L.V. Nikolaev, kritiko at musikero ng V.G. Karatygina, A.V. Ossovsky, B.F. Asafieva, B.L. Yavorsky, M.V. Ivanov-Boretsky.

Sa utos ng Council of People Commissars ng RSFSR "Sa Moscow at Petrograd Conservatories" noong Hulyo 12, 1918, sa kauna-unahang pagkakataon, ang konsepto ng "konstruksyon ng musikal ng estado. Ang mga sinehan ng Bolshoi at Mariinsky, ang Synodal School sa Moscow, mga conservatories, mga bahay sa pag-publish ng musika, at mga pabrika ng musikal na instrumento ay inilipat sa estado. Maraming mga kompositor, performers, musicologists ang isang aktibong bahagi sa gawaing pang-edukasyon at masining at propaganda. Kabilang sa kanila B.F. Asafiev, S.N. Vasilenko, A.K. Glazunov, M.F. Gnesin, A.D. Kastalsky, L.V. Nikolaev, V.V. Shcherbachev, F.M. Shalyapin at iba pa.Sa 1930, ang unang tagumpay ay nakamit sa paglikha ng isang opera sa Sobyet: "Tahimik na Doh" ni II. Dzerzhinsky (1935), "Sa Isang Bagyo" ni T.N. Khrennikov (1939, pangalawang edisyon 1952), "Semyon Kotko" ni S. Prokofiev (1939). Ang isa sa mga pinakahusay na Sobyet na opera ay ang Katerina Izmailova ni Shostakovich (Lady Macbeth ng Mtsensk District, 1932, na-update 1962). Kabilang sa mga opera sa mga kontemporaryong tema, na isinulat sa mga taon ng pasko, ang "Virineya" ni S.M. Slonimsky (1967) at "Hindi Lamang Pag-ibig" ni R.K. Shchedrin (post. 1961).

Ang pag-unlad ng tinig ng silid at musikang pang-musika ay ginawa ng A.N. Alexandrov, N. Ya. Moskovsky, S.S. Prokofiev, G.V. Sviridov, Yu.A. Shaporin, V. Ya. Shebalin, D.D. Shostakovich, B.N. Tchaikovsky, B.I. Tishchenko, V.A. Gavrilin.

Ang Soviet ballet ay sumailalim sa isang radikal na pag-renew. Ang pagsunod sa mga tradisyon ng Tchaikovsky, Glazunov, Stravinsky, sa ganitong genre ay pinagtibay ng mga kompositor ng Soviet ang kahalagahan ng musika bilang pinakamahalaga, pagtukoy ng elemento ng drama ng choreographic. Si Gorsky, na nanguna sa tropa ng Bolshoi Theatre hanggang 1922, nagtanghal ng mga klasiko (The Nutcracker, 1919) at mga bagong palabas (Stenka Razin ni A.K. Glazunov, 1918; Eternally Fresh Flowers sa musika ni B.F. Asafiev, 1922 , at iba pa.). Ang mga imahe ng rebolusyonaryong tao ay artistikong nakakumbinsi na nakasulat sa mga ballet na Red Poppy (Red Flower) ni Glier (1927, pangalawang edisyon 1949), The Flame of Paris ni Asafiev (1932), Laurencia ni A.A. Crane (1937). Ang isang naka-bold na repormador ay si Prokofiev, na lumikha ng ballet na Romeo at Juliet (1936) - isang malalim, musikal at choreographic trahedya na nakakaakit sa kapangyarihan nito. Kabilang sa mga kompositor na matagumpay na nagtatrabaho sa genre ng ballet ay ang A.I. Khachaturian (Spartak, 1954), A.P. Petrov (The Creation of the World, 1971), R. Shchedrin (Anna Karenina, 1972).

Sa pagliko ng 20-30s, ang mga nagtapos sa paaralan ng ballet ng Sobyet ay dumating sa teatro: M.T. Semenova, G.S. Ulanova, N.M. Dudinskaya, O. V Lepeshinskaya.

^
2.2. Mga tampok ng teatrical costume ng unang bahagi ng ikadalawampu siglo 22

2.3. Theatrical costume bilang isang imahe ng oras 25

Konklusyon 33

Mga Sanggunian 36

Sa panahon ng Renaissance, ang unang permanenteng propesyonal na mga tropa ay nagsimulang lumitaw sa Europa. Sila ay gumala o ipinako sa isang lugar. Ang mga tao ay nais na tumawa nang higit pa sa pag-iyak, kaya ang mga aktor ay naglalagay ng ilaw, paglalaro ng komiks, pamasahe at parodies. Ang mga komedyante ng Itinerant ay nagpatuloy sa mga tradisyon ng medieval at (tulad ng buong kultura ng Renaissance) ay bumaling sa sinaunang pamana. Ang pinakauna sa gayong mga tropa ay nagmula sa Italya. Doon ay lumitaw ang teatro ng commedia dell na "arte", iyon ay, ang "komedya ng mga maskara".

Sa commedia dell'arte mayroon lamang isang dekorasyon - ang kalye ng lungsod. Walang permanenteng balangkas: ang pinuno ng tropa (kapokomiko) ay tinanong ito, at ang mga aktor ay na-improvise, tulad ng sa mga sinaunang Atellans. Ang mga trick at remarks na iyon ay nagpukaw ng pag-apruba ng publiko ay paulit-ulit at pinalakas. Ang pagkilos ay umikot sa pag-ibig ng mga bata, na hinalikan ng matanda at tinulungan ng mga lingkod.

Ang maskara ay gumanap ng pinakamahalagang papel sa komedya. Ang isang itim na maskara ay maaaring masakop ang lahat o bahagi ng mukha. Minsan ito ay isang nakadikit na ilong o bobo na baso. Ang pangunahing bagay ay upang lumikha ng isang tipikal na mukha, na itinuro sa isang cartoon.

Mayroong dalawang mga kinakailangan para sa kasuutan: kaginhawaan at komiks. Samakatuwid, ito ay kahawig, sa isang banda, ang mga damit ng mga histrions sa medieval, at sa kabilang banda, ito ay pupunan ng mga katangian na nakakatawang mga detalye.

Halimbawa, ang Pantalone - isang negosyante ng cheapskate - ay palaging kasama ang kanyang pitaka. Ang kanyang damit ay katulad sa mga negosyante ng Venetian: isang dyaket na nakatali sa isang sash, maikling pantalon, medyas, isang balabal at isang beanie. Ngunit pagkatapos ng isang araw dumating ang artista sa entablado sa malawak na pulang pantalon, ang tampok na katangian na ito ay nagustuhan ng madla. Bilang isang resulta, ang Pantalone at ang kanyang pantalon ay labis na pinagsama sa isipan ng mga tao na sa paglipas ng panahon, ang karaniwang pangalan ng damit na panloob ng mga kababaihan, pantaloon, ay nabuo mula sa isang personal na pangalan.

Ang doktor - isa pang bayani ng commedia dell'arte - ang nagpakita ng isang parody ng isang siyentipiko at lumabas sa isang itim na akademikong balabal na may isang kwintas na kwintas at cuffs. Sa kanyang mga kamay palaging may mga scroll sa papel sa kanyang ulo - isang malawak na sumbrero.

Ang kapitan ay isang tagapagbalita sa militar, nakasuot ng isang cuirass, malawak na pantalon, mga bota na may malaking spurs, isang maikling balabal at isang sumbrero na may mga balahibo. Ang kanyang palaging katangian ay isang kahoy na tabak, na tiyak na maiipit sa saksak kung kinakailangan.

Ang pinaka-maraming at iba't ibang mga character ay mga tagapaglingkod (zanni), dahil sila ang "mga makina ng pag-unlad" sa isang salungatan sa pag-ibig. Ang Pulcinella ay mayroong malaking baluktot na ilong; ang Harlequin ay may napakaraming mga patch na sa paglipas ng oras na sila ay naka-istilong sa isang checkerboard, si Pierrot ay may malawak na puting shirt na may cutter na kwelyo at mahabang pantaloon; Si Brighella ay may malawak na puting blusa at pantalon na tumutugma.

Ang katutubong teatro na ito, salamat sa mga light plots nito, ay mas sikat kaysa sa mga sinehan ng Shakespeare o Lope de Vega, na nagbigay ng higit na kagustuhan hindi sa libangan, ngunit sa kalaliman ng nilalaman. Para sa mga gawa ng Lope de Pegas, halimbawa, kahit na ang pangalang "komedya ng balabal at tabak" ay lumitaw, sapagkat sa kanila ang mga artista ay talagang naglaro lamang sa kontemporaryong pang-araw-araw na mga costume para sa may-akda.

Kaayon ng mga libot na tropa, mayroon ding mga sinehan sa korte, ang mga costume na kung saan ang bilang sa daan-daang at nakikilala sa kanilang mataas na gastos. Sila ay ipinakita nang hiwalay mula sa pagganap ng pag-play.

Noong ika-17 ng ika-18 siglo, ang pagbuo ng theatrical costume ay tumanggi. Ang salita ay dinala sa unahan, ang mga diyalogo ay sumisipsip ng lahat ng pansin ng madla. Ang yugto ay gumagamit ng isang pang-araw-araw na suit na wala sa makasaysayan. Ito ang karaniwang sunod sa moda kasuutan ng oras na iyon. Totoo, sa paglalaro ay hindi mo makikita ang isang masungit na lingkod o isang hindi magandang bihisan na pastol. Ang suit ay pino. Ito ay isang kinahinatnan ng paglalaro ng buhay. Ang teatro ay labis na kasangkot sa pang-araw-araw na buhay na ang hangganan sa pagitan ng theatrical at pang-araw-araw na kasuutan ay tinanggal. Dapat pansinin na sa ika-17 at ika-18 siglo, madalas na tinutukoy ng kasuutan ng teatro ang fashion (tulad ng nabanggit sa mga nakaraang kabanata). Ang mga artista ay nakasuot ng mas mahusay at mas maluho kaysa sa iba. Sa siglo XVII. para sa Monsieur a la mod, ang mga espesyal na lugar ng manonood ay naayos sa entablado, kung saan hindi nila gaanong napanood ang pagganap tulad ng tinalakay ang mga artista at ang kanilang mga costume.

Noong ika-17 - ika-18 siglo, umunlad ang mga synthetic genres: opera, ballet, sirko (bagaman nakilala sila dati). Sa mga genres na ito, mayroong mga dramatikong pagkilos, at mga stunts, at musika, at pag-awit, at maliwanag na di malilimutang make-up. Ang mga sintetikong genre ay nagsasama ng mga elemento ng pang-araw-araw na buhay. Halimbawa, ang caniyang sayaw ng ballroom (French cancan) na may isang katangian na mataas na pagkahagis ng mga binti ay lumitaw sa paligid ng 70s ng ika-18 siglo. Unti-unti, ito ay nagiging isang mahalagang bahagi ng operetta - isang genre ng musikal at sayaw na komedya.

Noong ika-19 na siglo, ang interes sa kasaysayan ay nabuhay muli sa lahat ng mga lugar ng kultura. Salamat sa mga natuklasan sa arkeolohiko at pampanitikan, posible na matuto nang higit pa tungkol sa mga damit ng antigong panahon, samakatuwid, sa kauna-unahang pagkakataon, ang mga pagtatangka ay ginawa sa mga pang-kasaysayan na pag-play upang mabuo ang orihinal na mga costume ng nakaraan.

Ang pag-unlad ng kritikal na realismo bilang isang pamamaraan ng sining at isang paraan ng pag-unawa sa mundo ay humahantong sa ang katunayan na sa entablado ay hindi mo na makikita ang mga kababaihan ng magsasaka sa mga peignoir at starched na mga lingkod. Ang mga naturang props ay lilitaw sa teatro, na hindi nabanggit nang malakas sa isang disenteng lipunan noon. Ang paghahanap para sa mga bagong anyo ng pagpapahayag ay humahantong sa naturalistic make-up. Narito ang isinulat ni V.A.Gilyarovsky sa kanyang sanaysay tungkol sa Moscow at Muscovites:

"Noong 1879, ang isang batang lalaki sa Penza sa theatrical hairdresser na si Shishkov ay isang mag-aaral, maliit na Mitya. Siya ang paborito ng negosyanteng Penza na si V. P. Dalmatov, na pinayagan lamang siyang hawakan ang kanyang buhok at tinuruan siyang pampaganda. Minsan V. P. Dalmatov sa kanyang pagganap sa benepisyo itinanghal na "Mga Tala ng isang Madman" at inutusan si Mitya na maghanda ng isang kalbo na peluka, na nagdala ng isang basang bula ng bula sa pagganap at nagsimulang ilagay si Dalmatov sa maayos na buhok ni Dalmatov ... Ang mga aktor ay tumakbo sa dressing room sa hiyawan ng aktor.

Ikaw ay isang mahusay na artista, Vasily Panteleimonovich, ngunit hayaan mo akong maging isang artista ng aking bapor! - Ang pagtapon ng kanyang ulo sa matataas na VP Dalmatov, ang maliit na batang lalaki ay gumawa ng mga dahilan. - Subukan mo lang ito!

Sa wakas ay sumang-ayon si VP Dalmatov - at pagkaraan ng ilang minuto, ang bubble ay na-draped, pinutok dito at doon, at ang mga mata ni BP Dalmatov ay lumiwanag sa kasiyahan: isang ganap na hubad na bungo sa kanyang itim na mata at nagpapahayag ng pampaganda ay gumawa ng isang malakas na impresyon.

Sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo, ang kalakaran ng modernismo ay nagbigay ng bagong mga porma ng kasuutan ng teatro. Ang mga outfits ay naka-istilong, nagiging mga simbolo. Natuklasan ng mga Europeo ang mga sinehan ng Silangan, na naipakita sa kasuutan ng entablado.

Sa mga unang layunin pagkatapos ng Rebolusyong Oktubre, nawala ang lahat ng kasuutan ng teatro, pinalitan ito ng "overalls", dahil ang mga aktor ay "mga manggagawa sa teatro".

Unti-unti, ang lahat ay bumalik sa normal, at ang teatrical costume ay bumalik sa entablado. Bukod dito, sa siglo ng XX. tulad ng isang bagong palabas habang ang teatro ng fashion ay lumitaw. Ang mga palabas sa fashion ay naging mga palabas sa musikal at drama. Kaya ang kasuutan ng sambahayan ay sa wakas ay bukas na "kasal" sa teatro.

Ipadala ang iyong mabuting gawain sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, mag-aaral na nagtapos, batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay labis na nagpapasalamat sa iyo.

Nai-post sa http://www.allbest.ru/

FSBEI HE "Omsk University of Design and Technology"

Mga tampok ng pagdidisenyo ng teatrical costume ng mga bata

Borisova E.A., Tolmacheva G.V.

Buod

Sinusuri ng artikulo ang kasuutan ng teatro ng mga bata bilang isang disenyo ng object na may maraming mga gawain. Sa halimbawa ng pagganap ng teatro na "Anghel", ang mga yugto ng pag-unlad ng kasuutan ng isang bata ay ipinakita, ang mga subtleties ng mga detalye nito, at ang mga kakaiba ng pagmamanupaktura ay ipinahiwatig. Ang pinaka-karaniwang mga kinakailangan ay isinasaalang-alang: functional, aesthetic, ergometric. Ngunit dahil ang kasuutan ay hindi lamang maakit ang aktor na maglaro at makakatulong upang maihayag ang imahe, maaari itong magsagawa ng mga karagdagang pag-andar na mahalaga para sa mga bata: nagbibigay-malay at pag-unlad; pagbagay at pagkakaugnay, pagpapabuti ng magkakaintindihan sa pangkat; pag-unlad ng isang pakiramdam ng sariling katangian, tulong sa pagpapahayag ng sarili. Ang pagtugon sa paksa ng pananaliksik ay nauugnay, dahil sa mga nakaraang taon maraming mga lupon, ang mga malikhaing studio ay nabuksan, at ang disenyo ng kasuutan ng teatro ng mga bata ay nangangailangan ng isang propesyonal, seryoso at maingat na pagsusuri.

Ang pangunahing nilalaman ng pag-aaral

Ang teatro ay isang form ng sining kung saan ang maraming ay dinisenyo para sa panlabas na epekto. Ang papel ng kasuutan bilang isang "gumagalaw" na dekorasyon ay palaging at nananatiling nangingibabaw. Ngunit kahit na mas mahalaga ay ang theatrical costume sa mga dalubhasang studio ng teatro, na bahagi ng programa para sa pag-unlad at edukasyon ng mga bata. Ang isang kasuutan ay isang paraan ng pagbabago ng isang artista, isang elemento ng isang laro, isang bahagi ng aksyon sa teatrikal. Ngunit ito rin ay isang disenyo ng bagay, isang produkto na pinagtatrabahuhan ng maraming mga espesyalista. Ang direktor ng paglalaro ng mga bata, kasama ang mga aktor at artista, ay bumubuo ng imahe ng kasuutan sa teatro na hinaharap, nagtatakda ng mga gawain; taga-disenyo ng kasuutan, nagdidisenyo ng disenyo kung ano ang ipinaglihi sa mga materyales. Ang mga kinakailangan para sa pagdidisenyo ng isang theatrical costume para sa isang studio kung saan naglalaro ang mga bata ay may sariling mga katangian na may kaugnayan sa aesthetics, paggawa at operasyon ng teatrical costume. Ang isang moderno, maluwag na akma, alinsunod sa pinakabagong mga uso sa fashion, isang pinasimple ngunit epektibong diskarte sa dekorasyon at dekorasyon ay kanais-nais. Ang pagpili ng tela ay dapat na tumutugma sa konsepto ng pagganap.Sa artikulo, sinuri ng mga may-akda at itinakda ang mga pangunahing yugto ng trabaho. Ang pinaka-makabuluhan sa disenyo ng isang kasuutan ng teatro ng mga bata ay mga kinakailangan sa pagpapaandar na matukoy ang antas ng pagiging angkop para sa pangunahing layunin ng pag-andar - ang pagsisiwalat ng imahe, character at gawi, kalooban ng bayani. Ang mga kinakailangan sa Aesthetic ay hindi gaanong mahalaga - ang mga kinakailangan ng artistikong pagpapahayag, pagkakaisa, pangkakanyahan na pagkakaisa sa panahon at istilo ng pagganap. Ang kasuutan ay hindi lamang dapat magmukhang kamangha-manghang mula sa entablado, ngunit magkabagay din na magkasya sa pangkalahatang konsepto ng visual ng pagganap. Kapag nagdidisenyo ng isang theatrical costume para sa mga bata, lalong mahalaga na isaalang-alang ang mga kinakailangan sa ergonomiko na nagpapakilala sa antas ng kaginhawahan at kakayahang umangkop ng produkto sa artista: hindi magdulot ng kakulangan sa ginhawa sa panahon ng laro (maging hygroscopic at breathable), upang maging komportable para sa mga paggalaw ng sayaw, hindi magdulot ng mga paghihirap kapag binago ang mga damit sa pagitan ng paglabas sa pagganap ... Kaya, ang pangunahing gawain ng isang taga-disenyo ng kasuutan ay upang makumpleto ang lahat ng mga gawain at lumikha ng imahe ng isang aktor.

Isaalang-alang natin ang mga tampok ng disenyo, gamit ang halimbawa ng pag-play na "Mga Anghel", kung saan ang pangunahing artistikong ideya ay ang "Mga anghel" ay nabubuhay sa mga tao. Ang pangunahing kondisyon ng artistikong para sa paglikha ng mga costume ay - "hindi pamantayang imahe ng mga anghel at kanilang mga katangian", upang alisin ang mga frame at bumuo ng imahinasyon ng mga bata, na kung saan ay napaka-kapaki-pakinabang para sa kanila. Ang pagkamalikhain ay bubuo at nagiging mayaman bilang ang globo ng layunin ng mundo, binago ng tao, pinalawak ang globo ng kanyang kaalaman at kasanayan. Yamang ang "Anghel" sa mga relihiyon na Abraham ay isang espiritwal, hindi pagkakasundo, na madalas na inilalarawan ng mga pakpak, "ang mga aspeto na ito ay kinuha bilang isang mapagkukunan ng paglikha kapag lumilikha ng proyekto. Bilang isang kahalili na kapalit para sa tradisyonal na mga pakpak ng teatro, ang mga taga-disenyo ay nakabuo ng naaalis na mga arpa, na kumakatawan naayos sa ilang mga layer ng mesh tela ng iba't ibang kulay at hugis (mula sa mas malaki sa mas maliit), gupitin sa anyo ng mga naka-istilong balahibo at naka-attach sa isang nababagay na nababanat na banda. ang mga elemento ng kasuutan ay isang paraan din ng inspirasyon para sa mga bata, ang kanilang damdamin sa loob ng pagganap.Ang pangunahing kulay ng mga damit ay pinili na puti.Ito ay sumisimbolo sa kadalisayan, kadalisayan, kawalang-kasalanan, birtud, kagalakan; na nauugnay sa liwanag ng araw. napiling pastel marangal na lilim na nauugnay sa mga katangian ng mitolohiya mga anghel: ginto, beige, pink, asul.

Ang susunod na gawain ng proyekto ay ang kahusayan. Samakatuwid, ang pangunahing materyal mula sa kung saan ay iminungkahi para sa paggawa ng mga demanda ay koton, ito ay isang murang at natural na tela na may mga katangian ng hygroscopic at lakas. Ang pagbibihis ng damit ay isa sa pinaka-abot-kayang at kaakit-akit na paraan ng pagpapahayag sa sarili, na nagpapahintulot sa iyo na ipahayag ang iyong sariling natatangi. Ang palamuti ay inaalok mula sa nylon mesh, na, sa kabila ng lambot nito, pinapanatili ang maayos na hugis nito, sa parehong oras ay magaan (na mahalaga para sa kasuutan ng isang bata at kung saan ay madalas na problema sa mga teatrical costume)

Ang module ng pandekorasyon elemento ay isang laso na hiwa mula sa mesh. Hindi ito nangangailangan ng karagdagang pagproseso, dahil dito, maraming mga problema ay nalulutas: pagbawas ng oras ng produksyon, pagpapagaan ng teknolohiya ng pagmamanupaktura, magaan, pagiging epektibo. Dahil sa lambot at plastik na mga katangian ng mesh tela, kumplikadong hubog at malukong mga linya ng dekorasyon, mga fold, creases, at chill na mga amag ay maaaring mabuo sa iba't ibang paraan. Ang transparency ng grid ay nagbibigay-daan, kapag ang isang kulay ay superimposed sa isa pa, upang lumikha ng epekto ng airiness, lightness, color transition mula sa isa't isa, na binibigyang diin ang pantasya at unreality ng mga imahe ng pagganap.

Maraming mga aktor ay sabay-sabay na kasangkot sa entablado. Upang mapanatili ang isang pantay na istilo, pinili ng proyekto ang parehong mga silweta - puti at trapezoidal. Sikolohikal - ang parehong kulay at silweta ng mga costume ay gumaganap ng pag-iisa ng mga aktor sa isang koponan, na bumubuo ng isang pakiramdam ng pagkakaisa, paglahok sa isang karaniwang pagkilos at gawain. Sa kabilang banda, ang palamuti ng mga costume at ang kulay nito para sa bawat aktor ay sinasadya na ginawa, na binibigyang diin ang pagkatao. Ang maayos na kumbinasyon ng kulay at dekorasyon sa isang suit ay lalong mahalaga sapagkat ito ang kanilang ginagawang maganda, magkakasundo, kawili-wili para sa mga bata.

Ang isang mahalagang gawain sa disenyo ng isang kasuutan ng teatro ng mga bata ay ang pagiging moderno nito. Pinapayuhan ng mga sikologo, upang ang bata ay hindi komportable sa kanyang mga kapantay, kinakailangan na bihisan siya sa mga naka-istilong, kagiliw-giliw na damit ng mga naka-istilong gupit na naaayon sa mga uso, sa gayon ang isang pakiramdam ng pagkaugalian at tiwala sa sarili ay lumitaw, na mahalaga din para sa pagpapalaya ng aktor sa entablado. Ang mga damit ay maaaring magbigay ng tiwala sa isang tao na sarado para sa anumang kadahilanan, ngunit nagsusumikap para sa pamumuno sa kanyang kaluluwa. Halimbawa, kung ang bata ay isang introvert, sa kasamaang palad, maaaring mangyari ang kabaligtaran na epekto. Pakiramdam niya ay sobrang hindi komportable, at makakasagabal ito sa kanyang karaniwang mga aktibidad, makipag-usap sa ibang mga aktor at manonood. Para sa mga bata, ang mga pagtatanghal ay, una sa lahat, isang paraan upang makipag-ugnayan sa bawat isa, samakatuwid, kapag ang mga aktor ay bihis na matalino, naka-istilong, malinaw, sila ay libre, masigla, nakakahawa at ito ay isang paraan ng pagsasapanlipunan, pagbagay at isang pagkakataon upang makabuo ng komunikasyon sa isa't isa at sa tagapakinig ... Ang pananagutan sa kanilang mga aksyon at kamalayan ng kanilang sariling kakayahang maimpluwensyahan ang mundo sa kanilang paligid ay karaniwang nagpapalakas sa kasiyahan at tiwala sa sarili ng bata.

Ang pagsunod sa mga kinakailangan, ergometric at aesthetic na kinakailangan ay mahirap at mahalaga sa paglikha ng mga theatrical costume. Ang mga bata ay nangangailangan ng kaginhawahan, dapat na maginhawa para sa kanila na lumipat, sa parehong oras ang kilos na theatrical ay nagpapahiwatig ng mga "nakakulong" na mga manonood sa mga aktor, iyon ay, ang panlabas na epekto ng mga costume ay mahalaga.

Kaya isang teatrical costume? ito ay hindi lamang isang paraan ng pagbabago ng isang artista, isang elemento ng laro, ngunit ito rin ay isang bagay ng disenyo, sa disenyo ng kung saan mahalaga na isaalang-alang ang maraming mga kadahilanan na nakakaapekto sa pag-andar ng kasuutan.

Sa kurso ng pagsasaliksik ng proyekto, maaari itong tapusin na ang pagdidisenyo ng isang teatro na kasuutan para sa mga bata ay nangangailangan ng pagsasaalang-alang ng mga karagdagang pag-andar:

nagbibigay-malay at pag-unlad;

aesthetically nakalulugod at mapaglarong;

agpang.

Kasabay nito, mahalagang isaalang-alang ang sikolohiya, simbolismo, asosasyon, upang matulungan ang mga batang aktor na maunawaan at ihayag ang mga imahe, character, at pagbutihin ang magkakaintindihan sa pagitan ng mga artista at manonood.

Kapag nagdidisenyo ng mga teatro na costume para sa studio ng mga bata, bilang isang resulta ng pag-aaral ng pre-project, ang mga sumusunod ay napili: ang parehong kulay at silhouette ng mga damit, upang mapanatili ang isang solong estilo ng numero, lumikha ng isang pakiramdam ng pagkakaisa at pag-isahin ang mga aktor sa isang koponan. Ang magkakaibang palamuti at kulay nito ay natutupad ang gawain ng pagkakaugnay. Para sa pagpapaunlad ng aktibidad na nagbibigay-malay, ang iba't ibang mga naaalis na bahagi, ang mga malalaking pandekorasyon na elemento na gawa sa mga light mesh tela ay ginamit. Upang makisali sa proseso ng malikhaing laro, mga kulay ng pastel, kamangha-manghang dekorasyon, nagbibigay ng kamangha-manghang, na nagdudulot ng isang kasiyahan, na binibigyang diin ang simbolikong simbolismo.

kasuutan ng teatro ng mga bata

Panitikan

1. Amirzhanova A.Sh., Tolmacheva G.V. Ang papel ng pagkamalikhain sa pagbuo ng artistikong pagkatao // International Journal of Experimental Education. - 2015. Hindi. 12-3. S.319-321. URL: http://elibrary.ru/download/74553964. pdf

2. Goethe, I.V. Sa doktrina ng kulay. Sat / Per. mula sa Ingles. - M .: "Refl-book", K .: "Vakler". - 1996, - S.281-349

4. Goffman A.B. Fashion at mga tao. Bagong teorya ng fashion at sunod sa moda pag-uugali. - M .: KDU. - 2010. - P.228

5. Kostyukova Yu.A., Zakharova A.S., Chagina L.L. Mga tampok ng pagdidisenyo ng isang theatrical costume // Bulletin ng KSTU. - Kostroma: 2011. - Hindi. 1 (26). - S. 99. URL: file: // / C: / Gumagamit /% D0% 95% D0% B2% D0% B3% D0% B5% D0% BD% D0% B8% D1% 8F / Downloads / 1vestnik_kostromskogo_gosudarstvennogo_tekhnologicheskogo_uni. pdf

6. Timofeeva M.R., Tolmacheva G.V. Disenyo ng Tela. Mga makabagong teknolohiya // International Journal of Applied and Fundamental Research. - 2015. Hindi. 12-4. P.722-726. URL: http://elibrary.ru/download/90776650. pdf

7.http: //www.iddosug.net/articles. php? art \u003d 2283 pag-publish ng bahay na "Leisure"

Nai-post sa Allbest.ru

Katulad na dokumento

Mga katangian ng costume theatrical. Mga kinakailangan para sa kanyang sketch. Pagtatasa ng imahe ng isang tao na pigura; mga pamamaraan at tool na ginamit sa graphic na mapagkukunan. Ang paggamit ng mga graphic na diskarte ng theatrical costume sa pagbuo ng isang koleksyon ng mga damit.

idinagdag ang term paper na 09/28/2013


Mga katangian ng Anthropomorphological ng figure. Pagtatasa ng kasuutan sa kasaysayan. Mga tampok ng suit ng kalalakihan. Ang katwiran para sa pagpili ng batayang modelo. Artistic compositional analysis ng mga analog na modelo. Pagkalkula at pagtatayo ng mga guhit ng dinisenyo na produkto.

term paper, idinagdag 04/28/2015


Mga yugto ng pagbabago ng kasuutan ng mga pangkat panlipunan: maharlika, burgesya, burghers, burges at magsasaka. Isang katangian na katangian ng damit ng mga maharlika ng Netherlands at Pransya. Pagsasaalang-alang ng ebolusyon ng kasuutan ng mga bata. Pag-aaral ng mga batas laban sa luho, pagtukoy ng kanilang pagiging epektibo.

thesis, idinagdag 02/13/2016


Ang konsepto ng pandekorasyon sining bilang isang paraan ng pagpapahayag ng theatrical art. Ang pangunahing paraan ng pagpapahayag ng theatrical art: ang papel ng telon, kasuutan, make-up sa pagsisiwalat ng imahe ng mga character, visual at optical na disenyo ng pagganap.

pagsubok, idinagdag 12/17/2010


Mga hairstyle ng kababaihan ng Byzantine Empire. Mga tampok na katangian ng mga hairstyles ng kalalakihan sa ika-15 - ika-16 na siglo. Ebolusyon ng kostum ng korte sa Russia noong ika-18 siglo. Ang estilo ng "Romanesque" sa isang modernong imahe ng babae. Ang impluwensya ng marangal na kasuutan sa mga costume ng iba pang mga klase.

pagsubok, idinagdag 10/31/2013


Pangkalahatang katangian ng kultura at sining ng Japan. Paglalarawan ng mga prinsipyo ng pagbuo ng kasuutan ng Japan. Mga uri ng kimonos, hiwa at accessories. Ang modernong pagpapakahulugan ng kasuutan ng Hapon sa mga gawa ng mga kilalang taga-disenyo (G. Galliano, A. McQueen, Is. Miyake, M. Prada).

idinagdag ang abstract noong 01/07/2013


Angkop bilang isang object ng panlipunang at kulturang pagsusuri: kasaysayan ng pag-unlad, kahulugan, papel, pag-andar at typology. Ang katangian ng mga aspeto ng semiotic ng kasuutan, katangian, accessories, panlipunang at sikolohikal na batayan. Pagsusuri ng simbolismo ng costume na "dandy".

thesis, idinagdag 01/24/2010


Makasaysayang katangian ng panahon ng Ming dinastiya. Pambansang kasuotan ng Tsino bilang bahagi ng kasaysayan ng China. Palamuti, pandekorasyon na mga tampok at simbolismo ng kasuutan. Mga prinsipyo ng dekorasyon ng kasuutan, ang pagka-orihinal nito. Ang pangkalahatang katangian ng scheme ng kulay.

idinagdag ang abstract noong 05/23/2014


Ang kasaysayan ng kasuutan ng Europa noong ika-19 na siglo Mga pagkakaiba sa pagitan ng istilo ng Kastila at klasiko. Mga katangian ng komposisyon ng kasuutan. Ang aesthetic ideal ng kagandahan. Ang mga pangunahing uri ng damit, ang mga solusyon sa disenyo nito. Mga damit ng party, sapatos, sumbrero, hairstyles, alahas.

term paper, idinagdag 03/27/2013


Mga katangian ng pagbuo ng baroque costume, ang aesthetic ideal ng kagandahan at ang mga kakaiba ng mga tela, bulaklak, burloloy. Mga espesyal na tampok ng mga kababaihan at panlalaki na demanda, sapatos at hairstyles. Mga katangian ng sistema ng baroque ng cut, ang kanilang pagmuni-muni sa modernong fashion.