Mga pintor ng Finnish at ang kanilang mga pagpipinta. Mga artistang Finnish

Sa loob ng maraming taon ay pinaniniwalaan na ang larawan ng mga pamangkin ni Alexander III na ipininta ni Albert Edelfelt ay nawala o nawasak. Larawan: Erkka Mikkonen / Yle

Hindi sinasadyang natuklasan ng isang kritiko ng sining ng Finnish ang nawalang trabaho ni Albert Edelfelt sa mga koleksyon ng isang museo sa rehiyon ng Russia. Nais ng mananaliksik na dalhin ang pagpipinta sa isang eksibisyon sa Finland.

Ang canvas ng sikat na pintor ng Finnish na si Albert Edelfelt (1854-1905), na itinuturing na nawala sa loob ng maraming taon, ay natagpuan sa Russia sa Rybinsk Museum. Natagpuan ng Finnish art critic na si Sani Kontula-Webb ang pagpipinta, na ipininta noong 1881, gamit ang isang search engine sa Internet.

- Nakita ko ang gawain nang hindi sinasadya, ngunit nakilala ko ito dahil dati ko nang lubusan na pinag-aralan ang paksang ito.

Si Kontula-Webb, isang nagtapos ng St. Petersburg Academy of Arts, ay nakakita ng mga sketch ng gawaing ito sa Ateneum Art Museum sa Helsinki. Sa tulong ng mga sketch, posible na maitatag ang pagkakakilanlan ng mga bata na inilalarawan sa larawan: ito ang mga pamangkin ng Russian Tsar Alexander III. Sa isa sa mga sketch, ipinahiwatig ni Edelfelt ang kanilang mga pangalan.

Ang mga mahahabang buhok na lalaki sa larawan ay nakasuot ng mga damit ayon sa uso noong huling bahagi ng ika-19 na siglo. Sa Rybinsk Museum, pinaniniwalaan na ang mga batang babae ay inilalarawan dito. Ang mga kawani ng museo ay natuwa sa bagong impormasyon tungkol sa pagpipinta.

"Akala namin sila ay mga babae, ngunit ang mga anak nina Grand Duke Vladimir Boris at Kirill ay inilalarawan," sabi ni Deputy Director Sergei Ovsyannikov.

Ang larawan ay nagsasabi tungkol sa pakikipag-ugnayan ni Edelfelt sa maharlikang pamilya

Ang gawain ay nakuha sa koleksyon ng Rybinsk Museum pagkatapos ng rebolusyon. Ayon sa lagda sa likod ng pagpipinta, ito ay dati sa Vladimir Palace sa St. Petersburg.

Ang karagdagang kahalagahan sa paghahanap ay ibinibigay sa pamamagitan ng katotohanan na ang larawan ay nagpapahiwatig ng malapit na mga contact ng Finnish artist sa lungsod sa Neva at ang maharlikang pamilya.

"Marahil, ang partikular na larawang ito ay mapagpasyahan mula sa punto ng view ng napakatalino na pag-unlad ng karera ni Edelfelt sa korte ng hari," ang sabi ni Kontula-Webb.

Kasunod nito, pininturahan ni Edelfelt ang isang larawan ng mga anak nina Alexander III, Mikhail at Xenia, pati na rin ang ilang mga larawan ng huling Russian Tsar Nicholas II.

Ang mga koneksyon ng mga Finnish artist sa Russia ay hindi pa rin nasasaliksik

Noong unang panahon, sikat si Edelfelt sa Russia. Ang kanyang mga gawa ay itinatago sa mga koleksyon ng parehong St. Petersburg Hermitage at ng Moscow Pushkin Museum.

Ngayon, si Edelfelt, tulad ng iba pang mga artista ng Ginintuang Panahon ng pagpipinta ng Finnish, ay halos hindi kilala sa madla ng Russia. Gayundin, sa pag-aaral ng sining ng Finnish, hindi partikular na nakatuon ang atensyon sa mga koneksyon ng mga artistang Finnish sa Russia.

Ang Kontula-Webb ay kasalukuyang naghahanda ng isang disertasyon sa mga link sa pagitan ng St. Petersburg Academy of Arts at Finnish artistikong buhay.

- Umaasa ako na salamat sa paghahanap na ito, si Edelfelt ay matatagpuan muli sa Russia, at sa Finland ay maaalala nila ang mahahalagang relasyon ng mga Finnish artist sa Russia.

Tinanong ni Kontula-Webb ang kawani ng Rybinsk Museum tungkol sa posibilidad na dalhin ang pagpipinta, na itinuturing na nawala, sa isang eksibisyon sa Finland. Ang Deputy Director na si Sergei Ovsyannikov ay positibo tungkol sa ideya.

- Kung gusto ng Finland na makakuha ng larawan para sa isang eksibisyon, gagawin namin ang lahat sa aming makakaya upang maging matagumpay ang proyekto.

Gayunpaman, ayon kay Ovsyannikov, para sa isang potensyal na paglalakbay sa Finland, ang pagpipinta ay kailangang maibalik.

Ang maringal na gusali ng Academy of Arts ay pinalamutian ang pilapil ng Neva sa pagitan ng ika-3 at ika-4 na linya ng Vasilievsky Island. Isa ito sa pinakamagandang monumento ng klasikal na arkitektura.

Ang mga may-akda ng proyekto ay sina A.F. Kokorinov at J. B. Delamot. Ang imperyal na "academy of the most distinguished arts" ("Kolmen askteen akatemia") - pagpipinta, eskultura at arkitektura - ay itinatag noong 1757 sa panahon ni Queen Elizabeth. Sa loob ng dalawa at kalahating siglo ng aktibidad nito, sinanay ng Academy ang maraming henerasyon ng mga masters ng sining: mga pintor, eskultor, arkitekto. Kabilang sa mga ito ay mahusay na mga artista, na ang mga gawa ay ipinakita sa mga museo sa St. Petersburg, Moscow at maraming mga kabisera ng Europa.

Ang mga arkitekto at iskultor - ang mga nagtapos ng Academy ay nagtayo at nagpalamuti ng maraming lungsod sa Russia at sa ibang bansa. Marami ang itinayo nila sa St. Petersburg. Ang kanilang mga gawa ay nasa Finland din, dahil sa loob ng maraming taon ang Academy of Arts ay isang lugar ng aktibong komunikasyon sa pagitan ng sining ng Ruso at Finnish. Ang pinakamahusay na Finnish artist ay ginawaran ng titulong "Academician of Fine Arts". Kabilang sa mga ito ay V. Runeberg, KG Nyustrem. Ngunit ang una, siyempre, ay dapat na pinangalanan, AZdelfelt.

Albert Edelfelt (Albert Gustaf Aristides Edelfelt, 1854-1905)

Ang pinakamalaking master ng makasaysayang pagpipinta, portrait, genre ng genre. Ang unang Finnish artist na nakilala sa ibang bansa. Si Albert "ay ipinanganak malapit sa Porvoo sa pamilya ng isang arkitekto. Nag-aral siya ng dalawang taon sa Unibersidad ng Helsinki bago nagpasyang italaga ang sarili sa pagpipinta. Natanggap niya ang kanyang edukasyon sa sining sa Academy of Fine Arts sa Antwerp, at pagkatapos ay sa Paris noong ang School of Fine Arts. Noong 1877-80, lumikha si Edelfelt ng maraming mga pagpipinta sa mga paksang pangkasaysayan. Ngunit pagkatapos ay bumaling ang artista sa mga paksang genre mula sa kalikasan, kung saan malinaw ang kanyang pagmamahal sa kanyang tinubuang lupa at interes sa buhay ng mga ordinaryong tao. ipinahayag. Ito ang mga painting: "At the Sea", "Boys by the Water", "Women from Ruokolahti "," Washerwomen "," Fishermen from Distant Islands ".

Noong 1881 si A. Edelfelt ay nanirahan at nagtrabaho sa St. Petersburg nang mahabang panahon, nakipag-usap sa mga artistang Ruso. Noong 1881, ipinakita ng isang batang Finnish artist ang kanyang mga gawa sa korte ng St. Petersburg Academy of Arts. Siya ay isang mahusay na tagumpay: siya ay nahalal bilang isang miyembro ng St. Petersburg Academy of Arts. Isang personal na eksibisyon ang inayos para sa kanya sa Tsarskoye Selo. Ang isa sa mga painting ay binili ng imperyal na pamilya. Nakatanggap ang may-akda ng mga bagong order mula sa maharlikang pamilya, na nagdala sa kanya ng katanyagan.

Sa kanyang pananatili sa Tsarskoye Selo, ang artista ay ipinakilala kay Tsarevich Alexander, at gumawa ng isang bilang ng mga gawa sa kanyang order para sa Gatchina Palace, sa partikular, isang kopya ng pagpipinta na "At Sea", na, bukod sa kanyang iba pang mga gawa, ay itinatago sa Ermita. Ang pang-araw-araw na sketch ni Edelfelt: "Good Friends" at "In the Nursery" - ay nakuha rin ni Alexander III. Ang mga kuwadro na ito ay may mga pag-uulit, na nasa mga dayuhang museo.

Ang merito ng Edelfelt ay ang samahan ng isang bilang ng mga magkasanib na eksibisyon sa Russia, salamat sa kung saan ang publiko ng Russia ay nakilala ang gawain ng maraming Finnish artist.

Ang pangunahing aktibidad ni Edelfelt ay portrait painting. Marami siyang nagtrabaho sa mga order, lalo na, ng korte ng hari, na lumilikha ng mga opisyal na larawan. Ngunit ang pinakamahusay sa kanyang portrait work ay: "Portrait of the artist's mother" (1883), "Louis Pasteur" (1885), "Portrait of Larin Paraske" (1893), "Portrait of Aino Akte" (1901).

Opisyal na mga pagtatanghal at pangmatagalang friendly na mga contact.

Ang unang Finnish artist na nagpakita sa Imperial Academy of Arts sa pagtatapos ng ikalabinsiyam na siglo ay ang pintor na si Albert Edelfelt. Pagkatapos ng isang paglalakbay sa Kanlurang Europa noong 1881, ipinakita ng batang Finnish artist ang kanyang mga gawa sa korte ng St. Petersburg Academy of Arts. Siya ay isang mahusay na tagumpay - siya ay iginawad sa pamagat ng akademiko. Isang personal na eksibisyon ang inayos para sa kanya sa Tsarskoye Selo. Ang isa sa mga painting ay binili ng imperyal na pamilya.

Nakatanggap ang may-akda ng mga bagong order mula sa maharlikang pamilya, na nagdala sa kanya ng katanyagan. Ang pagiging malapit ng artist sa pamilya ng imperyal ay nakatulong sa katanyagan ng pagpipinta ng Finnish sa Russia. Dahil sa katanyagan at awtoridad ni A. Edelfelt sa Russia, ang sining ng Finland ay napakita sa magkasanib na Finnish-Russian na mga eksibisyon ng sining sa St. Petersburg at Moscow, simula sa Nizhny Novgorod exhibition noong 1882.

Mga artistang Finnish sa Hermitage

Ang Hermitage ay nagpapakita ng pitong pagpipinta ni AEdelfelt at isang bilang ng mga guhit. Bilang karagdagan sa nabanggit na pagpipinta na "Sa Dagat", na sa unang bersyon ay nasa Museo ng Gothenburg, dapat itong pansinin ang pang-araw-araw na larawang komposisyon na "Mabait na Kaibigan" (1881), na paulit-ulit sa Geteborg at Helsinki. Malapit sa kanya sa karakter at ang pagpipinta na "Sa nursery" (1885), na binili din ni Alexander III para sa Gatchina Palace. Ang isa sa mga pinaka-demokratikong gawa ni Edelfelt ay ang The Washerwomen (1898, Hermitage), na natugunan ng pag-apruba ng mga kritiko ng St. Petersburg.

Ang genre ng portrait, kung saan malakas si AEdelfelt, ay kinakatawan sa Hermitage ng larawan ng asawa ng aktor ng Moscow Art Theatre na si M.V. Dyakovskaya-Gay-Rot. Ang koleksyon ng Hermitage ay naglalaman din ng mga halimbawa ng mga kasanayan sa landscape ng Finnish artist. Ito ang pagpipinta na "View of Porvoo" (1898) at ang pag-ukit na "Pine in the snow". Dapat itong banggitin na ang mga gawa ni AEdelfelt ay itinatago din sa Kiev Museum - ang pagpipinta na "Mga Mangingisda mula sa Distant Islands" at sa Moscow Museum. A.S. Pushkin: "Larawan ni Varvara Myatleva".

Bilang karagdagan, ang Hermitage ay may mga pagpipinta nina Juho Risanen, Eero Nelimark at Henry Erickson.

Mga artistang Finnish sa St. Petersburg Academy of Arts

Ang arkitekto na si K.G. Nyström (1856-1917) ay gumawa ng malaking kontribusyon sa hitsura ng arkitektura ng kabisera ng Finland. Sapat na banggitin ang mga mararangyang gusali ng House of Estates, ang State Archives, na nagpapalamuti sa paligid ng Senate Square. Maaalala mo ang dating customs at warehouse sa Katajanokka, ang unang sakop na palengke sa Kauppa-tori. Ngunit kakaunti ang nakakaalam na ang arkitekto na si KG.Nyustrem ay nagtrabaho din sa St. Petersburg. Ayon sa kanyang disenyo, ang gusali ng surgical clinic ng Medical Institute ay itinayo sa gilid ng Petrogradskaya.

Si Nystrom ay isang propesor sa Academy of Arts, at ginawaran ng titulong akademiko ng arkitektura.

Ang pintor na si J. Rissanen ay tinawag na isa sa pinakanatatangi, malakas at malalim na pambansang talento sa pagpipinta ng Finnish noong nakaraang siglo. Nagpinta siya ng mga portrait, genre paintings mula sa katutubong buhay. Pagkatapos mag-aral sa paaralan ng pagguhit sa Helsinki, ipinadala siya upang mag-aral sa St. Petersburg Academy of Arts, kung saan kumuha siya ng kurso sa ilalim ng gabay ni I.E. Repin noong 1897-98. Ang pag-aaral sa St. Petersburg, pakikipag-usap sa mga artistang Ruso at ang buong kapaligiran ng malikhaing buhay sa St. Petersburg, na nagngangalit sa mga hilig, ay nagtaas ng trabaho ng artist sa bagong taas. Pagkatapos nito, nagtrabaho siya nang mabunga nang maraming taon sa Finland at sa ibang bansa. Ito ay nagkakahalaga ng pagsasabi tungkol sa kanyang pag-aaral at buhay sa St. Petersburg nang mas detalyado.

Rissanen Juho (Julio Rissanen, 1873-1950)

Si Juho Rissanen ay ipinanganak sa paligid ng Kuopio sa pamilya ng isang manggagawang bukid. Bata pa lang ay nahihirapan na siya, minsan kailangan pa niyang mamalimos kapag namatay ang kanyang lasing na ama (froze to death). Noong 1896 si Juho Rissanen ay pumasok sa gitnang art-industrial na paaralan ng pagguhit ng Finnish Art Society sa Helsinki, pagkatapos ay sa Turku.

Bilang isang bata, si Rudolf Koivu ay nag-aral sa St. Petersburg parish church school, kung saan pinagkadalubhasaan niya ang mga titik ng Finnish at Russian. Mula pagkabata mahilig siyang gumuhit at naakit ang atensyon ng mga guro sa St. Ipinadala siya upang mag-aral, ngunit kailangan niyang maghanap-buhay. At noong 1907 lamang, nagawa ni R. Koivu na ipagpatuloy ang pag-aaral ng pagpipinta sa paaralan ng pagguhit ng lipunan ng Finnish ng mga mahilig sa sining.

Doon siya ay isang estudyante ng Huto Simberg, may-akda ng sikat na "Wounded Angel". Namana ni H. Simberg sa gurong si Gallen-Kallela ang paniniwala sa pantasya at mystical power ng kalikasan. Nag-aral noon si Rudolf Koivu sa Paris noong 1914, at noong 1924 sa Italya. Pagbalik sa Finland, sumali siya sa "Pangkat ng Nobyembre" ng bilog ng mga artista, ngunit nanatiling tapat sa makatotohanang paraan at pininturahan ang kanyang mga landscape sa isang pinigilan, kalmadong istilo ng impresyonismo. Higit na mas makabuluhan kaysa sa isang pintor-pintor, si Koivu ay isang draftsman at illustrator.

Nagpapakita ng hindi pangkaraniwang buhay na buhay at matingkad na imahinasyon, inilarawan niya ang dose-dosenang mga fairy-tale na libro, kabilang ang Finnish Topelius "Reading to Children", German - "Tales of the Brothers Grimm", Arabic fairy tale na "One Thousand and One Nights of Scheheraz", atbp. Nasiyahan si Koivu sa paglalarawan ng mga pahayagan ng Pasko, kalendaryo ng Finnish at iba pang mga publikasyon, na nagpapaunlad sa kanyang sarili, malinaw na nakakuha ng impluwensya lalo na mula sa mga ilustrador na Ruso, isang bihirang mahusay na epektibo, pinalamutian nang maliwanag na istilo. Ang kanyang pagkamapagpatawa ay nagpapakita ng sarili bilang karagdagan sa mga fairy-tale na larawan at mga guhit, pati na rin sa mga cartoons na sikat sa kanyang mga kapanahon. Ang koleksyon (collection) ng kanyang mga painting at drawing ay lumabas, sa kasamaang-palad, pagkatapos ng kanyang kamatayan noong 1947.

Carl Allan Schulman (1863-1937)

Isang arkitekto, isang taong may maliwanag na talento at tadhana. Natanggap ni Karl Allan ang kanyang edukasyon sa arkitektura sa Finland, at sa panahon ng kanyang pag-aaral ay napuno siya ng mga makabagong ideya ng mga kabataang Finnish na modernista: E. Saarinen, G. Giselius, A. Lindren. Naakit siya sa mga ideya ng modernidad. Ang pagkakaroon ng walang natanggap na mga order sa bahay, ang batang arkitekto K.A. Nagtatrabaho si Shulman sa ibang bansa: sa Argentina, Germany, Holland, Sweden.

Sa kanyang pagbabalik sa kanyang tinubuang-bayan, nabigyan siya ng pagkakataong magtayo ng Khallila resort sa Karelian Isthmus. Ang tagumpay ng pagtatayo na ito ay nakakuha ng pansin sa kanya sa St. Noong 1901, ito ay nasa tapat ng simbahan ng icon ng Vladimir Mother of God. 88 arkitekto ang nakibahagi sa kompetisyon. Bilang resulta, ipinagkatiwala ng may-ari ng bahay, si Baron von Besser, ang pagtatayo kay Schulman. Pinalamutian ng anim na palapag na Art Nouveau building ang parisukat na may kakaibang lasa. Ang mga ibabang palapag ay bukas na may malalaking bukana ng mga display window.

At sa mga itaas na palapag ay mayroong isang hindi pangkaraniwang gallery, sa itaas ng gitna kung saan mayroong isang turret na katulad ng helmet ng isang bayani. Ang mga detalye ng bato ng gusali ay gawa sa Finnish potting stone. Nagbibigay ang mga ito ng tipikal na Art Nouveau pattern ng ornament na naglalarawan ng mga halaman at hayop. Sa itaas ng pasukan - ang coat of arm ng may-ari - Baron von Besser. Sa simula ng ika-20 siglo, makikita sa bahay na ito ang reception room ng imperial chancellery, gayundin ang House of Labor for Women. Ngayon ang bahay sa Vladimirskaya ay muling itinatayo. Ito ay magiging bahagi ng Vladimirsky Passage shopping center.

Ang bahay sa Vladimirskaya ay ang tanging gusali sa St. Petersburg ng isa sa mga tagapagtatag ng Finnish na paaralan ng Northern Art Nouveau, na kalaunan ay naging laganap sa hilagang kabisera.

Pagkatapos ito ay kinakatawan at binuo ng mga arkitekto ng St. Petersburg: FLidval, N.V. Vasiliev, A.F. Bubyr. Tulad ng para kay K. Shulman, nagtrabaho siya ng maraming taon bilang isang arkitekto ng probinsiya sa Vyborg, kung saan lumikha siya ng 10 multi-storey na gusali sa istilong Northern Art Nouveau. Bilang karagdagan, si K.A. Shulman ay isang kilalang tao sa Union of Architects of Finland, kumilos bilang isang propesyonal na musikero-konduktor. Ang mga grupo ng koro sa ilalim ng kanyang pamumuno ay matagumpay na gumanap sa St. Petersburg, Finland at sa ibang bansa.

Odert Sebastian Gripenberg (1850-1939)

Gripenberg Odert Sebastian, arkitekto; Ipinanganak sa Kurkiyoki. Ang anak ng mayaman at marangal na mga magulang, si Odert ay nag-aral sa cadet school sa Hamina, at pagkatapos ay sa St. Petersburg Military Engineering Academy. Doon ay tumanggap siya ng pagsasanay sa pagtatayo ng militar, ngunit nagretiro mula sa hukbo noong 1875. Nagpasya siyang maging isang propesyonal na arkitekto. Sa panahong ito, lumitaw ang mga bagong paraan ng pagtatayo sa arkitektura ng St. Eclecticism - ang paggamit ng mga diskarte mula sa mga nakaraang panahon: Renaissance, Gothic, Baroque - ay pinagsama sa paghahanap para sa mga bagong pandekorasyon na detalye para sa pagproseso ng mga facade ng mga multi-storey na gusali. Ganito ang mga sikat na gusali ng A.K. Serebryakov, P.Yu. Suzor, A.E. Belogrud.

Noong 1878 ipinagtanggol ni Gripenberg ang kanyang diploma sa arkitektura sa Ecole Polytechnique, pagkatapos ay nag-aral siya sa Vienna. Noong 1879-87. nagtrabaho siya bilang isang arkitekto sa Helsinki. Ang kanyang mga unang gawa ay sumasalamin sa pananabik para sa Renaissance, at ang malinaw na impluwensya ng kanyang gurong si Shes-three. Sa hinaharap, ang pagnanais para sa isang binibigkas na malakas na pagkasira at paghahati ng dami ng gusali ay ipinahayag. Ang mga ito ay tulad ng mga gawa tulad ng gusali ng Society of Finnish Writers, ang First Business Center, pagkatapos ay ang lumang gusali na "Helsingin Sanomat", ang gusali ng Turku Savings Bank.

Noong 1887 siya ay hinirang na punong arkitekto ng Opisina ng Pampublikong Konstruksyon (Sibil), mula sa kung saan noong 1904 ay lumipat siya sa Senado bilang Direktor ng Kamara ng Komersiyo at Industriya.

Si Gripenberg ang pinuno ng lupon ng Finnish Theatre House Joint Stock Company at ang executive director sa paglikha ng National Theatre building, pati na rin ang chairman ng board of directors ng Pohjola insurance company. Ang OS Gripenberg ay ang unang tagapangulo ng Finnish club ng mga arkitekto noong 1892-1901, pati na rin ang isa sa mga tagapagtatag ng lipunan ng mga technician na nagsasalita ng Finnish.

Akseli Gallen-Kallela

Sammon puolustus (1896)

Mga guhit para sa Kalevala. " Sampo Defense«.

Sampo(palikpik. Sampo) - sa mitolohiyang Karelian-Finnish, isang kakaibang mahiwagang bagay na nagtataglay ng mga mahiwagang kapangyarihan at pinagmumulan ng kaligayahan, kasaganaan at kasaganaan. Sa epikong "Kalevala" ang lumikha nito na si Elias Lönnrot ay ipinakita ang Sampo bilang isang gilingan.

Hugo simberg

Halla (1895)

halla- ito hamog na nagyelo, kung naiintindihan ko nang tama, halimbawa, sa tag-araw sa gabi o sa madaling araw

Sa ganitong diwa, ang larawan ay naihatid nang maayos ang imahe.

Helene schjerfbeck

Toipilas (1888)

toipilas — bumabawi

Hugo simberg

Kuoleman puutarha —Hardin ng kamatayan

Mayroong ilang mga bersyon ng pagpipinta na ito, sa larawang ito ay isang fresco mula sa isang katedral sa Tampere.

Ang pagpipinta na ito ay inirerekomenda sa akin ng isang babaeng Finnish, nang mapansin ko na kahit papaano ay madilim ito kahit para sa madilim na mga Finns, sinagot niya ako ng mainit: "Ang mga kamatayan ay nag-aalaga ng mga bulaklak-mga tao sa gitna ng disyerto, at kapag sila ay napipilitang Putulin sila, ginagawa nila ito ng malumanay, na parang humihingi ng kapatawaran ..."

Hugo simberg

Haavoittunut enkeli -Sugatang anghel
(1903)

Ang balangkas ng larawan ay lumaganap laban sa isang makikilalang makasaysayang background: ang Eleintarha Park (literal na "zoo") at Töölö Bay sa Helsinki. Sa simula ng ika-20 siglo, ang parke ay isang tanyag na lugar ng libangan para sa mga kinatawan ng mga asul na kwelyo na trabaho, at ang mga institusyong pangkawanggawa ay matatagpuan din doon. Ang daan kung saan gumagalaw ang mga karakter ay nakaligtas hanggang sa araw na ito: ang prusisyon ay gumagalaw sa kahabaan nito patungo sa paaralan noon para sa mga bulag na babae at isang kanlungan para sa mga may kapansanan.

Ang pagpipinta ay naglalarawan ng dalawang batang lalaki na may bitbit na isang babaing anghel sa isang stretcher na may piring at may pakpak na dumudugo. Ang isa sa mga batang lalaki ay matamang nakatingin at malungkot nang direkta sa manonood, ang kanyang mga tingin ay nagpapahayag ng alinman sa pakikiramay para sa sugatang anghel, o paghamak. Ang background na landscape ay sadyang malupit at maramot, ngunit nagbibigay ng impresyon ng kalmado. Ang isang di-maliit na balangkas ay nagbubukas ng espasyo para sa malawak na hanay ng mga interpretasyon. Ang magaspang na damit at sapatos ng mga lalaki, ang kanilang nakasimangot na seryosong mga mukha ay ikinukumpara sa marupok na pigura ng isang anghel, na nakasuot ng magaan na damit, na nagpapahiwatig ng pagsalungat ng buhay at kamatayan, ang dugo sa pakpak ng anghel at ang piring ay tanda ng kahinaan at ephemerality ng pag-iral, ngunit hawak ng anghel sa kanyang kamay ang isang palumpon ng snowdrops ay isang simbolo ng muling pagsilang at pagbawi. Ang buhay dito ay tila malapit sa kamatayan. Ang isa sa mga batang lalaki ay lumingon sa madla, pinunit ang hermetic space ng larawan, at sa gayon ay nilinaw na ang mga isyu ng buhay at kamatayan ay direktang nauugnay sa kanila. Si Simberg mismo ay tumanggi na magbigay ng anumang interpretasyon ng The Wounded Angel, na iniiwan ang manonood na gumawa ng kanyang sariling mga konklusyon.

Ang pagpipinta ay nagkaroon ng malaking epekto sa kultura ng Finnish. Ang mga sanggunian dito ay matatagpuan sa maraming mga gawa ng mataas at sikat na sining. Ang video para sa kantang "Amaranth" ng Finnish metal band na Nightwish ay tumutugtog sa "Wounded Angel" tune.

Albert edelfelt

Pariisin Luxembourgin puistossa — Sa Luxembourg Gardens ng Paris.

Akseli Gallen-Kallela

Akka ja kissa — Matandang babae at pusa

Gallen-Kallela, sa pangkalahatan, lahat ng mga pagpipinta ay mga obra maestra, ito ay tunay na isang world-class na artista.

Ang larawang ito ay ipininta sa isang madiin na naturalistic na paraan, gayunpaman, sa kabila ng lahat ng walang palamuti, ito ay puno ng pakikiramay at pagmamahal para sa pinakasimple at pinakamahirap na tao.

Ang pagpipinta ay nakuha ng Turku Art Museum noong 1895 at matatagpuan pa rin doon.

salita akka Palagi akong nahihirapan sa pagsasalin - parehong "baba" at "lola".

Dito ay magpapakita ako ng kaunting lasa at magdagdag ng isa pang larawan. Helene schjerfbeck- sa Russian nabasa namin ang kanyang pangalan Helena Schjerfbeck.

At narito ang isang sinag ng liwanag at init.

Pagpinta noong 1882, Tanssiaiskengät —Mga sayaw na sapatos.

Ito na marahil ang pinakamalungkot na pelikulang Finnish kailanman. Hindi bababa sa aking opinyon.

Albert edelfelt

Lapsen ruumissaatto — Paglilibing ng isang bata(literal na Funeral procession ng bata)

Ito ang unang Finnish fine arts genre composition na ipininta sa labas. Ito ay naging, kumbaga, isang fragment ng totoong buhay na nakita at nakuha ng artista. Ang larawan ay nagsasabi tungkol sa kalungkutan ng tao. Inilarawan ni Edelfelt ang isang simpleng pamilya na may bitbit na maliit na kabaong sa isang bangka. Ang malupit na tanawin ay tumutugma sa mood ng mga tao na nakikita ang kanilang anak sa kanilang huling paglalakbay. Sa kanilang mga malungkot na mukha, pinipigilan ang mga paggalaw - solemne na kalungkutan, na sinasabayan ng puting hindi gumagalaw na ibabaw ng lawa, ang maliwanag na malamig na kalangitan, malayong mababang baybayin.

Nakuha siya ng The Child's Funeral ng titulong Academician, at ang piraso ay binili para sa isang pribadong koleksyon sa Moscow. Kasabay nito, isang personal na eksibisyon ang inayos sa Tsarskoe Selo, at ipinakita si Edelfelt kina Alexander III at Maria Fedorovna, na mahilig din sa pagpipinta.

Ang pagiging malapit ng artist sa korte ay nakatulong sa katanyagan ng Finnish painting sa Russia. Masasabi nating isa si Edelfelt sa mga nakatuklas ng sining ng Finland para sa Russia.

Noong 1907, ang pagpipinta ay bumalik sa Finland at ngayon ay nasa Ateneum Museum, Helsinki.

Gayundin, sa aking sariling ngalan, papayagan kitang tandaan na ang larawang ito ay napakatumpak na naghahatid ng saloobin ng mga Finns sa kamatayan (na, sayang, ay isang bahagi, ang huling bahagi, ng anumang buhay). Ito ay napakahigpit at pinigilan, dito, masyadong, may pagkakaiba mula sa mga Ruso. Ngunit ang kalubhaan at pagpipigil na ito ay hindi nangangahulugan ng kanilang kawalang-damdamin, ito lamang na ang mga Finns ay nagdadala ng lahat ng ito nang malalim sa kanilang sarili. Mas malalim kaysa sa ating mga Ruso. Ngunit ang kalungkutan mula dito ay hindi tumitigil sa kalungkutan para sa kanila.

Pekka Halonen

Tienraivaajia Karjalassa — Mga gumagawa ng kalsada sa Karelia.

Sa literal, ito ay magiging "mga taga-alis ng kalsada sa Karelia."

raivata- magandang pandiwa: linisin ang daan
Hindi ko alam kung may pagkakatulad siya sa salita raivo — galit, galit

Ngunit sa pagtingin sa larawang ito, maaaring ipagpalagay na oo.

Mayroong isa pang tampok ng mga Finns sa larawan - sa kasaysayan kailangan nilang manirahan sa isang labis na hindi kanais-nais na likas na kapaligiran, iyon ay, kung minsan ay mabangis na ipaglaban ang kanilang pag-iral, kaya, marahil, ito ang pagtitiyaga na ipinapakita nila sa trabaho. at kahirapan. At least ganyan ang nangyari dati.

Hugo simberg

Ang isa pang pagpipinta ni Hugo Simberg ay “ Pangarap«.

Si Simberg ay nararapat na niraranggo sa mga Symbolists, ang kanyang mga kuwadro ay lubos na bukas sa interpretasyon at interpretasyon.

At kasabay nito, palaging mayroong isang bagay na napaka-nasyonal sa kanyang mga pagpipinta.

Akseli Gallen-Kallela

Poika ja varis — Batang lalaki at uwak.

(1884) Sa personal, sa pamamagitan ng paraan, ang mga may sapat na gulang lamang ang natutunan iyon Uwak (varis), medyo nagsasalita, hindi isang asawa / babae Uwak (korppi). Sa katunayan, ang gayong pagkalito ay nangyayari sa kabutihang-palad lamang sa wikang Ruso. Halimbawa, sa Ukrainian, ang isang uwak ay "crook", at isang uwak, kaya ito ay magiging "uwak". Sa Ingles, ang salitang uwak ay "uwak", at ang uwak ay tinatawag na "uwak".

Ang pagpipinta ay nasa Athenaeum na ngayon.

Akseli Gallen-Kallela.

Lemminkäisen äiti — Ang ina ni Lemminkäinen.
(1897)

Ang pagpipinta ay nasa Athenaeum, Helsinki.

Ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang eksena mula sa Kalevala kung saan si Lemminkäinen ay pinatay at pinaghiwa-hiwalay at ang mga bahagi ng katawan ay itinapon sa isang madilim na ilog, Tuonela. Kinuha ng ina ng bayani na may kalaykay ang mga bahagi ng katawan ng kanyang anak, at tinahi ito sa isang buo. Sa larawan, naghihintay siya ng isang bubuyog - samakatuwid siya ay tumingala - na magdadala ng magic honey mula sa senior god na si Ukko, na dapat muling buhayin si Lemminkäinen.

Permanenteng eksibisyon ng Athenaeum Museum sumasakop sa ikatlong palapag ng gusali (may mga maliliit na pampakay na eksposisyon ay nakaayos din doon), at ang mga pansamantalang eksibisyon ay gaganapin sa ikalawang palapag (floor plans). Sa post na ito sasabihin namin sa iyo ang tungkol sa ilan sa mga pinaka-kawili-wili at sikat na mga painting at eskultura sa koleksyon ng Athenaeum, pati na rin ang kanilang mga may-akda: ang sikat Pintor at iskultor ng Finnish. Matuto pa tungkol sa kasaysayan ng Athenaeum Museum at sa arkitektura ng gusali ng museo mababasa. Nagbibigay din ito ng kapaki-pakinabang na impormasyon tungkol sa mga presyo ng tiket, oras ng pagbubukas at ang pamamaraan para sa pagbisita sa Athenaeum Museum. Pansin: hindi laging posible na makita ang lahat ng mga sikat na gawa sa isang museo sa parehong oras.

Mga iskultor ng Finnish

Simulan natin ang ating paglalakad sa Athenaeum Museum mula mismo sa pasukan.

Sa lobby ay sinalubong kami ng isang marble group " Apollo at Marsyas"(1874) ng sikat na Finnish sculptor Walter Runeberg (Walter magnus runeberg) (1838-1920), may-akda ng mga monumento kina Johan Runeberg at Emperador Alexander II sa Helsinki. Ang ama ng iskultor, ang makata na si Johan Runeberg, isang kinatawan ng pambansang-romantikong kalakaran sa panitikan, ay nagpakilala ng mga mithiin ng sibilisasyong Griyego at Romano sa kulturang Finnish, kabilang ang halaga ng katapangan at debosyon. Ang kanyang anak na lalaki ay nagpatuloy sa pagpapahayag ng mga ideyal na ito, ngunit sa pagkakataong ito sa pamamagitan ng iskultura. Noong 1858-62. Si Walter Runeberg ay nag-aral sa Copenhagen sa Academy of Arts sa ilalim ng patnubay ng Danish na iskultor na si Hermann Wilhelm Biessen, isang estudyante ng sikat na Thorvaldsen, isang internasyonal na kinikilalang master ng neoclassical sculpture. Noong 1862-1876. Nagtrabaho si Runeberg sa Roma habang patuloy na pinag-aaralan ang klasikal na pamana.

Sa grupong ito ng eskultura, inilalarawan ni Runeberg ang diyos ng liwanag na si Apollo, na sumakop sa kanyang sining ang satyr Marsyas, na nagpapakilala sa kadiliman at kamunduhan. Ang pigura ng Apollo ay ginawa sa diwa ng mga sinaunang mithiin, habang ang imaheng ito ay malinaw na sinasalungat ng baroque-wild shepherd na si Marsyas. Ang komposisyon ay orihinal na inilaan upang palamutihan ang bagong Student House sa Helsinki at kinomisyon ng lipunan ng kababaihan, ngunit pagkatapos ay ang mga kababaihan, tila, ay nagpasya na mayroong maraming kahubaran sa eskultura ni Runeberg. Sa isang paraan o iba pa, sa huli, ang gawain ay ipinakita bilang isang regalo sa Art Society of Finland - at sa gayon ito ay naging sa koleksyon ng Ateneum Museum.

Sa pasukan sa mga pangunahing bulwagan ng eksibisyon ng Ateneum sa ikatlong palapag, makikita mo ang ilang mas kawili-wiling mga gawa Mga iskultor ng Finnish... Lalo na kaakit-akit ang mga eskultura ng marmol at tanso, magagandang pigurin at mga plorera ng trabaho. Ville Wallgrena (Ville vallgren) (1855–1940).Ville Wallgren ay isa sa mga unang Finnish sculptor na, pagkatapos makatanggap ng pangunahing edukasyon sa Finland, nagpasya na ipagpatuloy ang kanilang pag-aaral hindi sa Copenhagen, ngunit sa Paris. Ang kanyang pinili ay naimpluwensyahan ng sikat na pintor na si Albert Edelfelt, na tubong Porvoo din. Tinulungan ni Edelfelt ang mapusok na kababayan sa ibang buhay at propesyonal na mga bagay: halimbawa, sa tulong niya na nakatanggap si Vallgren ng utos para sa pagpapatupad ng sikat na Havis Amanda fountain (1908) sa Esplanade Boulevard.

Ville Wallgren, na nanirahan sa France sa loob ng halos 40 taon, ay kilala sa kanyang mga sensual na babae sa istilong art nouveau... Gayunpaman, sa isang maagang yugto ng kanyang trabaho, madalas niyang inilalarawan ang mga kabataang lalaki at sumunod sa isang mas klasikal na istilo (mga halimbawa ay mga mala-tula na eskultura ng marmol " Echo"(1887) at" Batang lalaki na naglalaro ng alimango"(1884), kung saan ikinonekta ni Wallgren ang mga karakter ng tao at ang natural na mundo).

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, nakamit ni Ville Vallgren ang katanyagan sa buong mundo bilang isang kahanga-hangang master ng mga pandekorasyon na pigurin, pati na rin ang mga plorera, burial urn at teardrop-cases, na pinalamutian ng mga pigura ng mga nagdadalamhating batang babae-nagluluksa. Ngunit sa hindi gaanong nakakumbinsi na bon vivant, ipinakita rin ni Wallgren ang kagalakan ng buhay, kabilang ang mga malalandi at mapang-akit na kababaihan tulad ni Havis Amanda. Bilang karagdagan sa nabanggit na iskultura na "Boy Playing with a Crab" (1884), sa ikatlong palapag ng Athenaeum Museum ay makikita mo. gawang tanso ni Ville Wallgren: "Patak ng luha" (1894), "Spring (Renaissance)" (1895), "Dalawang kabataan" (1893) at isang plorera (c. 1894). Ang mga katangi-tanging gawa na ito na may perpektong naayos na mga detalye ay maliit sa sukat, ngunit gumawa sila ng isang malakas na emosyonal na impresyon at naaalala para sa kanilang kagandahan.

Malayo na ang narating ni Ville Wallgren tungo sa karera bilang isang iskultor, ngunit nang mahanap niya ang sarili niyang direksyon at humingi ng suporta ng mga propesyonal, naging isa siya sa mga pinakarespetado at kinikilalang mga artista sa buong kasaysayan. sining ng Finnish... Halimbawa, siya lamang ang Finn na nakatanggap ng "Grand Prix" na medalya para sa kanyang trabaho sa World Exhibition sa Paris (nangyari ito noong 1900). Unang naakit ni Wallgren ang atensyon ng mga kasamahan at kritiko noong 1889 World's Fair, kung saan ipinakita ang kanyang Christ relief. Muli, pinag-uusapan ng Finnish sculptor ang kanyang sarili sa mga Symbolist Paris salon Rose + Croix noong 1892 at 1893. Ang asawa ni Wallgren ay isang Swedish artist at sculptor na si Antoinette Roström ( Antoinette råström) (1858-1911).

Ang Ginintuang Panahon ng Finnish Art: Albert Edelfelt, Akseli Gallen-Kallela, Eero Jarnefelt, Pekka Halonen

Sa isa sa pinakamalaking bulwagan sa ikatlong palapag Museo ng Athenaeum nagtatanghal ng mga klasikong pagpipinta, kabilang ang gawa ng kaibigan ni Ville Vallgren - Albert Edelfelt (Albert edelfelt) (1854-1905), ang pinakakilala sa mundo pintor ng Finnish.

Ang atensyon ng madla ay kinakailangang maakit ng larawan ng engkanto " Reyna Blanca”(1877) - isa sa pinakasikat at minamahal na mga pagpipinta sa Finland, isang tunay na himno sa pagiging ina. Ang mga nakalimbag na reproduksyon at pagbuburda ng pagpipinta na ito ay matatagpuan sa libu-libong tahanan sa buong bansa. Ang pinagmulan ng inspirasyon para kay Edelfelt ay ang kuwento ni Zacharias Topelius "The Nine Silversmiths" ( De nio silverpenningarna), kung saan ang medieval na reyna ng Sweden at Norway na si Blanca ng Namur ay nagbibigay-aliw sa kanyang anak, si Prince Hakon Magnusson, ang magiging asawa ni Margaret I ng Denmark, na may mga kanta. Ang resulta ng kasal na ito, organisado nang makatarungan Reyna Blanca, naging unyon ng Sweden, Norway at Denmark - Kalmar Union (1397-1453). Kinakanta ni Pretty Blanca ang lahat ng mga kaganapang ito sa hinaharap sa kanyang maliit na anak.

Sa panahon ng paglikha ng canvas na ito, ang makasaysayang pagpipinta ay itinuturing na pinaka marangal na anyo ng sining at hinihiling ng mga edukadong strata ng lipunang Finnish, dahil ang pambansang pagkakakilanlan sa oras na iyon ay nagsisimula pa lamang na mabuo. Si Albert Edelfelt ay 22 taong gulang lamang nang magpasya siyang lumikha ng isang pagpipinta sa tema ng medieval na kasaysayan ng Scandinavian, at ang "Queen Blanca" ay naging kanyang unang seryosong gawain. Hinangad ng pintor na matugunan ang mga inaasahan ng kanyang mga tao at isama ang makasaysayang eksena nang matingkad at tunay hangga't maaari (sa oras ng pagsulat ng pagpipinta, si Edelfelt ay nanirahan sa isang masikip na attic sa Paris at, sa pagpilit ng kanyang guro na si Jean-Léon Si Jerome, pinag-aralan ang mga kasuotan noong panahong iyon, nagbasa ng mga libro tungkol sa medieval na arkitektura at kasangkapan, at binisita ang medieval na Cluny Museum). Tingnan ang kasanayan kung saan ipininta ang makinang na sutla ng damit ng reyna, balat ng oso sa sahig, at marami pang ibang detalye (sinadya ng pintor ang pagrenta ng balat ng oso sa isang department store). Ngunit ang pangunahing bagay sa larawan, hindi bababa sa para sa modernong manonood (at para sa Edelfelt mismo, na mahal ang kanyang ina nang higit sa sinuman sa mundo), ay nananatiling mainit na emosyonal na nilalaman nito: ang mukha ng ina at ang mga kilos ng bata na nagpapahayag ng pagmamahal, kagalakan at pagiging malapit.

Isang magandang 18-taong-gulang na babaeng Paris ang nagsilbi bilang isang modelo para kay Queen Blanca, at isang magandang batang Italyano ang nag-pose para sa prinsipe. Pagpinta "Queen Blanca" ay unang ipinakita sa publiko noong 1877 sa Paris Salon, ay isang mahusay na tagumpay at na-replicated sa French art publication. Pagkatapos ay ipinakita ito sa Finland, pagkatapos nito ay naibenta ang canvas sa Aurora Karamzina. Kasunod nito, ang pagpipinta ay natapos sa koleksyon ng tycoon na si Hjalmar Linder, na nag-donate nito ang Athenaeum Museum noong 1920.

Isa pang halimbawa ng maagang pagkamalikhain Albert Edelfelt sa Athenaeum Museum mayroong isang malungkot na pagpipinta " Paglilibing ng isang bata"(" Transportasyon ng kabaong ") (1879). Nasabi na natin na sa kanyang kabataan ay sinadya ni Edelfelt na maging isang makasaysayang pintor; para dito inihanda niya ang kanyang sarili habang nag-aaral sa Antwerp, at pagkatapos ay sa Paris. Ngunit sa pagtatapos ng 1870s, nagbago ang kanyang mga mithiin, naging kaibigan niya ang Pranses na artista na si Bastien-Lepage at naging isang mangangaral ng plein air painting. Susunod na gawain Edelfelt ay isa nang makatotohanang repleksyon ng buhay magsasaka at pamumuhay ng kanilang sariling lupain. Ngunit ang The Funeral of a Child ay hindi lamang sumasalamin sa isang eksena mula sa pang-araw-araw na buhay: ito ay naghahatid ng isa sa mga pangunahing damdamin ng tao - kalungkutan.

Noong taong iyon, unang binisita ni Edelfelt ang isang dacha na inuupahan ng kanyang ina sa Haikko estate malapit sa Porvoo (kalaunan ang artista ay pumunta sa mga magagandang lugar na ito tuwing tag-araw). Ang pagpipinta ay ganap na pininturahan sa bukas na hangin, kung saan ang isang malaking canvas ay kailangang ikabit sa mga bato sa baybayin upang hindi ito lumipad sa hangin. "Hindi ko naisip na napakahirap magpinta sa labas," sabi ni Edelfelt sa isa sa kanyang mga kaibigan. Si Edelfelt ay nag-sketch ng mga namuong mukha ng mga naninirahan sa Porvoo archipelago, pumunta sa dagat kasama ang mga mangingisda nang higit sa isang beses, at kahit na espesyal na nag-set up ng sawn fishing boat sa kanyang workshop para sa tumpak na pagpaparami ng mga detalye. Edelfelt painting « Ang Funeral of a Child "ay ipinakita sa Paris Salon noong 1880 at ginawaran ng 3rd degree na medalya (sa unang pagkakataon pintor ng finnish nakatanggap ng ganitong karangalan). Napansin ng mga kritiko ng Pransya ang iba't ibang mga merito ng larawan, kabilang ang katotohanan na ito ay wala ng labis na sentimentalidad, ngunit sumasalamin sa dignidad kung saan tinatanggap ng mga karakter ang hindi maiiwasan.

Ang larawan ay napuno ng isang ganap na naiiba, maaraw at walang malasakit na kalooban Albert Edelfelt « Hardin ng Luxembourg"(1887). Nang isulat ni Edelfelt ang canvas na ito, isa na siyang sikat na pigura sa mundo ng sining ng Paris. Dahil nabighani sa mga parke ng Paris na may maraming mga bata at yaya na tinatangkilik ang magandang panahon, nagpasya siyang kunin ang kagandahang ito. Sa oras na iyon, ang pintor ay nanirahan na sa Paris nang higit sa sampung taon, at nakakapagtaka pa na ang pagpipinta na ito ay ang kanyang pangunahing gawain na naglalarawan sa buhay ng Paris. Marahil ito ay dahil sa matinding kumpetisyon sa mga artista: sa kapaligirang ito ay mas madaling tumayo sa pamamagitan ng pagtatrabaho sa mas "kakaibang" mga paksang Finnish. Ang pagpipinta na "Luxembourg Gardens" ay hindi pangkaraniwan dahil dito ginamit ni Edelfelt ang marami sa mga pamamaraan ng impresyonismo. Kasabay nito, hindi tulad ng mga Impresyonista, nagtrabaho siya sa canvas na ito nang higit sa isang taon, kapwa sa bukas na hangin at sa pagawaan. Ang trabaho ay madalas na pinabagal para sa mga walang kabuluhang dahilan: masamang panahon o huli na mga modelo. Ang mapanuri sa sarili na si Edelfelt ay paulit-ulit na muling ginawa ang canvas, gumawa ng mga pagbabago hanggang sa huling sandali, kung kailan oras na upang dalhin ang gawain sa eksibisyon.

Ang pagpipinta ay unang ipinakita sa isang eksibisyon sa Galerie petit noong Mayo 1887. Si Edelfelt mismo ay hindi nasiyahan sa resulta: laban sa background ng mga pagsabog ng kulay sa mga kuwadro na gawa ng mga impresyonista ng Pransya, ang kanyang canvas ay tumingin, na tila sa kanya, anemic, "likido". Gayunpaman, ang gawain ay tinanggap ng mabuti ng mga kritiko at ng publiko. Kasunod nito, ang pagpipinta na ito ay naging isang uri ng simbolo ng malapit na ugnayan ng Finnish art - at Edelfelt sa partikular - kasama ang Paris, na sa oras na iyon ay ang sentro ng artistikong uniberso.

Ang larawan" Babae sa simbahan sa Ruokolahti"(1887) Albert Edelfelt sumulat sa kanyang summer workshop sa Haikko - doon niya nilikha ang halos lahat ng kanyang mga gawa sa tema ng katutubong buhay. Kahit na ang pagpipinta ay sumasalamin sa mga impresyon ng isang paglalakbay sa Silangang Finland, ito ay kilala na ang mga modelo para sa pagpipinta ay mga kababaihan mula sa Haikko (mga larawan ng mga ito na nagpapanggap kay Edelfelt sa kanyang studio ay nakaligtas). Tulad ng iba pang mga pangunahing komposisyon, ang isang ito ay hindi nilikha nang magdamag; ang mga maingat na paunang sketch ay palaging ginagawa. Gayunpaman, ang pangunahing layunin ng artist ay palaging upang makamit ang isang kusang, matingkad na "snapshot" na epekto.

Kasama ang mga gawa ni Albert Edelfelt sa Ateneum, makikita mo ang mga pagpipinta ng isa pang kinatawan ng ginintuang panahon ng sining ng Finnish, Eero Jarnefelt (Eero järnefelt) (1863-1937). Matapos makumpleto ang kanyang pag-aaral sa Finland, pumunta si Jarnefelt sa Saint Petersburg kung saan siya nag-aral Academy of Arts kasama ang kanyang tiyuhin na si Mikhail Klodt, naging malapit kina Repin at Korovin, at pagkatapos ay nagpatuloy sa kanyang pag-aaral sa Paris. Sa kabila ng mga dayuhang impluwensya, ang gawain ni Jarnefelt ay sumasalamin sa paghahanap ng pambansang pagkakakilanlan, ang pagnanais na bigyang-diin ang kakaibang katangian ng katutubong kultura ( higit pa tungkol sa pagkamalikhain Eero Jarnefelt basahin ).

Si Jarnefelt ay kilala bilang isang pintor ng portrait at may-akda ng mga maringal na tanawin ng Koli area at sa paligid ng Lake Tuusulanjärvi, kung saan matatagpuan ang kanyang villa-studio na Suviranta (sa tabi ng bahay ng Ainola, kung saan nakatira ang kompositor na si Sibelius kasama ang kanyang asawang si Järnefelt's. kapatid na babae).

Ngunit ang pinakamahalaga at sikat na gawa ni Eero Jarnefelt ay walang alinlangan ang pagpipinta "Sa ilalim ng Pamatok" ("Pagsunog sa Kagubatan")(1893) (iba pang variant ng pangalan - " Baluktot sa likod para sa pera», « Sapilitang paggawa"). Ang plot ng canvas ay konektado sa sinaunang paraan ng pagsasaka, na binubuo sa pagsunog ng kahoy upang makakuha ng maaarabong lupa (ang tinatawag na slash-and-burn agriculture). Ang pagpipinta ay nilikha noong tag-araw ng 1893 sa isang bukid Rannan Puurula sa bayan ng Lapinlahti, sa rehiyon ng North Savo. Sa taong iyon, sinira ng hamog na nagyelo ang ani sa pangalawang pagkakataon. Nagtrabaho si Jarnefelt sa bukid ng isang mayamang pamilya at napagmasdan niya ang malupit na pamumuhay at mga kalagayan sa pagtatrabaho ng mga manggagawang walang lupa na binabayaran lamang para sa kanilang trabaho kung maganda ang ani. Kasabay nito, gumawa si Järnefelt ng mga sketch ng isang nasusunog na landscape ng kagubatan, pinag-aralan ang pag-uugali ng apoy at usok, at nag-film din ng mga taganayon, na kalaunan ay naging mga bida ng kanyang mga pagpipinta.

Isang character lang sa larawan ang direktang nakatingin sa manonood: ito ay isang batang babae na pansamantalang naantala ang kanyang trabaho at tumingin sa amin na may ekspresyon ng panunuya. Ang kanyang tiyan ay namamaga sa gutom, ang kanyang mukha at damit ay naitim na may uling, at sa paligid ng kanyang ulo si Jarnefelt ay gumawa ng parang halo na usok. Ipininta ng pintor ang larawang ito mula sa isang 14 na taong gulang na batang babae na nagngangalang Johanna Kokkonen ( Johanna kokkonen), mga katulong sa bukid. Ang lalaki sa harapan ay si Heikki Puurunen ( Heikki Puurunen), kapatid ng magsasaka, kasama ang may-ari ng bukid sa likuran.

Kung titingnan mo ang larawan, literal na mararamdaman mo ang init ng apoy, maririnig mo ang pigil na ingay ng apoy at ang langutngot ng mga sanga. Ang larawan ay may ilang mga interpretasyon, ngunit ang pangunahing kahulugan nito ay nakikita bilang malupit na pagpuna sa mga inaaping mamamayan. Ang batang babae sa larawan ay naging isang pangkalahatang imahe ng lahat ng mahihirap at nagugutom na mga bata, lahat ng mga taong mahihirap sa Finland. Ang canvas ay unang ipinakita sa publiko noong 1897.

Isang buong malaking hall sa loob ang Athenaeum Museum nakatuon sa gawain ng isa pang sikat na kinatawan ng ginintuang edad ng Finnish fine arts - Axeli Gallen-Kallela (Akseli Gallen-Kallela) (1865-1931). Tulad ng iba pang mga pangunahing pintor ng Finnish noong panahong iyon, nag-aral siya sa. Nakatanggap ng espesyal na atensyon si Gallen-Kallela mula sa publiko ng Paris noong 1900 World's Fair, nang gumawa siya ng maraming fresco para sa Finnish pavilion batay sa Finnish epic na Kalevala.

Sa panahon ng pagsasanay sa Paris Madalas i-sketch ni Gallen-Kallela ang mga eksenang napansin niya sa mga lansangan at sa mga cafe. Ang isang halimbawa ng pagkamalikhain ng panahong ito ay ang pagpipinta "Hubad" ("Walang maskara") (Démasquee ) (1888) - halos ang tanging erotikong pagpipinta sa gawa ni Gallen-Kallela. Nabatid na ito ay nilikha ng isang 23-taong-gulang na artista na kinomisyon ng kolektor at benefactor ng Finnish na si Fridtjof Antell, na gustong magdagdag sa kanyang koleksyon ng mga tahasang sekswal na pagpipinta. Gayunpaman, nang makita ni Antell ang canvas, tumanggi siyang kunin ito, tila, isinasaalang-alang ang larawan na masyadong malaswa kahit para sa kanyang panlasa.

Ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang hubad na babaeng Parisian (tila isang prostitute), na nakaupo sa studio ng artist sa isang sofa na natatakpan ng tradisyonal na Finnish na karpet. Ang larawan ay nagbibigay ng ideya ng bohemian na pamumuhay, ngunit sa parehong oras ay nagpapahiwatig na ang kanyang kagalakan ay puno ng kamatayan, pagkahulog. Ang artist ay naglalarawan ng isang liryo na sumasagisag sa kawalang-kasalanan, na kung saan ay kaibahan sa isang masigasig na sensual na modelo at isang gitara, na ang hugis ay higit na nagpapaganda sa erotikong sensasyon. Ang babae ay mukhang seductive at nakakatakot at the same time. Crucifix, Buddha statue at lumang Finnish carpet ruyu, na itinatanghal sa tabi ng mayabang na babaeng laman, pahiwatig ng paglapastangan sa santo. Isang bungo ang nakangisi sa mesa sa background - isang madalas na elemento sa mga pagpipinta ng genre ng Vanitas, na nagpapaalala sa manonood ng kahinaan ng makalupang kasiyahan at ang hindi maiiwasang kamatayan. Canvas Démasquee ay unang ipinakita sa ang Athenaeum Museum noong 1893.

Marami sa ibang pagkakataon ay gumagana Gallena-Kallela nakatuon sa "Kalevala"... Kapag inilalarawan ang mga bayani ng Finnish na epiko bilang Väinämöinen at Lemminkäinen, ang artist ay gumagamit ng isang espesyal na istilo, matigas at nagpapahayag, puno ng walang katulad na maliliwanag na kulay at naka-istilong palamuti. Mula sa siklo na ito, nararapat na tandaan ang kamangha-manghang larawan " Ang ina ni Lemminkäinen"(1897). Bagama't ang larawan ay isang paglalarawan sa epiko, mayroon itong mas pandaigdigan, unibersal na tunog at maaaring ituring na isang uri ng hilagang Pieta. Ang nakakatusok na awiting ito ng pagmamahal sa ina ay isa sa pinakakahanga-hangang Gallen-Kallela Kalevala».

Ang ina ni Lemminkäinen- isang masayang lalaki, isang matalinong mangangaso at manliligaw ng mga babae - natagpuan ang kanyang anak sa itim na ilog ng Kamatayan (Tuonela River), kung saan sinubukan niyang barilin ang isang sagradong sisne. Ang isang swan ay inilalarawan sa madilim na tubig sa background, at ang mga bungo at buto ay nakakalat sa mabatong baybayin at ang mga bulaklak ng kamatayan ay umusbong. Sa "Kalevala" ay ikinuwento kung paano sinuklay ng isang ina ang tubig gamit ang isang mahabang kalaykay, inilabas ang lahat ng mga piraso at muling tinupi ang kanyang anak mula sa mga ito. Sa tulong ng mga spells at ointment, binuhay niya ang Lemminkäinen. Inilalarawan ng pagpipinta ang sandali bago ang muling pagkabuhay. Tila wala na ang lahat, ngunit ang sinag ng araw ay tumagos sa kaharian ng mga patay, na nagbibigay ng pag-asa, at ang bubuyog ay nagdadala ng nagbibigay-buhay na banal na balsamo para sa muling pagkabuhay ng bayani. Ang madilim at naka-mute na mga kulay ay nagpapaganda ng pakiramdam ng katahimikan ng underworld na ito, habang ang matinding dugo-pulang lumot sa mga bato, ang nakamamatay na maputlang puti ng mga halaman at balat ng Lemminkäinen ay kaibahan sa banal na ginintuang kulay ng bubuyog at ang mga sinag na bumubuhos mula sa langit. .

Para sa larawang ito, ang kanyang sariling ina ay nag-pose para sa artista. Nagawa niyang lumikha ng isang napaka-makatotohanang imahe na may isang buhay na buhay, tense na hitsura (ito ay isang tunay na damdamin: Gallen-Kallela ay partikular na nagsalita sa kanyang ina tungkol sa isang bagay na malungkot, na naging sanhi ng kanyang pag-iyak). Kasabay nito, ang pagpipinta ay naiiba sa stylization, na nagpapahintulot sa iyo na lumikha ng isang espesyal na mythical na kapaligiran, ang pakiramdam na ang mga kaganapan ay nagaganap "sa kabilang panig" ng katotohanan. Upang mapahusay ang emosyonal na epekto, gumamit si Gallen-Kallela ng tempera sa halip na mga pintura ng langis. Ang mga pinasimpleng hugis, malulutong na mga balangkas ng hugis, at malalaking kulay na eroplano ay nakakatulong na lumikha ng mahusay na komposisyon. Upang mas maiparating ang madilim na kalagayan ng pagpipinta, inayos ng pintor ang isang ganap na itim na silid sa kanyang studio house sa Ruovesi, ang tanging pinagmumulan ng pag-iilaw kung saan ang skylight. Bilang karagdagan, kinunan niya ang kanyang sarili na hubo't hubad sa sahig at ginamit ang mga litratong ito nang ipininta niya ang pigura ni Lemminkäinen.

Ang Gallen-Kallela triptych " Ang Alamat ni Aino"(1891). Ang komposisyon ay nakatuon sa kuwento mula sa "Kalevala" tungkol sa batang babae na si Aino at sa matandang pantas na si Väinämöinen. Si Aino, sa pamamagitan ng desisyon ng kanyang mga magulang, ay ibibigay sa kasal kay Väinämöinen, ngunit siya ay nakatakas mula sa kanya, mas piniling lunurin ang sarili. Ang kaliwang bahagi ng triptych ay nagpapakita ng unang pagkikita ng isang matandang lalaki at isang batang babae na nakasuot ng tradisyonal na Karelian na kasuotan sa kagubatan, at sa kanan ay makikita natin ang malungkot na Aino. Naghahanda na itapon ang sarili sa tubig, umiiyak siya sa dalampasigan, nakikinig sa mga tawag ng mga dalagang dagat na naglalaro sa tubig. Sa wakas, ang gitnang panel ay naglalarawan sa pagtatapos ng kuwento: Si Väinämöinen ay sumakay sa isang bangka patungo sa dagat at nagtungo sa pangingisda. Nang mahuli ang isang maliit na isda, hindi niya nakilala ang batang babae na nalunod sa kanyang kasalanan, at itinapon ang isda pabalik sa tubig. Ngunit sa sandaling ito ang isda ay nagiging Aino - isang sirena na tumatawa sa matanda na nami-miss siya at saka tuluyang mawawala sa alon.

Maagang 1890s Gallen-Kallela ay isang tagasuporta ng naturalismo, at talagang kailangan niya ng mga tunay na modelo para sa lahat ng mga pigura at bagay sa larawan. Kaya, para sa imahe ni Väinämöinen kasama ang kanyang mahabang magandang balbas, isang residente ng isa sa mga nayon ng Karelian ang nag-pose para sa artist. Bilang karagdagan, pinatuyo ng artista ang mga perches upang makamit ang pinakatumpak na imahe ng isda na natakot ng matanda. Maging ang pilak na pulseras na kumikinang sa kamay ni Aino ay umiral sa katotohanan: Inihandog ni Gallen-Kallela ang alahas na ito sa kanyang batang asawang si Mary. Halatang nagsilbi siyang modelo para kay Aino. Ang mga landscape para sa triptych ay sketch ng artist sa kanyang honeymoon sa Karelia.

Ang komposisyon ay naka-frame sa pamamagitan ng isang kahoy na frame na may mga burloloy at mga panipi mula sa Kalevala, na isinulat mismo ni Gallen-Kallela. Ang triptych na ito ang naging panimulang punto ng kilusan pambansang romantikismo sa Finland- Finnish na bersyon ng Art Nouveau. Ginawa ng pintor ang unang bersyon ng pagpipinta na ito sa Paris noong 1888-89. (ngayon ito ay kabilang sa Bank of Finland). Noong unang ipinakita ang pagpipinta sa Helsinki, binati ito nang may malaking sigasig, at nagpasya ang Senado na mag-order ng bagong bersyon sa gastos ng publiko. Ang ideyang ito ay mukhang natural sa kalagayan ng kilusang Fennoman, na nag-idealize at nagparomansa sa bansang Finnish. Bilang karagdagan, ang sining ay itinuturing na isang makapangyarihang paraan ng pagpapahayag ng pambansang mithiin ng Finnish. Kasabay nito, nagsimula ang mga ekspedisyon ng mga artista sa Karelia sa paghahanap ng "tunay na istilo ng Finnish". Ang Karelia ay nakita bilang ang tanging hindi nagalaw na lupain kung saan ang mga bakas ng Kalevala ay napanatili, at si Gallen-Kallela mismo ay nakakita ng epikong ito bilang isang kuwento tungkol sa mga nakaraang panahon ng pambansang kadakilaan, bilang isang imahe ng isang nawawalang paraiso.

Pagpinta ni Gallen-Kallela « Sumpa ni Kullervo"(1899) ay nagsasabi tungkol sa isa pang bayani ng" Kalevala ". Si Kullervo ay isang kabataang may pambihirang lakas, isang ulila na ibinigay sa pagkaalipin at ipinadala sa ilang upang manginain ng mga baka. Ang masamang babaing punong-abala, ang asawa ng panday na si Ilmarinen, ay nagbigay sa kanya ng tinapay para sa paglalakbay, kung saan nakatago ang isang bato. Sinubukan ni Kullervo na putulin ang tinapay, sinira ni Kullervo ang isang kutsilyo, ang tanging alaala ng kanyang ama. Galit na galit, nagtipon siya ng isang bagong kawan ng mga lobo, oso at lynx, na pumunit sa ginang. Nakatakas si Kullervo sa pagkaalipin at umuwi pagkatapos malaman na buhay ang kanyang mga kamag-anak. Gayunpaman, ang mga maling pakikipagsapalaran ng Kullervo ay hindi nagtatapos doon. Ang isang walang katapusang spiral ng paghihiganti ay sumisira hindi lamang sa kanyang bagong-tuklas na pamilya, kundi sa kanyang sarili. Una, nakilala at niligawan niya ang isang babae na lumalabas na kapatid niya, at dahil sa makasalanang relasyong ito, nagpakamatay ang kapatid. Hindi nagtagal, namatay din ang lahat ng kanyang mga kamag-anak. Pagkatapos ay pinatay ni Kullervo ang kanyang sarili sa pamamagitan ng paghagis ng kanyang sarili sa espada.

Ang pagpipinta ni Gallen-Kallela ay naglalarawan ng isang yugto nang si Kullervo ay nagsisilbi pa rin bilang isang pastol (nakikita ang kanyang kawan sa background, at ang tinapay na may inihurnong bato ay inilalarawan sa harap). Napailing ang binata at nangakong maghihiganti sa kanyang mga kaaway. Inilarawan ng artista ang isang galit na bayani laban sa background ng isang maaraw na tanawin ng unang bahagi ng taglagas, ngunit ang mga ulap ay nagtitipon na sa background, at ang abo ng bundok na ibinuhos ng pula ay nagsisilbing babala, isang propesiya ng pagdanak ng dugo sa hinaharap. Sa larawang ito, ang trahedya ay pinagsama sa kagandahan ng kalikasan ng Karelian, at ang bayani-naghihiganti sa isang kahulugan ay maaaring ituring bilang isang simbolo ng espiritu ng pakikipaglaban ng Finnish at lumalaking pambansang pagkakakilanlan. Sa kabilang banda, nasa harapan natin ang isang larawan ng galit at pagkabigo, ang kawalan ng kapangyarihan ng isang tao na pinalaki ng mga estranghero na sumira sa kanyang pamilya, sa isang kapaligiran ng karahasan at paghihiganti, at nag-iwan ito ng isang kalunos-lunos na bakas sa kanyang kapalaran.

Higit pa tungkol sa pagkamalikhain Gallena-Kallela basahin.

Tatapusin namin ang seksyong ito sa isang kuwento tungkol sa gawain ng isa pang natitirang kinatawan ng pambansang romantikong Finnish sa pagpipinta, ang sikat na artista ng Finnish Golden Age - Pekka Halonen. Pekka Halonen (Pekka Halonen) (1865-1933) ay nakakuha ng katanyagan noong 1890s, na nagpapakita ng kanyang sarili bilang isang hindi maunahang master mga tanawin ng taglamig... Ang isa sa mga obra maestra ng genre na ito ay ang pagpipinta " Mga batang pine tree sa ilalim ng niyebe"(1899), itinuturing na isang halimbawa Finnish Japaneseism at Art Nouveau sa pagpipinta. Ang malambot na malambot na niyebe na sumasakop sa mga punla, na naglalaro sa iba't ibang kulay ng puti, ay lumilikha ng isang mapayapang kapaligiran ng isang engkanto sa kagubatan. Ang maulap na hangin ay puspos ng malamig na ulap ng taglamig, at binibigyang-diin ng malalagong mga kama ng niyebe ang marupok na kagandahan ng mga batang pine tree. Ang mga puno ay karaniwang isa sa mga paboritong motif sa pagkamalikhain. Pekki Halonen... Sa buong buhay niya, masigasig niyang inilalarawan ang mga puno sa iba't ibang oras ng taon, at lalo niyang minamahal ang tagsibol, ngunit higit sa lahat ay naging sikat siya bilang isang master. mga tanawin ng taglamig- ilang pintor ang nangahas na lumikha sa lamig. Si Pekka Halonen ay hindi natatakot sa taglamig at nagtrabaho sa labas sa anumang panahon sa buong buhay niya. Isang tagasuporta ng trabaho sa bukas na hangin, hinamak niya ang mga artista na "tumingin sa mundo sa pamamagitan ng bintana." Sa mga pintura ni Halonen, ang mga sanga ay pumutok mula sa hamog na nagyelo, ang mga puno ay lumulubog sa ilalim ng bigat ng mga takip ng niyebe, ang araw ay naglalagay ng mala-bughaw na anino sa lupa, at ang mga naninirahan sa kagubatan ay nag-iiwan ng mga bakas ng paa sa malambot na puting karpet.

Ang mga landscape ng taglamig ay naging isang uri ng pambansang simbolo ng Finland, at si Pekka Halonen ay nagpinta ng isang dosenang canvases sa tema ng kalikasan ng Finnish at katutubong buhay para sa pavilion ng Finland sa 1900 World Exhibition sa Paris. Kasama sa siklong ito, halimbawa, ang pagpipinta " Sa butas"(" Paghuhugas sa Yelo ") (1900). Ang interes ni Halonen sa paglalarawan ng "northern exoticism" ay nagising nang mag-aral siya kay Paul Gauguin sa Paris noong 1894.

Karaniwang mga artista ang ginintuang panahon ng pagpipinta ng Finnish nagmula sa urban middle class. Ang isa pang bagay ay si Pekka Halonen, na nagmula sa isang pamilya ng mga napaliwanagang magsasaka at artisan. Ipinanganak siya sa Lapinlahti (Eastern Finland) at medyo maagang naging interesado sa sining - at hindi lamang sa pagpipinta, kundi pati na rin sa musika (ang ina ng artista ay isang likas na kantele performer; naitanim din niya sa kanyang anak ang isang magalang na saloobin at pagmamahal sa kalikasan, at kalaunan ang pag-ibig na ito ay halos naging relihiyon ). Ang binata ay nagsimulang mag-aral ng pagpipinta nang mas huli kaysa sa kanyang mga kapantay, ngunit pagkatapos ng apat na taong pag-aaral sa paaralan ng pagpipinta ng Art Society of Finland at ang mahusay na pagtatapos nito, si Halonen ay nakatanggap ng isang scholarship na nagpapahintulot sa kanya na mag-aral sa ang masining na Mecca noong panahong iyon. Sa una ay nag-aral siya sa Julian Academy, at pagkatapos, noong 1894, nagsimula siyang kumuha ng pribadong mga aralin mula sa Paul Gauguin kasama ang kanyang kaibigan na si Väino Bloomstead. Sa panahong ito, nakilala ni Halonen ang simbolismo, synthetism at maging ang theosophy. Gayunpaman, ang kakilala sa pinakabagong mga artistikong uso, gayunpaman, ay hindi humantong sa kanya na talikuran ang makatotohanang paraan, at hindi niya hiniram ang maliwanag na palette ni Gauguin, ngunit sa ilalim ng impluwensya ni Gauguin, si Halonen ay naging isang malalim na connoisseur ng Japanese art at nagsimulang mangolekta ng mga kopya ng Japanese. mga kopya.

Halimbawa, ang isang curved pine tree, isang sikat na motif sa Japanese art, ay madalas na itinampok sa kanyang trabaho. Bilang karagdagan, sa marami sa mga pagpipinta ni Halonen, binibigyan niya ng espesyal na pansin ang detalye, ang pandekorasyon na pattern ng mga sanga o ang espesyal na pattern ng snow, at ang tema ng mga tanawin ng taglamig mismo ay hindi karaniwan sa sining ng Hapon. Ang Halonen ay nailalarawan din sa pamamagitan ng isang kagustuhan para sa mga vertical na makitid na canvases ng "kakemono" na uri, mga asymmetric na komposisyon, mga close-up at hindi pangkaraniwang mga anggulo. Hindi tulad ng maraming iba pang mga pintor ng landscape, hindi siya nagpinta ng mga tipikal na panoramic view mula sa itaas; ang kanyang mga landscape ay pininturahan nang malalim sa kagubatan, malapit sa kalikasan, kung saan literal na pumapalibot ang mga puno sa manonood, na nag-aanyaya sa kanya sa kanilang tahimik na mundo. Si Gauguin ang nagbigay inspirasyon kay Halonen na tuklasin ang kanyang sariling istilo sa paglalarawan ng kalikasan at hinikayat siyang hanapin ang kanyang mga tema sa pambansang pinagmulan. Tulad ni Gauguin, sinikap ni Halonen na mahanap sa tulong ng kanyang sining ang isang bagay na pangunahin, primordial, ngunit kung hinahanap ng Frenchman ang kanyang ideal sa mga isla ng Pasipiko, sinikap ng pintor ng Finnish na buhayin ang "nawalang paraiso" ng mga taong Finnish sa mga birhen na kagubatan, mga sagradong ligaw na inilarawan sa "Kalevala" ...

Ang gawain ni Pekka Halonen ay palaging nakikilala sa pamamagitan ng paghahanap para sa kapayapaan at pagkakaisa. Naniniwala ang artista na "hindi dapat inisin ng sining ang mga nerbiyos tulad ng papel de liha - dapat itong lumikha ng isang pakiramdam ng mundo." Kahit na naglalarawan ng paggawa ng magsasaka, hinanap ni Halonen ang kalmado, balanseng komposisyon. Kaya, sa trabaho " Mga Pioneer sa Karelia» (« Paggawa ng kalsada sa Karelia”) (1900), ipinakita niya ang mga magsasaka ng Finnish bilang mga independyente, matatalinong manggagawa na hindi kailangang gumawa ng labis na pagsisikap upang magawa ang trabaho. Bilang karagdagan, binigyang diin ng artist na nagsusumikap siyang lumikha ng isang pangkalahatang pandekorasyon na impression. Ito ang kanyang sagot sa mga kontemporaryo na pumuna sa hindi makatotohanang "serene Sunday mood" ng pagpipinta at nagulat sa sobrang linis ng mga damit ng mga manggagawa, sa maliit na dami ng shavings sa lupa at kakaibang hitsura ng isang bangka sa gitna ng kagubatan. Ngunit ang artista ay may ganap na naiibang ideya. Hindi nais ni Pekka Halonen na lumikha ng isang larawan ng mahirap na nakakapagod na trabaho, ngunit upang ihatid ang mahinahon na sinusukat na ritmo ng paggawa ng magsasaka.

Si Halonen ay naimpluwensyahan din ng kanyang mga paglalakbay sa Italya (1896-97 at 1904), kabilang ang mga unang obra maestra ng Renaissance na nakita niya sa Florence. Kasunod nito, si Pekka Halonen kasama ang kanyang asawa at mga anak (ang mag-asawa ay may kabuuang walong anak) ay lumipat sa Lake Tuusula, ang tahimik na kaakit-akit na kapaligiran kung saan nagsilbing isang hindi mauubos na pinagmumulan ng inspirasyon at mabungang gawain na malayo sa Helsinki, "ang pinagmulan ng lahat ng bagay na walang kabuluhan at pangit." Dito, habang nag-i-ski sa lawa, ang artista ay naghahanap ng isang lugar para sa kanyang hinaharap na tahanan, at noong 1899 ang mag-asawa ay bumili ng isang plot sa baybayin, kung saan, pagkalipas ng ilang taon, lumaki ang studio house ni Pekka Halonen - isang villa na pinangalanan niya. Halosenniemi (Halosenniemi) (1902). Ang maginhawang kahoy na tirahan na ito sa pambansang romantikong espiritu ay idinisenyo mismo ng artist. Sa ngayon, makikita sa bahay ang Pekka Halonen Museum.

Mga Simbolo ng Finnish

Ang isa sa mga pinaka-kagiliw-giliw na seksyon sa koleksyon ng Ateneum Museum ay ang walang katulad na gawain ni Hugo Simberg at iba pang Finnish Symbolists.

Sa isang hiwalay na bulwagan ng Athenaeum Museum, ang sikat na pagpipinta " Sugatang anghel"(1903) pintor ng Finnish Hugo Simberg... Ang mapanglaw na canvas na ito ay naglalarawan ng isang kakaibang prusisyon: dalawang nagtatampo na batang lalaki ay may dalang sa isang stretcher isang babaeng anghel na nakasuot ng puti na nakapiring at may sugatang pakpak. Ang background ng pagpipinta ay isang hubad na tanawin ng unang bahagi ng tagsibol. Sa kamay ng anghel ay isang bungkos ng mga snowdrop, ang mga unang bulaklak ng tagsibol, mga simbolo ng pagpapagaling at bagong buhay. . Ang prusisyon ay pinamumunuan ng isang batang lalaking nakasuot ng itim na kahawig ng isang tagapangasiwa (marahil isang simbolo ng Kamatayan). Ang hitsura ng isa pang batang lalaki ay ibinaling sa amin, direktang tumagos sa kaluluwa ng manonood at nagpapaalala na ang mga tema ng buhay at kamatayan ay may kaugnayan sa bawat isa sa atin. Ang nahulog na anghel, pagpapatalsik mula sa paraiso, mga pagmumuni-muni sa kamatayan - lahat ng mga paksang ito lalo na nag-aalala sa mga artista- mga simbolista... Ang artist mismo ay tumanggi na mag-alok ng anumang mga yari na interpretasyon ng larawan, na iniiwan ang manonood na gumuhit ng kanyang sariling mga konklusyon.

Si Hugo Simberg ay nagtrabaho sa pagpipinta na ito sa loob ng mahabang panahon: ang mga unang sketch ay matatagpuan sa kanyang mga album mula noong 1898. Ang ilang sketch at litrato ay sumasalamin sa mga indibidwal na bahagi ng komposisyon. Minsan ang anghel ay hinihimok sa isang kartilya, kung minsan ang mga nagdadala ay hindi mga lalaki, ngunit maliit na mga demonyo, sa parehong oras ang gitnang pigura ay palaging ang pigura ng anghel, at ang background ay isang tunay na tanawin. Ang proseso ng paggawa sa pagpipinta ay naantala nang si Simberg ay nagkasakit ng malubha: ang artista mula taglagas 1902 hanggang tagsibol 1903 ay ginagamot sa ospital ng Deaconess Institute sa Helsinki ( Helsingin Diakonissalaitos) sa lugar ng Kallio. Nagkaroon siya ng malubhang sakit sa nerbiyos, na pinalala ng syphilis (kung saan namatay ang artista).

Nabatid na kinunan ng larawan ni Simberg ang kanyang mga modelo (mga bata) sa workshop at sa Eleintarh park, na matatagpuan sa tabi ng nabanggit na ospital. Ang landas na inilalarawan sa pagpipinta ay umiiral pa rin ngayon - ito ay tumatakbo sa baybayin ng Töölönlahti Bay. Noong panahon ni Simberg, ang Eleintarh Park ay isang sikat na lugar ng libangan para sa uring manggagawa. Bilang karagdagan, ito ay tahanan ng maraming mga kawanggawa, kabilang ang isang paaralan ng kababaihan para sa mga bulag at isang silungan para sa mga may kapansanan. Paulit-ulit na pinagmamasdan ni Simberg ang mga naninirahan sa parke nang maglakad siya roon noong tagsibol ng 1903, na umalis mula sa isang malubhang sakit. Tila, sa mahabang paglalakad na ito, ang ideya ng pagpipinta ay ganap na nabuo. Bilang karagdagan sa mga pilosopikal na interpretasyon ng pagpipinta na "Wounded Angel" (isang simbolo ng pagpapatalsik mula sa paraiso, isang may sakit na kaluluwa ng tao, kawalan ng kakayahan ng tao, isang sirang panaginip), ang ilan ay nakikita ito bilang personipikasyon ng masakit na estado ng artist at kahit na mga tiyak na pisikal na sintomas ( ayon sa ilang ulat, si Simberg ay dumanas din ng meningitis).

Ang pagpipinta ni Simberg « Sugatang anghel"Naging isang mahusay na tagumpay kaagad pagkatapos nito makumpleto. Ang pagtatanghal ay naganap sa taglagas na eksibisyon ng Art Society of Finland noong 1903. Sa una, ang canvas ay ipinakita nang walang pamagat (mas tiyak, mayroong isang gitling sa halip na isang pamagat), na nagpapahiwatig ng imposibilidad ng alinmang interpretasyon. Para sa malalim na indibidwal at emosyonal na gawaing ito, ang artista ay iginawad sa State Prize noong 1904. Ang ikalawang bersyon ng "The Wounded Angel" ay ginanap ni Simberg habang pinalamutian ang loob ng Tampere Cathedral na may mga fresco, kung saan siya nagtrabaho kasama si Magnus Enckel.

Ayon sa isang survey noong 2006 sa Finland, “ Sugatang anghel"Kinilala bilang ang pinakasikat na gawa sa koleksyon ng Athenaeum, ang pinakaminamahal" pambansang pagpipinta "ng Finland, ang masining na simbolo ng bansa.

Hugo Simberg (Hugo simberg) (1873-1917) ay ipinanganak sa lungsod ng Hamina, pagkatapos ay nanirahan at nag-aral sa, at pagkatapos ay sa, kung saan siya pumasok sa paaralan ng Art Society of Finland. Madalas niyang ginugugol ang tag-araw sa ari-arian ng pamilya sa Niemenlautta (Säkkijärvi) sa baybayin ng Gulpo ng Finland. Maraming naglakbay si Simberg sa Europa, bumisita sa London at Paris, bumisita sa Italya, Caucasus. Ang isang mahalagang yugto sa kanyang pag-unlad bilang isang pintor ay nahulog sa panahon nang si Simberg, na nabigo sa isang stereotypical na akademikong edukasyon, ay nagsimulang kumuha ng mga pribadong aralin mula kay Axeli Gallen-Kallela sa ilang sa Ruovesi, kung saan itinayo ni Gallen-Kallela ang kanyang workshop house. Lubos na pinahahalagahan ni Gallen-Kallela ang talento ng kanyang estudyante at inilarawan ang magandang kinabukasan sa mundo ng sining para sa kanya, na inihahambing ang gawa ni Simberg sa makatotohanan at madamdaming sermon na dapat marinig ng lahat. Si Simberg ay bumisita sa Ruovesi ng tatlong beses sa pagitan ng 1895 at 1897. Dito, sa isang kapaligiran ng artistikong kalayaan, mabilis niyang natagpuan ang kanyang sariling wika. Halimbawa, sa unang taglagas ng kanyang pananatili sa Ruovesi, isinulat niya ang sikat na gawain " nagyeyelo"(1895), medyo nakapagpapaalaala sa" The Scream "ni Munch. Sa kasong ito, ang kababalaghan ng panahon, ang takot ng mga magsasaka sa buong mundo, ay nakatanggap ng isang nakikitang sagisag, mukha at hugis: ito ay isang nakamamatay na maputlang pigura na may malalaking tainga, nakaupo sa tuktok ng isang bigkis at nilalason ang lahat sa paligid ng nakamamatay na hininga nito. . Hindi tulad ng Munch's Scream, na natapos ilang taon na ang nakalilipas, ang Simberg's Frost ay nagpapalabas ng hindi kumpletong sindak at kawalan ng pag-asa, ngunit isang kakaibang pakiramdam ng pagbabanta at awa sa parehong oras.

Ang isang mahalagang sandali sa buhay ni Simberg ay ang taglagas na eksibisyon noong 1898, pagkatapos nito ay pinasok siya sa Union of Finnish Artists. Si Simberg ay naglakbay nang malawakan sa buong Europa, nagturo, lumahok sa mga eksibisyon. Gayunpaman, ang tunay na sukat ng talento ng artista ay pinahahalagahan lamang pagkatapos ng kanyang kamatayan. Ang konsentrasyon sa nakapangingilabot at supernatural ay hindi nakahanap ng pang-unawa sa lahat ng mga kritiko at manonood noong panahong iyon.

Hugo Simberg ay isa sa pinakamalaki Mga Simbolo ng Finnish... Hindi siya naaakit ng mga pang-araw-araw na sitwasyon - sa kabaligtaran, ipinakita niya kung ano ang nagbukas ng mga pintuan sa isa pang katotohanan, naantig ang isip at kaluluwa ng manonood. Naunawaan niya ang sining "bilang isang pagkakataon upang ilipat ang isang tao sa gitna ng taglamig sa isang magandang umaga ng tag-araw at pakiramdam kung paano gumising ang kalikasan at ikaw mismo ay naaayon dito. Ito ang hinahanap ko sa isang gawa ng sining. Dapat itong makipag-usap sa atin tungkol sa isang bagay at magsalita nang malakas, upang tayo ay madala sa ibang mundo."

Si Simberg ay lalo na mahilig sa paglalarawan ng mga bagay na makikita lamang sa imahinasyon: mga anghel, demonyo, troll at mga larawan ng Kamatayan mismo. Gayunpaman, kahit na ang mga imaheng ito, nagbigay siya ng lambot at sangkatauhan. Ang kamatayan sa Simberg ay madalas na mabait at puno ng pakikiramay, tinutupad ang kanyang mga tungkulin nang walang sigasig. Kaya lumapit siya na may dalang tatlong puting bulaklak para kunin ang matandang babae. Gayunpaman, hindi nagmamadali si Kamatayan, kayang-kaya niyang makinig sa batang tumutugtog ng biyolin. Tanging ang orasan sa dingding ang nagmamarka ng paglipas ng oras (“ Ang kamatayan ay nakikinig", 1897).

Sa trabaho " Hardin ng kamatayan"(1896), na nilikha sa unang paglalakbay sa pag-aaral sa Paris, si Simberg, gaya ng sinabi niya, ay naglalarawan sa lugar kung saan nahuhulog kaagad ang kaluluwa ng tao pagkatapos ng kamatayan, bago pumunta sa langit. Tatlong kalansay sa itim na damit ang nagmamalasakit sa mga kaluluwa ng halaman na may gayong pag-ibig, dahil ang mga monghe ay may posibilidad na pumunta sa hardin ng monasteryo. Ang gawaing ito ay napakahalaga para sa artista. Makalipas ang halos sampung taon, muling ginawa ito ni Simberg sa anyo ng isang malaking fresco sa Tampere Cathedral. Ang kakaibang alindog ng gawaing ito ay nakasalalay sa mga cute na pang-araw-araw na detalye (isang watering can, isang tuwalya na nakasabit sa isang kawit), isang mapayapang kapaligiran at isang maamo na imahe ng Kamatayan mismo, na hindi isang puwersa ng pagkawasak, ngunit ang sagisag ng pangangalaga. Kapansin-pansin, nakakita rin tayo ng katulad na imahe sa fairy tale ni Hans Christian Andersen na "The Story of a Mother": inilalarawan ng mananalaysay ang isang malaking greenhouse ng Kamatayan - isang greenhouse, kung saan ang kaluluwa ng tao ay "nakadikit" sa bawat bulaklak o puno. Tinatawag ng kamatayan ang kanyang sarili bilang hardinero ng Diyos: "Kinukuha ko ang kanyang mga bulaklak at mga puno at inilipat ang mga ito sa malaking Halamanan ng Eden, sa isang hindi kilalang lupain."

Sa unang pagkakataon imahe ng Kamatayan lumitaw sa gawa ni Simberg " Kamatayan at ang magsasaka"(1895). Ang isang maiksing itim na kapa at maikling pantalon ay nagbibigay kay Kamatayan ng banayad at malungkot na hitsura. Ang gawaing ito ay isinagawa ni Simberg sa Ruovesi habang nag-aaral kay Axeli Gallen-Kallela. Sa tagsibol na iyon, ang bunsong anak na babae ng guro ay namatay sa dipterya noong tagsibol, at ang Kamatayan at ang Magsasaka ay makikita bilang isang pagpapahayag ng pakikiramay sa isang lalaking nawalan ng anak.

Tulad ng mga demonyo, ang mga anghel ni Hugo Simberg ay makatao at samakatuwid ay mahina. Sinusubukan nilang gabayan ang mga tao sa daan ng mabuti, ngunit ang katotohanan ay malayo sa perpekto. Trabaho" Pangarap"(1900) ay nagtataas ng mga tanong mula sa manonood. Bakit umiiyak ang isang babae habang ang isang anghel ay sumasayaw sa kanyang asawa? Baka iniwan ng asawa ang kanyang asawa patungo sa ibang mundo? Ang isa pang pamagat para sa gawaing ito ay "Pagsisisi", kaya maaari itong bigyang-kahulugan sa iba't ibang paraan.

Ang mga larawan ng mga anghel ay unang lumitaw sa gawain ni Simberg noong taglagas ng 1895 (ang gawaing " kabanalan"). Sa malikot na pirasong ito, hindi napapansin ng nagdarasal na anghel-dalaga na ang kalapit na anghel ay may ganap na kakaiba sa kanyang isipan. Sa katunayan, ang mga pakpak ng pangalawang anghel na ito ay malayo sa sobrang puti. Ang pakikibaka sa pagitan ng sensuality at espirituwalidad ay maliwanag.

Ang promenade sa Niemenlautta, kung saan halos palaging ginugugol ni Simberg ang tag-araw sa ari-arian ng pamilya, ay isang sikat na lugar ng pagpupulong para sa mga kabataan sa mga gabi ng tag-araw. Palibhasa'y naaakit sa mga tunog ng akordyon, ang mga kabataang lalaki at babae ay nagpunta rito upang sumayaw sakay ng bangka, kahit sa malayo. Si Simberg ay paulit-ulit na gumawa ng sketches ng mga mananayaw. Pero sa trabaho" Sumayaw sa waterfront"(1899) ang mga batang babae ay hindi sumasayaw kasama ang mga lalaki, ngunit kasama ang mga pigura ng Kamatayan, na madalas na nakilala sa Simberg. Siguro ang Kamatayan sa oras na ito ay hindi dumating para sa isang kahila-hilakbot na ani, ngunit nais lamang na makilahok sa pangkalahatang kasiyahan? Ngunit sa ilang kadahilanan ay hindi tumutugtog ang akurdyon.

Tulad ng nakikita mo Hugo Simberg- isang napaka-orihinal na artista, na ang gawa ay hindi wala ng isang uri ng kabalintunaan, ngunit sa parehong oras ay napuno ng mistisismo at nakatuon sa mga tema ng mabuti at masama, buhay at kamatayan, katangian ng sining mga simbolista... Sa mga gawa ni Simberg, ang malalim na mga tanong sa pilosopikal ay kaakibat ng malumanay na katatawanan at malalim na empatiya. "Poor devil", "meek Death", ang hari ng brownies - lahat ng mga character na ito ay dumating sa kanyang trabaho mula sa mga pangarap at fairy tale. Walang ginintuan na mga frame at makintab na mga canvases: "Ang pag-ibig lamang ang gumagawa ng mga gawa ng sining na totoo. Kung ang mga sakit sa panganganak ay dumating nang walang pag-ibig, kung gayon ang bata ay ipanganak na malungkot."

Bilang karagdagan sa mga gawa ni Hugo Simberg, ang Athenaeum Museum ay nagpapakita ng mga gawa Pintor ng simbolistang Finnish Magnus Enckel (Magnus enckell) (1870-1925), gayundin si Simberg, na nagtrabaho sa mga fresco para sa Tampere Cathedral (1907). Si Enckel ay ipinanganak sa isang pamilya ng pari sa lungsod ng Hamina, nag-aral ng pagpipinta, at noong 1891 ay nagpunta sa Paris, kung saan ipinagpatuloy niya ang kanyang pag-aaral sa Académie Julian. Doon siya naging interesado sa simbolismo at mystical na ideya ng Rosicrucian na si J. Peladan. Pinagtibay ni Magnus Enckel ang androgynous ideal of beauty mula sa huli, na sinimulan niyang gamitin sa kanyang mga gawa. Si Enckel ay nabighani sa ideya ng isang nawawalang paraiso, isang nawawalang kadalisayan ng tao, at mga napakabata pa na lalaki sa kanilang androgynous na kagandahan ay kinakatawan para sa artist ang pinakadalisay na anyo ng isang tao. Hindi rin dapat kalimutan na si Enckel ay isang homosexual at madalas na nagpinta ng mga hubad na lalaki at lalaki ng isang lantarang erotiko, sensual na hitsura. Noong 1894-95. ang artist ay naglakbay sa Italya at sa simula ng XX siglo, sa ilalim ng impluwensya ng klasikal na sining ng Italyano, pati na rin ang post-impressionism, ang kanyang palette ay nagiging mas makulay at magaan. Noong 1909, kasama ang mga colorist na sina Werner Tome at Alfred Finch, itinatag niya ang grupo Setyembre.

Ang unang bahagi ng gawain ni Magnus Enckel, sa kabilang banda, ay minarkahan ng isang mahinang hanay ng mga kulay, ang asetisismo. Sa oras na iyon, ang palette ng artist ay limitado lamang sa mga kulay ng kulay abo, itim at ocher. Ang isang halimbawa ay ang pagpipinta " Paggising"(1894), na isinulat ni Enckel sa ikalawang pagbisita ng artist na si V. Ang canvas ay nakikilala sa pamamagitan ng minimalism ng kulay, pinasimple na komposisyon at isang binibigyang diin na linya ng pagguhit - lahat ng ito ay ginagamit upang bigyang-diin ang kahalagahan ng larawan. Ang binata, na umabot na sa transitional age, ay nagising at hubad na nakaupo sa kama, nakayuko ang kanyang ulo na may seryosong ekspresyon sa kanyang mukha, nawala sa pag-iisip. Ang baluktot na posisyon ng kanyang katawan ay hindi lamang ang karaniwang kilos ng pagbangon sa kama; mas kumplikado ang motif na ito, na kadalasang matatagpuan sa mga simbolistang artista. Pagbibinata at sekswal na paggising / pagkawala ng kawalang-kasalanan - ang mga temang ito ay umaakit sa marami sa mga kontemporaryo ni Enckel (cf., halimbawa, ang nakakagambalang pagpipinta ni Munch na "Maturation" (1894/95)). Ang itim at puting palette ay binibigyang diin ang mapanglaw na kalagayan ng pagpupulong sa mapang-api na mundo.

Isa pa Pintor ng Simbolo ng Finnish, kahit na hindi ang pinakasikat, ay Väinö Bloomstedt (Blomstedt) (Väinö Blomstedt) (1871-1947). Si Bloomstedt ay isang pintor at taga-disenyo ng tela at naimpluwensyahan sa bahagi ng sining ng Hapon. Nag-aral muna siya sa Finland, at pagkatapos ay kasama si Pekka Halonen c. Tulad ng alam na natin, sa kanilang pagdating sa Paris, nakilala ng mga pintor ng Finnish na ito si Gauguin, na kamakailan lamang ay bumalik mula sa Tahiti, at nagsimulang kumuha ng mga aralin mula sa kanya. Ang Impulsive Bloomstedt ay agad na nahulog sa impluwensya ni Gauguin at ng kanyang mga painting na may kulay na paghinga. Ang paghahanap para sa nawawalang paraiso sa gawain ni Gauguin ay napakalapit kay Bloomstedt. Kung si Gauguin ay naghahanap ng paraiso na ito sa mga kakaibang bansa, kung gayon si Väinö Bloomstedt, tulad ng maraming Finnish artist noong panahong iyon, ay naglalayong hanapin ang mga pinagmulan ng kanyang tinubuang-bayan, ang birhen na lupain ng Kalevala. Ang mga bayani ng mga pagpipinta ni Bloomstedt ay kadalasang kathang-isip o mitolohiyang mga karakter.

Matapos makilala si Gauguin, iniwan ni Bloomstedt noong kalagitnaan ng 18990s ang makatotohanang pagpipinta at bumaling sa simbolismo at maliwanag na maraming kulay gawa ng tao palette. Ayon sa ideolohiya ng simbolismo, ang makatotohanang sining batay sa visual na pagmamasid ay masyadong limitado at hindi pinapayagan ang paghawak sa pinakamahalagang bagay sa isang tao, ang kanyang emosyonal at espirituwal na kakanyahan, ang lihim ng buhay mismo. Sa likod ng pang-araw-araw na realidad ay isa pang mundo, at ang layunin ng mga Simbolo ay ipahayag ang mundong ito sa pamamagitan ng sining. Sa halip na subukang lumikha ng isang three-dimensional na ilusyon ng katotohanan, ang mga simbolistang artist ay gumamit ng stylization, simplification, decorativeness, hinahangad na makahanap ng isang bagay na dalisay at patula. Kaya naman ang kanilang interes sa unang bahagi ng Italian Renaissance, ang paggamit ng tempera at fresco techniques. Isa sa mga kapansin-pansing halimbawa simbolismo sa gawain ng mga pintor ng Finnish ay ang larawan Väinö Bloomstedt « Francesca"(1897), ibinaon ang manonood sa mundo ng pagtulog at pagkalimot, isang static at puno ng mahiwagang kapaligiran na may nakakalasing na amoy ng poppy.

Ang inspirasyon para sa larawang ito ay ang Divine Comedy ni Dante, kung saan nakilala ng makata si Francesca da Rimini sa Impiyerno, at ikinuwento niya sa kanya ang kuwento ng kanyang malungkot na pagmamahal kay Paolo. Ang imahe ng isang batang babae, na nakapagpapaalaala kay Madonna, isang "Renaissance" na tanawin na may madilim na mga cypress at isang translucent na kulay na ibabaw ng pagpipinta (ang canvas ay malinaw na kumikinang sa pintura) ay nagmumungkahi ng mga lumang fresco sa mga simbahan ng Italyano. Bilang karagdagan, dahil sa espesyal na pamamaraan ng pagpapatupad, ang larawan ay bahagyang kahawig ng isang pagod na tapiserya. Ang pagpipinta ay ipininta ni Bloomstedt sa isang paglalakbay sa Italya. Nakikita rin nito ang impluwensya ng sining ng mga Pre-Raphaelite.

Babae sa Sining: Mga Pintor ng Finnish

Museo ng Athenaeum ay kapansin-pansin din sa katotohanan na ang isang makabuluhang bahagi ng kanyang koleksyon ay binubuo ng mga gawa mga babaeng artista, kabilang ang mga sikat sa mundo tulad ng pintor ng Finnish Helena Schjerfbeck... Noong 2012, nag-host ang Athenaeum Museum ng malawak na eksibisyon ng mga gawa ni Helena Schjerfbeck, na nag-time sa ika-150 anibersaryo ng kanyang kapanganakan. Ang Ateneum Museum ay nagtataglay ng pinakamalaki at pinakakumpletong koleksyon sa mundo ng mga gawa ni Helena Schjerfbeck (212 paintings, drawings, sketchbooks).

Helena Schjerfbeck (Helena schjerfbeck) (1862-1946) ay ipinanganak sa Helsinki, nagsimulang mag-aral ng pagpipinta nang maaga at sa kanyang kabataan ay nakamit ang isang kapansin-pansing karunungan. Ang buhay ni Helena ay natatak ng matinding pinsala sa balakang mula sa pagkahulog sa hagdan noong bata pa siya. Dahil dito, ang batang babae ay pinag-aralan sa bahay - hindi siya pumasok sa isang regular na paaralan, ngunit marami siyang oras upang gumuhit, at tinanggap siya sa isang art school sa isang hindi pangkaraniwang maagang edad. (Sa kasamaang palad, ang pinsala sa balakang ay nakapagpapaalaala ng pagkapilay sa natitirang bahagi ng kanyang buhay.) Pagkatapos mag-aral sa Finland, kasama ang pribadong akademya ng Adolf von Becker, nakatanggap si Schjerfbeck ng iskolarsip at umalis, kung saan siya nag-aral sa Colarossi Academy. Noong 1881 at 1883-84. nagtrabaho din siya sa mga kolonya ng artist sa Brittany (pagpinta " Lalaking nagpapakain sa nakababatang kapatid na babae”(1881), na isinulat sa rehiyong ito ng France, ay itinuturing na ngayon ang simula ng modernismo ng Finnish). Sa Brittany, nakilala niya ang isang hindi kilalang artistang Ingles at pinakasalan siya, ngunit noong 1885 sinira ng nobyo ang pakikipag-ugnayan (naniniwala ang kanyang pamilya na ang mga problema sa balakang ni Helena ay nauugnay sa tuberculosis, kung saan namatay ang kanyang ama). Si Helena Schjerfbeck ay hindi nagpakasal.

Noong 1890s, nagturo si Schjerfbeck sa School of the Art Society, na siya mismo ay minsang nagtapos. Noong 1902, dahil sa mga problema sa kalusugan, umalis siya sa pagtuturo at lumipat kasama ang kanyang ina sa malayong lalawigan ng Hyvinkää. Nangangailangan ng katahimikan, ang artista ay humantong sa isang reclusive na buhay, ngunit patuloy na lumahok sa mga eksibisyon. Ang "pagtuklas" ni Schjerfbeck sa publiko ay naganap noong 1917: ang unang solong eksibisyon ng artista ay naganap sa ust Stenman art salon sa Helsinki, na isang mahusay na tagumpay sa mga manonood at kritiko at nabalisa ang kanyang liblib na pag-iral. Ang susunod na pangunahing eksibisyon ay naganap sa Stockholm noong 1937 upang magsisigaw ng mga pagsusuri, na sinundan ng isang serye ng mga katulad na eksibisyon sa buong Sweden. Noong 1935, nang mamatay ang kanyang ina, lumipat si Helena upang manirahan sa Tammisaari, at ginugol ang kanyang mga huling taon sa Sweden, sa isang sanatorium sa Saltsjobaden. Sa Finland, ang saloobin sa gawain ni Schjerfbeck ay kontrobersyal sa mahabang panahon (ang kanyang talento ay kinilala lamang sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo), habang sa Sweden ang kanyang sining ay tinanggap nang maaga nang may malaking sigasig. Ngunit ang tunay na malawakang internasyonal na pagkilala ay dumating sa Schjerfbeck noong 2007, nang ang malakihang retrospective na mga eksibisyon ng kanyang trabaho ay ginanap sa Paris, Hamburg at The Hague.

Sa lahat ng mga painting ni Helena Schjerfbeck, ang pinakasikat sa mundo ay maraming self-critical self-portraits, na nagbibigay-daan sa pagsubaybay sa ebolusyon ng kanyang istilo at sa mga pagbabago sa artist mismo, na walang awa na inayos ang kanyang pagtanda na mukha. Sa kabuuan, sumulat si Schjerfbeck ng mga 40 self-portraits, ang una sa edad na 16, ang huli ay 83. Anim sa mga ito ay nasa koleksyon ng Athenaeum.

Ngunit marahil ang pinakasikat na pagpipinta Helena Schjerfbeck ay ang canvas" Convalescent"(1888), kadalasang tinatawag na perlas Museo ng Athenaeum... Lubos na pinahahalagahan ng publiko, ang pagpipinta na ito ng 26-taong-gulang na pintor ay ginawaran ng tansong medalya sa World Exhibition sa Paris noong 1889 (kung saan ipinakita ang canvas na ito sa ilalim ng pamagat na "The First Greens" ( Premiere verdure) - ito mismo ang orihinal na tinawag ni Schjerfbeck sa larawan). Ang tema ng mga batang may sakit ay karaniwan sa sining ng ika-19 na siglo, ngunit inilalarawan ni Schjerfbeck hindi lamang isang may sakit, kundi isang nagpapagaling na bata. Ipininta niya ang pagpipinta na ito sa kaakit-akit na baybaying bayan ng St Ives, sa Cornwall, sa timog-kanluran ng England, kung saan nagpunta ang artista sa payo ng kanyang kaibigang Austrian noong 1887-1888, at pagkatapos ay noong 1889-1890.

Ang gawaing ito ay madalas na tinatawag na huling halimbawa ng naturalistic light painting sa gawa ni Schjerfbeck (sa kalaunan ay lumipat siya sa stylized modernism at halos abstract expressionism na may ascetic palette). Dito, mahusay na gumagana ang artista gamit ang liwanag, na iginuhit ang tingin ng manonood sa mukha ng isang nagpapagaling na batang babae na may gusot na buhok at malalamig na kulay-rosas na pisngi, na may hawak na mug sa kanyang mga kamay na may marupok na namumulaklak na sanga - isang simbolo ng tagsibol at bagong buhay. Isang ngiti ang naglalaro sa mga labi ng bata, na nagpapahayag ng pag-asa na gumaling. Ang kapana-panabik na larawang ito ay nakakakuha ng manonood, nagpapadama sa kanya ng empatiya. Ang larawan, sa isang kahulugan, ay matatawag na self-portrait ng artist, na sa oras na iyon ay sinusubukan lamang na makabawi mula sa pahinga sa kanyang pakikipag-ugnayan. Posible rin na sa larawang ito ay ipinakita ni Schjerfbeck ang kanyang sarili bilang isang bata, na nagsasabi sa amin kung ano ang naramdaman niya sa kanyang sarili, madalas na nakaratay at nagagalak sa mga unang palatandaan ng tagsibol.

Pakitandaan na ang pinakasikat na mga gawa ni Helena Schjerfbeck ay kasalukuyang "nasa tour" sa Sweden. Ang isang eksibisyon ay nagaganap sa Stockholm at tatakbo hanggang sa katapusan ng Pebrero 2013, ang isa pa sa Gothenburg (hanggang Agosto 2013).

Isa pa pintor ng Finnish, kung saan ang trabaho na maaari mong makilala sa Athenaeum Museum, ay Problema Shernschanz (Sternschantz)(Beda stjernschantz) (1867-1910). Sa pamamagitan ng paraan, ang isang malakihang eksibisyon ng mga gawa ng artist ay naka-iskedyul para sa 2014 sa museo. Si Bede Shernschanz ay isang mahalagang miyembro ng isang henerasyon Mga Artistang Simbolo ng Finnish sa pagpasok ng ika-19 at ika-20 siglo. Ipinanganak siya sa isang maharlikang pamilya sa lungsod ng Porvoo. Noong 1886, namatay ang kanyang ama, at ang pamilya ay nahaharap sa mga problema sa pananalapi. Hindi tulad ng ibang babaeng artista, kinailangan ni Schernschanz na magtrabaho para magkaroon ng kabuhayan. Noong 1891, kasabay ng isa pang sikat na Finnish artist na si Ellen Tesleff, dumating siya sa Paris, at ang mga batang babae ay naka-enroll sa Accademia Colarossi nang magkasama. Ang tagapagturo ni Bede ay si Magnus Enkell, na sa ilalim ng kanyang impluwensya ay nakuha niya ang mga ideya ng simbolismo. Ang mga kinatawan ng kilusang ito ay kumbinsido na ang sining ay hindi dapat slavishly kopyahin ang kalikasan, ngunit dapat na purified para sa kapakanan ng kagandahan, pagpapahayag ng banayad na damdamin at mga karanasan. Dahil sa kakulangan ng pera, nanirahan si Schernschanz sa Paris ng isang taon lamang. Pagbalik sa Finland, hindi siya makahanap ng isang lugar para sa kanyang sarili at noong 1895 ay nagpunta sa Estonian island ng Vormsi, kung saan mayroong isang lumang pamayanan ng Suweko na nagpapanatili ng wika, kaugalian, at mga damit nito. Doon ipininta ng pintor ang larawan " Kahit saan may boses na tumatawag sa amin"(1895). Ang pamagat ng pagpipinta ay isang quote mula sa sikat na Kanta ng Finland noon ( Suomen laulu), ang mga salita kung saan isinulat ng makata na si Emil Quanten. Tulad ng makikita mo, hindi lamang ang Karelia ang isang lugar kung saan nagpunta ang mga Finnish artist sa paghahanap ng malinis na kalikasan at mga tao.

Sa mala-tula na canvas na ito, inilarawan ng artist ang isang grupo ng mga batang Swedish na pinamamahalaang mapanatili ang kanilang mga pambansang tradisyon at wika sa isang dayuhan na kapaligiran. Dahil dito, nakita ng ilang mga kritiko ang isang makabayang kahulugan sa larawan, lalo na dahil ang instrumento ng kantele, na tinutugtog ng isa sa mga batang babae, ay sumasakop sa isang mahalagang lugar sa komposisyon. Ang isa pang batang babae ay kumakanta, at ang mga tunog na ito ay pinupuno ang mahigpit na tanawin ng mga windmill. Dahil sa ganap na static, frozen na mga pose at ang kawalan ng laman ng nakapalibot na tanawin, ang manonood, parang, ay nagsisimula ring makinig sa musika na tumutunog sa canvas. Tila kahit ang hangin ay tumahimik, hindi gumagalaw ang mga dahon o windmill, na para bang nasa isang enchanted kingdom, isang lugar na wala sa oras. Kung magpapatuloy tayo mula sa simbolistang interpretasyon ng larawan, kung gayon ang mga relihiyoso at nakatutok na mukha ng mga bata laban sa background ng mystical landscape na ito ay isang paraan upang maihatid ang isang estado ng kawalang-kasalanan. Bilang karagdagan, tulad ng sa maraming iba pang mga gawa ng Symbolists, isang espesyal na tungkulin ang itinalaga sa musika, ang pinaka-ethereal at pinakamarangal sa mga sining.

Noong 1897-98. Si Bede Shernschanz, na nakatanggap ng grant mula sa gobyerno ng Finnish, ay nagtungo sa Italya, ngunit ang kanyang malikhaing aktibidad pagkatapos ng panahong ito ay nawala. Bagama't maliit ang pamana ng artist, naakit nito ang interes ng mga mananaliksik, at ang ilang mga kumperensya at publikasyon ay inaasahan sa hinaharap upang matuto nang higit pa tungkol sa kahalagahan ng kanyang trabaho sa internasyonal na konteksto ng pagliko ng siglo.

Ang isa pang kawili-wiling Finnish artist mula sa parehong panahon ay Elin Danielson-Gambodia (Elin Danielson-Gambogi) (1861-1919). Elin Danielson-Gambodia ay kabilang sa unang henerasyon ng Finnish mga babaeng artista na nakatanggap ng propesyonal na edukasyon. Nagtrabaho siya pangunahin sa genre ng makatotohanang portraiture, at kapwa sa buhay at sa trabaho ay naiiba sa kanyang mga kasamahan sa kanyang emancipation at bohemian lifestyle. Pinuna niya ang posisyon ng mga kababaihan sa lipunan, nagsuot ng pantalon at naninigarilyo, namumuno sa isang anti-conformist na buhay at nakipag-ugnayan sa maraming artista, kabilang ang Norwegian sculptor na si Gustav Vigeland (nagkaroon sila ng relasyon noong 1895). Ang kanyang mga pagpipinta ng kababaihan sa pang-araw-araw na sitwasyon ay itinuturing na bulgar at malaswa ng maraming kritiko.

« Self-portrait Si Elin Danielson-Gambodia (1900) ay ipininta noong panahong nagsimulang makilala ang pintor sa Europa. Ang artista ay inilalarawan sa kanyang studio, na may brush at palette sa kamay, at ang mga ilaw na daloy sa kurtina sa harap ng bintana, na lumilikha ng halo sa paligid ng kanyang ulo. Ang malaking format ng canvas, ang pose at titig ng artist - lahat ng ito ay nagpapahayag ng isang malaya at may tiwala sa sarili. Para sa pagpipinta na ito, si Danielson-Gambodia ay ginawaran ng pilak na medalya sa Florence noong 1900.

Si Elin Danielson-Gambodia ay ipinanganak sa isang nayon malapit sa lungsod ng Pori. Nabangkarote ang kanilang sakahan ng pamilya noong 1871, at ang kanyang ama ay nagpakamatay makalipas ang isang taon. Sa kabila nito, nakahanap ng pondo ang ina upang, sa edad na 15, lumipat si Elin at nagsimulang mag-aral ng pagpipinta. Ang batang babae ay lumaki sa isang malayang kapaligiran, sa labas ng mahigpit na mga bawal sa lipunan. Noong 1883, umalis si Danielson-Gambodia, kung saan ipinagpatuloy niya ang kanyang pag-aaral sa Academy of Colarossi, at noong tag-araw ay nag-aral siya ng pagpipinta sa Brittany. Pagkatapos ay bumalik ang artista sa Finland, kung saan nakipag-usap siya sa iba pang mga pintor at nagturo sa mga paaralan ng sining, at noong 1895 nakatanggap siya ng isang iskolar at nagpunta sa Florence. Makalipas ang isang taon, lumipat siya sa nayon ng Antignano at pinakasalan ang Italian artist na si Rafaello ng Gambodia. Ang mag-asawa ay lumahok sa maraming mga eksibisyon sa buong Europa; ang kanilang mga gawa ay ipinakita sa 1900 World's Fair sa Paris at sa 1899 Venice Biennale. Ngunit sa simula ng ika-20 siglo, nagsimula ang mga problema sa pamilya at mga problema sa pananalapi, pagtataksil at sakit ng kanyang asawa. Namatay si Elin Danielson-Gambodia sa pneumonia at inilibing sa Livorno.

Sa wakas, kasama Mga babaeng artistang Finnish imposibleng hindi pangalanan Ellen Tesleff (Ellen thesleff) (1869-1954). Ilang Finnish na may-akda ang nagkaroon ng ganoong maagang pagkilala. Noong 1891, ang batang Tesleff ay nakibahagi sa eksibisyon ng Art Society of Finland kasama ang kanyang kahanga-hangang gawain " Echo» ( Kaiku) (1891), na tumanggap ng mataas na papuri mula sa mga kritiko. Noong panahong iyon, nagtapos siya sa pribadong akademya ng Gunnar Berndtson ( GunnarBerndtson) at pupunta sa kanyang unang paglalakbay, kung saan pumasok ang batang babae sa Colarossi Academy kasama ang kanyang kaibigan na si Beda Shernschanz. Sa Paris, nakilala niya ang simbolismo, ngunit mula sa simula ay pinili niya ang kanyang sariling, independiyenteng landas sa sining. Sa panahong ito, nagsimula siyang lumikha ng mga kuwadro na gawa sa mga kulay na asetiko.

Ang pinakamahalagang mapagkukunan ng inspirasyon para kay Ellena Tesleff ay ang sining ng Italyano. Noong 1894, nagpunta siya sa lugar ng kapanganakan ng maagang Renaissance, sa Florence. Dito nakita ng pintor ang maraming magagandang gawa ng relihiyosong pagpipinta, kabilang ang mga gawa ni Botticelli, na ang gawa ay hinangaan niya habang nasa Louvre pa. Kinopya rin ni Tesleff ang mga monastic fresco. Ang impluwensya ng espirituwal na pagpipinta ng Italyano ay nagpatindi sa kanyang pananabik para sa isang patula, kahanga-hangang sining, at sa mga sumunod na taon, ang color asceticism sa kanyang trabaho ay nakatanggap ng pinakamataas na pagpapahayag. Ang mga karaniwang motibo ng kanyang mga gawa ay mahigpit na mga tanawin na ginawa sa madilim na kulay at mga pigura ng tao, makamulto at mapanglaw.

Ang isang halimbawa ng mga gawa mula sa panahong ito ay ang katamtamang sukat " Self-portrait"(1894-95) Ellen Tesleff, iginuhit sa simpleng lapis. Ang self-portrait na ito, na nilikha sa Florence, ay resulta ng dalawang taon ng paghahanda. Ang madamdaming mukha na lumilitaw mula sa kadiliman ay nagsasabi sa atin ng maraming tungkol sa artista at sa kanyang mga mithiin noong panahong iyon. Alinsunod sa pilosopiya ng simbolismo, tinanong niya ang mga pangunahing katanungan ng pagiging at pinag-aralan ang damdamin ng tao. Sa self-portrait na ito, makikita mo ang modernong embodiment ng sining ni Leonardo da Vinci kasama ang kanyang mga tanong at misteryo sa buhay. Kasabay nito, ang larawan ay napaka-personal: sinasalamin nito ang kalungkutan ni Tesleff sa pagkamatay ng kanyang pinakamamahal na ama, na nangyari dalawang taon na ang nakalilipas.

Si Tesleff ay lumaki sa isang musikal na pamilya at mula pagkabata ay mahilig kumanta at tumugtog ng musika kasama ang kanyang mga kapatid na babae. Ang isa sa mga pinaka-madalas na motibo sa kanyang trabaho ay ang echo o hiyawan - ang pinaka-primitive na anyo ng musika. Madalas din niyang inilalarawan ang pagtugtog ng biyolin - isa sa pinakakahanga-hanga at kumplikadong mga instrumentong pangmusika. Halimbawa, isang modelo para sa pagpipinta " Tumutugtog ng violin"(" The Violinist ") (1896) na ginanap ng kapatid ng artista, si Tira Elizaveta, na madalas na nag-pose para sa kanya noong 1890s.

Ang komposisyon ay pinananatili sa mainit na translucent, mother-of-pearl-opal tone. Ang violinist ay tumalikod sa manonood, nakatuon sa laro. Ang tema ng musika, na iginagalang bilang ang pinaka-espiritwal, banal na sining, ay isa sa pinakakaraniwan sa simbolismo, ngunit bihirang ilarawan ng mga artista ang mga babaeng musikero.

Tulad ng kanyang kaibigan na si Magnus Enckel, sa isang maagang yugto ng kanyang trabaho, ginusto ni Ellen Tesleff ang color asceticism. Ngunit pagkatapos ay nagbago ang kanyang istilo. Sa ilalim ng impluwensya ni Kandinsky at ng kanyang lupon sa Munich, ang artista ay naging unang Fauvist sa Finland, at noong 1912 ay inanyayahan siyang makilahok sa isang eksibisyon ng asosasyong Finnish. Setyembre, na nanindigan para sa maliliwanag na malinis na kulay.

Gayunpaman, ang kanyang pakikilahok ay hindi lumampas sa eksibisyon: Si Tesleff ay hindi sumali sa anumang mga grupo, isinasaalang-alang ang kalungkutan bilang isang normal na estado ng isang malakas na personalidad. Lumayo sa lumang kulay-abo-kayumanggi na hanay, sa mas mature na edad, nagsimulang lumikha si Tesleff ng makulay at multi-layered na mga pantasyang kulay. Paulit-ulit niyang binisita ang Tuscany kasama ang kanyang kapatid na babae at ina, kung saan nagpinta siya ng maaraw na mga tanawin ng Italyano.

Hindi nagpakasal si Tesleff, ngunit naganap siya bilang isang taong malikhain. Ang artista ay nabuhay ng mahabang buhay at nakakuha ng pagkilala.

Banyagang sining sa Ateneum

Ang koleksyon ng mga dayuhang sining ng Athenaeum Museum ay nagtatanghal ng higit sa 650 mga kuwadro na gawa, eskultura at mga guhit na nilikha ng mga sikat na master tulad ng Cezanne, Vag Gogh, Chagall, Modigliani, Munch, Repin, Rodin, Zorn.

Mula sa isang banyagang koleksyon Museo ng Athenaeum highlight pagpipinta ni Van Gogh "Street in Auvers-sur-Oise"(1890). Ipininta ni Vincent van Gogh ang larawang ito bago siya mamatay, sa maliit na bayan ng Auvers-sur-Oise ( Auvers-sur-Oise), na matatagpuan sa lambak ng Seine tributary, mga 30 km hilagang-kanluran ng. Si Van Gogh, na dumaranas ng mga sakit sa pag-iisip, ay pumunta sa Auvers-sur-Oise sa payo ng kanyang kapatid na si Theo para sa paggamot ni Dr. Paul Gachet. Ang klinika ng doktor na ito ay matatagpuan sa Auvers-sur-Oise - isang tao na walang malasakit sa sining, na pamilyar sa maraming Pranses na artista at naging kaibigan din ni Van Gogh.

Ang bayan ng Auvers-sur-Oise sa kalaunan ay naging lugar ng kamatayan ng artista, na nadama na parang pabigat sa kanyang kapatid at sa kanyang pamilya. Binaril ni Van Gogh ang sarili at pagkatapos ay namatay dahil sa pagkawala ng dugo. Ang artista ay nanirahan sa Auvers-sur-Oise sa huling 70 araw ng kanyang buhay, na nagkumpleto ng 74 na mga pagpipinta sa maikling panahon na ito, ang isa ay nasa pangunahing museo ng sining sa Helsinki. Marahil ang pagpipinta ay naiwang hindi natapos (sa ilang mga lugar ay nakikita ang panimulang aklat). Ang ningning ng kalangitan ay pinaliliwanag ng mas kalmadong berdeng tono ng lupa at ang mapupulang tono ng mga naka-tile na bubong. Ang isa ay nakakakuha ng impresyon na ang buong eksena ay nasa isang espirituwal na kilusan, na puno ng hindi mapakali na enerhiya.

Mayroong isang napaka-kagiliw-giliw na kuwento tungkol sa kung paano napunta ang pagpipinta na "Street in Auvers-sur-Oise". Museo ng Athenaeum... Ilang oras pagkatapos ng pagkamatay ni Van Gogh, ito ay pagmamay-ari ng kapatid ng artista, si Theo, at pagkatapos ay sa kanyang balo, kung saan binili ang pagpipinta ni Julien Leclerc ( Julien leclercq) ay isang Pranses na makata at kritiko ng sining. Nabatid na noong 1900 ay nakakuha si Leclerc ng hindi bababa sa 11 na gawa ni Van Gogh mula sa biyuda ni Theo. Pagkalipas ng isang taon, inayos niya ang unang retrospective exhibition ni Van Gogh, ngunit di-nagtagal ay namatay nang hindi inaasahan. Ang asawa ni Leclerc ay ang pianista na si Fanny Flodine ( FannyFlodin), kapatid ng Finnish artist at sculptor na si Hilda Flodin ( Hilda flodin). Noong 1903, ibinenta ni Fanny ang pagpipinta ng Van Gogh sa mga kinatawan ng nabanggit na kolektor na si Fridtjof Antell para sa 2,500 marka (mga 9,500 euro sa modernong pera). Ang canvas na ito ay naging ang unang pagpipinta ni Vag Gog ng Lumang Simbahan

Pinong pintor na si Berndt Lindholm (1841-1914).

Berndt Adolph Lindholm Berndt Adolf Lindholm, (Loviisa Agosto 20, 1841 - Mayo 15, 1914 sa Gothenburg, Sweden) ay isang pintor ng Finnish, ay itinuturing din na isa sa mga unang impresyonistang Finnish. Lindholmay din ang unang Scandinavian artist na nag-aral sa Paris. PNatanggap niya ang kanyang unang mga aralin sa pagguhit sa Porvoo mula sa artist na si Johan Knutson, at pagkatapos ay inilipat sa Finnish Drawing School of the Arts Society sa Turku. Noong 1856-1861. siya ay estudyante ni Ekman.1863-1865 Ipinagpatuloy ni Lindholm ang kanyang pag-aaral sa ibang bansa sa Düsseldorf Academy of Arts.Umalis siya sa Germany at kasama si ( Hjalmar Munsterhelm) Magnus Hjalmar Munsterhjelm (1840-1905)(Tulos Oktubre 19, 1840 - Abril 2, 1905) bumalik sa kanyang tinubuang-bayan sa Karlsruhe (1865-1866), kung saan nagsimula siyang kumuha ng pribadong mga aralin mula saHans Fredrik Gude (1825-1903),at pagkatapos ay binisita niya ang Paris ng dalawang beses noong 1873-1874, kung saan si Leon Bonna ang kanyang guro. Sa Francemalapit na nakipag-ugnayan sa lalaking Barbizon na si Charles-Francois Daubigny.Pinahahalagahan din niya ang gawain ni Théodore Rousseau at hinangaan ang gawa ni Jean-Baptiste Camille Corot.Ang unang solong eksibisyon ay ginanap sa Helsinki noong taglagas ng 1870, kung saan si Lindholm ay lubos na pinuri. Noong 1873 iginawad ng Academy of Arts ang titulong akademiko para sa pagpipinta na "Kagubatan sa lalawigan ng Savolas" at iba pa., noong 1876 ay ginawaran siya ng medalya ng World's Fair sa Philadelphia; noong 1877 siya ay iginawad sa Finnish State Prize.nakatira karamihan sa ibang bansa. Noong 1876 lumipat siya sa Gothenburg at nagtrabaho bilang tagapangasiwa ng museo (1878-1900). Nagturo din siya sa Gothenburg School of Drawing and Painting, pagkatapos ay nahalal na Pangulo ng Academy of Fine Arts at miyembro ng Royal Swedish Academy..Siya ay mas maraming nalalaman kaysa sa kanyang kaibigang artista at karibal Magnus Hjalmar Munsterhelm na nanatiling tapat sa romantikong tanawin sa buong buhay niya.Sa una, nagpinta rin si Lindholm ng mga tipikal na romantikong tanawin, at pagkatapos, sa ilalim ng impluwensya ng French plein-air painting, unti-unti siyang naging malapit sa realismo. Sa pagtatapos ng kanyang karera, lumipat lamang siya sa coastal at seascapes. Lindholm lumahok sa paglalarawan ng aklat ni Zacharias Topelius - (Zacharias Topelius, 1818-1898) - isa sa mga pinaka-kahanga-hangang kinatawan ng panitikan ng Finnish. Makata, nobelista, mananalaysay, mananalaysay at mamamahayag, nakamit niya ang pag-ibig at pagkilala, kapwa sa tahanan at malayo sa mga hangganan nito. Sumulat si Topelius sa Swedish, bagama't matatas din siya sa Finnish. Ang mga gawa ni Topelius ay isinalin sa higit sa dalawampung wika. Siya ay nagtataglay ng isang hindi pangkaraniwang multifaceted na talento at kamangha-manghang kapasidad para sa trabaho; ang kumpletong koleksyon ng kanyang mga gawa ay may kabuuang tatlumpu't apat na volume. (Z. Topelius. Paglalakbay sa Finland. Edisyon ni F. Tilgman, 1875. Isinalin mula sa Swedish F. Heuren. Naglalaman ng maraming ukit mula sa orihinal na mga pintura ni A. von Becker, A. Edelfelt, R. V. Eckmann, V. Holmberg, KE Janson , O. Kleine, I. Knutson, B. Lindholm, G. Munstergelm at B. Reingold). Ang mga guhit ni Lindholm sa halagang 10 ay nakatuon sa talon ng Imatra. Sa Finland, ang mga gawa ng artista sa kanyang pananatili sa France ay hindi lubos na pinahahalagahan, halos lahat ng mga ito ay nasa pribadong koleksyon.

Mabato beach . Dagdag pa... ">

Mga batong nasisinagan ng araw.

Ang gilid ng isang pine forest.

Forest landscape na may pigura ng isang magtotroso.

Ilog na dumadaloy mabatong lugar

Mag-ani ng mga oats.

baybayin

Landscape ng taglamig sa liwanag ng buwan

View mula sa dalampasigan.

Mga bangka sa pantalan

Mga palda.

Landscape na may mga birch

Seascape.

Seascape.

Tingnan ang mga bato.

pananabik

Pumasok ang sikat ng araw kagubatan.

View ng Ladoga.

Mga mangingisda sa umagang ulap

Mga barko sa abot-tanaw.

Montmart, Paris.

Mula sa Isla ng Porvoo

Baka sa pastulan