Mga sketch ng langis ng light landscape. Mabilis na pag-aaral

Kailan magsisimula ang artista? Ang bawat isa sa kanyang sariling oras. Ang artist sa isang natural na setting ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng kapaligiran: mga magulang, guro, lipunan. Ang kapaligiran ay pinagmumulan ng pagkamalikhain, ang paggising ng talento.

Ang pagiging malikhain ay nabuo nang iba para sa lahat. Samakatuwid, imposibleng matukoy ang threshold na naghihiwalay sa master mula sa mag-aaral. Minsan isang hakbang lang, at minsan marami. Ang karunungan ng mastery para sa isa ay nangyayari halos agad-agad, para sa isa ay tumatagal ng mahabang panahon at hindi mahahalata.

Ang kasaysayan ng pagpipinta ay puno ng iba't ibang mga halimbawa ng maagang artistikong pag-unlad at, sa kabaligtaran, medyo huli na. Kadalasan ang talento ay nagpapakita ng sarili sa kapaligiran ng sining, ngunit kadalasan ay nagmumula sa isang kapaligiran na dayuhan sa sining. Karamihan sa mga artista na ang mga pangalan ay narinig ay nakatanggap ng isang akademikong edukasyon, ang iba pang mga pintor ay nag-aral nang masigasig, ngunit hindi sa mga akademya. At ang ilan ay nakabisado na ang sining ng pagsulat sa kanilang sarili.

Ang bawat tunay na artista ay may isang tiyak na hanay ng mga katangian, kung wala ito ay hindi siya magaganap: pag-ibig sa kalikasan, pagkauhaw sa kaalaman.

Bakit ang haba ng pagpapakilala?

Sa paghahalungkat sa mga lumang folder, nakakita ako ng ilang natitirang sketch mula sa panahon ng pag-aprentice, na pininturahan ng langis. Nakatutuwang balikan ang nakalipas na ilang dekada at alalahanin ang iyong mga damdaming natanggap mula sa trabaho.

Ang bawat sketch ay isang pang-edukasyon, mabilis (hindi hihigit sa 15 minuto) na sketch sa mga kulay ng isa o ibang estado ng kalikasan. Sa isang bahagi ng etudes - landscape: gabi, paglubog ng araw, gabi. Naturally, kailangan nilang isulat nang walang ilaw. Halimbawa, ang maliwanag na ilaw na mga bintana ng balkonahe ay pininturahan sa matinding dilim na may bukas na mga kulay na literal sa pamamagitan ng pagpindot.

Ang scanner, sa kasamaang-palad, ay hindi maihatid ang kinang ng tamang kulay. Iniharap niya ang lahat ng pinakamadilim na lugar bilang isang solidong black fill na walang kulay.

Ang artist ay nagsisimula nang tumpak sa gayong mga sketch "para sa estado." Kami, mga mag-aaral ng departamento ng pagpipinta, ay nagpinta ng daan-daang mga ito na may tanging layunin na "punan" ang kamay at mata, gamit ang kulay at ang pinakamalawak na brush.

Tungkol sa pag-aaral sa araw, kung ang pagpipinta ay tila isang daub, inirerekumenda ko ang pagpikit ng iyong mga mata at makita kung paano ang patag na espasyo ng landscape ay nabubulok sa liwanag at anino. Hindi mahalaga kung gaano teknikal at detalyado ang sketch ng pag-aaral. Ang mahalaga ay ang tamang ratio ng liwanag sa anino. Ito ang kakanyahan ng trabaho sa bukas na hangin, at hindi sa lahat ng intensyon na magpinta ng isang malaking bilang ng mga landscape para sa pagbebenta.

Ngunit, bilang karagdagan at isang pagtanggi sa nakaraang talata, sabihin nating ang pinakamahusay at karapat-dapat sa mga pag-aaral sa pagbebenta, siyempre, ay matagal nang naibenta. Ang lahat ng ipinakita dito ay ang kakanyahan ng iba.

Tag: easel painting

Ipinakita ko ang aking compact set para sa mabilis na watercolor sketch (magsusulat ako ng tungkol sa mga mahahaba sa susunod na linggo), ngayon naman ay pag-usapan ang tungkol sa pag-aaral ng langis. Dito, din, ang lahat ay nakasalalay sa mga gawain: para sa malalaking gawa kumuha ako ng isang Mabef tripod at isang carrier para sa mga canvases, para sa maraming maikling sketch ay gumagamit ako ng isang maliit na Podolsk sketchbook na may mga binti, binabago ito ng kaunti para sa aking sarili, ngunit ito ay isang pagpipilian sa paglalakad. . May kaunting oras, tumalon ako sa parke at gumawa ng sketch. O kaya'y nag-picnic ako kasama ang mga kaibigan at habang ang lahat ay nagkakalat ng kumot, naghihiwa ng mga kamatis, mabilis kong nakuha ang sandali. Nagpunta ako upang ipakita sa aking ina na si Repino: naglalakad siya sa baybayin, nagpinta ako. At iginuhit ko ito sa oras ng tanghalian 🙂

Ang isa pang pagpipilian ay maaaring tawaging urban. Peter sa panahon - ito ay pulutong ng mga turista. Sumang-ayon, kakaunti ang gustong magtrabaho kapag maraming tao ang nakatayo sa likuran nila at huminga sa likod ng kanilang mga ulo, nagtanong tungkol sa isang bagay, nagpapayo ... Buweno, imposible lamang na tumutok sa isang gawain. Hindi lang ako magdrawing, kahit anong trabaho ang pinag-uusapan. Sa pagpipinta, nalulutas din ng artist ang mga problema: kung paano ihatid ang liwanag, kung saan mas mahusay na maglagay ng bush, kung paano ilihis ang atensyon ng hinaharap na manonood nang malalim sa trabaho. Kinabukasan! Ngunit sa proseso ng pagguhit, hindi lahat ay handa na "maghubad" at ipakita ang "behind the scenes", ang tren ng kanilang mga iniisip. At kahit na sinasabi nila ng isang libong beses, kailangan mong masanay sa pagguhit sa karamihan, ngunit hindi ito gumagana! Kailangan mong magsimula sa isang lugar. Masanay ka na) Nagsisimula ako, ngunit sa panahon ng turista ng St. Petersburg at magpatuloy sa kahon ng Jullian.

Ang pinakamahalagang bentahe ay hindi ito nakakaakit ng pansin sa sarili nito sa parehong paraan tulad ng isang ordinaryong sketchbook na may mga binti. Bumangon ka sa isang maingay na kalye na may tripod at lahat, ikaw ay isang bayani! "Nakita" nila ang mga selfie kasama ka, kunin ang iyong mga sketch na scribbles, tanungin kung bakit ito ay dilaw, sabihin ang kanilang mga kuwento…. oh:((((Sinusubukan kong lumikha ng pinaka komportableng mga kondisyon para sa aking sarili sa open air. Tungkol sa mga hack sa buhay. Mas madali ang lahat sa kahon ng Jullian: kailangan mo lamang kumuha ng upuan at umupo nang nakatalikod sa bahay o, halimbawa, yumakap sa mga palumpong sa Summer Garden. Binuksan ko ang sketchbook sa aking mga tuhod at - sige! Ang canvas sa karton na 25x35 cm ay nakatago mula sa prying eyes, imposibleng tumayo sa likod, napakahirap tingnan. sa (kailangan mo ng isang leeg tulad ng isang giraffe). At kung kukuha ka rin ng kulay-abo-beige-berde na mga damit, maaari mong madaling sumanib sa kapaligiran 🙂 at maximum na konsentrasyon sa proseso.

Malaking taba plus katulad na mga sketchbook - ang paghahanda para sa pagpipinta ay hindi tumatagal ng maraming oras. Kailangan mo lamang buksan ang talukap ng mata at pisilin ang mga pintura (hindi ko gustong gawin ito nang maaga, sa maraming mga tubo ay may exfoliated liquid oil, habang nakarating ka sa lugar, ang ilang mga pintura ay lumalabas). Pagod o isang pulutong ng mga turista nakuha pa rin ako, isinara ang takip at umalis.

Timbang ng kahon 2.5 kg. Mga Dimensyon: 42 x 29 x 9 cm Sa loob - ang mga compartment na may metal coating ay madaling linisin ng langis, na kung saan ay nabahiran ang lahat ng bagay sa kanilang paligid))) Gawa ng Pranses nang perpekto. Hindi ko kinuha ang Russia o China, dahil. Gustung-gusto ko ang mga bagay na ginawa na may mataas na kalidad, na may isip. Kapag ang lahat ng mga kandado ay mahinang na-snap sa lugar, at ang takip ay ligtas na naayos sa tamang posisyon (sa kanyang sarili, nang walang anumang mga turnilyo), ang maleta mismo ay gawa sa beech, pantay (!) barnisado, kumportableng hawakan ng katad. Well, sa pangkalahatan, naiintindihan mo ako 🙂 mayroong lahat ng uri ng mga bagay na madalas naming ginagamit, at kung ang mga ito ay naisip sa pinakamaliit na detalye, kung gayon ito ay isang hiwalay na buzz.

Anong nasa loob?

• Canvas sa karton 25x35 o maaari kang bumili ng isang malaking karton at gupitin ito sa nais na laki
• Palette (kapag isinara ang drawer, mahigpit itong naayos na may takip)
• Mga panyo ng papel (kung marumi, nasa kamay)
• Basahan (pinunasan ko ang aking mga brush)
• Palette kutsilyo (nagsusulat ako gamit ang isa, nililinis ko ang palette gamit ang isa pa)
• Maliliit na tubo ng pintura ng langis sa isang cosmetic bag (Ayoko kapag nakalawit sila sa kahon at nagkakalansing kapag naglalakad)
• mga bag ng basura)
• ulam ng mantikilya
• Isang kahon na may mga pushpins (bago magtrabaho, agad kong ipinasok ang mga ito sa karton, pagkatapos ng pagguhit ay inilalagay ko ang karton na nakaharap sa takip, kaya pinoprotektahan ng mga pindutan ang takip mula sa pintura sa sketch. Hindi ko inilalagay ang sketch na nakaharap sa palette, dahil ang mga hindi nalinis na pintura ay maaaring lumipat sa nakasulat na sketch). Kung ano ang hitsura ng mga pindutan mismo - tingnan ang larawan sa simula ng tala. Naglilipat din ako ng ilang sketch: sa bawat isa kailangan mong idikit ang mga pindutan sa mga sulok, i-stack ang mga sketch sa ibabaw ng bawat isa at ilagay ang mga ito sa isang kahon.
• Sa isang plastik na bote (ito ay mula sa isang shower gel mula sa ilang hotel) - langis ng linseed o isang katangan (karaniwan akong nagsusulat dito)
• mga brush

Ay oo! Tungkol sa cons nakalimutan kong sabihin! Sa pag-upo, makakakuha ka lamang ng isang punto ng view: mayroong maliit na pagbubukas ng pahalang na eroplano, at kung naaakit ako ng mga anino ng openwork mula sa mga puno sa eskinita na papunta sa malayo, kung gayon kailangan kong kumuha ng tripod o maghanap ibang plot.

Ang natitira ay solid plus. At higit pa! Kapag sa bahay ay nagpinta ako ng isang larawan sa isang malaking canvas sa ilang mga sesyon, nag-iingat ako ng isang palette na may napipisil na mga pintura sa isang drawer upang hindi sila matuyo.

Binili ko ito ilang taon na ang nakalilipas sa Art Quarter at kinuha ang utak ng isang mahirap na consultant na nagpakita sa akin ng iba't ibang mga kahon sa loob ng ilang oras: nagpasok kami ng iba't ibang karton sa loob, kinakalkula kung gaano karaming mga sketch ang papasok, nakasalansan ang isang grupo ng mga brush, tinimbang, binuksan at isinara. Pero ganyan dapat. Sinubukan ko ang lahat, siniguro na ang sketchbook ay 100% na angkop para sa akin at naiwan na nasiyahan. Hindi kailanman pinagsisihan. Kaya, pahirapan ang mga consultant)

Mga tanong? Ano ang nakalimutan mong isulat?

UPD. Maraming salamat sa mga tanong sa instagram! May mga karagdagan.

Ang karton, sayang, ay hindi nakakabit sa anumang paraan, ngunit nagsusulat ako ng mabilis na mga sketch sa isang likidong paraan, sa isang manipis na layer. Karaniwan, kapag nagsusulat ng impasto o nagpapahayag, ang canvas ay nanginginig) Kaya't hinahati ko ang aking mga hanay ayon sa mga gawain: solidong pagpipinta - isang sketchbook na may mga binti o isang tripod, mabilis na pagpipinta - kahon ni Jullian.

Paano hindi nadudumihan ang reverse side ng etude mula sa mga kulay sa palette? Oo, nakalimutan kong linawin na karaniwan kong pinipiga ang medyo kaunting langis para sa isang etude, sumulat ako nang tuluy-tuloy. Ipinasok ko ang mga pindutan upang lumabas sila sa kabilang panig at pagkatapos ay pinoprotektahan ng maliliit na binti ang sketch mula sa langis. Hindi, hindi scratched ang palette) Hindi ko alam kung bakit) Magandang coverage, I guess. Madali din itong maglinis. Kung pumiga ako ng maraming langis, pagkatapos ay inilalagay ko ang karton na may mga plastik na binti sa palette. Kung ito ay napaka, napakarami, pagkatapos ay kumuha ako ng isang metal na kahon mula sa ilalim ng mga lollipop at inilipat ang natitira doon. At nang pumunta ako sa Vyborg upang mag-aral ng mga sketch at magsulat ng maraming (higit sa 2 ay hindi magkasya sa isang kahon), gumamit ako ng isang makapal na paper bag mula sa ilang boutique store at naglagay ng 4-5 sketch na may mga pindutan na ito doon. Bitbit nang hiwalay.

Ang proseso ng pagkamalikhain at ang resulta ay malapit na nauugnay sa pananaw sa mundo ng artist. Ang kanyang mga saloobin, damdamin, pantasya, kasanayan, saloobin sa inilalarawan ay nakikilahok sa larawan na kanyang nilikha. Ang artista ay palaging naghahanap ng pinaka-nagpapahayag na solusyon sa kanyang ideya, pinag-iisipan ang balangkas, ang komposisyon. Ang mga imahe na lumitaw sa kanyang imahinasyon ay may layunin na pinagmulan, ay ipinanganak ng mga nakikitang katangian ng katotohanan at may sariling mga tiyak na anyo. Samakatuwid, ang pintor, na naglalaman ng kanyang ideya, ay tumutukoy sa mga katangian ng mga bagay at phenomena na nakikita niya sa paningin. Kung mayroong visual authenticity ng imahe na inilalarawan, posible na ipahayag ang ilang mga damdamin, mga saloobin, upang magdulot ng mga naaangkop na karanasan sa manonood, na ang mga nauugnay na representasyon ay nauugnay sa layunin ng mundo. Sa magandang tanawin, makikita ng manonood hindi lamang ang mga materyal na bagay, kundi pati na rin ang natural na paglalaro ng liwanag at kulay, ang kulay-pilak na kinang ng hamog o ang paglalaro ng mga kulay sa kalangitan sa umaga. Ang ganitong imahe ay nagbubunga ng mga nakalimutang impresyon sa memorya, nagpapagana ng imahinasyon, nagpapakilos ng mga kaisipan at damdaming nauugnay sa mga nakaraang karanasan, sa nakaraang karanasan. Ang emosyonal at aesthetic na epekto ng mga pagpipinta ay konektado sa mga kakaibang ito ng associative perception.

Hindi dapat isipin na ang may-akda ng larawan, na nagsusumikap na makamit ang visual na pagiging tunay ng pagpipinta, ay dapat na mekanikal na kopyahin ang hitsura ng inilalarawan. Ang gawaing pang-edukasyon ay pangunahing nailalarawan sa pamamagitan ng katalusan, malalim at komprehensibong pag-aaral ng kalikasan. Kadalasan, ang mga sketch na pang-edukasyon ay masyadong "tuyo", "fractional", "protocol", na katulad ng bawat isa hindi lamang sa balangkas at pampakay na mga termino, kundi pati na rin sa teknikal na pagpapatupad. Ang lahat ng ito ay medyo natural, at ang "pagkatuyo", pagkamahiyain ng gawaing pang-akademiko ay hindi maituturing na mga palatandaan ng kahinaan nito o ang kakulangan ng may-akda ng malikhaing talento.

Kasabay nito, ang malayang saloobin ng mag-aaral sa mga gawain ng etude, ang isang tiyak na "pagkamatapang" ay hindi mga palatandaan ng pagkamalikhain, tulad ng kung minsan ay pinaniniwalaan. Ang mga gawaing pang-edukasyon ay hindi sapat na emosyonal, sariwa at orihinal, dahil ang mga ito ay hindi perpekto sa sining, dahil ang mga mag-aaral ay wala pang karanasan, kasanayan, hindi alam ang buong iba't ibang paraan para sa paglutas ng isang problemang pang-edukasyon o paglalagay ng isang ideya. Ang libreng creative mastery ng kalikasan at mga batas nito, pati na rin ang teknikal na pagiging perpekto, ay darating lamang sa karanasan.

Pinag-uusapan natin ang katotohanan na sa gawaing pang-edukasyon ang nakatakdang mga gawaing pang-edukasyon at pang-edukasyon ay pare-pareho at malinaw na nalutas at, kasabay nito, ang mga mag-aaral ay pinalaki at nabuo ang mga malikhaing talento.

Pangunahing bahagi

Ang kakayahang makita at maihatid ang mga three-dimensional na hugis at kulay ng mga bagay sa isang eroplano ay ang kakanyahan ng pagpipinta. Ang diploma na ito ay nakuha pangunahin sa mga pagsasanay mula sa kalikasan. Kung mas nagpinta ang artist ng mga sketch mula sa kalikasan, nagiging mas matalas ang kanyang pakiramdam ng kulay, pagkakatugma ng mga kulay at ritmo ng mga linya. Bilang isang resulta ng patuloy na pagsasanay sa paglalarawan ng mga buhay na buhay, mga tanawin, ang ulo at pigura ng isang tao mula sa kalikasan, nabubuo ang pagmamasid, ang kakayahang bigyang-diin ang mahalaga, itapon ang pangalawa, ipahayag ang sariling damdamin na dulot ng kagandahan ng nakapaligid na kalikasan, ang nabubuo ang pagkakaiba-iba ng buhay.

Ang landas sa mastery ay nagsisimula sa pag-aaral ng mga teoretikal na pundasyon ng pagpipinta at ang sistematikong pagpapatupad ng mga praktikal na pagsasanay. Kung walang kaalaman sa mga batas ng pagpipinta, ang praktikal na gawain ng mga mag-aaral ay bulag at ang propesyonal na pagpapabuti ay bumabagal.

Ang paglalarawan ay, una sa lahat, pangangatwiran. Kapag nagsimula kang magpinta, kailangan mong pag-isipang mabuti ang iyong gawain, malinaw na tukuyin ang iyong layunin.

Maging si Leonardo da Vinci ay nagsabi na “ang mga umiibig sa pagsasanay na walang agham ay parang mga manliligaw na naglalayag na walang timon at kumpas, dahil hindi nila matiyak kung saan sila pupunta. Ang pagsasanay ay dapat palaging binuo sa mabuting teorya, at kung wala ito walang magagawa nang maayos sa mga kaso ng pagpipinta."

Paano magpinta ng oil sketch

(sa website, isang libreng panonood ng video na "Mga aralin ng pagpipinta gamit ang mga pintura ng langis" ay pinlano sa lalong madaling panahon)

Gusto kong ilarawan kung paano ko isinasabuhay ang mga materyales at pamamaraan ng trabaho sa itaas. Halimbawa, napili ang landscape na "End of Summer".

Sa huling bahagi ng tag-araw - unang bahagi ng taglagas, ang mga dahon sa mga puno ay nagiging dilaw, ang damo ay kumukuha ng iba't ibang kulay. Ang mga anino mula sa mga puno ay nagiging mas malamig, na may isang lilang tint. Mas malapit sa abot-tanaw, dahil sa asul na kalangitan, ang mga puno at mga halaman ay tila mas malamig kaysa sa mainit na tag-araw. Ang taglagas ay ang oras kung kailan hindi mo makaligtaan ang isang araw nang walang pagpipinta sa bukas na hangin. Ang dalawa o tatlong oras na pagtatrabaho sa mga pintura ng langis sa isang araw para sa akin ay personal na nagiging minuto ng kumpletong kapayapaan ng isip, kapayapaan at pagkakaisa sa kalikasan.

Upang maisulat ang pag-aaral na ito, kailangan ko ng canvas na ginagamot sa gelatin at acrylic primer, na dati nang na-paste sa isang tablet. Nagpasya akong gawin ang underpainting gamit ang tempera paints, kaya nag-stock ako ng mga kinakailangang materyales para sa oil at tempera painting. Gumawa ako ng viewfinder mula sa itim na papel ayon sa laki ng inihandang canvas. Bilang karagdagan sa sketchbook, para sa kumpletong kaginhawaan, kumuha ako ng isang folding chair at isang payong sa akin.

Ang pagkakaroon ng napili ang pinaka-kaakit-akit na view ng landscape sa tulong ng viewfinder, sinusuri ang komposisyon at tonal na relasyon ng hinaharap na pag-aaral, ako ay nagsimulang magtrabaho.

Upang magsulat ng isang oil portrait mula sa isang larawan (), kailangan mo ng isang paunang, tumpak na pagguhit ng lapis. Sa aking kaso, ang pagtatayo ng komposisyon at ang paunang pagguhit sa canvas ay maaaring gawin gamit ang isang manipis na kolinsky brush No. 2 at transparent, ocher tempera na pintura. Sa tulong ng viewfinder, natukoy ko na ang mga halaman ang magiging pangunahing bagay sa sketch. Batay dito, ang horizon line ay matatagpuan sa itaas ng gitna ng canvas. Upang bigyang-diin ang pananaw ng tanawin, pati na rin ang balanse ng komposisyon, binalangkas niya ang isang kalsada na humahantong sa malayo.

Bago magpatuloy sa underpainting na may tempera paint, isinagawa ko sa isip ang gawaing paghahanda.

1. Maingat na sinuri ang tonal na relasyon ng landscape.

2. Naka-install ang pinakamagaan at pinaka-puspos sa mga lugar ng tono.

3. Natukoy kung aling mga kulay ang mangingibabaw sa sketch sa foreground, gitna at background.

Upang maiwasan ang mga pagkakamali sa karagdagang tonal na pagtatayo ng trabaho, sinimulan ko ang underpainting na may pinaka-puspos na mga fragment ng larawan, hindi alintana kung ito ay isang buhay na buhay o isang pigura ng tao. Pagkatapos ay nagsusulat ako mula sa pinakamadilim hanggang sa pinakamaliwanag. Madalas na nangyayari na ang puting lupa ng canvas ay ang pinakakaunting lugar sa saturation sa pag-aaral. Sa ganitong mga kaso, binibigyan ko ang lupa ng isang mainit o malamig na lilim, depende sa mga pangyayari at lugar ng pagpipinta (sa madla o sa open air).

Sa landscape na "End of Summer", ang pinakamahusay na solusyon ay ang magsagawa ng underpainting, na nagsimula sa mga puno sa background. Ang katotohanan ay ang mga halaman at ang ibabaw ng lupa sa background ay malinaw na nakikilala sa pamamagitan ng isang kulay-lila-asul na guhit at may magaan na tono malapit sa kalangitan. Mga pintura na ginamit: sky blue, cadmium violet, Neapolitan red-violet, zinc at titanium white sa ratio na 1:1.

Sa itaas ng mga puno malapit sa abot-tanaw, ang kalangitan ay may ocher-reddish na kulay at naging pinakamagaan na elemento sa tono sa larawan. Mga pintura na ginamit: ginintuang Moscow ocher, light cadmium red, whitewash. Ang gayong kaibahan ng mainit at malamig na lilim sa abot-tanaw ay minarkahan ang hangganan sa pagitan ng mga puno at kalangitan.

Narito ang mga sipi mula sa mga tala ni D. Constable sa langit: Ang pintor ng landscape, kung kanino ang langit ay hindi isa sa pinakamahalagang bahagi ng komposisyon, ay nagpapabaya sa kanyang pinakamahusay na katulong ... Ang kalangitan ay isang napakahirap na gawain, kapwa sa mga tuntunin ng komposisyon at sa mga tuntunin ng pagpapatupad. Sa buong ningning nito, hindi ito dapat nakausli, ngunit dapat lamang pukawin ang ideya ng walang katapusang distansya. Hindi ito, siyempre, nalalapat sa mga bihirang natural na phenomena o hindi sinasadyang mga epekto ng pag-iilaw, na palaging nakakaakit ng espesyal na atensyon ... "

Sa paglipat sa medium shot, gumamit ako ng mas maraming contrasting at saturated na tono para sa mga puno at iba pang mga halaman. Isinasaalang-alang ang aerial perspective, nagpinta ako ng anino at liwanag na may mas maiinit na kulay. Mga kulay ng anino na ginamit: Cadmium Violet, Sky Blue, Umber nasunog, pulang ilaw ng cadmium. Mga pintura na ginagamit para sa liwanag: dilaw na okre, ginintuang Moscow okre, kadmyum pula, kadmyum dilaw na lemon, titanium puti.

Sa pinakamalapit na plano sa manonood, ang damo at ang kalsada ay medyo mas magaan at mas mainit kaysa sa tono ng mga puno. Narito ang mga pintura tulad ng okre dilaw, ginintuang Moscow okre, kadmyum pula, kadmyum dilaw na lemon, carmine, Ingles pula, puti.

Ang nasabing underpainting ay nagbigay na sa future sketch ng aerial perspective at natukoy ang kulay ng gawa.

Matapos matuyo ang tempera paint, nagsimula akong magpinta sa mga langis.

Sa yugtong ito ng trabaho, kailangan kong:

1. "Bigyang-diin" ang dami ng mga dahon at putot ng mga kalapit na puno.

2. Ihanda ang unang plano bilang batayan para sa susunod.

3. Ilarawan nang detalyado ang pangalawang plano ng sketch.

4. Idagdag, sa tulong ng mga glaze, iba't ibang mga kulay sa mga tamang lugar ng sketch.

Kasunod ng underpainting na may tempera paints, nagpatuloy siya sa isang oil sketch mula sa mga puno sa background. Ang mga anino ng mga puno ay binigyan ng malabong tabas na may pinaghalong kulay. Mga pintura na ginamit: ubas itim, puti, asul na langit; nagpakita ang liwanag sa tulong ng lemon-yellow, whitewash at sky-blue na mga pintura.

Gamit ang isang #16 bristle brush, ipininta ko ang kalangitan, inilapat ang tinatawag na stretching mula sa mainit-init (sa abot-tanaw) na tono hanggang sa malamig at mula sa liwanag hanggang sa madilim, upang bigyan ito ng lakas ng tunog. Mga pintura na ginamit: sky blue, blue - "FC", cadmium violet, grape black, white. Inireseta ang kalangitan, inilapat ang isang makulay na layer sa isang dayagonal na direksyon.

Gaya ng inilarawan sa itaas, hindi dapat magkaroon ng dalawang magkaparehong stroke sa isang painting (tingnan ang oil painting techniques). Samakatuwid, gumamit ako ng mga brush na may iba't ibang laki (ayon sa mga fragment ng trabaho).

Ang liwanag sa foreground at background ng pag-aaral ay napuno ng mga pasty stroke, gamit ang isang palette knife.

Ang pagkakaroon ng pagbibigay ng lakas ng tunog sa mga putot ng mga puno at mga halaman sa background, nagpatuloy ako sa mga detalye.

Sa huling yugto ng trabaho, ang kailangan ko lang gawin ay pintura nang mas maingat ang manipis na mga sanga ng mga puno, damo at mga seksyon ng kalsada na may manipis na kolinsky brush (No. 2).

Ang tagumpay sa malikhaing aktibidad ay tinitiyak, una sa lahat, sa artistang iyon na, sa kanyang matigas na pagnanais na lumikha ng isang gawa ng sining, nagtagumpay, sa kabila ng iba't ibang mga paghihirap, anumang mga hadlang at hadlang sa kanyang landas sa buhay. Alalahanin si Vincent van Gogh... Pagkatapos ng lahat, pinatunayan ng artist na ito (at hindi lamang siya) na ang isang tao, sa kanyang tiyaga at pagnanais na makamit ang kanyang layunin, ay may kakayahan ng maraming.

Minsan ang sikat na iskultor na si Michelangelo ay tinanong ng tanong: "Paano ka makakakuha ng gayong kahanga-hangang mga eskultura?" Kung saan siya ay sumagot: "Kumuha ako ng isang bato at pinutol ang lahat ng hindi kailangan dito." Ganoon din sa pagpipinta. Sa pamamagitan ng pagkakatulad, kailangan mo lamang ilagay ang nais na tono ng pintura sa kaukulang lugar sa canvas ... Sa ganitong paraan, maiparating ng artist ang kanyang mga damdamin at mga iniisip, na nagbubukas ng isang bagong katotohanan sa manonood. Ngunit upang malaman kung paano, ano at saan ilalagay ang tono ng pintura, kailangan mong magtrabaho nang husto at bumuo, mag-aral at mahalin ang pagpipinta.

Ang pinakamahusay na guro para sa isang pintor ay kalikasan, at walang makapagtuturo ng higit pa sa kanya. Ang mga guro, guro ay gumagabay lamang, nagmumungkahi at nagtuturo sa nagsisimulang pintor ng mga pangunahing kaalaman sa pagpipinta, nagbabahagi ng kanilang sariling mga obserbasyon. Nasaan ka man, anuman ang iyong nararamdaman, at anuman ang iyong kalooban, laging subukan na mapansin sa katotohanan sa paligid mo na, sa unang tingin, ay tila hindi kawili-wili sa isang ordinaryong tao. Obserbahan at ihambing ang tonal na relasyon ng langit at lupa, ang mga kulay ng background at foreground. Gumawa ng mabilis na mga sketch mula sa kalikasan araw-araw at huwag na huwag sirain ang mga ito pagkatapos. Kahit na ang ilan sa kanila ay hindi naging tulad ng nakikita mo sa kanila.

Subukang isipin ang iyong sarili sa papel ng isang naturalista na nag-aaral ng mga phenomena ng kalikasan, ang mga gawi ng mga hayop; isang physiognomist na nag-aaral ng mga tampok ng istraktura at mga ekspresyon ng mukha ng mga mukha ng mga tao sa pagtatangkang hulaan, matukoy ang mga tampok ng kanilang pagkatao.

Dapat ipakita ng artist ang kanyang oras sa canvas at sa parehong oras ay maipahayag ang kanyang sarili, na nangangailangan ng kanyang patuloy na pagiging bukas sa labas ng mundo.

Bigyang-pansin ang mga tao sa paligid mo: pantomime, ekspresyon ng mukha, istilo ng pananamit (gumawa ng mabilis na mga sketch).

Upang palawakin ang iyong sariling mga propesyonal na abot-tanaw, subukang bisitahin ang maraming mga eksibisyon at museo hangga't maaari, pag-aralan ang mga pagpaparami ng mga mahuhusay na pintor, basahin ang iba't ibang panitikan.

Etude. Ang isang makabuluhang lugar sa gawain ng Malyutin ay inookupahan ng pagpipinta ng etude.

Ang kanyang mga sketch ay maaaring nahahati sa dalawang uri. Ang ilan ay mahaba: nilikha sila ayon sa kalikasan, na may maingat na pag-aaral ng mga form sa loob ng dalawa hanggang apat na oras at inilaan pangunahin para sa mga gawa sa genre. Kabilang dito, halimbawa, ang mga sumusunod: "Pastor sa pagpipinta na "Shepherd na may isang pastol" (1893, State Tretyakov Gallery), "Hut" sa pagpipinta na "Country Fair" (1907, State Tretyakov Gallery), "Boy" hanggang ang pagpipinta na "Grandfather and Granddaughter" (1932 , All-Union Central Council of Trade Unions), "Watermelons" para sa pagpipinta na "Artel Lunch" (1934, State Tretyakov Gallery).

Ang mga sketch na ito ay ginawa sa primed, fine-grained, siksik na linen na canvas. Masiglang inilalapat ng Malyutin ang mga pastel na nabura na mga pintura sa katawan, mga naka-texture na stroke, nagpapahayag ng mga anyo ng pag-sculpting.

Ang pangalawang uri ng etudes ay kinabibilangan ng 15-20-minutong etudes- "mga patch" na ginawa ng artist sa lokasyon sa kanyang madalas na paglalakbay sa rehiyon ng Moscow, sa hilaga ng Russia, sa Crimea at iba pang mga lugar ng ating Inang-bayan.

Monasteryo sa Istra

Sa mga sketch na ito ng mga karaniwang sukat (9x15 sentimetro), hinabol ni Malyutin ang dalawang layunin. Para sa kanya, ito ay, una, isang patuloy na pagsasanay ng kamay at mata sa kalikasan, at pangalawa, sa mga sketch- "blotches" ang artist ay naghahanap ng mga kulay na relasyon na kailangan niya.

Ang laki ng 9x15 sentimetro ay eksaktong tumutugma sa isang maliit na sketchbook (isang regalo mula kay K. Korovin). karaniwang sinasamahan si Malyutin sa kanyang mga field trip. Pupunta upang magsulat ng mga sketch, si Malyutin ay nagdala lamang ng isang maliit na sketchbook. Hindi niya gustong magtrabaho sa lokasyon kasama ang iba pang mga sketchbook. Pinipisil ang mga kulay na kailangan niya sa palette, kumuha siya ng puti at mga brush sa kanyang bulsa at nagsulat.

Ang pangunahing materyal para sa mga sketch na ito ay mga plato ng malakas, tatlong-layer, well-seasoned na playwud, 1.5 hanggang 2.5 mm ang kapal. Sa mga bihirang kaso, ang primed fine-grained canvas ay nakadikit sa playwud (pag-aaral ng "Hut", 1925, koleksyon ng O. S. Malyutina).

Ang mga diskarte para sa pagtula ng mga kulay sa maliliit, mabilis na pininturahan na mga sketch ay nakikilala sa pamamagitan ng pambihirang pagkakaiba-iba. Iyon ay isang napakanipis, semi-glazing (sa halip na likidong diluted na mga pintura) na pagmamason ng mga pintura sa etude na "Alabino. Brook" na may kasama sa ilang mga lugar sa kaakit-akit at makulay na layer ng texture ng playwud; pagkatapos ay isang mas impastoly painted sketch na "Skorotovo" (1936) na may semi-glazing na pagmamason ng mga pintura sa background at napakalaking, embossed, malakas na binibigkas na mga stroke (ulap) na inilagay sa kalangitan sa isang corpus; pagkatapos ay energetic masonry na may maikli, malawak na mga stroke ng katamtamang density ng mga kulay, malinaw na sculpting form sa "Peasant Yard" (1911); pagkatapos ay ang mga longitudinal texture stroke (langit at tubig) ay malawak na inilatag sa buong haba ng etude, na sinamahan ng napaka-paste at embossed na maliliit na stroke ng foreground (baybayin at mga bato) sa etude na "Crimea. Dagat" (1925).

Ang ilang mga sketch ay nakikilala sa pamamagitan ng napakalaking pagmamason ng enamel-tulad ng makapal na makulay na paste, na matalim na inilatag sa maliliit na stroke (sketch "Tree. Crimea" (1925).

Mahusay na ginamit ng Malyutin ang texture na ibabaw ng playwud sa pag-aaral. Pagpinta sa sketch na "Crimea. Beach" (1925) ay ginawa sa isang paraan na ang texture ng playwud, bahagyang isinusuot ng kulay-abo na pintura (nag-iiwan ng mga bakas dito sa anyo ng maraming mga gitling), perpektong naghahatid sa mabuhangin na baybayin ng beach. Sa background lamang, ang tubig at surf foam ay nagpapahayag ng maraming mga stroke ng asul na pintura at puti. Ang babaeng pigura na nakaupo sa dalampasigan ay naka-outline na may ilang light stroke ng Venetian na pula at itim.

Palaging pininturahan ni Malyutin ang kanyang mga sketch gamit ang mga bristle brush ng iba't ibang numero.

Etude. Artist Malyutin S.V.