Impresyonista cityscape. Ang pinakamagandang pinturang impresyonista na may mga pangalan at larawan

Si Konstantin Alekseevich Korovin ay isang natitirang artista ng Rusya, dekorador, isa sa pinakamalaking artist ng Ruso sa pagliko ng siglo (19-20). Si Korovin ay isang master ng air plein, may-akda ng mga landscapes, mga kuwadro na gawa sa genre, habang buhay pa, mga larawan. Ang artista ay ipinanganak sa Moscow. Nag-aral siya sa St. Petersburg at Moscow, kasama sina Savrasov at Polenov. Si Konstantin Korovin ay isang miyembro ng mga asosasyon: "Association of Traveling Art Exhibitions", "Union of Russian Artists" at "World of Art". Ito ay itinuturing na isa sa mga pinakamaliwanag na kinatawan ng "Russian impressionism".

Sa gawain ng Korovin, makikita ng isang tao ang pagnanais na makamit ang mga synthetic na mga pictorial solution sa pamamagitan ng light and shade modulations, ang pagkakatugma ng mga relasyon sa tonal. Ganito ang "Northern idyll" (1886), "Sa balkonahe. Ang mga Kastila Leonora at Ampara "(1888)," Hammerfest. Northern Lights "(1895) at iba pa. At sa tabi ng mga bagay na may iba't ibang orientation na "Korovin" - isang larawan ng soloist ng Russian Private Opera T.S. cafe ", kung saan sa kauna-unahang pagkakataon sa gawain ni Korovin ang bahagyang nakakaunawa ng nakamamanghang" aroma "ng mismong hangin ng kapital ng Pransya ay napakahabag sa puso.

Ang pangunahing pamamaraan ng Korovin ay ang kakayahang ibahin ang anyo ng pinakasadya at kahit na malinaw na hindi nakakaakit na motibo sa pamamagitan ng tumpak na nakikita at, tulad nito, agad na nakuha ang nilalaman ng kulay sa isang mataas na aesthetic spectacle.

Paris sa mga pintura ni Korovin

Ang pananatili sa Paris sa panahon ng paghahanda ng World Exhibition - ang pananatili na ito ay pangalawa at mas makabuluhan - binuksan ang mga mata ng artista sa kontemporaryong pagpipinta ng Pransya. Pinag-aaralan niya ang mga impresyonista, kaya kaayon ng kanyang mga hangarin, ngunit nananatiling dayuhan sa lahat ng mga kilusang post-impressionist. Noong 1900s, nilikha ni Korovin ang kanyang sikat na serye na "Paris". Hindi tulad ng mga Impressionista, ang kanyang mga pananaw sa Paris ay nakasulat nang mas direkta at emosyonal. Ang mga ito ay pinangungunahan ng hangarin ng panginoon "upang punitin ang kagandahan na kasalukuyang nakapaloob sa tanawin" (ayon kay B. Ioganson, isang mag-aaral ng Korovin).

Hinahanap ng artista ang subtlest transitional at hindi inaasahang mga estado sa buhay ng lungsod - umaga ng Paris, Paris sa hapon, gabi at gabi na lungsod (Paris, Morning, 1906; Paris sa gabi, 1907; Takip-silim sa Paris, 1911). Ang pag-alis ng umaga at panginginig ng ilaw ng sumisikat na araw, lilac twilight na may hindi pa rin ginawang mga berdeng puno at nag-iilaw na ng mga parol, mabulok na density ng madilim na asul na kalangitan at isang maliwanag na lagnat na nagkalat ng gabi ng mga ilaw sa Paris ... Samantala, ito ay humahantong sa isang kamangha-manghang ispiritwalidad, malinis na imahe ng lungsod. Salamat sa pamamaraan ng isang kumplikadong solusyon ng kulay-tonal, sa isang maliit na sket, nakamit niya ang parehong sukdulang pagpapahayag sa antas ng isang malaking natapos na larawan, at ang epekto ng isang kapana-panabik na emosyonal na paglahok ng manonood sa kanyang nakita.

"Nais kong masisiyahan din ang mata ng manonood, tulad ng tainga ng kaluluwa - musika," isang beses sinabi ni Korovin.

Mga larawan ng mga kuwadro na gawa

Paris sa mga pintura ni Korovin

Ang karagdagang pag-unlad ng pagpipinta ng Europa ay nauugnay sa impresyonismo. Ang term na ito ay ipinanganak ng pagkakataon. Ang dahilan ay ang pangalan ng tanawin sa pamamagitan ng C. Monet "Impresyon. Sunrise "(tingnan ang Apendise No. 1, Fig. 3) (mula sa impression ng Pranses - impression), na lumitaw sa eksibisyon ng mga Impressionista noong 1874. Ito ang unang pampublikong hitsura ng isang grupo ng mga artista, na kinabibilangan ng C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro at iba pa, ay binati ng opisyal na kritikal na burgesya na may panlalait na panlalait at panliligalig. Totoo, mula noong pagtatapos ng 1880s, ang pormal na pamamaraan ng kanilang pagpipinta ay kinuha ng mga kinatawan ng sining na pang-akademiko, na binigyan ni Degas ng isang dahilan upang tandaan nang may kapaitan: "Kami ay binaril, ngunit sa parehong oras ay kanilang binulsa ang aming mga bulsa."

Ngayon, kapag ang pinainit na debate tungkol sa impresyonismo ay isang bagay ng nakaraan, bahagya ang sinuman ay mangahas na makipagtalo na ang kilusang Impressionist ay isang karagdagang hakbang sa pagbuo ng makatotohanang pagpipinta ng Europa. "Ang impresyonismo ay, una sa lahat, ang sining ng pagmamasid ng katotohanan, na umabot sa hindi pa naganap na pagpipino" (VN Prokofiev). Nagsusumikap para sa maximum na pagdali at kawastuhan sa paghahatid ng nakikitang mundo, sinimulan nilang ipinta ang pangunahin sa bukas na hangin at itinaas ang kahalagahan ng sketch mula sa kalikasan, na halos inilalaan ang tradisyonal na uri ng pagpipinta, maingat at dahan-dahang nilikha sa studio.

Palaging pinaliwanagan ang kanilang palette, pinalaya ng mga Impressionista ang pagpipinta mula sa makabagbag-damdamin at kayumanggi na barnisan at pintura. Maginoo, "museo" na itim sa kanilang mga canvases ay nagbibigay daan sa isang walang katapusang magkakaibang pag-play ng mga reflexes at kulay na mga anino. Mabilis nilang pinalawak ang mga posibilidad ng masining na sining, na natuklasan hindi lamang ang mundo ng araw, ilaw at hangin, kundi pati na rin ang kagandahan ng mga fog, ang hindi mapakali na kapaligiran ng buhay sa isang malaking lungsod, isang pagkalat ng mga ilaw sa gabi at ang ritmo ng patuloy na paggalaw.

Sa pamamagitan ng kabutihang paraan ng pagtatrabaho sa bukas na hangin, ang tanawin, kasama ang tanawin ng lungsod na kanilang natuklasan, ay kumuha ng isang napakahalagang lugar sa sining ng mga Impressionist. Ang gawain ng pambihirang ika-19 na siglo ng pintor na si Edouard Manet (1832-1883) ay nagpapatotoo kung paano pinagsama ang mga organikong tradisyon at pagbabago sa sining ng mga Impressionista. Totoo, siya mismo ay hindi itinuring ang kanyang sarili na isang kinatawan ng impresyonismo at palaging ipinakita nang hiwalay, ngunit sa ideolohikal at ideolohikal, siya ay walang alinlangan kapwa ang nangunguna at ideolohikal na pinuno ng kilusang ito.

Sa simula ng kanyang karera, si E. Manet ay na-ostracized (panunuya ng lipunan). Sa mga mata ng publiko at kritiko ng burges, ang kanyang sining ay nagiging magkasingkahulugan ng mga pangit, at ang artista mismo ay tinawag na "isang baliw na nagpinta ng isang larawan, nanginginig sa mga delirium na panginginig" (M. de Montifo) (tingnan ang Appendix No. 1, Fig. 4). Tanging ang pinaka-nakikilalang mga kaisipan sa panahon ang nagpahalaga sa talento ni Manet. Kabilang sa mga ito ay si C. Baudelaire at ang batang E. Zola, na nagpahayag na ang "Monsieur Manet ay nakalaan para sa isang lugar sa Louvre."

Ang pinaka-pare-pareho, ngunit din ang malalayong pagpapahayag ng impresyonismo ay natagpuan sa gawain ni Claude Monet (1840-1926). Ang kanyang pangalan ay madalas na nauugnay sa tulad ng mga nakamit ng paraan ng nakalarawan na ito bilang paghahatid ng hindi mailap na mga estado ng transisyonal na pag-iilaw, ang panginginig ng boses ng ilaw at hangin, ang kanilang relasyon sa proseso ng mga walang tigil na pagbabago at pagbabagong-anyo. "Ito, walang alinlangan, ay isang mahusay na tagumpay para sa sining ng Bagong Panahon," sulat ni VN Prokofiev at idinagdag: "Ngunit din ang kanyang huling tagumpay." Hindi sinasadya na si Cezanne, kahit na medyo polemically patalas ang kanyang posisyon, kalaunan ay nagtalo na ang sining ni Monet ay "isang mata lamang."

Maagang gawain ng Monet ay medyo tradisyonal. Naglalaman pa rin sila ng mga figure ng tao, na kalaunan ay parami nang nagiging kawani at unti-unting nawala sa kanyang mga kuwadro na gawa. Noong 1870s, ang impressionistic na paraan ng artist ay sa wakas nabuo, mula ngayon ay ganap niyang inilaan ang kanyang sarili sa tanawin. Dahil sa oras na iyon, halos nagtatrabaho siya sa bukas na hangin. Sa kanyang gawain na ang uri ng isang malaking larawan - isang pag-aaral - sa wakas ay naitatag.

Ang isa sa unang Monet ay nagsisimula upang lumikha ng isang serye ng mga kuwadro na kung saan ang parehong motif ay paulit-ulit sa iba't ibang mga oras ng taon at araw, sa ilalim ng iba't ibang mga kondisyon ng pag-iilaw at mga kondisyon ng panahon (tingnan ang Apendise No. 1, Fig. 5, 6). Hindi lahat ng mga ito ay pantay-pantay, ngunit ang pinakamahusay na mga canvases ng mga seryeng ito ay humanga sa pagiging bago ng mga kulay, kasidhian ng kulay at kasining sa pag-render ng mga epekto sa pag-iilaw.

Sa huli na panahon ng pagkamalikhain sa pagpipinta ng monet tendencies ng pandekorasyon at patagong tumindi. Ang ningning at kadalisayan ng mga kulay ay nagiging kabaligtaran, lumilitaw ang ilang uri ng kaputian. Ang pagsasalita tungkol sa pang-aabuso ng huli na Impressionists tungkol sa "isang light tone na lumiliko ang ilang mga gawa sa isang discolored canvas", sumulat si E. Zola: "At ngayon walang anuman kundi ang plein air ... ang mga spot lamang ang nanatili: ang larawan ay isang lugar lamang, ang mga numero ay mga spot lamang, mga spot lamang" ...

Ang iba pang mga nagpinta ng pintor ay karamihan din sa mga pintor ng landscape. Ang kanilang gawain ay madalas na hindi nararapat na nanatili sa mga anino sa tabi ng tunay na makulay at kamangha-manghang figure ng Monet, bagaman hindi sila mababa sa kanya sa pagiging maingat na makita ang kalikasan at sa nakalarawan na kasanayan. Kabilang sa mga ito, ang mga pangalan nina Alfred Sisley (1839-1899) at Camille Pissarro (1831-1903) ay dapat na binanggit muna. Ang mga gawa ni Sisley, isang Ingles mula sa pinagmulan, ay may isang espesyal na kagandahang nakalarawan. Isang napakatalino na master ng plein air, alam niya kung paano ihatid ang transparent na hangin ng isang malinaw na umaga ng taglamig, isang light haze ng fog na pinainit ng araw, mga ulap na tumatakbo sa buong kalangitan sa isang mahangin na araw. Ang saklaw nito ay nakikilala sa pamamagitan ng kayamanan ng mga kakulay at katapatan ng mga tono. Ang mga tanawin ng artista ay palaging nasisiyahan sa isang malalim na kalooban, na sumasalamin sa kanyang talaga na lyrical na pang-unawa sa kalikasan (tingnan ang Apendise # 1, fig. 7, 8, 9).

Ang mas kumplikado ay ang malikhaing landas ng Pissarro, ang nag-iisang artista na lumahok sa lahat ng walong eksibisyon ng mga Impressionist - tinawag siyang J. patriald na "patriarch" ng kilusang ito. Simula sa mga tanawin na katulad sa pagpipinta sa mga taong Barbizon, siya, sa ilalim ng impluwensya ni Manet at ng kanyang mga batang kaibigan, ay nagsimulang magtrabaho sa bukas na hangin, na patuloy na ipinapakita ang palette. Unti-unting nabubuo ang sariling pamamaraan ng impressionistic. Isa siya sa unang huminto sa paggamit ng itim na pintura. Si Pissarro ay palaging nahilig sa isang diskarte sa analitiko sa pagpipinta, samakatuwid ang kanyang mga eksperimento sa pagbulok ng kulay - "divisionism" at "pointellism". Gayunpaman, hindi nagtagal bumalik siya sa impressionistic paraan kung saan nilikha ang kanyang pinakamahusay na mga gawa - ang kahanga-hangang serye ng mga tanawin ng lungsod ng Paris (tingnan ang Apendise # 1, fig. 10,11,12,13). Ang kanilang komposisyon ay palaging naisip at balanse, ang pagpipinta ay pino sa kulay at mahusay na pamamaraan.

Sa Russia, ang tanawin ng lungsod na may impressionism ay napaliwanagan ni Konstantin Korovin. "Ang Paris ay naging isang pagkabigla sa akin ... ang mga impresyonista ... sa kanila nakita ko kung ano ang nilibutan ko sa Moscow." Si Korovin (1861-1939), kasama ang kanyang kaibigan na si Valentin Serov, ay mga pangunahing pigura ng Impressionismong Ruso. Sa ilalim ng mahusay na impluwensya ng kilusang Pranses, nilikha niya ang kanyang sariling istilo, na pinaghalong ang mga pangunahing elemento ng impresyon ng Pransya kasama ang mga mayaman na kulay ng sining ng Ruso ng panahong iyon (tingnan ang Apendise # 1, fig. 15).

Ang isa sa pinakamalaking mga uso sa sining sa huling mga dekada ng ikalabinsiyam na siglo at unang bahagi ng ikadalawampu siglo ay ang impressionism, na kumalat sa buong mundo mula sa Pransya. Ang mga kinatawan nito ay nakikibahagi sa pagbuo ng naturang mga pamamaraan at pamamaraan ng pagpipinta, na magpapahintulot sa pinaka maliwanag at likas na pagmuni-muni ng totoong mundo sa dinamika, upang maihatid ang mga mabilis na impression ng mga ito.

Maraming mga artista ang lumikha ng kanilang mga canvases sa istilo ng impresyonismo, ngunit ang mga tagapagtatag ng kilusan ay Claude Monet, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frederic Bazille, Camille Pissaro. Imposibleng pangalanan ang kanilang pinakamahusay na mga gawa, dahil lahat sila ay maganda, ngunit mayroong mga pinakasikat, at tungkol sa kanila na tatalakayin sa ibaba.

Claude Monet: "Kahanga-hanga. Sumisikat na araw"

Ang canvas kung saan upang simulan ang isang pag-uusap tungkol sa pinakamahusay na mga kuwadro ng impresyonista. Ipininta ito ni Claude Monet noong 1872 mula sa buhay sa lumang daungan ng Le Havre, France. Pagkalipas ng dalawang taon, ang pagpipinta ay unang ipinakita sa publiko sa dating studio ng Pranses na artista at cartoonist na si Nadar. Ang eksibit na ito ay naging kapalaran para sa mundo ng sining. Ang impresyon (hindi sa pinakamahusay na kahulugan) sa gawa ni Monet, na ang pangalan sa orihinal na wika ay parang "Impression, soleil levant", unang ipinakilala ng mamamahayag na si Louis Leroy ang salitang "impressionism" sa sirkulasyon, na nagsasaad ng isang bagong direksyon sa pagpipinta.

Ang pagpipinta ay ninakaw noong 1985 kasama ang mga gawa ni O. Renoir at B. Morisot. Natuklasan nila siya nang limang taon. Sa kasalukuyan, "Impresyon. Ang Rising Sun ”ay kabilang sa Marmottan-Monet Museum sa Paris.

Edouard Monet: Olympia

Ang pagpipinta na "Olympia", na nilikha ng impresyon ng Pranses na si Edouard Manet noong 1863, ay isa sa mga obra ng makabagong pagpipinta. Una itong ipinakita sa Paris Salon noong 1865. Ang mga pintor ng impresyonista at ang kanilang mga kuwadro ay madalas na nasa gitna ng mga iskandalo na may mataas na profile. Gayunpaman, ang Olympia ay naging sanhi ng pinakamalaking sa kanila sa kasaysayan ng sining.

Sa canvas nakita namin ang isang hubad na babae, ang kanyang mukha at katawan na nakaharap sa madla. Ang pangalawang karakter ay isang madilim na balat na maid na may hawak na isang marangyang palumpon na nakabalot sa papel. Sa paanan ng kama ay may isang itim na kuting sa isang katangian na pose na may arched back. Hindi gaanong alam ang tungkol sa kasaysayan ng pagpipinta, dalawang sketch lamang ang bumaba sa amin. Ang modelo ay, malamang, ang paboritong modelo ni Manet - Quiz Mönard. May isang opinyon na ginamit ng artist ang imahe ng Margaret Bellange - maybahay na si Napoleon.

Sa panahon ng pagkamalikhain nang nilikha ang Olympia, si Manet ay nabighani sa sining ng Hapon, at samakatuwid ay sadyang tumanggi na ipaliwanag ang mga nuances ng madilim at magaan. Dahil dito, hindi nakita ng kanyang mga kontemporaryo ang dami ng itinatanghal na pigura, itinuring nila itong flat at magaspang. Inakusahan ang artista ng imoralidad, bulgar. Hindi pa kailanman nagkaroon ng mga kuwadro na gawa ng mga Impressionist na nagdulot ng gayong kaguluhan at pangungutya mula sa karamihan. Napilitan ang administrasyon na maglagay ng mga tanod sa paligid niya. Inihambing ni Degas ang katanyagan ni Manet, nanalo sa pamamagitan ng Olympia, at ang lakas ng loob na natanggap niya ang kritisismo, kasama ang kwento sa buhay ni Garibaldi.

Halos isang-kapat ng isang siglo pagkatapos ng eksibisyon, ang canvas ay naiwasan na hindi maabot ng mga mata ng master. Pagkatapos ito ay ipinakita muli sa Paris noong 1889. Ito ay halos binili, ngunit tinipon ng mga kaibigan ng artist ang kinakailangang halaga at bumili ng "Olympia" mula sa biyuda ni Manet, at pagkatapos ay naibigay ito sa estado. Ngayon ang pagpipinta ay kabilang sa Orsay Museum sa Paris.

Auguste Renoir: "Mga Big Bathers"

Ang pagpipinta ay ipininta ng isang Pranses na artist noong 1884-1887. Isinasaalang-alang ang lahat ng mga sikat na kuwadro na gawa ng mga Impressionist sa pagitan ng 1863 at simula ng ikadalawampu siglo, ang "Big Bathers" ay tinatawag na pinakamalaking canvas na may mga hubad na babaeng figure. Nagtrabaho si Renoir nang higit sa tatlong taon, at sa panahong ito maraming mga sketch at sketch ang nilikha. Walang iba pang pagpipinta sa kanyang trabaho na siya ay nakatuon ng maraming oras sa.

Sa harapan, nakita ng manonood ang tatlong hubad na kababaihan, ang dalawa ay nasa baybayin, at ang pangatlo ay nasa tubig. Ang mga figure ay ipininta napaka realistically at malinaw, na kung saan ay isang katangian ng estilo ng artist. Ang mga modelo ni Renoir ay sina Alina Sharigo (kanyang hinaharap na asawa) at Suzanne Valadon, na sa hinaharap ay naging isang sikat na artista mismo.

Edgar Degas: "Mga Blue Blue"

Hindi lahat ng tanyag na impresyon ng Impressionist na nakalista sa artikulo ay pininturahan ng langis sa canvas. Pinapayagan ka ng larawan sa itaas na maunawaan kung ano ang pagpipinta na "Blue Dancers". Ginagawa ito sa mga pastel sa isang sheet ng papel na may sukat na 65x65 cm at kabilang sa huli na panahon ng gawain ng artist (1897). Pininturahan niya ito ng may kapansanan na pananaw, kaya ang pandekorasyon na organisasyon ay pinakamahalaga: ang imahe ay nakikita bilang malalaking kulay na mga spot, lalo na kung tiningnan mula sa malapit. Ang paksa ng mga mananayaw ay malapit sa Degas. Paulit-ulit siyang inuulit sa kanyang trabaho. Naniniwala ang maraming mga kritiko na ang pagkakaisa ng kulay at komposisyon, "Blue Dancers" ay maaaring isaalang-alang ang pinakamahusay na gawain ng artist sa paksang ito. Sa kasalukuyan, ang pagpipinta ay itinatago sa Museum of Arts. A.S. Pushkin sa Moscow.

Frederic Bazille: "Rosas na Damit"

Ang isa sa mga tagapagtatag ng French Impressionism Frederic Bazille ay ipinanganak sa isang bourgeois na pamilya ng isang mayaman na winemaker. Sa kanyang mga taon ng pag-aaral sa Lyceum, nagsimula siyang makisali sa pagpipinta. Lumipat sa Paris, nakilala niya ang C. Monet at O. Renoir. Sa kasamaang palad, ang artista ay nakalaan upang magkaroon ng isang maikling landas sa buhay. Namatay siya sa edad na 28 sa harap sa panahon ng Digmaang Franco-Prussian. Gayunpaman, ang kanyang, kahit na iilan, ang mga canvases ay nararapat na kasama sa listahan ng "Ang pinakamahusay na mga pintura ng Impressionist". Ang isa sa mga ito ay Ang Rosas na Damit, na isinulat noong 1864. Sa pamamagitan ng lahat ng mga indikasyon, ang canvas ay maiugnay sa maagang Impressionism: mga kaibahan ng kulay, pansin sa kulay, sikat ng araw at isang nagyelo na sandali, ang mismong bagay na tinawag na "impression". Ang modelo ay isa sa mga pinsan ng artist na si Teresa de Horse. Ang pagpipinta ay kasalukuyang pag-aari ng Musée d'Orsay sa Paris.

Camille Pissarro: Boulevard Montmartre. Maaraw na hapon. "

Si Camille Pissaro ay naging sikat sa kanyang mga lupain, isang katangian na kung saan ay ang paglalarawan ng ilaw at mga naiilaw na bagay. Ang kanyang gawain ay nagkaroon ng makabuluhang epekto sa genre ng impressionism. Malaya na binuo ng artist ang marami sa kanyang likas na mga prinsipyo, na nabuo ang batayan ng pagkamalikhain sa hinaharap.

Nagustuhan ni Pissaro na magsulat ng parehong lugar sa iba't ibang oras ng araw. Mayroon siyang isang buong serye ng mga kuwadro na gawa sa mga boulevards ng Paris at kalye. Ang pinakatanyag sa kanila ay ang Boulevard Montmartre (1897). Sinasalamin nito ang lahat ng kagandahan na nakikita ng artist sa seething at hindi mapakali na buhay ng sulok na ito ng Paris. Ang pagtingin sa boulevard mula sa parehong lugar, ipinakita niya ito sa manonood sa isang maaraw at maulap na araw, sa umaga, hapon at huli na gabi. Ang larawan sa ibaba ay nagpapakita ng pagpipinta na Boulevard Montmartre sa gabi.

Ang estilo na ito ay kalaunan ay pinagtibay ng maraming mga artista. Babanggitin lamang natin kung aling mga kuwadro na gawa ng mga Impressionist ang ipininta sa ilalim ng impluwensya ng Pissarro. Ang ugali na ito ay maaaring malinaw na nakikita sa gawain ng Monet (serye ng mga kuwadro na gawa sa "Stoga").

Alfred Sisley: "Lawns sa Spring"

Ang "Lawns in Spring" ay isa sa pinakabagong mga kuwadro na gawa ng pintor ng landscape na si Alfred Sisley, na isinulat noong 1880-1881. Dito, nakikita ng manonood ang isang landas sa kagubatan sa mga pampang ng Seine na may isang nayon sa tapat ng bangko. Sa foreground ay isang batang babae - ang anak na babae ng artist na si Jeanne Sisley.

Ang mga tanawin ng artista ay naghahatid ng tunay na kapaligiran ng makasaysayang lugar ng Ile-de-France at panatilihin ang espesyal na lambot at transparency ng mga natural na hindi pangkaraniwang bagay para sa mga tiyak na panahon. Ang artist ay hindi kailanman naging tagataguyod ng mga hindi pangkaraniwang epekto at sumunod sa isang simpleng komposisyon at isang limitadong palette ng mga kulay. Ang pagpipinta ay itinatago ngayon sa National Gallery sa London.

Inilista namin ang pinakatanyag na mga painting ng Impressionist (na may mga pamagat at paglalarawan). Ito ang mga masterpieces ng pagpipinta sa mundo. Ang natatanging istilo ng pagpipinta na nagmula sa Pransya ay sa una ay napansin na may pangungutya at kabastusan, binigyang diin ng mga kritiko ang tapat na kapabayaan ng mga artista sa pagsulat ng mga canvases. Ngayon, bahagya ang sinumang mangahas na hamunin ang kanilang likas. Ang mga painting ng impresyonista ay ipinakita sa pinaka-prestihiyosong mga museo sa buong mundo at isang maligayang pagtatanghal para sa anumang pribadong koleksyon.

Ang estilo ay hindi nalubog sa limot at maraming mga tagasunod. Ang aming kababayang si Andrei Koch, pintor ng Pranses na si Laurent Parsellier, Amerikanong kababaihan na sina Diana Leonard at Karen Tarlton ay mga sikat na modernong impresyonista. Ang kanilang mga kuwadro na gawa ay ginawa sa pinakamahusay na tradisyon ng genre, puno ng mga maliliwanag na kulay, naka-bold na stroke at buhay. Ang larawan sa itaas ay ang gawain ni Laurent Parcelier "In the Rays of the Sun"

18-19 siglo minarkahan ng heyday ng European art. Sa Pransya, ipinag-utos ni Emperor Napoleon III ang pagbuo muli ng Paris upang magsimula pagkatapos ng mga poot sa Digmaang Franco-Prussian. Mabilis na naging parehong "nagniningning na lungsod" ang Paris dahil ito ay nasa ilalim ng Ikalawang Imperyo at muling inihayag ang sarili ng sentro ng sining ng Europa. Samakatuwid, maraming mga pintor ng Impressionist ang bumaling sa tema ng modernong lungsod sa kanilang mga gawa. Sa kanilang mga gawa, ang modernong lungsod ay hindi isang halimaw, ngunit ang lugar ng inang bayan kung saan nakatira ang mga tao. Maraming mga gawa ang puspos ng isang malakas na pakiramdam ng pagiging makabayan.

Maaari itong makita lalo na sa mga kuwadro na gawa ng Claude Monet. Lumikha siya ng higit sa 30 mga kuwadro na may mga pananaw ng Rouen Cathedral sa isang malawak na iba't ibang mga kondisyon ng pag-iilaw at atmospheric. Halimbawa, noong 1894 si Monet ay nagpinta ng dalawang kuwadro - "Rouen Cathedral sa tanghali" at "Rouen Cathedral sa gabi". Ang parehong mga kuwadro ay naglalarawan ng parehong fragment ng katedral, ngunit sa iba't ibang mga tonalities - sa mainit-init na dilaw-rosas na tono ng tanghali at sa malamig na mala-bughaw na lilim ng namamatay na takip-silim na ilaw. Sa mga kuwadro na gawa, ang isang makukulay na lugar ay ganap na natutunaw ang linya, ang artista ay hindi nagbibigay ng materyal na bigat ng bato, ngunit, tulad ng, isang ilaw na makulay na kurtina.

Nanlaban ang mga Impressionist na gawin ang larawan na parang isang bukas na window kung saan makikita ang totoong mundo. Kadalasan pinili nila ang pananaw mula sa window papunta sa kalye. Ang sikat na Boulevard des Capucines ni C. Monet, ipininta noong 1873, at ipinakita sa unang eksibisyon ng Impressionist noong 1874, ay isang mahusay na halimbawa ng pamamaraang ito. Maraming pagbabago dito - ang pananaw ng isang malaking kalye ng lungsod ay pinili bilang motibo para sa tanawin, ngunit ang artista ay interesado sa hitsura nito bilang isang buo, at hindi ang mga tanawin nito. Ang buong masa ng mga tao ay inilalarawan ng mga sliding stroke, sa pangkalahatan, kung saan mahirap na gumawa ng mga indibidwal na figure.

Si Monet ay nagdadala sa gawaing ito ng isang instant, puro impression ng manonood ng bahagya na napapansin na panginginig ng boses, mula sa mga taong lalalim sa kalye, mga tao at umaalis sa mga karwahe. Sinisira niya ang ideya ng eroplano ng canvas, na nilikha ang ilusyon ng espasyo at pinunan ito ng ilaw, hangin at paggalaw. Ang mata ng tao ay dumadaloy sa kawalang-hanggan, at walang limitasyong punto kung saan ito maaaring tumigil.

Pinapayagan ng mataas na punto ng vantage ang artista na iwanan ang harapan, at siya ay nagdudulot ng nagniningning na sikat ng araw kumpara sa mala-bughaw-lilang anino ng mga bahay na nakahiga sa simento ng kalye. Ang maaraw na bahagi ng Monet ay nagbibigay ng orange, gintong-mainit-init, madilim - lila, ngunit ang isang solong light-air haze ay nagbibigay ng buong pagkakasunud-sunod na tonal na pagkakaisa, at ang mga balangkas ng mga bahay at mga puno ay lumilitaw sa himpapawid, na tinagos ng mga sinag ng araw.

Noong 1872 sa Le Havre Monet ay sumulat ng "Impresyon. Sunrise "- isang tanawin ng port ng Le Havre, na ipinakita mamaya sa unang eksibisyon ng mga Impressionist. Narito ang artista, tulad ng nakikita mo, sa wakas ay pinalaya ang kanyang sarili mula sa pangkalahatang tinanggap na ideya ng bagay ng imahe bilang isang tiyak na dami at ganap na nakatuon ang kanyang sarili upang maihatid ang pansamantalang estado ng kapaligiran sa bughaw at kulay-rosas-orange na tono. Sa katunayan, ang lahat ay mukhang walang imik: ang pier at mga barko ay nagsasama sa mga guhitan sa kalangitan at pagmuni-muni sa tubig, at ang mga silhouette ng mga mangingisda at bangka sa harapan ay mga madilim na lugar na ginawa ng maraming matinding stroke. Ang pagtanggi ng teknolohiyang pang-akademiko, pagpipinta sa bukas na hangin at ang pagpili ng hindi pangkaraniwang mga paksa ay natanggap ng poot ng mga kritiko ng panahong iyon. Si Louis Leroy, ang may-akda ng isang galit na artikulo na lumitaw sa magasin na "Sharivari", sa kauna-unahang pagkakataon, na may kaugnayan sa pagpipinta na ito, ginamit ang salitang "impressionism" bilang isang kahulugan ng isang bagong kalakaran sa pagpipinta.

Ang isa pang natatanging gawain na nakatuon sa lungsod ay ang pagpipinta ni Claude Monet na "Gare de Saint-Lazare". Batay sa motif ng istasyon ng Saint-Lazare, isinagawa ni Monet ang higit sa sampung mga kuwadro, na pito sa mga ito ay naipakita sa 3rd Impressionist exhibition noong 1877.

Nagrenta si Monet ng isang maliit na apartment sa Rue Moncy, hindi kalayuan sa istasyon. Ang artist ay binigyan ng kumpletong kalayaan ng aksyon. Ang paggalaw ng mga tren ay pansamantalang nasuspinde, at malinaw na nakikita niya ang mga platform, ang mga hurno ng mga lokomotibo ng singaw na paninigarilyo, na napuno ng karbon - upang ang singaw ay ibubuhos sa mga tubo. Matatag na "husay" ni Monet sa istasyon, pinanood siya ng mga pasahero na may paggalang at gulat.

Yamang ang hitsura ng istasyon ay patuloy na nagbabago, ang Monet ay gumawa lamang ng mga sketsa sa "likas na katangian", at sa mga ito sa pagawaan ay isinulat niya mismo ang mga larawan. Sa track nakita namin ang isang malaking istasyon ng tren, na sakop ng isang canopy, na naayos sa mga poste ng bakal. Mayroong mga platform sa kaliwa at kanan, isang track para sa mga tren ng commuter at ang iba pa para sa mga tren na may malayuan. Ang isang espesyal na kapaligiran ay ipinapadala sa pamamagitan ng kaibahan sa pagitan ng malabo na ilaw sa loob ng istasyon at ang maliwanag na nakasisilaw na ilaw sa kalye. Ang mga pakete ng usok at singaw na nakakalat sa buong canvas ay nagbalanse ng mga magkakaibang mga galaw ng pag-iilaw. Ang usok ay umuusok sa lahat ng dako, nagniningning na mga ulap na bumabaluktot laban sa mga banayad na silhouette ng mga gusali. Ang makapal na singaw ay tila nagbibigay ng hugis sa mga napakalaking tore, na sumasakop sa kanila ng isang ilaw na belo, tulad ng pinakamahusay na web spider. Ang larawan ay ipininta sa banayad na mga naka-mute na tono na may banayad na mga pag-iipon ng mga kakulay. Ang matulin, tumpak na mga stroke sa anyo ng mga kuwit, katangian ng oras na iyon, ay napapansin bilang isang mosaic, ang manonood ay may impression na ang singaw ay nakakalat o nakakabalisa.

Ang isa pang kinatawan ng mga Impressionist na si C. Pissarro, tulad ng lahat ng mga Impressionist, mahilig magpinta ng lungsod, na nabihag sa kanya ng walang katapusang kilusan nito, ang daloy ng mga alon ng hangin at pag-play ng ilaw. Nakita niya ito bilang isang buhay, hindi mapakali na organismo na may kakayahang magbago depende sa panahon, ang antas ng pag-iilaw.

Sa taglamig at tagsibol ng 1897, Pissarro ay nagtrabaho sa Boulevards ng Paris serye ng mga kuwadro na gawa. Ang mga gawa na ito ay nagdala ng katanyagan ng artista at naakit ang atensyon ng mga kritiko na kumonekta sa kanyang pangalan sa kilusang divisionista. Ang artista ay gumawa ng mga sketch para sa serye mula sa bintana ng isang silid sa isang hotel sa Paris, at nakumpleto ang trabaho sa mga kuwadro na gawa sa kanyang studio sa Eragny sa pagtatapos ng Abril. Ang seryeng ito ay isa lamang sa akda ni Pissarro, kung saan ang artist ay nagsikap upang makuha ang iba't ibang mga kondisyon ng panahon at sikat ng araw na may maximum na katumpakan. Halimbawa, pininturahan ng artist ang 30 mga kuwadro na naglalarawan sa Boulevard Montmartre, tinitingnan ito mula sa parehong window.

Sa mga kuwadro na gawa ng "Boulevard Montmartre sa Paris" master C. Pissarro masterly conveyed the richness of atmospheric effects, makulay na pagiging kumplikado at kahusayan ng isang maulap na araw. Ang dinamika ng buhay sa lunsod, kaya nakakumbinsi na isinama ng mabilis na brush ng pintor, ay lumilikha ng imahe ng isang modernong lungsod - hindi seremonya, hindi opisyal, ngunit nasasabik at masigla. Ang lunsod ng lunsod ay naging pangunahing genre sa gawain ng pambihirang impressionist na ito - "ang mang-aawit ng Paris".

Ang kabisera ng Pransya ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa gawain ng Pissarro. Ang artist ay patuloy na nanirahan sa labas ng lungsod, ngunit patuloy na naakit siya ng Paris. Binihag siya ng Paris sa walang tigil at unibersal na paggalaw nito - ang paglalakad ng mga naglalakad at ang pagpapatakbo ng mga karwahe, ang daloy ng mga alon ng hangin at ang pag-play ng ilaw. Ang lungsod ng Pissarro ay hindi isang listahan ng mga kilalang bahay na napansin ng artist, ngunit isang buhay at hindi mapakali na organismo. Nabihag ng buhay na ito, hindi namin alam ang mga platitude ng mga gusali na bumubuo sa Boulevard Montmartre. Nahanap ng artista ang natatanging kagandahan sa hindi mapakali na mga Bolshoi Boulevards. Umaga at araw, gabi at gabi, sun-drenched at grey, nakuha ni Pissarro ang Montmartre boulevard, tinitingnan ito mula sa parehong window. Ang malinaw at simpleng motif ng kalye na lumipad papunta sa distansya ay lumilikha ng isang malinaw na compositional basis na hindi nagbabago mula sa canvas hanggang canvas. Ang ikot ng mga canvases ay nagpinta ng mga sumusunod na taon mula sa window ng hotel ng Louvre ay itinayo sa isang iba't ibang paraan. Sa isang liham sa kanyang anak habang nagtatrabaho sa ikot, binigyan diin ni Pissarro ang pagkatao ng lugar na ito, na naiiba sa Boulevards, iyon ay, ang parisukat ng French Theatre at ang nakapalibot na lugar. Sa katunayan, naroroon ang lahat sa tabi ng axis ng kalye. Narito - ang parisukat, na nagsisilbing pangwakas na paghinto ng ilang mga ruta ng omnibus, mga intersect sa iba't ibang direksyon, at sa halip na isang malawak na panorama na may napakaraming hangin, ang aming mga mata ay iniharap ng isang saradong lugar ng harapan.

string (5796) "Ang arkitektura ng arkitektura ay nag-ambag sa paglalaan ng URBAN LANDSCAPE bilang isang hiwalay na genre. Ang mga masters ng ganitong takbo, na naiimpluwensyahan ng teorya ng linear na pananaw, nakita ang kanilang pangunahing gawain sa pagbuo ng isang kumplikado, maingat na idinisenyo na komposisyon, na isinasaalang-alang ang isang pangunahing punto ng pananaw. Mahusay na kontribusyon sa pag-unlad Ang genre na ito ay ipinakilala ng mga artista ng Renaissance ng Italya - Raphael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna.Laging sabay-sabay sa arkitektura ng arkitektura, isa pang direksyon ang binuo - ang paglalarawan ng mga urban landscapes.German, Dutch at Pranses na pintor ng ika-16 na ika-17 siglo ay nagdala ng maraming mga album na may mga sketch ng kalikasan mula sa kanilang mga paglalakbay. Sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, ang URBAN LANDSCAPE ay matatag na itinatag bilang isang independiyenteng genre, na naging isang paboritong paksa ng mga artista ng Dutch.Nang naglalarawan sa mga sulok ng Amsterdam, Delft, Haarlem, ang mga artista ay naghangad na pagsamahin ang kalinawan ng geometric ng mga lunsod o bayan na may pang-araw-araw na mga eksena at tanawin. ang mga tanawin ng lungsod ay matatagpuan sa mga pangunahing artista ng Dutch noong ika-17 siglo tulad ni J. Goyen, J. Reisdael, Vermeer Delft. Ang isa sa mga pinaka kapansin-pansin at matagumpay na halimbawa ng URBAN LANDSCAPE ng panahong ito ay "View of the City of Delft" ni Vermeer of Delft, na makataong niluwalhati ang imahe ng kanyang katutubong lungsod. Noong ika-18 siglo, isang espesyal na uri ng uri ng tanawin ang nabuo, malapit na nauugnay sa CITY LANDSCAPE - Veduta. Ang Veduta, depende sa likas na katangian ng pagpaparami ng mga lunsod o bayan, ay nahahati sa tunay, mainam o kamangha-manghang. Sa isang tunay na veduta, ang pintura nang walang tigil at inilalarawan ng totoong mga gusali sa isang tunay na tanawin, sa isang perpektong isa - totoong mga gusali ay inilarawan na napapalibutan ng isang kathang-isip na tanawin, ang kamangha-manghang veduta ay ganap na pantasya ng may-akda. Ang pamumulaklak ng ganitong uri ng pagpipinta ay ang Venetian Veduta, at ang pinuno ng paaralan ng Venetian Vedutist ay ang artist na si Antonio Canaletto. Sa panahon ng romantismo, ang mga artista ay nagpanatili ng interes sa paglalarawan ng mga arkeolohiko na site, antigong, at mga sinaunang templo. Sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ang mga painter sa landscape ay naging mga eksena sa genre. Ang mga URBAN LANDSCAPES, ang pagkuha ng mga tanawin sa London, ay matatagpuan sa mga ukit ng Pranses na artist na si Gustave Dore. Interesado sa mga tanawin ng lungsod, kahit na ang Paris, at isa pang Pranses na artista, master ng CITY LANDSCAPES, Honore Daumier. Ang isang bagong pahina sa kasaysayan ng CITY LANDSCAPE ay binuksan ng mga pintor ng impresyonista. Ang kanilang pansin ay iginuhit sa mga motibo ng mga lansangan sa iba't ibang oras ng araw, mga istasyon ng tren, silweta at mga balangkas ng mga gusali. Ang pagnanais na maihatid ang ritmo ng buhay ng lungsod, upang makuha ang patuloy na pagbabago ng estado ng kapaligiran at pag-iilaw na humantong sa Impressionist sa pagtuklas ng mga bagong paraan ng pagpapahayag ng artistikong.
Sa seksyon ng mga kuwadro na nakatuon sa LANDSCAPE ng Lungsod, mayroong mga bagay na naglalarawan ng iba't ibang mga lungsod, monumento ng arkitektura, mga kalye at mga landmark. Sa bahaging ito mahahanap mo ang mga pananaw ng Moscow, St. Petersburg, pati na rin ang Roma at maraming iba pang mga lungsod. Iminumungkahi namin na bumili ka ng mga item mula sa seksyon ng LANDSCAPE ng CITY sa aming Komisyon sa Antique ng Komisyon. Ang seksyon ng LANDSCAPE ng Lungsod ay patuloy na na-update, manatiling nakatutok para sa mga bagong pagdating. "

Ang URBAN LANDSCAPE ay isang uri ng pinong sining kung saan ang pangunahing balangkas ay ang imahe ng lungsod, ang mga kalye at gusali nito. Sa una, ang URBAN LANDSCAPE ay hindi isang independiyenteng genre; ang mga artista sa medyebal ay ginamit lamang ang mga tanawin sa lunsod bilang isang frame para sa mga eksena sa bibliya. Ang URBAN LANDSCAPE ay muling na -interpret sa isang bagong paraan ng mga Old Dutch masters, na nakunan ang mundo sa kanilang paligid ng espesyal na pangangalaga at pag-ibig.

Ang arkitektura ng arkitektura ay nag-ambag sa paghihiwalay ng CITY LANDSCAPE sa isang hiwalay na genre. Ang mga masters ng direksyon na ito, na naiimpluwensyahan ng teorya ng linear na pananaw, nakita ang kanilang pangunahing gawain sa pagbuo ng isang kumplikado, maingat na idinisenyo na komposisyon, na isinasaalang-alang ang isang pangunahing punto ng pananaw. Ang isang mahusay na kontribusyon sa pagbuo ng genre na ito ay ginawa ng mga artista ng Renaissance ng Italya - Raphael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna. Halos sabay-sabay sa arkitektura ng arkitektura, nabuo ang isa pang direksyon - ang imahe ng mga lunsod ng lunsod. Ang mga pintor ng Aleman, Dutch at Pranses noong ika-16 na ika-17 siglo ay nagdala ng maraming mga album na may mga sketch mula sa kanilang mga paglalakbay. Sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, ang URBAN LANDSCAPE ay matatag na itinatag bilang isang independiyenteng genre, na naging isang paboritong paksa ng mga artista ng Dutch. Kapag inilalarawan ang mga sulok ng Amsterdam, Delft, Haarlem, sinubukan ng mga artista na pagsamahin ang geometric na kaliwanagan ng mga lunsod o bayan na may pang-araw-araw na mga eksena at tanawin. Ang mga tanawin ng totoong lunsod ay matatagpuan sa mga magagaling na artista na Dutch noong ika-17 siglo tulad ni J. Goyen, J. Reisdael, Vermeer Delft. Ang isa sa mga pinaka kapansin-pansin at matagumpay na halimbawa ng URBAN LANDSCAPE ng panahong ito ay "View of the City of Delft" ni Vermeer of Delft, na makataong niluwalhati ang imahe ng kanyang katutubong lungsod. Noong ika-18 siglo, isang espesyal na uri ng uri ng tanawin ang nabuo, malapit na nauugnay sa CITY LANDSCAPE - Veduta. Ang Veduta, depende sa likas na katangian ng pagpaparami ng mga lunsod o bayan, ay nahahati sa tunay, mainam o kamangha-manghang. Sa isang tunay na vedute, ang artist nang walang tigil at inilalarawan ang tunay na mga gusali sa isang tunay na tanawin, sa isang perpektong isa - ang totoong mga gusali ay inilarawan na napapalibutan ng isang kathang-isip na tanawin, ang kamangha-manghang veduta ay ganap na pantasya ng may-akda. Ang pamumulaklak ng ganitong uri ng pagpipinta ay ang Venetian Veduta, at ang pinuno ng paaralan ng Venetian Vedutist ay ang artist na si Antonio Canaletto. Sa panahon ng romantismo, ang mga artista ay nagpanatili ng interes sa paglalarawan ng mga arkeolohiko na site, antigong, at mga sinaunang templo. Sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ang mga painter sa landscape ay naging mga eksena sa genre. Ang mga URBAN LANDSCAPES, ang pagkuha ng mga tanawin sa London, ay matatagpuan sa mga ukit ng Pranses na artist na si Gustave Dore. Interesado sa mga tanawin ng lungsod, kahit na ang Paris, at isa pang Pranses na artista, master ng CITY LANDSCAPES, Honore Daumier. Ang isang bagong pahina sa kasaysayan ng CITY LANDSCAPE ay binuksan ng mga pintor ng impresyonista. Ang kanilang pansin ay iginuhit sa mga motibo ng mga lansangan sa iba't ibang oras ng araw, mga istasyon ng tren, silweta at mga balangkas ng mga gusali. Ang pagnanais na maihatid ang ritmo ng buhay ng lungsod, upang makuha ang patuloy na pagbabago ng estado ng kapaligiran at pag-iilaw na humantong sa mga Impressionist sa pagtuklas ng mga bagong paraan ng pagpapahayag ng masining.
Sa seksyon ng mga kuwadro na nakatuon sa LANDSCAPE ng Lungsod, mayroong mga bagay na naglalarawan ng iba't ibang mga lungsod, monumento ng arkitektura, mga kalye at mga landmark. Sa bahaging ito mahahanap mo ang mga pananaw ng Moscow, St. Petersburg, pati na rin ang Roma at maraming iba pang mga lungsod. Iminumungkahi namin na bumili ka ng mga item mula sa seksyon ng LANDSCAPE ng CITY sa aming Komisyon sa Antique ng Komisyon. Ang seksyon ng LANDSCAPE ng Lungsod ay patuloy na na-update, manatiling nakatutok para sa mga bagong pagdating.