Pagpipinta ng Italian Renaissance - Giotto, Masaccio, Angelico, Titian at Giorgione. Mga Artista ng Renaissance ▲ Mga Artista ng Renaissance sa Ingles

ANGELICO Fra Beato
GIOTTO di Bondone
MANTENIA Andrea
BELLINI Giovani
BOTTICELLI Sandro
VERONEZE Paolo
da VINCI Leonardo
JORDONE
CARPACCIO Vittore
MICHELANGELO BUONARROTI
RAPHAEL Santi
TITIAN

Renaissance, o Renaissance -
(French Renaissance, Italian Rinascimento) -
isang panahon sa kasaysayan ng kultura ng Europa,
na pumalit sa kultura ng Middle Ages at
naunahan ang kultura ng modernong panahon.
Tinatayang kronolohikal na balangkas ng panahon - XIV-XVI siglo.
Ang isang natatanging katangian ng Renaissance ay ang sekular na katangian ng kultura
at ang anthropocentrism nito (iyon ay, interes, sa unang lugar,
sa isang tao at kanyang mga gawain).
Lumilitaw ang interes sa sinaunang kultura,
mayroong, tulad nito, ang "muling pagsilang" - at ganito lumitaw ang term.

Ang Renaissance ay naganap na may klasikong kapunuan sa Italya,
sa kultura ng Renaissance kung saan mayroong mga panahon ng pre-Renaissance
phenomena sa pagsisimula ng ika-13 at ika-14 na siglo. (Proto-Renaissance), Maagang Renaissance (ika-15 siglo),
Mataas na Renaissance (huli ng ika-15 - ika-1 na-kapat ng ika-16 na siglo),
Late Renaissance (ika-16 na siglo).
Sa maagang Renaissance, ang pokus ng pagbabago
ang paaralan ng Florentine ay naging sa lahat ng uri ng sining,
mga arkitekto (F. Brunelleschi, L.B. Alberti, B. Rossellino, atbp.),
mga iskultor (L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, A. Rossellino,
Desiderio da Settignano, atbp.), Mga pintor (Masaccio, Filippo Lhio,
Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico,
Sandro Botticelli at iba pa) na lumikha ng isang plastik na integral,
isang konsepto ng mundo na may panloob na pagkakaisa,
kumalat nang unti-unti sa buong Italya
(mga gawa ni Piero della Francesca sa Urbino, Vittore Carpaccio,
F. Cossa sa Ferrara, A. Mantegna sa Mantua, Antonello da Messina
at mga kapatid na Gentile at Giovanni Bellini sa Venice).
Sa panahon ng Mataas na Renaissance, kapag ang pakikibaka para sa humanista
Ang mga ideals ng Renaissance ay kumuha ng isang tense at heroic character,
ang arkitektura at visual arts ay minarkahan ng latitude
pampublikong tunog, gawa ng tao na paglalahat at kapangyarihan ng mga imahe,
puno ng pang-espiritwal at pisikal na aktibidad.
Sa mga gusali ng D. Bramante, Raphael, naabot ni Antonio da Sangallo
ang apogee nito ay perpektong pagkakatugma, monumentality at malinaw na proporsyonalidad;
pagiging buong makatao, matapang na paglipad ng artistikong imahinasyon,
ang lawak ng saklaw ng katotohanan ay katangian ng pagkamalikhain ng pinakamalaki
ang magagaling na sining ng panahong ito - Leonardo da Vinci,
Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian.
Mula sa ikalawang isang-kapat ng ika-16 na siglo, nang pumasok ang Italya sa panahon ng krisis sa politika
at pagkabigo sa mga ideya ng humanismo, ang gawain ng maraming mga panginoon
nakakuha ng isang kumplikado at dramatikong karakter.
Sa arkitektura ng Late Renaissance (Michelangelo, G. da Vignola,
Giulio Romano, V. Peruzzi) nadagdagan ang interes sa pag-unlad ng spatial
komposisyon, ang pagpapailalim ng gusali sa isang malawak na konsepto ng pagpaplano ng lunsod;
sa mayaman at kumplikadong pagpapaunlad ng mga pampublikong gusali, templo,
villach, palazzo malinaw na tektonics ng Maagang Renaissance ay nagbago
matinding salungatan ng mga puwersang tectonic (mga gusali ni J. Sansovino,
G. Alessi, M. Sanmicheli, A. Palladio).
Late Renaissance pagpipinta at iskultura enriched
pag-unawa sa magkasalungat na likas na katangian ng mundo, interes sa imahe
dramatikong aksyon ng masa, sa spatial dynamics
(Paolo Veronese, J. Tintoretto, J. Bassano);
walang uliran malalim, kumplikado, panloob na trahedya naabot
sikolohikal na katangian ng mga imahe sa paglaon ay gumagana
Michelangelo at Titian.

Paaralan ng Venetian

Ang Venetian School, isa sa mga pangunahing paaralan sa pagpipinta sa Italya
nakasentro sa lungsod ng Venice (bahagyang nasa maliit ding bayan ng Terrafarm-
mga lugar ng mainland na katabi ng Venice).
Ang paaralan ng Venetian ay nailalarawan sa pamamayani ng simula ng larawan,
espesyal na pansin sa mga problema ng kulay, ang pagnanais na ipatupad
senswal na pagkakumpleto at kinang ng pagiging.
Ang pinakadakilang yumayabong na paaralan ng Venetian ay naabot sa panahon
Maaga at Mataas na Renaissance, sa mga gawa ni Antonello da Messina,
na nagbukas ng mga nagpapahiwatig na posibilidad ng pagpipinta ng langis para sa kanyang mga kapanahon,
ang mga tagalikha ng perpektong magkatugma na mga imahe nina Giovanni Bellini at Giorgione,
ang pinakadakilang colorist na si Titian, na sumasalamin sa kanyang mga canvases
kasayahan at makulay na kalabisan na likas sa pagpipinta ng Venetian.
Sa mga gawa ng mga master ng Venetian na paaralan ng ika-2 kalahati ng ika-16 na siglo.
kabutihan sa paghahatid ng maraming kulay ng mundo, pag-ibig para sa maligaya na mga salamin sa mata
at isang maraming pangkat na karamihan ng tao na magkakasamang may malinaw at nakatagong drama,
isang nakakaalarma na pakiramdam ng dynamics at infinity ng uniberso
(pagpipinta nina Paolo Veronese at J. Tintoretto).
Sa edad na 17 sa tradisyonal na interes ng paaralan ng Venetian sa mga problema ng kulay
sa mga gawa ni D. Fetti, B. Strozzi at iba pa ay kasama ng mga diskarte ng pagpipinta ng Baroque,
pati na rin ang makatotohanang pagkahilig sa diwa ng caravaggism.
Para sa pagpipinta ng Venetian ng ika-18 siglo. yumayabong
monumental at pandekorasyon na pagpipinta (G. B. Tiepolo),
genre ng genre (J. B. Piazzetta, P. Longhi),
dokumentado - tumpak na arkitektura na tanawin - tingga
(J.A. Canaletto, B. Belotto) at liriko,
subtly conveying the poetic na kapaligiran ng pang-araw-araw na buhay
Venice cityscape (F. Guardi).

Paaralan ng Florentine

Ang Paaralang Florentine, isa sa nangungunang mga paaralan ng sining sa Italya
Ang Renaissance na may sentro sa lungsod ng Florence.
Ang pagbuo ng paaralan ng Florentine, na sa wakas ay nabuo noong ika-15 siglo,
nag-ambag sa pagyayabong ng kaisipang makatao
(F. Petrarca, G. Boccaccio, Lico della Mirandola, atbp.),
lumingon sa pamana ng unang panahon.
Si Giotto ay naging tagapagtatag ng paaralan ng Florentine sa panahon ng Proto-Renaissance,
na nagbibigay sa kanyang mga komposisyon ng plastik na pagkumbinsi at
mahalagang katiyakan.
Noong ika-15 siglo. mga nagtatag ng Renaissance art sa Florence
ginawa ng arkitekto na si F. Brunelleschi, iskultor na Donatello,
pintor na Masaccio, kasunod ang arkitekto na L.B. Alberti,
iskultor L. Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano,
Benedetto da Maiano, atbp.
Sa arkitektura ng paaralan ng Florentine noong ika-15 siglo. isang bagong uri ang nilikha
Ang Renaissance palazzo, ang paghahanap para sa perpektong uri ng gusali ng templo ay nagsimula na,
nakakatugon sa mga makatao na ideyal ng panahon.
Para sa magagaling na sining ng paaralang Florentine ng ika-15 siglo. ay katangian
pagnanasa para sa mga problema sa pananaw, pagsisikap para sa plastik na malinaw
pagbuo ng isang pigura ng tao
(gawa ni A. del Verrocchio, P. Uccello, A. del Castagno, atbp.),
at para sa marami sa kanyang mga masters - isang espesyal na kabanalan at matalik na liriko
pagmumuni-muni (pagpipinta ni B. Gozzoli, Sandro Botticelli,
Fra Angelico, Filippo Lhio, Piero di Cosimo, atbp.).
Mga paghahanap ng mga panginoon ng ika-15 siglo. nakumpleto ng mahusay na mga artista ng Renaissance
Leonardo da Vinci at Michelangelo, na nagpataas ng masining na hangarin
Paaralang Florentine sa isang bagong antas ng kalidad. Noong 1520s.
nagsisimula ang unti-unting pagtanggi ng paaralan, sa kabila ng katotohanang
na ang isang bilang ng mga pangunahing artista ay patuloy na nagtatrabaho sa Florence
(pintor Fra Bartolommeo at Andrea del Sarto, iskultor A. Sansovino);
mula 1530s. Ang paaralang Florentine ay naging isa sa mga pangunahing sentro
batong artista (arkitekto at pintor na si G. Vasari,
pintor A. Bronzino, J. Pontormo).
Noong ika-17 siglo, ang paaralan ng Florentine ay nabulok.

Maagang muling pagbabalik

Saklaw ang panahon ng tinaguriang "Maagang Renaissance"
sa Italya ang oras ay mula 1420 hanggang 1500.
Sa loob ng walong pung taong ito, ang sining ay hindi pa ganap na napabayaan
mula sa mga alamat ng kamakailang nakaraan, ngunit sinusubukan na ihalo ang mga elemento sa kanila,
hiniram mula sa klasikal na sinaunang panahon.
Mamaya lamang, at unti-unti lamang, sa ilalim ng impluwensya ng higit pa at higit pa
at mas matindi ang pagbabago ng mga kondisyon ng buhay at kultura,
ganap na inabandona ng mga artista ang mga pundasyong medyebal at matapang na ginamit
mga halimbawa ng sinaunang sining tulad ng sa pangkalahatang konsepto ng kanilang mga gawa,
at sa kanilang mga detalye.

Habang ang sining sa Italya ay mahigpit na sumusunod sa landas ng imitasyon
klasiko noong unang panahon, sa ibang mga bansa tumagal ito ng mahabang panahon
tradisyon ng istilong Gothic. Hilaga ng Alps at pati na rin sa Espanya,
Ang muling pagkabuhay ay dumarating lamang sa pagtatapos ng ika-15 siglo,
at ang maagang panahon nito ay tumatagal hanggang sa kalagitnaan ng susunod na siglo,
nang walang paggawa, gayunpaman, anumang partikular na kapansin-pansin.

Mataas na Renaissance

Ang pangalawang panahon ng Renaissance - ang oras ng pinaka-kahanga-hangang pag-unlad ng kanyang istilo -
karaniwang tinatawag na "Mataas na Renaissance",
umaabot ito sa Italya mula 1500 hanggang 1580.
Sa oras na ito, ang sentro ng gravity ng Italyano na sining mula sa Florence
lumipat sa Roma, salamat sa pag-akyat sa pagka-papa ni Julius II,
isang mapaghangad, matapang at masisigasig na tao,
akit ang pinakamahusay na mga artista ng Italya sa kanyang korte,
sinakop sila ng maraming at mahahalagang gawa at binigay
sa iba ay isang halimbawa ng pagmamahal sa sining. Sa papa na ito at sa kanyang pinakamalapit na kahalili,
Ang Roma ay naging, tulad ng, maging bagong Athens ng panahon ng Pericles:
maraming mga monumental na gusali ang nilikha dito,
ginanap na kamangha-manghang mga gawa sa iskultura,
ang mga fresco at painting ay ipininta, na isinasaalang-alang pa ring mga perlas ng pagpipinta;
habang ang lahat ng tatlong sangay ng sining ay nagkakasundo,
pagtulong sa isa't isa at kapwa kumikilos sa bawat isa.
Ang sinaunang bagay ay pinag-aaralan ngayon nang mas lubusan,
muling ginawa ng mas mahigpit at pagkakapare-pareho;
ang katahimikan at dignidad ay naayos sa halip na mapaglarong kagandahan,
na siyang hangarin ng naunang panahon;
ganap na nawala ang mga alaala ng medyebal, at medyo isang klasikong
ang imprint ay nahuhulog sa lahat ng mga nilikha ng sining.
Ngunit ang pagtulad sa mga sinaunang tao ay hindi nalunod ang kanilang kalayaan sa mga artista,
at sila, na may mahusay na pagkamalas at buhay ng imahinasyon,
malayang pinoproseso at nalalapat sa negosyo ano
na kung saan ay itinuturing na naaangkop upang humiram para sa kanya mula sa Greco-Roman art.

Huling Renaissance

Pangatlong panahon ng Renaissance,
ang tinaguriang "huli na Renaissance" na panahon,
ay nakikilala sa pamamagitan ng ilang mga madamdamin, hindi mapakali pagnanais ng mga artista
medyo arbitrarily, nang walang isang makatuwirang pagkakasunud-sunod, upang bumuo
at pagsamahin ang mga antigong motif, makamit ang haka-haka na pagiging maganda
pagmamalabis at bongga ng mga form.
Mga palatandaan ng mithiin na ito, na nagsilang sa istilong Baroque,
at pagkatapos, noong ika-18 siglo, ang istilong Rococo ay ipinakita pabalik sa
ang naunang panahon higit sa lahat sa pamamagitan ng hindi sinasadyang kasalanan
dakilang Michelangelo, ang kanyang talino sa pag-iisip, ngunit masyadong nakatuon
ang pagkamalikhain ng isa na nagbigay ng isang mapanganib na halimbawa ng isang labis na malayang pag-uugali
sa mga prinsipyo at anyo ng sinaunang sining; ngunit ngayon ang direksyon
ito ay ginawang unibersal.

****************************************************

ANGELICO, FRA BEATO -
(Fra Giovanni da Fiesole) (Angelico, fra Beato; fra Giovanni da Fiesole)
(c. 1400-1455), pintor ng Italyano ng paaralang Florentine.
Ang kanyang mga gawa ay pinagsama ang malalim na nilalaman ng relihiyon at pagiging sopistikado ng istilo;
tradisyon ng gothic painting at mga tampok ng bagong sining ng Renaissance.
Si Fra Angelico, na sa buong mundo ay pinangalanang Guido di Piero,
ay ipinanganak sa bayan ng Vicchio sa Tuscany mga 1400. Sa isang dokumento mula pa noong 1417,
nabanggit na siya bilang artista; kilala din ito
na bago ang 1423 sa Fiesole ay pumasok siya sa order ng Dominican, na tumatanggap ng pangalan ng Fra Giovanni da Fiesole,
at kalaunan ay ang abbot ng monasteryo ng San Marco sa Florence.
Maraming mga akdang naiugnay sa maagang panahon ng trabaho ni Fra Angelico,
ay itinuturing na ngayon ang mga gawa ng kanyang mga mag-aaral, mga pagkakaiba-iba sa mga tema ng kanyang mga komposisyon.
Isa sa mga pangunahing pangunahing gawa ng artist - ang Linayuoli triptych mula sa monasteryo
San Marco sa Florence (1433-1435), sa gitnang bahagi kung saan kinatawan ang Birhen at Bata
sa trono, at sa mga gilid ng panel ay may dalawang santo. Ang pigura ng Ina ng Diyos ay ipinapakita ayon sa kaugalian,
at sa paglalarawan ng mga nakatayo na santo, kapansin-pansin ang impluwensya ng pagpipinta ni Masaccio, kasama ang mabibigat at matigas na pagmomodelo ng mga mukha.
Noong 1430s-1440s Fra Angelico ay isa sa mga unang gumamit ng isang bagong uri ng altarpiece,
na naging tanyag sa panahon ng Renaissance - sacra convertsazione (banal na pakikipanayam).
Mula 1438 hanggang 1445 ipininta ng artista ang Florentine monasteryo ng San Marco ng mga fresco.
Ang monasteryo na ito, na inilipat sa utos ng Dominican ni Pope Eugene IV, ay itinayong muli ng isang arkitekto
Kinomisyon ni Michelozzo ni Duke Cosimo Medici. Ang tema ng mga mural ay nauugnay sa Dominican Order,
ang kasaysayan nito, charter, lalo na ang mga iginagalang na santo.
Ang isang halimbawa ay ang mga fresco ng klero (Patay na Kristo; Si Kristo sa anyo ng isang taong gumagala,
na tinanggap ng dalawang monghe ng Dominican; St. Peter Martyr (punong santo ng Dominikano);
Si Dominic na nakaluhod sa Crucifixion).
Sa bulwagan ng kabanata si Fra Angelico ay sumulat ng isang malaking komposisyon na The Crucifixion kasama ang dalawang tulisan
sa panig ni Cristo at isang pulutong ng mga santo mula sa lahat ng mga panahon ng Kristiyanismo, na natipon sa paanan ng krus.
Ang kanilang mga nakalulungkot na mukha ay nakabaling sa lupa, walang sinumang tumitingala kay Cristo;
ipinakita ng artist ang Crucifixion hindi bilang isang makasaysayang kaganapan, ngunit bilang isang mistisiko na imahe,
nakatira sa kamalayan ng tao.
Ang mga fresco ng Monastery ng San Marco ay pumupuno sa diwa ng Gayahin ni Cristo - isang mistisong relihiyosong pakikitungo,
isinulat ng Augustinian canon na si Thomas ng Kempi.
Ang bawat cell ay pinalamutian din ng mga fresko, na inilaan para sa ikauunlad ng mga kapatid,
halimbawa, ang komposisyon na Mockery of Christ. Ang kalagayan ng mga fresco na ito ay tumutugma sa pagiging simple at
kalmadong pagpigil ng pagpipinta.
Ginugol ni Fra Angelico ang huling sampung taon ng kanyang buhay sa Roma, kung saan pinalamutian niya ang kapilya ng mga fresco.
Papa Nicholas V (1445-1448). Mga fragment ng buhay ni St. Lawrence at St. Stefan.
Sa pamamagitan ng disenyo, ang mga ito ay mas maraming mga tanawin ng salaysay kaysa sa mga imahe ng panalangin.
Gumagamit sila ng mga kumplikadong background ng arkitektura, sa pagbuo ng kung aling kaalaman ang nadarama
master ng sinaunang sining, at sa tiyak na na-calibrate ang mga konstruksyon ng pananaw na makikita ng isang tao ang impluwensya ng
Masaccio at Brunelleschi.

Koronasyon ng Birheng Maria

Pagpapahirap kay St. Cosmas at Damian

*********************************************

Giotto di Bondone - ipinanganak noong 1266 o 1267
sa nayon ng Vespignano malapit sa Florence sa pamilya ng isang maliit na may-ari ng lupa.
Marahil sa edad na 10, nagsimulang mag-aral ng pagpipinta si Giotto
sa studio ng Cimabue, isang tanyag na pintor ng Florentine.
Si Giotto ay isang mamamayan ng Florence, kahit na nagtrabaho din siya sa Assisi, Roma, Padua,
Naples at Milan. Ang kanyang artistikong talento at praktikal na talino sa negosyo ay tiniyak
siya ay nasa isang matatag na estado. Bagaman umunlad ang pagawaan ni Giotto,
ang kasaysayan ay napanatili lamang ang ilang mga canvases na pinirmahan ng kanyang pangalan,
at kahit na ang mga, ayon sa mga eksperto, malamang na kabilang sa brush ng kanyang mga katulong.
Ang malambot na pagkatao ni Giotto ay nakatayo sa mga masters ng Italyano ng Proto-Renaissance,
una sa lahat, isang ugali na makabago, upang lumikha ng isang bagong masining na pamamaraan,
paunang natukoy ang klasikong istilo ng darating na Renaissance.
Ang kanyang pagpipinta ay sumasalamin sa ideya ng sangkatauhan at nagdadala ng mga unang pagsisimula ng humanismo.
Noong 1290-99. Nilikha ni Giotto ang mga mural ng Mataas na Simbahan ng San Francesco sa Assisi -
25 frescoes na naglalarawan ng mga eksena mula sa Lumang Tipan, pati na rin ang mga yugto mula sa buhay ni Francis ng Assisi
("Ang Himala ng Pinagmulan"). Ang mga fresco ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang kalinawan, hindi kumplikadong pagsasalaysay,
ang pagkakaroon ng mga pang-araw-araw na detalye na nagbibigay ng sigla at pagiging natural sa mga itinatanghal na eksena.
Tinatanggihan ang ekonikal na kanon na nangingibabaw sa sining ng panahong iyon,
Inilalarawan ni Giotto ang kanyang mga character na katulad sa mga totoong tao:
may proporsyonal, squat body, bilog (hindi pinahabang) mukha,
ang tamang hiwa ng mata, atbp. Ang kanyang mga santo ay hindi pumailanglang sa itaas ng lupa, ngunit matatag na nakatayo dito kasama ang parehong mga paa.
Iniisip nila ang tungkol sa makalupa kaysa sa makalangit, nakakaranas ng ganap na damdamin at damdamin ng tao.
Sa kauna-unahang pagkakataon sa kasaysayan ng pagpipinta ng Italyano, ang estado ng pag-iisip ng mga bayani ng isang pagpipinta
nailipat ng mga ekspresyon ng mukha, kilos, pustura.
Sa halip na tradisyonal na ginintuang background, ang mga fresco ni Giotto ay naglalarawan ng isang tanawin,
mga panloob o iskulturang pangkat sa mga harapan ng basilicas.
Sa bawat komposisyon, ang artist ay naglalarawan ng isang sandali lamang ng pagkilos,
at hindi isang pagkakasunud-sunod ng iba't ibang mga eksena, tulad ng ginawa ng marami sa kanyang mga kapanahon.
Noong unang bahagi ng 1300s. ang artista ay bumisita sa Roma.
Kakilala sa huli na antigong pagpipinta at mga gawa ni P. Cavallini
nag-ambag sa pagbuo ng kanyang malikhaing pamamaraan.
Ang mga malikhaing nagawa ni Giotto ay karagdagang binuo sa mga kuwadro na gawa sa Scrovegni Chapel
(Chapels del Arena) sa Padua, ginawa niya noong 1304-06.
Ang mga kapilya ay matatagpuan sa mga dingding sa 3 tier,
naglalarawan ang mga fresco ng mga eksena mula sa buhay nina Joachim at Anna
("Joachim sa gitna ng mga pastol", "Sakripisyo ni Joachim", "Pangarap ni Joachim", "Pagpupulong sa Gintong Gerbang"),
Virgin Mary and Christ ("Pasko", "Adoration of the Magi", "Flight into Egypt",
"Patayan ng mga sanggol", "Baptism of Christ", "Pagkabuhay na Mag-uli ni Lazarus",
"Si Hudas na tumatanggap ng bayad para sa pagtataksil", "Halik ni Judas",
"Bitbit ang Krus", "Crucifixion", "Panaghoy ni Cristo", "Pagkabuhay na Mag-uli"),
pati na rin ang mga eksena ng Huling Paghuhukom.
Ang mga kuwadro na ito ay ang pangunahing gawain at ang tuktok ng gawain ng artista.
Noong 1300-02. Nagsasagawa ng mural si Giotto sa Badia Church sa Florence.
Pagsapit ng 1310-20 iniugnay ng mga mananaliksik ang sikat na altarpiece na "Madonna Onissanti".
Ang komposisyon ay hindi naka-sign, ngunit ang mga mananaliksik ay nagkakaisa iugnay ito kay Giotto.
Noong 1320s. Lumilikha si Giotto ng mga mural para sa mga chapel ng Peruzzi at Bardi
sa simbahan ng Florentine ng Santa Croce tungkol sa mga tema ng buhay ni Juan Bautista,
John the Evangelist at Francis ng Assisi
("Stigmatization of St. Francis", "Death and Ascension of St. Francis").
Noong 1328-33. Si Giotto, sa tulong ng maraming mag-aaral, ay gumawa ng mga kuwadro na gawa sa
Korte ng Neapolitan ni Haring Robert ng Anjou, na binigyan ang artista ng titulong "courtier".
Mula 1334 pinangasiwaan ni Giotto ang pagtatayo ng Cathedral ng Santa Maria del Fiore
at mga kuta ng lungsod sa Florence, na nanalo ng malawak na pagkilala kasama
mga kasabay at mamamayan ng Florence. Si Giotto ay kredito sa proyekto ng Campanile
(bell towers) ng Florentine Cathedral (nagsimula noong 1334, nagpatuloy ang konstruksyon
noong 1337-43 Andrea Pisano, nakumpleto noong bandang 1359 ni F. Talenti).
Dalawang beses na ikinasal si Giotto at nagkaroon ng walong anak.
Noong 1337 namatay si Giotto.

1 Si Joachim ay nagretiro sa disyerto

2. Madonna at bata

3 nagdadalamhating anghel 1

4.St. Clara ng Assisi

5. Stigmatization ng St. Francis

6 St. Stephen

7 ang Kapanganakan ni Cristo

8 ang Kapanganakan ng Birhen

9 Ang pagpapakilala ni Maria sa templo

10.Pieta, fragment

11 ang Ina ng Diyos at Bata na Enthroned

12 ang Ebanghelista na si Juan sa Patmos

MANTENIA ANDREA -
(Mantegna, Andrea) (mga 1431-1506),
isa sa pinakamalaking pintor ng Renaissance sa Hilagang Italya.
Pinagsama ni Mantegna ang pangunahing mga masining na hangarin ng mga Renaissance masters ng ika-15 siglo:
hilig sa unang panahon, interes sa tumpak at maselan, hanggang sa pinakamaliit na detalye,
paghahatid ng likas na mga phenomena at hindi makasariling pananampalataya sa linear na pananaw
bilang isang paraan ng paglikha ng ilusyon ng puwang sa eroplano.
Ang kanyang trabaho ay naging pangunahing ugnayan sa pagitan ng maagang Renaissance sa Florence
at ang paglaon na pamumulaklak ng sining sa Hilagang Italya.
Ipinanganak si Mantegna ca. 1431; sa pagitan ng 1441 at 1445 siya ay nakatala sa pagawaan ng mga pintor sa Padua
bilang ampon na anak ni Francesco Squarchone, isang lokal na artista at antiquarian,
kaninong pagawaan ang nagtrabaho siya hanggang 1448.
Noong 1449 nagsimulang lumikha si Mantegna ng fresco na dekorasyon ng Eremitani Church sa Padua.
Noong 1454 ikinasal si Mantegna kay Nikolosa, anak ng pinturang taga-Venice na si Jacopo Bellini,
kapatid na babae ng dalawang natitirang mga panginoon ng ika-15 siglo. - Gentile at Giovanni Bellini.
Sa pagitan ng 1456 at 1459 ay nagpinta siya ng isang altarpiece para sa simbahan ng San Zeno sa Verona. Noong 1460,
tinatanggap ang paanyaya ng Marquis ni Mantua Lodovico Gonzaga, si Mantegna ay tumira sa kanyang korte.
Noong 1466-1467 binisita niya ang Tuscany, at noong 1488-1490 Roma,
kung saan, sa kahilingan ni Pope Innocent VIII, pinalamutian niya ang kanyang kapilya ng mga fresco.
Itinaas sa dignidad ng kabalyero, sumasakop sa isang mataas na posisyon sa korte,
Si Mantegna ay nagsilbi sa pamilyang Gonzaga hanggang sa katapusan ng kanyang buhay. Si Mantegna ay namatay noong 13 Setyembre 1506.
Mayo 16, 1446 Si Mantegna at tatlong iba pang mga artista ay inatasan upang magpinta sa Owetari Chapel
sa simbahan ng Padua ng Eremitani (nawasak noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig).
Ang Mantegna ay kabilang sa karamihan ng gawain sa paglikha ng mga fresco (1449-1455),
at ito ang kanyang artistikong istilo na nangingibabaw sa grupo.
Ang eksena ni Saint James sa harap ni Herodes Agrippa sa Owetari Chapel ay isang halimbawa ng istilo
maagang panahon ng pagkamalikhain Mantegna.
Sa iba pang mga kuwadro na gawa ni Mantegna ng oras na ito, tulad ng pagpipinta ng Panalangin para sa Copa
(London, National Gallery), hindi lamang ang mga pigura ng tao ang naisakatuparan sa isang mahigpit na linear na paraan,
kundi pati na rin ang isang tanawin, kung saan ang bawat bato at talim ng damo ay maingat na sinaliksik at pininturahan ng artist,
at ang mga bato ay may tuldok na may kinks at basag.
Ang altarpiece ng Church of San Zeno (1457-1459) sa Verona ay isang nakalarawan na interpretasyon
ang sikat na sculptural Altar ng St. Anthony, nilikha ni Donatello
para sa Basilica ng Sant Antoni (Santo) sa Padua. Ang triptych ni Mantegna ay naka-frame,
naisagawa sa mataas na kaluwagan at gumagaya ng mga elemento ng klasikal na arkitektura.
Isa sa mga kapansin-pansin na halimbawa ng spatial illusionist na pagpipinta
Ang Mantegna ay isang mural ng Chamba degli Sposi sa Palazzo Ducale sa Mantua, na nakumpleto noong 1474.
Ang parisukat na silid ay biswal na binago ng mga fresko sa isang ilaw, mahangin na pavilion,
na parang sarado sa dalawang panig ng mga kurtina na nakasulat sa mga dingding, at sa kabilang panig ay nagbubukas
ang imahe ng looban ng Gonzaga at ang tanawin ng tanawin sa likuran.
Ang Mantegna vault ay nahahati sa mga compartment at inilagay sa mga ito, na naka-frame ng isang mayamang antique
pandekorasyon na mga imahe ng mga busts ng Roman emperor at mga eksena mula sa klasikal na mitolohiya.
Sa itaas na bahagi ng vault ay nakasulat sa isang bilog na bintana kung saan makikita ang langit;
ang mga mayaman na bihis na character ay tumingin sa ibaba mula sa isang balustrade na ibinigay sa isang malakas na pananaw.
Ang fresco ensemble na ito ay kapansin-pansin hindi lamang bilang isa sa mga una sa bagong sining ng Europa
mga halimbawa ng paglikha ng isang ilusyon na puwang sa eroplano, ngunit din bilang isang koleksyon ng napakatalim at tumpak
binigyang kahulugan ang mga larawan (mga miyembro ng pamilyang Gonzaga).
Ang serye ng mga kuwadro na gawa sa monochrome na Triumph of Caesar (1482-1492) ay kinomisyon ni Francesco Gonzaga
at inilaan upang palamutihan ang palasyo ng teatro sa Mantua; ang mga kuwadro na ito ay hindi maganda ang napanatili
at kasalukuyang nasa Hampton Court Palace sa London.
Ang siyam na malalaking canvases ay naglalarawan ng isang mahabang prusisyon na may maraming bilang ng mga antigong eskultura,
nakasuot, tropeo. Ang kanyang paggalaw ay nagtatapos sa isang solemne na daanan bago ang nagwaging si Cesar. Sinasalamin ng mga kuwadro na gawa ang malawak na kaalaman ni Mantegna sa sinaunang sining at klasikal na panitikan.
Sa siklo na ito at sa Madonna della Vittoria (1496, Paris, Louvre), na isinulat bilang memorya ng tagumpay ng militar ni Gonzaga,
Ang sining ni Mantegna ay umabot sa pinakadakilang monumentality. Ang mga form sa kanila ay napakalaki, ang mga kilos ay nakakumbinsi at malinaw,
ang puwang ay binibigyang kahulugan ng malawak at malaya.
Para sa studio (gabinete) ni Isabella d "Este, ang asawa ni Francesco Gonzaga, nagsulat si Mantegna ng dalawang komposisyon
sa mga mitolohikal na tema (ang pangatlo ay nanatiling hindi natapos): Parnassus (1497) at Minerva,
nagpapalabas ng mga bisyo (1502, pareho sa Louvre). Ang ilang paglambot ng istilo ni Mantegna ay kapansin-pansin sa kanila,
nauugnay sa isang bagong pag-unawa sa tanawin. Fresco palamuti ng Belvedere Chapel,
pinaandar ni Mantegna para sa Papa Innocent VIII noong 1488, sa kasamaang palad ay nawala habang
pagpapalawak ng Palasyo ng Vatican sa panahon ng pontipikasyon ng Pius VI.
Sa kabila ng katotohanang pitong mga kopya lamang ang maaaring maituring na walang alinlangan na kabilang sa kamay ni Mantegna,
ang impluwensya ng master sa pag-unlad ng art form na ito ay napakalaking. Ang kanyang pag-ukit ng Madonna at Bata ay nagpapakita
kung paano ang organiko na istilo ng artista ay maaaring magkaroon ng grapikong pamamaraan,
na may likas na pagkalastiko at talas ng linya, inaayos ang paggalaw ng pamutol ng magkukulit.
Iba pang mga nakaukit na naiugnay kay Manteigne - Battle of the Sea Gods (London, British Museum)
at Judith (Florence, Uffizi Gallery).

1. Ang Crucifixion, 1457-1460.

2. Madonna at Bata.
1457-59. Fragment

3. Manalangin para sa tasa.
C. 1460

4. Larawan ng Cardinal Carlo Medici.
Sa pagitan ng 1450 at 1466

5. Camera degli Spozi
Oculus 1471-74

6. Camera degli Spozi Fragment ng hilagang pader.

7. Camera degli Spozi Fragment ng silangang pader.

8. Labanan ng mga diyos sa dagat.
1470s

9 St. Sebastian.
C. 1480

10 Madonna of the Rocks
1489-90

12 Madonna della Vittoria
1496

13 Parnassus
1497, Louvre, Paris

14. Samson at Delilah Mga 1500
National Gallery, London

****************************

BELLINI Giovanni -
Si Bellini, pamilya ng mga pintor ng Italyano,
mga nagtatag ng Renaissance art sa Venice.
Pinuno ng pamilya - Jacopo Bellini (mga 1400-1470 / 71)
na may isang malambot na liriko ng mga imahe, pinanatili niya ang isang koneksyon sa mga tradisyon ng Gothic
("Madonna and Child", 1448, Brera Gallery, Milan).
Sa kanyang mga guhit na puno ng live na obserbasyon
(mga sketch ng mga sinaunang monumento, pantasya sa arkitektura),
masasalamin interes sa mga problema ng pananaw, ang impluwensya ng A. Mantegna at P. Uccello.
Sa pangalang Gentile Bellini (circa 1429-1507), anak ni Jacopo Bellini,
ang pagsilang ng Venetian genre-makasaysayang pagpipinta ay konektado,
("Prusisyon sa Piazza San Marco", 1496, "Himala ng Holy Cross", 1500, -
kapwa sa Accademia Gallery, Venice). Giovanni Bellini (mga 1430-1516),
ang pangalawang anak na lalaki ni Jacopo Bellini, ang pinakadakilang master ng Venetian school, na naglatag
ang mga pundasyon ng sining ng Mataas na Renaissance sa Venice.
Maagang gawa ni Giovanni Bellini, kapansin-pansing matalas, malamig ang kulay
(Lamentation for Christ, circa 1470, Brera Gallery, Milan) sa pagtatapos ng 1470s
ay pinalitan ng maayos na malinaw na mga larawan kung saan ang mga magagarang imahe ng tao
ang ispiritwalisadong tanawin ay katinig (ang tinaguriang "Lake Madonna", 1490s, Uffizi;
"Feast of the Gods", National Gallery of Art, Washington).
Gumagawa ni Giovanni Bellini, kasama ang kanyang maraming Madonnas
("Madonna na may mga puno", 1487, Accademia Gallery, Venice; "Madonna", 1488,
Ang Accademia Carrara, Bergamo), ay nakikilala sa pamamagitan ng malambot na pagkakaisa ng sonorous,
tulad ng mga puspos na kulay na natapunan ng araw at ang subtlety ng light at shade gradations,
mahinahon na solemne, malimitong pagmumuni-muni at malinaw na tula ng mga imahe.
Sa gawain ni Giovanni Bellini, kasama ang klasikal na inayos na komposisyon
Renaissance altarpiece (Madonna na-trono sa trono na napapaligiran ng mga santo, 1505,
Ang Simbahan ng San Zaccaria, Venice) ay bumuo ng isang buong interes sa tao
(larawan ni Doge L. Loredan, 1502, National Gallery, London;
larawan ng Condottiere, 1480, National Gallery, Washington).

1. "St. George and the Dragon" Detalye ng Altar, 1470

2. "Greek Madonna"
1460

3. "Larawan ng isang Condottiere"
1480

4. "Kapistahan ng mga Diyos"
1514

5. "Crucifixion"
1501-1503

6. "Madonna at Bata"
1480

7. "Kabutihan"
1500

8. "St. Jerome Pagbasa sa Kalikasan"
1460

9. "Pagbabagong-anyo"
1485

10. "Panalangin para sa tasa"
(Kalungkot sa Hardin) Mga 1470

11. "Madonna and Child with Blessing"
1510, Brera Collection, Milan

12. "Allegory of Purgatory" (kaliwa.fr.)
1490-1500, Uffizi Gallery

13. "Apat na Allegories
Tenacity and Destiny ", 1490

14. "Allegory of Purgatory" (r.fr.)
1490-1500, Uffizi Gallery

15. "Apat na Allegories
Kahusayan at Panlinlang ", 1490

16. "Hubad na batang babae na may salamin"
1505-1510, Kunsthistorisches Museum, Vienna

****************************

Botticelli Sandro -
[Alessandro di Mariano Filipepi maayos, Alessandro di Mariano Filipepi]
(1445-1510), pintor ng Italyano ng Maagang Renaissance.
Kasama sa paaralang Florentine, mga 1465-1466 na nag-aral kay Filippo Lhio;
noong 1481-1482 nagtrabaho siya sa Roma. Ang mga naunang gawa ng Botticelli ay nailalarawan sa pamamagitan ng
malinaw na pagtatayo ng puwang, malinaw na paghuhulma ng cut-off, interes sa mga detalye ng sambahayan
("The Adoration of the Magi", mga 1476-1471,). Mula sa pagtatapos ng 1470s, pagkatapos ng pagkakaugnay sa Botticelli
kasama ang korte ng mga pinuno ng Florence Medici at ang bilog ng mga humanista ng Florentine,
sa kanyang trabaho, ang mga tampok ng aristokrasya at sopistikado ay pinahusay, lumilitaw ang mga kuwadro na gawa
sa mga tema ng sinauna at pantulad, kung saan ang mga senswal na pagan na imahe ay nai-imbak
dakila at sa parehong oras patula, liriko kabanalan
("Spring", mga 1477-1478, "The Birth of Venus", mga 1483-1485, kapwa sa Uffizi).
Ang animality ng tanawin, ang marupok na kagandahan ng mga numero, ang musikalidad ng ilaw, nanginginig na mga linya,
ang transparency ng pinong mga kulay, na parang hinabi mula sa mga reflexes, lumikha ng isang kapaligiran sa kanila
kawalan ng pakiramdam at magaan na kalungkutan.
Sa mga fresco na ginawa ni Botticelli noong 1481-1482 sa Sistine Chapel sa Vatican
("Mga eksena mula sa buhay ni Moises", "Parusa ng Korea, Dathan at Abiron", atbp.)
ang marilag na pagkakaisa ng tanawin at antigong arkitektura ay pinagsama
panloob na pag-igting ng balangkas, talas ng mga katangian ng larawan na likas sa
kasama ang paghahanap para sa banayad na mga nuances ng panloob na kalagayan ng kaluluwa ng tao,
at mga larawan ng masters ng master (larawan ni Giuliano Medici, 1470s, Bergamo;
larawan ng isang binata na may medalya, 1474, Uffizi Gallery, Florence).
Noong 1490s, sa panahon ng kaguluhan sa lipunan at mistiko-asetiko
mga sermon ng monghe na si Savonarola, ang mga tala ng drama ay lilitaw sa sining ni Botticelli
at kadakilaan sa relihiyon ("Slander", pagkatapos ng 1495, Uffizi), ngunit ang kanyang mga guhit
sa Banal na Komedya ni Dante (1492-1497, Opisina ng Pag-ukit, Berlin, at Vatican Library)
na may anghang ng emosyonal na pagpapahayag, pinapanatili nila ang kagaanan ng linya at ang kaliwanagan ng Renaissance ng mga imahe.

1. "Portrait of Simoneta Vespucci" circa 1480

2. "Allegory of Virtue"
1495

3. "Kasaysayan ni Lucretia"
Tinatayang 1500

4. "Larawan ng isang binata na may medalya"

5. "Mystical Christmas"
Tinatayang 1500

6. "Parusa ng Korea, Dathan at Abiron"

7. "St. Augustine the Mapalad"
C. 1480

8. "Anunsyo"
C. 1490

9. "Madonna Magnificat"
1486

10. "Madonna ng Pomegranate"
1487

11. "Adoration of the Magi"
Altar ng Zanobi 1475

12. "Paninirang-puri"
1495

13. "Venus at Mars"
1482-1483

14. "Spring" 1477-1478
Uffizi Gallery, Florence

15. "Madonna of the Book" 1485
Poldi Pezzoli Museum, Milan

16. "Pallas Athena at ang Centaur" 1482
Uffizi Gallery, Florence

17. "The Birth of Venus" c. 1482
Uffizi Gallery, Florence

18.Fresco ng Sistine Chapel
(detalye) 1482 Roma, Vatican

19. "The Story of Nastagio degli Onesti"
C. 1485 Prado, Madrid

****************************

VERONEZE Paolo - (Veronese; tamang Cagliari, Caliari) Paolo (1528-1588),
Italyano na pintor ng huli na Renaissance.
Nag-aral kasama ng pintor ng Verona na si A. Badile; pangunahin nang nagtrabaho sa Venice, pati na rin sa Verona, Mantua, Vicenza, Padua, noong 1560, posibleng bumisita sa Roma. Ang artistikong istilo ng Veronese, na binuo noong kalagitnaan ng 1550s, ay sumasalamin sa pinakamahusay na mga tampok ng eskuwelahan ng pagpipinta ng Venetian: ang ilaw, artistikong sopistikadong pagguhit at plasticity ng form ay pinagsama sa isang magandang-maganda na scheme ng kulay batay sa mga kumplikadong kombinasyon ng mga purong kulay na pinag-isa ng isang maliwanag na kulay-pilak na tono.

1. "Paghahanap kay Moises"
1580

2. "Ang Tukso ni St. Anthony"
1567

3. "Ang Pagpatay kay St. Justin"
1573

4. "Portrait of Daniele Barbaro"
1569

5. "Christ and the Samaritan Woman" (detalye)
1582

6. "Kalbaryo"
Ika-1570

7. "Mars at Venus"
Ika-1570

8. "Allegory of love. Treason"
1570

9. "Saint Lucia"
1580

10. "Christ in Emmaus"
Ika-1570

11. "Ang Pagpapatupad ng mga Santo Mark at Marcillian"
1578

12. "Pista sa Bahay ni Simon"
C. 1581

13. "Mga Anghel"
(fragment na "The Woman of Zebedia and Christ")

14. "Naliligo si Susanna"
1570s, Louvre, Paris

15. "Huwag mo akong hawakan!" Ika-1570
Art Museum, Grenoble

16. "Bathing Bathsheba" 1570s
Museum of Fine Arts, Lyon

****************************

LEONARDO DA VINCI -
(Leonardo da Vinci) (1452-1519),
Italyano na pintor, iskultor, arkitekto, siyentista at inhinyero.
Ang nagtatag ng masining na kultura ng Mataas na Renaissance,
Si Leonardo da Vinci ay binuo bilang isang master,
nag-aaral sa Florence kasama si A. del Verrocchio.
Mga pamamaraan sa pagtatrabaho sa pagawaan ng Verrocchio, kung saan masining ang kasanayan
ipinakasal sa mga teknikal na eksperimento,
pati na rin ang pakikipagkaibigan sa astronomong si P. Toscanelli ay nag-ambag
ang pagsilang ng pang-agham na interes ng batang da Vinci.

1. "Madonna of the Spinning Wheel" 1501

2. "Birhen at Bata kasama si St. Anne"
Tinatayang 1507

3. "Bacchus"
1510-1513

4. "Juan Bautista"
1513-1517

5. "Leda at ang Swan"
1490-1500's

6. "Madonna of the Carnation" 1473

7. "Portrait of Beatrice d" Este "
Ika-1490

8. "Larawan ng Ginevra Benchi"
1476

9. "Anunsyo"
1472-1475

10. "Ang Huling Hapunan"
(gitnang fragment) 1495-1497, Milan

11. Bersyon ng pagpapanumbalik ng Last Supper fresco
(gitnang fragment)

12. "Madonna Litta"
Circa 1491, Hermitage, St. Petersburg

13. "Lady with an Ermine" 1485-1490
Pambansang Museo, Krakow

14. "Portrait of a Musician" 1490
Pinacoteca Ambrosiana, Milan

15. "Mona Lisa" (La Gioconda)
1503-1506, Louvre, Paris

16. "Madonna Benoit" 1478
Hermitage, St. Petersburg

17. "Larawan ng isang Hindi Kilalang"
Circa 1490, Louvre, Paris

18. "Madonna of the Rocks" tinatayang 1511
National Gallery, London

****************************

GEORGONE -
(Giorgione; talagang Giorgio Barbarelli da Castelfranco,
Barbarelli da Castelfranco) (1476 o 1477-1510),
Italyano pintor, isa sa mga nagtatag
sining ng Mataas na Renaissance.
Marahil ay pinag-aralan kasama si Giovanni Bellini,
ay malapit sa bilog ng mga humanista ng Venetian,
sikat din bilang isang mang-aawit at musikero.
Kasabay ng mga komposisyon sa mga relihiyosong tema
("Adoration of the Shepherds," National Gallery of Art, Washington).
Lumikha si Giorgione ng mga kuwadro na gawa sa sekular, mitolohikal na paksa,
sa kanyang gawain na natanggap nila ang nangingibabaw na kahalagahan.

1. "Bagyo"
1505

2. "Isang mandirigma kasama ang kanyang squire"
1509

3. "Madonna Enthroned
at mga santo "1505

4. "Madonna sa isang Landscape"
1503

5. "Tatlong edad ng buhay"
1510

6. "Madonna of the Book"
1509-1510

7. "Paghahanap kay Moises"
1505

8. "Pagsamba sa mga Pastol"
Tinatayang 1505

9. "Portrait of Antonio Broccardo"

10. "Rural Concert"
1510

11. "Larawan ng isang Matandang Babae"
C. 1510

12. "Ceres"
Tinatayang 1508

13. "Portrait of a Young Man"
C. 1506

14. "Sa Sunset"
1506

15. "Madonna at Bata na may mga Santo"
1510

16. "Judith" c. 1504
Hermitage, St. Petersburg

17. "Laura" 1506
Kunsthistorisches Museum, Vienna

18. "Sleeping Venus"
Circa 1510, Dresden Gallery

19. "Tatlong Pilosopo" 1508
Kunsthistorisches Museum, Vienna

****************************

CARPACCIO Vittore -
(Carpaccio) Vittore
(mga 1455 o 1456 - mga 1526),
Italyano na pintor ng Maagang Renaissance.
Nag-aral kay Gentile Bellini; nagtrabaho sa Venice.
Binigyang kahulugan ni Carpaccio ang maalamat na sagradong mga kaganapan bilang totoong mga eksena,
na ipinakalat sa espasyo ng kanyang kasabay na Venice,
kasama ang mga tanawin ng lunsod at interior, maraming mga detalye ng genre,
malinaw na muling likha ang buhay ng mga mamamayan (siklo ng mga kuwadro na gawa mula sa buhay ni St. Ursula, 1490-1495,
Accademia Gallery, Venice, at St. George at St. Jerome, 1502-1507,
Scuola di San Giorgio degli Schiavoni, Venice).
Ang pagnanais na lumikha ng isang holistic na larawan ng uniberso ay magkakasamang buhay sa mga gawa
Carpaccio na may isang nakakaakit na salaysay,
patula at medyo walang muwang pagiging bago ng mga detalye.
Maingat na ihatid ang epekto ng paglambot ng isang light-air environment
tunog ng mga lokal na spot ng kulay,
Inihanda ni Carpaccio ang mga makukulay na natuklasan ng ika-16 na siglong Venetian na paaralan ng pagpipinta.

1. "Pagdating ng mga peregrino
sa Cologne "
1490

2. "Madonna, John the Baptist at the Saints"
1498

3. "Lion of St. Mark"
(fragment)
1516

4. "Pakikipagtalo kay St. Stephen"
Ang buhay ni St. Stephen
1514

5. "Tagapagligtas at apat na apostol"
1480

6. "Saint George Slaying the Dragon"
1502-1508

7. "Ang Apotheosis ng Saint Ursula"
1491

8. "Pinapatay ang sampung libo"
1515

9. "Baptism of the Selenites ni St. George"
1507

10. "Young Knight" 1510,
Thyssen-Bornemisza Collection, Madrid

11. "Allegory. Passion of Christ"
1506, Metropolitan, New York

12. "Pagpupulong ng mga peregrino kasama ang Santo Papa"
1493, Accademia Gallery, Venice

13. "Himala ng Holy Cross"
1494, Accademia Gallery, Venice

****************************

MICHELANGELO Buonarotti -
(Michelangelo Buonarroti; aka Michelagnolo di Lodovico di Lionardo di Buonarroto Simoni)
(1475-1564), Italyanong iskultor, pintor, arkitekto at makata
. Sa sining ni Michelangelo, na may malaking kapangyarihan na nagpapahayag, sila ay sumasalamin bilang malalim na tao,
ang mga ideyal ng Mataas na Renaissance na puno ng mga heroic pathos, pati na rin ang trahedya ng krisis
makataong pananaw, katangian ng huli na panahon ng Renaissance.
Nag-aral si Michelangelo sa Florence sa pagawaan ng D. Ghirlandaio (1488-1489) at
ng iskultor na si Bertoldo di Giovanni (1489-1490),
gayunpaman, ang mapagpasyang kahalagahan para sa malikhaing pag-unlad ng Michelangelo ay ang kanyang kakilala
kasama ang mga gawa ni Giotto, Donatello, Masaccio, Jacopo della Quercia,
pag-aaral ng mga monumento ng antigong plastik.
Pagkamalikhain ni Michelangelo,
na naging napakatalino huling yugto ng Italian Renaissance,
gumanap ng malaking papel sa pag-unlad ng sining ng Europa,
sa maraming paraan ay inihanda ang pagbuo ng pag-uugali,
nagkaroon ng malaking impluwensya sa pagbuo ng mga prinsipyo ng Baroque.

1. Pagpinta sa vault ng Sistine Chapel

2. Mga Lunsod (mga propeta at papa)

3. Detalye ng pagpipinta na "Paglikha ng Adan"

4. Detalye ng "Mga Propeta Jeremias at Isaias"

5. Detalye ng pagpipinta na "Ang Paglikha ng Eba"

6. "Banal na Pamilya" 1506

7 ang sistine chapel
"Ang baha"

8 ang sistine chapel
"Libyan sibyl"

9 ang Sistine Chapel
"Paghiwalay ng ilaw mula sa kadiliman"

10 ang Sistine Chapel
"Ang taglagas"

11 ang Sistine Chapel
"Eritrean sibyl"

12 ang Sistine Chapel
"Propeta Zacarias"

****************************

RAPHAEL Santi -
(sa totoo lang Raffaello Santi o Sanzio, Raffaello Santi, Sanzio)
(1483-1520), pintor at arkitekto ng Italyano.
Sa kanyang trabaho, na may pinakadakilang kalinawan na nakasulat
makatao na representasyon ng Mataas na Renaissance
tungkol sa isang maganda at perpektong taong nabubuhay na kasuwato ng mundo,
ang mga ideyal na nakapagpapatibay sa buhay na kagandahang katangian ng panahon.
Si Raphael, anak ng pintor na si Giovanni Santi, ay ginugol ng kanyang mga unang taon sa Urbino,
noong 1500-1504 nag-aral siya kasama si Perugino sa Perugia.
Ang mga gawa ng panahong ito ay minarkahan ng banayad na tula
at ang malambot na liriko ng mga background ng landscape.
Ang sining ni Raphael, na may malaking epekto sa pagpipinta ng Europa na XVI-XIX
at, bahagyang, ng ika-20 siglo, sa loob ng maraming siglo ay napanatili ito para sa mga artista at manonood
ang halaga ng hindi maikakaila na awtoridad ng artistikong at modelo.

1. "Madonna Granduca"
1504

2. "Madonna del Impannata"
1504

3. "Madonna in the Green"
Tinatayang 1508

4. "Ang Banal na Pamilya sa ilalim ng Oak"
1518

5. "Altar ng St. Nicholas"
(fragment) 1501

6. "Labanan ng St. George kasama ang dragon"
1502

7. "Tatlong Graces"
1502

8. "Pangarap ng Knight"
1502

9. "Pagtatagumpay ng Galatea"
1514

10. "Madonna of Anside"
Tinatayang 1504

11. "Bitbit ang Krus"
1516

12. "St. Michael and the Dragon"
1514

13. "Adan at Eba"
1509-1511

14. "John of Aragon"
1518

15. "Ang babaeng may unicorn"
Tinatayang 1502

16. "Portrait of Margarita Luti"
1519

17. "Portrait of Balthasar Castiglione" 1515

18. "Madonna Kanidzhani" 1508
Lumang Pinakothek, Munich

19. "Madonna Conestabile" 1502-1504
Hermitage, St. Petersburg

20. "Paningin ni Ezekiel" 1515
Palazzo Pitti, Florence

21. "Sistine Madonna" 1514
Photo gallery, Dresden

****************************

TITIAN -
(talagang Tiziano Veccellio, Tiziano Veccellio),
(1476/77 o 1480s - 1576),
Italyano na pintor ng panahon
Mataas at Huling Renaissance.
Nag-aral sa Venice kasama si Giovanni Bellini,
kanino ang pagawaan ay naging malapit siya kay Giorgione;
nagtrabaho sa Venice, pati na rin sa Padua, Ferrara, Mantua, Urbino, Roma at Augsburg.
Malapit na nauugnay sa mga lupon ng sining ng Venetian
(Giorgione, J. Sansovino, manunulat P. Aretino at iba pa),
isang natitirang master ng Venetian school ng pagpipinta,
Isinimbolo ni Titian ang mga humanistic ideals ng Renaissance sa kanyang gawain.
Ang kanyang art na nagpapatunay ng buhay ay maraming nalalaman,
ang lawak ng saklaw ng katotohanan, ang pagsisiwalat ng malalim na dramatikong salungatan ng panahon.
Ang pamamaraan ng pagpipinta ng Titian ay may natatanging impluwensya sa hinaharap,
hanggang sa ikadalawampu siglo, ang pag-unlad ng mundo ng pinong sining.

1. "Sekular na pag-ibig"
(Kawalang kabuluhan) 1515

2. "Diana at Callisto"
1556 - 1559

3. "Bacchus at Ariadne"
1523-1524

4. "panggagahasa sa Europa"
1559 - 1562

5. "Ang Pagkahulog"
1570

6. "Flora"
1515

7. "Iolanta"
(La Bella Gatta)

8. "Federigo Gonzaga ng Mantua"
1525

9. "Venus na may salamin" 1555

10. "Danae at Cupid"
1546

11. "Pag-ibig sa lupa at langit"
1510

12. "Larawan ng isang Batang Babae"
Circa 1530, Hermitage, St. Petersburg

13. "Penitenteng Mary Magdalene"
Ika-1560, Hermitaryo, St. Petersburg

14. "Diana at Actaeon" 1556
Nat. Gallery ng Scotland, Edinburgh

15. "Bacchanalia"
1525, Louvre Museum, Paris

16. "Venus ng Urbinskaya"
1538, Uffizi, Florence

17. "Venus at Adonis"
1554, Prado, Madrid

****************************

Ang Renaissance o Renaissance ay nagbigay sa atin ng maraming magagaling na likhang sining. Ito ay isang kanais-nais na panahon para sa pag-unlad ng pagkamalikhain. Ang mga pangalan ng maraming magagaling na artista ay nauugnay sa Renaissance. Ang Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Titian, Correggio ay ilan lamang sa mga pangalan ng mga tagalikha ng panahong iyon.

Ang paglitaw ng mga bagong estilo at pagpipinta ay naiugnay sa panahong ito. Ang diskarte sa paglalarawan ng katawan ng tao ay naging halos pang-agham. Nagsusumikap ang mga artista para sa katotohanan - gumagana ang bawat detalye. Ang mga tao at kaganapan sa mga kuwadro na gawa ng oras na iyon ay mukhang lubos na makatotohanang.

Nakikilala ng mga istoryador ang ilang mga panahon sa pagbuo ng pagpipinta sa panahon ng Renaissance.

Gothic - 1200s... Sikat na istilo sa korte. Ito ay nakikilala sa pamamagitan ng karangyaan, kagandahan, labis na kulay. Ginamit bilang pintura. Ang mga kuwadro na gawa ay sa mga paksa ng altar. Ang pinakatanyag na kinatawan ng kalakaran na ito ay ang mga Italyanong artista na si Vittore Carpaccio, Sandro Botticelli.

Sandro Botticelli

Proto-Renaissance - 1300s... Sa oras na ito, nagaganap ang muling pagbubuo ng mga mores sa pagpipinta. Ang mga paksang pang-relihiyon ay umuurong sa likuran, at ang mga sekular ay nagkakaroon ng higit na kasikatan. Ang pagpipinta ay pumalit sa lugar ng icon. Ang mga tao ay inilalarawan nang mas makatotohanang, ang mga ekspresyon ng mukha at kilos ay nagiging mahalaga para sa mga artista. Lumilitaw ang isang bagong uri ng pinong sining -. Ang mga kinatawan ng oras na ito ay sina Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Maagang Renaissance - 1400s... Ang pamumulaklak ng di-relihiyosong pagpipinta. Kahit na ang mga mukha sa mga icon ay nagiging mas buhay - nakakakuha sila ng mga tampok na tao. Sinubukan ng mga pintor ng mga naunang yugto na magpinta ng mga landscape, ngunit nagsilbi lamang sila bilang isang pandagdag, isang background sa pangunahing imahe. Sa panahon ng Maagang Renaissance ay naging isang malayang genre. Patuloy na bubuo ang larawan. Natuklasan ng mga siyentista ang batas ng linear na pananaw, at itinatayo ng mga artista ang kanilang mga kuwadro batay sa batayan na ito. Ang wastong puwang na three-dimensional ay makikita sa kanilang mga canvases. Ang pinakamaliwanag na kinatawan ng panahong ito ay sina Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Mataas na Renaissance - Golden Age... Ang pananaw ng mga artista ay naging mas malawak - ang kanilang mga interes ay umaabot sa espasyo ng Cosmos, itinuturing nilang tao ang sentro ng uniberso.

Sa oras na ito, lumitaw ang "titans" ng Renaissance - Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Titian, Raphael Santi at iba pa. Ito ang mga tao na ang mga interes ay hindi limitado sa pagpipinta. Ang kanilang kaalaman ay napalawak pa. Ang pinakatanyag na kinatawan ay si Leonardo Da Vinci, na hindi lamang isang mahusay na pintor, ngunit isang siyentista, iskultor, manunulat ng dula. Lumikha siya ng kamangha-manghang mga diskarte sa pagpipinta, halimbawa, "makinis" - ang ilusyon ng haze, na ginamit upang lumikha ng sikat na "La Gioconda".

Leonardo Da Vinci

Huling Renaissance- ang pagkalipol ng Renaissance (kalagitnaan ng 1500s, huling bahagi ng 1600). Ang oras na ito ay naiugnay sa mga pagbabago, krisis sa relihiyon. Nagtatapos ang pamumulaklak, ang mga linya sa mga canvases ay nagiging mas kinakabahan, nawala ang indibidwalismo. Ang karamihan ng tao ay lalong nagiging imahe ng mga kuwadro na gawa. Ang mga gawaing may talento sa panahong iyon ay nabibilang sa panulat ni Paolo Veronese, Jacopo Tinoretto.

Paolo Veronese

Ibinigay ng Italya sa mundo ang pinaka may talento na mga artista ng Renaissance, sila ang pinaka nabanggit sa kasaysayan ng pagpipinta. Samantala, sa ibang mga bansa sa panahong ito, ang pagpipinta ay umunlad din, at naiimpluwensyahan ang pag-unlad ng sining na ito. Ang pagpipinta ng ibang mga bansa sa panahong ito ay tinatawag na Northern Renaissance.

Ang panahon ng Mataas na Renaissance (huli ng ika-15 - unang isang-kapat ng ika-16 na siglo) ay isang oras ng pagiging perpekto at kalayaan. Tulad ng iba pang mga anyo ng sining ng panahong ito, ang pagpipinta ay minarkahan ng isang malalim na pananampalataya sa tao, sa kanyang malikhaing kapangyarihan at kapangyarihan ng kanyang isip. Sa mga kuwadro na gawa ng Mataas na Renaissance masters, ang mga ideyal ng kagandahan, humanismo at pagkakasundo ang naghahari, ang tao sa kanila ang batayan ng sansinukob.

Madaling gamitin ng mga pintor ng panahong ito ang lahat ng mga paraan ng paglalarawan: kulay, pinayaman ng hangin, ilaw at anino, at pagguhit, malaya at matalim; mayroon silang mahusay na pananaw at saklaw. Ang mga tao ay huminga at lumipat sa mga canvases ng mga artista, ang kanilang mga damdamin at karanasan ay tila malalim na emosyonal.

Ang panahong ito ay nagbigay sa mundo ng apat na henyo - Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian. Sa kanilang pagpipinta, ang mga tampok ng Mataas na Renaissance - pagiging perpekto at pagkakaisa, na sinamahan ng lalim at sigla ng mga imahe - ay malinaw na ipinakita.

Leonardo da Vinci

Noong Abril 15, 1452, sa maliit na bayan ng Vinci na Italyano, na matatagpuan hindi kalayuan sa Florence, isang iligal na anak ang isinilang sa notaryo na Piero da Vinci. Tinawag nila siyang Leonardo di ser Piero d'Antonio. Ang ina ng batang lalaki, isang tiyak na Katerina, medyo kalaunan ay nagpakasal sa isang magbubukid. Hindi pinabayaan ng ama ang iligal na sanggol, dinala siya sa edukasyon at binigyan siya ng magandang edukasyon. Isang taon pagkatapos ng pagkamatay ng lolo ni Leonardo na si Antonio, noong 1469, umalis ang notaryo kasama ang kanyang pamilya patungong Florence.

Mula sa murang edad, gumising ang hilig ni Leonardo sa pagguhit. Napansin ito, ipinadala ng ama ang batang lalaki upang mag-aral kasama ang isa sa pinakatanyag na master ng iskultura, pagpipinta at alahas, Andrea Verrocchio (1435-1488). Ang kaluwalhatian ng pagawaan ng Verrocchio ay hindi maganda. Ang marangal na mga naninirahan sa lungsod ay patuloy na nakatanggap ng maraming mga order para sa pagpapatupad ng mga kuwadro na gawa at iskultura. Hindi sinasadyang natamasa ni Andrea Verrocchio ang dakilang prestihiyo kasama ang kanyang mga mag-aaral. Itinuring siya ng mga kapanahunan na pinaka may talento na kahalili ng mga ideya ng Florentine Renaissance sa pagpipinta at iskultura.

Ang pagbabago ni Verrocchio bilang isang artista ay pangunahing nauugnay sa muling pag-iisip ng imahe, na nakakakuha ng mga naturalistic na tampok mula sa pintor. Napakakaunting mga gawa ay nakaligtas mula sa Verrocchio workshop. Naniniwala ang mga mananaliksik na ang tanyag na "Baptism of Christ" ay nilikha sa pagawaan na ito. Bilang karagdagan, itinatag na ang tanawin sa background ng pagpipinta at ang mga anghel sa kaliwang bahagi nito ay kabilang sa brush ni Leonardo.

Nasa maagang gawaing ito, ang malikhaing sariling katangian at pagkahinog ng hinaharap na sikat na artista ay naipakita. Ang tanawin, na pininturahan ni Leonardo, ay kapansin-pansin na naiiba mula sa mga kuwadro na likas ng likuran ni Verrocchio mismo. Pag-aari ng isang batang artista, tila nababalutan ito ng isang light haze at sumasagisag sa kawalang-hanggan at kawalang-hanggan ng puwang.

Ang mga imaheng nilikha ni Leonardo ay naiiba din. Ang malalim na kaalaman tungkol sa anatomya ng katawan ng tao, pati na rin ang kaluluwa nito, ay pinapayagan ang artist na lumikha ng hindi pangkaraniwang nagpapahayag na mga imahe ng mga anghel. Ang master ng paglalaro ng ilaw at anino ay nakatulong sa artista upang mailarawan ang mga nabubuhay, pabago-bagong numero. Ang isang tao ay nakakakuha ng impression na ang mga anghel ay nag-freeze lamang ng ilang sandali. Ilang minuto pa ang lilipas - at mabubuhay sila, lilipat, mag-uusap ...

Sinasabi ng mga kritiko ng sining at da biographer ng da Vinci na noong 1472 ay umalis si Leonardo sa pagawaan ni Verrocchio at naging isang master sa workshop ng mga pintor. Mula noong 1480, siya ay lumiliko sa iskultura, kung saan, ayon kay Leonardo, ay ang pinakasimpleng paraan upang maipahayag ang dynamics ng paggalaw ng katawan ng tao. Mula noong panahong iyon, nagtatrabaho siya sa Academy of Arts - iyon ang pangalan ng pagawaan na matatagpuan sa hardin sa Piazza San Marco, nilikha sa pagkusa ni Lorenzo the Magnificent.

Noong 1480, nakatanggap si Leonardo ng isang utos mula sa Church of San Donato Sopeto para sa masining na komposisyon na The Adoration of the Magi.

Sa Florence, si Leonardo ay hindi nabuhay ng matagal. Noong 1482 ay umalis siya patungong Milan. Marahil, ang desisyon na ito ay lubos na naimpluwensyahan ng katotohanang ang artista ay hindi inanyayahan sa Roma upang magtrabaho sa pagpipinta ng Sistine Chapel. Sa isang paraan o sa iba pa, ang master ay nagpakita sa harap ng Duke ng sikat na lungsod ng Italya, si Ludovico Sforza. Malugod na tinanggap ng Milanese si Leonardo. Tumira siya at nanirahan ng mahabang panahon sa Porta Ticinese quarter. At sa susunod na taon, 1483, nagpinta siya ng isang altar, inorder para sa Immacolata chapel sa simbahan ng San Francesco Grande. Ang obra maestra na ito ay kalaunan ay nakilala bilang Madonna of the Rocks.

Sa parehong oras, si Leonardo ay nagtatrabaho sa paglikha ng isang tansong monumento para kay Francesco Sforza. Gayunpaman, alinman sa mga sketch, o trial sketch at cast ay hindi maaaring ipahayag ang hangarin ng artist. Ang gawain ay nanatiling hindi natapos.

Sa pagitan ng 1489 at 1490, pininturahan ni Leonardo da Vinci ang Castello Sforzesco sa araw ng kasal ni Gian Galeazzo Sforza.

Halos buong 1494 na si Leonardo da Vinci ay nakatuon sa isang bagong trabaho para sa kanyang sarili - mga haydrolika. Sa pagkusa ng parehong Sforza, bumuo at nagpapatupad ng isang proyekto si Leonardo upang maubos ang teritoryo ng Lombard Plain. Gayunpaman, noong 1495 ang pinakadakilang master ng fine arts ay bumalik sa pagpipinta. Ngayong taon ay minamarkahan ang pagsisimula ng kasaysayan ng paglikha ng sikat na fresco na "The Last Supper", na pinalamutian ang mga dingding ng refectory room ng monasteryo, na matatagpuan malapit sa Church of Santa Maria delle Grazie.

Noong 1496, na may kaugnayan sa pagsalakay sa Duchy ng Milan ng haring Pransya na si Louis XII, iniwan ni Leonardo ang lungsod. Una siyang lumipat sa Mantua at pagkatapos ay tumira sa Venice.

Mula noong 1503, ang artista ay nanirahan sa Florence at, kasama si Michelangelo, ay nagtatrabaho sa pagpipinta ng Hall ng Grand Council sa Palazzo Signoria. Ipapakita ni Leonardo ang "The Battle of Anghiari". Gayunpaman, ang panginoon, na patuloy na isang malikhaing paghahanap, ay madalas na umalis sa gawaing sinimulan niya. Kaya't nangyari ito sa "Labanan ng Anghiari" - ang fresco ay nanatiling hindi natapos. Iminumungkahi ng mga kritiko ng sining na noon ay nilikha ang tanyag na "La Gioconda".

Mula 1506 hanggang 1507 si Leonardo ay nanirahan muli sa Milan. Si Duke Maximilian Sforza ay namuno doon mula pa noong 1512. Setyembre 24, 1512 Nagpasiya si Leonardo na umalis sa Milan at manirahan kasama ang kanyang mga mag-aaral sa Roma. Dito hindi lamang siya nakikibahagi sa pagpipinta, ngunit bumabaling din sa pag-aaral ng matematika at iba pang mga agham.

Nakatanggap ng isang paanyaya mula sa haring Pranses na si Francis I noong Mayo 1513, lumipat sa Amboise si Leonardo da Vinci. Dito siya nakatira hanggang sa kanyang kamatayan: nagpinta siya ng mga larawan, nakikibahagi sa dekorasyon ng mga piyesta opisyal, gumagana sa praktikal na aplikasyon ng mga proyekto na naglalayong gamitin ang mga ilog ng Pransya.

Noong Mayo 2, 1519, namatay ang dakilang artista. Si Leonardo da Vinci ay inilibing sa Amboise church ng San Fiorentino. Gayunpaman, sa kasagsagan ng mga digmaang panrelihiyon (ika-16 na siglo), ang libingan ng artista ay nawasak at tuluyang nawasak. Ang kanyang mga obra maestra, isinasaalang-alang ang tuktok ng pinong sining noong ika-15 hanggang ika-16 na siglo, hanggang ngayon.

Kabilang sa mga canvases ni da Vinci, ang fresco na "The Last Supper" ay sumasakop sa isang espesyal na lugar. Ang kasaysayan ng sikat na fresco ay kawili-wili at kamangha-mangha. Ang paglikha nito ay nagsimula pa noong 1495-1497. Ito ay pininturahan ng pagkakasunud-sunod ng mga monghe ng orden ng Dominican, na nais na palamutihan ang mga dingding ng refectory na may pagpipinta sa kanilang monasteryo na matatagpuan malapit sa simbahan ng Santa Maria delle Grazie sa Milan. Ang isang medyo kilalang kwento ng Ebanghelyo ay ipinakita sa fresco: ang huling pagkain ni Hesukristo kasama ang kanyang labindalawang apostol.

Ang obra maestra na ito ay kinikilala bilang tuktok ng buong akda ng artist. Ang mga imahe ni Kristo at ang mga apostol na nilikha ng master ay hindi pangkaraniwang maliwanag, nagpapahayag, buhay. Sa kabila ng pagkakakontra, ang katotohanan ng inilalarawan na sitwasyon, ang nilalaman ng fresco ay napupuno ng malalim na kahulugan ng pilosopiko. Dito nakamit ang walang hanggang tema ng hidwaan sa pagitan ng mabuti at masama, kasiyahan at espiritwal na kaluwagan, katotohanan at kasinungalingan. Ang mga nahuling imahe ay hindi lamang isang koleksyon ng mga indibidwal na katangian ng character (bawat indibidwal na tao sa lahat ng pagkakaiba-iba ng kanyang ugali), kundi pati na rin isang uri ng paglalahat ng sikolohikal.

Napakabago ng larawan. Talagang nararamdaman ng mga manonood ang kaguluhan na nakuha ang lahat ng naroroon sa pagkain pagkatapos ng mga makahulang salita na sinalita ni Kristo tungkol sa paparating na pagtataksil na dapat gawin ng isa sa mga apostol. Ang canvas ay naging isang uri ng encyclopedia ng pinaka banayad na mga kakulay ng emosyon at kundisyon ng tao.

Si Leonardo da Vinci ay nagtapos ng trabaho nang nakakagulat: pagkalipas lamang ng dalawang taon, ang pagpipinta ay ganap na natapos. Gayunpaman, hindi ito ginusto ng mga monghe: ang paraan ng pagpapatupad nito ay masyadong naiiba mula sa dating pinagtibay na istilo ng pagsulat ng larawan. Ang makabagong ideya ng master ay hindi lamang at hindi gaanong sa paggamit ng mga pintura ng bagong komposisyon. Ang partikular na pansin ay iginuhit sa paraan ng paglalarawan ng pananaw sa larawan. Ginawa sa isang espesyal na pamamaraan, ang fresco ay nagpapalawak at nagpapalaki ng totoong puwang. Ang isa ay nakakakuha ng impression na ang mga dingding ng silid na nakalarawan sa pagpipinta ay isang pagpapatuloy ng mga dingding ng salamin ng monasteryo.

Ang mga monghe ay hindi pinahahalagahan at hindi naintindihan ang malikhaing hangarin at mga nakamit ng artist, samakatuwid ay hindi nila masyadong pinansin ang pangangalaga ng larawan. Dalawang taon na matapos ang pagpipinta ng fresco, ang mga pintura nito ay nagsimulang lumala at kumupas, ang ibabaw ng dingding na may imaheng inilapat dito ay tila natatakpan ng pinakamagandang bagay. Nangyari ito, sa isang banda, dahil sa hindi magandang kalidad ng mga bagong pintura, at sa kabilang banda, dahil sa patuloy na pagkakalantad sa dampness, malamig na hangin at singaw na tumagos mula sa kusina ng monasteryo. Ang hitsura ng pagpipinta ay ganap na nasira nang magpasya ang mga monghe na gupitin ang isang karagdagang pasukan sa refectory sa pader gamit ang isang fresco. Bilang isang resulta, ang larawan ay tinadtad sa ilalim.

Ang mga pagtatangka upang ibalik ang obra maestra ay natupad mula pa noong ika-13 siglo. Gayunpaman, lahat sila ay naging walang kabuluhan, ang pintura ay patuloy na lumala. Ang dahilan dito ay kasalukuyang pagkasira ng sitwasyong pangkapaligiran. Ang kalidad ng fresco ay apektado ng pagtaas ng konsentrasyon ng mga gas na maubos sa hangin, pati na rin ang mga pabagu-bago na sangkap na inilalabas sa himpapawid ng mga pabrika at halaman.

Ngayon ay maaari nating sabihin na ang maagang gawain sa pagpapanumbalik ng pagpipinta ay hindi lamang hindi kinakailangan at walang kahulugan, ngunit mayroon ding negatibong panig. Sa proseso ng pagpapanumbalik, madalas na nakumpleto ng mga artista ang fresco, binabago ang hitsura ng mga character sa canvas at ang nakalarawan na panloob. Kaya't, kamakailan lamang ay nalaman na ang isa sa mga apostol ay orihinal na walang mahabang, baluktot na balbas. Bilang karagdagan, ang mga itim na canvase na nakalarawan sa mga dingding ng refectory ay naging walang iba kundi ang maliliit na carpet. Lamang
noong XX siglo. nagawang malaman at bahagyang ibalik ang kanilang gayak.

Ang mga makabagong restorer, na kabilang sa kung saan ang grupong pinamumunuan ni Carlo Berteli ay tumayo, nagpasyang ibalik ang orihinal na hitsura ng fresco, na palayain ito mula sa mga elemento na inilapat sa paglaon.

Ang tema ng pagiging ina, ang mga imahe ng isang batang ina na hinahangaan ang kanyang anak, sa loob ng mahabang panahon ay nanatiling susi sa gawain ng dakilang panginoon. Ang totoong obra maestra ay ang kanyang mga kuwadro na "Madonna Litta" at "Madonna with a Flower" ("Benois Madonna"). Sa kasalukuyan ang "Madonna Litta" ay itinatago sa State Hermitage Museum sa St. Ang pagpipinta ay binili ng Emperor ng Russia na si Alexander II noong 1865 mula sa pamilya ng Italyano na si Duke Antonio Litta, kung kanino ito ay naibigay mula sa Dukes ng Visconti. Sa pamamagitan ng order ng Russian tsar, ang pagpipinta ay inilipat mula sa puno sa canvas at isinabit sa isa sa mga bulwagan ng sikat na museo ng St.

Naniniwala ang mga artcholar (at napatunayan ito ng siyentipikong pagsasaliksik) na ang gawain sa paglikha ng pagpipinta ay hindi nakumpleto ng mismong may-akda. Nakumpleto ito ng isa sa mga mag-aaral ni Leonardo, Boltraffio.

Ang canvas ay ang pinakamalinaw na pagpapahayag ng tema ng pagiging ina sa pagpipinta ng panahon ng Renaissance. Ang imahe ng Madonna-ina ay magaan at espiritwal. Ang pagtingin na nakabukas sa sanggol ay hindi gaanong banayad, sabay-sabay itong nagpapahayag at
kalungkutan, at kapayapaan, at kapayapaan sa loob. Ina at anak dito ay tila bumubuo ng kanilang sariling, natatanging mundo, bumubuo ng isang solong maayos na buo. Ang pag-iisip ng cross-cutting ng larawan ay maaaring ipahayag sa mga sumusunod na salita: ang dalawang nabubuhay na buhay, ina at anak, naglalaman ng batayan at kahulugan ng buhay.

Ang imahe ng Madonna na may isang bata sa kanyang mga bisig ay napakalaking. Ang pagkakumpleto at pagiging sopistikado ay nagbibigay ng isang espesyal, maayos na paglipat ng ilaw at anino. Ang lambot at hina ng pigura ay binibigyang diin ng mga kurtina ng isang balabal na nakasukbit sa balikat ng babae. Ang mga larawan ng mga bintana sa balanse sa background at kumpletuhin ang komposisyon, binibigyang diin ang paghihiwalay ng dalawang mahal sa buhay mula sa natitirang bahagi ng mundo.

Ang pagpipinta na Madonna na may isang Bulaklak (Madonna Benois), noong 1478, ay binili mula sa huling mga nagmamay-ari nitong Ruso ni Tsar Nicholas II noong 1914 lalo na para sa Ermita. Ang mga maagang may-ari nito ay nanatiling hindi kilala. Mayroon lamang isang alamat na nagsasabi na ang isang Italyano na gumagalang na aktor ay nagdala ng larawan sa Russia, pagkatapos nito ay binili ito sa Samara noong 1824 ng mangangalakal na Sapozhnikov. Nang maglaon, ang canvas ay minana mula sa ama hanggang anak na babae, M.A. Simula noon, ang pagpipinta ay may dalawang pangalan: "Madonna with a Flower" (may-akda) at "Madonna Benoit" (sa pangalan ng huling may-ari).

Ang pagpipinta, na naglalarawan ng Ina ng Diyos at ng Bata, ay sumasalamin sa ordinaryong, makalupang damdamin ng isang ina na nakikipaglaro sa kanyang anak. Ang buong eksena ay itinayo sa kaibahan: isang tumatawang ina at isang bata na seryosong sinusuri ang bulaklak. Ang artist, na nakatuon sa tiyak na oposisyon na ito, ay nagpapakita ng hangarin ng isang tao para sa kaalaman, ang kanyang mga unang hakbang sa landas patungo sa katotohanan. Ito ang pangunahing ideya ng canvas.

Ang paglalaro ng ilaw at anino ay nagtatakda ng isang espesyal, kilalang-kilala na tono para sa buong komposisyon. Ang Ina at sanggol ay nasa kanilang sariling mundo, na hiwalay mula sa pagmamadali ng mundo. Sa kabila ng ilang anggulo at tigas ng mga nakalarawan na drapery, ang sipilyo ng Leonardo da Vinci ay medyo madaling makilala sa pamamagitan ng makinis, malambot na pagbabago ng mga shade ng mga kulay na ginamit at mga itim at puting kombinasyon. Ang canvas ay pininturahan ng malambot, kalmadong mga kulay, napapanatili sa isang solong scheme ng kulay, at binibigyan nito ang larawan ng isang malambot na karakter at pinupukaw ang isang pakiramdam ng hindi maayos, kosmikong pagkakatugma at katahimikan.

Si Leonardo da Vinci ay kinikilala na master ng paglitrato. Kabilang sa kanyang pinakatanyag na mga canvases ay ang "Lady with an Ermine" (circa 1483-1484) at "Portrait of a Musician".

Iminungkahi ng mga kritiko ng sining at istoryador na ang pagpipinta na "Lady with an Ermine" ay naglalarawan kay Cecilia Gallerani, ang dating paborito ng Duke of Milan, Louis Moreau bago ang kanyang kasal. Mayroong impormasyon na si Cecilia ay isang napaka may edukasyon na babae, na napakabihirang sa oras na iyon. Bilang karagdagan, naniniwala ang mga istoryador at biographer ng sikat na artista na siya ay malapit na nakikilala kay Leonardo da Vinci, na minsang nagpasya na ipinta ang kanyang larawan.

Ang canvas na ito ay bumaba sa amin lamang sa isang muling nakasulat na bersyon, at samakatuwid ang mga siyentipiko sa mahabang panahon ay nagduda sa may-akda ni Leonardo. Gayunpaman, ang napangalagaang mga bahagi ng pagpipinta na naglalarawan ng isang ermine at ang mukha ng isang batang babae ay ginagawang posible na magsalita nang may kumpiyansa tungkol sa mga estilo ng dakilang master da Vinci. Nakatutuwa din na ang siksik na madilim na background, pati na rin ang ilang mga detalye ng hairstyle, ay karagdagang mga guhit na ginawa sa paglaon.

Ang "Lady with an Ermine" ay isa sa pinakamaliwanag na mga kuwadro na sikolohikal sa portrait gallery ng artist. Ang buong pigura ng batang babae ay nagpapahayag ng dinamismo, na nagsusumikap, nagpatotoo sa isang hindi karaniwang malakas at maalab na tauhang tao. Ang tamang mga tampok sa mukha ay binibigyang diin lamang ito.

Ang larawan ay talagang kumplikado at maraming katangian, ang pagkakatugma at pagkakumpleto ng imahe ay nakamit sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng maraming mga elemento: ekspresyon ng mukha, pag-ikot ng ulo, posisyon ng kamay. Ang mga mata ng isang babae ay sumasalamin ng isang pambihirang isip, lakas, pananaw. Mahigpit na naka-compress na labi, tuwid na ilong, matalim na baba - lahat ay binibigyang diin ang kalooban, pagpapasiya, kalayaan. Ang isang kaaya-aya na pagliko ng ulo, isang bukas na leeg, isang kamay na may mahabang daliri na hinihimas ang isang kaaya-aya na hayop, binibigyang diin ang hina at pagiging payat ng buong pigura. Hindi sinasadya na ang ginang ay may hawak na isang ermine sa kanyang mga braso. Ang puting balahibo ng hayop, katulad ng unang niyebe, dito ay sumasagisag sa espirituwal na kadalisayan ng isang dalaga.

Ang larawan ay nakakagulat na pabago-bago. Nagawa ng master na tumpak na makuha ang sandali kung kailan ang isang kilusan ay dapat na maayos na lumipat sa isa pa. Iyon ang dahilan kung bakit tila ang batang babae ay mabubuhay, iikot ang kanyang ulo at ang kanyang kamay ay dadulas sa malambot na balahibo ng hayop ...

Ang pambihirang pagpapahayag ng komposisyon ay ibinibigay ng kalinawan ng mga linya na bumubuo ng mga numero, pati na rin ang master at paggamit ng pamamaraan ng paglipat ng ilaw sa anino, sa tulong ng mga form na nilikha sa canvas.

Ang "Portrait of a Musician" ay ang nag-iisang lalaking larawan sa mga obra ni Leonardo da Vinci. Maraming mga mananaliksik ang nakikilala ang modelo kasama si Franchino Gaffurio, ang direktor ng koro ng Milan. Gayunpaman, isang bilang ng mga siyentista ang pinabulaanan ang kuru-kuro na ito, na sinasabi na hindi ang regent ang inilalarawan dito, ngunit isang ordinaryong binata, isang musikero. Sa kabila ng pagkakaroon ng ilang mga detalye na likas sa pamamaraan ng pagpipinta ni da Vinci, ang mga kritiko sa sining ay nagdududa pa rin sa akda ni Leonardo. Marahil, ang mga pagdududa na ito ay konektado sa paggamit sa canvas ng mga elemento na katangian ng mga artistikong tradisyon ng mga Lombard potograpista.

Ang pamamaraan ng larawan ay sa maraming paraan na nagpapaalala sa gawain ni Antonello da Messina. Laban sa background ng luntiang kulot na buhok, malinaw, mahigpit na mga linya ng mukha na medyo matalas. Ang isang matalinong tao na may isang malakas na tauhan ay lilitaw sa harap ng madla, kahit na sa parehong oras sa kanyang paningin ang isang tao ay maaaring mahuli ang isang bagay na hindi kalagayan, ispiritwalisado. Marahil ay sa sandaling ito na ang isang bagong, banal na himig ay ipinanganak sa kaluluwa ng musikero, na pagkatapos ng ilang oras ay mananalo sa mga puso ng maraming tao.

Gayunpaman, hindi masasabi ng isa na ang artista ay sumusubok na artipisyal na itaas ang isang tao. Mahusay at husay na ihinahatid ng master ang lahat ng kayamanan at lawak ng kaluluwa ng tao, nang hindi gumagamit ng hyperbole at pathos.

Ang isa sa pinakatanyag na kuwadro na gawa ni da Vinci ay ang tanyag na Madonna of the Rocks (1483-1493). Ito ay kinomisyon ng mga monghe ng Church of San Francesco Grande sa Milan ni Leonardo. Ang komposisyon ay inilaan upang palamutihan ang dambana sa Immacolata chapel.

Mayroong dalawang bersyon ng pagpipinta, ang isa ay itinatago sa Louvre sa Paris, at ang isa pa sa National Gallery sa London.

Ito ang Louvre Madonna ng Rocks na pinalamutian ng dambana ng simbahan. Iminumungkahi ng mga siyentista na ang artist mismo ang nagbigay nito sa hari ng Pransya na si Louis XII. Ginawa niya ito, ayon sa mga istoryador, bilang isang tanda ng pasasalamat sa pakikilahok ng hari sa paglutas ng hidwaan na lumitaw sa pagitan ng mga customer ng mga kuwadro na gawa at mga tagaganap-artista.

Ang ipinakitang bersyon ay pinalitan ng isa pang pagpipinta, na ngayon ay nasa London National Gallery. Noong 1785 isang tiyak na Hamilton ang bumili nito at dinala ito sa Inglatera.

Ang isang natatanging tampok ng "Madonna of the Rocks" ay ang pagsasanib ng mga tao na may tanawin. Ito ang unang larawan ng mahusay na artista, kung saan ang mga imahe ng mga santo ay magkakasabay na magkakaugnay sa kalikasan, inspirasyon ng kanilang presensya. Sa kauna-unahang pagkakataon sa gawain ng master, ang mga numero ay inilalarawan hindi laban sa background ng anumang elemento ng isang istrakturang arkitektura, ngunit parang nakapaloob sa loob ng isang malupit na mabatong tanawin. Ang pakiramdam na ito ay nilikha din sa komposisyon dahil sa espesyal na paglalaro ng ilaw at pagbagsak ng mga anino.

Ang imahe ng Madonna ay ipinakita dito, hindi pangkaraniwang ispiritwalisado at hindi nakalubog. Bumagsak ang malambot na ilaw sa mukha ng mga anghel. Ang artista ay gumawa ng maraming mga sketch at sketch bago nabuhay ang kanyang mga character at ang kanilang mga imahe ay naging maliwanag at nagpapahayag. Ang isa sa mga sketch ay naglalarawan sa ulo ng isang anghel. Hindi namin alam kung ito ay isang babae o isang lalaki. Ngunit ang isang bagay ay masasabi nang may kasiguruhan: ito ay isang hindi nakalubog na nilalang, puno ng lambingan, kabaitan, kadalisayan. Ang buong larawan ay puno ng isang pakiramdam ng pagiging kalmado, pagpayapa at katahimikan.

Ang bersyon, na isinulat ng master kalaunan, ay naiiba mula sa una sa isang bilang ng mga detalye: halos lumitaw sa ulo ng mga santo, ang munting si Juan Bautista ay may hawak na krus, ang posisyon ng anghel ay nagbabago. At ang pamamaraan ng pagpapatupad mismo ay naging isa sa mga dahilan para maiugnay ang may akda ng larawan sa mga mag-aaral ni Leonardo. Dito ang lahat ng mga numero ay ipinakita nang mas malapit, sa isang mas malaking sukat, at bukod sa, ang mga linya na bumubuo sa kanila ay magiging mas kapansin-pansin, kahit mabigat, mas matulis. Ang epektong ito ay nilikha sa pamamagitan ng pampalapot ng mga anino at pag-highlight ng mga indibidwal na lugar sa komposisyon.

Ang pangalawang bersyon ng larawan, ayon sa mga kritiko ng sining, ay mas karaniwan, pangkaraniwan. Marahil ang dahilan dito ay ang katunayan na ang pagpipinta ay nakumpleto ng mga mag-aaral ni Leonardo. Gayunpaman, hindi ito makakaalis sa halaga ng canvas. Ang hangarin ng artista ay malinaw na nakikita dito, ang tradisyon ng master sa paglikha at pagpapahayag ng mga imahe ay mahusay na masusundan.

Hindi gaanong kawili-wili ang kasaysayan ng sikat na pagpipinta ni Leonardo da Vinci na "The Annunciation" (1470s). Ang paglikha ng pagpipinta ay nagmula sa maagang panahon ng gawain ng artista, hanggang sa oras ng kanyang pag-aaral at pagtatrabaho sa studio ni Andrea Verrocchio.

Ang isang bilang ng mga elemento ng diskarte sa pagsulat ay ginagawang posible upang ideklara nang may kumpiyansa na ang may-akda ng sikat na obra maestra ay si Leonardo da Vinci at ibinukod ang pakikilahok ni Verrocchio o ng iba pang mga mag-aaral sa pagsulat nito. Gayunpaman, ang ilang mga detalye sa komposisyon ay katangian ng artistikong tradisyon ng paaralang Verrocchio. Ipinapahiwatig nito na ang batang pintor, sa kabila ng pagka-orihinal at talento na naipamalas sa oras na iyon, ay sa ilang mga sukat pa rin sa ilalim ng impluwensya ng kanyang guro.

Ang komposisyon ng pagpipinta ay medyo simple: isang tanawin, isang villa sa kanayunan, dalawang pigura - Maria at isang anghel. Sa background
nakakakita kami ng mga barko, ilang mga gusali, isang daungan. Ang pagkakaroon ng mga nasabing detalye ay hindi ganap na katangian ng gawain ni Leonardo, at hindi rin sila ang pangunahing narito. Mas mahalaga para sa artist na ipakita ang mga bundok na nakatago sa maulap na ulap na ulap, na matatagpuan sa di kalayuan, at ang ilaw, halos malinaw na kalangitan. Ang mga kaluluwang imahe ng isang batang babae na naghihintay ng mabuting balita at isang anghel ay labis na maganda at malambing. Ang mga linya ng kanilang mga form ay napapanatili sa paraan ng da Vinci, na naging posible sa isang pagkakataon upang tukuyin ang canvas bilang isang obra maestra na kabilang sa brush ng maagang Leonardo.

Ang pamamaraan ng pagpapatupad ng mga menor de edad na detalye ay katangian din ng tradisyon ng bantog na panginoon: pinakintab na mga bench, isang bato na parapet, isang may-ari ng libro na pinalamutian ng mga kathang-isip na mga sanga ng mga kamangha-manghang halaman. Sa pamamagitan ng paraan, ang sarcophagus ng nitso ng Giovanni at Piero Medici, na naka-install sa simbahan ng San Lorenzo, ay itinuturing na prototype ng huli. Ang mga elementong ito, na likas sa paaralan ng Verrocchio at katangian ng gawain ng huli, ay medyo naisip muli ni da Vinci. Ang mga ito ay buhay, malalaking, maayos na pinagtagpi sa pangkalahatang komposisyon. Tila na ang may-akda ay nagtakda ng kanyang sarili ng isang layunin, ginagawa bilang isang batayan ang repertoire ng kanyang guro, upang ibunyag sa mundo ang kanyang talento, gamit ang kanyang sariling pamamaraan at masining na paraan ng pagpapahayag.

Sa kasalukuyan, ang isa sa mga pagkakaiba-iba ng pagpipinta ay nasa Uffizi Gallery sa Florence. Ang pangalawang bersyon ng komposisyon ay itinatago sa Louvre sa Paris.

Ang pagpipinta ng Louvre ay itinayo nang medyo mas kumplikado kaysa sa naunang bersyon nito. Dito, ang mga wastong geometriko na linya ng mga dingding ng batong parapet ay malinaw na nakikita, na ang pattern nito ay paulit-ulit ng mga bangko na matatagpuan sa likuran ng pigura ni Maria. Ang mga imaheng inilabas ay inilalagay sa komposisyon nang naaangkop at lohikal. Ang mga damit ni Maria at ng anghel, kung ihahambing sa unang bersyon, ay nakasulat nang mas malinaw at tuloy-tuloy. Si Maria na ang kanyang ulo ay yumuko, nakabihis ng isang madilim na asul na damit na may isang asul na asul na balabal na nakabalot sa kanyang mga balikat, mukhang isang hindi nakalusot na nilalang. Ang mga madilim na kulay ng kasuotan ay lumiwanag at itinakda ang kaputian ng kanyang mukha. Hindi gaanong nagpapahayag ang imahe ng isang anghel na nagdala ng mabuting balita kay Madonna. Ang isang madilaw-dilaw na pelus, malalim na pulang balabal na may mga kurtina na maayos na bumababa pababa kumpletuhin ang kamangha-manghang imahe ng isang mabait na anghel.

Ang partikular na interes sa huli na komposisyon ay ang tanawin ng subtly na pininturahan ng master: walang anumang kombensyon, mga puno na lumalaki sa di kalayuan, halos talagang nakikita, ilaw na asul, transparent na langit, mga bundok na nakatago ng isang light fog, sariwang mga bulaklak sa ilalim ng paa ng isang anghel.

Ang pagpipinta na "Saint Jerome" ay tumutukoy sa panahon ng gawain ni Leonardo da Vinci sa studio ni Andrea Verrocchio (ang tinaguriang panahon ng Florentine ng akda ng artista). Ang canvas ay nanatiling hindi natapos. Ang pangunahing tema ng komposisyon ay isang malungkot na bayani, isang nagsisising makasalanan. Ang kanyang katawan ay tuyo sa gutom. Gayunpaman, ang kanyang hitsura, puno ng pagpapasiya at kalooban, ay isang malinaw na pagpapahayag ng pagiging matatag ng isang tao at lakas sa espiritu. Hindi namin mahahanap ang dualitas, kalabuan ng pagtingin sa anumang imahe na nilikha ni Leonardo.

Ang mga tauhan sa kanyang pagpipinta ay laging nagpapahayag ng pinakamataas na antas ng isang ganap na tiyak na malalim na pag-iibigan at damdamin.

Ang dalubhasang pininturahan na pinuno ng ermitanyo ay nagpapatunay din sa may-akda ni Leonardo. Hindi isang ordinaryong pagkalat nito ay nagsasalita ng isang mahusay na karunungan ng diskarte sa pagpipinta at ang kaalaman ng master tungkol sa mga intricacies ng anatomya ng katawan ng tao. Bagaman kinakailangan na gumawa ng isang maliit na pagpapareserba: sa maraming aspeto ay sinusunod ng artista ang mga tradisyon nina Andrea del Castagno at Domenico Veneziano, na kung saan, ay nagmula kay Antonio Pollaiolo.

Ang pigura ni Jerome ay hindi pangkaraniwang nagpapahiwatig. Mukhang ang nakaluhod na ermitanyo ay nakadirekta lahat. Sa kanan
Hawak niya ang isang bato sa kanyang kamay, isang sandali pa - at hahampasin niya ang kanyang sarili sa dibdib nito, hinahampas ang kanyang katawan at isinumpa ang kanyang kaluluwa para sa mga kasalanang nagawa niya ...

Ang komposisyon ng pagbuo ng larawan ay kagiliw-giliw din. Ang lahat ng ito ay naging, tulad nito, nakapaloob sa isang spiral, na nagsisimula mula sa mga bato, nagpapatuloy sa pigura ng isang leon, na matatagpuan sa paanan ng nagsisisi, at nagtatapos sa pigura ng isang ermitanyo.

Marahil ang pinakatanyag sa lahat ng mga obra ng sining ng sining sa mundo ay ang "La Gioconda". Ang isang kagiliw-giliw na katotohanan ay na, na nakumpleto ang trabaho sa larawan, ang artist ay hindi bahagi dito hanggang sa kanyang kamatayan. Nang maglaon, ang pagpipinta ay dumating sa hari ng Pransya na si Francis I, na inilagay ito sa Louvre.

Sumasang-ayon ang lahat ng mga artcholar na ang pagpipinta ay ipininta noong 1503. Gayunpaman, mayroon pa ring kontrobersya tungkol sa prototype ng batang babae na nakalarawan sa larawan. Pinaniniwalaan (ang tradisyon ay nagmula sa bantog na biographer na si Giorgio Vasari) na ang larawan ay naglalarawan ng asawa ng isang mamamayan ng Florentine na si Francesco di Giocondo, Mona Lisa.

Sa pagtingin sa larawan, masasabi nating may kumpiyansa na nakamit ng artista ang pagiging perpekto sa paglikha ng isang imahe ng tao. Dito umaalis ang master mula sa dating tinanggap at laganap na paraan ng pagganap ng isang larawan. Ang La Gioconda ay pininturahan sa isang ilaw na background at, saka, paikutin sa tatlong-kapat ng isang pagliko, ang kanyang titig ay nakadirekta nang direkta sa manonood - bago ito sa portrait art ng panahong iyon. Salamat sa bukas na tanawin sa likuran ng batang babae, ang pigura ng huli ay naging, tulad nito, isang bahagi ng tanawin, na maayos na pagsasama dito. Nakamit ito dahil sa espesyal na artistikong at grapikong pamamaraan na nilikha ni Leonardo at ginamit sa kanyang trabaho - sfumato. Ang kakanyahan nito ay nakasalalay sa ang katunayan na ang mga linya ng tabas ay nakabalangkas nang hindi malinaw, sila ay malabo, at lumilikha ito sa komposisyon ng pakiramdam ng pagsasanib, interpenetration ng mga indibidwal na bahagi nito.

Sa isang larawan, ang naturang pamamaraan (pagsasanib ng isang pigura ng tao at isang malakihang likas na tanawin) ay nagiging isang paraan ng pagpapahayag ng isang pilosopiko na ideya: ang mundo ng tao ay kasing laki, malakihan at magkakaiba tulad ng mundo ng kalikasan sa paligid natin . Ngunit, sa kabilang banda, ang pangunahing tema ng komposisyon ay maaaring ipakita bilang imposibilidad ng kumpletong kaalaman sa pag-iisip ng tao ng natural na mundo. Sa ideyang ito na maraming mga kritiko sa sining ang nag-uugnay ng nakatawa na ngiti na nagyeyelo sa labi ni Mona Lisa. Tila sinabi niya: "Lahat ng pagsisikap ng tao na malaman ang mundo ay ganap na walang kabuluhan at walang kabuluhan."

Ang larawan ng La Gioconda, ayon sa mga iskolar ng sining, ay isa sa pinakamataas na nakamit ni Leonardo da Vinci. Sa loob nito, ang artista ay talagang nagawang ipakita at lubos na ipahayag ang ideya ng pagkakaisa at ang lawak ng mundo, ang ideya ng priyoridad ng pangangatuwiran at sining.

Michelangelo Buonarroti

Si Michelangelo Buonarroti, pintor ng Italyano, iskultor, arkitekto at makata, ay isinilang sa Caprese malapit sa Florence noong Marso 6, 1475. Ang ama ni Michelangelo, si Lodovico Buonarroti, ay ang alkalde ng bayan ng Caprese. Pinangarap niya na malapit nang mapalitan siya ng kanyang anak sa kanyang puwesto. Gayunpaman, laban sa kagustuhan ng kanyang ama, nagpasya si Michelangelo na italaga ang kanyang buhay sa pagpipinta.

Noong 1488 nagpunta si Michelangelo sa Florence at pumasok sa isang paaralan sa sining doon, na noon ay dinidirekta ng sikat na master ng fine arts na Domenico Ghirlandaio. Pagkalipas ng isang taon, noong 1489, ang batang artista ay nagtatrabaho na sa pagawaan na itinatag ni Lorenzo Medici. Dito natututo ang binata ng pagpipinta mula sa isa pang sikat na artista at iskultor ng kanyang panahon, si Bertoldo di Giovanni, na isang mag-aaral ng Donatello. Sa pagawaan na ito, nagtulungan si Michelangelo kasama sina Angelo Poliziano at Pico della Mirandola, na lubos na naimpluwensyahan ang pagbuo ng masining na pamamaraan ng batang pintor. Gayunpaman, ang gawain ni Michelangelo ay hindi naging sarado sa puwang ng bilog ni Lorenzo Medici. Patuloy na umuunlad ang kanyang talento. Ang pansin ng artista ay lalong humugot sa malalaking mga bayani na imahe ng mga gawa ng mga dakilang Giotto at Masaccio.

Sa unang kalahati ng dekada 90. Noong ika-15 siglo, lumitaw ang mga unang iskultura na ginawa ni Michelangelo: "Madonna at the Stair" at "Battle of the Centaurs".

Sa "Madonna" makikita ang isang impluwensya ng paraan ng masining na paglalarawan sa pangkalahatan na tinanggap sa sining ng panahong iyon. Sa gawain ni Michelangelo, mayroong parehong pagdetalye ng plasticity ng mga numero. Gayunpaman, kahit dito makikita ang isang pulos indibidwal na diskarte ng batang iskultor, na nagpapakita ng sarili sa paglikha ng mga matangkad, magiting na mga imahe.

Walang mga bakas ng impluwensya sa labas sa kaluwagan na "Labanan ng mga Centaur". Ang gawaing ito ay ang unang independiyenteng gawain ng may talento na master upang ipakita ang kanyang indibidwal na estilo. Sa ginhawa, isang mitolohikal na larawan ng labanan ng mga Lapith na may mga centaur ay lilitaw sa buong nilalaman sa harap ng manonood. Kapansin-pansin ang eksena para sa pambihirang dula at pagiging totoo nito, na ipinahayag ng tumpak na pagkakaloob ng plastik ng mga nakalarawan na pigura. Ang iskulturang ito ay maaaring isaalang-alang bilang isang himno sa bayani, lakas at kagandahan ng tao. Sa kabila ng lahat ng drama ng isang lagay ng lupa, ang pangkalahatang komposisyon ay naglalaman ng isang malalim na panloob na pagkakaisa.

Isinasaalang-alang ng mga siyentipiko ng sining ang "Labanan ng mga Centaur" na siyang panimulang punto ng gawain ni Michelangelo. Sinabi nila na ang henyo ng artist ay nagmula nang tumpak sa gawaing ito. Ang kaluwagan, na nauugnay sa mga maagang gawa ng master, ay isang uri ng pagsasalamin ng buong kayamanan ng masining na pamamaraan ni Michelangelo.

Mula 1495 hanggang 1496 Si Michelangelo Buonarroti ay nasa Bologna. Dito ay nakilala niya ang mga canvases ni Jacopo della Quercia, na nakakuha ng pansin ng batang artista sa pamamagitan ng monumentality ng mga imaheng nilikha.

Noong 1496, ang master ay nanirahan sa Roma, kung saan pinag-aralan niya ang plasticity at paraan ng pagpapatupad ng mga kamakailang natuklasan na antigong mga eskultura, kabilang ang Laocoon at Belvedere torso. Ang masining na pamamaraan ng mga sinaunang iskulturang Griyego ay naipakita ni Michelangelo sa Bacchus.

Mula 1498 hanggang 1501, nagtrabaho ang artist sa paglikha ng isang marmol na grupo na tinawag na "Pieta" at nagdala ng katanyagan kay Michelangelo bilang isa sa mga unang masters ng Italya. Ang buong eksena, na naglalarawan ng isang batang ina na umiiyak sa katawan ng kanyang pinatay na anak na lalaki, ay puno ng isang pakiramdam ng pambihirang pagkakawanggawa at lambingan. Hindi nagkataon na ang artista ay pumili ng isang batang babae bilang isang modelo - isang imahe na nagpapakilala sa kalinisan ng espiritu.

Ang gawaing ito ng isang batang panginoon, na nagpapakita ng mga perpektong bayani, naiiba nang malaki mula sa mga iskultura na nilikha noong ika-15 siglo. Ang mga imahe ni Michelangelo ay mas malalim at mas sikolohikal. Ang mga damdamin ng kalungkutan at kalungkutan ay subtly naihatid sa pamamagitan ng espesyal na ekspresyon ng mukha ng ina, ang posisyon ng kanyang mga kamay, ang katawan, ang mga kurba na kung saan ay binibigyang diin ng mga malambot na kurtina ng mga damit. Ang imahe ng huli, sa pamamagitan ng paraan, ay maaaring maituring na isang uri ng hakbang pabalik sa gawain ng master: detalyadong pagdedetalye ng mga elemento ng komposisyon (sa kasong ito, ang mga tiklop ng damit at hood) ay isang tampok na katangian ng sining ng Pre-Renaissance. Ang pangkalahatang komposisyon ay hindi pangkaraniwang nagpapahayag at nakalulungkot, na kung saan ay isang natatanging katangian ng gawa ng batang iskultor.

Noong 1501 si Michelangelo, na isang tanyag na master ng iskultura sa Italya, ay umalis muli sa Florence. Dito nandoon ang kanyang marmol na "David". Hindi tulad ng mga nauna sa kanya (Donatello at Verrocchio), inilarawan ni Michelangelo ang batang bayani na naghahanda lamang para sa labanan. Ang malaking estatwa (ang taas nito ay 5.5 m) ay nagpapahiwatig ng hindi karaniwang malakas na kalooban ng isang tao, ang pisikal na lakas at kagandahan ng kanyang katawan. Ang imahe ng isang tao sa isip ni Michelangelo ay katulad ng mga numero ng mitolohikal na higanteng mga titans. Lumilitaw si David dito bilang sagisag ng ideya ng isang perpekto, malakas at malayang tao, handa na mapagtagumpayan ang anumang mga hadlang sa kanyang landas. Ang lahat ng mga hilig na kumukulo sa kaluluwa ng bayani ay naihatid sa pamamagitan ng pagliko ng katawan at ekspresyon ng mukha ni David, na nagsasalita ng kanyang mapagpasyang at matigas ang loob na ugali.

Hindi nagkataon na ang rebulto ni David ay pinalamutian ang pasukan sa Palazzo Vecchio (ang gusali ng pamahalaang lungsod ng Florence) bilang isang simbolo ng kapangyarihan, pambihirang lakas at kalayaan ng estado ng lungsod. Ang buong komposisyon ay nagpapahiwatig ng pagkakasundo ng isang malakas na kaluluwa ng tao at isang pantay na malakas na katawan.

Noong 1501, kasama ang estatwa ni David, lumitaw ang mga unang gawa ng kagila-gilalas ("Labanan ng Kashin") at ang kuda ((Madonna Doni "sa isang bilog na format). Ang huli ay kasalukuyang itinatago sa Uffizi Gallery sa Florence.

Noong 1505 si Michelangelo ay bumalik sa Roma. Dito ginagawa niya ang paggawa ng nitso ni Pope Julius II. Ayon sa plano, ang libingan ay dapat na isang kamangha-manghang istruktura ng arkitektura, kung saan magkakaroon ng 40 na estatwa na inukit mula sa marmol, at mga tanso na tanso. Gayunpaman, ilang sandali pa, tumanggi si Papa Julius II sa kanyang kautusan, at ang mga kilalang plano ni Michelangelo ay hindi nakalaan na magkatotoo. Ipinapahiwatig ng mga mapagkukunan na ang customer ay masungit sa master, bilang isang resulta kung saan siya, ininsulto hanggang sa kaibuturan ng kanyang kaluluwa, nagpasyang iwanan ang kabisera at bumalik muli sa Florence.

Gayunpaman, kinumbinsi ng mga awtoridad ng Florentine ang tanyag na iskultor na makipagkasundo sa Santo Papa. Hindi nagtagal ay lumingon siya kay Michelangelo na may bagong panukala - upang palamutihan ang kisame ng Sistine Chapel. Ang master, na isinasaalang-alang ang kanyang sarili lalo na ang isang iskultor, atubili na tinanggap ang order. Sa kabila nito, lumikha siya ng isang canvas na kinikilala pa ring obra ng sining sa mundo at iniwan ang memorya ng pintor sa maraming henerasyon.

Dapat pansinin na nagtrabaho si Michelangelo sa pagpipinta ng kisame, ang lugar na higit sa 600 metro kuwadradong. m, ganap na nag-iisa, walang mga tumutulong. Gayunpaman, apat na taon na ang lumipas, ang fresco ay kumpleto na nakumpleto.

Ang buong ibabaw ng kisame para sa pagpipinta ay nahahati sa maraming bahagi. Ang gitnang lugar ay sinasakop ng siyam na mga eksena na naglalarawan sa paglikha ng mundo, pati na rin ang buhay ng mga unang tao. Sa mga sulok ng bawat nasabing eksena ay ang mga pigura ng mga hubad na kabataan. Sa kaliwa at kanan ng komposisyon na ito ay may mga fresco na naglalarawan sa pitong mga propeta at limang mga mahuhula. Ang kisame, may arko vault at stripping ay pinalamutian ng magkakahiwalay na mga eksena sa Bibliya. Dapat pansinin na ang mga pigura ng Michelangelo ay may iba't ibang mga antas dito. Pinapayagan ng espesyal na pamamaraan na ito ang may-akda na ituon ang pansin ng manonood sa pinakamahalagang mga yugto at larawan.

Hanggang ngayon, ang mga syentista sa sining ay nalilito sa problema ng ideolohikal na konsepto ng fresco. Ang katotohanan ay ang lahat ng mga balangkas na bumubuo nito ay nakasulat na lumalabag sa lohikal na pagkakasunud-sunod ng pagbuo ng balangkas sa Bibliya. Kaya, halimbawa, ang pagpipinta na "Lasing ni Noe" ay nauna sa komposisyon na "Paghihiwalay ng ilaw mula sa kadiliman", kahit na dapat ito ang iba pang paraan. Gayunpaman, tulad ng isang pagpapakalat ng mga plots sa anumang paraan na hindi nakalarawan sa artistikong kasanayan ng pintor. Tila, mas mahalaga pa rin para sa artist na huwag ibunyag ang nilalaman ng salaysay, ngunit muli (tulad ng estatwa na "David") upang ipakita ang pagkakasundo ng isang magandang, dakila na kaluluwa ng tao at kanyang malakas, malakas na katawan.
Ito ay nakumpirma ng imahe ng mala-titanium na matandang lalaki ng mga host (fresco na "Ang Paglikha ng Araw at ng Buwan"), na lumilikha ng mga ilaw.

Sa halos lahat ng mga fresco na nagsasabi tungkol sa paglikha ng mundo, isang higanteng tao ang lilitaw sa harap ng madla, kung kanino, sa kahilingan ng tagalikha, buhay, pagpapasiya, lakas at magising. Ang ideya ng kalayaan ay isang tuloy-tuloy na sinulid sa pagpipinta na "The Fall", kung saan si Eba, na inaabot ang ipinagbabawal na prutas, na parang nagtatapon ng isang hamon sa kapalaran, ay nagpapahiwatig ng isang mapagpasyang hangarin para sa kalayaan. Ang mga imahe ng Flood fresco, ang mga tauhan na naniniwala sa pagpapatuloy ng buhay at pamilya, ay puno ng parehong hindi nababaluktot at nauuhaw sa buhay.

Ang mga imahe ng mga sibil at propeta ay kinakatawan ng mga pigura ng mga tao na nagpakilala sa matindi ng damdamin at maliwanag na personalidad ng mga tauhan. Ang matalinong si Joel ay narito ang kabaligtaran ng desperadong si Ezekiel. Ang manonood ay namangha sa mga imahe ng ispiritwalidad na si Isaias at ng maganda, na ipinakita sa sandali ng hula, ang Delphic sibyl na may malaki, malinis na mga mata.

Sa itaas, ang mga pathetics at monumentality ng mga imaheng nilikha ni Michelangelo ay napansin nang higit sa isang beses. Ang isang kagiliw-giliw na katotohanan ay kahit na ang tinatawag na. ang mga pantulong na numero ay pinagkalooban ng master ng parehong mga tampok tulad ng pangunahing mga character. Ang mga imahe ng mga kabataang lalaki, na matatagpuan sa mga sulok ng indibidwal na mga kuwadro, ay ang sagisag ng kagalakan ng buhay na naranasan ng isang tao at ang kamalayan ng kanyang sariling espiritu at pisikal na lakas.

Nararapat na isaalang-alang ng mga kritiko ng sining ang pagpipinta ng Sistine Chapel na gawaing nakumpleto ang panahon ng pagbuo ng malikhaing Michelangelo. Dito ginawang matagumpay ng master ang paghahati ng plafond na, sa kabila ng lahat ng iba't ibang mga paksa, ang fresco bilang isang kabuuan ay lumilikha ng impression ng pagkakaisa at pagkakaisa ng mga imaheng nilikha ng artista.

Sa buong panahon ng paggawa ni Michelangelo sa fresco, unti-unting nagbago ang masining na pamamaraan ng master. Sa paglaon ang mga character ay ipinakita nang mas malaki - lubos nitong pinahusay ang kanilang monumentality. Bilang karagdagan, ang nasabing sukat ng imahe ay humantong sa ang katunayan na ang plastik ng mga numero ay naging mas kumplikado. Gayunpaman, hindi ito nakaapekto sa anumang paraan sa pagpapahiwatig ng mga imahe. Marahil, dito higit sa kung saan man, ang talento ng isang iskultor ay ipinakita, na pinamamahalaang maipahatid nang mahina ang bawat linya ng paggalaw ng isang tao. Ang isang tao ay nakakakuha ng impression na ang mga kuwadro na gawa ay hindi pininturahan ng mga pintura, ngunit mahusay na nakaukit na volumetric relief.

Ang likas na katangian ng mga fresco sa iba't ibang bahagi ng kisame ay magkakaiba. Kung ang gitnang bahagi ay nagpapahayag ng pinaka-maasahin na kalagayan, kung gayon sa mga arko vault ay may mga imahe na nagpapakilala sa lahat ng mga kakulay ng malungkot na damdamin: kapayapaan, kalungkutan at pagkabalisa ay napalitan dito ng pagkalito at pamamanhid.

Ang interpretasyon ng mga imahe ng mga ninuno ni Kristo na ipinakita ni Michelangelo ay kagiliw-giliw din. Ang ilan sa kanila ay nagpapahayag ng damdamin ng pagkakamag-anak. Ang iba naman, ay puno ng galit at poot sa bawat isa, na hindi tipikal ng mga bayani sa Bibliya na tinawag na magdala ng ilaw at mabuti sa mundo. Isinasaalang-alang ng mga kritiko ng sining ang mga paglaon na idinagdag sa kapilya bilang isang pagpapakita ng isang bagong pamamaraan ng pansining, ang simula ng isang husay na bagong panahon sa gawain ng sikat na pinturang panginoon.

Mga 20s. Noong ika-16 na siglo, lumitaw ang mga gawa ni Michelangelo, na inilaan upang palamutihan ang nitso ni Pope Julius II. Ang utos para sa pagtatayo ng huli ay natanggap ng bantog na iskultor mula sa mga tagapagmana ng Santo Papa. Sa bersyon na ito, ang libingan ay dapat na medyo maliit na may isang minimum na bilang ng mga estatwa. Di nagtagal ay natapos ng master ang gawain sa pagpapatupad ng tatlong mga eskultura: mga estatwa ng dalawang alipin at Moises.

Gumawa si Michelangelo ng mga imahe ng mga bihag mula pa noong 1513. Ang pangunahing tema ng gawaing ito ay isang lalaking nakikipaglaban sa mga puwersang galit sa kanya. Dito, ang mga hindi kilalang pigura ng mga nagwaging bayani ay napalitan ng mga tauhan na napahamak sa isang hindi pantay na pakikibaka sa kasamaan. Bukod dito, ang mga imaheng ito ay mas mababa sa hindi sa anumang isang layunin at gawain ng artist, ngunit kumakatawan sa isang pagkakaugnay na damdamin at damdamin.

Ang kagalingan ng maraming imahe ng imahe ay ipinahayag sa tulong ng isang uri ng masining at larawan na pamamaraan na ginamit ng master. Kung hanggang sa oras na iyon ay pinagsikapan ni Michelangelo na ipakita ang isang pigura o pangkat ng eskultura mula sa isang panig, ngayon ang imaheng nilikha ng artista ay nagiging plastik, nagbabago. Nakasalalay sa aling bahagi ng estatwa na nagmula ang manonood, nakakakuha ito ng ilang mga balangkas, at ito o ang problemang iyon ay naging mas matindi.

Ang Bound Prisoner ay maaaring magsilbing isang paglalarawan ng nasa itaas. Kaya, kung ang manonood ay naglalakad sa paligid ng iskultura sa direksyon ng relo, pagkatapos ay madali niyang makikita ang mga sumusunod: una, ang pigura ng isang nakatali na bilanggo na may ulo na itinapon at isang walang magawang katawan ay nagpapahiwatig ng hindi makataong pagdurusa mula sa kamalayan ng kanyang sariling kawalan ng lakas, ang kahinaan ng kaluluwa at katawan ng tao. Gayunpaman, habang gumagalaw ka pa sa paligid ng iskultura, ang imahe ay malaki ang pagbabago. Ang dating kahinaan ng bilanggo ay nawala, ang kanyang mga kalamnan ay napuno ng lakas, ang kanyang ulo ay mayabang na umangat. At ngayon sa harap ng manonood ay hindi na isang pagod na martir, ngunit isang malakas na pigura ng isang bayani ng titan, na, sa pamamagitan ng ilang katawa-tawang aksidente, natagpuan ang kanyang sarili na nabalisa. Tila ang isa pang sandali - at ang mga gapos ay masira. Gayunpaman, hindi ito nangyayari. Nagpapatuloy, nakikita ng manonood kung paano humina muli ang katawan ng tao, bumaba ang kanyang ulo. At narito muli sa harap natin ang isang nakakaawang bilanggo, nagbitiw sa kanyang kapalaran.

Ang magkatulad na pagkakaiba-iba ay makikita sa estatwa ng Dying Prisoner. Tulad ng pag-usad ng manonood, nakikita ng manonood kung paano ang katawan na matalo sa matinding paghihirap ay unti-unting huminahon at maging manhid, pinupukaw ang ideya ng walang hanggang kapayapaan at tahimik.

Ang mga eskultura ng mga bilanggo ay hindi pangkaraniwang nagpapahiwatig, na nilikha dahil sa makatotohanang paglipat ng kilusang plastik ng mga numero. Nabuhay sila nang literal sa harap ng mga mata ng manonood. Ang lakas ng pagpapatupad ng rebulto ng mga bihag ay maikukumpara lamang sa pinakamaagang iskultura ng master - "The Battle of the Centaurs".

Ang estatwa ng "Moises", na kaibahan sa "Mga Bihag", ay medyo pinigilan sa ugali, ngunit hindi gaanong nagpapahiwatig. Dito muling lumingon si Michelangelo sa paglikha ng imahe ng isang titanic human hero. Ang pigura ni Moises ay sagisag ng isang pinuno, isang pinuno, isang taong may isang hindi karaniwang malakas na kalooban. Ang kakanyahan nito ay ganap na isiniwalat sa paghahambing kay David. Kung ang huli ay sumasagisag ng kumpiyansa sa lakas at kawalang-tatag ng isang tao, kung gayon si Moises narito ang pagkatao ng ideya na ang tagumpay ay nangangailangan ng napakalaking pagsisikap. Ang pag-igting na pang-espiritwal na ito ng bayani ay naiparating ng panginoon hindi lamang sa pamamagitan ng mabibigat na ekspresyon ng kanyang mukha, kundi pati na rin sa tulong ng kaplastikan ng pigura: mahigpit na pinipigilan ang mga linya ng kulungan ng mga damit, nakabaligtad na mga hibla ng balbas ni Moises.

Mula noong 1519, si Michelangelo ay nagtatrabaho sa paglikha ng apat pang mga estatwa ng mga bilanggo. Gayunpaman, nanatili silang hindi natapos. Kasunod, ginamit sila upang palamutihan ang grotto sa Boboli Gardens, na matatagpuan sa Florence. Sa kasalukuyan, ang mga estatwa ay itinatago sa Florentine Academy. Sa mga gawaing ito, lilitaw ang isang bagong tema para kay Michelangelo: ang koneksyon sa pagitan ng isang eskulturang pigura at isang bloke ng bato na kinuha bilang isang mapagkukunang materyal. Inihahatid ng iskultor dito ang ideya ng pangunahing layunin ng artist: upang palayain ang imahe mula sa mga nakakabit na bato. Dahil sa ang katunayan na ang mga iskultura ay naging hindi tapos at hindi gumana na mga piraso ng bato ay malinaw na nakikita sa kanilang ibabang bahagi, maaaring makita ng manonood ang buong proseso ng paglikha ng imahe. Ipinapakita dito ang isang bagong tunggalian sa pansining: isang tao at ang mundo sa paligid niya. Bukod dito, ang hindi pagkakasundo na ito ay hindi nalulutas pabor sa tao. Lahat ng kanyang damdamin at hilig ay pinipigilan ng kapaligiran.

Ang pagpipinta ng Medici Chapel sa Florence ay isang gawaing nagsasaad ng pagkumpleto ng yugto ng Mataas na Renaissance at kasabay nito ay isang bagong yugto sa gawain ni Michelangelo. Ang gawain ay isinagawa sa loob ng 15 taon, mula 1520 hanggang 1534. Sa loob ng ilang oras, napilitan ang artist na suspindihin ang trabaho dahil sa mga kaganapang pampulitika na nagaganap sa Italya sa oras na iyon. Noong 1527, bilang tugon sa pagkatalo ng Roma, idineklara ni Florence ang kanyang sarili na isang republika.

Si Michelangelo, bilang isang tagasuporta ng istraktura ng estado ng republika, ay nahalal sa posisyon ng pinuno ng mga kuta at gumawa ng isang malaking kontribusyon sa pagtatanggol ng lungsod. Nang bumagsak si Florence at muling dumating ang kapangyarihan ng Medici, isang seryosong banta ng kamatayan ang sumabit sa sikat na artista, at ngayon ay isang pulitiko din. Ang kaligtasan ay dumating nang hindi inaasahan. Si Pope Clement VII Medici, na isang mapagmataas at walang saysay na tao, ay nagpahayag ng isang pagnanais na iwanan sa salinlahi ang memorya ng kanyang sarili at ng kanyang mga kamag-anak. Sino kundi si Michelangelo, sikat sa sining ng pagpipinta ng mga magagandang larawan at pagganap ng magagaling na estatwa, ang makakagawa nito?

Kaya, muling ipinagpatuloy ang pagtatrabaho sa pagtatayo ng Medici Chapel. Ang huli ay isang maliit na istraktura na may mataas na pader, na may tuktok na may isang simboryo sa tuktok. Mayroong dalawang libingan sa chapel: ang Dukes Giuliano ng Nemours at Lorenzo ng Urbino, na matatagpuan sa tabi ng mga dingding. Sa ikatlong pader, sa tapat ng dambana, nakatayo ang isang rebulto ng Madonna. Sa kaliwa at kanan ng kanya ay ang mga iskultura na nagpapakatao sa mga imahe ng Saints Cosmas at Damian. Itinatag na sila ay ginawa ng mga alagad ng dakilang panginoon. Iminumungkahi ng mga mananaliksik na para sa nitso ng Medici na ginawa ang mga estatwa na "Apollo" (ibang pangalan - "David") at "Crouching Boy".

Kasama ang mga eskultura ng mga dukes, na walang panlabas na pagkakahawig sa kanilang mga prototype, ay inilagay sa mga pigura na pantulad: "Umaga", "Araw", "Gabi" at "Gabi". Ipinapakita ang mga ito dito bilang mga simbolo ng paglipat ng oras sa lupa at buhay ng tao. Ang mga estatwa na matatagpuan sa makitid na mga niches ay pumukaw ng impression ng depression, ang napipintong pagdating ng isang bagay na kahila-hilakbot at mabigat. Ang mga volumetric na numero ng mga dukes, na dinurog ng mga pader na bato sa lahat ng panig, ay nagpapahayag ng espiritwal na pagkabali at ang panloob na kawalan ng laman ng mga imahe.

Ang pinaka maayos sa ensemble na ito ay ang imahe ng Madonna. Hindi karaniwang nagpapahayag at puno ng lirisismo, ito ay hindi malinaw at hindi nabibigatan ng mga madilim na linya.

Ang Medici Chapel ay may partikular na interes mula sa pananaw ng artistikong pagkakaisa ng mga pormularyo ng arkitektura at eskultura. Ang mga linya ng gusali at mga estatwa ay napailalim dito sa isang ideya ng artist. Ang kapilya ay ang pinakamalinaw na halimbawa ng pagbubuo at pagkakasundo ng pakikipag-ugnay ng dalawang sining - iskultura at arkitektura, kung saan ang mga bahagi ng isa ay magkakasundo na umaakma at bumuo ng kahulugan ng mga elemento ng iba.

Mula noong 1534 iniwan ni Michelangelo ang Florence at tumira sa Roma, kung saan siya ay nanatili hanggang sa katapusan ng kanyang buhay. Ang panahon ng Romano ng gawain ng mahusay na master ay pumasa sa mga kondisyon ng pakikibaka sa Counter-Reformation laban sa mga ideyang niluwalhati ng mga manunulat, pintor at iskultor ng Renaissance. Ang sining ng mga pamamalakista ay pinapalitan ang pagkamalikhain ng huli.

Sa Roma, si Michelangelo ay naging malapit sa mga tao na bumuo ng isang relihiyoso at pilosopiko na bilog na pinangunahan ng bantog na makata ng Italyano noong panahong iyon Vittoria Colonna. Gayunpaman, tulad ng sa kanyang kabataan, ang mga saloobin at ideya ni Michelangelo ay malayo sa mga na hover sa ulo ng bilog. Sa katunayan, ang panginoon ay nanirahan at nagtrabaho sa Roma sa isang kapaligiran ng hindi pagkakaintindihan at kalungkutan sa espiritu.

Sa oras na ito (1535-1541) na ang Huling Paghuhukom fresco ay lumitaw, na pinalamutian ang dingding ng altar ng Sistine Chapel.

Ang kwentong biblikal ay dito muling binigyang diin ng may-akda. Ang larawan ng Huling Paghuhukom ay pinaghihinalaang ng manonood hindi bilang isang positibong simula, ang tagumpay ng pinakamataas na hustisya, ngunit bilang isang pangkaraniwang trahedya ng tao sa pagkamatay ng buong lahi, tulad ng Apocalypse. Napakalaking mga numero ng mga tao ang nagpapabuti sa drama ng komposisyon.

Ang kusang katangian ng larawan ay ganap na tumutugma sa gawain ng artista - upang ipakita ang taong nawala sa pangkalahatang misa. Salamat sa gayong solusyon sa artistikong imahe, ang manonood ay may pakiramdam ng kalungkutan sa mundong ito at kawalan ng lakas sa harap ng mga pwersang pagalit, na kung saan walang punto sa pakikipaglaban. Ang mga nakalulungkot na tala ay nakakakuha din ng isang mas nakakatulis na tunog din dahil ang master ay walang dito isang integral, monolithic na imahe ng isang sama ng mga tao (tulad ng ito ay ipapakita sa mga canvases ng mga artista ng Late Renaissance), ang bawat isa sa kanila ay nabubuhay buhay Gayunpaman, ang walang pag-aalinlangan na merito ng pintor ay maaaring isaalang-alang ang katunayan na nagpakita siya ng isang hindi pa rin magkakaugnay, ngunit hindi na impersonal na masa ng tao.

Sa Huling Paghuhukom, nagpapakita si Michelangelo ng isang hindi karaniwang nagpapahiwatig na diskarteng kulay. Ang kaibahan ng mga ilaw na hubad na katawan at isang madilim, itim at asul na kalangitan ay nagpapabuti ng impression ng trahedyang pag-igting at pagkalungkot sa komposisyon.

Michelangelo. Ang Huling Paghuhukom. Fresco ng Sistine Chapel sa Vatican. Fragment. 1535-1541

Sa pagitan ng 1542 at 1550, pininturahan ni Michelangelo ang mga dingding ng Paolina Chapel sa Vatican. Ang mga brush ng dakilang master painter ay nabibilang sa dalawang frescoes, na ang isa ay kalaunan ay tinawag na "The Conversion of Paul", at ang isa pa - "The Crucifixion of Peter". Sa huli, sa mga tauhang pinapanood ang pagpapatupad kay Pedro, ang ideya ng pahintulot na katahimikan, hindi pagkilos at kababaang-loob ng isang tao sa kanyang kapalaran ay buong ipinakita. Ang mga tao ay walang lakas sa katawan o pangkaisipan upang labanan ang karahasan at kasamaan.

Sa huling bahagi ng 1530s. lilitaw ang isa pang iskultura ni Michelangelo - isang dibdib ni Brutus. Ang gawaing ito ay nagsilbing isang uri ng tugon mula sa bantog na master sa pagpatay sa malupit na si Duke Alessandro Medici, na ginawa ng kanyang kamag-anak na si Lorenzo. Hindi alintana ang totoong mga motibo, ang kilos ng huli ay sinalubong ng kagalakan ng artist - isang tagasuporta ng mga Republican. Ang imahe ng Brutus ay puno ng mga civic pathos, na kinatawan ng master bilang isang marangal, mayabang, malaya, isang tao na may mahusay na katalinuhan at isang mainit na puso. Narito si Michelangelo, tulad nito, ay bumalik sa imahe ng isang perpektong taong may mataas na mga espiritwal at intelektuwal na katangian.

Ang mga huling taon ng pagkamalikhain ni Michelangelo ay lumipas sa isang kapaligiran ng pagkawala ng mga kaibigan at kamag-anak at isang lalong pinalala na reaksyon ng publiko. Ang mga makabagong ideya ng mga kontra-repormista ay hindi maikakaila ang mga gawa ng master, kung saan ipinakita ang pinaka-progresibong ideya ng Renaissance: humanismo, pag-ibig sa kalayaan, paghimagsik sa kapalaran. Sapat na sabihin na sa pamamagitan ng desisyon ng isa sa mga mabangis na tagahanga ng mga counterreform na si Paul IV Karaffa, binago ang komposisyon ng Huling Hatol ng sikat na pintor. Itinuring ng Santo Papa na malaswa ang mga hubad na pigura ng mga tao na inilalarawan sa fresco. Sa pamamagitan ng kanyang kautusan, itinago ng mag-aaral ni Michelangelo na si Daniele da Volterra ang kahubaran ng ilang mga imaheng Michelangelo na may mga draperye ng mga capes.

Ang huling mga gawa ni Michelangelo - isang bilang ng mga guhit at iskultura - ay natagpuan sa isang malungkot at masakit na pakiramdam ng kalungkutan at ang pagbagsak ng lahat ng mga pag-asa. Ang mga gawaing ito na mas malinaw na nagpapakita ng panloob na mga kontradiksyon ng kinikilalang master.

Kaya, si Jesucristo sa Pieta mula sa Palestrina ay ipinakita bilang isang bayani, nasira sa ilalim ng pananalakay ng panlabas na pwersa. Ang parehong imahe sa "Pieta" ("Entombment") mula sa Florentine Cathedral ay mas pangkaraniwan at naisasatao. Hindi na ito isang bayani ng titan. Ito ay naging mas mahalaga para sa artist dito upang maipakita ang lakas na espiritwal, damdamin at karanasan ng mga tauhan.

Broken contours ng katawan ni Kristo, ang imahe ng isang ina na baluktot sa patay na katawan ng kanyang anak na si Nicodemus na ibinababa ang katawan
Si Jesus sa libingan - ang lahat ay napailalim sa isang gawain: upang ilarawan ang lalim ng mga karanasan ng tao. Bukod dito, totoo
ang bentahe ng mga gawaing ito ay ang pag-overtake ng master ng pagkakawatak-watak ng mga imahe. Ang mga tao sa pagpipinta ay pinag-isa ng isang pakiramdam ng matinding pakikiramay at ang kapaitan ng pagkawala. Ang pamamaraan na ito ng Michelangelo ay binuo sa susunod na yugto ng pagbuo ng sining ng Italyano, sa mga gawa ng mga artista at iskultor ng Huling Renaissance.

Ang tuktok ng huling yugto ng pagkamalikhain ni Michelangelo ay maaaring maituring na isang iskultura, na kalaunan ay tinawag na "Pieta Rondanini". Ang mga imaheng ipinakita dito ay ipinakita bilang sagisag ng lambing, kabanalan, matinding kalungkutan at kalungkutan. Dito, higit sa dati, ang tema ng kalungkutan ng tao sa isang mundo kung saan maraming tao ang talamak.

Ang magkatulad na mga motibo ay maaaring marinig sa paglaon ng graphic works ng mahusay na master, na isinasaalang-alang ang pagguhit bilang pangunahing prinsipyo ng iskultura, pagpipinta at arkitektura.

Ang mga imahe ng graphic works ni Michelangelo ay hindi naiiba mula sa mga bayani ng kanyang mga napakalaking komposisyon: ang parehong kamangha-manghang mga bayani ng titan ay kinakatawan dito. Sa huling panahon ng kanyang trabaho, si Michelangelo ay lumipat sa pagguhit bilang isang independiyenteng artistikong at visual na genre. Kaya, sa pamamagitan ng 30-40s. Nakita ng ika-16 na siglo ang pag-usbong ng pinakamalinaw at nagpapahayag na mga komposisyon ng master, tulad ng "The Fall of Phaeton" at "The Resurrection of Christ".

Ang ebolusyon ng artistikong pamamaraan ng artista ay madaling masusundan sa mga halimbawa ng mga graphic na likha. Kung ang mga unang guhit, na ginawa gamit ang isang panulat, ay naglalaman ng mga tiyak na imahe ng mga numero na may mas matalim na mga balangkas ng mga contour, kung gayon ang mga susunod na imahe ay magiging mas malabo at malambot. Ang kagaan na ito ay nilikha dahil sa ang katunayan na ang artist ay gumagamit ng alinman sa isang sanguine o isang Italyano lapis, sa tulong ng kung saan ang mas payat at mas maselan na mga linya ay nilikha.

Gayunpaman, ang huli na gawain ng Michelangelo ay minarkahan hindi lamang ng mga nakalulungkot na imahe na walang pag-asa. Ang mga istruktura ng arkitektura ng mahusay na master, na nagsisimula pa sa oras na ito, ay tila nagpapatuloy sa mga tradisyon ng Renaissance. Ang Katedral nito ng San Pedro at ang arkitekturang grupo ng Capitol sa Roma ay ang sagisag ng mga ideya ng Renaissance ng mataas na humanismo.

Si Michelangelo Buonarroti ay namatay sa Roma noong Pebrero 18, 1564. Ang kanyang bangkay ay kinuha sa labas ng kabisera sa mahigpit na pagtitiwala at ipinadala sa Florence. Ang dakilang artista ay inilibing sa simbahan ng Santa Croce.

Ang gawain ng master ng pagpipinta at iskultura ay may malaking papel sa pagbuo at pag-unlad ng masining na pamamaraan ng maraming mga tagasunod ng Michelangelo. Kabilang sa mga ito ay si Raphael, ang mga kaugalian, na madalas na kinopya ang mga linya ng mga imahe na nilikha ng sikat na pintor. Ang sining ni Michelangelo ay hindi gaanong mahalaga para sa mga artista ng panahon ng Baroque. Gayunpaman, maling sabihin na ang mga imahe ng baroque (isang tao na isinasagawa hindi ng panloob na mga salpok, ngunit ng mga panlabas na puwersa) ay katulad ng mga bayani ni Michelangelo, na niluwalhati ang humanismo, kalooban at panloob na lakas ng tao.

Raphael Santi

Si Raphael Santi ay ipinanganak sa maliit na bayan ng Urbino noong 1483. Hindi posible na maitaguyod ang eksaktong petsa ng kapanganakan ng mahusay na pintor. Ayon sa ilang mga mapagkukunan, ipinanganak siya noong Marso 26 o 28. Ang iba pang mga iskolar ay inaangkin na ang petsa ng kapanganakan ni Raphael ay Abril 6, 1483.

Sa pagtatapos ng ika-15 siglo, ang Urbino ay naging isa sa pinakamalaking sentro ng kultura sa bansa. Iminungkahi ng mga biographer na nag-aral si Raphael kasama ang kanyang ama na si Giovanni Santi. Mula noong 1495 ang binata ay nagtatrabaho sa art workshop ng Urbino master na si Timoteo della Vite.

Ang pinakamaagang nabubuhay na mga gawa ni Raphael ay itinuturing na mga miniature na "The Dream of a Knight" at "Three Graces". Sa mga gawaing ito, ang mga makatao na ideyal na ipinangaral ng mga masters ng Renaissance ay ganap na masasalamin.

Sa "The Knight's Dream" mayroong isang uri ng muling pag-iisip ng mitolohiko na tema ng Hercules na nakaharap sa isang pagpipilian: Malakas o Kasiyahan? .. Inilalarawan ni Raphael si Hercules bilang isang natutulog na batang kabalyero. Nasa harap niya ang dalawang dalagita: isa - na may isang libro at isang tabak sa kanyang mga kamay (mga simbolo ng kaalaman, lakas ng loob at mga gawa ng bisig), ang isa pa - na may isang namumulaklak na sangay, na nagpapakatao sa kasiyahan at kasiyahan. Ang buong komposisyon ay inilalagay laban sa backdrop ng isang magandang tanawin.

Sa "Three Graces", muli, ang mga antigong imahe ay ipinakita, kinuha, sa lahat ng posibilidad, mula sa isang sinaunang Greek comeo (isang imahe sa isang mahalagang bato o malapyot na bato).

Sa kabila ng katotohanang sa mga maagang gawa ng batang artista maraming paghiram, ang malikhaing sariling katangian ng may-akda ay malinaw na malinaw na naipamalas dito. Ito ay ipinahayag sa lyricism ng mga imahe, ang espesyal na ritmo ng samahan ng trabaho, ang lambot ng mga linya na bumubuo ng mga numero. Ang pambihirang pagkakaisa ng mga ipininta na imahe, pati na rin ang paglilinaw ng kalinawan at kalinawan, na katangian ng maagang gawa ni Raphael, ay nagsasalita tungkol sa artist ng Mataas na Renaissance.

Noong 1500, umalis si Raphael sa kanyang bayan at nagtungo sa Perugia, ang pangunahing lungsod ng Umbria. Dito nag-aral siya ng pagpipinta sa studio ng Pietro Perugino, na siyang nagtatag ng Umbrian art at visual school. Ang mga kasabay ni Raphael ay nagpatotoo: ang isang may kakayahang mag-aaral ay labis na pinagtibay ang paraan ng pagsulat ng kanyang guro na ang kanilang mga canvases ay hindi man makilala. Kadalasan, natupad nina Raphael at Perugino ang order, nagtutulungan sa larawan.

Gayunpaman, magiging maling sabihin na ang orihinal na talento ng batang artista ay hindi nabuo sa lahat sa panahong ito. Kinumpirma ito ng sikat na "Madonna Conestabile", na nilikha noong 1504.

Sa canvas na ito, ang imahe ng Madonna ay lilitaw sa kauna-unahang pagkakataon, na sa hinaharap ay kukuha ng isa sa mga nangungunang lugar sa gawain ng artista. Si Madonna ay pininturahan laban sa background ng isang kahanga-hangang tanawin na may mga puno, burol at isang lawa. Ang mga imahe ay pinag-isa ng ang katunayan na ang titig ng Madonna at ang sanggol ay nakadirekta sa libro, kung saan abala ang batang ina sa pagbabasa. Ang pagkakumpleto ng komposisyon ay naihatid hindi lamang ng mga pigura ng mga pangunahing tauhan, kundi pati na rin ng mismong anyo ng larawan - tondo (bilog), na hindi naman nililimitahan ang kalayaan ng mga imahe. Ang mga ito ay malalakas at magaan. Ang impression ng pagiging natural at pagiging totoo ay nilikha salamat sa paggamit ng mga malamig na malamig na kulay at kanilang mga espesyal na kumbinasyon sa komposisyon: ang malalim na asul na kapa ng Madonna, transparent na asul na langit, mga berdeng puno at tubig sa lawa, mga bundok na may snow na may puting mga tuktok. Ang lahat ng ito, kapag tinitingnan ang larawan, lumilikha ng isang pakiramdam ng kadalisayan at lambing.

Ang isa pang pantay na sikat na gawa ni Raphael, na kabilang din sa maagang panahon ng kanyang trabaho, ay isang canvas na nilikha noong 1504 na tinawag na "The Betrothal of Mary". Ang pagpipinta ay kasalukuyang itinatago sa Brera Gallery sa Milan. Ang konstruksyon ng komposisyon ay may partikular na interes dito. Inilipat ng pintor ang relihiyoso at ritwal na aksyon ng pag-aasawa mula sa mga dingding ng simbahan, nakikita sa di kalayuan, sa kalye. Ginagawa ang sakramento sa ilalim ng isang malinaw na bughaw na bughaw na langit. Sa gitna ng larawan ay ang pari, sa kaliwa at kanan niya ay sina Maria at Jose, sa tabi nito ang mga batang babae at lalaki sa maliliit na grupo. Inilagay sa pananaw ng komposisyon, ang simbahan ay isang uri ng backdrop laban kung saan nagaganap ang pag-aasawa. Siya ay isang simbolo ng banal na ugali at pabor para kina Maria at Jose. Ang kalahating bilog na frame ng canvas sa itaas na bahagi nito, na inuulit ang linya ng simboryo ng simbahan, ay nagbibigay ng lohikal na pagkakumpleto sa larawan.

Ang mga numero sa larawan ay hindi karaniwang liriko at sabay na natural. Dito, ang mga paggalaw, ang plasticity ng katawan ng tao ay tumpak at banayad na naihatid. Ang isang kapansin-pansin na halimbawa nito ay ang pigura ng isang batang lalaki sa harapan ng komposisyon na sinisira ang isang batuta sa kanyang tuhod. Si Maria at Jose ay tila kaaya-aya, halos walang kinalaman sa manonood. Ang kanilang mga kaluluwang mukha ay puno ng pagmamahal at lambing. Sa kabila ng isang tiyak na mahusay na proporsyon ng pag-aayos ng mga numero, ang canvas ay hindi mawawala ang tunog nitong liriko. Ang mga imaheng nilikha ni Raphael ay hindi mga iskema, sila ay nabubuhay na mga tao sa lahat ng pagkakaiba-iba ng kanilang mga damdamin.

Sa gawaing ito na sa kauna-unahang pagkakataon na malinaw, sa paghahambing sa mga nakaraang gawa, ang talento ng batang panginoon sa kakayahang subtly ayusin ang ritmo ng komposisyon ay ipinakita. Salamat sa pag-aari na ito, ang mga imahe ng mga istruktura ng arkitektura ay magkakasuwato na kasama sa pangkalahatang larawan, na hindi lamang isang elemento ng tanawin ng Raphael, ngunit naging katulad din ng mga pangunahing tauhan, isiwalat ang kanilang kakanyahan at katangian.

Ang pagnanais na lumikha ng isang espesyal na ritmo sa trabaho ay idinidikta ng paggamit ng artist ng mga kulay ng ilang mga tono. Kaya, ang komposisyon na "The Betrothal of Mary" ay itinayo sa apat na kulay lamang.

Ang gintong dilaw, berde at pula na mga tono, na pinagsama sa mga damit ng mga bayani, sa tanawin, arkitektura at pagtatakda ng kinakailangang ritmo para sa pangkalahatang komposisyon, bumuo ng isang pagkakaisa sa mga ilaw na asul na lilim ng kalangitan.

Sa lalong madaling panahon, ang art workshop ng Perugino ay naging napakaliit para sa karagdagang paglago ng talento ng pintor. Noong 1504, nagpasya si Raphael na lumipat sa Florence, kung saan binuo ang mga ideya at estetika ng Mataas na Renaissance art. Dito nakilala ni Raphael ang mga gawa nina Michelangelo at Leonardo da Vinci. Ito ay ligtas na sabihin na sila ang mga guro ng batang pintor sa yugtong ito ng pagbuo ng kanyang malikhaing pamamaraan. Sa mga gawa ng mga panginoon na ito, ang batang artista ay natagpuan ang isang bagay na wala sa paaralan ng Umbrian: ang orihinal na istilo ng paglikha ng mga imahe, ang makahulugan na pagkakakulit ng mga pigura na inilalarawan, isang mas napakalaking representasyon ng katotohanan.

Ang mga bagong solusyon sa pansining at larawang larawan ay naipakita na sa mga likhang likha ni Raphael noong 1505. Ang mga larawan ng sikat na pilantropista noon mula kay Florence Angelo Doni at kanyang asawa ay itinatago ngayon sa Pitti Gallery. Ang mga imahe ay wala ng anumang mga heroic pathos at pagmamalabis. Ito ay mga ordinaryong tao, pinagkalooban, nguni't may pinakamahusay na mga katangian ng tao, bukod dito ay ang pagpapasiya at matapang na kalooban.

Dito, sa Florence, nagsulat si Raphael ng isang ikot ng mga kuwadro na gawa na nakatuon sa Madonna. Ang kanyang mga canvases na "Madonna in the Green", "Madonna na may isang Goldfinch", "Madonna the Gardener" ay lumitaw. Ang mga komposisyon na ito ay magkakaiba-iba ng isang piraso. Ang lahat ng mga canvases ay naglalarawan ng Madonna at Bata kasama ang maliit na si Juan Bautista. Ang mga numero ay inilalagay laban sa backdrop ng isang fabulously magandang tanawin. Ang mga imahe ni Raphael ay hindi pangkaraniwang liriko, malambot at malambot. Ang Kanyang Madonna ay ang sagisag ng lubos na mapagpatawad, matahimik na pagmamahal ng ina. Sa mga gawaing ito, mayroong isang tiyak na halaga ng sentimentalidad at labis na paghanga sa panlabas na kagandahan ng mga bayani.

Ang isang natatanging tampok ng artistikong pamamaraan ng pintor sa panahong ito ay ang kawalan ng isang malinaw na paningin ng kulay na likas sa lahat ng mga masters ng paaralang Florentine. Walang mga nangingibabaw na kulay sa mga canvases. Ang mga imahe ay nai-render sa mga kulay na pastel. Ang kulay para sa artista ay hindi ang pangunahing bagay dito. Ito ay naging mas mahalaga para sa kanya upang maiparating ang mga linya na bumubuo sa pigura nang tumpak hangga't maaari.

Ang mga unang halimbawa ng napakalaking pagpipinta ni Raphael ay nilikha sa Florence. Kabilang sa mga ito, ang pinaka nakakainteres ay ang Madonna kasama sina John the Baptist at St. Nicholas "(o" Madonna of Anside "). Ang malikhaing pamamaraan ng artist ay higit na naiimpluwensyahan ng mga canvases ng mga pintor ng Florentine, higit sa lahat Leonardo da Vinci at Fra Bartolomeo.

Noong 1507, na nais na ihambing sa mga pinakamahusay na master ng paaralang Florentine, sila Leonardo da Vinci at Michelangelo, lumilikha si Raphael ng isang medyo malaking canvas, na tinawag na "The Entombment". Ang ilang mga elemento ng mga imahe ng komposisyon ay pag-uulit ng mga tanyag na pintor. Kaya, ang ulo at katawan ni Kristo ay hiniram mula sa iskultura ni Michelangelo na "Pieta" (1498-1501), at ang imahe ng isang babaeng sumusuporta kay Maria - mula sa canvas ng parehong master na "Madonna Doni". Maraming mga kritiko sa sining ang hindi isinasaalang-alang ang gawaing ito ni Raphael na maging orihinal, na inilalantad ang kanyang orihinal na talento at tampok ng artistikong at nakalarawan na pamamaraan.

Sa kabila ng kanyang huling hindi matagumpay na trabaho, ang mga nagawa ni Raphael sa sining ay makabuluhan. Di-nagtagal, napansin at kinikilala ng mga kapanahunan ang mga gawa ng batang artista, at ang may-akda mismo ay inilagay sa isang par sa mga natitirang masters-painter ng Renaissance. Noong 1508, sa ilalim ng pagtataguyod ng sikat na arkitekto na Bramante, kapwa kababayang si Raphael, umalis ang pintor patungo sa Roma, kung saan kasama siya sa mga inanyayahan sa korte ng papa.

Si Julius II, na noon ay nasa trono ng papa, ay kilala bilang isang walang kabuluhan, mapagpasyang masidhing tao.
Sa panahon ng kanyang paghahari na ang mga pag-aari ng papa ay napalawak sa pamamagitan ng mga giyera. Ang parehas na "nakakasakit" na patakaran ay isinunod kaugnay sa pag-unlad ng kultura at sining. Kaya, ang pinakatanyag na mga artista, iskultor at arkitekto ay naimbitahan sa korte ng papa. Ang Roma, na pinalamutian ng maraming mga gusaling arkitektura, ay nagsimulang magbago nang kapansin-pansin: itinayo ni Bramante ang St. Peter's Cathedral; Si Michelangelo, na pansamantalang sinuspinde ang pagtatayo ng nitso ni Julius II, ay nagsimulang pintura ang kisame ng Sistine Chapel. Unti-unti, isang bilog ng mga makata at syentista ang nabuo sa paligid ng Santo Papa, na nangangaral ng matataas na humanistikong mga prinsipyo at ideya. Si Rafael Santi, na dumating mula sa Florence, ay nasa nasabing kapaligiran.

Pagdating sa Roma, nagsimulang magtrabaho si Raphael sa pagpipinta ng mga apartment ng Santo Papa (ang tinaguriang saknong). Ang mga fresco ay nilikha sa panahon mula 1509 hanggang 1517. Sila ay nakikilala mula sa mga gawa ng isang katulad na likas na katangian ng iba pang mga masters sa pamamagitan ng isang bilang ng mga tampok. Una sa lahat, ito ay ang sukat ng mga kuwadro na gawa. Kung sa mga gawa ng mga nakaraang pintor mayroong maraming maliliit na komposisyon sa isang pader, kung gayon ang Raphael ay may magkakahiwalay na pader para sa bawat pagpipinta. Katulad nito, ang mga nakalarawan na pigura ay "lumago" din.

Dagdag dito, kinakailangang tandaan ang kayamanan ng mga fresco ng Raphael na may iba't ibang mga pandekorasyon na elemento: mga kisame na pinalamutian ng artipisyal na marmol at gilding, fresco at mosaic na mga komposisyon, isang sahig na pininturahan ng isang magarbong pattern. Ang nasabing pagkakaiba-iba ay hindi lumilikha, gayunpaman, ng impression ng labis at kaguluhan. Nakaayos sa kanilang mga lugar at may kasanayang nakaayos na mga elemento ng pandekorasyon na pumukaw sa isang pakiramdam ng pagkakasundo, kaayusan at isang tiyak na ritmo na itinakda ng master. Bilang isang resulta ng naturang malikhaing at panteknikal na mga makabagong ideya, ang mga larawang nilikha ng artist sa mga kuwadro na gawa ay malinaw na nakikita ng manonood at samakatuwid ay nakakakuha ng kinakailangang kalinawan at kalinawan.

Ang lahat ng mga fresco ay kailangang sumunod sa isang pangkaraniwang tema: ang pagluwalhati ng Simbahang Katoliko at ang pinuno nito. Kaugnay nito, ang mga kuwadro na gawa ay batay sa mga pakana sa Bibliya at mga eksena mula sa kasaysayan ng pagka-papa (na may mga imahe ni Julius II at ng kanyang kahalili na si Leo X). Gayunpaman, sa Raphael, ang mga naturang kongkretong imahe ay nakakakuha ng isang pangkalahatang kahulugan ng pagpapakahulugan, na inilalantad ang kakanyahan ng mga makataong ideya ng Renaissance.

Ang partikular na interes mula sa puntong ito ng pananaw ay ang Stanza della Senyatura (signature room). Ang mga frescoes ng komposisyon ay isang pagpapahayag ng apat na lugar ng aktibidad na espiritwal ng tao. Kaya, ang fresco na "Di-pagkakasundo" ay nagpapakita ng teolohiya, "The Athenian School" - pilosopiya, "Parnassus" - tula, "Karunungan, Moderasyon at Lakas" - hustisya. Ang tuktok ng bawat fresco ay nakoronahan ng isang alegorikong pigura na kumakatawan sa isang partikular na aktibidad. Sa mga sulok ng vault mayroong maliit na mga komposisyon na katulad ng tema sa ito o sa fresco.

Ang komposisyon ng pagpipinta sa Stanza della Senyatura ay batay sa isang kumbinasyon ng mga asignaturang biblikal at sinaunang Griyego (bibliya - "Ang Pagkahulog", antigong - "Ang tagumpay ni Apollo laban kay Marsyas"). Ang mismong katotohanan na ang isang kumbinasyon ng mga mitolohiko, pagano at sekular na tema ay ginamit upang palamutihan ang mga silid ng papa ay nagpapatunay sa pag-uugali ng mga tao noong panahong iyon sa mga dogma sa relihiyon. Ang mga fresco ni Raphael ay nagpahayag ng priyoridad ng sekular na prinsipyo kaysa sa simbahan-relihiyoso.

Ang pinakamaliwanag at pinaka-ganap na sumasalamin sa relihiyosong kulto ng relihiyon ay ang pagpipinta na "Pakikipagtalo". Narito ang komposisyon, tulad nito, nahahati sa dalawang bahagi: langit at lupa. Nasa ibaba, sa lupa, ang mga pigura ng mga ama ng simbahan, pati na rin mga pari, matatanda at kabataan. Ang kanilang mga imahe ay hindi likas na likas, na nilikha sa tulong ng makatotohanang pagpaparami ng plasticity ng mga katawan, pagliko at paggalaw ng mga numero. Si Dante, Savonarola, ang pintor na si Fra Beato Angelico ay madaling makilala dito sa gitna ng mga mukha.

Sa itaas ng mga pigura ng mga tao ay may mga imahe na sumasagisag sa Banal na Trinidad: Diyos Ama, bahagyang mas mababa sa kanya - Si Jesucristo kasama ang Ina ng Diyos at si Juan Bautista, sa ibaba nila - isang kalapati - ang pagkatao ng Banal na Espiritu. Sa gitna ng pangkalahatang komposisyon, bilang isang simbolo ng sakramento, mayroong isang manipis na tinapay.

Sa "Hindi pagkakaunawaan" lumilitaw si Raphael bilang isang hindi maunahan na master ng komposisyon. Sa kabila ng maraming mga simbolo, ang larawan ay nakikilala sa pamamagitan ng isang pambihirang kalinawan ng mga imahe at ang kalinawan ng kaisipang naiugnay ng may-akda. Ang simetrya ng pag-aayos ng mga numero sa itaas na bahagi ng komposisyon ay pinalambot ng halos gulong inilagay na mga numero sa mas mababang bahagi ng komposisyon. At samakatuwid, ang ilang eskematiko na representasyon ng dating ay naging bahagya na kapansin-pansin. Ang isang sa pamamagitan ng sangkap na sangkap dito ay isang kalahating bilog: isang kalahating bilog na matatagpuan sa itaas na bahagi ng mga santo at mga apostol sa mga ulap at, tulad ng echo nito, isang kalahating bilog na malaya at mas likas na mga pigura ng mga tao sa ibabang bahagi ng larawan.

Ang isa sa mga pinakamahusay na fresco at gawa ni Raphael ng panahong ito ng kanyang trabaho ay ang pagpipinta na "The School of Athens". Ang fresco na ito ay ang sagisag ng matayog na mga humanistic ideals na nauugnay sa sining ng Sinaunang Greece. Inilalarawan ng artist ang tanyag na mga sinaunang pilosopo at syentista. Sa gitnang bahagi ng komposisyon mayroong mga numero ng Plato at Aristotle. Ang kamay ni Plato ay tumuturo sa lupa, at ang Aristotle ay patungo sa langit, na sumasagisag sa mga aral ng mga sinaunang pilosopo.

Sa kaliwang bahagi ng Plato ay ang pigura ni Socrates, na nagsasagawa ng isang pag-uusap sa isang pangkat ng mga tao, na kabilang sa kanila ang mukha ng batang Alcibiades ay nakatayo, na ang katawan ay protektado ng isang nakasuot, at ang kanyang ulo ay natakpan ng helmet. Sa mga hakbang ay si Diogenes, ang nagtatag ng pilosopiko na paaralan ng mga cynics. Kinakatawan siya rito bilang isang pulubi na nakatayo sa pasukan ng templo at nagmamakaawa para sa limos.

Sa ilalim ng komposisyon, ipinapakita ang dalawang pangkat ng mga tao. Sa kaliwang bahagi ay ang pigura ng Pythagoras na napapalibutan ng kanyang mga alagad. Sa kanan ay ang Euclid, gumuhit ng isang bagay sa isang slate board, na napapaligiran din ng mga mag-aaral. Sa kanan ng huling pangkat ay ang Zoroaster at ang nakoronahan na Ptolemy na may mga sphere sa kanyang mga kamay. Malapit, inilagay ng may-akda ang kanyang sariling larawan at ang pigura ng pintor na Sodomu (siya ang nagsimulang magtrabaho sa pagpipinta ni Stanza della Senyatura). Sa kaliwa ng gitna, ang artista ay naglagay ng isang mabangis na Heraclitus ng Efeso.

Kung ihahambing sa mga imahe sa mga fresco ng Disput, ang mga numero ng School of Athens ay mas malaki at mas monumental. Ito ang mga bayani na pinagkalooban ng isang natitirang isipan at malaking lakas. Ang pangunahing mga imahe ng fresco ay ang Plato at Aristotle. Ang kanilang kahalagahan ay tinutukoy hindi lamang at hindi gaanong sa lugar sa komposisyon (sinasakop nila ang gitnang lugar), ngunit sa pamamagitan ng ekspresyon ng mukha at espesyal na plasticity ng mga katawan: ang mga figure na ito ay may isang tunay na maayos na pustura at lakad. Ang isang kagiliw-giliw na katotohanan ay ang prototype ng imahe ni Plato ay Leonardo da Vinci. Ang modelo para sa pagsusulat ng imahe ng Euclid ay ang arkitekto na Bramante. Ang prototype ng Heraclitus ay ang pigura na inilalarawan ni Michelangelo sa kisame ng Sistine Chapel. Ang ilang mga iskolar ay nagpapahiwatig na ang imahe ni Heraclitus ay na-sketch ng master mula kay Michelangelo mismo.

Nagbabago rin ang tema dito: ang fresco ay parang isang uri ng himno sa isip ng tao at kalooban ng tao. Iyon ang dahilan kung bakit ang lahat ng mga character ay itinakda laban sa backdrop ng mga mararangyang istruktura ng arkitektura na sumasagisag sa kawalang-hanggan ng isip ng tao at malikhaing pag-iisip. Kung ang mga bayani ng "Mga Di-pagkakasundo" ay passive, kung gayon ang mga imaheng ipinakita sa "School of Athens" ay aktibo at masiglang tagabuo ng kanilang buhay, mga transformer ng kaayusang panlipunan sa buong mundo.

Ang mga komposisyon na solusyon ng fresco ay kagiliw-giliw din. Kaya, ang mga numero ng Plato at Aristotle na matatagpuan sa likuran, dahil sa ang katunayan na ipinakita ang mga ito sa paggalaw, ang pangunahing mga nasa larawan. Bumubuo rin ang mga ito ng pabago-bagong sentro ng komposisyon. Sa pagsasalita mula sa kailaliman, tila sila ay sumusulong sa manonood, na lumilikha ng impression ng mga dinamika, pagbuo ng komposisyon, na naka-frame ng isang kalahating bilog na arko.

Ang pagtatrabaho sa pagpipinta sa likod ng silid ng selyo ng Stanza d'Eliodoro ay isinagawa ni Raphael mula 1511 hanggang 1514. Ang mga alamat at katotohanan sa Bibliya mula sa kasaysayan ng pagka-papa ay naging mga paksa para sa mga fresco ng silid na ito, pinalamutian ng mga kwento kung saan ang pangunahing lugar ay ibinigay sa banal na pangangalaga at himala.

Nakuha ang pangalan ng silid matapos ang pagkumpleto ng pandekorasyon na gawain sa fresco na "The Expulsion of Eliodor", ang balangkas nito ay ang kwento ng kumander ng Syrian na si Eliodor, na hinahangad na nakawin ang kayamanan na nakaimbak sa kastilyo ng Jerusalem. Gayunpaman, pinigilan siya ng nakasakay sa langit. Ang fresco ay nagsilbing paalala kung paano natalo ng tropa ni Pope Julius II at sa kahihiyan ay pinatalsik ang hukbong Pransya mula sa mga Papal States.

Gayunpaman, ang fresco na ito ay hindi nakikilala sa pamamagitan ng kapangyarihan ng pagpapahayag ng malikhaing hangarin ng artist. Marahil ito ay dahil sa ang katunayan na ang pangkalahatang komposisyon ay nahahati sa dalawang magkakahiwalay na bahagi. Sa kaliwa ay isang magandang mangangabayo na, kasama ang dalawang anghel, ay sinusubukang talunin si Eliodor. Sa kanang bahagi ng fresco ay si Julius II, nakahiga sa isang stretcher. Kabilang sa mga sumusuporta sa usungan, ipininta ng pintor ang tanyag na pinturang Aleman na si Albrecht Durer. Sa kabila ng mga ipinapalagay na heroic pathos ng isang lagay ng lupa, ang mga imahe ng Raphael ay ganap na walang wala ng dynamics at drama.

Medyo mas malakas sa tauhan at perpekto sa istruktura ng pagkakabuo ay ang fresco na tinatawag na "Mass in Bolsen". Ang balangkas nito ay batay sa isang kuwento tungkol sa isang hindi naniniwala na pari, na ang manipis na tinapay ay nabahiran ng dugo sa panahon ng sakramento. Si Papa Julius II, ang mga kardinal at ang Switzerland mula sa bantay, na nasa likuran niya, ay naging mga saksi ng himalang ito sa canvas ni Raphael.

Ang isang natatanging tampok ng gawaing ito ng sikat na artista ay naging isang malaki, kumpara sa mga nakaraang gawa, ang antas ng pagiging natural at pagiging natural sa paglalarawan ng mga bayani. Ang mga ito ay hindi na mga abstract na numero, kapansin-pansin sa kanilang panlabas na kagandahan, ngunit medyo totoong mga tao. Ang pinaka-kapansin-pansin na katibayan nito ay ang mga imahe ng Swiss mula sa bantay ng papa, na ang mga mukha ay puno ng panloob na enerhiya, na nagpapahayag ng isang malakas na kalooban ng tao. Gayunpaman, ang kanilang mga damdamin ay hindi imahinasyon ng artist. Ito ay totoong tunay na emosyon ng tao.

Sa gawaing ito, binibigyang pansin ng may-akda ang kulay, pangkulay sa kabuuan ng canvas at mga imahe. Ang pintor ay nababahala ngayon hindi lamang sa eksaktong pagpaparami ng mga linya ng tabas ng mga numero, kundi pati na rin sa kulay na saturation ng mga imahe, ang pagpapakita ng kanilang panloob na mundo sa pamamagitan ng isang tiyak na tono.

Ang pantay na pagpapahayag ay ang fresco na "Ang Aklat ni Pedro", na naglalarawan sa eksena ng paglaya ng Apostol Pedro ng isang anghel. Naniniwala ang mga kritiko sa sining na ang larawang ito ay isang uri ng simbolo ng kamangha-manghang paglaya ng santo ng papa na si Leo X (na kalaunan ay naging Papa) mula sa pagkabihag ng Pransya.

Ang partikular na interes sa fresco na ito ay ang komposisyon at scheme ng kulay na natagpuan ng may-akda. Ginagaya nito ang pag-iilaw sa gabi, na nagpapahusay sa dramatikong katangian ng pangkalahatang komposisyon. Ang tumpak na napiling arkitektura na background ay nag-aambag din sa pagsisiwalat ng nilalaman at ang higit na emosyonal na kaganapan ng larawan: isang piitan na itinayo ng napakalaking mga brick, isang mabibigat na arko vault, makapal na mga bar ng isang lattice.

Ang ika-apat at huling fresco sa Stanza d'Eliodoro, na kalaunan ay tinawag na "The Meeting of Pope Leo I with Attila", ay ginawa ayon sa mga sketch ng Raphael ng kanyang mga mag-aaral na sina Giulio Romano at Francesco Penni. Ang gawain ay isinagawa sa panahon mula 1514 hanggang 1517. Ang panginoon mismo, na sa panahong iyon ay naging isang sikat na sikat na artista, na ang katanyagan ay lumawak sa buong Italya, at nakatanggap ng maraming mga order, ay hindi nakumpleto ang gawain sa dekorasyon ng papa kamara. Bilang karagdagan, si Raphael sa oras na ito ay hinirang na punong arkitekto ng St. Peter's Cathedral, at pinangasiwaan din ang mga arkeolohikal na paghuhukay na isinagawa noon sa Roma at mga paligid.

Ang mga kuwadro na pinalamutian ang Stanza del Inchendio ay isinulat batay sa mga kwentong mula sa kasaysayan ng pagka-papa. Kabilang sa lahat ng mga fresco, marahil isa lamang ang nararapat na espesyal na pansin - "The Fire in Borgo". Ikinuwento niya ang tungkol sa isang sunog na naganap sa isa sa mga Roman quarters noong 847. Si Papa Leo IV ay lumahok sa pag-apula ng apoy sa oras na iyon. Ang fresco na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng labis na mga pathos at artipisyal na drama sa imahe ng mga taong nagtatangkang makatakas mula sa sakuna: isang anak na lalaki na nagdadala ng isang ama, isang binata na umaakyat sa isang pader, isang batang babae na may hawak na isang pitsel.

Maayos na ipinapakita ng mga fresco ng mga stanza ng Vatican ang ebolusyon ng akda ni Raphael: ang artista ay unti-unting lumilipat mula sa mga perpektong imahe ng maagang mga gawa sa drama at, sa parehong oras, isang pakikipag-ugnay sa buhay sa mga gawa na nauugnay sa huling panahon (mga komposisyon ng paksa at larawan) .

Halos kaagad sa kanyang pagdating sa Roma, noong 1509, si Raphael, na nagpatuloy sa tema ng Madonna, ay nagpinta ng pagpipinta na "Madonna Alba". Kung ikukumpara sa mga numero ng Madonna Conestabile, ang mga imahe sa Madonna Alba ay mas kumplikado. Si Maria ay itinatanghal dito bilang isang dalaga na may isang malakas na tauhan, masigla at tiwala. Ang galaw ng sanggol ay kasing lakas din. Ang pagpipinta ay ginawa sa anyo ng isang tondo. Gayunpaman, ang mga numero ay ganap na ipininta dito, na kung saan ay hindi tipikal para sa mga bilog na canvase. Ang pag-aayos ng mga numero, gayunpaman, ay hindi humantong sa paglitaw ng mga static na imahe. Ang mga ito, pati na rin ang buong komposisyon bilang isang buo, ay ipinapakita sa mga dinamika. Ang pakiramdam na ito ay nilikha dahil sa ang katunayan na ang master subtly at tumpak na ihinahatid ang plasticity ng paggalaw ng katawan ng tao.

Ang partikular na kahalagahan para sa pagbuo ng malikhaing pamamaraan ng artista ay ang pagpipinta na "Madonna in a Armchair" (o "Madonna della Cedia"), na pinagtatrabahuhan kung saan nakumpleto noong mga 1516. Ang medyo napakahusay na imahe ng Madonna ay pinagbatayan dito dahil sa pagpapakilala ng kongkreto, totoong mga elemento sa komposisyon. Kaya, halimbawa, ang dibdib ni Mary ay natatakpan ng isang malawak na maliwanag na scarf na may isang palawit. Ang mga naturang shawl sa oras na iyon ay ang paboritong sangkap ng lahat ng mga kababaihang Italyano na magsasaka.

Ang mga pigura ng Madonna, ang sanggol na si Kristo at ang munting si Juan Bautista ay matatagpuan malapit sa bawat isa. Ang isa ay nakakakuha ng impression na ang mga imahe ay maayos na dumaloy sa bawat isa. Ang buong larawan ay puno ng isang hindi pangkaraniwang magaan ng liriko na pakiramdam. Ang walang hanggang live na tema ng pag-ibig sa ina ay naihatid dito hindi lamang sa titig ni Maria, kundi pati na rin sa kaplastikan ng kanyang pigura. Ang anyo ng tondo ay nagbibigay sa buong komposisyon ng isang lohikal na pagkakumpleto. Ang mga pigura ni Maria at ng sanggol, na inilagay sa isang bilog na canvas, ay isang simbolo ng pagkakaisa ng dalawang malapit na tao: ina at anak. Ito
Ang pagpipinta ni Raphael ay kinikilala ng kanyang mga kasabayan bilang ang rurok ng pagpipinta ng kudael hindi lamang mula sa pananaw ng pagbubuo ng komposisyon, kundi dahil din sa banayad na paglipat ng mga plastik na linya ng mga imahe.

Mula noong 10s. XVI siglo Gumagawa si Raphael ng mga komposisyon para sa mga altarpieces. Kaya, noong 1511 lumitaw ang "Madonna Foligno". At noong 1515, ang sikat na artista ay nagsimulang lumikha ng isang canvas, na kalaunan ay magdadala sa pintor ng kaluwalhatian ng isang mahusay na master at manalo sa mga puso ng higit sa isang henerasyon ng mga tao. Ang Sistine Madonna ay isang pagpipinta na minarkahan ang huling yugto sa pagbuo ng masining na pamamaraan ni Raphael. Ang paksa ng pagiging ina na natanggap dito, sa paghahambing sa nakaraang mga gawa, ang pinakadakilang pag-unlad at ang pinaka kumpletong sagisag.

Pagpasok sa katedral, agad na lumingon ang manonood sa marilag na pigura ng Madonna na bitbit ang sanggol na si Hesu-Kristo sa kanyang mga braso. Ang epektong ito ay nakakamit sa pamamagitan ng isang espesyal na pag-aayos ng komposisyon ng mga character. Ang kalahating bukas na kurtina, ang mga tingin ng Saints Sixtus at Barbara ay lumingon kay Mary - ang lahat ng ito ay naglalayong mag-iilaw at gawing sentro ng komposisyon ang batang ina.

Sa pagsisiwalat ng imahe ng Madonna, umalis si Raphael ng malayo sa mga artista ng Renaissance. Si Madonna dito ay direktang nagsasalita sa manonood. Hindi siya abala sa isang bata (tulad ni Madonna Leonardo da Vinci) at hindi nahuhulog sa kanyang sarili (tulad ng mga pangunahing tauhang babae ng mga maagang gawa ng master). Ang Maria na ito, na gumagalaw kasama ang mga puting ulap na niyebe patungo sa manonood, ay nagsasagawa ng pakikipag-usap sa kanya. Sa kanyang malapad na mga mata, makikita ang pagmamahal ng ina, at ilang pagkalito, at kawalan ng pag-asa, at kababaang-loob, at malalim na pagmamalasakit sa hinaharap na kapalaran ng kanyang anak. Siya, bilang isang tagakita, alam ang lahat ng mangyayari sa kanyang anak. Gayunpaman, alang-alang sa pag-save ng mga tao, handa ang ina na isakripisyo siya. Ang imahe ng sanggol na si Cristo ay pinagkalooban ng parehong kabigatan. Sa kanyang mga mata, parang, ang buong mundo ay nakapaloob, siya, tulad ng isang propeta, ay nagsasabi sa atin ng kapalaran ng sangkatauhan at ng kanya.

Raphael. Si Sistine Madonna. 1515-1519

Ang imahe ni Mary ay puno ng drama at hindi pangkaraniwang nagpapahiwatig. Gayunpaman, wala siyang idealisasyon at hindi binigyan ng mga tampok na hyperbolic. Ang pakiramdam ng pagkakumpleto, pagkakumpleto ng imahe ay nilikha dito dahil sa dynamism ng komposisyon, na kung saan ay ipinahayag sa pamamagitan ng tumpak at tapat na paglipat ng plasticity ng mga numero, at ang drapery ng mga damit ng mga bayani. Ang lahat ng mga numero ay ipinakita, buhay, mobile, maliwanag. Ang mukha ni Maria, tulad ng sanggol na Kristong walang malungkot na mga mata, ay nagpapahayag ng isang buong saklaw ng damdamin na nagbabago nang sunud-sunod sa harap ng mga manonood: kalungkutan, pagkabalisa, kababaang-loob at, sa wakas, pagpapasiya.

Kabilang sa mga kritiko sa sining, ang tanong ng prototype ng Sistine Madonna ay bukas pa rin. Ang ilang mga iskolar ay kinikilala ang imaheng ito sa imahe ng batang babae na nakalarawan sa larawan na "The Lady in the Veil" (1514). Gayunpaman, ayon sa mga kapanahon ng artista, si Mary sa canvas na "Sistine Madonna" ay isang pangkalahatang uri ng babae, ang ideal na Raphaelian, sa halip na isang tukoy na imahe ng isang tao.

Kabilang sa mga gawaing larawan ni Raphael, na may malaking interes ay ang larawan ni Papa Julius II, na ipininta noong 1511. Ang isang tunay na tao ay ipinakita dito bilang isang uri ng perpekto, na isang tampok na katangian ng malikhaing pamamaraan ng pintor.

Partikular na kapansin-pansin ang larawan ni Count Baldassare Castiglione, nilikha noong 1515, na naglalarawan ng isang kalmado, balanseng, maayos na binuo na tao. Ang Raphael ay kumikilos dito bilang isang kahanga-hangang master ng kulay. Gumagamit siya ng mga kumplikadong kumbinasyon ng kulay at mga paglilipat ng tonal. Ang parehong mastering ng lilim ay nakikilala ang isa pang gawain ng pintor: ang larawan ng isang babae na "Lady in a Veil" ("La donna velata", 1514), kung saan ang nangingibabaw na kulay ay puting pintura (ang puting damit na puting niyebe ay nagtatakda ng isang ilaw na belo ).

Ang isang makabuluhang bahagi ng trabaho ni Raphael ay sinasakop ng mga monumental na gawa. Kabilang sa kanyang magkatulad na magkatulad na mga gawa, ang pinaka-kagiliw-giliw ay, una sa lahat, ang fresco na pinalamutian ng mga dingding ng Villa Farnezina (dating pag-aari ng mayamang tao na si Chigi) na "Triumph of Galatea". Ang larawan na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang hindi pangkaraniwang masasayang kalooban. Ang mga imahe ay literal na umaapaw sa kaligayahan. Ang isang katulad na tono ay nilikha sa pamamagitan ng paggamit ng isang espesyal na kumbinasyon ng maliliwanag, puspos na mga kulay: hubad na puting katawan ay maayos na pinagsama dito sa isang transparent na asul na langit at asul na mga alon ng dagat.

Ang huling kilalang gawa ni Raphael ay ang dekorasyon ng mga dingding ng may arko gallery, na matatagpuan sa ikalawang palapag ng Vatican Palace. Ang dekorasyon para sa mga bulwagan ay pinalamutian ng mga kuwadro na gawa at mosaic na gawa sa artipisyal na marmol. Ang mga paksa para sa mga fresco ay iginuhit ng artist mula sa mga alamat sa Bibliya, atbp. grotesques (mga kuwadro na gawa na matatagpuan sa mga sinaunang libingang Greek - grottoes). Mayroong 52 mga kuwadro na gawa sa kabuuan. Kalaunan ay pinagsama sila sa isang siklo sa ilalim ng pangkalahatang pamagat na "Raphael's Bible". Nakatutuwa din na ang bantog na artista ay nagsagawa ng trabaho sa dekorasyon ng mga bulwagan ng Palasyo ng Vatican kasama ang kanyang mga mag-aaral, na kinabibilangan ng isang kilalang lugar ay sinakop ni Giulio Romano, Francesco Penny, Perino del Vaga, Giovanni da Udine.

Ang mga paglaon na rapel ng Raphael ay isang uri ng repleksyon at pagpapahayag ng unti-unting lumalagong krisis sa malikhaing. Sumusunod sa landas ng patuloy na pagdaragdag ng pagsasadula ng mga imaheng nilikha ng mga masters ng Mataas na Renaissance, ngunit sa parehong oras ay nananatiling totoo sa kanyang naitatag na mga pamamaraan ng paglarawan ng artistikong, Raphael ay dumating sa mga kontradiksyong istilo. Ang kanyang mga paraan at paraan ng pagpapahayag ng mga saloobin ay masyadong kaunti upang lumikha ng husay na bago, mas perpektong mga imahe mula sa pananaw ng paghahatid ng kanilang panloob na mundo at panlabas na kagandahan. Malinaw na mga halimbawa na naglalarawan sa panahong ito ng gawain ni Raphael ay ang "Bitbit ang Krus" (1517), ang siklo na "Mga Banal na Pamilya" (mga 1518), ang komposisyon ng dambana na "Pagbabagong-anyo".

Posibleng posible na ang naturang isang may talento na pintor, tulad ni Raphael, ay makakahanap ng isang paraan sa labas ng isang malalang impasse, kung hindi para sa biglaang kamatayan na ikinagulat ng lahat ng mga kapanahon ng master. Si Raphael Santi ay namatay noong Abril 6, 1520 sa edad na 37. Isang maayos na libing ang inayos. Ang mga abo ng dakilang pintor ay inilibing sa Pantheon sa Roma.

Ang mga gawa ni Raphael ay nananatiling mga obra ng sining sa mundo hanggang ngayon. Ang mga kuwadro na ito, na pagiging isang halimbawa ng klasikal na sining, ay dinisenyo upang ipakita ang sangkatauhan ng isang perpekto, hindi malubhang kagandahan. Iniharap nila sa manonood ang isang mundo kung saan ang mga tao ay pinagmamay-arian ng matataas na damdamin at saloobin. Ang gawain ni Raphael ay isang uri ng himno sa sining na nagbabago sa isang tao, na ginagawang mas malinis, mas maliwanag, mas maganda siya.

Titian (Tiziano Vecellio)

Si Tiziano Vecellio ay ipinanganak sa isang pamilyang militar sa maliit na bayan ng Pieve di Cadore, na matatagpuan sa mga bundok at bahagi ng domain ng Venetian. Nabigo ang mga siyentista na maitaguyod ang eksaktong petsa at taon ng kapanganakan ni Titian. Ang ilan ay naniniwala na ito ay 1476-1477, ang iba pa - 1485-1490.

Iminumungkahi ng mga siyentista na ang pamilyang Vecellio ay sinaunang at sapat na maimpluwensya sa lungsod. Nakikita sa batang lalaki ang maagang ipinamalas na talento para sa pagpipinta, nagpasya ang mga magulang na ipadala si Tiziano sa art workshop ng Venetian mosaic master. Pagkatapos ng ilang oras, ang batang Vecellio ay naatasan na mag-aral sa pagawaan, una sa pamamagitan ng Gentile Bellini, at pagkatapos ay ni Giovanni Bellini. Sa oras na ito, nakilala ng batang artista si Giorgione, na ang impluwensya ay nasasalamin sa kanyang mga unang gawa.

Ang lahat ng mga gawa ng artista ay maaaring may kondisyon na nahahati sa dalawang mga panahon: ang una - ang tinaguriang. Dzhordzhonevsky - hanggang 1515-1516 (kapag ang impluwensya ng Giorgione ay pinaka-malakas na ipinahayag sa mga gawa ng pintor); ang pangalawa - mula 40s. Ika-16 na siglo (sa oras na ito ang Titian ay isang itinatag na master, na kumakatawan sa sining ng Late Renaissance).

Kasunod sa maagang yugto ng pagbuo ng masining na pamamaraan ng Giorgione at ang mga pintor ng Renaissance, muling iniisip ng Titian ang mga paraan ng paglutas ng mga problemang pansining. Ang mga bagong imahe ay lumitaw mula sa brush ng artist, na naiiba nang malaki mula sa matayog at sopistikadong mga numero, halimbawa, sina Raphael at Leonardo da Vinci. Ang mga bayani ni Titian ay down-to-earth, buong katawan, senswal, sa isang malaking lawak mayroong isang paganong prinsipyo sa kanila. Ang maagang mga canvases ng pintor ay nakikilala sa pamamagitan ng isang simpleng sangkap, na, gayunpaman, ay natagpuan sa isang hindi karaniwang kasiyahan na pakiramdam at isang kamalayan ng walang ulap na kaligayahan, kapunuan at kawalang-hanggan ng buhay sa lupa.

Kabilang sa mga gawa ng panahong ito, ang pinaka-ganap na pagpapahayag ng malikhaing pamamaraan ng artista, ang isa sa pinaka kapansin-pansin ay ang canvas na "Mahal ang makalupang at makalangit", na may petsang 10-s. Ika-16 na siglo. Ito ay mahalaga para sa may-akda hindi lamang upang maiparating ang balangkas, ngunit din upang ipakita ang isang magandang tanawin na evokes saloobin ng katahimikan at kaligayahan ng pagiging, at ang senswal na kagandahan ng isang babae.

Ang mga babaeng pigura ay walang alinlangan na dakila, ngunit ang mga ito ay hindi inilalayo mula sa buhay at hindi ideyal ng may-akda. Ang tanawin, pininturahan ng malambot na kulay at inilagay sa background, ay nagsisilbing isang mahusay na background para sa kaaya-aya at kaaya-aya, ngunit sa parehong oras ay tunay, tiyak na mga babaeng imahen: Earthly Love at Heavenly Love. Ang isang may kasanayang binubuo na komposisyon at isang banayad na kulay ng kulay ay nakatulong sa artista na lumikha ng isang hindi pangkaraniwang pagkakatugma na gawain, ang bawat elemento na lumiliko ay mas mababa sa pagnanais ng may-akda na ipakita ang likas na kagandahan ng likas na kalikasan at tao.

Nang maglaon, mula pa noong 1518, ang gawa ni Titian na "Assunta" (o "The Ascension of Mary") ay walang ganoong kalmadong pagmumuni-muni at katahimikan na tunog sa akdang "Lupang Para sa Lupa at Langit." Mayroong higit na dynamics, lakas, enerhiya. Ang gitnang pigura ng komposisyon ay si Maria, na ipinakita ng isang dalagang puno ng kagandahang lupa at lakas. Ang mga pananaw ng mga apostol ay nakadirekta sa kanya, ang mga imahe na nagpapahayag ng parehong panloob na sigla at lakas. Ang isang kakaibang himno sa kagandahan ng tao at malakas na pakiramdam ng tao ay ang komposisyon na "Bacchus at Ariadne" (mula sa siklo na "Bacchanalia", 1523).

Ang pagluwalhati ng kagandahang pambabae na kagandahan ay naging tema ng isa pang akda ng Titian, na tinawag na "Venus of Urbino". Nilikha ito noong 1538. Sa kabila ng katotohanang walang ganap na walang kataas-taasan at kabanalan ng imahe, ang huli ay hindi pa rin nababawasan ang halaga ng aesthetic ng canvas. Ang ganda talaga ni Venus dito. Gayunpaman, ang kanyang kagandahan ay down-to-earth at natural, na nakikilala ang imaheng nilikha ng Titian mula sa Venic ng Botticelli.

Gayunpaman, magiging maling sabihin na ang mga imahe ng maagang panahon sa pag-unlad ng gawa ng artista ay niluwalhati lamang ang panlabas na kagandahan ng isang tao. Ang kanilang buong hitsura ay naglalarawan ng isang maayos na tao, na ang panlabas na kagandahan ay ipinapantay sa espiritwal at ang pabaliktad na bahagi ng isang pantay na magandang kaluluwa.

Mula sa puntong ito ng pananaw, ang imahe ni Hesukristo sa canvas na "The Denarius of Cesar", na nilikha noong panahon 1515 hanggang 1520, ay ang pinakadakilang interes. Ipinapakita ng Titian na si Hesus ay hindi sa lahat isang banal, mataas, makalangit na pagkatao . Ang malulungkot na ekspresyon ng kanyang mukha ay nagmumungkahi na sa harap ng manonood ay may isang marangal na tao na may isang perpektong samahan sa kaisipan.

Ang mga larawang nilikha sa komposisyon ng dambana na "Madonna ng Pesaro", na isinulat noong panahon 1519 hanggang 1526, ay puno ng parehong ispiritwalidad. Ang mga bayani na ito ay hindi mga iskema o abstraction. Ang paglikha ng isang buhay, totoong larawan ay higit na pinadali ng paggamit ng isang hanay ng iba't ibang mga kulay ng master: ang puting snow na belong ni Mary, asul na langit, iskarlata, maliwanag na pula, ginintuang damit ng mga bayani, isang mayaman na berde karpet. Ang nasabing iba't ibang mga tono ay hindi nagpapakilala ng kaguluhan sa komposisyon, ngunit, sa kabaligtaran, tumutulong sa pintor na lumikha ng isang maayos at maayos na sistema ng mga imahe.

Noong 1520s. Nilikha ni Titian ang unang gawa ng isang dramatikong karakter. Ito ang sikat na pagpipinta na "The Entombment". Ang imahe ni Kristo ay binibigyang kahulugan dito, tulad din sa pagpipinta na "The Denarius of Caesar". Si Hesus ay ipinakita hindi bilang isang nilalang na nagmula sa langit upang mai-save ang sangkatauhan, ngunit bilang isang ganap na bayani sa lupa na nahulog sa isang hindi pantay na labanan. Sa kabila ng lahat ng trahedya at drama ng balangkas, ang canvas ay hindi pumupukaw ng isang pakiramdam ng kawalan ng pag-asa sa manonood. Sa kabaligtaran, ang imaheng nilikha ni Titian ay isang simbolo ng optimismo at kabayanihan, na nagpapakatao sa panloob na kagandahan ng isang tao, maharlika at lakas ng kanyang espiritu.

Ang tauhang ito ay makabuluhang nakikilala ang gawaing ito ng artist mula sa kanyang huli na gawa ng parehong pangalan, na may petsang 1559, kung saan ang mga maasahin sa kalagayan ay pinalitan ng walang pag-asa na trahedya. Dito, pati na rin sa isa pang pagpipinta ni Titian - "Ang pagpatay kay St. Peter the Martyr ", ang paglikha kung saan mula pa noong panahon mula 1528 hanggang 1530, gumagamit ang master ng isang bagong pamamaraan ng paglarawan ng masining. Ang mga larawan ng kalikasan na ipinakita sa mga canvases (ang paglubog ng araw sa "paglalagay sa kabaong" at ang mga puno na baluktot sa ilalim ng malakas na pag-agos ng hangin sa "The Murder of St. Peter the Martyr" na ipinarating sa madilim, madilim na mga kulay) ay naging isang uri ng pagpapahayag ng damdamin at hilig ng tao. Ang Mahusay na Kalikasan ng Ina ay sumusunod sa Human Lord dito. Ang Titian, sa mga komposisyon sa itaas, tulad nito, ay pinaninindigan ang ideya: lahat ng nangyayari sa kalikasan ay sanhi ng mga pagkilos ng tao. Siya ang panginoon at pinuno ng mundo (kasama ang kalikasan).

Ang isang bagong yugto sa pagbuo ng kasanayan ng artista sa paglikha ng mga multi-figured na komposisyon ay ang pagpipinta na pinamagatang "Panimula sa Templo", na pinetsahan noong 1534-1538. Sa kabila ng katotohanang nagsulat si Titian ng maraming mga imahe dito, lahat sila ay naging isang pinag-isang kabuuan ng isang interes sa isang makabuluhang kaganapan na nagaganap bago ang kanilang mga mata - ang pagpapakilala kay Maria sa templo. Ang pigura ng pangunahing tauhan ay pinaghiwalay mula sa pangalawang (ngunit hindi gaanong makabuluhan) na mga character sa pamamagitan ng spatial na mga pag-pause: mga hakbang ng isang hagdanan na pinaghiwalay siya mula sa karamihan ng mga nagtataka na tao at pari. Ang isang maligaya na kalagayan, isang pakiramdam ng kahalagahan ng kung ano ang nangyayari ay nilikha sa komposisyon ng mga kilos at mga plastik na numero. Gayunpaman, dahil sa pagsasama sa larawan ng pigura ng negosyante ng itlog, na inilagay sa harapan, ang labis na kagandahan ng trabaho ay nabawasan at ang impression ng pagiging totoo at pagiging natural ng sitwasyon na inilarawan ng artist ay pinahusay.

Ang pagpapakilala sa komposisyon ng mga katutubong imahe ay isang tampok na katangian ng artistikong at nakalarawan na pamamaraan ng Titian sa panahon mula 30s. XVI siglo. Ang mga larawang ito ang makakatulong sa master na lumikha ng isang mala-buhay na totoong larawan.

Ang pinaka-ganap na malikhaing ideya upang maipakita ang isang maayos na tao, maganda sa katawan at kaluluwa, ay nakalarawan sa mga gawaing larawan ng Titian. Ang isa sa mga unang gawa ng kalikasang ito ay "Portrait of a Young Man with a Glove". Ang paglikha ng canvas ay kabilang sa panahon mula 1515 hanggang 1520. Ang imahe ng isang binata ay kumakatawan sa isang buong henerasyon ng mga tao ng panahong iyon - ang Renaissance. Ang larawan ay sumasalamin sa ideya ng pagkakaisa sa pagitan ng espiritu at katawan ng tao. Malawak na balikat, libreng plastik na katawan, walang habas na nakabukas ang kwelyo ng kamiseta, kalmadong kumpiyansa na ipinahayag ng tingin ng binata - lahat ay naglalayong iparating ang pangunahing ideya ng may-akda tungkol sa kagalakan ng pagkakaroon ng tao at kaligayahan ng isang ordinaryong tao na hindi alam ang kalungkutan at hindi pinaghiwalay ng panloob na mga kontradiksyon.

Ang parehong uri ng maayos na nakaayos na masayang tao ay makikita sa mga canvases na "Violanta" at "Portrait of Tommaso Most" (pareho - 1515-1520).

Sa mga larawang nilikha sa paglaon, hindi na makakaharap ng manonood ang pagiging prangka at malinaw na kahulugan ng karakter ng mga imahe, na tipikal para sa mga gawaing iyon noong panahong 1515-1520. Ang kakanyahan ng mga susunod na character ni Titian, kung ihahambing sa mga naunang, ay mas kumplikado at maraming katangian. Ang isang kapansin-pansin na halimbawa ng pagbabago sa artistikong pamamaraan ng may-akda ay ang pagpipinta na "Portrait of Ippolito Riminaldi", na nilikha noong huling bahagi ng 1540s. Ang larawan ay naglalarawan ng isang binata na ang mukha, na hangganan ng isang maliit na balbas, ay nagpapahiwatig ng isang malalim na pakikibaka ng loob ng damdamin at damdamin.

Ang mga larawang nilikha ng Titian sa panahong ito ay hindi katangian ng sining ng Mataas na Renaissance: kumplikado ang mga ito, sa maraming aspeto magkasalungat at dramatiko. Ito ang mga bayani ng komposisyon na pinamagatang "Portrait of Pope Paul III kasama sina Alessandro at Ottavio Farnese." Ang canvas ay nilikha sa panahon mula 1545 hanggang 1546. Si Papa Paul III ay ipinakita bilang isang tuso at walang tiwala na tao. Pinapanood niya ang may pag-aalala at galit kay Ottavio, ang kanyang pamangkin, isang kilalang pambobola at hipokrito sa korte.

Ang Titian ay napatunayan na maging isang kapansin-pansin na master ng artistikong komposisyon. Ang kakanyahan ng mga character ng mga tao ay nahayag sa gawaing ito sa pamamagitan ng pakikipag-ugnay ng mga tauhan sa bawat isa, sa pamamagitan ng kanilang mga kilos at pustura.

Ang isang larawan na naglalarawan kay Charles V (1548) ay itinayo sa isang kumbinasyon ng mga marilag na pandekorasyon at makatotohanang elemento. Ang panloob na mundo ng modelo ay ipinapakita na may mahusay na katumpakan. Naiintindihan ng manonood na nakaharap siya sa isang tukoy na taong may isang kumplikadong tauhan, ang mga pangunahing tampok na parehong mahusay na katalinuhan at lakas ng loob, at tuso, kalupitan, pagkukunwari.

Sa mga litratong nilikha ng Titian, na kung saan ay mas simple mula sa pananaw ng pagbubuo ng komposisyon, ang lahat ng pansin ng manonood ay nakatuon sa panloob na mundo ng imahe. Halimbawa, maaari mong banggitin ang pagpipinta na "Portrait of Aretino", na may petsang 1545. Ang modelo ay pinili ng artist, isang kilalang tao sa Venice noong panahong iyon, si Pietro Aretino, sikat sa kanyang pambihirang kasakiman sa pera at mga kasiyahan sa lupa. Gayunpaman, sa kabila nito, lubos niyang pinahahalagahan ang sining, siya mismo ang may-akda ng isang bilang ng mga pampubliko na artikulo, isang malaking bilang ng mga komedya, maikling kwento at tula (kahit na hindi palaging
disenteng nilalaman).

Nagpasiya si Titian na makuha ang ganoong tao sa isa sa kanyang mga gawa. Ang kanyang Aretino ay isang kumplikadong makatotohanang imahe na naglalaman ng pinaka-magkakaibang, kung minsan kahit na magkasalungat na damdamin at mga ugali ng character.

Ang nakalulungkot na hidwaan sa pagitan ng isang tao at mga puwersang pagalit sa kanya ay ipinakita sa pagpipinta na "Narito ang Tao", na isinulat noong 1543. Ang balangkas ay inspirasyon ng lumalaking reaksyon ng publiko ng mga tagasuporta ng Counter-Reformation sa Italya noong panahong iyon, na itinuro laban sa makataong ideya ng Renaissance. Sa komposisyon, ang imahe ni Kristo bilang tagapagdala ng mataas na unibersal na mga ideyal ng tao ay sumasalungat kay Pilato, na ipinakita na mapang-uyam, masama at pangit. Sa ganyan
ang gawain sa kauna-unahang pagkakataon may mga tala ng pagtanggi ng pansarili, makalupang mga kasiyahan at kasiyahan.

Titian. Larawan ni Papa Paul III kasama sina Alessandro at Ottavio Farnese. 1545-1546

Ang kapansin-pansin na kaibahan ay minarkahan ng mga imahe ng canvas na "Danae", na isinulat sa paligid ng 1554. Ang gawain ay nakikilala sa pamamagitan ng isang mataas na antas ng drama. Dito, nililikha ng may-akda, tulad ng dati, ang kagandahan at kaligayahan ng tao. Gayunpaman, ang kaligayahan na ito ay pansamantala at panandalian. Sa larawan ay walang pagbabago ng kalooban at kalmadong pagpayapa ng mga bayani, na nakikilala ng mga imaheng nilikha noong una ("Lupang Panloob at Makalangit", "Venus ng Urbino").

Ang pangunahing tema ng akda ay ang tema ng banggaan ng maganda at pangit, mataas at mababa. At kung ang isang batang babae ay nagpapahayag ng lahat ng pinaka-dakila na nasa isang tao, kung gayon ang matandang tagapaglingkod, na sinusubukan na mahuli ang mga barya ng ginintuang ulan, na kinakilala ang pinakamababang mga katangian ng tao: interes sa sarili, kasakiman, pagkutya.

Ang drama ay binibigyang diin sa komposisyon ng isang tiyak na kombinasyon ng madilim at magaan na tono. Sa tulong ng pintura na inilalagay ng artist ang mga semanteng accent sa larawan. Kaya, ang isang batang babae ay sumasagisag sa kagandahan at maliwanag na damdamin. At ang matandang babae, napapaligiran ng madilim na madilim na mga tono, naglalaman ng isang pagpapahayag ng isang simula simula.

Ang panahong ito ng gawain ni Titian ay nailalarawan hindi lamang sa pamamagitan ng paglikha ng mga salungat na imaheng puno ng drama. Sa parehong oras, ang artista ay nagsusulat ng maraming mga gawa, ang tema na kung saan ay ang nakakagulat na kagandahan ng isang babae. Gayunpaman, gayon pa man kinakailangan na tandaan ang katotohanan na ang mga gawaing ito ay wala ng maasahin sa mabuti at nakapagpapatibay na kalagayan, na tunog, halimbawa, sa "Makalupang at Makalangit na Pag-ibig" at "Bacchanals". Kabilang sa mga kuwadro na pinakatanyag ng interes ay sina "Diana at Actaeon", "The Shepherd and the Nymph" (1559), "Venus with Adonis".

Ang isa sa pinakamahusay na gawa ng Titian ay isang pagpipinta na tinatawag na "Kayushdiasa Mary Magdalene", na nilikha noong dekada 60. Ika-16 na siglo. Ang paksang biblikal na ito ay ginamit ng maraming mga artist ng Renaissance. Gayunpaman, binibigyang kahulugan ng Titian ang imahe ng nagsisising si Mary Magdalene. Ang pigura ng isang dalaga, puno ng kagandahan at kalusugan, ay nagpapahiwatig sa halip hindi pagsisisi na Kristiyano, ngunit kalungkutan at pagnanasa para sa kaligayahan na nawala magpakailanman. Ang tao, tulad ng lagi, ay maganda sa kay Titian, ngunit ang kanyang kagalingan, katahimikan at kapayapaan ng isip ay nakasalalay sa panlabas na pwersa. Ang mga ito ay, na nakagagambala sa kapalaran ng isang tao, sinisira ang pagkakasundo ng espiritu. Hindi sinasadya na ang imahe ni Magdalene, na sinamsam ng kalungkutan, ay ipinakita laban sa background ng isang madilim na tanawin, na nakoronahan ng isang madilim na langit na may paparating na itim na ulap - isang nangunguna
mga palayaw ng isang bagyo.

Ang parehong tema ng paghihirap ng tao ay tunog sa mga huling gawa ng sikat na master: "The Crowning of Thorns" (1570) at "St. Sebastian "(1570).

Sa "Crowning with a Crown of Thorns" Si Hesus ay ipinakita ng artist sa imahe ng isang ordinaryong tao, na daig ang mga nagpapahirap sa kanya sa pisikal at, pinakamahalaga, mga moral na katangian.

Gayunpaman, siya ay nag-iisa at samakatuwid ay hindi maaaring maging isang nagwagi. Ang drama at emosyonal na pag-igting ng eksena ay pinahusay ng madilim, madilim na kulay.

Ang tema ng isang nag-iisang bayani na nagkasalungatan sa labas ng mundo ay naririnig din sa akdang “St. Sebastian ". Ang bida ay ipinakita dito bilang isang kamangha-manghang titan - isang katangian ng imahe ng sining ng Renaissance. Gayunpaman, natalo pa rin siya.

Ang tanawin, na sumisimbolo sa mga puwersang pagalit sa tauhan, ay gumaganap ng isang independiyenteng papel dito. Sa kabila ng drama ng isang lagay ng lupa, ang komposisyon bilang isang buo ay napuno ng isang katibayan na nagpatibay sa buhay.

Ang isang uri ng himno sa isip ng tao, karunungan at katapatan sa mga tinanggap na ideyal ay ang sariling larawan ng master, na nilikha noong dekada 60. XVI siglo

Ang isa sa mga pinaka-nagpapahiwatig na kuwadro na gawa ni Titian ay kinikilala bilang "Pieta" (o "Panaghoy ni Kristo"), na isinulat noong 1576. Ang mga pigura ng mga nalulungkot na kababaihan ay inilalarawan dito laban sa background ng isang bato na angkop na lugar at isang malungkot na tanawin. Si Maria, tulad ng isang rebulto, ay nagyelo sa kalungkutan. Ang imahe ng Magdalene ay hindi pangkaraniwang maliwanag at pabago-bago: ang pigura ng isang babae na nagsusumikap, ang kanyang kamay ay itinaas, ang kanyang maapoy na pulang buhok na nakakalat, isang maliit na bukas na bibig, kung saan ang sigaw ng kawalan ng pag-asa ay malapit nang sumabog. Si Hesus ay ipinakita hindi bilang isang banal na makalangit na nilalang, ngunit bilang isang ganap na totoong tao, na natalo sa isang hindi pantay na labanan sa mga puwersang galit sa mundo ng mga tao. Ang trahedya ng mga imahe ay ipinahiwatig sa larawan sa tulong ng mga tonal at cut-off na mga pagbabago. Ang mga pangunahing tauhan ay lilitaw na parang inagaw ng mga sinag ng ilaw mula sa kadiliman ng gabi.

Ang gawaing ito ng Titian ay niluluwalhati ang isang tao na pinagkalooban ng malalim na damdamin. Ang canvas na "Pieta" ay isang uri ng awiting pamamaalam na nakatuon sa ilaw, dakila at kamangha-manghang bayani na nilikha noong Renaissance.

Ang dakilang pintor, na nagbigay ng mga magagandang imahe sa mundo, ay namatay noong Agosto 27, 1576, siguro mula sa salot. Iniwan niya ang maraming mga canvases na nagpapahanga pa rin sa madla ng kanilang husay sa pagpapatupad at isang banayad na pakiramdam ng kulay. Lumilitaw sa harap namin si Titian bilang isang kahanga-hangang psychologist, isang dalubhasa sa kaluluwa ng tao. Kabilang sa kanyang mga mag-aaral ay ang mga artista tulad nina Jacopo Nigreti (Palma the Elder), Bonifacio de Pitati, Paris Bordone, Jacopo Palma the Younger.

Sa panahon ng Renaissance, maraming mga pagbabago at pagtuklas ang nagaganap. Ang mga bagong kontinente ay sinisiyasat, umuunlad ang kalakal, ang mga mahahalagang bagay ay naimbento, tulad ng papel, nautical compass, pulbura at marami pang iba. Ang mga pagbabago sa pagpipinta ay may kahalagahan din. Ang mga pagpipinta ng Renaissance ay nakakuha ng napakalawak na katanyagan.

Ang pangunahing mga istilo at trend sa mga gawa ng masters

Ang panahon ay isa sa pinaka mabunga sa kasaysayan ng sining. Ang mga obra maestra ng isang malaking bilang ng mga natitirang mga masters ay matatagpuan ngayon sa iba't ibang mga sentro ng sining. Sa Florence, lumitaw ang mga nagpapanibago sa unang kalahati ng ikalabinlimang siglo. Ang kanilang mga pagpipinta sa Renaissance ay minarkahan ang pagsisimula ng isang bagong panahon sa kasaysayan ng sining.

Sa oras na ito, ang agham at sining ay malapit na nauugnay. Pinagsikapan ng mga siyentista ng artista na makabisado ang pisikal na mundo. Sinubukan ng mga Painter na gumamit ng mas tumpak na mga ideya tungkol sa katawan ng tao. Maraming mga artista ang nagpupunyagi para sa pagiging totoo. Nagsisimula ang istilo sa pagpipinta ni Leonardo da Vinci na "The Last Supper", na ipininta niya sa halos apat na taon.

Isa sa pinakatanyag na akda

Ito ay ipininta noong 1490s para sa refectory ng Santa Maria delle Grazie monastery sa Milan. Inilalarawan ng canvas ang huling pagkain ni Jesus kasama ang kanyang mga alagad bago siya ay dinakip at pinatay. Ang mga kapanahon na nagmamasid sa gawain ng artista sa panahong ito ay nagsabi kung paano siya gumuhit mula umaga hanggang gabi, nang hindi tumitigil sa pagkain. At pagkatapos ay maaari niyang talikuran ang kanyang pagpipinta sa loob ng maraming araw at hindi kailanman ito lumapit.

Labis na nag-alala ang artist tungkol sa imahe mismo ni Kristo at ang nagtaksil kay Hudas. Nang sa wakas nakumpleto ang pagpipinta, tama itong kinilala bilang isang obra maestra. Ang Huling Hapunan ay isa pa rin sa pinakatanyag. Ang mga pagpaparami ng Renaissance ay palaging nasa mataas na demand, ngunit ang obra maestra na ito ay minarkahan ng hindi mabilang na mga kopya.

Kinikilalang obra maestra, o Misteryosong ngiti ng isang babae

Kabilang sa mga gawa na nilikha ni Leonardo noong labing anim na siglo, mayroong isang larawan na tinatawag na "Mona Lisa", o "La Gioconda". Sa modernong panahon, marahil ito ang pinakatanyag na pagpipinta sa buong mundo. Naging tanyag siya pangunahin dahil sa mailap na ngiti sa mukha ng babaeng nakalarawan sa canvas. Ano ang humantong sa misteryong ito? Kasanayang gawain ng master, ang kakayahang may husay na lilim ng mga sulok ng mata at bibig? Hindi matukoy ang eksaktong kalikasan ng ngiting ito.

Wala sa kumpetisyon at iba pang mga detalye ng larawang ito. Ito ay nagkakahalaga ng pagbibigay pansin sa mga kamay at mata ng babae: sa anong kawastuhan ang tinatrato ng artist ang pinakamaliit na mga detalye ng canvas kapag sinusulat ito. Ang pantay na kawili-wili ay ang dramatikong tanawin sa background ng pagpipinta, isang mundo kung saan ang lahat ay tila nasa isang estado ng pagkilos ng bagay.

Isa pang sikat na kinatawan ng pagpipinta

Walang gaanong tanyag na kinatawan ng Renaissance ay si Sandro Botticelli. Ito ay isang mahusay na pintor ng Italyano. Ang kanyang mga pagpipinta sa Renaissance ay nasisiyahan din sa napakalawak na katanyagan sa gitna ng isang malawak na hanay ng mga madla. Ang "Adoration of the Magi", "Madonna and Child Enthroned", "Annunciation" - ang mga gawa ni Botticelli, na nakatuon sa mga relihiyosong tema, ay naging mahusay na nagawa ng artista.

Ang isa pang tanyag na gawain ng master ay "Madonna Magnificat". Naging tanyag siya sa mga taon ng buhay ni Sandro, na pinatunayan ng maraming mga pagpaparami. Ang mga nasabing canvases sa hugis ng isang bilog ay lubos na hinihiling sa Florence noong ikalabinlimang siglo.

Isang bagong pagliko sa gawain ng pintor

Simula noong 1490, binago ni Sandro ang kanyang istilo. Ito ay nagiging mas ascetic, ang kumbinasyon ng mga kulay ngayon ay higit na pinigilan, madalas na madilim na mga tono ang nanaig. Ang bagong diskarte ng tagalikha sa pagsulat ng kanyang mga gawa ay perpektong makikita sa "The Crowning of Mary", "Lamentation of Christ" at iba pang mga canvases na naglalarawan sa Madonna at Bata.

Ang mga obra maestra na ipininta ni Sandro Botticelli sa oras na iyon, halimbawa, ang larawan ni Dante, ay wala ng tanawin ng tanawin at panloob. Ang isa sa pantay na makabuluhang likha ng artist ay ang "Mystical Christmas". Ang pagpipinta ay ipininta sa ilalim ng impluwensya ng kaguluhan na naganap sa pagtatapos ng 1500 sa Italya. Maraming mga kuwadro na gawa ng mga artista ng Renaissance ay hindi lamang nakakuha ng katanyagan, sila ay naging isang halimbawa para sa susunod na henerasyon ng mga pintor.

Isang artista na ang mga canvases ay napapalibutan ng isang halo ng paghanga

Si Rafael Santi da Urbino ay hindi lamang isang arkitekto. Ang kanyang mga kuwadro na Renaissance ay pumukaw ng paghanga sa kaliwanagan ng kanilang anyo, ang pagiging simple ng kanilang komposisyon at ang nakamit na biswal ng ideyal ng kadakilaan ng tao. Kasama sina Michelangelo at Leonardo da Vinci, siya ay isa sa tradisyunal na trinidad ng mga pinakadakilang master ng panahong ito.

Nabuhay siya ng medyo maikling buhay, 37 taong gulang lamang. Ngunit sa oras na ito lumikha siya ng isang malaking bilang ng kanyang mga obra maestra. Ang ilan sa kanyang mga gawa ay nasa Vatican Palace sa Roma. Hindi lahat ng mga manonood ay makakakita mismo ng mga kuwadro na gawa ng mga Renaissance artist. Ang mga larawan ng mga obra maestra na ito ay magagamit sa lahat (ang ilan sa mga ito ay ipinakita sa artikulong ito).

Ang pinakatanyag na gawa ni Raphael

Mula 1504 hanggang 1507 Gumawa si Raphael ng isang buong serye ng Madonnas. Ang mga kuwadro na gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang kaakit-akit na kagandahan, karunungan at sa parehong oras isang uri ng naliwanagan na kalungkutan. Ang pinakatanyag niyang pagpipinta ay ang "The Sistine Madonna". Inilalarawan siya sa pag-i-hover sa kalangitan at maayos na pagbaba sa mga tao na may hawak na Baby sa kanyang mga bisig. Ang kilusang ito na nagawang maipakita ng artista nang mahusay.

Ang gawaing ito ay lubos na pinupuri ng maraming mga kilalang kritiko, at lahat sila ay napagkasunduan na talagang bihira ito at hindi karaniwan. Lahat ng mga kuwadro na gawa ng mga Renaissance artist ay may mahabang kasaysayan. Ngunit ito ang naging pinakapopular na salamat sa walang katapusang paggala nito, mula pa nang mabuo ito. Matapos dumaan sa maraming pagsubok, sa wakas ay nakuha ang nararapat na lugar nito kasama ng mga paglalahad ng Dresden Museum.

Mga kuwadro na Renaissance. Mga larawan ng mga sikat na kuwadro na gawa

At isa pang sikat na pintor ng Italyano, iskultor, at isa ring arkitekto na may malaking impluwensya sa pag-unlad ng sining sa Kanluranin ay si Michelangelo di Simoni. Sa kabila ng katotohanang kilalang kilala siya bilang isang iskultor, mayroon ding mahusay na mga gawa ng kanyang pagpipinta. At ang pinakamahalaga sa mga ito ay ang kisame ng Sistine Chapel.

Ang gawaing ito ay natupad sa loob ng apat na taon. Saklaw ng espasyo ang tungkol sa limang daang square square at naglalaman ng higit sa tatlong daang mga numero. Sa gitna mismo ay siyam na yugto mula sa aklat ng Genesis, nahahati sa maraming mga pangkat. Paglikha ng mundo, paglikha ng tao at ang kanyang pagkahulog. Kabilang sa mga pinakatanyag na kuwadro na gawa sa kisame ay Ang Paglikha nina Adan at Adan at Eba.

Ang kanyang hindi gaanong tanyag na trabaho ay ang "Ang Huling Paghuhukom". Isinagawa ito sa pader ng altar ng Sistine Chapel. Inilalarawan ng fresco ang pangalawang pagparito ni Hesukristo. Dito hindi pinapansin ni Michelangelo ang pamantayan ng mga artistikong kombensiyon sa pagsulat ni Hesus. Inilarawan siya ng isang napakalaking istraktura ng kalamnan, bata at walang balbas.

Ang Kahalagahan ng Relihiyon, o ang Art ng Renaissance

Ang Renaissance Italian painting ay naging batayan sa pagbuo ng Western art. Marami sa mga tanyag na gawa ng henerasyong ito ng mga tagalikha ay may malaking epekto sa mga artista na nagpapatuloy hanggang ngayon. Ang mga dakilang kinatawan ng sining ng panahong iyon ay nakatuon sa kanilang pansin sa mga tema ng relihiyon, na madalas na nagtatrabaho para sa mga mayayamang patron, kasama na ang Papa mismo.

Ang relihiyon ay literal na tumagos sa pang-araw-araw na buhay ng mga tao sa panahong ito, na malalim na nakaugat sa isip ng mga artista. Halos lahat ng mga relihiyosong kuwadro ay nasa mga museo at art depository, ngunit ang mga kopya ng mga pagpipinta na Renaissance na nauugnay hindi lamang sa paksang ito ay matatagpuan sa maraming mga institusyon at kahit mga ordinaryong bahay. Ang mga tao ay walang katapusang hangaan ang mga gawa ng mga sikat na panginoon ng panahong iyon.

Ang Italya ay isang bansa na palaging sikat sa mga artista nito. Ang magagaling na masters na dating nanirahan sa Italya ay niluwalhati ang sining sa buong mundo. Masasabi nating sigurado na kung hindi dahil sa mga pintor, iskultor at arkitekto ng Italyano, ang mundo ngayon ay mukhang ganap na magkakaiba. Ang pinakamahalaga sa sining ng Italyano, siyempre, ay isinasaalang-alang. Ang Italya sa panahon ng Renaissance o Renaissance ay umabot sa isang walang uliran na pagtaas at pamumulaklak. Ang mga may talento na artista, iskultor, imbentor, totoong henyo na lumitaw sa mga panahong iyon ay kilala pa rin sa bawat bata. Ang kanilang sining, pagkamalikhain, ideya, pag-unlad ay itinuturing na klasiko ngayon, ang core kung saan itinatayo ang sining ng mundo at kultura.

Ang isa sa mga pinakatanyag na henyo ng Italian Renaissance ay, syempre, ang galing Leonardo da Vinci(1452-1519). Napakatalino ni Da Vinci na nakamit niya ang malaking tagumpay sa maraming larangan ng aktibidad, kasama na ang visual arts at agham. Ang isa pang sikat na artista na kinikilalang master ay Sandro Botticelli(1445-1510). Ang mga kuwadro na gawa ni Botticelli ay isang tunay na regalo sa sangkatauhan. Ngayon, ang pinakapal nito ay nasa pinakatanyag na museo sa buong mundo at tunay na hindi mabibili ng salapi. Walang gaanong tanyag kaysa kay Leonardo da Vinci at Botticelli Raphael Santi(1483-1520), na nabuhay ng 38 taon, at sa panahong ito ay nagawang lumikha ng isang buong layer ng nakamamanghang pagpipinta, na naging isa sa pinakamaliwanag na halimbawa ng Maagang Renaissance. Ang isa pang mahusay na henyo ng Italian Renaissance ay walang alinlangan Michelangelo Buonarotti(1475-1564). Bilang karagdagan sa pagpipinta, si Michelangelo ay nakikibahagi sa iskultura, arkitektura at tula, at nakamit ang mahusay na mga resulta sa mga ganitong uri ng sining. Ang estatwa ni Michelangelo na tinawag na "David" ay itinuturing na isang hindi maunahan na obra maestra, isang halimbawa ng pinakamataas na nakamit ng sining ng iskultura.

Bilang karagdagan sa mga artist na nabanggit sa itaas, ang pinakadakilang mga artista ng Renaissance Italy ay tulad ng mga masters tulad nina Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi at iba pa ... Lahat sila ay pangunahing mga halimbawa ng kasiya-siyang paaralan ng pagpipinta ng Venetian. Ang paaralan ng Florentine ng pagpipinta ng Italyano ay may kasamang mga artista tulad ng: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lhio, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelandomé del Sarto.

Upang mailista ang lahat ng mga artist na nagtrabaho sa panahon ng Renaissance, pati na rin sa huli na Renaissance, at mga siglo na ang lumipas, na naging kilala sa buong mundo at niluwalhati ang sining ng pagpipinta, ay bumuo ng mga pangunahing prinsipyo at batas na pinagbabatayan ng lahat ng uri at genre ng magagaling na sining, marahil kakailanganin mong magsulat ng maraming dami, ngunit ang listahang ito ay sapat upang maunawaan na ang Mahusay na Italyano na Artista ay ang talagang sining na alam natin, na gusto natin at pahalagahan natin magpakailanman!

Mga kuwadro na gawa ng magagaling na Italyano na artista

Andrea Mantegna - Fresco sa Chamber degli Sposi

Giorgione - Ang Tatlong Pilosopo

Leonardo da Vinci - Mona Lisa

Nicolas Poussin - Ang Magnanimity ng Scipio

Paolo Veronese - Labanan ng Lepanto