Maagang Netherlandish na pagpipinta(bihira Lumang Netherlandish na pagpipinta) - isa sa mga yugto ng Northern Renaissance, isang panahon sa Dutch at, sa partikular, Flemish painting, na sumasaklaw sa humigit-kumulang isang siglo sa kasaysayan ng European art, simula sa ikalawang quarter ng ika-15 siglo. Ang huling sining ng Gothic ay pinalitan sa panahong ito ng maagang Renaissance. Kung ang late Gothic, na lumitaw sa France, ay lumikha ng isang unibersal na wika ng artistikong anyo, kung saan maraming mga Dutch masters ng pagpipinta ang nag-ambag, pagkatapos sa panahon na inilarawan sa Netherlands ay nabuo ang isang malinaw na nakikilalang independiyenteng paaralan ng pagpipinta, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang makatotohanang istilo. ng pagpipinta, na natagpuan ang pagpapahayag nito lalo na sa genre ng portraiture.

Encyclopedic YouTube

• 1 / 5

  Mula noong ika-14 na siglo, ang mga teritoryong ito ay sumailalim sa mga pagbabago sa kultura at sosyolohikal: pinalitan ng mga sekular na patron ang simbahan bilang pangunahing kostumer ng mga gawa ng sining. Ang Netherlands bilang isang sentro ng sining ay nagsimulang tumalon sa huling Gothic art sa French court.

  Ang Netherlands ay konektado din sa France ng karaniwang dinastiya ng Burgundian, kaya madaling nakahanap ng trabaho ang Flemish, Walloon at Dutch artist sa France sa mga korte ng Anjou, Orleans, Berry at mismong hari ng France. Natitirang masters ng International Gothic, ang mga kapatid na Limburg ng Geldern ay mahalagang mga artistang Pranses. Sa mga bihirang eksepsiyon sa katauhan ni Melchior Bruderlam, tanging mga pintor na may mababang ranggo ang nananatili sa kanilang tinubuang-bayan, ang Netherlands.

  Sa pinagmulan ng maagang pagpipinta ng Netherlandish, na nauunawaan sa isang makitid na kahulugan, ay si Jan van Eyck, na noong 1432 ay natapos ang trabaho sa kanyang pangunahing obra maestra, ang Ghent Altarpiece. Kahit na ang mga kontemporaryo ay itinuturing na ang mga gawa ni Jan van Eyck at iba pang Flemish artist ay "bagong sining," isang bagay na ganap na bago. Sa kronolohikal, ang Lumang Netherlandish na pagpipinta ay nabuo nang humigit-kumulang kasabay ng Renaissance ng Italya.

  Sa pagdating ng larawan, isang sekular, indibidwal na tema ang naging pangunahing motibo ng pagpipinta sa unang pagkakataon. Ang mga pagpipinta ng genre at still life ay gumawa ng kanilang tagumpay sa sining sa panahon lamang ng Dutch Baroque noong ika-17 siglo. Ang burges na katangian ng sinaunang Netherlandish na pagpipinta ay nagsasalita tungkol sa pagdating ng Bagong Panahon. Ang mga kliyente, bilang karagdagan sa mga maharlika at klero, ay ang mayamang maharlika at mga mangangalakal. Ang tao sa mga painting ay hindi na idealized. Ang mga totoong tao na may lahat ng kanilang mga pagkukulang ng tao ay lumalabas sa harap ng manonood. Mga wrinkles, bag sa ilalim ng mga mata - lahat ay natural na inilalarawan sa larawan nang walang pagpapaganda. Ang mga banal ay hindi na naninirahan nang eksklusibo sa mga simbahan; pinasok din nila ang mga tahanan ng mga taong-bayan.

  Mga artista

  Isa sa mga pinakaunang kinatawan ng mga bagong artistikong pananaw, kasama si Jan van Eyck, ay itinuturing na master ng Flemal, na kasalukuyang kinilala bilang Robert Campin. Ang kanyang pangunahing gawain ay ang altarpiece (o triptych) ng Annunciation (ibang pangalan: altarpiece ng pamilya Merode; c. 1425), na ngayon ay itinatago sa Cloisters Museum sa New York.

  Ang mismong katotohanan na si Jan van Eyck ay may kapatid na si Hubert, ay matagal nang kinuwestiyon. Ipinakita ng kamakailang pananaliksik na si Hubert van Eyck, na binanggit sa ilang mga mapagkukunan lamang, ay isang pangkaraniwang artista ng paaralan ng Ghent, na walang pamilya o anumang iba pang relasyon kay Jan van Eyck.

  Ang estudyante ni Kampen ay itinuturing na si Rogier van der Weyden, na malamang na nakibahagi sa gawain sa Merode triptych. Sa turn, naimpluwensyahan niya sina Dirk Bouts at Hans Memling. Ang kontemporaryo ni Memling ay si Hugo van der Hus, unang binanggit noong 1465.

  Ang pinakamisteryosong artista sa panahong ito, si Hieronymus Bosch, ay namumukod-tangi mula sa seryeng ito, na ang gawain ay hindi pa rin nakatanggap ng isang hindi malabo na interpretasyon.

  Sa tabi ng mga dakilang master na ito, ang mga sinaunang artistang Netherlandish na sina Petrus Christus, Jan Provost, Colin de Cauter, Albert Bouts, Goswin van der Weyden at Quentin Massys ay nararapat na banggitin.

  Isang kapansin-pansing kababalaghan ang gawa ng mga artista mula sa Leiden: Cornelis Engelbrechtsen at ang kanyang mga mag-aaral na sina Artgen van Leyden at Lucas van Leyden.

  Maliit na bahagi lamang ng mga gawa ng mga sinaunang artista ng Netherland ang nakaligtas hanggang ngayon. Hindi mabilang na mga painting at drawing ang naging biktima ng iconoclasm noong Repormasyon at mga digmaan. Bilang karagdagan, maraming mga gawa ang malubhang nasira at nangangailangan ng mamahaling pagpapanumbalik. Ang ilang mga gawa ay nakaligtas lamang sa mga kopya, habang ang karamihan ay nawala nang tuluyan.

  Ang gawain ng mga sinaunang Netherlanders at Flemings ay ipinakita sa pinakamalaking museo ng sining sa mundo. Ngunit ang ilang mga altar at mga painting ay nasa kanilang mga lumang lugar - sa mga simbahan, katedral at kastilyo, tulad ng Ghent Altarpiece sa Katedral ng St. Bavo sa Ghent. Gayunpaman, maaari mo na lamang itong tingnan sa pamamagitan ng makapal na nakabaluti na salamin.

  Impluwensiya

  Italya

  Sa lugar ng kapanganakan ng Renaissance, Italy, si Jan van Eyck ay lubos na iginagalang. Ilang taon pagkatapos ng pagkamatay ng artista, tinawag pa ng humanist na si Bartolomeo Fazio si van Eyck "prinsipe sa mga pintor ng siglo".

  Habang ang mga Italian masters ay gumamit ng kumplikadong matematika at geometriko na paraan, lalo na ang sistema ng pananaw, nagawa ng mga Fleming na maipakita nang tama ang "katotohanan" nang hindi, tila, napakahirap. Ang aksyon sa mga kuwadro na gawa ay hindi na naganap, tulad ng sa Gothic, nang sabay-sabay sa isang yugto. Ang mga lugar ay inilalarawan alinsunod sa mga batas ng pananaw, at ang mga landscape ay hindi na isang schematic na background. Ang isang malawak at detalyadong background ay humahantong sa mata sa infinity. Ang mga damit, muwebles, at kasangkapan ay ipinakita sa photographic precision.

  Espanya

  Ang unang katibayan ng pagkalat ng hilagang mga diskarte sa pagpipinta sa Espanya ay matatagpuan sa kaharian ng Aragon, na kinabibilangan ng Valencia, Catalonia at Balearic Islands. Ipinadala ni King Alfonso V ang kanyang court artist na si Louis Dalmau sa Flanders noong 1431. Noong 1439, ang artist mula sa Bruges Louis Alimbrot ay lumipat sa Valencia kasama ang kanyang workshop ( Luis Alimbrot, Lodewijk Allyncbrood). Malamang na bumisita si Jan van Eyck sa Valencia noong 1427 bilang bahagi ng isang delegasyon ng Burgundian.

  Ang Valencia, noong panahong iyon ay isa sa pinakamahalagang sentro ng Mediterranean, ay umakit ng mga artista mula sa buong Europa. Bilang karagdagan sa mga tradisyunal na paaralan ng sining ng "internasyonal na istilo," mayroong mga workshop na nagtatrabaho sa parehong mga estilo ng Flemish at Italyano. Ang tinatawag na "Spanish-Flemish" na direksyon ng sining ay nabuo dito, ang pangunahing kinatawan nito ay si Bartolome Bermejo.

  Ang mga haring Castilian ay nagmamay-ari ng ilang tanyag na obra nina Rogier van der Weyden, Hans Memling at Jan van Eyck. Bilang karagdagan, ang bumibisitang artista na si Juan de Flandes ("Jan ng Flanders", hindi alam ang apelyido) ay naging pintor ng larawan sa korte ni Reyna Isabella, na naglatag ng mga pundasyon ng makatotohanang paaralan ng larawan ng korte ng Espanya.

  Portugal

  Isang independiyenteng paaralan ng pagpipinta ang lumitaw sa Portugal noong ikalawang kalahati ng ika-15 siglo sa pagawaan ng Lisbon ng court artist na si Nuno Gonçalves. Ang gawa ng artist na ito ay ganap na nakahiwalay: lumilitaw na wala siyang mga nauna o tagasunod. Ang impluwensyang Flemish ay nararamdaman lalo na sa kanyang polyptych "Saint Vincent" Jan van Eyck und seine Zeit. Flämische Meister und der Süden 1430-1530. Ausstellungskatalog Brügge, Stuttgart 2002. Darmstadt 2002.

• Bodo Brinkmann: Die flämische Buchmalerei am Ende des Burgunderreichs. Der Meister des Dresdner Gebetbuchs und die Miniaturisten seiner Zeit. Turnhout 1997. ISBN 2-503-50565-1
• Birgit Franke, Barbara Welzel (Hg.): Die Kunst der burgundischen Niederlande. Eine Einführung. Berlin 1997. ISBN 3-496-01170-X
• Max Jakob Friedlander: Altniederländische Malerei. 14 Bde. Berlin 1924-1937.
• Erwin Panofsky: Die altniederländische Malerei. Ihr Ursprung und Wesen.Übersetzt und hrsg. ni Jochen Sander at Stephan Kemperdick. Köln 2001. ISBN 3-7701-3857-0 (Orihinal: Maagang Netherlandish Painting. 2 Bde. Cambridge (Mas.) 1953)
• Otto Pächt: Van Eyck, die Begründer der altniederländischen Malerei. Munich 1989. ISBN 3-7913-1389-4
• Otto Pächt: Altniederländische Malerei. Von Rogier van der Weyden kay Gerard David. Hrsg. ni Monika Rosenauer. Munich 1994. ISBN 3-7913-1389-4
• Jochen Sander, Stephan Kemperdick: Der Meister von Flémalle und Rogier van der Weyden: Die Geburt der neuzeitlichen Malerei: Eine Ausstellung des Städel Museums, Frankfurt am Main und der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin, Ostfildern: Hatje Cantz Verlag, 2008
• Norbert Wolf: Trecento und Altniederländische Malerei. Kunst-Epochen, Bd. 5 (Reclams Universal Bibliothek 18172).

06.05.2014

Ang landas ng buhay ni Frans Hals ay kasing liwanag at kaganapan ng kanyang mga ipininta. Hanggang ngayon, alam ng mundo ang mga kuwento tungkol sa mga lasing na away ni Khalsa, na palagi niyang inaayos pagkatapos ng mga pangunahing pista opisyal. Ang isang pintor na may tulad na masayahin at marahas na karakter ay hindi makakakuha ng paggalang sa isang bansa kung saan ang Calvinism ay ang relihiyon ng estado. Si Frans Hals ay ipinanganak sa Antwerp noong unang bahagi ng 1582. Gayunpaman, umalis ang kanyang pamilya sa Antwerp. Noong 1591, dumating ang mga Khals sa Haarlem. Dito ipinanganak ang nakababatang kapatid ni France...

10.12.2012

Si Jan Steen ay isa sa mga pinakatanyag na kinatawan ng Dutch school of painting noong kalagitnaan ng ika-17 siglo. Sa mga gawa ng artist na ito ay hindi ka makakahanap ng anumang monumental o eleganteng mga kuwadro na gawa, o maliliwanag na larawan ng mga dakilang tao o relihiyosong mga imahe. Sa katunayan, si Jan Steen ay isang dalubhasa sa mga pang-araw-araw na eksena na puno ng masaya at makikinang na katatawanan sa kanyang panahon. Ang kanyang mga pintura ay naglalarawan ng mga bata, lasenggo, ordinaryong tao, Gulen at marami, marami pang iba. Si Jan ay ipinanganak sa katimugang lalawigan ng Holland, ang bayan ng Leiden noong mga 1626...

07.12.2012

Ang gawa ng sikat na Dutch artist na si Hieronymus Bosch ay nakikita pa rin ng mga kritiko at simpleng mga mahilig sa sining. Ano ang inilalarawan sa mga kuwadro na gawa ni Bosch: mga demonyo ng underworld o simpleng mga taong pumangit ng kasalanan? Sino ba talaga si Hieronymus Bosch: isang obsessed psychopath, isang sectarian, isang tagakita, o simpleng isang mahusay na artist, isang uri ng sinaunang surrealist, tulad ni Salvador Dali, na gumuhit ng mga ideya mula sa kaharian ng walang malay? Siguro ang landas ng buhay niya...

24.11.2012

Ang sikat na Dutch artist na si Pieter Bruegel the Elder ay lumikha ng kanyang sariling makulay na istilo ng pagpipinta, na makabuluhang naiiba sa iba pang mga pintor ng Renaissance. Ang kanyang mga painting ay mga larawan ng isang katutubong satirical epic, mga larawan ng kalikasan at buhay nayon. Ang ilang mga gawa ay nabighani sa kanilang komposisyon - gusto mong tingnan ang mga ito at tingnan ang mga ito, na pinagtatalunan kung ano ang eksaktong nais iparating ng artist sa manonood. Ang kakaiba ng pagsulat at pananaw ni Bruegel sa mundo ay nakapagpapaalaala sa gawain ng sinaunang surrealist na si Hieronymus Bosch...

26.11.2011

Si Han van Meegeren (buong pangalan na Henrikus Antonius van Meegeren) ay ipinanganak noong Mayo 3, 1889 sa pamilya ng isang simpleng guro sa paaralan. Ginugol ng batang lalaki ang lahat ng kanyang libreng oras sa pagawaan ng kanyang paboritong guro, na ang pangalan ay Korteling. Hindi ito nagustuhan ng kanyang ama, ngunit si Korteling ang nakapagpaunlad sa batang lalaki ng panlasa at kakayahang gayahin ang istilo ng pagsulat noong unang panahon. Nakatanggap ng magandang edukasyon si Van Meegeren. Pumasok siya sa Delft Institute of Technology, kung saan kumuha siya ng kurso sa arkitektura, sa edad na 18. Kasabay nito, nag-aral siya sa...

13.10.2011

Ang sikat na Dutch artist na si Johannes Jan Vermeer, na kilala sa amin bilang Vermeer ng Delft, ay nararapat na ituring na isa sa mga pinakamaliwanag na kinatawan ng ginintuang edad ng Dutch art. Siya ay isang master ng genre portraits at tinatawag na household painting. Ang hinaharap na artista ay ipinanganak noong Oktubre 1632 sa lungsod ng Delft. Si Jan ang pangalawang anak sa pamilya at nag-iisang anak na lalaki. Ang kanyang ama ay nagbebenta ng mga bagay na sining at nakikibahagi sa paghabi ng sutla. Ang kanyang mga magulang ay kaibigan ng artist na si Leonart Breimer, na...

18.04.2010

Ang na-hackney na parirala na ang lahat ng mga henyo ay medyo baliw ay akmang-akma lamang sa kapalaran ng mahusay at makikinang na post-impressionist na artist na si Vincent Van Gogh. Nabuhay lamang ng 37 taon, nag-iwan siya ng isang mayamang pamana - humigit-kumulang 1000 mga kuwadro na gawa at ang parehong bilang ng mga guhit. Ang figure na ito ay mas kahanga-hanga kapag nalaman mo na si Van Gogh ay nagtalaga ng wala pang 10 taon ng kanyang buhay sa pagpipinta. 1853 Noong Marso 30, isang batang lalaki, si Vincent, ay ipinanganak sa nayon ng Grot-Zundert, na matatagpuan sa timog ng Holland. Isang taon bago nito, sa pamilya ng isang pari, kung saan siya ipinanganak...

Holland. ika-17 siglo Ang bansa ay nakararanas ng walang katulad na kaunlaran. Ang tinatawag na "Golden Age". Sa pagtatapos ng ika-16 na siglo, nakamit ng ilang lalawigan ng bansa ang kalayaan mula sa Espanya.

Ngayon ang Protestante Netherlands ay pumunta sa kanilang sariling paraan. At ang mga Catholic Flanders (kasalukuyang Belgium) sa ilalim ng pakpak ng Espanya ay sarili nitong.

Sa independiyenteng Holland, halos walang nangangailangan ng relihiyosong pagpipinta. Hindi sinang-ayunan ng Simbahang Protestante ang marangyang palamuti. Ngunit ang sitwasyong ito ay "naglaro sa mga kamay" ng sekular na pagpipinta.

Literal na nagising ang bawat residente ng bagong bansa na mahalin ang ganitong uri ng sining. Nais ng mga Dutch na makita ang kanilang sariling buhay sa mga kuwadro na gawa. At kusang sinalubong sila ng mga artista sa kalagitnaan.

Hindi pa kailanman nailarawan nang husto ang nakapaligid na katotohanan. Ordinaryong tao, ordinaryong kwarto at pinaka-ordinaryong almusal ng isang naninirahan sa lungsod.

Ang pagiging totoo ay umunlad. Hanggang sa ika-20 siglo, ito ay magiging isang karapat-dapat na katunggali sa akademiko kasama ang mga nimpa at mga diyosang Griyego nito.

Ang mga artistang ito ay tinatawag na "maliit" na Dutch. Bakit? Ang mga kuwadro na gawa ay maliit sa laki, dahil sila ay nilikha para sa maliliit na bahay. Kaya, halos lahat ng mga painting ni Jan Vermeer ay hindi hihigit sa kalahating metro ang taas.

Ngunit mas gusto ko ang ibang bersyon. Sa Netherlands noong ika-17 siglo, isang mahusay na master, ang "malaking" Dutchman, ay nanirahan at nagtrabaho. At lahat ng iba ay "maliit" kung ihahambing sa kanya.

Nag-uusap kami, siyempre, tungkol kay Rembrandt. Magsimula tayo sa kanya.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Self-portrait sa edad na 63. 1669 National Gallery London

Si Rembrandt ay nakaranas ng malawak na hanay ng mga emosyon sa kanyang buhay. Kaya naman sobrang saya at katapangan sa kanyang maagang trabaho. At mayroong napakaraming kumplikadong mga damdamin - sa mga susunod.

Narito siya ay bata at walang malasakit sa pagpipinta na "The Prodigal Son in the Tavern." Nakaluhod ang kanyang pinakamamahal na asawang si Saskia. Isa siyang sikat na artista. Bumubuhos na ang mga order.



Rembrandt. Ang Alibughang Anak sa isang Taberna. 1635 Old Masters Gallery, Dresden

Ngunit lahat ng ito ay mawawala sa loob ng halos 10 taon. Mamamatay si Saskia sa pagkonsumo. Ang kasikatan ay mawawala na parang usok. Ang isang malaking bahay na may kakaibang koleksyon ay kukunin para sa mga utang.

Ngunit ang parehong Rembrandt ay lilitaw na mananatili sa loob ng maraming siglo. Ang hubad na damdamin ng mga bayani. Ang pinakamalalim nilang iniisip.

2. Frans Hals (1583-1666)



Frans Hals. Self-portrait. 1650 Metropolitan Museum of Art, New York

Si Frans Hals ay isa sa mga pinakadakilang pintor ng portrait sa lahat ng panahon. Samakatuwid, uuriin ko rin siya bilang isang "malaking" Dutchman.

Sa Holland noong panahong iyon, kaugalian na mag-order ng mga larawan ng grupo. Ito ay kung gaano karaming katulad na mga gawa ang lumitaw na naglalarawan sa mga taong nagtutulungan: mga marksmen ng isang guild, mga doktor ng isang bayan, mga tagapamahala ng isang nursing home.

Sa genre na ito, ang Hals ang pinaka namumukod-tangi. Pagkatapos ng lahat, karamihan sa mga larawang ito ay mukhang isang deck ng mga baraha. Ang mga tao ay nakaupo sa mesa na may parehong facial expression at nanonood lamang. Sa Hals ito ay iba.

Tingnan ang kanyang larawan ng grupo na "Arrows of the Guild of St. George."



Frans Hals. Mga arrow ng Guild of St. George. 1627 Frans Hals Museum, Haarlem, Netherlands

Dito wala kang makikitang isang pag-uulit sa pose o facial expression. At the same time, walang kaguluhan dito. Mayroong maraming mga character, ngunit walang tila kalabisan. Salamat sa kamangha-manghang tamang pag-aayos ng mga numero.

At kahit na sa isang solong larawan, si Hals ay nakahihigit sa maraming mga artista. Ang kanyang mga pattern ay natural. Ang mga tao mula sa mataas na lipunan sa kanyang mga kuwadro na gawa ay wala sa ginawang kadakilaan, at ang mga modelo mula sa mas mababang uri ay hindi mukhang napahiya.

At napaka-emosyonal din ng kanyang mga karakter: ngumiti, tumawa, at kumpas. Tulad ng, halimbawa, itong "Gypsy" na may palihim na hitsura.



Frans Hals. Hitano. 1625-1630

Si Hals, tulad ni Rembrandt, ay nagtapos ng kanyang buhay sa kahirapan. Para sa parehong dahilan. Ang kanyang pagiging totoo ay sumalungat sa panlasa ng kanyang mga customer. Sino ang nagnanais na ang kanilang hitsura ay pinalamutian. Hindi tinanggap ni Hals ang tahasang pambobola, at sa gayon ay nilagdaan niya ang kanyang sariling pangungusap - "Oblivion."

3. Gerard Terborch (1617-1681)



Gerard Terborch. Self-portrait. 1668 Royal Gallery Mauritshuis, The Hague, Netherlands

Si Terborch ay isang master ng pang-araw-araw na genre. Ang mayaman at hindi-mayaman na mga burgher ay masayang nag-uusap, ang mga babae ay nagbabasa ng mga liham, at ang isang procuress ay nanonood ng panliligaw. Dalawa o tatlong mga figure na malapit ang pagitan.

Ang master na ito ang bumuo ng mga canon ng pang-araw-araw na genre. Na sa kalaunan ay hihiramin nina Jan Vermeer, Pieter de Hooch at marami pang ibang "maliit" na Dutchmen.



Gerard Terborch. Isang baso ng limonada. 1660s. State Hermitage Museum, St. Petersburg

Ang "A Glass of Lemonade" ay isa sa mga sikat na gawa ni Terborch. Nagpapakita ito ng isa pang bentahe ng artista. Hindi kapani-paniwalang makatotohanang imahe ng tela ng damit.

Ang Terborch ay mayroon ding hindi pangkaraniwang mga gawa. Na nagsasalita ng mga volume tungkol sa kanyang pagnanais na lumampas sa mga kinakailangan ng customer.

Ang kanyang "The Grinder" ay nagpapakita ng buhay ng pinakamahihirap na tao sa Holland. Nakasanayan na naming makakita ng maaliwalas na mga patyo at malilinis na silid sa mga pintura ng "maliit" na Dutch. Ngunit si Terborch ay naglakas-loob na magpakita ng hindi magandang tingnan na Holland.



Gerard Terborch. Grinder. 1653-1655 Mga Museo ng Estado ng Berlin

Tulad ng naiintindihan mo, ang ganitong gawain ay hindi hinihiling. At ang mga ito ay isang bihirang pangyayari kahit na sa Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)



Jan Vermeer. Pagawaan ng artista. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Vienna

Hindi tiyak kung ano ang hitsura ni Jan Vermeer. Halata lamang na sa pagpipinta na "The Artist's Workshop" ay inilarawan niya ang kanyang sarili. Ang katotohanan mula sa likod.

Kaya't nakakagulat na ang isang bagong katotohanan mula sa buhay ng master ay nalaman kamakailan. Ito ay konektado sa kanyang obra maestra na "Delft Street".



Jan Vermeer. Delft street. 1657 Rijksmuseum sa Amsterdam

Ito pala ay ginugol ni Vermeer ang kanyang pagkabata sa kalyeng ito. Ang bahay na nakalarawan ay pag-aari ng kanyang tiyahin. Doon niya pinalaki ang kanyang limang anak. Marahil ay nakaupo siya sa may pintuan na nananahi habang ang dalawa niyang anak ay naglalaro sa bangketa. Si Vermeer mismo ang nakatira sa tapat ng bahay.

Ngunit mas madalas na inilarawan niya ang loob ng mga bahay na ito at ang mga naninirahan dito. Mukhang napaka-simple ng mga plot ng mga painting. Narito ang isang magandang babae, isang mayamang naninirahan sa lungsod, na sinusuri ang operasyon ng kanyang mga kaliskis.



Jan Vermeer. Babaeng may kaliskis. 1662-1663 National Gallery of Art, Washington

Bakit namumukod-tangi si Vermeer sa libu-libong iba pang "maliit" na Dutchmen?

Siya ay isang hindi maunahang master ng liwanag. Sa painting na "Woman with Scales" ang liwanag ay marahan na bumabalot sa mukha, tela at dingding ng pangunahing tauhang babae. Ang pagbibigay ng imahe ng hindi kilalang espirituwalidad.

At maingat na na-verify ang mga komposisyon ng mga painting ni Vermeer. Hindi ka makakahanap ng isang hindi kinakailangang detalye. Ito ay sapat na upang alisin ang isa sa kanila, ang larawan ay "mawawala", at ang magic ay mawawala.

Ang lahat ng ito ay hindi madali para kay Vermeer. Ang gayong kamangha-manghang kalidad ay nangangailangan ng maingat na trabaho. 2-3 paintings lang kada taon. Bilang resulta, ang kawalan ng kakayahan na pakainin ang pamilya. Nagtrabaho rin si Vermeer bilang isang art dealer, na nagbebenta ng mga gawa ng ibang mga artista.

5. Pieter de Hooch (1629-1684)



Pieter de Hooch. Self-portrait. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Ang Hoch ay madalas na inihambing sa Vermeer. Sabay silang nagtrabaho, nagkaroon pa nga ng panahon sa iisang lungsod. At sa isang genre - araw-araw. Sa Hoch nakikita rin natin ang isa o dalawang pigura sa maaliwalas na mga patyo o silid ng Dutch.

Ang mga bukas na pinto at bintana ay ginagawang layered at nakakaaliw ang espasyo ng kanyang mga painting. At ang mga figure ay umaangkop sa puwang na ito nang maayos. Halimbawa, sa kanyang pagpipinta na "Kasambahay na may Babae sa Loob."



Pieter de Hooch. Isang katulong na may kasamang babae sa looban. 1658 London National Gallery

Hanggang sa ika-20 siglo, si Hoch ay lubos na pinahahalagahan. Ngunit kakaunti ang nakapansin sa maliliit na gawa ng kanyang katunggali na si Vermeer.

Ngunit noong ika-20 siglo nagbago ang lahat. Naglaho ang kaluwalhatian ni Hoch. Gayunpaman, mahirap na hindi makilala ang kanyang mga tagumpay sa pagpipinta. Ilang tao ang kayang pagsamahin ang kapaligiran at mga tao.



Pieter de Hooch. Mga manlalaro ng card sa isang maaraw na silid. 1658 Royal Art Collection, London

Mangyaring tandaan na sa isang katamtamang bahay sa canvas na "Mga Manlalaro ng Card" ay may isang painting na nakasabit sa isang mamahaling frame.

Muli itong nagpapakita kung gaano katanyag ang pagpipinta sa mga ordinaryong mamamayang Dutch. Pinalamutian ng mga pintura ang bawat tahanan: ang bahay ng isang mayamang burgher, isang mahinhin na naninirahan sa lungsod, at kahit isang magsasaka.



6. Jan Steen (1626-1679)



Jan Steen. Self-portrait na may lute. 1670s Museo ng Thyssen-Bornemisza, Madrid

Si Jan Steen ay marahil ang pinaka masayang "maliit" na Dutchman. Ngunit mapagmahal na moral na pagtuturo. Madalas niyang ilarawan ang mga tavern o mahirap na bahay kung saan umiiral ang bisyo.

Ang mga pangunahing tauhan nito ay mga mahilig magsaya at mga babaeng may madaling kabutihan. Nais niyang aliwin ang manonood, ngunit latently nagbabala sa kanya laban sa isang masamang buhay.



Jan Steen. Ang gulo. 1663 Kunsthistorisches Museum, Vienna

Si Sten ay mayroon ding mas tahimik na mga gawa. Tulad ng, halimbawa, "Morning Toilet." Ngunit dito rin ginugulat ng artist ang manonood sa mga detalyeng inilalantad. May mga bakas ng medyas na nababanat, at hindi isang walang laman na palayok ng silid. At kahit papaano ay hindi talaga angkop para sa aso na nakahiga mismo sa unan.



Jan Steen. Palikuran sa umaga. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

Ngunit sa kabila ng lahat ng kawalang-interes, ang mga scheme ng kulay ni Sten ay napaka-propesyonal. Dito siya ay nakahihigit sa maraming "maliit na Dutchmen". Tingnan kung gaano kahusay ang pulang stocking kasama ng asul na jacket at maliwanag na beige rug.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1682)



Larawan ni Ruisdael. Lithograph mula sa isang 19th century na libro.

Ang mga Dutch artist ay gumawa ng isang malaking kontribusyon sa gawain ng mga masters na nagsimula ng kanilang mga aktibidad noong ika-17 siglo at hindi huminto hanggang sa kasalukuyang panahon. Gayunpaman, nagkaroon sila ng impluwensya hindi lamang sa kanilang mga kasamahan, kundi pati na rin sa mga propesyonal sa panitikan (Valentin Proust, Donna Tartt) at photography (Ellen Kooi, Bill Gekas at iba pa).

Simula ng pag-unlad

Noong 1648, nakuha ng Holland ang kalayaan, ngunit para sa pagbuo ng isang bagong estado, ang Netherlands ay kailangang magtiis ng isang gawa ng paghihiganti sa bahagi ng Espanya, na pumatay ng humigit-kumulang 10 libong tao sa Flemish city ng Antwerp noong panahong iyon. Bilang resulta ng masaker, ang mga naninirahan sa Flanders ay lumipat mula sa mga teritoryong kontrolado ng mga awtoridad ng Espanya.

Batay dito, makatuwirang kilalanin na ang impetus para sa mga independiyenteng Dutch artist ay nagmula mismo sa pagkamalikhain ng Flemish.

Mula noong ika-17 siglo, ang parehong estado at artistikong sangay ay naganap, na humahantong sa pagbuo ng dalawang paaralan ng sining, na pinaghihiwalay ng nasyonalidad. Nagkaroon sila ng isang karaniwang pinagmulan, ngunit medyo naiiba sa kanilang mga katangian. Habang ang Flanders ay nanatili sa ilalim ng mga pakpak ng Katolisismo, ang Holland ay nakaranas ng isang ganap na bagong kaunlaran, simula noong ika-17 siglo.

kulturang Dutch

Noong ika-17 siglo, ang bagong estado ay nagsimula pa lamang sa landas ng pag-unlad nito, ganap na sinira ang mga ugnayan sa sining ng nakaraang panahon.

Ang labanan sa Espanya ay unti-unting humupa. Ang pambansang kalagayan ay nagsimulang masubaybayan sa mga sikat na lupon habang sila ay lumayo sa relihiyong Katoliko na dati nang ipinataw ng mga awtoridad.

Ang pamamahala ng Protestante ay may magkasalungat na pananaw sa dekorasyon, na humantong sa pagbawas sa mga gawa sa mga tema ng relihiyon, at sa hinaharap ay naglaro lamang sa mga kamay ng sekular na sining.

Hindi kailanman bago ngayon ay ang tunay na nakapaligid na katotohanan ay madalas na itinatanghal sa mga pagpipinta. Sa kanilang mga gawa, nais ng mga Dutch artist na magpakita ng ordinaryong pang-araw-araw na buhay nang walang pagpapaganda, pinong panlasa at maharlika.

Ang sekular na artistikong pagsabog ay nagbunga ng napakaraming direksyon tulad ng landscape, portrait, pang-araw-araw na genre at still life (ang pagkakaroon ng kung saan kahit na ang pinaka-binuo na mga sentro ng Italya at France ay hindi alam).

Ang sariling pananaw ng mga Dutch artist sa realismo, na ipinahayag sa mga portrait, landscape, panloob na mga gawa at still life painting, ay pumukaw ng interes sa kasanayang ito mula sa lahat ng antas ng lipunan.

Kaya, ang sining ng Dutch noong ika-17 siglo ay tinawag na "Golden Age of Dutch Painting", na sinisiguro ang katayuan nito bilang ang pinakanamumukod-tanging panahon sa pagpipinta sa Netherlands.

Mahalagang malaman: mayroong isang maling kuru-kuro na ang paaralang Dutch ay naglalarawan lamang ng pangkaraniwan ng pag-iral ng tao, ngunit ang mga panginoon ng mga panahong iyon ay walang pakundangan na sinira ang balangkas sa tulong ng kanilang kamangha-manghang mga gawa (halimbawa, "Landscape with John the Baptist" ni Bloemaert).

Mga artistang Dutch noong ika-17 siglo. Rembrandt

Si Rembrandt Harmensz van Rijn ay itinuturing na isa sa pinakamalaking artistikong figure sa Holland. Bilang karagdagan sa kanyang mga aktibidad bilang isang pintor, siya ay nakikibahagi din sa pag-uukit at nararapat na itinuturing na master ng chiaroscuro.

Ang kanyang legacy ay mayaman sa indibidwal na pagkakaiba-iba: mga portrait, genre scenes, still lifes, landscapes, pati na rin mga painting sa mga paksa ng kasaysayan, relihiyon at mitolohiya.

Ang kanyang kakayahang makabisado ang chiaroscuro ay nagpapahintulot sa kanya na mapahusay ang emosyonal na pagpapahayag at espirituwalidad ng isang tao.

Habang nagtatrabaho sa mga portrait, nagtrabaho siya sa mga ekspresyon ng mukha ng tao.

Kaugnay ng nakakabagbag-damdaming kalunos-lunos na mga pangyayari, ang kanyang mga huling akda ay napuno ng madilim na liwanag na naglantad sa malalalim na karanasan ng mga tao, bilang isang resulta kung saan ang kanyang makikinang na mga gawa ay naging walang interes sa sinuman.

Sa oras na iyon, ang fashion ay para sa panlabas na kagandahan nang walang mga pagtatangka na sumisid sa lalim, pati na rin ang naturalismo, na salungat sa lantad na pagiging totoo.

Ang bawat Ruso na mahilig sa pinong sining ay makikita ang pagpipinta na "The Return of the Prodigal Son" sa kanyang sariling mga mata, dahil ang gawaing ito ay nasa Hermitage Museum sa St.



Frans Hals

Si Frans Hals ay isang mahusay na Dutch artist at pangunahing pintor ng portrait na tumulong na ipakilala ang genre ng libreng pagsusulat sa sining ng Russia.

Ang gawaing nagbigay sa kanya ng katanyagan ay ang pagpipinta na pinamagatang “The Banquet of the Officers of the Rifle Company of St. George,” na ipininta noong 1616.



Masyadong natural ang mga gawa niyang portrait para sa panahong iyon, na salungat sa kasalukuyang panahon. Dahil sa katotohanan na ang artista ay nanatiling hindi naiintindihan, siya, tulad ng dakilang Rembrandt, ay nagtapos sa kanyang buhay sa kahirapan. Ang "The Gypsy" (1625-1630) ay isa sa kanyang pinakatanyag na mga gawa.



Jan Steen

Si Jan Steen ay isa sa mga pinaka-matalino at masayahing Dutch artist sa unang tingin. Sa pagpapatawa sa mga bisyo sa lipunan, mahilig siyang gumamit ng sining ng pangungutya ng lipunan. Habang nagbibigay-aliw sa manonood ng hindi nakakapinsala, nakakatawang mga larawan ng mga nagsasaya at mga babaeng may madaling kabutihan, talagang nagbabala siya laban sa gayong pamumuhay.



Ang artista ay mayroon ding mga mas kalmadong pagpipinta, halimbawa, ang gawaing "Morning Toilet," na sa unang tingin ay tila isang ganap na inosenteng kilos. Ngunit kung titingnan mo nang mabuti ang mga detalye, maaari kang lubos na mabigla sa kanilang mga paghahayag: ito ay mga bakas ng medyas na dating pinipiga ang mga binti, at isang palayok na puno ng isang bagay na hindi disente sa gabi, pati na rin ang isang aso na nagpapahintulot sa sarili na maging tama. sa unan ng may-ari.



Sa kanyang pinakamahusay na mga gawa, ang artist ay nangunguna sa kanyang mga kasamahan sa kanyang eleganteng mahusay na kumbinasyon ng mga palette ng kulay at mastery ng mga anino.

Iba pang mga Dutch artist

Ang artikulong ito ay nakalista lamang ng tatlong matatalinong tao sa dose-dosenang mga karapat-dapat na maging sa parehong listahan sa kanila:




Kaya, sa artikulong ito nakilala mo ang mga Dutch artist ng ika-17 siglo at ang kanilang mga gawa.

Tandaan. Bilang karagdagan sa mga artista mula sa Netherlands, kasama rin sa listahan ang mga pintor mula sa Flanders.

Ika-15 siglong Dutch art
Ang mga unang pagpapakita ng sining ng Renaissance sa Netherlands ay nagsimula noong unang bahagi ng ika-15 siglo. Ang mga unang pagpipinta na maaari nang mauuri bilang mga monumento ng maagang Renaissance ay nilikha ng magkapatid na Hubert at Jan van Eyck. Pareho silang - Hubert (namatay 1426) at Jan (circa 1390-1441) - gumanap ng isang mapagpasyang papel sa pagbuo ng Dutch Renaissance. Halos walang alam tungkol kay Hubert. Si Jan ay tila isang napaka-edukadong tao, nag-aral siya ng geometry, kimika, kartograpya, at nagsagawa ng ilang mga diplomatikong takdang-aralin para sa Duke ng Burgundy, Philip the Good, na kung saan ang serbisyo, sa pamamagitan ng paraan, ang kanyang paglalakbay sa Portugal ay naganap. Ang mga unang hakbang ng Renaissance sa Netherlands ay maaaring hatulan sa pamamagitan ng mga kuwadro na gawa ng mga kapatid, na isinagawa noong 20s ng ika-15 siglo, at kabilang sa mga ito tulad ng "Myrrh-Bearing Women at the Tomb" (maaaring bahagi ng polyptych; Rotterdam , Museum Boijmans van Beyningen), " Madonna sa Simbahan" (Berlin), "Saint Jerome" (Detroit, Art Institute).

Ang magkakapatid na Van Eyck ay sumasakop sa isang pambihirang lugar sa kontemporaryong sining. Ngunit hindi sila nag-iisa. Kasabay nito, ang iba pang mga pintor na estilista at may problemang nauugnay sa kanila ay nagtrabaho din sa kanila. Kabilang sa mga ito, ang unang lugar ay walang alinlangan na kabilang sa tinatawag na Flemal master. Maraming mapanlikhang pagtatangka ang ginawa upang matukoy ang kanyang tunay na pangalan at pinagmulan. Sa mga ito, ang pinaka-nakakumbinsi na bersyon ay ang artist na ito ay tumatanggap ng pangalang Robert Campin at isang medyo binuo na talambuhay. Dating tinatawag na Master of the Altar (o "Annunciation") ng Merode. Mayroon ding hindi kapani-paniwalang pananaw na nag-uugnay sa mga akdang iniuugnay sa kanya sa batang si Rogier van der Weyden.

Ito ay kilala tungkol sa Campin na siya ay ipinanganak noong 1378 o 1379 sa Valenciennes, natanggap ang pamagat ng master noong 1406 sa Tournai, nanirahan doon, gumanap, bilang karagdagan sa pagpipinta, maraming mga pandekorasyon na gawa, ay isang guro ng isang bilang ng mga pintor (kabilang ang Rogier van der Weyden, na tatalakayin sa ibaba - mula 1426, at Jacques Darais - mula 1427) at namatay noong 1444. Ang sining ni Kampen ay nagpapanatili ng pang-araw-araw na mga tampok sa pangkalahatang "pantheistic" na pamamaraan at sa gayon ay naging napakalapit sa susunod na henerasyon ng mga Dutch na pintor. Ang mga unang gawa nina Rogier van der Weyden at Jacques Darais, isang may-akda na labis na umaasa kay Campin (halimbawa, ang kanyang "Adoration of the Magi" at "The Meeting of Mary and Elizabeth," 1434–1435; Berlin), ay malinaw na nagbubunyag isang interes sa sining ng master na ito, kung saan walang alinlangan na lumilitaw ang takbo ng oras.

Si Rogier van der Weyden ay ipinanganak noong 1399 o 1400, sinanay sa ilalim ng Campin (iyon ay, sa Tournai), natanggap ang titulo ng master noong 1432, at noong 1435 ay lumipat sa Brussels, kung saan siya ang opisyal na pintor ng lungsod: noong 1449– 1450 naglakbay siya sa Italya at namatay noong 1464. Ang ilan sa mga pinakadakilang artista ng Dutch Renaissance ay nag-aral sa kanya (halimbawa, Memling), at nasiyahan siya sa malawak na katanyagan hindi lamang sa kanyang sariling bayan, kundi pati na rin sa Italya (ang sikat na siyentipiko at pilosopo. Tinawag siya ni Nicholas ng Cusa na pinakadakilang artista; kalaunan ay binanggit ni Dürer ang kanyang gawain). Ang akda ni Rogier van der Weyden ay nagsilbing batayan para sa iba't ibang uri ng pintor ng susunod na henerasyon. Sapat na para sabihin na ang kanyang workshop - ang unang ganoong malawak na organisadong workshop sa Netherlands - ay nagkaroon ng malakas na impluwensya sa hindi pa naganap na pagkalat ng estilo ng isang master noong ika-15 siglo, sa huli ay binawasan ang estilo na ito sa kabuuan ng mga diskarte sa stencil at naglaro pa nga. ang papel ng isang preno sa pagpipinta sa katapusan ng siglo. Gayunpaman, ang sining ng kalagitnaan ng ika-15 na siglo ay hindi maaaring bawasan sa tradisyon ng Rohir, kahit na ito ay malapit na konektado dito. Ang iba pang landas ay pangunahing inilarawan sa pamamagitan ng mga gawa ni Dirik Bouts at Albert Ouwater. Sila, tulad ni Rogier, ay medyo dayuhan sa panteistikong paghanga sa buhay, at ang kanilang imahe ng tao ay lalong nawawalan ng ugnayan sa mga tanong ng sansinukob - pilosopikal, teolohiko at masining na mga tanong, na nakakakuha ng higit at higit na konkreto at sikolohikal na katiyakan. Ngunit si Rogier van der Weyden, isang master ng pinataas na dramatikong tunog, isang artista na nagsusumikap para sa indibidwal at sa parehong oras na kahanga-hangang mga imahe, ay pangunahing interesado sa globo ng mga espirituwal na katangian ng tao. Ang mga nakamit ng Bouts at Ouwater ay nasa lugar ng pagpapahusay ng pang-araw-araw na pagiging tunay ng imahe. Kabilang sa mga pormal na problema, mas interesado sila sa mga isyu na may kaugnayan sa paglutas ng hindi gaanong nagpapahayag ng mga problema sa visual (hindi ang talas ng pagguhit at pagpapahayag ng kulay, ngunit ang spatial na organisasyon ng larawan at ang pagiging natural ng light-air na kapaligiran) .

Portrait of a Young Woman, 1445, Art Gallery, Berlin


St Ivo, 1450, National Gallery, London


Ipinipinta ni San Lucas ang imahe ng Madonna, 1450, Museum Groningen, Bruges

Ngunit bago magpatuloy upang isaalang-alang ang gawain ng dalawang pintor na ito, nararapat na pag-isipan ang isang kababalaghan sa isang mas maliit na sukat, na nagpapakita na ang mga pagtuklas ng sining sa kalagitnaan ng siglo, na parehong pagpapatuloy ng tradisyon ng Van Eyck-Campen at isang pag-alis. mula sa kanila, ay lubos na nabigyang-katwiran sa parehong mga katangiang ito. Ang mas konserbatibong pintor na si Petrus Christus ay malinaw na nagpapakita ng makasaysayang hindi maiiwasan ng apostasiya na ito, kahit na para sa mga artist na hindi hilig sa mga radikal na pagtuklas. Mula 1444, si Christus ay naging mamamayan ng Bruges (namatay siya doon noong 1472/1473) - iyon ay, nakita niya ang pinakamahusay na mga gawa ni van Eyck at naimpluwensyahan ng kanyang tradisyon. Nang hindi gumagamit ng matalas na aphorism ni Rogier van der Weyden, nakamit ni Christus ang isang mas indibidwal at naiibang katangian kaysa kay van Eyck. Gayunpaman, ang kanyang mga larawan (E. Grimston - 1446, London, National Gallery; Carthusian monghe - 1446, New York, Metropolitan Museum of Art) nang sabay-sabay ay nagpapahiwatig ng isang tiyak na pagbaba sa imagery sa kanyang trabaho. Sa sining, ang pananabik para sa konkreto, indibidwal, at partikular ay nagiging mas at mas maliwanag. Marahil ang mga tendensiyang ito ay malinaw na ipinakita sa gawain ng Bouts. Mas bata kaysa kay Rogier van der Weyden (ipinanganak sa pagitan ng 1400 at 1410), malayo siya sa dramatic at analytical na katangian ng master na ito. Ngunit ang mga maagang Bout ay nagmumula sa Rogier. Ang altar na may "The Descent from the Cross" (Granada, Cathedral) at ilang iba pang mga painting, halimbawa "Entombment" (London, National Gallery), ay nagpapahiwatig ng malalim na pag-aaral sa gawa ng artist na ito. Pero kapansin-pansin na ang originality dito - Bouts provides his characters with more space, he is interested not so much in the emotional environment as in the action, the very process of it, mas active ang mga characters niya. Ganoon din sa mga portrait. Sa napakagandang larawan ng isang tao (1462; London, National Gallery), na may panalanging itinaas - kahit na walang anumang kadakilaan - ang mga mata, isang espesyal na bibig at maayos na nakatiklop na mga kamay ay may isang indibidwal na pangkulay na hindi alam ni van Eyck. Kahit na sa mga detalye ay mararamdaman mo ang personal touch na ito. Ang isang medyo prosaic, ngunit inosenteng tunay na pagmuni-muni ay nakasalalay sa lahat ng mga gawa ng master. Ito ay pinaka-kapansin-pansin sa kanyang mga multi-figure compositions. At lalo na sa kanyang pinakatanyag na gawain - ang altar ng Louvain Church of St. Peter (sa pagitan ng 1464 at 1467). Kung palaging nakikita ng manonood ang gawa ni van Eyck bilang isang himala ng pagkamalikhain, paglikha, pagkatapos bago ang mga gawa ng Bouts, iba't ibang mga damdamin ang lumitaw. Ang komposisyonal na gawa ni Bouts ay nagsasalita tungkol sa kanya bilang isang direktor. Isinasaisip ang mga tagumpay ng naturang pamamaraan ng "direktor" (iyon ay, isang paraan kung saan ang gawain ng artista ay ayusin ang mga katangiang karakter, na parang kinuha mula sa kalikasan, upang ayusin ang isang eksena) sa mga susunod na siglo, dapat bigyang-pansin ito. phenomenon sa gawa ni Dirk Bouts.

Ang susunod na yugto ng sining ng Dutch ay sumasaklaw sa huling tatlo o apat na dekada ng ika-15 siglo - isang napakahirap na panahon para sa buhay ng bansa at kultura nito. Nagsisimula ang panahong ito sa gawain ni Jos van Wassenhove (o Jos van Ghent; sa pagitan ng 1435–1440 - pagkaraan ng 1476), isang pintor na may mahalagang papel sa pag-unlad ng bagong pagpipinta, ngunit umalis patungong Italya noong 1472, nag-acclimatize doon at organikong naging kasangkot sa sining ng Italyano. Ang kanyang altar na may "Crucifixion" (Ghent, Church of St. Bavo) ay nagpapahiwatig ng isang pagnanais para sa salaysay, ngunit sa parehong oras ay isang pagnanais na bawiin ang kuwento ng malamig na kawalan ng damdamin. Nais niyang makamit ang huli sa tulong ng biyaya at dekorasyon. Ang kanyang altar ay isang sekular na trabaho sa kalikasan na may light color scheme batay sa pinong iridescent tones.
Ang panahong ito ay nagpapatuloy sa gawain ng isang master ng pambihirang talento - Hugo van der Goes. Ipinanganak siya noong 1435, naging master sa Ghent noong 1467 at namatay noong 1482. Kasama sa mga pinakaunang gawa ni Hus ang ilang larawan ng Madonna at Bata, na nakikilala sa liriko na aspeto ng imahe (Philadelphia, Museum of Art, at Brussels, Museum), at ang pagpipinta na "St. Anne, Mary and Child and the Donor" (Brussels , Museo). Sa pagbuo ng mga natuklasan ni Rogier van der Weyden, nakikita ni Hus sa komposisyon na hindi gaanong paraan ng maayos na pag-aayos kung ano ang inilalarawan, ngunit isang paraan para sa pagtuunan ng pansin at pagtukoy sa emosyonal na nilalaman ng eksena. Ang isang tao ay kapansin-pansin kay Hus sa pamamagitan lamang ng lakas ng kanyang personal na damdamin. Kasabay nito, si Gus ay naaakit ng malungkot na damdamin. Gayunpaman, ang imahe ni Saint Genevieve (sa likod ng Lamentation) ay nagpapahiwatig na, sa paghahanap ng hubad na damdamin, nagsimulang bigyang-pansin ni Hugo van der Goes ang etikal na kahalagahan nito. Sa altar ng Portinari, sinubukan ni Hus na ipahayag ang kanyang pananampalataya sa mga espirituwal na kakayahan ng tao. Ngunit ang kanyang sining ay nagiging kaba at tensyonado. Iba-iba ang artistikong pamamaraan ni Hus - lalo na kapag kailangan niyang muling likhain ang espirituwal na mundo ng isang tao. Kung minsan, gaya ng pagbibigay ng reaksyon ng mga pastol, inihahambing niya ang malapit na damdamin sa isang tiyak na pagkakasunod-sunod. Minsan, tulad ng sa imahe ni Maria, binabalangkas ng artist ang mga pangkalahatang tampok ng karanasan, ayon sa kung saan kinukumpleto ng manonood ang pakiramdam sa kabuuan. Minsan - sa mga imahe ng isang singkit na mata na anghel o Margarita - siya ay gumagamit ng komposisyon o ritmikong mga diskarte upang maunawaan ang imahe. Minsan ang napaka-mailap ng sikolohikal na pagpapahayag ay nagiging isang paraan ng paglalarawan para sa kanya - ganito ang paglalaro ng salamin ng isang ngiti sa tuyo, walang kulay na mukha ni Maria Baroncelli. At ang mga pag-pause ay may malaking papel - sa spatial na desisyon at sa pagkilos. Nagbibigay ang mga ito ng pagkakataong mabuo ang isip at kumpletuhin ang pakiramdam na binalangkas ng artist sa larawan. Ang karakter ng mga imahe ni Hugo van der Goes ay palaging nakasalalay sa papel na dapat nilang gampanan bilang isang buo. Ang ikatlong pastol ay talagang natural, si Joseph ay ganap na sikolohikal, ang anghel sa kanyang kanan ay halos hindi totoo, at ang mga larawan nina Margaret at Magdalena ay kumplikado, gawa ng tao at binuo sa sobrang banayad na sikolohikal na mga gradasyon.

Palaging nais ni Hugo van der Goes na ipahayag at isama sa kanyang mga imahe ang espirituwal na kahinahunan ng isang tao, ang kanyang panloob na init. Ngunit sa esensya, ang pinakabagong mga larawan ng artist ay nagpapahiwatig ng lumalaking krisis sa trabaho ni Hus, dahil ang kanyang espirituwal na istraktura ay nabuo hindi sa pamamagitan ng isang kamalayan sa mga indibidwal na katangian ng isang tao, ngunit sa pamamagitan ng trahedya na pagkawala ng pagkakaisa ng tao at ng mundo para sa ang artista. Sa huling gawain - "The Death of Mary" (Bruges, Museum) - ang krisis na ito ay nagreresulta sa pagbagsak ng lahat ng malikhaing hangarin ng artist. Ang kawalan ng pag-asa ng mga apostol ay walang pag-asa. Walang kabuluhan ang mga kilos nila. Lumulutang sa ningning, si Kristo, kasama ang kanyang pagdurusa, ay tila binibigyang-katwiran ang kanilang pagdurusa, at ang kanyang mga nakatusok na palad ay ibinaling sa manonood, at ang isang pigura na walang tiyak na sukat ay lumalabag sa malakihang istraktura at kahulugan ng katotohanan. Imposible ring maunawaan ang lawak ng realidad ng karanasan ng mga apostol, dahil lahat sila ay may parehong damdamin. At ito ay hindi gaanong sa kanila tulad ng sa artist. Ngunit ang mga maydala nito ay talagang pisikal at nakakumbinsi sa sikolohikal. Ang mga katulad na larawan ay muling bubuhayin sa ibang pagkakataon, nang sa pagtatapos ng ika-15 siglo sa kulturang Dutch ay natapos ang isang daang taon na tradisyon (sa Bosch). Isang kakaibang zigzag ang bumubuo sa batayan ng komposisyon ng pagpipinta at inayos ito: ang nakaupong apostol, ang nag-iisang hindi gumagalaw, nakatingin sa manonood, nakatagilid mula kaliwa pakanan, ang nakadapa na si Maria mula kanan pakaliwa, si Kristo na lumulutang mula kaliwa hanggang kanan. . At ang parehong zigzag sa scheme ng kulay: ang pigura ng nakaupo na tao ay nauugnay kay Maria sa kulay, ang isa na nakahiga sa isang mapurol na asul na tela, sa isang balabal din asul, ngunit sa sukdulan, matinding asul, pagkatapos - ang ethereal, hindi materyal na asul ni Kristo. At sa paligid ay ang mga kulay ng mga damit ng mga apostol: dilaw, berde, asul - walang katapusan na malamig, malinaw, hindi natural. Ang pakiramdam sa "The Assumption" ay hubad. Hindi ito nag-iiwan ng puwang para sa pag-asa o sangkatauhan. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, pumasok si Hugo van der Goes sa isang monasteryo; ang kanyang mga huling taon ay natabunan ng sakit sa isip. Tila, sa mga biographical na katotohanang ito ay makikita ng isang tao ang isang salamin ng mga trahedya na kontradiksyon na tinukoy ang sining ng master. Ang gawain ni Hus ay kilala at pinahahalagahan, at nakatawag ito ng pansin kahit sa labas ng Netherlands. Si Jean Clouet the Elder (Master of Moulins) ay lubhang naimpluwensyahan ng kanyang sining, alam at pinag-aralan ni Domenico Ghirlandaio ang Portinari altarpiece. Gayunpaman, hindi siya naiintindihan ng kanyang mga kasabayan. Ang sining ng Netherland ay patuloy na nakasandal sa ibang landas, at ang mga nakahiwalay na bakas ng impluwensya ng gawain ni Hus ay nagtatampok lamang sa lakas at paglaganap ng iba pang mga uso. Lumitaw ang mga ito nang ganap at tuluy-tuloy sa mga gawa ni Hans Memling.


Makalupang vanity, triptych, central panel,



Impiyerno, kaliwang panel ng triptych na "Earthly Vanities",
1485, Museo ng Fine Arts, Strastbourg

Si Hans Memling, na tila ipinanganak sa Seligenstadt, malapit sa Frankfurt am Main, noong 1433 (namatay noong 1494), ang artista ay nakatanggap ng mahusay na pagsasanay mula kay Rogier at, nang lumipat sa Bruges, nakakuha ng malawak na katanyagan doon. Ang medyo maagang mga gawa ay nagpapakita ng direksyon ng kanyang paghahanap. Ang mga prinsipyo ng liwanag at kahanga-hanga ay nakatanggap mula sa kanya ng isang mas sekular at makalupang kahulugan, at lahat ng bagay sa lupa - isang tiyak na perpektong kagalakan. Ang isang halimbawa ay ang altar na may Madonna, mga santo at mga donor (London, National Gallery). Sinisikap ni Memling na mapanatili ang pang-araw-araw na hitsura ng kanyang mga tunay na bayani at ilapit sa kanila ang kanyang mga huwarang bayani. Ang kahanga-hangang prinsipyo ay tumigil sa pagiging isang pagpapahayag ng ilang pantheistically nauunawaan pangkalahatang mga puwersa ng mundo at nagiging isang natural na espirituwal na pag-aari ng tao. Ang mga prinsipyo ng gawain ni Memling ay lumilitaw nang mas malinaw sa tinatawag na Floreins-Altar (1479; Bruges, Memling Museum), ang pangunahing yugto at ang kanang pakpak nito ay mahalagang mga libreng kopya ng mga kaukulang bahagi ng altar ng Munich ng Rogier. Siya ay tiyak na binabawasan ang laki ng altar, pinutol ang tuktok at gilid na mga bahagi ng komposisyon ni Rogier, binabawasan ang bilang ng mga numero at, parang, dinadala ang aksyon na mas malapit sa manonood. Ang kaganapan ay nawawala ang maringal na saklaw nito. Ang mga imahe ng mga kalahok ay nawawala ang kanilang pagiging kinatawan at nakakakuha ng mga pribadong tampok, ang komposisyon ay isang lilim ng malambot na pagkakaisa, at ang kulay, habang pinapanatili ang kadalisayan at transparency, ay ganap na nawawala ang malamig, matalim na sonority ni Rogirov. Tila nanginginig na may liwanag, malinaw na lilim. Ang higit pang katangian ay ang Annunciation (circa 1482; New York, Lehman collection), kung saan ginagamit ang scheme ni Rogier; Ang imahe ni Mary ay binibigyan ng mga tampok ng malambot na ideyalisasyon, ang anghel ay makabuluhang nabuo ang genre, at ang mga panloob na bagay ay pininturahan ng pag-ibig na parang Van Eyck. Kasabay nito, ang mga motif ng Italian Renaissance—mga garland, putti, atbp—ay lalong tumatagos sa gawa ni Memling, at nagiging mas nasusukat at malinaw ang compositional structure (triptych na may "Madonna and Child, Angel and Donor," Vienna). Sinusubukan ng artist na burahin ang linya sa pagitan ng konkreto, burgherly mundane na prinsipyo at ang idealizing, harmonious na isa.

Ang sining ni Memling ay nakakuha ng malapit na atensyon ng mga masters ng hilagang lalawigan. Ngunit interesado din sila sa iba pang mga tampok - ang mga nauugnay sa impluwensya ni Huss. Ang hilagang mga lalawigan, kabilang ang Holland, ay nahuli sa katimugan sa panahong iyon kapwa sa ekonomiya at espirituwal. Ang unang pagpipinta ng Dutch ay karaniwang hindi lumalampas sa huling medieval at provincial template, at ang antas ng craft nito ay hindi kailanman tumaas sa kasiningan ng mga Flemish artist. Sa huling quarter lamang ng ika-15 siglo nagbago ang sitwasyon salamat sa sining ng Hertgen tot sint Jans. Siya ay nanirahan sa Haarlem, kasama ang mga monghe na Johannite (kung saan utang niya ang kanyang palayaw - sint Jans ay nangangahulugang Saint John) at namatay na bata pa - dalawampu't walong taong gulang (ipinanganak sa Leiden (?) noong mga 1460/65, namatay sa Haarlem noong 1490- 1495). Malabo na naramdaman ni Hertgen ang pagkabahala na nag-aalala kay Hus. Ngunit, nang hindi umaangat sa kanyang kalunos-lunos na mga pananaw, natuklasan niya ang malambot na alindog ng simpleng pakiramdam ng tao. Siya ay malapit kay Hus sa kanyang interes sa panloob, espirituwal na mundo ng tao. Kabilang sa mga pangunahing gawa ni Goertgen ay isang altarpiece na pininturahan para sa mga Harlem Johannites. Ang kanang pakpak, na ngayon ay lagari sa magkabilang panig, ay nakaligtas mula rito. Ang panloob na bahagi nito ay kumakatawan sa isang malaking multi-figure na eksena ng pagluluksa. Nakamit ni Gertgen ang parehong mga gawaing itinakda ng oras: ang paghahatid ng init, pagiging makatao ng pakiramdam at paglikha ng isang napakahalagang nakakumbinsi na salaysay. Ang huli ay lalong kapansin-pansin sa labas ng pinto, kung saan inilalarawan ang pagsunog ng mga labi ni Juan Bautista ni Julian na Apostasya. Ang mga kalahok sa aksyon ay pinagkalooban ng labis na karakter, at ang aksyon ay nahahati sa isang bilang ng mga independiyenteng mga eksena, na ang bawat isa ay ipinakita ng matingkad na pagmamasid. Sa kahabaan ng paraan, ang master ay lumilikha, marahil, ang isa sa mga unang larawan ng grupo sa European art ng modernong panahon: na binuo sa prinsipyo ng isang simpleng kumbinasyon ng mga katangian ng portrait, inaasahan nito ang mga gawa ng ika-16 na siglo. Ang kanyang "Pamilya ni Kristo" (Amsterdam, Rijksmuseum), na ipinakita sa loob ng simbahan, na binibigyang kahulugan bilang isang tunay na spatial na kapaligiran, ay nagbibigay ng maraming para sa pag-unawa sa gawain ni Geertgen. Ang mga figure sa harapan ay nananatiling makabuluhan, hindi nagpapakita ng anumang mga damdamin, pinapanatili ang kanilang pang-araw-araw na hitsura nang may kalmado na dignidad. Lumilikha ang artist ng mga imahe na marahil ang pinaka-burgher sa kalikasan sa sining ng Netherlands. Kasabay nito, makabuluhan na naiintindihan ni Gertgen ang lambing, tamis at ilang kawalang-muwang hindi bilang mga panlabas na katangian na mga palatandaan, ngunit bilang ilang mga katangian ng espirituwal na mundo ng isang tao. At ang pagsasanib ng burgher na pakiramdam ng buhay na may malalim na emosyonalidad ay isang mahalagang katangian ng gawain ni Gertgen. Ito ay hindi nagkataon na hindi niya binigyan ang espirituwal na paggalaw ng kanyang mga bayani ng isang dakila, unibersal na karakter. Para bang sadyang pinipigilan niyang maging kakaiba ang kanyang mga bayani. Dahil dito, hindi sila mukhang indibidwal. Sila ay may lambing at walang ibang damdamin o kakaibang pag-iisip; ang mismong kalinawan at kadalisayan ng kanilang mga karanasan ay nagpapalayo sa kanila sa pang-araw-araw na buhay. Gayunpaman, ang resultang ideality ng imahe ay hindi kailanman tila abstract o artipisyal. Ang mga tampok na ito ay nakikilala rin ang isa sa mga pinakamahusay na gawa ng artist, ang "Pasko" (London, National Gallery), isang maliit na pagpipinta na nagtatago ng mga damdamin ng pananabik at pagkagulat.
Maagang namatay si Gertgen, ngunit ang mga prinsipyo ng kanyang sining ay hindi nanatili sa kalabuan. Gayunpaman, ang Master of the Brunswick diptych ("Saint Bavo", Brunswick, Museum; "Christmas", Amsterdam, Rijksmuseum) at ilang iba pang hindi kilalang masters na pinakamalapit sa kanya, na pinakamalapit sa kanya, ay hindi gaanong bumuo ng mga prinsipyo ni Hertgen bilang bigyan sila ng katangian ng isang malawakang pamantayan. Marahil ang pinakamahalaga sa kanila ay ang Master of Virgo inter virgines (pinangalanan pagkatapos ng pagpipinta ng Amsterdam Rijksmuseum na naglalarawan kay Maria sa mga banal na birhen), na hindi gaanong naakit sa sikolohikal na pagbibigay-katwiran ng damdamin, ngunit sa talas ng pagpapahayag nito sa maliit, sa halip araw-araw at kung minsan ay halos sadyang pangit na mga pigura ( "Entombment", St. Louis, Museum; "Lamentation", Liverpool; "Annunciation", Rotterdam). Ngunit din. ang kanyang akda ay higit na katibayan ng pagkaubos ng isang siglong gulang na tradisyon kaysa pagpapahayag ng pag-unlad nito.

Ang isang matalim na pagbaba sa antas ng sining ay kapansin-pansin din sa sining ng mga lalawigan sa timog, na ang mga panginoon ay lalong hilig na madala ng mga hindi gaanong mahalagang pang-araw-araw na mga detalye. Ang mas kawili-wili kaysa sa iba ay ang mismong salaysay na Master of the Legend of St. Ursula, na nagtrabaho sa Bruges noong 80-90s ng 15th century (“The Legend of St. Ursula”; Bruges, Convent of the Black Sisters), ang hindi kilalang may-akda ng mga larawan ng mga mag-asawang Baroncelli na walang kasanayan (Florence, Uffizi), at isa ring napakatradisyunal na Bruges Master ng alamat ng St. Lucia (Altar of St. Lucia, 1480, Bruges, Church of St. James, polyptych din, Tallinn, Museo). Ang pagbuo ng walang laman, maliit na sining sa pagtatapos ng ika-15 siglo ay ang hindi maiiwasang antithesis ng paghahanap nina Huss at Hertgen. Nawala ng tao ang pangunahing suporta ng kanyang pananaw sa mundo - ang pananampalataya sa maayos at kanais-nais na kaayusan ng uniberso. Ngunit kung ang karaniwang kahihinatnan nito ay ang kahirapan lamang ng nakaraang konsepto, kung gayon ang isang mas malapit na pagtingin ay nagsiwalat ng pagbabanta at mahiwagang mga tampok sa mundo. Upang masagot ang hindi malulutas na mga tanong noong panahong iyon, ginamit ang huling mga alegorya ng medieval, demonolohiya, at madilim na hula ng Banal na Kasulatan. Sa mga kondisyon ng lumalagong talamak na mga kontradiksyon sa lipunan at malubhang salungatan, lumitaw ang sining ni Bosch.

Si Hieronymus van Aken, na may palayaw na Bosch, ay isinilang sa 's-Hertogenbosch (namatay doon noong 1516), iyon ay, malayo sa mga pangunahing sentrong pangsining ng Netherlands. Ang kanyang mga unang gawa ay hindi walang pahiwatig ng ilang primitiveness. Ngunit kakaiba na nilang pinagsama ang isang matalim at nakakagambalang kahulugan ng buhay ng kalikasan na may malamig na katarantaduhan sa paglalarawan ng mga tao. Tumugon ang Bosch sa takbo ng modernong sining - kasama ang pananabik nito para sa tunay, kasama ang pagkonkreto nito ng imahe ng isang tao, at pagkatapos - ang pagbawas ng papel at kahalagahan nito. Dinadala niya ang tendensiyang ito sa isang tiyak na limitasyon. Sa sining ng Bosch's satirical o, mas mahusay na sinabi, ang mga sarkastikong larawan ng sangkatauhan ay lumilitaw. Ito ang kanyang “Operation to remove the stones of stupidity” (Madrid, Prado). Ang operasyon ay isinagawa ng isang monghe - at dito lumilitaw ang isang masamang ngiti sa mga klero. Ngunit ang isa kung kanino ito ginawa ay masinsinang tumitingin sa manonood, at ang titig na ito ay nagdudulot sa atin na masangkot sa pagkilos. Ang pang-iinis ay tumaas sa trabaho ni Bosch; naiisip niya ang mga tao bilang mga pasahero sa barko ng mga hangal (ang pagpipinta at ang pagguhit nito ay nasa Louvre). Bumaling siya sa katutubong katatawanan - at sa ilalim ng kanyang mga kamay ay tumatagal ito sa isang madilim at mapait na lilim.
Dumating ang Bosch upang patunayan ang madilim, hindi makatwiran at baseng kalikasan ng buhay. Hindi lamang niya ipinapahayag ang kanyang pananaw sa mundo, ang kanyang pakiramdam sa buhay, ngunit binibigyan ito ng moral at etikal na pagtatasa. Ang "Haystack" ay isa sa pinakamahalagang gawa ng Bosch. Sa altar na ito, ang isang hubad na kahulugan ng katotohanan ay pinagsama sa alegorya. Ang haystack ay tumutukoy sa matandang kasabihang Flemish: "Ang mundo ay isang dayami: at lahat ay kumukuha mula dito kung ano ang maaari nilang makuha"; ang mga tao ay naghahalikan sa malinaw na paningin at nagpapatugtog ng musika sa pagitan ng isang anghel at ilang mala-demonyong nilalang; hinila ng mga kamangha-manghang nilalang ang kariton, at ang papa, ang emperador, at mga ordinaryong tao ay masaya at masunuring sumunod dito: ang ilan ay tumatakbo sa unahan, sumugod sa pagitan ng mga gulong at namatay, nadurog. Ang tanawin sa malayo ay hindi kapani-paniwala o hindi kapani-paniwala. At higit sa lahat - sa isang ulap - ay isang maliit na Kristo na nakataas ang kanyang mga kamay. Gayunpaman, mali na isipin na ang Bosch ay nakikitungo sa pamamaraan ng alegorikal na paghahalintulad. Sa kabaligtaran, sinisikap niyang tiyakin na ang kanyang ideya ay nakapaloob sa pinakadiwa ng masining na mga desisyon, upang ito ay lumitaw sa harap ng manonood hindi bilang isang naka-encrypt na salawikain o talinghaga, ngunit bilang isang pangkalahatan na walang kondisyon na paraan ng pamumuhay. Sa pamamagitan ng pagiging sopistikado ng imahinasyon na hindi pamilyar sa Middle Ages, pinupuno ni Bosch ang kanyang mga kuwadro na gawa ng mga nilalang na kakaibang pinagsama ang iba't ibang anyo ng hayop, o mga anyo ng hayop na may mga bagay ng walang buhay na mundo, na inilalagay ang mga ito sa malinaw na hindi kapani-paniwalang mga relasyon. Nagiging pula ang langit, lumilipad sa himpapawid ang mga ibon na nilagyan ng mga layag, gumagapang ang mga napakapangit na nilalang sa balat ng lupa. Ang mga isda na may mga paa ng kabayo ay bumubuka sa kanilang mga bibig, at sa tabi nila ay mga daga, na may bitbit sa kanilang mga likuran na buhay na mga kahoy na snags na pinagmumulan ng mga tao. Ang croup ng kabayo ay nagiging isang higanteng pitsel, at ang isang buntot na ulo ay lumabas sa isang lugar sa manipis na hubad na mga binti. Lahat ay gumagapang at lahat ay pinagkalooban ng matatalim, nakakamot na anyo. At lahat ng bagay ay nahawahan ng enerhiya: bawat nilalang - maliit, mapanlinlang, matiyaga - ay nilamon ng galit at nagmamadaling paggalaw. Binibigyan ng Bosch ang mga phantasmagoric na eksenang ito ng pinakadakilang panghihikayat. Inabandona niya ang imahe ng aksyon na nagbubukas sa harapan at pinalawak ito sa buong mundo. Siya imparts sa kanyang multi-figure dramatic extravaganzas isang nakakatakot na tono sa pagiging pangkalahatan nito. Minsan ay ipinakilala niya ang isang pagsasadula ng isang salawikain sa larawan - ngunit walang katatawanan na natitira dito. At sa gitna ay inilalagay niya ang isang maliit na walang pagtatanggol na pigurin ni St. Anthony. Ganito, halimbawa, ang altar na may "The Temptation of Saint Anthony" sa gitnang pinto mula sa Lisbon Museum. Ngunit pagkatapos ay ang Bosch ay nagpapakita ng isang hindi pa naganap na talamak, hubad na kahulugan ng katotohanan (lalo na sa mga eksena sa mga panlabas na pintuan ng nabanggit na altar). Sa mga mature na gawa ng Bosch ang mundo ay walang limitasyon, ngunit ang spatiality nito ay iba - hindi gaanong mabilis. Tila mas malinaw at damper ang hangin. Ganito isinulat ang “Juan sa Patmos”. Sa kabaligtaran ng pagpipinta na ito, kung saan ang mga eksena ng pagiging martir ni Kristo ay inilalarawan sa isang bilog, ang mga kamangha-manghang tanawin ay ipinakita: transparent, malinis, na may malawak na espasyo ng ilog, mataas na kalangitan at iba pa - trahedya at matindi ("Pagpapako sa Krus"). Ngunit mas patuloy na iniisip ni Bosch ang tungkol sa mga tao. Sinusubukan niyang makahanap ng sapat na pagpapahayag ng kanilang buhay. Gumagamit siya sa anyo ng isang malaking altar at lumikha ng isang kakaiba, phantasmagoric na engrandeng palabas ng makasalanang buhay ng mga tao - ang "Garden of Delights".

Ang pinakabagong mga gawa ng artista ay kakaibang pinagsama ang pantasya at katotohanan ng kanyang mga nakaraang gawa, ngunit sa parehong oras ay nailalarawan ang mga ito ng isang pakiramdam ng malungkot na pagkakasundo. Nagkalat ang mga clots ng masasamang nilalang na dating matagumpay na kumalat sa buong field ng larawan. Indibidwal, maliit, nagtatago pa rin sila sa ilalim ng puno, lumilitaw mula sa tahimik na mga sapa ng ilog, o tumatakbo sa mga desyerto na burol na natatakpan ng damo. Ngunit nabawasan sila sa laki at nawalan ng aktibidad. Hindi na sila umaatake sa mga tao. At siya (San Anthony pa rin) ay nakaupo sa pagitan nila - nagbabasa, nag-iisip ("Saint Anthony", Prado). Hindi interesado si Bosch sa pag-iisip ng posisyon ng isang tao sa mundo. Si Saint Anthony sa kanyang mga naunang gawa ay walang pagtatanggol, kaawa-awa, ngunit hindi nag-iisa - sa katunayan, siya ay pinagkaitan ng bahagi ng kalayaan na magpapahintulot sa kanya na makaramdam ng kalungkutan. Ngayon ang tanawin ay partikular na nauugnay sa isang tao, at sa gawain ni Bosch ay lumitaw ang tema ng kalungkutan ng tao sa mundo. Ang sining ng ika-15 siglo ay nagtatapos sa Bosch. Kinukumpleto ng trabaho ng Bosch ang yugtong ito ng mga dalisay na insight, pagkatapos ay matinding paghahanap at kalunus-lunos na pagkabigo.
Ngunit ang kalakaran na isinapersonal ng kanyang sining ay hindi lamang isa. Hindi gaanong nagpapakilala ang isa pang kalakaran na nauugnay sa gawain ng isang master ng isang hindi masusukat na mas maliit na sukat - si Gerard David. Huli siyang namatay - noong 1523 (ipinanganak noong 1460). Ngunit, tulad ng Bosch, isinara niya ang ika-15 siglo. Ang kanyang mga unang gawa na (“The Annunciation”; Detroit) ay prosaically realistic; mga gawa mula sa pinakadulo ng 1480s (dalawang mga kuwadro na gawa sa balangkas ng pagsubok ng Cambyses; Bruges, Museo) ay nagpapakita ng malapit na koneksyon sa Bouts; mas mahusay kaysa sa iba ang mga komposisyon na may likas na liriko na may binuo, aktibong landscape na kapaligiran (“Magpahinga sa Paglipad patungong Egypt”; Washington, National Gallery). Ngunit ang imposibilidad para sa master na lumampas sa mga hangganan ng siglo ay malinaw na nakikita sa kanyang triptych na may "Bautismo ni Kristo" (unang bahagi ng ika-16 na siglo; Bruges, Museo). Ang lapit at maliit na katangian ng pagpipinta ay tila direktang sumasalungat sa malaking sukat ng pagpipinta. Reality sa kanyang paningin ay wala ng buhay, emasculated. Sa likod ng tindi ng kulay ay walang espirituwal na pag-igting o pakiramdam ng kahalagahan ng sansinukob. Ang enamel style ng painting ay malamig, self-contained at walang emosyonal na layunin.

Ang ika-15 siglo sa Netherlands ay isang panahon ng mahusay na sining. Sa pagtatapos ng siglo, naubos na nito ang sarili. Ang mga bagong kondisyon sa kasaysayan at ang paglipat ng lipunan sa isa pang yugto ng pag-unlad ay nagdulot ng isang bagong yugto sa ebolusyon ng sining. Nagmula ito sa simula ng ika-16 na siglo. Ngunit sa Netherlands, na may orihinal na kumbinasyon ng sekular na prinsipyo na may relihiyosong pamantayan sa pagtatasa ng mga phenomena sa buhay, katangian ng kanilang sining, na nagmumula sa van Eycks, na may kawalan ng kakayahang makita ang isang tao sa kanyang sariling kakayahan, sa labas ng mga tanong. ng espirituwal na pakikipag-ugnayan sa mundo o sa Diyos - sa Netherlands mayroong isang bagong panahon na hindi maiiwasang dumating lamang pagkatapos ng pinakamalakas at pinakamalubhang krisis ng buong nakaraang pananaw sa mundo. Kung sa Italya ang High Renaissance ay isang lohikal na kinahinatnan ng sining ng Quattrocento, kung gayon sa Netherlands ay walang ganoong koneksyon. Ang paglipat sa isang bagong panahon ay naging lalong masakit, dahil higit sa lahat ay nagsasangkot ito ng pagtanggi sa nakaraang sining. Sa Italya, ang isang pahinga sa mga tradisyong medieval ay naganap noong ika-14 na siglo, at ang sining ng Renaissance ng Italya ay nagpapanatili ng integridad ng pag-unlad nito sa buong Renaissance. Sa Netherlands, iba ang sitwasyon. Ang paggamit ng medieval heritage noong ika-15 siglo ay naging mahirap na ilapat ang mga itinatag na tradisyon noong ika-16 na siglo. Para sa mga pintor ng Dutch, ang linya sa pagitan ng ika-15 at ika-16 na siglo ay naging nauugnay sa isang radikal na pagbabago sa kanilang pananaw sa mundo.