Ang Romanticism sa European painting-pagtatanghal sa Moscow Art Museum. Buod: Ang Romanticism bilang isang kalakaran sa art Landscapes ng panahon ng romantismo

direksyon

Ang Romanticism (fr. Romantisme) ay isang ideolohikal at masining na kalakaran sa kultura ng huling bahagi ng ika-18 siglo - ang unang kalahati ng ika-19 na siglo, na nailalarawan sa pamamagitan ng pagpapahayag ng tunay na halaga ng pang-espiritwal at malikhaing buhay ng indibidwal, ang imahe ng malakas (madalas mapanghimagsik) mga hilig at tauhan, isang ispiritwalisado at nakagagaling na kalikasan. Kumalat ito sa iba't ibang larangan ng aktibidad ng tao. Noong ika-18 siglo ang lahat ng kakaiba, kaakit-akit at mayroon nang mga libro, at hindi sa katotohanan, ay tinawag na romantiko. Sa simula ng ika-19 na siglo, ang romantikismo ay naging pagtatalaga ng isang bagong direksyon, kabaligtaran ng klasismo at ng Enlightenment.

Ipinanganak sa Alemanya. Ang tagapagbalita ng romantismo ay Tempest at Serbisyo at sentimentalismo sa panitikan.

Pinalitan ng Romanticism ang Age of Enlightenment at kasabay ng rebolusyong pang-industriya na minarkahan ng paglitaw ng steam engine, steam locomotive, steamboat, photography, at mga pabrika ng labas ng pabrika. Kung ang Enlightenment ay nailalarawan sa pamamagitan ng kulto ng pangangatwiran at isang sibilisasyon batay sa mga prinsipyo nito, pagkatapos ay iginiit ng romantismo ang kulto ng kalikasan, damdamin at natural sa tao. Ito ay sa panahon ng romantikismo na ang mga phenomena ng turismo, pamumundok at piknik ay nabuo, na idinisenyo upang maibalik ang pagkakaisa ng tao at kalikasan. Ang imahe ng isang "marangal na ganid" na armado ng "katutubong karunungan" at hindi nasira ng sibilisasyon ay hinihiling.

Ang kategorya ng dakila, sentro ng romantikismo, ay formulated sa pamamagitan ng Kant sa Critique of Judgment. Ayon kay Kant, mayroong isang positibong kasiyahan sa maganda, na ipinahayag sa kalmadong pagmumuni-muni, at mayroong isang negatibong kasiyahan sa dakila, walang anyo, walang katapusan, na sanhi ng hindi kagalakan, ngunit ang pagkamangha at pag-unawa. Ang pagluwalhati ng dakila ay nauugnay sa interes ng romantismo sa kasamaan, ang nakaka-inggila at ang diyalekto ng mabuti at kasamaan ("Bahagi ako ng puwersa na laging nagnanais ng kasamaan at laging gumagawa ng mabuti").

Ang nakapapaliwanag na ideya ng pag-usad at ang ugali na itapon ang lahat ng bagay na "hindi na napapanahon at lipas na" romantiko ay sumasalungat sa interes sa alamat, alamat, engkanto, sa karaniwang tao, isang pagbabalik sa mga ugat at likas sa kalikasan.

Ang ugali tungo sa atheism ay tutol ng romantismo sa muling pag-iisip ng relihiyon. "Ang tunay na relihiyon ay ang pakiramdam at lasa ng kawalang-hanggan" (Schleiermacher). Ang deistic na konsepto ng Diyos bilang Kataas-taasang Dahilan ay tutol sa panteismo at relihiyon bilang isang uri ng kahalayan, ang ideya ng Buhay na Diyos.

Sa mga salita ni Benedetto Croce: "Ang pilosopikal na romantikismo ay itinaas ang banner ng kung minsan ay tinatawag na hindi tumpak na intuwisyon at pantasya, sa pagtutol sa malamig na dahilan, abstract na talino." Prof. Sinabi ni Jacques Barzen na ang romantikismo ay hindi maituturing na isang paghihimagsik laban sa dahilan: ito ay isang paghihimagsik laban sa mga makatuwiran na abstraction. Ayon sa prof. G. Skolimovsky: "Ang pagkilala sa lohika ng puso (tungkol sa kung saan sinabi ni Pascal na malinaw na nagsasalita), ang pagkilala sa intuwisyon at isang mas malalim na kahulugan ng buhay ay katumbas ng muling pagkabuhay ng isang taong maaaring lumipad. Ito ay sa pagtatanggol ng mga halagang ito, laban sa pagsalakay ng materyalistang pilistiko, makitid na pragmatismo at mekanistikong empiricism, ang romantikong iyon ay naghimagsik ”.

Ang nagtatag ng pilosopiyang romantiko: ang magkakapatid na Schlegel (August Wilhelm at Friedrich), Novalis, Hölderlin, Schleiermacher.

Mga Kinatawan: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Karl Friedrich Lessing, Karl Spitzweg, Karl Blechen, Albert Bierstadt, Frédéric Edwin Churchon, Lucy Jones Evr.

Ang pag-unlad ng romantismo sa pagpipinta ay nagpatuloy sa matinding polemics na may mga tagasunod ng klasismo. Pinahiya ng mga romantiko ang kanilang mga hinalinhan para sa kanilang "malamig na katuwiran" at kawalan ng isang "kilusan sa buhay". Noong 1920s at 1930s, ang mga gawa ng maraming mga artista ay nakikilala sa pamamagitan ng mga pathos at kinakabahan na kaguluhan; sa kanila mayroong isang ugali patungo sa mga kakaibang motibo at pag-play ng imahinasyon, na maaaring humantong sa malayo sa "mapurol na pang-araw-araw na buhay." Ang pakikibaka laban sa mga nakapirming pamantayan ng klasista ay tumagal nang mahabang panahon, halos kalahating siglo. Ang una na nagawang pagsamahin ang bagong direksyon at "bigyang katwiran" romantismo ay si Theodore Gericault.

Ang isa sa mga sangay ng romantikismo sa pagpipinta ay ang estilo ng Biedermeier.

Ang romantikismo ay unang lumitaw sa Alemanya, sa bilog ng mga manunulat at pilosopo ng paaralang Jena (V.G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, magkakapatid na F. at A. Schlegel). Ang pilosopiya ng romantikismo ay sistematiko sa mga gawa nina F. Schlegel at F. Schelling

Bahagi ito ng isang artikulo sa Wikipedia na may lisensya sa ilalim ng lisensya ng CC-BY-SA. Ang buong teksto ng artikulo ay narito →

Sa huling bahagi ng ika-18 at unang bahagi ng ika-19 na siglo, ang mga ideya ng klasismo at ang Enlightenment ay nawala ang kanilang pagiging kaakit-akit at kaugnayan. Ang bago na, bilang tugon sa mga canonical na pamamaraan ng klasismo at mga teoryang moral na panlipunan ng Paliwanag, ay bumaling sa tao, ang kanyang panloob na mundo, ay nakakuha ng lakas at nakuha ang mga isip. Ang Romanticism ay laganap sa lahat ng larangan ng buhay pangkulturang pilosopiya. Sinubukan ng mga musikero, artista at manunulat sa kanilang mga gawa na ipakita ang mataas na tadhana ng tao, ang kanyang mayamang mundo ng espiritu, ang lalim ng mga damdamin at karanasan. Mula ngayon, ang tao sa kanyang panloob na pakikibaka, mga espiritwal na paghahanap at karanasan, at hindi "malabo" na mga ideya ng pangkalahatang kapakanan at kaunlaran, ay naging nangingibabaw na tema sa mga likhang sining.

Romantismo sa pagpipinta

Ang mga pintor ay nagpapahiwatig ng lalim ng mga ideya at kanilang mga personal na karanasan sa pamamagitan ng nilikha sa tulong ng komposisyon, kulay, mga accent. Ang iba't ibang mga bansa sa Europa ay may kani-kanilang mga kakaibang katangian sa interpretasyon ng mga romantikong imahe. Ito ay dahil sa mga pilosopiko na kalakaran, pati na rin ang sitwasyong sosyo-pampulitika, kung saan ang sining ay isang buhay na tugon. Walang pagbubukod ang pagpipinta. Pinaghiwalay sa maliliit na punong pamunuan at duchies, ang Alemanya ay hindi nakaranas ng mga seryosong kaguluhan sa lipunan, ang mga artista ay hindi lumikha ng mga napakalaking canvases na naglalarawan ng mga bayani ng titan, dito ang malalim na espirituwal na mundo ng tao, ang kanyang kagandahan at kadakilaan, pakikipagsapalaran sa moralidad ay interesado. Samakatuwid, ang romantikismo sa pagpipinta ng Aleman ay pinaka-ganap na kinakatawan sa mga larawan at landscape. Ang mga gawa ni Otto Runge ay mga klasikong halimbawa ng ganitong uri. Sa mga larawang ginawa ng pintor, sa pamamagitan ng banayad na pagpapaliwanag ng mga tampok sa mukha, mga mata, sa pamamagitan ng kaibahan ng ilaw at anino, ang pagnanais ng artista na ipakita ang magkasalungat na pagkatao, ang kapangyarihan at lalim ng pakiramdam nito ay naiparating. Sa pamamagitan ng tanawin, isang bahagyang kamangha-mangha, pinalaking imahe ng mga puno, bulaklak at ibon, sinubukan din ng pintor na tuklasin ang pagkakaiba-iba ng pagkatao ng tao, ang pagkakatulad nito sa kalikasan, magkakaiba at hindi kilala. Ang isang kapansin-pansin na kinatawan ng romantismo sa pagpipinta ay ang pintor ng tanawin na si KD Friedrich, na binigyang diin ang lakas at kapangyarihan ng kalikasan, mabundok, mga tanawin ng dagat, katinig sa tao.

Ang romantikismo sa pagpipinta ng Pransya ay binuo ayon sa iba`t ibang mga prinsipyo. Ang mga rebolusyonaryong pag-aalsa at mabagbag na buhay panlipunan ay ipinamalas ang kanilang sarili sa pagpipinta ng gravitation ng mga artist patungo sa naglalarawan ng makasaysayang at kamangha-manghang mga paksa, na may mga pathos at "kinakabahan" na kaguluhan, na nakamit ng maliwanag na kaibahan ng kulay, pagpapahayag ng mga paggalaw, ilang kaguluhan, kusang komposisyon. Ang pinaka-ganap at malinaw na romantikong mga ideya ay ipinakita sa mga gawa ni T. Gericault, E. Delacroix. Mahusay na ginamit ng mga artista ang kulay at ilaw, lumilikha ng isang pulsating lalim ng damdamin, isang dakilang salpok para sa pakikibaka at kalayaan.

Romantismo sa pagpipinta ng Russia

Ang kaisipang panlipunan ng Russia ay malinaw na tumugon sa mga bagong uso at uso na umuusbong sa Europa. at pagkatapos ang giyera kasama si Napoleon - ang mga makabuluhang pangyayari sa kasaysayan na pinaka-seryosong naimpluwensyahan ang mga pilosopiko at kulturang pansaliksik ng mga intelihente ng Russia Ang romantismo sa pagpipinta ng Rusya ay kinakatawan sa tatlong pangunahing mga tanawin, napakalaking sining, kung saan ang impluwensya ng klasismo ay napakalakas, at ang mga romantikong ideya ay malapit na naidikit sa mga akademikong canon.

Sa simula ng ikalabinsiyam na siglo, mas maraming pansin ang binigyan ng paglalarawan ng malikhaing intelektuwal, makata at artista ng Russia, pati na rin mga ordinaryong tao at magsasaka. Sinubukan ni Kiprensky, Tropinin, Bryullov na ipakita ang lahat ng lalim at kagandahan ng pagkatao ng isang tao, sa pamamagitan ng isang sulyap, pagliko ng ulo, mga detalye ng isang kasuutan upang maiparating ang espiritwal na pakikipagsapalaran, ang kalikasang mapagmahal sa kalayaan ng kanilang "mga modelo ". Mahusay na interes sa personalidad ng tao, ang gitnang lugar nito sa sining ay nag-ambag sa yumayabong na genre ng self-portrait. Bukod dito, ang mga artista ay hindi nagpinta ng mga larawan sa sarili upang mag-order, ito ay isang malikhaing salpok, isang uri ng pag-uulat sa sarili sa mga kapanahon.

Ang mga landscape sa mga gawa ng romantics ay nakikilala din sa kanilang pagka-orihinal. Ang romantikismo sa pagpipinta ay sumasalamin at naghahatid ng kundisyon ng isang tao, ang tanawin ay dapat na sumabay sa kanya. Iyon ang dahilan kung bakit sinubukan ng mga artista na ipakita ang mapanghimagsik na likas na katangian ng kalikasan, ang lakas at kusang ito. Ang Orlovsky, Shchedrin, na naglalarawan ng elemento ng dagat, mga makapangyarihang puno, mga saklaw ng bundok, sa isang banda, ay naghahatid ng kagandahan at maraming kulay ng mga tunay na tanawin, sa kabilang banda, lumikha sila ng isang tiyak na emosyonal na kondisyon.

Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Dagat. Maaraw na araw »Pribadong koleksyon ng Romantismo

John Constable "Mga Autumn Berry at Bulaklak sa isang Brown Pot" Romantismo

Thomas Sully "Portrait of Miss Mary and Emily McEwen", 1823 Los Angeles County Museum of Art, USA Romanticism

William Mo Eagley "Tulad ng baluktot ng maliit na sanga, ang puno ay nakahilig", 1861 Philadelphia Museum of Art, USA Romanticism Ang pagpipinta ay pinangalanan pagkatapos ng salawikain na "Tulad ng twig ay baluktot, ang puno ay may hilig". Analogue sa Russian "Kung saan patungo ang puno, doon nahulog."

Ivan Konstantinovich Aivazovsky "View of Teflis from Seyd-Abad", 1868 National Gallery of Armenia, Yerevan Romanticism Seid-Abad ay isang isang-kapat sa Tiflis, sikat sa mga pampaligo na asupre at hindi maigpong mga dumadalo sa paliguan. Pinag-uusapan ang tungkol sa Seid-Abad, hindi maiiwasan ng isang tao ang kasaysayan ng sikat na Abanotubani - Banny quarter. Maraming pangalan ito. Mayroong isang alamat na ang isang tiyak na takas mula sa hangganan na pashalyk, na may isang lamig sa ...

Karl Pavlovich Bryullov "Portrait of the Most Serene Princess Elizabeth Pavlovna Saltykova", 1841 Russian Museum, St. Petersburg Romanticism Ang prinsesa ay inilalarawan na nakaupo sa isang armchair sa terasa ng kanyang estate. Sa canvas na ito, na puno ng mga liriko na malulungkot na tala, lumikha si Bryullov ng isang patula na imahe ng kanyang pangunahing tauhang babae. Si Elizaveta Pavlovna Saltykova (née Stroganova), anak na babae ni Count Stroganov, isang pilantropo at pangunahing industriyalista. Si Bryullov ay palaging naaakit ng mga kababaihan mula sa marangal na pamilya ....

Remy-Furcy Descarsen "Portrait of Dr. de S. naglalaro ng chess with Death", 1793 Museum of the French Revolution, Vizius, France Romanticism Paghuhusgahan ng inskripsyon sa frame ng pagpipinta, ang canvas ay ipininta ng artist noong 1793, ilang sandali bago ang kanyang kamatayan (ang artist ay pinatay para sa simpatiya para sa kontra-rebolusyon) at ang kanyang huling trabaho. Sa mahabang panahon, ang larawan ay itinatago sa mga pribadong koleksyon at ...

Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Foggy Umaga sa Italya", 1864 Feodosia Art Gallery na pinangalanang pagkatapos ng I.K. Aivazovsky, Feodosia Romanticism Noong 1840, nagpunta ang Aivazovsky sa Italya. Doon ay nakilala niya ang mga kilalang pigura ng panitikan, sining, agham ng Russia - Gogol, Alexander Ivanov, Botkin, Panaev. Kasabay nito, noong 1841, binago ng artist ang kanyang apelyido sa Aivazovsky. Ang mga aktibidad ng artista sa ...

Joshua Reynolds "Portrait of the Waldgrave Sisters", 1780 National Gallery of Scotland, Edinburgh Romanticism Para sa larawan ng mga kapatid na Waldgrave, pinili ni Reynolds ang uri ng "pang-usap na pagpipinta", tradisyonal para sa pagpipinta sa Ingles. Inilarawan niya ang mga ito na nakaupo sa paligid ng isang mesa at gumagawa ng karayom. Ngunit sa kanyang pagganap ay nawawalan ng gawain ang pang-araw-araw na eksena. Hangad niyang itaas ang kanyang mga bida sa itaas ng pang-araw-araw na buhay. Ang mga babaeng puno ng kagandahang kabataan ay nakasuot ng puti ...

Ang pagtatanghal ay makikilala ang gawain ng mga natitirang pintor ng Pransya, Alemanya, Espanya at Inglatera ng panahon ng romantikismo.

Romantismo sa pagpipinta ng Europa

Ang Romanticism ay isang kalakaran sa espiritwal na kultura ng huling bahagi ng ika-18 - unang ikatlo ng ika-19 na siglo. Ang dahilan para sa paglitaw nito ay pagkabigo sa mga resulta ng French Revolution. Ang motto ng rebolusyon ay "Kalayaan, pagkakapantay-pantay, kapatiran!" naging utopian pala. Ang Napoleonic epic na sumunod sa rebolusyon at ang malungkot na reaksyon ay nagdulot ng isang kalagayan ng pagkadismaya sa buhay at pesimismo. Ang isang bagong naka-istilong sakit na "World Sorrow" ay mabilis na kumalat sa Europa, at isang bagong bayani ang lumitaw, naghahangad, gumagala sa buong mundo sa paghahanap ng isang perpekto, at mas madalas sa paghahanap ng kamatayan.

Nilalaman ng romantikong sining

Sa isang panahon ng malungkot na reaksyon, ang makatang Ingles na si George Byron ay naging master of thought. Ang bayani nito na si Childe Harold ay isang malungkot na nag-iisip, pinahihirapan ng pananabik, paglibot sa buong mundo sa paghahanap ng kamatayan at paghihiwalay sa buhay nang walang anumang panghihinayang. Ang aking mga mambabasa, sigurado ako, na naalala ngayon ang Onegin, Pechorin, Mikhail Lermontov. Ang pangunahing bagay na nakikilala ang isang romantikong bayani ay isang ganap na pagtanggi sa kulay-abo, pang-araw-araw na buhay. Ang romantikong at karaniwang tao ay mga kalaban.

"Oh, hayaan mo akong dumugo,

Ngunit bigyan mo ako ng puwang sa lalong madaling panahon.

Natatakot akong mabulunan dito

Sa mapahamak na mundo ng mga hucksters ...

Hindi, isang masamang bisyo ang mas mabuti

Pagnanakaw, karahasan, nakawan,

Kaysa moralidad ng bookkeeping

At ang birtud ng mabusog na mukha.

Hoy cloud ilayo mo ako

Sumama ka sa isang mahabang paglalakbay

Sa Lapland, o sa Africa,

O hindi bababa sa Stettin - sa kung saan! "

G. Heine

Ang pagtakas mula sa drab na pang-araw-araw na buhay ay nagiging pangunahing nilalaman ng sining ng romantikismo. Saan ang isang romantikong "tatakas" mula sa nakagawiang gawain at pagkabagot? Kung ikaw, mahal kong mambabasa, ay romantikong puso, madali mong masagot ang katanungang ito. Sa simula, ang malalayong nakaraan ay nagiging kaakit-akit sa aming bayani, madalas ang Middle Ages kasama ang marangal na mga kabalyero, paligsahan, mahiwagang kastilyo, Mga Magagandang Babae. Ang Middle Ages ay ideyal at niluwalhati sa mga nobela ni Walter Scott, Victor Hugo, sa tula ng mga makatang Aleman at Ingles, sa mga opera ni Weber, Meyerbeer, Wagner. Noong 1764, ang Walpole's Castle ng Otranto, ang unang nobelang panginginig sa Ingles na "Gothic", ay nai-publish. Sa Alemanya sa simula ng ika-19 na siglo, isinulat ni Ernest Hoffmann ang "Elixir of the Devil", sa pamamagitan ng paraan, pinapayuhan ko kayo na basahin ito. Pangalawa, ang globo ng purong kathang-isip, ang paglikha ng isang kathang-isip, kamangha-manghang mundo, ay naging isang magandang pagkakataon para sa isang romantikong "makatakas". Alalahanin si Hoffmann, ang kanyang "Nutcracker", "Little Tsakhes", "Golden Pot". Malinaw kung bakit ang mga nobela at kwento ni Tolkien tungkol kay Harry Potter ay napakapopular sa ating panahon. Palaging may pag-ibig! Ito ay isang estado ng pag-iisip, hindi ba?

Pangatlong paraan ang pag-alis ng romantikong bayani mula sa katotohanan - paglipad sa mga kakaibang bansa na hindi nagalaw ng sibilisasyon. Ang landas na ito ay humantong sa pangangailangan para sa isang sistematikong pag-aaral ng alamat. Ang batayan ng sining ng romantikismo ay nabuo ng mga ballad, alamat, epiko. Maraming mga gawa ng romantikong visual at musikal na sining na nauugnay sa panitikan. Si Shakespeare, Cervantes, Dante ay muling naging masters ng pag-iisip.

Romantismo sa visual arts

Sa bawat bansa, ang sining ng romantikismo ay nakakuha ng sarili nitong pambansang mga tampok, ngunit sa parehong oras, lahat ng kanilang mga gawa ay may maraming pagkakapareho. Ang lahat ng mga romantikong artista ay nagkakaisa ng isang espesyal na ugnayan sa kalikasan. Ang tanawin, taliwas sa mga gawa ng klasismo, kung saan nagsilbi lamang ito bilang isang dekorasyon, isang background, para sa mga romantiko ay nakakakuha ng isang kaluluwa. Ang tanawin ay tumutulong upang bigyang-diin ang estado ng bayani. Ito ay magiging kapaki-pakinabang upang ihambing european visual art ng romantikismo may arte at.

Mas gusto ng romantikong sining ang isang tanawin sa gabi, mga sementeryo, kulay-abo na mga fog, ligaw na mga bato, mga labi ng mga sinaunang kastilyo at monasteryo. Ang isang espesyal na pag-uugali patungo sa kalikasan ay nag-ambag sa pagsilang ng mga sikat na parke ng English na tanawin (alalahanin ang regular na mga parke ng Pransya na may tuwid na mga eskinita at pinutol na mga bushe at puno). Ang mga kwento at alamat ng nakaraan ay madalas na paksa ng mga kuwadro na gawa.

Paglalahad "Romanticism sa European Fine Arts" naglalaman ng isang malaking bilang ng mga guhit na nagpapakilala sa gawain ng mga natitirang romantikong artista ng Pransya, Espanya, Alemanya, Inglatera.

Kung interesado ka ng paksa, marahil ikaw, mahal na mambabasa, ay magiging interesado sa pagbabasa ng materyal ng artikulong " Romantismo: masigasig na kalikasan " sa art website na Arthive.

Natagpuan ko ang karamihan sa mga guhit sa mahusay na kalidad sa site Gallerix.ru... Para sa mga nais mag-usisa sa paksa, pinapayuhan ko kayo na basahin:

• Encyclopedia para sa mga bata. T.7. Art. - M.: Avanta +, 2000.
• Beckett V. Kasaysayan ng Pagpipinta. - M.: OOO Astrel Publishing House: OOO AST Publishing House, 2003.
• Mahusay na artista. Tomo 24. Francisco Jose de Goya y Lucientes. - M.: Publishing house na "Direct-Media", 2010.
• Mahusay na artista. Dami 32. Eugene Delacroix. - M.: Publishing house na "Direct-Media", 2010
• Dmitrieva N.A. Isang Maikling Kasaysayan ng Art. Isyu III: Mga Bansa ng Kanlurang Europa ng siglong XIX; Russia ng siglong XIX. - M.: Art, 1992
• Emohonova L.G. Kulturang sining sa mundo: Teksbuk. Isang gabay para sa mga mag-aaral. Miyerkules ped. mag aral. mga institusyon - M.: Publishing Center na "Academy", 1998.
• Lukicheva K.L. Ang kasaysayan ng pagpipinta sa mga obra maestra. - Moscow: Astra-Media, 2007.
• Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova World art culture. XIX siglo. - SPb.: Peter, 2007.
• Mini-encyclopedia. Paunang-Raphaelism. - Vilnius: VAB "BESTIARY", 2013.
• Samin D.K. Isang daang magagaling na artista. - M.: Veche, 2004.
• Freeman J. Kasaysayan ng Sining. - M.: "Astrel Publishing House", 2003.

Good luck!

Sanaysay ng pagsusulit

Paksa: "Romanticism bilang isang kalakaran sa sining".

Ginanap mag-aaral 11 "B" klase ng paaralan №3

Boyprav Anna

Lecturer ng World Art

kultura Butsu T.N.

brest 2002

1. Panimula

2. Ang mga dahilan para sa paglitaw ng romantismo

3. Ang mga pangunahing tampok ng romantikismo

4. Romantikong bayani

5. Romantismo sa Russia

a) Panitikan

b) Pagpipinta

c) Musika

6. Romantikismo sa Kanlurang Europa

a) Pagpipinta

b) Musika

7. Konklusyon

8. Mga Sanggunian

1. PANIMULA

Kung titingnan mo ang paliwanag na diksyunaryo ng wikang Ruso, mahahanap mo ang maraming kahulugan ng salitang "romantismo": 1. Ang kalakaran sa panitikan at sining ng unang isang-kapat ng ika-19 na siglo, na nailalarawan sa pag-ideyal ng nakaraan, paghihiwalay mula sa katotohanan, kulto ng pagkatao at tao. 2. Isang kalakaran sa panitikan at sining, na puno ng optimismo at pagnanais na ipakita sa matingkad na mga imahe ang mataas na layunin ng isang tao. 3. Kalaguan, napuno ng idealization ng realidad, mapangaraping pagninilay.

Tulad ng makikita mula sa kahulugan, ang romantismo ay isang hindi pangkaraniwang bagay na nagpapakita mismo hindi lamang sa sining, kundi pati na rin sa pag-uugali, pananamit, pamumuhay, sikolohiya ng mga tao at lumitaw sa mga puntong lumiliko ng buhay, samakatuwid ang tema ng romantikismo ay nauugnay ngayon. Nakatira kami sa pagsisimula ng siglo, nasa isang hakbang na transisyonal tayo. Kaugnay nito, sa lipunan, mayroong kakulangan ng pananampalataya sa hinaharap, kawalan ng kumpiyansa sa mga ideyal, mayroong pagnanais na makatakas mula sa nakapaligid na katotohanan patungo sa mundo ng sariling karanasan at sabay na maunawaan ito. Ang mga tampok na ito ay katangian ng romantikong sining. Iyon ang dahilan kung bakit pinili ko ang paksang "Romanticism bilang isang direksyon sa sining" para sa pagsasaliksik.

Ang Romanticism ay isang napakalaking layer ng iba't ibang mga uri ng sining. Ang layunin ng aking trabaho ay upang subaybayan ang mga kundisyon ng pinagmulan at ang mga dahilan para sa paglitaw ng romantismo sa iba't ibang mga bansa, upang siyasatin ang pagbuo ng romantismo sa ganoong mga uri ng sining tulad ng panitikan, pagpipinta at musika, at ihambing ang mga ito. Ang pangunahing gawain para sa akin ay upang i-highlight ang pangunahing mga tampok ng romantikismo, katangian ng lahat ng mga uri ng sining, upang matukoy kung anong impluwensyang ginawa ng romantikismo sa pagbuo ng iba pang mga uso sa sining.

Kapag binubuo ang paksa, gumamit ako ng mga aklat-aralin sa sining ng mga may-akda tulad ng Filimonova, Vorotnikov at iba pa, encyclopedias, monograp na nakatuon sa iba't ibang mga may-akda ng panahon ng romantismo, mga materyal na talambuhay ng mga may-akda tulad ng Aminskaya, Atsarkina, Nekrasov, atbp.

2. Mga DAHIL SA ROMANSA

Kung mas malapit tayo sa mga modernong panahon, mas maikli ang mga tagal ng panahon para sa pangingibabaw ng isang istilo o iba pa. Ang tagal ng panahon ng pagtatapos ng ika-18 hanggang ika-1 ikatlo ng ika-19 na siglo. ay itinuturing na panahon ng romantikismo (mula sa Pranses Romantique; isang bagay na mahiwaga, kakaiba, hindi totoo)

Ano ang nakaimpluwensya sa paglitaw ng isang bagong estilo?

Ito ang tatlong pangunahing kaganapan: ang Great French Revolution, ang Napoleonic Wars, ang pagtaas ng kilusang pambansang kalayaan sa Europa.

Ang mga kulog ng Paris ay umalingawngaw sa buong Europa. Ang slogan na "Kalayaan, pagkakapantay-pantay, kapatiran!" Nagtataglay ng napakalaking kaakit-akit na puwersa para sa lahat ng mga mamamayang Europa. Sa pagbuo ng mga burges na lipunan, nagsimulang kumilos ang manggagawa sa klase laban sa pyudal na kaayusan bilang isang malayang puwersa. Ang sumasalungat na pakikibaka ng tatlong klase - ang maharlika, burgesya at proletariat - ang naging batayan ng makasaysayang pag-unlad noong ika-19 na siglo.

Ang kapalaran ni Napoleon at ang kanyang tungkulin sa kasaysayan ng Europa sa loob ng 2 dekada, 1796-1815, ay sinakop ang isip ng kanyang mga kapanahon. "Ang pinuno ng mga saloobin" - sinabi ng A.S. Pushkin.

Para sa Pransya, ito ay mga taon ng kadakilaan at kaluwalhatian, kahit na ang gastos ng buhay ng libu-libong mga Pranses. Nakita ng Italya si Napoleon bilang tagapagpalaya nito. Ang mga Pol ay naka-pin sa kanya ng malaking pag-asa.

Si Napoleon ay kumilos bilang isang mananakop na kumikilos para sa interes ng burgis na Pransya. Para sa mga monarch ng Europa, hindi lamang siya kaaway ng militar, ngunit kinatawan din ng dayuhan na mundo ng burgesya. Kinamumuhian nila siya. Sa simula ng Napoleonic wars sa kanyang "Great Army" maraming direktang mga kalahok sa rebolusyon.

Ang pagkatao ni Napoleon mismo ay kahanga-hanga. Ang binatang si Lermontov ay tumugon sa ika-10 anibersaryo ng pagkamatay ni Napoleon:

Alien siya sa mundo. Sekreto ang lahat tungkol sa kanya

Isang araw ng pagtaas - at isang oras ng pagkahulog!

Ang sikretong ito ay nakakuha ng pansin ng mga romantiko.

Kaugnay ng mga giyera ng Napoleon at ang pagkahinog ng pambansang kamalayan sa sarili, ang panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagtaas ng kilusang pambansang kalayaan. Ang Alemanya, Austria, Espanya ay lumaban laban sa pananakop ng Napoleonic, Italya - laban sa pamatok ng Austrian, Greece - laban sa Turkey, sa Poland ay nakipaglaban sila laban sa Russian tsarism, Ireland - laban sa British.

Nasaksihan ng isang henerasyon ang isang nakakagulat na pagbabago.

Pinuno ng Pransya ang lahat: ang bagyo ng limang taon ng Rebolusyong Pransya, ang pagbangon at pagbagsak ni Robespierre, ang mga kampanya ng Napoleonic, ang unang pagdukot kay Napoleon, ang kanyang pagbabalik mula sa isla ng Elba ("isang daang araw") at ang panghuli

ang pagkatalo sa Waterloo, ang malungkot na ika-15 anibersaryo ng rehimeng panunumbalik, ang Rebolusyong Hulyo noong 1860, ang Rebolusyong Pebrero ng 1848 sa Paris, na nagsimula ng isang rebolusyonaryong alon sa ibang mga bansa.

Sa Inglatera, bilang isang resulta ng isang rebolusyong pang-industriya noong ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo. naitatag ang paggawa ng makina at mga kapitalistang relasyon. Ang repormasyong parliyamentaryo noong 1832 ay nalinis ang landas ng burgesya hanggang sa kapangyarihan ng estado.

Ang mga namumuno sa piyudal ay nanatili sa kapangyarihan sa mga lupain ng Alemanya at Austria. Matapos ang pagbagsak ng Napoleon, malupit silang nakitungo sa oposisyon. Ngunit kahit na sa lupa ng Aleman, isang lokomotibong singaw na dinala mula sa Inglatera noong 1831 ay naging isang kadahilanan sa pag-unlad ng burges.

Ang mga rebolusyong pang-industriya, mga rebolusyong pampulitika ang nagbago sa mukha ng Europa. "Ang burgesya, sa mas mababa sa isang daang taon ng pamamahala ng klase nito, ay lumikha ng mas maraming at kamangha-manghang produktibong puwersa kaysa sa lahat ng naunang henerasyon na pinagsama," isinulat ng mga siyentipikong Aleman na sina Marx at Engels noong 1848.

Kaya, ang Great French Revolution (1789-1794) ay minarkahan ang isang espesyal na milyahe na naghihiwalay sa bagong panahon mula sa edad ng Enlightenment. Binago hindi lamang ang mga anyo ng estado, ang istrukturang panlipunan ng lipunan, ang pag-aayos ng mga klase. Ang buong sistema ng mga representasyon, na nag-iilaw ng maraming siglo, ay inalog. Idolohikal na inihanda ng mga tagapaglarawan ang rebolusyon. Ngunit hindi nila napansin ang lahat ng mga kahihinatnan nito. Ang "kaharian ng pangangatuwiran" ay hindi naganap. Ang rebolusyon, na nagpahayag ng kalayaan ng indibidwal, ay nagbunga ng isang burgis na kautusan, isang diwa ng pagkamukuha at pagkamakasarili. Ito ang naging batayan ng kasaysayan para sa pagpapaunlad ng kulturang pansining, na nagsulong ng isang bagong direksyon - romantismo.

3. PANGUNAHING TAMPOK NG ROMANSA

Ang Romanticism bilang isang pamamaraan at direksyon sa kulturang pansining ay isang kumplikado at magkasalungat na kababalaghan. Sa bawat bansa, mayroon siyang isang malinaw na pambansang ekspresyon. Sa panitikan, musika, pagpipinta at teatro ay hindi madaling makahanap ng mga tampok na nagkakaisa sa Chateaubriand at Delacroix, Mickiewicz at Chopin, Lermontov at Kiprensky.

Sinakop ng mga Romantiko ang iba`t ibang mga posisyon sa lipunan at pampulitika sa lipunan. Lahat sila ay naghimagsik laban sa mga resulta ng burges na rebolusyon, ngunit sila ay naghimagsik sa iba't ibang paraan, dahil ang bawat isa ay mayroong sariling ideyal. Ngunit para sa lahat ng maraming panig at pagkakaiba-iba, ang romantikismo ay may matatag na mga tampok.

Ang pagkadismaya sa modernidad ay nagbunga ng isang espesyal interes sa nakaraan : sa pre-burgis na mga pormasyong panlipunan, sa patriarkal na sinaunang panahon. Maraming mga romantiko ang nailalarawan sa ideya na ang kaakit-akit na exoticism ng mga bansa sa timog at silangan - Italya, Espanya, Greece, Turkey - ay isang patulang kaibahan sa nakakainip na burgis na pang-araw-araw na buhay. Sa mga bansang ito, pagkatapos ay kaunti pa ring apektado ng sibilisasyon, ang mga romantiko ay naghahanap ng maliwanag, matitibay na mga tauhan, isang orihinal, makukulay na pamumuhay. Ang interes sa pambansang nakaraan ay nagbunga ng maraming mga gawaing pangkasaysayan.

Sa pagsisikap na tumaas, tulad ng higit sa tuluyan ng buhay, upang mapalaya ang magkakaibang mga kakayahan ng indibidwal, upang mapakinabangan ang sariling pagkamalikhain, tinutulan ng mga romantiko ang gawing pormalisasyon ng sining at ang deretsong matalino na diskarte dito, likas sa klasismo. Galing silang lahat pagtanggi ng Enlightenment at rationalistic canons ng klasismo, na nakuha ang malikhaing pagkukusa ng artista. At kung ang klasismo ay hinahati ang lahat sa isang tuwid na linya, sa masama at mabuti, sa itim at puti, kung gayon ang romantikismo ay hindi naghahati sa isang tuwid na linya. Ang klasismo ay isang sistema, ngunit ang romantikismo ay hindi. Ang Romantismo ay nagtaguyod ng pagsulong ng modernong panahon mula sa klasismo hanggang sa sentimentalismo, na nagpapakita ng panloob na buhay ng isang tao na kasuwato ng malawak na mundo. At ang romantismo ay sumasalungat sa pagkakaisa sa panloob na mundo. Ito ay sa romantismo na nagsisimulang lumitaw ang tunay na psychologism.

Ang pangunahing gawain ng romantikismo ay imahe ng panloob na mundo , buhay espiritwal, at magagawa ito batay sa mga kwento, mistisismo, atbp. Kinakailangan upang ipakita ang kabalintunaan ng panloob na buhay na ito, ang kawalang-katwiran nito.

Sa kanilang mga imahinasyon, binago ng mga romantiko ang hindi magandang tingnan na katotohanan o napunta sa mundo ng kanilang mga karanasan. Ang agwat sa pagitan ng pangarap at katotohanan, ang pagtutol ng magandang kathang-isip sa layunin na katotohanan ay nasa gitna ng buong romantikong kilusan.

Sa kauna-unahang pagkakataon, ang romantikismo ay nagdudulot ng problema sa wika ng sining. "Ang sining ay isang wika ng isang ganap na naiibang uri kaysa sa kalikasan; ngunit naglalaman din ito ng parehong milagrosong puwersa na tulad din ng lihim at hindi maunawaan na nakakaapekto sa kaluluwa ng tao "(Wackenroder at Thicke). Ang artista ay isang tagasalin ng wika ng kalikasan, isang tagapamagitan sa mundo ng espiritu at mga tao. "Salamat sa mga artista, ang sangkatauhan ay lumalabas bilang isang integral na sariling katangian. Sa kasalukuyan, pinag-iisa ng mga artista ang nakaraang mundo sa hinaharap na mundo. Ang mga ito ang pinakamataas na organ na pang-espiritwal kung saan ang mahahalagang pwersa ng kanilang panlabas na sangkatauhan ay nagtagpo sa bawat isa, at kung saan ang panloob na sangkatauhan ay nagpapakita ng una sa lahat ”(F. Schlegel).

Gayunpaman, ang romantikismo ay hindi isang homogenous na kalakaran: ang pag-unlad na ideyolohikal nito ay napunta sa iba't ibang direksyon. Kabilang sa mga romantiko ay ang mga reaksyunaryong manunulat, tagasunod ng matandang rehimen, na niluwalhati ang pyudal na monarkiya at Kristiyanismo. Sa kabilang banda, ang mga romantiko na may progresibong pananaw ay nagpahayag ng isang demokratikong protesta laban sa pyudal at lahat ng uri ng pang-aapi, isinama ang rebolusyonaryong salpok ng bayan para sa isang mas magandang kinabukasan.

Ang romantismo ay nag-iwan ng buong panahon sa kultura ng sining sa mundo, ang mga kinatawan nito ay: V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mitskevich, at iba pa; sa pinong sining nina E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky at iba pa; sa musika F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. List, F. Chopin at iba pa. Natuklasan at nabuo nila ang mga bagong genre, binigyan ng pansin ang kapalaran ng tao, isiniwalat ang diyalekto ng mabuti at masama, mastered na nagsiwalat ng mga hilig ng tao, atbp.

Ang mga anyo ng sining sa kanilang kahalagahan higit pa o mas mababa sa pantay at gumawa ng mga kahanga-hangang gawa ng sining, kahit na ang mga romantiko sa hagdan ng sining ay nagbigay ng priyoridad sa musika.

4. ROMANTIC HERO

Sino ang isang romantikong bayani at ano ang gusto niya?

Ito ay isang indibidwalista. Isang superman na nabuhay sa dalawang yugto: bago makipagbanggaan sa katotohanan, nakatira siya sa isang 'kulay-rosas' na estado, siya ay nagmamay-ari ng pagnanasa para sa mga nakamit, para sa pagbabago ng mundo; matapos harapin ang katotohanan, patuloy niyang isinasaalang-alang ang mundong ito na parehong bulgar at mayamot, ngunit hindi siya naging isang may pag-aalinlangan, isang pesimista. Sa isang malinaw na pag-unawa na walang mababago, ang pagnanasa para sa kabayanihan ay isinisilang muli sa isang pagnanais para sa mga panganib.

Ang Romantics ay maaaring magbigay ng walang hanggang pangmatagalang halaga sa bawat maliit na bagay, sa bawat kongkretong katotohanan, sa lahat ng bagay na isahan. Tinawag ito ni Joseph de Maistre na "the way of Providence", Germain de Stael - "ang mabungang sinapupunan ng walang kamatayang sansinukob." Si Chateaubriand sa "The Genius of Christianity", sa isang aklat na nakatuon sa kasaysayan, ay direktang tumuturo sa Diyos bilang simula ng oras ng kasaysayan. Lumilitaw ang lipunan bilang isang hindi matitinag na bono, "isang sinulid ng buhay na nag-uugnay sa atin sa ating mga ninuno at dapat nating ibigay sa ating mga inapo." Tanging ang puso ng isang tao, at hindi ang kanyang isip, ang makakaintindi at makarinig ng tinig ng Lumikha, sa pamamagitan ng kagandahan ng kalikasan, sa pamamagitan ng malalalim na damdamin. Ang kalikasan ay banal, ito ang mapagkukunan ng pagkakasundo at kapangyarihan ng malikhaing, ang mga talinghaga nito ay madalas na ilipat ng mga romantiko sa leksikong pampulitika. Ang puno para sa mga romantiko ay nagiging isang simbolo ng pamilya, kusang pag-unlad, pang-unawa sa mga katas ng katutubong lupain, isang simbolo ng pambansang pagkakaisa. Ang pagiging mas inosente at sensitibo sa kalikasan ng isang tao, mas madaling maririnig niya ang tinig ng Diyos. Ang isang bata, isang babae, isang marangal na kabataan na mas madalas kaysa sa iba ay nakakaunawa ng kawalang-kamatayan ng kaluluwa at ang halaga ng buhay na walang hanggan. Ang pagkauhaw ng mga Romantiko sa kaligayahan ay hindi limitado sa ideyalistang paghabol sa Kaharian ng Diyos pagkamatay.

Bilang karagdagan sa mistisong pag-ibig para sa Diyos, ang tao ay nangangailangan ng tunay, makamundong pag-ibig. Hindi magawang magtaglay ng layunin ng kanyang pag-iibigan, ang romantikong bayani ay naging isang walang hanggang martir, tiyak na maghintay para sa isang pagpupulong kasama ang kanyang minamahal sa kabilang buhay, "para sa dakilang pag-ibig ay karapat-dapat sa imortalidad kapag nagkakahalaga ang isang tao ng kanyang buhay."

Ang isang espesyal na lugar sa gawain ng romantics ay sinasakop ng problema ng pag-unlad at edukasyon ng indibidwal. Ang pagkabata ay walang mga batas, ang mga instant na salpok nito ay lumalabag sa moralidad ng publiko, pagsunod sa sarili nitong mga patakaran ng paglalaro ng bata. Sa isang may sapat na gulang, ang mga katulad na reaksyon ay humahantong sa kamatayan, sa pagkondena ng kaluluwa. Sa paghahanap ng kaharian sa langit, dapat maunawaan ng isang tao ang mga batas ng tungkulin at moralidad, doon lamang siya makakaasa ng buhay na walang hanggan. Dahil ang tungkulin ay idinidikta sa mga romantiko ng kanilang pagnanais na makakuha ng buhay na walang hanggan, ang katuparan ng tungkulin ay nagbibigay ng personal na kaligayahan sa pinakamalalim at pinakamalakas nitong pagpapakita. Sa moral na tungkulin ay idinagdag ang tungkulin ng malalim na damdamin at matayog na interes. Nang walang paghahalo ng mga merito ng iba't ibang kasarian, itinataguyod ng mga romantiko ang pagkakapantay-pantay ng pang-espiritwal na pag-unlad ng kalalakihan at kababaihan. Sa parehong paraan, ang isang tungkuling sibiko ay idinidikta ng pagmamahal sa Diyos at sa kanyang mga institusyon. Ang pansariling pagsusumikap ay natagpuan ang pagkumpleto nito sa isang pangkaraniwang hangarin, sa pagsusumikap ng buong bansa, ng lahat ng sangkatauhan, ng buong mundo.

Ang bawat kultura ay mayroong sariling romantikong bayani, ngunit ang Byron's Charles Harold ay nagbigay ng isang tipikal na representasyon ng romantikong bayani. Isinuot niya ang maskara ng kanyang bayani (sinasabing walang distansya sa pagitan ng bayani at ng may-akda) at pinagsunod-sunod ang romantikong canon.

Ang lahat ng mga romantikong gawa ay may mga tampok na katangian:

Una, sa bawat romantikong gawain ay walang distansya sa pagitan ng bayani at ng may-akda.

Pangalawa, ang may-akda ng bayani ay hindi humuhusga, ngunit kahit na may masamang sinabi tungkol sa kanya, ang balangkas ay napakatayo na ang bayani ay hindi nagkasala. Ang balangkas sa isang romantikong gawain ay karaniwang romantikong. Ang mga romantiko ay nagtatayo din ng isang espesyal na ugnayan sa kalikasan, gusto nila ng mga bagyo, bagyo, cataclysms.

5. ROMANSA SA RUSSIA.

Ang Romanticismism sa Russia ay naiiba mula sa Kanlurang Europa para sa kapakanan ng isang iba't ibang setting ng kasaysayan at ibang tradisyon ng kultura. Ang Rebolusyong Pransya ay hindi mabibilang sa mga kadahilanan ng paglitaw nito, dahil ang isang napaka-makitid na bilog ng mga tao ay na-pin ang anumang pag-asa sa mga pagbabago sa kurso nito. At ang mga resulta ng rebolusyon ay ganap na nabigo dito. Ang tanong ng kapitalismo sa Russia sa simula ng XIX siglo. hindi tumayo. Samakatuwid, wala ring ganoong kadahilanan. Ang totoong dahilan ay ang Digmaang Patriotic noong 1812, kung saan ang lahat ng kapangyarihan ng pagkusa ng mamamayan ay naipamalas. Ngunit pagkatapos ng giyera hindi natanggap ng mga tao ang kalooban. Ang pinakamagaling sa mga maharlika, hindi nasiyahan sa katotohanan, ay dumating sa Senate Square noong Disyembre 1825. Ang kilos na ito ay hindi rin pumasa nang walang bakas para sa malikhaing intelektuwal. Ang magulong mga taon pagkatapos ng giyera ay naging tagpuan kung saan nabuo ang romantismo ng Russia.

Ang romantismo, at, bukod dito, ang atin, Ruso, nabuo at hinubog sa aming orihinal na anyo, ang romantismo ay hindi isang simpleng panitikan, ngunit isang kababalaghan sa buhay, isang buong panahon ng pag-unlad na moral, isang panahon na mayroong sariling espesyal na kulay, nagsagawa ng isang espesyal tingnan ang buhay ... Hayaan ang romantikong kalakaran mula sa labas, mula sa buhay sa Kanluran at mga panitikang Kanluranin, natagpuan sa likas na Ruso ang isang lupa na handa na para sa pang-unawa nito, at samakatuwid ay nasasalamin sa ganap na orihinal na mga phenomena, tulad ng makatang at kritiko na si Apollo Grigoriev sinuri ito - ito ay isang natatanging pangkaraniwang kababalaghan, at ang mga katangian nito ay ipinapakita ang mahalagang pagiging kumplikado ng romantismo, mula sa kailaliman kung saan lumitaw ang batang Gogol at kanino siya naiugnay hindi lamang sa simula ng kanyang karera bilang isang manunulat, ngunit sa buong kanyang buhay

Tamang tinukoy ni Apollon Grigoriev ang likas na impluwensya ng romantikong paaralan sa panitikan at buhay, kasama na ang tuluyan ng panahong iyon: hindi isang simpleng impluwensya o panghihiram, ngunit isang katangian at makapangyarihang buhay at trend sa panitikan na nagbigay ng ganap na orihinal na mga phenomena sa mga batang panitikan ng Russia. .

a) Panitikan

Nakaugalian na hatiin ang romantikong Ruso sa maraming mga panahon: ang paunang (1801-1815), matanda (1815-1825) at ang post-Kabrist na panahon. Gayunpaman, na may kaugnayan sa paunang panahon, kapansin-pansin ang pagkakasunud-sunod ng pamamaraan na ito. Para sa bukang-liwayway ng romantikong Ruso ay nauugnay sa mga pangalan ng Zhukovsky at Batyushkov, mga makata na ang pagkamalikhain at pag-uugali ay mahirap na magkatabi at ihambing sa loob ng parehong panahon, ang kanilang mga layunin, hangarin, ugali ay ibang-iba. Sa mga taludtod ng parehong mga makata, maaari pa ring madama ang hindi kanais-nais na impluwensya ng nakaraan - ang panahon ng sentimentalismo, ngunit kung ang Zhukovsky ay malalim pa rin na nakaugat dito, kung gayon ang Batiushkov ay mas malapit sa mga bagong kalakaran.

Tama na nabanggit ni Belinsky na ang gawain ni Zhukovsky ay nailalarawan sa pamamagitan ng "mga reklamo tungkol sa hindi perpektong pag-asa na walang pangalan, kalungkutan para sa nawawalang kaligayahan, na alam ng Diyos kung ano ito." Sa katunayan, sa katauhan ni Zhukovsky, ang romantismo ay gumagawa pa rin ng mga mahiyaing hakbang, na nagbigay ng pugay sa sentimental at melancholic melancholy, hindi malinaw, bahagyang napapansin na masidhing pagnanasa, sa isang salita, sa kumplikadong kumplikadong damdamin, na sa pintas ng Russia ay tinawag na " romantiko ng Middle Ages. "

Ang isang ganap na magkakaibang kapaligiran ay naghahari sa tula ni Batyushkov: ang kagalakan ng pagiging, prangkahang senswalidad, isang himno sa kasiyahan.

Nararapat na isinasaalang-alang ang Zhukovsky bilang isang kilalang kinatawan ng Russian aesthetic humanism. Kakaiba sa malalakas na hilig, mabait at maamo na si Zhukovsky ay naiimpluwensyahan ng mga ideya ni Rousseau at ng mga romantiko ng Aleman. Kasunod sa mga ito, labis niyang pinahahalagahan ang Aesthetic bahagi ng relihiyon, moralidad, at mga relasyon sa lipunan. Nakuha ni Art ang isang relihiyosong kahulugan mula kay Zhukovsky, sinikap niyang makita sa sining ang isang "paghahayag" ng mas mataas na mga katotohanan, ito ay "sagrado" para sa kanya. Para sa mga romantiko ng Aleman, ang pagkilala sa tula at relihiyon ay katangian. Natagpuan namin ang parehong bagay sa Zhukovsky, na sumulat: "Ang tula ay Diyos sa mga banal na pangarap ng mundo." Sa romantikong Aleman, siya ay malapit sa isang gravitation patungo sa lahat ng bagay na lampas, patungo sa "night side ng kaluluwa", patungo sa "hindi maipaliwanag na" likas na katangian at tao. Ang kalikasan sa tula ni Zhukovsky ay napapalibutan ng misteryo, ang kanyang mga tanawin ay multo at halos hindi totoo, tulad ng mga pagsasalamin sa tubig:

Gaano karami ang pagsasama ng insenso sa lamig ng mga halaman!

Gaano katamis ang pagsabog sa katahimikan malapit sa baybayin!

Gaano katahimik ang pag-ulan ng marshmallow sa tubig?

At ang nababaluktot na wilow flutter!

Ang sensitibo, malambing at mapangarapin na kaluluwa ni Zhukovsky ay tila matamis na nagyeyelo sa threshold ng "misteryosong ilaw na ito." Ang makata, tulad ng angkop na paglagay nito ni Belinsky, ay "mahal at kalapati ang kanyang pagdurusa," ngunit ang pagdurusa na ito ay hindi kumagat sa kanyang puso ng malupit na sugat, sapagkat kahit sa kalungkutan at kalungkutan ang kanyang panloob na buhay ay tahimik at matahimik. Samakatuwid, kapag, sa kanyang liham kay Batyushkov, "ang anak ng kaligayahan at kagalakan," tinawag niya ang makatang Epicurean na "mga kamag-anak ng Muse", mahirap paniwalaan ang ugnayan na ito. Sa halip, maniniwala kami sa banal na Zhukovsky, na payapang nagpapayo sa mang-aawit ng mga kasiyahan sa lupa: "Tanggihan ang pagkasira, ang mga pangarap ay nakamamatay!"

Ang Batyushkov ay kabaligtaran ng Zhukovsky sa lahat. Siya ay isang taong may matitibong hilig, at ang kanyang malikhaing buhay ay naputol 35 taon bago ang kanyang pisikal na pag-iral: bilang isang napakabata pa ay lumusong siya sa kailaliman ng kabaliwan. Ibinigay niya ang kanyang sarili sa parehong mga kagalakan at kalungkutan na may pantay na lakas at pag-iibigan: sa buhay, pati na rin sa pagkaunawa nitong patula, siya - hindi katulad ni Zhukovsky - ay alien sa "ginintuang kahulugan". Kahit na ang kanyang tula ay nailalarawan din sa pamamagitan ng papuri ng purong pagkakaibigan, ang kagalakan ng isang "mapagpakumbabang sulok", ngunit ang kanyang idyll ay hindi katamtaman at hindi tahimik, sapagkat hindi maisip ito ni Batiushkov nang walang mahinang kaligayahan ng masidhing kasiyahan at pagkalasing sa buhay . Sa mga oras, ang makata ay nadala ng mga malaswang kagalakan na handa niyang walang habas na tanggihan ang mapang-api na karunungan ng agham:

Talagang sa malulungkot na katotohanan

Malungkot na mga stoiko at mayamot na mga pantas

Nakaupo sa mga damit sa libing,

Sa pagitan ng mga durog na bato at mga kabaong

Mahahanap ba natin ang tamis ng ating buhay?

Mula sa kanila, nakikita ko ang kagalakan

Lumilipad tulad ng isang butterfly mula sa tinik bushes.

Para sa kanila walang kagandahan sa mga charms ng kalikasan,

Ang mga birhen ay hindi umaawit sa kanila, nakikipag-ugnay sa mga bilog na sayaw;

Para sa kanila, para sa mga bulag,

Spring na walang kagalakan at tag-init nang walang mga bulaklak.

Ang totoong trahedya ay bihirang marinig sa kanyang mga tula. Sa pagtatapos lamang ng kanyang malikhaing buhay, nang magsimula siyang ihayag ang mga palatandaan ng karamdaman sa pag-iisip, ang isa sa kanyang huling mga tula ay naitala sa ilalim ng pagdidikta, kung saan malinaw na naipahayag ang mga motibo ng walang kabuluhan na buhay sa lupa.

Naaalala mo ba yung sinabi mo

Nagpaalam sa buhay, kulay-abo na Melchizedek?

Isang lalaki ang ipinanganak na alipin

Ang isang alipin sa libingan ay magsisinungaling,

At halos hindi masabi sa kanya ng kamatayan

Bakit siya lumakad sa isang lambak ng mga kamangha-manghang luha,

Naghirap ako, umiyak, tiniis,

Sa Russia, ang romantismo bilang isang trend sa panitikan ay umusbong noong ikalampu't siyam na siglo. Ang mga pinagmulan nito ay mga makata, manunulat ng tuluyan, manunulat, at nilikha nila ang romantikong Ruso, na naiiba sa "Kanlurang Europa" na isa sa pambansa, orihinal na karakter nito. Ang romantismo ng Russia ay binuo ng mga makata ng unang kalahati ng ikalabinsiyam na siglo, at ang bawat makata ay nag-ambag ng bago. Ang romantikong Russian ay malawak na binuo, nakuha ang mga tampok na katangian, at naging isang independiyenteng kalakaran sa panitikan. Sa "Ruslan at Lyudmila" A.S. Si Pushkin ay may mga linya: "Mayroong espiritu ng Russia, may amoy ng Russia." Ang parehong ay maaaring sinabi tungkol sa Russian romantismo. Ang mga bayani ng mga romantikong gawa ay mga tulang patula na nagsusumikap para sa "mataas" at maganda. Ngunit may isang mapusok na mundo na hindi pinapayagan ang isa na makaramdam ng kalayaan, na iniiwan ang mga kaluluwang ito na hindi maintindihan. Ang mundo na ito ay magaspang, samakatuwid ang patula na kaluluwa ay tumatakbo sa isa pa, kung saan mayroong isang perpekto, nagsusumikap ito para sa "walang hanggan". Ang romantismo ay batay sa salungatan na ito. Ngunit iba ang pakikitungo ng mga makata sa sitwasyong ito. Ang Zhukovsky, Pushkin, Lermontov, na nagpapatuloy mula sa isang bagay, ay nagtayo ng ugnayan sa pagitan ng kanilang mga bayani at ng mundo sa kanilang paligid sa iba't ibang paraan, samakatuwid ang kanilang mga bayani ay may iba't ibang mga landas sa ideyal.

Ang katotohanan ay kahila-hilakbot, bastos, walang kabuluhan at makasarili, walang lugar dito para sa mga damdamin, pangarap at hangarin ng makata at ng kanyang mga bayani. "Totoo" at walang hanggan - sa iba pang mundo. Samakatuwid ang konsepto ng isang dobleng mundo, ang makata ay naghahangad sa isa sa mga mundong ito sa paghahanap ng isang ideyal.

Ang posisyon ni Zhukovsky ay hindi ang posisyon ng isang tao na pumasok sa isang pakikibaka sa labas ng mundo, na hinamon siya. Ito ay isang landas sa pamamagitan ng pagkakaisa sa kalikasan, isang landas ng pagkakaisa sa kalikasan, sa isang walang hanggan at magandang mundo. Ayon sa maraming mananaliksik (kabilang ang Yu.V. Mann), ipinahayag ni Zhukovsky ang kanyang pag-unawa sa prosesong ito ng pagkakaisa sa The Inexpressible. Ang pagkakaisa ay ang paglipad ng kaluluwa. Ang kagandahang pumapaligid sa iyo ay pumupuno sa iyong kaluluwa, nasa iyo ito, at nasa loob ka nito, lumilipad ang kaluluwa, wala ring oras o puwang, ngunit umiiral ka sa kalikasan, at sa sandaling ito ay nabubuhay ka, nais mong kantahin ang tungkol sa kagandahang ito , ngunit walang mga salita upang ipahayag ang iyong estado, mayroon lamang isang pakiramdam ng pagkakaisa. Hindi ka nabalisa ng mga tao sa paligid mo, mga kaluluwang prosaic, higit pa ang bukas sa iyo, malaya ka.

Sina Pushkin at Lermontov ay lumapit sa problemang ito ng romantismo nang magkakaiba. Walang alinlangan, ang impluwensyang isinagawa ni Zhukovsky kay Pushkin ay hindi maaaring maipakita sa gawain ng huli. Ang mga naunang gawa ng Pushkin ay nailalarawan sa pamamagitan ng "sibil" romantismo. Sa ilalim ng impluwensiya ng "A Singer in the Camp of Russian Soldiers" ni Zhukovsky at ng mga gawa ni Griboyedov, sinulat ni Pushkin ang "Liberty", "To Chaadaev". Sa huli, hinihimok niya:

"Aking kaibigan! Itatalaga namin ang aming mga kaluluwa sa aming tinubuang bayan na may mga kamangha-manghang mga salpok ...". Ito ang parehong pagsusumikap para sa ideyal na mayroon si Zhukovsky, tanging si Pushkin ang nakakaunawa ng perpekto sa kanyang sariling pamamaraan, samakatuwid ang landas ng makata sa ideyal ay iba. Ayaw niya at hindi maaaring magsikap para sa ideyal na nag-iisa, ang tawag sa kanya ng makata. Tiningnan ni Pushkin ang reyalidad at ang ideyal na magkakaiba. Hindi ito matatawag na riot, ito ay isang pagmuni-muni sa mga suwail na elemento. Ito ay makikita sa ode na "The Sea". Ito ang lakas at lakas ng dagat, ang dagat ay malaya, naabot na nito ang ideyal. Ang isang tao ay dapat ding maging malaya, ang kanyang espiritu ay dapat na malaya.

Ang paghahanap para sa perpekto ay ang pangunahing tampok na katangian ng romantismo. Nagpakita ito ng sarili sa mga gawa ni Zhukovsky, at sa Pushkin, at sa Lermontov. Ang lahat ng tatlong makata ay naghahanap ng kalayaan, ngunit hinahanap nila ito sa iba't ibang paraan, naiintindihan nila ito sa iba't ibang paraan. Si Zhukovsky ay naghahanap ng kalayaan na ipinadala ng "tagalikha". Natagpuan ang pagkakaisa, ang isang tao ay naging malaya. Para kay Pushkin, mahalaga ang kalayaan ng espiritu, na dapat ipakita ang kanyang sarili sa isang tao. Para kay Lermontov, ang mapanghimagsik na bayani lamang ang malaya. Paghihimagsik para sa kalayaan, ano ang maaaring maging mas maganda? Ang pag-uugali na ito patungo sa perpekto ay napanatili sa mga lyrics ng pag-ibig ng mga makata. Sa palagay ko, ang ugali na ito ay dahil sa oras. Bagaman lahat sila ay nagtrabaho sa halos magkaparehong panahon, ang oras ng kanilang trabaho ay naiiba, ang mga kaganapan ay nabuo nang may pambihirang bilis. Ang mga tauhan ng mga makata ay may malaking impluwensya sa kanilang relasyon. Ang kalmadong Zhukovsky at ang suwail na Lermontov ay ganap na kabaligtaran. Ngunit tiyak na nabuo ang romantismo ng Russia dahil magkakaiba ang mga katangian ng mga makatang ito. Nagpakilala sila ng mga bagong konsepto, bagong tauhan, bagong ideyal, nagbigay ng isang kumpletong larawan kung ano ang kalayaan, kung ano ang totoong buhay. Ang bawat isa sa kanila ay kumakatawan sa kanyang sariling landas patungo sa perpekto, ito ang karapatang pumili ng bawat tao.

Ang mismong paglitaw ng romantismo ay napaka hindi nakakagulo. Ang indibidwalidad ng tao ngayon ay nakatayo sa gitna ng buong mundo. Ang tao na "Ako" ay nagsimulang bigyang kahulugan bilang batayan at kahulugan ng lahat ng pagkatao. Ang buhay ng tao ay nagsimulang tignan bilang isang likhang sining, sining. Noong ika-19 na siglo, napaka-pangkaraniwan ang romantikismo. Ngunit hindi lahat ng mga makatang tumawag sa kanilang sarili na romantics ay nagpahayag ng kakanyahan ng kilusang ito.

Ngayon, sa pagtatapos ng ika-20 siglo, maaari na nating maiuri ang mga romantiko ng huling siglo sa batayan na ito sa dalawang pangkat. Ang isa at marahil ang pinakalawak na pangkat ay ang isa na nagkakaisa ng "pormal" na mga romantiko. Mahirap na maghinala sa kanila ng kawalan ng katapatan, sa kabaligtaran, tumpak nilang naihatid ang kanilang mga damdamin. Kabilang sa mga ito ay sina Dmitry Venevitinov (1805-1827) at Alexander Polezhaev (1804-1838). Ang mga makatang ito ay ginamit ang romantikong anyo, isinasaalang-alang ito na pinakaangkop para sa pagkamit ng kanilang masining na hangarin. Kaya, sumulat si D. Venevitinov:

Nararamdaman kong nasusunog ito sa akin

Banal na apoy ng inspirasyon

Ngunit ang espiritu ay umuusbong patungo sa madilim na layunin ...

Makakahanap ba ako ng maaasahang bangin

Saan ko mahihigpit ang aking paa?

Ito ay isang tipikal na romantikong tula. Gumagamit ito ng tradisyunal na romantikong bokabularyo - pareho ito ng "apoy ng inspirasyon" at "sumisikat na diwa". Sa gayon, inilalarawan ng makata ang kanyang damdamin. Ngunit wala nang iba. Ang makata ay napipigilan ng balangkas ng romantismo, ang "pandiwang imahe" nito. Ang lahat ay pinasimple sa ilang uri ng mga selyo.

Ang mga kinatawan ng isa pang pangkat ng mga romantiko ng ika-19 na siglo, siyempre, ay sina A.S Pushkin at M.Lermontov. Ang mga makatang ito, sa kabaligtaran, ay pinunan ang romantikong form ng kanilang sariling nilalaman. Ang romantikong panahon sa buhay ni A. Pushkin ay maikli, samakatuwid mayroon siyang kaunting romantikong mga gawa. "Bilanggo ng Caucasus" (1820-1821) - isa sa pinakamaagang romantikong tula ni A.S. Pushkin. Bago sa amin ay isang klasikong bersyon ng isang romantikong gawain. Ang may-akda ay hindi nagbibigay sa amin ng isang larawan ng kanyang bayani, hindi namin alam ang kanyang pangalan. At hindi ito nakakagulat - lahat ng mga romantikong bayani ay magkatulad sa bawat isa. Bata sila, maganda ... at hindi masaya. Ang balangkas ng trabaho ay klasiko ring romantikong. Isang bilanggo ng Rusya ng Circassians, isang batang Circassian na babae ang umibig sa kanya at tinulungan siyang makatakas. Ngunit wala siyang pag-asa na nagmamahal ng isa pa ... Ang tula ay nagtapos nang malungkot - ang babaeng Circassian ay itinapon ang kanyang sarili sa tubig at namatay, at ang Russian, napalaya mula sa "pisikal" na pagkabihag, nahulog sa isa pa, mas masakit na pagkabihag - ang pagkabihag ng kaluluwa. Ano ang nalalaman natin tungkol sa nakaraan ng bayani?

Ang isang mahabang paglalakbay ay humahantong sa Russia ...

.....................................

Kung saan niyakap niya ang matinding paghihirap,

Kung saan ang buhay ng bagyo ay nasisira

Pag-asa, kasiyahan at pagnanasa.

Dumating siya sa steppe sa paghahanap ng kalayaan, sinubukang makatakas mula sa kanyang nakaraang buhay. At ngayon, kapag ang kaligayahan ay tila napakalapit, kailangan niyang tumakbo muli. Ngunit saan? Bumalik sa mundo kung saan "tinanggap niya ang kakila-kilabot na pagdurusa."

Renegade ng ilaw, kaibigan ng kalikasan,

Iniwan niya ang kanyang katutubong limitasyon

At lumipad sa isang malayong lupain

Na may masayang multo ng kalayaan.

Ngunit ang "multo ng kalayaan" ay nanatiling isang aswang. Magpakailanman ay susugurin niya ang romantikong bayani. Ang isa pang romantikong tula ay "The Gypsies". Sa loob nito, ang may-akda muli ay hindi nagbibigay sa mambabasa ng isang larawan ng bayani, alam lamang natin ang kanyang pangalan - Aleko. Pumunta siya sa kampo upang maranasan ang tunay na kasiyahan, tunay na kalayaan. Alang-alang sa kanya, inabandona niya ang lahat na dati ay nakapalibot sa kanya. Naging malaya at masaya ba siya? Mukhang mahal ni Aleko, ngunit sa pakiramdam na ito mismong kasawian at paghamak ang dumating sa kanya. Si Aleko, na labis na naghahangad ng kalayaan, ay hindi makilala ang kalooban sa ibang tao. Ang tulang ito ay nagsiwalat ng isa pang labis na katangian na tampok ng pananaw sa mundo ng romantikong bayani - pagkamakasarili at kumpletong hindi pagkakatugma sa nakapalibot na mundo. Si Aleko ay hindi pinarusahan ng kamatayan, ngunit mas masahol pa - kalungkutan at debate. Nag-iisa siya sa mundo kung saan siya tumakas, ngunit sa isa pa, hangad na hangad, naiwan siyang mag-isa ulit.

Bago isulat ang The Prisoner of the Caucasus, sinabi ni Pushkin minsan: "Hindi ako karapat-dapat na maging isang bayani ng isang romantikong tula"; gayunpaman, sa parehong oras, noong 1820, isinulat ni Pushkin ang kanyang tula na "Ang ilaw ng araw ay lumabas ...". Maaari mong makita ang lahat ng bokabularyo na likas sa romantismo dito. Ito ang "malayong baybayin", at ang "madilim na karagatan", at "kaguluhan at pananabik" na nagpapahirap sa may-akda. Ang isang pagpipigil ay tumatakbo sa buong tula:

Nag-aalala sa ilalim ko, madilim na karagatan.

Naroroon ito hindi lamang sa paglalarawan ng kalikasan, kundi pati na rin sa paglalarawan ng damdamin ng bayani.

... Ngunit ang matandang puso ng sugat,

Malalim na sugat ng pag-ibig, walang gumaling ...

Ingay, ingay, masunuring layag,

Nag-aalala sa ilalim ko, madilim na karagatan ...

Iyon ay, ang kalikasan ay nagiging isa pang tauhan, isa pang liriko na bayani ng tula. Nang maglaon, noong 1824, isinulat ni Pushkin ang tulang "To the Sea". Ang may-akda mismo ay muling naging romantikong bayani dito, tulad ng sa "Ang ilaw ng araw ay lumabas ..." Dito tinutukoy ng Pushkin ang dagat bilang isang tradisyonal na simbolo ng kalayaan. Ang dagat ay isang elemento, na nangangahulugang kalayaan at kaligayahan. Gayunpaman, itinatayo ni Pushkin ang tulang ito nang hindi inaasahan:

Naghintay ka, tumawag ka ... Nakagapos ako;

Ang aking kaluluwa ay napunit ng walang kabuluhan:

Enchanted ng isang malakas na simbuyo ng damdamin,

Nanatili ako sa baybayin ...

Maaari nating sabihin na ang tulang ito ay nakumpleto ang romantikong panahon ng buhay ni Pushkin. Isinulat ito ng isang taong alam na pagkatapos makamit ang tinaguriang "pisikal" na kalayaan, ang romantikong bayani ay hindi naging masaya.

Sa gubat, sa mga disyerto ay tahimik

Ililipat ko, puno ako sa iyo,

Ang iyong mga bato, iyong mga bay ...

Sa oras na ito, napagpasyahan ni Pushkin na ang tunay na kalayaan ay maaaring umiiral lamang sa loob ng isang tao at siya lamang ang makapagpapasaya sa kanya.

Ang isang pagkakaiba-iba ng romantismo ni Byron ay nabuhay at naramdaman sa kanyang gawain muna sa kulturang Ruso na Pushkin, pagkatapos ng Lermontov. Si Pushkin ay may regalong pansin sa mga tao, at ang pinaka romantikong mga romantikong tula sa gawain ng mahusay na manunulat ng tula at prosa, walang alinlangan, ay ang "Bakhchisarai Fountain".

Ang tulang "The Fountain of Bakhchisarai" ay nagpapatuloy lamang sa paghahanap ni Pushkin sa genre ng isang romantikong tula. At walang duda na ito ay pinigilan ng pagkamatay ng dakilang manunulat ng Russia.

Ang romantikong tema sa gawa ni Pushkin ay nakatanggap ng dalawang magkakaibang pagpipilian: mayroong isang magiting na romantikong bayani ("bilanggo", "tulisan", "pugitive"), na nakikilala ng isang malakas na kalooban, dumaan sa isang malupit na pagsubok ng marahas na hilig, at mayroong naghihirap na bayani kung kanino ang banayad na emosyonal na karanasan ay hindi tugma sa kalupitan ng labas ng mundo ("pagpapatapon", "bilanggo"). Ang pasibo na simula ng romantikong karakter ay nakuha na ngayon sa isang babaeng form mula sa Pushkin. Ang Fountain ng Bakhchisarai ay tiyak na bubuo sa aspetong ito ng romantikong bayani.

Sa "Bilanggo ng Caucasus" ang lahat ng pansin ay binigyan ng "bilanggo" at kakaunti sa "babaeng Circassian", ngayon sa laban - si Khan Girey ay hindi hihigit sa isang maliit na dramatikong pigura, ngunit talagang ang pangunahing tauhan ay isang babae , kahit dalawa - sina Zarema at Maria. Ang solusyon sa dwalidad ng bayani na natagpuan sa mga nakaraang tula (sa pamamagitan ng imahe ng mga nakagapos na kapatid) Gumagamit din dito si Pushkin: ang passive na prinsipyo ay inilalarawan sa tao ng dalawang tauhan - ang naiinggit, masidhing pag-ibig na si Zarema at ang malungkot, na nawalan ng pag-asa at mahal si Maria. Pareho sa kanila ang dalawang magkasalungat na hilig ng isang romantikong kalikasan: pagkabigo, kawalan ng pag-asa, kawalan ng pag-asa at, sa parehong oras, espiritwal na masidhi, tindi ng damdamin; ang kontradiksyon ay nalutas nang trahedya sa tula - ang pagkamatay ni Maria ay hindi rin nagdala ng kaligayahan sa Zarema, dahil sila ay konektado ng mga mahiwagang ugnayan. Gayundin, sa Brothers-Robbers, ang pagkamatay ng isa sa mga kapatid na walang hanggan ay nagpapadilim sa buhay ng isa pa.

Gayunpaman, sinabi ni BV Tomashevsky nang makatuwiran, "ang liriko na paghihiwalay ng tula ay nagpasiya rin ng isang tiyak na kakulangan ng nilalaman ... Ang moral na tagumpay laban sa Zarema ay hindi humantong sa karagdagang mga konklusyon at repleksyon ... Ang" Bilanggo ng Caucasus "ay may malinaw na pagpapatuloy sa gawain ng Pushkin: parehong pinapayagan nina Aleko at Eugene Onegin ... ang mga katanungang inilagay sa unang timog na tula. Ang Fountain ng Bakhchisarai ay walang tulad na pagpapatuloy ... "

Nakahawak si Pushkin at binabalangkas ang pinaka-mahina laban na punto ng romantikong posisyon ng isang tao: nais niya ang lahat para lamang sa kanyang sarili.

Ang tula ni Lermontov na "Mtsyri" ay hindi rin ganap na sumasalamin sa mga tampok na katangian ng romantismo.

Mayroong dalawang romantikong bayani sa tulang ito, samakatuwid, kung ito rin ay isang romantikong tula, kung gayon ito ay napaka kakaiba: una, ang pangalawang bayani ay ipinadala ng may-akda sa pamamagitan ng epigraph; pangalawa, ang may-akda ay hindi nakiisa kay Mtsyri, nalulutas ng bayani ang problema ng sariling pag-ibig sa kanyang sariling pamamaraan, at si Lermontov, sa buong buong tula, iniisip lamang ang tungkol sa paglutas ng problemang ito. Hindi niya hinuhusgahan ang kanyang bayani, ngunit hindi rin niya binibigyang katwiran ang alinman, ngunit tumatagal siya ng isang tiyak na posisyon - pag-unawa. Ito ay lumalabas na ang romantikismo sa kultura ng Russia ay nabago sa pag-iisip. Ito ay naging romantikismo mula sa pananaw ng pagiging totoo.

Maaari nating sabihin na sina Pushkin at Lermontov ay hindi nagtagumpay na maging romantics (gayunpaman, minsan na nagawang sumunod ang Lermontov sa mga romantikong batas - sa drama na Masquerade). Sa pamamagitan ng kanilang mga eksperimento, ipinakita ng mga makata na sa England ang posisyon ng isang indibidwalista ay maaaring maging mabunga, ngunit sa Russia hindi ito magagawa. Bagaman hindi nagtagumpay sina Pushkin at Lermontov na maging romantics, binuksan nila ang daan para sa pag-unlad ng pagiging totoo. Noong 1825, ang unang makatotohanang akda ay nai-publish: "Boris Godunov", pagkatapos ay "The Captain's Daughter", "Eugene Onegin", "A Hero of Our Time" at marami pang iba.

b) Pagpipinta

Sa mga visual arts, ang romantismong ipinamalas ang sarili nitong higit na malinaw sa pagpipinta at pagguhit, hindi gaanong nagpapahayag sa iskultura at arkitektura. Ang natitirang mga kinatawan ng romantismo sa visual arts ay ang mga romantikong pintor ng Russia. Sa kanilang mga canvases, ipinahayag nila ang diwa ng pag-ibig ng kalayaan, aktibong pagkilos, masigasig at masidhing nag-apela sa pagpapakita ng humanismo. Ang mga pang-araw-araw na canvase ng mga pintor ng Russia ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang kaugnayan at sikolohismo, isang walang uliran pagpapahayag. Ang mga espiritwal, melancholic na tanawin ay muli ang parehong pagtatangka ng mga romantiko na tumagos sa mundo ng tao, upang maipakita kung paano nabubuhay at nangangarap ang isang tao sa mundo ng sublunary. Ang romantikong pagpipinta ng Russia ay naiiba mula sa banyagang pagpipinta. Natukoy ito ng kapwa ang makasaysayang setting at tradisyon.

Mga tampok ng romantikong pagpipinta ng Russia:

Ang ideolohiyang paliwanag ay humina ngunit hindi gumuho, tulad ng sa Europa. Samakatuwid, hindi binibigkas ang romantikismo.

Ang romantismo ay nabuo nang kahanay sa klasismo, na madalas na magkakaugnay dito.

Ang pang-akademikong pagpipinta sa Russia ay hindi pa naubos ang sarili.

Ang romantismo sa Russia ay hindi isang matatag na kababalaghan, ang mga romantiko ay nakuha sa akademismo. Sa kalagitnaan ng siglong XIX. ang romantikong tradisyon ay halos namatay na.

Ang mga gawaing nauugnay sa romantismo ay nagsimulang lumitaw sa Russia noong mga 1790 (gawa ni Feodosiy Yanenko na "Ang mga Manlalakbay Nahuli ng Bagyo" (1796), "Sariling Portrait sa isang Helmet" (1792). Sa kanila, halata ang prototype - Salvator Rosa, patok na patok Noong pagsisimula ng ika-18 at ika-19 na siglo. Nang maglaon, ang impluwensya ng artista-romantikong artist na ito ay kapansin-pansin sa gawain ni Alexander Orlovsky. Ang mga tulisan, mga eksena ng apoy, mga laban ay kasama ng kanyang buong karera. Bilang sa ibang mga bansa, ang mga artista na kabilang sa romantikong Ruso ay nagpakilala ng paglitrato sa mga klasikal na genre, tanawin ng tanawin at genre na may ganap na bagong emosyonal na kalagayan.

Sa Russia, ang romantikismo ay nagsimulang magpakita muna sa pagpipinta ng larawan ... Sa unang ikatlo ng ika-19 na siglo, ito para sa pinaka bahagi ay nawala ang koneksyon nito sa marangal na aristokrasya. Ang mga larawan ng mga makata, artista, parokyano ng sining, paglalarawan ng ordinaryong magsasaka ay nagsimulang sakupin ang isang makabuluhang lugar. Ang ugali na ito ay lalong malinaw na ipinakita sa gawain ng O.A. Kiprensky (1782 - 1836) at V.A. Tropinin (1776 - 1857).

Si Vasily Andreevich Tropinin ay nagsumikap para sa isang buhay na buhay, walang pagpipigil na paglalarawan ng isang tao, na ipinahayag sa pamamagitan ng kanyang larawan. Ang larawan ng isang anak na lalaki (1818), "Portrait of AS Pushkin" (1827), "Self-portrait" (1846) ay nakakaakit hindi sa pamamagitan ng kanilang pagkakahawig ng larawan sa mga orihinal, ngunit sa kanilang hindi pangkaraniwang pagpasok sa panloob na mundo ng isang tao

Larawan ng isang anak na lalaki - Si Arseny Tropinina ay isa sa pinakamahusay sa gawain ng master. Ang pino, mapurol na ginintuang scheme ng kulay ay kahawig ng valera painting noong ika-18 siglo. Gayunpaman, kumpara sa isang pangkaraniwang larawan ng bata noong romantikong ika-18 siglo. Narito ang kapansin-pansin ng plano ay kapansin-pansin - ang batang ito ay nagpapose sa napakaliit na sukat. Dumulas ang tingin ni Arseny sa manonood, bihis siyang nakadamit, ang kwelyo ay parang hindi sinasadyang binuksan. Ang kakulangan ng representativeness ay nakasalalay sa hindi pangkaraniwang pagkapira-piraso ng komposisyon: pinupuno ng ulo ang halos buong ibabaw ng canvas, ang imahe ay pinutol sa mismong mga collarbone, at sa gayon ang mukha ng bata ay awtomatikong inilipat sa manonood.

Ang kasaysayan ng paglikha ay hindi karaniwang nakakainteres "Portrait of Pushkin". Tulad ng dati, para sa unang pagkakilala kay Pushkin, si Tropinin ay dumating sa bahay ni Sobolevsky sa palaruan ng aso, kung saan naninirahan ang makata noon. Natagpuan siya ng artista sa opisina na kinakalikot ng mga tuta. Sa parehong oras, tila, ay nakasulat ayon sa unang impression, na kung saan Tropinin na pinahahalagahan, isang maliit na sketch. Sa loob ng mahabang panahon ay nanatili siyang wala sa paningin ng mga humahabol. Halos isang daang taon lamang ang lumipas, noong 1914, nai-publish ito ng P.M. Si Schekotov, na sumulat ng lahat ng mga larawan ni Alexander Sergeevich, siya ay "nagpapahiwatig ng kanyang mga tampok ... ang asul na mga mata ng makata ay puno ng isang espesyal na ningning dito, mabilis ang pagliko ng ulo, at ang mga tampok sa mukha ay nagpapahayag at mobile. . Walang alinlangan, narito ang nakakuha ng totoong mga tampok ng mukha ni Pushkin, na indibidwal nating nakilala sa isa o iba pang mga larawan na bumaba sa amin. Ito ay mananatiling nalilito, - idinagdag ni Schekotov, - kung bakit ang kaibig-ibig na sketch na ito ay hindi nakatanggap ng angkop na pansin mula sa mga publisher at connoisseurs ng makata. " Ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng mismong mga katangian ng maliit na etude: walang ningning na mga kulay, o ang kagandahan ng brushstroke, o masusing sinulat na "mga rotonda". At si Pushkin dito ay hindi isang katutubong "maputi" hindi isang "henyo", ngunit higit sa lahat isang tao. At ito ay halos hindi kapani-paniwala upang pag-aralan kung bakit ang isang mahusay na nilalaman ng tao ay nakapaloob sa hindi nagbabagong kulay-berde-berde, sukatan ng oliba, sa pagmamadali, na parang hindi sinasadyang mga stroke ng brush ng isang halos hindi neskripisyong sketch na hitsura. Ang pagpunta sa memorya sa buong buhay at kasunod na mga larawan ng Pushkin, ang pag-aaral na ito sa pamamagitan ng lakas ng sangkatauhan ay maaari lamang mailagay sa tabi ng pigura ng Pushkin, na kinulit ng sculptor ng Soviet na si A. Matveev. Ngunit hindi ito ang gawain na itinakda ni Tropinin sa kanyang sarili, hindi ang uri ng Pushkin na nais ng kanyang kaibigan na makita, kahit na nag-utos siya na ipakita ang makata sa isang simple, pambahay na anyo.

Sa pagtatasa ng artista, si Pushkin ay isang "tsar-makata". Ngunit siya rin ay isang katutubong makata, siya ay kanyang sarili at mahal sa lahat. "Kapansin-pansin ang pagkakapareho ng larawan sa orihinal," isinulat ni Polevoy matapos itong matapos, bagaman nabanggit niya ang hindi sapat na "kabilis ng hitsura" at "kasiglahan ng ekspresyon sa mukha," na nagbabago at muling nagbubuhay sa Pushkin sa bawat bago impression

Sa larawan, ang lahat ay naisip at na-verify sa pinakamaliit na detalye, at sa parehong oras walang sinadya, walang ipinakilala ng artist. Kahit na ang mga singsing na pinalamutian ng mga daliri ng makata ay nakikilala tulad ng kay Pushkin mismo na nakakabit ng kahalagahan sa kanila sa buhay. Kabilang sa mga nakamamanghang paghahayag ng Tropinin, ang larawan ni Pushkin ay humanga sa sonority ng scale nito.

Ang romantismo ni Tropinin ay may magkakaibang sentimental na pinagmulan. Ito ay si Tropinin na siyang nagtatag ng genre, na medyo ideyal na larawan ng isang tao ng mga tao (The Lacemaker (1823)). "Parehong mga connoisseurs at hindi mga connoisseurs, - nagsusulat tungkol kay Svinin "Lace", - humanga kapag tinitingnan ang larawang ito, na tunay na pinag-iisa ang lahat ng mga kagandahan ng nakalarawang sining: ang kaaya-aya ng brush, tama, masayang ilaw, malinaw, natural na kulay, bukod dito, ipinakita ng larawan na ito ang kaluluwa ng isang kagandahan at ang mapanlinlang na sulyap ng pag-usisa na itinapon niya sa isang tao ang pumasok sa minuto na iyon. Ang kanyang mga kamay, hubad ng siko, tumigil sa kanyang titig, tumigil ang gawain, isang buntong hininga na nakatakas mula sa isang dalagang birhen, natatakpan ng panyo sa muslin - at lahat ng ito ay inilalarawan ng gayong katotohanan at pagiging simple na ang larawang ito ay madaling makuha. ang pinakamatagumpay na gawain ng maluwalhating Pangarap. Ang mga ancillary item, tulad ng isang lace na unan at isang tuwalya, ay nakaayos na may mahusay na sining at natapos na may panghuli ... "

Sa simula ng ika-19 na siglo, ang Tver ay isang makabuluhang sentro ng kultura ng Russia. Ang lahat ng mga kilalang tao ng Moscow ay narito para sa mga pampanitikang gabi. Dito nakilala ng batang si Orest Kiprensky si A.S Pushkin, na ang larawan, na pininturahan kalaunan, ay naging perlas ng potograpiya ng sining sa mundo, at si A.S Pushkin ay maglalaan ng tula sa kanya, kung saan tatawagin siyang "sinta ng fashion na may pakpak na ilaw." Larawan ng Pushkin Ang brush ni O. Kiprensky ay isang buhay na personipikasyon ng henyo ng tula. Sa mapagpasyang pagliko ng ulo, sa mga bisig na masiglang tumawid sa dibdib, isang pakiramdam ng kalayaan at kalayaan ang makikita sa buong hitsura ng makata. Tungkol sa kanya na sinabi ni Pushkin: "Nakikita ko ang aking sarili na tulad ng sa isang salamin, ngunit ang salamin na ito ay binubola ako." Sa gawain sa larawan ni Pushkin, Tropinin at Kiprensky ay nagtagpo sa huling pagkakataon, bagaman ang pagpupulong na ito ay hindi naganap sa kanilang sariling mga mata, ngunit maraming taon na ang lumipas sa kasaysayan ng sining, kung saan, bilang panuntunan, dalawang larawan ng ang pinakadakilang makatang Ruso ay inihambing, nilikha nang sabay, ngunit sa iba't ibang lugar - isa sa Moscow. Isa pa sa St. Ngayon ito ay isang pagpupulong ng mga masters na pantay malaki sa kanilang kahalagahan para sa Russian art. Kahit na ang mga tagahanga ni Kiprensky ay nagtatalo na ang mga artistikong kalamangan ay nasa panig ng kanyang romantikong larawan, kung saan ang makata ay inilalarawan na nahuhulog sa kanyang sariling mga saloobin, nag-iisa sa muse, ang nasyonalidad at demokratismo ng imahe ay tiyak na nasa panig ng "Pushkin" ni Tropininsky. .

Samakatuwid, ang dalawang larawan ay sumasalamin ng dalawang mga uso sa sining ng Russia, na puro sa dalawang kapitolyo. At susulat sa paglaon ng mga kritiko na ang Tropinin ay para sa Moscow kung ano ang Kiprensky para sa Petersburg.

Ang isang natatanging tampok ng mga larawan ni Kiprensky ay ipinapakita nila ang espiritwal na kagandahan at panloob na maharlika ng isang tao. Ang larawan ng isang bayani, matapang at malakas sa pakiramdam, ay dapat na katawanin ang mga pathos ng mapagmahal sa kalayaan at damdaming makabayan ng isang advanced na taong Ruso.

Sa harap "Larawan ng E.V. Davydov" Ipinapakita ng (1809) ang pigura ng isang opisyal na direktang ipinahayag ang pagpapahayag ng kulto na iyon ng isang malakas at matapang na personalidad, na kung saan ay tipikal para sa romantikismo ng mga taong iyon. Ang fragmentarily na ipinakita na tanawin, kung saan ang isang sinag ng ilaw ay nakikipaglaban laban sa kadiliman, ay nagpapahiwatig ng emosyonal na pagkabalisa ng bayani, ngunit sa kanyang mukha ay may isang salamin ng mapangarapin na pagiging sensitibo. Si Kiprensky ay naghahanap ng "tao" sa isang tao, at ang perpekto ay hindi pumukaw ng mga personal na ugali ng modelo mula sa kanya.

Ang mga Larawan ng Kiprensky, kung titingnan mo ang mga ito sa mata ng iyong isipan, ipakita ang espirituwal at likas na yaman ng isang tao, ang kanyang lakas sa intelektwal. Oo, nagkaroon siya ng perpekto ng isang maayos na pagkatao, na tinalakay din ng kanyang mga kapanahon, ngunit hindi hinangad ni Kiprensky na literal na ipalabas ang ideyal na ito sa isang masining na imahe. Sa paglikha ng isang artistikong imahe, nagpatuloy siya mula sa kalikasan, na parang sinusukat kung gaano kalayo o malapit ito sa isang perpektong. Sa katunayan, marami sa mga inilalarawan niya ay nasa threshold ng ideyal, naitakda dito, ngunit ang perpektong mismong, ayon sa mga ideya ng romantikong estetika, ay halos hindi matamo, at ang lahat ng romantikong sining ay isang landas lamang dito.

Napansin ang mga kontradiksyon sa mga kaluluwa ng kanyang mga bayani, ipinapakita ang mga ito sa mga pagkabalisa sandali ng buhay, kapag nagbago ang kapalaran, nasira ang mga nakaraang ideya, umalis ang kabataan, atbp., Kiprensky ay tila nakakaranas kasama ang kanyang mga modelo. Samakatuwid - ang espesyal na paglahok ng potograpista sa interpretasyon ng mga artistikong imahe, na nagbibigay sa larawan ng isang malubhang lilim.

Sa maagang panahon ng gawain ni Kiprensky, hindi mo makikita ang mga taong nahawahan ng pag-aalinlangan, ang pagtatasa ay sumisira sa kaluluwa. Darating ito sa paglaon, kapag ang romantikong oras ay nabubuhay sa taglagas nito, na nagbibigay daan sa iba pang mga kondisyon at damdamin, kung inaasahan ang tagumpay ng perpektong isang pagbagsak ng pagkakasundo pagkatao. Sa lahat ng mga larawan ng mga taon ng 1800 at mga larawan na naisagawa sa Tver, ang Kiprensky ay may isang naka-bold na brush na madali at malayang bumubuo ng isang form. Ang pagiging kumplikado ng mga diskarte, ang character ng figure ay nagbago mula sa piraso sa piraso.

Kapansin-pansin na sa mukha ng kanyang mga tauhan ay hindi mo makikita ang kabayanihan na paghihilig, sa kabaligtaran, ang karamihan sa mga mukha ay mas malungkot, nagpapakasawa sila sa mga pagsasalamin. Mukhang ang mga taong ito ay nag-aalala tungkol sa kapalaran ng Rossi, isipin ang tungkol sa hinaharap higit sa tungkol sa kasalukuyan. Sa mga babaeng character na kumakatawan sa mga asawa, kapatid na babae ng mga kalahok sa makabuluhang mga kaganapan, Kiprensky din ay hindi nagsumikap para sa sinadya heroic elation. Ang pakiramdam ng kadalian, pagiging natural ay nangingibabaw. Bukod dito, sa lahat ng mga larawan ay mayroong tunay na maharlika ng kaluluwa. Ang mga imahe ng kababaihan ay nakakaakit sa kanilang katamtamang dignidad, integridad ng kalikasan; sa mga mukha ng mga tao, isang mausisa na pag-iisip, nahahulaan ang kahandaan para sa asceticism. Ang mga imaheng ito ay sumabay sa pagkahinog na etikal at estetiko na mga ideya ng mga Decembrist. Ang kanilang mga saloobin at hangarin ay ibinahagi ng marami (ang paglikha ng mga lihim na lipunan na may ilang mga programang panlipunan at pampulitika ay nahulog sa panahong 1816-1821), alam ng artist ang tungkol sa mga ito, at samakatuwid maaari nating sabihin na ang kanyang mga larawan ng mga kalahok sa mga kaganapan ng 1812-1814, ang mga imahe ng mga magsasaka, nilikha sa parehong taon, ay isang uri ng masining na kahanay sa mga umuusbong na konsepto ng Decembrism.

Minarkahan ng maliwanag na stamp ng romantikong ideal "Larawan ng V.A. Zhukovsky" (1816). Ang pintor, na gumagawa ng isang larawan na kinomisyon ni S.S. Uvarov, ay nagpasya na ipakita sa kanyang mga kasabayan hindi lamang ang imahe ng makata, na kilalang kilala sa mga lupon ng panitikan, ngunit din upang ipakita ang isang tiyak na pag-unawa sa personalidad ng romantikong makata. Bago sa atin ay ang uri ng makata na nagpahayag ng pilosopiko at mapangarapin na direksyon ng romantikong Ruso. Ipinakilala ni Kiprensky si Zhukovsky sa isang sandali ng malikhaing inspirasyon. Ginulo ng hangin ang buhok ng makata, ang mga puno ay nag-alarma sa gabi, ang mga labi ng sinaunang mga gusali ay halos hindi nakikita. Ganito ang hitsura ng tagalikha ng mga romantikong ballad. Madilim na mga kulay idagdag sa kapaligiran ng mahiwaga. Sa payo ni Uvarov, hindi natapos ni Kiprensky ang pagpipinta ng mga indibidwal na mga piraso ng larawan, upang ang "labis na pagkakumpleto" ay hindi mapapatay ang espiritu, ugali, at emosyonalidad.

Maraming mga larawan ang ipininta ni Kiprensky sa Tver. Bukod dito, nang iguhit niya si Ivan Petrovich Wulf, isang nagmamay-ari ng Tver, tumingin siya ng emosyon sa batang babae na nakatayo sa harap niya, ang kanyang apong babae, ang hinaharap na si Anna Petrovna Kern, kung kanino ang isa sa pinaka nakakaakit na akdang liriko - ang tula ni AS Pushkin "Naaalala ko ang napakagandang sandali ..". Ang mga nasabing samahan ng mga makata, artista, musikero ay naging pagpapakita ng isang bagong direksyon sa sining - romantismo.

Ang Kiprensky's Young Gardener (1817), si Bryullov's Italian Midday (1827), The Reapers o The Reaper (1820s) ni Venetsianov ay mga gawa ng parehong serye na typological. Nakatuon ang mga ito sa kalikasan at malinaw na nakasulat sa paggamit nito. Bawat isa sa mga artista - upang maisakatuparan ang pagiging perpekto ng Aesthetic ng isang simpleng kalikasan - humantong sa isang uri ng pag-idealize ng mga imahe, damit, sitwasyon alang-alang sa paglikha ng isang talinghaga sa imahe. Ang pagmamasid sa buhay, kalikasan, binigyang kahulugan ito ng artista, kinatula ang nakikita. Sa bago nitong husay kumbinasyon ng kalikasan at imahinasyon na may karanasan ng mga sinaunang at Renaissance masters, na nagsisilang ng mga imaheng hindi alam sa sining dati, at isa sa mga tampok ng romantismo sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang katalinhagang katangian, sa pangkalahatan, katangian ng mga gawaing ito nina Venetsianov at Bryullov, ay isa sa pinakamahalagang tampok ng romantikong noong bago pa ang mga Russian artist sa Western European romantikong potograp ... "Portrait of a Father (A. K. Schwalbe)" (1804) ay pininturahan ng Orest Kiprensky ng art at portrait na genre sa partikular.

Ang pinaka-makabuluhang mga nakamit ng romantikong Russian ay gumagana sa portrait genre. Ang pinakamaliwanag at pinakamahusay na mga halimbawa ng romantikismo ay mula pa noong maagang panahon. Matagal bago ang kanyang paglalakbay sa Italya, noong 1816, si Kiprensky, na panloob na handa para sa isang romantikong sagisag ng mundo, ay nakita ng bagong mga mata ang mga kuwadro na gawa ng mga dating panginoon. Madilim na pangkulay, mga figure na na-highlight ng ilaw, nasusunog na mga kulay, matinding drama ay nagkaroon ng isang malakas na impluwensya sa kanya. Ang "Portrait of a Father" ay walang pagsalang inspirasyon ni Rembrandt. Ngunit ang Russian artist ay kumuha lamang ng mga panlabas na diskarte mula sa dakilang Dutchman. Ang "Portrait of a Father" ay isang ganap na independiyenteng gawa na may sariling lakas at lakas ng pagpapahayag ng masining. Ang isang natatanging tampok ng mga larawan sa album ay ang pagiging buhay ng kanilang pagpapatupad. Walang larawan - ang instant na paglipat ng nakita niya sa papel ay lumilikha ng isang natatanging pagiging bago ng graphic expression. Samakatuwid, ang mga taong inilalarawan sa mga pigura ay tila sa amin malapit at nauunawaan.

Tinawag ng mga dayuhan na Kiprensky ang Russian Van Dyck, ang kanyang mga larawan ay nasa maraming museo sa buong mundo. Ang kahalili sa gawain nina Levitsky at Borovikovsky, ang hinalinhan nina L. Ivanov at K. Bryullov, Kiprensky ay nagbigay ng katanyagan sa Europa sa paaralang sining ng Russia sa kanyang gawa. Sa mga salita ni Alexander Ivanov, "siya ang unang nagdala ng Russian name sa Europe ...".

Ang tumaas na interes sa pagkatao ng isang tao, katangian ng romantismo, ay natukoy nang una ang yumayabong na genre ng portrait sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, kung saan ang self-portrait ay naging nangingibabaw na tampok. Bilang isang patakaran, ang paglikha ng isang self-portrait ay hindi isang hindi sinasadyang yugto. Paulit-ulit na sinulat at pininturahan ng mga artista ang kanilang mga sarili, at ang mga gawaing ito ay naging isang uri ng talaarawan na sumasalamin sa iba't ibang mga estado ng kaluluwa at mga yugto ng buhay, at sa parehong oras, sila ay isang manipesto na nakatuon sa kanilang mga kapanahon. Sariling larawan ay hindi isang pasadyang genre, ang artist ay nagsulat para sa kanyang sarili at narito, higit sa dati, siya ay naging malaya sa pagpapahayag ng sarili. Noong ika-18 siglo, ang mga artista ng Russia ay bihirang nagpinta ng mga larawan ng may-akda, romantismo lamang kasama ang kulto ng indibidwal, ang eksklusibong nag-ambag sa pagtaas ng ganitong uri. Ang pagkakaiba-iba ng mga uri ng self-portrait ay sumasalamin sa pang-unawa ng mga artista sa kanilang sarili bilang isang mayaman at maraming katangian na pagkatao. Lumilitaw ang mga ito sa dati at likas na papel ng tagalikha ("Potograpiya sa sarili sa isang pelus na beret" ni AG Varnek, 1810s), pagkatapos ay sumubsob sila sa nakaraan, na parang sinusubukan ito sa kanilang sarili ("Sariling larawan sa isang helmet at nakasuot "ni FI Yanenko, 1792), o, mas madalas, lumilitaw nang walang anumang mga propesyonal na katangian, na pinatutunayan ang kahalagahan at pangunahing halaga ng bawat tao, na napalaya at bukas sa mundo, naghahanap at nagmamadali, tulad ng, halimbawa, FA Bruni at OA Orlovsky sa self-portrait 1810s. Ang kahandaan para sa dayalogo at pagiging bukas, likas sa matalinhagang solusyon ng mga gawa noong 1810-1820s, ay unti-unting napalitan ng pagkapagod at pagkabigo, paglulubog, pag-atras sa sarili ("Sariling Sarili" ni M. I. Terebenev). Ang kalakaran na ito ay nasasalamin sa pagbuo ng uri ng portrait sa pangkalahatan.

Ang mga larawan sa sarili ng Kiprensky ay lumitaw, na kung saan ay nagkakahalaga ng pansin, sa mga kritikal na sandali ng buhay, nagpatotoo sila sa pagtaas o pagbagsak ng lakas ng kaisipan. Sa pamamagitan ng kanyang sining, tumingin ang artist sa kanyang sarili. Gayunpaman, hindi siya gumamit ng salamin, tulad ng karamihan sa mga pintor; isinulat niya ang karamihan sa kanyang sarili batay sa representasyon, nais ipahayag ang kanyang diwa, ngunit hindi ang kanyang hitsura.

"Self-portrait na may mga brush sa likod ng tainga" ay itinayo sa pagtanggi, at malinaw na nagpapakita, sa panlabas na pagluwalhati ng imahe, ang klasikal na pagiging normal nito at perpektong konstruksyon. Ang mga tampok na pangmukha ay nakabalangkas ng humigit-kumulang, sa pangkalahatan. Tumama ang ilaw sa gilid sa mukha, na tinatampok lamang ang mga tampok sa gilid. Ang mga indibidwal na pagsasalamin ng ilaw ay nahuhulog sa pigura ng artista, naapula sa halos hindi makikilala na drapery na kumakatawan sa background ng larawan. Ang lahat ng bagay dito ay napailalim sa pagpapahayag ng buhay, damdamin, kalooban. Ito ay isang pagtingin sa romantikong sining sa pamamagitan ng sining ng self-portrait. Ang paglahok ng artist sa mga lihim ng pagkamalikhain ay ipinahayag sa mahiwagang romantikong "sfumato ng ika-19 na siglo". Ang isang kakaibang berdeng tono ay lumilikha ng isang espesyal na kapaligiran ng artistikong mundo, sa gitna kung saan ang artist mismo.

Halos kasabay ng self-portrait na ito ay nakasulat at "Potograpiya sa sarili sa isang kulay rosas na panyo" kung saan ang ibang imahe ay nakalarawan. Nang walang direktang sanggunian sa propesyon ng isang pintor. Ang imahe ng isang binata na pakiramdam na madali, natural, malaya ay muling nilikha. Ang kaakit-akit na ibabaw ng canvas ay maliit na itinayo. Ang brush ng artist ay naglalapat ng mga pintura nang may kumpiyansa. Ang pag-iwan ng malaki at maliit na stroke. Ang mga kulay ay napakahusay na binuo, ang mga kulay ay mapurol, maayos na pinagsama sa bawat isa, ang pag-iilaw ay kalmado: ang ilaw ay malumanay na bumubuhos sa mukha ng binata, binabalangkas ang kanyang mga tampok, nang walang kinakailangang pagpapahayag at pagpapapangit.

Ang isa pang natitirang pintor ay si Venetsianov. Noong 1811 natanggap niya ang pamagat ng Academician mula sa Academy, na hinirang para sa "Self-portrait" at "Portrait of K. Golovachevsky kasama ang tatlong mag-aaral ng Academy of Arts." Ang mga ito ay natitirang mga gawa.

Ang totoong kasanayan ni Venetsianov ay idineklara na siya ay "Potograpiya ng sarili" 1811 taon. Iba't iba ang ipininta kaysa sa ibang mga artista na nagpinta ng kanilang mga sarili sa oras na iyon - A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek at maging ang serf na si V. Tropinin. Karaniwan para sa kanilang lahat na isipin ang kanilang mga sarili sa isang romantikong halo, ang kanilang mga larawan sa sarili ay isang uri ng makatang oposisyon na nauugnay sa kapaligiran. Ang pagiging natatangi ng artistikong likas na katangian ay ipinakita sa pustura, kilos, sa pagiging isahan ng isang espesyal na pinaglihi na costume. Sa "Sariling larawan" ni Venetsianov, naitala ng mga mananaliksik, una sa lahat, ang mahigpit at panahunan na ekspresyon ng isang abalang tao ... Tamang kahusayan, na naiiba mula sa mapagpanggap na "masining na kapabayaan" na ipinahiwatig ng mga dressing gown o flirtatiously shifted hats ng iba pang mga mga artista. Si Venizianov ay tumingin nang matino. Ang sining para sa kanya ay hindi isang inspiradong salpok, ngunit higit sa lahat isang bagay na nangangailangan ng konsentrasyon at pansin. Maliit ang laki, halos monochrome sa mga tono ng oliba, iba ang tumpak na nakasulat, ito ay simple at kumplikado nang sabay. Hindi nakakaakit sa panlabas na bahagi ng pagpipinta, huminto siya sa kanyang tingin. Ang perpektong manipis na mga rims ng manipis na ginto na frame ng mga baso ay hindi nagtatago, ngunit binibigyang diin ang talas ng paningin ng mga mata, hindi gaanong nakadirekta sa kalikasan (ipininta ng artist ang kanyang sarili na may paleta at isang brush sa kanyang mga kamay), ngunit sa lalim ng kanyang sariling mga saloobin. Isang malaking lapad na noo, ang kanang bahagi ng mukha, na naiilawan ng direktang ilaw, at isang puting shirt-front ay bumubuo ng isang ilaw na tatsulok, pangunahin ang akit ng mata ng manonood, na sa susunod na instant, kasunod ng paggalaw ng kanang kamay na may hawak na manipis magsipilyo, dumulas pababa sa palette. Wavy strands ng buhok, bow ng isang makintab na frame, isang maluwag na kurbatang bilog ang kwelyo, isang malambot na linya ng balikat at, sa wakas, ang isang malawak na kalahating bilog ng paleta ay bumubuo ng isang mobile system ng makinis, tuluy-tuloy na mga linya, sa loob kung saan mayroong tatlong pangunahing mga puntos: maliit na kislap ng mga mag-aaral, at ang matalim na dulo ng shirt sa harap, halos isara sa palette at brush. Ang nasabing isang halos pagkalkula sa matematika sa pagbuo ng komposisyon ng isang larawan ay nagbibigay sa imahe ng isang bahagyang panloob na katiyakan at nagbibigay ng dahilan upang ipalagay sa may-akda ang isang analytical na isip, hilig sa pang-agham na pag-iisip. Sa "Self-Portrait" wala kahit isang bakas ng anumang romantismo, na noon ay napakadalas kapag ang mga artista ay naglalarawan ng kanilang sarili. Ito ay isang self-portrait ng isang artist-mananaliksik, artist-thinker at masipag na manggagawa.

Isa pang piraso - larawan ng Golovachevsky - ipinaglihi bilang isang uri ng komposisyon ng balangkas: ang mas matandang henerasyon ng mga masters ng Academy, na kinatawan ng matandang inspektor, ay nagbibigay ng mga tagubilin sa lumalaking talento: isang pintor (na may isang folder ng mga guhit. Isang arkitekto at isang iskultor. binibigyang kahulugan ang mga kabataan ng ilang pahina basahin sa libro. Ang katapatan ng pagpapahayag ay nakakahanap ng suporta sa nakamamanghang istraktura ng larawan: ang sumupil, mahinahon at maganda ang pagsasaayos ng mga makulay na tono ay lumilikha ng impresyon ng katahimikan at kaseryosoan. Mga magagandang pinturang mukha na puno ng panloob na kahalagahan. Ang larawan ay isa sa pinakamataas mga nakamit ng Russian portraiture.pinta.

At sa gawain ng Orlovsky noong 1800s, lilitaw ang mga larawan, karamihan sa anyo ng mga guhit. Sa pamamagitan ng 1809, mayroong tulad ng isang emosyonal na mayaman na sheet ng larawan bilang "Potograpiya ng sarili" ... Puno ng isang masarap na libreng ugnay ng sanguine at uling (iluminado ng tisa), ang Self-Portrait ng Orlovsky ay umaakit sa pagiging masining nito, katangian ng imahe, at sining ng pagpapatupad. Sa parehong oras, pinapayagan kaming makilala ang ilan sa mga kakaibang aspeto ng sining ni Orlovsky. Ang "Sariling larawan" ni Orlovsky ay tiyak na walang layunin na tumpak na kopyahin ang tipikal na hitsura ng artist ng mga taong iyon. Bago sa amin - sa maraming mga paraan sinasadya. Ang pinalaking hitsura ng isang "artista" na sumasalungat sa kanyang sariling "I" sa nakapalibot na realidad, hindi siya nag-aalala sa "kagandahang-asal" ng kanyang hitsura: isang suklay at isang sipilyo ay hindi hinawakan ang kanyang malabay na buhok, sa kanyang balikat naroon ang gilid ng isang checkered na balabal na karapatan sa tuktok ng isang home shirt na may bukas na kwelyo. Isang matalim na pagliko ng ulo na may isang "malungkot" na titig mula sa ilalim ng paglipat ng mga kilay, isang malapitan na pagbaril ng isang larawan kung saan ang mukha ay inilalarawan sa malapitan, mga ilaw na naiiba - lahat ng ito ay naglalayong makamit ang pangunahing epekto ng pagtutol ang itinatanghal na tao sa kapaligiran (at sa gayon ang manonood).

Ang mga pathos ng nagpapatunay na sariling katangian - isa sa mga pinakaunlad na tampok sa sining ng panahong iyon - ay bumubuo ng pangunahing ideolohikal at emosyonal na tono ng larawan, ngunit lumilitaw sa isang kakaibang aspeto na halos hindi matatagpuan sa sining ng Russia ng panahong iyon. Ang paninindigan ng pagkatao ay hindi napupunta sa pamamagitan ng pagsisiwalat ng yaman ng kanyang panloob na mundo, ngunit sa pamamagitan ng isang mas panlabas na paraan ng pagtanggi sa lahat sa paligid niya. Sa parehong oras, ang imahe ay walang alinlangan na mukhang mahirap, limitado.

Ang mga nasabing solusyon ay mahirap hanapin sa Russian portraiture ng panahong iyon, kung saan nasa kalagitnaan ng ika-18 siglo sibil at makatao na mga motibo ay malakas na tunog at ang pagkatao ng isang tao ay hindi kailanman naputol ang matibay na ugnayan sa kapaligiran. Ang pangarap ng isang mas mahusay, demokratikong kaayusang panlipunan, ang pinakamagaling na tao ng Russia sa panahong iyon ay hindi humiwalay sa katotohanan, sadyang tinanggihan ang kulturang individualistic ng "personal na kalayaan" na umusbong sa lupa ng Kanlurang Europa, na tinanggal ng burges rebolusyon. Malinaw na ipinakita nito ang kanyang sarili bilang isang pagmuni-muni ng mga tunay na kadahilanan sa Russian portraiture. Ang isa ay dapat lamang ihambing ang Self-Portrait ng Orlovsky sa sabay "Potograpiya ng sarili" Kiprensky (halimbawa, 1809), upang ang seryosong panloob na pagkakaiba sa pagitan ng dalawang mga pintor ng larawan ay agad na maliwanag.

Kiprensky din "bayani" pagkatao ng isang tao, ngunit ipinapakita niya ang tunay na mga panloob na halaga. Sa mukha ng artista, nakikita ng manonood ang mga tampok ng isang malakas na isip, tauhan, kalinisan sa moral.

Ang buong hitsura ng Kiprensky ay natatakpan ng kamangha-manghang maharlika at sangkatauhan. Nagagawa niyang makilala ang "mabuting" at "masama" sa mundo sa paligid niya at, tinatanggihan ang pangalawa, mahalin at pahalagahan ang una, pag-ibig at pahalagahan ang mga taong may pag-iisip. Sa parehong oras, bago sa amin, walang alinlangan, isang malakas na sariling katangian, ipinagmamalaki ang kamalayan ng halaga ng kanilang mga personal na katangian. Eksakto ang parehong konsepto ng larawan ng larawan na pinagbabatayan ng bantog na bayani na larawan ni D. Davydov ni Kiprensky.

Ang Orlovsky, kumpara sa Kiprensky, pati na rin sa ilang iba pang mga pintor ng Russian portrait noong panahong iyon, mas limitado, mas prangka at panlabas na nalulutas ang imahe ng isang "malakas na personalidad", malinaw na nakatuon sa sining ng burgis na Pransya. Kapag tiningnan mo ang kanyang "Sariling larawan", ang mga larawan ni A. Gro, Gericault na hindi sinasadyang umisip. Ang profile ni Orlovsky na "Self-portrait" noong 1810, kasama ang kanyang kulto ng indibidwalistang "panloob na lakas," gayunpaman, walang wala nang matitigas na "malaswa" na anyo ng "Sariling Potograpiya" noong 1809 o "Portrait of Duport". Sa huli, si Orlovsky, tulad ng "Self-portrait", ay gumagamit ng isang kamangha-manghang, "magiting" na pose na may matalim, halos tumatawid na paggalaw ng ulo at balikat. Binibigyang diin niya ang hindi regular na istraktura ng mukha ni Duport, ang kanyang hindi gulo na buhok, na may hangarin na lumikha ng isang larawan ng larawan na may sariling kakayahan sa natatanging, random na katangian.

"Ang tanawin ay dapat na isang larawan", - sumulat K. K. Batyushkov. Karamihan sa mga artista na lumingon sa genre ay sumunod sa ugali na ito sa kanilang gawa. tanawin. Kabilang sa mga halatang pagbubukod na nakaguhit patungo sa kamangha-manghang tanawin ay ang A.O Orlovsky ("Sea View", 1809); A. G. Varnek ("View in the Environs of Rome", 1809); PV Basin ("The Sky at Sunset in the Vicinity of Rome", "Evening Landscape", pareho - 1820s). Lumilikha ng mga tiyak na uri, pinanatili nila ang kaagad ng pang-amoy, pang-emosyonal na saturation, na umaabot sa napakalaking tunog na may mga diskarteng pang-komposisyon.

Sa likas na katangian nakita lamang ng batang Orlrvsky na puwersang titanic, hindi napapailalim sa kagustuhan ng tao, na may kakayahang magdulot ng sakuna, sakuna. Ang pakikibaka ng tao sa nagngangalit na elemento ng dagat ay isa sa mga paboritong tema ng artist ng kanyang "mapanghimagsik" na romantikong panahon. Naging nilalaman ng kanyang mga guhit, watercolor at mga kuwadro na langis mula 1809 hanggang 1810. ang nakalulungkot na eksena ay ipinakita sa larawan "Pagkalubog ng barko" (1809 (?)). Sa madilim na kadiliman na nahulog sa lupa, kasama ng mga nagngangalit na alon, ang mga nalulunod na mangingisda ay frantically akyat sa mga bangin sa baybayin kung saan bumagsak ang kanilang barko. Ang kulay, na pinapanatili sa matinding mga pulang tono, ay nagpapahusay sa pakiramdam ng pagkabalisa. Ang mga pagsalakay ng malalakas na alon, na nangangahulugang isang bagyo, ay nagbabanta, at sa isa pang larawan - "Sa dagat" (1809). Mayroon din itong malaking papel na pang-emosyonal sa mabagyo na langit, na tumatagal ng halos lahat ng komposisyon. Bagaman hindi alam ng Orlovsky ang sining ng pananaw sa panghimpapawid, ang unti-unting paglipat ng mga plano ay nalutas dito nang mas maayos at mas malambot. Ang kulay ay naging mas magaan. Ang mga pulang tuldok ng damit ng mga mangingisda ay maganda ang paglalaro sa isang pulang-kayumanggi na background. Hindi mapakali at nakakagambalang elemento ng dagat sa watercolor "Sailboat" (mga 1812). At kahit na ang hangin ay hindi flutter ang layag at hindi ripple sa ibabaw ng tubig, tulad ng sa watercolor "Seascape na may mga barko" (mga 1810), hindi iniiwan ng manonood ang pangunahin na ang isang bagyo ay susundan ang kalmado.

Para sa lahat ng drama at emosyonal na kaguluhan, ang mga tanawin ng dagat ng Orlovsky ay hindi bunga ng kanyang pagmamasid sa mga phenomena sa atmospera bilang resulta ng direktang paggaya ng mga klasiko ng sining. Sa partikular, si J. Vernet.

Ang mga tanawin ng S.F.Shchedrin ay may ibang tauhan. Napuno sila ng pagkakasundo ng pamumuhay sa pagitan ng tao at kalikasan ("Terrace sa dalampasigan. Capuccini malapit sa Sorrento", 1827). Ang maraming tanawin ng Naples at ang mga paligid ng kanyang brush ay nasiyahan sa pambihirang tagumpay at katanyagan.

Ang paglikha ng isang romantikong imahe ng St. Petersburg sa pagpipinta ng Russia ay nauugnay sa gawa ni M.N. Vorobiev. Sa kanyang mga canvases, lumitaw ang lungsod na nababalot ng misteryosong mga fogs ng Petersburg, malambot na ulap ng mga puting gabi at isang kapaligiran na puspos ng kahalumigmigan ng dagat, kung saan nabubura ang mga balangkas ng mga gusali, at kinumpleto ng ilaw ng buwan ang sakramento. Ang parehong panimulang liriko ay nagpapakilala sa mga pananaw ng mga paligid ng St. Petersburg na ginanap niya ("Sunset in the Environs of St. Petersburg", 1832). Ngunit ang hilagang kabisera ay nakita ng mga artista sa iba, dramatikong paraan, bilang isang arena ng pagkakabangga at pakikibaka ng mga natural na elemento (V. Ye. Raev "Alexander's Column habang isang Thundertorm", 1834).

Sa mga makinang na kuwadro na gawa ng IK Aivazovsky, ang mga romantikong ideyal ng rapture sa pakikibaka at lakas ng mga likas na puwersa, ang pagtitiyaga ng espiritu ng tao at ang kakayahang labanan hanggang sa wakas ay malinaw na kinatawan. Gayunpaman, ang isang malaking lugar sa pamana ng master ay sinasakop ng mga night seas ng dagat na nakatuon sa mga tukoy na lugar kung saan ang bagyo ay nagbibigay daan sa mahika ng gabi, isang oras na, ayon sa pananaw ng mga romantiko, ay puno ng isang misteryosong buhay sa loob, at kung saan ang larawan sa paghahanap ng artist ay naglalayong kumuha ng mga hindi pangkaraniwang epekto ng ilaw ("View of Odessa on a moonlit night", "View of Constantinople by moonlight", pareho - 1846).

Ang tema ng mga natural na elemento at ang tao na kinagulat - isang paboritong tema ng romantikong sining, ay binigyang kahulugan sa iba't ibang paraan ng mga artista noong 1800-1850s. Ang mga gawa ay batay sa totoong mga kaganapan, ngunit ang kahulugan ng mga imahe ay hindi sa kanilang layunin na muling pagsasalaysay. Ang isang tipikal na halimbawa ay ang pagpipinta ni Pyotr Basin "Ang lindol ng Rocca di Papa malapit sa Roma" (1830). Ito ay nakatuon hindi gaanong sa paglalarawan ng isang tukoy na kaganapan bilang sa paglalarawan ng takot at takot ng isang tao na nahaharap sa pagpapakita ng mga elemento.

KP Bryullov (1799-1852) at A.A. Ivanov (1806 - 1858). Ang pintor at draftsman ng Russia na si K.P. Si Bryullov, habang mag-aaral pa rin ng Academy of Arts, pinagkadalubhasaan ang walang katulad na kasanayan sa pagguhit. Ang pagiging malikhain na si Bryullov ay karaniwang nahahati sa bago "Ang Huling Araw ng Pompeii" at pagkatapos. Ano ang nilikha bago….?!

"Umaga ng Italyano" (1823), "Hermilia at the Shepherds" (1824) batay sa tula ni Torquatto Tasso "Liberation of Jerusalem", "Italian Noon" ("Italian Woman Removing Grapes", 1827), "Horsewoman" (1830 ), "Bathsheba" (1832) - lahat ng mga kuwadro na ito ay nilagyan ng isang maliwanag, hindi nakakubli na kagalakan sa buhay. Ang mga nasabing akda ay katinig sa maagang mga talatang epicurean ng Pushkin, Batyushkov, Vyazemsky, Delvig. Ang matandang istilo, batay sa paggaya sa mga magagaling na panginoon, ay hindi nasiyahan si Bryullov at pininturahan niya ang "Italya ng Umaga", "Tanghali ng Italyano", "Bathsheba" sa bukas na hangin.

Paggawa ng larawan, pininturahan lamang ni Bryullov ang ulo mula sa buhay. Lahat ng iba pa ay madalas na idinidikta sa kanya ng kanyang imahinasyon. Ang bunga ng naturang libreng malikhaing pagpapabuti ay "Rider". Ang pangunahing bagay sa larawan ay ang kaibahan ng isang namula, nagpapasadalang hayop na namamaga ang mga butas ng ilong at kumikislap na mga mata at isang kaaya-aya na sumakay na mahinahon na pinipigilan ang matipid na lakas ng kabayo (ang pag-taming ng mga hayop ay isang paboritong tema ng mga klasikong iskultor, nalutas ito ni Bryullov sa pagpipinta).

SA "Bathsheba" ginagamit ng artista ang kwentong bibliya bilang isang dahilan para sa pagpapakita ng hubad na katawan sa bukas na hangin at ihatid ang paglalaro ng ilaw at reflexes sa patas na balat. Sa Bathsheba, nilikha niya ang imahe ng isang batang babae na puno ng kagalakan at kaligayahan. Ang hubad na katawan ay kumikinang at nagniningning na napapaligiran ng mga berdeng olibo, mga damit na seresa, isang transparent na reservoir. Ang malambot na nababanat na mga hugis ng katawan ay maganda na isinama sa pagpaputi ng tela at kulay ng tsokolate ng babaeng Arabo na naglilingkod kay Bathsheba. Ang dumadaloy na mga linya ng mga katawan, pond, tela ay nagbibigay sa komposisyon ng larawan ng isang makinis na ritmo.

Ang pagpipinta ay naging isang bagong salita sa pagpipinta "Ang huling araw ng Pompeii" (1827-1833). Ginawa niya ang pangalan ng artist na walang kamatayan at napasikat sa kanyang buhay.

Ang balangkas nito, maliwanag, ay pinili sa ilalim ng impluwensya ng kapatid na si Alexander, na masidhing pinag-aralan ang mga lugar ng pagkasira ng Pompeian. Ngunit ang mga dahilan para sa pagpipinta ay mas malalim. Napansin ito ni Gogol, at deretsahang sinabi ni Herzen na sa Huling Araw ng Pompeii, marahil, isang walang malay na pagsasalamin sa mga saloobin at damdamin ng artista, sanhi ng pagkatalo ng pag-aalsa ng Decembrist sa Russia, ay natagpuan ang kanilang lugar. Hindi walang kadahilanan, kabilang sa mga biktima ng mga nagngangalit na elemento sa namamatay na Pompey, inilagay ni Bryullov ang kanyang sariling larawan at ibinigay ang mga tampok ng kanyang mga kakilala sa Russia sa iba pang mga character sa larawan.

Ang entourage ng Italyano ni Bryullov ay gumanap din ng papel, na maaaring sabihin sa kanya tungkol sa mga rebolusyonaryong bagyo na tumama sa buong Italya sa mga nakaraang taon, tungkol sa malungkot na kapalaran ng Carbonari sa mga taon ng reaksyon.

Ang kamangha-manghang larawan ng pagkamatay ni Pompeii ay nilagyan ng diwa ng makasaysayang, ipinapakita nito ang pagbabago mula sa isang makasaysayang panahon tungo sa isa pa, ang pagsugpo sa sinaunang paganism at pagsisimula ng isang bagong pananampalatayang Kristiyano.

Kapansin-pansin ng artist ang kurso ng kasaysayan, ang pagbabago ng mga panahon bilang isang pagkabigla sa sangkatauhan. Sa gitna ng komposisyon, isang babae na nahulog mula sa karo at bumagsak sa kamatayan ay tila nagpakilala sa pagkamatay ng sinaunang mundo. Ngunit malapit sa katawan ng ina, naglagay ang artista ng buhay na sanggol. Inilalarawan ang mga bata at magulang, isang binata at isang matandang babae, isang ina, mga anak na lalaki at isang mahirap na ama, ipinakita ng artist ang mga lumang henerasyon na dumadaan sa kasaysayan at mga bagong darating upang palitan sila. Ang pagsilang ng isang bagong panahon sa pagkasira ng matandang mundo na gumuho sa alikabok ay ang totoong tema ng pagpipinta ni Bryullov. Hindi alintana ang mga puntong binabago ng kasaysayan, ang pagkakaroon ng sangkatauhan ay hindi titigil, at ang pagkauhaw sa buhay ay mananatiling hindi nawawala. Ito ang pangunahing ideya sa likod ng The Last Day of Pompeii. Ang larawang ito ay isang himno sa kagandahan ng sangkatauhan, na nananatiling walang kamatayan sa lahat ng mga siklo ng kasaysayan.

Ang canvas ay ipinakita noong 1833 sa Milan Art Exhibition, nagdulot ito ng isang kaguluhan ng masigasig na mga tugon. Ang nasusuot nang maayos na Italya ay sinakop. Ang mag-aaral ni Bryullov na si G. G. Gagarin ay nagpatotoo: "Ang dakilang gawaing ito ay pumukaw sa walang hanggan na sigasig sa Italya. Ang mga lungsod kung saan ang pagpipinta ay ipinakita ang mga organisadong seremonya ng seremonya para sa artista, ang tula ay inilaan sa kanya, dinala siya sa mga kalye ng musika, mga bulaklak at sulo ... Kahit saan siya ay natanggap na may karangalan bilang isang kilalang, matagumpay na henyo, naiintindihan at pinahahalagahan ng lahat.

Ang manunulat ng Ingles na si Walter Scott (isang kinatawan ng romantikong panitikan, sikat sa kanyang mga nobelang pangkasaysayan) ay gumugol ng isang oras sa studio ni Bryullov, kung saan sinabi niya na hindi ito isang larawan, ngunit isang buong tula. Pinili ng Art Academies ng Milan, Florence, Bologna at Parma ang pintor ng Russia bilang kanilang kagalang-galang na miyembro.

Ang canvas ni Bryullov ay nagpukaw ng masigasig na tugon mula sa Pushkin at Gogol.

Binuka ni Vesuvius ang bibig nito - ang usok ay ibinuhos sa isang apoy ng club

Malawak itong nabuo bilang isang battle banner.

Ang mundo ay nabalisa - mula sa mga nakagugulat na haligi

Nahuhulog ang mga idolo! ..

Sumulat si Pushkin sa ilalim ng impression ng larawan.

Simula kay Bryullov, ang mga naging puntos ng kasaysayan ay naging pangunahing paksa ng pagpipinta ng makasaysayang Russia, kung saan inilalarawan ang mga magagarang katutubong tanawin, kung saan ang bawat tao ay kasali sa isang makasaysayang drama, kung saan walang pangunahing o pangalawa.

Ang "Pompeia" ay kabilang, sa pangkalahatan, sa klasismo. Mahusay na ipinahayag ng artista ang pagiging plastic ng katawan ng tao sa canvas. Ang lahat ng mga paggalaw ng kaisipan ng mga tao ay nailipat ni Bryullov pangunahin sa wika ng mga plastik. Ang mga indibidwal na numero, na ibinigay sa isang bagyo, ay nakolekta sa balanseng, mga nakapirming grupo. Ang mga pag-flash ng ilaw ay nagpapahiwatig ng mga hugis ng mga katawan at hindi lumikha ng malakas na mga epekto ng pagpipinta. Gayunpaman, ang komposisyon ng larawan, na may isang malakas na tagumpay sa gitna, na naglalarawan ng isang pambihirang kaganapan sa buhay ni Pompeii, ay binigyang inspirasyon ng romantikismo.

Ang Romanticismismo sa Russia bilang isang pananaw sa mundo ay umiiral sa unang alon nito mula sa pagtatapos ng ika-18 siglo hanggang 1850s. Ang romantikong linya sa sining ng Russia ay hindi nagtapos noong 1850s. Binuksan ng mga romantiko para sa sining, ang tema ng estado ng pagiging ay binuo sa paglaon ng mga artist ng Blue Rose. Ang mga direktang tagapagmana ng Romantics ay walang pagsala ang mga Symbolist. Ang mga romantikong tema, motibo, nagpapahiwatig na mga diskarte ay pumasok sa sining ng iba't ibang mga estilo, uso, malikhaing pagsasama. Ang romantikong pananaw o pananaw sa mundo ay naging isa sa pinaka buhay na buhay, masipag, at mabunga.

Ang Romanticism bilang isang pangkalahatang pananaw, katangian na higit sa lahat sa mga kabataan, bilang isang pagsusumikap para sa perpekto at malikhaing kalayaan, ay patuloy pa ring naninirahan sa sining ng mundo.

c) Musika

Ang Romanticism sa kanyang purest form ay isang kababalaghan ng Western European art. Sa musikang Ruso ng siglong XIX. mula sa Glinka hanggang Tchaikovsky, ang mga tampok ng klasismo ay pinagsama sa mga tampok ng romantismo, ang nangungunang elemento ay isang maliwanag, natatanging pambansang prinsipyo. Ang Romanticismism sa Russia ay nagbigay ng isang hindi inaasahang pagtaas kapag ang direksyon na ito ay tila isang bagay ng nakaraan. Dalawang kompositor ng ika-20 siglo, sina Scriabin at Rachmaninov, ang nagbangon ng gayong mga tampok ng romantismo bilang hindi mapigilan na paglipad ng pantasya at ang katapatan ng mga liriko. Samakatuwid, ang XIX siglo. tinawag na siglo ng mga klasiko sa musika.

Ang Oras (1812, ang pag-aalsa ng Decembrist, ang kasunod na reaksyon) ay nag-iwan ng isang imprint sa musika. Anumang genre ang pipiliin natin - pag-ibig, opera, ballet, silid ng musika - saanman sinabi ng mga kompositor ng Russia ang kanilang bagong salita.

Ang musika ng Russia, para sa lahat ng kagandahan ng salon at mahigpit na pagsunod sa mga tradisyon ng propesyonal na instrumental, kabilang ang pagsulat ng sonata-symphonic, ay batay sa natatanging kulay ng modal at ritmo na istruktura ng alamat ng Russia. Ang ilan - malawak na nakabatay sa pang-araw-araw na kanta, ang iba pa - sa mga orihinal na anyo ng paggawa ng musika, at iba pa - sa dating modality ng mga sinaunang mode ng magsasaka ng Russia.

Maagang ika-19 na siglo - ito ang mga taon ng una at maliwanag na pamumuhay ng genre ng pag-ibig. Katamtamang taos-puso na lyrics pa rin ang tunog at nakalulugod sa mga tagapakinig Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851). Sumulat siya ng mga pag-ibig sa mga talata ng maraming mga makata, ngunit ang mga ito ay walang kamatayan "Nightingale" sa mga talata ng Delvig, "Winter road", "Mahal kita" sa mga talata ni Pushkin.

Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) sumulat ng musika para sa mga dramatikong pagganap, ngunit mas kilala namin siya mula sa mga sikat na pag-ibig "Pulang sundress", "Sa madaling araw, huwag mo akong gisingin", "Ang malungkot na layag ay puti".

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858) - kompositor, piyanista, biyolinista at guro, nagmamay-ari siya ng mga pag-ibig tulad ng "Ang kampanilya ay monotonous ring", "Sa bukang-liwayway ng mahimog na kabataan" at iba pa.

Ang pinakatanyag na lugar dito ay sinasakop ng mga romansa ni Glinka. Wala pang ibang nakakamit ng gayong likas na pagsasanib ng musika sa tula ni Pushkin at Zhukovsky.

Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857) - isang kapanahon ni Pushkin (5 taong mas bata kaysa kay Alexander Sergeevich), isang klasiko ng panitikang Ruso, ay naging tagapagtatag ng mga klasiko sa musika. Ang kanyang trabaho ay isa sa taas ng kultura ng Rusya at pandaigdigang musikal. Ito ay magkakasama na pinagsasama ang yaman ng katutubong musika at ang pinakamataas na nakamit ng pagbubuo. Ang malalim na tanyag na makatotohanang pagkamalikhain ni Glinka ay sumasalamin ng malakas na yumayabong ng kultura ng Russia sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, na nauugnay sa Patriotic War ng 1812 at kilusang Decembrist. Ang ilaw, nagpapatunay na buhay na karakter, pagkakasundo ng mga porma, kagandahan ng mga nagpapahiwatig na malambing na himig, pagkakaiba-iba, kinang at banayad na pagkakatugma ay ang pinakamahalagang katangian ng musika ni Glinka. Sa sikat na opera "Ivan Susanin" (1836) ang ideya ng tanyag na pagkamakabayan ay makinang na ipinahayag; ang kadakilaan sa moral ng mga mamamayang Ruso ay naluwalhati sa engkantada ng opera na " Ruslan at Ludmila " ... Gumagana ang Orchestral ni Glinka: "Waltz-Fantasy", "Gabi sa Madrid" at lalo na "Kamarinskaya", bumuo ng batayan ng Russian classical symphony. Kapansin-pansin para sa lakas ng dramatikong pagpapahayag at ang ningning ng mga katangian ng musika sa trahedya "Prince Kholmsky". Vocal lyrics ni Glinka (pag-ibig "Naaalala ko ang isang kahanga-hangang sandali", "Duda") ay isang hindi maunahan na sagisag ng tula ng Russia sa musika.

6. KANLURANG ROMANONG EROPA

a) Pagpipinta

Kung ang ninuno ng klasismo ay Pransya, kung gayon "upang makita ang mga ugat ... ng romantiko na paaralan," isinulat ng isa sa kanyang mga kapanahon, "dapat kaming pumunta sa Alemanya. Ipinanganak siya roon, at doon binuo ng mga kagustuhan ng modernong Italyano at Pranses ”.

Basag Alemanya hindi alam ang rebolusyonaryong pagtaas. Marami sa mga romantiko ng Aleman ay alien sa mga pathos ng mga advanced na ideya sa lipunan. Na-idealize nila ang Middle Ages. Isinuko nila ang kanilang mga sarili sa hindi mawari na mga imposyong pang-emosyonal, pinag-usapan ang pag-abandona sa buhay ng tao. Ang sining ng marami sa kanila ay walang habas at nagmumuni-muni. Nilikha nila ang kanilang pinakamahusay na mga gawa sa larangan ng pagpipinta at pagguhit ng tanawin.

Ang isang natitirang pintor ng larawan ay si Otto Runge (1777-1810). Ang mga larawan ng master na ito, na may kalmadong panlabas, namangha sa kanilang matindi at tensyonadong panloob na buhay.

Ang imahe ng romantikong makata ay nakikita ni Runge in "Potograpiya sa sarili". Maingat niyang sinusuri ang kanyang sarili at nakikita ang isang maitim ang buhok, maitim ang mata, seryoso, puno ng lakas, maalalahanin, malimit sa sarili at may malasakit na binata. Ang isang romantikong artista ay nais na malaman ang kanyang sarili. Ang paraan kung saan ang larawan ay naisakatuparan ay mabilis at magwawalis, na parang ang espiritwal na enerhiya ng tagalikha ay dapat na maiparating sa pagkakayari ng gawain; sa maitim na sukat ng kulay ng mga pagkakaiba sa ilaw at madilim na lilitaw. Ang kaibahan ay isang katangian na pamamaraan ng pagpipinta ng mga romantikong masters.

Ang isang romantikong artista ay palaging susubukan na mahuli ang nababago na pag-play ng mga kondisyon ng isang tao, upang tumingin sa kanyang kaluluwa. At sa paggalang na ito, ang mga larawan ng mga bata ay magsisilbing isang mayabong na materyal para sa kanya. SA larawan ng mga anak ni Hulsenbeck (1805) Ang Runge ay hindi lamang naghahatid ng pagiging masigla at kusang-loob ng karakter ng isang bata, ngunit nakakahanap din ng isang espesyal na pamamaraan para sa isang magaan na kalagayan, na kinalulugdan ang mga bukas na pagtuklas ng 2nd floor. XIX siglo. Ang background sa larawan ay isang tanawin, na nagpatotoo hindi lamang sa pangkulay na regalo ng artist, isang kahanga-hangang pag-uugali sa kalikasan, kundi pati na rin sa paglitaw ng mga bagong problema sa masterful pagpaparami ng mga spatial na relasyon, light shade ng mga bagay sa bukas hangin Ang romantikong panginoon, na nagnanais na pagsamahin ang kanyang "I" sa kalakhan ng Uniberso, ay nagsisikap na makuha ang senswal na nasasalat na hitsura ng kalikasan. Ngunit sa senswalidad ng imahe na ito, mas gusto niyang makita ang simbolo ng malaking mundo, ang "ideya ng artist".

Ang Runge ay isa sa mga kauna-unahang romantikong artista na nagtakda sa kanyang sarili ng gawain ng pagbubuo ng sining: pagpipinta, iskultura, arkitektura, musika. Ang tunog ng ensemble ng sining ay dapat ipahayag ang pagkakaisa ng mga banal na puwersa ng mundo, ang bawat maliit na butil na sumasagisag sa cosmos bilang isang buo. Pinagpantasyahan ng artist, pinatitibay ang kanyang konsepto ng pilosopiko sa mga ideya ng sikat na taga-palagay ng Aleman na ika-1 palapag. Siglo XVII Jacob Boehme. Ang mundo ay isang uri ng mystical na buo, ang bawat bahagi nito ay nagpapahayag ng kabuuan. Ang ideyang ito ay nauugnay sa mga romantiko ng buong kontinente ng Europa. Sa pormulyong patula, inilagay ito ng makatang Ingles at artist na si William Blake sa ganitong paraan:

Makita ang kawalang-hanggan sa isang iglap

Isang malaking mundo sa isang salamin ng buhangin

Sa isang solong - walang hanggan

At ang langit ay nasa isang tasa ng bulaklak.

Siklo ni Runge, o, tulad ng pagtawag niya rito, "kamangha-manghang tulang musikal" "Mga Panahon ng Araw" - umaga, tanghali, gabi, ay isang pagpapahayag ng konseptong ito. Umalis siya sa tula at tuluyan ng paliwanag ng kanyang konsepto sa modelo ng mundo. Ang imahe ng isang tao, tanawin, ilaw at kulay ay simbolo ng palaging nagbabago na ikot ng natural at buhay ng tao.

Ang isa pang natitirang pinturang romantikong Aleman, si Caspar David Friedrich (1774-1840), ay ginusto ang tanawin kaysa sa lahat ng iba pang mga genre at pininturahan lamang ang mga larawan ng kalikasan sa kanyang pitumpung taong buhay. Ang pangunahing motibo ng gawain ni Frederick ay ang ideya ng pagkakaisa ng tao at kalikasan.

"Makinig sa tinig ng kalikasan na nagsasalita sa loob natin," ang tagubilin ng artist sa kanyang mga mag-aaral. Ang panloob na mundo ng isang tao na nagpapakilala sa kawalang-hanggan ng Uniberso, samakatuwid, na narinig ang kanyang sarili, ang isang tao ay maaaring maunawaan ang mga kalalimang espiritwal ng mundo.

Tinutukoy ng posisyon ng pakikinig ang pangunahing anyo ng "komunikasyon" ng tao na may kalikasan at imahe nito. Ito ang kadakilaan, misteryo o kaliwanagan ng kalikasan at ang may malay na estado ng nagmamasid. Totoo, napakadalas na hindi pinapayagan ni Friedrich ang isang pigura na "pumasok" sa puwang ng tanawin ng kanyang mga kuwadro, ngunit sa banayad na pagtagos ng mapanlikha na istraktura ng kumakalat na expanses, ang pagkakaroon ng isang pakiramdam, ang karanasan ng isang tao ay nadama. Ang subjectivism sa paglalarawan ng tanawin ay nagmumula sa sining lamang sa pagkamalikhain ng mga romantiko, na hudyat sa liriko na pagsisiwalat ng kalikasan ng mga panginoon ng ika-2 kasarian. XIX siglo. Sinabi ng mga mananaliksik sa mga gawa ni Friedrich na "pagpapalawak ng repertoire" ng mga motif na pang-tanawin. Ang may-akda ay interesado sa dagat, bundok, kagubatan at iba`t ibang mga kakulay ng estado ng kalikasan sa iba't ibang oras ng taon at araw.

1811-1812 minarkahan ng paglikha ng isang serye ng mga tanawin ng bundok bilang resulta ng paglalakbay ng artist patungo sa mga bundok. "Umaga sa kabundukan" ang larawan ay kumakatawan sa isang bagong likas na katotohanan na ipinanganak sa mga sinag ng pagsikat ng araw. Ang mga tone ng mauve ay bumabalot at nag-aalis sa kanila ng dami at materyal na timbang. Ang mga taon ng labanan kasama si Napoleon (1812-1813) ay naging Frederick patungo sa mga makabayang tema. Naglalarawan, inspirasyon ng drama ng Kleist, nagsulat siya "Tomb of Arminius" - isang tanawin ng libingan ng mga sinaunang bayani ng Aleman.

Si Friedrich ay isang banayad na master of seascapes: "Ages", "Moonrise over the sea", "Ang pagkamatay ng" Hope "sa yelo."

Ang pinakabagong mga gawa ng artista - "Pahinga sa Larangan", "Big Swamp" at "Remembrance of the Giant Mountains", "Giant Mountains" - isang serye ng mga bundok at bato ng bundok sa madilim na harapan. Ito, maliwanag, ay isang pagbabalik sa nararanasang pakiramdam ng tagumpay ng isang tao sa kanyang sarili, ang kagalakan ng pag-akyat sa "tuktok ng mundo", isang pagsisikap para sa pagpapaliwanag ng hindi matagumpay na taas. Ang damdamin ng artista ay sumulat ng mga bundok na ito sa isang espesyal na paraan, at muling binasa ang paggalaw mula sa kadiliman ng mga unang hakbang patungo sa hinaharap na ilaw. Ang rurok ng bundok sa likuran ay naka-highlight bilang sentro ng mga pangarap na espiritwal ng master. Ang pagpipinta ay napaka-ugnay, tulad ng anumang paglikha ng mga romantiko, at nagmumungkahi ng iba't ibang antas ng pagbabasa at interpretasyon.

Si Friedrich ay napaka-tumpak sa pagguhit, musically maayos sa maindayog na konstruksyon ng kanyang mga kuwadro na gawa, kung saan sinusubukan niyang magsalita kasama ang mga emosyon ng kulay at mga light effects. “Maraming nabibigyan ng kaunti, kaunti ang nabibigyan ng marami. Ang kaluluwa ng kalikasan ay bubukas sa bawat isa sa ibang paraan. Samakatuwid, walang sinuman ang maglakas-loob na ilipat ang kanyang karanasan at ang kanyang mga patakaran sa iba pa bilang isang umiiral na batas na walang pasubali. Walang sinuman ang sukatan para sa lahat. Ang bawat tao'y nagdadala sa loob ng kanyang sarili ng isang panukala lamang para sa kanyang sarili at para sa mga likas na katangian na higit pa o mas kaunti sa aking sarili, "- ang pagmuni-muni ng master na ito ay nagpapatunay ng kamangha-manghang integridad ng kanyang panloob na buhay at pagkamalikhain. Ang katangi-tangi ng artista ay mababasa lamang sa kalayaan ng kanyang trabaho - ito ang pinaninindigan ng romantikong Friedrich.

Tila mas pormal na makilala ang mga artist - "classics" - mga kinatawan ng klasismo ng isa pang sangay ng romantikong pagpipinta sa Alemanya - ang mga Nazareno. Itinatag sa Vienna at nanirahan sa Roma (1809-1810), pinag-isa ng Union of St. Luke ang mga master sa ideya na muling buhayin ang napakalaking sining ng mga isyu sa relihiyon. Ang Middle Ages ay isang paboritong panahon sa kasaysayan para sa mga romantics. Ngunit sa kanilang masining na pakikipagsapalaran, ang mga Nazareno ay bumaling sa mga tradisyon ng pagpipinta ng maagang Renaissance sa Italya at Alemanya. Ang Overbeck at Geforr ay ang mga nagpasimula ng isang bagong alyansa, na sumunod ay sumali kina Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld, Faith Fürich.

Ang kilusang ito ng mga Nazareno ay tumutugma sa kanilang mga anyo ng paghaharap sa mga akademikong klasiko sa Pransya, Italya, Inglatera. Halimbawa, sa Pransya, ang tinaguriang mga primitivist na artista ay lumitaw mula sa pagawaan ni David, sa Inglatera, ang Pre-Raphaelites. Sa diwa ng romantikong tradisyon, isinasaalang-alang nila ang sining ay isang "pagpapahayag ng oras," "diwa ng mga tao," ngunit ang kanilang pampakay o pormal na kagustuhan, na noong una ay parang isang slogan para sa pagsasama, pagkatapos ng ilang sandali sa parehong mga prinsipyo ng doktrinaire tulad ng sa Academy, na tinanggihan nila.

Ang arte ng romantismo sa France binuo sa mga espesyal na paraan. Ang unang bagay na nakilala ito mula sa magkatulad na paggalaw sa ibang mga bansa ay ang aktibong nakakasakit ("rebolusyonaryo") na tauhan. Ipinagtanggol ng mga makata, manunulat, musikero, artista ang kanilang posisyon hindi lamang sa pamamagitan ng paglikha ng mga bagong likha, kundi pati na rin sa pakikilahok sa magazine at mga polemics ng pahayagan, na inilalarawan ng mga mananaliksik bilang isang "romantikong labanan". Ang bantog na V. Hugo, Stendhal, Georges Sand, Berlioz at marami pang ibang manunulat, kompositor, mamamahayag ng Pransya ay "pinahigpit ang kanilang mga panulat" sa romantikong polemiko.

Ang romantikong pagpipinta sa Pransya ay lumitaw bilang isang pagsalungat sa klasistang paaralan ni David, ang sining sa akademiko, na tinawag na "paaralan" sa pangkalahatan. Ngunit kailangang maunawaan ito nang mas malawak: oposisyon ito sa opisyal na ideolohiya ng reaksyunaryong panahon, isang protesta laban sa burgis na makitid na pag-iisip nito. Samakatuwid ang kalunus-lunos na likas na katangian ng mga romantikong gawa, ang kanilang kinakabahan na kaguluhan, gravitation patungo sa mga kakaibang motibo, sa mga planong pangkasaysayan at pampanitikan, sa lahat ng bagay na maaaring humantong sa "mapurol na pang-araw-araw na buhay", kaya't ang larong ito ng imahinasyon, at kung minsan, sa kabaligtaran at kumpletong kawalan ng aktibidad.

Ang mga kinatawan ng "paaralan", mga akademiko, ay pangunahing naghimagsik laban sa wika ng mga romantiko: ang kanilang nasasabik na mainit na kulay, ang kanilang pagmomodelo ng form, hindi ang estatwa-plastik na pamilyar sa mga "classics", ngunit itinayo sa malakas na mga pagkakaiba ng mga spot ng kulay ; ang kanilang makahulugan na disenyo, sadyang inabandona ang katumpakan at klasikong polish; ang kanilang naka-bold, minsan magulong komposisyon, wala ng kamahalan at hindi matitinag na kalmado. Ingres, ang hindi maiimpluwensyang kaaway ng mga romantiko, hanggang sa katapusan ng kanyang buhay ay nagsabi na si Delacroix ay "sumulat sa isang broom broom", at inakusahan ni Delacroix si Ingres at lahat ng mga artista ng "paaralan" ng lamig, katuwiran, kawalan ng paggalaw, huwag sumulat, ngunit "pintura" ang iyong mga kuwadro na gawa. Ngunit hindi ito isang simpleng sagupaan ng dalawang maliwanag, ganap na magkakaibang mga indibidwal, ito ay isang pakikibaka sa pagitan ng dalawang magkakaibang artistikong pananaw sa mundo.

Ang pakikibakang ito ay tumagal ng halos kalahating siglo, ang pagiging romantiko sa sining ay nanalo ng mga tagumpay nang hindi madali at hindi kaagad, at ang unang artist ng kalakaran na ito ay si Theodore Gericault (1791-1824) - isang master ng mga heroic monumental form, na pinagsama sa kanyang trabaho ang parehong klasikong tampok at mga tampok ng mismong romantismo. at, sa wakas, isang malakas na makatotohanang simula, na kung saan ay may malaking epekto sa sining ng pagiging totoo sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Ngunit sa kanyang buhay, siya ay pinahalagahan ng kaunting mga malapit na kaibigan lamang.

Ang mga unang makikinang na tagumpay ng romantismo ay nauugnay sa pangalan ng Theodore Zhariko. Nasa kanyang maagang mga kuwadro na gawa (mga larawan ng militar, mga imahe ng mga kabayo), ang mga antigong ideals ay humupa sa harap ng isang direktang pang-unawa sa buhay.

Sa salon noong 1812 ay nagpapakita si Gericault ng isang pagpipinta "Opisyal ng mga ranger ng kabayo ng imperyo habang inaatake." Ito ay taon ng apogee ng kaluwalhatian ni Napoleon at lakas ng militar ng Pransya.

Ang komposisyon ng larawan ay nagpapakita ng rider sa isang hindi pangkaraniwang pananaw ng isang "biglaang" sandali, kapag ang kabayo ay umangat, at ang sumakay, na pinapanatili ang halos patayo na posisyon ng kabayo, ay lumingon sa manonood. Ang imahe ng tulad ng isang sandali ng kawalang-tatag, imposibilidad ng pustura ay nagpapabuti sa epekto ng paggalaw. Ang kabayo ay may isang punto ng suporta, dapat siyang mahulog sa lupa, i-tornilyo ang kanyang sarili sa laban na nagdala sa kanya sa isang estado. Karamihan sa mga nag-ugnay sa gawaing ito: Ang walang paniniwala na Gericault sa posibilidad ng pagmamay-ari ng isang tao sa kanyang sarili, masidhing pag-ibig para sa imahe ng mga kabayo at lakas ng loob ng isang baguhan na master sa pagpapakita kung ano ang dati ay maiparating lamang ng musika o wika ng tula - ang kiligin ng labanan, ang simula ng isang pag-atake, ang panghuli na pag-igting ng mga puwersa ng isang buhay ... Ang batang may-akda ay itinayo ang kanyang imahe sa paglipat ng dynamics ng paggalaw, at mahalaga para sa kanya na ibagay ang manonood sa "haka-haka", upang tapusin ang pagpipinta na may "panloob na paningin" at isang pakiramdam kung ano ang nais niyang ilarawan.

Ang tradisyon ng naturang dinamika ng paglarawang salaysay ng pag-ibig sa Pransya ay praktikal na wala, maliban sa mga kaluwagan ng mga templo ng Gothic, sapagkat noong unang dumating si Gericault sa Italya, natigilan siya ng nakatagong lakas ng mga komposisyon ni Michelangelo. "Nanginginig ako," isinulat niya, "Duda ko ang aking sarili at sa mahabang panahon ay hindi makakabangon mula sa karanasang ito." Ngunit itinuro ni Stendhal si Michelangelo bilang tagapagpauna ng isang bagong istilo sa istilo sa sining kahit na mas maaga sa kanyang mga artikulo sa polemikal.

Ang pagpipinta ni Gericault ay inihayag hindi lamang ang pagsilang ng isang bagong talento sa sining, ngunit nagbigay pugay din sa sigasig at pagkabigo ng may-akda sa mga ideya ni Napoleon. Maraming iba pang mga gawa ang nauugnay sa paksang ito: " Opisyal ng Carabinieri "," Opisyal ng cuirassier bago ang pag-atake "," Portrait ng Carabinieri "," Sugat na Cuirassier ".

Sa risise na "Pagninilay sa estado ng pagpipinta sa Pransya" isinulat niya na ang "luho at sining ay naging ... isang pangangailangan at, para bang, pagkain para sa imahinasyon, na pangalawang buhay ng isang sibilisadong tao ... Nang walang pangunahing pangangailangan, lilitaw lamang ang mga sining kapag natutugunan ang mahahalagang pangangailangan pagdating ng kasaganaan. Ang lalaki, napalaya mula sa pang-araw-araw na pag-aalala, ay nagsimulang maghanap ng kasiyahan upang maalis ang inip na hindi maiwasang maabutan siya sa gitna ng kasiyahan.

Ang pag-unawa sa pang-edukasyon at makataong papel na ginagampanan ng sining ay ipinakita ni Gericault pagkatapos bumalik mula sa Italya noong 1818 - nagsimula siyang makisali sa lithography, na kinopya ang iba't ibang mga paksa, kasama na ang pagkatalo ni Napoleon ( "Bumalik mula sa Russia").

Sa parehong oras, ang artista ay lumiliko sa paglalarawan ng pagkamatay ng frigate na "Medusa" sa baybayin ng Africa, na nasasabik sa lipunan noon. Ang kalamidad ay sanhi ng kasalanan ng isang walang karanasan na kapitan na itinalaga sa posisyon sa ilalim ng patronage. Ang mga nakaligtas na pasahero ng barko - ang siruhano na si Savigny at ang engineer na si Correa - ay detalyadong nagsalita tungkol sa aksidente.

Ang namamatay na barko ay nagawang magtapon ng balsa, kung saan naabot ang isang dakot ng nailigtas na mga tao. Sa loob ng labindalawang araw dinala sila sa mabagyong dagat, hanggang sa sila ay nasagip ng barkong "Argus".

Si Gericault ay interesado sa sitwasyon ng matinding pag-igting ng espiritwal at pisikal na lakas ng tao. Inilalarawan ng pagpipinta ang 15 mga nakaligtas na pasahero sa isang balsa nang makita nila ang Argus sa abot-tanaw. "Raft" Medusa " ay ang resulta ng isang mahabang gawaing paghahanda ng artist. Gumawa siya ng maraming mga sketch ng nagngangalit na dagat, mga larawan ng mga nailigtas na tao sa ospital. Sa una ay nais na ipakita ni Gericault ang pakikibaka ng mga tao sa isang balsa sa bawat isa, ngunit pagkatapos ay tumira siya sa magiting na pag-uugali ng mga tagumpay ng elemento ng dagat at kapabayaan ng estado. Matapang na tiniis ng mga tao ang kasawian, at ang pag-asa ng kaligtasan ay hindi iniwan sila: ang bawat pangkat sa balsa ay may sariling mga katangian. Sa pagtatayo ng komposisyon, pumili ang Gericault ng isang pananaw mula sa itaas, na pinapayagan siyang pagsamahin ang malawak na saklaw ng kalawakan (nakikita ang mga distansya ng dagat) at upang ilarawan, napakalapit sa harapan, lahat ng mga naninirahan sa balsa. Ang kilusan ay batay sa pagkakaiba sa pagitan ng mga pigura na walang lakas na nakahiga sa harapan at sa mga impetuous sa pangkat na nagbibigay ng mga senyas sa dumadaan na barko. Ang kalinawan ng ritmo ng paglaki ng mga dinamika mula sa isang pangkat patungo sa grupo, ang kagandahan ng mga hubad na katawan, ang maitim na kulay ng larawan ay nagtakda ng isang tiyak na tala ng pagkakasunud-sunod ng imahe. Ngunit hindi ito ang kakanyahan ng bagay para sa nakakaramdam na manonood, na ang pagkakaugnay ng wika ay tumutulong din upang maunawaan at madama ang pangunahing bagay: ang kakayahan ng isang tao na lumaban at manalo. Umuungal ang karagatan. Daing ng layag. Tumunog ang mga lubid. Ang balsa ay pumutok. Hinihimok ng hangin ang mga alon at pinupunit ang mga itim na ulap sa pag-urong.

Hindi ba ito mismo ang France, na hinimok ng bagyo ng kasaysayan? - naisip Eugene Delacroix, nakatayo sa larawan. "Ang balsa ng Medusa ay yumanig sa Delacroix, siya ay umiyak at, tulad ng isang baliw, sumugod sa workshop ni Gericault, na madalas niyang bisitahin.

Ang sining ni David ay hindi alam ang mga ganitong hilig.

Ngunit ang buhay ni Gericault ay natapos nang malungkot nang maaga (siya ay may sakit na terminally pagkatapos mahulog mula sa isang kabayo), at marami sa kanyang mga plano ay nanatiling hindi natapos.

Ang makabagong ideya ni Gericault ay nagbukas ng mga bagong posibilidad para maiparating ang kilusan na nasasabik sa mga romantiko, ang nakatago na damdamin ng isang tao, at ang makulay na naka-text na ekspresyon ng larawan.

Si Eugene Delacroix ay naging kahalili ni Gericault sa kanyang paghahanap. Totoo, ang Delacroix ay pinakawalan ng dalawang beses hangga't sa haba ng kanyang buhay, at pinamamahalaang hindi lamang upang patunayan ang kawastuhan ng romantismo, ngunit upang basbasan ang isang bagong direksyon sa pagpipinta, ang ika-2 palapag. XIX siglo. - impresyonismo.

Bago magsimulang magsulat nang mag-isa, nag-aral si Eugene sa paaralan ni Lerain: nagpinta siya mula sa buhay, kinopya ang mga dakilang Rubens, Rembrandt, Veronese, Titian sa Louvre ... Ang batang artista ay nagtrabaho ng 10-12 na oras sa isang araw. Naalala niya ang mga salita ng dakilang Michelangelo: "Ang pagpipinta ay isang mainggit na maybahay, kinakailangan nito ang buong tao ..."

Ang Delacroix, pagkatapos ng mga talumpati sa pagpapakita ni Gericault, ay may kamalayan na ang mga oras ng matinding emosyonal na kaguluhan ay dumating sa sining. Una, sinusubukan niyang maunawaan ang isang bagong panahon para sa kanya sa pamamagitan ng mga kilalang plot ng panitikan. Ang larawan niya "Dante at Virgil" ipinakita sa salon noong 1822 ay isang pagtatangka sa pamamagitan ng mga makasaysayang naiugnay na imahe ng dalawang makata: sinaunang panahon - Virgil at Renaissance - Dante - upang tingnan ang kumukulong kaldero, ang "impiyerno" ng modernong panahon. Minsan sa kanyang "Banal na Komedya" kinuha ni Dante si Virgil bilang gabay niya sa lahat ng larangan (langit, impiyerno, purgatoryo). Sa gawain ni Dante, isang bagong mundo ng muling muling paglitaw ang lumitaw sa pamamagitan ng karanasan ng Middle Ages sa memorya ng unang panahon. Ang simbolo ng romantikong bilang isang pagbubuo ng unang panahon, ang Renaissance at ang Middle Ages ay lumitaw sa "katakutan" ng mga pangitain nina Dante at Virgil. Ngunit ang isang kumplikadong pilosopiko na alegasyon ay naging isang mabuting pang-emosyonal na ilustrasyon ng panahon bago ang panahon ng Renaissance at isang imortal na obra maestra ng panitikan.

Susubukan ng Delacroix na makahanap ng isang direktang tugon sa mga puso ng kanyang mga kasabayan sa pamamagitan ng kanyang sariling sakit sa puso. Nasusunog sa kalayaan at poot sa mga mapang-api, ang mga kabataan ng panahong iyon ay nakikiramay sa paglaya ng giyera ng Greece. Ang romantikong bard ng Inglatera - Si Byron ay pumupunta doon upang makipag-away. Nakita ng Delacroix ang kahulugan ng isang bagong panahon sa paglalarawan ng isang mas konkretong pangyayari sa kasaysayan - ang pakikibaka at pagdurusa ng Greece na nagmamahal sa kalayaan. Nakatira siya sa balangkas ng pagkamatay ng populasyon ng isla ng Chios ng Greece, na nakuha ng mga Turko. Sa Salon ng 1824, nagpapakita ang Delacroix ng isang pagpipinta "Patayan sa isla ng Chios". laban sa backdrop ng walang katapusang kalawakan ng maburol na lupain. Sumisigaw pa rin mula sa usok ng mga sunog at walang tigil na labanan, ipinakita ng artist ang maraming mga grupo ng mga nasugatan, pagod na kababaihan at mga bata. Naiwan sila sa huling minuto ng kalayaan bago ang paglapit ng mga kaaway. Ang isang Turk sa isang rearing kabayo sa kanan ay tila nakabitin sa buong harapan at sa maraming mga nagdurusa na naroon. Magagandang katawan, mukha ng buong tao. Sa pamamagitan ng paraan, ang Delacroix ay susulat sa paglaon tungkol sa kung paano ang iskultura ng Griyego ay ginawang mga artista sa mga hieroglyphs, itinatago ang tunay na kagandahang Griyego ng mukha at pigura. Ngunit, inilalantad ang "kagandahan ng kaluluwa" sa mga mukha ng natalo na mga Greeks, isinasadula ng pintor ang mga pangyayaring nagaganap na, upang mapanatili ang isang solong pabuong bilis ng pag-igting, pumunta siya sa pagpapapangit ng mga anggulo ng igos Ang mga "pagkakamali" na ito ay "nalutas" ng trabaho ni Gericault, ngunit muling ipinakita ng Delacroix ang romantikong kredito na ang pagpipinta ay "hindi ang katotohanan ng sitwasyon, ngunit ang katotohanan ng pakiramdam".

Noong 1824 nawalan ng kaibigan at guro si Delacroix - Gericault. At siya ang naging pinuno ng bagong pagpipinta.

Lumipas ang mga taon. Isa-isang lumitaw ang mga larawan: "Greece sa mga guho ng Missalunga", "Death of Sardanapalus" at iba pa. Ang artista ay naging isang tulay sa opisyal na mga lupon ng artist. Ngunit ang Rebolusyong Hulyo noong 1830 ay nagbago ng sitwasyon. Pinagsindi niya ang artista ng pagmamahal ng mga tagumpay at tagumpay. Nagpinta siya ng litrato "Kalayaan sa mga Barikada".

Noong 1831, sa Paris Salon, unang nakita ng Pranses ang "Liberty on the Barricades" ni Eugene Delacroix, na nakatuon sa "tatlong maluwalhating araw" ng Rebolusyong Hulyo 1830. Ang canvas ay gumawa ng isang nakamamanghang impression sa mga kasabay sa kanyang kapangyarihan, demokrasya at katapangan ng masining na solusyon. Ayon sa alamat, ang isang kagalang-galang na burges ay sumigaw: "Sasabihin mo - ang pinuno ng paaralan? Mas mahusay na sabihin - ang pinuno ng paghihimagsik! " Matapos isara ang Salon, ang gobyerno, natakot sa mabigat at nakasisiglang apela mula sa pagpipinta, ay binilisan na ibalik ito sa may-akda nito. Noong rebolusyon noong 1848, muling ipinakita sa publiko sa Palasyo ng Luxembourg. At ibinalik ulit nila ito sa artista. Pagkatapos lamang maipakita ang canvas sa World Exhibition sa Paris noong 1855, nakarating ito sa Louvre. Nasa bahay pa rin ito ng isa sa pinakamahusay na nilikha ng romantikong Pranses - isang inspirasyong patotoo ng nakasaksi at isang walang hanggang bantayog sa pakikibaka ng bayan para sa kanilang kalayaan.

Anong masining na wika ang nahanap ng romantikong Pranses na romansa upang pagsamahin ang dalawang tila kabaligtaran na prinsipyong ito - isang malawak, buong-yakap na paglalahat at kongkretong katotohanan, malupit sa kahubaran nito?

Paris ng tanyag na araw ng Hulyo ng 1830. Air puspos ng kulay-abo na usok at alikabok. Isang magandang at marangal na lungsod na nawawala sa isang pulbos na ulapot. Sa di kalayuan, hindi gaanong kapansin-pansin, ngunit mayabang na itinaas ang mga tore ng Notre Dame Cathedral - isang simbolo ng kasaysayan, kultura, at diwa ng mga mamamayang Pransya. Mula roon, mula sa mausok na lungsod, sa mga lugar ng pagkasira ng mga hadlang, sa mga patay na katawan ng kanilang mga namatay na kasama, ang mga rebelde ay matigas ang ulo at masidhing umusad. Ang bawat isa sa kanila ay maaaring mamatay, ngunit ang hakbang ng mga rebelde ay hindi matitinag - sila ay inspirasyon ng hangarin sa tagumpay, sa kalayaan.

Ang nakasisiglang kapangyarihan na ito ay nakasulat sa imahe ng isang magandang dalaga, sa isang masigasig na salpok na tumatawag para sa kanya. Sa sobrang lakas, walang malayang at bilis ng paggalaw ng kabataan, siya ay tulad ng diyosang Greek

tagumpay ni Nike. Ang kanyang matibay na pigura ay nakadamit ng isang chiton dress, ang kanyang mukha na may perpektong mga tampok, na may kumikinang na mga mata, ay lumingon sa mga rebelde. Sa isang banda hawak niya ang tricolor banner ng France, sa kabilang banda - isang baril. Sa ulo ay isang takip ng Phrygian - isang sinaunang simbolo ng paglaya mula sa pagka-alipin. Mabilis at magaan ang kanyang hakbang - ganito ang hakbang ng mga dyosa. Sa parehong oras, ang imahe ng isang babae ay totoo - siya ay anak na babae ng mga taong Pranses. Siya ang gabay na puwersa sa likod ng paggalaw ng pangkat sa mga barikada. Mula dito, tulad ng mula sa isang mapagkukunan ng ilaw sa gitna ng enerhiya, ang mga sinag ay sumisilaw, naniningil ng uhaw at kalooban hanggang sa tagumpay. Ang mga nasa malapit dito, bawat isa sa kanilang sariling pamamaraan, ay nagpapahayag ng kanilang pagkakasangkot sa nakasisigla at nakasisiglang tawag na ito.

Sa kanan ay isang batang lalaki, isang Parisian gameman na kumakaway ng mga pistola. Siya ang pinakamalapit sa Freedom at uri ng pinagsiklab ng sigasig at kasiyahan ng isang libreng salpok. Sa isang matulin, parang batang walang pasensya na kilusan, kahit na siya ay nauna nang kaunti sa kanyang inspirer. Ito ang hinalinhan ng maalamat na Gavroche, na inilalarawan dalawampung taon na ang lumipas ni Victor Hugo sa Les Miserables: "Si Gavroche, na puno ng inspirasyon, nagliliwanag, ay gumawa ng gawain na mailagay ang buong bagay sa paggalaw. Tumakbo siya pabalik-balik, umakyat, bumaba

pababa, muling tumaas, nag-ingay, kumislap ng saya. Mukhang napunta siya rito upang pasayahin ang lahat. Mayroon ba siyang insentibo para dito? Oo, syempre, ang kanyang kahirapan. May pako ba siya? Oo, syempre, ang pagiging masayahin niya. Ito ay isang uri ng ipoipo. Tila napuno niya ang hangin, na naroroon kahit saan nang sabay ... Dinama siya ng malalaking barikada sa kanilang tagaytay. "

Si Gavroche sa pagpipinta ni Delacroix ay ang pagkatao ng kabataan, "isang kahanga-hangang salpok", isang masayang pagtanggap sa maliwanag na ideya ng Kalayaan. Dalawang imahe - Gavroche at Svoboda - tila umakma sa bawat isa: ang isa ay sunog, ang isa pa ay isang sulo na naiilawan mula rito. Inilahad ni Heinrich Heine kung paano ang pigura ni Gavroche ay pumukaw ng isang buhay na tugon mula sa mga Parisian. "Impiyerno! bulalas ng isang groser. "Ang mga batang lalaki ay nakipaglaban tulad ng mga higante!"

Sa kaliwa ay isang mag-aaral na may baril. Dati, ito ay nakita bilang isang self-portrait ng artist. Ang rebelde na ito ay hindi kasing bilis ni Gavroche. Ang kanyang paggalaw ay mas pinipigilan, mas puro, makahulugan. Ang mga kamay ay may kumpiyansa na mahigpit na pagkakahawak sa bariles ng baril, ang mukha ay nagpapahiwatig ng tapang, matatag na pagpapasiya na tumayo hanggang sa huli. Ito ay isang malalim na kalunus-lunos na imahe. May kamalayan ang mag-aaral sa hindi maiiwasang pagkalugi na magagawa ng mga rebelde, ngunit hindi siya kinakatakutan ng mga biktima - mas malakas ang kalooban para sa kalayaan. Ang isang pantay na matapang at determinadong manggagawa na may isang sable ay nakatayo sa likuran niya. Ang isang sugatang tao ay nasa paanan ng Kalayaan. Bumangon siya nang may kahirapan upang muling tumingin, sa Kalayaan, upang makita at buong puso niyang maramdaman ang kagandahan kung saan siya nawawala. Ang figure na ito ay nagdudulot ng isang dramatikong pagsisimula sa tunog ng canvas ng Delacroix. Kung ang mga imahe ni Gavroche, Svoboda, isang mag-aaral, isang manggagawa ay halos mga simbolo, ang sagisag ng hindi gumagalaw na kalooban ng mga mandirigma ng kalayaan - pukawin at tawagan ang manonood, kung gayon ang nasugatan ay umaakit sa pakikiramay. Nagpaalam ang tao sa Freedom, nagpaalam sa buhay. Siya ay pa rin ng isang salpok, paggalaw, ngunit mayroon nang isang kumukupas na salpok.

Transitional ang kanyang pigura. Ang titig ng manonood, na nakatuon pa rin at nadala ng rebolusyonaryong pagpapasiya ng mga rebelde, ay bumaba sa paanan ng barikada, natakpan ng mga katawan ng maluwalhating namatay na sundalo. Ang kamatayan ay ipinakita ng artist sa lahat ng kahubaran at halata ng katotohanan. Nakikita natin ang mga asul na mukha ng mga patay, ang kanilang mga hubad na katawan: ang pakikibaka ay walang awa, at ang kamatayan ay parehong hindi maiiwasang kasama ng mga rebelde, tulad ng magandang nakapagpapatibay na Kalayaan.

Ngunit hindi gaanong pareho! Mula sa kakila-kilabot na paningin sa ibabang gilid ng larawan, muli naming itinaas ang aming tingin at nakita ang isang batang magandang pigura - hindi! panalo ang buhay! Ang ideya ng kalayaan, na nakalarawan nang maliwanag at maliwanag, ay nakadirekta sa hinaharap na ang kamatayan sa pangalan nito ay hindi kahila-hilakbot.

Ang artista ay naglalarawan lamang ng isang maliit na pangkat ng mga rebelde, buhay at patay. Ngunit ang mga tagapagtanggol ng barikada ay tila napakarami. Ang komposisyon ay itinayo sa isang paraan na ang pangkat ng mga mandirigma ay hindi limitado, hindi sarado sa sarili. Bahagi lamang siya ng isang walang katapusang avalanche ng mga tao Ang artista ay nagbibigay, tulad ng, isang piraso ng isang pangkat: ang frame ng larawan ay pinuputol ang mga numero mula sa kaliwa, kanan, ibaba.

Karaniwan, ang kulay sa mga gawa ng Delacroix ay nakakakuha ng isang acrylic emosyonal na tunog, gumaganap ng isang nangingibabaw na papel sa paglikha ng isang dramatikong epekto. Ang mga pintura, kung minsan ay nagngangalit, kung minsan ay kumukupas, naka-mute, lumikha ng isang panahunan na kapaligiran. Sa Liberty on the Barricades, umaalis ang Delacroix mula sa prinsipyong ito. Napakatumpak, hindi maiiwasang pagpili ng pintura, na inilalapat ito ng malawak na mga stroke, ipinahiwatig ng artist ang kapaligiran ng labanan.

Ngunit ang scheme ng kulay ay pinigilan. Nakatuon ang Delacroix sa modeling ng tulong ng form. Kinakailangan ito ng matalinhagang solusyon ng larawan. Pagkatapos ng lahat, na naglalarawan ng isang tukoy na kaganapan kahapon, ang artista ay lumikha din ng isang bantayog sa kaganapang ito. Samakatuwid, ang mga numero ay halos iskultura. Samakatuwid, ang bawat tauhan, na isang bahagi ng isang solong buong larawan, ay bumubuo rin ng isang bagay na sarado sa kanyang sarili, ay kumakatawan sa isang simbolo na itinapon sa isang kumpletong form. Samakatuwid, ang kulay ay hindi lamang nakakaapekto sa damdamin ng mga manonood, ngunit nagdadala din ng isang simbolikong pagkarga. Sa isang brownish-grey space, dito at doon, isang solemne na triad ng pula, asul, puti - ang mga kulay ng watawat ng French Revolution ng 1789 ay sumiklab. Ang paulit-ulit na pag-uulit ng mga kulay na ito ay sumusuporta sa malakas na kuwerdas ng tricolor flag na lumilipat sa mga barikada.

Ang pagpipinta ni Delacroix na "Liberty on the Barricades" ay isang kumplikado, mahusay na obra sa saklaw nito. Pinagsasama nito ang pagiging maaasahan ng isang direktang nakikita na katotohanan at ang simbolismo ng mga imahe; pagiging totoo, pag-abot sa brutal na naturalismo, at perpektong kagandahan; gross, kahila-hilakbot at dakila, dalisay.

Ang pagpipinta na "Liberty on the Barricades" ay pinagsama ang tagumpay ng romantismo sa pagpipinta ng Pransya. Noong 30s, dalawa pang makasaysayang kuwadro na gawa: "Battle of Poitiers" at "Ang pagpatay sa obispo ng Liege".

Noong 1822 ang artista ay bumisita sa Hilagang Africa, Morocco, Algeria. Ang paglalakbay ay gumawa ng isang hindi matunaw na impression sa kanya. Noong dekada 50, lumitaw ang mga kuwadro na gawa sa kanyang trabaho, na inspirasyon ng mga alaala ng paglalakbay na ito: "Lion Hunt", "Moroccan Saddling a Horse" at iba pa. Ang maliwanag na magkakaibang kulay ay lumilikha ng isang romantikong tunog para sa mga larawang ito. Lumilitaw sa kanila ang pamamaraan ng isang malawak na stroke.

Ang Delacroix, bilang isang romantikista, ay naitala ang estado ng kanyang kaluluwa hindi lamang sa wika ng mga nakamamanghang imahe, ngunit literal din na naka-frame ang kanyang mga saloobin. Inilarawan niya nang maayos ang malikhaing proseso ng romantikong artist, ang kanyang mga eksperimento sa kulay, na sumasalamin sa ugnayan sa pagitan ng musika at iba pang mga anyo ng sining. Ang kanyang mga talaarawan ay naging isang paboritong pagbabasa para sa mga artista ng kasunod na henerasyon.

Ang Pranses na romantikong paaralan ay gumawa ng mga makabuluhang pagbabago sa larangan ng iskultura (Rude at ang kanyang kaluwagan na "Marseillaise"), landscape painting (Camille Corot kasama ang kanyang mga light-air na imahe ng likas na France).

Salamat sa romantikismo, ang pansariling pananaw na pansariling artista ng artista ay kumukuha ng anyo ng batas. Ang impresyonismo ay ganap na sisirain ang hadlang sa pagitan ng artista at kalikasan, na idineklarang impression ang sining. Pinag-uusapan ng mga Romantiko ang pantasya ng artista, "ang tinig ng kanyang damdamin," na nagpapahintulot sa iyo na ihinto ang trabaho kapag isinasaalang-alang ito ng master na kinakailangan, at hindi bilang kinakailangang pamantayan ng pagiging kumpleto ng akademiko.

Kung ang mga pantasya ni Gericault ay nakatuon sa paglipat ng kilusan, Delacroix - sa mahiwagang kapangyarihan ng kulay, at idinagdag dito ng isang Aleman ang isang "diwa ng pagpipinta", kung gayon espanyol Ang mga romantics na kinatawan ni Francisco Goya (1746-1828) ay nagpakita ng katutubong alamat ng istilo, ang phantasmagoric at grotesque character nito. Si Goya mismo at ang kanyang trabaho ay mukhang malayo sa anumang balangkas ng pangkakanyahan, lalo na't madalas na sundin ng artista ang mga batas ng materyal ng pagpapatupad (kung halimbawa, gumawa siya ng mga kuwadro na gawa para sa mga pinagtagpi na mga carpet na tapestry) o mga kinakailangan ng customer.

Ang kanyang phantasmagorias ay napakita sa serye ng pag-ukit "Caprichos" (1797-1799), "Mga Sakuna ng Digmaan" (1810-1820), "Disparantes (" Kabaliwan ") (1815-1820), ang mga mural sa House of the Deaf at the Church of San Antonio de la Florida sa Madrid (1798). Malubhang karamdaman noong 1792. kinailangan ang kumpletong pagkabingi ng artista. Ang sining ng master pagkatapos ng tiniis na pisikal at espirituwal na trauma ay naging mas nakatuon, nag-isip, sa loob ng loob. Ang panlabas na mundo, sarado dahil sa pagkabingi, naaktibo ang panloob na buhay espiritwal ng Goya.

Sa etchings "Caprichos" Nakamit ni Goya ang natatanging lakas sa paghahatid ng mga instant na reaksyon, impetuous na damdamin. Ang itim-at-puting pagganap, salamat sa naka-bold na kumbinasyon ng mga malalaking spot, ang kawalan ng linearity na katangian ng mga graphic, nakakakuha ng lahat ng mga katangian ng isang pagpipinta.

Ang pagpipinta ng Church of St. Anthony sa Madrid Goya ay lumilikha, tila, sa isang paghinga. Ang ugali ng stroke, ang laconism ng komposisyon, ang pagpapahayag ng mga katangian ng mga character, na ang uri ay kinuha ni Goya nang direkta mula sa karamihan, ay kamangha-mangha. Inilalarawan ng artista ang himala ni Anthony Florida, na nagpalaki at nagsalita ng pinaslang na tao, na pinangalanan ang mamamatay-tao at sa gayo'y nagligtas sa inosenteng nahatulan mula sa pagpapatupad. Ang dinamismo ng maliliit na reaksyon ng karamihan ay naihatid ni Goya kapwa sa kilos at sa gayahin ng mga nakalarawan na mukha. Sa komposisyon na pamamaraan ng pamamahagi ng mga mural sa puwang ng simbahan, ang pintor ay sumusunod kay Tiepolo, ngunit ang reaksyong pinukaw niya sa manonood ay hindi baroque, ngunit pulos romantiko, na nakakaapekto sa pakiramdam ng bawat manonood, na hinihimok siyang bumalik ang kanyang sarili.

Higit sa lahat, ang layuning ito ay nakamit sa pagpipinta ng Conto del Sordo ("House of the Deaf"), kung saan tumira si Goya mula pa noong 1819. Ang mga dingding ng mga silid ay natakpan ng labinlimang mga komposisyon ng isang kamangha-mangha at pantulad na kalikasan. Ang pag-iisip sa kanila ay nangangailangan ng malalim na empatiya. Ang mga imahe ay lilitaw bilang ilang uri ng mga pangitain ng mga lungsod, kababaihan, kalalakihan, atbp. Kulay, flashing, kumukuha ng isang pigura, pagkatapos ay iba pa. Ang pagpipinta bilang isang kabuuan ay madilim, puti, dilaw, kulay-rosas-pula na mga spot na nanaig dito, nakakagambalang damdamin sa mga pag-flash. Ang mga etchings ng serye ay maaaring maituring na isang graphic parallel sa House of the Deaf "Disparantes" .

Ginugol ni Goya ang huling 4 na taon sa Pransya. Malamang na hindi niya alam na si Delacroix ay hindi kailanman humihiwalay sa kanyang mga Caprichos. At hindi ko makita kung paano si Hugo at Baudelaire ay madadala ng mga etchings na ito, kung ano ang malaking impluwensya ng kanyang pagpipinta kay Manet, at kung paano noong 80s ng XIX siglo. Aanyayahan ni V. Stasov ang mga Russian artist na pag-aralan ang kanyang "Mga Sakuna sa Digmaan"

Ngunit kami, isinasaalang-alang ito, alam kung ano ang isang malaking epekto ng sining na "walang istilo" ng naka-bold na realista at inspiradong romantikong ito sa masining na kultura ng ika-19 at ika-20 siglo.

Ang kamangha-manghang mundo ng mga pangarap ay napagtanto din sa kanyang mga gawa ng Ingles na romantikong artist na si William Blake (1757-1827). Inglatera ay ang klasikong lupain ng romantikong panitikan. Byron. Si Shelley ay naging banner ng kilusang ito na higit pa sa mga hangganan ng "foggy Albion". Sa France, sa magazine na pumuna sa "romantikong laban", ang mga romantiko ay tinawag na "Shakespeareanists." Ang pangunahing tampok ng pagpipinta sa Ingles ay palaging isang interes sa tao, na pinapayagan ang genre ng portrait na umunlad nang mabunga. Ang romantismo sa pagpipinta ay malapit na nauugnay sa sentimentalism. Ang interes ng mga romantiko sa Middle Ages ay nagbigay ng isang mahusay na panitikan sa kasaysayan. Ang kinikilalang master kung saan ay si W. Scott. Sa pagpipinta, tinukoy ng tema ng Middle Ages ang hitsura ng tinaguriang Perafaelites.

Si William Blake ay isang kamangha-manghang uri ng romantiko sa eksenang pangkulturang Ingles. Nagsusulat siya ng tula, naglalarawan ng kanyang mga aklat at iba pang mga tao. Ang kanyang talento ay naghangad na yakapin at ipahayag ang mundo sa isang holistic na pagkakaisa. Ang pinakatanyag sa kanyang mga gawa ay mga guhit para sa Aklat ng Job sa bibliya, Banal na Komedya ni Dante, Lost Lost ng Milton. Siya ay naninirahan sa kanyang mga komposisyon na may mga titanic na numero ng mga bayani, na tumutugma sa kanilang paligid ng isang hindi totoong naliwanagan o phantasmagoric na mundo. Ang isang pakiramdam ng mapaghimagsik na pagmamataas o pagsasamahan mahirap na lumikha mula sa dissonances pumupuno ng kanyang mga guhit.

Ang mga nakaukit na tanawin para sa mga Pastor ng makatang Romano na si Virgil ay tila naiiba - ang mga ito ay mas idyllically romantikong kaysa sa kanilang nakaraang mga gawa.

Sinusubukan ng romantismo ni Blake na maghanap ng sarili nitong masining na pormula at anyo ng pagkakaroon ng mundo.

Si William Blake, na nanirahan sa isang buhay sa matinding kahirapan at kadiliman, pagkamatay niya ay nairaranggo sa host ng mga classics ng English art.

Sa gawain ng mga pintor ng tanawin ng Ingles noong unang bahagi ng ika-19 na siglo. ang mga romantikong libangan ay pinagsama sa isang mas layunin at matino na pagtingin sa kalikasan.

Ang romantikong nakataas na mga landscape ay nilikha ni William Turner (1775-1851). Gustung-gusto niyang ilarawan ang mga bagyo, ulan, bagyo sa dagat, maliwanag, maapoy na paglubog ng araw. Madalas na pinalalaki ni Turner ang mga epekto ng pag-iilaw at pinalalakas ang tunog ng mga kulay, kahit na pagpipinta ng isang kalmadong estado ng kalikasan. Para sa higit na epekto, ginamit niya ang pamamaraan ng mga watercolor at naglapat ng pinturang langis sa isang manipis na layer at direktang pininturahan sa lupa, na nakakamit ang mga iridescent shade. Ang isang halimbawa ay ang larawan "Ulan, singaw at bilis" (1844). Ngunit kahit na ang kilalang kritiko ng panahong iyon na si Thackeray ay hindi maintindihan nang tama kung ano ang marahil ng pinaka-makabagong larawan sa mga tuntunin ng disenyo at pagpapatupad. "Ang ulan ay ipinahiwatig ng mga batik ng maruming masilya," isinulat niya, "na sinablig papunta sa canvas ng isang paleta kutsilyo, sinag ng araw na lumiwanag mula sa ilalim ng napakapal na mga bugal ng maruming dilaw na chrome. Ang mga anino ay naihatid ng malamig na mga kakulay ng iskarlatang pulang-pula at naka-mute na mga spot ng cinnabar. At bagaman ang apoy sa locomotive furnace ay mukhang pula, hindi ako maaaring magpanggap na sinabi na hindi ito ipininta sa cabalt o sa kulay ng gisantes ”. Ang isa pang kritiko ay natagpuan ang scheme ng kulay ni Turner na "scrambled egg at spinach". Ang mga kulay ng huli na Turner sa pangkalahatan ay tila ganap na hindi maiisip at kamangha-mangha sa kanyang mga kapanahon. Tumagal ng higit sa isang siglo upang makita ang butil ng mga tunay na obserbasyon sa kanila. Ngunit tulad ng sa ibang mga kaso, narito ito. Ang isang mausisa na kwento ng isang nakasaksi, o sa halip ay isang saksi ng pagsilang ng "Rain, Steam and Speed", ay napanatili. Ang isang tiyak na Mrs Simone ay sumakay sa isang kompartimento ng Western Express kasama ang isang matandang ginoo na nakaupo sa tapat niya. Humingi siya ng pahintulot na buksan ang bintana, inilabas ang kanyang ulo sa pagbuhos ng ulan at matagal na sa posisyon na ito. Nang tuluyang isinara niya ang bintana. Ang tubig ay dumaloy mula sa kanya sa mga sapa, ngunit masayang pinikit niya ang kanyang mga mata at sumandal, malinaw na nasisiyahan sa kanyang nakita. Isang mapag-usisaang dalaga ang nagpasyang maranasan ang kanyang nararamdaman sa sarili - dinikit din niya ang kanyang ulo sa bintana. Nabasa din siya. Ngunit nakakuha ako ng isang hindi malilimutang impression. Isipin ang kanyang sorpresa nang makalipas ang isang taon, sa isang eksibisyon sa London, nakita niya ang "Rain, Steam and Speed". May isang taong nasa likuran niya na kritiko: "Lubhang tipikal ng Turner, tama. Wala pang nakakakita ng ganoong magkahalong mga kalokohan. " At siya, hindi makatiis, sinabi: "Nakita ko."

Marahil ito ang unang paglalarawan ng isang tren sa pagpipinta. ang pananaw ay kinuha mula sa isang lugar sa itaas, na pinapayagan para sa isang malawak na saklaw ng malawak na saklaw. Ang Western Express ay naglalakbay sa buong tulay sa isang bilis na ganap na pambihira sa oras na iyon (na hihigit sa 150 km bawat oras). Bilang karagdagan, marahil ito ang unang pagtatangka sa paglalarawan ng ilaw sa pamamagitan ng ulan.

English art ng kalagitnaan ng ika-19 na siglo. binuo sa isang ganap na naiibang direksyon kaysa sa pagpipinta ni Turner. Bagaman kinikilala ang kanyang kasanayan sa pangkalahatan, wala sa mga kabataan ang sumunod sa kanya.

Si Turner ay matagal nang itinuturing na hinalinhan ng Impressionism. Tila ang kanyang paghahanap para sa kulay mula sa ilaw ay dapat na karagdagang binuo ng mga French artist. Ngunit ito ay hindi sa lahat ng kaso. Sa katunayan, ang opinyon tungkol sa impluwensya ni Turner sa Impressionist ay bumalik sa aklat ni Paul Signac Mula sa Delacroix hanggang Neo-Impressionism, na inilathala noong 1899, kung saan inilarawan niya kung paano noong 1871, sa kanilang mahabang pananatili sa London, natuklasan nina Claude Manet at Camille Pissarro si Turner. Namangha sila sa kumpiyansa at mahiwagang kalidad ng kanyang mga kulay, pinag-aralan nila ang kanyang gawa, sinuri ang kanyang pamamaraan. Sa una ay namangha sila sa kanyang pag-render ng niyebe at yelo, nagulat sa pamamagitan ng kung paano niya maiparating ang pang-amoy ng kaputian ng niyebe, na hindi nila magawa, sa tulong ng malalaking mga spot ng maputing pilak, patag na inilatag na may malawak na stroke ng brush. Nakita nila na ang impression na ito ay hindi nakamit sa whitewash nag-iisa. At isang masa ng maraming kulay na mga stroke. Naapektuhan ang isa sa tabi ng isa, na gumawa ng impresyong ito kapag tiningnan mula sa malayo. "

Sa mga taong ito, naghanap si Signac kahit saan para sa kumpirmasyon ng kanyang teorya ng pointillism. Ngunit wala sa mga kuwadro na gawa ni Turner na nakikita ng mga artista ng Pransya sa National Gallery noong 1871 ay naglalaman ng diskarteng pointillism na inilarawan ni Signac, tulad din ng walang "malawak na mga spot ng puti." Sa katunayan, ang impluwensya ni Turner sa Pranses ay hindi mas malakas noong 1870 - e, at noong 1890s.

Pinag-aralan nang mabuti ni Paul Signac si Turner - hindi lamang bilang tagapagpauna ng Impresyonismo, na tungkol dito ay isinulat niya sa kanyang libro, ngunit bilang isang mahusay na makabagong artista. Sumulat si Signac sa kanyang kaibigan na si Angran tungkol sa huli na mga kuwadro na gawa ni Turner na "Rain, Steam and Speed", "The Exile", "Umaga" at "Evening of the Flood:" Hindi na ito mga pinta, ngunit naipon ng mga kulay (polychromine), mga placer ng mahalagang bato, pagpipinta sa kamangha-manghang kahulugan ng salita ".

Ang masigasig na pagsusuri ng Signac ay naglatag ng pundasyon para sa modernong pag-unawa sa masining na pakikipagsapalaran ni Turner. Ngunit sa mga nagdaang taon minsan nangyayari na hindi nila isinasaalang-alang ang subtext at pagiging kumplikado ng mga direksyon ng kanyang paghahanap, isang panig na pagpili ng mga halimbawa mula sa talagang hindi natapos na "underpaintings" ni Turner, sinubukan nilang tuklasin sa kanya ang hinalinhan ng impresyonismo.

Sa lahat ng mga pinakabagong artista, natural na iminumungkahi ng isang paghahambing kay Monet, na siya mismo ang kumilala sa impluwensya ni Turner sa kanya. Mayroong kahit isang balangkas na ganap na katulad sa pareho, katulad, sa kanlurang portal ng Rouen Cathedral. Ngunit kung bibigyan kami ni Monet ng isang sketch ng sinag ng araw ng isang gusali, hindi niya kami binibigyan ng Gothic, ngunit ang ilang uri ng hubad na modelo, sa Turner naiintindihan mo kung bakit ang artista, na ganap na natanggap sa kalikasan, ay nadala ng paksang ito - sa kanyang imahe na ito ay tiyak na ang kumbinasyon ng napakalaking kadakilaan ng kabuuan at ang walang katapusan na kapansin-pansin sa iba't ibang mga detalye na nagdadala ng paglikha ng Gothic art na mas malapit sa mga gawa ng kalikasan.

Ang espesyal na katangian ng kultura ng Ingles at romantikong sining ay nagbukas ng posibilidad ng paglitaw ng unang plein air artist, na naglatag ng mga pundasyon para sa ilaw at paglarawan ng hangin ng kalikasan noong ika-19 na siglo, John Constable (1776-1837). Pinili ng Englishman Constable ang tanawin bilang pangunahing genre ng kanyang pagpipinta: "Ang mundo ay mahusay; walang dalawang magkatulad na araw o kahit dalawang magkatulad na oras; mula sa paglikha ng mundo sa isang puno walang dalawang magkaparehong dahon, at lahat ng mga gawa ng tunay na sining, tulad ng mga likha ng kalikasan, naiiba sa bawat isa, "aniya.

Ang pintador ay nagpinta ng malalaking mga sketch sa langis sa payak na hangin na may isang banayad na pagmamasid sa iba't ibang mga estado ng kalikasan, kung saan pinamahalaan niyang ihatid ang pagiging kumplikado ng panloob na buhay ng kalikasan at ang pang-araw-araw na buhay. ("View ng Highgate mula sa Hempstead Hills" , OK. 1834; "Hay cart", 1821; "Dethem Valley", mga 1828). Naabot ito gamit ang mga diskarte sa pagsulat. Nagpinta siya gamit ang gumagalaw na mga stroke, minsan makapal at magaspang, minsan mas makinis at mas malinaw. Darating ito ng mga impressionista sa pagtatapos ng siglo. Ang makabagong pagpipinta ni Constable ay naiimpluwensyahan ang mga gawa ng Delacroix, pati na rin ang buong pag-unlad ng tanawin ng Pransya.

Ang sining ng Constable, pati na rin ang maraming mga aspeto ng gawain ni Gericault, ay minarkahan ang paglitaw ng isang makatotohanang kalakaran sa sining ng Europa noong ika-19 na siglo, na kung saan ay paunang nabuo kasabay ng romantikismo. Maya maya pa, naghiwalay na sila.

Ang mga romantiko ay nagbubukas sa mundo ng kaluluwa ng tao, indibidwal, hindi katulad ng iba, ngunit taos-puso at samakatuwid malapit sa lahat ng pang-senswal na paningin ng mundo. Ang pagkadalian ng imahe sa pagpipinta, tulad ng sinabi ni Jelacroix, at hindi ang pagkakapare-pareho nito sa pagganap ng panitikan, ay tinukoy ang pokus ng mga artista sa pinaka-kumplikadong paglipat ng kilusan, alang-alang sa kung anong mga bagong pormal at makulay na solusyon ang natagpuan. Nag-iwan ng pamana ang Romantismo sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. lahat ng mga problemang ito at pagka-artistikong sariling katangian, napalaya mula sa mga patakaran ng akademismo. Ang simbolo na ang mga romantiko ay dapat na ipahayag ang mahahalagang koneksyon ng ideya at buhay, sa sining ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. natutunaw sa polyphony ng artistikong imahe, kinukuha ang pagkakaiba-iba ng mga ideya at ang nakapaligid na mundo.

b) Musika

Ang ideya ng isang pagbubuo ng mga sining na natagpuan ekspresyon sa ideolohiya at pagsasanay ng romantismo. Ang romantikismo sa musika ay nabuo noong 20s ng ika-19 na siglo sa ilalim ng impluwensya ng panitikan ng romantismo at nabuo na malapit na koneksyon dito, kasama ang panitikan sa pangkalahatan (isang apela sa mga synthetic genres, pangunahin sa opera, awit, instrumental na maliit at musikal na programmatic ). Ang apela sa panloob na mundo ng isang tao, katangian ng romantismo, ay ipinahayag sa kulto ng paksa, masidhing pagnanasa sa damdamin, na tinukoy ang pagiging primado ng musika at mga liriko sa romantikismo.

Musika ng ika-1 kalahati ng ika-19 na siglo mabilis na nagbago. Isang bagong wikang musikal ang lumitaw; sa instrumental at kamara vocal na musika, ang mga miniature ay may isang espesyal na lugar; tunog ng orkestra na may iba't ibang spectrum ng mga kulay; ang mga posibilidad ng piano at byolin ay isiniwalat sa isang bagong paraan; ang musika ng mga romantiko ay napaka-virtuoso.

Ang romantikong musikalismo ay nagpakita ng sarili sa maraming iba't ibang mga sangay na nauugnay sa iba't ibang mga pambansang kultura at may iba't ibang mga kilusang panlipunan. Halimbawa, halimbawa, ang kaakit-akit, liriko na istilo ng mga romantiko ng Aleman at ang "oratorical" na civic pathos na katangian ng gawain ng mga kompositor ng Pransya ay magkakaiba-iba. Kaugnay nito, ang mga kinatawan ng mga bagong pambansang paaralan na lumitaw batay sa isang malawak na kilusang pambansang pagpapalaya (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), pati na rin ang mga kinatawan ng paaralan ng opera ng Italya, na malapit na nauugnay sa kilusang Risorgimento (Verdi , Bellini), sa maraming paraan ay naiiba sa kanilang mga kasabayan sa Alemanya, Austria o Pransya, sa partikular, ang ugali na mapanatili ang mga tradisyonal na tradisyon.

Ngunit lahat sila ay minarkahan ng ilang karaniwang mga prinsipyong pansining na nagpapahintulot sa amin na magsalita ng isang solong romantikong istraktura ng pag-iisip.

Dahil sa espesyal na kakayahan ng musika upang maipalabas nang malalim at mapasok ang mayamang mundo ng karanasan ng tao, inilagay ito ng mga romantikong estetika sa unang lugar sa iba pang mga sining. Maraming mga romantiko ang nagbigay diin sa isang madaling maunawaan sa simula ng musika, inilaan dito ang kakayahang ipahayag ang "hindi alam". Ang mga gawa ng natitirang romantikong kompositor ay nagkaroon ng isang matatag na makatotohanang pundasyon. Ang interes sa buhay ng ordinaryong tao, ang kaganapan ng buhay at ang katotohanan ng damdamin, ang pag-asa sa musika ng pang-araw-araw na buhay ay tinukoy ang pagiging totoo ng pagkamalikhain ng pinakamahusay na mga kinatawan ng romantikong romantikong. Ang mga reaksyonaryong pagkahilig (mistisismo, pagtakas mula sa katotohanan) ay likas sa isang maliit na bilang lamang ng mga gawa ng romantics. Ipinakita nila ang kanilang mga sarili sa bahagi sa opera ni Weber na "Euryant" (1823), sa ilang mga drama sa musika ni Wagner, oratorio ni Liszt na "Christ" (1862), at iba pa.

Sa pagsisimula ng ika-19 na siglo, ang mga pangunahing pag-aaral ng alamat, kasaysayan, lumitaw ang sinaunang panitikan, mga alamat noong medyebal, sining ng Gothic, at kultura ng Renaissance ay binuhay muli. Sa oras na ito na maraming mga pambansang paaralan na may isang espesyal na uri ang nabuo sa pagbubuo ng gawain ng Europa, na nakalaan upang makabuluhang mapalawak ang mga hangganan ng karaniwang kultura ng Europa. Ang Ruso, na agad na kumuha, kung hindi ang una, pagkatapos ay isa sa mga unang lugar sa pagkamalikhain ng kultura sa mundo (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), Polish (Chopin, Moniuszko), Czech (Smetana, Dvorak), Hungarian (Liszt ), pagkatapos ay Norwegian (Grieg), Espanyol (Pedrell), Finnish (Sibelius), English (Elgar) - lahat sa kanila, na nagsasama sa pangkalahatang channel ng pagkamalikhain ng kompositor ng Europa, kahit papaano ay hindi tinutulan ang kanilang sarili sa itinatag na mga sinaunang tradisyon. Ang isang bagong bilog ng mga imahe ay lumitaw, na nagpapahayag ng mga natatanging pambansang tampok ng pambansang kultura na kinabibilangan ng kompositor. Ang istraktura ng intonation ng trabaho ay nagbibigay-daan sa iyo upang agad na makilala sa pamamagitan ng tainga ang pag-aari ng isa o ibang pambansang paaralan.

Ang mga kompositor ay nagsasangkot ng mga pagliko ng intonation ng luma, karamihan ay katutubong alamat ng mga magsasaka ng kanilang mga bansa sa karaniwang wikang musikal sa Europa. Ang mga ito, tulad ng ito, ay naglinis ng Russian folk song ng lacquered opera, ipinakilala nila ang mga pagliko ng kanta ng mga genre ng folk sa cosmopolitan intonation system ng ika-18 siglo. Ang pinaka-kapansin-pansin na kababalaghan sa musika ng romantismo, lalo na malinaw na pinaghihinalaang kung ihinahambing sa matalinhagang globo ng klasismo, ay ang pangingibabaw ng liriko at sikolohikal na prinsipyo. Siyempre, ang isang natatanging tampok ng art ng musikal sa pangkalahatan ay ang repraksyon ng anumang hindi pangkaraniwang bagay sa pamamagitan ng sphere ng mga damdamin. Ang musika ng lahat ng mga panahon ay napapailalim sa pattern na ito. Ngunit ang mga romantiko ay nalampasan ang lahat ng kanilang mga hinalinhan sa mga tuntunin ng halaga ng prinsipyo ng liriko sa kanilang musika, sa lakas at pagiging perpekto sa paghahatid ng kailaliman ng panloob na mundo ng isang tao, ang pinakahusay na kulay ng kalooban.

Ang tema ng pag-ibig ay sumasakop sa isang nangingibabaw na lugar dito, sapagkat ang estado ng pag-iisip na ito na pinaka-komprehensibo at ganap na sumasalamin sa lahat ng kalaliman at mga nuances ng pag-iisip ng tao. Ngunit lubos na katangian na ang paksang ito ay hindi limitado sa mga motibo ng pag-ibig sa literal na kahulugan ng salita, ngunit nakilala sa pinakamalawak na saklaw ng mga phenomena. Ang mga pulos lyrical na karanasan ng mga bayani ay isiniwalat laban sa background ng isang malawak na makasaysayang panorama. Ang pagmamahal ng isang tao para sa kanyang tahanan, para sa kanyang lupang tinubuan, para sa kanyang mga tao - isang tuluy-tuloy na thread ay tumatakbo sa gawain ng lahat ng mga kompositor - romantics.

Ang isang malaking lugar ay ibinibigay sa mga gawaing pangmusika ng maliit at malalaking anyo sa imahe ng kalikasan, na malapit at hindi mailalarawan na magkakaugnay sa tema ng pag-amin ng liriko. Tulad ng mga imahe ng pag-ibig, ang imahe ng kalikasan ay nagpapakilala sa estado ng pag-iisip ng bayani, na madalas na kulay ng isang pakiramdam ng hindi pagkakatugma sa katotohanan.

Ang tema ng pantasya ay madalas na nakikipagkumpitensya sa mga imahe ng kalikasan, na marahil ay nabuo ng pagnanais na makatakas mula sa pagkabihag ng totoong buhay. Karaniwan para sa mga romantiko ay ang paghahanap para sa isang kahanga-hangang mundo, kumikislap sa kayamanan ng mga kulay, sumasalungat sa kulay-abo na pang-araw-araw na buhay. Sa mga panahong ito na napayaman ang panitikan ng mga kwentong engkanto, mga ballada ng mga manunulat ng Russia. Ang mga kompositor ng romantikong paaralan ay may kamangha-manghang, kamangha-manghang mga imahe makakuha ng isang natatanging pambansang kulay. Ang mga ballad ay binigyang inspirasyon ng mga manunulat ng Russia, at salamat dito, nilikha ang mga gawa ng isang kamangha-manghang nakakagulat na plano, na sumasagisag, tulad ng, mabulok na panig ng pananampalataya, na naghahangad na baligtarin ang mga ideya ng takot sa mga puwersa ng kasamaan.

Maraming mga romantikong kompositor din ang gumanap bilang mga manunulat at kritiko ng musika (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt, atbp.). Ang teoretikal na gawain ng mga kinatawan ng progresibong romantismo ay gumawa ng isang napaka-makabuluhang kontribusyon sa pag-unlad ng pinakamahalagang mga isyu ng sining ng musikal. Natagpuan ang romantismo sa pagpapakita ng mga sining (violinist na Paganini, mang-aawit na A. Nurri, at iba pa).

Ang progresibong kahulugan ng Romantismo sa panahong ito ay pangunahing nakasalalay sa mga aktibidad Franz Liszt ... Ang pagkamalikhain ni Liszt, sa kabila ng magkasalungat na pananaw sa mundo, ay karaniwang progresibo, makatotohanang. Isa sa mga nagtatag at klasiko ng musikang Hungarian, isang natitirang pambansang artista.

Sa marami sa mga gawa ni Liszt, malawak na nasasalamin ang mga pambansang tema ng Hungarian. Ang romantiko, magagaling na komposisyon ni Liszt ay nagpalawak ng panteknikal at nagpapahayag na mga posibilidad ng pagtugtog ng piano (mga konsyerto, sonata). Ang mga koneksyon ni Liszt sa mga kinatawan ng musika ng Russia ay makabuluhan, ang mga gawa na kung saan siya aktibong isinulong.

Sa parehong oras, si Liszt ay gampanan ang isang mahalagang papel sa pagpapaunlad ng mundo ng musikal na sining. Pagkatapos ng Liszt "lahat ay naging posible para sa piano". Ang mga tampok na katangian ng kanyang musika ay improvisation, romantikong pag-angat ng damdamin, nagpapahayag ng himig. Si Liszt ay pinahahalagahan bilang isang kompositor, tagapalabas, pigura ng musika. Pangunahing gawa ng kompositor: opera “ Don Sancho o kastilyo ng pag-ibig "(1825), 13 symphonic poems" Tasso ”, ” Prometheus ”, “Hamlet ”At iba pa, gumagana para sa orkestra, 2 konserto para sa piano at orkestra, 75 pag-ibig, koro at iba pang hindi gaanong tanyag na mga akda.

Ang isa sa mga unang pagpapakita ng romantismo sa musika ay ang pagkamalikhain Franz Schubert (1797-1828). Si Schubert ay bumaba sa kasaysayan ng musika bilang pinakadakilang tagapagtatag ng romantikong musika at tagalikha ng maraming mga bagong genre: romantikong symphony, piano miniature, lyric-romantikong kanta (pag-ibig). Ang pinakamahalaga sa kanyang trabaho ay awit, kung saan ipinakita niya lalo na ang maraming makabagong pagkahilig. Sa mga kanta ni Schubert, ang panloob na mundo ng isang tao ay isiniwalat nang malalim, ang pinaka kapansin-pansin para sa kanya ay ang kanyang koneksyon sa katutubong musika, ang isa sa pinakamahalagang katangian ng kanyang talento ay malinaw na ipinakita - ang kamangha-manghang pagkakaiba-iba, kagandahan, kagandahan ng mga himig. Ang pinakamahusay na mga kanta ng maagang panahon ay kasama ang “ Margarita sa umiikot na gulong ”(1814) , “Forest king ". Ang parehong mga kanta ay nakasulat sa mga salita ni Goethe. Sa una sa kanila, naaalala ng inabandunang batang babae ang kanyang minamahal. Siya ay nag-iisa at malalim sa sakit, ang kanyang kanta ay malungkot. Ang isang payak at kaluluwang himig ay ibinalita lamang ng monotonous hum ng simoy. Ang "The Forest King" ay isang kumplikadong piraso. Hindi ito isang kanta, ngunit isang dramatikong eksena kung saan lumilitaw sa amin ang tatlong tauhan: isang ama na tumatakbo sa isang kabayo sa kagubatan, isang batang may sakit na dala-dala niya, at isang mabigat na hari sa kagubatan na lumilitaw sa isang batang lalaki sa lagnat deliryo. Ang bawat isa sa kanila ay pinagkalooban ng sarili nitong melodic na wika. Ang mga kanta ni Schubert na "Trout", "Barcarolla", "Morning Serenade" ay hindi gaanong sikat at minamahal. Nakasulat sa mga susunod na taon, ang mga awiting ito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang nakakagulat na simple at nagpapahayag na himig, sariwang kulay.

Sumulat din si Schubert ng dalawang siklo ng mga kanta - " Kaibig-ibig miller "(1823), at" Landas ng taglamig ”(1872) - sa mga salita ng makatang Aleman na si Wilhelm Müller. Sa bawat isa sa kanila, ang mga kanta ay pinag-isa sa isang balangkas. Ang mga kanta ng ikot na "The Beautiful Miller" ay nagsasabi tungkol sa isang batang lalaki. Kasunod sa stream ng stream, naglalakbay siya upang maghanap ng kanyang kaligayahan. Karamihan sa mga kanta sa pag-ikot na ito ay may magaan na karakter. Ang kalooban ng ikot na "Winter Path" ay ganap na naiiba. Ang mahirap na binata ay tinanggihan ng mayamang ikakasal. Sa kawalan ng pag-asa, umalis siya sa kanyang bayan at umalis upang gumala-gala sa mundo. Ang mga kasama nito ay hangin, bagyo, nakakagulat na uwak.

Ang ilang mga halimbawang ibinigay dito ay nagpapahintulot sa amin na magsalita tungkol sa mga kakaibang katangian ng pagsusulat ng kanta ni Schubert.

Napakahilig ni Schubert sa pagsusulat musika para sa piano ... Para sa instrumentong ito nagsulat siya ng maraming bilang ng mga gawa. Tulad ng mga kanta, ang kanyang mga gawa sa piano ay malapit sa pang-araw-araw na musika at kasing simple at malinaw. Ang kanyang mga paboritong genre ay mga sayaw, martsa, at sa mga huling taon ng kanyang buhay - impromptu.

Ang mga Waltze at iba pang mga sayaw ay karaniwang lumilitaw kasama si Schubert sa mga bola, sa mga paglalakad sa bansa. Doon ay binago niya ang mga ito, at naitala ang mga ito sa bahay.

Kung ihinahambing mo ang mga piraso ng piano ni Schubert sa kanyang mga kanta, mahahanap mo ang maraming pagkakatulad. Una sa lahat, ito ay isang mahusay na melodic expressiveness, biyaya, makulay na juxtaposition ng major at menor de edad.

Isa sa pinaka malaki pranses ang mga kompositor ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay Georges Bizet , tagalikha ng isang walang kamatayang paglikha para sa musikal na teatro - opera “Carmen "At kamangha-manghang musika para sa drama ni Alphonse Daudet" Arlesian ”.

Ang pagkamalikhain ng Bizet ay nailalarawan sa pamamagitan ng katumpakan at kalinawan ng pag-iisip, pagiging bago at pagiging bago ng mga nagpapahiwatig na paraan, pagkakumpleto at biyaya ng anyo. Ang Bizet ay nailalarawan sa pamamagitan ng talas ng sikolohikal na pagsusuri sa pag-unawa sa mga damdamin at pagkilos ng tao, katangian ng gawain ng mahusay na mga kababayan ng kompositor - ang mga manunulat na Balzac, Flaubert, Maupassant. Ang Opera ay gumaganap ng isang pangunahing papel sa iba't ibang mga genre ng Bizet. Ang operatic art ng kompositor ay lumitaw sa pambansang lupa at nabusog ng mga tradisyon ng French opera house. Naniniwala si Bizet na ang unang gawain sa kanyang trabaho ay ang pag-overtake sa mga limitasyon ng genre na mayroon sa opera ng Pransya, na pumipigil sa pag-unlad nito. Ang "Bolshoi" opera ay tila sa kanya isang patay na genre, liriko - nanggagalaiti sa pag-iyak nito at pilitin na pag-iisip ng komiks, nararapat na pansinin ang komiks kaysa sa iba. Sa kauna-unahang pagkakataon sa opera ng Bizet, ang makatas at buhay na buhay na pang-araw-araw na buhay at mga eksena ng karamihan ay lilitaw sa opera, inaasahan ang buhay at matingkad na mga eksena.

Musika ni Bizet sa drama ni Alphonse Daudet “Arlesian "Kilala sa pangunahin para sa dalawang mga suite ng konsyerto, na binubuo ng kanyang pinakamahusay na mga numero. Gumamit ang Bizet ng ilang mga tunay na himig ng Provencal : "Marso ng Tatlong Hari" at "Dance of Frisky Horses".

Opera Bizet " Carmen "Ay isang drama sa musikal na inilalahad sa harap ng manonood na may kapani-paniwala na katotohanan at may nakamamanghang artistikong puwersa ang kwento ng pag-ibig at pagkamatay ng mga bayani nito: ang sundalong si Jose at ang babaeng dyip na si Carmen. Ang Opera Carmen ay nilikha batay sa mga tradisyon ng French musikal na teatro, ngunit kasabay nito ay nagdala ng maraming bagong bagay. Umasa sa pinakamahusay na mga nakamit ng pambansang opera at reporma ang pinakamahalagang mga elemento, lumikha ng isang bagong genre ang Bizet - makatotohanang drama sa musikal.

Ang opera Carmen ay sinasakop ang isa sa mga unang lugar sa kasaysayan ng opera house ng ika-19 na siglo. Mula noong 1876, ang kanyang prusisyon ng tagumpay ay nagsisimula sa mga yugto ng mga opera house sa Vienna, Brussels, London.

Ang pagpapakita ng isang personal na ugnayan sa kapaligiran ay ipinahayag sa mga makata at musikero pangunahin sa kusang-loob, emosyonal na "pagiging bukas" at pagkahilig ng pahayag, sa pagnanais na kumbinsihin ang nakikinig sa tulong ng walang tigil na pag-igting ng tono ng pagtatapat o pagtatapat

Ang mga bagong kalakaran sa sining na ito ay may isang tiyak na impluwensya sa hitsura opera ng liriko ... Umusbong ito bilang pagkontra ng "malaki" at comic opera, ngunit hindi ito nadaanan ng kanilang mga pananakop at nakamit sa larangan ng operatic drama at paraan ng pagpapahayag ng musikal.

Ang isang natatanging tampok ng bagong genre ng opera ay ang liriko na interpretasyon ng anumang balangkas sa panitikan - sa isang makasaysayang, pilosopiko o napapanahong tema. Ang mga bayani ng liriko na opera ay pinagkalooban ng mga tampok ng ordinaryong tao, wala ng pagiging eksklusibo at ilang labis na katangian ng isang romantikong opera. Ang pinakahalagang artist sa larangan ng lyric opera ay Charles Gounod.

Kabilang sa medyo maraming pamana ng opera ni Gounod, ang opera na " Faust " sumasakop ng isang espesyal at, maaaring sabihin ng isang, pambihirang lugar. Ang kanyang katanyagan sa buong mundo at katanyagan ay hindi tugma sa alinman sa iba pang mga opera ni Gounod. Ang makasaysayang kahalagahan ng opera Faust ay lalong mahusay sapagkat ito ay hindi lamang ang pinakamahusay, ngunit mahalagang ang una sa mga opera ng bagong direksyon, kung saan isinulat ni Tchaikovsky: "Imposibleng tanggihan na ang Faust ay isinulat, kung hindi man matalino, pagkatapos ay may pambihirang kasanayan at hindi walang makabuluhang pagkakakilanlan. " Sa imahe ni Faust, ang matinding kontradiksyon at "dualitas" ng kanyang kamalayan, ang walang hanggang kasiyahan na dulot ng pagnanasang makilala ang mundo ay naayos. Hindi maiparating ni Gounod ang lahat ng kagalingan sa maraming katangian at pagiging kumplikado ng imahe ng Goethe's Mephistopheles, na sumasalamin sa diwa ng militanteng pagpuna sa panahong iyon.

Isa sa mga pangunahing kadahilanan para sa katanyagan ng "Faust" ay na-concentrate nito ang pinakamahusay at pangunahing mga bagong tampok ng batang genre ng opera ng liriko: isang direktang emosyonal at malinaw na indibidwal na paghahatid ng panloob na mundo ng mga bayani ng opera. Ang malalim na pilosopiko na kahulugan ng "Faust" ni Goethe, na naghahangad na ibunyag ang mga pangwakas sa kasaysayan at panlipunan ng lahat ng sangkatauhan sa halimbawa ng salungatan ng mga pangunahing tauhan, ay nilagyan ni Gounod sa anyo ng isang makataong lyrical drama ng Marguerite at Faust .

Kompositor ng Pransya, konduktor, kritiko ng musika Hector Berlioz bumaba sa kasaysayan ng musika bilang isang pangunahing romantikong kompositor, tagalikha ng isang symphony ng programa, isang nagpapabago sa larangan ng pormang musikal, pagkakasundo at lalo na ang instrumento. Sa kanyang gawain, natagpuan nila ang isang malinaw na sagisag ng mga tampok ng mga rebolusyonaryong pathos at kabayanihan. Kilala ni Berlioz si M. Glinka, na ang musika ay lubos niyang pinahalagahan. Magiliw siyang nakikipag-usap sa mga pinuno ng "Makapangyarihang Kamay", na masigasig na tinanggap ang kanyang mga gawa at malikhaing prinsipyo.

Lumikha siya ng 5 mga gawa sa yugto ng musikal, kasama ang opera na “ Benvenuto Chillini ”(1838), “ Trojan ”,”Beatrice at Benedict ”(Batay sa komedya ni Shakespeare na Many Ado About Nothing, 1862); 23 mga gawaing tinig at symphonic, 31 pag-ibig, choruse, isinulat niya ang mga librong "The Great Treatise on Modern Instrumentation and Orchestration" (1844), "Evenings in the Orchestra" (1853), "Through Songs" (1862), "Musical Curiosities ”(1859),“ Memoirs ”(1870), mga artikulo, repasuhin.

Aleman kompositor, konduktor, manunulat ng dula, pampubliko Richard Wagner bumaba sa kasaysayan ng kulturang musikal sa buong mundo bilang isa sa pinakadakilang tagalikha ng musikal at pangunahing mga repormador ng operatic na sining. Ang layunin ng kanyang mga reporma ay upang lumikha ng isang napakalaking programmatic vocal at symphonic na gawain sa isang dramatikong form, na idinisenyo upang palitan ang lahat ng mga uri ng opera at symphonic na musika. Ang nasabing gawain ay isang drama sa musikal kung saan dumadaloy ang musika sa isang tuloy-tuloy na stream, na pinagsasama ang lahat ng mga dramatikong link. Tinatanggihan ang natapos na pagkanta, pinalitan sila ni Wagner ng isang uri ng mayaman sa pagsasalita na may emosyonal. Ang isang mahalagang lugar sa mga opera ni Wagner ay inookupahan ng mga independiyenteng yugto ng orkestra, na isang mahalagang kontribusyon sa musikang symphonic sa mundo.

Nag-aari ang kamay ni Wagner ng 13 opera: “ The Flying Dutchman "(1843)," Tannhäuser "(1845)," Tristan and Isolde "(1865)," Gold of the Rhine "(1869) at iba pa.; mga koro, piyesa ng piano, pag-ibig.

Ang isa pang natitirang kompositor, konduktor, piyanista, guro, musikero ng Aleman ay Felix Mendelssohn-Bartholdy ... Sa edad na 9 nagsimula siyang gumanap bilang isang piyanista, sa edad na 17 nilikha niya ang isa sa mga obra maestra - ang overture sa komedya na " C siya ay nasa isang gabi ng tag-init " Shakespeare. Noong 1843 itinatag niya ang unang konserbatoryo sa Alemanya sa Leipzig. Sa gawain ni Mendelssohn, "isang klasiko sa mga romantiko", ang mga romantikong tampok ay pinagsama sa klasikal na sistema ng pag-iisip. Ang kanyang musika ay nailalarawan sa pamamagitan ng maliwanag na himig, demokratikong pagpapahayag, katamtaman ng damdamin, kalmado ng pag-iisip, ang pamamayani ng mga maliliwanag na damdamin, mga lirikal na kalagayan, hindi walang bahagyang paghawak ng sentimentalidad, pagiging perpekto ng mga form, at makinang na kasanayan. Tinawag ito ni R. Schumann na "Mozart ng ika-19 na siglo", G. Heine - "isang himala sa musika".

May-akda ng tanawin ng romantikong symphonies ("Scottish", "Italyano"), mga overtake ng konsiyerto ng programa, isang tanyag na konsiyerto ng biyolin, mga siklo ng mga piraso para sa piano na "Song without Words"; opera na "Kasal ni Camacho." Sumulat siya ng musika para sa dramatikong pagganap na "Antigone" (1841), "Oedipus at Colon" (1845) ni Sophocle, "Atalia" ni Racine (1845), "A Midsummer Night's Dream" ni Shakespeare (1843 ) at iba pa; ang oratorios na "Paul" (1836), "Elijah" (1846); 2 concertos para sa piano at 2 para sa violin.

SA italyano kulturang musikal ang isang espesyal na lugar ay pagmamay-ari ni Giuseppe Verdi - isang natitirang kompositor, konduktor, organista. Ang pangunahing lugar ng trabaho ni Verdi ay ang opera. Pangunahin na ginampanan bilang isang tagapagtaguyod ng kabayanihan-makabayan damdamin at pambansang kalayaan ideya ng mga Italyano tao. Sa mga sumunod na taon, binigyan niya ng pansin ang mga dramatikong salungatan na nabuo ng hindi pagkakapantay-pantay sa lipunan, karahasan, pang-aapi, pinintasan ang kasamaan sa kanyang mga opera. Mga tampok na katangian ng gawa ni Verdi: katutubong musika, dramatikong ugali, melodic brightness, pag-unawa sa mga batas ng entablado.

Sumulat siya ng 26 na opera: " Nabucco "," Macbeth "," Troubadour "," La Traviata "," Othello "," Aida " at iba pa . , 20 romansa, vocal ensembles .

Bata pa norwegian kompositor Edvard Grieg (1843-1907) pinagsisikapang paunlarin ang pambansang musika. Ito ay ipinahayag hindi lamang sa kanyang trabaho, kundi pati na rin sa pagsusulong ng musikang Norwegian.

Sa kanyang mga taon sa Copenhagen, nagsulat si Grieg ng maraming musika: " Mga Makatang Larawan " at "Humoresques", sonata para sa piano at ang unang violin sonata, mga kanta. Sa bawat bagong piraso, ang imahe ng Grieg bilang isang kompositor ng Norwegian ay naging mas malinaw. Sa pinong lyrical Poetic Pictures (1863), ang mga pambansang tampok ay nahihiya pa ring dumaan. Ang rhythmic figure ay madalas na matatagpuan sa katutubong musikang Norwegian; naging katangian ito ng marami sa mga himig ni Grieg.

Ang gawa ni Grieg ay malawak at maraming katangian. Sinulat ni Grieg ang mga gawa ng iba't ibang mga genre. Ang Piano Concerto at Ballads, tatlong sonata para sa biyolin at piano at isang sonata para sa cello at piano, ang quartet ay nagpapatunay sa patuloy na pagnanasa ni Grieg para sa malaking anyo. Sa parehong oras, ang interes ng kompositor sa mga instrumentong miniature ay nanatiling hindi nagbabago. Sa parehong lawak ng piano, ang kompositor ay naaakit ng kamara sa maliit na tinig ng pag-ibig - pag-ibig, kanta. Huwag maging pangunahing isa para sa Grieg, ang lugar ng pagkamalikhain ng symphonic ay minarkahan ng mga obra maestra bilang mga suite na " Per Gounod ”, “Mula sa panahon ni Holberg ". Ang isa sa mga katangian ng uri ng gawa ni Grieg ay ang pagproseso ng mga katutubong kanta at sayaw: sa anyo ng mga simpleng piraso ng piano, isang ikot ng suite para sa piano na apat na kamay.

Natutukoy ang wikang musikal ni Grieg. Ang sariling katangian ng istilo ng kompositor ay higit na natutukoy ng kanyang malalim na koneksyon sa musikang katutubong Norwegian. Ginagawa ng malawak na paggamit ng Grieg ang mga katangian ng genre, istraktura ng intonation, at mga formula na ritmo ng mga katutubong himig at mga himig ng sayaw.

Ang kapansin-pansin na kaalaman ni Grieg sa pagkakaiba-iba at pagkakaiba-iba ng pag-unlad ng himig ay nakaugat sa katutubong tradisyon ng paulit-ulit na pag-uulit ng himig kasama ang mga pagbabago. "Naitala ko ang katutubong musika ng aking bansa." Sa likod ng mga salitang ito ay namamalagi ang paggalang na grieg ni Grieg sa katutubong sining at ang pagkilala sa mapagpasyang papel nito para sa kanyang sariling pagkamalikhain.

7. KONklusyon

Batay sa nabanggit, ang mga sumusunod na konklusyon ay maaaring makuha:

Ang paglitaw ng romantikismo ay naiimpluwensyahan ng tatlong pangunahing mga kaganapan: ang Great French Revolution, ang Napoleonic Wars, ang pagtaas ng pambansang kilusan ng kalayaan sa Europa.

Ang Romanticism bilang isang pamamaraan at direksyon sa kulturang pansining ay isang kumplikado at magkasalungat na kababalaghan. Sa bawat bansa, mayroon siyang isang malinaw na pambansang ekspresyon. Sinakop ng mga Romantiko ang iba`t ibang mga posisyon sa lipunan at pampulitika sa lipunan. Lahat sila ay naghimagsik laban sa mga resulta ng burges na rebolusyon, ngunit sila ay naghimagsik sa iba't ibang paraan, dahil ang bawat isa ay mayroong sariling ideyal. Ngunit para sa lahat ng maraming panig at pagkakaiba-iba, ang romantikismo ay may matatag na mga tampok:

Ang lahat sa kanila ay nagmula sa pagtanggi ng Paliwanag at ang mga makatuwiran na mga canon ng klasismo na sumunod sa malikhaing pagkusa ng artist.

Natuklasan nila ang prinsipyo ng makasaysayang (hinuhusgahan ng mga nagpapaliwanag ang nakaraan sa isang antihistorical na paraan para sa kanila mayroong "makatuwiran" at "hindi makatuwiran"). Nakita natin sa nakaraang mga tauhan ng tao na hinubog ng kanilang panahon. Ang interes sa pambansang nakaraan ay nagbunga ng maraming mga gawaing pangkasaysayan.

Ang interes sa isang malakas na personalidad, na sumasalungat sa sarili sa buong mundo sa paligid at umaasa lamang sa sarili.

Pansin sa panloob na mundo ng isang tao.

Ang romantismo ay malawakang binuo pareho sa Kanlurang Europa at sa Russia. Gayunpaman, ang romantikismo sa Russia ay naiiba mula sa Kanlurang Europa alang-alang sa iba't ibang setting ng kasaysayan at ibang tradisyon ng kultura. Ang totoong dahilan para sa paglitaw ng romantismo sa Russia ay ang Digmaang Patriotic noong 1812, kung saan ang buong puwersa ng pagkusa ng mamamayan ay ipinakita.

Mga tampok ng romantikong Ruso:

Hindi sinalungat ng Romanticism ang Enlightenment. Ang ideolohiya ng pang-edukasyon ay humina, ngunit hindi nabigo, tulad ng sa Europa. Ang perpekto ng isang naliwanagan na hari ay hindi naubos ang sarili.

Ang romantismo ay nabuo nang kahanay sa klasismo, na madalas na magkakaugnay dito.

Ang Romanticismism sa Russia sa iba't ibang uri ng sining ay nagpakita ng sarili sa iba't ibang paraan. Sa arkitektura, hindi siya nabasa. Sa pagpipinta - natuyo ng kalagitnaan ng siglo ng XIX. Nagpakita lamang ito ng bahagyang sa musika. Marahil sa panitikan lamang ay palaging nagpapakita ang romantismo.

Sa mga visual arts, ang romantismong ipinamalas ang sarili nitong higit na malinaw sa pagpipinta at pagguhit, hindi gaanong nagpapahayag sa iskultura at arkitektura.

Ang mga romantiko ay nagbubukas sa mundo ng kaluluwa ng tao, indibidwal, hindi katulad ng iba, ngunit taos-puso at samakatuwid malapit sa lahat ng pang-senswal na paningin ng mundo. Ang pagkadalian ng imahe sa pagpipinta, tulad ng sinabi ni Delacroix, at hindi ang pagkakapare-pareho nito sa pagganap ng panitikan, ay tinukoy ang pokus ng mga artista sa pinaka-kumplikadong paglipat ng kilusan, alang-alang sa kung anong mga bagong pormal at makulay na solusyon ang natagpuan. Ang romantismo ay nag-iwan ng isang pamana sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. lahat ng mga problemang ito at pagka-artistikong sariling katangian, napalaya mula sa mga patakaran ng akademismo. Ang simbolo na ang mga romantiko ay dapat na ipahayag ang mahahalagang koneksyon ng ideya at buhay, sa sining ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. natutunaw sa polyphony ng artistikong imahe, kinukuha ang pagkakaiba-iba ng mga ideya at ang nakapaligid na mundo. Ang romantismo sa pagpipinta ay malapit na nauugnay sa sentimentalism.

Salamat sa romantikismo, ang pansariling pananaw na pansariling artista ng artista ay kumukuha ng anyo ng batas. Ang impresyonismo ay ganap na sisirain ang hadlang sa pagitan ng artista at kalikasan, na idineklarang impression ang sining. Pinag-uusapan ng mga Romantiko ang pantasya ng artista, "ang tinig ng kanyang damdamin," na nagpapahintulot sa iyo na ihinto ang trabaho kapag isinasaalang-alang ito ng master na kinakailangan, at hindi bilang kinakailangang pamantayan ng pagiging kumpleto ng akademiko.

Ang romantismo ay nag-iwan ng buong panahon sa kultura ng sining sa mundo, ang mga kinatawan nito ay: sa panitikang Ruso Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov, atbp. sa pinong sining nina E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin at iba pa; sa musika na F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin at iba pa. Natuklasan at nabuo nila ang mga bagong genre, binigyan ng pansin ang kapalaran ng tao, ipinahayag ang dayalekto ng mabuti at masama, masterly isiniwalat ang mga hilig ng tao, atbp.

Ang mga anyo ng sining sa kanilang kahalagahan higit pa o mas mababa sa pantay at gumawa ng mga kahanga-hangang gawa ng sining, kahit na ang mga romantiko sa hagdan ng sining ay nagbigay ng priyoridad sa musika.

Ang Romanticismismo sa Russia bilang isang pananaw sa mundo ay umiiral sa unang alon nito mula sa pagtatapos ng ika-18 siglo hanggang 1850s. Ang romantikong linya sa sining ng Russia ay hindi nagtapos noong 1850s. Binuksan ng mga romantiko para sa sining, ang tema ng estado ng pagiging ay binuo sa paglaon ng mga artist ng Blue Rose. Ang mga direktang tagapagmana ng Romantics ay walang pagsala ang mga Symbolist. Ang mga romantikong tema, motibo, nagpapahiwatig na mga diskarte ay pumasok sa sining ng iba't ibang mga estilo, uso, malikhaing pagsasama. Ang romantikong pananaw o pananaw sa mundo ay naging isa sa pinaka buhay na buhay, masipag, at mabunga.

Ang Romanticism bilang isang pangkalahatang pananaw, katangian na higit sa lahat sa mga kabataan, bilang isang pagsusumikap para sa perpekto at malikhaing kalayaan, ay patuloy pa ring naninirahan sa sining ng mundo.

8. Listahan ng mga sanggunian

1. Amminskaya A.M. Alexey Gavrilovich Vnetsianov. - M: Kaalaman, 1980

2. Atsarkina E.N. Aleksdr Osipovich Orlovsky. - M: Art, 1971.

3. Belinsky V.G. Mga Komposisyon. A. Pushkin. - M: 1976.

4. Great Soviet Encyclopedia (Punong editor A. Prokhorov). - M: Soviet Encyclopedia, 1977.

5. Vainkop Y., Gusin I. Isang Maikling Biograpikong Diksyonaryo ng Mga Kompositor. - L: Musika, 1983.

6. Vasily Andreevich Tropiin (na-edit ni M.M. Rakovskaya) ... - M: Fine Arts, 1982.

7. Vorotnikov A.A., Gorshkovoz O.D., Yorkina O.A. Kasaysayan ng sining. - Mn: Panitikan, 1997.

8. Zimenko V. Alexander Osipovch Orlovsky. - M: State Publishing House of Fine Arts, 1951.

9. Ivanov S.V. M.Yu. Lermontov. Buhay at sining. - M: 1989.

10. Panitikang pangmusika ng mga banyagang bansa (na-edit ni B. Levik). - M: Musika, 1984.

11. E.A. Nekrasova Turner. - M: Fine Art, 1976.

12. Ozhegov S.I. Diksyonaryo ng wikang Ruso. - M: Estado ng paglalathala ng estado ng mga diksyunaryong dayuhan at Ruso, 1953.

13. Orlova M. J. Konstable. - M: Art, 1946.

14. Mga artista ng Russia. A.G. Venetsianov. - M: State Publishing House of Fine Arts, 1963.

15. Sokolov A.N. Kasaysayan ng panitikan ng Rusya ng siglong XIX (1 kalahati). - M: High School, 1976.

16. Turchin V.S. Orest Kiprensky. - M: Kaalaman, 1982.

17. Turchin V.S. Theodore Gericault. - M: Fine Arts, 1982.

18. Filimonova S.V. Kasaysayan ng Kulturang Art sa Daigdig - Mozyr: White Wind, 1997.