Ang pinaka-misteryosong mga kuwadro na gawa ng mga magagaling na artista. Nangungunang kakatwang at pinaka-misteryosong kuwadro na Manunulat sa mga tao

Halos bawat mahahalagang piraso ng sining ay may isang misteryo, isang "double bottom" o isang lihim na kuwento na nais mong alisan ng takip.

Music sa puwit

Hieronymus Bosch, Ang Hardin ng Daigdig na Masarap, 1500-1510.

Fragment ng bahagi ng triptych

Ang debate tungkol sa mga kahulugan at mga nakatagong kahulugan ng pinakasikat na gawain ng Dutch artist ay hindi humupa mula noong ito ay umpisa. Sa kanang pakpak ng triptych na pinamagatang "Musical Hell", ang mga makasalanan ay inilalarawan na pinahirapan sa ilalim ng mundong sa tulong ng mga instrumentong pangmusika. Ang isa sa kanila ay may mga tala na naka-imprinta sa puwit. Ang mag-aaral ng Oklahoma Christian University na si Amelia Hamrick, na nag-aral ng pagpipinta, ay naglalagay ng notasyon ng ika-16 na siglo sa isang modernong twist at naitala ang "isang 500-taong-gulang na awit mula sa impiyerno mula sa impiyerno."

Hubad ni Mona Lisa

Ang sikat na "La Gioconda" ay umiiral sa dalawang bersyon: ang hubo't hubad na bersyon ay tinatawag na "Monna Vanna", pininturahan ito ng maliit na kilalang artist na si Salai, na isang mag-aaral at modelo ng dakilang Leonardo da Vinci. Maraming mga kritiko sa sining ang sigurado na siya ang modelo para sa mga pinturang ipininta ni Leonardo na "John the Baptist" at "Bacchus". Mayroon ding mga bersyon na nakasuot ng damit ng isang babae, si Salai ay nagsilbi bilang imahen ni Mona Lisa mismo.

Matandang Mangingisda

Noong 1902, ang pintor ng Hungarian na si Tivadar Kostka Chontvari ay nagpinta ng pagpipinta na "The Old Fisherman". Ito ay tila walang kakaiba sa larawan, ngunit inilagay ni Tivadar sa loob nito ang isang subtext na hindi kailanman inihayag sa panahon ng buhay ng artist.

Ilang may ideya na maglagay ng salamin sa gitna ng larawan. Ang bawat tao ay maaaring maglaman ng parehong Diyos (nadoble ang kanang balikat ng Matandang Tao) at ang Diablo (doble ang kaliwang balikat ng matandang lalaki).

Mayroon bang balyena?

Hendrik van Antonissen "Scene on the Shore".

Ito ay parang isang ordinaryong tanawin. Mga bangka, mga tao sa baybayin at ang desyerto na dagat. At lamang ng isang pag-aaral ng X-ray na nagpakita na ang mga tao ay nagtipon sa baybayin para sa isang kadahilanan - sa orihinal, sinuri nila ang bangkay ng isang balyena na nahugasan sa baybayin.

Gayunpaman, nagpasya ang artist na walang sinumang nais na tumingin sa patay na balyena at muling isulat ang larawan.

Dalawang "Breakfasts sa Grass"

Edouard Manet, Almusal sa Grass, 1863.

Claude Monet, Almusal sa Grass, 1865.

Ang mga artista na sina Edouard Manet at Claude Monet ay minsan nalilito - pagkatapos ng lahat, pareho silang Pranses, nanirahan sa parehong oras at nagtrabaho sa estilo ng impressionism. Kahit na ang pangalan ng isa sa mga pinakatanyag na kuwadro na gawa ni Manet "Almusal sa Grass" Hiniram ni Monet at isinulat ang kanyang "Almusal sa Grass".

Doubles sa "Huling Hapunan"

Leonardo da Vinci, Ang Huling Hapunan, 1495-1498.

Nang isulat ni Leonardo da Vinci ang Huling Hapunan, binigyan diin niya ng dalawang pigura: sina Kristo at Judas. Naghahanap siya para sa mga sitters para sa kanila sa loob ng mahabang panahon. Sa wakas, nagawa niyang makahanap ng isang modelo para sa imahe ni Kristo sa mga batang mang-aawit. Hindi posible na makahanap ng isang modelo para kay Judas Leonardo sa loob ng tatlong taon. Ngunit isang araw tumakbo siya sa isang kalasing sa kalye na nakahiga sa isang kanal. Ito ay isang binata na tumanda na sa pamamagitan ng hindi mapigil na pagkalasing. Inanyayahan siya ni Leonardo sa isang tavern, kung saan kaagad niyang sinimulan ang pagsulat kay Judas mula sa kanya. Nang muling magkaroon ng malay ang lasing, sinabi niya sa artista na siya ay nag-post para sa kanya ng isang beses. Ilang taon na ang nakalilipas, nang kumanta siya sa koro ng simbahan, isinulat ni Leonardo si Kristo mula sa kanya.

"Night Watch" o "Day Watch"?

Rembrandt, The Watch Watch, 1642.

Isa sa mga pinakatanyag na kuwadro ni Rembrandt "Pagganap ng rifle company ng Captain Frans Banning Kok at Tenyente Willem van Ruutenbürg" ay nag-hang sa iba't ibang mga silid sa halos dalawang daang taon at natuklasan ng mga kritiko ng sining lamang noong ika-19 na siglo. Dahil tila ang mga figure ay lumitaw laban sa isang madilim na background, ito ay pinangalanang "Night Watch", at sa ilalim ng pangalang ito pinasok nito ang kaban ng sining ng mundo.

At sa panahon lamang ng pagpapanumbalik, na isinagawa noong 1947, natuklasan na sa bulwagan ang pagpipinta ay may oras na natatakpan ng isang layer ng soot, na nagwawasak sa kulay nito. Matapos malinis ang orihinal na pagpipinta, sa wakas ay isiniwalat na ang eksena na ipinakita ni Rembrandt ay talagang nagaganap sa araw. Ang posisyon ng anino mula sa kaliwang kamay ni Kapitan Kok ay nagpapahiwatig na ang pagkilos ay tumatagal ng hindi hihigit sa 14 na oras.

Baligtad na bangka

Henri Matisse, The Boat, 1937.

Ang New York Museum of Modern Art noong 1961 ay nagpakita ng isang painting ni Henri Matisse "The Boat". Pagkaraan lamang ng 47 araw ay may isang tao na napansin na ang pagpipinta ay nakabitin baligtad. Ang canvas ay naglalarawan ng 10 mga lilang linya at dalawang asul na layag sa isang puting background. Ang pintor ay nagpinta ng dalawang mga layag para sa isang kadahilanan, ang pangalawang layag ay isang salamin ng una sa ibabaw ng tubig.
Upang hindi magkakamali sa kung paano dapat mag-hang ang larawan, kailangan mong bigyang pansin ang mga detalye. Ang mas malaking layag ay dapat na nasa tuktok ng pagpipinta at ang rurok ng pagpipinta ay dapat na patungo sa kanang itaas na sulok.

Ang panlilinlang sa sariling larawan

Vincent van Gogh, Larawan ng Sarili gamit ang isang Pipa, 1889.

May mga alamat na sinasabing pinutol ng van Gogh ang kanyang sariling tainga. Ngayon ang pinaka maaasahang bersyon ay isinasaalang-alang na ang tainga ni van Gogh ay nasira sa isang maliit na scuffle kasama ang pakikilahok ng isa pang artista - si Paul Gauguin.

Ang self-portrait ay kawili-wili na ito ay sumasalamin sa katotohanan sa isang baluktot na anyo: ang artist ay inilalarawan ng isang bandaged na kanang tainga, dahil gumamit siya ng salamin kapag nagtatrabaho. Sa katunayan, ang kaliwang tainga ay apektado.

Mga dayuhan na bear

Si Ivan Shishkin, "Umaga sa Pine Forest", 1889.

Ang sikat na pagpipinta ay nabibilang hindi lamang sa brush ni Shishkin. Maraming mga artista, na magkakaibigan sa bawat isa, ay madalas na gumamit sa "tulong ng isang kaibigan", at si Ivan Ivanovich, na nagpinta ng mga tanawin sa buong buhay niya, natatakot na ang pagpindot sa mga oso ay hindi lalabas kung kinakailangan niya. Samakatuwid, lumingon si Shishkin sa pamilyar na pintor ng hayop na si Konstantin Savitsky.

Pininturahan ng Savitsky ang halos pinakamahusay na mga bear sa kasaysayan ng pagpipinta ng Ruso, at inutusan ni Tretyakov na hugasan ang kanyang pangalan sa canvas, dahil ang lahat sa larawan "mula sa disenyo hanggang sa pagpapatupad, ang lahat ay nagsasalita tungkol sa paraan ng pagpipinta, ng paraan ng malikhaing kakaiba kay Shishkin."

Ang walang-sala na kwento ng "Gothic"

Grant Wood, American Gothic, 1930.

Ang gawain ni Grant Wood ay itinuturing na isa sa mga kakaiba at pinaka nalulungkot sa kasaysayan ng pagpipinta ng Amerikano. Ang pagpipinta na may madilim na ama at anak na babae ay punong-puno ng mga detalye na nagpapahiwatig ng kalubhaan, puritanism at muling pagkakamali ng mga taong itinatanghal.
Sa katunayan, ang artista ay hindi nagbabalak na maglarawan ng anumang mga kakila-kilabot: sa isang paglalakbay sa Iowa, napansin niya ang isang maliit na bahay sa estilo ng Goth at nagpasya na ilarawan ang mga taong iyon, sa kanyang opinyon, ay perpektong magkasya bilang mga naninirahan. Ang kapatid ni Grant at ang kanyang dentista ay walang kamatayan sa anyo ng mga character na sinaktan ng mga tao sa Iowa.

Paghihiganti ni Salvador Dali

Ang pagpipinta na "Figure sa Window" ay ipininta noong 1925, nang si Dali ay 21 taong gulang. Kung gayon si Gala ay hindi pa nakapasok sa buhay ng artista, at ang kanyang kapatid na si Ana Maria ang kanyang kalamangan. Ang ugnayan sa pagitan ng kapatid at kapatid na babae ay sumulat nang sumulat siya sa isa sa mga kuwadro na gawa "paminsan-minura ko ang isang larawan ng aking sariling ina, at binibigyan ako ng kasiyahan." Hindi mapapatawad ni Ana Maria ang gayong pagkabigla.

Sa kanyang 1949 na libro, si Salvador Dali sa pamamagitan ng mga Mata ng isang Kapatid, isinulat niya ang tungkol sa kanyang kapatid na walang papuri. Ang libro ay nakagalit kay El Salvador. Para sa isa pang sampung taon pagkatapos nito, galit siyang naalala niya sa bawat pagkakataon. At sa gayon, noong 1954, lumilitaw ang pagpipinta na "Isang batang birhen, na nagpapasawa sa kasalanan ng Sodoma sa tulong ng mga sungay ng kanyang sariling kalinisan". Ang pose ng babae, ang kanyang mga kulot, ang tanawin sa labas ng bintana at ang scheme ng kulay ng larawan ay malinaw na binigkas ang "Larawan sa Window". Mayroong isang bersyon na hinihiganti ni Dali sa kanyang kapatid para sa kanyang libro.

Dalawang mukha si Danae

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Maraming mga lihim ng isa sa pinaka sikat na mga kuwadro na gawa ni Rembrandt ay inihayag lamang noong 60s ng ikadalawampu siglo, nang ang kanvas ay nag-iilaw sa X-ray. Halimbawa, ang pagbaril ay nagpakita na sa isang maagang bersyon ng mukha ng prinsesa, na may pag-iibigan kay Zeus, ay mukhang mukha ni Saskia, ang asawa ng pintor, na namatay noong 1642. Sa pangwakas na bersyon ng larawan, sinimulan nitong maihawig ang mukha ng Gertier Dierks, ang may-ari ng Rembrandt, kung saan nabuhay ang artist pagkatapos ng pagkamatay ng kanyang asawa.

Kulay dilaw na silid ni Van Gogh

Vincent Van Gogh, Ang Silid sa Arles, 1888 - 1889.

Noong Mayo 1888, nakuha ni Van Gogh ang isang maliit na pagawaan sa Arles, sa timog ng Pransya, kung saan tumakas siya mula sa mga artista at kritiko ng Paris na hindi niya maintindihan. Sa isa sa apat na silid, si Vincent ay naglalagay ng silid-tulugan. Noong Oktubre, handa na ang lahat, at nagpasya siyang magpinta ng "Bedroom ng Van Gogh sa Arles." Para sa artist, ang kulay at coziness ng silid ay napakahalaga: ang lahat ay dapat na iminungkahi ang ideya ng pahinga. Kasabay nito, ang larawan ay napapanatili sa nakababahala na mga dilaw na tono.

Ipinaliwanag ito ng mga mananaliksik ng akda ni Van Gogh sa pamamagitan ng katotohanan na kinuha ng artist ang foxglove, isang lunas para sa epilepsy, na nagiging sanhi ng mga malubhang pagbabago sa pang-unawa ng pasyente ng kulay: lahat ng nakapalibot na katotohanan ay ipininta sa berde-dilaw na tono.

Ang pagiging perpekto ng ngipin

Leonardo da Vinci, "Portrait of Madame Lisa del Giocondo", 1503-1519.

Ang pangkalahatang tinatanggap na opinyon ay si Mona Lisa ay pagiging perpekto at ang kanyang ngiti ay maganda sa misteryo nito. Gayunpaman, ang kritiko ng sining ng Amerikano (at part-time na dentista) na si Joseph Borkowski ay naniniwala na, sa paghuhusga sa pamamagitan ng ekspresyon sa kanyang mukha, ang pangunahing tauhang babae ay nawalan ng maraming ngipin. Sinusuri ang pinalawak na mga larawan ng obra maestra, natagpuan din ni Borkowski ang mga scars sa paligid ng kanyang bibig. "Napangiti siya nang labis dahil sa nangyari sa kanya," sabi ng eksperto. "Ang ekspresyon niya ay tipikal sa mga taong nawalan ng kanilang mga ngipin sa harap."

Major sa control ng mukha

Pavel Fedotov, The Major's Matchmaking, 1848.

Ang tagapakinig, na unang nakakita ng pagpipinta na "The Major's Matchmaking", ay tumawa nang buong puso: pinuno ito ng artist na si Fedotov ng mga detalye ng iron, naintindihan ng madla sa oras na iyon. Halimbawa, ang pangunahing ay malinaw na hindi pamilyar sa mga patakaran ng marangal na pag-uugali: lumitaw siya nang walang kinakailangang mga bouquets para sa ikakasal at kanyang ina. At ang babaeng ikakasal mismo ay pinalabas ng kanyang mga magulang ng negosyante sa isang gown na bola sa gabi, bagaman araw na ito sa labas (lahat ng mga lampara sa silid ay napatay). Ang batang babae ay malinaw na sinubukan sa isang mababang gupit na damit sa unang pagkakataon, nahihiya siya at sinisikap na makatakas sa kanyang silid.

Bakit ang hubad ay hubad

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Liberty on the Barricades, 1830.

Ayon sa kritiko ng sining na si Etienne Julie, pininturahan ni Delacroix ang mukha ng isang babae mula sa bantog na rebolusyonaryo ng Paris - si washerwoman na si Anna-Charlotte, na dumating sa mga hadlang matapos ang pagkamatay ng kanyang kapatid sa kamay ng mga sundalong hari at pinatay ang siyam na tanod. Inilarawan siya ng artist na may hubad na dibdib. Ayon sa kanyang plano, ito ay isang simbolo ng kawalang-takot at pagiging hindi makasarili, pati na rin ang tagumpay ng demokrasya: ang hubad na dibdib ay nagpapakita na ang Kalayaan, tulad ng isang pangkaraniwan, ay hindi nagsusuot ng isang corset.

Non-square square

Kazimir Malevich, "Black Suprematist Square", 1915.

Sa katunayan, ang "Black Square" ay hindi lahat ng itim at hindi sa lahat ng parisukat: wala sa mga panig ng quadrangle ang kahanay sa alinman sa iba pang mga panig nito, at hindi isa sa mga gilid ng parisukat na frame na bumabalangkas sa larawan. At ang madilim na kulay ay ang resulta ng paghahalo ng iba't ibang kulay, na kung saan walang itim. Ito ay pinaniniwalaan na hindi ito ang kapabayaan ng may-akda, ngunit isang punong posisyon, ang pagnanais na lumikha ng isang pabago-bago, mobile form.

Natuklasan ng mga espesyalista ng Tretyakov Gallery ang inskripsyon ng may-akda sa sikat na pagpipinta ni Malevich. Nabasa ang inskripsyon: "Labanan ng Negro sa Madilim na Gua." Ang pariralang ito ay tumutukoy sa pamagat ng mapaglarong larawan ng Pranses na mamamahayag, manunulat at artista na si Alphonse Allais "Labanan ng Negroes sa isang Madilim na Gua sa Lalim ng Gabi", na kung saan ay isang ganap na itim na parihaba.

Melodrama ng Austrian Mona Lisa

Gustav Klimt, "Larawan ng Adele Bloch-Bauer", 1907.

Ang isa sa mga pinaka makabuluhang mga kuwadro na gawa sa Klimt ay naglalarawan sa asawa ng magnitude na asukal ng Austrian na si Ferdinad Bloch-Bauer. Pinag-uusapan ng lahat ng Vienna ang magulong romansa sa pagitan ng Adele at ng sikat na artista. Ang nasugatan na asawa ay nais na maghiganti sa kanyang mga mahilig, ngunit pumili ng isang hindi pangkaraniwang paraan: nagpasya siyang mag-order kay Klimt ng isang larawan ni Adele at pilitin siyang gumawa ng daan-daang mga sketch hanggang sa magsimulang tumalikod ang artista mula sa kanya.

Gusto ni Bloch-Bauer na tumagal ng maraming taon ang gawain, at makikita ng modelo kung paano kumalanta ang mga damdamin ni Klimt. Ginawa niya ang isang mapagbigay na alok sa artist, na hindi niya maaaring tanggihan, at ang lahat ay naka-alinsunod sa sitwasyon ng isang nalinlang asawa: ang gawain ay nakumpleto sa 4 na taon, ang mga mahilig ay matagal nang pinalamig sa bawat isa. Si Adele Bloch-Bauer ay hindi kailanman nalaman na ang kanyang asawa ay may kamalayan sa kanyang kaugnayan kay Klimt.

Ang pagpipinta na nagbalik kay Gauguin

Si Paul Gauguin, Saan Kami Galing? Sino tayo? Saan tayo Pupunta?, 1897-1898.

Ang pinakatanyag na pagpipinta ni Gauguin ay may isang kakaiba: ito ay "basahin" hindi mula kaliwa hanggang kanan, ngunit mula sa kanan papunta sa kaliwa, tulad ng mga tekstong Kabbalistic kung saan interesado ang artista. Ito ay sa pagkakasunud-sunod na ang talinghaga ng espiritwal at pisikal na buhay ng isang tao ay lumalakad: mula sa kapanganakan ng kaluluwa (isang natutulog na bata sa ibabang kanang sulok) hanggang sa hindi maiiwasang oras ng kamatayan (isang ibon na may butiki sa mga claws nito sa ibabang kaliwang sulok).

Ang pagpipinta ay ipininta ni Gauguin sa Tahiti, kung saan maraming beses nang tumakas ang artista mula sa sibilisasyon. Ngunit sa oras na ito ang buhay sa isla ay hindi gumana: ang kabuuang kahirapan ang humantong sa kanya sa pagkalumbay. Nang matapos ang canvas, na magiging kanyang espirituwal na testamento, kumuha si Gauguin ng isang kahon ng arsenic at nagpunta sa mga bundok upang mamatay. Gayunpaman, hindi niya nabilang ang dosis at nabigo ang pagpapakamatay. Kinaumagahan, tumba, gumala siya sa kanyang kubo at nakatulog, at nang magising siya, nakaramdam siya ng nakalimutan na uhaw sa buhay. At noong 1898 ang kanyang mga gawain ay umakyat, at isang mas maliwanag na panahon ay nagsimula sa kanyang trabaho.

112 mga kawikaan sa isang larawan

Si Pieter Bruegel ang Elder, Mga Kawikaan ng Dutch, 1559

Inilarawan ni Pieter Bruegel Sr. ang isang lupain na tinatahanan ng mga literal na larawan ng mga kawikaang Dutch noong mga panahong iyon. Mayroong humigit-kumulang na 112 nakikilalang mga idyoma sa pagpipinta. Ang ilan sa mga ito ay ginagamit hanggang sa araw na ito, tulad ng: "paglangoy laban sa stream", "putok ang iyong ulo laban sa dingding", "armado sa ngipin" at "isang malaking isda ang kumakain ng isang maliit."

Ang iba pang mga kawikaan ay sumasalamin sa katangahan ng tao.

Paksa ng sining

Si Paul Gauguin, "Breton Village sa ilalim ng niyebe", 1894

Ang pagpipinta ni Gauguin na "Breton Village in the Snow" ay nabili pagkatapos ng pagkamatay ng may-akda para sa pitong franc lamang at, bukod dito, sa pangalang "Niagara Falls". Ang taong nagsasagawa ng auction ay hindi sinasadyang isinabit ang pagpipinta nang baligtad, nakakakita ng isang talon sa loob nito.

Nakatagong larawan

Pablo Picasso, The Blue Room, 1901

Noong 2008, inihayag ng infrared radiation ang isa pang imahe na nakatago sa ilalim ng Blue Room - isang larawan ng isang tao na nakasuot ng suit na may bow tie at pinapatong ang kanyang ulo sa kanyang braso. "Sa sandaling may bagong ideya si Picasso, kumuha siya ng isang brush at nilagyan ito. Ngunit hindi siya nagkaroon ng pagkakataon na bumili ng bagong canvas tuwing bisitahin siya ng kanyang muse, "ipinaliwanag ng kritiko ng sining na si Patricia Favero ang posibleng dahilan para dito.

Hindi magagawang mga Morocco

Zinaida Serebryakova, "Hubad", 1928

Sa sandaling natanggap ni Zinaida Serebryakova ang isang nakakaakit na alok - upang pumunta sa isang malikhaing paglalakbay upang ilarawan ang mga hubad na numero ng mga oriental na dalaga. Ngunit ito ay naging imposible upang makahanap ng mga modelo sa mga lugar na iyon. Ang tagasalin ni Zinaida ay dumating sa pagligtas - dinala niya sa kanya ang kanyang mga kapatid na babae at nobya. Walang sinuman bago at pagkatapos na pinamamahalaang upang makuha ang saradong mga oriental na kababaihan na hubo.

Kusang pananaw

Si Valentin Serov, "Larawan ng Nicholas II sa isang Jacket", 1900

Sa loob ng mahabang panahon ay hindi maipinta ni Serov ang isang larawan ng Tsar. Nang lubusang sumuko ang artista, humingi siya ng paumanhin kay Nikolai. Medyo nagalit si Nikolai, naupo sa lamesa, inunat ang kanyang mga braso sa harap niya ... At pagkatapos ay sumikat ito sa artista - narito siya! Isang simpleng militar na lalaki sa dyaket ng isang opisyal na may malinaw at malungkot na mga mata. Ang larawang ito ay itinuturing na pinakamagandang paglalarawan ng huling emperador.

Deuce ulit

© Fedor Reshetnikov

Ang sikat na pagpipinta na "Deuce Muli" ay pangalawang bahagi lamang ng artistikong trilogy.

Ang unang bahagi ay "Pagdating para sa Bakasyon". Malinaw na mayaman ang pamilya, pista opisyal ng taglamig, masayang mahusay na mag-aaral.

Ang pangalawang bahagi ay "Deuce muli". Ang isang mahirap na pamilya mula sa isang suburb na nagtatrabaho sa klase, ang taas ng taon ng pag-aaral, isang nalulumbay, natigilan, ay muling nakakuha ng isang deuce. Sa itaas na kaliwang sulok maaari mong makita ang larawan na "Dumating para sa Bakasyon".

Ang ikatlong bahagi ay "Re-examination". Ang isang bahay ng bansa, tag-araw, lahat ay naglalakad, ang isang nakakahamak na ignoramus, na nabigo sa taunang pagsusulit, ay pinilit na umupo sa loob ng apat na pader at cram. Sa itaas na kaliwang sulok makikita mo ang pagpipinta na "Deuce ulit".

Paano ipinanganak ang mga masterpieces

Joseph Turner, Ulan, singaw at Bilis, 1844

Noong 1842, naglalakbay si Mrs Simon sa pamamagitan ng tren sa England. Biglang nagsimula ang isang malakas na ulan. Ang nakatatandang ginoo na nakaupo sa tapat niya ay bumangon, binuksan ang bintana, natigil ang kanyang ulo sa labas at tinitigan ito nang sampung minuto. Hindi maipasok ang kanyang pagkamausisa, binuksan din ng babae ang bintana at nagsimulang tumingin sa unahan. Pagkalipas ng isang taon, natuklasan niya ang pagpipinta na "Ulan, singaw at Bilis" na ipinapakita sa Royal Academy of Arts at nakilala sa parehong yugto sa tren.

Aralin sa anatomya mula kay Michelangelo

Michelangelo, The Creation of Adam, 1511

Ang isang pares ng mga Amerikanong neuroanatomy eksperto ay naniniwala na si Michelangelo talaga ay nag-iwan ng ilang mga anatomical na guhit sa isa sa kanyang pinakatanyag na gawa. Naniniwala sila na mayroong isang malaking utak sa kanang bahagi ng larawan. Nakakagulat, kahit na ang mga kumplikadong sangkap tulad ng cerebellum, optic nerbiyos at pituitary gland ay matatagpuan. At ang malambot na berdeng laso ay perpektong tumutugma sa lokasyon ng vertebral artery.

Ang Huling Hapunan ni Van Gogh

Vincent Van Gogh, Cafe Terrace sa Gabi, 1888

Naniniwala ang mananaliksik na si Jared Baxter na ang pagtatalaga sa "Huling Hapunan" ni Leonardo da Vinci ay naka-encrypt sa pagpipinta ni Van Gogh na "Cafe Terrace at Night". Sa gitna ng larawan ay isang waiter na may mahabang buhok at isang puting tunika na kahawig ng mga damit ni Cristo, at sa paligid niya ay eksaktong 12 mga bisita sa café. Gayundin, iginuhit ni Baxter ang krus na matatagpuan mismo sa likuran ng likuran ng waiter na puti.

Ang imahe ng memorya ni Dali

Salvador Dali, The Persistence of Memory, 1931

Hindi lihim na ang mga saloobin na dumalaw kay Dali sa panahon ng paglikha ng kanyang mga masterpieces ay palaging nasa anyo ng napaka-makatotohanang mga imahe, na inilipat ng artista sa canvas. Kaya, ayon sa may-akda mismo, ang pagpipinta na "The Persistence of Memory" ay ipininta bilang isang resulta ng mga asosasyon na lumitaw sa paningin ng naproseso na keso.

Ano ang Sinasabi ng Munch Shout

Edvard Munch, The Scream, 1893.

Pinag-usapan ni Munch ang tungkol sa kanyang ideya ng isa sa mga pinaka-mahiwagang pagpipinta sa pagpipinta sa mundo: "Naglalakad ako sa landas kasama ang dalawang kaibigan - ang araw ay naglalagay - biglang umikot ang kalangitan ng dugo, tumigil ako, naramdaman na pagod, at nakasandal sa bakod - tumingin ako sa dugo at apoy sa ibabaw ng mala-bughaw-itim na fjord at lungsod - nagpatuloy ang aking mga kaibigan, at tumayo ako, nanginginig sa tuwa, nadarama ang isang walang katapusang sigaw na tumusok sa likas na katangian. " Ngunit anong uri ng paglubog ng araw ang maaaring takutin ang artist kaya?

Mayroong isang bersyon na ang ideya ng "Scream" ay ipinanganak sa Munch noong 1883, nang maganap ang maraming malakas na pagsabog ng bulkan ng Krakatoa - napakalakas na binago nila ang temperatura ng kalangitan ng Earth sa pamamagitan ng isang degree. Isang masaganang dami ng alikabok at abo na kumalat sa buong mundo, kahit na umaabot sa Norway. Para sa ilang mga gabi nang sunud-sunod, ang mga sunsets ay tumingin na parang darating ang pahayag - ang isa sa kanila ay naging mapagkukunan ng inspirasyon para sa artist.

Isang manunulat sa gitna ng mga tao

Si Alexander Ivanov, "Ang Hitsura ni Cristo sa Mga Tao", 1837-1857.

Dose-dosenang mga sitters ang nag-posibilidad para kay Alexander Ivanov para sa kanyang pangunahing larawan. Ang isa sa kanila ay hindi kilala kaysa sa mismong artista. Sa background, kasama ng mga manlalakbay at Roman na mga mangangabayo na hindi pa naririnig ang sermon ni Juan Bautista, maaari kang makakita ng isang karakter sa isang tuning ng korchin. Sinulat ito ni Ivanov mula kay Nikolai Gogol. Ang manunulat ay malapit na nakipag-ugnay sa artist sa Italya, lalo na sa mga isyu sa relihiyon, at binigyan siya ng payo sa proseso ng pagpipinta. Naniniwala si Gogol na si Ivanov "ay matagal nang namatay para sa buong mundo, maliban sa kanyang trabaho."

Ang gout ni Michelangelo

Raphael Santi, School of Athens, 1511.

Lumilikha ng sikat na fresco na "The School of Athens", iminungkahi ni Raphael ang kanyang mga kaibigan at kakilala sa mga imahe ng mga sinaunang pilosopong Greek. Ang isa sa kanila ay si Michelangelo Buonarotti "sa papel na" Heraclitus. Sa loob ng maraming siglo, pinanatili ng fresco ang mga lihim ng personal na buhay ni Michelangelo, at ang mga modernong mananaliksik ay gumawa ng pag-aakala na ang kakaibang anggular ng tuhod ng artista ay nagpapahiwatig ng pagkakaroon ng magkasanib na sakit.

Ito ay marahil, na ibinigay ang pamumuhay at kondisyon ng pagtatrabaho ng mga artista ng Renaissance at talamak na workaholism ni Michelangelo.

Salamin ni Arnolfini

Jan van Eyck, "Portrait ng Arnolfini Couple", 1434

Sa salamin sa likuran ng mag-asawang Arnolfini, makikita mo ang pagmuni-muni ng dalawa pang tao sa silid. Malamang, ito ay mga saksi na naroroon sa pagtatapos ng kontrata. Ang isa sa kanila ay si van Eyck, tulad ng napatunayan ng inilagay na inskripsiyon ng Latin, salungat sa tradisyon, sa itaas ng salamin sa gitna ng komposisyon: "Narito si Jan van Eyck." Ito ay kung paano ang mga kontrata ay karaniwang selyadong.

Kung gaano kakulangan ang naging talento

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Larawan sa sarili sa edad na 63, 1669.

Pinag-aralan ng mananaliksik na si Margaret Livingston ang lahat ng mga sariling larawan ng Rembrandt at natuklasan na ang artista ay nagdusa mula sa squint: sa mga imahe ang kanyang mga mata ay tumingin sa iba't ibang direksyon, na hindi nasusunod sa mga larawan ng ibang tao ng master. Ang sakit na humantong sa ang katunayan na ang artist ay mas mahusay na makaramdam ng katotohanan sa dalawang sukat kaysa sa mga taong may normal na pangitain. Ang kababalaghan na ito ay tinatawag na "stereo blindness" - ang kawalan ng kakayahang makita ang mundo sa 3D. Ngunit dahil ang pintor ay kailangang gumana sa isang dalawang dimensional na imahe, ang napaka-pagkukulang na ito ng Rembrandt ay maaaring isa sa mga paliwanag para sa kanyang kahanga-hangang talento.

Walang kasalanan Venus

Sandro Botticelli, Ang Kapanganakan ng Venus, 1482-1486.

Bago ang hitsura ng The Birth of Venus, ang paglalarawan ng isang hubad na babaeng katawan sa pagpipinta ay sumisimbolo lamang sa ideya ng orihinal na kasalanan. Si Sandro Botticelli ay ang unang pintor ng Europa na walang nakitang kasalanan sa kanya. Bukod dito, ang mga kritiko sa sining ay sigurado na ang paganong diyosa ng pag-ibig ay sumisimbolo ng isang imahe ng Kristiyano sa fresco: ang kanyang hitsura ay isang alegorya ng muling pagkabuhay ng isang kaluluwa na sumailalim sa ritwal ng pagbibinyag.

Lute player o lute player?

Si Michelangelo Merisi da Caravaggio, The Lute Player, 1596.

Sa loob ng mahabang panahon, ang pagpipinta ay ipinakita sa Hermitage sa ilalim ng pamagat na "The Lute Player". Noong simula lamang ng ikadalawampu siglo, sumang-ayon ang mga kritiko sa sining na ang canvas ay naglalarawan pa rin ng isang binata (marahil, ang kanyang pamilyar na artista na si Mario Minniti ay nagmula sa Caravaggio): sa mga tala sa harap ng musikero, maaari mong makita ang pag-record ng bahagi ng bass ng madrigal na si Jacob Arcadelt "Alam mo na mahal kita" ... Ang isang babae ay hindi maaaring gumawa ng ganoong pagpipilian - mahirap lamang sa kanyang lalamunan. Bilang karagdagan, ang tono, tulad ng biyolin sa pinakadulo ng larawan, ay itinuturing na isang instrumento ng lalaki sa panahon ng Caravaggio.

Pagdating sa pagpipinta, ang imahinasyon ay may posibilidad na magpinta ng mga pastor at magagandang larawan. Ngunit sa katunayan, ang pinong sining ay multifaceted. Ito ay nangyari na mula sa ilalim ng brush ng mahusay na mga artista napaka-kontrobersyal na mga pintura ay lumabas, na kung saan halos hindi sinuman ang nais na mag-hang sa bahay. Sa aming pagsusuri sa 10 pinaka-kahila-hilakbot na mga kuwadro na gawa ng mga sikat na artista.

1. Ang mahusay na pulang dragon at ang halimaw mula sa dagat. William Blake

Kilala si William Blake ngayon para sa kanyang mga kopya at romantikong tula, ngunit sa kanyang buhay ay halos hindi niya pinahahalagahan. Ang mga kopya at ilustrasyon ni Blake ay mga klasiko ng romantikong istilo, ngunit ngayon titingnan natin ang isang serye ng mga pintura ng watercolor na Blake na naglalarawan sa mahusay na pulang dragon mula sa aklat ng Pahayag. Ang pagpipinta na ito ay naglalarawan ng isang malaking pulang dragon, ang sagisag ng diyablo, na nakatayo sa isang pitong ulo na hayop sa dagat.

2. Pag-aaral ng larawan ng larawan ng Innocent X ni Velazquez. Francis Bacon

Si Francis Bacon ay isa sa mga pinaka-maimpluwensyang artista noong ika-20 siglo. Ang kanyang mga kuwadro na gawa, kapansin-pansin sa kanilang katapangan at kadiliman, ay ibinebenta ng milyun-milyong dolyar. Sa kanyang buhay, madalas na ipininta ni Bacon ang kanyang sariling mga pagpapakahulugan sa larawan ni Pope Innocent X. Sa orihinal na akda ni Velazquez, si Pope Innocent X ay nagmumuni-muni mula sa canvas, habang ipinakita ni Bacon na sumisigaw.

3. Dante at Virgil sa impiyerno. Adolphe William Bouguereau

Ang Infante ni Dante, kasama ang paglalarawan ng kakila-kilabot na pagpapahirap, ay nagbigay inspirasyon sa mga artista mula nang mailathala ang gawaing ito. Ang Bouguereau ay higit na kilala sa kanyang makatotohanang mga larawan ng mga klasikal na eksena, ngunit sa pagpipinta na ito ay inilalarawan niya ang isang bilog ng impiyerno, kung saan ang mga impostor ay patuloy na nakikipaglaban, na nakawin ang mga pagkakakilanlan ng bawat isa sa pamamagitan ng isang kagat.

4. Kamatayan ng Marat. Edvard Munch

Ang Edvard Munch ay ang pinakasikat na pintor sa Norway. Ang kanyang tanyag na pagpipinta na "The Scream", na kung saan ay nagpapakilala sa pananabik, ay mahigpit na nalilinis sa isipan ng sinumang tao na hindi malasakit sa sining. Si Marat ay isa sa mga nangungunang pinuno sa politika ng Rebolusyong Pranses. Dahil nagdusa si Marat mula sa isang sakit sa balat, gumugol siya ng halos araw sa banyo, kung saan nagtatrabaho siya sa kanyang mga gawa. Doon napatay si Marat ni Charlotte Corday. Ang pagkamatay ni Marat ay inilalarawan ng higit sa isang artista, ngunit ang pagpipinta ni Munch ay lalo na makatotohanang at malupit.

5. Malubhang ulo. Theodore Gericault

Ang pinakatanyag na gawa ni Gericault ay ang The Raft of Medusa, isang malaking pagpipinta sa isang romantikong istilo. Bago lumikha ng mga pangunahing gawa, pininturahan ni Gericault ang mga pinturang "warm-up" tulad ng "Severed Heads", kung saan ginamit niya ang mga totoong limb at pinutol ang ulo. Kinuha ng artista ang naturang materyal sa morgues.

6. tukso ni San Anthony. Matthias Grunewald

Si Grunewald ay madalas na nagpinta ng mga imaheng pangrelihiyon sa isang medieval style, bagaman nabuhay siya sa panahon ng Renaissance. Nagpasa si Saint Anthony ng maraming pagsubok sa kanyang pananampalataya habang nakatira sa ilang. Ayon sa isa sa mga alamat, pinatay si Saint Anthony ng mga demonyo na naninirahan sa yungib, ngunit kalaunan ay nabuhay muli at sinira sila. Ang pagpipinta na ito ay naglalarawan kay Saint Anthony na inaatake ng mga demonyo.

7. Buhay pa rin mula sa mga maskara. Emil Nolde

Si Emil Nolde ay isa sa mga pinakaunang pinakitang pintor ng Expressionista, bagaman ang kanyang katanyagan ay agad na pinamalayan ng maraming iba pang mga Expressionist tulad ng Munch. Ang kakanyahan ng kilusang ito ay isang pagbaluktot ng katotohanan upang ipakita ang isang subjective point of view. Ang pagpipinta na ito ay kinuha ng artist pagkatapos suriin ang mga mask sa Berlin Museum.

8. Nilamon ni Saturn ang kanyang anak. Francisco Goya

Sa mga mito ng Roma, na higit sa lahat batay sa mitolohiya ng Griego, kinain ng ama ng mga diyos ang kanyang sariling mga anak upang hindi nila siya pawiin. Ito ang gawa ng pagpatay sa mga bata na inilalarawan ni Goya. Ang pagpipinta ay hindi inilaan para sa publiko, ngunit ipininta sa dingding ng bahay ng artista kasama ang maraming iba pang mga madilim na pintura, na kolektibong kilala bilang "Itim na Pagpipinta".

9. Judith at Holofernes. Caravaggio

Sa Lumang Tipan mayroong isang kwento tungkol sa matapang na biyuda na si Judith. Inatake ng Judea ang isang hukbo na pinangunahan ng kumander na si Holofernes. Lumabas si Judith sa labas ng mga pader ng lungsod at nagtungo sa kampo ng hukbo na kinubkob ang lungsod. Doon siya, sa tulong ng kanyang kagandahan, hinimok si Holofernes. Kapag natutulog ang komandante na lasing sa gabi, pinutol ng ulo ni Judith. Ang tanawin na ito ay lubos na tanyag sa mga artista, ngunit ang bersyon ng Caravaggio ay lalo na katakut-takot.

10. Hardin ng makalupang kasiyahan. Hieronymus Bosch

Karaniwan ang Hieronymus Bosch ay nauugnay sa kamangha-manghang at relihiyosong mga kuwadro. Ang Hardin ng Earthly Delights ay isang triptych. Ang tatlong mga panel ng larawan ayon sa pagkakabanggit ay naglalarawan sa Hardin ng Eden at ang paglikha ng sangkatauhan, ang Hardin ng makalupang kagalakan at ang Parusa para sa mga kasalanan na nangyayari sa halamanan sa lupa. Ang mga gawa ni Bosch ay ilan sa mga pinaka nakakamanghang ngunit pinakamagagandang gawa sa kasaysayan ng sining ng Kanluranin.

Sa larawan ni Vladimir Borovikovsky - Maria Lopukhina, na namatay nang maaga mula sa pagkonsumo

Ang mga nakakatakot na kuwento ay sinabi tungkol sa larawan ni Maria Lopukhina ni Vladimir Borovikovsky kahit na sa panahon ni Pushkin. Siya ay isinulat kasama ang anak na babae ng maharlika na si Ivan Tolstoy, isang mystic at master ng Masonic lodge, na namatay nang maaga mula sa pagkonsumo ng pagkonsumo. Nabalitaan na kung ang isang batang babae ay tumitingin sa larawan, ibibigay niya sa kaluluwa ang kanyang kaluluwa sa Diyos. Sa mga salon ay bulong na kahit isang dosenang marangal na dalaga ng may edad na kasal ay naging biktima ng larawan ng diyablo. Tulad ng, ang kaluluwa ng namatay na Lopukhina ay nakatira doon, at kumuha siya ng mga kaluluwa.
Matapos ang canvas ay ipinakita sa gallery para makita ng lahat, pag-usapan ang tungkol sa sumpa ay medyo humupa. Bagaman, ayon sa tradisyon, ang larawan ay isinasaalang-alang pa rin na "walang palad". Noong 1880, ang canvas ay nakuha ng sikat na philanthropist na Tretyakov. Si Pavel Tretyakov sa kanyang gallery ay nag-hang ng dalawang kamangha-manghang mga gawa ng artist na Borovikovsky Vladimir Lukich (1757-1826) - larawan ng isang sekular na kagandahan Lopukhina at si Prince Kurakin na katabi ng bawat isa. Ang mga larawan ay pininturahan ng isang kamay, kaya't inilagay sila ng kolektor, ngunit hindi iyon ang nangyari, sa umaga ang isang larawan ng hindi kapani-paniwala na si Kurakin ay natagpuan sa sahig na may isang basag na frame. Ang kagandahang kagandahang-loob ay hindi nagustuhan ng kapitbahayan ng prinsipe.Ang Tretyakov, nang walang pag-aatubili, ay nagsimulang pag-aralan ang kasaysayan ng buhay ng mga tao na ang mga imaheng nakuha niya para sa kanyang koleksyon at natuklasan ang kagiliw-giliw na katotohanan na kahit sa mga buhay na ito, ang batang kagandahan na si Lopukhina ay hindi maaaring tumayo sa nag-iisang prinsipe, na nag-drag kasabay ng mga kababaihan ...

Ang visual arts ay palaging itinuturing na malapit na nauugnay sa mystical sphere. Pagkatapos ng lahat, ang anumang imahe ay isang masigasig na imprint ng orihinal, lalo na pagdating sa mga larawan. Ito ay pinaniniwalaan na nagagawa nilang maimpluwensyahan hindi lamang sa mga sinulat nila, kundi pati na rin sa ibang mga tao. Hindi na kailangang tumingin sa malayo para sa mga halimbawa: bumalik tayo sa pagpipinta ng Ruso noong ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo.

Ilya Repin - isang bagyo para sa mga sitters?

Larawan ng manunulat na A.F. Pisemsky

Masidhi ang sinumang magtatalo na si Ilya Efimovich Repin ay isa sa mga pinakadakilang pintor ng Russia. Ngunit mayroong isang kakaiba at trahedya na pangyayari: marami ang nagkaroon ng karangalan na pagiging kanyang mga sitters ay namatay. Kabilang sa mga ito ay Mussorgsky, Pisemsky, Pirogov, ang aktor na Italyano na si Mercy d'Arzhanto. Sa sandaling kinuha ng artist ang larawan ni Fyodor Tyutchev, namatay din siya. Siyempre, sa lahat ng mga kaso ay may mga layunin na dahilan para sa kamatayan, ngunit narito ang mga coincidences ... Maging ang mga mabibigat na kalalakihan na nag-posing sa pagpipinta ni Repin na "Barge Haulers on the Volga", sinabi nila, na paunang binigyan ng Diyos ang kanilang kaluluwa.

Hindi pinatay ni Ivan the Terrible ang kanyang anak!

Ang kwento na si Ivan the Terrible ay isang pagpatay ay isang alamat lamang. Ito ay pinaniniwalaan na pinatay ni Ivan the Terrible ang kanyang anak na umaangkop sa galit na may suntok sa templo na may isang kawani. Ang mga dahilan para sa iba't ibang mga mananaliksik ay naiiba: mula sa pang-araw-araw na pag-aaway hanggang sa pampulitikang alitan. Samantala, wala sa mga mapagkukunan na direktang nagsasabi na ang prinsipe at tagapagmana sa trono ay pinatay ng kanyang sariling ama! Sinasabi ng Piskarevsky Chronicler: "Sa ika-12 ng umaga sa gabi ng tag-araw ng Nobyembre 7090 sa ika-17 araw ... ang pagkamatay ni Tsarevich John Ioannovich." Ang Novgorod Fourth Chronicle ay nag-ulat: "Sa parehong taon (7090), namatay si Tsarevich Ioannovich sa Matins sa Sloboda." Ang sanhi ng kamatayan ay hindi pinangalanan. Noong 60s ng huling siglo, ang mga libingan ni Ivan the Terrible at ang kanyang anak ay binuksan. Ang bungo ng prinsipe ay walang pinsala na katangian ng isang pinsala sa utak. Dahil dito, wala nang filicide ?! Ngunit saan nagmula ang alamat tungkol sa kanya? Ang may-akda nito ay isang monghe na Jesuit na si Anthony Possevin (Antonio Possevino), na ipinadala sa Moscow bilang isang embahador mula sa Papa na may panukala para sa Orthodox Church na sumailalim sa pamamahala ng Vatican. Ang ideya ay hindi suportado ng tsar ng Russia. Samantala, si Possevin ay sinasabing naging isang nakasaksi sa iskandalo ng pamilya. Nagalit ang soberanya sa kanyang buntis na manugang, asawa ng anak ni Ivan, para sa kanyang "malaswang hitsura" - nakalimutan niyang ilagay sa isang sinturon, o nakasuot lamang siya ng isang sando, habang dapat itong magsuot ng apat. Sa init ng sandaling ito, sinimulan ng biyenan na talunin ang kapus-palad na babae sa kanyang mga tauhan. Ang prinsipe ay nanindigan para sa kanyang asawa: bago iyon, ipinadala na ng kanyang ama ang kanyang dalawang unang asawa sa monasteryo, na hindi makapag-isip sa kanya. Si Juan na Bata ay makatuwirang natatakot na mawala siya sa pangatlo - papatayin siya ng kanyang ama. Siya ay nagmadali sa pari, at siya, na umaangkop sa galit, sinaktan kasama ang kanyang tauhan at sinuntok ang templo ng kanyang anak. Gayunpaman, bukod sa Possevin, hindi isang solong mapagkukunan ang nagpapatunay sa bersyon na ito, bagaman kalaunan ay kusang kinuha ito ng iba pang mga istoryador - sina Staden at Karamzin. Iminumungkahi ng mga modernong mananaliksik na naimbento ng Jesuit ang alamat bilang paghihiganti sa katotohanan na kailangan niyang bumalik sa korte ng papal nang hindi sinasadya. Sa panahon ng paghinga, ang mga labi ng mga lason ay natagpuan sa mga buto ng prinsipe. Maaaring ipahiwatig nito na si John the Young ay namatay dahil sa pagkalason (na hindi pangkaraniwan sa mga oras na iyon), at hindi sa lahat mula sa isang suntok na may isang matigas na bagay! Gayunpaman, sa pagpipinta ni Repin nakikita namin nang eksakto ang bersyon ng pagsasama. Ito ay naisakatuparan ng isang pambihirang posibilidad na hindi makakatulong ang isang tao na paniwalaan na ang lahat ng nangyari sa ganoong paraan. Samakatuwid, siyempre, ang "nakamamatay" na enerhiya. Noong 1963, ang libingan ni Ivan the Terrible at ang kanyang anak na si Tsarevich John, ay binuksan sa Kremlin's Archangel Cathedral. Ang pagsusuri ay walang nakitang pinsala sa bungo ng prinsipe. Gayunpaman, ang isa pang nakausli na katotohanan - ang mercury ay matatagpuan sa mga buto ng prinsipe, si Ivan the Terrible mismo at kalaunan ang kanyang ina at unang asawa - Anastasia Romanova. Maraming mercury - isang halaga na maraming beses ang nakamamatay na dosis. Ito ay lumiliko na ang dinastiya ay sistematikong hinagupit sa loob ng mahabang panahon. Marahil si Ivan ang kakila-kilabot ay hindi masyadong kakila-kilabot?

Gayunpaman, ang pinaka-kahila-hilakbot na kuwento ang nangyari sa pagpipinta na "Ivan the Terrible at ang kanyang anak na si Ivan noong Nobyembre 16, 1581", na sa ating panahon ay mas kilala bilang "Ivan the Terrible na pumapatay sa kanyang anak." Kahit na ang mga balanseng tao, kapag tinitingnan ang canvas, ay hindi komportable: ang tanawin ng pagpatay ay isinulat na masyadong realistiko, napakaraming dugo sa canvas, na tila totoo.
Ang canvas na ipinakita sa Tretyakov Gallery ay gumawa ng isang kakaibang impression sa mga bisita. Ang ilan ay humahagulgot sa harap ng pagpipinta, ang iba ay nahuhulog, at ang iba pa ay may mga guwapo. At ang pintor ng batang icon na si Abram Balashov noong Enero 16, 1913, pinutol ang canvas na may kutsilyo. Ipinadala siya sa isang asylum para sa may sakit sa pag-iisip, kung saan siya namatay. Naibalik ang canvas.
Ito ay kilala na si Repin ay nag-atubiling nang matagal bago kumuha ng litrato ni Ivan the Terrible. At sa mabuting dahilan. Ang artist Myasoedov, na kung saan ang imahe ng tsar ay ipininta, sa lalong madaling panahon sa galit halos natapos ang kanyang batang anak na lalaki, na tinawag din na si Ivan, tulad ng pinatay na prinsipe. Ang imahe ng huli ay isinulat mula sa manunulat na si Vsevolod Garshin, na kalaunan ay nagalit at nagpakamatay sa pamamagitan ng pagkahagis ng kanyang sarili sa isang paglipad ng hagdan ... Ang manunulat na si Garshin, na inilalarawan ni Repin bilang Tsarevich Ivan sa pagpipinta na "Ivan the Terrible at His Son na si Ivan", ay namatay nang malinaw sa harap ng kanyang oras: nagpakamatay siya sa edad na 33, itinapon ang kanyang sarili mula sa tuktok ng stairwell papunta sa pagbubukas ng intermarch. Ang pinsala sa utak ng traumatic ay lumala, ngunit ang pinaka nakakagulat na si Garshin ay sumabog ang kanyang ulo sa mismong lugar na ipinahiwatig ng artist sa sikat na canvas dalawang taon bago ang pagpapakamatay ng manunulat - sinaktan ni Ivan the Terrible ang kanyang anak, na naging para sa Garshin isang simbolo ng kanyang hindi nasisiyahan na kapalaran. sa kaliwang templo. Ang artista ay alinman sa nahanap, op ang karagdagang kapalaran ni Garshin, na gumanap ng pangunahing papel sa pinaka-nakakabagbag-damdaming larawan ni Repin, ay nakabalangkas.
Ang mystical coincidence of date ay nakumpleto ang pagpatay sa tila mga aksidente: Nagpakamatay si Garshin noong Abril 5, 1888 sa edad na 33, sa kaarawan lamang ni Ivan Ioannovich, anak ni Ivan the Terrible, na ipinanganak noong Abril 5, 1554. Ang espiritu ng pinatay tsarevich, binuhay muli sa canin ni Repin, pinatawag ang kaluluwa ng manunulat. , na nangahas na maging isang modelo para sa isang artista na hindi sinasadya na gumawa ng isang pagkilos ng hindi pagkilos (mahiwagang pagpatay sa itinatanghal na tao).

Bangungot ng mga Ministro

Sa sandaling si Repin ay inatasan ng isang napakalaking napakalaking pagpipinta na "Ang seremonya ng pagpupulong ng Konseho ng Estado."
Ang pagpipinta ay nakumpleto sa pagtatapos ng 1903. At noong 1905, sumugod ang unang rebolusyong Ruso, kung saan ang mga pinuno ng mga opisyal ay naglalarawan sa canvas ay lumipad. Ang ilan ay nawala ang kanilang mga post at titulo, ang iba ay nagbabayad nang buong buhay: Ministro V.K. Si Plehve at Grand Duke Sergei Alexandrovich, ang dating gobernador-heneral ng Moscow, ay pinatay ng mga terorista.
Noong 1909, ang pintor, na inatasan ng Saratov City Duma, ay nagpinta ng larawan ni Punong Ministro Stolypin.
Halos hindi niya natapos ang kanyang trabaho nang mabaril si Stolypin sa Kiev.
Sino ang nakakaalam, marahil kung si Ilya Repin ay hindi naging matatalino, maaaring hindi nangyari ang mga trahedya. Noong ika-15 siglo, ang siyentipiko, pilosopo, alchemist at salamangkero na si Cornelius Agrippa ng Nettesheim ay sumulat: "Takot ang brush ng pintor - ang kanyang larawan ay maaaring maging mas buhay kaysa sa orihinal."

Ang nakapipinsalang "Stranger"

Ang "estranghero" ni Ivan Kramskoy ay nagdala ng kasawian sa mga may-ari nito

Ang "The Stranger" ni Ivan Kramskoy (orihinal na pamagat - "Hindi Alam") ay isa sa mga pinaka-mahiwagang obra maestra ng Russian painting. Sa unang sulyap, walang mistikong tungkol sa larawan: ang kagandahan ay nagmamaneho kasama ang Nevsky Prospekt sa isang bukas na karwahe.
Marami ang itinuturing na pangunahing tauhang babae ng Kramskoy isang aristocrat, ngunit ang isang naka-istilong amerikana ng pelus na balahibo na naka-trim ng balahibo at asul na satin ribbons at isang naka-istilong sumbrero na beret, kasabay ng mga namumula na kilay, kolorete sa mga labi at isang sapilitan na pamumula sa kanyang mga pisngi, bigyan siya ng ginang ng kalahating liwanag. Hindi isang puta, ngunit malinaw na pinanatili ang babae ng ilang marangal o mayamang tao. Gayunpaman, kapag tinanong ang artista kung ang babaeng ito ay totoong nasa katotohanan, siya lamang ay ngumisi at nagkibit-balikat. Sa anumang kaso, walang nakilala ang orihinal.
Samantala, tumanggi si Pavel Tretyakov na bumili ng isang larawan para sa kanyang gallery - marahil ay natakot siya sa paniniwala na ang mga larawan ng mga beauties ay "pagsuso ng lakas" mula sa mga nabubuhay na tao. Ang "estranghero" ay nagsimulang maglakbay sa mga pribadong koleksyon. At sa lalong madaling panahon ito ay naging kilalang-kilala. Ang unang may-ari ay pinabayaan ng kanyang asawa, ang bahay ng pangalawang nasunog, at ang pangatlo ay nabangkarote. Ang lahat ng mga kasawian na ito ay naiugnay sa isang nakamamatay na larawan.
Si Kramskoy mismo ay hindi nakatakas sa sumpa. Mas mababa sa isang taon pagkatapos ng paglikha ng "Hindi Alam", dalawa sa kanyang mga anak na lalaki ang namatay isa-isa.
Ang larawang "sinumpaang" ay nagpunta sa ibang bansa. Sinabi nila na doon din niya ayusin ang lahat ng uri ng mga kaguluhan para sa kanyang mga may-ari. Noong 1925, ang "The Stranger" ay bumalik sa Russia at naganap pa rin sa Tretyakov Gallery. Simula noon, wala nang labis na labis.
Siguro ang buong punto ay ang pagkuha ng larawan ay dapat na nakuha ang nararapat na lugar mula sa simula pa?

Karl Pavlovich Bryullov. "Horsewoman"

Ang kasaysayan ng pagpipinta ay nagsasabi sa kuwento ng kapalaran ng pamangkin ng napakatalino na kompositor ng Italya na si N. Paccini, na ang larawan ay ipininta noong 1832 ng isang kamangha-manghang artist Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852). Sa larawan " Sumakay"Inilalarawan ang isang batang Giovannina Paccini, maganda ang pagpepresyo sa isang manipis na paa na kabayo. Sa Roma, sinabi nila na ang batang Giovannina ay masuwerteng, dahil pagkatapos ng pagkamatay ng kanyang tiyuhin, kinuha ng mayaman na babaeng taga-Russia na si Yulia Samoilova para sa edukasyon, ngunit ang kaligayahan ay hindi nagtagal - ang batang babae ay inapakan ng kamatayan ng isang kabayo.

"Hindi katumbas na kasal", Vasily Pukirev

"Hindi katumbas na pag-aasawa" sumulat si Pukirev noong 1862, nang siya ay eksaktong 30 taong gulang. Ang larawan ay natanggap sa iba't ibang paraan. Ang ilan ay nagsabi na "isang napakahusay na balangkas, walang may tulad nito." Ang iba ay tinawag itong "ang trahedya na larawan ng paaralan ng Russia." Gayunpaman, hindi isang solong gallery ang nais na makakuha ng gawaing ito, kaya natuwa si Pukirev na nakuha ng artist A.Borisovsky ang canvas sa isang friendly na paraan. At pagkaraan lamang ng 10 taon, ang "Unequal Marriage" ay binili ni Tretyakov. Nagbayad siya ng 1,500 rubles na pilak, inilagay ito para makita ng lahat - at may kakaibang bagay na nagsimulang mangyari.

Nakakita ng awa sa canvas, sinabi ng Muscovites sa bawat isa na ang may-akda ay naglarawan ng kanyang sariling kalungkutan sa larawan - ang kanyang kasintahan ay pilit na kasal sa isang mayaman na marangal. At ano ang maaaring gawin ng isang mahirap na artista ?! Ilarawan mo lang ang iyong sarili sa tabi ng iyong minamahal. Nakikita mo ba ang isang batang lalaki na may balbas na may itim na may matunog na titig na nakatayo sa kanyang mga bisig na tumawid sa kanang sulok ng larawan? Ito siya ...

At ang mga tsismis na ito ay totoo! Iyon ang dahilan kung bakit napakatindi ng larawan. Tila, nagtatrabaho ito, ang artist, hangga't kaya niya, ay naghihiganti sa sinumpa na mayamang tao - ginawa niyang matanda siya sa imposible. At ang kamangha-manghang - namatay siya kaagad pagkatapos. Ngunit hindi rin ito nakatulong - ang minamahal ay hindi bumalik sa pintor, ngunit nagpunta sa monasteryo. May lagnat ang artista, tiniyak niya na ang sarili niyang pagpipinta ay hinahabol siya. Isa-isa ay gumawa siya ng mga kopya ng kanya, isa sa kung saan siya ay nag-sign na may charcoal mismo sa kanyang imahe. Unti-unti, ininom ni Pukirev ang kanyang sarili hanggang kamatayan, nanirahan sa mga handout mula sa mga kaibigan at namatay sa kahirapan at pagiging malalim sa Hunyo 1, 1890 ...

Sinabi ng mga muscovites sa bawat isa na ang pagpipinta ni Pukirev mismo ay may isang mystical impluwensya. Ang mga matatandang kalalakihan na naghahanda na magpakasal sa mga kabataan ay ganap na hindi makatayo sa harap niya - ang kanyang ulo ay nagsisimula na maging maputi, puso ng iba, at ganap na nawalan ng malay. Hindi kataka-taka na pinangalanan ng tagapakinig ang larawan na "Koschey kasama ang Nobya". Sa pamamagitan ng paraan, ang bantog na manunulat-istoryador na si N. Kostomarov ay nagkumpisal sa kanyang mga kaibigan na, nang makita ang larawan ni Pukirev, pinabayaan niya ang kanyang hangarin na pakasalan ang isang batang babae.

Oo, at sa mga batang babae na may edad na kasal, pagtingin sa larawan, may nagsisimula na mangyari. Alinman ang kasal ay nagkamali, o ang kasal ay hindi masaya. Buweno, kapag ang isang mag-aaral, na bumaba sa pasilyo, ay umalis sa gallery, itinapon ang sarili sa ilalim ng mga gulong ng isang dumaan na trak ng kabayo, ang isang paniniwala ay matatag na naitatag sa mga bride ng Moscow - hindi ka makatingin sa larawan ni Pukirev bago ang kasal!

"Natalo si Demon"

Ang isa sa mga pinakamaliwanag at pinaka-pambihirang genius ng pagpipinta ng Ruso, si Mikhail Vrubel, ay may mga gawa na kung saan ang mga personal na trahedya ng artist ay nauugnay din. "Ang Demon ay natalo" ay may nakapipinsalang epekto sa pag-iisip at kalusugan ng Vrubel mismo.Ang artist ay hindi maaaring mapunit ang kanyang sarili mula sa larawan, ipinagpatuloy niya. idagdag ang mukha ng natalo na Espiritu, pati na rin baguhin ang kulay. Ang "The Demon Defeated" ay nakabitin na sa eksibisyon, at si Vrubel ay patuloy na pumupunta sa bulwagan, hindi pinapansin ang mga bisita, nakaupo sa harap ng pagpipinta at patuloy na nagtatrabaho na parang nagmamay-ari. Nag-aalala ang mga kamag-anak tungkol sa kanyang kondisyon, at sinuri siya ng sikat na psychiatrist na Russian na Bekhterev. Ang diagnosis ay kahila-hilakbot - isang tabes spinal cord, malapit sa kabaliwan at kamatayan. Ang Vrubel ay pinasok sa ospital, ngunit ang paggamot ay hindi nakatulong sa marami, at namatay siya sa lalong madaling panahon.

"Mermaids", Ivan Kramskoy tyts

Si Ivan Nikolaevich Kramskoy ay ayon sa kaugalian na itinuturing na pinuno ng Russian makatotohanang pagpipinta, ang pinuno ng Itinerants. Ngunit ang kamangha-manghang bagay ay sa mga daan-daang mga makatotohanang gawa na nilikha ni Kramskoy, ang pinakatanyag at kaakit-akit na mga canvases ay mystical at misteryoso.Totoo, hindi naisip ni Kramskoy ang tungkol sa mysticism. Ang kanilang "Mga Mermaids" naglihi siya bilang isang canvas "batay sa mga katutubong motibo" na kinuha mula sa "Mayo Night" ni Gogol. Ngunit ito ay naka-out na kakaiba - mabigat na ilaw ng buwan, lawa ng isang bruha, multo na mga mermaid na dumating sa baybayin ng gabi ... Ang mga tagapag-ayos ng unang eksibisyon ng Association of Itinerants (1871) ay nag-hang sa larawang ito sa tabi ng nakakaantig na tanawin ng Savrasov "Nakarating na ang mga Rooks"... At isang hindi pa naganap na nangyari - hindi nagustuhan ng mga mermaids sa gabi ang mga ibon sa araw - sa pinakaunang gabi ng lupa ay nahulog mula sa dingding.

"Ang Mga Rooks Ay Dumating", Alexey Savrasov tyts

Binili ni Tretyakov ang parehong mga kuwadro. Ang "Rooks" ay pinalamutian ang kanyang tanggapan, at "Rusalka" ay hindi makahanap ng isang lugar sa anumang paraan - isinabit niya ito mula sa silid sa silid. Natagpuan niya ang nakakalikhang nilikha. Kung hindi gusto ng ilang canvas ang "kapitbahay", ang mga kuwadro ay nagsimulang "makipaglaban" - pagkatapos ay sumabog ang pintura, pagkatapos ay babasagin ang frame, o kahit na ang isa sa mga kuwadro ay gumuho sa sahig. Ngunit ang "Mermaids" ay kumilos ang pinakamasama sa lahat - mula sa bulwagan kung saan idinagdag sila ni Tretyakov, tahimik na pagdadalamhati ang pagkanta sa gabi. Tumanggi ang mga naglilinis na magtrabaho doon, at ang mga anak ni Tretyakov ay natatakot na maglakad kahit na. Si Tretyakov mismo ay nagsimulang mapansin na sa sandaling nanatili siya sa Mermaids na mas mahaba, nakaramdam siya ng matinding pagkapagod. Pagkatapos ay sinimulang sabihin ng mga bisita na mahirap na panoorin ang eksena mula sa "Mayo Night". At pagkatapos nito, isang tsismis na kumalat sa buong Moscow na ang ilang kabataang babae, na nakakita ng sapat na pagpipinta ni Kramskoy, nalunod ang kanyang sarili sa Yauza. Mabuti na ipinayo sa matandang nars na nakatira sa pamilyang Tretyakov: "Ibitin ito sa pinakamalayo na sulok upang walang sinag na ilaw. Mahirap para sa mga mermaids sa sikat ng araw, na ang dahilan kung bakit hindi sila makakalma kahit sa gabi. At kapag nahulog sila sa mga anino, ihinto nila ang kolobrodin nang sabay-sabay! " At ganon din ang ginawa nila. Simula noon, kung ang mga batang babae sa ilog ay nasa canvas at kinakanta ang kanilang mga awit ng sirena, hindi ito nakakaabala sa mga bisita.

"Ulan na Babae"

Ngayon ito ay nakabitin nang walang isang frame sa isa sa mga tindahan sa Vinnitsa. Ang Rain Woman ay ang pinakamahal sa lahat ng mga gawa: nagkakahalaga ito ng $ 500. Ayon sa mga nagbebenta, ang pagpipinta ay binili nang tatlong beses at pagkatapos ay bumalik. Ipinaliwanag ng mga kliyente na nangangarap sila tungkol sa kanya. At may nagsabi kahit na kilala niya ang babaeng ito, ngunit mula sa kung saan - hindi niya naaalala. At lahat na kahit minsan ay tumingin sa kanyang mga puting mata ay magpakailanman tandaan ang pakiramdam ng isang tag-ulan, katahimikan, pagkabalisa at takot.

Saan nagmula ang hindi pangkaraniwang pagpipinta, sinabi ng may-akda nito - Vinnytsia artist na Svetlana Tales. "Noong 1996 ay nagtapos ako mula sa Odessa Art University. Grekova, - Naaalala ni Svetlana. - At anim na buwan bago ang kapanganakan ng "The Woman" palagi kong naisip na may isang taong patuloy na binabantayan ako. Inalis ko ang gayong mga saloobin mula sa aking sarili, at pagkatapos ng isang araw, sa pamamagitan ng paraan, hindi ito umuulan, umupo ako sa harap ng isang blangkong canvas at naisip kung ano ang iguguhit. At bigla kong nakita ang mga contour ng isang babae, ang kanyang mukha, kulay, shade. Sa isang iglap, napansin ko ang lahat ng mga detalye ng imahe. Mabilis kong isinulat ang pangunahing bagay - pinamamahalaan ko ito sa halos limang oras. Tila may nagmamaneho sa aking kamay. At pagkatapos ay natapos ako sa pagpipinta para sa isa pang buwan. "
Pagdating sa Vinnitsa, ipinakita ni Svetlana ang pagpipinta sa isang lokal na art salon. Ang mga art connoisseurs ay dumarating sa kanya ngayon at pagkatapos ay ibinahagi ang parehong mga saloobin na mayroon siya sa kanyang trabaho.
"Ito ay kagiliw-giliw na obserbahan," sabi ng artista, "kung paano malinis ang isang bagay ay maaaring makamit ang isang pag-iisip at magbigay ng inspirasyon sa ibang tao."
Ilang taon na ang nakalilipas, lumitaw ang unang customer. Ang isang malungkot na negosyante ay lumakad sa mga bulwagan ng mahabang panahon, na tumingin nang malapit. Nang mabili ang "Babae", isinabit ko ito sa aking silid-tulugan.
Pagkalipas ng dalawang linggo, ang kampana ng gabi ay umalingaw sa apartment ni Svetlana: "Mangyaring dalhin siya sa kanya. Hindi ako makatulog. Tila may isang tao sa apartment bukod sa akin. Inalis ko rin ito sa pader, itinago ito sa likod ng aparador, ngunit hindi ko magawa ang lahat ng maaga. "
Pagkatapos ay lumitaw ang isang pangalawang mamimili. Pagkatapos binili ng isang binata ang pagpipinta. At hindi rin niya ito kayang tumayo ng matagal. Dinala niya ito sa artista mismo. At hindi niya binalik ang pera.
"Pangarap ko ito," reklamo niya. - Tuwing gabi lumilitaw ito at naglalakad sa paligid ko na parang anino. Nagsisimula na akong mabaliw. Natatakot ako sa larawang ito!
Ang pangatlong bumibili, nang malaman ang tungkol sa isang namumula na "Babae", ay tinanggal na lamang ito. Sinabi pa niya na ang mukha ng makasalanang babae ay tila maganda sa kanya. At marahil ay makakasama niya ito.
Hindi sumabay.
"Noong una ay hindi ko napansin kung paano maputi ang kanyang mga mata," naalala niya. - At pagkatapos ay nagsimula silang lumitaw kahit saan. Nagsimula ang sakit ng ulo, hindi nababagabag na pagkabahala. Kailangan ko ba ito ?!
Kaya't "Ang Babaeng Babae" ay bumalik sa artista. Kumalat ang mga alingawngaw sa buong lungsod na sinumpa ang larawang ito. Maaari kang magmaneho mabaliw sa magdamag. Ang artista mismo ay hindi na natutuwa na isinulat niya ang naturang kakila-kilabot. Gayunpaman, optimize pa rin si Sveta:
- Ang bawat larawan ay ipinanganak para sa isang tiyak na tao. Naniniwala ako na mayroong isang taong sinulat ng Babae. May naghahanap sa kanya - tulad ng hinahanap niya.

Sinabi ni Anna Akhmatova: "Kapag namatay ang isang tao, nagbago ang kanyang mga larawan." Isang nakamamanghang larawan, ang pagpipinta ay isang malakas na istraktura ng enerhiya. Ang pintor ay hindi lamang nagpinta ng isang canvas sa isang partikular na balangkas - ipinapadala niya ang kanyang damdamin, saloobin, pananaw sa mundo, at pinaka-mahalaga - ang kalooban, na bumubuo ng enerhiya ng artistikong canvas. Tinatawag din itong "catharsis". Kung ang balangkas ng larawan ay bukas na agresibo sa nilalaman, kung gayon ito ay nagiging sanhi ng pagsalakay sa manonood. Dapat pansinin na ang mga larawan at larawan ay nagdadala ng iba't ibang mga energies. Minsan ang artist, nang hindi napagtanto ito, "naglo-load" ang nakikita ng kanyang mga kuwadro na may catharsis, mula kung saan siya mismo ang nagpapalaya sa kanyang sarili sa proseso ng paglikha ng canvas.

Ang mga siyentipiko ng Russia, na sinusuri ang "phantom" na mga imahe ng mga kuwadro na gawa, ay dumating sa konklusyon na ang "Ninth Wave" ng Aivazovsky at isang bilang ng iba pang mga sikat na canvases ay mayroon ding isang malakas na negatibong aura. At habang pinag-aaralan ang enerhiya ng "Black Square" ni Kazimir Malevich, isa sa mga siyentipiko ... nawalan ng malay. "Ito ay isang malaking balut ng madilim na kapangyarihan at enerhiya. Ito ay tulad ng isang larawan na ipininta sa underworld," inamin ng siyentista nang bahagya siyang dinala sa kanyang katinuan. Ang pagpipinta ni Malevich na "Black Square" ay tinalakay bago at pinag-uusapan pa rin ngayon. At hindi lamang upang himukin ang presyo. Hanggang ngayon, wala nang nakakaalam kung ano ang ibig sabihin ng parisukat na ito, at kung ano ang nais ipahiwatig sa kanila ni Malevich. Ang "Black Square" ay isang "itim na butas" sa pagpipinta, pagsuso ng positibo, at pagkahagis ng negatibong enerhiya, na malakas na nakakaapekto sa pag-iisip ng manonood.

Itim na Suprematist Square, 1915

Ngayon ay maaari kong ipagdiwang ang kanyang kaarawan ng isa sa pinaka sikat, matagumpay at natitirang mga artista ng ika-20 siglo - Salvador Dali... Tiyak na minarkahan niya ang sigurado sa ilang mga trick o ibang iskandalo na larawan - ang pagkabigla ay isang mahalagang bahagi ng kanyang buhay at trabaho. Gustung-gusto niyang magpinta ng mga kakatwa, pilitin ang mga tagahanga na tulungan ang kahulugan nito o pagpipinta na iyon. Gayunpaman, ang ilang mga kuwadro na gawa ay nagiging misteryo para sa mga artista mismo. Kaya Kazimir Malevich matapos ang paglikha ng "Black Square" ay inamin niya na hindi siya makakain o makatulog at hindi niya maintindihan ang kanyang nagawa. Ipinapanukala kong tandaan ang iba pang mga mahiwagang larawan.

Mona Lisa ni Leonardo da Vinci

Ang pinakatanyag at isa sa mga pinaka-misteryosong kuwadro sa kasaysayan ng pagpipinta - "Mona Lisa" Leonardo da Vinci... Nagtataka ang mga mananaliksik kung sino ang inilalarawan sa larawan. Ayon sa pangunahing bersyon - si Lisa Gherardini, asawa ng mangangalakal ng Florentine na si Francesco del Giocondo. Sa pamamagitan ng kanyang utos na nilikha ng artist ang sikat na larawan, ngunit sa ilang kadahilanan hindi niya ito ibinigay sa customer. Ngunit may iba pang mga bersyon din. Ayon sa isa sa kanila, pininturahan ni da Vinci ang kanyang katulong na si Salai sa isang babaeng form, at ang pangalang "Mona Lisa" ay isang anagram sa mga salitang "My Salai". Ayon sa isa pa, ang La Gioconda ay isang self-portrait ng artista sa isang babaeng kilos.

Ang ilaw, bahagyang nakakaunawa na ngiti ni Gioconda ay itinuturing din na isang misteryo. May nakakita sa coquetry sa kanya, isang tao - kagalakan, at isang tao - nakatagong kalungkutan. Mayroong kahit isang bersyon na ang kakaibang ekspresyon sa mukha ni Mona Lisa ay dahil sa kawalan ng kanyang mga ngipin sa harap. Gayunpaman, ang ganitong malapit na pansin sa ngiti ni Mona Lisa ay binabayaran lamang sa gitna ng ika-19 na siglo. Makatang Pranses Théophile Gaultier isinulat na ang ngiti ng Mona Lisa ay ang pangunahing sandata ng isang babaeng bampira, na mapanganib na mahulog sa pag-ibig, ngunit imposibleng hindi mahulog sa pag-ibig. Sinabi nila na pagkatapos nito, maraming mga sekular na coquette ang sumubok na kopyahin ang ekspresyong pangmukha.

Ngunit ang misteryosong si Mona Lisa ay hindi lamang ngiti. Ang mga mananaliksik ay patuloy na nakakahanap ng mga bagong mahiwagang simbolo sa pagpipinta ni da Vinci. Halimbawa, kung titingnan mo ang mga mata ni Mona Lisa sa ilalim ng isang mikroskopyo, maaari kang makakita ng mga titik at numero na bahagyang nakikilala, ang kanilang mga palatandaan ay nakatago sa tanawin sa background. Kaya maraming mga misteryo sa pagpipinta ni da Vinci. O baka ang mga mananaliksik mismo ay dumating sa mga bugtong na ito. Ganito ang kapalaran ng mahusay na mga gawa ng sining: nais ng isa na ma-mitolohiya sa kanila.

"Paglikha ng Adan" ni Michelangelo

Ang fresco na "Paglikha ng Adan" ay isa sa mga pinakatanyag na gawa Michelangelo... Ang unang tao at ang Lumikha ay nag-unat ng kanilang mga kamay, ngunit huwag makipag-ugnay sa bawat isa. Kaya, ang banal at ang tao ay maaaring lumapit, ngunit hindi hawakan.

Ilang siglo matapos ang paglikha ng larawan, nakita ng mga anatomista sa pigura ng Diyos, ang kanyang pulang kapa at ang mga anghel na nakapaligid sa kanya, isang medyo tumpak na imahe ng utak ng tao. Marahil si Michelangelo, na lihim na nag-aral ng anatomya, na espesyal na naka-encode ng tulad ng isang simbolo, alinsunod sa kung saan ang banal na regalo sa tao ay hindi ang kaluluwa, ngunit ang isip. Natagpuan ng mga mananaliksik ang isa pang nakatagong balangkas ng utak at gulugod sa isa pang fresco. Gayundin, sa pamamagitan ng paraan, na naglalarawan sa Diyos.

Ang Cafe Terrace sa Gabi ni Vincent van Gogh

Ang "Cafe Terrace sa Gabi" ay isang napakagandang larawan sa atmospera. Ang isang kalye ng gabi ng lungsod ng lungsod (ito ay French Arles), isang cobblestone pavement, isang starry sky, isang cafe terrace na puno ng dilaw na ilaw. Gusto ko lang sumali sa mga bisita at uminom ng kape, huminga sa hangin ng lungsod ng gabi.

Ngunit, marahil, ang larawang ito ay mas kumplikado kaysa sa unang tingin. Ang mananaliksik na si Jared Baxter ay natagpuan dito ay tumutukoy sa sikat na canvas Leonardo da Vinci "Ang huling Hapunan". Pansinin kung gaano kakaiba ang hitsura ng weyter: may mahabang buhok, sa isang puting tunika sa sahig. Napapaligiran siya ng labindalawang bisita (o marahil mga apostol?) At ang isa sa kanila ay nakatayo sa pintuan at, tila, ay nagbabalak na umalis. Hindi ba iyan si Judas? At ang crossbar ng window sa likod ng likuran ng waiter ay bumubuo ng isang krus.

Ang Scream, Edvard Munch

Isa sa mga pinakatanyag na kuwadro sa kasaysayan ng sining, at sa parehong oras ang isa sa mga pinaka kakatakot. Edvard Munchsinabi kung paano ang imahe na inilalarawan sa larawan ay dumating sa kanya: "Naglalakad ako sa landas kasama ang dalawang magkakaibigan, naglalagay ang araw, biglang naging pula ang kalangitan ng dugo. Napatigil ako, nakaramdam ng pagod, at sumandal sa bakod. mala-bughaw-itim na fjord at ng lungsod. Ang aking mga kaibigan ay nagpatuloy, at ako ay tumayo, nanginginig sa tuwa, nakakaramdam ng isang walang katapusang sigaw na tumusok sa likas na katangian. "

Sinubukan ng artista na maiparating ang kanyang damdamin sa maraming mga kuwadro na gawa: "Pagkawalang-pag-asa" (1882 at 1884), "Pagkabalisa" (1894) at, sa wakas, "Scream". Sa bawat bagong bersyon, ang pigura ng bayani ay nagiging mas malabo at walang kibo. Ngunit ipinagbigay-alam niya ang pakiramdam ng kakila-kilabot. Isinasaalang-alang ng isang tao ang gawaing ito na isang makahulang pagtingin sa darating na siglo ng XX kasama ang mga digmaan at pagdurusa. May mga alingawngaw din na ang pintura ay sinumpa at sinisira ang buhay ng bawat tao na makukuha nito.

"Natalo ng Demon", Mikhail Vrubel

Vrubel madalas na tinutukoy ang imahe ng isang demonyo sa kanyang mga kuwadro na gawa. Ngunit hindi niya siya itinuring na sagisag ng madilim o masasamang pwersa. "Ang isang demonyo ay hindi gaanong masamang espiritu bilang isang nagdurusa at malungkot na espiritu, kasama ang lahat ng ito ay isang napakalawak, maharlika na espiritu ..." Malinaw na natagpuan niya ang magkapareho sa pagitan ng kanyang sarili at ang kanyang nagmamadaling bayani at naghihirap na bayani. AT Alexander Blokito ay kung paano siya nagsalita tungkol kay Vrubel: "Siya mismo ay isang demonyo, isang nahulog na magagandang anghel, kung kanino ang mundo ay walang katapusang kagalakan at walang katapusang pagdurusa."

Ang pagpipinta na "Demon Defeated" ay tinatawag na "isang larawan sa sarili ng kaluluwa ni Vrubel." Pintura niya ito sa panahon ng mahihirap na karanasan. Kahit na ang pagpipinta ay natapos at ipinadala sa eksibisyon na "World of Art", si Vrubel ay hindi makapagpaalam sa kanya. Araw-araw ay pumupunta siya sa eksibisyon at nagpatuloy na gumawa ng mga pagbabago sa imahe ng demonyo. Siya ay naging nakakatakot ngayon, pagkatapos ay malungkot at walang magawa. Sa huli, napansin ng mga kamag-anak ang progresibong sakit sa pag-iisip ng artist. Ang demonyo, na minamahal ni Vrubel, ay pinalayas pa rin siyang baliw.

Katya Kozhevnikova , iledebeaute.ru

Orihinal na post at komento sa

2005), ito ay tungkol sa mga gawa kung saan, bilang karagdagan sa pangunahing balangkas, mayroong isa pa - nakatago. Nagpapakita ito ng sarili kapag lumapit ka sa larawan, lumayo mula dito, o tumingin sa isang tiyak na anggulo. Ngayon ay malalaman mo ang tungkol sa pinaka-makatotohanang mga kuwadro, na kung gayon ay tinatawag ding "trompe l'anil", tungkol sa mga multo na silweta, "dvoyevs", "triple", pati na rin ang tungkol sa isang bihirang uri ng mga icon.

G. Teplov. Masikip pa rin ang buhay. 1737 taon. Estado ng Hermitage Museum, St. Petersburg.

P. Drozhdin. "Larawan ng artist A. Antropov kasama ang kanyang anak sa harap ng larawan ng kanyang asawa". Ang taon ay 1776. Russian Museum, St. Petersburg.

R. Magritte. "Isang tao maraming". 1933 taon. National Gallery of Art, Washington.

Hindi kilalang artista. "Mga liryo ng Pransya" (anim na silweta ng pamilya Bourbon). 1815 taon.

O. Kanyu. "Koponan ng mga violets (silhouette ng Bonaparte, kanyang asawa at anak na lalaki)". 1815 taon. Ang pamagat ng pagpipinta ay naglalaman ng isang paalala na sinimulan ni Napoleon ang kanyang serbisyo sa militar na may ranggo ng korporal.

S. Del Prete. "Ang Lihim Sa pagitan ng Mga Dahon ng Autumn". 1991 taon. Gallery sa Bern, Switzerland.

V. Bregeda. "Propesiya". 1994 taon.

N. Zamyatina. "Mga Pangarap ng Greece". 2004 taon.

Mga Salita - "dvoevzory": pating - crooks, murmurs - huwag purr, ang mundo - Moscow State University, matibay - tumpak. May-akda - Olga at Sergey Fedin.

Post card. "Ang aking asawa at ang aking biyenan". Ang simula ng ikadalawampu siglo. Russia.

J. Botvinik. "Asawa ko at biyenan ko." Unang kalahati ng ikadalawampu siglo. USA.

G. Fischer. "Nanay, Tatay at Anak na babae". 1968 taon. USA.

S. Orlov. "Isang Rose para sa Dalawang". 2004 taon. Moscow.

S. Dali. "Nawawalang bust ng Voltaire". 1940 taon. Dali Museum, St. Petersburg, USA.

Dalawang kuwadro na gawa ni Salvador Dali: sa kaliwa - "Ang ulo ng isang babae sa anyo ng isang labanan". 1936 taon; sa kanan - "Spain". Ang taon ay 1938.

V. Koval. "Kovalland (self-portrait ng artist)". 1994 taon.

Ang triple icon na "Deesis ranggo". XIX na siglo. Russia.

Agham at Buhay // Mga guhit

Icon na may mga mukha nina Jesus at Mary Magdalene. Unang kalahati ng ika-17 siglo. Melheim, Alemanya.

Larawan ng Alexander III kasama ang kanyang asawa at anak na lalaki. Pagtatapos ng ika-19 na siglo. Church Museum sa Church of St. Mitrofan ng Voronezh, Moscow.

Gabrielle von Max. "Panyo ni St Veronica". 1870s. Alemanya.

"Tagapagligtas Hindi Ginawa ng Mga Kamay". Larawan ng 1970 mula sa isang pagpipinta ng isang hindi kilalang artista, Russia.

TUNAY NA KATOTOHANAN

Dalawang artista ang nagtalo - Zeuxis at Parrasius: alin sa kanila ang mas mahusay. Ang Zeuxis ay gumuhit ng isang bungkos ng mga ubas at inilagay ang larawan malapit sa bukas na bintana. Ang mga ibon na lumilipad sa pamamagitan ng nakita ang mga ubas, naupo at sinubukan na maipinta ang mga ipininta na berry. Ito ay ang pagliko ni Parrasia. "Kaya saan ang iyong trabaho?" - "Doon, sa likod ng kurtina." Pumunta si Zeuxis sa kurtina at sinubukang hilahin ito. At siya ay naging out na iguguhit. Ang alamat ay ipinanganak sa Ancient Greece, mga 500 BC

Ito ay mas totoo kaysa sa tila sa unang tingin. Ang katotohanan ay ang maraming mga ibon ay walang stereoscopic vision, dahil ang kanilang mga mata ay matatagpuan sa magkabilang panig ng ulo. Ang nakikita ng isang mata ay hindi nakikita sa iba. Dahil sa kakulangan ng isang karaniwang larangan ng pananaw, ang utak ay hindi maaaring bumuo ng isang volumetric na imahe. At alam ng mga nakaranas ng mangangaso na ang isang primitive, hindi naka-modelo na modelo ng isang pato ay umaakit sa isang lumalagong drake na hindi mas masahol kaysa sa isang live na decoy bird.

Para sa amin sa alamat ng Griego, mahalaga na ang larawan ay hindi linlangin ang mga ibon, kundi ang mata ng master pintor. Ang ika-19 na siglo na Russian artist na si Fyodor Tolstoy ay may mga kuwadro na nagpapahiwatig ng balangkas ng isang sinaunang alamat ng Griego. Sa isa sa kanila may buhay pa, "natakpan" na may isang sheet ng tracing paper. Ang isang sulok ay baluktot. At ang bahaging ito ng buhay na buhay ay mukhang lubos na maaasahan na kusang-loob mong naramdaman ang pagnanais na ilipat ang papel na nakamasid sa ibaba upang makita ang buong imahe. Ang mga larawan ng ganitong uri ay tinawag na "trompe l maeil", bagaman ito marahil ang pinaka-totoo sa lahat ng mga genre ng pagpipinta.

Ang paglitaw ng ganitong uri ng mga kuwadro na gawa ay posible lamang pagkatapos ng pag-imbento ng pananaw, chiaroscuro at ... mga pintura ng langis. Ang mga resipe para sa kanilang paghahanda ay matatagpuan sa mga libro ng ika-X siglo. Ngunit sa simula pa lamang ng ika-15 siglo, napabuti ng artist ng Dutch na si Jan van Eyck (1390-1441) ang teknolohiya ng paggawa ng mga pintura nang labis na siya ay madalas na tinawag na imbentor ng diskarte sa pagpipinta ng langis. Siya ang unang nag-apply nito sa isang bagong paraan, na nag-aaplay ng mga manipis na transparent na layer ng mga pintura ng isa sa tuktok ng iba pa, nakakamit ang pambihirang lalim at kayamanan ng kulay, pati na rin ang kahusayan ng cut-off at mga transisyon ng kulay. Matapos si Jan van Eyck, nakamit ng mga artista ang isang imahe na madaling malito sa orihinal.

Ang nagtatag ng uri ng trickery sa Russia ay Grigory Teplov, artist, makata, musikero, pilosopo, estadista ng ika-18 siglo. Ang isa sa kanyang mga gawa ay nasa nakaraang pahina. Nakakalungkot na ang mga muling paggawa ng trickery sa mga magasin at libro ay hindi maiparating ang pakiramdam na lilitaw kapag tinitingnan ang orihinal. Sa pamamagitan ng paraan, na ang dahilan kung bakit bihira kang makakita ng trickery sa mga art book. Ito ay higit sa lahat dahil sa pagkakaiba-iba ng laki sa pagitan ng pagpipinta at ang naka-print na pagpaparami nito, pati na rin ang katotohanan na ang ninanais na epekto ay karaniwang nangyayari depende sa distansya sa pagitan ng imahe at ng manonood.

May isa pang uri ng panlilinlang. Sa Russian Museum sa St. Petersburg, halimbawa, mayroong isang pagpipinta ni Pyotr Drozhdin, isang artista ng ika-18 siglo. Dito, inilalarawan ng may-akda ang pamilya ng kanyang guro, ang artist na Antropov. Sa pagtingin ng mabuti, napansin mo na ang ama at anak na lalaki ay hindi nakatayo sa tabi ng kanyang asawa at ina, ngunit sa kanyang larawan. Ang gilid ng easel, na sa una ay tila isang ilaw sa pagbubukas sa dingding, ay naghihiwalay sa mga nakatayo mula sa imahe.

Ginamit din ng Belgian artist ng XX siglo na si Rene Magritte ang diskarteng may "easels". Ang kanilang mga gilid ay halos hindi nakikita, at ang mga guhit na hindi kilalang ipinapasa sa pangunahing balangkas ng larawan, na pinagsama. Sa isang tanawin - ang kagubatan, nagsisimula sa labas ng bintana, ay nagpapatuloy sa pintura ng pintura, sa iba pa - ang dagat mula sa easel ay dumadaloy sa "tunay" na dagat.

Si Magritte ay isang master ng mga paradok na kuwadro. Sa isang canvas, pinagsama niya ang mga bagay at phenomena na hindi katugma sa buhay; halimbawa, ang pang-araw na kalangitan at isang bahay na nakalubog sa kadiliman ng gabi, o isang taong nakatingin sa salamin sa harap niya, nakikita lamang ito sa kanyang sariling likuran ng ulo. Ginamit din niya ang prinsipyo ng kabalintunaan sa mga pangalan ng mga kuwadro na gawa. Nang, sa pamamagitan ng sariling pagpasok ng artist, kulang siya ng imahinasyon, nagtipon siya ng mga kaibigan at humingi ng tulong sa paghahanap ng pangalan. Ang isang tanawin na may isang easel, halimbawa, ay tinatawag na "The Lot of Man".

GHOST SILHOUETTES

Mayroong isang espesyal na diskarte para sa paglikha ng isang likas na imahe: kapag ginagamit ng mga artista ang mga balangkas ng mga ipininta na mga bagay. Sa kauna-unahang pagkakataon, ang mga kuwadro na may "nakatagong mga silweta" ay lumitaw, tila, sa medieval France. Siyempre, ang kanilang pangunahing mga character ay, mga hari. Ang katotohanan na ang liryo ay isang simbolo ng dinastiya ng Bourbon ay kilala sa amin, kahit na mula sa mga costume ng pangunahing karakter mula sa mga pelikula batay sa nobelang "The Three Musketeers" ni Alexandre Dumas. Dalawang daang taon na ang nakalilipas, nang magpinta ng mga bouquets ng royal lilies, binago ng mga artista ang mga bends ng mga tangkay, mga contour ng mga dahon at petals sa mga mukha ng tao. Kapag nahulaan mo ang lihim, ang palumpon ay lumiliko sa isang larawan ng pamilya ng hari. Matapos mabagsak ang dinastiya ng Bourbon, sinimulan ng pintor ang Emperor Napoleon kasama ang kanyang asawa at anak na lalaki. Ngunit mahal ni Josephine ang mga violets, kaya pinalitan nila ang mga liryo.

Sa nakalipas na mga siglo, ang mga artista, siyempre, ay nagpalawak ng saklaw ng naturang mga gawa. Ang isang halimbawa ay isang larawan kung saan mo unang nakita ang maraming mga tuyong dahon na lumilipad sa hangin. Mayroon ding isang piraso ng papel na ipininta sa canvas na may isang inskripsyon sa Pranses: "Isang panaginip na dinala ng hangin at oras." Karaniwan, ang mga artista ay hindi nagsusulat ng pangalan ng isang pagpipinta sa mukha ng isang pagpipinta. Dito sa ibabang kaliwang sulok ng canvas ay nakasulat sa Aleman: "Ang Lihim Sa pagitan ng Mga Dahon ng Autumn". Ito ay hindi lamang ang pangalan ng pagpipinta, kundi pati na rin ang susi na naghahayag ng ideya ng artist - Sandro Del Prete. Ang kanyang pangalan ay kilala sa buong mundo ngayon. At nagsimula siya bilang isang amateur (ipinapaalam ko ito lalo na para sa mga kalahok sa kumpetisyon ng misteryosong mga kuwadro) Sa kanyang kabataan, pinag-aralan ni Del Prete ang pagguhit sa loob lamang ng anim na buwan, hanggang sa edad na 44 na hindi niya itinuring ang kanyang sarili na isang propesyonal na artista at nagtrabaho para sa isang kumpanya ng seguro sa kanyang katutubong Swiss city of Bern, kung saan siya ay nabubuhay pa.

Sa isang pagpipinta ng artist ng Taganrog na si Viktor Bregeda, na naakit din ng diskarteng ito, ang mga numero ng pagluhod ay yumuko sa panalangin laban sa likuran ng isang nasirang tanawin ng bundok. Ito ay bahagi lamang ng isang balangkas na nakikita mo kaagad, ngunit ang pamagat - "Propesiya" - ay nagmumungkahi na ang pangunahing nilalaman ay hindi masyadong halata at hindi pa inihayag. Hindi nakikita sa unang sandali, sa larawan ay may mga bago na nakayuko ang mga peregrino: Diyos na Ama, Diyos na Anak at may pakpak na magkakabayo - isang anghel na nagmula sa langit.

Ang pagpipinta na "Mga Pangarap ng Greece" ng isang Muscovite Natalya Zamyatina ay mukhang isang ordinaryong buhay pa rin na may plorera na plorera at prutas. Tila na ang pamagat ay hindi lubos na tumutugma sa imahe. Ngunit mas maingat na tingnan ang drapery. Ano ang ginagawa ng mga fold ng tela at mga contour ng plorera itago (o ibunyag)?

DOUBLES

Ang term na nagbigay ng pangalan sa seksyon ng artikulo ay naimbento ng manunulat at may-akda ng maraming mga publikasyon sa journal na "Science and Life" Sergei Fedin. Tumawag siya ng mga teksto na maaaring mabasa sa dalawang paraan bilang dalawang-view. Kunin ang salitang "pating" halimbawa. Ang unang dalawang titik na "ak" ay maaaring isulat bilang isang titik "g". At ang "s" ay madaling mailarawan katulad ng "s". Ang pag-iwan ng mga titik sa gitna ay hindi nagbabago, nakakakuha kami ng isang salita na madaling mabasa sa dalawang paraan: "mga pating" at "mga crooks". Maraming mga halimbawa ng naturang mga inskripsyon ang ibinibigay dito.

Ang salitang "dvoevzory" ay tumutugma sa Ingles na "ambigram" - dalawahan. Inilarawan dito ang tungkol sa pandiwang dobleng tingin dahil mas madaling maunawaan ang pang-unawa ng dalawahan na mga imahe sa pagpipinta gamit ang kanilang halimbawa.

Ano ang hinahanap namin, ilipat ang aming tingin sa mga linya ng dalawahang pangitain? Ang ilang mga pamilyar na sulat. Ang parehong bagay ay nangyayari sa mga larawan. Ang utak ay naghahanap para sa mga pamilyar na mga imahe na nasa memorya, na ganap na naiiba sa imbakan ng mga litrato. Ang memorya ay isang uri ng "encoder" na kumukuha ng mga katangian ng isang imahe, halimbawa, ang pagkakaroon ng tuwid at hubog na mga seksyon ng mga linya, mga hangganan ng mga pagbabago sa ningning, kulay, at iba pa.

Naghahanap nang mas malapit sa mga dobleng view, nakita namin ang mga titik na hindi namin napansin sa una, at idinagdag namin ang pangalawang salita mula sa kanila. Ang parehong bagay ay nangyayari sa nakatagong imahe.

Sa ngayon, walang nakarating sa salitang "three-eyes", iyon ay, ang imahe ng tatlong salita ng iba't ibang kahulugan sa isang entry. Kung nagtagumpay ka, siguraduhing isumite ang iyong gawain sa Kompetisyon ng Mahiwagang Pagpipinta. Ngunit ang kaakit-akit na mga Trojan ay nilikha na, at sasabihin namin ang tungkol sa kanila.

DALAWANG-FACED AT IKATLONG-FACED PAINTING

Sa nakaraang isyu ng magasin sa artikulong "Invisible-Visible" ay nakita mo ang isang imahe ng ulo ng isang babae, na mukhang bata man o matanda, depende sa posisyon ng larawan. Ngayon makilala natin ang isang larawan na hindi kailangang i-on. Sa tanong na: "Ang isang bata ba o matandang babae ay inilalarawan dito?" - iba't ibang tao ang nagbibigay ng kabaligtaran na mga sagot. Sinasabi ng ilan - isang batang babae, ang iba pa - isang matandang babae. Ang larawan ay naging isang klasikong matagal na. Ngunit para sa mga unang nakakita sa kanya, sa bawat oras na kailangan nilang ipaliwanag kung paano makita ang pangalawang imahe: "Ang mata ng babae ay tainga ng batang babae, at ang ilong ay ang hugis-itlog ng batang mukha." Ayon sa mga physiologist, ang manonood, sinusuri ang larawan, binabayaran ang karamihan sa mga mata at ilong. Samakatuwid, ang unang impression ay karaniwang nakasalalay sa kung aling bahagi ng larawan ang iyong mga mata ay nahulog sa unang instant. Matapos ang isang maliit na kasanayan, maaari mong malaman na mag-order ng sinumang nais mong makita.

Sa mga tuntunin ng bilang ng mga pahayagan sa mga libro at magasin, ang balangkas na may isang bata at isang matandang babae ay nangunguna sa lahat ng iba pang mga larawan ng ilusyon. Ang may-akda ay kung minsan ay tinawag na Amerikanong cartoonist na si W. Hill, na naglathala ng akda noong 1915 sa magazine na "Pak" (isinalin sa Russian "Puck" - isang elf, isang diwata na diwata). Minsan ang imahe ay naiugnay sa psychiatrist E. Boring, na ginamit ang larawan noong 1930s bilang isang paglalarawan para sa kanyang trabaho. Sa milieuang pang-akademiko, ang "Dalawang Babae" ay tinatawag ding "Boring figure". Sa katunayan, bumalik sa mga unang taon ng ika-20 siglo, isang postkard na may parehong larawan at inskripsyon: "Ang aking asawa at ang aking biyenan" ay inisyu sa Russia. Ang prototype para dito ay isang postkard ng Aleman ng 1880 (hindi kilala ng may-akda).

Ang larawan ng dalawang mga kababaihan ay regular na nai-reproduces sa mga libro ng sikolohiya. Ngunit hanggang ngayon, nananatiling hindi alam kung paano nakikita ng isipan ang dalawampung mga imahe. Patuloy lamang na binuo ng mga artista ang kilalang pamamaraan. Sa unang kalahati ng ika-20 siglo, isang katulad na larawan ng isang matatanda at isang binata ang lumitaw. Pagkatapos, noong 1968, ang artist na si G. Fischer ay gumawa ng isang bagong hairstyle para sa parehong mga kababaihan at nakakuha ng isang pangatlong karakter. Sa katunayan, idinagdag niya lamang ang isang elemento, at ang larawan ay nagsimulang tawaging "Ina, Tatay at Anak na babae". Ang buhok ng kababaihan ay nabago sa profile ng isang lalaki, na nagdadala ng tatlong tao sa larawan.

Sa isang modernong pagpipinta ng artist ng Moscow na si Sergei Orlov (tingnan sa p. 132), hindi lamang ang dalawang magkakaibang mga mukha, kundi pati na rin ang dalawang babaeng figure na kabilang sa isang batang babae at isang matandang babae. Isang matandang ginang ang nakatingin sa isang bulaklak sa kanyang kamay. Umupo ang dalaga sa kanyang likuran sa amin, itinuwid ang kanyang buhok at tumalikod sa kaliwa.

Ang mga gawa ni Sergei Orlov, Victor Bregeda at iba pang mga artista na nagtatrabaho sa paraang ito ay makikita sa Internet. Mayroong isang espesyal na proyekto na "Duality" http://hiero.ru/project/Dubl ng site na "Hieroglyph", kung saan ipinakita ng mga may-akda ang kanilang mga gawa para sa talakayan.

Hindi isang solong libro tungkol sa mga hindi kilalang mga kuwadro na kumpleto nang walang kwento tungkol sa gawain ng Spaniard Salvador Dali. 300 taon pagkaraan ni Arcimboldo, binuhay niya ang direksyon ng mga hindi maipakitang kuwadro.

Sa unang larawan, nakikita ng manonood ang dalawang mayaman na kababaihan. Ang tao sa turban ang nangunguna sa kanila sa gallery. Binago ng artista ang eksenang ito sa isang pangalawang balangkas. Mula sa arko ng gallery, ang tabas ng ulo ng tao ay nabuo - isang imahe ng isang eskultura na eskrima ng Pranses na pilosopo na si Voltaire ni Houdon.

Ang balangkas na may Voltaire ay nangyayari nang paulit-ulit sa mga gawa ni Dali. Dalawang beses din na ginamit niya ang balangkas ng pagpipinta na "Ang ulo ng isang babae sa anyo ng isang labanan" (tuktok sa kaliwa), kung saan ang mga figure ng mga malalakas na mangangabayo at mga tao na nagmamadali sa isang dilaw na bukid na nakatiklop sa mukha ng isang babae. Ngunit pagkatapos ay "Ang ulo ng isang babae sa anyo ng isang labanan" ay pumasok bilang isang detalye ng isa pang canvas: "Spain". Ang katotohanang ito ay nagpapatotoo kung gaano kahirap ang makahanap ng bago, orihinal na solusyon para sa isang dalawang mukha na larawan.

Kung ako ang naging tagapag-ayos ng isang eksibisyon ng pinakamahusay na dalawahang kuwadro, pagkatapos ay sa tabi ng mga gawa ni Dali ay ilalagay ko ang mga pintura ng kontemporaryong Volgograd artist na si Vladislav Koval. At tiyak - "The Stalingrad Madonna", kung saan ang imahe ng isang babae na may isang sanggol sa kanyang mga bisig ay pinagtagpi mula sa mga sanga ng birch. Sa canvas na "Decommissioning to the Shore", ang malayong mga bangin sa baybayin na nakikita sa abot-tanaw ay nagiging isang malungkot, nakalulula na pigura ng isang marino. Sa pagpipinta na "Icarus" ang kanyang bayani ay nakikita alinman sa paglipad o pagbagsak. Sa susunod na canvas, ang isang kawal na nagyeyelo na nakabalot sa isang cape-tent ay nagiging isang madonna na may anak. Sa akdang "Pyramid" V. Koval, sa kauna-unahang pagkakataon sa kasaysayan ng sining, pinagsama ang maraming dalwang mga imahe sa isang mahalagang bahagi ng sining. At ginamit niya halos lahat ng mga diskarte sa pagpipinta na aking inilarawan. Dito at ang pagtatayo ng mga bagong larawan mula sa mga detalye ng tanawin, at mga kuwadro na gawa, ang nilalaman ng kung saan ay nakasalalay sa anggulo ng view o distansya. Ngayon ang Koval ay isa sa mga pinakasikat na artista sa Russia. Ang kanyang katanyagan ay may isang kawili-wiling pagsisimula. Habang nag-aaral sa Moscow, nagpadala siya ng mga liham sa kanyang mga kamag-anak sa Volgograd at hindi nakadikit ang mga selyo sa mga sobre, ngunit ipininta. Ang lahat ng nagpadala ng mga sulat naabot ang mga addressees nang walang karagdagang bayad. Nang ipahayag ng mamamahayag ang isang kumpetisyon para sa mga artista, ang mag-aaral na si Vladislav Koval ay nagdala ng isang packet ng mga sobre sa mga nag-aayos. At siya ang naging panalo, ang bunso sa mga kalahok.

Mga UNONUAL ICON

Ang mga halimbawa ng misteryosong mga kuwadro ay matatagpuan kahit na sa isang mahigpit at kanonikal na anyo ng sining bilang mga icon. Ang isang icon na "Jesus sa piitan" ay isang beses dinala sa Museum of Old Russian Art sa Moscow. Sa harap nito ay inilalarawan si Jesus na may mga gapos sa kanyang mga paa, at sa paligid - ang mga instrumento ng Passion, iyon ay, pahirap. Ang bawat isa ay may pangalan sa tabi nito. Batay sa mga kakaiba ng pagbaybay ng mga salita, tinukoy ng mga kritiko ng sining na ang may-akda ay isang Lumang Maniniwala. Ang hindi pangkaraniwang tampok ng icon ay ang imahe ay na-cross sa pamamagitan ng makitid na mga guhitan na guhitan. Iminumungkahi na ang mga ito ay mga bakas mula sa lattice na minsan ay sumaklaw sa imahe ni Cristo. Gayunpaman, ang solusyon sa madilim na guhitan ay naging mas kawili-wili, at kabilang ito sa pinuno ng icon ng pagpipinta ng pagpipinta na "Canon", kritiko ng sining at artist na si Alexander Renzhin.

Ito ay lumiliko na ang icon sa sandaling naglalaman ng hindi isa, ngunit tatlong mga imahe. Ang mga guhitan ay walang iba kundi ang mga bakas mula sa mga vertical plate na nakadikit sa frame ng icon (oklad). Malapit silang sumunod sa ibabaw nito at sa gayon iniwan ang mga bakas. Sa magkabilang panig ng bawat plato ay ipininta (kaugalian na sabihin - nakasulat) na mga bahagi ng dalawa pang mga icon. Nakatayo sa tapat ng icon, maaari mong makita ang isang imahe, lumipat sa kaliwa - isa pa, sa kanan - isang pangatlo. Ang mga plate ng icon ay nawala, ngunit pinamamahalaang ni Renzhin na eksaktong eksaktong pareho ng buong icon. Napag-isipan na ang mga bahagi ng mga imahe ng Ina ng Diyos at si Juan Bautista ay isinulat sa 12 plate sa magkabilang panig. Kapag tiningnan mo ang icon mula sa gilid, ang mga bahagi ng imahe ay pinagsama sa isang solong.

Sa mga kamalig ng Museum of the History of Religionions sa St. Petersburg, ang mga icon ng ganitong uri ay pinananatiling, ngunit may ibang balangkas. Sa isa sa mga ito sa harapan ay isang kalapati, isang simbolo ng Banal na Espiritu. Ngunit sa sandaling lumipat ka sa kanan, ang imahe ng Diyos na ama ay lumilitaw, sa kaliwa - ang mukha ng Diyos na anak. Mahirap para sa isang modernong manonood, na nasira ng mga magaan na epekto, na isipin ang lakas ng impresyon ng tatlong beses na mga icon sa mga naniniwala noong nakaraang mga siglo, at maging sa takip-silim ng simbahan, na sinindihan lamang ng mga kandila. Bilang karagdagan, sa siglo ng XX, isang katulad na pamamaraan ang ginamit sa advertising, at samakatuwid nawala ang hindi pangkaraniwan nito.

May mga icon, ang ibabaw ng kung saan ay hindi flat, ngunit profile, na may mga vertical na grooves ng isang tatsulok na seksyon. Sa isang gilid ng bawat uka ay may isang imahe na nakikita sa kaliwa, at sa kabilang - nakita sa kanan. Kapag tumingin ka mula sa harap, nakakita ka ng isang "halo" ng dalawang mga imahe. Samakatuwid, sa simbahan, isang malaking kandelero ang inilagay sa harap ng tulad ng isang icon upang makita lamang ito mula sa dalawang panig.

May isang museo sa simbahan sa Church of St. Mitrofan ng Voronezh sa Moscow sa ika-2 Khutorskaya Street. Doon, bukod sa iba pang mga kagiliw-giliw na mga eksibit, maaari kang makakita ng isang triple na imahe. Hindi ito isang icon, ngunit isang larawan ng maharlikang pamilya. Nakatayo sa harap ng larawan, nakita mo si Emperor Alexander III. Ilipat sa kanan - lumilitaw ang imahe ng Empress Maria Feodorovna. Ang tagapakinig sa kaliwa ay nakikita ang batang tagapagmana, ang hinaharap na Emperor Nicholas II. Ang isang nakakaganyak na tampok ng imahe ay nakatulong upang maitaguyod ang oras ng paglikha nito. Isang madugong mantsa ang makikita sa tamang templo ni Nikolai. Ito ang trail ng isang Japanese sword. Noong 1890-1891, ang tagapagmana ay naglalakbay sa buong mundo, at isang pagtatangka ang ginawa sa kanyang buhay sa Japan. Isang pulis na Hapon ang tumama kay Nikolai gamit ang isang tabak, ngunit ang batang tagapagmana ay naligaw at nakatanggap lamang ng isang maliit na sugat. Ang nag-aatake ay walang oras upang hampasin sa pangalawang pagkakataon, siya ay natumba, ngunit hindi sa mga nag-host na natanggap ang kilalang panauhin, ngunit ang prinsipe na Greek na si George na sumama kay Nicholas.

ANG LEGEND NG SA VERONICA

Noong 1879 isang eksibisyon ng mga artist ng Aleman ang ginanap sa St. Ang isa sa kanila, si Gabriel von Max, ay nagpakita ng pagpipinta ng "St Veronica's Handkerchief" na naglalarawan ng isang piraso ng magaspang na canvas na ipinako sa dingding na may mukha ni Kristo sa gitna. Ang kakaiba ng larawan ay maaaring makita ng madla ang mga mata ng Tagapagligtas o sarado man o buksan. Ang mga pahayagan ng panahong iyon ay sumulat na ang mga organisador ay kailangang maglagay ng mga upuan sa bulwagan, habang ang ilan sa mga batang babae ay nanghihina, na nagsasabi: "Siya ay naghahanap! Nakatingin siya!"

Siyempre, ang mahiwagang larawan ay nakakaakit ng atensyon ng mga artist ng metropolitan na nagsisikap na malutas ang lihim, at ang artist na si Ivan Kramskoy ay sumulat ng isang artikulo tungkol dito para sa magazine na Novoye Vremya, kung saan ipinahayag niya ang pamamaraan na kung saan nakamit ng may-akda ng Aleman ang nais na epekto.

Ang alamat ng St. Veronica ay kumalat sa buong Europa noong Gitnang Panahon. Nang maglaon ay naging opisyal na Tradisyon ng Simbahan, iyon ay, kinikilala bilang totoo tulad ng naitala sa Ebanghelyo. Nang pinangunahan si Jesucristo sa Bundok Golgotha \u200b\u200bupang maipako doon, isang babaeng mahabagin na nagngangalang Veronica ang nagpahid ng pawis mula sa kanyang mukha gamit ang isang panyo. Kasabay nito, ang mukha ng Tagapagligtas sa isang korona ng mga tinik ay mahimalang naipinta sa bandana. Ang tradisyon ay nabuo ang batayan ng icon ng Orthodox na "Tagapagligtas Hindi Ginawa ng Mga Kamay". Para sa amin, mga nonspesyalista, ang pinakamadaling paraan upang makilala ang icon na ito ay sa pamamagitan ng imahe ng isang headcarf, kung saan nakasulat ang mukha ni Jesus, bagaman ang headcarf mismo (mas madalas na sinasabi nila na "plate") ay iguguhit sa iba't ibang mga paraan at sa halip ay magkakasundo. Tinatawag ng Western Christian ang imaheng ito na "bandana ng St Veronica."

Mula sa connoisseur ng sining ng Rusya, pari na si Valentin Dronov, narinig ko ang kwento, na binanggit ko dito nang literal: "Dalawa o tatlong beses sa aking buhay kailangan kong makita ang icon ng Tagapagligtas na Hindi Ginawa ng Mga Kamay, na nagpakita ng isang kahanga-hangang pag-aari. ang kalagayan ng pag-iisip ng taong nagdarasal. Kung siya ay kalmado, ang Tagapagligtas ay tila natutulog. Kung siya ay nasa pagkabalisa, bumukas ang kanyang mga mata. " Itago ng Ama Valentine ang isang larawan ng imaheng ito sa bahay, na muling nai-post dito.

Hindi ko pa pinamamahalaang makahanap ng anumang katulad sa aming mga museyo. Ang gabay sa Bethlehem, ang lungsod kung saan, ayon sa alamat, ipinanganak si Cristo, sinasabing ang isa sa mga fresco sa isang haligi sa Church of the Nativity ay may parehong ari-arian: "ang mukha sa icon ay magbubukas at isinasara ang mga mata."

Ang icon, na kung saan ay inilarawan, ay bihirang, samakatuwid ang anumang patotoo sa mga taong nakakita o hindi bababa sa narinig tungkol sa mga nasabing imahe ay mahalaga. Hinihiling namin sa mga mambabasa na ipaalam sa tanggapan ng editoryal ng magasin tungkol dito.