Ang piano ay may mahalagang papel sa malikhaing tadhana. Ang kanyang unang mga impresyon sa musika ay konektado sa pagtugtog ng kanyang ina sa instrumentong ito, ang una - mga bata - komposisyon ay isinulat para sa piano, at sa conservatory Shostakovich ay nag-aral hindi lamang bilang isang kompositor, kundi pati na rin bilang isang pianista. Nagsisimulang magsulat para sa piano sa kanyang kabataan, nilikha ni Dmitry Dmitrievich ang kanyang huling mga gawa sa piano noong 1950s. Maraming mga komposisyon ang nahiwalay sa isa't isa sa loob ng maraming taon, ngunit hindi ito pumipigil sa amin na pag-usapan ang tungkol sa kanilang pagpapatuloy, tungkol sa pare-parehong ebolusyon ng pagiging malikhain ng piano. Nasa unang bahagi na ng mga komposisyon, ang mga partikular na tampok ng pianismo ni Shostakovich ay ipinakita - lalo na, ang transparency ng texture kahit na ang mga trahedya na imahe ay katawanin. Sa hinaharap, ang synthesis ng instrumental na prinsipyo na may vocal at speech, polyphony na may homophony ay nagiging lalong mahalaga.

Sa oras ng pag-aaral sa conservatory - noong 1919-1921. – Nilikha ni Dmitry Dmitrievich ang Limang Preludes para sa Piano. Ito ay bahagi ng isang kolektibong gawain na kanyang naisip sa pakikipagtulungan sa dalawa pang kompositor ng mag-aaral, sina Pavel Feldt at Georgy Klements, bawat isa ay lumikha ng walong preludes. Ang gawain ay hindi nakumpleto - labing walong prelude lamang ang isinulat, lima sa mga ito ay pag-aari ni Shostakovich. Ang kompositor ay bumalik sa ideya ng paglikha ng dalawampu't apat na prelude na sumasaklaw sa lahat ng mga susi pagkalipas ng maraming taon.

Ang unang nai-publish na gawain ng Shostakovich ay Three Fantastic Dances, na isinulat ng kompositor noong 1921-1922. Ang mga sayaw ay may malinaw na ipinahayag na batayan ng genre - martsa, waltz, gallop. Pinagsasama nila ang kaaya-ayang liwanag na may mga nakakagulat na break sa melodies, at pagiging simple sa pagiging sopistikado. Ang petsa ng unang pagtatanghal ng mga Sayaw ay hindi pa naitatag, ngunit alam na ang may-akda mismo ang unang gumanap. Ang gawaing ito, na isinulat ng isang binata - halos isang tinedyer - ay tinatangkilik pa rin ang atensyon ng mga gumaganap ngayon. Ang indibidwal na istilo ng hinaharap na makabagong kompositor ay maliwanag na sa Three Fantastic Dances - kaya't sa kalagitnaan ng ika-20 siglo, si Marian Koval, na inaakusahan ang kompositor ng "decadentism at formalism" sa mga pahina ng Soviet Music, ay itinuturing na kinakailangan na banggitin din ang gawaing ito.

Ang Sonata No. 1, na nilikha noong 1926, ay naging isang mahalagang milestone sa pagbuo ng estilo ni Shostakovich. Sa anyo, hindi ito isang sonata kundi isang pantasiya kung saan ang mga tema at motif ay malayang nagpapalit-palit. Ang pagtanggi sa mga pianistikong tradisyon ng romantikismo, mas pinipili ng kompositor ang percussion interpretation ng instrumento. Ang sonata ay napakahirap itanghal, na nagpapatotoo sa mahusay na pianistic na kasanayan ng lumikha. Ang gawain ay hindi nagdulot ng malaking kasiyahan sa mga kontemporaryo. Ang guro ni Shostakovich na si Leonid Nikolaev ay tinawag siyang "Metronome Sonata na may Piano Accompaniment", ang musicologist na si Mikhail Druskin ay nagsalita tungkol sa "isang malaking kabiguan sa malikhaing". Mas pabor siya sa sonata (sa kanyang opinyon, ito ay dahil sa ang katunayan na ang kanyang impluwensya ay nadama sa trabaho), ngunit kahit na siya ay nabanggit na ang sonata ay "kaaya-aya, ngunit malabo at mahaba."

Ang parehong makabago at higit na hindi maintindihan ng mga kontemporaryo ay ang piano cycle na "" na isinulat noong simula ng 1927. Dito, ang kompositor ay mas matapang na "nakipagtalo" sa mga tradisyon maging sa larangan ng paggawa ng tunog ng piano.

Ang pianoforte ay nilikha noong 1942. Ang pangunahing paglikha na ito, na kabilang sa mature na panahon ng pagkamalikhain, ay maihahambing sa lalim ng nilalaman sa mga symphony na nilikha ni Shostakovich noong panahong iyon.

Tulad ni Sergei Sergeevich Prokofiev, nagbigay pugay si Shostakovich sa musika para sa mga bata sa kanyang gawaing piano. Ang unang gawain ng ganitong uri - "Children's Notebook" - ay nilikha niya noong 1944-1945. Ang mga anak ng kompositor - anak na si Maxim at anak na babae na si Galina - ay natutong tumugtog ng piano. Si Maxim ay gumawa ng mahusay na mga hakbang (kalaunan siya ay naging isang konduktor), habang si Galya ay mas mababa sa kanyang kapatid kapwa sa mga kakayahan at sa kasigasigan. Upang hikayatin siyang mag-aral nang mabuti, nangako ang kanyang ama na bubuo ng isang dula para sa kanya, at kapag natutunan niya itong mabuti, isa pa, atbp. Kaya, isang cycle ng mga dulang pambata ay ipinanganak: "March", "Bear", "Merry Tale ”, “Sad Tale” , "Clockwork Doll", "Birthday". Ang anak na babae ng kompositor ay kasunod na sumuko sa mga aralin sa musika, ngunit ang mga dula, ang unang tagapalabas kung saan siya ay naging, ay nilalaro pa rin ng mga mag-aaral ng mga paaralan ng musika ngayon. Ang isa pang gawain na tinutugunan sa mga bata, ngunit mas mahirap gawin, ay "Mga Sayaw ng Puppet", kung saan ang kompositor ay gumagamit ng pampakay na materyal mula sa kanyang mga ballet.

DD. Ipinanganak si Shostakovich sa St. Petersburg. Ang kaganapang ito sa pamilya nina Dmitry Boleslavovich Shostakovich at Sofia Vasilievna Shostakovich ay nangyari noong Setyembre 25, 1906. Napaka musical ng pamilya. Ang ina ng hinaharap na kompositor ay isang mahuhusay na pianista at nagbigay ng mga aralin sa piano sa mga nagsisimula. Sa kabila ng seryosong propesyon ng isang inhinyero, ang ama ni Dmitry ay nagmahal lamang ng musika at kumanta ng kaunti sa kanyang sarili.

Ang mga konsiyerto sa bahay ay madalas na gaganapin sa bahay sa gabi. Malaki ang papel nito sa pagbuo at pag-unlad ni Shostakovich bilang isang personalidad at isang tunay na musikero. Ipinakita niya ang kanyang debut work, isang piyesa ng piano, sa edad na siyam. Sa edad na labing-isa, marami na siya sa kanila. At sa edad na labintatlo ay pumasok siya sa Petrograd Conservatory sa klase ng komposisyon at piano.

Kabataan

Inilaan ng batang Dmitry ang lahat ng kanyang oras at lakas sa mga aralin sa musika. Binanggit nila siya bilang isang pambihirang regalo. Hindi lamang siya gumawa ng musika, ngunit pinilit ang mga tagapakinig na isawsaw ang kanilang sarili dito, maranasan ang mga tunog nito. Lalo siyang hinangaan ng direktor ng conservatory A.K. Si Glazunov, na pagkatapos, pagkatapos ng biglaang pagkamatay ng kanyang ama, ay nakakuha ng isang personal na iskolar para sa Shostakovich.

Gayunpaman, ang sitwasyon sa pananalapi ng pamilya ay nag-iiwan ng maraming naisin. At ang labinlimang taong gulang na kompositor ay nagtrabaho bilang isang musical illustrator. Ang pangunahing bagay sa kamangha-manghang propesyon na ito ay improvisasyon. At siya ay ganap na nag-improvised, bumubuo ng mga totoong musikal na larawan habang naglalakbay. Mula 1922 hanggang 1925, binago niya ang tatlong mga sinehan, at ang napakahalagang karanasang ito ay nanatili sa kanya magpakailanman.

Paglikha

Para sa mga bata, ang unang kakilala sa pamana ng musika at isang maikling talambuhay ni Dmitry Shostakovich ay nangyayari sa paaralan. Alam nila mula sa mga aralin sa musika na ang symphony ay isa sa pinakamahirap na genre ng instrumental na musika.

Binubuo ni Dmitri Shostakovich ang kanyang unang symphony sa edad na 18, at noong 1926 ay ginanap ito sa malaking entablado sa Leningrad. At makalipas ang ilang taon ay ginanap ito sa mga concert hall sa America at Germany. Ito ay isang hindi kapani-paniwalang tagumpay.

Gayunpaman, pagkatapos ng konserbatoryo, nahaharap pa rin si Shostakovich sa tanong ng kanyang kapalaran sa hinaharap. Hindi siya makapagpasya sa isang propesyon sa hinaharap: may-akda o tagapalabas. Ilang sandali pa ay sinubukan niyang pagsamahin ang isa sa isa. Hanggang sa 1930s, nag-solo siya. Bach, Liszt, Chopin, Prokofiev, Tchaikovsky ay madalas na tumunog sa kanyang repertoire. At noong 1927 nakatanggap siya ng honorary diploma sa International Chopin Competition sa Warsaw.

Ngunit sa paglipas ng mga taon, sa kabila ng lumalagong katanyagan ng isang mahuhusay na pianista, tinalikuran ni Shostakovich ang ganitong uri ng aktibidad. Tama ang kanyang paniniwala na siya ay isang tunay na hadlang sa komposisyon. Noong unang bahagi ng 30s, naghahanap siya ng kanyang sariling natatanging istilo at maraming nag-eksperimento. Sinubukan niya ang kanyang kamay sa lahat: opera ("The Nose"), mga kanta ("Awit ng Kontra"), musika para sa sinehan at teatro, mga piano play, ballet ("Bolt"), mga symphony ("Pervomaiskaya").

Iba pang mga pagpipilian sa talambuhay

• Sa tuwing ikakasal si Dmitry Shostakovich, tiyak na mamagitan ang kanyang ina. Kaya, hindi niya pinahintulutan siyang ikonekta ang kanyang buhay kay Tanya Glivenko, ang anak na babae ng isang sikat na lingguwista. Hindi niya nagustuhan ang pangalawang pagpipilian ng kompositor - si Nina Vazar. Dahil sa kanyang impluwensya at kanyang pagdududa, hindi siya sumipot sa sarili niyang kasal. Ngunit, sa kabutihang palad, pagkatapos ng ilang taon ay nagkasundo sila at muling nagpunta sa opisina ng pagpapatala. Sa kasal na ito, ipinanganak ang anak na babae na si Galya at anak na si Maxim.
• Si Dmitri Shostakovich ay isang manlalaro ng baraha sa pagsusugal. Siya mismo ang nagsabi na minsan sa kanyang kabataan ay nanalo siya ng malaking halaga, kung saan bumili siya ng isang apartment ng kooperatiba.
• Bago ang kanyang kamatayan, ang mahusay na kompositor ay may sakit sa loob ng maraming taon. Ang mga doktor ay hindi makagawa ng tumpak na diagnosis. Nang maglaon ay lumabas na ito ay isang tumor. Ngunit huli na para gumaling. Namatay si Dmitri Shostakovich noong Agosto 9, 1975.

Ang bawat artist ay nagsasagawa ng isang espesyal na dialogue sa kanyang oras, ngunit ang likas na katangian ng dialogue na ito ay higit sa lahat ay nakasalalay sa mga katangian ng kanyang personalidad.D. Si Shostakovich, hindi tulad ng marami sa kanyang mga kontemporaryo, ay hindi natatakot na lumapit hangga't maaari sa hindi kaakit-akit na katotohanan at gawin ang paglikha ng walang awa na pangkalahatang simbolikong paglalarawan nito bilang isang bagay at tungkulin ng kanyang buhay bilang isang artista. Sa pamamagitan ng kanyang likas na katangian, ayon kay I. Sollertinsky, siya ay napahamak na maging isang mahusay na "tragic na makata."

Sa mga gawa ng mga domestic musicologist, ang isang mataas na antas ng salungatan sa mga gawa ni Shostakovich ay paulit-ulit na nabanggit (ang mga gawa ni M. Aranovsky, T. Leie, M. Sabinina, L. Mazel). Bilang bahagi ng artistikong pagmuni-muni ng realidad, ang salungatan ay nagpapahayag ng saloobin ng kompositor sa mga phenomena ng nakapaligid na katotohanan. L. Berezovchuk na nakakumbinsi na nagpapakita na sa musika ni Shostakovich ang salungatan ay madalas na nagpapakita ng sarili sa pamamagitan ng mga interaksyon sa istilo at genre. Isyu. 15. - L.: Music, 1977. - S. 95-119 .. Ang mga palatandaan ng iba't ibang mga estilo ng musika at genre ng nakaraan, na muling nilikha sa isang modernong gawain, ay maaaring makilahok sa salungatan; depende sa intensyon ng kompositor, maaari silang maging mga simbolo ng isang positibong simula o mga imahe ng kasamaan. Ito ay isa sa mga variant ng "generalization through the genre" (ang termino ni A. Alschwang) sa musika ng ika-20 siglo. Sa pangkalahatan, ang mga retrospective trend (pag-apila sa mga istilo at genre ng mga nakaraang panahon) ay nagiging nangungunang sa iba't ibang istilo ng may-akda. ng ika-20 siglo (ang gawain ni M. Reger, P. Hindemith, I. Stravinsky, A. Schnittke at marami pang iba).

Ayon kay M. Aranovsky, isa sa pinakamahalagang aspeto ng musika ni Shostakovich ay ang kumbinasyon ng iba't ibang pamamaraan para sa pagsasalin ng masining na ideya, tulad ng:

direktang emosyonal na bukas na pahayag, na parang "direktang musikal na pananalita";

· mga visual na diskarte, kadalasang nauugnay sa mga cinematic na imahe na nauugnay sa pagbuo ng isang "symphonic plot";

· mga paraan ng pagtatalaga o simbolisasyon na nauugnay sa personipikasyon ng mga puwersa ng "aksyon" at "kontra" Aranovsky M. Ang hamon ng oras at tugon ng artist // Academy of Music. - M.: Musika, 1997. - No. 4. - P.15 - 27..

Sa lahat ng mga pagpapakitang ito ng malikhaing pamamaraan ni Shostakovich, mayroong malinaw na pag-asa sa genre. At sa direktang pagpapahayag ng mga damdamin, at sa mga visual na pamamaraan, at sa mga proseso ng simbolisasyon - saanman ang tahasan o nakatagong genre na batayan ng thematicism ay nagdadala ng karagdagang semantic load.

Ang gawain ni Shostakovich ay pinangungunahan ng mga tradisyunal na genre - mga symphony, opera, ballet, quartets, atbp. Ang mga bahagi ng cycle ay madalas ding may mga pagtatalaga ng genre, halimbawa: Scherzo, Recitative, Etude, Humoresque, Elegy, Serenade, Intermezzo, Nocturne, Funeral March. Binuhay din ng kompositor ang isang bilang ng mga sinaunang genre - chaconne, sarabande, passacaglia. Ang kakaiba ng artistikong pag-iisip ni Shostakovich ay ang mga kilalang genre ay pinagkalooban ng mga semantika na hindi palaging nag-tutugma sa makasaysayang prototype. Sila ay nagiging orihinal na mga modelo - mga carrier ng ilang mga halaga.

Ayon kay V. Bobrovsky, ang passacaglia ay nagsisilbi sa layunin ng pagpapahayag ng matayog na etikal na ideya Bobrovsky V. Pagpapatupad ng Passacaglia Genre sa Sonata-Symphonic Cycles ng D. Shostakovich // Music and Modernity. Isyu 1. - M., 1962.; isang katulad na papel ang ginampanan ng mga genre ng chaconne at sarabande, at sa mga komposisyon ng kamara ng huling panahon - mga elehiya. Kadalasan mayroong mga recitative monologue sa mga gawa ni Shostakovich, na sa gitnang panahon ay nagsisilbi sa mga layunin ng isang dramatiko o pathetic-tragedic na pahayag, at sa kalaunan ay nakakuha sila ng isang pangkalahatang pilosopikal na kahulugan.

Ang polyphony ng pag-iisip ni Shostakovich ay natural na ipinakita ang sarili hindi lamang sa texture at mga pamamaraan ng pag-unlad ng thematic art, kundi pati na rin sa muling pagkabuhay ng fugue genre, pati na rin ang tradisyon ng pagsulat ng mga cycle ng preludes at fugues. Bukod dito, ang mga polyphonic constructions ay may ibang semantika: ang magkakaibang polyphony, pati na rin ang fugato, ay madalas na nauugnay sa isang positibong matalinghagang globo, ang globo ng pagpapakita ng isang buhay, prinsipyo ng tao. Habang ang anti-tao ay nakapaloob sa mga mahigpit na canon ("ang episode ng pagsalakay" mula sa ika-7 symphony, mga seksyon mula sa pagbuo ng bahagi I, ang pangunahing tema ng bahagi II ng ika-8 symphony) o sa simple, minsan sadyang primitive homophonic mga form.

Ang Scherzo ay binibigyang-kahulugan ni Shostakovich sa iba't ibang paraan: ang mga ito ay parehong masayahin, malikot na mga imahe, at mga laruang-papet, bilang karagdagan, ang scherzo ay isang paboritong genre para sa kompositor upang isama ang mga negatibong puwersa ng pagkilos, na nakatanggap ng isang nakararami na nakakagulat na imahe dito. genre. Ang bokabularyo ng scherzo, ayon kay M. Aranovsky, ay lumikha ng isang mayabong na kapaligiran sa intonasyon para sa pag-deploy ng pamamaraan ng maskara, bilang isang resulta kung saan "... ang makatwirang naiintindihan ay kakatwang nauugnay sa hindi makatwiran at kung saan ang linya sa pagitan ng buhay at kahangalan ay ganap na nabura "(1, 24 ). Nakikita ng mananaliksik dito ang isang pagkakatulad sa Zoshchenko o Kharms, at, marahil, ang impluwensya ni Gogol, na ang mga poetics ng kompositor ay malapit na nakipag-ugnayan sa kanyang trabaho sa opera na The Nose.

B.V. Iniisa-isa ni Asafiev ang genre ng gallop bilang tiyak sa istilo ng kompositor: "... lubhang katangian na ang musika ni Shostakovich ay naglalaman ng gallop na ritmo, ngunit hindi ang walang muwang na masiglang gallop ng 20-30s ng huling siglo at hindi ang toothy cancan ni Offenbach, ngunit ang gallop-cinema, ang gallop ng huling habulan na may lahat ng uri ng pakikipagsapalaran. Sa musikang ito ay may pakiramdam ng pagkabalisa, at kinakabahan na paghinga, at walang pakundangan na katapangan, ngunit tanging tawa, nakakahawa at masaya, ang nawawala.<…>Nanginginig sila, nanginginig, kakatwa, na parang ang mga hadlang ay nalalampasan "(4, 312 ) Ang gallop o cancan ay kadalasang nagiging batayan para sa "danses macabres" ni Shostakovich - mga orihinal na sayaw ng kamatayan (halimbawa, sa Trio sa memorya ni Sollertinsky o sa III bahagi ng Eighth Symphony).

Malawakang ginagamit ng kompositor ang pang-araw-araw na musika: mga martsa ng militar at palakasan, pang-araw-araw na sayaw, liriko na musika sa lunsod, atbp. Tulad ng alam mo, ang pang-araw-araw na musika sa lunsod ay pinatula ng higit sa isang henerasyon ng mga romantikong kompositor, na nakita ang lugar na ito ng pagkamalikhain pangunahin bilang isang "treasury of idyllic moods" (L. Berezovchuk). Kung sa mga bihirang kaso ang pang-araw-araw na genre ay pinagkalooban ng negatibo, negatibong semantika (halimbawa, sa mga gawa ni Berlioz, Liszt, Tchaikovsky), palaging pinapataas nito ang semantic load, na pinili ang episode na ito mula sa konteksto ng musikal. Gayunpaman, kung ano ang natatangi at hindi pangkaraniwan noong ika-19 na siglo ay naging isang tipikal na katangian ng malikhaing pamamaraan para kay Shostakovich. Ang kanyang maraming mga martsa, waltzes, polkas, gallops, dalawang hakbang, cancans ay nawala ang kanilang halaga (etikal) neutralidad, malinaw na kabilang sa negatibong matalinghagang globo.

L. Berezovchuk L. Berezovchuk. Citation Op. ipinapaliwanag ito sa pamamagitan ng ilang makasaysayang dahilan. Ang panahon kung saan nabuo ang talento ng kompositor ay napakahirap para sa kultura ng Sobyet. Ang proseso ng paglikha ng mga bagong halaga sa bagong lipunan ay sinamahan ng isang pag-aaway ng mga pinaka-salungat na tendensya. Sa isang banda, ito ay mga bagong pamamaraan ng pagpapahayag, mga bagong tema, mga plot. Sa kabilang banda - isang avalanche ng rollicking, hysterical at sentimental musical production, na tumangay sa mga layko noong 20-30s.

Ang pang-araw-araw na musika, isang hindi maiaalis na katangian ng kulturang burgis, sa ika-20 siglo ay nagiging sintomas ng peti-burges na paraan ng pamumuhay, makitid ang pag-iisip, at kawalan ng espirituwalidad para sa mga nangungunang artista noong ika-20 siglo. Ang globo na ito ay pinaghihinalaang pugad ng kasamaan, ang kaharian ng mga batayang instinct na maaaring maging isang kakila-kilabot na panganib sa iba. Samakatuwid, para sa kompositor, ang konsepto ng Evil ay pinagsama sa globo ng "mababa" na pang-araw-araw na genre. Tulad ng itinala ni M. Aranovsky, "sa ito Shostakovich ay kumilos bilang tagapagmana ni Mahler, ngunit wala ang kanyang idealismo" (2, 74 ). Ang ginawang patula, itinaas ng romantikismo, ay nagiging object ng nakakatakot na pagbaluktot, panunuya, panlilibak. Si M. Aranovsky ay gumuhit ng mga parallel sa wika ni M. Zoshchenko, na sadyang binaluktot ang pagsasalita ng kanyang mga negatibong karakter. Ang mga halimbawa nito ay ang "Police Waltz" at karamihan sa mga intermisyon mula sa opera na "Katerina Izmailova", ang martsa sa "Invasion Episode " mula sa Seventh Symphony, ang pangunahing tema ng ikalawang bahagi ng Eighth Symphony, ang tema ng minuet mula sa ikalawang bahagi ng Fifth Symphony at marami pang iba.

Ang tinatawag na "genre alloys" o "genre mixes" ay nagsimulang gumanap ng mahalagang papel sa malikhaing paraan ng mature Shostakovich. M. Sabinina sa kanyang monograpiya Si Sabinina M. Shostakovich ay isang symphonist. - M .: Music, 1976. ay nagsasaad na, simula sa Fourth Symphony, ang mga tema-proseso kung saan mayroong pagbabago mula sa pagkuha ng mga panlabas na kaganapan tungo sa pagpapahayag ng sikolohikal na estado ay nakakakuha ng malaking kahalagahan. Ang pagsusumikap ni Shostakovich na makuha at yakapin ang kadena ng mga phenomena sa isang proseso ng pag-unlad ay humahantong sa kumbinasyon sa isang tema ng mga tampok ng ilang mga genre, na inihayag sa proseso ng pag-deploy nito. Ang mga halimbawa nito ay ang mga pangunahing tema mula sa mga unang bahagi ng Fifth, Seventh, Eighth Symphony at iba pang mga gawa.

Kaya, ang mga modelo ng genre sa musika ni Shostakovich ay napaka-magkakaibang: sinaunang at moderno, akademiko at araw-araw, lantad at nakatago, homogenous at halo-halong. Ang isang mahalagang tampok ng estilo ni Shostakovich ay ang koneksyon ng ilang mga genre sa mga etikal na kategorya ng Mabuti at Masama, na, sa turn, ay ang pinakamahalagang sangkap na kumikilos bilang mga puwersa sa mga konsepto ng symphonic ng kompositor.

Isaalang-alang ang mga semantika ng mga modelo ng genre sa musika ni D. Shostakovich gamit ang halimbawa ng kanyang Eighth Symphony.

Dmitry Shostakovich (A. Ivashkin)

Kahit na, tila, kamakailan lamang, ang mga premiere ng mga gawa ni Shostakovich ay bahagi ng karaniwang ritmo ng pang-araw-araw na buhay. Hindi kami palaging may oras kahit na tandaan ang kanilang mahigpit na pagkakasunud-sunod, na minarkahan ng tuluy-tuloy na bilis ng mga opus. Opus 141 - ang Ikalabinlimang Symphony, opus 142 - isang cycle sa mga tula ni Marina Tsvetaeva, opuses 143 at 144 - ang Ikalabin-apat at Ikalabinlimang Quartets, opus 145 - isang cycle sa mga tula ni Michelangelo at, sa wakas, opus 147 - isang alto sonata sa unang pagkakataon pagkatapos ng pagkamatay ng kompositor. Ang mga huling komposisyon ng Shostakovich ay nabigla sa mga tagapakinig: ang musika ay humipo sa pinakamalalim at pinaka kapana-panabik na mga problema ng pagiging. Nagkaroon ng pakiramdam ng pamilyar sa isang bilang ng mga pinakamataas na halaga ng kultura ng tao, na may ganap na artistikong iyon na palaging naroroon para sa atin sa musika ng Bach, Beethoven, Mahler, Tchaikovsky, sa tula ng Dante, Goethe, Pushkin . Ang pakikinig sa musika ni Shostakovich, imposibleng suriin, ihambing - lahat ay hindi sinasadyang nahulog sa ilalim ng mahiwagang impluwensya ng mga tunog. Nakuha ang musika, nagising ang walang katapusang serye ng mga asosasyon, nagdulot ng kilig ng isang malalim at nakakalinis ng kaluluwa na karanasan.

Ang pagtugon sa kompositor sa mga huling konsiyerto, sa parehong oras ay malinaw at masigasig naming nadama ang "kawalang-panahon", ang kawalang-hanggan ng kanyang musika. Ang buhay na buhay na imahe ni Shostakovich - ang ating kontemporaryo - ay naging hindi mapaghihiwalay mula sa tunay na klasisismo ng kanyang mga nilikha, na nilikha ngayon, ngunit magpakailanman. Naaalala ko ang mga linya na isinulat ni Yevtushenko sa taon ng pagkamatay ni Anna Akhmatova: "Si Akhmatova ay walang tiyak na oras, kahit papaano ay hindi angkop na iyakan siya. Hindi ako makapaniwala noong siya ay nabubuhay, hindi ako makapaniwala kapag siya ay nawala." Ang sining ni Shostakovich ay parehong malalim na moderno at "walang oras". Kasunod ng paglitaw ng bawat bagong gawa ng kompositor, hindi namin sinasadyang nakipag-ugnayan sa hindi nakikitang kurso ng kasaysayan ng musika. Ang henyo ni Shostakovich ay ginawa ang pakikipag-ugnay na ito na hindi maiiwasan. Nang mamatay ang kompositor, mahirap agad na maniwala dito: imposibleng isipin ang pagiging moderno nang walang Shostakovich.

Ang musika ni Shostakovich ay orihinal at sa parehong oras ay tradisyonal. "Para sa lahat ng kanyang pagka-orihinal, si Shostakovich ay hindi tiyak. Dito siya ay mas klasiko kaysa sa mga klasiko," isinulat niya tungkol sa kanyang guro B. Tishchenko. Si Shostakovich ay, sa katunayan, mas klasikal kaysa sa mga klasiko sa antas ng pangkalahatan kung saan siya ay lumalapit sa parehong tradisyon at pagbabago. Sa kanyang musika ay hindi tayo makakatagpo ng anumang literalismo, stereotype. Ang istilo ni Shostakovich ay isang napakatalino na pagpapahayag ng isang kalakaran na karaniwan sa musika noong ika-20 siglo (at sa maraming paraan ay natukoy ang kalakaran na ito): ang kabuuan ng pinakamahusay na mga nagawa ng sining sa lahat ng panahon, ang kanilang malayang pag-iral at interpenetration sa "organismo" ng ang musical stream ng modernity. Ang istilo ni Shostakovich ay isang synthesis ng pinakamahalagang tagumpay ng kulturang sining at ang kanilang repraksyon sa artistikong sikolohiya ng isang tao sa ating panahon.

Higit na mahirap ilista ang lahat ng iyon, sa isang paraan o iba pa, ay natanto at nasasalamin sa pagguhit ng malikhaing sulat-kamay ni Shostakovich, na napaka katangian natin ngayon. Sa isang pagkakataon, ang "matigas ang ulo" na pattern na ito ay hindi umaangkop sa alinman sa mga kilalang at sunod sa moda na uso. "Nadama ko ang pagiging bago at indibidwal ng musika," paggunita B. Britten tungkol sa kanyang unang kakilala sa mga gawa ni Shostakovich noong 30s - sa kabila ng katotohanan na siya, siyempre, ay nag-ugat sa isang mahusay na nakaraan. Ang mga diskarte sa lahat ng panahon ay ginamit dito, ngunit ito ay nanatiling malinaw na katangian... Hindi maaaring "i-fasten" ng mga kritiko ang musikang ito sa alinman sa mga paaralan. sa nakapaligid na mundo ay nanatiling malapit kay Shostakovich sa buong buhay niya: ang musika ni Bach, Mozart, Tchaikovsky, Mahler, ang prosa ng Gogol, Chekhov at Dostoevsky, at sa wakas, ang sining ng kanyang mga kontemporaryo - Meyerhold, Prokofiev, Stravinsky, Berg- ito ay isang maikling listahan lamang ng mga permanenteng attachment ng kompositor.

Ang pambihirang lawak ng mga interes ay hindi sumisira sa "katatagan" ng estilo ni Shostakovich, ngunit nagbigay ng katibayan na ito ng isang kamangha-manghang dami at malalim na katwiran sa kasaysayan. Symphony, opera, quartets, Shostakovich's vocal cycles ay dapat na lumitaw sa ika-20 siglo bilang hindi maaaring hindi bilang ang teorya ng relativity, impormasyon teorya, ang mga batas ng atom splitting. Ang musika ni Shostakovich ay ang parehong resulta ng pag-unlad ng sibilisasyon, ang parehong pananakop ng kultura ng tao, tulad ng mga dakilang pagtuklas sa siyensya ng ating siglo. Ang gawain ni Shostakovich ay naging isang kinakailangang link sa kadena ng mataas na boltahe na pagpapadala ng isang solong linya ng kasaysayan.

Tulad ng walang iba, tinukoy ni Shostakovich ang nilalaman ng kulturang musikal ng Russia noong ika-20 siglo. "Sa kanyang hitsura, para sa ating lahat na mga Ruso, mayroong isang bagay na hindi maikakaila na makahulang. Ang kanyang hitsura ay lubos na nag-aambag sa pag-iilaw ... ng ating kalsada na may bagong gabay na liwanag. Sa ganitong diwa (siya) ay isang propesiya at" indikasyon "" . Ang mga salitang ito ni Dostoevsky tungkol kay Pushkin ay maaari ding maiugnay sa gawain ni Shostakovich. Ang kanyang sining ay sa maraming paraan ang parehong "paglilinaw" (Dostoevsky) ng nilalaman ng bagong kultura ng Russia, na ang gawain ni Pushkin ay para sa kanyang panahon. At kung ang tula ni Pushkin ay nagpahayag at nagdirekta sa sikolohiya at kalooban ng isang tao sa panahon ng post-Petrine, kung gayon ang musika ni Shostakovich - sa lahat ng mga dekada ng gawain ng kompositor - ay tinutukoy ang pananaw sa mundo ng isang tao ng ika-20 siglo, na naglalaman ng magkakaibang mga tampok ng kanya. Batay sa mga gawa ni Shostakovich, maaaring pag-aralan at tuklasin ng isang tao ang maraming mga tampok ng espirituwal na istraktura ng modernong tao na Ruso. Ito ang sukdulang emosyonal na pagiging bukas at sa parehong oras ay isang espesyal na hilig para sa malalim na pagmuni-muni, pagsusuri; ito ay maliwanag, makatas na katatawanan nang walang pagsasaalang-alang sa mga awtoridad at tahimik na mala-tula na pagmumuni-muni; ito ay ang pagiging simple ng pagpapahayag at ang banayad na bodega ng psyche. Mula sa sining ng Russia, minana ni Shostakovich ang kapunuan, epikong saklaw at lawak ng mga imahe, walang pigil na ugali ng pagpapahayag ng sarili.

Siya ay sensitibong nadama ang pagpipino, sikolohikal na katumpakan at pagiging tunay ng sining na ito, ang kalabuan ng mga paksa nito, ang pabago-bago, mapusok na kalikasan ng pagkamalikhain. Ang musika ni Shostakovich ay maaaring parehong mahinahon na "magpinta" at ipahayag ang pinakamatalim na mga salungatan. Ang pambihirang kakayahang makita ng panloob na mundo ng mga gawa ni Shostakovich, ang mapang-akit na katalinuhan ng mga mood, pag-iisip, mga salungatan na ipinahayag sa kanyang musika - lahat ng ito ay mga tampok din ng sining ng Russia. Alalahanin natin ang mga nobela ni Dostoevsky, na literal na kinasasangkutan natin sa mundo ng kanilang mga imahe. Ganyan ang sining ni Shostakovich - imposibleng makinig sa kanyang musika nang walang malasakit. "Shostakovich," isinulat Y. Shaporin- marahil ang pinakatotoo at tapat na artista sa ating panahon. Sinasalamin man niya ang mundo ng mga personal na karanasan, tinutukoy man niya ang mga phenomena ng kaayusang panlipunan, ang tampok na ito na likas sa kanyang trabaho ay makikita sa lahat ng dako. Hindi ba't ganoon na lamang kalakas ang epekto ng kanyang musika sa nakikinig, na nahahawa kahit sa mga panloob na sumasalungat dito?

Ang sining ni Shostakovich ay ibinaling sa labas ng mundo, sa sangkatauhan. Ang mga anyo ng apela na ito ay ibang-iba: mula sa parang poster na ningning ng mga theatrical production na may musika ng batang Shostakovich, ang Second and Third Symphonies, mula sa sparkling wit "The Nose" hanggang sa high tragic pathos ng "Katerina Izmailova" , ang Ikawalo, Ikalabintatlo at Ika-labing-apat na symphony at ang mga nakamamanghang rebelasyon ng mga late quartets at vocal cycles, na parang nabubuo sa namamatay na "confession" ng artist. Sa pagsasalita tungkol sa iba't ibang mga bagay, "naglalarawan" o "nagpapahayag", si Shostakovich ay nananatiling labis na nasasabik, taos-puso: "Ang isang kompositor ay dapat makabawi mula sa kanyang trabaho, makabawi mula sa kanyang pagkamalikhain." Sa ganitong "pagbibigay-sa-sarili" bilang layunin ng pagkamalikhain ay ang likas na Ruso din ng sining ni Shostakovich.

Para sa lahat ng pagiging bukas nito, ang musika ni Shostakovich ay malayo sa simplistic. Ang mga gawa ng kompositor ay palaging katibayan ng kanyang mahigpit at pinong aesthetics. Kahit na lumingon sa mga mass genre - mga kanta, operetta - Shostakovich ay nananatiling tapat sa kadalisayan ng buong sulat-kamay, kalinawan at pagkakatugma ng pag-iisip. Anumang genre para sa kanya ay, una sa lahat, mataas na sining, na minarkahan ng hindi nagkakamali na pagkakayari.

Sa ganitong kadalisayan ng aesthetics at bihirang artistikong kahalagahan, ang kapunuan ng pagkamalikhain - ang malaking kahalagahan ng sining ni Shostakovich para sa pagbuo ng espirituwal at pangkalahatang artistikong mga ideya ng isang tao ng isang bagong uri, isang tao ng ating bansa. Pinagsama ni Shostakovich sa kanyang trabaho ang buhay na salpok ng bagong panahon kasama ang lahat ng pinakamahusay na tradisyon ng kulturang Ruso. Ikinonekta niya ang sigasig ng mga rebolusyonaryong pagbabago, ang kalunos-lunos at enerhiya ng reorganisasyon sa malalim, "konseptwal" na uri ng pananaw sa mundo na napaka katangian ng Russia sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo at malinaw na ipinakita sa mga gawa ni Dostoevsky , Tolstoy, Tchaikovsky. Sa ganitong diwa, tinutulay ng sining ni Shostakovich ang agwat mula sa ika-19 na siglo hanggang sa huling bahagi ng ating siglo. Ang lahat ng musikang Ruso sa kalagitnaan ng ika-20 siglo ay natukoy sa isang paraan o iba pa ng gawain ni Shostakovich.

Bumalik sa 30s V. Nemirovich-Danchenko sumalungat sa "makitid na pag-unawa sa Shostakovich." Ang tanong na ito ay nananatiling pangkasalukuyan kahit ngayon: ang malawak na estilistang spectrum ng akda ng kompositor ay minsan ay hindi makatwiran na paliitin at "ituwid". Samantala, ang sining ng Shostakovich ay hindi maliwanag, tulad ng buong artistikong kultura ng ating panahon ay hindi maliwanag. "Sa isang malawak na kahulugan," ang isinulat M. Sabinina sa kanyang disertasyon na nakatuon sa Shostakovich, ang napakalaking pagkakaiba-iba ng mga elemento ng bumubuo na may pambihirang intensity ng kanilang synthesis ay nagsisilbing isang indibidwal na natatanging pag-aari ng estilo ni Shostakovich. Ang organicity at novelty ng resulta ay dahil sa magic ng henyo, na may kakayahang gawing pamilyar ang isang nakamamanghang paghahayag, at sa parehong oras na nakuha sa proseso ng pangmatagalang pag-unlad, pagkita ng kaibhan at muling pagtunaw. Paghiwalayin ang mga elementong pangkakanyahan, parehong independiyenteng natagpuan, ipinakilala sa unang pagkakataon sa pang-araw-araw na buhay ng mahusay na sining, at hiniram mula sa makasaysayang "pantry", pumasok sa mga bagong relasyon at koneksyon sa isa't isa, na nakakakuha ng isang ganap na bagong kalidad. "Sa gawain ng Shostakovich - ang pagkakaiba-iba ng buhay mismo, ang pangunahing imposibilidad ng isang hindi malabo na pananaw ng katotohanan, isang kapansin-pansing kumbinasyon ng transience ng mga pang-araw-araw na kaganapan at isang pilosopiko na pangkalahatang pag-unawa sa kasaysayan. Ang pinakamahusay na mga gawa ni Shostakovich ay sumasalamin sa "kosmos" na pana-panahon - sa ang kasaysayan ng kultura - ipinakikita ang sarili sa pinakamahalagang, milestone na mga gawa na naging quintessence ng mga tampok ng isang buong panahon. ang kanilang mga tagalikha ay nilaktawan sa kapal ng kasaysayan at, kumbaga, nakakabit sa isang serye ng mga walang hanggang pilosopiko at etikal na mga problema na palaging kasama ng pag-unlad ng sangkatauhan. ang kakanyahan ng Shostakovich, na pinagsasama ang nasusunog na talas ng katotohanan ngayon at isang libreng pag-uusap sa nakaraan. Alalahanin natin ang Ika-labing-apat, Ikalabinlimang symphony - ang kanilang pagiging kasama ay kamangha-mangha. Ngunit hindi ito tungkol sa isang partikular na piraso. Ang lahat ng gawain ni Shostakovich ay ang walang sawang paglikha ng isang komposisyon, na nauugnay sa "kosmos" ng uniberso at kultura ng tao.

Ang musika ni Shostakovich ay malapit sa parehong klasiko at romantikismo - ang pangalan ng kompositor sa Kanluran ay madalas na nauugnay sa "bagong" romantikong nagmumula kay Mahler at Tchaikovsky. Ang wika nina Mozart at Mahler, Haydn at Tchaikovsky ay palaging nananatiling kaayon sa kanyang sariling pahayag. "Si Mozart," isinulat ni Shostakovich, "ay ang kabataan ng musika, ito ay isang walang hanggang kabataang tagsibol, na nagdadala sa sangkatauhan ng kagalakan ng pag-renew ng tagsibol at espirituwal na pagkakaisa. nararanasan natin kapag nakilala natin ang pinakamamahal nating kaibigan ng kabataan.” Nagsalita si Shostakovich tungkol sa musika ni Mahler sa kanyang kaibigang Polish K. Meyer: "Kung may nagsabi sa akin na isang oras na lang ako mabubuhay, gusto kong pakinggan ang huling bahagi ng Awit ng Daigdig."

Si Mahler ay nanatiling paboritong kompositor ni Shostakovich sa buong buhay niya, at sa paglipas ng panahon, ang iba't ibang aspeto ng pananaw sa mundo ni Mahler ay naging malapit. Ang batang Shostakovich ay naaakit ng pilosopiko at artistikong maximalism ni Mahler (ang tugon ay ang hindi mapigil na elemento ng Ika-apat na Symphony at mga naunang komposisyon, na sinisira ang lahat ng maginoo na mga hangganan), pagkatapos ay ang emosyonal na paglala ni Mahler, "kagalakan" (nagsisimula sa "Lady Macbeth"). Sa wakas, ang buong huling yugto ng pagkamalikhain (nagsisimula sa Ikalawang Konsiyerto ng Cello) ay dumaan sa ilalim ng tanda ng pagmumuni-muni ng Adagio ni Mahler na "Mga Kanta tungkol sa mga Patay na Bata" at "Mga Kanta tungkol sa Lupa".

Lalo na mahusay ang pagkakalakip ni Shostakovich sa mga klasikong Ruso - at higit sa lahat kay Tchaikovsky, Mussorgsky. "Wala pa akong nakasulat na isang linya na karapat-dapat kay Mussorgsky," sabi ng kompositor. Siya ay buong pagmamahal na gumaganap ng mga orkestra na edisyon ng "Boris Godunov" at "Khovanshchina", inayos ang vocal cycle na "Songs and Dances of Death", at lumikha ng kanyang Ika-labing-apat na Symphony bilang isang uri ng pagpapatuloy ng siklo na ito. At kung ang mga prinsipyo ng dramaturgy, ang pagbuo ng mga imahe, at ang pagbuo ng musikal na materyal sa mga gawa ni Shostakovich ay sa maraming aspeto malapit kay Tchaikovsky (higit pa dito sa ibaba), kung gayon ang kanilang intonational na istraktura ay sumusunod nang direkta mula sa musika ni Mussorgsky. Maraming mga parallel ang maaaring iguhit; ang isa sa mga ito ay kamangha-manghang: ang tema ng pagtatapos ng Ikalawang Cello Concerto ay halos eksaktong kasabay ng simula ng "Boris Godunov". Mahirap sabihin kung ito ay isang hindi sinasadyang "alusyon" ng istilo ni Mussorgsky, na pumasok sa dugo at laman ni Shostakovich, o isang sinadyang "quote" - isa sa marami na nagtataglay ng isang "etikal" na karakter sa susunod na gawain ni Shostakovich. Isang bagay ang hindi maikakaila: walang duda na "ebidensya ng may-akda" ng malalim na pagkakalapit ni Mussorgsky sa diwa ng musika ni Shostakovich.

Ang pagkakaroon ng hinihigop ng maraming iba't ibang mga mapagkukunan, ang sining ni Shostakovich ay nanatiling dayuhan sa kanilang literal na paggamit. "Ang hindi mauubos na potensyal ng tradisyonal", na nakikita sa mga gawa ng kompositor, ay walang kinalaman sa epigonismo. Hindi kailanman ginaya ni Shostakovich ang sinuman. Na ang kanyang pinakamaagang komposisyon - ang piano "Fantastic Dances" at "Aphorisms", Dalawang piraso para sa isang octet, ang Unang Symphony ay tumama sa kanilang hindi pangkaraniwang pagka-orihinal at kapanahunan. Sapat na para sabihin na ang Unang Symphony, na ginanap sa Leningrad noong wala pang dalawampung taong gulang ang may-akda nito, ay mabilis na pumasok sa repertoire ng marami sa pinakamalaking orkestra sa mundo. Isinagawa sa Berlin B. Walter(1927), sa Philadelphia - L. Stokovsky, sa New York City - A. Rodzinsky at mamaya - A. Toscanini. At ang opera na "The Nose", na isinulat noong 1928, iyon ay, halos kalahating siglo na ang nakalipas! Ang markang ito ay nagpapanatili ng pagiging bago at kabagsikan nito hanggang sa araw na ito, bilang isa sa mga pinaka orihinal at kapansin-pansing mga gawa para sa yugto ng opera na nilikha noong ika-20 siglo. Kahit ngayon, para sa nakikinig, na tinutukso ng mga tunog ng lahat ng uri ng avant-garde opuses, ang wika ng "The Nose" ay nananatiling lubhang moderno at matapang. Tama pala I. Sollertinsky, na sumulat noong 1930 pagkatapos ng premiere ng opera: Ang "The Nose" ay isang long-range na sandata. Sa madaling salita, ito ay isang pamumuhunan ng kapital na hindi agad nagbabayad, ngunit pagkatapos ay magbibigay ito ng mahusay na mga resulta." Sa katunayan, ang marka ng "The Nose" ay itinuturing na ngayon bilang isang uri ng beacon na nagliliwanag sa landas ng pag-unlad ng musika para sa maraming taon na darating, at maaaring magsilbi bilang isang mainam na "manwal" para sa mga batang kompositor na nagnanais na matutunan ang pinakabagong mga diskarte sa pagsulat. Ang mga kamakailang produksyon ng "The Nose" sa Moscow Chamber Musical Theater at sa ilang mga banyagang bansa ay naging matagumpay na tagumpay , na nagpapatunay sa tunay na modernidad ng opera na ito.

Si Shostakovich ay napapailalim sa lahat ng mga misteryo ng pamamaraan ng musikal noong ika-20 siglo. Alam at pinahahalagahan niya ang gawain ng mga klasiko ng ating siglo: Prokofiev, Bartok, Stravinsky, Schoenberg, Berg, Hindemith. Sumulat si Shostakovich tungkol sa kanyang pagkahilig sa kanyang trabaho sa kanyang mga unang taon: "Sa pag-iibigan ng kabataan, sinimulan kong maingat na pag-aralan ang mga innovator ng musika, pagkatapos ko lang napagtanto na sila ay napakatalino, lalo na si Stravinsky ... Noon ko lang naramdaman na ang aking mga kamay ay hindi nakatali , na ang aking talento ay walang nakagawian." Ang interes sa bago ay nanatili kay Shostakovich hanggang sa mga huling araw ng kanyang buhay. Nais niyang malaman ang lahat: ang mga bagong gawa ng kanyang mga kasamahan at mag-aaral - M. Weinberg, B. Tishchenko, B. Tchaikovsky, ang mga pinakabagong opus ng mga dayuhang kompositor. Kaya, sa partikular, si Shostakovich ay nagpakita ng malaking interes sa musikang Polish, na patuloy na nakikilala ang mga komposisyon V. Lutoslavsky, K. Penderetsky, G. Batsevich, K. Meyer at iba pa.

Sa kanyang trabaho - sa lahat ng mga yugto nito - ginamit ni Shostakovich ang pinakabago, pinaka matapang na pamamaraan ng modernong pamamaraan ng kompositor (kabilang ang mga elemento ng dodecaphony, sonoristics, collage). Gayunpaman, ang aesthetics ng avant-garde ay nanatiling dayuhan kay Shostakovich. Ang malikhaing istilo ng kompositor ay labis na indibidwal at "monolitik", hindi napapailalim sa mga vagaries ng fashion, ngunit, sa kabaligtaran, sa maraming aspeto ay nagdidirekta sa paghahanap sa musika ng ika-20 siglo. "Si Shostakovich, hanggang sa kanyang mga huling opus, ay nagpakita ng hindi mauubos na katalinuhan, ay handa para sa eksperimento at malikhaing panganib ... Ngunit siya ay nanatiling mas tapat, chivalrously tapat sa mga pundasyon ng kanyang estilo. O - upang ilagay ito nang mas malawak - sa ang mga pundasyon ng gayong sining na hindi nawawalan ng moral na pagpipigil sa sarili, sa anumang pagkakataon ay binibigyan niya ang kanyang sarili sa kapangyarihan ng mga pansariling kapritso, despotikong kapritso, intelektwal na libangan" ( D. Zhitomirsky). Ang kompositor mismo, sa isang kamakailang panayam sa ibang bansa, ay nagsasalita nang napakalinaw tungkol sa mga kakaiba ng kanyang pag-iisip, tungkol sa hindi direkta at organikong kumbinasyon ng mga elemento ng iba't ibang mga diskarte at iba't ibang mga estilo sa kanyang trabaho: "Ako ay isang matatag na kalaban ng pamamaraan kung saan ang inilalapat ng kompositor ang ilang uri ng sistema, na limitado lamang sa balangkas at pamantayan nito "Ngunit kung naramdaman ng kompositor na kailangan niya ng mga elemento ng ganito o ganoong pamamaraan, may karapatan siyang kunin ang lahat ng magagamit niya at gamitin ito ayon sa kanyang nakikitang angkop. Ang gawin ito ay ang kanyang ganap na karapatan. Ngunit kung kukuha ka ng alinmang pamamaraan - ito man ay aleatoric o dodecaphony - at hindi ka maglalagay ng anuman sa gawain maliban sa pamamaraang ito - iyon ang iyong pagkakamali. Kailangan mo ng synthesis, isang organikong kumbinasyon."

Ang synthesis na ito, na napapailalim sa maliwanag na indibidwalidad ng kompositor, ang nagpapakilala sa istilo ni Shostakovich mula sa katangiang pluralismo ng musika ng ating siglo at, lalo na, ang panahon pagkatapos ng digmaan, kung saan ang iba't ibang istilo ng istilo at ang kanilang libreng kumbinasyon sa ang gawa ng isang artista ay naging pamantayan at dignidad pa nga. Ang mga tendensya ng pluralismo ay kumalat hindi lamang sa musika, kundi pati na rin sa iba pang mga lugar ng modernong kultura ng Kanluran, na sa ilang mga lawak ay isang salamin ng kaleidoscopicity, ang pagbilis ng takbo ng buhay, ang imposibilidad ng pag-aayos at pag-unawa sa bawat sandali nito. Samakatuwid - at ang mahusay na dinamika ng daloy ng lahat ng mga proseso ng kultura, ang paglilipat ng diin mula sa kamalayan ng hindi maaaring masiraan ng mga artistikong halaga sa kanilang kapalit. Ayon sa angkop na pagpapahayag ng modernong Pranses na mananalaysay P. Ricoeur, ang mga halaga ay "hindi na totoo o mali, ngunit naiiba." Ang pluralismo ay minarkahan ang isang bagong aspeto ng pangitain at pagtatasa ng katotohanan, nang ang sining ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang interes hindi sa kakanyahan, ngunit sa mabilis na pagbabago ng mga phenomena, at ang pag-aayos ng mabilis na pagbabagong ito sa kanyang sarili ay itinuturing na isang pagpapahayag ng kakanyahan ( sa ganitong kahulugan, ilang pangunahing modernong mga gawa gamit ang mga prinsipyo ng polystylistics at montage, hal. Symphony L. Berio). Ang mismong diwa ng musika ay inaalis, kung gagamitin ang mga samahan ng gramatika, ng mga "konsepto" na mga konstruksyon at umaapaw sa "berbalismo", at ang pananaw sa mundo ng kompositor ay hindi na nauugnay sa ilang mga problema, ngunit sa halip ay sa isang pahayag ng kanilang pag-iral. Naiintindihan kung bakit naging malayo si Shostakovich sa pluralismo, kung bakit ang likas na katangian ng kanyang sining ay nanatiling "monolitik" sa loob ng maraming dekada, habang ang "pagbagsak at pagdaloy" ng iba't ibang mga alon ay nagngangalit sa paligid. Ang sining ni Shostakovich - para sa lahat ng pagiging inklusibo nito - ay palaging mahalaga, na tumagos sa kaibuturan ng espiritu ng tao at ng sansinukob, hindi tugma sa vanity at "labas" na pagmamasid. At dito rin, si Shostakovich ay nanatiling tagapagmana ng klasiko, at higit sa lahat ng klasikal na Ruso, sining, na laging nagsusumikap na "makarating sa pinakadiwa."

Ang katotohanan ay ang pangunahing "paksa" ng akda ni Shostakovich, ang mapanuring kapal ng buhay, ang hindi pagkaubos nito - ang pinagmulan ng mga ideya at masining na konsepto ng kompositor. Tulad ni Van Gogh, masasabi niyang, "Gusto kong maging mangingisda tayong lahat sa dagat na tinatawag na karagatan ng katotohanan." Ang musika ni Shostakovich ay malayo sa abstraction; ito ay, kumbaga, isang concentrated, compressed at condensed time of human life to the limit. Ang katotohanan ng sining ni Shostakovich ay hindi pinipigilan ng anumang balangkas; ang artist na may pantay na panghihikayat ay naglalaman ng magkasalungat na mga prinsipyo, polar states - trahedya, komiks, pilosopikal na pagmumuni-muni, pangkulay sa mga ito sa mga tono ng agarang, panandalian at malakas na espirituwal na karanasan. Ang buong malawak at iba't-ibang hanay ng mga imahe ng musika ni Shostakovich ay inihahatid sa nakikinig sa pinakamalakas na emosyonal na intensidad. Kaya, ang kalunos-lunos, sa angkop na pagpapahayag ni G. Ordzhonikidze, ay wala sa "epic distance" ng kompositor, detatsment at kinikilala bilang direktang dramatiko, bilang lubhang totoo, paglalahad sa harap ng ating mga mata (alaala natin ang hindi bababa sa mga pahina ng Ikawalo. Symphony!). Ang komiks ay hubad na kung minsan ay nauuwi sa kaakit-akit ng isang caricature o isang parody (The Nose, The Golden Age, Four Poems of Captain Lebyadkin, romances based on words from the Crocodile magazine, Satires based on the verses of Sasha Cherny) .

Ang kamangha-manghang pagkakaisa ng "mataas" at "mababa", ang bastos na pang-araw-araw at ang kahanga-hanga, na parang pumapalibot sa matinding pagpapakita ng kalikasan ng tao, ay isang katangiang katangian ng sining ni Shostakovich, na umaalingawngaw sa gawa ng maraming artista sa ating panahon. Alalahanin natin ang "Youth Regained" at "The Blue Book" M. Zoshchenko, "Mga Master at Margarita" M. Bulgakova. Ang mga kaibahan ng iba't - "totoo" at "ideal" - mga kabanata ng mga gawang ito ay nagsasalita ng paghamak sa mas mababang aspeto ng buhay, ng isang matibay, likas sa pinakabuod ng tao, nagsusumikap para sa kahanga-hanga, para sa tunay na perpekto, pinagsama. sa pagkakaisa ng kalikasan. Ang parehong ay nadarama sa musika ni Shostakovich, at marahil ay malinaw na malinaw sa kanyang Thirteenth Symphony. Ito ay nakasulat sa napakasimple, halos parang poster na wika. Teksto ( E. Evtushenko) na parang naghahatid lamang ng mga kaganapan, habang ang musika ay "nagpapadalisay" sa ideya ng komposisyon. Ang ideyang ito ay nilinaw sa huling bahagi: ang musika dito ay naliwanagan, na para bang naghahanap ng daan palabas, isang bagong direksyon, pataas sa perpektong imahe ng kagandahan at pagkakaisa. Pagkatapos ng puro makalupang, kahit na araw-araw na mga larawan ng realidad ("Sa tindahan", "Humor"), ang abot-tanaw ay gumagalaw, ang kulay ay nagiging mas manipis - sa di kalayuan ay nakikita natin ang isang halos hindi makalupa na tanawin, katulad ng mga distansyang nababalot ng mapusyaw na asul manipis na ulap na napakahalaga sa mga pintura ni Leonardo. Ang materyalidad ng mga detalye ay nawawala nang walang bakas (paano hindi maaalala dito ang mga huling kabanata ng The Master at Margarita). Ang ikalabintatlong symphony ay marahil ang pinakakapansin-pansin, purong pagpapahayag ng "artistic polyphony" (isang expression V. Bobrovsky) pagkamalikhain ng Shostakovich. Sa isang antas o iba pa, ito ay likas sa anumang gawain ng kompositor, lahat ng mga ito ay mga imahe ng karagatan ng katotohanan, na tila hindi pangkaraniwang malalim, hindi mauubos, hindi maliwanag at puno ng mga kaibahan si Shostakovich.

Ang panloob na mundo ng mga gawa ni Shostakovich ay hindi maliwanag. Kasabay nito, ang pananaw ng artista sa panlabas na mundo ay hindi nanatiling hindi nagbabago, na binibigyang diin ang personal at pangkalahatang pilosopikal na aspeto ng pang-unawa sa iba't ibang paraan. Ang "Everything in me and I in everything" ni Tyutchev ay hindi alien kay Shostakovich. Ang kanyang sining ay matatawag na may pantay na karapatan kapwa isang salaysay at isang pagtatapat. Kasabay nito, ang salaysay ay hindi nagiging isang pormal na salaysay o isang panlabas na "palabas", ang pag-iisip ng kompositor ay hindi natutunaw sa bagay, ngunit pinapasakop ito sa sarili nito, na bumubuo nito bilang isang bagay ng katalinuhan ng tao, pakiramdam ng tao. At pagkatapos ay ang kahulugan ng naturang salaysay ay nagiging malinaw - ito ay gumagawa sa amin, na may isang bagong puwersa ng direktang karanasan, isipin kung ano ang nag-aalala sa buong henerasyon ng mga tao sa ating panahon. Ipinahayag ni Shostakovich ang buhay na pulso ng kanyang panahon, na iniwan ito bilang isang monumento para sa mga susunod na henerasyon.

Kung ang mga symphony ni Shostakovich - at lalo na ang Fifth, Seventh, Eighth, Tenth, Eleventh - ay isang panorama ng pinakamahalagang tampok at kaganapan ng panahon, na ibinigay alinsunod sa buhay na pang-unawa ng tao, kung gayon ang quartets at vocal cycle ay sa maraming paraan isang "portrait" ng mismong kompositor, isang salaysay ng kanyang sariling buhay; ito ay, sa mga salita ni Tyutchev, "Ako ay nasa lahat ng bagay." Ang quartet ni Shostakovich - at sa pangkalahatan ay kamara - ay talagang kahawig ng portrait painting; Ang mga hiwalay na opus dito ay, kumbaga, iba't ibang yugto ng pagpapahayag ng sarili, iba't ibang kulay para sa paghahatid ng parehong bagay sa iba't ibang yugto ng panahon ng buhay. Si Shostakovich ay nagsimulang magsulat ng mga quartet na medyo huli - pagkatapos ng paglitaw ng Fifth Symphony, noong 1938, at bumalik sa genre na ito na may nakakagulat na katatagan at kaayusan, gumagalaw, tulad ng, kasama ang isang spiral ng oras. Ang labinlimang quartets ni Shostakovich ay kahanay sa pinakamahusay na mga gawa ng tula ng liriko ng Russia noong ika-20 siglo. Sa kanilang tunog, malayo sa lahat ng panlabas, may mga banayad at kung minsan ay halos hindi napapansin na mga nuances ng kahulugan at kalooban, malalim at tumpak na mga obserbasyon na unti-unting nabuo sa isang kadena ng mga kapana-panabik na sketch ng mga estado ng kaluluwa ng tao.

Ang objectively generalized na nilalaman ng mga symphony ni Shostakovich ay binihisan ng sobrang maliwanag, emosyonal na bukas na tunog - ang "chronicle" ay naging kulay ng panandaliang karanasan. Kasabay nito, ang personal, intimate, na ipinahayag sa mga quartets, kung minsan ay mas malambot ang tunog, mas mapagnilay-nilay at kahit na medyo "hiwalay". (Ang tampok na ito ay katangian din ng purong mga katangian ng tao ni Shostakovich, na hindi gustong ipagmalaki ang kanyang mga damdamin at kaisipan. Kaugnay nito, ang kanyang pahayag tungkol kay Chekhov ay katangian: "Ang buong buhay ni Chekhov ay isang halimbawa ng kadalisayan, kahinhinan, hindi mapagmataas. , ngunit panloob ... Ako ay labis na ikinalulungkot na ang mga sulat sa pagitan ng Anton Pavlovich at O. L. Knipper-Chekhova, sobrang intimate na hindi ko gustong makakita ng maraming naka-print.")

Ang sining ni Shostakovich sa iba't ibang genre nito (at kung minsan sa loob ng parehong genre) ay nagpahayag ng parehong personal na aspeto ng unibersal at unibersal, na may kulay ng sariling katangian ng emosyonal na karanasan. Sa pinakabagong mga gawa ng kompositor, ang dalawang linyang ito ay tila nagtagpo, habang ang mga linya ay nagtatagpo sa isang malalim na pictorial na perspektibo, na nagmumungkahi ng isang napakalaki at perpektong pangitain ng artist. Sa katunayan, ang mataas na puntong iyon, ang malawak na anggulo ng pananaw kung saan napagmasdan ni Shostakovich ang mundo sa mga huling taon ng kanyang buhay, ay ginawa ang kanyang pananaw na unibersal hindi lamang sa kalawakan, kundi pati na rin sa oras, na niyayakap ang lahat ng aspeto ng pagkatao. Ang pinakabagong mga symphony, instrumental concerto, quartets at vocal cycle, na nagpapakita ng isang malinaw na interpenetration at mutual na impluwensya (ang Ikalabin-apat at Ikalabinlimang symphony, ang Ikalabindalawa, Ikalabintatlo, Ika-labing-apat at Ikalabinlimang quartets, mga siklo sa mga taludtod ng Blok, Tsvetaeva at Michelangelo), ay hindi mas mahabang "chronicle" lang at hindi "confession" lang. Ang mga opus na ito, na bumubuo ng isang solong daloy ng mga iniisip ng artista tungkol sa buhay at kamatayan, tungkol sa nakaraan at hinaharap, tungkol sa kahulugan ng pag-iral ng tao, ay naglalaman ng hindi pagkakahiwalay ng personal at unibersal, ang kanilang malalim na pagkakaugnay sa walang katapusang daloy ng panahon.

Ang musikal na wika ng Shostakovich ay maliwanag at katangian. Ang kahulugan ng pinag-uusapan ng pintor ay binibigyang-diin ng hindi pangkaraniwang matambok na presentasyon ng teksto, ang halatang pokus nito sa nakikinig. Palaging matalas ang pahayag ng kompositor at, kumbaga, matalas (matalinhaga man ito o emosyonal na talas). Marahil na ang theatricality ng pag-iisip ng kompositor, na nagpakita ng sarili sa mga unang taon ng kanyang trabaho, sa magkasanib na trabaho kasama si Meyerhold, Mayakovsky,

Sa pakikipagtulungan sa Masters of Cinematography. Ang theatricality na ito, ngunit sa halip ang pagiging tiyak, ang kakayahang makita ng mga musikal na imahe kahit na noon, noong 1920s, ay hindi panlabas na naglalarawan, ngunit malalim na makatwiran sa sikolohikal. "Ang musika ni Shostakovich ay naglalarawan ng paggalaw ng pag-iisip ng tao, hindi ang mga visual na imahe," sabi K. Kondrashin. "Genre at katangian," ang isinulat V. Bogdanov-Berezovsky sa kanilang mga memoir ng Shostakovich, wala silang masyadong coloristic, pictorial, bilang isang portrait, psychological orientation. Si Shostakovich ay hindi gumuhit ng isang palamuti, hindi isang makulay na kumplikado, ngunit isang estado. "Sa paglipas ng panahon, ang katangian at convexity ng pahayag ay naging pinakamahalagang pag-aari sikolohiya artist, tumatagos sa lahat ng mga genre ng kanyang trabaho at sumasaklaw sa lahat ng mga bahagi ng makasagisag na istraktura - mula sa mapang-uyam at matalim na pangungutya ng "The Nose" hanggang sa mga trahedya na pahina ng Ika-labing-apat na Symphony. Palaging nagsasalita si Shostakovich nang nasasabik, walang malasakit, maliwanag - ang pagsasalita ng kanyang kompositor ay malayo sa malamig na aestheticism at pormal na "nagdudulot sa atensyon." At saka, anghang mga form mga gawa ni Shostakovich, ang kanilang mahusay na pagtatapos, perpektong kasanayan sa orkestra - kung ano ang pinagsama-samang nagdaragdag sa kalinawan at kakayahang makita ng wika - lahat ng ito ay hindi lamang ang pamana ng tradisyon ng St. Petersburg ng Rimsky-Korsakov - Glazunov, na nilinang nang husto ang pagpipino ng pamamaraan!* Ang punto ay, una sa lahat, semantiko at matalinhaga ang pagkakaiba ng mga ideya na matured nang mahabang panahon sa isip ng kompositor, ngunit ipinanganak halos kaagad (sa katunayan, Shostakovich "binubuo" sa kanyang isip at umupo upang isulat ang isang ganap na natapos na komposisyon **. Ang panloob na intensity ng ang mga imahe ay nagbunga ng panlabas na pagiging perpekto ng kanilang sagisag.

* (Sa isa sa mga pag-uusap, sinabi ni Shostakovich, na itinuro ang dami ng diksyunaryo ng musikal: "Kung nakatadhana akong makapasok sa aklat na ito, gusto kong sabihin: ipinanganak sa Leningrad, namatay doon.")

** (Ang pag-aari na ito ng kompositor ay hindi sinasadyang naaalala ang napakatalino na kakayahan ni Mozart na "marinig" ang tunog ng buong akda sa isang sandali - at pagkatapos ay mabilis na isulat ito. Ito ay kagiliw-giliw na si Glazunov, na tumanggap kay Shostakovich sa St. Petersburg Conservatory, ay binigyang diin sa kanya ang "mga elemento ng talento ni Mozart.")

Sa lahat ng liwanag at pagtitiyak ng pahayag, hindi hinahangad ni Shostakovich na mabigla ang nakikinig sa isang bagay na labis. Simple at walang arte ang pananalita niya. Tulad ng klasikal na prosa ng Ruso ni Chekhov o Gogol, sa musika ni Shostakovich ay ang pinakamahalaga at esensyal lamang ang inihahayag - ang may pinakamahalagang semantiko at nagpapahayag na kahulugan. Para sa mundo ng musika ni Shostakovich, ang anumang showiness, external showiness ay ganap na hindi katanggap-tanggap. Ang mga imahe dito ay hindi lumilitaw "bigla", tulad ng isang maliwanag na flash sa dilim, ngunit unti-unting lumalabas sa kanilang pag-unlad. Ang ganitong pamamaraan ng pag-iisip, ang pamamayani ng paglalahad sa "palabas" - isang ari-arian na si Shostakovich ay may karaniwan sa musika ni Tchaikovsky. Ang symphonism ng parehong kompositor ay nakabatay sa humigit-kumulang sa parehong mga batas na tumutukoy sa dynamics ng sound relief.

Ang kapansin-pansing katatagan ng istrukturang intonasyon at mga idyoma ng wika ay karaniwan din. Mahirap, marahil, na makahanap ng dalawang iba pang mga kompositor na magiging "martir" ng mga intonasyon na humahabol sa kanila, katulad na mga imahe ng tunog na tumatagos sa iba't ibang mga komposisyon. Alalahanin natin, halimbawa, ang katangiang "fatal" na mga yugto ng musika ni Tchaikovsky, ang kanyang paboritong sequenced melodic turns, o ang pamilyar na ngayong ritmikong istruktura ng Shostakovich at ang mga tiyak na semitone conjugations ng kanyang melody.

At isa pang tampok na labis na katangian ng gawa ng parehong kompositor: ito ang dispersal ng mga pahayag sa oras. "Si Shostakovich, ayon sa mga detalye ng kanyang talento, ay hindi isang miniaturist. Iniisip niya, bilang panuntunan, sa isang malawak na sukat ng oras. Musika ni Shostakovich nagkalat, at ang dramaturgy ng form ay nilikha sa pamamagitan ng pakikipag-ugnayan ng mga seksyon na sapat na malaki sa kanilang mga sukat ng oras" ( E. Denisov).

Bakit natin ginawa ang mga paghahambing na ito? Binibigyang-liwanag nila ang marahil ang pinakamahalagang katangian ng pag-iisip ni Shostakovich: ang kanyang madrama isang bodega na may kaugnayan sa Tchaikovsky. Ang lahat ng mga gawa ng Shostakovich ay nakaayos nang tumpak dramaturgically, gumaganap ang kompositor bilang isang uri ng "direktor", na naglalahad, na nagdidirekta sa pagbuo ng kanyang mga imahe sa oras. Ang bawat komposisyon ng Shostakovich ay isang drama. Hindi siya nagsasalaysay, hindi naglalarawan, hindi naglalarawan, ngunit tiyak naglalahad pangunahing mga salungatan. Ito ang tunay na visibility, ang pagiging tiyak ng pahayag ng kompositor, ang liwanag at kaguluhan nito, na nakakaakit sa empatiya ng nakikinig. Kaya ang temporal na haba, anti-aphorism ng kanyang mga nilikha: ang paglipas ng panahon ay nagiging isang kailangang-kailangan na kondisyon para sa pagkakaroon ng mundo ng mga imahe ng musika ni Shostakovich. Ang katatagan ng "mga elemento" ng wika, ng pinakamaliit na indibidwal na tunog na "mga organismo", ay nagiging malinaw din. Umiiral ang mga ito bilang isang uri ng molekular na mundo, bilang isang materyal na substansiya (tulad ng katotohanan ng isang salita sa isang manunulat ng dula) at, pagpasok sa mga kumbinasyon, bumubuo ng pinaka-magkakaibang "mga gusali" ng espiritu ng tao, na itinayo sa pamamagitan ng nagdidirekta na kalooban ng kanilang lumikha. .

"Siguro hindi ako dapat mag-compose. Gayunpaman, hindi ako mabubuhay kung wala ito," pag-amin ni Shostakovich sa isa sa kanyang mga sulat pagkatapos niyang tapusin ang kanyang Ikalabinlimang Symphony. Ang lahat ng mga susunod na gawa ng kompositor, mula sa pagtatapos ng 60s, ay nakakuha ng isang espesyal, pinakamataas na etikal at halos "sakripisyo" na kahulugan:

Huwag matulog, huwag matulog, artist, Huwag magpakasawa sa pagtulog - Ikaw ay isang prenda ng kawalang-hanggan Sa pagkabihag ng panahon!

Ang mga huling komposisyon ng Shostakovich, sa mga salita B. Tishchenko, ay pininturahan ng "glow ng pinakamahalagang gawain": ang kompositor, kumbaga, ay nagmamadaling sabihin ang lahat ng pinakamahalaga, ang pinaka-lihim sa huling bahagi ng kanyang pag-iral sa lupa. Ang mga gawa ng 60-70s ay, kumbaga, isang malaking coda, kung saan, tulad ng sa anumang code, ang isyu ng oras, ang daloy nito, ang pagiging bukas nito sa kawalang-hanggan - at ang paghihiwalay, ang limitasyon sa loob ng mga limitasyon ng buhay ng tao ay dinadala sa ang unahan. Ang pakiramdam ng oras, ang transience nito ay naroroon sa lahat ng mga susunod na komposisyon ni Shostakovich (ang pakiramdam na ito ay nagiging halos "pisikal" sa mga code ng Second Cello Concerto, the Fifteenth Symphony, ang cycle sa mga tula ni Michelangelo). Ang artista ay tumataas nang mataas sa pang-araw-araw na buhay. Mula sa puntong ito, naa-access lamang sa kanya, ang kahulugan ng buhay ng tao, mga kaganapan, ang kahulugan ng totoo at maling mga halaga ay ipinahayag. Ang musika ng yumaong Shostakovich ay nagsasalita tungkol sa pinaka pangkalahatan at walang hanggan, walang hanggang mga problema ng pagiging, ng katotohanan, ng imortalidad ng pag-iisip at musika.

Ang sining ng Shostakovich sa mga nakaraang taon ay lumalampas sa makitid na balangkas ng musikal. Ang kanyang mga komposisyon ay naglalaman ng mga tunog ng malapit na pagtingin ng mahusay na artist sa katotohanan na umaalis sa kanya, sila ay naging isang bagay na hindi maihahambing na higit pa sa musika: isang pagpapahayag ng pinakadiwa ng artistikong pagkamalikhain bilang kaalaman sa mga misteryo ng uniberso.

Ang sound world ng mga pinakabagong likha ni Shostakovich, at lalo na ang mga chamber, ay pininturahan sa mga kakaibang tono. Ang mga bahagi ng kabuuan ay ang pinaka-magkakaibang, hindi inaasahang at kung minsan ay napakasimpleng mga elemento ng wika - kapwa ang mga dating umiiral sa mga gawa ni Shostakovich, at iba pa ay nakuha mula sa napaka kapal ng kasaysayan ng musika at mula sa buhay na stream ng modernong musika. . Ang intonational na hitsura ng musika ni Shostakovich ay nagbabago, ngunit ang mga pagbabagong ito ay hindi sanhi ng "teknikal", ngunit sa pamamagitan ng malalim, ideolohikal na mga kadahilanan - ang parehong mga natukoy ang buong direksyon ng huli na gawain ng kompositor sa kabuuan.

Ang tunog na kapaligiran ng mga nilikha ni Shostakovich ay kapansin-pansing "bihirang". Tayo, kumbaga, ay tumaas pagkatapos ng pintor sa pinakamataas at pinaka-hindi magagapi na taas ng espiritu ng tao. Hiwalay na mga intonasyon, ang mga sound figure ay nagiging mas malinaw na nakikilala sa malinaw na kapaligirang ito. Ang kanilang kahalagahan ay tumataas nang walang katiyakan. Binubuo sila ng "direktor" ng kompositor sa pagkakasunud-sunod na kailangan niya. Malaya siyang "namumuno" sa isang mundo kung saan magkakasamang nabubuhay ang mga musikal na "katotohanan" ng iba't ibang panahon at istilo. Ito ay mga sipi - mga anino ng mga paboritong kompositor: Beethoven, Rossini, Wagner, at mga libreng alaala ng musika ni Mahler, Berg, at kahit na mga indibidwal na elemento lamang ng pananalita - mga triad, mga motif na palaging umiiral sa musika, ngunit ngayon ay nakakakuha ng isang bagong kahulugan mula sa Shostakovich, naging isang multi-valued na simbolo. Ang kanilang pagkakaiba-iba ay hindi na gaanong kabuluhan - mas mahalaga ang pakiramdam ng kalayaan, kapag ang pag-iisip ay dumadausdos sa mga eroplano ng panahon, nakakakuha ng pagkakaisa ng mga walang hanggang halaga ng pagkamalikhain ng tao. Dito, ang bawat tunog, bawat intonasyon ay hindi na direktang nakikita, ngunit nagbibigay ng isang mahaba, halos walang katapusang serye ng mga asosasyon, na nag-uudyok, sa halip, hindi sa empatiya, ngunit sa pagmumuni-muni. Ang seryeng ito, na nagmumula sa mga simpleng "makalupang" harmonies, ay nangunguna - kasunod ng pag-iisip ng artist - na walang katapusan. At lumalabas na ang mga tunog mismo, ang "shell" na kanilang nilikha, ay isang maliit na bahagi lamang, tanging ang "outline" ng malawak, walang limitasyong espirituwal na mundo na ipinahayag sa atin ng musika ni Shostakovich...

Tapos na ang "run of time" ng buhay ni Shostakovich. Ngunit, kasunod ng mga likha ng artista, na lumalampas sa mga hangganan ng kanilang materyal na shell, ang balangkas ng makalupang pag-iral ng kanilang tagalikha ay nagbubukas sa kawalang-hanggan, na nagbubukas ng landas sa kawalang-kamatayan, na itinalaga ni Shostakovich sa isa sa kanyang mga huling likha, isang siklo sa mga tula ni Michelangelo:

Para akong patay, ngunit ang aliw ng mundo ay nabubuhay ako sa puso ng lahat ng nagmamahal sa libu-libong kaluluwa, at, samakatuwid, hindi ako alabok, At ang mortal na katiwalian ay hindi hihipo sa akin.

Si Shostakovich Dmitry Dmitrievich, ipinanganak noong Setyembre 25, 1906 sa St. Petersburg, ay namatay noong Agosto 9, 1975 sa Moscow. Bayani ng Sosyalistang Paggawa (1966).

Noong 1916-1918 nag-aral siya sa Musical School ng I. Glyasser sa Petrograd. Noong 1919 pumasok siya sa Petrograd Conservatory at nagtapos mula dito noong 1923 sa klase ng piano ng L. V. Nikolaev, noong 1925 sa klase ng komposisyon ng M. O. Steinberg; noong 1927-1930 napabuti niya kasama si M. O. Steinberg sa graduate school. Mula noong 1920s gumanap bilang isang piyanista. Noong 1927 lumahok siya sa internasyonal na kumpetisyon ng Chopin sa Warsaw, kung saan siya ay ginawaran ng isang honorary diploma. Noong 1937-1941 at noong 1945-1948 nagturo siya sa Leningrad Conservatory (propesor mula noong 1939). Noong 1943-1948 nagturo siya ng isang klase ng komposisyon sa Moscow Conservatory. Noong 1963-1966, pinamunuan niya ang postgraduate na pag-aaral ng composition faculty ng Leningrad Conservatory. Doktor ng Sining (1965). Mula 1947 paulit-ulit siyang nahalal sa Supreme Soviets ng USSR at RSFSR. Kalihim ng Union of Composers ng USSR (1957), Chairman ng Board of the Union of Composers ng RSFSR (1960-1968). Miyembro ng Soviet Peace Committee (1949), World Peace Committee (1968). Pangulo ng "USSR-Austria" Society (1958). Laureate ng Lenin Prize (1958). Laureate ng State Prizes ng USSR (1941, 1942, 1946, 1950, 1952, 1968). Laureate ng State Prize ng RSFSR (1974). Nagwagi ng International Peace Prize (1954). Pinarangalan na Artist ng RSFSR (1942). People's Artist ng RSFSR (1948). People's Artist ng USSR (1954). Honorary Member ng UNESCO International Music Council (1963). Honorary member, propesor, doktor ng maraming siyentipiko at artistikong institusyon sa iba't ibang bansa, kabilang ang American Institute of Arts and Letters (1943), ang Swedish Royal Academy of Music (1954), ang Academy of Arts ng GDR (1955), ang Italian Academy of Arts "Santa Cecilia" (1956), Royal Academy of Music sa London (1958), Oxford University (1958), Mexican Conservatory (1959), American Academy of Sciences (1959), Serbian Academy of Arts (1965), Bavarian Academy of Fine Arts (1968), Northwestern University (USA, 1973), ang French Academy of Fine Arts (1975) at iba pa.

Op.: mga opera- Ilong (Leningrad, 1930), Lady Macbeth ng distrito ng Mtsensk (Leningrad, 1934; bagong ed. - Katerina Izmailova, Moscow, 1963); orkestrasyon ng mga opera ni M. Mussorgsky - Boris Godunov (1940), Khovanshchina (1959); balete- The Golden Age (Leningrad, 1930), Bolt (Leningrad, 1931), Light Stream (Leningrad, 1936); musika komedya Moscow, Cheryomushki (Moscow, 1959); para sa symp. orc.- symphony I (1925), II (Oktubre, 1927), III (Pervomaiskaya, 1929), IV (1936), V (1937), VI (1939), VII (1941), VIII (1943), IX (1945) , X (1953), XI (1905, 1957), XII (1917, sa memorya ni Vladimir Ilyich Lenin, 1961), XIII (1962), XIV (1969), XV (1971), Scherzo (1919), Theme with Variations (1922), Scherzo (1923), Tahiti-trot, orchestral transcription ng isang kanta ni V. Youmans (1928), Two piece (Intermission, Finale, 1929), Five fragments (1935), ballet suites I (1949), II (1961), III (1952), IV (1953), Festive Overture (1954), Novorossiysk Chimes (Fire of Eternal Glory, 1960), Overture on Russian and Kyrgyz Folk Themes (1963), Funeral and Triumphal Prelude in Memory of the Bayani ng Labanan ng Stalingrad (1967), ang tula Oktubre (1967); para sa mga soloista, koro at orkestra.- Isang tula tungkol sa Inang Bayan (1947), ang oratorio Song tungkol sa mga kagubatan (sa puno ni E. Dolmatovsky, 1949), ang tula na The Execution of Stepan Razin (sa puno ni E. Yevtushenko, 1964); para sa koro at orc.- para sa boses at symphony. orc. Dalawang pabula ni Krylov (1922), Six romances on ate. Japanese Poets (1928-1932), Eight English and American Folk Songs (instrumentasyon, 1944), Mula sa Jewish Folk Poetry (orchestral ed., 1963), Suite Nael. Michelangelo Buonarotti (orchestral edition, 1974), instrumentasyon ng vocal cycle ni M. Mussorgsky na Song of the Dance of Death (1962); para sa voice at chamber orchestra.- Anim na romansa sa mga taludtod nina W. Raleigh, R. Burns at W. Shakespeare (orchestral version, 1970), Anim na tula ni Marina Tsvetaeva (orchestral version, 1974); para sa fp. kasama ang orc.- mga konsyerto I (1933), II (1957), para sa skr. kasama ang orc.- concertos I (1948), II (1967); para sa hlc. kasama ang orc.- Concertos I (1959), II (1966), instrumentation of R. Schumann's Concerto (1966); para sa wind orchestra.- Dalawang dula ni Scarlatti (transkripsyon, 1928), Marso ng milisya ng Sobyet (1970); para sa jazz orchestra- Suite (1934); string quartets- I (1938), II (1944), III (1946), IV (1949), V (1952), VI (1956), Vlf (I960), Vllt (I960), fX (1964), X (1964) , XI (1966), XII (1968), XIII (1970), XIV (1973), XV (1974); para sa skr., vlch. at f-p.- trio I (1923), II (1944), para sa string octet - Dalawang Piraso (1924-1925); para sa 2 skr., viola, vlc. at f-p.- Quintet (1940); para sa fp.- Five preludes (1920 - 1921), Eight preludes (1919-1920), Three fantastic dances (1922), Sonatas I (1926), II (1942), Aphorisms (sampung piraso, 1927), Children's notebook (anim na piraso, 1944 -1945), Dances of the Dolls (pitong piraso, 1946), 24 preludes at fugues (1950-1951); para sa 2 piano- Suite (1922), Concertino (1953); para sa skr. at f-p.- Sonata (1968); para sa hlc. at f-p.- Tatlong Piraso (1923-1924), Sonata (1934); para sa viola at piano- Sonata (1975); para sa boses at piano- Apat na romansa bawat pagkain. A. Pushkin (1936), Six Romances on ate. W. Raleigh, R. Burns, W. Shakespeare (1942), Dalawang kanta sa el. M. Svetlova (1945), Mula sa Jewish folk poetry (cycle for soprano, contralto and tenor with piano accompaniment, 1948), Two romances on ate. M. Lermontov (1950), Apat na kanta sa el. E. Dolmatovsky (1949), Apat na monologo sa el. A. Pushkin (1952), Limang romansa sa el. E. Dolmatovsky (1954), Spanish Songs (1956), Satires (Mga larawan ng nakaraan, limang romansa sa puno ng Sasha Cherny, 1960), Limang romansa sa puno. mula sa magazine na Krokodil (1965), Paunang salita sa kumpletong koleksyon ng aking mga gawa at pagmumuni-muni sa paunang salita na ito (1966), romance Spring, spring (e. A. Pushkin, 1967), Anim na tula ni Marina Tsvetaeva (1973), Suite sa kumain. Michelangelo Buonarotti (1974), Apat na Tula ni Kapitan Lebyadkin (mula sa nobelang "Teenager" ni F. Dostoevsky, 1975); para sa boses, skr., vlch. at f-p.- Pitong romansa para sa pagkain. A. Blok (1967); para sa walang kasamang koro- Sampung tula sa ate. mga rebolusyonaryong makata ng huling bahagi ng XIX - unang bahagi ng XX siglo (1951), Dalawang kaayusan ng Russian. nar. mga kanta (1957), Fidelity (cycle - isang ballad sa el. E. Dolmatovsky, 1970); musika para sa mga drama, pagtatanghal, kabilang ang "Bedbug" ni V. Mayakovsky (Moscow, V. Meyerhold Theater, 1929), "Shot" ni A. Bezymensky (Leningrad, Theater of Working Youth, 1929), "Rule, Britain !" A. Piotrovsky (Leningrad, Theater of Working Youth, 1931), "Hamlet" ni W. Shakespeare (Moscow, E. Vakhtangov Theatre, 1931-1932), "The Human Comedy", pagkatapos ng O. Balzac (Moscow, Vakhtangov Theater , 1933-1934), "Salute, Spain" ni A. Afinogenov (Leningrad, Drama Theater na pinangalanang A. Pushkin, 1936), "King Lear" ni W. Shakespeare (Leningrad, Bolshoi Drama Theater na pinangalanang M. Gorky, 1940) ; musika para sa mga pelikula, kabilang ang "New Babylon" (1928), "One" (1930), "Golden Mountains" (9131), "Counter" (1932), "Maxim's Youth" (1934-1935), " Girlfriends "(1934). -1935), "The Return of Maxim" (1936-1937), "Volochaev Days" (1936-1937), "Vyborg Side" (1938), "Great Citizen" (dalawang serye, 1938, 1939), " Man with a Gun" (1938), "Zoya" (1944), "Young Guard" (dalawang yugto, 1947-1948), "Meeting on the Elbe" (1948), "The Fall of Berlin" (1949), "Ozod" (1955), "Five Days - Five Nights" (1960), "Hamlet" (1963-1964), "A Year Like Life" (1965), "King Lear" (1970).

Pangunahin Lit.: Martynov I. Dmitri Shostakovich. M.-L., 1946; Zhytomyrsky D. Dmitri Shostakovich. M., 1943; Danilevich L. D. Shostakovich. M., 1958; Sabinina M. Dmitri Shostakovich. M., 1959; Mazel L. Symphony ni D. D. Shostakovich. M., 1960; Bobrovsky V. Chamber instrumental ensembles ni D. Shostakovich. M., 1961; Bobrovsky V. Mga kanta at koro ng Shostakovich. M., 1962; Mga tampok ng istilo ni D. Shostakovich. Koleksyon ng mga teoretikal na artikulo. M., 1962; Danilevich L. Ang ating kontemporaryo. M., 1965; Dolzhansky A. Chamber instrumental works ni D. Shostakovich. M., 1965; Sabinina M. Symphony ni Shostakovich. M., 1965; Dmitri Shostakovich (Mula sa mga pahayag ni Shostakovich. - Mga kontemporaryo tungkol sa D. D. Shostakovich. - Pananaliksik). Comp. G. Ordzhonikidze. M., 1967. Kentova S. Ang Mga Batang Taon ng Shostakovich, Prinsipe. I. L.-M., 1975; Shostakovich D. (Mga artikulo at materyales). Comp. G. Schneerson. M., 1976; D. D. Shostakovich. Patnubay sa notograpiko. Comp. E. Sadovnikov, ed. ika-2. M., 1965.

Dmitri Shostakovich. 1906 - 1975

musika
D. D. Sh.

Isang bagay na mahimalang nasusunog sa kanya,
At bago ang mga mata ng mga gilid nito ay faceted.
Kinakausap niya akong mag-isa
Kapag ang iba ay takot lumapit.
Nang iwas ng tingin ang huling kaibigan
Siya ang kasama ko sa aking libingan
At umawit tulad ng unang bagyo
O parang lahat ng bulaklak ay nagsalita.
Anna Akhmatova. 1957-1958

Si Shostakovich ay ipinanganak at nabuhay sa mahirap at hindi maliwanag na mga panahon. Hindi siya palaging sumunod sa patakaran ng partido, kung minsan ay nakipag-away siya sa mga awtoridad, kung minsan natanggap niya ang pag-apruba nito.
Ang Shostakovich ay isang natatanging kababalaghan sa kasaysayan ng kultura ng musika sa mundo. Sa kanyang trabaho, tulad ng walang ibang artista, ang aming mahirap na malupit na panahon, ang mga kontradiksyon at ang kalunus-lunos na kapalaran ng sangkatauhan ay naaninag, ang mga kaguluhan na nangyari sa kanyang mga kontemporaryo ay katawanin. Lahat ng kaguluhan, lahat ng paghihirap ng ating bansa sa ikadalawampu siglo. dumaan siya sa kanyang puso at ipinahayag sa kanyang mga isinulat.

Memorial plaque sa bahay 2 sa Podolskaya street, kung saan siya ipinanganak Dmitry Shostakovich

Larawan ni Mitya Shostakovich gawa ni Boris Kustodiev, 1919

Si Dmitri Shostakovich ay isinilang noong 1906, "sa dulo" ng Imperyo ng Russia, sa St. Petersburg, nang ang Imperyo ng Russia ay nabubuhay sa mga huling araw nito. Sa pagtatapos ng Unang Digmaang Pandaigdig at ang kasunod na rebolusyon, ang nakaraan ay tiyak na nabura habang ang bansa ay nagpatibay ng isang bagong radikal na sosyalistang ideolohiya. Hindi tulad ng Prokofiev, Stravinsky at Rachmaninoff, hindi iniwan ni Dmitri Shostakovich ang kanyang tinubuang-bayan upang manirahan sa ibang bansa.

Sofia Vasilievna Shostakovich, ina ng kompositor

Dmitry Boleslavovich Shostakovich, ang ama ng kompositor

Siya ang pangalawa sa tatlong anak: ang kanyang nakatatandang kapatid na si Maria ay naging isang pianista, at ang nakababatang Zoya ay naging isang beterinaryo. Nag-aral si Shostakovich sa isang pribadong paaralan, at pagkatapos noong 1916-18, sa panahon ng rebolusyon at pagbuo ng Unyong Sobyet, nag-aral siya sa paaralan ng I. A. Glyasser.

Oras na para sa pagbabago

Petersburg Conservatory building, kung saan noong 1919 ay pumasok ang labintatlong taong gulang na si Shostakovich

Klase ng M. O. Steinberg sa Petrograd Conservatory. Dmitri Shostakovich nakatayo sa dulong kaliwa

Nang maglaon, ang hinaharap na kompositor ay pumasok sa Petrograd Conservatory. Tulad ng maraming iba pang mga pamilya, siya at ang kanyang mga kamag-anak ay natagpuan ang kanilang sarili sa isang mahirap na sitwasyon - ang patuloy na gutom ay nagpapahina sa katawan at, noong 1923, si Shostakovich, para sa mga kadahilanang pangkalusugan, ay agad na umalis para sa isang sanatorium sa Crimea. Noong 1925 nagtapos siya sa konserbatoryo. Ang gawaing diploma ng batang musikero ay ang First Symphony, na agad na nagdala sa 19-taong-gulang na kabataan ng malawak na katanyagan sa tahanan at sa Kanluran.

Unang edisyon ng First Symphony. 1927

Noong 1927 nakilala niya si Nina Varzar, isang mag-aaral sa pisika na kalaunan ay pinakasalan niya. Sa parehong taon, naging isa siya sa walong finalist sa International Competition. Chopin sa Warsaw, at ang nagwagi ay ang kanyang kaibigan na si Lev Oborin.

Si Dmitri Shostakovich ay gumaganap ng Unang Piano Concerto. Konduktor A. Orlov

Ang mundo ay nasa digmaan. 1936

Mahirap ang buhay, at upang patuloy na masuportahan ang kanyang pamilya at balo na ina, si Shostakovich ay gumawa ng musika para sa mga pelikula, ballet at teatro. Nang maupo si Stalin sa kapangyarihan, naging mas kumplikado ang sitwasyon.

Frame ng pelikula "Pagbabalik ni Maxim". Sa direksyon ni G. Kozintsev, L. Trauberg, kompositor D. Shostakovich

Ang karera ni Shostakovich ay nakaranas ng mabilis na pagtaas at pagbaba ng maraming beses, ngunit ang pagbabago ng kanyang kapalaran ay noong 1936, nang bisitahin ni Stalin ang kanyang opera Lady Macbeth ng Mtsensk District batay sa nobela ni N. S. Leskov at nabigla sa malupit na pangungutya at makabagong musika nito. Ang opisyal na tugon ay kaagad. Ang pahayagan ng gobyerno na Pravda, sa isang artikulo sa ilalim ng pamagat na "Muddle Instead of Music", ay sumailalim sa opera sa isang tunay na pagkatalo, at si Shostakovich ay idineklara na isang kaaway ng mga tao. Ang opera ay agad na tinanggal mula sa repertoire sa Leningrad at Moscow. Napilitan si Shostakovich na kanselahin ang premiere ng kanyang kamakailang natapos na Symphony No. 4, sa takot na maaaring magdulot ito ng mas maraming problema, at nagsimulang magtrabaho sa isang bagong symphony. Sa mga kakila-kilabot na taon, mayroong isang panahon kung kailan nabuhay ang kompositor ng maraming buwan, naghihintay ng pag-aresto sa anumang sandali. Natulog siyang nakabihis at may inihanda na maliit na maleta.

Ang mga pangunahing kinatawan ng "pormalismo" sa musika ng Sobyet ay S. Prokofiev, D. Shostakovich, A. Khachaturian. Larawan mula sa huling bahagi ng 1940s.

Kasabay nito, inaresto ang kanyang mga kamag-anak. Ang kanyang kasal ay nasa panganib din dahil sa isang infatuation sa gilid. Ngunit sa pagsilang ng kanyang anak na si Galina noong 1936, bumuti ang sitwasyon.
Na-harass ng press, isinulat niya ang kanyang Symphony No. 5, na, sa kabutihang palad, ay isang mahusay na tagumpay. Ito ang unang paghantong ng symphonic na gawa ng kompositor; ang premiere nito noong 1937 ay isinagawa ng batang Yevgeny Mravinsky.

1941

Dmitri Shostakovich sa klase sa pagpatay ng mga air bomb. Leningrad, Hulyo 1941

At pagkatapos ay dumating ang kakila-kilabot na taon ng 1941. Mula sa simula ng digmaan, nagsimulang magtrabaho ang kompositor sa Seventh Symphony. Natapos ng kompositor ang symphony na nakatuon sa gawa ng kanyang katutubong lungsod sa Kuibyshev, kung saan siya ay inilikas kasama ang kanyang pamilya. Natapos ng kompositor ang symphony, ngunit hindi ito maisagawa sa kinubkob na Leningrad. Kailangan namin ng isang orkestra na hindi kukulangin sa isang daang tao, kailangan namin ng oras at lakas para matutunan ang piyesa. Walang orkestra, walang pwersa, walang oras na malaya mula sa pambobomba at paghihimay. Samakatuwid, ang "Leningrad" symphony ay unang ginanap sa Kuibyshev noong Marso 1942. Pagkaraan ng ilang panahon, isa sa mga pinakamahusay na konduktor sa mundo, si Arturo Toscanini, ang nagpakilala sa publiko sa paglikha na ito sa Estados Unidos. Ang iskor ay inilipad sa New York sa isang combat aircraft.
At ang mga Leningraders, na napapalibutan ng isang blockade, ay nagtitipon ng mga puwersa. Mayroong ilang mga musikero sa lungsod na walang oras upang lumikas. Ngunit hindi sila naging sapat. Pagkatapos ang pinakamahusay na mga musikero ay ipinadala mula sa hukbo at hukbong-dagat sa lungsod. Kaya sa kinubkob na Leningrad isang malaking symphony orchestra ang nabuo. Ang mga bomba ay sumabog, ang mga bahay ay gumuho at nasunog, ang mga tao ay halos hindi makagalaw sa gutom. At ang orkestra ay natututo ng symphony ni Shostakovich. Ito ay tumunog sa Leningrad noong Agosto 1942.

L. A. Rusov. Symphony ng Leningrad. Isinagawa ni E. A. Mravinsky. 1980. Langis sa canvas. Pribadong koleksyon, Russia

Isinulat ng isa sa mga dayuhang pahayagan: “Ang bansa na ang mga artista sa malupit na mga araw na ito ay lumikha ng mga gawa ng walang kamatayang kagandahan at mataas na espiritu ay hindi magagapi!”
Noong 1943, lumipat ang kompositor sa Moscow. Hanggang sa katapusan ng digmaan, isinulat niya ang Eighth Symphony, na nakatuon sa kahanga-hangang konduktor, ang unang tagapalabas ng lahat ng kanyang mga symphony, na nagsisimula sa Fifth, E. Mravinsky. Mula noon, ang buhay ni D. Shostakovich ay konektado sa kabisera. Siya ay nakikibahagi sa pagkamalikhain, pedagogy, nagsusulat ng musika para sa mga pelikula.

Frame ng pelikula "batang bantay". Direktor S. Gerasimov, kompositor D. Shostakovich

Mga taon pagkatapos ng digmaan

Noong 1948, muling nagkaproblema si Shostakovich sa mga awtoridad, idineklara siyang isang pormalista. Pagkalipas ng isang taon, siya ay tinanggal mula sa konserbatoryo, at ang kanyang mga komposisyon ay pinagbawalan mula sa pagganap. Ang kompositor ay patuloy na nagtatrabaho sa teatro at industriya ng pelikula (sa pagitan ng 1928 at 1970 ay sumulat siya ng musika para sa halos 40 na pelikula).
Ang pagkamatay ni Stalin noong 1953 ay nagdulot ng kaunting ginhawa. Nakaramdam siya ng relatibong kalayaan. Nagbigay-daan ito sa kanya na palawakin at pagyamanin ang kanyang istilo at lumikha ng mga gawa na may mas higit na kasanayan at saklaw, na madalas na sumasalamin sa karahasan, kakila-kilabot at kapaitan ng mga panahong nabuhay ang kompositor.
Bumisita si Shostakovich sa Great Britain at America at lumikha ng maraming iba pang magagandang gawa.
60s pumasa sa ilalim ng tanda ng lumalalang kalusugan. Ang kompositor ay naghihirap ng dalawang atake sa puso, isang sakit ng central nervous system ay nagsisimula. Dumarami, kailangan mong manatili sa ospital ng mahabang panahon. Ngunit sinusubukan ni Shostakovich na manguna sa isang aktibong pamumuhay, upang bumuo, kahit na bawat buwan ay lumalala siya.

Huling larawan ni Dmitri Shostakovich, Mayo 1975

Inabot ng kamatayan ang kompositor noong Agosto 9, 1975. Ngunit kahit pagkamatay niya, hindi siya pinabayaan ng makapangyarihang kapangyarihan. Sa kabila ng pagnanais ng kompositor na mailibing sa kanyang tinubuang-bayan, sa Leningrad, inilibing siya sa prestihiyosong Novodevichy Cemetery sa Moscow.

Lapida ng Shostakovich sa Novodevichy Cemetery na may larawan ng isang musical monogram

Ang libing ay ipinagpaliban hanggang Agosto 14, dahil ang mga dayuhang delegasyon ay walang oras na dumating. Si Shostakovich ay ang "opisyal" na kompositor, at siya ay opisyal na inilibing na may malalakas na talumpati ng mga kinatawan ng partido at gobyerno, na pumuna sa kanya sa loob ng maraming taon.
Pagkamatay niya, opisyal siyang ipinroklama bilang isang tapat na miyembro ng Partido Komunista.

Mga parangal at premyo ng kompositor:

People's Artist ng USSR (1954)
Nagwagi ng Gantimpala ng Estado (1941, 1942, 1946, 1950, 1952, 1968, 1974)
Nagwagi ng International Peace Prize (1954)
Nagwagi ng Lenin Prize (1958)
Bayani ng Sosyalistang Paggawa (1966)