Musical art ng Middle Ages. Kulturang musikal ng Middle Ages

Ang term na "maagang musika" ay tumutukoy sa panahon mula 457 AD. (ang petsa ng pagbagsak ng Great Roman Empire) at hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo (ang pagtatapos ng panahon ng Baroque). Eksklusibo itong tumutukoy sa tradisyon ng musikal sa Europa.

Ang panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagkakaiba-iba: kultura-etniko at sosyo-pampulitika. Ang Europa ay isang karamihan ng mga natatanging tao na may sariling pamana sa musika. Ang lahat ng aspeto ng buhay panlipunan ay pinamamahalaan ng Simbahan. At ang musika ay walang kataliwasan: ang unang 10 siglo ng pag-unlad ng "maagang musika" ay nailalarawan sa pamamagitan ng malawak na impluwensya at pakikilahok ng mga Roman Catholic klero. Ang mga gawaing pang-musikal ng pagano at anumang orientasyong hindi Kristiyano ay pinipigilan sa lahat ng posibleng paraan.

Mga chant na pang-relihiyon

Sa Middle Ages, maraming magkakahiwalay na panahon ang nakikilala. Musika ng maagang Middle Ages, mula 457 AD hanggang 800 AD, madalas na magsuot ng eksklusibo Ito ay liturgical chants o Gregorian chant. Pinangalanan sila bilang parangal kay Papa Gregory I, na, ayon sa mga alamat na nakaligtas hanggang ngayon, ay ang may-akda ng mga unang akda ng ganitong uri. Ang Gregorian chant ay orihinal na monophonic at hindi hihigit sa isang awit ng mga teksto ng panalangin sa Latin (mas madalas Greek o Old Church Slavonic). Ang may-akda ng karamihan sa mga gawa ng mga istoryador ay hindi pa naitatag. Ang pagkanta ng Gregorian ay naging laganap isang siglo pagkaraan at nanatiling pinakatanyag na pormang musikal hanggang sa paghahari ni Charlemagne.

Pag-unlad ng polyphony

Umakyat si Charles sa trono ng Pransya noong 768 AD, na minamarkahan ang simula ng isang bagong milyahe sa kasaysayan ng Europa sa pangkalahatan at partikular ang musika. Ang Simbahang Kristiyano ay nagsagawa ng pagsasama-sama ng mga direksyon ng pagkanta ng Gregorian na umiiral sa oras na iyon at ang paglikha ng pare-parehong pamantayan ng liturhiya.

Sa parehong oras, ang kababalaghan ng polyphonic na musika ay ipinanganak, kung saan dalawa o higit pang mga tinig ang tunog sa halip na isa. Kung ang sinaunang anyo ng polyphony ay eksklusibong ipinapalagay ang stress ng oktave, iyon ay, ang parallel na tunog ng dalawang tinig, kung gayon ang medyebal polyphony ay ang tunog ng mga tinig na may agwat mula magkakasama hanggang ikaapat. Ang mga organum ng ika-9 na siglo at mga diaphonies ng 10-12th siglo ay malinaw na halimbawa ng naturang musika.

Notasyong musikal

Ang pinakamahalagang tampok ng musika ng Middle Ages ay ang unang sinadya na mga pagtatangka na magsulat ng isang marka sa musikal. Ang mga marka ay nagsisimulang maisulat gamit ang mga letrang Latin, nakakakuha sila ng isang linear form. Si Guido Aretinsky, na nanirahan sa pagsisimula ng ika-10 at ika-11 na siglo at itinuturing na tagapagtatag ng notasyong musikal, sa wakas ay ginawang pormal ang sistema ng alpabetikong at hindi regular na notasyon.

Guido Aretinsky

Mga paaralang musikang medieval

Mula noong ika-12 siglo, magkakahiwalay na mga paaralang musikal ay nabuo. Kaya, ang musika ng School of Saint Martial mula sa lungsod ng Limoges ng Pransya ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pangunahing tema na sinamahan ng isang mabilis na dalawang bahagi na organum. Ang School of Notre Dame Cathedral, na itinatag ng mga monghe na sina Leonin at Perotin, ay bantog sa mga natitirang gawaing polyphonic. Ang Spanish School of Santiago de Compostela ay naging isang kanlungan para sa mga peregrino na inialay ang kanilang sarili sa musika at naging tanyag na mga kompositor ng medieval. Ang mga gawa ng paaralang Ingles, sa partikular na "Worcester Fragments", ay nakaligtas salamat sa "Old Hall Manuscript" - ang pinaka kumpletong koleksyon ng musikang medieval sa Ingles.

Sekular na musika ng Middle Ages

Bilang karagdagan sa musika ng simbahan, na mayroong isang posisyon ng priyoridad noong Middle Ages, nabuo din ang sekular na musika. Kasama rito ang mga gawa ng mga naglalakad na makatang musika: mga trouver, minstrel, minnesinger. Sila ang nagsilbing panimulang punto para sa kapanganakan

Ang musikal na sining ng Middle Ages ay umuunlad nang higit sa 1000 taon. Ito ay isang panahunan at magkasalungat na yugto sa ebolusyon ng pag-iisip ng musikal - mula sa monody (monophony) hanggang sa pinaka-kumplikadong polyphony. Noong Middle Ages, maraming mga instrumentong pangmusika sa Europa ang napabuti, ang mga genre ng parehong simbahan at sekular na musika ay nabuo, ang mga kilalang paaralan ng musikal ng Europa ay nabuo: Dutch, French, German, Italian, Spanish, atbp.

Noong Middle Ages, mayroong dalawang pangunahing direksyon sa pag-unlad ng musika: sagradong musika at sekular, nakakaaliw. Sa parehong oras, ang sekular na musika ay hinatulan ng relihiyon, ay itinuturing na isang "diyablo pagkahumaling."

Ang musika ay isa sa mga tool ng relihiyon, isang "madaling gamiting" tool na nagsisilbi sa mga layunin ng simbahan, pati na rin ang isa sa mga eksaktong agham. Ginampanan ang musika sa tabi ng matematika, retorika, lohika, geometry, astronomiya at balarila. Ang simbahan ay bumuo ng mga pag-awit at pagbubuo ng mga paaralan na may pagbibigay diin sa mga numerong musikal na estetika (para sa mga iskolar ng panahong iyon, ang musika ay isang pagbubuo ng bilang sa mahusay na bagay). Ito rin ang impluwensya ng huli na Hellenism, ang mga ideya nina Pythagoras at Plato. Sa pamamaraang ito, ang musika ay walang independiyenteng kahulugan, ito ay isang alegorya ng pinakamataas, banal na musika.

Kaya, ang musika ay nahahati sa 3 uri:

• Ang musika sa mundo ay ang musika ng mga sphere, planeta. Ayon sa mga musikal-numerong estetika ng Middle Ages, ang bawat planeta ng solar system ay pinagkalooban ng sarili nitong tunog, tono, at paggalaw ng mga planeta na lumikha ng celestial music. Bilang karagdagan sa mga planeta, ang mga panahon ay pinagkalooban din ng kanilang sariling tono.
• Musika ng tao - bawat bahagi ng katawan, bahagi ng katawan, kaluluwa ng tao ay pinagkalooban ng sarili nitong tunog, na bumuo ng isang maayos na katinig.
• Instrumental na musika - ang sining ng pagtugtog ng mga instrumento, musika para sa aliwan, ang pinakamababang uri ng hierarchy.

Ang sagradong musika ay vocal, choral, at sekular na musika ay instrumental-vocal. Ang instrumental na musika ay itinuturing na magaan, walang kabuluhan, at mga teorya ng musika ng panahong iyon ay hindi sineryoso. Kahit na ang minstrel craft ay humiling ng mahusay na mga kasanayan sa pagganap mula sa mga musikero.

Ang panahon ng paglipat mula sa Middle Ages hanggang sa modernong panahon sa Europa, na tumagal ng halos dalawa at kalahating siglo. Sa panahong ito, ang mga makabuluhang pagbabago ay naganap sa maraming mga larangan ng buhay; Umusbong ang agham at sining. Ang panahon ng Renaissance ay nahahati sa maraming mga bahagi at yugto ng pag-unlad. Nauugnay din ito sa iba`t ibang mga pamahiin, napakalalim na nakaugat na kahit ngayon ay nangangailangan ng maraming pagsisikap na pabulaanan ang mga ito.

• Ang una at, marahil, ang pangunahing maling akala ay upang isaalang-alang (tulad ng maraming mga ideolohiya ng Renaissance) Ang muling pagkabuhay ay tiyak na ang muling pagkabuhay, ang muling pagkabuhay ng kultura at sibilisasyon, na dumating pagkatapos ng mahabang panahon ng barbaric na "Middle Ages", isang madilim na oras, isang panahon ng pagkalagot sa pag-unlad ng kultura. Ang prejudice na ito ay batay sa kumpletong kamangmangan ng Middle Ages at ang malapit na koneksyon sa pagitan nito at ng Renaissance; bilang isang halimbawa, sasapat na itong pangalanan ang dalawang ganap na magkakaibang mga lugar - tula at buhay pang-ekonomiya. Nabuhay si Dante noong XIII siglo, ibig sabihin sa kasukdulan ng Middle Ages, Petrarch - sa XIV. Tulad ng para sa pang-ekonomiyang buhay, ang tunay na muling pagsilang ay bumagsak din sa ika-13 siglo, isang oras ng mabilis na pag-unlad ng kalakalan at pagbabangko. Sinabi nila na utang namin sa Renaissance ang muling pagkakakita ng mga sinaunang may-akda, ngunit ito rin ang pamahiin. Nabatid na sa panahong ito dalawa lamang sa mga sinaunang manuskrito ng Griyego ang natuklasan, ang natitira ay nasa Kanluran (pangunahin sa Pransya), sapagkat ang Kanlurang Europa ay nakaranas ng pagbabalik sa unang panahon na nauugnay sa isang interes sa tao at kalikasan noong ika-12 at ika-13 na siglo. .
• Ang pangalawang pamahiin ay nauugnay sa paghahalo ng dalawang bahagi ng Renaissance, kabaligtaran sa bawat isa, lalo na ang tinatawag na humanism at ang bagong natural na agham. Ang pagkamakatao ay pagalit sa anumang lohika, anumang kadahilanan, anumang natural na agham, na itinuturing nitong "mekanikal" na paggawa na hindi karapat-dapat sa isang may kulturang tao na tinawag na isang manunulat, retoriko, politiko. Ang pigura ng taong Renaissance, na pinagsasama ang parehong Erasmus ng Rotterdam at Galileo nang sabay, ay gawa-gawa, at ang paniniwala sa isang solong imahe ng mundo na likas sa Renaissance ay walang iba kundi pamahiin.
• Ang pangatlong pagtatangi ay upang purihin ang pilosopiya ng Renaissance bilang "mahusay" kumpara sa iskolarismo na nauna sa ito.

Sa katunayan, maliban kay Nicholas ng Kuzansky (malayo sa diwa ng Renaissance) at Galileo (na nanirahan sa pagtatapos ng Renaissance), ang mga pilosopo ng Renaissance, ayon sa tamang pahayag ni Kristeller, ay alinman sa mabuti o masama - hindi naman sila mga pilosopo. Marami sa kanila ay natitirang manunulat, siyentipiko, tagasuri ng mga sinaunang teksto, ay bantog sa kanilang mapanukso at matalas na kaisipan, kasanayan sa panitikan. Ngunit halos wala silang kinalaman sa pilosopiya. Kaya, ang pagtutol sa kanila sa mga nag-iisip ng Middle Ages ay purong pamahiin.

• • Ang isa pang maling kuru-kuro ay upang isaalang-alang ang Renaissance isang mabagbag na rebolusyon, isang kumpletong pahinga sa nakaraan. Sa katunayan, sa panahong ito ang mga malalalim na pagbabago ay nagaganap, ngunit lahat sila ay konektado sa organiko sa nakaraan, at sa anumang kaso, ang kanilang mga pinagmulan ay matatagpuan sa Middle Ages. Ang mga pagbabagong ito ay napakalalim na nakaugat sa nakaraan na ang isa sa pinakadakilang dalubhasa sa Renaissance na si Huizinga, ay may bawat dahilan upang tawaging ang panahong ito na "pagbagsak ng Middle Ages."

Sa wakas, pamahiin din na ang mga tao na nanirahan sa Renaissance, hindi bababa sa karamihan sa kanila, ay mga Protestante, monista, atheista o rationalist na may espiritu. Sa katunayan, ang karamihan sa mga tanyag na kinatawan ng Renaissance, at sa larangan ng pilosopiya halos lahat, mula Leonardo at Ficino hanggang sa Galileo at Campanella, ay mga Katoliko, madalas na masigasig na tagasuporta at tagapagtanggol ng pananampalatayang Katoliko. Sa gayon, si Marsilio Ficino, sa edad na 40, ay tumanggap ng pananampalatayang Kristiyano at lumikha ng mga Katoliko na humihingi ng tawad para sa Bagong Panahon.

Ang teorya ng musikang Middle Ages na si Guido Aretinsky (huling bahagi ng ika-10 siglo) ay tumutukoy sa musika tulad ng sumusunod:

"Ang musika ay ang paggalaw ng mga tinig na tinig."

Sa kahulugan na ito, ipinahayag ng teoristang musikang medieval ang pag-uugali sa musika ng buong kulturang musikal sa Europa ng panahong iyon.

Mga genre ng musikal ng simbahan at sekular na musika.

Ang pinagmulan ng sagradong musika ng Middle Ages ay ang kapaligiran ng monasteryo. Ang mga chants ay natutunan ng tainga sa mga eskuwelahan ng pag-awit at nagkalat sa kapaligiran ng simbahan. Sa pagtingin sa hitsura ng iba't ibang mga chants, nagpasya ang Simbahang Katoliko na i-canonize at pangalagaan ang mga chant na sumasalamin sa pagkakaisa ng doktrinang Kristiyano.

Sa gayon, lumitaw ang chorale, na naging personipikasyon ng tradisyon ng musika sa simbahan. Sa batayan nito, ang iba pang mga genre ay nabuo, partikular na nilikha para sa ilang mga piyesta opisyal at banal na serbisyo.

Ang sagradong musika ng Middle Ages ay kinakatawan ng mga sumusunod na genre: Chorale, Gregorian chant - monophonic religious chant sa Latin, malinaw na kinokontrol, ginanap ng koro, ilang mga seksyon - ng soloista

• • • Ang misa ang pangunahing banal na paglilingkod ng Simbahang Katoliko, na binubuo ng 5 matatag na bahagi (ordinarium) - I. Kyrie eleison (Lord, maawa ka), II. Gloria (luwalhati), III. Credo (naniniwala ako), IV. Sanctus (banal), V. Agnus Dei (kordero ng Diyos).
    • Liturhiya, liturhiko drama - Serbisyo sa Pasko ng Pagkabuhay o Pasko, kung saan ang mga chant na Gregorian ay pinalitan ng mga hindi tonong tunog na tropeo, ang mga liturhiya ay ginampanan ng isang koro, mga bahagi ng mga character (Mary, Evangelist) - mga soloista, minsan lumilitaw ang ilang pagkakahawig ng mga costume
    • Ang misteryo ay isang drama na liturhiko na may detalyadong aksyon sa entablado, mga costume
    • Ang Rondel (rondo, ru) ay isang polyphonic na genre ng may edad at huli na Middle Ages, batay sa himig ng may-akda (taliwas sa canonized chorale), na ginampanan sa isang improvisational na paraan ng mga soloista na pumasok sa pagliko (maagang form ng canon)
    • Ang Proprium ay isang bahagi ng genre ng masa, na nagbabago depende sa kalendaryo ng simbahan (taliwas sa hindi nagbabago na bahagi ng masa - ang ordinarium)
    • Ang Antiphones ay ang pinakapang sinaunang genre ng choral music ng simbahan, batay sa paghahalili ng mga bahagi ng dalawang pangkat ng koro

Mga sample ng musika sa simbahan:

1) kyrie eleyson chant

2) Sequence victimae Pashali

Ang sekular na musika ng Middle Ages ay pangunahin na musika ng mga naglalakbay na musikero at nakikilala sa pamamagitan ng kalayaan, pag-iisa at pagiging emosyonal. Gayundin, ang sekular na musika ay bahagi ng magalang, walang kabuluhan na kultura ng mga pyudal na panginoon. Dahil ang code na inireseta sa kabalyero magandang-maganda ang ugali, kabutihang-loob, kabutihang-loob, mga tungkulin upang paglingkuran ang Beautiful Lady, ang mga partido na ito ay hindi mapigilang hanapin ang kanilang repleksyon sa mga kanta ng mga manggugulo at minneser.

Ginampanan nila ang sekular na musika ng mga mime, juggler, troublesadour o trouver, minstrel (sa France), minnesingers, shpielmans (sa mga bansang Germanic), hohlars (sa Spain), buffoons (sa Russia). Ang mga artista na ito ay hindi lamang magagawang kumanta, maglaro at sumayaw, ngunit maipakita rin ang mga palabas sa sirko, mga magic trick, mga eksenang pang-teatro, at kailangang aliwin ang madla sa bawat posibleng paraan sa iba pang mga paraan.
Dahil sa ang katunayan na ang musika ay isa sa mga agham at itinuro sa Unibersidad, ang mga pyudal na panginoon at marangal na tao na tumanggap ng edukasyon ay maaaring mailapat ang kanilang kaalaman sa sining.
Sa gayon, nabuo ang musika sa kapaligiran ng korte. Sa kaibahan sa Christian asceticism, ang chivalrous na musika ay niluwalhati ang pansariling pag-ibig at ang perpekto ng Beautiful Lady. Kabilang sa mga maharlika bilang musikero ay kilala - Guillaume - VII, Count of Poitiers, Duke of Aquitaine, Jean Brienne - King of Jerusalem, Pierre Mauclair - Duke of Brittany, Thibaut Champagne - King of Navarre.

Ang mga pangunahing tampok at katangian ng sekular na musika ng Middle Ages:

• • • batay sa alamat, hindi ginanap sa Latin, ngunit sa mga katutubong wika na diyalekto,
    • ang notasyon ay hindi ginagamit sa mga gumagalang na artista, ang musika ay isang tradisyon sa pagsasalita (kalaunan, pagsulat ng musikal na binuo sa kapaligiran ng korte)
    • ang pangunahing tema ay ang imahe ng isang tao sa lahat ng pagkakaiba-iba ng kanyang buhay sa lupa, ideyal na senswal na pag-ibig
    • monophony - bilang isang paraan ng pagpapahayag ng mga indibidwal na damdamin sa isang patula at form ng kanta
    • vocal at instrumental na pagganap, ang papel na ginagampanan ng mga instrumento ay hindi pa masyadong mataas, ang instrumental ay pangunahin na mga pagpapakilala, interludes at code
    • ang tugtog ay iba-iba, ngunit ang ritmo nang sabay - na-canonize - ito ang impluwensya ng musika sa simbahan, mayroon lamang 6 na uri ng ritmo (mga ritmo na mode), at bawat isa sa kanila ay may mahigpit na matalinhagang nilalaman

Ang mga trouver, troublesadour at minnesinger na tumutugtog ng matino na walang kabuluhan na musika ay lumikha ng kanilang sariling mga orihinal na genre:

• • • Mga kanta na "Paghahabi" at "Mayo"
    • Rondo - isang form batay sa isang paulit-ulit na pagpipigil
    • Ballad - form ng kanta sa text-musikal
    • Virele - Lumang pormang patula ng Pransya na may isang three-line stanza (ang pangatlong linya ay pinaikling), ang parehong tula at isang koro
    • Heroic epic ("Song of Roland", "Song of the Nibelungs")
    • Mga Kanta ng Crusaders (Mga Kanta ng Palestine)
    • Canzona (tinawag ang mga minnesinger - alba) - pag-ibig, kanta ng liriko

Salamat sa pag-unlad ng kultura ng lunsod noong X - XI siglo. ang sekular na sining ay nagsimulang umunlad nang mas aktibo. Ang mga itinerant na musikero ay lalong pumipili ng isang laging nakaupo na pamumuhay, na pinupuno ang buong mga bloke ng lungsod.

Ito ay kagiliw-giliw na ang mga libot na musikero sa pamamagitan ng XII-XIII siglo. bumalik sa mga paksang espiritwal. Ang paglipat mula sa Latin patungo sa mga lokal na wika at ang napakalawak na kasikatan ng mga tagaganap na ito ay pinapayagan silang makibahagi sa mga pagganap sa espiritu sa mga katedral ng Strasbourg, Rouen, Reims. Cambrai. Sa paglipas ng panahon, ang ilang mga musikero na naglalakbay ay nakuha ang karapatang mag-ayos ng mga pagtatanghal sa mga kastilyo ng mga maharlika at sa mga korte ng Pransya, Inglatera, Sisilia at iba pang mga bansa.

Pagsapit ng ika-12 hanggang 13 na siglo, lumitaw ang mga takas na monghe, naglalakbay na iskolar, at mga inapo ng mas mababang antas ng klero - Vagants at Goliards - kasama ng mga naglalakbay na musikero.

Ang mga nakaupo na musikero ay bumubuo ng buong musikal na mga workshop sa mga lungsod ng medieval - ang Kapatiran ni St. Julien (Paris, 1321), ang Kapatiran ni St. Nicholas (Vienna, 1288). Ang mga layunin ng mga asosasyong ito ay upang protektahan ang mga karapatan ng mga musikero, mapanatili at magpadala ng mga propesyonal na tradisyon.

Noong XIII - XVI siglo. nabuo ang mga bagong genre, na higit na nabubuo sa panahon ng Ars Nova:

• • • Ang Motet (mula sa Pranses - "salitang") ay isang polyphonic na uri, na nakikilala sa pamamagitan ng melodic na hindi pagkakapareho ng mga tinig na nag-inton ng iba't ibang mga teksto nang sabay, minsan kahit na sa iba't ibang mga wika, ay maaaring parehong sekular na nilalaman at espiritwal
    • Madrigal (mula sa Italyano - "kanta sa katutubong wika", ie Italyano) - love-lyrical, pastoral songs,
    • Ang Caccia (mula sa Italyano - "pangangaso") ay isang piraso ng tinig sa tema ng pangangaso.

Sekular na musika ng mga troublesadour at mga propesyonal na kompositor.

Karagdagang impormasyon:

Sa panahon ng aming impormasyon, ang edad ng matataas na teknolohiya, madalas nating nakakalimutan ang tungkol sa pagtitiis sa mga halagang espiritwal. Ang isa sa mga halagang ito ay ang klasikong musika - ang espiritwal na pamana ng ating mga ninuno. Ano ang klasikal na musika, bakit kailangan ito ng isang modernong tao? Bakit maraming tao ang nag-iisip na ito ay napaka mainip? Subukan nating maunawaan ang mga mahirap na katanungang ito. Madalas mong marinig ang opinyon na ang klasikal na musika ay ang sinulat na matagal nang isinulat. Hindi ito ganon, dahil ang konsepto na ito ay nangangahulugang lahat ng pinakamahusay na nilikha sa mundo ng musika sa buong panahon ng pagkakaroon ng sibilisasyong tao. Ang sonata ni Beethoven, nilikha noong ika-18 siglo, at ang pagmamahalan ni Sviridov, na isinulat 40 taon na ang nakakalipas, ay pawang mga klasiko! Ang pangunahing bagay ay ang musikang ito na tumayo sa pagsubok ng oras. At sa mga araw ng Beethoven, at ngayon may mga art dealer na gumagawa ng isang mababang kalidad na produktong pang-musikal. Napakabilis na pagkasira ng produktong ito, at ang tunay na sining ay nagiging mas maganda araw-araw.

Ang hitsura ng mga tala

Ang pagsulat, ang dakilang pag-imbento ng sangkatauhan, ay naging posible upang makaipon at maipasa ang mga saloobin, ideya at impression sa hinaharap na henerasyon. Ang isa pang imbensyon, hindi gaanong mahusay, notasyong pangmusika, ay naging posible upang maihatid ang mga tunog at musika sa mga inapo. Bago ang mga tala sa musika sa Europa, ginamit ang mga espesyal na palatandaan - neumas.

Ang nag-imbento ng modernong sistema ng notasyong musikal ay ang Benedictine monghe na si Guido Aretinsky (Guido d'Arezzo) (990-1050). Ang Arezzo ay isang maliit na bayan sa Tuscany, hindi kalayuan sa Florence. Sa lokal na monasteryo, nagturo si Brother Guido ng mga chorister kung paano magsagawa ng mga chant ng simbahan. Ang negosyo na ito ay hindi madali at mahaba. Ang lahat ng kaalaman at kasanayan ay nailipat nang pasalita sa direktang komunikasyon. Ang mga mang-aawit, sa ilalim ng patnubay ng guro at mula sa kanyang tinig, ay patuloy na natutunan ang bawat himno at bawat pag-awit ng Misa ng Katoliko. Samakatuwid, ang buong "kurso ng pag-aaral" ay tumagal ng halos 10 taon.

Nagsimulang markahan ni Guido Aretinsky ang mga tunog ng mga tala (mula sa salitang Latin na nota - sign). Ang mga tala, may kulay na mga parisukat, ay inilagay sa stave, na binubuo ng apat na magkatulad na linya. Ngayon mayroong lima sa mga linyang ito, at ang mga tala ay inilalarawan sa mga bilog, ngunit ang prinsipyong ipinakilala ni Guido ay nanatiling hindi nagbabago. Ang mga mas mataas na tala ay ipinapakita sa isang mas mataas na pinuno. Mayroong pitong tala, bumubuo sila ng isang oktaba.

Nagbigay ng pangalan si Guido sa bawat pitong tala ng oktaba: ut, re, mi, fa, sol, la, si. Ito ang mga unang pantig ng himno ng St. John. Ang bawat linya ng himno na ito ay inaawit ng isang tono na mas mataas kaysa sa naunang isa.

Ang mga tala ng susunod na oktaba ay pinangalanan pareho, ngunit inaawit sa isang mas mataas o mas mababang boses. Sa paglipat mo mula sa isang oktaba patungo sa isa pa, ang dalas ng tunog na ipinahiwatig ng parehong tala ay tumataas o nababawasan ng kalahati. Halimbawa, ang mga instrumentong pangmusika ay nakatutok sa tala A ng unang oktaba. Ang tala na ito ay tumutugma sa dalas na 440 Hz. Ang tala para sa susunod, pangalawa, oktaba ay tumutugma sa dalas ng 880 Hz.

Ang mga pangalan ng lahat ng mga tala, maliban sa una, nagtatapos sa isang tunog ng patinig, maginhawa silang kumanta. Ang syllable ut ay sarado at imposibleng kantahin ito tulad ng iba. Samakatuwid, ang pangalan ng unang tala ng oktaba, ut, ay binago upang gawin noong labing anim na siglo (malamang mula sa salitang Latin na Dominus - Lord). Ang huling tala ng oktaba, si, ay isang pag-ikli ng dalawang salita ng huling linya ng himno na si Sancte Ioannes. Sa mga bansang nagsasalita ng Ingles, ang pangalan ng note na "si" ay binago sa "ti" upang hindi malito sa letrang C, ginamit din sa notasyong musikal.

Ang pagkakaroon ng mga naimbento na tala, itinuro ni Guido sa mga mang-aawit ang kakaibang alpabeto, at tinuruan din silang kumanta mula sa mga tala. Iyon ay, kung ano ang tinatawag na solfeggio sa mga modernong paaralan ng musika. Ngayon ay sapat na upang isulat ang buong masa sa mga tala, at ang mga mang-aawit ay maaaring kumanta na ng kinakailangang himig sa kanilang sarili. Hindi na kailangang magturo ng bawat kanta nang personal. Kailangan lang makontrol ni Guido ang proseso. Ang oras ng pagsasanay para sa mga mang-aawit ay nabawasan ng limang beses. Sa halip na sampung taon - dalawang taon.!

Ang memory plaka sa Arezzo sa Via Ricasolli sa bahay kung saan ipinanganak si Guido. Inilalarawan nito ang mga kuwadradong tala.

Dapat sabihin na ang monghe na si Guido ng Arezzo ay hindi ang unang nakaisip ng ideya ng pagtatala ng musika gamit ang mga karatula. Bago sa kanya, sa Kanlurang Europa, mayroon nang isang sistema ng neumas (mula sa salitang Griyego na "pneumo" - hininga), mga palatandaan na nakakabit sa teksto ng mga salmo upang ipahiwatig ang pagtaas o pagbagsak ng tono ng kanta. Sa Russia, para sa parehong layunin, gumamit sila ng kanilang sariling sistema ng "mga kawit" o "mga banner".

Ang mga kuwadro na tala ni Guido Aretinsky, na inilagay sa apat na linya ng tauhan, ay naging pinakasimpleng at pinaka maginhawang sistema para sa pagrekord ng musika. Salamat sa kanya, kumalat ang notasyong musikal sa buong mundo. Ang musika ay umalis sa simbahan at nagpunta muna sa mga palasyo ng mga pinuno at maharlika, at pagkatapos ay sa mga sinehan, bulwagan ng konsyerto at mga plaza ng lungsod, na naging isang karaniwang pag-aari.

Ano ang fret

Ang Frets ay isa sa mga sentral na termino sa teorya ng musika. Ang pag-unawa sa kung paano sila binuo at bihasang ginagamit ang mga ito ay magbubukas ng walang limitasyong mga posibilidad para sa musikero. At madalas imposibleng ipaliwanag nang eksakto kung paano ang isang kawili-wiling paglipat ay nilikha sa isang partikular na komposisyon - kung hindi maunawaan ng isang tao kung ano ang isang pagkakaisa. Ngunit may isang nahuli: ang salitang "pagkakasundo" ay ginagamit ng mga musikero mismo, na madalas na nangangahulugang hindi magkatulad na bagay. Bakit ganun At ano ito, gayon pa man? Ang pagkalito ay nagresulta mula sa iba't ibang kahulugan ng salitang ito sa iba't ibang panahon.

Hindi namin napagtanto kung gaano ang aming pang-unawa na dinala at nakatali sa klasikal na musika. (Samantalang ang konsepto ng "modernong musika" ay isang pag-alis mula sa mga klasikong prinsipyo). Ang panahon ng klasismo ay isang mahusay na pagkasira ng kasaysayan sa pang-unawa ng tao sa mundo. Matapos ang Middle Ages, natuklasan ng mga tao at nabighani sa sinaunang sining. Ang anumang gawain ng klasismo ay itinayo sa mahigpit na mga canon, sa gayon ihinahayag ang pagkakasundo at pagkakapare-pareho ng uniberso mismo. Lumikha ang klasismo ng isang kaayusan sa istruktura - isang malinaw na hierarchy ng pinakamataas at pinakamababa, ang pangunahing at pangalawa, ang gitnang at ang nasa ilalim. Samakatuwid, halimbawa, simula sa mga klasikong Viennese at romantikong musika, sa palagay namin sa system - "major-minor". Ano ito at paano ito nakakaapekto sa ating pang-unawa?

Major at menor de edad ay mga kaliskis ng tonal. Ang isang tonal mode ay isang tiyak na sistema ng mga ugnayan sa pagitan ng mga tono. Ano ang ibig sabihin nito Ano ang tono? Subukan nating alamin ito. Ipagpalagay na mayroon kang isang piano sa harap mo: tingnan ang keyboard: ang karaniwang do-re-mi-fa-sol-la-si, 7 puting key at 5 pang mga itim na key sa pagitan nila, kabuuan ng 12. Ang distansya sa pagitan ng bawat dalawa sa kanila ay isang semitone. Palaging may isang semitone sa pagitan ng katabing itim at puti. Sa pagitan ng mga katabing puti - tono (may mga pagbubukod na mi-fa, at si-do ay mga semitone).

Anumang hanay ng mga tono at semite ay isang sukatan. Sa panahon ng klasismo, sinimulan nilang itayo ito nang may mahigpit na pagpapailalim ng lahat ng mga tono sa tonic - ang pangunahing tono. Ito ang pangunahing o menor de edad na sukat. Ang lahat ng tonal na musika (lahat ng mga classics) ay tumpak na binuo sa ugnayan sa pagitan ng mga pangunahing at subordinate na consonance. Sa pamamagitan ng tainga, intuitively namin makilala ang pagitan ng mga pangunahing at menor de edad sa pamamagitan ng ang mga ito ay kulay - "masaya" o "malungkot". Ang variable mode ay kapag ang isang piraso ay naglalaman ng parehong mga pangunahing at menor de edad na tampok nang sabay. Ngunit mayroon silang isang karaniwang prinsipyo - tonal.

Gayunpaman, ang prinsipyong ito ay hindi lamang ang posible. Bago ang panahon ng klasismo, kung kailan ang lahat ay sa wakas ay naayos sa isang maayos na sistema ng tonalities, iba ang pag-iisip ng musika. Ionian, Dorian, Phrygian, Lydian, Mixolydian, Aeolian, Locrian ... Ito ang mga octave mode ng mga Greek. At pagkatapos ay mayroong mga mode ng simbahan ng musikang Gregorian. Ito ang lahat ng mga mode ng modal. Binubuo nila ang musika noong unang panahon, ang Middle Ages, ang silangang tradisyon ng musikal ay modal (halimbawa ng mga Indian ragas o Arab maqam). Ang modality ay nanaig din sa musika ng Renaissance Europe.

Ano ang pangunahing pagkakaiba mula sa tonal na hitsura na nakasanayan natin? Sa mga mode ng tonal mayroong isang mahigpit na pagdedeline ng mga pag-andar ng pangunahing mga kasunduan at kuwerdas, habang sa modal na musika mas malabo ang mga ito. Para sa sukat ng modal, ang sukat mismo ay mahalaga bilang isang kabuuan - at ang mga kahulugan at kulay na maaari nitong dalhin sa musika. Iyon ang dahilan kung bakit madali nating makilala ang musikang India mula sa mga medieval chorale sa pamamagitan ng tainga - ayon sa ilang mga katinig at paggalaw ng musikal.

Pagsapit ng ikadalawampu siglo, ang mga kompositor ay tila sinubukan ang lahat ng mga uri ng tunog sa loob ng tonal na musika. "Nainis ako, diyablo!" Sinabi nila, at sa paghahanap ng mga bagong kulay ay bumaling sila sa luma - lumiliko at gumagalaw ang modal. Ganito lumitaw ang isang bagong modalidad. Ang mga bagong mode ay lumitaw sa modernong musika - halimbawa, mga blues. Bukod dito, isang espesyal na genre ang lumitaw - modal jazz. Halimbawa, tinawag ni Miles Davis ang modal na musika na "isang paglihis mula sa normal na sukat na pitong tala, kung saan ang bawat tala ay tila wala sa pagtuon." At sinabi niya na "paglalakad sa direksyon na ito, pupunta ka sa infinity." Sa kahulihan ay ang mga prinsipyo ng tonal at modal ay hindi magkasama. Sa isang piraso, ang kanilang mga palatandaan ay maaaring ihalo. Ang pagiging normal ay, tulad nito, isa pang layer na na-superimpose sa "major / minor" na nakasanayan na natin. At ang paggamit ng iba't ibang mga mode ng modal ay binabago ang kulay ng musika: halimbawa, ang mga phrygian fret turn ay madilim, dahil ang sukat nito ay halos binabaan. Ang pag-alam sa mga tampok na modal na ito ay maaaring makatulong sa iyo na makakuha ng mga kagiliw-giliw na tunog kung nagsusulat ka ng musika.

Kulay, kalooban, karakter - ito ang mga palatandaan ng pagkakasundo na naririnig natin, ngunit madalas ay hindi ito namamalayan. Kadalasan sa mga kanta ay naaakit tayo ng mga pagliko ng modal - sapagkat hindi pangkaraniwan ang mga ito. Ang pandinig, na dinala sa klasikong musika, ay isinusulong ang pag-alis na ito mula sa pang-araw-araw na buhay. Ang lahat ng ito at marami pang iba ay isiniwalat kapag naintindihan mo ang wika ng musika.

Ang Musika ng Middle Ages ay isang panahon ng pag-unlad ng kulturang musikal, na sumasaklaw sa panahon mula ika-5 hanggang ika-14 na siglo A.D.

Ang Middle Ages ay isang mahusay na panahon sa kasaysayan ng tao, ang oras ng pangingibabaw ng sistemang pyudal.

Periodisasyon ng kultura:

Maagang Middle Ages - V - X siglo

Mature Middle Ages - XI - XIV siglo

Noong 395, ang Roman Empire ay nahati sa dalawang bahagi: Kanluranin at Silangan. Sa kanlurang bahagi, sa mga lugar ng pagkasira ng Roma noong ika-5 hanggang ika-9 na siglo, umiiral ang mga barbarian na estado: Ostrogoths, Visigoths, Franks, atbp. Noong ika-9 na siglo, bilang isang resulta ng pagbagsak ng emperyo ng Charlemagne, nabuo ang tatlong mga estado dito: France, Germany, Italy. Ang Constantinople, na itinatag ni Emperor Constantine sa lugar ng kolonya ng Greece ng Byzantium, ay naging kabisera ng Silangang bahagi - samakatuwid ang pangalan ng estado.

Sa Middle Ages, isang bagong uri ng kulturang musikal ang umuusbong sa Europa - isang piyudal, na pinagsasama ang propesyonal na sining, paggawa ng amateur ng paggawa ng musika at alamat. Dahil ang simbahan ang nangingibabaw sa lahat ng mga larangan ng espiritwal na buhay, ang batayan ng propesyonal na art ng musikal ay ang aktibidad ng mga musikero sa mga templo at monasteryo. Ang sekular na propesyonal na sining ay paunang kinakatawan lamang ng mga mang-aawit na lumilikha at gumaganap ng mga kwentong epiko sa korte, sa mga tahanan ng mga maharlika, sa mga mandirigma, atbp (mga bar, skalds, atbp.). Sa paglipas ng panahon, nabuo ang mga baguhan at semi-propesyonal na paraan ng paggawa ng musika ng chivalry: sa Pransya - ang sining ng mga trobador at trouver (Adam de la Hal, XIII siglo), sa Alemanya - Minnesingers (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII-XIII siglo), at gayundin ang mga artisano sa lunsod. Ang lahat ng mga uri ng genera, genre at anyo ng mga kanta ay nilinang sa mga pyudal na kastilyo at sa mga lungsod (epiko, "bukang-liwayway", rondo, le, viirele, ballads, canzones, laudas, atbp.).

Ang mga bagong instrumentong pangmusika ay pumapasok sa pang-araw-araw na buhay, kabilang ang mga nagmula sa Silangan (viola, lute, atbp.), Lumilitaw ang mga ensemble (hindi matatag na mga komposisyon). Ang alamat ng bayan ay yumayabong sa kapaligirang magsasaka. Mayroon ding mga "propesyonal na katutubong" kumikilos: mga kwentista, libotang mga artipisyal na artista (juggler, mime, minstrels, shpielmans, buffoons). Gumagawa muli ang musika higit sa lahat na inilalapat at pang-praktikal na mga pagpapaandar. Lumilitaw ang pagiging malikhain sa pagkakaisa sa pagganap (karaniwang sa isang tao).

Unti-unti, kahit na mabagal, ang nilalaman ng musika, ang mga genre, form, paraan ng pagpapahayag ay pinayaman. Sa Kanlurang Europa mula noong mga siglo ng VI-VII. isang mahigpit na kinokontrol na sistema ng monophonic (monodic) na musika ng simbahan batay sa diatonic mode (pagkanta ng Gregorian) ay nabuo, na pinagsasama ang pagbigkas (salmo) at pag-awit (mga himno). Sa pagsisimula ng ika-1 at ika-2 millennia, lumitaw ang polyphony. Ang mga bagong genre ng vocal (choral) at vocal-instrumental (koro at organ) ay nabubuo: mga organum, motet, conduction, pagkatapos ng misa. Sa Pransya, noong XII siglo, ang unang (komposisyon) na paaralan ng unang kompositor ay nabuo sa Notre-Dame Cathedral (Leonin, Perotin). Sa pagsisimula ng Renaissance (istilo ng ars nova sa Pransya at Italya, XIV siglo) sa propesyonal na musika, ang monoponya ay pinalitan ng polyphony, ang musika ay nagsisimulang unti-unting palayain ang sarili mula sa pulos praktikal na mga pagpapaandar (paglilingkod sa mga ritwal ng simbahan), ang kahalagahan ng mga sekular na genre, kabilang ang mga kanta, nagdaragdag dito (Guillaume de Machaut).

Ang materyal na batayan ng Middle Ages ay binubuo ng pyudal na ugnayan. Ang kulturang medyebal ay nabuo sa mga kondisyon ng isang bukid na bukid. Sa hinaharap, ang kapaligiran sa lunsod - mga burgher - ay nagiging batayang panlipunan ng kultura. Sa pagbuo ng mga estado, nabubuo ang pangunahing mga pag-aari: ang klero, ang maharlika, ang mga tao.

Ang sining ng Middle Ages ay malapit na konektado sa simbahan. Ang pananampalatayang Kristiyano ay ang batayan ng pilosopiya, etika, estetika, at ang buong buhay espiritwal sa panahong ito. Puno ng simbolismo ng relihiyon, ang sining ay nakadirekta mula sa makalupang, pansamantala - patungo sa espiritwal, walang hanggan.

Kasama ang opisyal na kultura ng simbahan (mataas), nagkaroon ng isang sekular na kultura (mga katutubo) - katutubong (mas mababang antas ng lipunan) at knightly (magalang).

Ang mga pangunahing sentro ng propesyunal na musika ng maagang Edad ng Edad ay ang mga katedral, na binibigkas ang mga paaralang kasama nila, mga monasteryo - ang tanging sentro ng edukasyon ng panahong iyon. Pinag-aralan nila ang Greek at Latin, arithmetic at musika.

Ang Roma ang pangunahing sentro ng musika ng simbahan sa Kanlurang Europa sa panahon ng Middle Ages. Sa pagtatapos ng ika-6 - simula ng ika-7 siglo. ang pangunahing pagkakaiba-iba ng musikang simbahan sa Kanlurang Europa ay nabuo - ang Gregorian chant, na pinangalanang pagkatapos ni Pope Gregory I, na nagsagawa ng reporma sa pagkanta ng simbahan, pinagsasama-sama at pag-order ng iba't ibang mga chant ng simbahan. Ang Gregorian chant ay isang monophonic Catholic chant kung saan nagsasama-sama ang mga daan-daang tradisyon ng pag-awit ng iba`t ibang mga tao sa Gitnang Silangan at Europa (mga Syrian, Hudyo, Griyego, Romano, atbp.). Ito ang tiyak na makinis na paglalahad ng isang solong himig na tinawag upang gawing personalidad ang isang solong kalooban, ang pokus ng pansin ng mga parokyano alinsunod sa mga dogma ng Katolisismo. Ang karakter ng musika ay mahigpit, impersonal. Ang chorale ay ginampanan ng isang koro (samakatuwid ang pangalan), ilang mga seksyon ng isang soloist. Ang paggalaw batay sa diatonic mode ay nangingibabaw. Pinapayagan ng pag-awit ng Gregorian ang maraming mgagradasyon, mula sa isang mabagal na pag-awit ng choral na awit hanggang sa mga anibersaryo (melismatic chanting of a syllable), na nangangailangan ng virtuoso vocal skill para sa kanilang pagganap.

Ang pag-awit ni Gregorian ay pinalayo ang tagapakinig mula sa katotohanan, pinupukaw ang kababaang-loob, humantong sa pagmumuni-muni, mistisong detatsment. Ang impluwensyang ito ay pinadali ng teksto sa Latin, na hindi maintindihan ng karamihan ng mga parokyano. Ang ritmo ng pagkanta ay natutukoy ng teksto. Ito ay malabo, walang katiyakan, dahil sa likas na katangian ng mga accent ng declaiming ng teksto.

Ang iba`t ibang uri ng chanting Gregorian ay pinagsama sa pangunahing pagsamba sa Simbahang Katoliko, ang Misa, kung saan itinatag ang limang matatag na bahagi:

Kyrie eleison (Lord maawa ka)

Gloria (kaluwalhatian)

Credo (naniniwala ako)

Sanctus (banal)

Agnus Dei (Kordero ng Diyos).

Sa paglipas ng panahon, ang mga elemento ng katutubong musika ay nagsisimulang tumulo sa Gregorian chant sa pamamagitan ng mga himno, pagkakasunud-sunod at tropes. Kung ang mga salmo ay inawit ng isang propesyonal na koro ng mga mang-aawit at klerigo, kung gayon ang mga himno ay unang isinagawa ng mga parokyano. Ang mga ito ay pagsingit sa opisyal na pagsamba (mayroon silang mga tampok ng katutubong musika). Ngunit sa lalong madaling panahon ang mga bahagi ng himno ng misa ay nagsimulang humalili sa mga salmo, na humantong sa paglitaw ng masang polyphonic.

Ang mga unang pagkakasunud-sunod ay isang subtext sa himig ng anibersaryo upang ang isang tunog ng himig ay magkaroon ng isang hiwalay na pantig. Ang pagkakasunud-sunod ay nagiging isang laganap na genre (ang pinakatanyag ay "Veni, sancte spiritus", "Dies irae", "Stabat mater"). Ang "Dies irae" ay ginamit ni Berlioz, Liszt, Tchaikovsky, Rachmaninoff (napakadalas bilang simbolo ng kamatayan).

Ang mga unang halimbawa ng polyphony ay nagmula sa mga monasteryo - organum (kilusan na kahanay ng ikalimang bahagi o quarts), gimel, fobourdon (parallel ono chords), pag-uugali. Mga Komposer: Leonin at Perotin (12-13 siglo - Notre Dame Cathedral).

Ang mga nagdadala ng sekular na katutubong musika sa Middle Ages ay mga mime, juggler, minstrel sa France, spielmans sa mga bansa ng kultura ng Aleman, mga hohlars sa Spain, buffoons sa Russia. Ang mga naglalakad na artista na ito ay maraming nalalaman na masters: pinagsama nila ang pagkanta, pagsayaw, pagtugtog ng iba't ibang mga instrumento na may mahika, sirko sining, at pag-papetry.

Ang iba pang panig ng sekular na kultura ay ang kulturang knightly (courtly) (kultura ng mga sekular na pyudal lord). Halos lahat ng marangal na tao ay mga kabalyero - mula sa mga mahihirap na mandirigma hanggang sa mga hari. Isang espesyal na code ng kabalyero ang nabubuo, alinsunod dito kung saan ang kabalyero, kasama ang tapang at lakas ng loob, ay kailangang magkaroon ng magagandang ugali, maging edukado, mapagbigay, walang katuturan, matapat na paglingkuran ang Beautiful Lady. Ang lahat ng mga aspeto ng buhay na kabalyero ay nasasalamin sa musikal at makatang sining ng mga trabahador (Provence - southern France), trouvers (hilagang Pransya), minnesingers (Alemanya). Ang sining ng mga troublesadour ay pangunahing nauugnay sa mga lyrics ng pag-ibig. Ang pinakatanyag na genre ng lyrics ng pag-ibig ay si canzona (kabilang sa mga minnesering - "Mga Kanta sa Umaga" - Albs).

Ang mga Truvers, na gumagamit ng malawak na paggamit ng karanasan ng mga troublesadour, ay lumikha ng kanilang sariling mga orihinal na genre: "paghabi ng mga kanta", "Mga kanta sa Mayo". Isang mahalagang lugar ng mga genre ng musikal ng mga troublesadour, trouvers at minnesingers ay mga genre ng kanta at sayaw: rondo, ballad, viirele (pigilin ang mga form), pati na rin ang heroic epic (epiko ng Pransya na "Song of Roland", German - "Song of the Nibelungs "). Ang mga kanta ng Crusader ay karaniwan sa mga minneser.

Mga tampok na katangian ng sining ng mga troublesadour, trouver at minnesinger:

Ang monophony ay isang bunga ng hindi maipahahayag na koneksyon sa pagitan ng himig at ng tulang patula, na sumusunod mula sa pinakadiwa ng sining ng musikal at patula. Ang monophonicity ay tumutugma din sa setting para sa indibidwal na pagpapahayag ng sariling karanasan, para sa isang pansariling pagtatasa ng nilalaman ng pahayag (madalas na ang pagpapahayag ng mga personal na karanasan ay naka-frame sa pamamagitan ng pagguhit ng mga larawan ng kalikasan).

Pangunahin ang pagganap ng tinig. Ang papel na ginagampanan ng mga instrumento ay hindi makabuluhan: ito ay limitado sa pagganap ng mga pagpapakilala, interludes at postludes, pag-frame ng vocal melody.

Imposible pa ring pag-usapan ang kabalyero ng sining bilang propesyonal, ngunit sa kauna-unahang pagkakataon sa mga kundisyon ng paggawa ng sekular na paggawa ng musika, isang malakas na direksyong musikal at patula ang nilikha ng isang nabuong kumplikadong makahulugan na paraan at isang ganap na perpektong pagsulat ng musikal.

Ang isa sa mahahalagang nagawa ng matanda na Edad Medya, simula sa X-XI na siglo, ay ang pag-unlad ng mga lungsod (burgher culture). Ang mga pangunahing tampok ng kulturang lunsod ay ang kontra-simbahan, oryentasyong mapagmahal sa kalayaan, koneksyon sa alamat, katawa at karakter ng karnabal. Ang istilong arkitektura ng Gothic ay nabubuo. Ang mga bagong genre ng polyphonic ay nabubuo: mula ika-13-14 hanggang ika-16 na siglo. - motet (mula sa Pranses - "salitang". Para sa isang motet, karaniwang melodic na hindi pagkakapareho ng mga boses na umaalingaw sa iba't ibang mga teksto nang sabay - madalas kahit sa iba't ibang mga wika), madrigal (mula sa Italyano - "kanta sa katutubong wika", ibig sabihin, Italyano. Mga teksto na love-lyrical, pastoral), kachcha (mula sa Italyano - "hunt" - isang piraso ng tinig batay sa isang teksto na naglalarawan ng pangangaso).

Ang mga Itinerant na katutubong musikero ay lumipat mula sa isang nomadic lifestyle patungo sa isang nakaupo, isinaayos ang buong mga bloke ng lungsod at bumuo ng isang uri ng "workshops ng musikero". Simula noong ika-12 siglo, ang mga Vagants at Goliards ay sumali sa mga musikero ng bayan - idineklarang mga tao mula sa iba`t ibang klase (mga batang mag-aaral, mga takas na monghe, gumagalang mga pari). Sa kaibahan sa mga hindi marunong bumasa at sumulat - mga tipikal na kinatawan ng sining ng oral na tradisyon - ang mga vagant at goliard ay marunong bumasa at alam: alam nila ang Latin at ang mga patakaran ng klasipikasyon sa klasikal, binubuo ng musika - mga kanta (ang bilog ng mga imahe ay nauugnay sa science sa paaralan at mag-aaral buhay) at kahit na mga kumplikadong komposisyon tulad ng conduct at motets ...

Ang mga unibersidad ay naging isang makabuluhang sentro ng kulturang musikal. Ang musika, o sa halip, ang mga musikal na acoustics, kasama ang astronomiya, matematika, pisika, ay pumasok sa quadrium, ibig sabihin isang siklo ng apat na disiplina na pinag-aralan sa mga unibersidad.

Samakatuwid, sa medyebal na lungsod mayroong mga sentro ng kulturang musikal ng iba't ibang kalikasan at oryentasyong panlipunan: mga asosasyon ng mga katutubong musikero, musikang korte, musika ng mga monasteryo at katedral, pagsasanay sa musika sa unibersidad.

Ang teoryang musikal ng Middle Ages ay malapit na nauugnay sa teolohiya. Sa ilang mga risiko sa teoretikal na musikal na bumaba sa amin, ang musika ay tiningnan bilang isang "lingkod ng simbahan." Kabilang sa mga kilalang pakikitungo sa maagang Gitnang Panahon ay tumatayo ang 6 na librong "On Music" ni Augustine, 5 libro ni Boethius "On the Establishment of Music" at iba pa. Ang isang mahusay na lugar sa mga pamamaraang ito ay ibinigay sa mga abstrak na isyu ng iskolar, ang doktrina ng ang kosmikong papel ng musika, at iba pa.

Ang sistemang medyebal fret ay binuo ng mga kinatawan ng propesyonal na sining ng musikal sa simbahan - kaya nga ang pangalang "mga fret ng simbahan" ay itinalaga sa mga medyebal na fret. Ang Ionian at Aeolian ay itinatag bilang pangunahing mga mode.

Ang teoryang musikal ng Middle Ages ay nagsabi ng doktrina ng hexachords. Sa bawat fret, 6 degree ang ginamit sa pagsasanay (halimbawa: do, re, mi, fa, sol, la). Iniwasan tuloy si X, simula noon kasama ang fa, bumuo ito ng isang pinalaki na ikaapat, na kung saan ay itinuturing na napaka hindi pagkakasundo at matalinhagang tinawag na "demonyo sa musika."

Maling ginamit ang hindi wastong pag-record. Pinagbuti ni Guido Aretinsky ang sistemang notasyon ng musikal. Ang kakanyahan ng kanyang reporma ay ang mga sumusunod: ang pagkakaroon ng apat na linya, ang pangatlong ratio sa pagitan ng mga indibidwal na linya, ang key sign (orihinal na alpabetiko) o ang pangkulay ng mga linya. Ipinakilala din niya ang mga pagtatalaga ng syllabic para sa unang anim na degree ng iskala: ut, re, mi, fa, sol, la.

Ipinakilala ang menural notation, kung saan ang isang tiyak na ritmo na panukala ay itinalaga sa bawat tala (Latin mensura - sukat, pagsukat). Ang pangalan ng mga tagal: maxim, longa, brevis, atbp.

XIV siglo - isang transisyonal na panahon sa pagitan ng Middle Ages at ng Renaissance. Ang sining ng Pransya at Italya ng XIV na siglo ay tinawag na "Ars nova" (mula sa Latin - bagong sining), at sa Italya nagmamay-ari ito ng lahat ng mga pag-aari ng maagang Renaissance. Pangunahing tampok: pagtanggi na gumamit ng eksklusibong mga genre ng musika ng simbahan at pag-apila sa mga sekular na vocal at instrumental na mga genre ng ballad (ballad, kaccha, madrigal), tagpo sa pang-araw-araw na pagsusulat ng kanta, ang paggamit ng iba't ibang mga instrumentong pangmusika. Ang Ars nova ay kabaligtaran ng tinaguriang. ars antiqua (lat. ars antiqua - old art), nangangahulugang art ng musikal bago magsimula ang XIV siglo. Ang pinakamalaking kinatawan ng ars nova ay sina Guillaume de Machaut (ika-14 na siglo, Pransya) at Francesco Landino (ika-14 na siglo, Italya).

Samakatuwid, ang kulturang musikal ng Middle Ages, sa kabila ng kamag-anak na limitado ang paraan, ay kumakatawan sa isang mas mataas na antas kumpara sa musika ng Sinaunang Daigdig at naglalaman ng mga paunang kinakailangan para sa isang napakagandang pag-usbong ng musikal na sining sa Renaissance.

musika gitnang edad gregorian istorbo

KULTURANG MUSIKA NG ANTIQUE, MEDIEVAL, RENAISSANCE

ANTIQUITY

Ang kulturang musikal ng Sinaunang Greece ay bumubuo ng unang yugto ng makasaysayang sa pagbuo ng kulturang musikal ng Europa. Sa parehong oras, ito ang pinakamataas na pagpapahayag ng kultura ng Sinaunang Daigdig at isiniwalat ang mga walang pag-aalinlangan na ugnayan sa mga mas sinaunang kultura ng Gitnang Silangan - Egypt, Syria, Palestine. Gayunpaman, para sa lahat ng mga koneksyon sa kasaysayan ng ganitong uri, ang kulturang musikal ng sinaunang Greece ay hindi nangangahulugang inuulit ang landas na nilakbay ng ibang mga bansa: mayroon itong sariling natatanging hitsura, ang hindi mapag-aalinlanganan na mga nagawa, na ipinapasa nito nang bahagya sa European Middle Ages at pagkatapos, sa mas malawak na lawak, sa Renaissance.

Hindi tulad ng iba pang mga uri ng sining, ang musika ng sinaunang mundo ay hindi umalis sa kasaysayan ng anumang malikhaing pamana ng anumang katumbas sa kanila. Sa isang malaking kasaysayan ng walong siglo - mula noong ika-5 siglo BC. ni 111 siglo n. BC - labing-isang sample lamang ng sinaunang Greek music ang nakakalat, na nakaligtas sa notasyon ng panahong iyon. Totoo, ito ang unang mga recording ng mga himig sa Europa na bumaba sa amin.

Ang pinakamahalagang pag-aari ng kultura ng Sinaunang Greece, sa labas nito ay halos hindi napansin ng mga kapanahon at, nang naaayon, hindi namin maintindihan, ay ang pagkakaroon ng musika sa syncretic pagkakaisa sa iba pang mga sining - sa maagang yugto o sa pagbubuo sa kanila - sa kasagsagan ng panahon. Ang musika ay hindi maiiwasang maiugnay sa tula (kaya't ang mga liriko), musika bilang isang kailangang-kailangan na kalahok sa trahedya, musika at sayaw - ito ang mga katangiang phenomena ng sinaunang Griyego na artistikong buhay. Halimbawa, si Plato ay kritikal sa musikang instrumental, walang independiyenteng sumayaw at kumanta, na umaangkin na angkop lamang ito para sa mabilis, nang walang pag-aatubili, at para sa paglalarawan ng sigaw ng hayop:

"Ang paggamit ng isang solong pagtugtog ng flauta at ang cithara ay naglalaman ng isang bagay na lubos na walang lasa at karapat-dapat lamang sa isang salamangkero." Ang mga pinagmulan ng trahedyang Greek, isang mataas at kumplikadong sining, nagmula sa mitolohiya, mula sa mahiwagang kilos, mula sa mga paniniwala ng mga tao. Ang mga pinagmulan ng sinaunang alamat ng Greek tungkol sa magagaling na musikero - Orpheus, Olimp, Marsyas - ay bumalik sa pinakamaagang panahon.

Ang mahalagang impormasyon tungkol sa maagang kulturang musikal sa Greece ay ibinibigay ng epiko ng Homeric, mismong nauugnay sa pagganap ng musika: The Iliad, The Odyssey.

Kasabay ng solo na pagganap ng mga epic na gawa sa U11-VI na siglo, kilala rin ang mga espesyal na genre ng choral. Ang mga kanta sa isla ng Crete ay pinagsama sa mga galaw na plastik, na may sayaw (hyporchema); ang mga genre ng choral ay malawak na nalinang sa Sparta mula pa noong ika-7 siglo. Ito ay kilala na ang Spartans naka-attach malaking estado pang-edukasyon kahalagahan sa musika. Ang pagtuturo ng sining ng musika ay hindi isang propesyonal na katangian para sa kanila, ngunit ito ay simpleng bahagi ng sistema ng pangkalahatang edukasyon ng kabataan. Mula dito ay lumitaw bilang isang resulta ang teorya ng etos, na pinatunayan ng mga Greek thinker.

Ang isang bagong kalakaran sa musikal at patula na sining ng Sinaunang Greece, na naglalagay ng wastong mga tema at imahe ng liriko, ay nauugnay sa mga pangalan ng Ionian Archilochus (VII siglo) at ang pinakamalaking "mga kinatawan ng paaralang tomboy ng Alcaeus at Sappho (pagliko ng ika-1 at ika-6 na siglo) .nagsimula ang liriko na tumaas at ang papel na ginagampanan ng himig sa kanilang mga gawa ang mismong salitang "lyric" ay nagmula sa lyre.

Ang tula ng liriko ng ika-6 na siglo ay kinakatawan ng maraming mga pagkakaiba-iba ng genre: mga elegante, himno, kanta sa kasal.

Ang klasikong siglo ng trahedya ay ang ika-5 siglo BC. BC: ang gawa ng pinakadakilang mga trahedya na si Aeschylus (c. 525-456), Sophocle (c. 496-, Euripides (c. 480-406). Ito ang oras ng pinakamataas na pamumulaklak ng kulturang artistikong Greek, ang edad ni Phidias at Polycletus, tulad ng mga monumento ng klasikal na arkitektura, tulad ng Parthenon sa Athens, ang pinakamagandang siglo sa sining ng buong sinaunang mundo. Ang mga pagtatanghal ng mga trahedya ay itinuturing na mga pagdiriwang ng publiko at, sa loob ng mga hangganan ng lipunan na nagmamay-ari ng alipin, isang medyo malawak na demokratikong tauhan: ang teatro ay dinaluhan ng lahat ng mga mamamayan na tumanggap pa ng mga benepisyo ng estado para dito. Ang koro ay isang tagapagtaguyod ng pangkalahatang moralidad - kinatawan ang mga tao sa malagim na yugto at nagsalita sa kanilang ngalan.

Ang manunulat ng drama ay kapwa isang makata at musikero; siya mismo ang gumawa ng lahat. Halimbawa, si Aeschylus ay lumahok sa pagganap ng kanyang mga dula. Nang maglaon, ang mga pag-andar ng makata, musikero, artista at direktor ay lalong nahahati. Ang mga artista ay kumakanta din. Ang pagkanta ng koro ay pinagsama sa mga galaw na plastik.

Sa panahon ng Hellenistic, ang sining ay hindi na lumalaki mula sa masining na aktibidad ng mga mamamayan: ganap itong na-propesyonal.

Ang lahat ng isinulat sa Sinaunang Greece tungkol sa sining ng musika at na maaaring hatulan nang may kumpiyansa mula sa maraming mga natitirang materyales, ay batay sa mga ideya tungkol sa mga himig (pangunahin na nauugnay sa salitang patula). Ito ay maliwanag hindi lamang mula sa nilalaman ng mga espesyal na gawaing panteorya, ngunit din mula sa mas pangkalahatang etika at estetikong mga pahayag ng mga pinakadakilang nag-iisip ng Griyego. Kaya, ang prinsipyo ng monoponya, na kung saan ay buong katangian ng sinaunang Griyego na musikal na sining, ay buong nakumpirma.

Sa pinakadakilang interes sa mga sinaunang hatol tungkol sa musikal na sining ay ang tinaguriang doktrina ng etos, na isinulong ni Plato, na binuo at pinalalim ng Aristotle. Iniuugnay ng sinaunang tradisyon ang pagsasama-sama ng mga isyu ng politika at musika na may pangalang Domon ng Athens, ang guro ng Socrates at kaibigan ni Pericles. Mula sa kanya na kinuha ni Plato ang ideya ng kapaki-pakinabang na epekto ng musika sa pagpapalaki ng mga karapat-dapat na mamamayan, na binuo niya sa mga librong "The State" at "Laws". Itinalaga ni Plato sa kanyang ideyal na estado ang unang (bukod sa iba pang mga sining) papel sa musika sa pagtuturo sa isang binata na maging isang matapang, matalino, banal at balanseng tao, iyon ay, isang perpektong mamamayan. Sa parehong oras, ang Plato, sa isang banda, ay nag-uugnay sa epekto ng musika sa epekto ng himnastiko ("magagandang paggalaw ng katawan"), at sa kabilang banda, inaangkin niya na ang himig at ritmo ay nakakuha ng kaluluwa higit sa lahat at hinihimok isang tao na gayahin ang mga modelo ng kagandahang ibinibigay sa kanya ng musikal na sining.

"Kung pinag-aaralan kung ano talaga ang maganda sa kanta, nalaman ni Plato na dapat itong hatulan ng mga salita, pagkakasundo at ritmo. Alinsunod sa mga ideya ng kanyang panahon, tinatanggihan niya ang lahat ng mga mode na payapa at nakakarelaks, at pinangalanan lamang sina Dorian at Phrygian nag-iisa Gayundin, kinikilala ng pilosopo ang kabilang sa mga instrumentong pangmusika lamang ng kifara at lyre, na tinatanggihan ang mga etikal na katangian ng lahat ng iba pa. Sa gayon, ang nagdadala ng etos, mula sa pananaw ni Plato, ay hindi isang gawa ng sining, hindi ng imahe nito, at kahit na isang nagpapahiwatig ng system na nangangahulugang, ngunit ang mode o timbre lamang ng instrumento, kung saan ang isang tiyak na kalidad ng etika, tulad nito, naayos.

Hinuhusgahan ni Aristotle ang layunin ng musika nang mas malawak, na nagtatalo na hindi dapat maghatid ng isa, ngunit maraming mga layunin at gagamitin na may pakinabang: I) para sa edukasyon, 2) para sa paglilinis, 3) para sa intelektuwal na aliwan, iyon ay, alang-alang sa pagpapatahimik at pamamahinga mula sa matinding aktibidad ... Mula dito malinaw, - patuloy ng Aristotle, - na kahit na magagamit mo ang lahat ng mga mode, ngunit hindi sila dapat mailapat sa parehong paraan "0 hinuhusgahan niya ang likas na impluwensya ng musika sa pag-iisip sa ganitong paraan:

"Ang ritmo at himig ay naglalaman ng pinakamalapit sa mga pagpapakita ng katotohanan ng galit at kahinahunan, tapang at katamtaman at lahat ng mga kabaligtaran na katangian, pati na rin ang iba pang mga katangian sa moralidad. Ito ay malinaw mula sa karanasan: kapag nakita natin ang ritmo at himig sa tainga, nagbabago rin ang ating kaisipan. Ang ugali ng maranasan ang isang malungkot o masayang pakiramdam kapag nakakaintindi ng kung ano ang gumagaya sa katotohanan ay humahantong sa katotohanan na nagsisimula tayong makaranas ng parehong damdamin kapag nahaharap sa [araw-araw] na katotohanan ” At sa wakas, si Aristotle. dumating sa sumusunod na konklusyon: "... Ang musika ay may kakayahang magbigay ng isang tiyak na impluwensya sa etikal na bahagi ng kaluluwa; at dahil ang musika ay may gayong mga katangian, kung gayon, malinaw naman, dapat itong isama sa bilang ng mga paksa para sa pagtuturo sa mga kabataan. "

Ang pilosopo at dalub-agbilang si Pythagoras (VI siglo BC) ay matagal nang naitalaga sa kahulugan ng unang Greek thinker na nagsulat tungkol sa musika. Siya ay nai-kredito sa paunang pag-unlad ng doktrina ng mga agwat ng musika (mga consonance at dissonance) batay sa pulos mga ugnayan sa matematika na nakuha sa pamamagitan ng paghahati ng isang string. Sa pangkalahatan, ang mga Pythagoreans - pagkatapos ng modelo ng mga sinaunang kulturang oriental (higit sa lahat sa Egypt) - ay nakakabit ng mahiwagang kahalagahan sa mga bilang at sukat, na nagmula sa kanila, lalo na, ang mahiwagang at nakapagpapagaling na mga katangian ng musika. Sa wakas, sa pamamagitan ng mga abstract na haka-haka na konstruksyon, ang mga Pythagorean ay dumating sa ideya ng tinaguriang "pagkakaisa ng mga larangan", na naniniwala na ang mga makalangit na katawan, na kabilang sa kanilang mga sarili sa ilang mga numerong ("maayos" na mga ratios, ay dapat tunog at makabuo " makalangit na pagkakaisa "kapag gumagalaw.

Tulad ng para sa doktrina ng etos, pagkatapos ay ang mga Neoplatonist, lalo na ang Plotinus (III siglo), muling iniisip sa isang relihiyosong-mistiko na diwa, na kinukuha ang mga civic pathos na dating likas sa kanya sa Greece. Mula dito, ang mga tuwid na thread ay umaabot hanggang sa mga pagtingin sa aesthetic ng Middle Ages. Ang pagtanggi ng sinaunang kultura sa panahon ng pagkakawatak-watak ng sistema ng alipin ay tiyak na nakakatulong sa matagumpay na pag-unlad ng sining Kristiyano, sa maraming aspeto na taliwas sa mga estetika at kasanayan sa musika ng Roma sa mga nakaraang siglo. Hindi maikakaila na ang ilang mga koneksyon sa pagitan ng pamana ng unang panahon at pag-unlad ng kaisipang aesthetic ng kasunod na oras, nabuo sa pagliko ng dalawang panahon.

MEDIEVAL MUSIC CULTURE

Sa pag-unlad ng kulturang musikal ng Kanlurang Europa, mahirap isaalang-alang ang isang mahaba at malawak na makasaysayang panahon ng Middle Ages bilang isang solong panahon, kahit na isang malaking panahon na may isang pangkaraniwang balangkas ng magkakasunod. Ang una, panimulang punto ng Middle Ages - pagkatapos ng pagbagsak ng Western Roman Empire noong 476 - ay karaniwang itinalaga bilang ika-6 na siglo. Samantala, ang nag-iisang larangan ng musikal na sining na nag-iwan ng nakasulat na mga monumento ay, hanggang sa ika-12 siglo, ang musika lamang ng simbahang Kristiyano. Ang buong kakaibang komplikadong mga phenomena na nauugnay dito ay nabuo batay sa isang mahabang paghahanda sa kasaysayan, simula sa II siglo, at kasama ang malalayong mapagkukunan na umaabot sa kabila ng Kanlurang Europa hanggang sa Silangan - hanggang sa Palestine, Syria, Alexandria. Bilang karagdagan, ang kulturang musikal ng simbahan ng Middle Ages ay kahit papaano ay hindi nakatakas sa pamana ng Sinaunang Greece at Sinaunang Roma, kahit na ang mga "ama ng simbahan", at kalaunan ang mga teoretista na nagsulat tungkol sa musika, sa maraming aspeto ay sumalungat sa sining ng simbahang Kristiyano na ang paganong artistikong mundo ng unang panahon.

Ang pangalawang pinakamahalagang milyahe, na nagmamarka ng paglipat mula sa Middle Ages hanggang sa Renaissance, ay hindi nangyayari nang sabay-sabay sa Kanlurang Europa: sa Italya - noong ika-15 siglo, sa Pransya - noong ika-16; sa ibang mga bansa ang pakikibaka sa pagitan ng mga kaugaliang medieval at Renaissance ay naganap sa iba't ibang oras. Lahat sila ay papalapit sa Renaissance na may iba't ibang pamana ng Middle Ages, na may balangkas ng kanilang sariling mga konklusyon mula sa malawak na karanasan sa kasaysayan. Ito ay higit na pinadali ng isang makabuluhang pagbabago sa pag-unlad ng kulturang pang-arte sa medyebal, na nagsimula noong ika-11 hanggang ika-12 siglo at sanhi ng mga bagong proseso ng sosyo-makasaysayang (paglago ng mga lungsod, Krusada, pagsulong ng bagong strata ng lipunan, ang unang malalakas na sentro ng sekular na kultura, atbp.).

Gayunpaman, sa lahat ng pagiging malambot o kadaliang kumilos ng mga sunud-sunod na mukha, na may hindi maiiwasang mga koneksyon sa genetiko sa nakaraan at hindi pantay ng paglipat sa hinaharap, ang kulturang musikal ng Western European Middle Ages ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga makabuluhang phenomena at proseso na natatangi sa ito at hindi maiisip sa ibang mga kundisyon at iba pang mga oras. Una, ito ang paggalaw at pag-iral sa Kanlurang Europa ng maraming mga tribo at mamamayan sa iba't ibang yugto ng pag-unlad sa kasaysayan, isang kalakhan ng mga istraktura at iba't ibang mga sistemang pampulitika, at sa lahat ng ito ay patuloy na pagnanasa ng Simbahang Katoliko na pagsamahin ang buong malawak, bagyo, maraming panig na mundo, hindi lamang pangkalahatang ideolohikal na doktrina, kundi pati na rin ang mga pangkalahatang prinsipyo ng kulturang musikal. Pangalawa, ito ang hindi maiiwasang duwalidad ng kulturang musikal sa buong buong Edad Medya: ang art ng simbahan ay palaging kinalaban ang mga kanon nito sa pagkakaiba-iba ng katutubong musika sa buong Europa. Noong mga siglo I-XIII, ang mga bagong porma ng sekular na pagkamalikhain at patula na pagkamalikhain ay isinilang na at ang musika ng simbahan ay higit na nabago. Ngunit ang mga bagong proseso na ito ay naganap na sa mga kondisyon ng nabuong pyudalismo.

Tulad ng iyong nalalaman, ang espesyal na katangian ng kulturang medieval, edukasyong medieval, medyebal na sining ay higit na natutukoy ng pag-asa sa Simbahang Kristiyano.

Ang musika ng simbahang Kristiyano ay nabuo sa mga orihinal na anyo kahit na sa makasaysayang kondisyon ng mataas na kapangyarihan ng Roman Empire. Ang paniniwala sa kabilang buhay, sa pinakamataas na paghihiganti para sa lahat ng nagawa sa mundo, pati na rin ang ideya ng pagbabayad-sala para sa mga kasalanan ng sangkatauhan sa pamamagitan ng hain ni Kristo na ipinako sa krus ay nakakuha ng maraming tao.

Ang makasaysayang paghahanda ng Gregorian chant bilang isang ritwal na awit ng nangingibabaw na simbahang Kristiyano ay mahaba at iba-iba.

Sa pagtatapos ng ika-4 na siglo, tulad ng nalalaman, ang paghahati ng Imperyo Romano sa Kanluranin (Roma) at Silangan (Byzantium) ay naganap, ang makasaysayang kapalaran na kung saan ay naging iba. Samakatuwid, ang mga simbahan sa Kanluran at Silangan ay naging ilang, dahil ang relihiyong Kristiyano ay naging estado sa panahong iyon.

Sa paghati ng Imperyo Romano at pagbuo ng dalawang sentro ng Simbahang Kristiyano, ang mga landas ng sining ng simbahan, na nasa proseso ng panghuling pagbuo, sa isang malaking lawak ay naging liblib din sa Kanluran at Silangan.

Ginawang muli ng Roma sa sarili nitong pamamaraan ang lahat na mayroon ang Simbahang Kristiyano, at sa batayan na ito nilikha ang kanonisadong sining nito - ang awiting Gregorian.

Bilang isang resulta, ang mga tono ng simbahan, napili, na-canonize, na ipinamahagi sa loob ng taon ng simbahan, ay naipon sa ilalim ng Papa Gregory (kahit papaano sa kanyang pagkukusa). ang opisyal na code ay ang antiphonary. Ang mga choral melodies na kasama dito ay tumanggap ng pangalan gregorian chant at naging batayan ng pag-awit ng liturhiko ng Simbahang Katoliko. Napakalaki ng hanay ng mga chorian na Gregorian.

Ang bangkay ng Gregorian chanting mula sa 11th-12th siglo, at pagkatapos ay sa panahon ng Renaissance, nagsilbi bilang paunang batayan para sa paglikha ng mga polyphonic na komposisyon, kung saan natanggap ng mga melodies ng kulto ang pinaka-magkakaibang pag-unlad.

Lalo na pinalawak ng Simbahang Romano ang sphere ng impluwensya nito sa Europa, lalo na kumalat ang chant ng Gregorian mula sa Roma hanggang sa hilaga at kanluran.

Ang reporma ng notasyong musikal ay isinagawa ng musikero, teoretista at guro na Italyano na si Guido d "Arezzo sa ikalawang isang-kapat ng ika-11 siglo.

Ang reporma ni Guido ay malakas sa pagiging simple at kaayusan ng orihinal na kaisipan: gumuhit siya ng apat na linya at, paglalagay ng mga nevmas sa kanila o sa pagitan nila, binigyan sila ng lahat ng eksaktong kahulugan ng taas. Ang isa pang pagbabago ng Guido ng Arezzo, na mahalagang din ang kanyang pag-imbento, ay ang pagpili ng isang tiyak na anim na hakbang na sukat (do-re-mi-fa-sol-la).

Mula noong pagtatapos ng ika-11 siglo, noong ika-12 at lalo na sa ika-13 na siglo, ang mga palatandaan ng isang bagong kilusan ay lumitaw sa buhay na musikal at gawaing musikal ng isang bilang ng mga bansa sa Kanlurang Europa - sa una ay hindi gaanong kapansin-pansin, pagkatapos ay higit na mas madarama. -. Mula sa orihinal na mga medyebal na anyo ng kulturang musikal, ang pag-unlad ng masining na panlasa at malikhaing pag-iisip ay napupunta sa iba pa, mas progresibong uri ng paggawa ng musika, sa iba't ibang mga alituntunin ng pagkamalikhain ng musikal.

Sa mga siglo XII-XIII, unti-unting lumitaw ang makasaysayang mga kinakailangan bago hindi lamang para sa pagbuo ng mga bagong malikhaing kalakaran, kundi pati na rin para sa kanilang kilalang kumalat sa buong Kanlurang Europa. Samakatuwid, ang isang nobelang medyebal o kwento na nag-anyo sa lupa ng Pransya sa mga siglo XII-XIII ay hindi nanatili lamang sa mga phenomena ng Pransya. Kasama ang nobela tungkol kina Tristan at Isolde at kwentong tungkol kay Aucassin at Nicolette, Parsifal at Poor Henry ay pumasok sa kasaysayan ng panitikan. Ang bago, istilong Gothic sa arkitektura, kinakatawan ng mga klasikong halimbawa sa France (mga katedral sa Paris, Chartres, Reims), ay natagpuan din ang ekspresyon nito sa mga lungsod ng Aleman at Czech, sa Inglatera, atbp.

Ang unang pamumulaklak ng mga sekular na musikal at patula na lyrics, na nagsimula sa Provence mula noong XII siglo, pagkatapos ay nakuha ang hilagang Pransya, tumugon sa Espanya, at kalaunan ay natagpuan ang minnesang Aleman. Sa lahat ng pagka-orihinal ng bawat isa sa mga alon na ito at ang mga ito, ang isang bagong kaayusan ay ipinakita din, katangian ng panahon sa malawak na sukat. Sa parehong paraan, ang paglitaw at pag-unlad ng polyphony sa mga propesyunal na anyo - marahil ang pinakamahalagang aspeto ng ebolusyon ng musika sa oras na iyon - ay naganap sa pakikilahok hindi lamang ng malikhaing paaralan ng Pransya at, saka, hindi lamang isang pangkat ng mga musikero mula sa Cathedral of Notre Dame, gaano man kahusay ang kanilang merito.

Sa kasamaang palad, hinuhusgahan namin ang mga paraan ng medieval na musika sa isang tiyak na lawak na selektibo. Ayon sa estado ng mga mapagkukunan, imposibleng subaybayan ang mga tiyak na koneksyon, halimbawa, sa pagbuo ng polyphony sa pagitan ng mga mapagkukunan nito sa British Isles at mga form nito sa kontinente, lalo na, sa mga unang yugto.

Ang mga lungsod ng medieval ay kalaunan ay naging mahalagang sentro ng kultura. Ang mga unang unibersidad sa Europa ay itinatag (Bologna, Paris). Ang konstruksyon ng lunsod ay pinalawak, ang mga mayamang katedral ay itinayo, at sa mga ito ang banal na serbisyo ay ginampanan nang may dakilang karangyaan sa pakikilahok ng mga pinakamahusay na mang-aawit ng koro (sinanay sila sa mga espesyal na paaralan - metrizas - sa malalaking simbahan). Ang katangiang iskolarikal na eskolariko ng Middle Ages (at partikular na ang iskolarong musikal) ay hindi na nakapokus lamang sa mga monasteryo. Ang mga bagong form, isang bagong istilo ng musika ng simbahan ay walang alinlangang nauugnay sa kultura ng lungsod ng medieval. Kung bahagyang handa sila ng mga nakaraang aktibidad ng mga natutunang musikero-monghe (tulad ng Hoekbald ng Saint-Amand at Guido ng Arezzo), kung ang mga unang halimbawa ng polyphony ay nagmula sa mga monastic school ng France, partikular sa mga monasteryo ng Chartres at Limoges, pare-pareho pa rin ang pagbuo ng mga bagong anyo ng polyphony ay nagsisimula sa Paris noong ika-12 - ika-13 na siglo.

Ang isang naiiba, napakahalagang layer din ng kulturang medikal na musikal ay paunang nauugnay sa mga aktibidad, isang hanay ng mga interes at isang uri ng ideolohiya ng European chivalry. Mga Krusada sa Silangan, malalaking paggalaw sa malayong distansya, laban, pagkubkob ng mga lungsod, pagtatalo ng sibil, matapang, mapanganib na mga pakikipagsapalaran, ang pananakop sa mga dayuhang lupain, pakikipag-ugnay sa iba't ibang mga tao sa Silangan, kanilang mga kaugalian, pamumuhay, kultura, ganap na hindi pangkaraniwan mga impression - lahat ng ito ay nag-iwan ng marka sa isang bagong pananaw sa mundo ng mga knight-crusaders. Kapag ang isang bahagi ng chivalry ay nagawang umiral sa kanais-nais na mapayapang kondisyon, ang dating umiiral na kuru-kuro ng karangalan (syempre, limitado sa lipunan) na sinamahan ng kulto ng magandang ginang at knightly na serbisyo sa kanya, na may perpektong pag-ibig ng magalang at ang kaugalian ng pag-uugali na nauugnay dito. Noon na ang musikal at patula na sining ng mga troublesadour ay nakatanggap ng maagang pag-unlad, na binibigyan ang una sa Europa ng mga sample ng nakasulat na sekular na tinig na mga liriko.

Ang iba pang mga layer ng kulturang medikal na musikal ay nagpatuloy na umiiral, na nauugnay sa buhay ng mga tao, sa mga aktibidad ng mga liblib na musikero, sa mga darating na pagbabago sa kanilang kapaligiran at pamumuhay.

Mula ika-9 hanggang ika-14 na siglo, ang impormasyon tungkol sa mga taong gumagalaong mga musikero ng Gitnang Panahon ay nagiging mas marami at mas tiyak. Ang mga juggler, minstrel, spielmans na ito - tulad ng pagtawag sa kanila sa iba't ibang oras at sa iba't ibang mga rehiyon - sa mahabang panahon ay ang mga kinatawan lamang ng sekular na kulturang musikal ng kanilang panahon at sa gayon ay gampanan ang isang mahalagang papel sa kasaysayan. Sa isang malaking lawak, ito ay batay sa kanilang kasanayan sa musika, kanilang mga tradisyon sa awit na nabuo ang mga maagang anyo ng mga sekular na liriko ng ika-12 hanggang ika-13 na siglo. Sila, ang mga naglalakbay na musikero na ito, ay hindi nakikilahok sa mga instrumentong pangmusika, habang ang simbahan ay tinanggihan ang kanilang pakikilahok, o kinuha ito nang may labis na kahirapan. Bilang karagdagan sa iba't ibang mga instrumento ng hangin (trumpeta, sungay, plawta, Pan flute, bagpipe), sa paglipas ng panahon, ang alpa (mula sa mga sinaunang panahon), ang nunal (instrumento ng Celtic), mga pagkakaiba-iba ng mga instrumentong yumuko, ang mga ninuno ng biyolin sa hinaharap - rebab , viela, fidel (posibleng, mula sa Silangan).

Sa lahat ng posibilidad, ang mga artista ng medieval na ito, mga musikero, mananayaw, akrobat (madalas sa isang tao), na tinawag na jugglers o iba pang mga katulad na pangalan, ay may kani-kanilang mga tradisyon sa kultura at kasaysayan na nagmula pa sa malalayong panahon. Maaari silang mag-ampon - pagkatapos ng maraming henerasyon - ang pamana ng syncretic art ng mga sinaunang Roman na artista, na ang mga inapo, na tinawag na histrions at mime, ay gumala ng mahabang panahon, na gumagala sa medyebal na Europa. Ang pinakalumang semi-legendary na kinatawan ng Celtic (bards) at Germanic epics ay maaari ring ipasa ang kanilang mga tradisyon sa mga juggler, na, kahit na hindi sila mananatiling tapat sa kanila, gayunpaman natutunan ang isang bagay mula sa kanila para sa kanilang sarili. Sa anumang kaso, sa ika-9 na siglo, kapag ang nakaraang pagbanggit ng mga histrions at mime ay napalitan na ng mga ulat ng mga juggler, ang huli ay kilala bilang bahagi ng mga epiko. Lumipat mula sa isang lugar sa isang lugar, ang mga juggler ay gumaganap sa mga pagdiriwang sa mga patyo (kung saan sila dumadaloy sa ilang mga petsa), sa mga kastilyo, sa mga nayon, at kung minsan ay pinapayagang magsimba. Sa mga tula, nobela at awit ng Middle Ages, madalas itong nabanggit tungkol sa paglahok ng mga juggler sa maligaya na kasiyahan, sa pag-oorganisa ng lahat ng uri ng mga salamin sa mata sa kalangitan. Hangga't ang mga pagganap na ito, na gaganapin sa mga pangunahing bakasyon sa mga simbahan o sa mga sementeryo, ay ginanap lamang sa Latin, ang mga mag-aaral ng monastic school at mga batang clerics ay maaaring lumahok sa mga palabas. Ngunit noong ika-13 siglo, ang Latin ay pinalitan ng mga lokal na katutubong wika - at pagkatapos ay ang mga naglalakbay na musikero, na nag-aangkin na gumanap ng mga komik at papel sa mga pagganap sa espiritu, pinamamahalaan kahit papaano ang bilang ng mga artista, at pagkatapos ay manalo ng tagumpay sa kanilang mga biro mula sa manonood at tagapakinig. Ito ang kaso, halimbawa, sa mga katedral ng Strasbourg, Rouen, Reims, Cambrai. Kabilang sa mga "kwentong" na ipinakita sa piyesta opisyal ay ang mga aksyon ng Pasko at Pasko ng Pagkabuhay, "Mga Panaghoy ni Maria", "Ang kwento ng mga pantas at hangal na birhen," at iba pa. Halos saanman sa mga pagtatanghal, upang masiyahan ang kanilang mga bisita, isa o higit pa iba pang mga yugto ng komiks na nauugnay sa paglahok ng mga masasamang puwersa o mga pakikipagsapalaran at pahayag ng mga tagapaglingkod. Dito bumukas ang saklaw para sa pag-arte ng mga kakayahan sa musiko ng mga juggler kasama ang kanilang tradisyunal na buffoonery.

Marami sa mga minstrel ang gumanap ng isang espesyal na papel nang magsimula silang makipagtulungan sa mga trabahador, sinamahan ang kanilang mga patron knights saanman, nakikilahok sa pagganap ng kanilang mga kanta, at natututo ng mga bagong anyo ng sining.

Bilang isang resulta, ang mismong kapaligiran ng "taong gumagala", jugglers, spielmans, minstrels, nakakaranas ng makabuluhang mga pagbabago sa paglipas ng panahon, ay hindi nanatiling pare-pareho sa komposisyon. Pinadali ito ng pagdagsa ng mga bagong pwersa - marunong bumasa't sumulat, ngunit nawala ang kanilang matatag na posisyon sa lipunan, iyon ay, mahalagang idineklarang mga natalo mula sa mga maliit na klero, mga iskolar na naglalakbay, at mga takas na monghe. Lumitaw sa ranggo ng mga naglalakbay na aktor at musikero noong XI-XII siglo sa Pransya (at pagkatapos ay sa ibang mga bansa), natanggap nila ang mga pangalan ng mga vagant at goliard. Sa kanila, ang mga bagong ideya at gawi sa buhay, literasi, kung minsan kahit na ang isang kilalang pag-uusapan ay dumating sa mga layer ng juggling.

Mula noong pagtatapos ng ika-13 na siglo, ang mga asosasyon ng guild ng mga spielman, juggler, minstrels ay nabuo sa iba't ibang mga sentro ng Europa upang maprotektahan ang kanilang mga karapatan, matukoy ang kanilang lugar sa lipunan, mapanatili ang mga propesyonal na tradisyon at ipasa ito sa mga mag-aaral. Noong 1288 ang Kapatiran ng St. Nicholas ", na nagkakaisa ng mga musikero, noong 1321" Kapatiran ng St. Si Julien ”sa Paris ay ang samahang samahan ng mga lokal na minstrel. Kasunod nito, isang pangkat ng "royal minstrels" ay nabuo sa England. Ang paglipat sa istraktura ng guild, sa kakanyahan, ay nagtapos sa kasaysayan ng medyebal na jugglery. Ngunit ang mga ligaw na musikero ay hindi kumpletong naayos sa kanilang kapatiran, guilds, workshops. Ang kanilang paggala ay nagpatuloy noong mga siglo na XIV, XV, XVI, na sumasaklaw sa isang malawak na teritoryo at kalaunan ay lumilikha ng mga bagong koneksyon sa musika at pang-araw-araw sa pagitan ng mga malalayong rehiyon.

TRUBADURS, TRUVERS, MINNESINGERS

Ang art ng mga troublesadour, na nagmula sa Provence ng XII siglo, ay, sa esensya, simula lamang ng isang espesyal na kilusang malikhaing, katangian ng oras nito at halos ganap na nauugnay sa pagbuo ng bago, sekular na anyo ng malikhaing pagkamalikhain. Mas pinaboran noon sa Provence ang maagang pamumulaklak ng sekular na kulturang pansining: medyo hindi gaanong pagkasira at mga sakuna sa nakaraan, sa panahon ng paglipat ng mga tao, mga tradisyon ng bapor at mga ugnayan sa kalakal na matagal nang napanatili. Sa mga ganitong kundisyong pangkasaysayan, isang kulturang kabalyero ang nabuo.

Ang isang kakaibang proseso ng pag-unlad ng maagang sekular na sining, na lumitaw sa masining na pagkukusa ng Provencal chivalry, sa isang malaking lawak ay kumakain ng mga melodic na mapagkukunan ng awiting bayan at kumakalat sa isang mas malawak na bilog ng mga taong bayan, na nagbabago nang naaayon sa kahulugan ng paksa ng matalinhagang nilalaman.

Ang sining ng mga troublesadour ay umuunlad nang halos dalawang siglo mula nang magtapos ang ika-11 siglo. Sa ikalawang kalahati ng ika-12 siglo, ang mga pangalan ng mga trouver ay kilala na bilang mga makatang-musikero sa hilaga ng Pransya, sa Champagne, sa Arras. Noong ika-13 na siglo, ang aktibidad ng mga trouver ay naging mas matindi, habang ang sining ng Provencal na trangkador ay natapos ang kasaysayan nito.

Ang mga truvers sa isang tiyak na lawak ay minana ang malikhaing tradisyon ng mga troublesadour, ngunit sa parehong oras ang kanilang mga gawa ay mas malinaw na nauugnay hindi sa mga kabalyero, ngunit sa kultura ng lunsod ng kanilang panahon. Gayunpaman, kabilang sa mga troublesadour ay may mga kinatawan ng iba't ibang mga bilog sa lipunan. Kaya, ang mga unang gulo ay ang: Guillaume VII, Count of Poitiers, Duke of Aquitaine (1071 - 1127) at ang mahirap na Gascon Marcabrune.

Ang Provencal troublesadours, tulad ng alam mo, ay karaniwang nakikipagtulungan sa mga juggler, na naglakbay kasama nila, gumanap ng kanilang mga kanta o sinamahan ang kanilang pagkanta, na parang pinagsasama ang mga tungkulin ng isang lingkod at isang katulong nang sabay. Ang gulo ay kumilos bilang tagapagtaguyod, may-akda ng piraso ng musika, at ang juggler bilang tagaganap.

Sa musikal at patula na sining ng mga troublesadour, maraming mga katangian ng pagkakaiba-iba ng mga kantang tula ang naiiba: alba (kanta ng bukang-liwayway), pasturel, sirventa, mga kanta ng mga crusader, kanta-dayalogo, daing, mga kanta sa sayaw. Ang listahang ito ay hindi isang mahigpit na pag-uuri. Ang mga lyrics ng pag-ibig ay nakasulat sa mga album, pasturel, at kanta sa sayaw.

Ang Sirventa ay hindi isang napakalinaw na pagtatalaga. Sa anumang kaso, hindi ito isang liriko na kanta. Tumutugtog mula sa mukha ng isang kabalyero, isang mandirigma, isang matapang na manggugulo, maaari itong maging mapang-uyam, mapaninisi, na naglalayong isang buong klase, sa ilang mga kapanahon o kaganapan. Nang maglaon, lumitaw ang mga genre ng mga ballada at rondo.

Tulad ng maaaring hatulan sa batayan ng materyal ng mga espesyal na pag-aaral, ang sining ng mga troublesadour ay sa huli ay hindi nakahiwalay alinman sa mga tradisyon ng nakaraan, o mula sa iba pang mga napapanahong anyo ng pagkamalikhain ng musika at patula.

Ang sining ng mga troublesadour ay nagsilbing isang mahalagang koneksyon sa pagitan ng mga unang anyo ng musikal at patula na mga lyrics sa Kanlurang Europa, sa pagitan ng musikal at pang-araw-araw na tradisyon at lubos na propesyonal na mga direksyon ng pagkamalikhain ng musikal sa XIII -. XIV siglo. Nang maglaon ang mga kinatawan ng sining na ito mismo ay nag-gravitated patungo sa pagiging propesyonal ng musikal, pinagkadalubhasaan ang mga pundasyon ng isang bagong pang-musikal na panginoo.

Ganyan Adam de la Hal (1237-1238 - 1287), isa sa huling trouvers, isang katutubong Arras, makatang Pranses, kompositor, manunulat ng dula sa ikalawang kalahati ng ika-13 na siglo. Mula noong 1271, nagsilbi siya sa korte ng Count Robert d "Artois, kasama ang pinuntahan niya kay Naples kay Charles ng Anjou, Hari ng Sisilia, sa Naples noong 1282. Sa kanyang pananatili sa Naples, ang" Game of Robin and Marion "ay nilikha - ang pinakamalaki at pinakamahalagang akda ng isang makata-kompositor.

Ang mga nasabing akda ay ang paunang panahon ng kapanganakan ng French comedy ng komedya ng XU111 siglo. at operettas ng ika-19 na siglo.

Ang mga sample ng sining ng manggugulo ay dumating sa Alemanya noong ika-12 hanggang ika-13 na siglo, at naakit ang pansin doon; ang mga lyrics ay isinalin sa Aleman, kahit na ang mga tunog ay minsan na overtoned ng mga bagong salita. Ang pag-unlad mula sa ikalawang kalahati ng ika-12 siglo (hanggang sa simula ng ika-15) ng minnesang Aleman bilang isang masining na sagisag ng lokal na kultura ng kabalyero na ginagawang mas maiintindihan ang interes na ito sa musikal at makatang arte ng mga taong nagugulo sa Pransya. lalo na sa mga maagang nagmimina.

Ang sining ng minnesingers ay umunlad ng halos isang daang siglo kaysa sa sining ng mga trabahador, sa isang kakaibang pagkakaiba-iba ng setting ng kasaysayan, sa isang bansa kung saan sa una ay walang gaanong matatag na pundasyon para sa pagbuo ng isang bago, pulos sekular na pananaw sa mundo.

Ang pinakamalaking kinatawan ng Minnesang ay si Walter von der Vogelweide, makata, may akda ng Parsifal, Wolfram von Eschenbach. Kaya, ang alamat na pinagbabatayan ng "Tannhäuser" ni Wagner ay batay sa mga katotohanan sa kasaysayan.

Gayunpaman, ang serbisyo at pagganap sa mga korte ay hindi limitado sa mga gawain ng mga minnesinger ng Aleman: ito ang pinaka-kapansin-pansin sa kanila na gumugol ng isang makabuluhang bahagi ng kanilang buhay sa malalayong paggala.

Kaya, ang sining ng minnesang ay hindi gaanong panig: pinagsasama nito ang iba't ibang mga ugali, at ang melodic na bahagi sa kabuuan ay mas progresibo kaysa sa makatang patula. Ang pagkakaiba-iba ng uri ng mga kanta sa mga minneser ay sa maraming mga paraan na katulad sa mga na nalinang ng Provencal troublesdours: mga kanta ng mga crusader, mga kanta na love-lyric ng iba't ibang mga uri, mga tono ng sayaw.

Ang sagradong musika ng huli na Middle Ages ay patuloy din na umuunlad. Ang polyphonic musikal na pagtatanghal ay malawak na binuo.

Ang pagbuo ng pagsulat ng polyponic, na katangian noong una para sa sining ng simbahan, ay humantong sa pagdaragdag ng mga bagong genre ng musikal, kapwa espiritwal at sekular. Ang pinakalaganap na uri ng polyphony ay motet

Ang Motet, na mayroong napakahusay na hinaharap, ay nabuo nang masinsinang noong XIII siglo. Ang pinagmulan nito ay nagsimula noong nakaraang siglo, kung kailan ito lumitaw na may kaugnayan sa mga malikhaing aktibidad ng paaralan ng Notre Dame at nagkaroon ng isang liturhiko na hangarin sa una.

Ang isang motet ng 13th siglo ay isang polyphonic (karaniwang tatlong bahagi) na piraso ng maliit o katamtamang sukat. Ang tampok na genre ng motet ay ang paunang pag-asa sa isang handa nang sample na melodic (mula sa mga tono ng simbahan, mula sa mga sekular na kanta) kung saan ang ibang mga tinig na may kakaibang kalikasan at kahit minsan ay magkakaiba ang pinagmulan ay pinahiran. Ang resulta ay isang kumbinasyon ng iba't ibang mga himig na may iba't ibang mga lyrics.

Ang mga instrumento (viels, salamo, at organ) ay maaaring lumahok sa pagganap ng ilang mga motet. Sa wakas, noong ika-13 siglo, isang katangi-tanging anyo ng araw-araw na polyphony, na tumanggap ng mga pangalang rondel, rota, ru (wheel), ay nakakuha ng katanyagan. Ito ay isang joke canon na kilalang medieval spielmans.

Sa pagtatapos ng ika-13 siglo, ang French art na pang-musikal ay higit na nagtatakda ng tono sa Kanlurang Europa. Ang kulturang musikal at patula ng mga troublesadour at trouver, pati na rin mga mahahalagang yugto sa pag-unlad ng polyphony, ay bahagyang naiimpluwensyahan ang art ng musikal ng ibang mga bansa. Sa kasaysayan ng musika, ang ika-13 siglo (mula noong mga 1230s) ay nakatanggap ng itinalagang "Ags antiqua" ("old art").

ARS NOVA SA FRANSA. GUILLOME MACHOT

Sa bandang 1320, ang gawaing teoretikal na musikal ni Philippe de Vitry, ang Ags nova, ay nilikha sa Paris. Ang mga salitang ito - "Bagong Sining" - ay naging pakpak: mula sa kanila nagmula ang kahulugan ng "panahon ng Ags nova", na karaniwang tinutukoy pa rin sa musikang Pransya ng XIV na siglo. Ang mga ekspresyong "bagong sining", "bagong paaralan", "mga bagong mang-aawit" ay madalas na nakatagpo sa panahon ni Philippe de Vitry, hindi lamang sa mga gawaing panteorya. Sinuportahan man ng mga teorista ang mga bagong kalakaran o kinondena sila, kinondena man sila ng Santo Papa, kahit saan ay nangangahulugang isang bago sa pagpapaunlad ng musikal na sining, na wala bago ang paglitaw ng mga nabuong anyo ng polyphony.

Ang pinakamalaking kinatawan ng Ags nova sa Pransya ay si Guillaume de Machaut- isang kilalang makata at kompositor ng kanyang panahon, na ang malikhaing pamana ay pinag-aralan din sa kasaysayan ng panitikan.

Hindi mahalaga kung gaano kumplikado ang karagdagang pag-unlad ng mga polyphonic form na naging sa XIV siglo, ang linya ng musikal at makatang sining, na nagmula sa mga trobador at trouver, ay hindi ganap na nawala sa kapaligiran ng French Ars nova. Kung si Philippe de Vitry ay pangunahing isang natutunang musikero, at si Guillaume de Machaut ay naging master ng mga makatang Pranses, gayunpaman, kapwa sila mga makatang-musikero, iyon ay, sa ganitong pang-unawa, tila ipinagpatuloy nila ang mga tradisyon ng mga trouver noong ika-13 na siglo. Sa huli, hindi gaanong matagal ang naghihiwalay sa malikhaing aktibidad ni Philippe de Vitry, na nagsimulang gumawa ng musika sa paligid ng 1313-1314, at maging ang aktibidad ng Machaut (mula 1320-1330) - mula sa mga huling taon ng malikhaing buhay ni Adan de la Hal (isip, noong 1286 o 1287).

Ang makasaysayang papel ng Guillaume ds Machaut ay mas makabuluhan. Kung wala siya, wala talagang Ars nova sa Pransya. Ito ang kanyang pagkamalikhain sa musika at patula, masagana, orihinal, multi-genre, na nakatuon sa pangunahing mga tampok ng panahong ito. Sa kanyang sining, tulad nito, ang mga linya ay nakolekta, na ipinapasa, sa isang banda, mula sa kulturang musikal at patula ng mga gulo at trouvers sa matagal nang batayan ng awit, sa kabilang banda, mula sa mga paaralang Pranses ng polyphony ng ang X11-X111 siglo.

Sa kasamaang palad, wala kaming nalalaman tungkol sa landas ng buhay ng Machaut hanggang 1323. Nalaman lamang na siya ay ipinanganak noong 1300 sa Machaut. Siya ay isang may mataas na pinag-aralan na makata ng malawak na kaalaman at isang tunay na master ng kanyang bapor bilang isang kompositor. Sa isang hindi maikakailang matataas na talento, siyempre, dapat siyang makatanggap ng masusing paghahanda para sa aktibidad ng panitikan at musikal. Ang unang petsa na nauugnay sa katotohanan ng talambuhay ni Machaut ay 1322-1323, nang magsimula ang kanyang serbisyo sa korte ng hari. Klerk, pagkatapos ay kalihim ng hari). Sa loob ng higit sa dalawampung taon, si Machaut ay nasa korte ng hari ng Bohemia, kung minsan ay nasa Prague, pagkatapos ay patuloy na nakikilahok sa kanyang mga kampanya, paglalakbay, pagdiriwang, pangangaso, atbp. Sa retinue ni Jan Luxemburg nagkaroon siya ng pagkakataong bisitahin ang pangunahing mga sentro ng Italya, Alemanya, Poland. Sa lahat ng posibilidad, lahat ng ito ay nagbigay kay Guillaume de Machaut ng maraming impression at ganap na napayaman ang kanyang karanasan sa buhay. Matapos ang pagkamatay ng Hari ng Bohemia noong 1346, siya ay naglingkod sa mga hari ng Pransya na sina John the Good at Charles V, at tumanggap din ng isang canon sa Cathedral of Notre Dame sa Reims. Nag-ambag ito sa kanyang katanyagan bilang isang makata. Si Machaut ay lubos na pinahahalagahan sa panahon ng kanyang buhay, at pagkatapos ng kanyang kamatayan noong 1377 siya ay niluwalhati ng kanyang mga kasabayan sa mga nakamamanghang epitaphs. Si Machaut ay nagkaroon ng isang makabuluhang impluwensya sa French tula, lumikha ng isang buong paaralan, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga form ng tula na binuo niya.

Ang sukat ng pagkamalikhain ng musikal at patula ng Machaut na may multilateral na pag-unlad ng mga genre, ang kalayaan ng kanyang mga posisyon, na kung saan ay may isang malakas na epekto sa French makata, ang mataas na kasanayan ng musikero - lahat ng ito ay gumagawa sa kanya ang unang tulad pangunahing pangunahing pagkatao sa kasaysayan ng sining ng musikal.

Ang malikhaing pamana ni Machaut ay malawak at magkakaiba. Lumikha siya ng mga motet, ballad, rondos, canon, atbp.

Matapos ang Machaut, kapag ang kanyang pangalan ay lubos na iginagalang ng mga makata at musikero, at ang impluwensya ay sa paanuman nadama ng pareho, hindi siya nakakita ng anumang tunay na pangunahing mga kahalili sa mga kompositor ng Pransya. Marami silang natutunan mula sa kanyang karanasan bilang isang polyphonist, pinagkadalubhasaan ang kanyang diskarte, patuloy na nilinang ang parehong mga genre tulad ng ginawa niya, ngunit pinino ang kanilang sining medyo, sobrang kumplikadong mga detalye.

RENAISSANCE

Ang walang hanggang kahalagahan ng Renaissance para sa kultura at sining ng Kanlurang Europa ay matagal nang kinikilala ng mga istoryador at naging pangkaraniwang kaalaman. Ang musikang Renaissance ay kinakatawan ng isang bilang ng mga bago at maimpluwensyang malikhaing paaralan, ang mga maluwalhating pangalan ni Francesco Landini sa Florence noong ika-14 na siglo, Guillaume Dufay at Johannes Oquegem noong ika-15 siglo, Josquin Despres sa simula ng ika-16 na siglo, at isang kalawakan ng mga classics ng austere style bilang isang resulta ng Renaissance - Palestrina, Orlando Lasso.

Sa Italya, ang simula ng isang bagong panahon ay nagsimula para sa sining ng musika noong XIV siglo. Ang paaralang Dutch ay nag-anyo at naabot ang mga unang tuktok nito noong ika-15, pagkatapos nito ay patuloy na lumawak, at ang impluwensya sa isang paraan o iba pa ay nakuha ang mga master ng iba pang mga pambansang paaralan. Ang mga palatandaan ng Renaissance ay malinaw na ipinakita sa Pransya noong ika-16 na siglo, bagaman ang kanyang mga nakamit na malikhain ay malaki at hindi mapagtatalunan kahit na sa mga nakaraang siglo. Ang pagtaas ng sining sa Alemanya, Inglatera at ilang iba pang mga bansa sa loob ng orbit ng Renaissance ay nagsimula pa noong ika-16 na siglo.

Kaya, sa musikal na sining ng mga bansa sa Kanlurang Europa, lilitaw ang mga malinaw na tampok ng Renaissance, kahit na may ilang hindi pantay, sa loob ng mga siglo na XIV-XVI. Ang kulturang pansining ng Renaissance, partikular ang kulturang musikal, walang alinlangang hindi tumalikod mula sa pinakamahusay na mga nakamit na malikhaing huling huli ng Middle Ages. Ang pagiging kumplikado ng kasaysayan ng panahon ng Renaissance ay nag-ugat sa katunayan na ang sistemang pyudal ay napanatili pa rin halos saanman sa Europa, at ang mga makabuluhang pagbabago ay nagaganap sa pag-unlad ng lipunan, na sa maraming paraan ay inihanda ang pagsisimula ng isang bagong panahon. Ito ay ipinahayag sa larangan ng sosyo-ekonomiko, buhay pampulitika, sa pagpapalawak ng mga abot-tanaw ng mga kapanahon - heograpiya, pang-agham, masining, sa pagwawagi sa espiritwal na diktadurya ng simbahan, sa pagtaas ng humanismo, ang paglago ng kamalayan sa sarili ng isang makabuluhang tao Ang mga palatandaan ng isang bagong pang-unawa sa mundo ay lumitaw na may partikular na pagiging malinaw at pagkatapos ay naging matatag na itinatag sa artistikong paglikha, sa progresibong kilusan ng iba't ibang mga sining, kung saan ang "rebolusyon ng mga isip" na gumawa ng pabango ng Renaissance ay napakahalaga.

Walang pag-aalinlangan na ang pagkamakatao sa pag-unawa nitong "muling pagbuhay" ay nagtanim ng napakaraming sariwang pwersa sa sining ng panahon nito, binigyang inspirasyon ang mga artista na maghanap ng mga bagong tema, at higit sa lahat natukoy ang kalikasan ng mga imahe at nilalaman ng kanilang mga gawa. Para sa musikal na sining, sinasadya ng humanismo, una sa lahat, isang pagpapalalim sa damdamin ng tao, ang pagkilala sa isang bagong halaga ng aesthetic para sa kanila. Nag-ambag ito sa pagkilala at pagpapatupad ng pinakamatibay na mga katangian ng pagtitiyak sa musikal.

Para sa buong panahon sa kabuuan, isang malinaw na pamamayani ng mga vocal genres, partikular na ang vocal polyphony, ay katangian. Napakabagal lamang, unti-unti, nakatutulong na musika ang nakakakuha ng kaunting kalayaan, ngunit ang direktang pag-asa nito sa mga form na tinig at sa mga pang-araw-araw na mapagkukunan (sayaw, awit) ay malalampasan lamang ng kaunti. Ang mga pangunahing genre ng musikal ay mananatiling nauugnay sa berbal na teksto.

Ang mahusay na landas ng musikal na sining, na dumaan mula ika-14 hanggang sa katapusan ng ika-16 na siglo, ay hindi simple at prangka, tulad ng buong kultura ng espiritu ng Renaissance na hindi lamang nabuo at kasama lamang ng isang umaakyat na tuwid na linya. Ang sining ng musika, pati na rin sa mga kaugnay na larangan, ay mayroong sariling "linya ng Gothic" at sarili nitong matatag at masigasig na pamana ng Middle Ages.

Ang musikal na sining ng mga bansa sa Kanlurang Europa ay lumapit sa isang bagong hangganan sa pagkakaiba-iba ng Italyano, Olandes, Pranses, Aleman, Espanyol, Ingles at iba pang mga malikhaing paaralan at sa parehong oras na may malinaw na ipinahayag pangkalahatang pagkahilig. Ang isang klasikong mahigpit na istilo ay nilikha na, isang uri ng "pagsasaayos" ng polyphony ay isinasagawa, ang kilusan patungo sa homophonic na pagsusulat ay tumindi, ang papel na ginagampanan ng pagkamalikhain ng artist ay tumaas, ang kahalagahan ng pang-araw-araw na musika at ang epekto nito sa mataas na antas na propesyonal. napalakas ang sining, ang mga sekular na genre ng musikal ay masinalarawan na pinayaman at isinalarawan (lalo na ang Italyano na madrigal), ang mga batang instrumental na musika ay papalapit sa threshold ng kalayaan. Ang ika-17 siglo ay kinuha ang lahat ng ito nang direkta mula sa ika-16 na siglo bilang isang pamana ng Renaissance.

ARS NOVA SA ITALY. FRANCZO LANDINI

Ang Italyanong musikal na sining ng XIV na siglo (Trecento) ay gumagawa ng isang pangkalahatang kamangha-manghang impression ng pagiging bago, na parang ang kabataan ng isang bago, umuusbong na istilo lamang. Ang musika ng Ars ay bago sa Italya, kaakit-akit lamang at malakas para sa pulos nitong likas na Italyano at mga pagkakaiba nito mula sa French art ng sabay. Ang Ars nova sa Italya ay ang bukang liwayway ng Renaissance, ang makabuluhang foreshadowing na ito. Hindi sinasadya na ang Florence ay naging sentro ng malikhaing aktibidad ng mga kinatawan ng Italyano ng Arsnova, na ang kahalagahan ay pinakamahalaga para sa bagong panitikan ng direksyong humanista, at - sa malaking lawak - para sa mahusay na sining.

Ang panahon ng Ars nova ay sumasaklaw sa ika-14 na siglo mula noong mga 1920 hanggang 1980, at minarkahan ng unang tunay na yumayabong ng sekular na pagkamalikhain na musikal sa Italya. Ang Italyano na Ars novaa ay nailalarawan sa pamamagitan ng hindi mapag-aalinlanganang pamamayani ng sekular sa mga gawaing espiritwal. Sa karamihan ng mga kaso, ito ay mga sample ng liriko ng musika o ilang uri ng mga piraso ng genre.

Sa gitna ng kilusang Ars nova, mataas ang pigura ng Francesco Landini, isang mayaman at dalubhasang may talento na artista na gumawa ng isang malakas na impression sa mga nangungunang mga kapanahon.

Si Landini ay ipinanganak sa Fiesole, malapit sa Florence, sa pamilya ng isang pintor. Matapos dalhin ang bulutong sa pagkabata, siya ay naging bulag magpakailanman. Ayon kay Villani, nagsimula siyang mag-aral ng musika nang maaga (unang kumanta at pagkatapos ay tumutugtog ng mga string at organ). Ang kanyang pag-unlad sa musika ay nagpatuloy na may kahanga-hangang bilis at namangha sa mga nasa paligid niya. Naging mahusay siya sa disenyo ng maraming mga instrumento, gumawa ng mga pagpapabuti at nag-imbento ng mga bagong disenyo. Sa paglipas ng mga taon, nalampasan ni Francesco Landini ang lahat ng mga napapanahong musikero sa Italya.

Lalo siyang tanyag sa paglalaro ng organ, kung saan siya, sa pagkakaroon ni Petrarch, ay nakoronahan ng mga laurel sa Venice noong 1364. Inugnay ng mga modernong mananaliksik ang kanyang mga unang gawa sa mga taon 1365-1370. Noong 1380s, ang katanyagan ni Landini bilang isang kompositor ay natapos na ang mga tagumpay ng lahat ng kanyang kasamang Italyano. Namatay si Landini sa Florence at inilibing sa simbahan ng San Lorenzo; sa kanyang lapida ang petsa ay minarkahan: Setyembre 2, 1397.

Ngayon 154 ang mga komposisyon ng Landini ay kilala. Mangibabaw ang mga ballad sa kanila.

Ang gawain ni Landini ay mahalagang nakumpleto ang panahon ng Ars Nova ng Italya. Walang alinlangan na ang pangkalahatang antas ng sining ni Landini at ang mga katangiang katangian ng kanya ay hindi pinapayagan na siya ay maituring na panlalawigan, primitive, pulos hedonistic.

Sa huling dalawang dekada ng ika-11 siglo, naganap ang mga pagbabago sa sining ng musikal ng Italya, na unang lumabag sa integridad ng posisyon ni Ars nova, at pagkatapos ay humantong sa pagtatapos ng kanyang panahon. Ang sining ng XU siglo ay nabibilang sa isang bagong panahon ng kasaysayan.

Ang propesyonal na kulturang musikal ng Middle Ages sa Europa ay pangunahing nauugnay sa simbahan, iyon ay, sa larangan ng musikang kulto. Ang art na puno ng pagiging relihiyoso ay kanonikal at dogmatiko, ngunit, gayunpaman, hindi ito nagyeyelo, nabago ito mula sa makamundong kawalang kabuluhan sa pinabayaan na mundo ng paglilingkod sa Panginoon. Gayunpaman, kasama ang naturang "superyor" na musika, may mga alamat, at ang gawain ng mga musikero na naglalakbay, pati na rin ang marangal na kultura ng chivalry.

Espirituwal na kulturang musikal ng unang bahagi ng Edad Medya

Noong unang bahagi ng Middle Ages, ang mga propesyonal na musika ay tumutunog lamang sa mga katedral at mga paaralang kumanta na kasama nila. Ang gitna ng kulturang musikal ng Middle Ages ng Western Europe ay ang kabisera ng Italya - Roma - ang mismong lungsod kung saan matatagpuan ang "kataas-taasang mga awtoridad ng simbahan".

Noong 590-604, isinagawa ni Papa Gregory I ang isang reporma sa pagkanta ng kulto. Inayos at kinolekta niya ang iba't ibang mga chants sa koleksyon na "Gregorian Antiphonarius". Salamat kay Gregory I, isang direksyon na tinawag na Gregorian chant ang nabuo sa sagradong musika sa Kanlurang Europa.

Chorale - ito ay, bilang panuntunan, isang monophonic chant, na sumasalamin ng mga daan-daang tradisyon ng mga mamamayan ng Europa at Gitnang Silangan. Ang makinis na himig na ito na tinawag upang gabayan ang mga parokyano upang maunawaan ang mga pundasyon ng Katolisismo at ang pagtanggap ng iisang kalooban. Kadalasan ang chorale ay ginanap ng koro, at ilang bahagi lamang ang ginampanan ng mga soloista.

Ang batayan ng Gregorian chant ay isang unti-unting paggalaw kasama ang mga tunog ng diatonic mode, ngunit kung minsan sa parehong chorale ay mayroon ding mabagal, mahigpit na mga salmo, at melismatic na pag-awit ng mga indibidwal na pantig.

Ang pagganap ng mga naturang himig ay hindi pinagkakatiwalaan sa sinuman, dahil nangangailangan ito ng mga kasanayang propesyonal sa tinig mula sa mga mang-aawit. Tulad din ng musika, ang teksto ng mga chants sa Latin, na hindi maintindihan ng maraming mga parokyano, ay nagpapukaw ng kababaang-loob, paghihiwalay mula sa katotohanan, at pag-iisip. Kadalasan, ang maindayog na pag-aayos ng musika ay nakondisyon din ng pagsalig sa pagsunod sa teksto. Ang Gregorian chant ay hindi maaaring kunin bilang mainam na musika, sa halip ay isang awit ng isang teksto ng panalangin.

Misa - ang pangunahing uri ng musikang kompositor ng Middle Ages

Misa Katoliko - ang pangunahing serbisyo ng simbahan. Pinagsama niya ang mga ganitong uri ng pagkanta ng Gregorian bilang:

• antiphonic (kapag ang dalawang koro ay nagkakanta na halili);
• tumutugon (pagkanta ng mga soloista at koro na halili).

Ang pamayanan ay lumahok lamang sa pag-awit ng mga karaniwang pagdarasal.
Nang maglaon, sa XII siglo. ang mga himno (salmo), pagkakasunud-sunod, tropes ay lumitaw sa misa. Ang mga ito ay mga karagdagang teksto na may tula (taliwas sa pangunahing chorale) at isang espesyal na himig. Ang mga relihiyosong rhymed na teksto ay mas naalala ng mga parokyano. Ang pag-awit kasama ang mga monghe, iba-iba ang himig, at ang mga elemento ng katutubong nagsimulang tumulong sa sagradong musika at nagsilbing isang okasyon para sa pagkamalikhain ng may-akda (Notker Zaika at Tokelon monghe - monasteryo ng St. Golene). Nang maglaon, ang mga tonong ito sa pangkalahatan ay humalili sa mga bahagi ng salmo at makabuluhang nagpayaman ng tunog ng awitan ng Gregorian.

Ang mga unang halimbawa ng polyphony ay nagmula sa mga monasteryo, tulad ng organum - kilusan sa kahanay na quarts o ikalima, gimel, fobourdon - kilusan sa ikaanim na chords, pag-uugali. Ang mga kinatawan ng naturang musika ay ang mga kompositor na Leonin at Perotin (Notre Dame Cathedral - XII-XIII siglo).

Sekular na kulturang musikal ng Middle Ages

Ang sekular na bahagi ng kulturang musikal ng Middle Ages ay kinatawan ng: sa Pransya - jugglers, mime, minstrels , sa Germany - mga spielman, sa Espanya - holar, sa Russia - buffoons... Ang lahat sa kanila ay mga artista na naglalakbay at pinagsama sa kanilang pagtugtog ng mga instrumento sa pagtugtog, pagkanta, sayaw, mahika, puppet teatro, sirko sining.

Ang isa pang bahagi ng sekular na musika ay knightly, ang tinaguriang magalang na kultura ... Nabuo ng isang espesyal na knightly code, sinabing bawat isa sa mga kabalyero ay dapat magkaroon ng hindi lamang tapang at tapang, kundi pati na rin pinong asal, edukasyon at maging matapat sa Magagandang Ginang. Ang lahat ng mga aspetong ito ng buhay ng mga kabalyero ay makikita sa gawain mga istorbo (southern France - Provence), trouvers (hilagang France), minnesingers(Alemanya).

Ang kanilang gawain ay ipinakita higit sa lahat sa lyrics ng pag-ibig, ang pinakalat na genre na kung saan ay ang canzona (Albs - "Mga Kanta sa Umaga" ng mga minneser). Malawakang inilalapat ang karanasan ng mga troublesadour, ang mga trouver ay lumikha ng kanilang sariling mga genre: "May mga kanta", "paghabi ng mga kanta".

Ang pinakamahalagang lugar ng mga genre ng musikal ng mga kinatawan ng kulturang kagandahang-loob ay mga genre ng kanta at sayaw, tulad ng rondo, viirele, ballad, heroic epic. Ang papel na ginagampanan ng mga instrumento ay napaka-hindi gaanong mahalaga; nabawasan ito upang mai-frame ang mga tinig na may isang pagpapakilala, isang interlude, at isang postlude.

Mature Middle Ages XI-XIII siglo.

Ang isang tampok na tampok ng matanda na Edad Medya ay ang pag-unlad kultura ng burgher ... Ang pokus nito ay laban sa pagiging simbahan, malayang pag-iisip, koneksyon sa tawa at karnabal na alamat. Lumilitaw ang mga bagong genre ng polyphony: isang motet, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang melodic dissimilarity ng mga tinig, bukod dito, magkakaibang mga teksto ay sabay-sabay na inaawit sa motet at maging sa iba't ibang mga wika; Ang madrigal ay isang kanta sa katutubong wika (Italyano), ang kaccha ay isang vocal na piraso na may isang teksto na naglalarawan sa pamamaril.

Mula noong ika-12 siglo, ang Vagants at Goliards ay sumali sa katutubong sining, na, hindi katulad ng iba pa, ay marunong bumasa at sumulat. Ang mga unibersidad ay naging tagapagdala ng kulturang musikal ng Middle Ages. Dahil ang modal system ng Middle Ages ay binuo ng mga kinatawan ng sagradong musika, nagsimula silang tawaging mga mode ng simbahan (Ionian mode, Aeolian mode).

Ang doktrina ng hexachords ay isinama din - 6 degree lamang ang ginamit sa fret. Ang monghe na si Guido Aretinsky ay gumawa ng isang mas perpektong sistema para sa pag-record ng mga tala, na binubuo ng pagkakaroon ng 4 na linya, sa pagitan nito ay mayroong isang third ratio at isang key sign o pangkulay ng mga linya. Ipinakilala din niya ang syllabic na pangalan ng mga hakbang, iyon ay, ang taas ng mga hakbang ay nagsimulang ipahiwatig ng mga palatandaan ng titik.

Ars Nova XIII-XV siglo

Ang panahon ng paglipat sa pagitan ng Middle Ages at ng Renaissance ay ang XIV siglo. Ang panahong ito sa Pransya at Italya ay tinawag na Ars Nova, iyon ay, "bagong sining". Dumating na ang oras para sa mga bagong eksperimento sa sining. Ang mga kompositor ay nagsimulang bumuo ng mga gawa, ang ritmo na kung saan ay naging mas kumplikado kaysa sa mga nauna (Philippe de Vitry).

Gayundin, hindi katulad ng sagradong musika, ang mga semitone ay ipinakilala dito, bilang isang resulta kung saan ang random na pagtaas at pagbagsak ng mga tono ay nagsimulang mangyari, ngunit hindi pa ito modulasyon. Bilang isang resulta ng naturang mga eksperimento, nakuha ang mga gawa na kawili-wili, ngunit malayo sa palaging masigla. Ang pinakamaliwanag na musikero ng pang-eksperimentong oras na iyon ay si Solyazh. Ang kulturang musikal ng Middle Ages ay higit na binuo sa paghahambing sa kultura ng Sinaunang Daigdig, sa kabila ng limitadong paraan at naglalaman ng mga precondition para sa pamumulaklak ng musika sa Renaissance.