Aleman na musikal ng sining ng Renaissance. Abstract na musikal na kultura ng muling pagkabuhay

Ministri ng Edukasyon ng Russian Federation

Moscow State Open Pedagogical University

sila. M. A. Sholokhova

Kagawaran ng Aesthetic Education

SANAYSAY

"Music ng Renaissance"

Mga mag-aaral ng ika-5 (bilang) kurso

Buong oras - departamento ng pagsusulatan

Polegaeva Lyubov Pavlovna

Guro:

Zatsepina Maria Borisovna

Moscow 2005

Pagbabagong-buhay - ang panahon ng pag-unlad ng kultura ng mga bansa ng Kanluran at Gitnang Europa sa panahon ng paglipat mula sa Middle Ages hanggang sa modernong panahon (XV-XVII siglo). Ang kultura ng Renaissance ay hindi isang makitid na uri ng kalikasan at madalas na sumasalamin sa kalagayan ng malawak na masa; sa kulturang musikal ay kinakatawan nito ang ilang mga bagong maimpluwensyang malikhaing paaralan. Ang pangunahing pangunahing ideolohikal ng buong kultura ng panahong ito ay ang humanismo - isang bago, dati hindi nakikitang ideya ng tao bilang isang libre at komprehensibong binuo, na may kakayahang walang limitasyong pag-unlad. Ang tao ang pangunahing paksa ng sining at panitikan, pagkamalikhain ng pinakadakilang kinatawan ng kultura ng Renaissance - F. Petrarca at D. Boccacio, Leonardo da Vinci at Michelangelo, Raphael at Titian. Karamihan sa mga kulturang pangkultura sa panahong ito ay ang kanilang mga sarili maraming nalalaman mga taong likas na matalino. Kaya, si Leonardo da Vinci ay hindi lamang isang natitirang artista, kundi pati na rin ng isang iskultor, siyentista, manunulat, arkitekto, kompositor; Ang Michelangelo ay kilala hindi lamang bilang isang eskultor, kundi pati na rin ng isang pintor, makata, musikero.

Ang pag-unlad ng pananaw sa mundo at ang buong kultura sa panahong ito ay naipinta ng pagsunod sa mga antigong modelo. Sa musika, kasama ng mga bagong nilalaman, ang mga bagong anyo at genre ay nabubuo rin (mga kanta, madrigal, ballads, operas, cantatas, oratorios).

Para sa lahat ng integridad at pagkakumpleto ng kultura ng Renaissance sa pangunahing, nailalarawan ito ng mga salungat na tampok na nauugnay sa interweaving ng mga elemento ng bagong kultura kasama ang luma. Ang mga temang pangrelihiyon sa sining ng panahong ito ay patuloy na hindi lamang umiiral, kundi pati na rin upang mabuo. Kasabay nito, napabago nito na ang mga gawa na nilikha sa batayan nito ay napapansin bilang mga eksena ng genre mula sa buhay ng marangal at ordinaryong tao.

Ang kultura ng Italya ng Renaissance ay dumaan sa ilang mga yugto ng pag-unlad: na bumangon sa pagtatapos ng ika-14 na siglo, naabot nito ang rurok nito sa gitna ng ika-15 - unang bahagi ng ika-16 na siglo. Sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo. isang matagal na reaksyon ng pyudal na nagsimula dahil sa pagbagsak ng ekonomiya at politika sa bansa. Ang humanismo ay nasa krisis. Gayunpaman, ang pagtanggi sa sining ay hindi ipinapahiwatig kaagad: sa loob ng mga dekada, ang mga artista at makatang Italyano, mga iskultor at arkitekto ay lumikha ng mga gawa ng pinakamataas na halaga ng artistikong, ang pag-unlad ng mga relasyon sa pagitan ng iba't ibang mga paaralan ng malikhaing, ang pagpapalitan ng karanasan sa pagitan ng mga musikero na lumilipat mula sa bansa patungo sa bansa, na nagtrabaho sa iba't ibang mga kapilya, ay naging tanda oras at nagbibigay-daan sa amin upang pag-usapan ang tungkol sa mga uso na karaniwang sa buong panahon.

Ang Renaissance ay isa sa mga napakatalino na pahina sa kasaysayan ng kulturang musikal ng Europa. Ang konstelasyon ng mga dakilang pangalan ng Josquin, Obrecht, Palestrina, O. Lasso, Gesualdo, na nagbukas ng mga bagong horizon para sa pagkamalikhain ng musika sa paraan ng pagpapahayag, kayamanan ng polyphony, laki ng mga form; yumayabong at husay na pag-update ng tradisyonal na genre - motet, masa; ang pagtatatag ng isang bagong imahinasyon, mga bagong intonasyon sa larangan ng mga komposisyon ng kanta ng polyphonic, ang mabilis na pag-unlad ng instrumental na musika, na dumating sa unahan pagkatapos ng halos limang siglo ng subordination: iba pang mga anyo ng paglalaro ng musika, ang paglaki ng propesyonalismo sa lahat ng mga lugar ng pagkamalikhain ng musika: isang pagbabago sa pananaw sa papel at posibilidad ng musikal na sining, ang pagbuo ng bago pamantayan ng kagandahan: humanismo bilang isang tunay na umuusbong na kalakaran sa lahat ng spheres ng sining - lahat ng ito ay konektado sa aming mga ideya tungkol sa Renaissance. Ang masining na kultura ng Renaissance ay isang pansariling prinsipyo batay sa agham. Ang hindi pangkaraniwang kumplikadong kasanayan ng mga polyphonists noong ika-15 - ika-16 na siglo, ang kanilang virtuoso na pamamaraan ay pinagsama sa maliwanag na sining ng mga pang-araw-araw na pagsayaw, ang pagiging sopistikado ng mga sekular na genre. Ang Lyric at drama ay lalong ipinahayag sa kanyang mga gawa. Bilang karagdagan, ang pagkatao ng may-akda, ang malikhaing pagkatao ng artist (ito ay katangian hindi lamang ng musikal na sining) ay mas malinaw na ipinahayag sa kanila, na nagpapahintulot sa amin na magsalita ng pagkatao bilang pangunahing nangungunang prinsipyo ng sining ng Renaissance. Kasabay nito, ang musika sa simbahan, na kinakatawan ng maraming malalaking genre bilang masa at motet, sa isang tiyak na lawak ay nagpapatuloy ang linya ng "Gothic" sa sining ng Renaissance, na naglalayong lalo na sa pagre-recise ng mayroon nang kanon at, sa pamamagitan nito, sa pagluluwalhati sa Banal.

Ang mga gawa ng halos lahat ng mga pangunahing genre, parehong sekular at ispiritwal, ay batay sa ilang dating kilalang musikal na materyal. Maaari itong maging isang mapagkukunan ng monophonic sa mga motet at iba't ibang mga sekular na genre, mga instrumental na pag-aayos; maaaring ito ay dalawang boses na hiniram mula sa isang tatlong bahagi na komposisyon at kasama sa isang bagong gawain na pareho o isang kakaibang genre, at, sa wakas, isang buong tatlo o apat na bahagi (motet, madrigal, na ginagampanan ang isang papel ng isang paunang "modelo" ng isang gawa ng isang mas malaking anyo (masa).

Ang pangunahing mapagkukunan ay pantay ang popular, kilalang melody (chorale o sekular na kanta) at ang anumang akda ng may-akda (o mga tinig mula dito), na pinoproseso ng iba pang mga kompositor at, nang naaayon, na pinagkalooban ng iba't ibang mga tampok ng tunog, isang iba't ibang mga artistikong ideya.

Sa genre ng isang motet, halimbawa, halos walang mga gawa na walang orihinal na orihinal. Karamihan sa mga masa ng mga kompositor ng ika-15 - ika-16 na siglo ay mayroon ding pangunahing mga mapagkukunan: halimbawa, sa Palistrina, sa kabuuan ng higit sa isang daang masa, nakita lamang namin ang anim na nakasulat sa isang batayang walang bayad sa paghiram. Si O. Lasso ay hindi sumulat ng isang solong masa (wala sa 58) batay sa materyal ng may-akda.

Kasabay nito, mapapansin na ang bilog ng mga pangunahing mapagkukunan sa materyal na kung saan umaasa ang mga may-akda ay malinaw na ipinahiwatig. Si G. Dufay, I. Okegem, J. Obrecht, Palestrina, O. Lasso at iba pa ay tila nakikipagkumpitensya sa isa't isa, at paulit-ulit na tinutukoy ang parehong mga melodies, pagguhit mula sa kanila sa tuwing, mga bagong artistikong impulsyon para sa kanilang mga gawa, muling pagbabalik-tanaw. himig bilang paunang mga prototype ng intonation para sa mga polyphonic form.

Kapag gumaganap ng piraso, ginamit ang pamamaraan - polyphony. Ang polyphony ay polyphony kung saan ang lahat ng mga tinig ay pantay. Ang lahat ng mga tinig ay inuulit ang parehong melody, ngunit sa iba't ibang oras, tulad ng isang echo. Ang diskarteng ito ay tinatawag na imitasyon polyphony.

Noong ika-15 siglo, ang tinatawag na polyphony ng "mahigpit na pagsulat" ay humuhubog, ang mga patakaran (pamantayan ng pamamahala ng boses, paghuhubog, atbp.) Na kung saan ay naayos sa teoretikal na mga paksang sa oras na iyon at isang hindi nababago na batas para sa paglikha ng musika ng simbahan.

Ang isa pang kumbinasyon, kapag binibigkas ng mga gumaganap ang iba't ibang mga melodies at iba't ibang mga teksto nang sabay-sabay, ay tinatawag na kontras polyphony. Sa pangkalahatan, ang estilo ng "mahigpit" ay kinakailangang presupposes ng isa sa dalawang uri ng polyphony: imitasyon o kabaligtaran. Ito ay imitasyon at kontras polyphony na naging posible upang magsulat ng mga polyphonic motet at masa para sa mga serbisyo sa simbahan.

Ang Motet ay isang maliit na awit ng koro na karaniwang binubuo sa isang tanyag na himig, na kadalasang sa isa sa mga dating tugtog ng simbahan ("Gising na Gregorian" at iba pang mga kanonikal na mapagkukunan, pati na rin ang katutubong musika).

Mula nang pasimula ng ika-15 siglo, ang musikal na kultura ng isang bilang ng mga bansang Europeo ay naging higit pa at natatanging mga tampok na likas sa Renaissance. Kilala sa mga naunang polyphonists ng Dutch Renaissance, si Guillaume Dufay (Dufay) ay ipinanganak sa Flanders bandang 1400. Ang kanyang mga gawa, sa katunayan, ay kumakatawan sa higit sa kalahating siglo sa kasaysayan ng Dutch na paaralan ng musika, na nabuo sa ikalawang quarter ng ika-15 siglo.

Pinamunuan ni Dufay ang ilang mga kapilya, kabilang ang papal sa Roma, nagtrabaho sa Florence at Bologna, at ginugol ang mga huling taon ng kanyang buhay sa kanyang katutubong Cambrai. Ang pamana ni Dufay ay mayaman at sagana: kabilang dito ang tungkol sa 80 mga kanta (mga kasarian sa silid - virale, ballads, rondo), mga 30 motet (parehong espirituwal na nilalaman at sekular, "kanta"), 9 buong masa at kanilang mga indibidwal na bahagi.

Isang mahusay na melodist na nakamit ang liriko na init at melodic expression, bihira sa panahon ng mahigpit na istilo, kusang-loob siyang bumaling sa mga katutubong melodies, pinapasukang ito sa pinaka-sanay na pagproseso. Dufay nagdadala ng maraming mga bagong bagay sa Misa: pinalawak niya ang komposisyon ng buong mas malawak, ginagamit ang mga pagkakaiba ng tunog ng choral. Ang ilan sa kanyang pinakamahusay na komposisyon ay ang masa na "The Pale Face", "The Armed Man", kung saan ginamit ang hiniram na melodies ng parehong pangalan ng pinagmulan ng kanta. Ang mga awiting ito, sa iba't ibang mga bersyon, ay bumubuo ng isang malawak na saklaw ng intonasyon-pampakay na batayan na humahawak ng pagkakaisa ng mga malalaking mga siklo ng choral. Sa pagpapaliwanag ng polyphonic ng isang kamangha-manghang counterpointist, inihayag nila ang mga nakatago sa kanilang kalaliman, na dati nang hindi kilalang kagandahan at nagpapahayag ng mga posibilidad. Ang himig ni Dufay ay maayos na pinagsasama ang tart freshness ng Dutch song na may paglambot ng melodiousness ng Italya at biyaya ng Pransya. Ang imitasyon na polyphony nito ay wala ng pagkamalikhain at pag-iipon. Minsan ang pagiging malumanay ay nagiging labis, lumilitaw ang mga voids. Dito, hindi lamang ang kabataan ng sining, na hindi pa natagpuan ang perpektong balanse ng istraktura, ay masasalamin, kundi pati na rin ang nagsusumikap na katangian ng master ng Cambrian upang makamit ang isang masining at nagpapahayag na resulta ng pinaka-katamtaman na paraan.

Ang gawain ng mga nakababatang kontemporaryo ni Dufay - sina Johannes Ockegem at Jacob Obrecht - ay tinukoy na ang tinatawag na pangalawang paaralan ng Dutch. Ang parehong mga kompositor ay ang pinakadakilang mga numero ng kanilang oras, na tinutukoy ang pag-unlad ng Dutch polyphony sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo.

Si Johannes Okegem (1425 - 1497) ay nagtrabaho sa karamihan ng kanyang buhay sa ilalim ng kapilya ng mga hari sa Pransya. Sa harap ng Okegem sa harap ng Europa, na naiimpluwensyahan ng malambot, malambing na liriko ni Dufay, ang mahinahong maamo at archaically light euphony ng kanyang masa at motets, isang ganap na magkakaibang artista ang lumitaw - isang "nakapangangatwiran na may hindi masamang mata" at isang sopistikadong teknikal na panulat, na kung minsan ay iniiwasan ang lyricism at pinilit na makunan sa musika, ang ilang mga sobrang pangkalahatang batas ng pagkakaroon ng layunin. Natuklasan niya ang isang napakalaking kasanayan sa pagbuo ng mga melodic na linya sa mga polyphonic ensembles. Ang ilang mga tampok na gothic ay likas sa kanyang musika: imahinasyon, di-indibidwal na katangian ng pagpapahayag, atbp. Binubuo niya ang 11 kumpletong masa (at isang bilang ng kanilang mga bahagi), kasama ang temang "The Armed Man", 13 motet at 22 kanta. Ito ang malalaking mga polyphonic genres na nasa unang lugar sa kanya. Ang ilan sa mga kanta ni Okegem ay nakakuha ng katanyagan sa mga kontemporaryo at higit sa isang beses nagsilbi bilang pangunahing batayan para sa mga pag-aayos ng polyphonic sa mas malalaking porma.

Ang halimbawa ng malikhaing Okegem bilang isang mahusay na master at dalisay na polyphonist ay may kahalagahan para sa mga kontemporaryo at tagasunod: ang kanyang hindi kompromiso na pokus sa mga espesyal na problema ng polyphony inspirasyon na paggalang, kung hindi paghanga, ito ay gumawa ng isang alamat at pinapalibutan ang kanyang pangalan ng isang halo.

Kabilang sa mga naka-link sa ika-15 siglo sa susunod na hindi lamang sunud-sunod, kundi pati na rin sa kakanyahan ng pag-unlad ng malikhaing, ang unang lugar, walang alinlangan, ay kabilang sa Jacob Obrecht. Siya ay ipinanganak noong 1450 sa Bergen op Zoom. Si Obrecht ay nagtrabaho sa mga kapilya ng Antwerp, Cambrai, Bruges at iba pa, nagsilbi rin siya sa Italya.

Kabilang sa masining na pamana ng Obrecht ang 25 masa, tungkol sa 20 motet, 30 mga polyphonic na kanta. Mula sa kanyang mga nauna at mas matandang kontemporaryo, nagmana siya ng isang lubos na binuo, kahit na ang virtuoso polyphonic technique, imitasyon-canonical na pamamaraan ng polyphony. Sa musika ng Obrecht, ganap na polyphonic, kung minsan ay naririnig natin ang isang espesyal na lakas ng kahit na impersonal na damdamin, ang katapangan ng mga kaibahan sa malaki at maliit na mga limitasyon, ganap na "makalupa", halos araw-araw na koneksyon sa likas na katangian ng mga tunog at mga detalye ng pagbuo ng form. Ang kanyang pananaw sa mundo ay tumigil sa pagiging gothic. Gumagalaw siya sa direksyon ni Josquin Despres - ang tunay na kinatawan ng Renaissance sa musikal na sining.

Ang estilo ng Obrecht ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga indibidwal na tampok, kabilang ang isang pag-alis mula sa Gothic detachment, na nagiging sanhi ng pagsalungat, ang lakas ng emosyon, at koneksyon sa mga genre ng pang-araw-araw na buhay.

Ang unang ikatlo ng ika-16 na siglo sa Italya ay ang panahon ng Mataas na Renaissance, isang oras ng pag-upo ng malikhaing at walang uliran na pagiging perpekto, na isinama sa mga dakilang gawa ni Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo. Ang isang tiyak na sosyal na stratum ay umuusbong, sa tulong ng kung saan ang mga teatro at mga musikal na pagdiriwang ay naayos. Ang mga aktibidad ng iba't ibang mga art academies ay bubuo.

Maya-maya, isang panahon ng mataas na kasaganaan ay nagsisimula sa musikal na sining, at hindi lamang sa Italya, kundi pati na rin sa Alemanya, Pransya at iba pang mga bansa. Ang pag-imbento ng notasyong pangmusika ay napakahalaga para sa pagpapakalat ng mga gawaing pangmusika.

Ang mga tradisyon ng paaralan ng polyphonic ay matatag pa rin (lalo na, ang pag-asa sa isang modelo ay may parehong kahulugan tulad ng dati), ngunit ang saloobin sa pagpili ng mga tema ay nagbabago, ang emosyonal-figurative saturation ng mga gawa ay tumataas, at ang personal, ang prinsipyo ng may-akit ay tumitindi. Ang lahat ng mga tampok na ito ay maliwanag na sa gawain ng kompositor ng Italya na si Josquin Despres, na ipinanganak sa paligid ng 1450 sa Burgundy at isa sa mga pinakadakilang kompositor ng paaralan ng Dutch noong huling bahagi ng ika-15 - unang bahagi ng ika-16 na siglo. Pinagkalooban ng isang napakahusay na boses at pakikinig, mula sa kanyang kabataan ay nagsilbi siyang isang mang-aawit ng koro sa mga koro ng simbahan sa kanyang sariling bayan at sa ibang mga bansa. Ito maaga at malapit na pakikipag-ugnay sa mataas na kulturang sining, ang aktibo at praktikal na asimilasyon ng mahusay na masining na kayamanan ng musika ng kulto na higit sa lahat ay tinutukoy ang direksyon kung saan ang pagkatao ng hinaharap na henyo master, ang kanyang estilo at interes ng genre ay pagkatapos ay nabuo.

Sa kanyang mga mas bata na taon, pinag-aralan ni Despres ang sining ng komposisyon kasama ang I. Okegem, na kasama rin siyang naging soloista sa paglalaro ng iba't ibang mga instrumento sa musika.

Kasunod nito, sinubukan ni Josquin Despres ang kanyang kamay sa lahat ng mga genre ng musikal na umiiral sa oras na iyon, lumilikha ng mga salmo, motet, masa, musika para sa Passion of the Lord, mga komposisyon bilang karangalan kay San Maria at sekular na mga kanta.

Ang unang bagay na nakakakuha ng mata sa mga gawa ni Despres ay ang kapansin-pansin na diskarteng kontra na nagpapahintulot sa may-akda na isaalang-alang na isang totoong counterpoint virtuoso. Gayunpaman, sa kabila ng kanyang kumpletong kasanayan sa materyal, isinulat ni Despres nang napakabagal, napaka-kritikal na isinasaalang-alang ang kanyang mga gawa. Sa panahon ng pagsubok ng pagganap ng mga komposisyon, gumawa siya ng maraming mga pagbabago sa kanila, sinusubukan upang makamit ang isang hindi nagkakamali na euphony, na hindi niya sinakripisyo upang kontra-punctual plexus.

Gamit lamang ang mga form na polyphonic, ang kompositor sa ilang mga kaso ay nagbibigay sa itaas na tinig ng isang hindi pangkaraniwang maganda na umaagos na melody, salamat sa kung saan ang kanyang trabaho ay nakikilala hindi lamang sa pamamagitan ng euphony, kundi pati na rin ng himig.

Hindi nais na lumampas sa mahigpit na pagkontra, inihahanda sila ni Despres na mapahina ang mga dissonance, gamit ang isang hindi magandang pagsulat sa nakaraang consonance sa anyo ng isang katugma. Ang Despres din ay matagumpay na gumagamit ng mga dissonance bilang isang paraan upang mapahusay ang pagpapahayag ng musikal.

Dapat tandaan na ang J. Despres ay maaaring wastong maisaalang-alang hindi lamang isang matalino na kontrangalista at sensitibong musikero, kundi pati na rin isang mahusay na artista, na may kakayahang maihatid ang pinaka banayad na lilim ng damdamin at iba't ibang mga pakiramdam sa kanyang mga gawa.

Teknikal at mas malakas si Josquin kaysa sa ika-15 siglo na mga polyphonist ng Italyano at Pranses. Iyon ang dahilan kung bakit, sa purong musikal na larangan, naimpluwensyahan niya ang mga ito kaysa sa karanasan ng kanilang impluwensya sa kanyang sarili. Hanggang sa kanyang kamatayan, pinangunahan ni Despres ang pinakamahusay na mga kapilya sa Roma, Florence, Paris. Siya ay palaging pantay na nakatuon sa kanyang trabaho, na nag-aambag sa pagkalat at pagkilala sa musika. Nanatili siyang isang Dutchman, isang "master mula sa Kondé". At hindi mahalaga kung gaano napakatalino ang mga nagawa at parangal sa dayuhan, kahit na may kasiglahan na ibinigay sa "panginoon ng musika" (tulad ng tinawag siya ng kanyang mga kontemporaryo), siya, na sumunod sa hindi mapaglabanan na "tawag ng mundo", na sa kanyang tinanggihan na mga taon ay bumalik sa mga bangko ng Scheldt at katamtaman na natapos ang kanyang buhay bilang isang kanon ...

Sa Italya, sa High Renaissance, umuunlad ang mga sekular na genre. Bumubuo ang mga Vocal genres sa dalawang pangunahing direksyon - ang isa sa mga ito ay malapit sa pang-araw-araw na kanta at sayaw (frotola, villanella, atbp.), Habang ang iba pa ay nauugnay sa tradisyon ng polyphonic (madrigal).

Ang Madrigal bilang isang espesyal na pormasyong pangmusika at patula ay nagbigay ng pambihirang mga pagkakataon para sa pagpapakita ng sariling katangian ng kompositor. Ang pangunahing nilalaman ng kanyang lyrics, mga eksena sa genre. Ang mga genre ng musikang entablado ay umusbong sa paaralan ng Venetian (isang pagtatangka na muling buhayin ang sinaunang trahedya). Ang mga instrumento form (piraso para sa lute, vihuela, organ at iba pang mga instrumento) ay nakakuha ng kalayaan.

Listahan ng mga sanggunian:

Efremova T.F. Bagong diksyunaryo ng wikang Ruso. Tolkovo - derivational. - M .: Rus. yaz .., 2000 –T. 1: A-O - 1209 p.

Isang Maikling Diksyon ng Aesthetics. M., Politizdat, 1964.543 p.

Mga Sikat na Kasaysayan ng Musika.

Tikhonova A.I Renaissance at ang Baroque: Isang libro para sa pagbabasa - M .: OOO "Publishing house" ROSMEN - PRESS ", 2003. - 109 p.

Musika sa panahon ng XV-XVII siglo.

Noong Gitnang Panahon, ang musika ay ang paglalahad ng simbahan, kaya ang karamihan sa mga gawaing musikal ay sagrado, batay sa chant ng simbahan (Gregorian chant), na naging bahagi ng denominasyon mula sa pinakadulo simula ng Kristiyanismo. Sa simula ng ika-6 na siglo, ang mga himig ng kulto, na may direktang pakikilahok ni Pope Gregory I, ay sa wakas na canonized. Ang Gregorian chant ay ginanap ng mga propesyonal na mang-aawit. Matapos ang pag-unlad ng polyphony ng musika ng simbahan, ang chant ng Gregorian ay nanatiling temang pampakay ng mga gawaing kulto ng polyphonic (masa, motet, atbp.).

Bagaman ang musika ay nanatiling higit sa relihiyon, ang panghihina ng kontrol sa simbahan sa lipunan ay nagbigay ng mga kompositor at tagagawa ng higit na kalayaan upang maipahayag ang kanilang mga talento.

Sa pamamagitan ng pag-imbento ng pindutin ang pag-print, posible na mag-print at ipamahagi ang sheet ng musika, at narito kung saan nagsisimula ang tawag sa klasikal na musika.

Sa panahong ito, lumitaw ang mga bagong instrumentong pangmusika. Ang pinakatanyag ay ang mga instrumento, kung saan ang mga mahilig sa musika ay maaaring maglaro nang madali at simple, nang hindi nangangailangan ng mga espesyal na kasanayan.

Ito ay sa oras na ito ay lumitaw ang viola - ang nangunguna sa biyolin. Salamat sa mga fret (kahoy na guhitan sa leeg), madali itong i-play, at ang tunog nito ay tahimik, banayad at tunog ng mabuti sa mga maliliit na bulwagan.

Ang mga instrumento ng hangin ay naging tanyag din - block blute, plauta at sungay. Ang pinakamahirap na musika ay isinulat para sa bagong nilikha na harpsichord, virginela (maliit na sukat na English harpsichord) at organ. Kasabay nito, ang mga musikero ay hindi nakalimutan na bumubuo ng mas simpleng musika na hindi nangangailangan ng mataas na kasanayan sa pagganap. Kasabay nito, may mga pagbabago sa notasyong pangmusika: ang mabigat na mga bloke ng pagpi-print ng kahoy ay pinalitan ng mga palipat-lipat na mga liham na metal na naimbento ng Italyanong Ottaviano Petrucci. Ang nai-publish na mga gawaing musikal ay mabilis na nabili, higit pa at maraming tao ang nagsimulang makisali sa musika.

Kailangang Panoorin: Mga pangunahing kaganapan sa kasaysayan ng klasikal na musika sa Italya.

Quattrocento (Ika-XV siglo) ay pangunahing nailalarawan sa pamamagitan ng muling pagkabuhay ng klasikal na sining (Greek at Latin) sa visual arts, arkitektura at panitikan. Gayunpaman, dahil sa kakulangan ng mga dokumento tungkol sa musikal na Greek Antiquity at, samakatuwid, ang modelo, tulad ng isang muling pagbuhay sa larangan ng musika ay hindi masasabi. Para sa kadahilanang ito, nagsisimula saXIV siglo. Patuloy na umusbong ang musika sa landas ng pagpaparami at pagpapalawak ng pormal na direksyon ng polyphony. Patungo lamang sa duloIka-XV siglo, nang ang pangkalahatang pagbabagong-buhay ay unti-unting nawala ang halo nito, sa musika sa pagbuo ng tinatawag na paaralan ng Franco-Flemish, o paaralan ng Burgundian-Flemish sa Italya, mayroong isang tiyak na pagbabagong-buhay ng klasikal na direksyon.

Vocal Music: Flemish School

Ang paaralan ng Flemish bilang isang direksyon ng musikal na nanaig sa panahon ng Renaissance at lumitaw sa mga rehiyon ng Northern France at modernong Belgium, na binuo mula sa mga 1450 hanggang sa pagtatapos ng ika-16 na siglo. Binibilang ng mga eksperto ang anim na henerasyon ng mga may-akda sa pagitan ng dalawang sunud-sunod na pangunahing yugto sa pag-unlad ng direksyon na ito: Burgundian-Flemish at Franco-Flemish. Ang mga kinatawan ng parehong yugto ay nagmula sa Flanders, ngunit ang paaralan sa kabuuan ay pang-internasyonal sa kalikasan, dahil ang mga aktibidad ng mga musikero sa karamihan ng mga kaso ay naganap sa mga dayuhang bansa at ang kanilang estilo ay mabilis na kumalat sa buong Europa. Kadalasan ang paaralan ng Flemish ay tinawag na paaralan ng Dutch, na pangkalahatan ang mga direksyon ng Burgundian, Flemish, Franco-Flemish at Anglo-French-Flemish. Mula pa sa simula ng ika-16 na siglo. ang bagong wika ay nagdulot ng malawak na tugon sa Pransya, Alemanya, Italya, England at Espanya at tinukoy ang kapanganakan ng mga bagong anyo at estilo sa mga indibidwal na bansa, na sumasalamin sa mga indibidwal na tradisyon ng bansa. Gayunpaman, sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo. ang parehong mga musikero ng Franco-Flemish ay napilitang hindi lamang sa isang estado ng paghaharap sa mga pinakamalaking kinatawan ng ilang mga tradisyonal na tradisyon ng musikal sa Europa (sa Italya, halimbawa, kasama ang mga may-akda na sina Luca Marenzio, J. Palestrina at C. Monteverdi), ngunit din na sundin ang kanilang panlasa at istilo.

Sa kabila ng pagiging kumplikado at iba't ibang mga estilo at nagpapahayag na nangangahulugang likas sa paaralan ng Flemish, posible pa ring makilala ang mga tipikal at kakaibang mga phenomena, halimbawa, ang paglikha ng isang estilo batay sa perpektong pagkakapareho ng lahat ng bahagi ng tela ng counterpoint (Josquin Despres) at sa paggamit ng mahigpit na imitasyon bilang isang paraan ng paggawa ng istraktura na organikong. sanaysay. Ang paggamit ng mga pinaka-kumplikadong pamamaraan ng counterpoint ay umaangkop sa aesthetic konsepto ng Flemish school. Ang mga kompositor sa direksyon na ito ay lumikha ng isang bagong istilo ng polyphonic - ang tinatawag na istilo ng austere. Ang mga nangungunang genre ng paaralan ay ang masa, motet, polyphonic chanson, madrigal, frottola, villanella, canzonetta. Ang mga prinsipyo ng komposisyon ng polyphonic, na binuo ng mga kompositor ng paaralan, ay naging unibersal para sa kasunod na mga henerasyon. Ang ilan sa mga pinakamalaking musikero sa Europa noong ika-15 - ika-16 na siglo ay kabilang sa paaralan ng Flemish. Ito ay sina Johannes Okegem, Jacob Obrecht, Henrik Isak, Josquin Despres, Pierre de La Rue, Jean Mouton, Adrienne Villart, Nicolas Gombert, Jacob Arcadelt, Philippe de Monte, Jacobus de Kerle, Orlando di Lasso, Jias de Vert, Jacob Renyar Macke.

Guillaume Dufay

Ang pinuno ng paaralan ng Burgundian-Flemish, Guillaume Dufay (circa 1400 - 1474, Cambrai) ay kumanta bilang isang batang lalaki sa katedral sa Cambrai; noong 1420 ay nanirahan siya sa Italya at sumali sa pamilyang Malatesta sa Pesaro at Rimini; pagkatapos mula 1428 hanggang 1433 kumanta siya sa papal kapilya sa Roma, pagkatapos sa Florence at Bologna, kung saan nagtago ang papa dahil sa kaguluhan; mula 1437 hanggang 1444 nagsilbi siya sa korte ng Louis of Savoy at sa wakas ay bumalik sa Cambrai. Si Dufay, isang tao na may mahusay na kultura, pinag-aralan at inilapat sa pagsasagawa ng lahat ng mga kontemporaryong nakamit ng musikal na sining, sa kauna-unahang pagkakataon ay nagsagawa ng isang synthesis ng mahigpit na pamamaraan at magkakasuwato na kalinawan at melodic melodiousness. Ang kanyang masining na pamana ay may kasamang 9 buong masa, 32 motet, himno, antiphons at 37 fragment ng masa. Ang kanyang kabataan (MissaSanoti,MissaSanotiAntoniiViennensis) binubuo ayon sa uri ng isang 3-boses na masa, kung saan ang itaas na tinig ay melodiously nananaig sa mas mababang dalawa. Gayunpaman, nagsisimula sa Mass MissaCaput(mga 1440) at sa mga sumusunod na buwan Selamukhaaymaputla,L 'hommearme,AveReginacaelorumat EcceanoillaDominigumagamit ng kompositor cantufirmus(Latin - literal na isang malakas na himig), kung saan ang iba't ibang mga seksyon ng Ordinary ay binuo sa tema ng isang pangkalahatang himig, na hiniram mula sa Gregorian o di-liturhikal na repertoire o binubuo muli. Sa pamamagitan ng biyaya ng melody, ang kasanayan sa pagproseso ng polyphonic, ang masa AveReginacaelorum ay ang kanyang pinakamahusay na piraso.

Sa sagrado at kagandahang pampulitika na motet, sinusunod ni Dufay ang landas ng kanyang mga nauna sa una sa mga tuntunin ng iba't-ibang mga teksto at sa mga tuntunin ng isorhythmy, kung saan, gayunpaman, ay hindi eksklusibo sa mga gawa ng motet ng kompositor ng Burgundian, na kung minsan ay mas pinipili ang isang estilo ng freer na may diskwento (ang pagsasagawa ng paggalaw ng pagbalik, kapag ang isang boses umakyat at ang iba pa ay bumaba). Sa mga pinakasikat na motet, Vasilissaergogaude(nakatuon sa Cleoph Malatesta), Apostologlorioso (para sa pagtatalaga ng Sant'Andrea sa Patras, kung saan ang Malatesta ay arsobispo), Ecclesiaemiliantus (para sa pagpasok ng Eugene IV sa trono ng papal noong 1431), Nuperrosarumflores(para sa pagtatalaga ng Florentine Cathedral noong 1486).

Chanson, na nailalarawan sa pamamagitan ng isang kasaganaan ng taming, ay karaniwang isinulat para sa 3 tinig; Ang 2 itaas na tinig ay pinangunahan ang melodic line, at ang mas mababang isa ay suportado ito nang maayos. Dito, ang mga komposisyon tungkol sa pag-ibig sa anyo ng mga ballads, rondo o viral ( Adieum 'amour,Selamukhaaymaputla,Mga Pagsagipmalikot,Bonjour,botamois,Cemga moysdemai,Mabelledamesouveraine,Monchveramy); ang ilang mga kanon ay nasa wikang Italyano: Donayardentiray,Donnamahinahon,Ladolcevista at kamangha-manghang mga canzona Verginebellasa mga salita ni Francesco Petrarca.

Johannes Okegem

Si Johannes Okegem (bandang 1420/25 Tremonde, Flanders - 1497, Mga Paglilibot) ay nagsilbi sa mahigit 40 taon sa kapilya ng hari ng Pransya. Nasiyahan sa mahusay na paggalang at pagkilala; ay ang ingat-yaman ng Abbey ng Saint-Martin sa paglilibot, i.e. gaganapin ang isa sa pinakamataas na mga post sa kaharian, nasiyahan sa maraming mga pribilehiyo, kabilang ang mga pinansiyal.

Siya ay itinuturing ng kanyang mga kontemporaryo ng isang nangungunang kompositor at ang gitnang pigura ng ikalawang henerasyon ng paaralan ng Flemish, na sumunod kay G. Dufay at pinauna si J. Despres (na nagsulat ng sikat Pagkalungkot, panghihinayang). Ang Okegem ay isang kinatawan ng mahigpit na istilo ng polyphony. Pinayaman niya ang pamamaraan ng pamamagitan ng imitasyon, naaprubahan ang isang buong tunog na 4-boses sa istilong choral a cappella (walang kasamang instrumento). Sa kanyang malikhaing pamana ay may 19 na masa (10 lamang ang kumpleto, sa iba pa ay walang mga seksyon na Karaniwang), Ordinarium missae, Requiem, isang dosenang motet, mga 20 chanson, pati na rin isang Mass ng anumang tono '', na maaaring isagawa mula sa iba't ibang mga paa ng scale. Ipinapahiwatig nito na ang kompositor batay sa kanyang mga gawa sa mga kalkulasyon sa matematika.

Josquin Despres

Si Josquin Despres (circa 1440, Vermandois sa Picardy - 1521, Condé-sur-l'Esco, Valenciennes), mula 1459 hanggang 1472 ay isang koro sa Cathedral ng Milan, kalaunan ay pumasok sa kapilya ng Duke ng Maleazzo Maria Sforza, at mula 1479, sa lahat ng posibilidad, siya ay nasa serbisyo ni Cardinal Ascanio Sforza (samakatuwid ang kanyang palayaw na Josquin d'Ascanio). Mula 1486 hanggang 1494 ay kumanta siya sa papal kapilya, at noong 1503 pinasok niya ang serbisyo ni Duke Ercol I d'Este sa Ferrara; pagkatapos ay nanirahan sa Pransya at hanggang noong 1515 ay naglingkod sa korte ng Louis XII; sa mga nagdaang taon siya ay isang prebendary canon sa kabisera ng Condé. Siya ay nauugnay sa korte ng Habsburg at kay Margaret ng Austria, na inoculated sa Netherlands. Ang katanyagan ni Josquin Despres, na tinatamasa niya sa kanyang buhay, ay tinantya ng dalas na kung saan ang kanyang pangalan ay matatagpuan sa mga nakalimbag na publikasyon, lalo na sa unang dalawang dekada ng ika-16 siglo, pati na rin sa paghahambing na itinatag ng manunulat ng Florentine na si Cosimo Bartoli sa pagitan niya at ni Michelangelo Buonarroti ...

Ang may-akda ng ikatlong henerasyon ng Flemings, binuksan niya ang daan sa isang bagong pag-unawa sa teksto, na nagtaguyod ng isang malapit na pagkakaugnay sa pagitan ng salita at musika at pag-uugnay sa mahigpit na pagiging kumplikado ng mga nakabubuo na proseso na may isang patuloy na paghahanap para sa pagpapahayag.

Ang ilan sa 18 na masa sa kanyang katalogo ay binubuo sa tradisyonal na pamamaraan cantusfirmus (AveMarisstella,DeheataViroine,Missadimaging,D 'ungaulireamerika,Faisantpanghihinayang,Gaudeamus,HerculesduxFerrariae,Lasolfamulingmi,L 'hommearmesextitoniL 'hommearmesobrang supermga tinigmusikal,Pangelinguaat iba pa.).

Ang pinino na pagpapahayag sa gawain ni Josquin ay likas sa mga motet (tungkol sa 85), na kung saan, tila, ay kabilang sa kapanahunan ng gulang, lalo na ang sekular (tungkol sa 70) na gumagana. Kabilang sa kanyang mga gawa, dapat ding kilalang chanson, na walang koneksyon sa tinaguriang solidong form ( mga formpag-aayos) (Adieumesoras,Bergerettesavoyenne,Enl 'ombred 'unbuiss-onnet,Maboucherit,Millepanghihinayang,Petitecamusette) at isang French-style frottola ( Elgrilloebuoncantore,ScaramellavaallaGuerra,Satedominesperavi). Ang isang magandang komposisyon ay nararapat espesyal na pansin Deplorazione - ikinalulungkot ang pagkamatay ni Johannes Okegem sa teksto ni Molinet.

Nicolas Gombert at Adrienne Villart

Ika-16 na siglo na kompositor ang ika-apat na henerasyon ng Flemish school, si Nicolas Gombert (c. 1500, Bruges? - 1556, Tournai?) ay nagsilbi sa pribadong kapilya ni Emperor Charles V, na sinamahan niya sa isang mahabang paglalakbay sa pamamagitan ng Espanya, Italya, Alemanya at Austria. Mula 1640, marahil, nanirahan siya sa Tournai, dahil siya ay isang kanon ng tradisyon ng Flemish counterpoint, isang mag-aaral ng Despres, Gombert na nakamit sa kanyang mga gawa (10 masa, tungkol sa 160 motet, 8 megas, halos 60 chanson) ang pinakamataas na antas ng teknikal at nagpapahayag, na nagbibigay ng isang malakas na impluwensya sa mga kontemporaryong kompositor at kompositor ng mga susunod na henerasyon. Ang kanyang estilo ay nailalarawan sa pamamagitan ng patuloy na paggaya at halos pare-pareho ang pakikilahok ng lahat ng mga tinig. Para sa ispiritwal na gawa ni Nicolas Gombert, isang mahigpit at laconic style ay pangkaraniwan, mas mataas ito sa antas kaysa sa sekular na mga gawa ng kompositor.

Si Adrian Villart (circa 1490, Bruges - 1560, Venice), isang katutubong Flanders, ay nasa Italya isang chorister, una sa Ferrari sa korte ni Duke Alfonso I d'Este, pagkatapos ay sa Milan sa kapilya ng Arsobispo Hippolytus II d'Este at, sa wakas, bilang isang conductor sa kapilya. Katedral ng San Marcos (mula 1527 hanggang kamatayan). Sa mga hindi kumpleto na 35 na taon ng paglilingkod sa Venice, ang kasanayan sa pagtuturo ay naidagdag sa kanyang pagkakasulat na aktibidad: sa kauna-unahang pagkakataon sa Italya, nagsimula siyang magturo ng Flemish na pamamaraan, pag-aayos ng isang tunay na paaralan sa paligid niya. Sa larangan ng sagradong musika, sumulat siya ng 9 masa at higit sa 850 motet, sa komposisyon kung saan ipinakita niya ang kanyang sarili bilang isang tunay na master, isang dalubhasa sa lahat ng mga kilalang pamamaraan: bilang karagdagan sa kanyang pag-attach sa tradisyon ng Flemish ( cantusfirmus, komposisyon ng mga canon), nagpakita siya ng interes sa sekular na musika ng Italyano at sa lahat ng mga pamamaraan ng pag-record ng polyphonic. Sa kanyang mga salmo Salmispezzati(1550) na may 8-boses na pagkanta, ang epekto ng pagsalungat ng dalawang koro ay kapansin-pansin. Sa mga mag-aaral ni Willart, si K. Roret ay nasiyahan sa mahusay na awtoridad, ang kanyang kahalili sa Cathedral ng St. Mark, may-akda ng 5 masa, 87 motet, PassionepangalawaSGiovanni, 116 madrigal, pati na rin G. Tsarlino, konduktor din ng Cathedral ni San Marcos, guro at kompositor, na kilala lalo na para sa mga treatises sa pagkakaisa, A. Gabrieli.

Orlando di Lasso

Ang impormasyon tungkol sa edukasyon sa musikal ng Orlando di Lasso o Roland de Lassus (1530/32, Mons, Neno - 1594, Monaco) ay hindi nakaligtas. Ang mga pangalan ng kanyang mga guro ay hindi kilala, ngunit malinaw na siya ay pamilyar sa mga pangunahing musikero sa kanyang panahon at naiimpluwensyahan ng kanilang gawain. Bilang isang bata, siya ay isang chorister sa Viceroy ng Sicily F. Gonzaga. Pagkatapos ay nagtapos siya sa Naples (mula noong 1549) at, sa wakas, bilang conductor ng kapilya ng Cathedral ni San Juan sa Laterano sa Roma. Matapos maglakbay sa kanyang tinubuang-bayan, pati na rin sa Inglatera at Pransya, nanirahan si Lasso noong 1557 sa Munich, una bilang isang nangungupahan sa kapilya ni Duke Albert V ng Bavaria, at pagkatapos ay sa 1562 - 1563. bilang isang bandmaster. Kasama ang Duke sa isang paglalakbay sa Europa, sabay-sabay na pinag-aralan ng Lasso ang karanasan sa musikal ng mga kompositor mula sa ibang mga bansa, na sinasamantala ang mahusay na mga patyo.

Ang kanyang malawak na trabaho ay sumasaklaw sa halos lahat ng mga genre ng musikal ng panahon, binubuo niya ang 700 motets, 58 masa, sa ilalim lamang ng 200 madrigal, 33 villanelles, higit sa 90 Aleman Nagsinungaling, mga 150 chanson. Natamasa ni Lasso ang pribilehiyo sa pag-print mula sa sandaling isinulat niya ang kanyang unang mga koleksyon ng mga motets, na inilathala noong 1556 sa Anver (Antwerp); Ang unang libro ng mga madrigal para sa 5 tinig ay nai-publish sa Venice ni A. Gardago pabalik noong 1555. Sa gawain ng Lasso, ang isang tao ay makakahanap ng mga bakas ng isang synthesis ng Flemish, Italian at German tradisyon. Kasama ni J.P. Palestrina Lasso, isang figure na nakabalot sa kanyang henerasyon; sa larangan ng sagradong musika, ang isang motet na isinulat para sa 2-8 tinig ay pinakamahalaga sa paghahambing sa Misa. Sa ganitong genre, pinamamahalaan ng Lasso na ipakita na ang musika ay maaaring kunin mula sa teksto ang kakanyahan ng nagpapahayag na materyal nang hindi sinusunod ito. Ang pagkakaroon ng perpektong pinagkadalubhasaan ang mga paraan ng mga madrigals, muli, kasama ang lahat ng kahusayan ng kanyang sining, ay binibigyang pansin ang bahagyang mga nuances ng naglalarawan at emosyonal na kahulugan ng teksto. Ang resulta ng nasabing kasanayan ay maaaring pahalagahan sa pamamagitan ng pagsunod sa chromatically pino na harmonikong profile ng mga piraso at ang ritmo na kaibahan at pagka-orihinal at pagkakapareho ng mga melodic na linya.

Ang kanyang wikang contrapuntal sa ilang paraan ay tinatalakay ang istilo ng recitative ng monophony, na naganap sa susunod na dekada pagkatapos ng kanyang kamatayan.

Mga form ng Vocal Art sa Italya: Madrigal

Ang buhay na musikal sa Italya noong ika-15 at ika-16 na siglo. suportado ng patronage ng maliwanagan na mayaman na bahay: Medici sa Florence, Este sa Ferrari at Sforza sa Milan. Ang mga patron ng sining mula sa mga sikat na pamilyang ito ay hinihimok ng isang tunay na pag-ibig sa sining mismo at para sa mga artista. Ang pag-ibig na ito ay ipinakita mismo sa suporta sa ekonomiya, ang pagkakaloob ng mga order, ang pagtatag ng mga akademya. Ang buhay na artistikong may suportang pinansyal ay buong kalagayan. Sa gayong kanais-nais na kapaligiran, nagsimula ang gintong edad ng madrigal. Sa musikal, ang umunlad na ito ay naging isang mahalagang kinakailangan para sa pagpapaunlad ng sekular na vocal polyphony, na nakaugat sa lokal na tradisyon, lalo na, para sa paglitaw ng polyphonic song frottola.

Frottola

Ang isang katutubong vocal genre na gumaganap ng isang mahalagang papel sa musika ng Italyano noong ika-16 na siglo, ang frottola, na tinawag ding bardzeletta o strombotto, ay inawit mula noong pagtatapos ng ika-15 siglo. Karaniwan itong binubuo para sa 4 na tinig na may isang simpleng ritmo at melodic na paggalaw, na may madaling tandaan na melody. Malawakang ginampanan si Frottola sa korte ng Isabella d'Este sa Mantua, kung saan nag-ambag sina M. Cara, B. Tromboncino, M. Pezanti sa pamumulaklak nito. Mula dito nakarating si frottola sa iba pang mga kastilyo ng mga ninuno ng Italya. Para sa bawat pag-angkin nito sa pagiging sopistikado, ang frottola ay mahalaga sa kamalayan na ang makatang teksto ay madaling sinamahan ng isang simpleng porma at buhay na ritmo. Pinagtibay ni Frottola ang isang pag-record ng polyphonic mula sa propesyonal na musika, na pinapalaya ito mula sa anumang intellectualism: sa halip na kontra ng imitasyon, ginamit ng frottola ang mga melodies batay sa eksaktong ritmo na direktang sumusunod mula sa teksto ng taludtod. Ang kagustuhan ay ibinigay sa ritmo; sa himig ito ay malinaw na inilaan para sa itaas na tinig, na mas malinaw sa mga pag-aayos para sa boses at lute.

Madrigal at pag-unlad nito

Ang Madrigal ng Renaissance ay binuo noong 1530 nang ang Flemish maestros na gumagamit ng counterpoint ay sumailalim sa impluwensya ng mga Pranses na frottola, batay sa pagkakaisa ng chord na may isang nangingibabaw na itaas na tinig. Sa panahon ng Renaissance, sa madrigal, ang koneksyon sa pagitan ng salita at musikal ay nagiging mas malapit at mas malalim: kung sa mga unang halimbawa K. Festa, F. Verdelo, J. Arcodelt huwag iwanan ang paghahanap para sa isang awtonomous na compositional na pagkakaisa ng musika, pagkatapos ay A. Villart, C. de Roore, Ang F. de Monte, Orlando di Lasso ay nagsusumikap na ipakita sa kanilang mga madrigal ang lilim ng teksto, gamit ang chromatism, counterpoint, pagkakaisa, timbre.

Sa kasaysayan nito, ang madrigal ay umabot sa halos lahat ng mga aesthetic na taas, ngunit sa paligid ng kalagitnaan ng ika-17 siglo. nagtatapos sa pag-unlad nito. Ang ilan sa mga katangian nito (halimbawa, ang pinakamalapit na koneksyon sa pagitan ng mga sukat sa verbal at musikal) na ipinasa sa iba pang mga form, lalo na, sa isang silid cantata.

Apogee ng madrigal: Luca Marenzio

Si Luca Marenzio (mga 1553, Coccaglio, malapit sa Brescia - 1599, Roma) ay nanirahan lalo na sa Roma, una siya sa serbisyo ni Cardinal Christopher Madruzzo (1572 - 1578), at pagkatapos ay Luigi d'Este (1578 - 1585). Noong 1589, nakibahagi siya sa seremonya ng kasal ni Ferdinand de Medici kasama si Cristina di Lorena sa Florence. Sa okasyong ito, binubuo niya ang dalawang panig LagarafraMuseePieridi at IIcombattimentopoeticodiAppolo... Sa parehong taon, si Marenzio ay bumalik sa Roma at pumasok sa serbisyo ni Cardinal Montalto. Noong 1595, siya ay napasailalim ng kontrol ng haring Poland na Sigismund III, ngunit ang maaasahang impormasyon tungkol sa kanyang pananatili sa bansang ito ay hindi napreserba. Noong 1598, si Marenzio ay nasa Venice, at isang taon na ang lumipas - sa Roma (marahil bilang isang musikero ng papal kapilya), kung saan siya namatay. Ang katanyagan ni Marenzio ay pangunahing nauugnay sa komposisyon ng mga madrigal. Ang mahusay na paggamit ng pinaka kumplikadong pag-record ng counterpoint ng ika-16 na siglo. nag-ambag sa paghahanap ng mga bagong paraan ng pagpapahayag ng masining. Marenzi. Sumulat siya ng 419 madrigal (na bumubuo ng isang libro ng mga kanta para sa 4 na tinig, 9 na libro para sa 5 tinig, 6 na libro para sa 6 na tinig at iba pang mga volume); Bilang karagdagan, nagmamay-ari siya ng mga magagandang villanelles (118 sa 5 mga libro), na, tulad ng mga madrigal, ay malawak na kilala sa labas ng Italya. Ang espirituwal na gawa ni Luca Marenzio ay hindi gaanong kabuluhan (77 motets ang kilala).

Pagpapahayag at Pagbigkas: Gesualdo

Si Carlo Gescaldo, Prinsipe ng Venosa (circa 1560-1613, Naples) at pamangkin ni Carl Barromeo sa panig ng kanyang ina, ay naging bantog lalo na sa dalawang kaganapan: ang pagpatay sa kanyang batang asawang si Maria d'Avalos, na nahuli kasama ang kanyang kasintahan na si Fabrizio Carafa noong 1590, at ang kanyang ikalawang kasal sa Si Elonore d'Este, pamangkin ni Duke Alfonso II, noong 1594, lumipat sa Ferrara, pumasok si Gesualdno sa nag-iisang akademikong musika sa Renaissance, kung saan nagtatrabaho si T. Tasso, G. V. Guarini, D. Ludzaski at J. de Vert. Ang isang kompositor na may isang kakaibang imahinasyon at pulos indibidwal na pagkamalikhain, nagsulat si Gesualdo ng 6 na libro ng mga madrigal para sa 5 tinig (ang una 4 ay na-publish sa Ferrari sa pagitan ng 1594 at 1596, ang huling 2 - sa Gesualdo malapit sa Naples noong 1611), 2 mga libro ng motet at isang libro ng mga tugon; ilang mga 6-boses na madrigal ay nai-publish noong 1626 ni M. Efrem; Ang 5-boses na canzonets na si Gesualdo Nenna ay kasama sa kanyang ika-8 aklat ng mga madrigal OttavoLibrodiMadrigali (1628). Ang mga madrigal ni Gesualdo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang orientation orientation, na nagpapakita ng sarili sa patuloy na paghahalili ng anino at ilaw, sa hindi inaasahang chromaticism, sa biglaang mga pagbabago ng dissonance; ang pagpapahayag ng tunog sa kanyang mga gawa ay binibigyang diin ng estilo ng pabula sa boses, na malayo sa karanasan ng kanyang kontemporaryong si K. Monteverdi.

Banal na Vocal Music: Palestrina

Giovanni Pier Luigi Palestrina (1525 -1594, Roma) kumanta sa Basilica ng Santa Maria Maggiore sa Roma. Noong 1544 nagsilbi siyang guro ng organista at pagkanta sa Cathedral ng Palestrina. Mula sa 1551 nagtatrabaho siya sa Roma bilang isang guro sa kapilya ni Pope Julius III, nang maglaon (1555) ay naging isang mang-aawit sa Sistine Chapel, ngunit sa parehong taon ay napilitang umalis sa kanyang posisyon dahil sa kanyang kasal. Mula 1555 hanggang 1560 inatasan niya ang kapilya ng Basilica ni San John sa Laterano at mula 1561 hanggang 1566. sa Santa Maria Maggiore. Matapos maglingkod sa isang panahon sa Roman College at kasama si Cardinal Hippolytus d'Este, noong 1571 bumalik siya sa pamumuno ng kapilya ni Santa Maria Maggiore, kung saan siya ay nanatili hanggang sa kanyang pagkamatay. Sa mga huling taon ng kanyang buhay, si Giovanni Pelestrina ay nakikibahagi sa paglathala ng kanyang mga gawa (ang negosyong ito ay ipinagpatuloy ng kanyang anak na lalaki), kaya ang kanyang katanyagan ay lumampas sa kanyang sariling bayan at kumalat sa buong Europa. Ang espirituwal na pamana ng Palestrina ay may kasamang 104 na masa (ang may-akda ng pahinga na inireseta sa kanya ay may pagdududa), higit sa 300 motet at maraming liturhikan na chants (79 mga himno, 35 megas, panaghoy, litanies, 68 alokasyon, StabatMater), isang napaka hindi gaanong mahalagang pamana sa sekular: 140 madrigals. Noong 1581 at 1594. nai-publish ng dalawang mga libro ng mga espiritwal na madrigals, ang pangalawa kung saan ay tinatawag PriegoallaVergine.

Estilo ng Palestrina

Ang taluktok ng pagkamalikhain ng Palestrina ay ang Misa, na bihirang gumagamit ng pinaka-karaniwang mga pamamaraan ng Flemish polyphony, tulad ng: cantusfirmus at kanon; mas madalas ang kompositor resorts sa imitasyon at paraphrase. Perpektong pinagkadalubhasaan ang wikang polyphonic ng panahon ng buong pamumulaklak nito noong ika-16 na siglo, nilikha ng Palestrina ang isang lubos na binuo na polyphonic art batay sa isang harmonic na batayan.

Ang pagsulat ng paaralan ng Franco-Flemish ay pinarangalan sa pagiging perpekto: higit na pansin ang binabayaran sa kalidad at proporsyonal ng timbre at tunog ng vocal complex, pagiging simple, kadalisayan at pagkakaugnay ng pagtula ng teksto ay nakamit. Ang Palestrina ay nagtatrabaho sa direksyong ito mula pa noong 1560, nang siya ay inutusan na magdala ng sagradong musika alinsunod sa mga desisyon ng Konseho ng Trent (ang kaganapan ay naging maalamat nang pinilit ng sikat na Mass of Pope Marcello ang mga kalahok ng konseho, na nais na iwanan ang polyphony, upang mapanatili ang mga anyo ng sagradong musika).

Ang istilo ng Palestrina, na tinawag din na antigong '', ay isang modelo para sa pag-aaral ng counterpoint, at noong ika-19 na siglo. ay itinuturing ng kilusang Cecilian bilang, sagradong musika '' ng pinakamataas na antas ng pagiging perpekto.

Ang klasiko, sinusukat na istilo ay likas din sa mga sekular na gawa ng kompositor (madrigals), at sa kasong ito, din, iniwasan ng Palestinrina ang nakakagambalang mga paghahanap, na kung saan ang iba pang mga kompositor ng huli na Cinquecento na naisin.

Musika ng Venetian: A. at J. Gabrieli

Ayon sa mga dokumento, ang buhay sa musika sa Venice ay puro sa kapilya ng Saint Mark's Cathedral, kung saan nagtatrabaho ang mga organista at kung saan itinatag ang isang paaralan ng pag-awit. Musically Venice sa siglo XVI. ay isang pangunahing sentro na umaakit ng mga nangungunang musikero; kagalang-galang mga publisher ng musika (Petrucci, Scotto, Giordano) nakatira din doon. Kabilang sa mga musikero sa panahong ito sa Venice ay nagtrabaho ang Flemings A. Villart, na namuno sa ducal chapel mula 1527 hanggang 1562, at F. Verdelo. Ang pinakatanyag na musikero ay ang Venetian Gabrieli.

Andrea Gabrieli

Ang impormasyon tungkol sa unang yugto sa buhay ni Andrea Gabrieli, organista at kompositor (circa 1510/33 - 1585, Venice), ay nagkakasalungatan. Sa lahat ng posibilidad, siya ay isang mag-aaral ng A. Villart. Noong 1564, minana ni Gabrieli ang posisyon ng pangalawang organista mula kay Annibale Padovano sa Cathedral ng St. Mark, at noong 1585 siya ay naging punong organista pagkatapos ni K. Merulo, na natanggap ang isang posisyon na magalang na ibinigay sa kanya ng kanyang pamangkin na si Giovanni, na nanalo sa kumpetisyon. Natuwa si Gabrieli sa mahusay na katanyagan sa Europa salamat sa kanyang internasyonal na mga contact at pagkalat ng kanyang mga gawa sa print (6 na masa, higit sa 130 motet, tungkol sa 170 madrigal, tungkol sa 70 mga instrumental na gawa, atbp.). Bilang karagdagan sa maraming mga Italiano, musikero ng Aleman at Dutch, tulad ng H.D. Hasler at G. Eichinger; nag-aral din sa kanya si YP Sweelink.

Si Andrea Gabrieli ay itinuturing na tagalikha ng maraming choral school, na pinangalanan dahil sa malawakang paggamit ng reworked na Gabrieli, na madalas na nagpakilala ng mga solo na boses at instrumento (yumuko at tanso), na pinalakas ng saliw ng dalawang organo. Ang mga malalaking multi-choral works (na may hinati na koro) ay nilalaman sa isang koleksyon na nai-publish noong 1587 ( Concerti - mga konsyerto). Naglalaman din ito ng mga katulad na gawa ng kanyang pamangkin na si Giovanni. Sa mas maraming istilo ng choral, sumulat din si Gabrieli ng maraming mga sekular na gawa, kabilang ang mga kilalang Battagliabawatsonard 'iestrumentiafiato (, Labanan para sa pagganap ng mga instrumento ng hangin ''; napanatili ang posthumous na pagproseso ng 1587, transkripsyon Laguerre -, Digmaan '' - K. Janeken).

Kung ikukumpara sa tinig na instrumento ng musika sa gawain ni Gabrieli ay hindi gaanong kahalagahan, ngunit ang kanyang virtuoso na pamamaraan ay nagsilbing isa sa mga kinakailangan para sa pagpapaunlad ng istilo ng kompositor ni G. Frescobaldi. Si A. Gabrieli ay naglathala ng isang libro ng 6-boses masa (1572), 2 mga libro ng motet para sa 5 tinig (1565) at 4 na tinig (1576), isang aklat ng mga salmo ni David para sa 6 na tinig (1583), 7 mga libro ng 3-6-boses na madrigal, 6 mga libro ng mga komposisyon para sa mga instrumento sa keyboard at maraming mga gawaing boses ng sekular at espirituwal na nilalaman. Ang isang koleksyon ng mga koro para sa mga trahedya ng Sophocles, Oedipus the Tsar '', na isinalin ni O. Giustiniani at gumanap sa okasyon ng pagbubukas ng Teatro Olimpico, na binuo sa Vicenza ni A. Palladio (1585), ay nai-publish nang posthumously.

Giovanni Gabrieli

Giovanni Gabrieli (circa 1554/57 - 1612, Venice) - pamangkin at mag-aaral ni Andrea, na pagkatapos na siya ay naging unang organista sa Cat Marcos Cathedral ni San Marcos noong 1586, napapanatili ang kanyang posisyon hanggang sa kanyang kamatayan. Little ay kilala tungkol sa kanyang buhay: mayroong katibayan, sa iba pang mga bagay na kontrobersyal, na mula 1575 hanggang 1579 maaari siyang maglingkod sa Monaco. Sa isang oras, si Gabrieli ay kilala sa buong Europa at, bilang isang tiyuhin, tinanggap ang mga musikero na kalaunan ay naging sikat (kasama nila G. Schütz) sa kanyang paaralan. Bilang karagdagan, nakikipag-ugnay siya kay G.L. Gayunman, si Hasler ay hindi personal na nakilala si M. Pretorius, na malawakang nag-anunsyo ng musika ni Gabrieli sa kanyang treatise Syntagwamusica.

Sinunod ni Giovanni ang mga direksyon na binuo ng kanyang tiyuhin, ngunit napatunayan na maging isang mahusay na innovator, lalo na sa larangan ng instrumental na musika. Sa kanyang mga canzones da sonar (mga instrumental na piraso), ang bilang ng mga tinig na iba-iba mula 6 hanggang 20 (siya ang unang gumamit ng salitang sonata): ang kanyang sonata Sonata pian e forte (1597) ay higit na kilala. Ang mga komposisyon para sa organ ay hindi gaanong kahalagahan. Sa tinig na sekular at espirituwal na mga komposisyon, ipinakita niya ang isang mas mataas na pamamaraan kumpara sa kay Andrea. Dalawang koleksyon ang lumitaw sa print SacraeSymphoniae (1597 at 1625). Ang mga koleksyon ay naglalaman ng 44 at 32 na komposisyon, ayon sa pagkakabanggit.

Aleman pambansang musika

Ang musikang pambansang Aleman ay nailalarawan sa pamamagitan ng tulad ng isang kababalaghan bilang Lied (kanta). Sa napakalaking gawa ng Minnesingers, ginamit ang katutubong melodies ng isang espiritwal na kalikasan, na maaaring mabago sa chant ng Lutheran. Ito ay sa kasaysayan ng Pagsinungaling, na dumaan sa iba't ibang yugto ng pag-unlad, na ang pagbuo sa ika-15 - ika-16 na siglo ay kabilang. ang musikal at tula ng paaralan ng Meistersang (mga masters ng pagkanta), na lumitaw sa pagtatapos ng XIV siglo. Ang mga aktibidad ng meistersingers, na naganap sa mga korporasyon sa lunsod, ay kinokontrol ng isang scrupulously na binuo ng seremonya at isang hanay ng mga mahigpit na kaugalian (kasama sa isang koleksyon na tinatawag na Tabulator ''), na nagtatag ng pinakamaliit na detalye ng komposisyon ng mga teksto at melodies. Isa sa pinakasikat na Meistersingers, salamat sa malaking bahagi sa opera ni Richard Wagner na The Meistersingers ng Nuremberg, ay si Hans Sachs (1494-1576), na bumubuo ng higit sa 6,000 mga kanta.

Sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. ang genre ng polyphonic Aleman na kanta ay bumangon ( Nagsinungaling), na umabot sa buong pamumulaklak nito sa Cinquecento (salamat din sa pamamahagi nito sa pamamagitan ng pindutin). Ang form na ito ay naging inspirasyon sa maraming mga pag-unlad ng polyphonic sa chant ng Lutheran. Ang unang Aleman polyphonists noong ika-15 siglo. karaniwang tinatawag na Adam von Fuld at Heinrich Finck, na gravitated patungo sa mga pattern ng Flemish. Ang mga aktibidad ng Austrian G. Hofheiner, ang organista na si Maximilian I, at ang Flemish G. Isak ay may kahalagahan. Ang mga numero ng T. Stolzer at lalo na ang Swiss L. Senfl ay tumayo rin.

Repormang Protestante ng ika-16 na siglo natutukoy ang hitsura ng mga chorales at inilatag ang pundasyon para sa pagbuo ng purong Aleman na liturhikanong anyo ng mga musikero na nanatili sa ilalim ng impluwensya ng paaralan ng Flemish.

Sa ikalawang kalahati ng siglo, ang nangingibabaw na pigura ay ang Orlando di Lasso, na naglingkod sa korte ng Munich: sa pamamagitan niya ay lumago ang impluwensya ng paaralan ng Italya, nag-ambag siya sa pagkalat ng madrigal, canzonetta, villanella at istilo ng polyphonic. Sa panahong ito, ang pinaka-makabuluhan ay ang mga musikero tulad nina Leonhard Lechner at Hans Leo Hasler. Ang huli, tulad ng A. Pretorius, I. Eckard, Jacob Handel at iba pa, ay gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa paglaganap ng Venetian polychoral style sa Alemanya.

Pranses pambansang musika

Ang mga pagbabagong naganap sa larangan ng musika ng Pranses noong panahong iyon ay mahirap na hiwalay sa profile ng paaralan ng Burgundian-Franco-Flemish. Gayunpaman, ang isa ay hindi maaaring magbayad ng pansin sa bagong karanasan ng chanson ng Pranses, ang paglikha ng kung saan ay maiugnay kay J. Benshua; Ito ay isang bagong genre ng polyphonic canzone, na naimpluwensyahan ng mga nagawa ni F. Landini sa Italya at D. Dunstable sa England. Sa siglo XVI. Sa kamahalan ng korte ng Pransya, nagtrabaho sina Clauden Sermisi at Clement Janequin, ang pinakamalaking kinatawan ng bagong genre, na nasiyahan sa pangkalahatang katanyagan (kasama ang pasasalamat sa pagkalat ng pag-print ng musika). Si Canzona ay wala sa kompetisyon, at sa pagtatapos lamang ng ika-16 na siglo. ito ay inalok ng vaudeville (kung saan hangindecour - istilo ng korte), bergeretta, chansonette.

Sa paglaganap ng mga bagong sayaw, isang malawak na repertoire ng mga komposisyon para sa lute, nilikha ayon sa pamamaraan hangindecour; sa parehong oras, ang musika ng organ ay mabilis na lumago (J. Titluz at G. Costele), na nagbigay ng pagbuo ng mga instrumento sa keyboard. Sa wakas, kinakailangang banggitin ang hitsura ng ballet, na dumating sa Pransya kasama ang produksiyon BalletcomiguedelaRoyneisinasagawa noong 1581 ng impresario, choreographer at kompositor ng pinagmulang Italyano na V. Baltazarini.

English pambansang musika

Makabuluhang pamumulaklak ng polyphony sa XII - XIII na siglo. ay nakoronahan sa Renaissance ng gawain ni John Dunstable (circa 1380 - 1453, London), na nagtrabaho lalo na sa ibang bansa at may kapansin-pansin na impluwensya sa mga kinatawan ng paaralan ng Franco-Flemish. G. Dufay at J. Benshois. Pinamamahalaang ng Dunstable na pagsamahin ang pagsusulat ng Pranses Arsnova (kasama ang kumplikadong kontra nito at ritmo) na may mga tradisyon sa Ingles. Mula sa kanyang mga nilikha, humigit-kumulang 60 na gawa ang bumaba sa amin, kasama ang 2 masa, 14 na seksyon ng masa, 28 motet at 5 chanson (kung saan isang napaka sikat ORosabella). Ang kanyang karapat-dapat na tagasunod ay sina L. Power at R. Fairfax, may-akda ng sagradong musika (sa teksto ng Latin) at mga light secular na pag-play (sa pagsusulit sa Ingles o Pranses), pati na rin kay J. Taverner. Ang nasabing isang may-akda bilang K. Tai, T. Tallis at R. White ay pinamamahalaang upang paghiwalayin ang mga pormang pangmusika na naging pangkaraniwan para sa mga repormang Ingles na liturhiya (awit, serbisyo, atbp.)

Sa pag-akyat ni Queen Elizabeth I, umusbong ang musika ng Ingles. Ang huli ay hinikayat sa korte ng soberanya mismo, na nagpapanatili ng mga kontak sa mga modernong paaralang Italyano, sa mga alituntunin kung saan nilikha ang karamihan sa mga madrigal na Ingles: ayre (isang arya na may kaugnayan sa canzonetta at Italian frottola), pagkatapos ay kangkong (kaccha) at gli ( glee - awit).

William Bird

Si William Byrd (? 1543 - 1623, Stondon Massey, Essex) ay organista sa Lincoln Cathedral at sa Royal Chapel ni Elizabeth I ng England. Noong 1575, kasama ang T. Tallis, nakamit niya ang isang monopolyo sa pag-print sa England sa loob ng 21 taon. Si William Bird ay walang pagsalang ang pinakamalaking kompositor ng Ingles noong unang bahagi ng ika-17 siglo, ang pagsulat sa isang istilo na mas malapit sa tradisyon ng Flemish kaysa sa Italyano. Noong 1575, 1589 at 1591. Ang Byrd ay naglabas ng 3 libro CantionesSaccrae(Mga sagradong chants). Ang unang libro ay naglalaman lamang ng mga sulat ni Tallis. Pagkatapos sa 1605 at 1607. lumitaw ang dalawang libro Gradualia; tatlong masa, marahil mula sa panahon ng 1592-1595, na nailalarawan sa pamamagitan ng mayaman at siksik na tela na polyphonic.

Ang estilo ni Byrd ay nailalarawan sa pamamagitan ng kakayahang umangkop sa pagsulat at isang pagnanais para sa pagpigil at pagkalagot. Ang pangako sa Simbahang Katoliko ay hindi napigilan ni Byrd mula sa pagbubuo ng musika para sa kulto ng Anglican: pagmamay-ari niya MalakiSerbisyo(Ang Big Service ay isa sa mga pinakamahusay na trabaho) MaiklingSerbisyo (Maliit na Serbisyo), isang dosenang buong tunog na tunog at marami pa. Mula sa sekular na musika, maaari ng isang pangalan ang mga volume, Mga Awit, sonnets at mga kanta '' ( Mga Awit,sonet,eMga KantangKalungkutanatpietie, 1589), ang mga komposisyon sa mga tema sa relihiyon at moral na hindi inilaan para sa paggamit ng liturgiyo, at Mga KantangSundrienatures(1589, iba't ibang mga kanta). Ang nakatulong pamana ay din ng mahusay na interes, kabilang ang mga pantasya, sayaw, pagkakaiba-iba, naglalarawang mga fragment para sa birhen, ilang mga piraso para sa consort at violas.

Ang pambansang musika ng Espanya

Katibayan para sa polyphonic na musika ng ika-13 - ika-14 na siglo. nakapaloob sa CodicedelasHuelgas, gayunpaman, tungkol sa mga gawa sa unang kalahati ng ika-15 siglo. walang alam. Gayunpaman, sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo, ang musika ay mabilis na umusbong: ang mga espirituwal na gawa ng Villancios at pagmamahalan ni Juan de Ensina (1468 - 1529) ay lumitaw, pati na rin ang mga gawa ng iba pang mga kompositor na nagtipon ng sikat na koleksyon ng Palasyo '' (Cansionero de Palacio '') at iba pa. mga koleksyon. Ang mga pangunahing personalidad na Cinquecento Cristobal de Morales (mga 1500 - 1553), Thomas Luis de Victoria at Francisco Guerrero (1528 - 1599) - isa sa mga pinakamahusay na kinatawan ng sagradong musika ng boses sa Europa noong siglo XVI. Ang musika ng organ ni Antonio de Cabezon (1528-1566) ay napakahalaga din. Ang mga mayaman na pang-adorno na komposisyon para sa vihuela ay isinulat ni Luis Milan (mga 1500 - pagkatapos ng 1561), si Luis de Narvaez (mga 1500 - pagkatapos ng 1555), Alonso de Mudarra (mga 1508 - 1580) at marami pang iba.

Thomas Luis de Victoria

Si Thomas Luis de Victoria (circa 1550, Avila - 1611, Madrid) ay ipinadala sa Roma upang mag-aral sa College Germanico. Ang kanyang guro ay maaaring si J.P. Palestrina. Noong 1569, si Thomas Luis de Victoria ay hinirang na organista at bise-conductor ng Santa Maria di Monserrato Chapel. Mula 1573 hanggang 1578 nagsilbi siya sa seminaryo ng Roma at sa simbahan ng San Apollinarius. Noong 1575 siya ay naorden. Noong 1579 pinasok niya ang serbisyo ng Empress Maria. Mula 1596 hanggang 1607, si Luis de Victoria ay kapitan ng monasteryo ng Descalsas Reales sa Madrid. Ang may-akda ng eksklusibong ispiritwal na pagsulat, si Thomas Luis de Victoria ay sumulat ng 20 masa, 50 motet. Itinuturing ng kompositor ang pinakamahusay OpisinaHebdomadaeSanotae para sa 4 - 8 boto (1585) at OpisinaDefunctorum para sa 6 na boto (1605). Pinagsama niya ang isang malubhang, kahanga-hangang estilo na may mahusay na emosyonal na pagpapahayag, na ginawa sa kanya isang mahusay na Spanish polyphonist ng ika-16 na siglo.

Muling Pagkabuhay (Pranses. Renaissance) - isang panahon sa kulturang pangkultura at kasaysayan ng Kanlurang Europa noong ika-XV siglo. (sa Italya - XIV-XVI siglo). Ito ang panahon ng paglitaw at pag-unlad ng mga kapitalistang relasyon, ang pagbuo ng mga bansa, wika, pambansang kultura. Ang muling pagkabuhay ay ang oras ng mahusay na mga pagtuklas ng heograpiya, pag-imbento ng pag-print, ang pag-unlad ng agham.

Ang panahon ay nakuha ang pangalan nito na may kaugnayan sa muling pagbuhayinteres sa antigong sining, na naging perpekto para sa mga pigura ng kultura noong panahong iyon. Mga kompositor at teorista ng musika - J. Tinctoris, J. Tsarlino at iba pa - pinag-aralan ang mga sinaunang gawi ng musikang Greek; sa mga gawaing pangmusika ni Josquin Despres, na inihambing kay Michelangelo, "ang nawalang pagiging perpekto ng mga sinaunang Griyego ay nadagdagan"; na lumitaw noong huling bahagi ng ika-16 - unang bahagi ng ika-17 siglo. ang opera ay nakatuon sa mga batas ng sinaunang drama.

Ang batayan ng Renaissance art ay humanismo(mula sa Lat. "humanus" - makatao, philanthropic) - isang pananaw na nagpapahayag ng isang tao bilang pinakamataas na halaga, ipinagtatanggol ang karapatang pantao sa kanyang sariling pagtatasa ng mga kababalaghan ng katotohanan, inilalagay ang kahilingan ng kaalaman sa agham at sapat na pagmuni-muni sa sining ng mga kababalaghan ng katotohanan. Ang mga ideologue ng Renaissance ay sumalungat sa teolohiya ng Middle Ages na may isang bagong perpekto ng isang tao na pinuno ng mga damdamin at interes sa mundo. Kasabay nito, ang mga tampok ng nakaraang panahon ay napanatili sa sining ng Renaissance (pagiging sekular sa kakanyahan, ginamit nito ang mga larawan ng sining sa medyebal).

Ang Renaissance ay oras din ng malawak na anti-pyudal at anti-Catholic na mga kilusang relihiyoso (Hussite sa Bohemia, Lutheranism sa Alemanya, Calvinism sa Pransya). Ang lahat ng mga relihiyong paggalaw na ito ay pinagsama ng karaniwang konsepto " protestantismo"(o" repormasyon»).

Sa panahon ng Renaissance, ang sining (kabilang ang musika) nasiyahan sa napakalaking awtoridad ng publiko at naging lubos na laganap. Ang pinong sining (L. da Vinci, Raphael, Michelangelo, Jan Van Eyck, P. Bruegel at iba pa), arkitektura (F. Brunelleschi, A. Palladio), panitikan (Dante, F. Petrarca, F. Rabelais, M. Cervantes, W. Shakespeare), musika.

Mga tampok na katangian ng musikal na kultura ng Renaissance:

mabilis na pagunlad sekular musika (malawak na pamamahagi ng mga sekular na genre: madrigal, frottol, villanelles, Pranses na "chanson", Ingles at Aleman na polyphonic na kanta), ang pag-atake sa lumang kultura ng musika ng simbahan, na umiiral nang kahanay sa sekular;

makatotohanan mga uso sa musika: mga bagong plot, mga imahe na naaayon sa mga pananaw ng humanistic at, bilang isang resulta, mga bagong paraan ng pagpapahayag ng musikal;

katutubong melodic bilang nangungunang simula ng isang piraso ng musika. Ang mga katutubong kanta ay ginagamit bilang isang cantus firmus (ang pangunahing, hindi nagbabago na melody sa tenor sa mga polyphonic works) at sa polyphonic na musika (kasama ang musika ng simbahan). Ang melody ay nagiging mas makinis, mas nababaluktot, malambing, dahil ay ang direktang pagpapahayag ng mga karanasan ng tao;

malakas na pag-unlad polyphonic musika, incl. at " mahigpit na istilo"(Kung hindi -" klasikal na vocal polyphony", Sapagkat nakatuon sa pagganap sa boses at koro). Ang mahigpit na istilo ay nagtatakda ng sapilitang pagsunod sa itinatag na mga patakaran (ang mga patakaran ng mahigpit na istilo ay pormula ng Italyanong G. Tsarlino) Ang mga master ng istilo ng austere ay pinagkadalubhasaan ang diskarte ng counterpoint, imitasyon at canon. Ang mahigpit na pagsulat ay batay sa isang sistema ng mga mode ng diatonic church. Sa pagkakasuwato, namumuno ang mga katinig, ang paggamit ng mga dissonance ay mahigpit na limitado ng mga espesyal na patakaran. Ang mga pangunahing at menor de edad kaliskis at ang sistema ng oras ay nabuo. Ang pampakay na batayan ay ang chant ng Gregorian, ngunit ginamit din ang mga sekular na melodya. Ang paniwala ng austere style ay hindi sumasaklaw sa lahat ng polyphonic na musika ng Renaissance. Ito ay nakatuon lalo na sa polyphony ng Palestrina at O. Lasso;

ang pagbuo ng isang bagong uri ng musikero - propesyonal, na nakatanggap ng isang komprehensibong espesyal na edukasyon sa musikal. Ang konsepto ng "kompositor" ay lilitaw sa unang pagkakataon;

ang pagbuo ng mga pambansang paaralan ng musika (Ingles, Dutch, Italyano, Aleman, atbp.);

hitsura ng mga unang performers sa lute, viola, violin, harpsichord, organ;ang yumayabong ng paggawa ng amateur music;

ang hitsura ng pag-print ng musika.

Mga pangunahing genre ng musika ng Renaissance

Mga pangunahing teoristang musikal ng Renaissance:

Johann Tinktoris (1446 - 1511),

Glarean (1488 - 1563),

Joseffo Tsarlino (1517 - 1590).

Ipadala ang iyong mabuting gawain sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, mag-aaral na nagtapos, batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay labis na nagpapasalamat sa iyo.

Nai-post sa http://www.allbest.ru/

Panimula

1.2 Pransya

1.3 Italya

1.3.2 Paaralang Venetian

1.4 Inglatera

1.5 Alemanya

1.6 Spain

2. Mga estetika sa Musikal

2.4 Mga Tagapagbalita at ang kanilang sining

Konklusyon

Listahan ng mga sanggunian

Panimula

Ang Renaissance, o ang Renaissance (fr. Renaissance), ay isang pagbabagong punto sa kasaysayan ng kultura ng mga mamamayan ng Europa. Ang pagtukoy ng pananaw sa mundo ng Renaissance, kaibahan sa teocentrism sa medieval (isang konsepto ng pilosopikal na batay sa pag-unawa sa Diyos bilang isang ganap, perpekto, pinakamataas na pagkatao, ang mapagkukunan ng lahat ng buhay at anumang mabubuti) at asceticism, naging humanismo (mula sa Latin humanus - "tao", " makatao "). Ang indibidwal na halaga ng pagkatao ng tao ay nauna, ang interes sa kamalayan ng nakapaligid na mundo at makatotohanang pagmuni-muni ng katotohanan ay tumaas. Hinanap ng mga humanista ang perpekto ng isang magkabagay na tao sa sinaunang panahon, at ang sinaunang sining ng Greek at Roman ay nagsilbi sa kanila bilang isang modelo para sa pagkamalikhain ng sining. Ang pagnanais na "muling buhayin" ang sinaunang kultura ay nagbigay ng pangalan sa panahong ito, ang panahon sa pagitan ng Middle Ages at New Age (mula sa kalagitnaan ng ika-17 siglo hanggang sa kasalukuyan).

Ang unang kalahati ng ika-15 siglo ay nailalarawan bilang simula ng Renaissance sa musika. Sa oras na ito, ang ideal na Renaissance ng pagkakaisa at kagandahan, ang pamantayan ng tinatawag na mahigpit na istilo, ay nabuo. Hindi tulad ng iba pang mga uri ng sining, ang mga pangunahing mithiin at pamantayan ng musika ng Renaissance ay hindi ang mga mithiin ng sinaunang panahon, dahil ang notasyong pangmusika ng Sinaunang Greece at Sinaunang Roma sa pamamagitan ng XIII-XVI siglo. hindi pa ganap na nai-deciphered at pinag-aralan. Samakatuwid, kadalasan, ang mga pundasyon ng mga gawaing musikal sa panahong ito ay patula, gawaing pampanitikan ng dating panahon. Kaya, halimbawa, sa pagtatapos ng siglo XVI. Kasama sa operatic na mga gawa ang mga canon ng antigong panahon. Sa musika, tulad ng sa iba pang mga anyo ng sining, ang pagkahilig na ilarawan ang pagkakaiba-iba ng mundo ay tumataas, at ang ideya ng pagkakaiba-iba ay pinagsama sa pagnanais para sa pagkakaisa at proporsyonal ng lahat ng mga elemento ng buong. Mayroong muling pagbabalik-tanaw sa katayuan sa lipunan ng musika - lumilitaw ang isang demokratikong madla, malawak ang paggawa ng musika - ang pagganap ng mga piraso hindi lamang ng mga sikat na kompositor, kundi pati na rin mga personal na komposisyon. Kaya, ito ay tiyak sa Renaissance na ang mga preconditions para sa pag-unlad ng araw-araw at propesyonal na sekular na pagiging malikhaing musikal, na nagbigay ng katangian ng paninindigan ng buhay, kagalakan ng buhay, humanismo at magaan na imahe, na binuo.

Kasabay nito, may mga pagbabago sa notasyon ng musikal: ang mabigat na mga bloke ng pagpi-print ng kahoy ay pinalitan ng mga palipat-lipat na mga liham na metal na naimbento ng Italian Ottaviano Petrucci. Ang nai-publish na mga gawaing musikal ay mabilis na nabili, higit pa at maraming tao ang nagsimulang makisali sa musika.

Ang mga gawaing musikal sa panahong ito ay nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na melodiousness, pagkakasulat ng kanta, na likas sa katutubong musika; isang tiyak na bilang ng mga kanta ay isinulat sa kanilang sariling wika, hindi sa Latin.

Ang mga pangunahing tampok ng musika ay ang melodiousness at isang tiyak na ritmo, na nakikilala sa pamamagitan ng higit na kakayahang umangkop at pagpapahayag kaysa sa Panahon ng Panahon. Ang paglitaw ng polyphony ay ipinaliwanag lalo na sa pamamagitan ng ang katunayan na ang musikero, kompositor, tagapalabas, at mang-aawit ay may kalayaan sa musika ng pagkilos, na ipinahayag sa mga kanta ng kanilang kaluluwa, emosyonal na kalooban, karapatang bigyang kahulugan, lumitaw ng kanilang sariling mga pagkakaiba-iba alinsunod sa damdamin at panloob na estado.

Ang pinakamahalagang kahalagahan sa panahong ito ay ang pagpili at pag-apruba ng pangunahing sukatan (mas magaan, mas masayang, masigla kumpara sa mga menor de edad - malungkot, mahinahon, malungkot), lalo na sa ika-15 siglo.

Ang kanta ay lalo na nabuo sa samahan ng isang paningin o gumanap sa polyphonic.

Sa panahon ng Renaissance, nabuo ang instrumental na musika. Kadalasan ay pinagsama nila ang iba't ibang mga tool sa isang tema. Kasabay nito, ang mga form at melod ng sayaw ay napanatili at napabuti, na pinagsama sa mga suite. Ang unang mga instrumental na gawa ay lumitaw, tulad nito, ng isang independiyenteng karakter, pagkakaiba-iba, preludes, pantasya.

Pati na rin ang arkitektura, iskultura, pagpipinta, ang musikal na sining ng Renaissance ay nakikilala sa pamamagitan ng isang sekular na karakter, at sa mga siglo XIV-XVI. nabuo ang pagbuo ng mga pambansang paaralan ng musika.

1. Kulturang musikal ng Renaissance

Ang masining na kultura ng Renaissance ay isang pansariling prinsipyo batay sa agham. Ang hindi pangkaraniwang kumplikadong kasanayan ng mga polyphonists noong ika-15-ika-16 na siglo, ang kanilang virtuoso na pamamaraan ay pinagsama sa maliwanag na sining ng mga pang-araw-araw na pagsayaw, ang pagiging sopistikado ng mga sekular na genre. Ang Lyric at drama ay lalong ipinahayag sa kanyang mga gawa. Bilang karagdagan, ang pagkatao ng may-akda, ang malikhaing pagkatao ng artist (ito ay katangian hindi lamang ng musikal na sining) ay mas malinaw na ipinahayag sa kanila, na nagpapahintulot sa amin na magsalita ng pagkatao bilang pangunahing nangungunang prinsipyo ng sining ng Renaissance. Kasabay nito, ang musika sa simbahan, na kinakatawan ng maraming malalaking genre bilang masa at motet, sa isang tiyak na lawak ay nagpapatuloy ang linya ng "Gothic" sa sining ng Renaissance, na naglalayong pangunahin sa pagre-recise ng mayroon nang kanon at, sa pamamagitan nito, sa pagluluwalhati sa Banal.

Sa ika-15 siglo, ang tinatawag na polyphony ng "mahigpit na pagsulat" ay humuhubog, ang mga patakaran (pamantayan ng pamamahala ng boses, paghuhubog, atbp.) Na kung saan ay naayos sa teoretikal na mga paksang sa oras na iyon at ang hindi nababago na batas ng paglikha ng musika ng simbahan. Ang mga kompositor ay binubuo ng kanilang masa, gamit ang hiniram na melodies (Gregorian chant at iba pang mga kanonikal na mapagkukunan, pati na rin ang katutubong musika) - ang tinaguriang cantus firmus bilang pangunahing tematikismo, na nalalapat ang kahalagahan sa pamamaraan ng polyphonic na pagsulat, kumplikado, kung minsan ay sopistikadong kontra. Kasabay nito, may patuloy na proseso ng pag-update at pagtagumpayan ng mga umiiral na mga kaugalian, na may kaugnayan sa kung saan ang mga sekular na genre ay unti-unting nakakakuha ng kahalagahan.

Kaya, tulad ng nakikita mo na ang panahon ng Renaissance ay isang mahirap na panahon sa kasaysayan ng pag-unlad ng musikal na sining, kaya tila makatwiran na isaalang-alang ito nang mas detalyado, habang binibigyang pansin ang mga indibidwal na indibidwal at bansa.

1.1 Netherlands polyphonic school

Ang Netherlands ay isang makasaysayang rehiyon sa hilaga-kanluran ng Europa (ang kanilang teritoryo ay sumasaklaw sa kasalukuyan North-East France, South-West Holland, Belgium, Luxembourg). Sa pamamagitan ng ika-XV siglo. Ang Netherlands ay umabot sa isang mataas na antas ng ekonomiya at kultura at naging isang maunlad na bansa sa Europa na may pinakamalawak na link sa kalakalan. Ang pag-unlad ng agham, kultura, sining sa Netherlands ay sanhi din ng tindi ng kaunlaran ng ekonomiya ng bansa. Kasabay ng napakatalino na mga nakamit ng pagpipinta, ang musika ay nakamit ang napakalaking tagumpay. Ang propesyonal na pagsulat sa Netherlands ay nabuo sa malapit na koneksyon sa folklore, na mayroong isang mahabang, mayaman na tradisyon. Dito na nabuo ang paaralan ng polyphonic ng Dutch - isa sa pinakamalaking kababalaghan ng musika ng Renaissance. Ang mga pinagmulan ng Dutch polyphony ay matatagpuan sa English, French, German at Italian songwriting. Kasabay nito, inilahad ng Dutch ang karanasan ng maraming mga pambansang paaralan at lumikha ng isang orihinal na istilo ng polyphonic na vocal-choral, na naging isang mahalagang yugto sa pagbuo ng mahigpit na pagsulat. Dito, naimbento ang imitasyon - ang pag-uulit ng isang himig sa isang tinig na agad na sumunod sa ibang tinig. (Nang maglaon, sa panahon ng Bach, ang imitasyon ay bubuo ng pundasyon ng fugue ng pinakamataas na anyo ng polyphony.) Mahusay na ginamit ng Dutch ang imitasyon sa mga canon noong ika-15 at ika-16 na siglo. Sa sining ng paglikha ng naturang mga canon, ang mga Dutch virtuosos ay nagpakita ng maraming talino sa paglikha at teknikal na pag-imbento. Ang kompositor ay nakasulat sa puntos: "Sumigaw nang walang tigil." Nangangahulugan ito na ang piraso ay maaaring isagawa sa pamamagitan ng laktawan ang lahat ng mga pag-pause. "Gawin ang gabi sa araw" - Kailangang hulaan ng mga gumaganap na ang mga itim na tala ay maaaring mabasa bilang puti at kabaligtaran. At ang piraso ay magiging tunog na pantay na mahusay sa normal na pag-record at nagbago. Ang kompositor na Okegem ay binubuo ang 36-boses na canon, isang musikal na skyscraper ng apat na siyam na boses na canon.

Ang isang natatanging kinatawan at isa sa mga tagapagtatag ng paaralan ng Dutch ay si Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (mga 1400 - 11/27/1474), isang kompositor ng Franco-Flemish. Siya ang naglagay ng mga pundasyon ng tradisyon ng polyphonic sa musikang Dutch (circa 1400-1474). Si Guillaume Dufay ay ipinanganak sa Cambrai sa Flanders (isang lalawigan sa timog ng Netherlands) at umawit sa koro ng simbahan mula sa murang edad. Kaayon, ang hinaharap na musikero ay kumuha ng mga pribadong aralin sa komposisyon. Bilang isang tinedyer, umalis si Dufay patungong Italya, kung saan isinulat niya ang kanyang mga unang komposisyon - mga ballads at motet. Noong 1428-1437 nagsilbi siya bilang isang mang-aawit sa kapilya kapel sa Roma; sa mga panahong ito ay naglalakbay siya sa Italya at Pransya. Noong 1437, ang kompositor ay naorden. Sa korte ng Duke of Savoy (1437-1439), binubuo niya ang musika para sa solemne seremonya at pista opisyal. Si Dufay ay lubos na iginagalang ng mga marangal na tao - kabilang sa kanyang mga humanga ay, halimbawa, ang mag-asawang Medici (pinuno ng lungsod ng Italya ng Florence). Mula noong 1445, ang canon at direktor ng mga aktibidad na musikal ng katedral sa Cambrai. Master ng espirituwal (3-, 4-boses na masa, motet), pati na rin sekular

(3-, 4-boses na French chanson, mga awit ng Italyano, ballads, rondo) na nauugnay sa katutubong polyphony at ang kulturang humanistic ng Renaissance. Ang sining ni Dufay, na sumisipsip sa mga nagawa ng European music art, ay may malaking impluwensya sa karagdagang pag-unlad ng musika ng polyphonic ng Europa. Isa rin siyang repormador ng notasyon ng musikal (si Dufay ay na-kredito sa pagpapakilala ng mga tala sa mga puting ulo). Ang kumpletong mga gawa ni Dufay ay nai-publish sa Roma (6 vols., 1951-66). Si Dufay ang una sa mga kompositor na nagsimulang sumulat ng Mass bilang isang integral na komposisyon ng musikal. Ang paglikha ng musika sa simbahan ay nangangailangan ng isang pambihirang talento: ang kakayahang ipahayag ang abstract, hindi materyal na mga konsepto sa pamamagitan ng kongkreto, materyal na paraan. Ang kahirapan ay namamalagi sa katotohanan na ang gayong komposisyon, sa isang banda, ay hindi iniiwan ang nakikinig sa walang pakialam, at sa kabilang banda, ay hindi nakakagambala sa banal na serbisyo, ay nakakatulong na mag-focus nang mas malalim sa panalangin. Marami sa mga misa ni Dufay ay inspirasyon, puno ng panloob na buhay; tila makakatulong sila upang buksan ang tabing ng Banal na paghahayag nang ilang sandali.

Kadalasan, kapag lumilikha ng isang Misa, kumuha si Dufay ng isang kilalang melody, kung saan idinagdag niya ang kanyang sarili. Ang ganitong mga paghiram ay katangian ng Renaissance. Itinuring na napakahalaga na ang masa ay batay sa isang pamilyar na himig, na madaling makilala ng mga sumasamba kahit sa isang polyphonic piece. Ang isang fragment ng Gregorian chant ay madalas na ginagamit; ang mga sekular na gawa ay hindi kasama. Bilang karagdagan sa musika sa simbahan, si Dufay ay nagbubuo ng mga motet para sa sekular na mga teksto. Gumamit din siya ng mga komplikadong pamamaraan ng polyphonic sa kanila.

Ang kinatawan ng Dutch na polyphonic school ng ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. ay si Josquin Despres (mga 1440-1521 o 1524), na may malaking impluwensya sa gawain ng susunod na henerasyon ng mga kompositor. Sa kanyang kabataan, nagsilbi siyang choir sa simbahan sa Cambrai at kumuha ng mga aralin sa musika mula sa Okegem. Sa edad na dalawampu't, ang batang musikero ay dumating sa Italya, kumanta sa Milan kasama ang mga pinuno ng Sforza at sa papal kapilya sa Roma. Sa Italya, malamang na sinimulan ni Despres ang pagbubuo ng musika. Sa umpisa pa lamang ng siglo XVI. lumipat siya sa Paris. Nang panahong iyon, kilala na si Despres, at inanyayahan siya sa posisyon ng musikero ng korte ng Pranses na hari na si Louis XII. Mula sa 1503 si Despres ay nanirahan muli sa Italya, sa lungsod ng Ferrara, sa korte ng duke

d "Este. Despres ay binubuo ng maraming, at ang kanyang musika ay mabilis na nakakuha ng pagkilala sa pinakamalawak na lupon: kapwa ang maharlika at ang karaniwang mga tao ay minahal niya. Ang kompositor ay nilikha hindi lamang gawa ng simbahan, kundi pati na rin mga sekular. Sa partikular, lumingon siya sa genre ng mga katutubong katutubong Italyano - frottole (ito. frottola, mula sa frotta - "karamihan ng tao"), na kung saan ay nailalarawan sa isang ritmo ng sayaw at isang mabilis na tempo.Depres ipinakilala ang mga tampok ng sekular na gawa sa musika ng simbahan: sariwa, buhay na intonasyon na sinira ang mahigpit na detatsment at nagdulot ng isang pakiramdam ng kagalakan at kapunuan ng pagiging. Ang kompositor ay hindi kailanman nabigo.Ang diskarteng polyphonic ng Despres ay hindi nakikilala sa pamamagitan ng pagiging sopistikado.Ang kanyang mga gawa ay elegante simple, ngunit nararamdaman nila ang malakas na talino ng may-akda.Ito ang lihim ng katanyagan ng kanyang mga gawa.

Ang mga nakababatang kontemporaryo ng Guillaume Dufay ay sina Johannes (Jean) Okegem (circa 1425-1497) at Jacob Obrecht. Tulad ni Dufay, ang Okegem ay nagmula sa Flanders. Sa buong buhay niya ay nagsipag siya; bilang karagdagan sa pag-compose ng musika, nagsilbi siyang pinuno ng kapilya. Ang kompositor ay lumikha ng labing limang labing masa, labing tatlong motet, higit sa dalawampung chanson. Ang mga gawa ni Okegem ay nailalarawan sa pamamagitan ng kalubhaan, konsentrasyon, pangmatagalang pag-unlad ng dumadaloy na mga linya ng melodic. Binibigyang pansin niya ang diskarteng polyphonic, pinagsikapan para sa lahat ng mga bahagi ng masa na mahahalata bilang isang solong. Ang istilo ng malikhaing tagagawa ay kitang-kita din sa kanyang mga kanta - halos wala sila sa sekular na kadiliman, sa pagkatao ay mas naaalala nila ang mga motets, at kung minsan kahit na mga fragment ng masa. Si Johannes Okegem ay iginagalang pareho sa bahay at sa ibang bansa (siya ay hinirang na tagapayo sa King of France). Si Jacob Obrecht ay isang chorister sa mga katedral sa iba't ibang mga lungsod ng Netherlands, pinangunahan ang mga kapilya; sa loob ng maraming taon na nagsilbi siya sa korte ng Duke d'Este sa Ferrara (Italya) .Siya ay may-akda ng dalawampu't limang masa, dalawampung motet, tatlumpong chanson.Gamit ang mga nagawa ng kanyang mga nauna, nagdala si Obrecht ng maraming mga bagong bagay sa tradisyon ng polyphonic.Ang kanyang musika ay puno ng mga kaibahan, matapang, kahit na ang mga kompositor ay nag-uusap. sa mga tradisyonal na genre ng simbahan.

Ang maraming kakayahan at lalim ng pagkamalikhain ni Orlando Lasso. Ang pagkumpleto ng kasaysayan ng musikang Renaissance ng Dutch ay ang gawain ng Orlando Lasso (totoong pangalan at apelyido na Roland de Lasso, circa 1532-1594), na tinawag ng kanyang mga kapanahon na "Belgian Orpheus" at "Prinsipe ng Musika". Si Lasso ay ipinanganak sa Mons (Flanders). Mula sa pagkabata, kumanta siya sa koro ng simbahan, na tinutuya ang mga parishioner na may napakagandang tinig. Si Gonzaga, Duke ng lungsod ng Italya ng Mantua, hindi sinasadyang napansin ang batang mang-aawit, inanyayahan siya sa kanyang sariling kapilya. Matapos ang Mantua, ang Lasso ay nagtrabaho sa isang maikling panahon sa Naples, at pagkatapos ay lumipat sa Roma - doon natanggap niya ang posisyon ng pinuno ng kapilya ng isa sa mga katedral. Sa edad na dalawampu't lima, ang Lasso ay kilala bilang isang kompositor, at ang kanyang mga gawa ay hinihingi sa mga publisher ng musika. Noong 1555, ang unang koleksyon ng mga gawa ay nai-publish, na naglalaman ng mga motet, madrigal at chanson. Pinag-aralan ni Lasso ang lahat ng pinakamahusay na nilikha ng kanyang mga nauna (komposisyon ng Dutch, Pranses, Aleman at Italya) at ginamit ang kanilang karanasan sa kanyang gawain. Ang pagiging isang pambihirang pagkatao, si Lasso ay nagpupumilit upang malampasan ang abstract na katangian ng musika ng simbahan, upang mabigyan ito ng sariling katangian. Para sa layuning ito, ang kompositor kung minsan ay gumagamit ng genre at pang-araw-araw na motibo (mga tema ng mga katutubong kanta, mga sayaw), sa gayon ay pinagsama ang simbahan at sekular na mga tradisyon. Pinagsama ni Lasso ang pagiging kumplikado ng diskarteng polyphonic na may mahusay na emosyonalidad. Lalo siyang mahusay sa mga madrigalya, sa mga teksto na kung saan ang estado ng pag-iisip ng mga character ay ipinahayag, halimbawa, Luha ni Saint Peter "(1593) sa mga taludtod ng makatang Italyano na si Luigi Tranzillo. Ang tagasulat ay madalas na sumulat para sa isang malaking bilang ng mga tinig (lima hanggang pito), kaya ang kanyang mga gawa ay mahirap gampanan. Mula noong 1556, si Orlando Lasso ay nanirahan sa Munich (Alemanya), kung saan pinamunuan niya ang kapilya, hanggang sa katapusan ng kanyang buhay ang kanyang awtoridad sa musikal at artistikong bilog ay napakataas, at ang kanyang katanyagan ay kumalat sa buong Europa.

Ang Dutch na polyphonic school ay may malaking impluwensya sa pagbuo ng musikal na kultura ng Europa. Ang mga prinsipyo ng polyphony na binuo ng mga kompositor ng Dutch ay naging unibersal, at maraming mga artistikong pamamaraan ang ginamit sa kanilang gawain ng mga kompositor ng ika-20 siglo.

1.2 Pransya

Para sa Pransya, ang ika-15-ika-16 na siglo ay naging isang panahon ng mga mahahalagang pagbabago: ang Daang Daang Digmaan (1337-1453) kasama ang Inglatera, sa pagtatapos ng ika-15 siglo. ang pag-iisa ng estado ay nakumpleto; noong ika-16 siglo, naranasan ng bansa ang mga digmaang pang-relihiyon sa pagitan ng mga Katoliko at mga Protestante. Sa isang malakas na estado na may ganap na monarkiya, nadagdagan ang papel ng mga pagdiriwang sa korte at mga pagdiriwang ng mga tao. Nag-ambag ito sa pag-unlad ng sining, lalo na ang musika na sinamahan ng nasabing mga kaganapan. Ang bilang ng mga vocal at instrumental na ensembles (chapels at consorts), na binubuo ng isang makabuluhang bilang ng mga performer, ay tumaas. Sa mga kampanyang militar sa Italya, nakilala ng Pranses ang mga nagawa ng kulturang Italyano. Lubos silang nadama at tinanggap ang mga ideya ng Renaissance ng Italya - humanismo, nagsusumikap para sa pagkakatugma sa mundo sa kanilang paligid, para sa kasiyahan sa buhay.

Kung sa Italya ang musikal na Renaissance ay nauugnay lalo na sa Misa, kung gayon ang mga kompositor ng Pransya, kasama ang musika ng simbahan, ay nagbigay ng espesyal na pansin sa sekular na polyphonic song - chanson. Ang interes sa ito sa Pransya ay lumitaw sa unang kalahati ng ika-16 na siglo, nang mailathala ang isang koleksyon ng mga musikal na piraso ni Clement Janequin (bandang 1485-1558). Ito ang kompositor na itinuturing na isa sa mga tagalikha ng genre.

Bilang isang bata, kumanta si Jeannequin sa isang choir ng simbahan sa kanyang bayan ng Chatellerault (Central France). Nang maglaon, ayon sa mga istoryador ng musika, nag-aral siya kasama ang Dutch master na si Josquin Desprez o kasama ang isang kompositor mula sa kanyang entourage. Nakatanggap ng pag-orden ng isang pari, si Zhaneken ay nagtrabaho bilang isang director ng koro at organista; pagkatapos ay inanyayahan siya sa serbisyo ng Duke ng Guise. Noong 1555 ang musikero ay naging isang mang-aawit ng Royal Chapel, at noong 1556-1557. - ang kompositor ng korte ng hari.

Si Clement Jeannequin ay lumikha ng dalawang daan at walumpung chanson (nai-publish sa pagitan ng 1530 hanggang 1572); nagsulat ng musika sa simbahan - masa, motet, salmo. Ang kanyang mga kanta ay madalas na nakalarawan. Bago ang mata ng nakikinig ay mga larawan ng labanan ("The Battle of Marignano", "The Battle of Renta"), mga eksena sa pangangaso ("The Hunt"), mga imahe ng kalikasan ("Birdsong", "Nightingale"), pang-araw-araw na mga eksena ("Women chatter") ... Sa kamangha-manghang matingkad, pinamamahalaan ng kompositor na maihatid ang kapaligiran ng pang-araw-araw na buhay sa Paris sa chanson na "Screams of Paris": ipinakilala niya ang mga exclamations ng mga nagbebenta sa teksto. Halos hindi gumamit si Janeken ng mahaba at dumadaloy na mga tema para sa mga indibidwal na tinig at kumplikadong mga diskarteng polyphonic, mas pinipili ang mga tawag sa roll, repetitions, onomatopoeia.

Ang isa pang direksyon ng musika sa Pransya ay nauugnay sa pan-European na kilusan ng Repormasyon. Sa mga serbisyo sa simbahan, pinabayaan ng mga French Protestante (Huguenots) ang Latin at polyphony. Ang banal na musika ay nakakuha ng isang mas bukas, demokratikong pagkatao. Ang isa sa mga maliwanag na kinatawan ng tradisyong ito ng musikal ay si Claude Gudimel (sa pagitan ng 1514 hanggang 1520-1572) - ang may-akda ng mga salmo sa mga teksto sa bibliya at chant ng mga Protestante.

Ang isa sa mga pangunahing genre ng musikal ng Pranses na Renaissance ay ang chanson (French chanson - "song"). Ang mga pinagmulan nito ay nasa katutubong sining (mga tula ng mga tula ng epikong alamat ay inilipat sa musika), sa sining ng mga pang-agham na abala at trouvers. Sa mga tuntunin ng nilalaman at kalooban, ang chanson ay maaaring magkakaiba-iba - mayroong mga pag-ibig ng kanta, araw-araw, nakakatawa, mapang-akit, atbp. Ang mga kompositor ay kumuha ng mga katutubong tula at modernong tula bilang mga teksto.

1.3 Italya

Sa simula ng Renaissance, ang araw-araw na paggawa ng musika sa iba't ibang mga instrumento ay kumakalat sa Italya; lumitaw ang mga bilog ng mga mahilig sa musika. Ang mga bagong anyo ng buhay sa musika at panlipunan ay lumitaw - mga akademya ng musika at mga institusyong pang-edukasyon ng musika ng isang bagong uri - mga conservatories. Sa larangan ng propesyonal, dalawa sa pinakamalakas na paaralan ang lumitaw: ang Roman at ang Venetian.

Noong ika-16 na siglo, unang kumalat ang pag-print ng notational, noong 1501 ang printer ng libro ng Venetian na si Ottaviano Petrucci ay naglathala ng "Harmonice Musices Odhecaton" - ang unang pangunahing koleksyon ng sekular na musika. Ito ay isang rebolusyon sa pagpapakalat ng musika, at nag-ambag din sa istilong Franco-Flemish na naging nangingibabaw na wikang musikal ng Europa sa susunod na siglo, bilang, bilang isang Italyano, si Petrucci higit sa lahat ay kasama ang musika ng mga kompositor ng Franco-Flemish sa kanyang koleksyon. Kasunod nito, nai-publish niya ang maraming mga gawa ng mga kompositor ng Italyano, parehong sekular at espirituwal.

Sa panahon ng Renaissance, nadagdagan ang papel ng mga sekular na genre. Sa siglo XIV. Lumitaw si Madrigal sa musikang Italyano (mula sa Lat. Matricale - "awit sa katutubong wika"). Nabuo ito batay sa mga awit ng katutubong (pastol). Ang mga Madrigal ay mga kanta para sa dalawa o tatlong tinig, na madalas na walang kasamang instrumento. Naabot ni Madrigal ang pinakatanyag ng pag-unlad nito at naging pinakasikat na genre ng musikal sa panahon. Hindi tulad ng nauna at mas simpleng mga madrigal ng panahon ng Trecento, ang mga madrigal ng Renaissance ay isinulat para sa maraming (4-6) tinig, madalas na ang kanilang mga tagalikha ay mga dayuhan na nagsilbi sa mga korte ng maimpluwensiyang hilagang pamilya. Nanlaban ang mga Madrigalist na lumikha ng mataas na sining, na kadalasang ginagamit ang binagong tula ng magagaling na mga makatang Italyano noong huling Edad ng Edad: Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio, at iba pa. Ang pinaka-katangian na tampok ng madrigal ay ang kawalan ng mahigpit na istrukturang canon, ang pangunahing prinsipyo ay ang libreng pagpapahayag ng mga saloobin at damdamin.

Ang mga kompositor tulad ng kinatawan ng Venetian school na Cipriano de Rore at ang kinatawan ng Franco-Flemish na paaralan na si Roland de Lassus (Orlando di Lasso), sa kanilang buhay na malikhaing Italyano, nag-eksperimento sa pagtaas ng chromatism, pagkakaisa, ritmo, texture at iba pang paraan ng pagpapahayag ng musikal. Ang kanilang karanasan ay magpapatuloy at magtatapos sa pamamalakad ni Carlo Gesualdo. Sa panahon ng ikalabing limang siglo, ang mga kompositor ay halos hindi na bumaling sa ganitong genre; ang interes sa kanya ay muling nabuhay noong ika-16 na siglo. Ang isang tampok na katangian ng madrigal na ika-16 siglo ay ang malapit na koneksyon sa pagitan ng musika at tula. Sinusunod ng musika ang teksto, na sumasalamin sa mga kaganapan na inilarawan sa patula na mapagkukunan. Sa paglipas ng panahon, nabuo ang mga kakaibang melodic na simbolo, na nagsasaad ng malambot na mga buntong-hininga, luha, atbp Sa mga gawa ng ilang mga kompositor, ang simbolismo ay pilosopiko, halimbawa, sa madrigalong Gesualdo di Venosa na "Namatay ako, hindi nasisiyahan" (1611). Ang heyday ng genre ay bumagsak sa pagliko ng XVI-XVII siglo. Minsan, sabay-sabay sa pagganap ng kanta, ang balangkas nito ay nilaro. Si Madrigal ay naging batayan ng madrigal comedy (komposisyon ng koro batay sa teksto ng isang paglalaro ng komedya), na naghanda ng hitsura ng opera.

1.3.1 Roman polyphonic school

Giovanni de Palestrina (1525-1594). Ang pinuno ng paaralan ng Roma ay si Giovanni Pierluigi da Palestrina, isa sa mga pinakadakilang kompositor ng Renaissance. Ipinanganak siya sa lungsod ng Italya ng Palestrina, sa pamamagitan ng pangalan na natanggap niya ang apelyido. Mula noong pagkabata, kumanta si Palestrina sa koro ng simbahan, at sa pag-abot sa pagtanda, inanyayahan siya sa post ng conductor (pinuno ng koro) sa Basilica ni San Pedro; kalaunan ay nagsilbi siya sa Sistine Chapel (ang kapilya ng korte ng Papa).

Ang Roma, ang sentro ng Katolisismo, ay nakakaakit ng maraming nangungunang musikero. Sa iba't ibang oras Dutch masters, ang mga polyphonists na Guillaume Dufay at Josquin Despres ay nagtrabaho dito. Ang kanilang nabuo na pamamaraan ng pag-compose minsan ay nakagambala sa pang-unawa sa teksto ng banal na serbisyo: nawala ito sa likod ng katangi-tanging interweaving ng mga tinig at ang mga salita, sa katunayan, ay hindi marinig. Samakatuwid, ang mga awtoridad ng simbahan ay nag-iingat sa mga ganyang gawa at isinulong ang pagbabalik ng monopolyo batay sa mga chorian ni Gregorian. Ang tanong ng pinahihintulutan ng polyphony sa musika ng simbahan ay tinalakay kahit na sa Council of Trent ng Simbahang Katoliko (1545-1563). Malapit sa Papa, kinumbinse ng Palestrina ang mga pinuno ng Simbahan ng posibilidad na lumikha ng mga gawa kung saan ang pamamaraan ng compositional ay hindi makagambala sa pag-unawa sa teksto. Bilang patunay, isinama niya ang Misa ni Pope Marcello (1555), na pinagsasama ang kumplikadong polyphony na may malinaw at nagpapahayag na tunog ng bawat salita. Kaya, ang musikero na "nai-save" na propesyonal na musikang polyphonic mula sa pag-uusig sa mga awtoridad ng simbahan. Noong 1577, inanyayahan ang kompositor na talakayin ang unti-unting reporma - isang koleksyon ng mga sagradong chants ng Simbahang Katoliko. Noong 80s. Ang Palestrina ay naorden, at noong 1584 ay naging miyembro ng Lipunan ng Masters of Music - isang samahan ng mga musikero na direktang nasasakop sa Santo Papa.

Ang pagkamalikhain ng Palestrina ay natamo ng isang maliwanag na saloobin. Ang mga gawa na nilikha niya ay namangha ang kanyang mga kapanahon na may pinakamataas na kasanayan at ang bilang (higit sa isang daang masa, tatlong daang motet, isang daang madrigal). Ang pagiging kumplikado ng musika ay hindi naging isang hadlang sa pang-unawa nito. Alam ng kompositor kung paano makahanap ng isang gitnang lupa sa pagitan ng pagiging sopistikado ng mga komposisyon at ang kanilang pag-access sa nakikinig. Nakita ng Palestrina ang pangunahing gawain ng malikhaing sa pagbuo ng isang mahalagang gawain. Ang bawat tinig sa kanyang mga chants ay bubuo nang nakapag-iisa, ngunit sa parehong oras ay bumubuo ng isang solong buo kasama ang natitira, at madalas ang mga tinig ay nagdaragdag ng kamangha-manghang magagandang kumbinasyon ng mga chord. Kadalasan ang himig ng itaas na boses ay lumalakad sa iba pa, na binabalangkas ang "simboryo" ng polyphony; lahat ng boses ay likido at binuo.

Ang sining ng Giovanni da Palestrina ay itinuturing na halimbawa, klasikal ng mga musikero ng susunod na henerasyon. Maraming mga natitirang kompositor ng ika-17 na ika-18 siglo ang nag-aral sa kanyang mga gawa.

1.3.2 Paaralang Venetian

Ang isa pang direksyon ng musika ng Renaissance ay nauugnay sa gawain ng mga kompositor ng paaralan ng Venetian, ang tagapagtatag ng kung saan ay si Adrian Villart (circa 1485-1562). Ang kanyang mga mag-aaral ay ang organista at kompositor na si Andrea Gabrieli (sa pagitan ng 1500 at 1520 - pagkatapos ng 1586), ang kompositor na si Ricoian de Pope (1515 o 1516-1565) at iba pang mga musikero. Habang ang mga gawa ng Palestrina ay nailalarawan sa pamamagitan ng kaliwanagan at mahigpit na pagpigil, si Willart at ang kanyang mga tagasunod ay nakabuo ng isang malago na istilo ng koro. Upang makamit ang tunog ng paligid, naglalaro ng mga timbres, ginamit nila ang ilang mga koro sa kanilang mga komposisyon, na matatagpuan sa iba't ibang mga lugar ng templo. Ang paggamit ng mga tawag sa roll sa pagitan ng mga koro ay naging posible upang punan ang puwang ng simbahan ng mga hindi pa naganap na epekto. Ang diskarte na ito ay sumasalamin sa parehong mga makataong mga mithiin ng panahon bilang isang buo - kasama ang kasiyahan, kalayaan, at ang tradisyon ng artistikong Venetian mismo - kasama ang pagsusumikap para sa lahat ng maliwanag at hindi pangkaraniwang. Sa mga gawa ng mga panginoon ng Venetian, ang wikang pangmusika ay naging mas kumplikado: napuno ito ng mga naka-bold na kumbinasyon ng mga chord, hindi inaasahang mga pagkasira.

Ang isang kilalang figure ng Renaissance ay si Carlo Gesualdo di Venosa (circa 1560-1613), prinsipe ng lungsod ng Venosa, isa sa mga pinakadakilang masters ng sekular na madrigal. Nakakuha siya ng katanyagan bilang isang pilantropo, tagapaghugas ng liriko, tagagawa. Si Prince Gesualdo ay magkaibigan sa makatang Italyano na si Torquato Tasso; mayroon pa ring kagiliw-giliw na mga titik kung saan tinalakay ng parehong artista ang mga isyu ng panitikan, musika, masining na sining. Marami sa mga tula ni Tasso Gesualdo di Venosa ay naitakda sa musika - ito ay kung paano lumitaw ang isang bilang ng mga lubos na artistikong madrigal. Bilang isang kinatawan ng huli na Renaissance, ang kompositor ay bumuo ng isang bagong uri ng madrigal, kung saan ang mga damdamin ay nasa unang lugar - marahas at hindi nahulaan. Samakatuwid, ang kanyang mga gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga pagbabago sa dami, intonasyon, na katulad ng mga buntong-hininga at kahit na mga hikbi, matunog na tunog na mga chord, magkakaibang mga pagbabago sa tempo. Ang mga pamamaraan na ito ay nagbigay ng musika ni Gesualdo ng isang nagpapahayag, medyo kakaibang karakter, namangha ito at sa parehong oras ay nakakaakit ng mga kontemporaryo. Ang pamana ni Gesualdo di Venosa ay binubuo ng pitong koleksyon ng mga polyphonic madrigals; kabilang sa mga gawaing espiritwal - "Banal na Chants". Ang kanyang musika ngayon ay hindi iniwan ang nakikinig sa walang pakialam.

1.4 Inglatera

Ang buhay ng kultura ng Inglatera sa panahon ng Renaissance ay malapit na nauugnay sa Repormasyon. Noong ika-16 siglo, kumalat ang Protestantismo sa buong bansa. Ang Simbahang Katoliko ay nawala ang nangingibabaw na posisyon, ang Anglican Church ay naging estado ng isa, na tumanggi na kilalanin ang ilang mga dogmas (pangunahing mga probisyon) ng Katolisismo; ang karamihan sa mga monasteryo ay tumigil na. Naimpluwensyahan ng mga kaganapang ito ang kulturang Ingles, kabilang ang musika.

Ang Renaissance English museo ng sining ay nadama mismo sa unang kalahati ng ika-15 siglo, na isinulong ang natatanging malikhaing personalidad ni John Dunstable, na gumawa ng isang malakas na impression sa kontinente. Ang gawain ni Dunstable ay isang mahalagang link sa pagitan ng musika ng Middle Ages at ang polyphony ng Renaissance. Ang pangkalahatang kinikilalang makasaysayang papel ng kanyang mga gawa para sa pag-unlad ng polyphony sa Kanlurang Europa ay tinukoy din ng makabuluhang tradisyon ng polyphony (nabuo sa medyebal na England), na minana at binuo ng Dunstable. Bilang karagdagan sa kanya, noong ika-15 siglo, ang mga pangalan ng maraming kompositor ng Ingles ay kilala na lumikha ng mga moteta, mga bahagi ng masa, kung minsan ay mga chansons at ballads. Ang ilan sa kanila ay nagtrabaho sa kontinente, ang ilan ay bahagi ng kapilya ng Duke ng Burgundy. Sa mga ito, nagmamay-ari ng Lionel Power ang isa sa mga unang Mass sa England - kasama ang Dunstable Mass. Ang kanilang mga kapanahon ay sina J. Bedingham, Forest, J. Benet, R. Morton. Sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo J. Banaster, W. Lambeau, R. Davi, W. Fry ay aktibo. Karamihan sa kanila ay mga mang-aawit sa mga kapilya at nagsulat ng maraming musika sa simbahan. Parehong sa pagpili ng mga pangunahing genre at sa pare-pareho na pag-unlad ng polyphonic kasanayan, higit sa lahat sila ay pinagsama sa paaralan ng Dutch, na, sa baylo, ay walang utang na halimbawa sa estilo ng Dunstable sa sariling kapanganakan.

Sa ika-16 na siglo, ang musikal na sining ng England ay umabot sa isang makabuluhang pagkakaiba-iba. Kasabay ng mga tradisyunal na anyo ng musika ng Katoliko at mga espiritwal na motet sa mga teksto sa Latin, ang mga salmo ng monophonic sa Ingles ay nasulat na mula pa noong kalagitnaan ng siglo - isang katangian na kababalaghan ng Repormasyon. Nagtataka ang parehong John Merbek (circa 1510-1585), na lumikha ng mga Latin motets sa serbisyo ng Obispo ng Winchester, na inilathala noong 1549 ang unang koleksyon ng mga salmo sa mga teksto sa Ingles. Kasama niya sa unang kalahati ng siglo ay kumilos ang mga polyphonist ng Ingles, ang mga may-akda ng malalaking porma na John Taverner, John Redford, Nicolae Ludford; ang buhay ng malikhaing Christopher Thay, Thomas Tallis, Robert White ay tumagal nang kaunti.

Kasabay nito, ang mga humanistic na pundasyon ng bagong panahon na humantong sa ika-16 na siglo ng England sa unang mataas na pamumulaklak ng sekular na sining ng musikal, kapwa sa mga pormang tinig at instrumento. Ang mga bagong henerasyon ng Ingles na kompositor na gumanap sa huling quarter ng ika-16 na siglo at nakuha ang mga unang dekada ng ika-17 siglo ay nilikha ang paaralan ng mga madrigalist ng Ingles. At inilatag din nila ang pundasyon para sa isang bagong larangan ng instrumental na musika - mga piraso para sa birhen (isang uri ng harpsichord), na naging laganap na noong ika-17 siglo.

Ang mga may-akdang Ingles ng mga madrigalong William Bird (1543 o 1544-1623), Thomas Morley (1557-1603), John Wilby (1574-1638) at iba pa sa una ay umasa sa ilang sukat sa mga modernong modelo ng Italya (madrigal, tulad ng alam mo, nagmula sa Italya. ), lalo na sa Marenzio, ngunit pagkatapos ay natuklasan nila ang kanilang pagka-orihinal - kung hindi sa interpretasyon ng genre, kung gayon sa likas na katangian ng polyphony. Ang pagkakaroon ng arisen sa huli na yugto sa pag-unlad ng polyphony, sa pinakadulo na punto patungo sa bagong istilo ng ika-17 siglo, ang madrigal ng Ingles ay mas simple sa mga tuntunin ng polyphony texture kaysa sa Italyano, mas homophonic, kung minsan kahit na maindayog na mga tampok ng sayaw. Hindi tulad ng panahon ni Dunstable, ang Ingles na polyphonic school sa pagtatapos ng ika-16 na siglo ay higit sa lahat ng pambansang interes (ang mga tradisyon ay ipinasa sa ika-17 siglo at naabot ang Purcell), ngunit, paglipat ng sarili nitong paraan, hindi na ito nakakaapekto sa epekto ng musikal na sining ng Kanlurang Europa.

Kinakailangan din na tandaan ang makabuluhang papel ng musika sa English teatro ng Renaissance. Ang tungkulin na ito ay tiyak sa oras nito: sa Inglatera nang mahabang panahon ay walang mga kinakailangan para sa paglitaw ng isang opera, at wala pang naghanda nito. Tumunog ang musika sa teatro ng drama lalo na bilang isang kababalaghan sa pang-araw-araw na buhay (ngunit hindi bilang isang panloob na dramatikong sangkap), ngunit sa genre ng "mga maskara" lumahok ito sa mga kahanga-hangang pagtatanghal sa palasyo ng hari, pagsasama-sama ng mga kamangha-manghang epekto, mga eksena ng ballet, mga boses ng boses at instrumental, at poetic na teksto.

Sa mga pag-play ni Shakespeare, sa takbo ng aksyon, ang mga tanyag na himig sa ilang mga salita o sayawan na kilalang kilala noon, tulad ng galliard, ay madalas na tinawag. Ang musika ay naging para sa kanya ng background ng pagkilos, isang uri ng "kapaligiran", na nagdala sa ilang mga psychological nuances, na ang dahilan kung bakit hindi na kailangan ng Shakespeare kaysa sa mga genre ng pang-araw-araw na buhay.

Kasabay nito, ang mga kagawaran ng musika ay binuksan sa mga unibersidad sa Oxford at Cambridge.

1.5 Alemanya

Sa siglo XVI. sa Alemanya ay mayroon nang isang mayaman na alamat, lalo na ang boses. Tumunog ang musika kahit saan: sa mga pagdiriwang, sa simbahan, sa mga kaganapan sa lipunan at sa isang kamping militar. Ang Digmaang Magsasaka at ang Repormasyon ay nagdulot ng isang bagong pag-aalsa sa mga katutubong kanta. Maraming nagpapahayag ng mga himno ng Lutheran, ang akda na hindi alam. Ang pagkanta sa korporasyon ay naging isang mahalagang anyo ng pagsamba sa Lutheran. Naimpluwensyahan ng chant ng Protestante ang pag-unlad ng lahat ng musika sa Europa. Ngunit una sa lahat, sa pagiging musikal ng mga Aleman mismo, na ngayon ay itinuturing na ang edukasyon sa musika ay hindi mas mahalaga kaysa sa likas na agham - kung hindi, paano makilahok sa isang polyphonic choir?

Ang iba't ibang mga pormang pangmusika sa Alemanya noong ika-16 siglo. kamangha-manghang: mga ballet at mga opera ay itinanghal sa Shrovetide. Imposibleng hindi banggitin ang mga pangalan tulad ni K. Paumann, P. Hofheimer. Ito ang mga kompositor na bumubuo ng sekular at musika sa simbahan, lalo na para sa organ. Sinamahan sila ng pambihirang kompositor ng Franco-Flemish, kinatawan ng Dutch school na si O. Lasso. Nagtrabaho siya sa maraming mga bansa sa Europa. Pangkalahatan at makabagong nabuo ang mga nakamit ng iba't ibang mga European musikal na paaralan ng Renaissance. Master ng kulto at sekular na musika ng koro (higit sa 2000 na mga komposisyon.).

Ngunit ang totoong rebolusyon sa musikang Aleman ay ginawa ni Heinrich Schütz (1585-1672), tagapista, conductor, organista, guro. Ang nagtatag ng pambansang paaralan ng komposisyon, ang pinakamalaking sa mga nauna sa I.S. Bach. Isinulat ni Schütz ang unang opera ng Aleman na si Daphne (1627), ang opera-ballet na Orpheus at Eurydice (1638); madrigals, espirituwal na komposisyon ng cantata-oratorio ("hilig", konsiyerto, moteta, salmo, atbp.).

Ang nagtatag ng kilusang Repormasyon na si Martin Luther (1483-1546) ay naniniwala na kailangan ang isang reporma sa musika ng simbahan. Una, ang musika ay dapat magsulong ng mas aktibong pakikilahok ng mga parishioner sa pagsamba (imposible kapag nagsasagawa ng mga komposisyon ng polyphonic), at pangalawa, dapat itong makabuo ng empatiya para sa mga kaganapan sa bibliya (na hinadlangan ng pagsasagawa ng serbisyo sa Latin). Kaya, ang mga sumusunod na kinakailangan ay ipinataw sa pag-awit ng simbahan: pagiging simple at kaliwanagan ng melody, kahit na ritmo, malinaw na anyo ng chanting. Sa batayan na ito, lumitaw ang Protestant na chant - ang pangunahing uri ng musika ng simbahan ng Renaissance ng Aleman. Noong 1522, isinalin ni Luther ang Bagong Tipan sa Aleman, at ngayon posible na magsagawa ng mga serbisyo sa kanilang sariling wika.

Si Luther mismo at ang kanyang kaibigan, ang teoristang musika ng Aleman na si Johann Walter (1490-1570), ay kumuha ng isang aktibong bahagi sa pagpili ng mga melodies para sa mga chorales. Ang mga pangunahing mapagkukunan ng mga tulad na melodies ay mga katutubong espirituwal at sekular na mga kanta - malawak na kilala at madaling maunawaan. Pinagsama ni Luther ang mga melodies para sa ilan sa mga chorales mismo. Ang isa sa kanila, "Ang Panginoon ang ating suporta," ay naging isang simbolo ng Repormasyon sa mga digmaang pang-relihiyon noong ika-16 na siglo.

1.6 Spain

Sa loob ng mahabang panahon, ang musika ng Espanya ay nasa ilalim ng impluwensya ng simbahan, kung saan nagalit ang reaksyon ng pyudal-Katoliko. Hindi mahalaga kung gaano katindi ang pag-aalsa ng kontra-repormasyon sa musika, hindi naging matagumpay ang papado sa pagpapanumbalik ng dati nitong mga posisyon. Ang pagtatatag ng mga relasyon sa burges ay nagdidikta ng mga bagong utos.

Sa Espanya, ang mga palatandaan ng Renaissance ay malinaw na naipakita noong ika-16 na siglo, at ang mga kinakailangan para dito, tila, ay bumangon kahit na mas maaga. Napag-alaman na noong ika-15 siglo ay may matagal at matibay na ugnayan sa musika sa pagitan ng Espanya at Italya, sa pagitan ng mga kapilya ng Espanya at ng mga mang-aawit na komposisyon na bahagi ng mga ito - at ang kapilya kapilya sa Roma, pati na rin ang mga kapilya ng Duke ng Burgundy at Duke ng Sforza sa Milan, hindi sa kabilang banda Mga sentro ng musika sa Europa. Mula noong pagtatapos ng ika-15 siglo, tulad ng alam mo, salamat sa isang hanay ng mga kundisyon sa kasaysayan (ang pagtatapos ng reconquest, ang pagtuklas ng Amerika, ang mga bagong dinamikong relasyon sa loob ng Europa), nagkamit ng napakalakas na lakas sa Kanlurang Europa, habang nananatili sa parehong oras ng isang konserbatibong Katolikong estado at nagpapakita ng malaking agresibo sa ang pag-agaw ng mga dayuhang teritoryo (na naranasan ng Italya nang buong sukat). Ang pinakamalaking musikero ng Espanya noong ika-16 na siglo, tulad ng dati, ay nasa paglilingkod sa simbahan. Pagkatapos ay hindi nila maiwasang makaranas ng epekto ng paaralan ng polyphonic ng Dutch sa itinatag nitong mga tradisyon. Nasasabi na ang mga natatanging kinatawan ng paaralang ito ay bumisita sa Espanya nang higit sa isang beses. Sa kabilang banda, ang mga masters ng Espanya, na may ilang mga pagbubukod, ay palaging nakikipagpulong sa mga kompositor ng Italyano at Dutch nang umalis sila sa Espanya at nagtrabaho sa Roma.

Halos lahat ng mga pangunahing musikero ng Espanya maaga o huli ay pumasok sa kapilya kapilya at lumahok sa mga aktibidad nito, sa gayon ay mas mahigpit na kinukilala ang ugat na tradisyon ng mahigpit na polyphony sa ekspresyong orthodox nito. Ang pinakamalaking kompositor ng Espanyol na si Cristobal de Morales (1500 o 1512-1553), niluwalhati sa labas ng kanyang bansa, noong 1535-1545 ay nasa papal kapilya sa Roma, pagkatapos nito pinamunuan ang metrisa sa Toledo, at pagkatapos ay ang kapilya ng katedral sa Malaga.

Si Morales ay isang pangunahing polyphonist, may-akda ng masa, motet, himno at iba pang tinig, pangunahin ang mga gawaing choral. Ang direksyon ng kanyang trabaho ay batay sa synthesis ng katutubong tradisyon ng mga Espanyol at ang polyphonic na kasanayan ng mga Dutch at Italiano noong panahong iyon. Sa loob ng maraming taon (1565-1594) nanirahan at nagtrabaho sa Roma, ang pinakamagandang kinatawan ng susunod na henerasyon ng mga masters ng Espanya, si Thomas Luis de Victoria (c. 1548-1611), na ayon sa kaugalian, ngunit hindi masyadong tumpak, na naugnay sa paaralan ng Palestinian. Ang kompositor, mang-aawit, organista, bandmaster, lumikha ng Victoria, masa, motet, salmo at iba pang sagradong komposisyon sa mahigpit na istilo ng isang cappella polyphony, mas malapit sa Palestrina kaysa sa Dutch, ngunit hindi pa rin katulad ng Palestrinos - ang master ng Espanya ay hindi gaanong mahigpit na pagpigil at higit pa expression. Bilang karagdagan, sa kalaunan ay gumagana ang Victoria, mayroon ding isang pagsusumikap na sirain ang "tradisyon ng Palestinian" na pabor sa polychorus, pagkakasama, mga kaibahan ng timbre at iba pang mga makabagong na nagmula sa higit sa paaralan ng Venetian.

Ang iba pang mga kompositor ng Espanya, na pangunahing nagtrabaho sa larangan ng sagradong musika, ay nangyari rin na pansamantalang mang-aawit ng kapilya kapilya sa Roma. Noong 1513-1523 A. de Ribera ay isang miyembro ng kapilya, mula 1536 B. Si Escobedo ay isang mang-aawit doon, noong 1507-1539 - X. Eskribano, isang maliit na kalaunan - M. Robledo. Lahat sila ay nagsulat ng sagradong musika ng polyphonic sa isang mahigpit na istilo. Tanging si Francisco Guerrero (1528-1599) ang laging nanirahan at nagtrabaho sa Espanya. Gayunpaman, ang kanyang masa, moteta, mga kanta ay nasisiyahan sa tagumpay sa labas ng bansa pati na rin, madalas na nakakaakit ng pansin ng mga luteist at vihuelists bilang materyal para sa mga nakatutulong na pagbagay.

Sa sekular na mga genre ng boses, ang pinakalat ay noon sa Espanya ang villancio-genus ng polyphonic song, kung minsan medyo mas polyphonic, kung gayon, mas madalas, gravitating patungo sa homophony, na may mga pinagmulan na nauugnay sa pang-araw-araw na buhay, ngunit sumasailalim sa propesyonal na pag-unlad. Gayunpaman, ang isa ay dapat na magsalita tungkol sa kakanyahan ng genre na ito nang hindi tinatanggal ito mula sa instrumental na musika. Villancio ng ika-16 siglo - madalas na isang kanta sa vihuela o sa lute, ang paglikha ng isang pangunahing tagapalabas at tagagawa para sa kanyang napiling instrumento.

At sa hindi mabilang na mga Villancios, at sa pangkalahatan sa pang-araw-araw na musika ng Espanya, ang pambansang melodismo ay hindi pangkaraniwang mayaman at katangian - isang uri, na nagpapanatili ng mga pagkakaiba-iba nito mula sa Italyano, Pranses, at higit pa sa mga Aleman, melodies. Ang mga melodyong Espanyol ay nagdala ng katangian na ito ng sarili nitong mga siglo, na umaakit sa atensyon hindi lamang pambansa, kundi pati na rin ang mga banyagang kompositor hanggang sa ating panahon. Hindi lamang ang kakaibang istraktura ng intonasyon, ngunit ang ritmo nito ay malalim na kakaiba, ang ornamentation at improvisational na paraan ay orihinal, at ang koneksyon sa mga paggalaw ng sayaw ay napakalakas. Sa nabanggit na malawak na akda ng Francisco de Salinas na "Pitong Aklat sa Musika" (1577), maraming mga melodies ng Castilian na nakakaakit ng atensyon ng natutunan na musikero lalo na mula sa kanilang ritmo. Ang mga maikling fragment na melodic na ito, kung minsan ay sumasakop lamang sa ikatlong saklaw, ay nakakagulat na nakakainteres sa kanilang mga ritmo: madalas na pag-syncopation sa iba't ibang mga konteksto, matalim na pagkagambala sa ritmo, kumpleto na kawalan ng elementong aktibidad ng motor, sa pangkalahatang pare-pareho ang aktibidad ng maindayog na pakiramdam, walang pagkawalang-galaw! Ang parehong mga katangian ay kinuha mula sa katutubong tradisyon ng sekular na mga tinig na genre, higit sa lahat ng Villancio at iba pang mga lahi ng awit ng vihuela.

Ang mga instrumental na genre sa Espanya ay malawak at nakapag-iisa na kinakatawan ng gawain ng mga kompositor ng organista na pinamumunuan ng pinakamalaki sa kanila na si Antonio de Cabezon (1510-1566), pati na rin ang isang buong kalawakan ng mga napakatalino na vihuelist na may maraming mga gawa, na bahagyang nauugnay sa mga vocal melodies ng iba't ibang mga pinagmulan (mula sa mga katutubong kanta at sumayaw sa mga ispiritwal na komposisyon). Kami ay partikular na babalik sa kanila sa kabanata tungkol sa instrumento ng musika ng Renaissance, upang matukoy ang kanilang lugar sa pangkalahatang pag-unlad nito.

Ang mga unang yugto sa kasaysayan ng teatro ng musikal na Espanyol ay nag-date din noong ika-16 na siglo, na nagmula sa pagtatapos ng nakaraang siglo sa inisyatibo ng makata at kompositor na si Juan del Ensina at umiiral nang mahabang panahon bilang isang teatro ng drama na may malaking pakikilahok ng musika sa mga espesyal na idinisenyo na mga lokasyon.

Sa wakas, ang aktibidad ng scholar ng mga musikero ng Espanya ay nararapat pansin, kung saan nasuri na si Ramis di Pareja para sa pag-unlad ng kanyang mga teoretikal na pananaw at Francisco Salinas para sa kanyang natatanging pagsasaalang-alang sa mga katutubong alamat sa Espanya sa oras na iyon. Banggitin din natin ang maraming mga teoristang Espanyol na nakatuon sa kanilang gawain sa mga katanungan ng pagganap sa iba't ibang mga instrumento. Ang kompositor, tagapalabas (sa violon - bass viola da gamba), bandmaster na si Diego Ortiz ay inilathala sa Roma ang kanyang Treatise on Gloss 1553), kung saan pinatunayan niya nang detalyado ang mga patakaran ng hindi naisip na pagkakaiba-iba sa ensemble (violone at harpsichord). Inilathala ni Maria sa Valladolid ang treatise na "The Art of Paglalaro ng Pantasya" (1565) - isang pagtatangka na pamamaraan na gawing pangkalahatan ang karanasan ng improvisasyon sa organ: Juan Bermudo, na naglabas ng kanyang "Pahayag sa Musical Instruments" (1555) sa Grenada, na sakop dito, bilang karagdagan sa impormasyon tungkol sa mga instrumento at paglalaro ang mga ito, ang ilang mga katanungan ng pagsulat ng musikal (tumutol siya, lalo na, sa labis na pagkarga ng polyphony).

Sa gayon, ang musikal na sining ng Espanya sa kabuuan (kasama ang teorya nito) ay walang alinlangan na naranasan ang Renaissance nito noong ika-16 na siglo, na inilalantad ang kapwa tiyak na kaibigang pansining sa ibang mga bansa sa yugtong ito, at mga makabuluhang pagkakaiba dahil sa makasaysayang tradisyon at sosyal na moderno ng Espanya mismo.

2. Mga estetika sa Musikal

2.1 Pag-unlad ng mga genre at anyo ng musikang pang-musika

renaissance music opera meistersinger

Utang namin ang Renaissance ang pagbuo ng instrumental na musika bilang isang malayang form ng sining. Sa oras na ito, lumitaw ang isang bilang ng mga instrumental na piraso, pagkakaiba-iba, preludes, fantasies, rondo, toccatas. Ang violin, harpsichord, organ ay unti-unting naging mga instrumento sa solo. Ang musika na isinulat para sa kanila ay posible upang ipakita ang talento hindi lamang para sa kompositor, kundi pati na rin para sa tagapalabas. Ang pangunahing pinahahalagahan ay ang kabanalan (ang kakayahang makayanan ang mga paghihirap sa teknikal), na unti-unting natapos sa sarili nito para sa maraming mga musikero at isang masining na halaga. Ang mga kompositor ng ika-17 na ika-18 siglo ay karaniwang hindi lamang binubuo ng musika, ngunit pinatugtog din nang mahusay ang mga instrumento at nakikibahagi sa pagtuturo. Ang kagalingan ng artist na higit sa lahat ay nakasalalay sa tiyak na kliyente. Bilang isang patakaran, ang bawat malubhang musikero ay humingi ng isang lugar sa korte ng isang monarko o isang mayaman na aristocrat (maraming mga miyembro ng maharlika ay may sariling orkestra o mga bahay ng opera), o sa isang templo. Bukod dito, ang karamihan sa mga kompositor ay madaling pinagsama ang paggawa ng musika sa simbahan sa paglilingkod sa isang sekular na patron.

Ang karakter ng maraming mga gawaing boses sa ika-14 na ika-15 siglo ng mga kompositor ng Italyano at Pranses ay mas nakatutulong kaysa sa tinig (sa mga tuntunin ng saklaw, karakter ng nangunguna sa boses, ugnayan sa pandiwang teksto o ang kawalan ng mga naka-sign na salita). Nalalapat ito nang lubos sa Italian kachche Ars nova, sa isang bilang ng mga gawa ng "transisyonal" na panahon sa Pransya (unang bahagi ng ika-15 siglo). Walang mga direktang indikasyon ng paggamit ng ilang mga instrumento sa notasyon ng musika. Tila, ito ay naiwan sa kalooban ng mga gumaganap depende sa kanilang mga kakayahan, lalo na dahil ang may-akda mismo ay karaniwang kasama nila.

Sa prinsipyo, ang bawat gawaing tinig - bahagi ng isang misa, motet, chanson, frottola, madrigal (maliban sa mga misa na inilaan para sa Sistine Chapel, kung saan hindi pinapayagan ang pakikilahok ng mga instrumento) - sa pagsasagawa ay maaaring isagawa alinman sa pagdoble ng mga bahagi ng boses na may mga instrumento, o bahagyang (isa o dalawang tinig) lamang sa mga instrumento, o buo sa isang organ o isang pangkat ng mga instrumento. Ito ay mahalagang hindi isang matatag na uri ng pagganap, lalo na ang proseso ng pagpapakilala ng mga instrumento sa polyphony, tinig ng pinagmulan. Ito ay kung paano, halimbawa, ang "organo ng masa" ay lumitaw - isang intermediate, transitional phenomenon. Sa mga compositions na kung saan ang itaas na tinig ay tumukoy sa kahalagahan nito (tulad ng madalas na kaso kay Dufay o Benshua), ang paggamit ng mga instrumento ay malamang na nauugnay sa mga tinig na "kasama" ang melody o may isang harmonic bass. Ngunit sa "pagkakahanay" ng mga bahagi sa lalo na binuo polyphony ng Dutch na paaralan, maaaring ipalagay ng isa (halimbawa, sa chanson) ang anumang ratio ng mga puwersa ng boses at instrumento hanggang sa pagganap ng buong piraso ng isang pangkat ng mga instrumento. Sa kasong ito, dapat tandaan ng isa ang ilan pang mga partikular na posibilidad na hindi naitala sa notasyon ng musika. Ito ay kilala na sa organ, halimbawa, na sa ika-15 siglo, nakaranas ng mga bida, kapag pinoproseso ang isang kanta, "may kulay" (pinalamutian) ang himig. Marahil ang instrumentalista, kasama ang isa o isa pang pakikilahok sa pagganap ng vocal music, ay maaari ring magpakilala ng mga improvised na dekorasyon sa kanyang bahagi, na lalong natural kung ang mismong may-akda ay nakaupo sa organ. Matapos ang lahat ng ito, hindi kataka-taka na noong ika-16 na siglo, nang ang hugis ng mga instrumental na genre, ang mga polyphonic na gawa na may tawag na "per cantare o sonare" ("para sa pag-awit o paglalaro") ay madalas na lumitaw. Iyon ay sa wakas buong pagtanggap ng umiiral na kasanayan!

Sa pang-araw-araw na musika, lalo na sa mga sayaw, kung hindi sila pumupunta sa kanta (sa Espanya, may mga madalas na pagsasama-sama ng kanta at sayaw), ang mga instrumento ay nanatili, kaya't nagsasalita, nang walang mga tinig na mga sample, ngunit konektado sa pamamagitan ng genre na batayan ng bawat sayaw, ritmo, at uri ng paggalaw. Ang syncretism ng ganitong uri ng sining ay pinipilit pa rin.

Mula sa pangkalahatang masa ng hindi mahahantad na mga hindi pangkaraniwang bagay, mula sa kasanayan na hindi makikita sa notasyong pangmusika, mula sa matagal na proseso ng paglalagay ng asimilasyon ng mga alituntunin sa tinig at instrumento, ang pag-unlad ng mga nakatutuwang genres na wastong nagsimula sa paglipas ng panahon. Ito ay halos hindi na nabalangkas noong ika-15 siglo, naging napansin sa buong ika-16, ang landas patungo sa kalayaan ay pa rin mahaba, at sa ilang mga porma lamang (improvisasyon) ay ginawa ang instrumentalismong pagsulat ng musika. Sa pinakaunang mga yugto ng landas ng instrumental na musika sa pagpapasiya sa sarili, dalawang lugar ng genre ang nakilala sa kanilang sariling mga ugat na katangian. Ang isa sa mga ito ay pangunahing nauugnay sa polyphonic, "akademikong" tradisyon, na may malalaking porma. Ang iba pa ay batay sa tradisyon ng pang-araw-araw na musika, awit at sayaw. Ang una ay kinakatawan ng pangunahin ng mga komposisyon para sa organ, ang pangalawa - pangunahin ng lute repertoire. Walang malalabi na linya sa pagitan nila. Maaari lamang nating pag-usapan ang tungkol sa namamayani ng ilang mga tradisyon, ngunit may malinaw na mga punto ng pakikipag-ugnay. Sa gayon, sa mga gawa para sa lute, ang mga aparato ng polyphonic ay hindi ibinukod, at ang mga pagkakaiba-iba sa mga kanta sa lalong madaling panahon ay lumilitaw sa musika ng musika. Sa parehong mga instrumento, ang pagbuo ng mga improvisational form ay nagsisimula, kung saan ang pagiging tiyak ng instrumento na ito ay lumilitaw nang malinaw - na may halos kumpletong kalayaan mula sa mga tinig na halimbawa. Ang mga tila katamtamang tagumpay ng instrumentalism ay nakamit pagkatapos ng isang mahabang paghahanda, na naganap nang tiyak sa Renaissance at nakaugat sa napaka-musikal na kasanayan sa oras na iyon.

2.2 Mga instrumentong pangmusika ng Renaissance

Sa panahon ng Renaissance, ang komposisyon ng mga instrumento ng musikal na makabuluhang pinalawak, ang mga bagong varieties ay idinagdag sa mayroon nang mga string at hangin. Kabilang sa mga ito, ang isang espesyal na lugar ay inookupahan ng mga viols - isang pamilya ng baluktot na mga string, kapansin-pansin sa kanilang kagandahan at maharlika ng tunog. Sa anyo, kahawig nila ang mga instrumento ng modernong pamilya ng biyolin (violin, viola, cello) at itinuturing kahit na ang kanilang agarang mga nauna (pinagsama nila sa pagsasanay sa musika hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo). Gayunpaman, ang pagkakaiba, at makabuluhan, ay naroroon pa rin. Ang mga Viols ay may isang sistema ng resonating string; bilang isang patakaran, mayroong ilan sa kanila bilang mga pangunahing (anim hanggang pito). Ang mga panginginig ng boses ng mga sumasalamin na mga string ay gumagawa ng tunog ng viola na malambot, makinis, ngunit ang instrumento ay mahirap gamitin sa isang orkestra, dahil mabilis itong nawala sa tono dahil sa malaking bilang ng mga string. Sa loob ng mahabang panahon, ang tunog ng viola ay itinuturing na isang halimbawa ng pagiging sopistikado sa musika. Mayroong tatlong pangunahing uri sa pamilya ng viola. Ang Viola da gamba ay isang malaking instrumento na inilalagay ng patayo at ang clamp mula sa mga gilid sa kanyang mga paa (ang salitang Italya na gamba ay nangangahulugang "tuhod"). Dalawang iba pang mga varieties - viola da braccio (mula sa Italian braccio - "forearm") at paglabag sa d "cupid (fr. Viole d" amour - "viola of love") ay oriented nang pahalang, at kapag nilalaro, sila ay pinindot laban sa balikat. Ang Viola da gamba ay magkatulad sa tunog range sa cello, viola da braccio sa violin, at viola d "cupid to viola. Kabilang sa mga plucked na mga instrumento ng Renaissance, ang lute ay sumasakop sa pangunahing lugar (Polish lutnia, mula sa Arabic" alud "-" puno ") Dumating ito sa Europa mula sa Gitnang Silangan sa pagtatapos ng ika-14 na siglo, at sa pagsisimula ng ika-16 na siglo ay mayroong isang malaking repertoire para sa instrumento na ito; una sa lahat, ang mga kanta ay ginanap sa kasamang lute.Ang lute ay may isang maikling katawan; ang itaas na bahagi ay patag, at ang ibabang bahagi ay kahawig ng isang hemisphere. Ang isang malawak na leeg ay nakadikit sa isang fretboard, na pinaghiwalay ng mga fret, at ang ulo ng instrumento ay baluktot pabalik halos sa tamang mga anggulo. Noong ika-16 na siglo, lumitaw ang iba't ibang uri ng mga keyboard, at ang mga pangunahing uri ng naturang mga instrumento - ang harpsichord, clavichord, harpsichord, harpsichord, virginel - ay aktibong ginamit sa musika ng Renaissance, ngunit ang kanilang tunay na heyday ay dumating sa ibang pagkakataon.

2.3 Ang kapanganakan ng opera (Florentine camerata)

Ang pagtatapos ng panahon ng Renaissance ay minarkahan ng pinakamahalagang kaganapan sa kasaysayan ng musikal - ang kapanganakan ng opera.

Ang isang pangkat ng mga humanista, musikero, makatang natipon sa Florence sa ilalim ng auspice ng kanilang pinuno, na Count Giovani De Bardi (1534-1612). Ang grupo ay tinawag na "Camerata", ang mga pangunahing kasapi nito ay Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (ama ng astronomo na si Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri at Ottavio Rinuccini sa kanilang mga mas bata.

Ang unang dokumentadong pulong ng pangkat ay naganap noong 1573, at ang pinaka-aktibong taon ng trabaho ng "Florentine Camerata" ay 1577-1582.

Katulad na dokumento

Mga natatanging tampok ng musikal na kultura ng Renaissance: ang paglitaw ng mga form ng kanta (madrigal, villancio, frottol) at instrumental na musika, ang paglitaw ng mga bagong genre (solo song, cantata, oratorio, opera). Konsepto at pangunahing uri ng musikal na texture.

abstract, idinagdag 01/18/2012


Vocal, instrumental at vocal-instrumental na musika. Ang mga pangunahing genre at musikal na direksyon ng tinig at musikang pang-musika. Ang katanyagan ng instrumental na uri ng musika sa panahon ng Renaissance. Ang paglitaw ng mga unang performer ng virtuoso.

idinagdag ang pagtatanghal sa 04/29/2014


Mga tampok ng musika ng Russia noong ika-18 siglo. Ang Baroque ay isang panahon kung saan ang mga ideya tungkol sa kung ano ang dapat gawin ng musika, ang mga pormang pangmusika na ito ay hindi nawala sa kanilang kaugnayan ngayon. Mahusay na kinatawan at gawaing pangmusika ng panahon ng Baroque.

abstract, idinagdag 01/14/2010


idinagdag ang cheat sheet noong 11/13/2009


Ang panahon ng Renaissance (Renaissance) bilang heyday ng lahat ng mga uri ng sining at ang apela ng kanilang mga numero sa mga sinaunang tradisyon at anyo. Ang mga batas ng pagkakasuwato na likas sa kulturang musikal ng Renaissance. Ang nangungunang posisyon ng sagradong musika: masa, motet, himno at salmo.

pagsubok, idinagdag 05/28/2010


Musical recording ng Mesopotamia. Ang pangunahing larangan ng aktibidad ng mga propesyonal na mang-aawit at koro sa Egypt sa panahon ng Lumang Kaharian. Ang paggamit ng alpabetong Phoenician sa sinaunang Greece. Choral art ng panahon ng medieval, India at China. Hindi regular na pagpasok.

idinagdag ang pagtatanghal sa 10/06/2015


Sinakop ng musika ang isa sa pinakamahalagang lugar sa sistema ng sining ng sinaunang India. Ang mga pinagmulan nito ay bumalik sa mga ritwal ng katutubong at kulto. Ang mga representasyong kosmolohiko ng Sinaunang India ay humipo sa mga lugar ng tinig at musikang musika. Mga instrumentong pangmusika ng India.

pagsubok, idinagdag 02/15/2010


Ang genre ng musikal bilang isang kasaysayan na binuo uri ng trabaho sa pagkakaisa ng form at nilalaman nito. Ang pangunahing genre sa kontemporaryong musika. Ang kakanyahan ng electronic music, pop genre, rock music, rap. Mga bagong genre ng siglo XXI. Ang pinaka hindi pangkaraniwang mga instrumentong pangmusika.

term paper, idinagdag 12/20/2017


Ang pinagmulan ng musika ng rock, ang mga sentro ng pinagmulan, musikal at ideolohikal na bahagi. Ang musika ng Rock ng 60s, ang paglitaw ng hard music at ang pagtaas ng garahe rock. Alternatibong kulturang musikal. Ang musika ng Rock noong 2000s at ang mga tagalabas sa lahat ng oras.

abstract, naidagdag 01/09/2010


Ang pag-awit ni Znamenny ay isang kasaysayan ng pag-unlad. Makata ng musika at himno. Pagsusulat ng musikal ng Sinaunang Russia. Choral na musika at pagkamalikhain D. Bortnyansky. Ang kasaysayan ng opera ng Russia, mga tampok ng teatro ng pambansang Ruso. Mga malikhaing larawan ng mga kompositor.